Digitalize sua pintura com aquarela no Adobe Photoshop: um guia completo

1. Boas-vindas: Aprender a digitalizar meu trabalho foi uma etapa fundamental na minha jornada artística. Isso me deu a possibilidade de trabalhar em novos produtos, combinar mídia tradicional com mídia digital e expandir minhas habilidades criativas. Olá, meu nome é Althea e sou artista, designer gráfico e educadora on-line com sede na Itália. Hoje, vou te ensinar como você pode digitalizar sua arte no Adobe Photoshop, passando de uma ilustração real para um ativo digital que você pode usar em projetos de analistas. Começaremos criando um conjunto de ilustrações em aquarela desde a coleta de inspiração até a pintura das flores da parede. Com nossa arte pronta para uso, entraremos direto no processo de digitalização. Eu detalho todas as etapas necessárias para digitalizar sua arte e ajustar as cores. Às vezes, digitalizar peças pode perder sua vitalidade, mas eu lhe darei todas as ferramentas de que você precisa para trazer sua arte de volta à vida. Depois disso, trabalharemos na remoção do plano de fundo e no isolamento de cada elemento. Esta parte da aula estará repleta de dicas e truques simples do Photoshop. Aprenderemos como lidar com aquarelas que não têm bordas bem definidas ou como corrigir erros de pintura e, depois de fazer este curso, você verá como é simples transformar suas belas pinturas em ativos digitais excepcionais. Para o projeto final deste curso, você aprenderá como combinar seus elementos botânicos em uma composição elegante. Você criará uma bela inicial decorada com todos os seus recursos botânicos. Este projeto pode ser um presente perfeito, uma bela impressão artística, uma imagem de mídia social ou qualquer outra coisa que você possa imaginar. Bem, uma compreensão básica das aquarelas no Photoshop pode ser útil. Esta aula foi projetada para estudantes de qualquer nível que desejam levar sua arte artesanal a um novo nível. Convido todos a começarem essa jornada comigo. Nos vemos na aula. 2. Primeiros passos: Estou tão feliz que você esteja aqui. Bem-vindo à aula. Embora a digitalização de sua arte possa abrir muitas novas oportunidades, inicialmente, pode parecer assustadora. Pode ser difícil saber como digitalizar seu trabalho ou usar softwares de edição de imagens. Quando comecei a digitalizar minha arte no Photoshop, muitas vezes me sentia confusa e sobrecarregada. Era tudo novo para mim e tinha muitas características estranhas. Além disso, percebi que não havia apenas uma maneira correta de digitalizar minha arte mas que cada artista tinha sua própria maneira de fazer isso. Isso me deixou inseguro sobre como abordar o processo de digitalização. Se você puder se relacionar, estou aqui para mostrar que com um pouco de prática e consistência, você começará a se sentir mais confiante e também desenvolverá as habilidades para digitalizar sua arte. Na primeira parte do curso, pintaremos elementos botânicos juntos e, em seguida, mostrarei meu fluxo de trabalho para digitalizar essa pintura. Se você é iniciante na pintura, Photoshop ou em ambos, detalharei os métodos de pintura detalharei os métodos de pintura e digitalização, que estudantes de todos os níveis possam participar. Se você já tem alguma obra de arte pronta, sinta-se à vontade para trazê-la. Caso contrário, você pode pintar comigo. Ficarei muito feliz em ter você comigo na sessão de pintura. Começaremos encontrando os elementos botânicos que pintaremos. Eu criei um quadro no Pinterest cheio de fotografias de flores silvestres que vou compartilhar com você para encontrar inspiração, então eu gosto de fazer esboços dos elementos botânicos que eu posso me referir enquanto pintava. Essas coisas me fazem sentir mais confiante e também aceleram meu fluxo de trabalho. Os seguintes exercícios de aquecimento com aquarelas também são ótimos, pois serão criados paletas de cores e praticando diferentes pinceladas para pintar várias partes das plantas. Em seguida, pintaremos cerca de 10 elementos botânicos. Quando estiverem secos, os digitalizará e importará para o Photoshop. O primeiro passo na digitalização será a correção de cores, ajustaremos a vibração das cores, garantindo que a versão digitalizada seja semelhante à nossa pintura original. Em seguida, removeremos o plano de fundo e aprenderemos como isolar cada elemento separadamente. Esta lição está repleta dicas e truques para corrigir erros, lidar com aquarelas que as bordas não estão bem definidas e transformar suas ilustrações em arquivos de clip-art que estão prontos para uso. Minha esperança para esta aula é fornecer a você todas as ferramentas necessárias para começar a digitalizar sua arte e, claro, apresentar um fluxo de trabalho que tornará todo esse processo o mais fácil e rápido possível. No projeto final, você aplicará as dicas e técnicas aprendidas ao longo da aula para criar um cartão com a inicial do seu nome decorado com aquarelas digitalizadas. Você ficará surpreso com as muitas coisas que você pode criar transformando suas pinturas em aquarela em ativos digitais. Na guia de projetos e recursos, incluí alguns recursos que você pode consultar para esta aula. Você encontrará um arquivo contendo meus esboços botânicos, uma lista de verificação dos materiais e ferramentas de que precisaremos, um guia passo a passo sobre como digitalizar sua arte e, por último, uma página cheia exemplos para crie sua carta botânica. Sem mais delongas, vamos direto para a próxima lição onde mostrarei os materiais e ferramentas de que precisaremos para a aula. 3. Materiais e ferramentas: Aqui estão todos os materiais que precisaremos para desenhar qualquer lápis ou caneta e uma folha de papel funcionará. Vou usar um caderno de desenho. Vou desenhar os elementos com revestimentos finos. Para pintar os elementos botânicos, você precisará de papel aquarela, tintas e pincéis, junto com dois potes de água e uma paleta de mistura e algumas toalhas de papel. Vou usar o conjunto de tintas Winsor and Newton, que é muito acessível e oferece uma variedade de cores para escolher. Quanto ao artigo, vou usar este da Art-n-Fly. É de 300 g/m2 prensado a frio. Este papel também é muito acessível. Acho perfeito usá-lo para exercícios de aquecimento. Para a pintura final, usarei este papel de arcos, que é de maior qualidade. Os pincéis são de Princeton e ambos são pincéis marrons. A vantagem desses pincéis é que as cerdas estão em uma ponta fina. Isso me permite adicionar detalhes sem mudar para outro pincel. Quando se trata de pintar com aquarelas, há muitas opções em termos de marcas e suprimentos. Se você precisar de um pouco mais de orientação sobre isso, eu recomendo que você assista minha aula sobre flores soltas, onde você pode encontrar uma aula dedicada aos materiais que eu uso. Em seguida, para digitalizar a pintura, você precisará de um scanner e um computador com o Photoshop instalado. Se você não tem um scanner, uma boa alternativa pode ser usar uma câmera ou um celular que tire fotos em alta resolução. O tablet digital também pode ser útil, mas isso não é necessário. Eu só uso o tablet digital quando preciso usar a ferramenta de borracha ou pincel e fazer ajustes precisos em minhas pinturas. Mas você pode fazer todas essas coisas usando o mouse. Esses são todos os materiais e ferramentas de que você precisa para a aula. Você também pode encontrar uma lista de verificação na guia de projetos e recursos. Agora vamos misturar os elementos que pintaremos e nos inspirar. 4. Inspiração e esboço: Sempre que crio coleções gráficas a partir de minhas ilustrações, sempre gosto de começar com um esboço rápido dos elementos que vou pintar. Isso me permite ter mais controle e flexibilidade sobre o que vou criar. Sempre posso voltar, apagar e fazer alterações antes da pintura final. Para nos ajudar a esboçar os elementos botânicos, criei um quadro no Pinterest onde colecionei fotografias de flores silvestres. Você pode encontrar essa coleção na guia Projetos e Recursos, e aqui está o link para ela. Sinta-se à vontade para também se inspirar em qualquer outro lugar: ao ar livre, lendo um livro ou na Internet. Você também pode esboçar os elementos com sua própria imaginação ou usar alguma inspiração da vida real. Vou usar essas fotografias como uma fonte aproximada de inspiração, mas meu objetivo aqui não é reproduzir a flor inteira com todos os detalhes. O objetivo desta lição é gerar ideias para que possamos ter referências quando começarmos a pintar. Lembre-se de que precisaremos de cerca de 10 elementos botânicos para criar uma boa composição para o produto final. Eu consideraria desenhar 3-4 tipos de galhos, três tipos diferentes de flores e alguns elementos individuais, e alguns elementos individuais como folhas ou cabeças de flores. Mais uma dica antes de começarmos é variar seus elementos botânicos. Eu evitaria desenhar apenas galhos, flores ou elementos botânicos muito semelhantes entre si. Em vez disso, pense em quanta variedade e características distintas você pode encontrar na natureza. Ter uma boa variedade em suas ilustrações tornará sua composição final mais dinâmica. Vou usar um delineador fino ao desenhar para que você possa ver o contorno dos meus desenhos. Depois [inaudível] da galeria de fotos, começarei com o esboço de um galho da minha imaginação. Estou traçando primeiro o caule principal e depois toco os menores e os enchendo de folhas. Para dar movimento a esse galho, estou fazendo folhas curtas e pontiagudas em diferentes direções. O segundo ramo tem uma estrutura mais simples. Acabei de traçar um caule ondulado e agora estou desenhando as folhas dos dois lados de forma simétrica. À medida que subo, faço com que as folhas fiquem cada vez menores. Você pode imaginar esse ramo contido em uma forma de triângulo imaginário. Ao desenhar, nunca me pressiono nem espero que os elementos pareçam perfeitos. Meu foco é apenas ter um plano geral para mais tarde e ter uma prévia do que vou pintar. Com isso em mente, eu realmente quero lembrá-lo de fazer essa parte da aula com calma, e todo o processo de esboço e pintura deve ser divertido e relaxante. Bem, examinando as fotos, achei essa planta interessante. É muito diferente do galho e das folhas de aparência usual e acho que ajudará a embelezar a composição botânica final. Começo desenhando o caule primeiro, prendendo um segundo galho nele. No topo, estou adicionando pequenos galhos e agora estou desenhando círculos pequenos e uniformes com as bordas irregulares em grupos. Estas, para representar as flores, ou apenas a parte superior desta planta. Novamente, este é um esboço muito grosseiro e a foto me serviu apenas como guia e inspiração. Outro elemento entre todas essas flores que chamou minha atenção foi esse broto. Estou rastreando o caule. Estou adicionando duas folhas na parte inferior e mais folhas na parte superior do caule. Por fim, estou adicionando os botões em cima das duas hastes. Agora que temos esboços suficientes de galhos e folhas, vou começar a desenhar as flores. Achei essa foto da flor Cosmos, que eu acho tão simples, mas ainda assim tão bonita. Comecei criando o centro da flor e agora estou lentamente desenhando as pétalas uma a uma. Para o caule, decidi usar uma linha curva simples sem adicionar folhas. A próxima flor vai ser um pouco mais complexa. Depois de desenhar o caule principal, adicionei um segundo galho no lado direito e estou desenhando uma pequena flor voltada para a direita nesse galho. Para desenhar a flor principal no topo desse caule, primeiro marquei quatro pontos que marcarão o centro da flor e depois completei adicionando quatro pétalas arredondadas ao redor dos benchmarks, dessa forma. Estou adicionando mais dois elementos para o caso de precisarmos preencher certas áreas da composição com algo que não tenha uma haste longa ou que haja uma ramificação completa. Espero que a aula de desenho tenha sido realmente interessante e útil na construção de seu conjunto de ilustrações. Agora, você pode ir para a próxima lição se estiver curioso para saber a paleta de cores que vou usar e se quiser fazer alguns exercícios de aquecimento antes de começar a pintar. 5. Paleta de cores e aquecimento: Esta lição é destinada a todos que gostariam de se sentir confortáveis com suas tintas e pincéis antes de começar a pintar os elementos finais. Vamos começar criando uma paleta de cores e vou mostrar as cores que escolhi para esta aula. Depois, vamos nos aquecer um pouco pintando folhas, caules e uma flor que você pode usar na próxima aula. Estou preparando todos os meus suprimentos de aquarela. Preparei dois potes de água porque vou usar um para os marrons e o outro para cores mais claras. Dessa forma, as cores podem ficar bem limpas e não se confundirem. Aqui está uma cartela de cores de Winsor e Newton, e essas são as cores que vou usar. Amarelo ocre, siena queimada , vermelho claro, número queimado, marrom van dyck. Como você pode ver, optei por cores quentes e acho que ainda não superei o outono. Mas, de qualquer forma, eu sempre incentivo meus alunos a usarem as cores que falam com eles e a trazerem seu próprio estilo para qualquer criação. Se você acha que essas cores não combinam com você, fique à vontade para escolher outras. Começarei estabelecendo manchas de cores para as cores que escolhi que você possa visualizar como elas se parecem e se sentem lado a lado. Vou primeiro colocar a sienna colorida queimada. Começo escolhendo uma quantidade densa de tinta com meu pincel e depois a diluo com água para criar um gradiente suave. Vou repetir essa etapa para o resto das cores que escolhi. Ter todas as cores colocadas no papel ajudará você a ter uma visão melhor das escolhas de cores que você fez. Essa também é uma grande parte do processo quando preciso criar paletas de cores. Para escolher essa paleta de cores específica para a turma, experimentei colocar cores diferentes no papel e ver como elas ficavam juntas. Toda vez que havia uma cor que não me convencia, eu a substituía por outra até ficar feliz com o resultado. Nossa paleta de cores está pronta. Se você escolheu cores diferentes de mim, estou muito curioso para ver como ficará o projeto final. Agora podemos nos aquecer um pouco. Gosto de começar com linhas finas, que geralmente são as que exigem mais atenção e esforço. Usar a ponta do pincel me permite pintar as linhas finas e finas, e também toco o papel levemente, sem pressionar muito o pincel. Como pintaremos muitos caules para criar os galhos e as flores, decidi experimentar alguns deles. Para pintar um caule, eu normalmente partiria de uma linha principal e, depois disso, atribuía menor sentido a ela, certificando-se de que apontassem em direções diferentes. No momento, estou pintando algumas folhas. Começo bem leve, seguindo a ponta do pincel, e depois pressiono lentamente com a barriga do pincel e libero a pressão. Isso ajuda a criar uma única folha de traçado. Para completar a folha e ter uma linha branca no meio, basta repetir essa etapa com o outro lado, certificando-se de deixar um pouco de espaço em branco entre os dois lados das folhas. Vou adicionar mais alguns elementos e também vou mostrar um método rápido e fácil para pintar flores. Se você nunca pintou uma flor antes, pode usar facilmente essa técnica simples. Se você acha que precisa de mais dessa prática, também sugiro dar uma olhada minha aula de aquarela para iniciantes. Lá você encontrará lições para aprender a pintar folhas, flores e galhos, usando a técnica solta. Primeiro, comece escolhendo uma cor e aplique uma quantidade densa dela no pincel. Pinte alguns pontos ou uma linha minúscula para criar o centro da flor. Certifique-se de deixar algum espaço em branco dentro de cada ponto. Agora enxágue bem o pincel e verifique se ele está bem cheio de água ou apenas com outra cor. Esse é o centro da flor apenas com a ponta do pincel e, em seguida, aplique pressão para criar uma forma de pétala. Estamos prontos para começar a pintar os elementos finais. Nos vemos na próxima lição. 6. Pintura: Vou manter o caderno de desenho contendo os elementos botânicos por perto. Incluí esses esboços nos recursos da aula, caso você prefira manter meus esboços impressos ou exibidos em seu laptop para referência. Para o primeiro galho, estou escolhendo um marrom escuro e estou carregando o pincel com uma boa quantidade dessa cor. Vamos começar traçando primeiro a haste principal. Vou entrar com muita luz e devagar para deixar a linha bem fina. Na parte inferior, vou colocar um pequeno galho e preenchê-lo com folhas. Para as folhas, quero que pareçam um pouco secas, assim como as folhas no outono ou inverno então, quando aplico pressão para criar o formato da folha, tento mexer o traço de propósito. Agora vamos pintar mais um galho um pouco acima do que acabamos de pintar. Nosso primeiro elemento botânico está ganhando vida. Vamos adicionar mais folhas ao galho restante. À medida que me aproximo do final do caule diminuo as folhas para dar a esse galho as proporções corretas. Para o próximo galho, estou usando um marrom diferente. Estou diluindo a cor com um pouco mais de água em vez da tinta que usei no primeiro galho. Novamente, estou começando pintando primeiro um caule bem fino e agora vou adicionar as folhas apenas de um lado. À medida que subo, eu os faço menores. As folhas estão simplesmente seguindo a direção do caule. Vou usar mais cores enquanto a tinta ainda está molhada para criar um bom efeito embaçado em algumas das folhas. Eu continuo pintando as folhas e uso a tinta que eu já tenho no meu pincel. Filial número 3, aqui estou diluindo o marrom que acabei de usar com mais água. Eu quero que esse elemento seja muito claro. Quando combinamos todos esses elementos, pintar os galhos com tons diferentes realmente adicionará profundidade e contraste, então eu realmente encorajo você a variar um pouco suas cores e evitar usando a mesma cor ou intensidade de matiz consecutivamente. Assim como as folhas do meu desenho, estou pintando-as simetricamente e as reduzo ao chegar ao topo. Esse elemento botânico vai se assemelhar à planta seca que tenho ao meu lado. Estou começando criando o caule que depois se dobra em dois galhos diferentes Com o mesmo marrom, primeiro faço apenas alguns pequenos pontos um pouco acima do topo dos galhos. Agora estou pegando um ocre amarelo repetindo as etapas e adicionando mais pontos. Estou apenas posicionando-os mais perto dos que fiz em marrom. Agora, vamos diluir essas cores para desfocar os pontos e adicionar mais volume, então vou voltar com um pincel bem limpo. Para completar esse elemento estou apenas pintando alguns pequenos galhos que conectam o caule principal à parte superior desta planta. A estrutura dessa nova planta é semelhante à anterior. Você quer criar um caule que se divida em dois ramos diferentes. Em cima dos caules, estou adicionando algumas linhas que servirão de pássaro para a flor. Então, com a mesma cor, estou pintando uma folha mais perto da parte inferior do galho. Como quero tornar essa flor um pouco mais dinâmica, estou diluindo o marrom e pintando folhas menores em cada lado do caule com uma cor mais clara. Finalmente, para os botões, estou pegando uma boa quantidade de vermelho vivo que coloco perto do topo do botão. Então eu me certifico de que meu pincel está bem cheio de água e eu simplesmente volto e crio esse efeito embaçado. Em seguida, estou começando pintando algumas pétalas com siena queimada e deixo algum espaço em branco dentro de cada pétala. Estou pegando um pouco de água para limpar meu pincel e vou voltar para iluminar a parte interna da pétala, deixando um espaço em branco. Isso está adicionando um pouco de contraste às pétalas, tornando-as mais interessantes. Em seguida, estou escolhendo um pouco de marrom para o caule e pintando-o começando de baixo, subindo. Você pode adicionar algumas folhas se quiser , mas vou deixar esse caule bem simples. Vou deixar de pintar o centro da flor por enquanto e voltar a ela mais tarde. Quero esperar que as pétalas estejam completamente secas antes de adicionar mais cor aqui. Para a próxima flor, estou usando um marrom escuro para criar a estrutura dela. Estou usando uma boa quantidade de cor aqui e estou começando traçando primeiro a haste principal. Em seguida, estou adicionando duas folhas na parte inferior do caule usando a ponta do pincel para torná-las pontiagudas. Também estou adicionando um pequeno galho onde colocarei uma segunda flor mais tarde. Para a flor, estou escolhendo um vermelho claro e estou carregando o pincel com muito pigmento e começando a criar o centro da flor. Estou apenas pintando pequenos pontos e linhas para demarcar o centro. Em seguida, criando as pétalas usando a mesma espessura e depois essa cor, estou pintando quatro pétalas. Novamente, estou deixando algum espaço em branco. Também estou usando a ponta do pincel para deixá-los um pouco irregulares e irregulares. Isso dará aquela bela aparência de outono e inverno à nossa flor. Você não quer que essas pétalas pareçam muito pequenas. Bem, a tinta ainda está molhada, vou voltar para as pétalas com um pincel limpo para que eu possa dar aquele belo efeito embaçado. Se você notar que as pinceladas estão muito aguadas, basta tocar a escova no guardanapo para liberar um pouco de água. Vamos adicionar uma pequena flor aqui. Estou adicionando três pétalas para criar uma flor que ainda não floresceu. Agora que as flores estão completamente secas, podemos criar seus centros. Estou escolhendo o marrom e estou carregando o pincel com muito pigmento e começo a tocar na cor para criar o centro dela. Nosso próximo elemento botânico seria a cabeça de uma flor. Estou pintando este mantendo as coisas de novo, muito simples. Para os elementos anteriores, geralmente começamos com um pigmento escuro que depois diluímos para torná-lo mais brilhante. Mas para esta flor, vou começar com uma cor bem clara e depois vou colocar um pouco de cor nela enquanto a tinta ainda está molhada e vou deixar uma parte das pétalas mais escura e criaremos um gradiente suave muito bom. Primeiro, com uma cor bem clara, delineio a forma das pétalas deixando algum espaço em branco no meio. Enquanto as pétalas ainda estão molhadas, estou lentamente adicionando mais tinta na parte interna. Enquanto pinto cada pétala uma por uma, continuo colocando a tinta em camadas lentamente. Isso cria um lindo gradiente que dá um pouco de sombreamento à flor. Agora, estou apenas adicionando algumas folhas para completar nosso conjunto de ilustrações. Nossas pinturas estão prontas, mas se quiser, você também pode adicionar detalhes a alguns dos elementos botânicos. Por exemplo, aqui eu adicionei algumas linhas em cima dessas folhas e também fiz os botões se destacarem um pouco mais adicionando mais cor. As ilustrações estão prontas para serem digitalizadas, basta esperar que tudo esteja seco e nos vemos na próxima aula. 7. Digitalização: Acabamos de concluir a sessão de pintura, então agora podemos iniciar o processo de digitalização. Ao digitalizar seu trabalho, você tem duas opções para colocar sua arte artesanal em seu computador. Primeiro, você pode usar um scanner, que é o método que eu recomendo fortemente. Ou você pode usar uma câmera ou um telefone celular em vez disso. Se você optar por usar uma câmera para a etapa de digitalização, aqui estão algumas dicas que você pode considerar antes de tirar a foto. Primeiro, encontre um local com luz uniforme e indireta. Os dias nublados geralmente são os melhores porque a luz é muito neutra e suave no papel e não altera as cores da ilustração. Evite fotografar com a luz do sol ou em qualquer situação que crie sombras no papel. Ao fotografar, certifique-se de segurar a câmera pela parte superior e de não cortar nenhuma parte do papel. Se você tiver um tripé, recomendo usá-lo para evitar distorções e tremores. Aqui está um pedaço de papel branco para devolver a luz à sua arte e obter uma iluminação mais uniforme. Para digitalizar minha arte, eu uso um scanner e o modelo é o Canon LiDE 400. É bom começar com o Scanner se você precisar de alguma recomendação , pois não é tão caro quanto os profissionais e faz o trabalho perfeitamente. Você realmente não precisava do mais caro para começar. Portanto, antes de começar a digitalizar minha arte, sempre me certifico de que a pintura esteja seca. A segunda coisa a fazer é garantir que a base do scanner esteja limpa, mesmo que eu não consiga detectar poeira, sempre a limpo com uma toalha. Muitas vezes eu digitalizei meu trabalho e notei poeira na minha pintura ao editar no Photoshop. Esse é apenas um trabalho extra que queremos evitar o máximo possível. Quando estiver pronto, você pode colocar o papel, fechar a tampa e segurar a mão na tampa ou colocar alguns livros em cima dela. O papel aquarela geralmente é irregular, então um pouco de peso pode ajudar durante o processo de digitalização. No software do scanner do seu computador, você tem várias opções para suas configurações de digitalização. Isso dependerá do seu scanner específico e sua caixa de diálogo pode ser um pouco diferente, mas as opções que vamos definir devem estar lá. Ao digitalizar a arte, sempre seleciono o modo de fotografia e, em seguida, defino a resolução. Se você quiser manter a ilustração para projeto web, 72 DPI é bom. Se você planeja imprimir a ilustração, recomendo que comece com pelo menos 300 DPI. Eu geralmente digitalizo a 600 DPI porque tende a ser mais fácil digitalizar em uma resolução mais alta. Se eu precisar que meu arquivo seja menor, sempre poderei exportá-lo com uma qualidade inferior no Photoshop. Em seguida, verifico onde o arquivo será salvo e, por fim, seleciono o formato em que quero que meu arquivo seja salvo. Aqui eu tenho PNG, TIFF e JPEG. Se você está se preocupando com qual formato usar, qualquer um deles serve, mas lembre-se de que os arquivos TIFF armazenam muito mais dados do que os arquivos JPEG. Isso significa que haverá maior qualidade, mas isso também se traduzirá em tamanhos de arquivo maiores. O formato JPEG usa compactação com perdas, o que significa que esses arquivos reduzem a qualidade da imagem para obter um tamanho de arquivo menor e mais gerenciável. Portanto, mesmo que meu arquivo seja maior, eu sempre seleciono o formato TIFF para obter a melhor qualidade de imagem. Estamos prontos. Agora podemos clicar em “Ok”. Agora estou clicando em “Foto” para iniciar a digitalização. Depois de digitalizar sua ilustração, você pode abrir o Photoshop e ir para a próxima lição qual trabalharemos na correção de cores. 8. Ajustes de cores: A primeira coisa que faço depois de digitalizar meu trabalho é corrigir as cores. Antes de tudo, vamos abrir o Photoshop. Clique em “Arquivo”, “Abrir” e selecione o arquivo que você acabou de digitalizar de onde o salvou. Agora, talvez você precise girar sua imagem. Se sim, vá para Imagem, Rotação da Imagem. Se você mantiver pressionada a barra de espaço do teclado, uma pequena mão aparecerá e permitirá que você mova sua área de trabalho. Vou usar essa função com bastante frequência, então eu só queria mostrá-la para você. Como você provavelmente notou durante o processo de digitalização, nossa arte perdeu um pouco de brilho. Pode parecer um pouco amarelo ou, no lado oposto, pode parecer um pouco frio. Isso realmente depende do scanner que você tem. Para corrigir essa mudança de cor, precisamos equilibrar o fundo branco com a imagem geral, então clique em “Imagem”, “Ajustes”, “Níveis”. Aqui você vê três conta-gotas e precisa clicar no terceiro. Amplie uma parte clara do plano de fundo clicando em “Control plus” e tire uma amostra de um ponto branco do papel. A diferença na mudança geral da cor pode ser pequena, mas, em geral, a aparência da imagem deve ser mais natural. Outra opção interessante que temos no painel de níveis são os níveis de entrada. Há mais triângulos que você vê sob o gráfico e as alças para que você possa se mover para ajustar as cores de maneiras diferentes. Eu sempre uso o primeiro para adicionar contraste às ilustrações e basta movê-lo um pouco. Se você exagerar, suas ilustrações podem parecer um pouco dramáticas. Normalmente não movo as outras duas alças porque não quero alterar muito minha pintura. Mas é claro que cada pintura é diferente, então às vezes eu poderia adicionar brilho arrastando essa última alça para a esquerda. Mas, novamente, só um pouquinho. Acho que as aquarelas parecem boas agora e mais naturais, mas vou fazer mais uma coisa. Às vezes, as cores em suas pinturas digitalizadas podem parecer um pouco planas, então eu gosto de adicionar um pouco de vibração e saturação. Vamos clicar em “Imagem”, “Ajustes” e “Vibração”. Como mencionei, eu só faço esses ajustes de forma muito leve. Meu objetivo é fazer com que a foto digitalizada pareça semelhante à minha pintura, voltando ao original, talvez com apenas um toque de contraste e saturação. No final, a forma como você faz as correções de cores depende de cada obra de arte individual, da cor que você usou e de como você quer que ela fique. Era isso em relação à correção de cores. Na próxima lição, trabalharemos na remoção do fundo e no isolamento de cada elemento botânico. 9. Remoção do fundo: Há muitas maneiras de fazer a mesma coisa no Photoshop. Há também várias maneiras diferentes de remover o plano de fundo. Nesta lição, mostrarei as etapas que tomo para isolar cada elemento e criar um arquivo PNG limpo e bonito pronto para ser usado em qualquer tipo de projeto. Ao longo do caminho, compartilharei algumas dicas sobre como lidar com aquarelas que não têm bordas bem definidas. Também demonstrarei como se livrar de imprecisões ou erros de pintura. Nos recursos da aula, incluí um guia sobre todas as etapas que estamos prestes a tomar. Você pode querer conferir isso. Vamos bloquear o nível em que você tem sua foto clicando no cadeado. Crie um novo nível e arraste-o abaixo do primeiro. Verifique se o novo nível está selecionado e na seção de ferramentas, você tem no seu lado esquerdo, clique no primeiro quadrado na seção de cores, escolha qualquer cor escura e clique em. “Ok”. Agora selecione a ferramenta de balde e clique em qualquer lugar na tela. Essa camada de cor escura será útil quando removermos o fundo. Ele adiciona um contraste nítido e nos ajuda a identificar lugares em nossos elementos de aquarela que, por exemplo, não apagamos bem ou manchas brancas que ainda precisam ser limpas. Para manter as coisas organizadas, podemos dar um nome ao nível que acabamos de criar clicando duas vezes no nome atual e alterando-o para plano de fundo. Também estou renomeando o nível que contém o arquivo de capa. Agora, verifique se você está no nível principal e, em uma barra de ferramentas, encontre o símbolo da borracha. Clique nele e segure para ver mais opções aparecerem e, entre elas, selecione o Magic Eraser. Aqui temos um valor que se chama tolerância. O valor que damos à tolerância definirá a faixa de cores que a borracha remove. Uma tolerância menor apaga somente pixels com uma cor muito semelhante à que você selecionou. Uma tolerância mais alta apaga pixels com uma faixa mais ampla de similaridade de cores. Vou demonstrar os diferentes efeitos à medida que variamos a tolerância. Mas antes de fazer isso, certifique-se de que o contíguo seja verificado para que somente o plano de fundo seja apagado. Se a opção contíguo estiver desmarcada, todos os pixels dessa cor em qualquer lugar da imagem serão apagados. Agora, vamos definir a tolerância para um número alto, como 60, como exemplo. Agora vou clicar no fundo branco que eu quero remover. Como você pode ver, muitas partes de nossas ilustrações foram apagadas e isso porque o valor da tolerância será bastante alto. Vamos reiniciar pressionando “Control Z”. Desta vez, vou tentar um número baixo. Como você pode ver, a ilustração em si está intacta, mas grande parte do papel não foi apagada. Isso porque o papel tem textura e algumas variações de cor. O objetivo aqui é encontrar um valor que funcione bem com nossas pinturas. Vamos elevar o número para cerca de 30. Esse valor parece funcionar bem e encontrar um bom equilíbrio entre manter os elementos e remover o plano de fundo. Só precisamos trazer de volta algumas partes dos elementos botânicos, mas como você pode ver, o resultado geral é bom. Agora vou ampliar e examinar cada um dos meus elementos botânicos em detalhes. Se houver alguma área branca que eu queira apagar, clico nela com um apagador mágico. Há algumas áreas brancas que eu não apago porque quero que elas façam parte da aparência final do elemento. Você também pode ver alguma textura de papel residual restante ou alguns pontos brancos ao longo da tela. Você pode clicar nos pixels que você vê algumas vezes e alguns deles desaparecerão. Não se preocupe se você ainda conseguir ver alguns pontos e imperfeições Vamos nos livrar deles até o final desta lição. Agora removemos o plano de fundo, mas em alguns lugares removemos um pouco demais. Nas próximas etapas, vamos trazer de volta algumas das partes dos elementos que foram apagadas. Para fazer isso, primeiro, clico na ferramenta History Brush, que você pode encontrar em uma barra de ferramentas. Depois de selecionado, você pode ir para o canto superior direito da tela e clicar nessa seta. Isso abrirá uma história ou uma cronologia de todas as ações que tomamos. Se a janela aparecer muito pequena, você poderá expandi-la e redimensioná-la arrastando-a para baixo. Dentro do histórico, você deseja selecionar “Paint Bucket”. Isso basicamente cria um pincel que traz de volta as partes das ilustrações que você apagou. Se precisar ajustar a dimensão desse pincel, clique com o botão direito do mouse e aqui você pode escolher o tamanho e também a dureza. Sempre verifique se você está no nível principal e, em seguida, amplie para fazer ajustes mais precisos. Essa parte do processo de edição exige um pouco de paciência e precisão, mas não se preocupe as pontas irregulares que suas aquarelas têm. Vamos suavizá-los mais tarde, mas se você ver algo que realmente o incomoda, você pode escolher a borracha e apagar as bordas para suavizar sua forma. Estou movendo minha tela e examinando as partes dos elementos que exigem essa edição. O tablet digital é muito útil para essa guia. Então, se você tiver um, eu encorajo você a tentar usá-lo. Outro truque útil que você pode precisar é uma ferramenta que permite corrigir erros. Às vezes acontece que o scanner capta algumas partículas de poeira que você não percebeu, ou simplesmente que uma de suas ilustrações tem uma mancha ou uma marca nela. Para corrigir esses erros, podemos usar a ferramenta Clone Stamp aqui. Vou ampliar bem perto para ver se consigo encontrar alguma poeira ou imperfeição. Aqui está um bom exemplo da aparência de uma partícula de poeira. Para ajustar a dimensão da ferramenta Clone Stamp, clique com o botão direito do mouse, assim como fizemos com a ferramenta History Brush. Agora você pode ajustar a dureza e a dimensão novamente. Você deseja manter a dureza dessa ferramenta em zero. Agora, mantenha pressionada a tecla Alt e clique na área perto de onde está a marca. O pincel reproduzirá a área que acabamos de escolher. Clique na parte superior da marca e você a verá desaparecer. Você pode repetir essa etapa para todas as peças necessárias. Estamos quase prontos para salvar cada ilustração separadamente, mas antes de fazer isso, daremos um passo a menos para dar os retoques finais. Como sempre, certifique-se de que o nível principal esteja selecionado e que você amplie suas ilustrações. No painel de camadas, vá para a camada principal, clique com o botão direito do mouse no pequeno retângulo de visualização, entre as opções que aparecem, escolha selecionar pixels. Agora vamos criar uma máscara e ajustar os contornos de suas ilustrações na janela acima do painel de camadas, que você pode expandir ao seu gosto. Você deseja clicar em “Selecionar e mascarar”. Agora clique em “Exibir” e selecione nas camadas. Essa opção permitirá que você veja todas as alterações feitas imediatamente em tempo real. Entre as opções que agora são exibidas, utilizaremos apenas as barras na seção de refinamentos globais. Cada barra editará o contorno das ilustrações de uma forma ligeiramente diferente e a aparência que você deseja que seus elementos apareçam no final realmente depende da preferência pessoal. Eu sugeriria apenas brincar com as alças e ver as mudanças que elas produzem em suas pinturas. Ao mover as alças, talvez você não veja nenhuma alteração, mas dê ao seu computador alguns segundos para calcular, pois estamos trabalhando em várias ilustrações. Isso pode levar um pouco de tempo. Quando estivermos satisfeitos com o resultado, vamos clicar em “Ok” e, em seguida, para aplicar a máscara, clicar nesse pequeno ícone que tem uma pequena seta voltada para baixo. Agora estamos prontos para salvar nossas ilustrações. Nos vemos na próxima lição. 10. Exportação: Ok. Estamos a apenas um passo de trabalhar em nosso projeto final. Vamos exportar e salvar nosso conjunto de ilustrações. Vamos colocar cada elemento em uma camada separada. Com a ferramenta de laço que você pode encontrar na barra de ferramentas, vamos selecionar essa ramificação. Agora clique em “Control Shift J” e o elemento que você acabou de selecionar agora está em uma nova camada. Podemos ocultar essa nova camada para ver quais elementos ainda temos para isolar, e vamos repetir essa etapa para os elementos restantes. Volte para a camada principal. Com a ferramenta de laço, faça uma seleção ao redor da ilustração e, novamente, clique em “Control Shift J”. Se você quiser desmarcar um elemento, basta clicar em “Control D”. Leva tempo para terminar isso. Acelerei um pouco a aula, mas quando estiver pronto, você pode eliminar a nova camada porque é uma camada vazia e não precisamos mais dela. Agora podemos percorrer cada camada e salvar nossas ilustrações. Estou começando na camada 1. Antes de salvá-lo, eu apenas faço uma verificação rápida ampliando. Eu uso a ferramenta de borracha para me livrar dos pixels brancos restantes, se houver algum. Para salvar essa ilustração, clico com o botão direito do mouse no nível e escolho Salvar como PNG. Certifique-se de salvar o arquivo na pasta correta e , em seguida, clique em “OK”. O arquivo será salvo no formato PNG com um fundo transparente e estará pronto para ser usado. Você pode continuar salvando as ilustrações restantes. A parte técnica acabou e finalmente podemos criar nosso cartão botânico. Eu sei que pode ser muito trabalhoso, especialmente se você é novo no Photoshop, mas quando você começar a fazer isso algumas vezes, certeza parecerá menos trabalhoso e algo que virá mais naturalmente. 11. Projeto final: Essa é a parte que eu mais amo. Tenho todas as minhas ilustrações prontas, e isso me permite trabalhar em uma variedade de projetos, desde a criação de modelos de mídia social, cartões comemorativos, convites e qualquer coisa que eu possa imaginar personalizada com as minhas ilustrações. Para este projeto de classe, quero criar com você um pequeno cartão quadrado que conterá a inicial de um nome com suas ilustrações botânicas desenhadas à mão e digitalizadas na parte superior. Cartões como esses são muito versáteis. Pode ser um presente muito especial para alguém, você pode usá-lo para escrever no verso e usá-lo como cartão de felicitações ou até mesmo para decorar sua casa. Na verdade, vou colocar meu cartão nesta moldura e guardá-lo para decorar meu estúdio de arte. De volta ao Photoshop. Vamos criar um novo documento clicando em Arquivo, Novo. No lado direito, você pode definir a largura e a altura do seu cartão. Eu vou escolher um formato quadrado e estou selecionando centímetros como as unidades. Quero que meu cartão tenha 12 por 12 centímetros e quero definir uma margem de três milímetros. Estou deixando a resolução em 600 DPI, mas se você digitalizar suas pinturas em 300 DPI, poderá usar 300 DPI. Para mim, o modo de cores RGB é bom. Estou planejando imprimir isso com minha própria impressora, mas se você precisar desse gráfico para uso profissional, defina o modo de cores CMYK. Primeiro, queremos criar uma caixa de texto para exibir a primeira letra da inicial. Para escrever na tela, acesse a barra de ferramentas, selecione o símbolo do texto e clique em qualquer lugar na tela para começar a digitar. No lado direito, há uma coluna, e aqui você pode definir o tipo, a dimensão e a cor da fonte. Agora eu posso ver o que acabei digitar porque a cor está definida como branca. Para mudar isso, destaco o texto que escrevi e clico nesse retângulo branco no menu para selecionar uma nova cor. Nas propriedades da camada de texto, você também pode encontrar esse ícone que permite capitalizar seu texto. Agora estou ajustando as dimensões da minha inicial, aumentando o tamanho até que fique tão grande quanto eu quero. Estou clicando no primeiro símbolo na barra de ferramentas para mover a letra e posicioná-la no centro da tela. Agora vou mudar o tipo de fonte. Estou optando por uma fonte serifada, algo elegante que combina bem com minha personalidade e também com meu estúdio. Vou deixar a cor para depois, então assim encontrarei a tonalidade perfeita que também combinará com as ilustrações. Agora vamos abrir a pasta que contém nossas ilustrações e selecionar as que queremos usar. Você pode usar todos eles, mas vou selecionar vários elementos. Para selecionar os elementos, mantenho pressionado o controle e clico no elemento que quero escolher. Selecionei sete elementos, agora estou arrastando-os no Photoshop, clique em “Enter” em cada ilustração para inseri-la em sua área de trabalho. Para selecionar todas as camadas que contêm sua ilustração, comece selecionando a que está na parte superior, mantenha pressionada a tecla shift e selecione a última. Agora, aperte “Control T” para reduzi-los. Este é o momento em que você pode começar a decorar sua carta e não há regras aqui. O objetivo é organizar seus elementos botânicos em torno da inicial de uma forma que pareça certa para você Se você precisar de ideias para começar, aqui está uma coleção gráfica que eu descobri neste outono e eu incluí a letra do alfabeto junto com números decorados com aquarelas. Você pode encontrar essa coleção na guia Classe e Recursos. Estou movendo apenas elementos no canto superior esquerdo para que eu possa ter um espaço para trabalhar. Você pode escolher um elemento simplesmente clicando em uma camada específica ou clicando no grupo de elementos. Se você precisar dimensionar ou girar o elemento, clique em “Control T” e , quando tiver concluído os ajustes que desejar fazer, basta clicar em “Enter” [MÚSICA] Outra coisa que você pode querer é reordenar as camadas, então, por exemplo, aqui eu quero mover essa flor em cima de todos esses elementos. Estou entrando no painel de camadas e arrastando a camada que contém essa flor sobre todas as outras camadas. Também quero tentar virar esse elemento para ver se parece melhor e você pode fazer o mesmo clicando no controle T e , em seguida, clicando com o botão direito do mouse, a ilustração será invertida quando você seleciona virar na horizontal. Aqui você também encontra a opção de virar seu elemento verticalmente [MÚSICA] Gente, continuarei colocando os elementos até ficar satisfeito com a composição. Durante essa etapa, eu frequentemente vou e volto, girando e dimensionando os elementos, reordenando-os e movendo-os. Geralmente, preciso de algumas tentativas e algumas experiências. Vou acelerar o vídeo, mas, como sempre, fique à vontade para fazer uma pausa e trabalhar no seu próprio ritmo [MÚSICA] Estou muito satisfeito com a aparência dos elementos botânicos no topo da minha carta, então agora é hora de escolher uma cor para minha inicial. Vou selecionar a camada que contém minha carta. Vou clicar no retângulo. Aqui, posso escolher a cor para a qual quero definir minha carta. Estou pensando em usar um marrom, pois a paleta de cores que escolhi para criar a ilustração tem o tema do outono e é aconchegante. Agora vou selecionar todos os níveis exceto o plano de fundo, e vou mesclá-los clicando no controle E. Dessa forma, temos tudo, a inicial e a ilustração, tudo em um camada. Vou fazer mais uma coisa antes de exportar o cartão. Em vez de manter o fundo branco puro, quero que ele tenha uma cor ligeiramente diferente com uma borda branca ao redor. Para conseguir esse efeito, vou criar uma nova camada e selecionar cor que eu quero para o meu plano de fundo na barra de ferramentas. Em seguida, vou usar o balde de tinta na mesma barra de ferramentas para preencher essa camada com a cor [MÚSICA] Para criar uma borda branca, selecionarei a cor de fundo clicando controle T e então eu diminuo um pouco e posiciono no centro. Estou feliz com o resultado, então mesclei o plano de fundo com minha carta clicando no controle E e agora estamos prontos para exportar o arquivo. Clique em “Arquivo” Salvar uma cópia, renomeie seu arquivo e selecione o formato PDF se quiser imprimir este cartão ou simplesmente selecione formato JPEG se quiser compartilhá-lo nas redes sociais. partir daqui, as possibilidades do que você pode fazer com sua composição digitalizada final estão em suas mãos. Ao longo desse processo, você aprendeu e adquiriu muitas habilidades, desde desenhar e pintar até editar e compor seus ativos digitais. Você pode realmente usá-los em projetos infinitos. Você pode aplicar essas habilidades a qualquer obra de arte feita à mão, não exclusivamente às aquarelas , e eu realmente não posso esperar para ver o que você vai criar. Você chegou ao final da aula , parabéns por ter chegado até aqui. 12. Obrigada: [MÚSICA] Muito obrigado por escolher passar seu tempo comigo hoje. Espero que você tenha achado essa aula útil e que se sinta inspirado a transformar mais obras de arte em ativos digitais para usar em novos projetos. Mal posso esperar para ver suas cenouras botânicas. Eu uso o meu como decoração no meu estúdio e acho que está lindo. Não deixe de acessar a Seção de Projetos e Recursos para fazer o upload do seu trabalho e fique à vontade para publicar qualquer parte do seu projeto. Ficarei muito feliz em dar uma olhada e deixar um feedback. Além disso, se você postar seu projeto nas redes sociais, não se esqueça de me marcar. Por fim, se você se sentir preso em uma determinada etapa da aula, especialmente com o Photoshop, ou se tiver dúvidas, sinta-se à vontade para usar a guia Discussão e ficarei mais do que feliz em ajudá-lo. Você também pode me seguir aqui no Skillshare para receber atualizações assim que eu lançar uma nova classe. Muito obrigado novamente por se juntar a mim hoje e espero ver você em breve. [MÚSICA]