Transcrições
1. Sobre o curso: Olá pessoal e bem-vindos à minha classe sobre erros de design de personagens. Nesta aula, você aprenderá os erros mais comuns que os iniciantes farão em seu design de personagens, bem
como algumas dicas e truques de como superá-los. Durante essas dicas e truques, você verá como eu pego um desenho antigo meu e o melhoro usando as dicas que eu ensino. Mas antes de pular nas dicas, mostrarei minhas versões anteriores gratuitas do mesmo personagem, o que deu errado todas as vezes. Isso ajudará você a analisar sua própria arte e ver o que você não fez naquela época, mas você poderia fazer. Agora. Você pode assistir a este tutorial e desenhar comigo ou você pode assisti-lo primeiro, entender o que estou fazendo e depois se candidatou a si mesmo. Seja qual for a maneira que você escolher, eu definitivamente recomendo que
você mesmo experimente o que estou mostrando. Quanto mais você tentar fazer isso sozinho, melhor você terá todos os dias. Agora, certifique-se de ficar até o final, porque é aí que a maioria das gemas estará. Agora, para sua tarefa, gostaria que você nos mostrasse agora mesmo na seção do projeto qual desenho
antigo seu você deseja melhorar e, em seguida, enviar um projeto diferente com o novo desenho. É importante que, antes de passar para a próxima lição, você pare e procure uma arte antiga que deseja melhorar, enviar e se comprometer a tentar trazer uma melhoria para ela. Eu também gostaria muito se você me seguir no Skillshare, pois
estou postando extensos tutoriais mensais sobre arte digital e procriar. Então, se você não quiser perder nada, clique no botão Seguir. Eu também gostaria de ser mais ativo com meus seguidores e mostrar algumas fotos de progresso para os próximos tutoriais. Discuta com você sobre o que será o próximo e assim por diante. Neste momento, só estou fazendo isso no meu Instagram. Então, se você quiser me seguir, este é o meu controle. Vejo vocês na primeira lição, mas somente depois de postarem seu desenho na seção do projeto. Vejo vocês.
2. Erros comuns: Ei pessoal e bem-vindos à primeira parte desta aula, onde vou dar-lhes algum contexto sobre como aprendi com meus erros todos os anos redesenhando o mesmo personagem. Para aqueles de vocês que não me conhecem. Recebi meu primeiro tablet gráfico com uma tela,
ou seja, o iPad Pro com a tela 10,5 em 2018. Eu também tenho este tablet da Groenlândia anos antes, mas nunca senti arte digital, é verdade. Então, investir em um iPad Pro foi um grande passo para mim e eu estava preocupado que meu dinheiro fosse desperdiçado. Resumindo, no entanto, que o iPad Pro foi o melhor investimento que eu poderia fazer na minha jornada artística. Resolvi continuar desenhando e tentei melhorar a cada novo desenho que fiz. E para fazer isso rápido, usei um dos esboços que tinha em um caderno,
tirei uma foto dele
e usei tirei uma foto dele como base para meu primeiro desenho no meu iPad. Você pode ver esse primeiro desenho no lado superior direito da tela. Agora vamos ver o que há de errado com minha primeira tentativa de ilustração digital. Você pode ver que o fogo que fiz no Procreate é extremamente embaçado e dificilmente parece fogo real. É um tipo de intensidade de linho e a solução é
ir para linhas mais nítidas e forma mais dinâmica. Agora, como minha personagem segura fogo em sua mão, significa
que esta é a principal fonte de luz da ilustração, que significa que todas as minhas sombras devem estar do lado direito da ilustração. Mas neste caso minhas sombras dificilmente podem ser vistas. E embora eu tivesse uma intuição para fazer a luz de laranja sutil em suas roupas e pele. Como minhas sombras são pouco visíveis, as luzes também não estão aparecendo. Este é um grande sinal para iniciantes porque mostra que eu não tinha confiança nas minhas sombras. Então, sem perceber, eu os fiz o mais sutis possível. Mas então um artista experiente sabe que, se você quiser algo para chamar a atenção do espectador, você precisa do contraste que essa ilustração está seriamente faltando. Agora vamos dar outra olhada na fonte de luz. Como a mão está tão perto do fogo, ela deve ser aquela em que a luz refletida do fogo deve ser a mais visível. Mas minha laranja dificilmente é visível na pele, pois tanto a pele a luz laranja são cores realmente claras e não
há cor mais escura para ajudá-las a serem perceptíveis. Agora, em termos de erros de anatomia, o que mais aparece,
para mim, pelo menos, é o rosto, que é muito pequeno em comparação com a cabeça dela. Há outros erros também,
como o tronco, a área do tórax D sobre as proporções do corpo antigo. Se você continuar desenhando ano após ano, a mesma ilustração, você começará a ver mais erros e agirá sobre eles. Mais uma vez. Este é outro exemplo sem contraste. O cabelo que cai de costas dificilmente tem como construí-lo. Então, deve ser muito mais escuro do que aqui. Há muitas áreas semelhantes, como a parte de trás da saia dela também. Falando na parte de trás da saia, esta é uma amostra de mistura demais e nenhuma textura usada. Algo brânquias em que eu deveria focar no futuro. Agora vamos passar para minha representação do personagem mais um ano depois. A versão 2019 me deixou muito orgulhoso, pois tinha um personagem mais maduro, fotos mais dinâmicas e a chama mais dinâmica. Até então, também aprendi a usar mais cores nas minhas sombras e adicionar um pouco mais de contraste a elas. Então, vamos ver onde estão os erros. O primeiro erro aqui é que eu não entendi como usar temperaturas em uma ilustração e tudo estava muito saturado. Saturado significa que as cores são muito brilhantes e
não há contraste na temperatura com cores mais dessaturadas ou suaves. Quando você faz algo assim, os olhos do espectador começarão a doer. Agora também disse que tenho mais contraste, mas ainda não o suficiente em algumas áreas, como você pode ver aqui. anatomia também não está no ponto em todos os aspectos e o nariz parece muito estranho. Como o que eu estava pensando aqui? As sobrancelhas também são muito finas. Eles são como uma linha. Este não é necessariamente um erro, depende do seu estilo. Mas ter linhas em apenas uma cor estava indo contra o que eu estava tentando realizar. Agora, para a última ilustração, a versão 2020 foi feita quando abro minha conta binomial Kofi. E eu queria comemorar isso, verdade ou desenhar isso no seu desafio de estilo no Instagram. Então deixei cair o fogo e escolhi roupas mais casuais. Mais uma vez, meu personagem tem uma camisa. O rosto está melhor, a anatomia é melhor em geral. Vamos ver onde estão os erros. Eu queria mencionar que eu peguei o headspace para mudar a forma como eu estava desenhando sobrancelhas. E provavelmente vou mudá-los novamente até próximo ano porque não estou totalmente feliz com eles. Agora ainda não temos sombras em todos os lugares, como no topo da cabeça, onde as raízes deveriam estar. Também continuo sem textura na roupa e terei que me concentrar nisso. Mais uma vez no trilho sem sombras suficientes debaixo do queixo. E a sombra está realmente errada no ombro é que não respeita a fonte de luz. A mão no copo também não lança sombras, o que é traduzido como não tendo peso suficiente. E isso é sobre isso pelos erros do passado. Vejo você na próxima parte da aula, onde começaremos a discutir dicas. Vejo vocês.
3. Planeje frente: Bem-vindo de volta ao vidro de erro de design do personagem. Então, passamos por cima de alguns erros comuns e ilustração de personagens. Agora é hora do primeiro livro de dia, este copo e isso é planejar com antecedência. O planejamento economizará muito tempo e esforço. Se você não tem ideia do que se gabar de desenhar, salve algumas referências no Pinterest. Se você não sabe como desenhar as mãos, tire uma foto da sua mão na posição que deseja desenhar. E isso é exatamente o que eles fizeram por este. Você deve ter um conceito claro em mente quando começar a crescer. Como quem é o personagem? Seja Beeline, o que grampeou o meu, eles nunca mais, qual é a história deles? O que você está tentando mostrar e assim por diante. Essas são todas as coisas que você precisa pensar. Primeiro, não se esqueça de pensar nas cores que você quer usar e fazer um esboço aproximado disso e ver como é. Sun, falaremos mais sobre forma e estrutura e como usá-los em um design de personagem.
4. Forma e estrutura: Bem-vindo de volta à classe de erros de design de personagens. Nesta lição, falaremos mais sobre forma e estrutura, e mostrarei o progresso da minha ilustração. Então, vamos falar sobre forma e estrutura. O que esses termos significam, afinal? Quando se trata de forma, todos
sabemos que existem três formas que são a base de qualquer design. Círculos, quadrados e triângulos. E cada um deles significa outra coisa. Por exemplo, usar formas redondas sugere que elas sugerem uma natureza lúdica e talvez inocência infantil. Se você usá-los para desenhar bebês ou ajustes, quadrados são mais masculinos e podem ser usados para desenhar torsos realmente volumosos para homens, por exemplo, triângulos refletem perigo. Você pode usá-los para desenhar cláusula, espiga, lanças e assim por diante. Mas sempre que você cria personagens, você não usa apenas uma forma. Você usa uma tez dessa árvore. O que é importante, no entanto, é ter uma forma principal que você deseja ser visível. No meu caso, o cabelo do meu personagem é todo fogo. E isso deve parecer imponente e perigoso. Por isso, tentei usar tantas formas derivadas de triângulos quanto possível. Uma forma secundária no meu design é o círculo, já que minha personagem é realmente muito feminina e seu corpo é curvilíneo. Dependendo do que sua ilustração deve mostrar, você pode usar formas diferentes para enfatizar uma parte específica da ilustração. Por exemplo, na minha versão 2020 dessa personagem, onde ela não tinha fogo, eu usava principalmente formas redondas para mostrar feminilidade e inocência. E agora queremos mostrar mais do site dinâmico de rebanho. Você também pode usar formas, pose do personagem para contribuir com
a personalidade do personagem ou para a composição de sua ilustração. E falar se opõe a isso, acredite nos dois últimos. Outro aspecto importante da sua ilustração, a legibilidade das postagens. Tentou deixar sua postagem clara para ler o mais possível. Nada fazendo emaranhado ou profundo e confunda seu público. Um bom post precisa de uma boa silhueta. Fácil de reconhecer se um sem ver nenhum detalhe. E para o bem, você precisa de uma boa linha de ação em seu desenho. A linha de ação é a linha mais longa do seu post faz com que a que chama sua atenção. No caso das minhas ilustrações, ele começa do topo do cabelo de fogo e desce para o rosto,
peito e continua com o braço que está segurando o fogo. Caso você não tenha tomado notas. Vamos recapitular. O primeiro passo que você precisa dominar é sua compreensão das formas e do que elas sugerem. Exagere suas formas e uma grande dominante para o seu personagem. O segundo passo é a pose, onde você também pode usar suas formas para enviar a mensagem sobre o personagem. Use silhuetas claras para suas poses para que a legibilidade da ilustração seja fácil para o espectador. O terceiro e último passo é ter uma linha de ação clara. É uma ótima ferramenta narrativa que pode trazer à tona a história da sua ilustração. Sem mencionar que seu personagem parecerá muito mais dinâmico se você o concentrar, dando-lhe uma linha de ação. Vou deixar você assistir o resto do meu processo em escala de cinza, onde
marquei as sombras básicas criadas por minhas fontes de luz no meu personagem. Sem pensar muito nas cores, veja. Vejo vocês na próxima lição. Certo. E assim por diante. Certo. Certo. Olá. Certo.
5. Escolha cores: Bem-vindo de volta à minha turma. Nesta lição, continuaremos de onde
paramos e temos nossa escala de cinza virada para uma pedra rosada, o que nos ajudará a ter uma base natural para nossas cores. O que vamos fazer em seguida é colocar nossas cores acima da base rosa usando camadas Multiplicar ou sobrepor. Por que precisamos da base rosa em vez de apenas preencher tudo com cor? o tempo, percebi que ter uma largura de base sombras suaves acelera muito o processo. Em vez de fazer camadas diferentes para cada cor e ajustá-las até que suas temperaturas correspondam umas às outras. Ter uma cor base de tom rosado ou tom avermelhado é semelhante à forma como
os Old Masters estavam envidraçando suas pinturas antes de começar a adicionar o detalhe. O tom vermelho também funciona como o blog abaixo da pele e mistura suas cores parecem lamacentas depois. Dito isto, esta lição é sobre escolhas de
cores e ajudá-las a fazer as certas para sua ilustração. Escolher as cores certas para o design do seu personagem pode fazer ou quebrá-lo completamente. Há algumas coisas que você deve saber sobre a psicologia das cores para saber como você quer que seu personagem seja definido. A respiração é por amor e raiva apaixonados. Laranjas para energia, felicidade e vitalidade. Amarelo é para a felicidade. Espero sentar. Verde para novos começos de natureza ilimitada. Azul para tristeza calma e responsável. Roxo para o mundo da criatividade. A solda. O preto é para mistério, elegância e mal. Criado para mover a informalidade conservadora. Agora, ao usar cores para seus personagens, você também deve ter em mente o quão bem eles vão juntos. Para fazer isso, você pode usar cores complementares, modo que as cores que são opostas umas das outras na roda de cores. Ou você pode usar as cores socráticas. Então, essas cores que estão formando o triângulo na roda de cores. Estas são as combinações de cores mais usadas quando se trata de design de personagens. Mas como você sabe quantas cores você deve usar para que o design não se torne muito difícil para os olhos. Uma regra geral é usar gratuitamente para quatro paradas de cores. De preferência, um deles deve ser não colorido, preto ou branco, ou algo neutro. Se você quiser intensificar seu jogo ainda mais, você pode tentar equilibrar suas cores em uma divisão de 80, 20. que significa que 80% do design do personagem deve ser baseado em uma cor e 20% em uma cor de destaque, que chamaremos a atenção do espectador mais para essa cor. Digamos que seja uma jóia especial ou outros acessórios que o cabelo ou o gelo do personagem Manchester. Finalmente, outro equilíbrio que você deve ter em mente é usar cores quentes contra as cores frias. As cores quentes são amarelo, laranja, vermelho e cores frias são roxo, azul e verde. E, claro, quaisquer variações das mesmas. Então, se você tem uma fonte de luz quente como o sol ou uma chama, você pode criar contraste usando cores frias em suas sombras. Isso funcionará de forma incrível em sua arte. Isso é tudo por enquanto. Vou deixar você ver o resto do processo e verei você
na próxima lição, onde discutiremos sobre o contraste. Certo? Certo. Olá. E assim por diante. Certo. Oi. Certo. E por quê? Certo. E, em seguida, impacto. Olá. Bom dia. Certo. Estamos de volta. Um ok. Certo. E por quê? Renováveis?
6. Contraste: Bem-vindo de volta ao design de personagens e estados nesta lição, falaremos um pouco sobre contraste e por que é tão importante para sua arte. Como você pode ver neste vídeo, começo adicionando tons mais escuros ao meu fundo e estou fazendo isso para que o slide de fogo fique ainda mais brilhante. É muito importante que sua arte em geral tenha a quantidade certa de contraste. Quando você sente que sua ilustração não vai a lugar nenhum ou a morte não se sente boa o suficiente. Tente escurecer seus escuros e iluminar suas luzes. Tenha sempre em mente onde suas fontes de luz e apenas faça essa consulta. Vocês são escuros, estejam no mais escuro e suas luzes mais brilhantes. Por exemplo, você pode trabalhar para aprofundar as sombras
no fundo e algumas sombras específicas no rosto e no corpo. Você pode aprofundar a sombra no pescoço e as sombras ao redor do cabelo. O próximo a morrer no corpo. Você pode aprofundar as sombras de acordo com o Bose que está desenhando,
no meu caso, que está embaixo do braço que está segurando a chama e toda a parte inferior do corpo. Porque esses são pontos onde o prazer não chegará tão facilmente. Da mesma forma, eles podem fazer uma contagem das citações que seu personagem está usando e onde pode haver sombras, a morte precisa de aprendizado profundo. Além disso, o que você pode fazer quando se trata de sombras é alternar entre linhas suaves e linhas duras. Isso significa que nem todas as suas sombras devem ter uma mistura suave ou terá um visual aerografado estranho. Em vez disso, tente usar linhas duras usando seu pincel redondo em vários lugares. Todas essas coisas que mencionei até agora também podem ser aplicadas à luz. Tenha em mente que você sempre pode usar modos de mesclagem para aproveitar ao máximo suas sombras. E as luzes. Certifique-se de que você não exagere nas luzes pois
sua arte ficará muito saturada rapidamente. Semelhante a uma das minhas versões mais antigas. Como você viu na primeira lição. Isso é tudo para esta lição, vou acrescentar para terminar de assistir o time-lapse, e verei você na próxima lição, onde
mostrarei minhas maneiras favoritas de fazer a obra de arte parecer melhor. Alguns toques finais se você, nos veremos em breve. Certo. Certo. Estamos de volta. Que são verdadeiros. Certo. Estamos de volta. Olá. Certo. Certo. Olá. Desculpe. Certo. Certo. Olá.
7. Faça o pop: Ei pessoal e bem-vindos à última lição desta aula. Nesta lição, mostrarei alguns dos meus truques de definição favoritos para tornar sua arte ainda mais. Nesta lição, não vou dizer o que estou fazendo é continuar adicionando mais e mais detalhes. Primeiro, estou ajustando o contraste para um pouco mais. Então eu fiz depois das palavras como alguns brilhos mágicos. Certo. Para fazer isso, você precisa do pincel que tenha vários pontos pequenos e brilhe em vários lugares. Estou usando o conjunto de pincéis essenciais de restaurantes, mas você pode usar qualquer tipo de paixão semelhante. Use uma cor clara para isso em uma camada separada. Essa camada para adicionar o modo para fechar este parque. Se você quiser o efeito de brilho também, você pode duplicar a camada e usar um desfoque guassian sutil na camada abaixo. Se você usar muito borrão, ele dificilmente será visto. Então, só um pouco é necessário. Depois. Se você sentir vontade de ter duas camadas no modo Adicionar estão fazendo subornar, ajuste a opacidade das camadas de Bonneville como achar melhor. Em seguida, vamos brincar com gradientes. Precisamos ter tudo em uma camada para isso, o que duplicaremos porque os gradientes mudam as cores inteiramente em sua camada. E não queremos isso. Só queremos ter uma tonalidade que vem da camada de gradiente. Então, depois de brincar com as opções de gradiente e escolher uma que você gosta, mantenha essa camada acima da sua camada de ilustração. E continuaremos ajustando a opacidade da camada de gradientes ou o modo de mesclagem. E você pode apagar partes que você não gosta com um aerógrafo. Há tantas coisas que você pode fazer, incluindo ter várias camadas de gradiente selecionando cores diferentes
e mantendo apenas metade de h, por exemplo. Outra coisa que você pode fazer é desfocar algumas de suas linhas e esse movimento para o seu BSW. Escolha com a ferramenta laço algumas linhas que você não quer que sejam tão nítidas
e, em seguida, vá para o menu e escolha desfoque. Em seguida, arraste seu slide para lá na direção em que deseja que os movimentos sejam M. Você pode subir e descer de lado onde quiser. Esse efeito adiciona uma sensação de profundidade à sua ilustração. Nosso próximo Crick está adicionando aberração cromática em alguns lugares para interesses visuais. Com todas as opções de ajuste dadas pelo Procreate, você pode optar por aplicá-las a toda a camada. Ou escolha um lápis e vá para as áreas específicas onde você deseja aplicar esse ajuste específico. Eu costumo usar um pincel macio ao aplicar esses ajustes. Gosto de usar esse ajuste para criar mais coisas. Igreja. Eu uso meio-tom em partes específicas da minha ilustração. Maneira. Q aberração cromática. E esse ajuste geralmente parece o melhor em roupas ou em segundo plano, mas use-o como você mais gosta. Um bom truque que aprendi que faz maravilhas quando você também quer trazer sua arte é adicionar o ruído subdural a toda a sua ilustração. Então, camada inteira de dois anos, apenas o suficiente para que pareça fosca aqui, uma em sua tela. Agora é hora de adicionar um pouco de suco à nossa ilustração e adicionar alguns bons destaques. Todas as audiências lá. Gosto de adicioná-los aos olhos, nariz e lábios, além de fazer uma luz de aro no lado do rosto, os ombros nas mãos. Claro, isso depende muito do desenho do cartão postal, mas estes geralmente são o incêndio é onde eu coloco os destaques, bem como o cabelo. Mas neste caso, o cabelo do personagem é fogo, então não faria nenhum sentido. Finalmente, você fará alguns ajustes de cor até construir bem sobre o resultado. O processo é experimental, então não tenha medo de experimentar coisas novas. E foi isso para esta lição. Espero que você tenha gostado muito disso. Não se esqueça de redesenhar um de seus desenhos mais antigos em cegos. O que você aprenderá nesta aula e enviará, a etapa do projeto. Espero que você já tenha enviado o desenho antigo no carimbo do projeto. E agora você só precisa redesenhar um de seus mais velhos. E agora você só precisa redesenhá-lo. Vou lançar uma nova aula no próximo mês, então não se esqueça de me seguir no Skillshare para mais atualizações. Até lá, tenha uma mãe incrível e continue praticando. Vejo você. Olá.
Lara Militaru, Digital Illustrator & Coach
