Como desenhar personagens expressivos - qualquer estilo, qualquer nível

1. Apresentação do curso: Você já quis desenhar personagens que se sentem vivos, personagens que estão cheios de personalidade? Aprender a desenhar expressões pode ser a maneira de fazer isso. Meu nome é Andreas Provost, e neste curso, estarei ensinando você a fazer exatamente isso. Vamos passar por um projeto de desenho juntos, onde você aprenderá a desenhar personagens emocionais e expressivos como nunca antes. Você aprenderá a usar essas habilidades uma forma libertadora e excitante, mas ainda muito prática e aplicada. Além disso, haverá alguns exercícios extras em todas as lições para ajudá-lo a continuar aprendendo se quiser, tudo o que você precisa para este curso é algo para desenhar e algo para desenhe. Eu estarei trabalhando no Clip Studio Paint, mas você absolutamente não precisa obtê-lo se não for isso que você tem, tudo o que você pode desenhar está bem. Se você quiser parar de desenhar personagens estáticos e sem vida, e quiser começar a fazê-los se sentir como pessoas reais, bem, participe do curso, esta é a classe para você. Espero vê-lo lá dentro. 2. A história e ideia: Bem-vindo à classe. Naturalmente, a primeira coisa que precisamos fazer é que precisamos decidir o que realmente vamos desenhar. Há uma certa maneira que eu gostaria de fazer isso, mas também gostaria de explicar a vocês por que estou escolhendo o jeito que estou. Quando as pessoas normalmente falam sobre desenhar emoções, elas falavam sobre algo chamado emoções básicas. Isso será algo como raiva, alegria, felicidade, tristeza, inveja e nojo. Às vezes há seis, às vezes há cinco, às vezes são sete. Mas a parte mais importante é que eles tentam pegar todo o complexo espectro de emoções e colocá-las em algumas caixas selecionadas. Agora, eu realmente não gosto muito desse sistema porque acho que os seres humanos são muito mais complexos do que isso. Eu acho que, como artistas, se reduzirmos toda a bela riqueza de emoção até as caixas de seleção única, ou talvez começarmos a misturá-las e combiná-las. Estamos perdendo o que é mais importante aqui, que é a história. Eu também acho que isso faz você se concentrar nas coisas erradas. Se você está tentando lutar com cada sobrancelha em posição e certificando-se de que os lábios se enrolam bem. Mas você não está considerando como o personagem realmente se sente. Acho que você está perdendo o enredo e colocando importância para onde ele não deveria ir. Se você estiver em sincronia com as emoções do seu personagem, isso será exibido automaticamente através do seu desenho. A maneira que eu quero que você comece a pensar nisso é uma ideia que vou chamar mil sorrisos. Imagine como uma tarefa, eu lhe disse para desenhar um sorriso. O que você desenharia? Embora você possa desenhar algo incrivelmente simples, como um rosto sorridente real. Ou você pode simplesmente desenhar alguém que é genericamente feliz. Mas acredito que um sorriso pode dizer 1.000 coisas diferentes. Vamos fazê-lo em um ângulo diferente e pensar sobre a história em vez disso. Digamos que tenhamos um personagem chamado Alice. Alice vem treinando há anos para se tornar a campeã de xadrez de seu país. O dia dos nacionais finalmente chega, e ela chega muito mais longe do que as pessoas esperavam. Ela está jogando bem e ganha. Ela continua ganhando até que finalmente, ela está nas finais depois uma partida de morder unhas cheia de tensão, surpreendentemente, ela ganha. Como seria a Alice sorrir? Eu apostaria, pode parecer algo assim. Um sorriso exultante, um sorriso alegre, um sorriso que parece uma grande recompensa por todos os problemas que ela passou para chegar aqui. Aquele dia é o sorriso de Alice? Mas também podemos ir para ele de um ângulo diferente. Imagine seu oponente, ela tem treinado tão duro quanto. Agora que o dia finalmente chegou, ela fica em segundo lugar. Ela está arrasada. Às vezes, estar muito perto de ganhar pode parecer muito pior do que apenas perder. Então ela se dirige do pódio , volta para a família que veio lá para sustentá-la. Felizmente, seu namorado está lá que sempre soube como fazê-la rir, apesar do fato de estar arrasada com sua perda, seu namorado quebra uma piada estúpida e ela simplesmente não pode deixar de sorriso. O sorriso dela pode parecer algo assim. É um sorriso de emoções mistas. Um sorriso que claramente cuida das pessoas com quem ela está, mas também um sorriso que veio em um momento muito difícil. Que tal este? Alice, sobrecarregada alegria também volta para sua família. É só a mãe dela que veio assistir, mas ela está intensamente orgulhosa de sua filha. O sorriso dela pode parecer algo assim. É um sorriso terno, amoroso e muito orgulhoso. Esses três sorrisos contam uma história drasticamente diferente, mesmo que todos tenham ocorrido dentro da mesma situação. Espero que você possa ver agora como ter uma compreensão da história que você está prestes a contar é realmente importante para decidir como deve ser a apresentação emocional desses personagens. Para ajudá-lo a considerar a história, você pode usar as seguintes perguntas. O que acabou de acontecer? O que está acontecendo atualmente? O que está prestes a acontecer? Tente se colocar no lugar do seu personagem e pense sobre o que acabou de acontecer ao redor deles. Se você ainda não tem uma ideia de história que deseja desenhar, pode valer a pena apenas olhar para um gerador de palavras aleatório. percorrendo essas palavras aleatórias e pensando por alguns segundos em cada uma, vendo se alguma ideia vem à mente. Às vezes você pode desencadear histórias onde antes você não tinha nenhuma inspiração. Agora, a principal coisa que olhamos até agora é a situação, o que está acontecendo com o personagem? Mas, claro, a personalidade real do nosso personagem também é super importante. Mesmo que apenas tomemos a posição de Alice de ganhar o campeonato. Há pessoas diferentes que podem ter respondido de forma muito diferente nessa mesma situação. Alice estava alegre e exaltada, mas talvez um personagem muito arrogante e confiante, bem, nunca teria duvidado do resultado. Talvez você tenha um personagem tão mau bom no xadrez que eles estão completamente entediados com ele porque não há mais montanhas para conquistar. vitória deles parece um pouco oca. Talvez tudo o que seu personagem faça, é apenas respirar um suspiro de alívio sabendo que todo o estresse acabou agora. Para praticar esse tipo de pensamento, eu queria lhe dar um exercício opcional chamado três sorrisos. E basicamente envolve apenas fazer o que fizemos na demonstração. Escolha uma emoção e pense uma história de momento que possa envolver essa emoção com base nas diferentes perspectivas e diferentes personalidades dos personagens dessa história. Veja se você pode desenhar essa emoção três vezes diferentes, mas apresentando de uma maneira diferente a cada vez. Assim como, no exemplo, tivemos o sorriso de um vencedor. Tínhamos um sorriso orgulhoso e tivemos um sorriso triste, choroso e animador. Você pode fazer a mesma coisa com qualquer uma dessas outras emoções, raiva, tristeza, medo, e quando se trata de realmente desenhar essas emoções, a maior dica que posso dar a você é apenas agir. Se você agir com raiva, o que acontece com seu rosto? O que acontece com seus ombros, suas mãos? Olhe para si mesmo em um espelho e veja sua linguagem corporal e sua expressão facial. Também pode ajudar no Google a emoção e obter as referências apropriadas. Veja o que acontece nos rostos das pessoas e como pequenos ajustes nisso podem dar impressões muito diferentes. Mas, como eu disse, agir sozinho é uma das melhores maneiras de fazer isso. Com isso dito, dê uma chance ao exercício, se quiser. Mas, enquanto isso, vamos começar na primeira parte do nosso projeto. Tudo bem, então primeiro é a miniatura. Para este, vou pegar um pouco de um pincel arranhado, usar uma textura de papel simples só porque não gosto de ter uma tela branca pura e vou ficar de pé, é isso que eu quero que você faça também. Eu não quero que você gaste muito tempo pensando sobre a perspectiva exata das coisas. Eu não quero que você construa uma figura realista. Eu só quero que você comece a colocar algumas ideias para o jornal. Novamente, tente considerar a história pensando na situação e pensando em como o personagem que você está desenhando responderia a essa situação? Que expressão eles teriam? Como é a linguagem corporal deles? Não fique com uma única coisa, mas explore opções diferentes. Incline a cabeça de um jeito ou de outro, suas mãos estão tocando o rosto ou talvez não? Este é o seu playground. É aqui que você começa a explorar e experimentar o que funciona e o que não funciona. Não tenha medo de ser confuso, e esteja disposto a jogar fora qualquer trabalho que você esteja fazendo aqui. Você não quer ser precioso sobre o que está desenhando, mas você quer apenas explorar qualquer coisa que o ajude a se sentir mais livre para tentar o que você quer é algo que você possa usar. Não há regras aqui. A história que vou com é uma funcionária de call center que só tem muito no prato dela. Imaginei que ela estava em uma ligação com um cliente particularmente frustrante já tendo estado nessa chamada há muito tempo e apenas querendo estar fora dessa situação. Eu queria capturar essa mistura de frustração e estresse e queria que a linguagem corporal dela se sentisse da mesma forma. Novamente, não estou me preocupando com a proporção, mas estou apenas explorando como a imagem final pode ser. Tudo o que desenhamos aqui, vamos redesenhar inteiramente de qualquer maneira. Você não precisa se preocupar em manter tudo limpo ou preciso. É um processo de iteração. Em um esboço, você pode ter um aspecto que você gosta e outro aspecto que você não gosta. Talvez, por exemplo, os ângulos da câmera bons, mas a pose não funciona muito bem. Ou você tem uma boa expressão facial, mas a linguagem corporal não combina com ela. Nesses casos, você só quer passar e ver quais opções você tem. Lembre-se, se você não tem certeza de como capturar essas emoções, uma das melhores coisas que você pode fazer é realmente agir por conta própria. O que seu corpo naturalmente faz quando você tenta canalizar essas emoções? Se você colocar isso em seus personagens, eles naturalmente começarão mais expressivos. Tente se forçar a experimentar algumas ideias, mesmo que a princípio você sinta que elas provavelmente não vão funcionar de qualquer maneira. Você pode me ver tentando alguns ângulos de câmera diferentes, algumas perspectivas diferentes e no fundo da minha mente, acho que provavelmente não vou usá-los, mas tentando aplicá-los de qualquer maneira, às vezes você tem algumas idéias incríveis que, de outra forma, você não teria tido. Estou tentando um ângulo mais close-up. Estou tentando algumas poses diferentes para os braços. E até tento um que esteja mais por cima do ombro, obtendo uma visão inversa completa da situação. Então, no final, coloquei todos os esboços juntos em uma página, só para poder ver quais acho que funcionam melhor. E, novamente, é bom misturar e combinar aqui. Se você tem peças que funcionam e peças que não veem se você pode combiná-las para fazer algo melhor do que qualquer uma das opções. No final, são essas duas miniaturas que eu acho que funcionam melhor. Vou trabalhar com alguma combinação dos dois. Dê uma chance a isso você mesmo. Faça uma página de miniaturas, experimente diferentes opções, experimente diferentes ângulos e poses e veja quais são os melhores para você. Não fique preso em detalhes técnicos e apenas explore livremente. Então, quando você tiver feito isso, verei você na próxima lição onde vamos ver como refinar isso. 3. Desenvolvendo seu desenho: Agora é hora de pegar esse esboço áspero e transformá-lo em algo que se assemelha um desenho acabado. Vamos ver como refinar seu esboço e como aplicar alguma estrutura aos seus métodos. O que vou dizer, porém, não pretendo ensinar o método Loomis ou o método Asaro ou qualquer tipo de método de construção de cabeça. Acho que esses métodos têm seu lugar e podem ser muito úteis, mas também acho que, para o que estamos procurando, eles são apenas um pouco restritivos demais. Quero incentivá-lo a explorar e empurrar as coisas um pouco mais longe do que você pensa que elas podem ir. Usar esses métodos de construção às vezes apenas desencoraja você de explorar. Não há regras reais aqui. Você pode trabalhar em qualquer estilo e proporção que quiser. Você não precisa copiar meu estilo ou o estilo de qualquer outra pessoa, mas há alguns efeitos que isso ajuda a estar ciente. Por exemplo, independentemente do estilo em que você decida trabalhar, você ainda pode empurrar seu caracterizado projetado para empurrar certas características. Um exemplo comum aqui é a idade. Para diferenciar entre um jovem e um idoso em seus desenhos, isso pode ajudar a estar ciente de ideias como proporções relativas. As proporções relativas do rosto nos dizem muito sobre as idades de diferentes personagens. As pessoas mais velhas normalmente têm um nariz relativamente maior, orelhas maiores e olhos menores. A testa às vezes também pode parecer maior à medida que a linha do cabelo recua, e normalmente haverá mais detalhes da superfície à medida que a pele envelhecida começa a ficar enrugada. Uma maneira de aumentar sua capacidade de desenhar diferentes tipos de personagens é aprender a identificar características e infundir seus desenhos com essas características. A ideia de mostrar a idade através proporções relativas é um bom exemplo disso. Se há um retrato que desenhamos que queremos nos sentir mais jovens, podemos descobrir como fazer isso olhando para o tipo mais jovem de humanos. Bebês, uma vez que temos nosso esboço inicial, podemos ver o que faz com que os bebês pareçam diferentes dos outros humanos, e então tudo o que precisamos fazer é infundir nosso personagem com algumas dessas características. Podemos ajustar as formas para suavizá-las e torná-las mais arredondadas. Podemos ampliar os olhos para alterar as proporções do rosto. À medida que empurramos essas características para o nosso personagem, nosso personagem começará a assumir algumas das qualidades da coisa que estamos referenciando. Isso nem precisa ser limitado apenas a pessoas. Embora as pessoas sejam muitas vezes um bom ponto de partida, especialmente se você estiver desenhando personagens humanóides, você pode encontrar inspiração para isso em todos os tipos de lugares. Aqui estou esboçando um retrato de um homem mais velho que eu queria me sentir mais robusto. Então, enquanto eu encontrei referências de um homem mais velho e um homem que apenas olhava mais perto do que eu queria, eu também incluí uma referência para uma árvore e uma referência para algum feno. Eu queria ver se eu poderia dar ao rosto dele um pouco mais de caráter , convertendo as linhas simples mais suaves e mais arredondadas em algo um pouco mais como as curvas robustas um pouco mais como as curvas robustas que você encontra em uma árvore velha. Da mesma forma, eu queria adicionar um pouco de Bristol à sua barba imitando as formas que você encontra no feno seco. Para este tipo de caracterização, sinta-se à vontade para fazer referência ao que quiser. Por exemplo, talvez você possa pensar sobre a roupa que seu personagem está usando. Como seriam os dentes deles? Eles se importam muito com a aparência deles ou não? Se você ainda não tem certeza de que tipo de coisas mudar para impulsionar essas características, isso pode ajudar a olhar ao seu redor no mundo real. Olhe para atores que podem se parecer com o personagem que você viu em sua cabeça, ou talvez você possa ver fotos de pessoas que você conhece na vida real. Claro, você também pode fazer referência a designs de personagens existentes e outros trabalhos de artistas para ver o que eles fizeram para levar seus personagens a parecerem de uma determinada maneira. Você pode aplicar todas essas ideias tentando desenhar dois retratos de personagens diferentes com a mesma pose, o mesmo ângulo, mas veja se você pode empurrar as proporções relativas e suas características físicas que eles ainda se sintam significativamente diferentes. Mas mesmo que eu não vá falar sobre nenhum método específico de desenho de cabeça, ainda quero dar algumas dicas para resolver sua estrutura. A menos que você esteja trabalhando em um assunto muito estilizado, ainda ajuda a ser capaz de desenhar seu personagem de todos os ângulos. Então, embora eu não use o método completo da cabeça Loomis, ainda uso linhas de cruzamento para me ajudar a chegar ao ângulo que eu quero. Se desenharmos duas linhas em uma esfera que percorrem todo o caminho e são perpendiculares umas às outras, a cruz que vemos na parte da frente nos dá uma ideia muito boa de em que ângulo estamos vendo essa esfera. Isso funciona para praticamente todas as formas de cabeça, adiciona um nariz a isso, e você sempre saberá para que lado os formulários estão enfrentando. Então é isso que eu vou recomendar que você faça também. Use este método de linhas de cruzamento para descobrir exatamente onde você quer que sua cabeça aponte, então, quando você coloca o nariz onde ele precisa ir [RUÍDO], você terá esclarecido exatamente qual ângulo deseja. O ângulo importa muito. Mesmo se mantivermos o design de um personagem o mesmo, mas os vemos em dois ângulos diferentes, ele ainda pode contar duas histórias diferentes. Então, com isso dito, mostrarei agora como estou levando minha miniatura para um esboço mais refinado que você possa fazer a mesma coisa. Próximo passo é hora de refinar nosso esboço. Eu acho que uma das melhores maneiras começar com isso é antes de começar a desenhar os detalhes, na verdade, levar algum tempo para encontrar algumas referências relevantes. Existe um programa incrível chamado PureRef que você pode realmente baixar gratuitamente, o que lhe permitirá reunir e organizar referências lindamente. Eu uso esse programa em praticamente todos os projetos que faço. Ao abrir uma janela PureRef, colocá-la para o lado e simplesmente navegar por uma biblioteca de fotos, consigo encontrar muitas referências relevantes para praticamente todas as partes da imagem. Que tipo de coisas você pode referenciar? Bem, você pode começar com a emoção que você quer retratar. Talvez você queira fazer referência a algumas pessoas que se parecem com o personagem que você está tentando desenhar. Ou talvez haja objetos ou detalhes técnicos na cena em que ter uma referência possa ajudá-lo a descobrir exatamente como essas coisas se parecem. Geralmente, se tentarmos tirar tudo isso da nossa cabeça, deixamos de fora muitas pequenas coisas que ajudam a fazer a coisa parecer real. Portanto, para evitar isso, ter referências relevantes é realmente importante. Quando você tem as referências que deseja, você pode simplesmente selecionar as imagens, clicar com o botão direito do mouse e ir para organizar e, em seguida, otimizar para ter instantaneamente uma bela propagação de todas as referências que você coletou. Agora temos nossas referências e é hora de realmente desenhar. O que eu tenho aqui é uma tela simples, novamente com essa textura de papel, e vou começar a fazer algumas marcas ásperas. A diferença é que, ao contrário da miniatura, agora, estou realmente começando a pensar sobre o ângulo exato do qual estamos vendo as coisas. No entanto, para manter as coisas se sentindo espontâneas, não estou muito preocupado em fazer tudo certo primeiro tente. Pessoalmente, acho que muitas vezes é mais fácil obter um desenho correto, apenas colocando algumas coisas na página e vendo se você pode corrigi-lo em vez de apenas tentar evocar algo que já é perfeito do nada. Estou apenas fazendo uma bagunça para que meu cérebro realmente tenha algo a entender, algo para segurar. Você vai me ver remover peças, apagá-las e redesenhá-las. Ao fazer isso, estou tentando obter a melhor opção para cada parte da imagem. Quero que tudo funcione juntos. Quero que as mãos sintam que têm alguma tensão, quero que o rosto se sinta expressivo, quero que a linguagem corporal funcione, e quero ter certeza de que estamos vendo isso de um ângulo que faz sentido e eleva ainda mais o humor. Alguns artistas usam muito mais construção do que eu. A razão pela qual não estou fazendo isso agora é porque quero que o desenho se sinta espontâneo. Mas se esse tipo de esboço de forma livre não vier naturalmente para você, você pode usar uma abordagem mais construída ou simplesmente tentar ver o que você pode aprender com ela. Apenas fique aberto à possibilidade de que isso muitas vezes possa ajudá-lo a se soltar um pouco, e afrouxar-se é a chave para obter uma boa leitura emocional e expressiva. Aqui você pode realmente me ver apagar e redesenhar o rosto em um ângulo completamente diferente. Isso porque eu realmente gosto da sensação dinâmica que a inclinação da cabeça para cima de uma das miniaturas estava nos dando. Embora você não possa vê-los, eu tenho minhas miniaturas abertas na outra tela e olho regularmente para elas para garantir que nosso esboço ainda mantenha a mesma energia. Idealmente, no final desta etapa, você quer que seu desenho se sinta melhor do que o esboço bruto que você fez. A maneira como vou limpar a perspectiva é subindo para a camada, apertando “Régua/Quadro” e, em seguida, clicando em “Criar régua de perspectiva”. Este é um recurso incrível do CSP que orienta essencialmente todas as linhas que você está desenhando em direção aos pontos de fuga que você criou. Isso realmente facilita muito a criação de perspectivas. Uma vez que eu tiver meu passe difícil, vou passar por cima, tentando refiná-lo e fazer pareça um pouco mais com uma imagem acabada. A miniatura é nossa primeira ideia. Então, o esboço aproximado nos aproxima um pouco de como essa ideia deveria ser, e então essa versão refinada é basicamente nossa primeira tentativa de realmente criar o trabalho final. Agora acho que nosso esboço está começando a parecer muito mais com uma ilustração acabada. Mas você pode estar percebendo a mesma coisa que eu estava percebendo. Nosso esboço agora perdeu muita energia. Este é um problema que vejo pessoas vivenciando o tempo todo, é tão incrivelmente difícil manter essa energia à medida que você transforma sua peça em algo mais acabado. Mas não se preocupe, porque na próxima lição vamos ver exatamente o que você precisa fazer para recuperar tudo isso. Então eu te vejo lá. 4. Exaggeration: fazendo uma sensação de personagem viva: Bem-vindo de volta. Como eu disse na última demonstração, sinto que perdemos parte da energia na parte da estrutura. Isso é algo que vejo acontecer o tempo todo. Eu acho que as pessoas normalmente perdem a noção de qual a intenção das peças quando tudo o que elas estão se concentrando é perspectiva e forma. Quero ver se podemos recuperar isso. Acho que a chave aqui é o exagero. exagero não é o mesmo que a distorção. A parte importante aqui é sua intenção. Por exemplo, se quisermos fazer esse personagem se sentir mais corpulento e resistente, apenas mover as partes do rosto aleatoriamente não vai nos ajudar com isso. O que queremos fazer é identificar as características que fazem algo parecer corpulento e empurrar as diferentes partes do nosso retrato para mais perto disso. Algumas coisas que eu estava pensando, por exemplo, eram um pescoço grosso, uma mandíbula quadrada e uma linha de sobrancelha muito forte. Pense na lição anterior que estávamos falando sobre extrair características de diferentes tipos de imagens. O que estávamos fazendo lá é basicamente uma forma de design exagerado. Neste vídeo, quero ver como exagerar o movimento e a emoção. Mas quando pensamos especificamente quais partes queremos exagerar para um certo efeito, podemos realmente fazer com que o desenho pareça certo. Agora essa é uma ideia importante. Muito do tempo os desenhos devem estar certos e todas as peças estão no lugar, mas realmente não sentimos o impacto que pretendemos. Acho que isso é porque dentro do desenho, por causa da falta de realismo, muitas vezes precisamos empurrar as coisas um pouco mais longe. Se quisermos desenhar dois personagens tocando uns aos outros, apenas traçar em cima da fotografia muitas vezes não vai parecer certo, mesmo que as formas sejam exatamente as mesmas que seriam na vida real. Quando estamos desenhando qualquer coisa, normalmente precisamos projetá-lo e precisamos empurrar as coisas um pouco mais longe para que elas se sintam da mesma maneira. Não apenas para parecer certo, mas para se sentir certo. Mas como você sabe quais partes exagerar? Bem, vamos dar uma olhada nas expressões faciais. Pode ajudar a começar sabendo quais partes do rosto podem realmente se mover mais. Se eu fosse simplificar fortemente a anatomia de um rosto, seria apenas um crânio com um monte de coisas nele e um monte de coisas dentro dele. Se olharmos para onde as características faciais reais iriam aqui, o globo ocular entraria, os lábios ficariam no topo aqui. As sobrancelhas ficavam em cima aqui, e o nariz é realmente assado no rosto. Esta parte é, na verdade, o início do nariz e daqui em diante é principalmente cartilagem. Se estamos procurando coisas que façam sentido exagerar, queremos olhar para as partes que se movem mais facilmente na vida real. Isso significa que podemos obter muito exagero dos olhos e podemos obter muito exagero da boca. Claro, o nariz também pode mudar, mas é afetado principalmente pelo músculo que o rodeia. O nariz em si não causa muito dessa ação. Tenha em mente que ainda não há regras reais aqui. Muitos estilos quebram esse tipo de coisa o tempo todo. Se você quiser fazer com que todos os recursos do rosto se desviem para um lado para efeito cômico, você pode fazer isso totalmente. Dependendo de quão estilizado você desenhar, você pode ter mais ou menos espaço para detalhes. Mas não importa quantos detalhes você decida usar, ainda pode ajudar a estar ciente de como as rugas se formam no rosto. Especialmente durante emoções muito intensas, ter esses aumentos de rugas aparecem realmente ajuda a levar o ponto para casa. Vincos e rugas são causados pela pele sendo empurrada em conjunto. À medida que os músculos do rosto se contraem, diferentes partes da pele estão sendo aproximadas. Mas é claro que toda essa pele ainda precisa ir a algum lugar, então ela dobra e se acumula. Uma maneira fácil de simplificar a forma como as rugas se formam no rosto é pensar em empurrar um pedaço de tecido. Aqui você pode me ver aplicar alguma pressão a uma camisa que é mantida por um peso pesado. Você pode ver que, à medida que eu aplico pressão em uma direção, essas formas ondulantes começam a seguir meu dedo. O mesmo acontece no rosto quando os cantos da boca se movem para um sorriso, você vê a mesma coisa acontecendo lá. Da mesma forma, quando as sobrancelhas se movem para uma franzida, a mesma coisa está acontecendo no centro do rosto. O exercício que vou recomendar que você pratique isso é chamado empurrar, empurrar, quebrar. Comece desenhando um rosto neutro. Pode ser qualquer estilo com o qual você se sinta confortável e qualquer tipo de personagem. Agora escolha a emoção que você quer que esse personagem transmita. Este provavelmente também seria um bom momento para obter referências. Basta tentar desenhar o mesmo personagem expressando essa emoção. Basta desenhar essa emoção com o melhor de sua habilidade, mas não pense muito nisso. Quando terminar de desenhar, compare os dois desenhos e veja se você pode analisar as diferenças. O que faz com que o segundo desenho pareça uma certa maneira em que o primeiro desenho parece muito neutro. Se você quiser apenas anotar algumas notas, isso pode realmente ajudá-lo a observar. Agora que você sabe quais mudanças fazem com que esse retrato se sinta de certa maneira, eu quero que você exagere essas diferenças. Se as sobrancelhas se moverem para cima, mova-as para cima. Se os cantos da boca estiverem se movendo para fora, mova-os para fora. Veja se, exagerando essas diferenças, você pode criar uma versão mais intensa dessa emoção e depois, quando tiver concluído esse esboço, faça novamente e vá um pouco mais longe. Este exercício é concluído quando você atinge o ponto de ruptura. O ponto em que você sente que o desenho não funciona mais quando você foi longe demais. É por isso que se chama push, push break. Eu quero que você explore os limites de até onde você pode empurrar essas coisas. Não tenha medo de arruinar esse desenho final e empurrá-lo muito mais longe do que você pensa que pode ir. Dessa forma, ajudará a explorar seus limites. Até onde você quer levar seu exagero. Se você quiser, faça esse exercício e , entretanto, continuaremos nosso projeto de classe. Como acabamos de discutir, é nos olhos e na boca que podemos ver muita expressão. Essa é, na verdade, a área em que vou procurar primeiro. Estou analisando o que os olhos e a boca dela estão fazendo e vou empurrar isso um pouco mais longe. Os olhos dela estão apertando os olhos, então vou fazê-los apertar mais os olhos. testa dela estava franzindo a testa, então vou tornar a sobrancelha mais forte. Para a boca, vou enfatizar a careta movendo os cantos da boca mais para fora e também vou enfatizar as rugas que estão se formando ao redor do nariz dela. Também podemos exagerar as coisas de outras maneiras. Cada parte do seu personagem é essencialmente uma oportunidade de exagero. Por exemplo, se eu quiser fazê-la se sentir esmagada e frustrada, posso fazê-lo deixando seu cabelo mais confuso. Mesmo que não seja uma parte típica da expressão, ela ainda ajuda a vendê-la. Outra parte realmente expressiva do corpo são as mãos. Quero ter certeza de que as mãos realmente sentem como se tivessem alguma tensão. Vou enfatizar as linhas para os tendões na parte de trás da mão dela só para fazer com que pareça seus dedos têm mais atenção neles. Vou tentar usar formas afiadas e angulares para fazer isso pelo mesmo motivo. Com esse mesmo pensamento, continuo dando a volta à imagem. Só estou procurando pequenas coisas que eu possa fazer para melhorar ainda mais a emoção. Pensei que talvez adicionar algumas gotas de suor no rosto dela seria uma boa adição. Mas esse sentimento de expressão não se limita apenas ao personagem em si. Até agora olhamos para a expressão exagerando a expressão facial, exagerando as mãos e também olhamos para o que poderíamos fazer cabelo dela para enfatizar ainda mais esse sentimento. Mas também podemos usar o meio ambiente para fortalecer esse sentimento de estresse e sobrecarga. Achei que poderíamos adicionar pilhas de papel no administrador para realmente fazer parecer que há muito o que fazer. Estamos fazendo a emoção dela ler mais fortemente não mudando sua emoção, mas mudando a situação em que ela está expressando. Isso é realmente um bom teaser para a próxima lição. Tenha uma chance de levar seu próprio projeto para esse estágio e, em seguida, discutiremos como levar a coisa toda a um bom acabamento. Vejo você lá. 5. Tudo sobre tudo o que importa: Verdade seja dita, eu não tinha certeza exatamente onde colocar esta lição, mas eu ainda queria falar brevemente sobre isso. Como você viu na última demonstração, falamos sobre como adicionar alguns elementos ambientais realmente elevou a ideia da imagem. Isso é verdade com tudo. A principal vantagem que eu quero que você obtenha é que exagerar e conjurar um certo sentimento muitas vezes não é apenas exagerar o rosto ou a linguagem corporal. Podemos fazer isso de todos os tipos de maneiras. É a composição, é o ângulo da câmera, é a iluminação, a cor. Há tantos outros aspectos que entram em jogo que podem ajudá-lo a aumentar ainda mais um certo sentimento. A coisa é que se você quiser considerar todas essas coisas, você tem que considerá-las desde o início da peça. Mas como estávamos muito focados no desenho de personagens, não achei certo colocar essa lição lá. Basta ter em mente que cada escolha que você faz dentro do seu desenho pode ter um certo efeito e cada escolha, portanto, também pode ser projetada para apoiar sua ideia principal. Se você pensar em cinematografia, esses cineastas estão realmente esforçando para convencê-lo de que história deles é realmente emocional ou que sua coisa assustadora é assustadora. Eles estão fazendo isso usando todas as ferramentas em seu arsenal. Às vezes, eles puxam a câmera muito perto, enquanto outras vezes ela estará mais longe. A iluminação pode ser muito gritante para dar a algo uma sensação desconfortável ou dramática, ou pode parecer muito suave e gentil se as coisas precisarem se sentir românticas e macias. há nenhum limite para os fatores que você pode considerar. Como é o clima na cena? A câmera está apontada em linha reta ou está inclinada? Quantas pessoas estão na cena? Em que tipo de ambiente essa cena ocorre? Todas essas coisas podem ajudar e você pode usá-las para moldar sua história. Realmente não há uma parte que seja mais ou menos importante do que as outras. Todos eles se reúnem para fazer um produto acabado. Só saiba que sempre que você se sentir preso e sempre que quiser empurrar sua história e enfatizá-la apenas um pouco mais, saiba que você tem escolhas. Você tem muitas opções de fato: o ambiente, o clima, a iluminação, a composição, a câmera em seu desenho, a pose do personagem, o design do personagem, o seu trabalho de linha, seu real marcação, o pincel que você decide usar. Todas essas coisas podem enfatizar o que você quer enfatizar. Espero que isso não te assuste ou sobrecarregue, porque há muitas escolhas a fazer, porque isso significa que há tantas possibilidades de explorar e há tantas coisas surpreendentemente incríveis que você pode fazer usando arte. Espero que leve isso com você. Há tantas histórias que você pode contar de muitas maneiras diferentes de contar essas histórias. Estou muito animado para ver onde você os leva. Com isso dito, vamos tentar aplicar esse pensamento ao nosso trabalho e ver se podemos finalizá-lo bem. A principal coisa que eu queria fazer neste vídeo final é pensar como podemos usar cor e luz para realmente terminar bem as coisas. Eu queria pensar em como podemos fazer o espectador olhasse exatamente onde queremos e como podemos fazer a personagem se destacar em seu ambiente. Eu também queria pensar em como podemos usar elementos como cor e luz para vender melhor a história dela. O que eu queria fazer é que eu queria contrastar a frustração dela com a inclinação e a sobrecarga do trabalho dela. Achei que poderia ser bom fazer isso mantendo seu tom de pele e sua cor de cabelo bastante quente, mantendo seu ambiente em um cinza bastante silencioso e fresco. Ao dar-lhe um pouco de cor mais quente e intensa, ela se destacaria bem e o calor de sua frustração contrastaria bem com o ambiente, tornaria mais fácil para o espectador saber no que eles deveriam estar prestando atenção, e também a separaria bem do mundo ao seu redor. Acho que o calor de usar alguns vermelhos fortes realmente ajudaria a frustração dela a soar. A maneira como eu normalmente começo a colorir essas peças é bloquear rapidamente alguma cor para cada um dos diferentes tons que estou vendo. Vou usar um para a pele, um para o top dela, um para o cabelo, um para a cadeira, etc. Só estou estimando o que acho que essas cores vão ser. Estou ficando um pouco mais escuro do que esperava, porque normalmente quando você está trabalhando em um fundo claro como este papel, é muito fácil subestimar quão escuro tudo poderia realmente ficar. Como você está trabalhando em um fundo tão claro, tudo parece muito escuro em relação a isso. A primeira cor é que você colocou para baixo provavelmente vai parecer muito escura, mesmo que na peça final eles acabem parecendo bem. Eu também adiciono algumas gotas rápidas de branco para fazer suas gotas de suor se destacarem e também contrastá-la bem contra o fundo. Achei que o branco parecia a iluminação do escritório que você recebe em muitos lugares. Acho que se encaixa muito bem na cena. Só para evitar que tudo tenha exatamente a mesma cor, adicionei alguns tipos de papel rápidos e diferentes nas pilhas usando a régua de perspectiva para desenhar rapidamente algumas linhas. Eventualmente decidi que não queria usar apenas tons planos puros. Usando alguns pincéis macios, adicionei um pouco de sombreamento ao personagem. Eu queria mantê-lo bastante mínimo e aplicar o sombreamento principalmente apenas a ela para que ainda fique muito claro que ela é o ponto focal. Os jornais e tudo o mais precisam estar lá para se vestir, mas não quero necessariamente que o espectador preste atenção apenas a isso. Eu também usei um pincel macio para adicionar ainda mais um pouco de tom vermelho ao rosto dela, enfatizando essa sensação de frustração. Lembre-se de que qualquer estágio em que você esteja, nunca é tarde demais para corrigir um erro de desenho. Coloração bonita em cima de um trabalho de linha muito má geralmente ainda não parece muito bom. Não importa o quão longe você esteja em sua peça, se você está percebendo um erro de desenho, provavelmente vale a pena corrigi-lo. Uma das coisas finais que você pode realmente me ver fazer nesta demonstração é transformar o rosto apenas para garantir que ele se encaixa no resto do corpo. Depois de receber alguns comentários úteis de amigos, decidi que, sim, preferi quando o rosto era um pouco maior na cabeça. Eu apenas o transformei rapidamente e depois o pintei de volta para que ele se encaixasse perfeitamente. Nunca é tarde demais para fazer mudanças assim. Normalmente, tento nunca terminar e deixar uma peça na mesma sessão. Muito tempo, erros simples ou pequenas mudanças que tornam a peça muito melhor, são encontrados somente quando você faz uma pausa. Mesmo que este seja um desenho bastante rápido e áspero, eu ainda o deixei um pouco só para poder ver mais tarde se havia algo que eu queria mudar. Quando voltei, senti que a peça poderia usar alguns elementos de fundo muito claros e talvez apenas um pouco de sombreamento extra para ajudar a coisa toda a se encaixar. Mais uma vez, usando a régua de perspectiva, rapidamente bloqueei algumas formas mais escuras em segundo plano e, em seguida reduzi a opacidade da camada apenas para que elas não chamem muita atenção. Por fim, usando um par de pincéis macios, adicionei um pouco de brilho à luz do aro em nosso personagem, e também adicionei um pouco de luz suave vindo de cima e uma sombra suave vindo de abaixo. Acho que muito tempo as pessoas debatem entre sombreamento celular puro usando apenas dois tons ou pintura completa. Mas eu acho que você pode chegar muito longe com esses ajustes de luz muito gerais entrando com um grande pincel macio e apenas fazendo alguns traços no topo rapidamente. Lá você tem isso. Esse é o nosso esboço expressivo de personagens feito. Agora é hora de você ter uma chance. Termine seu desenho usando essas ideias. Pense na iluminação e na cor, e se houver algo que você possa fazer para enfatizar os sentimentos que você quer que sua imagem tenha. Em seguida, entre e acabe com o melhor de sua habilidade. Boa sorte e compartilhe seu trabalho conosco. Adoraria vê-lo. 6. Mais fechada: Esse é o fim da aula. Espero que você tenha gostado. Espero que você tenha aprendido muito. Se você quiser seguir o que eu faço, eu vou por @andreasprovoost nas minhas mídias sociais. Antes de você ir, tenho alguns pedidos. Se você fez algum dos exercícios ou fez o projeto de aula, por favor, compartilhe conosco aqui no Skillshare ou me marque nas redes sociais porque eu realmente adoro ver o que vocês fizeram e isso faz meu dia. Se você tiver algum feedback ou sugestão ou talvez coisas que você só queira saber mais sobre, você pode me avisar enviando um e-mail para o endereço de e-mail na tela agora mesmo. Com isso dito, espero que você tenha gostado disso e eu te vejo na próxima vez.