Composição de fotografia - um curso de represão

1. Introdução ao Aula 1: Bem-vindos ao curso de composição de imagens. Então, o que é exatamente uma composição? O termo composição significa reunir e pode aplicar-se a qualquer obra de arte, da música à escrita, à fotografia. E isso é organizado usando um pensamento consciente. Em essência, a composição é tudo sobre a montagem de objetos em seu visor de forma a enfatizar os bits que você quer, fazendo-os sobressair da maneira certa em sua fotografia. Esses objetos incluem qualquer coisa em primeiro plano, o fundo, aqueles que emolduram a imagem e, o mais importante, a luz. Simplificando, a competição é como os elementos da foto são organizados dentro de si mesmos. Assim, uma composição pode ser composta de muitos elementos diferentes, são apenas alguns. É como o artista coloca essas coisas juntas dentro de uma moldura que ajudam uma fotografia a tornar-se mais ou menos interessante para a vista. Simplificando, uma boa fotografia vai tomar muitos caminhos diferentes e combiná-los em uma composição esteticamente agradável é como um artista conta uma história dentro dos limites de um único quadro. Então, por que precisamos aprender composição em primeiro lugar? Um dos maiores problemas que encontramos com fotógrafos amadores é que não saber o que é preciso para compor uma grande fotografia. Muitas vezes uma fotografia ou vai passar longos dias capturando fotos. Apenas dois escritos com um conjunto de imagens que ele ou ela não está completamente satisfeito com. Sharp, a iluminação, a exposição pode ter sido ótima. Oh, a composição das fotos deixa algo a desejar. Em suma, eles não têm o fator vol que eles vêem em outras fotos de fotógrafos. Assim, inovar a concorrência dirige o olho do espectador. Ele pode criar imagens realmente atraentes e agradáveis. A composição não é apenas sobre o que está lá no quadro, mas sobre o arranjo visual dos elementos dentro do quadro. Ele traz à tona a história que você deseja transmitir através de suas imagens. Ele faz suas fotos se destacarem e torna uma ótima imagem. E não apenas um tiro amador. A composição é o alicerce sobre o qual grandes fotografias se baseiam. E um olho para uma boa composição ajuda você a encontrar seu estilo e construir sua confiança como uma nota para outros esforços. Lembre-se, uma ótima imagem é muitas vezes uma mistura de vários ingredientes, como luz bonita, assunto, o momento perfeito, tempo, humor. Mas o mais importante, é uma visão pessoal e composição que mais importa. Na verdade, uma vez que você domina a arte da composição, você sabe exatamente qual elemento é preciso para compor um grande tiro antes mesmo de tocar no botão do obturador. Como resultado, ele vai liberá-lo para se concentrar em outros ingredientes, ir para fazer uma bela fotografia. Então, o que você vai aprender neste curso em particular? O curso é construído com o objetivo de fazer você entender as várias porcas e parafusos que vão para a criação de uma boa composição. Em uma fotografia, você vai aprender as dicas e truques fotógrafos profissionais usados para criar uma grande imagem projetada compreendendo os vários elementos que entram em compor um grande tiro, tais como tipos de foco afiado, centro de interesse, regra de terços, cores , enquadramento, textura, etc. Vamos cobrir tudo. Mais importante ainda, você também aprenderá a evitar os erros que os fotógrafos amadores costumam cometer. E finalmente, uma vez que você deve ter a composição, ele irá libertá-lo para que você possa se concentrar em outros ingredientes que vão para a criação de uma bela fotografia. Então, o que você está esperando? Estou super animado para te ver dentro do curso. Vamos começar. 2. Aula 2 as coisas para se lembrar antes de: Composição. Então, na introdução entendemos o termo composição significa juntar. E isso pode aplicar-se a qualquer obra de arte, da música à escrita e à fotografia. E isso é organizado usando um pensamento consciente. Então composição em termos de fotografia, não é nada além de arranjo agradável de elementos dentro de um mar. E quando estamos falando de uma cena, estamos basicamente falando de três elementos importantes. Um, o assunto principal da sua fotografia. Em segundo lugar, a configuração de primeiro plano e plano de fundo. E por último, mas não menos importante, os objetos de apoio dentro de sua fotografia. Vamos falar sobre tudo isso à medida que progredirmos através do curso. Mas há algo muito importante que precisamos saber antes mesmo de começarmos a clicar em nossa primeira fotografia. Então, as coisas a perguntar antes de tirar uma fotografia e o que é que você precisa ter em mente mesmo antes de apertar o botão do obturador e clicar em uma fotografia. Primeiro, você tem um assunto claramente definido? Agora, o que eu quero dizer com isso? Na fotografia? Como assunto é simplesmente o objeto que é mostrado na imagem. Mas uma única fotografia pode escolher várias coisas. Então, qual deles é o assunto? O tema é o foco na imagem, tanto literalmente como o ponto mais nítido na fotografia quanto em sentido mais figurativo. Então, se você está olhando para esta fotografia em particular em sua tela agora, você pode muito bem entender que a aranha nesta imagem em particular é o meu assunto principal. E, portanto, você vai observar que ele está mais em foco em comparação com outros elementos dentro desta fotografia particular. Então, em outras palavras, o assunto deixa a decisão dos fotógrafos sobre aspectos como iluminação, composição, configurações de exposição, e muito, muito mais. Mesmo a decisão de manter uma determinada velocidade do obturador depende se o seu sujeito está se movendo ou imóvel, e até mesmo a decisão de qual quadro você manterá enquanto clica em sua fotografia também dependerá de conhecer o seu assunto de antemão. E, portanto, o sujeito desempenha um papel essencial na formação de uma imagem inteira. Que sentimentos você está tentando invocar? Uma coisa que faz uma grande fotografia é a sua capacidade de transmitir emoções. Emoção em uma fotografia ou qualquer obra de arte é o que ajuda o espectador a se conectar com uma peça. Se essa emoção é predominante para o espectador. Agora, emoção ou sentimento é o que pode tirar uma foto da obscuridade e fazê-la brilhar. Pense em uma imagem normal do pôr do sol de uma costa do Havaí com apenas o horizonte e um sol laranja brilhante mergulhando a lei. Agora é bonito com certeza e ainda melhor quando visto pessoalmente. Agora Pula zoom de volta para um ângulo mais amplo e mostrar um casal em uma silhueta sentado nas cadeiras do gramado de frente as ondas e alcançando um ao outro para segurar as mãos. Agora, pessoas diferentes vão se conectar com cada foto de maneiras diferentes, ou talvez não de todo. Aqueles com um clima romântico irão apreciar a foto do casal. E aqueles que estavam apenas à procura de uma atmosfera calma, sem qualquer distração, podem desfrutar deste singular pôr do sol. E por último, mas não menos importante, uma das coisas mais importantes que você precisa ter em mente antes de clicar sua fotografia é qual é a história que você está tentando contar ao seu público? As pessoas geralmente olham para uma obra de arte e esta história de CS. Uma mente humana está sempre tentando preencher os espaços em branco. Caminhe para dar-lhes algumas pistas e contar a história dentro da sua fotografia. Então, ao fotografar qualquer coisa, procure a emoção e a ação que ajuda a criar uma história na mente do espectador. O assunto é definitivamente importante, mas também tudo o resto dentro do quadro. O fundo e o primeiro plano ajudarão a contar essa história. O objeto é onde você esperaria encontrá-lo, ou está em um lugar incomum? É por si só ou destaca-se entre a desordem? Considere tudo na sua fotografia. E se ele não tiver uma razão para estar lá, considere aproximar-se ou ajustar seu ângulo para eliminar qualquer distração. E quando se trata de tipos de fotos, tenha em mente que você pode fazer um tiro longo, um tiro médio, um close-up e um close-up extremo ao tirar uma foto. 3. Aula 3: Nesta palestra em particular, estaremos focando mais em algo que chamamos de centro de interesse. E para obter um bom setor de interesse dentro de sua imagem, foco é algo que é muito importante. Agora é preciso ajustar as configurações de distância na lente de modo a definir o assunto, que é o seu centro de interesse, Shopee. E basicamente deve-se sempre tentar produzir uma imagem nítida com um centro de interesse bem definido. Então, se você olhar para esta primeira imagem em particular aqui, você vai observar que a garrafa com esses brilhos é o meu centro de interesse, enquanto todo o resto foi desfocado. E para isso, eu usei o conceito de profundidade de campo. Isso é algo que falaremos mais tarde. Se eu estiver olhando para esta segunda imagem ao longo de um ano, você vai observar que esta parte particular da minha imagem onde essas letras amam e este pequeno coração em particular foi posicionado. Esse é o meu centro de interesse dentro de uma imagem. Então, o que é basicamente um centro de interesses? Vamos entender isso. Então, basicamente, o sucesso da maioria das fotografias depende de haver um aspecto dominante que é conhecido como o centro de interesse e às vezes referido como o centro de foco. Ponto focal. Agora, todas as boas imagens têm um centro de interesse, que é um ponto que chama a atenção dos olhos. Agora algumas imagens podem ter um centro de interesse muito natural. Mas identificar e colocar corretamente o centro dos interesses é fundamental para a composição de uma imagem bem sucedida. Então, vamos entender alguns dos pontos muito importantes ao ir em frente e definir um centro específico de interesses dentro de sua imagem. Agora, cada imagem deve ter um princípio, idéia, tópico ou centro de interesses para o qual os olhos do espectador são automaticamente atraídos. Imagem sem um centro de interesse dominante ou com mais de um centro de interesse dominante é geralmente intrigante para o espectador. Agora um espectador fica confuso e se pergunta, o que faz esta imagem tudo acima? E quando a imagem tem um e apenas um ponto dominante de interesses, o espectador rapidamente entende a imagem. Assim, um fotógrafo geralmente tem muitos fatores ou elementos que podem ser usados e organizados dentro de uma área de imagem para chamar ou direcionar a atenção. Agora, alguns desses elementos são linhas, formas, figuras humanas não, e textura. Vamos falar sobre isso mais nas próximas palestras. Agora, aqui vai uma dica rápida que você pode ter a mão antes de terminarmos esta palestra. Então tente evitar colocar o seu assunto no meio da moldura porque isso fará com que a imagem desinteressante para olhar. Onde você vai em frente e colocar o seu centro de interesse ou o seu assunto principal é algo que vamos nos referir nos próximos tópicos. 4. Aula 4 Rede dos terços: Ei, bem-vindo de volta. Então, em nossa última palestra, falamos sobre o centro de interesse. E também mencionamos que nas próximas palestras vamos entender onde vamos em frente e colocar nosso centro de interesse? Houve uma dica dada que mencionou que se deve evitar manter o centro de interesses exatamente no centro do quadro. Porque isso faz com que sua foto pareça um pouco desinteressante. E é aí que a regra dos terços entra em cena. Agora regra de terços é uma maneira fácil de criar ênfase, equilíbrio e interesse em seu trabalho. Então vamos entender o que exatamente é. Assim, um dos princípios mais fundamentais da composição fotográfica é a regra dos terços. Na verdade, é uma técnica de composição tão fácil reunir e ainda tem um efeito muito poderoso em qualquer imagem. E uma vez aprendido, você sabe como enquadrar adequadamente suas fotos da maneira que coloca seu assunto em um dos esportes mais atraentes dentro do quadro. Então, basicamente, o que a regra dos terços diz é que divide a área da imagem em terços, tanto verticalmente quanto horizontalmente. E então você olha para o centro de interesse em uma das interseções das linhas que estão marcadas em UO verde. Agora você pode criar uma sensação de equilíbrio para a sua composição. Vamos olhar para ele através de alguns exemplos sobre, você sabe, onde você está em sua tela é um exemplo das partes que se cruzam que compõem a regra de terços. Você pode identificar como a regra de terços foi usada no exemplo a seguir? Agora deixa-me mostrar-te isso. Agora, se você observar que quando eu apliquei a regra dos terços ao meu localizador de visão, a cadeira que é o assunto ou o centro de interesse nesta imagem em particular, cai no cruzamento de um rendimento. Ok? E, portanto, faz com que a imagem pareça muito interessante em comparação com se a cadeira foi colocada exatamente no centro do quadro. Vejamos mais alguns exemplos aqui e você entenderá melhor. Agora vamos olhar para este exemplo em particular aqui onde você pode ver um navio navegando para o mar. E se você observar, meu centro de interesse está exatamente no centro do quadro. E por causa disso, sinto que essa imagem em particular parece um pouco desinteressante para mim. Agora vamos em frente e expandir este quadro um pouco e aplicar uma regra de terços. E vamos entender quanta diferença faz para esta imagem em particular. Então eu vou levá-lo para esta próxima imagem aqui, e você vai observar que a regra dos terços foi aplicada há mais de um ano. E por causa disso, meu sujeito agora cai no cruzamento de uma das linhas verdes aqui. E isso é algo que coloca mais vida nesta imagem em particular. Parece muito mais interessante e envolvente. Agora vamos olhar para este exemplo em particular. Há vastos foi jogado em algum lugar dentro do meu quadro. E você vai observar que há muito espaço vazio dentro desta imagem em particular. E isso porque eu fui em frente e apliquei especificamente a regra dos terços ao longo do ano, que vai em frente e coloca o meu assunto no ponto de intersecção das linhas verdes. Você está? Ok? Vejamos mais alguns exemplos aqui. Certo, agora estamos aqui. Você pode ver que há uma pequena entrada ao longo do ano, que está na verdade governando uma pequena pedra ou algum objeto dentro da areia. E então, no lado direito, posso ver que há um navio que tem teto. E vocês observarão que se eu seguir em frente e aplicar a regra dos terços ao longo de um ano, uma vez, meus súditos são colocados em pontos interessantes de interseção. Então agora você deve ter entendido que simplesmente deslizando seu assunto para uma das linhas cruzadas da regra da terceira grade, sua foto imediatamente se torna mais atraente porque é imprevisível. Alinhar seu assunto dessa maneira aumenta a tensão visual na foto, tornando-a mais interessante para o espectador. E a tensão visual tende a melhorar a composição fotográfica. E é por isso que uma regra de terços é tão poderosa. É incrível como fazer um ajuste tão simples dentro de sua moldura pode tirar uma fotografia potencialmente chata e torná-la mais dinâmica de olhar. 5. Aula 5 técnicas de ênfase: Ei, bem-vindo de volta. Então, no mundo da fotografia agora vamos falar sobre ênfase. A ênfase é definida como uma idéia ou objeto dentro da obra de arte que chama a atenção e se torna um ponto focal. O ponto focal refere-se a uma área da composição que tem o maior significado e ideia que o artista quer chamar a atenção como aspecto mais importante. A ênfase é um dos princípios da Arte e do Design, que, naturalmente, também inclui a fotografia. Um princípio parece complicado, mas na verdade é apenas uma estrutura para compor uma imagem. E isso é algo que vamos enfatizar mais e obter uma boa compreensão nesta palestra particular ou você. Então, na composição fotográfica, usamos princípios de design para nos ajudar a criar uma imagem coesa que realmente conta a história, atrai o espectador, mantém a atenção do espectador e, mais importante, parece bom. E qualquer fotografia está no mundo vai decidir fazer isso através de várias técnicas. Vamos entender quais são essas técnicas em detalhes. Então, primeiro de tudo, vamos entender como alguém pode ir em frente e criar ênfase usando cores? Então vamos olhar para essas duas imagens ao longo de um ano. Agora você pode enfatizar o ponto focal da sua foto limitando as cores do seu plano de fundo para que apenas o assunto da foto seja colorido. E você também pode enfatizar o ponto focal usando cores complementares também, como no exemplo à esquerda, você pode observar que todo o plano de fundo é na verdade preto e branco na cor. Mas meu foco principal é nesses doadores. E, portanto, você vai observar esse dia apenas aqueles que estão aparecendo em um formato colorido ou roda. E da mesma forma, se você olhar para esta imagem em particular para a direita, é uma imagem completamente preto e branco, mas eu quero ir em frente e colocar a ênfase na UO guarda-chuva, e essa é a razão pela qual eu fui em frente e dei a ela o sombra rosa. Então o que eu fiz aqui é que eu fui em frente e limitei as cores dentro minhas fotografias para que as cores brilhantes se tornem mais proeminentes e sejam mais visíveis a olho nu. Uma mudança de cor pode criar um ponto focal em um experimento. Quanto mais contrastante a mudança, mais o ponto exige a atenção do espectador. Contraste mais suave pode gradualmente chamar a atenção de uma área para a próxima. Sua escolha de cores deve estar de acordo com forma como você deseja que seus usuários prossigam em sua página. Vejamos o próximo ano 0. Agora, se você seguir em frente e olhar para essas imagens em sua tela, você vai entender que eu fui em frente e fiz uso do valor de cor ao longo ano, a fim de ir em frente e criar uma ênfase em certos elementos nessas fotografias. Agora, quando um contraste claro e escuro é usado para criar um ponto focal dentro de uma composição, geralmente nos referimos a ele como uma ênfase. Usando valor. Valor define como claro ou escuro uma determinada cor ou você pode ser. Os valores são melhor entendidos quando visualizam como uma escala de gradiente do escuro para a luz. Quanto mais variância tonal em uma imagem, menor será o contraste. Quando tons de valor semelhante são usados juntos, eles também criam uma imagem de baixo contraste. Agora aqui podemos ir em frente e olhar para alguns exemplos onde podemos ir em frente e criar ênfase usando o método de enquadramento. Agora enquadramento na fotografia refere-se à técnica de desenho de foco para o assunto na foto, bloqueando outras partes da imagem com algo dentro do C. Agora quadros podem ser localizados no centro da imagem, estão ao lado de sua bordas. Então, em outras palavras, enquadrar é uma técnica que os fotógrafos usariam para direcionar a atenção dos espectadores para o assunto principal da imagem. Como você pode ver nessas duas imagens sobre você e posicionar em torno do assunto uma árvore e arco, ou até mesmo pessoas, por exemplo, podem criar um quadro dentro da área da imagem. Então, por exemplo, se você olhar para esta imagem em particular, você pode ver que a caverna está realmente criando um efeito de enquadramento dentro da minha fotografia. Enquanto que se você olhar para esta imagem em particular ao longo de um ano, você pode ver que a entrada para Taj Mahal realmente usou para ir em frente e criar um quadro em que eu possa ver o meu sujeito realmente entrando através desse entrada particular e movendo-se para o Taj Mahal. Agora os assuntos fechados por um quadro se separam do resto da imagem e, portanto, são enfatizados. Agora vamos olhar para a ênfase usando perspectiva. Agora, Perspectiva na fotografia é importante porque cria uma ilusão de uma cena tridimensional. Perspectiva faz um objeto olhar mais longe, são muito mais próximos em relação a. Elementos em sua cena. Perspectiva na fotografia é definida como o sentido de profundidade ou relação espacial entre objetos em uma fotografia juntamente com suas dimensões em relação ao que o espectador do emitem vê. Então, a fim de ir em frente e criar uma ênfase usando perspectiva, aproximar-se do assunto para uma perspectiva mais dramática, que também irá criar ênfase. Agora coloque a câmera em um ângulo baixo ou superior perto do ponto focal da foto. Você, por exemplo, se você olhar para essas duas imagens, você pode entender que eu fui em frente e criei uma ênfase usando perspectiva colocando a lente da câmera muito, muito próxima do meu assunto. E levando a câmera em um ângulo mais alto ou mais baixo perto do ponto focal da minha fotografia. E se você seguir em frente e olhar para essas duas imagens em particular, você pode ver que há elementos repetidos dentro de minhas fotografias. E se você tem um elemento repetido em sua imagem, como escadaria de lâmpada noturna ou qualquer coisa que está sendo repetida em um intervalo regular. Em seguida, você pode ir em frente e criar ênfase usando a perspectiva capturando os elementos que são maiores e mais próximos da perspectiva da câmera. Agora também podemos ir em frente e criar uma ênfase em nossa fotografia fazendo o melhor uso de um espaço negativo. Espaço negativo é a área em torno do assunto principal em uma fotografia que fica desocupada. Simplificando, é o espaço em torno do próprio sujeito que ajuda a definir o espaço positivo. Quando você usa criativamente juntos, espaço negativo e positivo pode comunicar a composição de sua fotografia. Em outras palavras, o uso de espaço negativo aumenta muito a sensação de isolamento do sujeito do fundo. Espaço negativo enfatiza e define o assunto principal da foto e ajuda a chamar a atenção do espectador para ela. Ao desordenar a composição, você fornece à imagem espaço para que o sujeito se reproduza e se envolva com a exibição. Pode-se também ir em frente e criar uma ênfase usando a textura dentro de sua fotografia. Agora os seres humanos são muito curiosos para o contraste de texturas ásperas e suaves dentro de uma fotografia, e ele vai chamar a atenção puramente por causa da diferença. Agora, um bom fotógrafo pode mostrar ênfase usando textura mostrando um contraste entre diferentes texturas dentro da fotografia. Nos exemplos acima, o ponto focal, tem mais texturas, banda os fundos. Nos exemplos que você pode ver em sua tela, você pode observar que o ponto focal que são essas meninas têm mais textura do que os fundos que são ou superfícies lisas, reflexivas ou ásperas. Ao usar textura para ênfase, tenha em mente que uma superfície texturizada cárie mais peso visual do que a superfície lisa. E para equilibrar essas áreas, faça da área texturizada uma parte menor da fotografia do que esta outra panela. Agora, como você pode ver nesta fotografia, ao longo do ano, a textura da parede no fundo contrasta com os modelos, pele lisa e brilhante aqui. A profundidade de campo superficial serve ainda mais para criar uma ênfase no modelo à medida que nossos olhos são desenhados, o foco dos objetos. E também a separa completamente do fundo. No entanto, se o seu objetivo é ir em frente e criar um desequilíbrio sua fotografia, então, por todos os meios, permitir que as superfícies texturizadas dominem com áreas suaves menores. Pode-se até mesmo ir em frente e criar uma ênfase usando formas e formas dentro de uma fotografia. Agora, a forma e forma da palavra na fotografia às vezes são usadas de forma intercambiável. No entanto, os termos são geralmente dois caracteres visuais distintos. Em termos básicos, uma forma descreve uma área plana e fechada do espaço. Agora as formas podem ser construídas com cores e linhas. Todas as formas são limitadas a duas dimensões, largura e comprimento. Agora vai. E outras formas irregulares fluidas são conhecidas como formas orgânicas, enquanto formas angulares como quadrados e triângulos são conhecidas como formas geométricas. Agora as formas em uma arte visual diferem da forma porque são percebidas como tridimensionais. Eles operam em largura, comprimento e profundidade. Os formulários podem ser geométricos ou de forma livre sem delineamento específico ou limite visual. A diferença entre forma e forma é simplesmente leve. Quando você acende um assunto, ele aparece mais tridimensional devido ao contraste da luz e da sombra sobre o assunto. Sem enganar o assunto, é puramente bidimensional na aparência, e é, portanto, apenas uma mudança de silhuetas e um ótimo exemplo de usar a forma na fotografia. A razão pela qual as silhuetas são tão envolventes é porque normalmente não vemos objetos como estes são gelo que podem ter um alcance dinâmico muito maior do que nossas câmeras. Assim, além do fator novidade de uma silhueta, o contraste de uma forma muito escura contra um fundo mais brilhante desenha e morre. Então, em outras palavras, a diferença entre forma e forma é simplesmente leve. Quando você acende o assunto, ele aparece mais de três dimensões por causa do contraste de luz e sombra sobre o assunto. E sem sombrear um assunto, é puramente bidimensional na aparência e, portanto, é apenas uma forma. Assim, enquanto a forma e a forma na fotografia desempenham papéis diferentes, cada um cultiva um nível distinto de impacto e engajamento dentro da fotografia. 6. Aula 6 ângulos e pontos de vista: Agora anos uma pequena fotografia ou segredo que eu vou compartilhar com vocês. Os ângulos da câmera e a fotografia têm um grande impacto sobre como uma foto faz o espectador se sentir e a mensagem de que ela galerias. Ficaria espantada com a forma como um simples que eu quis dizer no seu ângulo para um assunto pode transformar sua foto completamente. E nesta palestra em particular, vamos aprender como isso funciona e ajudá-lo a aprender a escolher os melhores ângulos de câmera para suas fotografias. Assim, várias posições da câmera podem ser altas, médias ou baixas, esquerda, direita ou reta, pode dar um ponto de vista diferente, perspectiva ou um efeito visual para sua fotografia. Um ponto de vista adequado ou ângulo de câmera é um fator importante em uma boa composição. E reposicionar o objeto dentro do quadro do visor e mudar o ponto de visão da câmera. Nosso ângulo de câmera são duas maneiras simples de controlar essa composição. Deixe-nos saber sobre isso um pouco mais detalhadamente. Então os ângulos da câmera são uma referência para que as fotos sejam compostas. Embora interpretado de forma diferente por pessoas diferentes. Ângulo da câmera, em termos simples, é definido como o ângulo em que a câmera está voltada em relação ao assunto. Agora, os ângulos da câmera podem dar ao público e informações emocionais devido ao fato de que ângulo da câmera é essencialmente a relação entre a câmera e o assunto. Então vamos entender os diferentes ângulos de câmera em detalhes. Então, primeiro, vamos falar sobre a câmera no nível dos olhos. Mas este é o tipo mais comum de curto usado, já que é o ângulo do mundo real que todos estamos acostumados. Escolheu o assunto, como esperaríamos vê-los na vida real. E isso é um tiro neutro? Ângulo alto, um tiro de ângulo alto mostra que o sujeito de cima para gamba está irritado para baixo em direção ao assunto. E isso irritado tem o efeito de fazer o sujeito parecer menos poderoso ou mesmo submisso. Ângulo baixo. Esta foto é tirada de baixo do assunto e a câmera está irritada com o sujeito. Ele pode dar ao sujeito uma sensação de poder e dominância em um tiro. Uma visão de pássaro. Este tiro mostra o sujeito diretamente acima dele. Esta visão não é natural e é muito diferente. Então ele pode ser usado para criar um efeito dramático, são para mostrar uma perspectiva espacial diferente. Também pode dar ao público um sentimento divino, que pode fazer com que as coisas incluídas no afiado pareçam pequenas e às vezes até insignificantes. Uma visão inclinada ou holandesa de inclinação. Agora é aqui que a câmera está. Bug era realmente dedicado a um lado para que o horizonte está em um ângulo. Agora isso pode criar um efeito interessante e dramático. Agora, as fotos que você pode capturar dentro de um quadro podem ser de vários tipos. Vamos entendê-los também, um pouco em detalhes. Então o primeiro é um tiro no escuro extremo. Agora, em um tiro extremo longo pode ser levado até um quarto de milha de distância do que você está fotografando. E é geralmente para estabelecer uma configuração, muitas vezes chamado como estabelecer tiro ao capturar uma imagem em movimento, Sua distância significa que muito pouco detalhe é mostrado. Assim, este tipo de tiro é usado para dar uma impressão geral em vez de dar qualquer tipo de informação específica dentro de um ano após a adesão. Um tiro no escuro. Um tiro no escuro é talvez o tipo mais difícil de categorizar. Mas é geralmente definido como uma tabela de tamanho real, que inclui um completo e afiado shorts, que mostra um corpo humano inteiro da cabeça aos pés. No entanto, tiros longos não se limitam a enganar curto. Tiro médio. Tiro médio muitas vezes envolve um sujeito ser uma pessoa. E o tiro inclui partes de seu corpo que tinham uma besta da máfia que pode ser mais de uma pessoa em um meio afiado. Mas se houver mais de três pessoas, ele tende a se transformar em um longo afiado. Assim, os cortantes com mais de uma pessoa são classificados como variações de tiro médio. Um tiro de perto. Um close-up mostra muito pouco fundo e muitas vezes se concentra no rosto são alguns detalhes específicos dentro de uma cena. Tudo como é muitas vezes se concentrar em segundo plano. Agora este tipo de tiro é frequentemente usado para ampliar algo. A nossa mostra a sua importância. Pode ser usado para qualquer coisa, desde cartas em papéis a rostos de animais, uma fotografia ou um pode usar um close-up para nos fazer sentir mais ou menos confortáveis com alguém com a intimidade que é criada pelo curto. Uma lente de zoom é frequentemente usada para obter o enquadramento necessário para este tipo de fotos. E um tiro extremo em close-up. Extremo close-up, como o nome sugere. Este tipo de tiro é uma versão extrema do short close-up. Geralmente, o objetivo de ampliar o assunto é algo dentro do quadro tal forma que o olho humano não seria capaz de experimentar isso na realidade. Por exemplo, um close-up extremo de um rosto só mostraria uma parte do rosto como uma boca ou olhos sem nenhum detalhe de fundo. É um tiro muito artificial. Assim, ele pode ser usado para criar diversidade e um efeito dramático. O foco deve ser muito nítido com este curto. Portanto, é importante que o afiado seja configurado corretamente com a iluminação e o ângulo corretos. E então a fotografia é tirada com extremo cuidado. 7. Aula 7 luzes e sombras: Então vamos falar de luzes e sombras agora. Agora você provavelmente não pensa muito neles enquanto atira. Mas sombras e luzes podem tornar uma cena mais dramática se você souber como usá-las da maneira certa. A iluminação é um elemento criativo importante da composição. E controlando a luz e direcionando-a para onde quiser. Você pode subjugar os objetos ou elementos de distração na cena para dar mais ênfase aos principais pontos de interesse. Então é tudo sobre a luz para fotografar é escrever com luz. Fotografia foi dedicar tanto tempo e discussão ao tema da luz que é fácil entender mal sua ênfase. Fotografia de luz e sombra está usando luzes e sombras fortes para criar silhueta abstrata ou anônima, especialmente em monocromática com luzes de alto contraste. As imagens podem criar perspectivas muito únicas. E quando você tem luzes duras são fontes de luz brilhantes. Você pode criar imagens de luz e sombra realmente grandes. Luz e sombras podem ser usadas na composição para criar um humor, para chamar a atenção para uma área, para modificar ou distorcer uma forma ou para realçar forma e textura em um assunto. Sombras, por outro lado, são a chave para a forma aparente. Nas fotografias. Sem sombras, o sujeito registra sem forma, curvaturas ou textura, o que significa que ele parece extremamente plano e às vezes até sem vida. Embora a quantidade de luz seja um fator importante na criação de fotografias, há mais em fazer uma imagem interessante do que brilhar até mesmo luz em seu assunto. Na maioria dos casos, mesmo a luz que cai sobre os assuntos elimina todas as sombras e deixa a pessoa ou objeto em uma foto parecendo plana. No entanto, sombras sutis em um lado do rosto da pessoa fornecem uma sensação de forma. E um feixe de luz brilhando na sala para uma pequena passagem, deixando grande parte na sombra, faz com que pareça uma imagem tridimensional. É a forma como a luz é usada em combinação com sombras que faz o sujeito ganhar vida. E aqui vai uma dica rápida. Além de adicionar profundidade às imagens, as próprias sombras podem ser objeto de uma fotografia. Algo misterioso sobre esta forma escura. O espectador fica se perguntando sobre a pessoa ou coisa que está lançando a sombra. E as sombras podem ser usadas para preencher artisticamente um espaço vazio em um quadro também. 8. Aula 8 linhas e padrões: Linhas são um elemento de design. E assim eles adicionam à composição de uma imagem. O direcionar o olho do espectador para dentro e ao longo da foto para o ponto focal. Eles também impactam o humor da foto dependendo do tipo de linha e como ela é usada. Linhas podem realmente dar uma estrutura às suas fotografias. Eles podem unificar a composição dirigindo o olho do espectador e a atenção para o ponto principal da imagem. Ou leve os olhos de uma parte da imagem para outra. Eles podem levar os olhos ao infinito, dividir a imagem e até criar padrões. Portanto, prestar atenção ao impacto das linhas na fotografia e usar as linhas para adicionar ao espectador experiente pode levar a sua composição fotográfica para o próximo nível. Através da perspectiva linear. Linhas podem dar uma sensação de profundidade à fotografia. Linhas paralelas parecem convergir, criando uma ilusão de profundidade. Estas linhas retas e paralelas fenómeno. E um dos melhores elementos da fotografia, sempre esquecido em linhas verticais, diagonais, horizontais e curvas criam diferentes humores. As linhas verticais comunicam ao espectador uma sensação de corda, rigidez, poder e solidariedade. Por outro lado, linhas horizontais representarão paz, tranquilidade e tranquilidade. As linhas diagonais representam movimento, ação e velocidade. Uma imagem com linha diagonal transmite uma sensação de ação dinâmica mesmo quando o assunto é estático. Vamos olhar para eles um por um. Então, vejamos as linhas horizontais primeiro. As linhas horizontais são geralmente interessantes e proporcionam uma estabilidade e descanso à sua imagem. E também o assunto que está envolvido na sua imagem. É mais uma permanência e consistência definidas para a sua fotografia. E eles também servem como uma linha divisória, criando uma âncora para o sujeito ou o objeto com ele. Por outro lado, se olharmos para linhas verticais, as linhas verticais não passam de humor. Eles tornam a fotografia ainda mais poderosa. Tente segurar a câmera verticalmente enquanto detecta uma. Tentou filmar estas linhas. Isso cria mais comprimento para sua cena. Tentando transmitir ou retratar o Haydn. Você também pode se sentir livre para quebrar a regra. E um enquadramento horizontal pode fazer com que um sentido seja o mais forte na sua fotografia. As linhas diagonais, por outro lado, quando olhamos para elas, chamaram a atenção do espectador muito rapidamente. E confie em mim, eles parecem muito atraentes em uma imagem. Eles geralmente trabalham criando um ponto de interesse dentro do quadro mais linhas de interseção dentro deles para a fotografia tem vantagem, criando perspectivas impressionantes. Há uma sensação de dinâmica na imagem como se algo estivesse sempre se movendo dentro dela. ilusão é a vantagem das linhas diagonais. Muitos estudos revelaram que as pessoas muitas vezes enfatizam uma imagem, afirmando que o assunto viaja da esquerda para a direita, trabalhando a seu favor e pode criar algumas fotos realmente memoráveis para você. Portanto, há sempre vários fatores, incluindo essas linhas dentro do seu quadro. Ela sempre ocorre em combinação de linhas horizontais, verticais e diagonais. Quando tentamos alinhar com o visor e torná-lo reto e paralelo. Isso é sempre importante para eles. Criando um sabor forte para a sua fotografia. Isso não é perturbação, qualquer ilusão indesejada que é causada. Como alguns podem pensar que isso pode acontecer. Ele não cria qualquer distração tirando para os espectadores que sempre tentaram equilibrar essas linhas e fazê-los olhar reto. Como equilibramos o horizonte. Fazer isso fará com que o assunto dentro do quadro pareça muito mais bonito. Agora vamos entender os padrões. Os padrões estão ao nosso redor, mas raramente pensamos em fotografá-los. É como se estivéssemos pré-programados para fotografar apenas certos assuntos como pessoas, camas, paisagens, etc. Agora, se isso soa como você, então você definitivamente está perdendo um elemento muito importante em sua composição de imagem. Fotografia padrão utiliza elementos que são repetidos. A repetição de linhas, formas, tons ou cores pode realmente ir em frente e criar imagens interessantes que são fotógrafos que usaram um padrão como o assunto principal de um arquivo de imagem. Outros usá-lo para melhorar a composição geral e aparência de sua foto real. Agora os padrões podem ser naturais e feitos pelo homem. Agora ambos vão realmente trazer uma sensação de ritmo visual e harmonia para suas fotografias. E se começarmos a procurar um padrão dentro e ao nosso redor, observaremos que elementos gráficos venenosos e fortes como linhas, cores, formas ou formas são repetidos. São fatores que são criados dentro e em torno de nós. Criando suas imagens em torno de elementos de repetição ou padrão. Largura fornece uma imagem de boa unidade e uma estrutura. Mapeado e reputação cria um ritmo que os olhos definitivamente vão gostar de olhar. Quando linhas, formas e cores dentro de uma imagem ocorrem de forma ordenada, elas criam um padrão que muitas vezes responde à atratividade de suas fotografias. Então tentou usar linhas e padrões mais frequentemente em sua fotografia, porque eles estão sempre por perto. Você. Basta olhar ao seu redor e você sempre vai encontrá-los. Eles são apenas adicioná-los às suas fotografias e ver a composição da sua fotografia indo para o próximo nível. 9. Aula 9 contraste, equilíbrio e outros fatores: Então vamos olhar para alguns dos mais elementos que entram em uma boa composição de imagem e contraste sendo um deles. Agora, se eu tiver que definir o contraste em termos muito simples, não é nada além da diferença nas áreas claras e escuras da imagem. Se o contraste for muito alto, a imagem ficará animada. E, inversamente, se o contraste for baixo, a imagem pode parecer plana e monótona é. No entanto, há um pequeno lado inverso para isso também, porque vamos usar ambos os tipos de contraste como e quando necessário. Agora, o contraste é um elemento-chave para transmitir certos humores através da sua imagem. Assim, fotos de alto contraste aparecerão. Eles mostrarão texturas no assunto e darão uma sensação de nervosismo, alta energia e força. Então alto contraste é basicamente usado em fotografia de rua ou fotografia de natureza. Imagens de baixo contraste, por outro lado, tendem a ter uma sensação muito sonhadora. Assim, o baixo contraste funciona bem para retrato ao ar livre. E especialmente se você está tentando ir em frente e criar um olhar sombrio ou vintage. Então, antes de tirar qualquer fotografia, pense no que mais você quer transmitir e, em seguida, procure o tipo de contraste que fará com que se destaque. Então, em palavras muito simples, o contraste é o intervalo de diferença entre diferentes tons em uma fotografia. Na fotografia a preto e branco, o contraste descreve a diferença entre o tom mais escuro e o mais claro, mas também define a escala de cinza. Na fotografia a cores, os contrastes se aplicam a quão acentuadamente as cores se destacam umas das outras. Contraste como um meio eficaz de direcionar a atenção do espectador para o centro dos interesses. Assim, o posicionamento dos elementos do assunto para criar um contraste dá-lhes uma ênfase adicional e direcionar a atenção dos espectadores para ele. Agora, embora haja muito debate sobre o que apenas escreve em termos de contraste, você quer que seus tons vão de escuro para muito brilhante com cada cor no meio mostrada nas fotografias anteriormente. Agora isso pode ser melhor visto em fotografias a preto e branco como você quiser, verdadeiro preto a branco e todas as sombras entre si. Agora, essencialmente, um bom contraste é o que permite que suas cores para estourar seus assuntos para ser bem definido. Então, ao fotografar, sempre tente imaginar quais serão suas opções de contraste antes mesmo tirar o tiro e enlouquecer quando você finalmente chegar ao computador ou ao quarto escuro. Como em tudo, a prática é algo que o tornará perfeito. Agora vamos falar sobre algo chamado de equilíbrio visual. Agora, o equilíbrio visual realmente traz uma certa estabilidade e quantos a uma imagem. Considerando que em certos casos e composição desequilibrada pode fazer com que uma imagem pareça realmente dinâmica e enérgica. Porque o equilíbrio visual confere um determinado campo a uma imagem ou uma fotografia ou lata, e escolherá fazer a cena equilibrada ou desequilibrada com base no seu é de modo a expressar o significado por trás da fotografia. Agora, o equilíbrio da Vigília é algo que traz uma certa estabilidade e harmonia para uma imagem que é em certos casos e composição desequilibrada pode fazer uma imagem parecer realmente dinâmica e enérgica. Porque o equilíbrio visual confere um determinado campo a uma imagem ou a uma fotografia, ou eles podem optar por tornar a cena equilibrada ou desequilibrada para ajudar a expressar o significado por trás da fotografia ou qual é a intenção por trás dele indo em frente e clicando nessa fotografia. Agora, uma imagem perfeitamente equilibrada é aquela em que os arranjos dos elementos são tais para que nenhuma área se sobrepuja uns aos outros. Balance inclui como todos os elementos são dispostos de modo a criar uma estabilidade em um pedaço de trabalho. No AP, o equilíbrio depende do tamanho e do número de objetos dentro de uma cena. Em um lado da pintura ou uma fotografia tem um grande número de objetos grandes, e o lado oposto tem poucos objetos pequenos. A paz pode parecer desequilibrada para o espectador. Objetos do mesmo tamanho e número em lados opostos da imagem tendem a produzir uma composição equilibrada. A colocação do assunto dentro da área da imagem é o fator que deve ser cuidadosamente considerado. A composição é mantida em equilíbrio por dois métodos diferentes, simétricos e simétricos. Vamos entendê-los em detalhes. Agora, embora nem todas as fotografias equilibradas sejam simétricas, todas as fotografias simétricas são definitivamente equilibradas. A simetria, também conhecida como o equilíbrio formal, é alcançada quando ambos os lados da imagem têm o mesmo peso. Agora os fotógrafos criaram licença para tomar este cemitério como literalmente são tão Esqueça terrivelmente quanto eles quiserem. Como você pode ver pelos dois exemplos que eu tenho mostrado abaixo. Agora, cada fotografia é igualmente equilibrada se dividida no meio. No entanto, um é literalmente simétrico e o outro usa diferentes elementos de composição. Aparece na métrica conhecida alternativamente como equilíbrio informal. equilíbrio assimétrico é um pouco mais difícil de alcançar. Quanto mais você estiver conscientemente consciente do equilíbrio assimétrico em sua composição pessoal, mais fácil se tornará em sua prática diária. Basicamente, a simetria transmite equilíbrio e proporção em uma fotografia. E é uma forma de padrão que ilustra a consciência do paciente, muitas vezes através da reflexão e rotação. O uso de simetria ou simetria como ferramenta artística permite explorar completamente diferentes reflexões de composição. Um dos melhores exemplos disso. Agora vamos falar sobre cores. E há duas razões principais para isso. As cores podem nos ajudar a contar histórias e pode ser usado para se comunicar em um nível emocional. A parte da emoção é o que eu acho muito, muito importante. Eu iria tão longe a ponto de dizer que a cor é o principal fator que é responsável por fazer uma foto se sentir emocionante, animada, misteriosa, ou talvez até melancólica ou pouco sombria. Olhando para a imagem no topo da página, você pode ver que algo tão simples como roupas na linha contra uma parede olhar realmente dramático e sentir emocionante apenas por causa das cores. Então as cores podem ajudar a contar histórias e pode ser usado para se comunicar em um nível emocional. As cores podem fazer uma foto parecer emocionante, animada ou até triste. As cores também podem ser simplesmente usadas como um elemento para focar ao tirar fotografias animadas. E agora vamos falar sobre ritmo e movimento em sua composição. Agora lê-os. Um componente crítico da música, dança e poesia é também uma qualidade de grande significado nas artes visuais. ritmo pode afetar a qualidade da experiência de visualização para o seu público e ajudar a desenhar e manter o olho dentro do quadro. Padrão pode ser pensado como um assunto de ritmo. E que o padrão sempre terá um ritmo, mas os ritmos não necessariamente terão um padrão. E enquanto fala sobre movimento, ter uma reputação de elementos em sua foto pode produzir a aparência de um movimento. Agora, movimento é o caminho que o olho do espectador toma através do trabalho de um estranho, muitas vezes para focar áreas. Tais movimentos podem ser direcionados ao longo de linhas, bordas, formas e cores dentro da obra da arte. Portanto, há muitas maneiras pelas quais um ritmo ou um movimento podem ser criados em uma fotografia. Mas o padrão padrão mais usado é uma reputação. Este ritmo padrão envolve os mesmos elementos ou semelhantes que se repetem em intervalos regulares. Agora, pense nesses barcos igualmente espaçados nesta imagem em particular. Aqui estão uma série de janelas ao lado do prédio de apartamentos da cidade, ou a série de árvores que você pode ver na segunda imagem aqui fora. Em ambas as imagens, essa reputação é algo que está dando o ritmo e o movimento a essas imagens em particular. Então tente adicionar esses pequenos sabores à sua composição de imagem e tente ver a diferença que ele faz no tipo de fotografias que você tira no futuro. 10. Aula 10 de profundidade: Agora, antes de irmos em frente e terminar a série sobre composição, quero tocar um pouco na profundidade do campo. Porque profundidade de campo é algo que pode realmente adicionar vida à composição de uma imagem. E qualquer um que já manuseou uma câmera e entende o que é uma abertura também sabe qual é a profundidade do campo. Agora, profundidade de campo não é nada além da quantidade de distância entre os objetos mais próximos e os mais distantes que aparecem em um foco aceitavelmente nítido em uma fotografia. Então, por exemplo, se você estiver olhando para esta fotografia de um ano, que é de uma mesa de bilhar e tem algumas bolas nela. E você vai observar que a bola que está muito perto da lente, aparece em foco acentuado. Enquanto o segundo, que está um pouco longe da lente, está fora de foco. E então o terceiro, que é o nosso ano, está completamente fora de foco. Isso é algo que se pode conseguir gerenciando a profundidade de campo dentro de uma imagem. Agora controlar a quantidade de profundidade de campo em uma fotografia é uma das coisas mais importantes que você pode fazer. É como você pode controlar o que está em foco nítido e o que não está em foco. E isso é vital porque torna possível enfatizar certas partes da sua fotografia e desenfatizar certas partes. Agora, a profundidade do campo depende da abertura da lente, da distância focal da lente e da distância entre a lente e o objeto. Agora vamos basear um pouco nisso para que você tenha uma melhor compreensão do que é a profundidade de campo. Agora, se alguém quiser entender o que é profundidade de campo, ele precisa ter uma compreensão justa do que é uma abertura de câmera. Agora, a abertura é o buraco que permite que a luz entre através da lente. E é um tamanho de abertura na lente. Quando a foto é realmente tirada. Cada abertura tem um número f-stop. Agora, eu não vou entrar em muitos detalhes sobre isso porque abertura F-stop é um grande tópico e uma série de palestras separada em si mesmo. Mas é preciso entender que a profundidade de campo se refere a quanto da cena está em foco, tanto na frente quanto atrás do assunto em foco. Por exemplo, se você estiver olhando para este cubo sobre a Europa, alterando o f-stop, eu posso ir em frente e tornar o fundo desfoque ou mais nítido dentro de uma imagem. Agora grande profundidade de campo significa que a maior parte da sua imagem estará em foco. E uma profundidade de campo pequena ou superficial significa que apenas parte da imagem estará em foco e o repouso será difuso. Agora, como isso está relacionado com o número f-stop de sua abertura? À medida que o número f-stop aumenta, a nitidez também aumenta. E quanto menor o número f-stop, mais estreita será a profundidade do campo. Quanto maior o f-stop, maior será a profundidade do campo. Então, se você olhar para esta imagem em particular ao longo do ano, você vai observar que como e quando meu número f-stop é aumentar, a nitidez aumenta na imagem. Por outro lado, quanto menor o número f-stop, estreita é a profundidade de campo que obtenho nesta imagem em particular. Pode-se sempre ir em frente e controlar o número f-stop na câmera usando o triângulo de exposição. Agora por que entender profundidade de campo é importante porque ao entender esta importante faceta da fotografia digital, ele vai fazer sua fotografia é se destacar mais do que outros fotógrafos em algumas das cenas que você quer fotografar, você iria querer que tudo estivesse em foco afiado. Enquanto em outras cenas, você só vai querer uma parte do assunto para estar em foco nítido. E é por isso que é importante entender o conceito de profundidade de campo na fotografia. E também é vital que você perceba que você pode afetar a profundidade de campo ao usar qualquer determinado Canadá. Agora anos como muito div que eu quero ir em frente e compartilhar com você. A abertura da lente maior que mantém um f-stop de 1,8 a 3.5 oferecerá as seguintes vantagens. Ele permitirá que você atire mais com apenas luz natural. E isso irá ajudá-lo a reduzir sombras ásperas e olhos vermelhos que são causados pelo flash. Isso permitirá que mais luz passe pela câmera e você será capaz de escolher uma velocidade de obturador ligeiramente maior. Ele também ajuda a reduzir o desfoque de movimento. E por último, mas não menos importante, ajuda você a reduzir a profundidade de campo para efeito. Vamos em frente e olhar para algumas dessas imagens que lhe darão uma melhor compreensão de como apenas mudar a profundidade do campo e tornar seu fundo embaçado ou loja, pode realmente mudar toda a composição e a forma como o espectador olha para as suas fotografias. Agora com isso, chegamos ao final da série de palestras sobre arte da composição da imagem. Lembrem-se, a prática é algo que o fará perfeito. Agora, o que quer que você aprendeu nesta série de palestras, soa como muito alto e ordem e um que você nunca vai cumprir. Não se preocupe. Todos pensam que, no início, essa teoria é mais assustadora do que colocá-la em prática. Como você pratica e se acostuma com isso, ele se tornará uma segunda natureza para você. Você vai encontrar-se quase automaticamente e rapidamente identificando o centro de interesse. Localizá-lo corretamente no quadro, compondo para equilibrar o visor e tirar uma imagem eficaz e bem composta fornece a ênfase que você quer sem sequer pensar nisso. A palavra-chave é, no entanto, prática, quando você pratica fazer algo certo muitas vezes, então você começa a fazê-lo direito o tempo todo sem sequer ter que pensar sobre isso. Então vamos em frente e vamos começar a clicar em algumas imagens maravilhosas e levar suas habilidades de composição para o próximo nível.