Como escrever melodias fortes: lições das árvores, fumaça, músculos e ondas (composição musical)

1. Introdução do curso: Ei, meu nome é Jonathan Hitle. Esta aula vai ser tudo sobre maneiras que você pode escrever melodias mais fortes. Vamos começar com uma pergunta. Por que exatamente fazer algumas músicas e algumas melodias ressoa tão profundamente conosco? Quando me sentei com esta pergunta um pouco, eis o que veio até mim. Na maioria das vezes, quando algo ressoa profundamente conosco, é porque ele imita ou semelhante ao mundo natural que nos rodeia, à natureza. Por exemplo, em todo o mundo, em todas as culturas, as pessoas são atraídas pela música com um ritmo constante. Como isso é semelhante à natureza? Bem, dentro de nossos corpos, temos um coração que está batendo a um pulso constante, e dependemos disso para nossa sobrevivência. Claro, nós ressoamos com coisas que têm uma batida constante. Ritmo literalmente nos mantém vivos. Para esta aula, enquanto mergulhamos em maneiras que você pode escrever melodias mais fortes, eu vou usar exemplos da natureza como um quadro e um caminho para o material. Vamos ver o que árvores, fumaça, músculos e ondas têm que nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes. Se isso soa intrigante para você, inscreva-se nesta aula e vai se aprofundar na anatomia de uma melodia, que é apenas uma fantasia e encontrar nossa maneira de dizer teoria musical. 2. Árvores: O que as árvores têm para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes? Como já mencionei, ressoamos com coisas que são semelhantes ao mundo natural que nos rodeia. Quando você olha para uma árvore, uma das características mais distintivas é o padrão nos ramos. Não surpreendentemente, você pode encontrar o mesmo padrão em nossos corpos. Esta é uma imagem de veias pulmonares, os vasos sanguíneos que estão em nossos pulmões. Com os dois ramos de árvores em suas veias, quero chamar sua atenção para algo específico. Eles têm uma série de padrões menores que são muito semelhantes entre si, e eles se combinam para fazer uma forma maior. e esta é exatamente a mesma estrutura de uma melodia. As melodias também têm uma série de padrões menores que se combinam em uma forma maior. Em uma teoria musical, estes têm nomes específicos. O menor padrão é chamado de motivo, e você combina estes juntos para fazer uma frase. Arnold Schoenberg, um famoso compositor definiu um motivo como uma unidade que contém uma ou mais características de intervalo e ritmo cuja presença é mantida ao longo da peça. Agora, essa é uma definição extremamente acadêmica de um motivo. Vou tentar dar-lhe uma versão mais simples. Um motivo é o bloco de construção a partir do qual você faz uma melodia. Semelhante a h ow Legos têm estas formas muito básicas e simples. Mas a partir deles, você pode criar uma variedade surpreendente de coisas. Um motivo essencialmente tem dois elementos para ele, um ritmo distinto e intervalo de nota. Para realmente entender isso, vamos ouvir o que é provavelmente o motivo mais famoso de todos os tempos. Quinta Sinfonia de Beethoven também é um grande exemplo porque ele coloca o motivo bem no início, e é tão simples e simples, você pode realmente ver a magia que ele cria o que esta peça. Se olharmos mais de perto para este motivo, você pode ver os dois elementos. Temos o ritmo e temos o intervalo. Agora, vamos ouvir como ele pega esse motivo e o transforma em uma frase, e bem ali, ele já fez algo significativo com esse motivo. Ele repetiu, mas ele mudou para uma nota diferente, e isso mudou o intervalo aqui do terceiro maior para aqui um terço menor, e esta é a essência do desenvolvimento melódico. Você está pegando um motivo e está mudando de maneiras sutis. Agora com isso em mente, vamos ouvir isso de novo. Nesta próxima seção, ele mantém a parte rítmica do motivo consistente. Mas ele realmente começa a brincar com a variação nos intervalos de notas. Temos um terceiro maior, um segundo menor, um terço menor, um quarto perfeito, e você não pode realmente vê-lo aqui, mas é outro segundo menor. Vamos ouvir como isso soa. Vamos tirar alguma inspiração de Beethoven, e construiremos nossa própria melodia, mas torná-la um pouco mais contemporânea. Eu vou criar intencionalmente uma melodia muito simples e básica, principalmente porque eu quero que você seja capaz de ver o motivo e o desenvolvimento muito claramente. Criei uma melodia básica com a qual podemos trabalhar. Vamos dar uma escuta primeiro e depois eu resolvo para você. Como lembrete, não estamos tentando criar a melhor melodia de todos os tempos. Não se distraia se gostou ou não desta melodia. Estamos usando isso como ilustração para entender o processo de desenvolvimento melódico, algo que você pode fazer com qualquer idéia melódica. Nesta melodia, você deve ter notado que existem dois motivos primários. Há uma ideia, que se repete duas vezes, e há uma ideia. Você pode até argumentar que o segundo motivo realmente não é um novo motivo. É realmente apenas um desenvolvimento do primeiro usando este intervalo aqui, uma e outra vez. Vamos começar nosso desenvolvimento trabalhando no primeiro motivo, e eu vou levá-los através realmente do mesmo processo que eu passo quando estou trabalhando em melodias e desenvolvendo idéias. Pego nesta ideia melódica inicial, o motivo e giro em torno de um julgamento. Coisas diferentes. Às vezes parece um pouco como um jogo de Tetris. Vamos começar com o primeiro motivo. Dê outra escuta. Uma das primeiras coisas que posso fazer é virar e jogar ao contrário. Não é um verdadeiro inverso onde eu estou girando o ritmo também. Neste exemplo, estou mantendo o ritmo o mesmo. Eu só estou mudando as notas, e então eu posso virar de cabeça para baixo. Novamente, não estamos mudando o ritmo, estamos apenas mudando o arranjo da nota. Poderíamos tentar movê-lo para começar com uma nota diferente, e o que estou fazendo aqui é apenas tentar ver se há uma maneira diferente de distorcer esse motivo que eu gosto mais. Igual a editar uma frase que você possa estar escrevendo. Por exemplo, se você tentar muito, ele pode sair pela culatra. Pode sair pela culatra, se você se esforçar demais. Não se esforce tanto. Quando você reescreve frases como essa, você está tentando ver se há uma maneira mais direta de dizer o que você está tentando dizer, e a mesma coisa é verdade com a música quando você estava trabalhando para reescrever seus motivos ou suas frases. Agora, vamos fazer a mesma coisa com o segundo motivo. Ouçam de novo, e podemos virar este de cabeça para baixo. Ou experimente em uma nota diferente. Agora, que pegamos esses dois motivos e tocamos com eles como Tetris o transformou, vamos combinar alguns deles juntos para fazer algumas variações em toda essa melodia. Pegaremos o primeiro motivo, que viramos para trás, e combinaremos isso com o segundo motivo inalterado. Eu também gosto que podemos virar o primeiro motivo de cabeça para baixo, e vamos combinar isso com o segundo motivo movido para uma nota diferente. Agora, que tal quando mudamos o primeiro motivo para uma nota diferente e combinamos isso com o segundo motivo mover para uma nota diferente também? Agora também podemos começar a mudá-lo ainda mais. Pegue o segundo motivo, vamos colocá-lo no início, repeti-lo e, em seguida, adicionar o primeiro motivo virado de cabeça para baixo. Como você pode estar começando a ver, nós poderíamos fazer isso por um tempo mais, e esta é apenas uma melodia muito simples com dois motivos. Às vezes você tem uma idéia e a melodia fora da caixa é ótima. Você não precisa desenvolvê-lo ainda mais. Mas se você é alguém que realmente quer escrever melodias mais fortes, esta prática é como você chegar ao seu melhor trabalho criando muitas variações na sua ideia e depois escolhendo a mais forte. No início deste capítulo, olhamos para o que as árvores têm para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes, e a essência disso é sobre padrão, e os motivos são os padrões que você pode usar para construir melodias. Neste próximo capítulo, vamos olhar para o que é fumaça tem para nos ensinar sobre a utilização do elemento surpresa. 3. Fumo: Agora, o que a fumaça tem para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes. Mais uma vez, vou propor que ressoemos com arte semelhante à natureza. Quando você olha para a fumaça, eu acho que a característica mais definidora é a turbulência, que pode ser encontrada não apenas na fumaça, mas no fogo e na água. Eu acho que o que torna turbulento tão atraente para nós é que há um elemento surpresa, que é visualmente imprevisível. Há esse equilíbrio entre ordem e caos, entre padrão e surpresa. Quando você olha para o fluxo de fumaça, há duas partes principais para ele. Há o laminar e há a turbulência. Há uma série de fatores influenciadores que determinam quanto tempo este laminar vai durar antes de girar em turbulência e quão intensa essa turbulência vai ser. Agora, como isso se relaciona com a escrita de melodias? As melodias também têm um fluxo laminar e turbulência. O fluxo laminar é quanta repetição você vai usar em relação aos seus motivos. A turbulência é a quantidade de mudança e surpresa que vai ser introduzida na frase. Porque quando você está escrevendo música, você está sempre tentando equilibrar ordem e caos, padrão e surpresa. Vamos ouvir alguns exemplos para que você possa ouvir quando estou falando, e isso não se torna apenas uma ilustração abstrata. Vou mostrar-vos um do que eu consideraria estar nos extremos entre ter muita turbulência na melodia ou muito pouco. Eu acho que um grande exemplo de uma linha de melodia de baixa turbulência seria torcer e gritar pelos Beatles. A música resume-se essencialmentea dois motivos simples com um pouco de embelezamento. A música resume-se essencialmente Você pode até dizer que é apenas um motivo que é virado de cabeça para baixo e repetido para o desenvolvimento que falamos no último capítulo. Eu acho que um grande exemplo de uma linha de melodia de alta turbulência seria qualquer coisa de Arnold Schoenberg. A maioria das peças que ele escreveu eram atonais, que significa que não existem em uma chave específica. Observe como esta linha de melodia vai por todo o lugar, e realmente nunca se repete. Apesar do fato de que esses dois exemplos são de gêneros completamente diferentes, e que a música pop tende a ter muito mais repetição e simplicidade nas linhas da melodia do que a música clássica. O equilíbrio que você vai escolher para encontrar em sua própria melodia linhas entre ordem e caos e quanta turbulência você quer introduzir, vai ser lote seu próprio gosto e preferência. Vamos voltar à linha da melodia que usei no último capítulo para ilustrar como desenvolver um motivo. Apesar do fato de que esta é uma linha de melodia realmente básica e simples, eu acho que você pode ajudar a mostrar como você pode jogar com turbulência para desenvolver ainda mais sua melodia. Como um refrescante, vamos ouvir novamente esta frase melódica. Tínhamos dois motivos. Aqui está o primeiro, e aqui está o segundo. Agora, se quiséssemos analisar esta melodia na escala entre alta e baixa turbulência, eu definitivamente colocaria isso no final baixo. Há uma tremenda quantidade de repetição aqui. Esse primeiro motivo se repete três vezes seguidas. Agora vamos experimentar com a adição de um pouco mais de turbulência a esta linha de melodia. Se você só quiser adicionar um pouco, aqui está o que você pode fazer. Você poderia repetir o primeiro motivo algumas vezes e em seguida, apenas mudar o terceiro movendo-o para uma nova nota. Digamos que quiséssemos levar isso ainda mais longe e adicionar mais turbulência. Uma maneira de fazer isso é fazer mudanças maiores no motivo. Poderíamos fazer isso estendendo esse primeiro intervalo quando o repetimos, o que o tornaria menos previsível. Em seguida, mude este intervalo aqui de um segundo para o terceiro para um pouco de surpresa. Agora, mesmo que tenhamos adicionado alguma turbulência ao intervalo, esta parte do motivo permaneceu bastante consistente e previsível. Agora, se você quiser adicionar ainda mais turbulências a essa linha de melodia, vamos precisar esticar as coisas ainda mais e reduzir a quantidade de repetição que está acontecendo para que possamos torná-la mais imprevisível. Uma maneira de fazer isso seria construir no último exemplo, onde pegamos esse intervalo inicial e o esticamos. Podemos até tentar truncá-lo ou encurtar todo este motivo deixando de fora uma das notas. Nós definitivamente tornamos isso muito mais complexo, nós removemos parte da repetição, nós adicionamos turbulência. Pergunto-me se poderíamos ir ainda mais longe. Para fazer isso, provavelmente teremos que agitar ainda mais as coisas. Vamos brincar com este motivo, vamos torná-lo ainda mais curto, apenas para duas notas e esticar o ritmo. Em seguida, pegue essas duas notas e repita, o que cria quase um terceiro motivo. Como eu mencionei antes, esta é uma linha de melodia bastante básica que eu criei apenas para os fins desta ilustração. Você pode começar a perceber que poderíamos ter ido muito mais longe, só trabalhamos com o primeiro motivo e nem tocamos no segundo. Você deve ter ouvido uma versão lá que você gostaria mais, e realmente se resume a preferência. O que é mais importante e o que eu espero que você tire disso é que você aprende algumas técnicas para pegar suas idéias melódicas, não importa o estilo e o gênero que você escreve, e então ver se há uma maneira que você pode desenvolvê-lo ainda mais. Em seguida, procurando maneiras que você pode reduzir a quantidade de turbulência ou aumentá-la a gosto. Agora, vamos passar para o próximo capítulo sobre músculos. 4. Músculos - parte 1: Agora, o que os músculos têm para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes? Mais uma vez, vou sugerir que respondamos a coisas que são semelhantes ao mundo natural que nos rodeia. Músculos obviamente desempenham um papel muito importante em cada movimento e ação que tomamos. Os fundamentos de como um músculo funciona é tudo sobre tensão e relaxamento. Dizer que você cria movimento e equilíbrio, tensão e relaxamento também é a chave para escrever música. Mas ao contrário de um músculo, que realmente tem apenas uma maneira de construir tensão, que é através da contração, você pode construir tensão na música de várias maneiras diferentes. O principal é a dissonância de uso, que pode vir sob a forma de dissonância harmônica ou rítmica. Repetição e pitch são outras maneiras que você pode construir tensão e uma linha de melodia. Vejamos a dissonância primeiro, mas antes de o fazermos, acho importante notar que a dissonância é bastante relativa. O que seria considerado dissonância na época de Bach é muito diferente para o que é considerado dissonante na música pop, ou mesmo música clássica contemporânea. Muito menos se decidimos entrar em dissonância no período medieval ou em culturas diferentes como na música indiana porque a estrutura harmônica naqueles momentos ou nessas culturas é tão diferente da música ocidental. Para os propósitos desta aula, vamos nos concentrar na música ocidental na teoria da música tradicional. Você não pode realmente começar a entender a dissonância até entender consoantes. Consoantes na música ocidental, baseia-se no fundamental de um acorde. No caso de você não saber o que é um acorde ou precisar de uma atualização rápida, vou demorar 20 segundos aqui para defini-lo. Um acorde é composto por três notas e dois intervalos; o intervalo de um quinto e, em seguida, de um terceiro. Se é um acorde maior, ele vai ter um terço maior no meio, o que soa como este e se é um acorde menor, ele vai ter um terço menor no meio, o que soa assim. Na maioria das músicas ocidentais, a melodia é definida contra a progressão dos acordes. Quando as notas da sua melodia se encaixam perfeitamente com o acorde que está definido abaixo dela, você vai ter um som mais consonante. Por exemplo, se este é um acorde que você está usando em sua música, este é um acorde de C maior com C, E e G. Se sua linha de melodia cair em qualquer uma dessas três notas, vai soar consoante. Se as notas da sua melodia caírem fora dessas três notas no seu acorde, vai soar dissonante. Assim como discutimos no último capítulo, sua linha de melodia pode cair no espectro entre alta e baixa dissonância. Um bom exemplo para uma música que tem baixa dissonância harmônica é novamente, Twist and Shout. Agora, antes de ouvirmos, deixe-me explicar o que estamos vendo aqui. As notas azuis são a linha da melodia e as notas laranja são os acordes. Quando as notas azuis e as notas laranja se sobrepõem aqui, esses são os momentos em que você vai se sentir mais relaxado ou consoante. Quando não se sobrepõem, vai criar dissonância harmônica ou tensão. Na música, você pode notar que é realmente apenas esta nota que não se alinha com os acordes, mas contrabalança a escassez é o fato de que eles começam com esta nota e ela se inclina sobre ela através de toda a frase. À medida que ouvimos isto de novo, quero que reparem como esta nota se sente em comparação com as outras. Assim como com os músculos, a tensão nunca é sustentável. Haverá sempre uma atração para ir da tensão ao relaxamento e a mesma coisa é verdade com a música. Qualquer tipo de dissonância sempre quer encontrar uma solução. Em Twist and Shout, esta nota dissonante puxa para a próxima nota. Neste padrão de tensão e relaxamento e este motivo é o que eu acho que é a característica definidora para Twist and Shout. Passando para dar a vocês um exemplo de uma peça com alta dissonância harmônica, poderíamos facilmente voltar a esta peça de Schoenberg porque ele realmente não usa progressões de acordes. Praticamente todas as notas serão tensas e dissonantes. Agora, vamos voltar à linha da melodia que escrevi para esta aula e analisaremos isso no contexto da dissonância harmônica. Se fôssemos colocar isso em nosso espectro de dissonância alta ou baixa, provavelmente colocaria em algum lugar no meio. Aqui está a linha da melodia original, que é em azul, e as cordas estão em laranja. Agora, se quiséssemos definir um ponto central para esta linha de melodia, acho que teria que ser esta nota E e não apenas porque a repetimos mais do que qualquer outra nota, mesmo que a ouçamos sete vezes nesta frase, mas também porque nossa frase está constantemente girando em torno desta nota, deriva abaixo ou acima dela. Uma vez que esta nota forma o nosso centro de gravidade e alinha a maior parte do tempo com os acordes abaixo dela, exceto aqui, toda a nossa frase vai ter um tom geral de ser muito consonante e em harmonia com os acordes abaixo dela. Com isso em mente, vamos ouvir isso de novo. Se estamos olhando para como tensão e relaxamento desempenham um papel em como esta melodia se sente, provavelmente é esta nota dissonante bem aqui que é a característica definidora. Sente aquela tensão ali e a resolução? Dito isto, a única razão pela qual essa nota é dissonante é porque ela não se alinha com a progressão do acorde original que eu escolhi para esta peça. Se eu mudasse a progressão do acorde, mudaria quais notas são dissonantes. Para ilustrar meu ponto, vamos brincar com isso um pouco e fazer uma versão onde eliminamos toda tensão harmônica. Eu vou usar a mesma linha de melodia, mas eu vou apenas mudar a estrutura de acordes que todas as notas da melodia linha, alinhem-se com os acordes abaixo deles. Aqui está a nossa linha de melodia. Mudei os acordes para não criar dissonância harmônica. Se você olhar para essas notas, você verá que a melodia e os acordes se sobrepõem a 100 por cento. Vamos ouvir como isso soa. Depois de ouvir isso, você pode sentir que você gostaria que a versão fosse a melhor. O que é uma boa informação para ter sobre a sua preferência. Que você prefere que haja muito menos dissonância ou tensão. Agora vamos fazer outra versão que é basicamente toda dissonância. Vamos usar nossa mesma linha de melodia, mas vou mudar os acordes para aumentar a tensão harmônica. Aqui está a nossa linha de melodia novamente e aqui está a nova progressão de acordes. Observe quantas essas notas não se alinham com os acordes. Existem algumas notas que se sobrepõem. Eu queria que nosso exemplo soasse pelo menos tão musical quanto possível. Tentar fazer algo parecer 100 por cento dissonante não é realmente tão difícil de fazer. Eu poderia escolher alguns acordes aleatórios e jogá-los lá, mas novamente, eu queria te dar um exemplo mais musical. Antes de ouvirmos isto, quero chamar a vossa atenção para mais uma coisa. Nós já falamos sobre como esta nota E aqui é o centro de gravidade para esta frase. Com nossa nova progressão de acordes, nenhuma dessas notas se alinha com o acorde abaixo dele, o que fará com que toda a frase pareça mais dissonante. Enquanto esta nota aqui era a nota dissonante no original, com a nova progressão de acordes, estas são agora as notas dissonantes. Com isso em mente, vamos ouvir como isso soa. Agora que você ouviu esta versão, você pode sentir que você gosta desta a melhor, mas o ponto que eu estou tentando fazer e que você vai me ouvir dizer uma e outra vez, é que a quantidade de tensão que você usa se resume a gosto. A chave aqui é entender como a dissonância harmônica serve como uma ferramenta para criar tensão. Em seguida, vamos falar sobre dissonância rítmica. O termo da teoria musical para isso é sincopação. Como eu mencionei como a música ocidental é toda sobre uma melodia definida contra uma progressão de acordes, ela também centra-se ritmicamente em torno de uma batida constante. Dissonância rítmica ou sincopação acontece quando você tem uma nota que é deslocada da batida. Para ilustrar isso, vamos usar essa linha de melodia muito simples. A primeira iteração não terá nenhuma sincopação. Neste exemplo simples, cada nota da melodia se alinha perfeitamente com a batida. Para torná-lo sincopado, nós simplesmente precisamos deslizar essas notas para que eles cheguem tarde ou para que eles cheguem mais cedo e aqui está o som deles. Você deve ter notado que eles são muito parecidos um com o outro. Para os meus ouvidos quando você pula a batida ou quando você chega cedo, é um pouco mais agressivo, a sincopação é mais pronunciada. Quando você vem depois da batida, eu sinto que é um pouco mais descontraído, que faz sentido porque você não está fazendo a mudança até depois da batida bater. Eu acho que também é importante notar que a dissonância rítmica e a dissonância harmônica muitas vezes andam juntas. A sincopação é uma das principais maneiras de criar dissonância harmônica. Vamos voltar à nossa melodia para ilustrar isso e vamos mover nossa linha melódica ainda mais, que tornará a dissonância harmônica ainda mais perceptível nesses dois pontos. Porque agora estamos estendendo essas notas ainda mais para uma área onde elas não se alinham com os acordes. Ouça de perto como isso aumenta a dissonância e essas áreas. Só por diversão, vamos estender isso ainda mais para enfatizar isso ainda mais. Como eu disse antes, muito disso se resume a gosto. O objetivo dessas ilustrações é simplesmente dar-lhe algumas idéias de como você pode usar a sincopação para criar ênfase rítmica e também dissonância harmônica. Outra forma de construir tensão na música é através da repetição que pode ser repetição harmônica ou repetição rítmica. Geralmente é um pouco dos dois. Sempre que você repete algo, cria tensão. Sempre que você repete algo, cria tensão. Porque os ouvintes se perguntam quando você vai parar ou quando algo vai mudar. A antecipação é que vai haver algum tipo de pagamento. Eu acho que um grande exemplo, que é a canção de Katy Perry, que também tem alguma sincopação realmente forte nele. Vamos ouvir primeiro, depois discutir. Eu disse que tinha muita repetição, o motivo principal toca seis vezes. Eu agora há uma vez no meio onde ele muda um pouquinho, mas é basicamente o mesmo motivo. A repetição, de certa forma, é como uma folha para a turbulência. Porque para obter mais turbulência, você não pode ter tanta repetição, mas se você adicionar mais repetição, você vai reduzir a turbulência. Porque esta música seria definitivamente no final baixo da escala turbulenta, mas isso não significa que seja chato. Porque ironicamente, se você repetir algo por tempo suficiente, ele realmente aumenta a expectativa de que algo vai mudar. Que nesta música vem neste momento bem aqui. Quando a sincopação termina e começa logo na batida e a frase sobe. Isso é em contraste direto com a forma como o motivo principal foi sincopado e caiu. Com tudo isso em mente, vamos ouvir isso mais uma vez. Você deve ter notado que esta técnica, repetindo um motivo repetidamente levando a uma grande mudança no final, é a mesma que eu usei nesta linha de melodia original. Repetindo este motivo várias vezes antes de mudá-lo no final. A última maneira de jogar com tensão e relaxamento em suas linhas de melodia é mudando o tom. Quando um tom sobe, ele introduz tensão e, quando diminui, diminui a tensão. Isso é mais facilmente ilustrado em qualquer instrumento de cordas , incluindo sua voz, que está lidando com cordas vocais vibratórias. Para aumentar seu tom, você tem que aumentar a tensão da corda e isso produz vibrações mais rápidas para que você possa literalmente ouvir o aumento da tensão. Provavelmente o exemplo mais clichê, este é o som da corda crescente em filmes de terror. O ponto aqui é que sempre que o tom sobe, vai aumentar a tensão, quer isso aconteça mais repentinamente ou de forma mais gradual. Para ilustrar isso, vamos rever algumas das variações que fizemos para as linhas de melodia no último capítulo sobre fumaça. Onde realmente começamos a esticar o motivo além sua forma original, então pegamos esse intervalo aqui, e aumentamos nesses dois pontos. O que torna a repetição deste motivo mais intensa à medida que vamos , além de toda a frase ir até este ponto aqui. Vamos ouvir esta seção e eu realmente quero que você preste atenção em como o tom está afetando a tensão. Nós olhamos para o que seus músculos nos ensinam sobre escrever melodias mais fortes e isso é sobre tensão e relaxamento. Nós olhamos para cada uma dessas maneiras que você pode aumentar a tensão em sua música, usando dissonância harmônica ou rítmica, usando repetição e também manipulando o tom. Mas há mais uma coisa que os músculos têm que nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes e falaremos sobre isso na Parte 2. 5. Músculos - parte 2: Há mais um elemento sobre músculos que tem algo único para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes. Para descobrir isso, vamos cavar um pouco mais fundo nos músculos esqueléticos, os músculos que movem nossos ossos. Descobriremos que você basicamente tem dois tipos de fibras musculares, fibras contração rápida e fibras de contração lenta. As fibras de contração rápida são mais poderosas, para movimentos rápidos, mas elas se cansam facilmente e são mais para atividades como corrida ou levantamento de peso. As fibras de contração lenta, pelo contrário, são menos poderosas para movimentos mais estáveis, mas não se cansam tão rapidamente, e são usadas mais em atividades como caminhar. O que isso tem a ver com escrever melodias? Bem, assim como essas fibras musculares não são iguais e eles usam tensão para diferentes fins, de forma semelhante, como você pode usar tensão em suas linhas de melodia também não é necessariamente igual. Por exemplo, você pode usar dissonância harmônica de tal forma que é realmente poderosa, mas como músculos de contração rápida, se você fizer isso vai se cansar muito rapidamente. Aqui está o que quero dizer com isso, se voltarmos a esta linha de melodia e olharmos especificamente para esta nota dissonante, [inaudível] você sente aquela tensão ali mesmo? Se você continuar indo para isso, você vai cansar isso muito rapidamente. Por outro lado, se você usasse dissonância harmônica que fosse um pouco mais suave e não tão grave, você poderia continuar por um longo período de tempo e seu impacto seria mais sutil. Para ilustrar que podemos retornar a esta linha da melodia, e mudamos a progressão do acorde para torná-la mais dissonante. Esta foi a nossa principal nota dissonante que tinha mais peso. Contra essa progressão de acordes, a dissonância é muito mais leve. Definitivamente é dissonante, mas é uma dissonância que pode durar um pouco mais, que aconteceu nesta versão. Ouça novamente como essa dissonância criou um tom geral de dissonância sem se tornar muito cansativo. Deixe-me comparar estes mais uma vez para enfatizar o ponto. Deixe-me comparar Quando você está usando uma técnica para adicionar mais tensão, se você usar uma versão mais suave dela, você pode usá-lo com mais freqüência para um efeito mais sutil, e se você estiver usando mais tensão, então você pode querer usá-lo com moderação porque pode se cansar muito rapidamente. Este conceito aplica-se não apenas à dissonância harmônica, mas a qualquer uma dessas maneiras que você pode criar tensão. Agora eu acho que há mais uma visão que podemos extrair das fibras musculares que nos ajudará quando estamos escrevendo linhas de melodia. Esse é o fato interessante de que essas fibras musculares de contração rápida e as fibras musculares de contração lenta não são separadas. Eles existem dentro do mesmo músculo. Como isso se relaciona com a escrita de melodias melhores é que, esses dois tipos diferentes de tensão, um que vai ser um pouco mais intenso, mas se cansa rapidamente, o outro que é mais sutil que você pode usar para efeitos de luz, que ambas as coisas podem ocorrer dentro da mesma frase melódica. Eles não precisam ser uma situação ou uma situação. Para ilustrar como eles podem coexistir na mesma frase, vamos olhar especificamente para o tom para um exemplo. Já falamos sobre isso na primeira parte sobre como esses intervalos aqui são um salto maior, e essa tensão acrescentou, mas também como o movimento de toda a frase estava subindo, que estava adicionando tensão. Isso é realmente fácil de identificar quando estamos olhando para aumentar e diminuir o tom como um meio de adicionar ou subtrair tensão, porque você pode subir com um grande salto. [ inaudível]. Ou você pode fazê-lo gradualmente. [ inaudível]. Saltos maiores são como os músculos de contração rápida, eles vão ter um impacto mais dramático, mas você vai se cansar disso mais rapidamente, enquanto elevar e baixar o tom em toda a frase pode acontecer em um salto, ou também pode acontecer se você passar de uma nota para a próxima de uma maneira muito sábia. Ir passo a passo vai ser muito mais sutil. É como os músculos de contração lenta. Você só está caminhando para cima ou andando para baixo para um fato. A chave é que ambas as coisas podem acontecer ao mesmo tempo, e isso significa que às vezes podem operar independentemente umas das outras. Agora, neste primeiro exemplo que olhamos, os saltos e o movimento geral da frase para cima estão trabalhando em conjunto para adicionar tensão. Em uma das outras variações melódicas que criamos no último capítulo, a direção da frase salta muito rapidamente bem aqui, assistida por este grande salto bem aqui, e então basicamente diminui em um passo maneira, exceto que há um grande salto aqui no meio. Isso adiciona um pouco de uma torção ou uma sacudida a uma frase que, de outra forma, seria apenas sinuosa para baixo deste pico de uma forma muito gradual em direção a um estado mais relaxado. À medida que tocamos isso de novo, quero que vocês ouçam a interação desses dois tipos de tensão, e como eles estão trabalhando, às vezes juntos e às vezes uns contra os outros [inaudível ]. Agora, há inúmeros exemplos musicais que poderíamos usar para ilustrar isso, mas espero que você esteja tendo a idéia de que há outra camada nesse conceito de tensão e relaxamento. Não se trata apenas de aplicar essas técnicas que já discutimos. O grau em que você os aplica também é muito importante. Passamos muito tempo falando sobre o que dois músculos têm para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes. Parte disso é porque a tensão e o relaxamento são uma parte vital da música, porque assim como na vida, como os músculos estão por trás de nossos movimentos, tensão e relaxamento são como temos drama e movimento em nossa música. Mas vamos passar para o nosso último capítulo sobre ondas. 6. Onças - parte 1: Agora, o que as ondas têm para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes? Bem, você já me ouviu dizer isso antes, mas eu vou dizer de novo, que eu acho que nós ressoamos com coisas que são semelhantes ao mundo natural que nos rodeia. Embora existam muitos tipos diferentes de ondas, o oceano é o que eu penso primeiro, sempre que falamos de ondas. O oceano é romantizado extensivamente, e certamente há muitas ondas no oceano, particularmente na costa, mas se perguntarmos por que o oceano é tão romantizado, acho que devemos olhar mais fundo do que simplesmente dizer, “é lindo”. O que eu acho que é distintivo sobre o padrão das ondas oceânicas na costa, é o fato de que elas estão constantemente se sobrepondo umas com as outras. Um está entrando, enquanto outro está saindo, eles estão girando ao redor, uma onda está batendo em outra, e há uma complexidade lá que eu pessoalmente poderia assistir por horas. Você pode estar pensando, isso é maravilhoso, mas o que isso tem para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes? Bem, eu acho que o equivalente musical aqui é contraponto. Contraponto é tudo sobre linhas de melodia sobrepostas, e embora não seja frequentemente utilizado na música pop moderna, você pode encontrá-lo prontamente no teatro musical. Este homem que certamente conhece o meu crime certamente virá uma segunda vez, um dia mais. Eu não deixei mundos longe. O que torna tão fácil distinguir contraponto no teatro musical é que você tem personagens diferentes cantando essas partes. Mais um dia. Amanhã você estará a mundos de distância. Ok, espere um minuto. O que acabamos de ouvir, esta parte aqui, “ Amanhã você estará a mundos de distância. É harmonia, e isso não é a mesma coisa que contraponto. Harmony é quando você tem uma linha melódica que é cantada ou tocada por duas pessoas e a forma e o ritmo é exatamente o mesmo, exceto que está sendo tocada várias notas à parte. Vamos usar nossa linha de melodia original como exemplo. Para criar harmonia, nós simplesmente pegamos todas essas notas e movê-las para cima para começar em uma nota diferente. Teríamos que mudar algumas notas para mantê-la na mesma chave. Vamos mover o A para baixo para um A, e vamos mover o F para baixo para um F. Agora todas as notas estão na chave de C. A melodia original é azul escuro e a harmonia é o azul claro. Agora vamos ouvir como soa com a harmonia. Novamente, isso não é contraponto, isso é harmonia. Vamos voltar a Les Miserables com isso em mente. Amanhã você estará a mundos de distância. Você entendeu a idéia. Vamos pular para a parte onde o contraponto realmente entra em ação. Você provavelmente entendeu a idéia. Agora, o teatro musical pode não ser necessariamente sua coisa e você pode não gostar de como isso soa. A razão pela qual eu escolhi isso como um exemplo é porque, novamente, é tão claramente articulado o que é contraponto. Que você tem linhas de melodia sobrepostas e teatro musical porque ele está sendo cantado por personagens diferentes, permite que você veja isso muito claramente. Agora, antes de olharmos para alguns exemplos modernos de contraponto, acho que é útil entender de onde veio. Para fazer isso, vamos ter que voltar ao período medieval. Até este ponto, a maioria da música aconteceu na igreja ou você apenas dizendo uma linha melodia que é chamada de música monofônica, mas em torno do período medieval, eles começaram a adicionar outras linhas melódicas. Mudando de música monofônica para música polifônica, mas mesmo que eles começaram a adicionar novas linhas melódicas, eles não estavam realmente pensando em harmonia ou acordes. Cada uma dessas linhas melódicas tinha igual peso, o que é diferente do que normalmente pensamos sobre melodia hoje. Onde temos um padrão de acordes e, em seguida, uma linha de melodia que está acima do que. Isso não veio até o período barroco, que foi quando Bach escreveu essas peças. Isso pode soar um pouco mais familiar para você, especialmente se você já ouviu algum hino de igreja, mas também porque isso tem uma progressão de acordes muito distinta, que é o que associamos à música pop moderna. 7. Onças - parte 2: Agora, antes de olharmos mais de perto para este Chorale de Bach, vamos voltar à nossa ilustração sobre ondas na costa do oceano. Você pode ver aqui neste vídeo como essas ondas estão vindo uma para a outra de diferentes direções e uma está entrando enquanto outra está saindo. Aqui está como isso se relaciona com a escrita de melodias mais fortes, Bach está usando contraponto em um padrão que é muito semelhante ao que discutimos nessas ondas. Para adicionar mais complexidade e tornar suas linhas de melodia mais interessantes, a linha de melodia por si só é bastante simples. O contraponto ou como essas outras vozes vão interagir com a linha da melodia acontecerá de uma das quatro maneiras. Ele pode se mover em movimento paralelo, movimento semelhante, movimento contrário ou movimento oblíquo. Movimento paralelo é onde o contraponto se move na mesma direção e no mesmo intervalo que a outra nota. Neste exemplo, ambas as notas estão subindo por uma etapa. Movimento semelhante é sobre como soa e se move na mesma direção, mas não é o mesmo intervalo. Se as vozes estão se movendo em movimento contrário e estão indo em direções diferentes, e realmente não importa qual é o intervalo. Movimento Oblíquo é onde você tem uma nota permanecendo a mesma e a outra nota se move. A nota estacionária pode ser repetida ou pode ser mantida. Então agora vamos ver como Bach usa cada um desses quatro tipos de contraponto em seu curral. Deixe-me dar uma breve explicação do que estamos vendo aqui antes de cavarmos. Os corais de Bach têm quatro vozes distintas, a soprano, o alto, o tenor e o baixo. A parte soprano, ou a voz mais alta é quase sempre a linha principal da melodia, e é assim que é para a maioria da música moderna também. Vejamos primeiro o contraponto que está acontecendo entre a parte soprano e a base. Agora lembre-se, o objetivo de um contraponto nessas linhas de suporte é criar mais complexidade e interesses. Então vamos dar uma olhada em como Bach faz isso. A primeira instância de contraponto é movimento semelhante, tanto a parte soprano quanto a parte de baixo estão se movendo para cima, mas apenas intervalos diferentes. O próximo movimento também é movimento semelhante, e então temos movimento oblíquo onde a parte soprano fica na mesma nota e a parte do baixo cai. Então temos movimento contrário, onde a nota soprano está caindo e baixo está subindo, e então nós temos movimento contrário novamente, onde a soprano está subindo e o baixo está caindo. Nesta próxima seção, temos primeiro movimento oblíquo, onde a nota de baixo permanece a mesma e a parte soprano se move para cima, e então movimento contrário, então movimento oblíquo novamente, onde a parte soprano permanece a mesma e o parte base move-se para cima. Movimento contrário novamente, então temos uma nota estacionária e, em seguida, movimento semelhante. Então, recapitulando, temos movimento semelhante, movimento mais semelhante, movimento oblíquo, movimento contrário, movimento mais contrário, movimento oblíquo, movimento contrário, movimento oblíquo, movimento contrário. As mesmas notas e movimento semelhante. Se isso pareceu muito para absorver, essa é a questão. A razão pela qual escolhi Bach como nosso primeiro exemplo porque ele é meio que o rei do contraponto. Todo o propósito do contraponto é manter as coisas interessantes e mudá-las constantemente. Realmente a única parte onde o contraponto não está acontecendo nesta seção é no início, o resto está cheio de contraponto. Agora, a razão pela qual eu apenas me concentrei no contraponto que está acontecendo entre a parte soprano e a parte base é porque essa é muitas vezes a maneira mais fácil de introduzir contraponto em sua própria escrita. Para ilustrar isso, vejamos alguns exemplos contemporâneos. Seven Nation Army por The White Stripes, é um exemplo perfeito de contraponto entre a linha da melodia e o baixo. O baixo está em azul e a linha da melodia está em leitura. Então vamos quebrar alguns do contraponto que está acontecendo aqui. Por si só, a linha da melodia é realmente muito simples. Se olharmos para esta secção, é só uma nota. A linha de baixo é muito simples também, dado que é um gancho muito cativante, mas também é muito repetitivo. Ele só se repete uma e outra vez. A magia desta peça é como as duas partes interagem, que é o contraponto. A primeira instância de contraponto ocorre aqui e é movimento oblíquo, onde a nota de baixo permanece a mesma e a linha da melodia se move para baixo. A próxima seção é um movimento totalmente oblíquo com a linha da melodia permanecendo na mesma nota, então todo o movimento vem da linha de base. Nesta próxima seção, ele repete o mesmo padrão. Nós temos movimento oblíquo no início, a única diferença é que o nó superior ou a linha da melodia sobe um pouco mais alto desta vez, e então esta próxima seção é movimento oblíquo novamente, com a linha do baixo movendo-se em torno e a parte soprano ficar o mesmo. Nesta próxima seção, ele finalmente agita as coisas um pouco mais onde temos algum movimento oblíquo, em seguida, algum movimento contrário, movimento semelhante, e então movimento paralelo, e, em seguida, terminou por movimento semelhante. seção final do verso é movimento oblíquo novamente, e então o curso também é movimento oblíquo. Então, recapitulando, a força desta peça realmente está no contraponto e a interação entre a linha da melodia e essa linha de baixo, e é dominada pelo movimento oblíquo, exceto por esta seção aqui, e Penso que isso proporciona uma ruptura realmente necessária, introduzindo movimento semelhante e paralelo como um contraste com todo este outro movimento oblíquo. 8. Onças - parte 3: Agora, antes de passarmos para o próximo exemplo de contraponto, estou curioso se você notar alguns elementos dos últimos capítulos que se aplicam à peça de Jack White. Em primeiro lugar, que tem um motivo muito forte aqui nesta parte de base. É ecoado na linha da melodia e como ele salta para cima e para baixo. Ele também funcionários repetição para construir tensão, não apenas na linha de base, como isso se repete uma e outra vez. O ponto principal de alívio que vem quando muda aqui no refrão, mas também na linha da melodia que repete esta nota tantas vezes, de modo que sempre que sai dessa nota, é quando você tem a liberação da tensão, exceto quando ele deixar seu pulando para cima. Aprendemos em nosso capítulo sobre músculos que quando você se move para arremessar, isso aumenta a tensão. Então, com tudo isso em mente, vamos ouvir isso mais uma vez. Agora, se voltarmos ao coral de Bach por um minuto, o que estávamos discutindo antes, era o contraponto que estava acontecendo entre a parte soprano e a parte base. Mas também há um monte de contraponto que está acontecendo no meio. Há também muito movimento que está acontecendo na parte alto e tenor para criar mais interesse nesta peça. Às vezes, quando o soprano ou a linha de base são mais estacionários, ele coloca movimento nessas partes do meio. Esta é outra maneira que você pode incluir contraponto em suas peças, que é definir uma linha melódica que fica em algum lugar no meio da mistura entre a linha soprano e a linha de base, oposição ao primeiro exemplo nós olhou na peça de Jack White, onde estava realmente entre a linha principal da melodia na base onde o contraponto estava acontecendo. Eu acho que um grande exemplo contemporâneo disso é esta peça de Wilco, as notas vermelhas são a principal linha vocal, e as notas amarelas são a parte do violino. Mas eu quero que você ouça o contraponto que está acontecendo entre essas duas partes. Eu não vou dissecar todas as instâncias de contraponto na música porque há muito disso e nós já fizemos isso muito bem com as duas últimas peças. Quero chamar a vossa atenção para algumas formas gerais que estão a acontecer no que diz respeito a esta relação de contraponto. A primeira coisa que quero que perceba é toda a moção contrária. Você pode até vê-lo aqui nas notas quando uma parte está subindo, a outra parte está caindo e vice-versa. Movimento contrário continua a ser usado fortemente através de toda esta seção. Eu acho que é a característica definidora, muito parecido com o movimento oblíquo era para a peça White Stripes. Há um pequeno momento, movimento paralelo aqui no final, e como tivemos muito movimento contrário que o levou a isso, seu ano começa mesmo que só aconteça para duas notas. Com tudo isso em mente, vamos ouvir isso mais uma vez. Há mais um elemento que vale a pena notar neste contraponto. Estas três notas aqui são um motivo de tipos que surge várias vezes, embora com variação no ritmo. Se virarmos isto de cabeça para baixo, olha como é semelhante à linha que o violino toca. Temos um passo seguido de um salto de um terço, e mesmo que o ritmo seja um pouco diferente, ainda é uma variação deste motivo. Então, para resumir o que as ondas têm para nos ensinar sobre escrever melodias mais fortes, podemos olhar para o padrão de como as ondas se sobrepõem e interagem umas com as outras em uma costa para nos dar inspiração sobre como podemos criar diferentes melódicos interagem e se sobrepõem entre si para criar mais interesse na sua música. 9. Projeto do curso: Nós apenas olhamos para um monte de maneiras que podemos tirar inspiração da natureza sobre como nos ajudar a escrever linhas de melodia mais fortes. Nós olhamos para as árvores e o que eles tinham para nos ensinar, um motivo e como você pode pegar esse motivo e mudá-lo para criar uma frase maior, e nós olhamos para a fumaça e o que a turbulência tem para nos ensinar sobre o elemento surpresa e como você pode trabalhar isso em sua música, falamos sobre músculos e a importância da tensão e relaxamento para criar movimento em suas peças e como você pode brincar com isso, e falamos sobre maneiras de usar linhas melódicas sobrepostas para criar mais interesse e complexidade. Embora idealmente você possa usar todas essas idéias para criar melodias mais fortes para os propósitos deste projeto de classe, eu quero que você apenas escolha uma e, em seguida, aplique algumas dessas técnicas à sua melodia. Ou um que você já escreveu antes ou um que você vai escrever especificamente para esta classe. Para ajudá-lo, criei uma planilha para orientá-lo sobre como aplicar cada uma dessas diferentes ideias à sua linha de melodia. Mais uma vez, encorajo-te a escolher um para começar. Depois de desenvolver isso, vá em frente e aplique outro na mesma linha de melodia. Quando terminar, você pode carregá-lo para a seção do projeto. Você clicará aqui para criar seu projeto e, em seguida, certifique-se de adicionar um título que inclua a descrição da técnica que você está usando para desenvolver sua linha de melodia. Em seguida, faça uma gravação, áudio ou vídeo. Comece por incluir sua ideia original e, em seguida, cada uma das variações que você desenvolveu. Você pode fazer tudo isso em uma fileira para que esteja tudo no mesmo vídeo ou no mesmo arquivo de áudio. Observe que você não pode fazer upload de vídeo ou áudio diretamente para o Skillshare, você precisará hospedá-lo em outro lugar como YouTube ou SoundCloud e colar o link aqui. Por favor, lembre-se que este é um rascunho áspero, não uma peça acabada, e o objetivo dos exercícios é apenas fazer você pensar e experimentar muitas variações diferentes. Então não seja tímido sobre postar o que você está trabalhando. Se você sentiu que você realmente aprendeu algo com esta aula, por favor, poste um comentário ou alguns comentários e me diga o que em particular realmente afetou você. 10. Critique: estudantis: Yash (parte 1): Para esta aula em vídeo, vou levá-los através de uma crítica de uma peça submetida por um aluno para que você possa ver como os conceitos para esta aula se aplicam a algo que ainda está em desenvolvimento. A peça que vamos olhar neste vídeo é uma enviada por Josh e eu consegui colocá-lo no telefone e conversar com ele sobre sua peça e como poderíamos desenvolvê-la ainda mais. Neste vídeo, eu vou cortar para frente e para trás entre alguns sedimentos comuns que eu vou fazer diretamente para você, o espectador, e também alguns trechos da minha conversa com Josh. Aqui está como isso vai parecer. Vou tocar minha conversa inicial com Josh. Então vamos ouvir a peça dele. Eu vou fornecer alguns pensamentos iniciais e observações com base nos conceitos desta classe, e então eu vou jogar para vocês um monte de trechos de quando eu estava trabalhando com Josh sobre como podemos desenvolver isso ainda mais e, finalmente, Vou tocar alguns trechos da nossa conversa onde compartilhei alguns pensamentos finais com Josh. Josh, conte-nos o que o inspirou a criar isto e algumas das ideias por trás do que trouxe para cá. Claro que sim. Gosto de tocar na tecla G menor e pensei em experimentar a ideia do motivo. Porque eu acho que os motivos são realmente cativantes, e eles são como uma presença única para uma canção, como se você apenas ouvisse o motivo e você sabe que música é. Minha idéia era como, ei, posso criar algum motivo usando o que Jonathan ensinou na aula e então tentar experimentar com ele, tentar torná-lo ainda mais interessante. Talvez tentar adicionar um pouco de tensão, algumas notas altas, e então apenas brincar com ele. Então eu inventei algo bem básico. Agora, antes, quando você escreveu música, onde você está familiarizado com este conceito de usar um motivo ou foi uma nova idéia depois de fazer essa aula? Eu acho que eu sabia sobre isso porque na maioria das vezes eu observava, mas eu realmente não tinha um nome para isso. Que eu não sabia colocar em palavras ou que tinha uma estrutura. Mas eu já tinha ouvido esta música tem um riff ou tem esta introdução que se repete na música. Mas eu não sabia que era chamado de motivo, e essa aula me ajudou a entender a teoria por trás disso. Quando você escrevia música anteriormente, você muitas vezes escreveria ganchos ou riffs como você os chama? Na verdade, não escrevi nenhuma música antes. Esta é uma das razões pelas quais eu fiz essa aula, é realmente entender, hey, como eu posso escrever melodias? Eu tenho focado principalmente em tentar encontrar algumas progressões interessantes de acordes, mas nunca realmente cheguei a anexar uma melodia a ele. Apanhei-te. Está bem. - Sim. Legal. Bem, se mergulharmos na sua peça aqui, vejo um motivo muito claro nestas primeiras notas. Por que eu não toco isso aqui e dou a todos uma chance de ouvi-lo? Ok, então vamos quebrar isso um pouco. No começo, você tem um motivo muito claro aqui. Se você se lembra, um motivo tem duas partes. Tem um elemento rítmico e certos intervalos. O ritmo é muito claro. É dun, dun, dun, dun, e os intervalos começam com um salto e, em seguida, um salto para baixo, e então um passo para cima, e vemos esse mesmo padrão repetido duas outras vezes. Os intervalos de notas são diferentes. Mas, em geral, temos um salto, outro salto para baixo, e depois um passo para cima. A mesma coisa aqui. Um salto para cima, um salto para baixo, e depois um passo para cima. Então temos um segundo motivo que aparece, que é um monte de cinco notas descendentes enquanto eles se movem para baixo e então começamos a frase inteira de novo. Agora você deve ter notado, como eu fiz quando eu estava ouvindo esta linha de melodia, que é muito semelhante à que eu apresentei na classe em termos de ter um motivo que se repete três vezes e, em seguida, um segundo motivo no fim, e eu quero dizer algo sobre isso. Se você é um aluno iniciante como Josh é, que está apenas começando a escrever melodias, a melhor coisa que você pode fazer é roubar e copiar de outras pessoas. Se você está começando, este não é o momento para tentar criar algo novo. Eu nem sequer acho que há algo novo, de qualquer maneira. É tudo sobre repetir e remisturar o que já está lá fora. Mas novamente, no início de seus estudos, é incrivelmente importante pegar o que já está funcionando lá fora e brincar com ele para que você se familiarize com o que faz uma linha de melodia forte. Agora, quando analisamos esta melodia por si só, seja, sem acordes por baixo, é certamente fácil para nós olhar para o motivo e analisar alguns outros elementos, como na dissonância rítmica que está acontecendo a partir da sincopação. Além disso, como a frase desce um pouco aqui e, em seguida, atinge o pico neste ponto, que criará uma certa quantidade de tensão que é liberada no final da frase. Sem acordes, é difícil para nós determinar se a peça é geralmente consoante ou a quantidade de dissonância. Josh adiciona acordes para a segunda parte aqui. Logo de cara, eu diria que essa música cairia mais no tipo de música pop de categoria porque é bastante acessível para ouvir, significa que não há muitas seções que realmente desafiam o ouvinte com um alto grau de dissonância ou complexidade rítmica, e a maioria das notas alinha-se com os acordes abaixo deles, exceto por este acorde bem aqui. Eu estava curioso para saber se isso foi intencional, então perguntei ao Josh sobre isso. Sim. Na verdade, esse é um bom ponto. Eu tentei manter isso consoante, e então percebi que preciso adicionar alguma dissonância a ele. Então eu pensei, ei, quer saber, eu vou mover a cooperação para baixo, mas eu vou manter o motivo no mesmo lugar e isso acrescentou a dissonância. Então, foi um esforço consciente que fiz. Está bem. Então, um par de pensamentos sobre isso. Novamente, eu acho que é realmente louvável para Josh, já que ele está apenas começando a tentar todas essas técnicas no contexto de escrever sua própria linha de melodia, para não julgar e apenas ver o que acontece. Porque quanto mais você experimenta essas idéias, mais fluente você vai começar a usá-las e eventualmente você vai aprimorar em como usá-las. Mas se você não experimentar, você vai acabar estagnando e nunca crescendo. Portanto, não tenha medo de experimentá-los, mesmo que os resultados acabem sendo algo com o qual você não está feliz. Certo, de volta à melodia dele com os acordes por baixo. Logo depois, tenho algumas sugestões. Acho que o primeiro acorde funciona bem. O segundo acorde definitivamente tem um pouco de dissonância a ele que eu sinto é um pouco fora de caráter com uma peça orientada pop onde ele tende a ser bastante consonante e não tem um monte de dissonância. No entanto, pode ser apenas esse elemento de tempero que o torna realmente único. Então talvez eu a deixasse. A voz no terceiro acorde cria alguns desafios à frente. Eu realmente não quero entrar em muitos detalhes sobre isso, mas eu sugeriria mudar essas notas para eles em vez disso, então soa assim agora. Principalmente porque ele já estabeleceu um padrão de fazer essas duas notas tocarem um acorde, e elas estão se movendo para baixo, eu só iria manter essa progressão em andamento. À medida que a linha da melodia está subindo, a linha de base está descendo. Isso também precisa ser movido para baixo. Agora, este acorde, eu acho que é um problema real. Usando este acorde, acaba criando a impressão de que a frase está terminando. Poderíamos acabar por aí e parar, mesmo que isso pareça um pouco estranho. Acho que o que funcionaria melhor é voltarmos a um acorde de Fá maior. Agora temos G menor, F maior, E bemol maior, volta para F, e então G novamente. Aqui está como isso soa depois que eu mudei os acordes. A outra coisa que eu poderia sugerir é mudar este acorde para um Dó menor. Agora vamos ouvir como isso soa. Estas são algumas sugestões menores, mas elas estão mudando a progressão do acorde para ser um pouco mais alinhada com o tipo de progressões de acordes que você pode encontrar na música pop. Não que eu esteja tentando transformar a peça de Josh em uma música pop, mas como ele mencionou, essa é a direção que ele estava indo. Então eu estou tentando fazer sugestões que estão alinhadas com o gênero que ele está mirando. 11. Critique: estudantis: Yash (parte 2): Para a última seção deste vídeo, vou incluir alguns trechos de um que trabalhei com Yash sobre maneiras que ele poderia desenvolver isso ainda mais. Consideramos este material inicial como um verso, e então eu improvisei algumas idéias que poderiam funcionar para o coro. [ MÚSICA] Talvez eu vá para outra coisa diferente lá. Deixe-me falar com você algumas coisas que vieram à mente quando eu toquei aquele refrão. Se você olhar para a sua peça inicial aqui, olhe aqui, a cada duas medidas você está mudando um acorde. Há duas medidas. Aqui está outra mudança de acorde, exceto por esta pequena seção aqui, talvez ela mude um pouco mais rápido. Mas, na maior parte, parece atraído seu pouso neste acorde e você está sentado nele, e o que eu pensei é que se vamos chegar ao refrão, vamos mudar todas as medidas para mudá-lo. O que isso vai fazer é criar mais movimento. Isso dá mais turbulência também? Sim, mas estamos avançando. Há mais mudanças que estão acontecendo. Vai aumentar a quantidade de drama que está vindo nessa seção em particular. [ MÚSICA] Eu poderia pegar o elemento rítmico deste segundo motivo e transformá-lo em um coro, talvez incorporando alguns dos saltos que estão lá. Vou tocar este refrão e escrevê-lo aqui para que as pessoas possam ver como é. [ MÚSICA] Eu realmente não gostei quando eu estava tocando aquela última parte no final. Desta vez que eu joguei através dele é mais semelhante e mais derivado do segundo motivo versus o primeiro. Quando eu tentei isso pela primeira vez, eu fiz o curso um pouco mais semelhante ao primeiro motivo. Vamos ouvir isso aqui. [ MÚSICA] Isso é um pouco mais parecido com o primeiro motivo, e eu tentei tocá-lo novamente aqui. Desta vez, eu o tornei mais parecido com a estrutura rítmica do segundo motivo. [ MÚSICA] Depende do caminho que você queria ir, mas essas são duas opções diferentes para você. Diga-me o que você pensa. Qual deles você prefere ou talvez não goste deles? Só estou dando alguns exemplos de onde você pode ser capaz de construir uma ideia. Acho que gosto mais do segundo. Eu não sei por que, mas eu gosto disso um pouco mais. Ele também tem uma boa alternância entre o que você joga com a mão esquerda e a mão direita para que todos os lados como mais turbulência. Acrescenta mais emoção à música. Gosto mais disso. Sim, eu gosto desse um pouco mais também. O que eu diria é que alguns dos motivos para isso é quando eu fiz isso a primeira vez que já jogamos através deste primeiro motivo um número de vezes. Você já ouviu isso três vezes aqui. Ouvimos três vezes de novo, e depois chegamos ao refrão. Se estamos tocando a mesma idéia rítmica de novo, está começando a ficar um pouco cansado neste momento. O que eu acho que faz a segunda versão que eu criei aqui funcionar um pouco melhor é que seu segundo motivo; e a estrutura rítmica disso realmente nós só ouvimos duas vezes, e isso leva direto para o coro. Tomar este motivo aqui nesta estrutura rítmica e apenas continuá-lo em algumas notas diferentes nos permite ter um pouco mais de variação para isso, e estamos construindo sobre o segundo motivo. É como os versos sobre o primeiro motivo com um pequeno indício do segundo aqui, e então chegamos ao refrão; e pode ser uma ótima idéia virar isso e fazer o refrão principalmente sobre o segundo motivo, e então talvez jogue um pouco do primeiro elemento rítmico do primeiro motivo só para amarrá-los juntos. Então, quando voltarmos ao verso novamente, estaremos prontos para ouvir esse motivo porque já esgotamos o segundo um pouco mais. Agora, este pico aqui definitivamente parece que tem muita energia para ele porque é tão alto, e estamos repetindo várias vezes. Exatamente a mesma frase. [ MÚSICA] Essa seria uma maneira de fazer isso é talvez fazer o curso um pouco mais longo e subir até aqui, torná-lo ainda mais alto. Deixe-me tocar isso como um refrão. [ MÚSICA] Vou tentar de novo, o refrão. Acho que depende do alcance. bom do piano é que você não tem limite do ponto de vista do canto. Melody line pode continuar subindo, subindo e subindo. Mas tendemos a responder à música pop ou mesmo se for com o piano, algo que parece um pouco cantável. Ou talvez você poderia ir assim. Eu gosto quando ele vai até esta nota aqui, dá mesmo, pega um refrão que já enche dramático e empurra para cima ainda mais alto. Agora, essa pode não ser a direção que você quer ir com a sua peça. Você pode querer que ele seja um pouco mais moderado? Mas só estou tentando experimentar. Vamos ainda mais longe, e você sempre pode puxar um pouco para trás se você for tipo, “Meh”, talvez isso tenha sido um pouco demais. Então é por isso que eu estou empurrando um pouco mais alto em seu alcance e vendo como, poderia a linha da melodia mesmo ir mais alto. Para ver até onde pode ir. Então, quando você escreve, o que eu espero que você esteja ganhando com isso é tentar se esforçar ainda mais, às vezes, em termos de alcance. Repetindo o motivo mais vezes do que você pensa, então você pode gostar, e você pode ouvi-lo. Então, se começar a se cansar de você, puxe-o para trás ou troque-o de alguma forma. Mas não tenha medo de pegar seus motivos e enlouquecer com eles, empurrando o alcance muito mais alto, adicionando um pouco mais de turbulência ao ritmo, tirando a turbulência e tirando o alcance e vendo se isso funciona. A maioria das canções pop tem versículo um, coro, verso dois. Então você está voltando para a mesma linha de melodia no segundo verso, mas você está usando palavras diferentes. Então isso irá fornecer alguma quantidade de variação para o segundo verso. Se vai ser apenas no piano, então você vai voltar para o segundo verso, que apresenta muito mais desafio para não se cansar pelo fato de que você está usando nesta repetição. Se você estiver adicionando bateria ou cordas ou algo mais, isso pode ajudar a criar alguma variação. peças de piano solo sozinhas são muito difíceis, porque você não tem palavras que você possa usar para mudá-las. Você não tem nenhum outro instrumento para trazer. Assim, maneiras de fornecer variação seriam potencialmente no acompanhamento, ou mudando a oitava, como eu disse antes. Mesmo apenas trocá-lo pode levá-lo muito alto. Isso ajuda a fornecer um pouco dessa variação e mudar para ela. Às vezes são duas coisas diferentes. Principalmente, o que estamos olhando é a estrutura básica de sua linha de melodia, não o arranjo, porque você não tem um arranjo, você só tem a estrutura básica. Então, de certa forma, essas são duas coisas diferentes quando você está pensando em desenvolver sua peça. Você tem mais alguma pergunta sobre isso? Eu acho que uma coisa que eu estava pensando é como se eu começasse com uma progressão de acordes primeiro ou como tirar primeira idéia que eu achei a mais desafiadora. Porque uma vez que você tem como uma estrutura básica, então você pode brincar com ela. Mas tirando essa primeira coisa, eu achei um pouco difícil e para mim, me ajudou a ter alguma regressão de acordes e depois construir melodia em torno dela, mas, isso é algo comum a se fazer? Definitivamente. Eu diria para mim mesmo, provavelmente estou fazendo algumas dessas coisas mais ou menos ao mesmo tempo porque eu tenho feito isso por um longo período de tempo porque eu tenho feito isso por um tempo. Então, muitas vezes ouço a progressão dos acordes e a linha da melodia acontecendo simultaneamente. No entanto, há muitas vezes que eu me sento e talvez eu esteja apenas tocando através de alguns acordes, eu poderia cantar algo acima do que seria diferente das notas que eu estou tocando no piano. Às vezes há uma linha de melodia e então eu estou tentando mudar os acordes por ela. Não há um jeito certo ou errado de fazer isso. Eu encorajaria você a se esforçar para tentar os dois sentidos. Então crie algumas progressões de acordes que você gosta, e então veja se você pode desenvolver uma linha de melodia em cima disso. Então, às vezes, sente-se e tente escrever uma linha de melodia, depois adicione acordes a isso e veja se consegue descobrir algo exclusivo para suportar isso. Quanto mais você passar tempo fazendo essas duas coisas, você pode descobrir que você acaba fazendo isso simultaneamente porque você as fez em isolamento. Mas, novamente, até eu diria que eu balanço através desse espectro completo. Realmente, quando você está tentando desenvolver suas habilidades de composição, você não quer fazer isso de uma maneira demais. Eu definitivamente encorajaria você a, novamente, se esforçar para criar variações sobre o que você está fazendo e experimentá-lo de maneiras diferentes, apenas para fortalecer seu conjunto de habilidades. Quando eu criei esta classe, e eu forneci alguns desses exemplos para mostrar como você pode pegar uma linha de melodia e empurrá-la ainda mais, em seguida, até mesmo o que você pode gostar. A versão que realmente acrescentou muita turbulência a ele, ou realmente mudou o motivo, você pode no final decidir, “Eu realmente não gosto dessa versão.” Mas quanto mais você pode espalhar na frente de você um monte de opções diferentes, ele vai ajudá-lo a escolher o que você acaba gostando mais. Na minha crítica, eu estou tentando pegar o motivo que você criou e o estilo que você está jogando, e depois expandi-lo dentro de sua própria voz. É difícil não incluir minhas próprias idéias nesse processo, mas, estou tentando entrar no seu lugar e dizer, “Se esse é o tipo de idéia melódica e a sensação e a vibração que você tem em sua música, o que você poderia fazer para pegar isso e expandi-lo e desenvolvê-lo?” Quando você escreve música, é muito sobre seu ouvido e aprender a aprimorar o que você gosta e o que você não gosta. Eu mencionei isso um monte de vezes na classe que não há maneira certa ou errada de fazer as coisas mais? Houve um período de tempo na história da música onde eles tinham regras muito mais rígidas sobre como as coisas deveriam soar. Principalmente como em uma época de Bach, Beethoven ou Mozart. As pessoas ficaram muito zangadas quando alguns compositores começaram a sair dessas regras. Eu não sei se você conhece um compositor chamado Stravinsky, mas ele escreveu esta peça que a primeira vez que foi tocada, foi o seu Ritual of Spring Ballet. Eu acho que foi em 1911 quando as pessoas ouviram isso, eles pensaram que era tão ultrajante e uma afronta às tradições musicais na época que eles tiveram um motim e uma briga no Ballet, porque as pessoas ficaram tão ofendidas com aquela música que Ele estava criando. Parece um pouco bobagem agora, porque há uma variedade muito maior de música que está lá fora. As pessoas estão muito mais aceitando hoje em dia. No entanto, às vezes essa maior aceitação pode levar as pessoas a dizerem : “Bem, tanto faz, depende de você. Não há certo ou errado na maneira de fazê-lo.” Estou tentando equilibrar isso dizendo que pode ser verdade, mas há algum tipo de fundamentos musicais que se você se inclinar para eles, pode ajudar sua escrita a ser mais forte. Mesmo que ainda chegue ao seu ouvido, determinando quanta dissonância você quer lá dentro, quanta turbulência você quer incluir, quanta repetição que você quer ouvir para essa linha melódica. Philip Glass era um compositor que usa uma tremenda quantidade de repetição ao ponto que muitas pessoas dificilmente suportam ouvir sua música porque ele repete uma e outra e outra e outra e outra vez, para adicionar náuseas para alguns pessoas. Então eu acho que a coisa mais importante a fazer, é prestar atenção por si mesmo e até mesmo algumas das idéias que eu joguei aqui fora. Repare no que te agarra. Você é como, “Sim, eu amo como isso soa”, e então tente cavar isso um pouco mais fundo para empurrar para aquele som e olhar para o que está fazendo esse som. É a repetição? Está mudando as progressões dos acordes? Você disse que estava notando algo no coro que eu estava fazendo com os acordes, que estava realmente ressoando com você. Talvez pegue o que eu criei aqui e olhe para isso um pouco mais de perto e veja se você pode incluir mais disso em sua música, ou qualquer outra coisa que você ouve quando ouve algo e isso ressoa com você. Tente dividi-lo com algumas das idéias que eu trouxe para a frente nesta classe. Eu gosto disso porque a linha da melodia não vai muito para cima e para baixo, ele praticamente permanece em um intervalo muito pequeno. Ótima. Bem, veja se você pode escrever peças que a linha da melodia permanece em um intervalo muito estreito, talvez ouvir peças e você diz, “Deus, eu adoro como eles vão por todo o lugar, eles vão tão alto e tão baixo”, e então tente para escrever algumas peças que estariam mais alinhadas com isso. Isso faz sentido? Sim.