Como desenhar mãos bonitas — Uma linha de cada vez

1. Introdução do curso: Desde o início da história, a humanidade tem lutado com perguntas difíceis. De onde viemos? Onde é que vamos? O que significa viver uma vida boa? Mas uma pergunta mais do que qualquer outra continua a atormentar-nos até hoje. Como o [inaudível] faço para desenhar as mãos? Bem, já não. Neste curso, vou ensinar-lhe tudo o que você precisa saber sobre desenhar as mãos. Vamos olhar para como desmontá-los, para simplificá-los, e como adicionar um pouco de vida e expressão a eles. Em muitas demonstrações passo a passo, vou mostrar exatamente o que você precisa fazer para pegar seu jogo de desenho à mão e levá-lo para o próximo nível. Então, se você está pronto, vamos mergulhar e começar. Meu nome é Shoot (fonético), eu sou um instrutor de arte e ilustrador, e eu tenho ensinado arte online por alguns anos agora. O curso aqui prestes a tomar foi dividido em cinco seções diferentes. No capítulo 1, você vai aprender a estrutura de uma mão. Vamos separá-lo para que possamos entender como as mãos se movem e então vamos simplificar essas formas em algo que podemos colocar em diferentes perspectivas. Na lição 2, você aprenderá a pegar esse esboço e transformá-lo em um desenho acabado à mão. Vamos ver como as linhas que usamos afetam o resultado final do desenho e vamos ver se podemos usar isso a nosso favor. No capítulo 3, você aprenderá a pegar suas mãos que agora estão parecendo acabadas e corretas e injetar alguma vida extra nelas. Na lição 4, vamos mudar nossa atenção do desenho para a pintura, enquanto observamos quais opções de cor estão envolvidas nas mãos de pintura, bem como o que você deve saber antes de enfrentá-las. Na lição 5, vamos começar uma ilustração que incorpora tudo o que aprendemos até agora. Estou muito animado para começar com isso. Mas antes disso, há mais uma coisa a ter em mente. Seguir as lições é muito bom, mas é importante que você tente aplicar essas idéias. Então, no final de cada capítulo, haverá um pequeno trabalho de casa. Você pode assistir os vídeos em qualquer ritmo que quiser, mas tente não passar para o próximo vídeo antes de fazer o dever de casa. Se tudo o que você está fazendo é acumular novos conhecimentos em cima do conhecimento que você ainda não fez o seu próprio, as idéias nessas lições não vão realmente ficar. Então tente fazer os exercícios de lição de casa antes de passar para os próximos capítulos. Dito isto, acho que estamos prontos para começar. Então vamos mergulhar na lição 1, que é tudo sobre estrutura. 2. Aula 1: estrutura: Você chegou na Lição 1. Neste vamos falar sobre a estrutura de uma mão. Primeiro vamos separá-lo e ver se podemos entender suas diferentes partes e então vamos ver se podemos simplificar e torná-lo um pouco mais acessível. Vamos primeiro olhar para os ossos. Neste gráfico aqui, você pode ver os diferentes ossos da mão. O grupo aqui em baixo faz parte do antebraço. Estes dois são chamados de raio e ulna. Em seguida, temos o grupo do carpo. O grupo do carpo à primeira vista pode parecer muito complexo. Há todos esses ossos minúsculos se cruzando de maneiras estranhas. Mas a boa notícia é que eles são em grande parte invisíveis. Você realmente não precisa conhecê-los. Veja-os principalmente como parte da base da mão. Para os nossos propósitos, é tudo o que precisamos. Não deixe que todas essas pequenas formas o dominem porque não vamos prestar muita atenção nisso. No entanto, é claro, uma parte importante da articulação do pulso. Em seguida, temos os metacarpos. Os metacarpos são o maior grupo na palma da mão. Você pode ver que há um levando para cada dedo, incluindo o polegar. Todos eles podem passar um pouquinho para o outro , mas eles não se movem muito sozinhos. Mas o metacarpo do polegar é um pouco diferente por causa da articulação em sua base. O metacarpo do polegar é capaz de ter uma amplitude de movimento muito maior. Isso permite que o polegar percorra todo o caminho através da palma da mão. Por causa disso, o polegar é uma parte muito importante de agarrar as coisas. Por último, há as falanges. Cada dedo tem três deles, exceto o polegar que tem dois. Mas por causa desse aumento de amplitude de movimento que falamos na parte anterior, muitas vezes pensamos no metacarpo do polegar como se fosse a terceira falange. As falanges podem se mover de um lado para o outro, abrindo e fechando os dedos. Mas é claro, sua principal amplitude de movimento é flexionar e estender os dedos, o que permite que a mão agarre as coisas. Se esta parte foi um pouco rápido ou este é o seu primeiro encontro com a anatomia da mão, não se preocupe. Vamos olhar para todas essas formas como formas simplificadas. Em vez de aprender cada osso individual e todos os seus pequenos detalhes tente apenas agrupá-los nestes conjuntos simples. Há os ossos do antebraço, a palma da mão que consiste no carpo e os quatro metacarpos através dos dedos, então o metacarpo polegar vamos tratá-lo separadamente porque ele pode se mover mais. Então temos os dedos divididos para cada falanges. Olhando para a anatomia desta forma deve torná-la um pouco mais controlável. Em seguida, são os músculos na mão. Os músculos também são importantes, embora os ossos compõem a maior parte da estrutura das mãos. Muitas pessoas ficam realmente surpresas ao saber que não há músculos nos dedos. A maioria dos músculos que movem os dedos ao redor são encontrados no antebraço e se você segurar o seu assim e mover os dedos ao redor você pode senti-los mudar. Ainda assim, isso não significa que não podemos encontrar músculos nas mãos. As formas mais proeminentes causadas pelos músculos que você encontrará nas mãos são essas três. Há um na base do mindinho ao longo de todo o lado da palma da mão. Há um na base do polegar. Este é o maior. Finalmente, você pode encontrar um entre os metacarpos do polegar e o dedo indicador amplamente visível na parte de trás das mãos. Quando aperto meu polegar assim, você pode ver claramente ele se espalhando. O músculo na base do polegar é o maior e é o mais importante a saber. Mas todos eles causam formas, ritmos e sobreposições que vamos falar em outros episódios. Por enquanto, tente manter esses três grupos musculares em mente. Não vamos entrar na gritty de cada pequena parte das mãos, mas com os ossos e esses músculos combinados você já será capaz de ir muito longe. Vamos cobrir muitos dos detalhes na Lição 2. Mas, por enquanto, tente ficar principalmente com estes. Agora, você tem uma compreensão decente das partes mais importantes das mãos. Mas conhecer a anatomia é muito bom, mas é tão útil quanto você pode realmente colocá-lo em prática. Se você olhar para todas as pequenas formas dos ossos ainda é bastante complexo. Há um monte de pequenas sobreposições e irregularidades e se tivermos que esboçar isso toda vez que quisermos desenhar mãos, vai levar muito tempo. Não é a solução mais prática. O que vamos fazer em vez disso é aprender a simplificá-lo em algo que é um pouco mais gerenciável. Queremos tirar todas essas complexidades e transformá-la em um modelo que possamos transformar no espaço e visualizar muito mais facilmente. Vamos fazer isso. Na simplificação, não há necessariamente uma resposta certa e errada O que faz mais sentido para você é o que você deve usar. Mas eu vou compartilhar com vocês a maneira que eu gosto de pensar sobre as mãos e se você acabar mudando isso em algum momento ao longo do caminho, tudo bem. Apenas tente entender a lógica das formas que eu estou escolhendo para simplificar a mão, para que você possa pegar essas idéias e usá-las para si mesmo. Essencialmente, vou dividir a mão em três partes diferentes. A primeira parte é a palma da mão principal. O segundo é um pequeno apego à palma da mão para cobrir o metacarpo polegar e, por último, vamos adicionar as falanges para o polegar e os dedos. Estas são as simplificações que eu gosto de usar. Vou examiná-los um por um para explicar minhas razões para escolher os formulários que eu fiz. Acho que uma forma retangular plana descreve melhor a palma da mão. Vou desenhar uma caixa simples para essa parte. Embora cobrir toda a perspectiva esteja um pouco fora do escopo deste curso, é útil ser capaz de desenhar caixas em qualquer tipo de ângulo. Desta forma, você sabe que mesmo se você mudar a câmera ou a pose das mãos você será capaz de desenhar a palma da mão em qualquer perspectiva. No entanto, quando vemos fotos de mãos as coisas geralmente não estão em perfeito alinhamento. Quando vemos uma mão do topo, podemos ver que há algum arco nas juntas e nos dedos. Quando vemos uma mão da frente ou do lado, muitas vezes podemos ver o mesmo. Na minha experiência, as mãos tendem a parecer melhores quando há apenas um pouco de irregularidade, um pouco de curvatura e um pouco de um sentimento orgânico para ele. Na verdade, vou escolher usar uma caixa ligeiramente mais dobrada. É assim que uma caixa seria se fosse perfeitamente plana. Esta é a caixa dobrada que vou usar em vez disso. Em seguida, para o metacarpo polegar vou usar o que é chamado de prisma triangular. O que parece extravagante, mas na verdade é apenas um triângulo que damos um pouco de profundidade para dar forma a ele. Eu uso uma forma separada para o metacarpo polegar por causa da amplitude de movimento que falamos anteriormente. Se a mão for plana, eu poderia decidir desenhá-la de acordo com o resto da caixa. Mas quando os ângulos do polegar em é bom ter essa forma extra lá, então não estamos presos usando uma caixa retangular quando realmente a forma é um pouco mais complexa. Porque o polegar pode inclinar até agora queremos ter duas formas separadas para isso, então parece um pouco mais natural. Quanto aos dedos, tentei pegar aquela pele, osso e gordura e todas aquelas formas complexas e transformá-las em pequenos cilindros. Você não pode desenhar cilindros sem desenhar elipses. Basicamente, uma elipse significa que vamos pegar aquela face frontal circular e virar o cilindro para longe de nós, o que significa que, esse rosto vai ficar mais fino e mais fino. Este tipo oval forma que sabemos representa um círculo no espaço 3D é chamado de elipse. Agora, para garantir que seus cilindros sintam como se estivessem sentados no espaço 3D, é importante que eles atinjam algumas características. Cada uma dessas falanges comete um erro diferente. Vamos ver se podemos descobrir qual é esse erro e corrigi-lo e ver a diferença que isso faz. Na primeira falange, o que estamos vendo é que não parece uma elipse. Os cantos aqui realmente criam algumas bordas afiadas onde realmente gostaríamos que fluísse direto para a próxima linha. Para evitar isso, certifique-se de que você está desenhando através de suas reticências, que você está fantasmagando o movimento algumas vezes antes de se comprometer a desenhá-lo. A chave aqui é focar naqueles cantos onde o giro é mais forte. Se você não prestar atenção em obter esses cantos suavizados vai se sentir como uma forma bidimensional em vez de uma forma tridimensional. Em segundo lugar, você sempre quer tentar alinhar as elipses em qualquer extremidade do cilindro com seu eixo. Se você desenhasse uma linha que passa diretamente pelo meio do cilindro ao longo do seu comprimento, essa linha deve cortar a elipse ao meio e essas duas metades devem ser perfeitamente simétricas. Isso significa que se a elipse for angulada mais uma vez, não vai se sentir como um cilindro. Tente ter certeza de que se você cortar seu cilindro ao meio, que elipse também é cortado ao meio e que ele é cortado ao meio simetricamente. Por último, à medida que a elipse se vira para nós, você quer ter certeza de que você é capaz de controlar o grau da elipse. O grau da elipse simplesmente significa quão largo ou estreito é. Muitas vezes as pessoas não prefiguram seus cilindros o suficiente para que, quando empurrámos esses cilindros um pouco mais longe para garantir que ele se sinta corretamente pré-encurtado , toda a ilusão 3D funciona muito melhor. Se você está lutando para conseguir que esses cilindros se encaixem bem na perspectiva tente olhar para três coisas. Os cantos, o ângulo e o grau da elipse. Se você puder verificar essas três coisas fora tudo vai se sentir super tangível e tridimensional. Se você ainda está lutando para fazer com que seus cilindros se sintam como se tivessem forma, outra coisa boa a prestar atenção é enrolar linhas. Você pode adicionar linhas ao interior de seus cilindros seguindo o formulário e imitando as elipses das faces frontal e traseira. Quanto mais o cilindro for girado em direção à câmera, mais redondo e mais exagerado, bem como quanto mais próximas essas linhas estarão. Se você está tendo problemas em fazer com que seus cilindros sintam que eles realmente têm alguma forma para eles, esta pode ser uma ótima maneira de visualizar e ajudá-lo a chegar lá. Agora, algumas coisas boas a ter em mente é que primeiro, mesmo quando você está construindo mãos, você ainda pode usar referências. Faço isso o tempo todo e praticamente todos os artistas que conheço fazem. A idéia aqui é que é principalmente sobre entender essas formas, para que você possa fazer mais de suas referências e você não está limitado por não ter a pose exata correta ou o ângulo exato reto. Neste rápido lapso de tempo você pode ver como eu estou construindo uma mão que tem a pose de um e o ângulo de outro. Este é um exemplo relativamente simples, mas mostra que, ao entender essas formas, não estou limitado pela referência exata que uso. Mesmo assim, as referências que uso ainda me permitem tomar decisões mais informadas sobre o que faço e não incluo. Não tenha medo de usar referências, mas veja isso como uma maneira de complementá-las. Por último, nem sempre é assim que trabalho. Mais uma vez, para a maioria dos artistas eles realmente não construir as mãos totalmente para fora todas as vezes. Mas a chave principal aqui é que eu quero que você entenda a estrutura e como simplificar essas formas mentalmente, para que você possa colocá-las em diferentes perspectivas. Mesmo que você não use este processo exato para desenhar suas mãos, o conhecimento deste encurtar esses cilindros e as formas simplificadas ainda vai ajudá-lo muito a visualizar o que as mãos devem parece mesmo se você adicionar um monte de estilo, muita cor, todos esses detalhes e qualquer outra coisa que você pode pensar. Se por baixo disso você tem essa estrutura sólida, vai ser muito mais fácil convencer seu espectador de que a mão que você desenhou parece correta. Parece certo. Vamos tentar resumir tudo isso em etapas fáceis de seguir. Mesmo que nós vamos construir, eu ainda gosto de começar com um esboço muito áspero da mão. Em seguida, adicionamos nossa forma de caixa dobrada para a palma da mão e certifique-se de não incluir o polegar ainda. Eu também adiciono uma rápida indicação boxy para o pulso apenas para garantir que a caixa da mão não está completamente isolada. Em seguida, adicionamos esse prisma triangular para o polegar certificando-se de que ele tem o ângulo exato certo. Então, em vez de ir direto para a construção de falanges individuais para os dedos eu faço algumas indicações ásperas de como eu espero que eles se pareçam. Então, finalmente, eu limpo os cilindros reais para as falanges certificando-se de prestar atenção à perspectiva. Seu dever de casa é usar este processo para esboçar sua mão não-desenho três vezes diferentes. Tente algumas poses diferentes e alguns ângulos diferentes. Tente olhar para ele e apenas observar suas formas tridimensionais. Preste muita atenção ao ângulo exato dos dedos, à palma e ao metacarpo do polegar. Tente fazer isso três vezes e salve seus desenhos porque nós vamos usá-los na próxima lição. Na Lição 2, vamos pegar esses esboços e transformá-los em desenhos mais acabados. Boa sorte com isso. Vejo você na Lição 2. 3. Aula 2: desenho de linhas: Tudo bem, você chegou à Lição 2 então, na anterior, falamos sobre como os ossos e os músculos são duas das partes mais importantes que compõem uma mão. Mas você deve ter notado que os esboços que fizemos durante a última lição não cobrem muito as diferenças estruturais entre a frente e a parte de trás da mão. Se pegarmos esses dois desenhos e colocar a frente e a parte de trás da mão ao lado um do outro mais das diferenças estruturais tornam-se apparents. Claro, na palma da mão, podemos ver algum vinco. Podemos ver os principais grupos musculares e podemos ver os tendões enquanto passam pelo pulso. Na parte de trás da mão, os tendões tendem a ser mais definidos e visíveis por toda parte. Também podemos ver o vinco nas articulações das falanges. A correia na parte de trás da mão, as unhas. Às vezes, podemos ver uma colisão para o osso da ulna e dependendo do tipo de mão, podemos também ser capazes de ver rugas ou veias adicionais. Há muitas diferenças estruturais entre a frente e a parte de trás da mão e porque em muitas poses você será capaz de ver partes de ambos isso ajuda a ser capaz de descrever e separar essas duas partes. Uma ótima maneira de começar a fazer isso é controlando as linhas e as formas que você usa. Uma ótima maneira de começar a pensar sobre design de forma é considerar este gráfico que muitas pessoas usam como sua introdução à linguagem de forma. Basicamente, o que queremos fazer é comparar as características de um quadrado, um círculo e um triângulo. Vamos começar com um círculo. O círculo é o único desses três que tem cantos infinitos ou não tem cantos dependendo de como você olha para ele. Isso faz com que o círculo se sinta bastante macio e arredondado. Por causa dessa redondeza e dessa gradação, as coisas redondas tendem a se sentir menos ameaçadoras. Você pode realmente fazer engenharia reversa deste processo e usá-lo para você mesmo. Isso significa que ao introduzir formas mais arredondadas e circulares em seus designs, você pode empurrar essa sensação suave e acessível para os designs que você faz. Aqui você pode me ver desenhando com uma linguagem de forma mais circular e ao fazê-lo, estou mudando o caráter real da mão. Podemos fazer algo parecido com a praça. O quadrado é mesmo em todos os lados, por isso parece muito estável e resistente. Algumas pessoas chamaram isso de orgulhoso ou confiável, introduzindo essas formas retangulares robustas em um de nossos desenhos de mão, podemos fazê-lo parecer robusto e robusto. Não se sentirá tão suave e fluído como o outro, e como tal, terá um caráter ligeiramente diferente. Por último, há o triângulo. Os triângulos podem parecer dinâmicos como se estivessem se movendo, ou podem se sentir imprevisíveis ou perigosos e introduzindo mais dessa triangústia em uma de nossas mãos, podemos evocar alguns desses sentimentos dinâmicos. Agora, note que não estou transformando a mão inteira em apenas triângulos. Estou a tentar incorporar a sensação de afinação do triângulo para garantir que todos os dedos sintam dinâmicos. Você tem muita liberdade em como você decide usar essas formas. Você poderia construir uma mão apenas a partir de triângulos, e você pode muito bem fazê-lo parecer ótimo, mas é uma declaração de design muito forte e eu acho que por aqui eu quero algo que é um pouco mais gradual. Você pode ver como sua escolha de linha e forma pode afetar o sentimento e o caráter de uma mão então é bom perceber que você pode realmente usar vários aspectos disso dentro da mesma mão. Você pode misturar e combiná-lo como você precisa. Mas uma ótima maneira de começar com isso é considerar o tesão versus as áreas mais carnudas das mãos. Neste esboço rápido aqui, você pode ver como eu sou capaz de obter uma sensação estrutural de um lado e uma sensação mais suave do outro simplesmente usando mais linhas perdidas e definidas de um lado e usando linhas curvas mais suaves em o outro. O contraste entre essa nitidez e essa suavidade realmente vai ajudar a levantar as mãos para outro nível. Agora, para pegar nossos esboços de lições anteriores e transformá-los em desenhos acabados e a chave aqui é que nós queremos nos concentrar em colocar essas formas médias lá dentro. Na primeira lição, o que fizemos foi fazer um bloco estrutural muito forte, mas ignora muitas das massas musculares e muitos dos detalhes que você encontrará nas mãos. Você começa a introduzir um pouco mais de sutileza em seus esboços iniciais de mão é muito bom tentar considerar sobreposições, então uma sobreposição significa apenas que o formulário vai estar na frente de outro formulário. Se desenharmos dois círculos se cruzando e, em seguida, apagar esta parte. Agora parece que um círculo está na frente do outro. Especialmente por causa desta linha aqui, você pode dizer exatamente qual desses círculos é suposto estar mais perto do espectador. Mas as sobreposições não acontecem apenas entre diferentes formas. Eles também podem acontecer entre diferentes partes da mesma forma, como partes de uma mão. Olhe para esta foto aqui. Você pode ver como há sobreposições entre as juntas? Neste, você pode ver como os dedos se sobrepõem com partes de si mesmos? Aqui nesta foto dessas mãos enroladas, podemos ver os grupos musculares comprimidos se sobrepõem a outras partes da mão. Este é o processo que vamos usar à medida que desenvolvemos nossos esboços ainda mais. Primeiro, tomamos essa construção inicial. Então começamos a adicionar essas formas médias como as massas musculares. Queremos trabalhar a partir de nossas maiores formas primeiro e ir cada vez menores, então uma vez que essas formas médias estão lá, vamos prestar cada vez mais atenção às formas menores também. Vamos prestar especial atenção a essas sobreposições. Onde quer que possamos ver massas na frente um do outro é onde queremos prestar atenção extra. Em essência, pequenos vincos e rugas também são apenas sobreposições muito pequenas. A correia que mencionamos no início deste vídeo é um exemplo importante disso. Muita gente ignora isso. Mas em certas poses, especialmente se os dedos estão em ângulos muito contrastantes, a correia pode ser muito, muito visível. A correia estende-se um pouco mais no lado da palma do que na parte de trás da mão, o significa que na parte de trás às vezes podemos querer sugerir um pouco de sobreposição entre a forma do dedo principal e a correia. Considerando que, no lado da palma não vamos conseguir isso. Dependendo da pose da mão real, a correia às vezes também pode puxar esticada e criar algumas sobreposições fortes próprias. À medida que definimos esses formulários ainda mais, não tenha medo de fazer as alterações necessárias se você já estiver trabalhando nos formulários menores, mas você notar um problema com uma forma maior às vezes pode valer a pena na verdade redesenhe o dedo, assim como estou fazendo aqui. Então só limpando a parte esquecida, me livrando das linhas que eu não quero lá. Por último, estou tentando criar um pouco de diferença entre as áreas ósseas e carnudas usando essa linguagem de forma que acabamos de falar. Para o seu dever de casa, tente tirar dois dos esboços que você fez na lição anterior e transformá-los em desenhos de mão acabados. Tudo bem se eles ainda estão um pouco soltos ou esboçados, mas tente realmente fazê-los representações de uma mão real e não apenas uma abstração esquemática de uma. Quando você tentar isso, eu o verei na Lição 3, onde vamos tentar injetar alguma energia nesses desenhos. Estou muito animado para continuar com isso, então boa sorte, e te vejo na Lição 3. 4. Aula 3: exageração: Você chegou à Lição 3. Neste, vamos falar sobre gestos e exageros. Este é sempre um que eu acho realmente interessante para falar porque é uma das coisas com que eu costumo ver as pessoas lutando. Uma vez que eles têm mãos que parecem estruturalmente corretas, eles ainda sentem que há algo que os faz sentir um pouco rígidos ou um pouco mortos e eu acho que geralmente gesto é a maneira de corrigir isso. Gesto é sempre um conceito um pouco nebuloso. Os professores costumam dizer para senti-lo e desenhá-lo, mas muitas pessoas não entendem realmente o que é um gesto. Para esta lição, minha definição de gesto será a sensação de que o fluxo de energia através de algo evoca. Quando as pessoas falam de desenhos de gestos, muitas vezes o fazem no contexto de figuras humanas completas. Você pode ter visto esboços de gestos antes e eles podem ter parecido um pouco com isso; esboços soltos fluindo do corpo humano sem um monte de detalhes neles. Mas gesto não é tudo e você pode fazer esses tipos de esboços para partes do corpo e também até mesmo objetos inanimados. Tudo o visual pode ter um gesto. Se eu adicionar algumas setas a este gráfico, você pode ver como o fluxo do trabalho de linha faz com que o olho viaje ao redor dele. As setas de gesto ignoram em grande parte os detalhes e eles se concentram principalmente nessas formas maiores. Aquelas forças diferentes que fluem, é a isso que me refiro quando estou falando de gestos. Um exemplo comum que eu uso para descrever como você pode usar gestos diferentes é uma ilustração comparando dois tipos diferentes de ondas. É uma idéia semelhante às formas que usamos na palestra de desenho de linha. Esta primeira onda parece calma. O segundo parece caótico e dinâmico. Você pode até reconhecer alguns desses tapers pontiagudos que usamos na segunda palestra quando estávamos falando de formas mais triangulares. Na primeira onda, o ritmo é suave, é gradual, é calmo. O segundo é muito mais errático, é mais nítido, é imprevisível. Mesmo em uma ilustração tão simples, podemos usar esse fluxo do trabalho de linha para dar a essas duas ondas diferentes caracteres muito diferentes. Mas ter uma compreensão solta do gesto muitas vezes não pode ser suficiente para realmente entender o exagero. Ao falar especificamente sobre as mãos, o que eu recomendaria é tentar comparar uma mão relaxada com uma mão em uma pose e ver como as duas diferem. Aqui temos uma foto de uma mão relaxada. Você pode ver que a mão está apenas descansando e pendurada do pulso e que os dedos têm um pouco de curvatura natural para eles. Aqui temos uma mão em uma pose mais distinta. Pensa na emoção que te faz sentir. Se copiarmos isso, teremos uma mão que pareça o mesmo, certo? Bem, não exatamente. A arte muitas vezes precisa trabalhar um pouco mais do que a fotografia. Se apenas rastrearmos essas mãos, bem, vai parecer um pouco mole. Como exageramos nossas mãos? Bem, um grande primeiro passo pode ser apenas agir. Se você está tentando canalizar uma certa emoção para uma mão que você está desenhando, tente interpretar essa emoção e ver o que acontece com suas mãos. Eles estão tensos? Eles estão relaxados? O pulso está flexionando ou estendendo? Uma mão que está tensa e frustrada tem muitos detalhes muito visíveis. As linhas que você escolher usar podem ser muito mais angulares e nítidas. Uma mão que é um pouco manca e mais suave tem formas mais arredondadas. O pulso está pendurado e relaxado, e os próprios dedos não têm muita força aplicada a eles. Aqui, usar algumas linhas curvas mais suaves pode ser mais natural. Alguém apontando com determinação pode parecer diferente novamente. O pulso pode travar para ser o mais reto possível, assim como o dedo. Comece sem agir, aja a emoção e, em seguida, observe o que acontece com suas mãos. A principal coisa que eu quero que você tome cuidado é essa idéia de esmagar e esticar. Enquanto você age fora essas emoções ou como você olha para uma referência, tente observar squash e esticar. O que exatamente eu quero dizer com isso? Bem, dê uma olhada neste saco de desenho animado. Aqui está sentado no chão. Agora imagine que eu estava naquele canto superior direito e eu comecei a puxá-lo para cima e para a esquerda. Você pode ver como um lado se alonga e para compensar o outro lado tem que comprimir. Um lado abóboras, e um lado se estende. As linhas que você acaba usando para descrever esses dois lados parecem drasticamente diferentes. Do lado de esmagamento, temos muito mais dessas pequenas sobreposições e vincos. No lado oposto, queremos usar longas linhas delgadas para mostrar que esse lado está sendo esticado. Vamos tentar aplicar a abóbora e esticar as coisas em uma nova mão. Usando essas setas verdes, vou indicar algumas áreas onde vejo alongamento. Por exemplo, aqui. Aqui você pode ver os dedos se estendem e, como tal, a palma da mão fica esticada. Aqui, no entanto, acontece a coisa oposta. À medida que os dedos se enrolam, o interior se comprime e o exterior se estende. Para encontrar as áreas que esmagam, tudo o que você precisa fazer é olhar para o oposto das áreas que se estendem. Se o interior estiver esticando, o exterior estará esmagando. Se o lado de fora estiver esticando, o interior estará esmagando. Agora o que precisamos fazer é pegar a abóbora e esticar e exagerar. Onde vemos o alongamento, queremos esticá-lo ainda mais. Podemos empurrar esse movimento para que o dedo se estenda ainda mais e então podemos usar nossas linhas para descrever esse sentimento ainda mais fortemente. Um dedo que era principalmente reto, podemos torná-lo completamente reto e podemos optar por ignorar alguns detalhes desse lado para realmente empurrar essa idéia de longas linhas delgadas. O oposto também é verdadeiro. Se algo está esmagando, podemos comprimir ainda mais e enfatizar essas sobreposições. Vamos tentar desenhar essa foto de mão novamente, mas desta vez prestando atenção a esmagar e esticar e exagerar onde a vemos. Tudo o que estou a fazer é tirar o que estou a ver na fotografia e empurrá-la um pouco mais longe. A última mudança que estou fazendo é o pulso na referência original. Não há muito squash e alongamento acontecendo lá, mas porque eu quero que isso pareça o mais dinâmico que eu possa fazer, eu mesmo vou apresentá-los. Agora, vendo estes dois lado a lado, espero que concordem que um deles se sente muito mais vivo do que o outro. Mesmo que o gesto não faça sentido para você, você pode simplesmente usar este princípio de squash e alongamento para adicionar um pouco de vida e emoção às suas mãos. A melhor maneira de praticar isso é apenas fazê-lo muito. Tente fazer alguns esboços de mão mais rápidos. Não se concentre muito na construção 3D e, em vez disso, preste mais atenção às formas e às curvas gerais. Use longas linhas fluidas e tente manter as coisas bastante soltas e brincalhão. Se você está tendo problemas para fazer suas mãos se sentirem espontâneas e vivas, outra coisa boa para olhar são os ritmos. Como discutimos na Lição 2, adicionar um pouco de curvatura às suas mãos pode fazer com que elas se sintam mais orgânicas e naturais. Isso ocorre porque as coisas orgânicas são muitas vezes imperfeitas. Eles são espaçados de forma desigual e eles têm um pouco de curvatura para eles. Quando você começa a organizar linhas para fluir para o outro e trabalhar juntos, você pode começar a formar o que é chamado de ritmo. Os ritmos são freqüentemente usados como contrapartida da repetição. Ambas as coisas se referem a elementos repetidos, mas enquanto o ritmo tem um campo natural para ele, a repetição parece mais máquina. Basicamente em uma repetição, você está usando exatamente o mesmo espaçamento repetidamente, enquanto que em ritmos, há um fluxo natural para toda a coisa. Você quer introduzir um pouco disso em seus esboços de mão. Tem que haver um pouco de desigualdade. Se os dedos estiverem espaçados perfeitamente uniformemente, talvez você possa ajustá-los um pouco para torná-los mais interessantes. Se todos os dedos estão angulados exatamente da mesma maneira, talvez você possa adicionar um pouco de variedade a ele para torná-lo mais natural. Tente ficar solto e se divertir com isso. Não se preocupe muito com a construção 3D. É mais importante que você entenda essas idéias do que que que você realmente trabalhou exatamente no mesmo processo. Tente se concentrar em linhas e formas lúdicas e apenas imaginar e estar ciente de como exatamente essas formas se transformam no espaço. Assim, eles ainda informarão sua tomada de decisão, mas você não está acorrentado a eles. Por último, quando fizer esses esboços, tenho mais três dicas para você. O primeiro é começar áspero, começar áspero e permitir-se explorar. Tente ainda usar linhas mais longas, mas sinta-se livre para usar linhas ligeiramente mais claras que você pode apagar ou que simplesmente não vai aparecer muito no desenho final. Mas você precisa permitir a si mesmo a liberdade de cometer erros e empurrar as coisas uma forma ou de outra à medida que você descobre mais e mais maneiras de exagerar as mãos. Em segundo lugar, se muitos dos dedos estiverem agrupados na pose que você está tentando desenhar, às vezes desenhando uma grande forma para a totalidade e só então dividir essa forma em pedaços menores pode ser mais fácil do que desenhar cada dedo separadamente. Trabalhar desta forma ajuda-o a manter as suas proporções sob controlo. Por último, se você tem o problema oposto e todos os dedos estão espalhados, às vezes pode ajudar a indicar rapidamente a extremidade do dedo primeiro e depois conectá-lo de volta à palma da mão. Você nem sempre precisa começar pela palma da mão e depois construir sua saída. Você pode começar pela ponta e trabalhar o seu caminho de volta. Em uma pose mais extrema e fortemente encurtada como esta, começar na ponta dos dedos é muitas vezes a maneira mais fácil de começar. Para o seu dever de casa, eu quero que você desenhe três mãos diferentes, cada uma delas exagerada para ter um pouco de personalidade para eles. Tente manter suas linhas longas e fluidas e use esses princípios de abóbora e alongamento, bem como ritmos para fazê-lo se sentir natural. Você pode usar o máximo de construção que precisar, mas não precisa trabalhar exatamente o mesmo processo que fizemos nas Lições 1 e 2. Tente se divertir com ele e tente ficar solto, porque quanto menos tensão você tiver em seus braços, mais fácil será obter essas linhas fluidas agradáveis. Vá com isso e te vejo na Lição 4 onde vamos falar sobre cor. Boa sorte. 5. Aula 4: cor: Estamos na lição de cores. Para esta lição, preparei algumas demonstrações. Vou apenas mostrar-lhe o processo algumas vezes, cobrindo alguns aspectos diferentes para pensar e a lógica por trás do processo passo a passo. Minha esperança é que no final desta lição, você tenha uma compreensão clara de como pintar uma mão pode parecer, bem como algumas coisas boas para cuidar de si mesmo. Sem mais delongas, vamos começar. Vamos entrar na demo. Estou aqui no Clip Studio e vou começar com um esboço de linha solta. Você vai me ver focando nos arcos maiores e na maneira como as coisas se conectam. Como temos uma referência tão boa, eu estou olhando principalmente para as formas bidimensionais em vez das formas 3D. Você vai me ver começar com apenas algumas grandes linhas gerais estabelecendo e, em seguida, à medida que o desenho progride, eu vou continuar cortando nelas para defini-las cada vez mais. As linhas iniciais são apenas longas, grandes curvas C, muito gerais e, em seguida, lentamente mas seguramente, vamos adicionar mais definição a elas. Eventualmente, você também vai me ver adicionar algumas linhas mais finas, mais escuras e até mesmo um pouco de indicação de sombreamento. A idéia aqui é que eu realmente quero obter uma estrutura clara definida antes de eu adicionar qualquer cor. Porque, assim como adicionar detalhes, adicionar cor também não vai salvar seu desenho. Suas linhas são como se você estivesse andaime para o resto da imagem, então você quer tentar e obter essas linhas, essas formas e essas proporções exatamente corretas. É assim que eu vou começar, primeiro estabelecendo as maiores formas e depois cortando-as para trabalhar cada vez menor. Eu também adiciono uma indicação rápida de onde os patches estavam indo para ser e eu tenho certeza de que mesmo que o esboço ainda está solto e brincalhão, eu tento e obter as sutilezas dos formulários lá dentro. Então, quando eu estou feliz com o que eu estabeleci, é hora da fase 2 onde nós realmente começamos a aplicar a cor. Você vai me ver começar não com o tom de pele, mas com o fundo em vez disso. A razão pela qual eu começo com o fundo e não o tom de pele, é que a cor é sempre vista no contexto. Olhe para estes dois remendos. No meio de ambos, estou adicionando o mesmo cinza. Mas no remendo preto, você pode ver como esse cinza parece muito mais leve do que no branco. Da mesma forma, se tivermos um remendo laranja e um remendo azul e mais uma vez adicionarmos o mesmo cinza lá dentro. Podemos ver que no laranja, o cinza parece um pouco azulado, enquanto no azul, o cinza parece laranja. Isto é o que significa ver a cor no contexto, as cores são moldadas e ajustadas pela cor que as rodeia, para que você nunca queira trabalhar isoladamente. Se você estiver fazendo um estudo de cores como este, tente sempre trabalhar estabelecendo esse contexto o mais rápido possível. Então, dê o seu primeiro palpite lá fora. Obter uma cor de fundo lá. Não trabalhe em uma tela de fotos branca simples porque é tão difícil julgar exatamente o quão escuro, quão brilhante tudo precisa ser. Então, quanto mais cores você adicionar, mais contexto você terá. As cores começam a falar umas com as outras de uma forma e cada palpite que você faz traz você um pouco mais perto da verdadeira cor. A cor de fundo e as cores da pele que eu escolher são apenas minhas melhores suposições quanto às médias dessas cores. Eu estou tentando essencialmente obter a cor lá dentro que requer a menor quantidade de mudança para fazê-lo funcionar. Eu não estou procurando o mais escuro ou a cor muito mais clara entre todas as cores na mão, vez disso, eu estou apenas tentando obter um bom tom médio que não precisa de muito trabalho para começar a olhar realista. Em seguida, adiciono alguma variação de cor. Eu posso ver, por exemplo, que as cores na mão mudam para o vermelho à medida que nos aproximamos da ponta dos dedos e na base da mão eu realmente vejo um monte de verde. Eu adiciono essas cores lá muito grosseiramente e, em seguida, puxá-los de volta quando eu preciso. Daqui em diante, aplicarei a mesma lógica de fazer essas grandes mudanças primeiro e as menores depois. Estou tentando limitar minhas pinceladas e estou tentando usar o maior pincel que eu puder. Então eu dou algumas indicações rápidas para as sombras principais que eu vejo nas mãos. Antes de começar a pintar, uso um truque que gosto de fazer. Neste momento, as linhas que usei são quase 100% de coisas pretas e orgânicas que às vezes tendem a dessaturar a cor e torná-la menos viva. O que eu quero fazer é dar rapidamente a essas linhas um pouco de cor. No Clip Studio Paint, eu posso fazer isso adicionando uma camada acima da linha de arte, clicando nesta camada para cortá-la na camada abaixo e agora qualquer coisa que eu pintar dentro dessa camada vai aparecer apenas nos pixels que foram preenchidos na camada anterior o que significa que qualquer coisa que eu pintar vai aparecer apenas na minha arte linha. No Photoshop, você pode fazer a mesma coisa fazendo outra camada, segurando “Alt” e clicando na linha entre as duas camadas. Em seguida, eu combinar a camada de arte de linha com uma camada de cor para transformá-los em um único buraco. Eu só vou continuar desenvolvendo os formulários usando pincéis menores, eu sou capaz de alcançar mais detalhes e lentamente, mas certamente eu vou trabalhar cada vez menor. Outro truque útil para usar aqui, é usar o bloqueio de transparência para ter certeza de que, assim como recorte, eu posso pintar apenas dentro dos pixels que já foram preenchidos. Se eu usar isso na minha camada de mão, todas as minhas pinceladas serão limitadas exclusivamente à mão real que estou pintando. Eu estou procurando um monte de sutilezas aqui, como como os destaques na mão tendem a inclinar-se um pouco para o azul e lentamente eu também estou começando a olhar mais para formas gerais menores. Tente não passar de palco para palco muito rapidamente. Assim como o desenho é o andaime que mantém tudo junto, esses traços maiores realmente garantem que quando você adiciona seus detalhes, tudo parece ser proporcional ao resto. Se você nunca tiver certeza se você está pronto para passar para a próxima etapa ou não, tente inclinar-se um pouco mais para gastar algum tempo extra nesses estágios iniciais. Porque realmente são aqueles estágios iniciais que fazem a maior diferença. Quanto melhor você fizer aqui, mais fácil será para você adicionar todos esses detalhes e coisas menores e fazer tudo funcionar em conjunto. Os traços maiores primeiro, depois os traços médios estabelecendo. Então só no final aqui, você pode ver que eu estou começando a cortar as coisas menores um pouco. Estou usando alguns pincéis mais duros com bordas mais afiadas para dar à mão um pouco mais de estrutura. Continuo a trabalhar desta forma, à procura de pequenos pedaços que possa acrescentar, até conseguir o efeito desejado. Eu não quero fazer isso excessivamente renderizado, então eu vou deixá-lo aqui enquanto ainda está um pouco pintável. Esse é realmente o principal processo que eu sigo para esses estudos. Mas há outros casos em que você pode precisar considerar coisas diferentes. Nesta foto, temos duas mãos interagindo uma com outra, bem como um objeto, as flores. Proporções são sempre uma coisa relativa. Mesmo que uma mão possa parecer correta por si só, isso não significa necessariamente que pareça correta no contexto. Eu estou começando com um esboço muito solto porque eu estou apenas tentando avaliar qual é a área geral que pelo menos ambas as mãos ocupam. Novamente, eu não estou me preocupando muito em usar esse processo exato de construção 3D. Em vez disso, apenas focando em obter as formas para ter o tamanho certo. O mindinho, por exemplo, nesta foto, está tão escondido e encurtado que sou capaz de capturá-lo usando apenas um círculo. Agora, reconhecidamente, eu acho que eu vou em frente um pouco rápido demais do esboço. Não é necessariamente que pareça completamente errado, mas ainda parece um pouco indefinido. Se eu estivesse vendo um aluno fazer isso, eu provavelmente diria a eles para gastar um pouco mais no desenho real. Mas ainda assim você pode ver que o processo é em grande parte o mesmo. Estou começando com essas declarações muito ásperas, soltas e gerais, e então usando algumas linhas mais escuras e definidas para esculpir nelas um pouco. Em seguida, assim como no anterior, começo por bloquear em algum contexto. Mas nesta foto, a maioria do contexto que temos vem das flores, mas também da cor da pele porque estamos vendo tom de pele em cima do mesmo tom de pele, eu sei que aqui temos que prestar atenção extra para obter essas sombras Exatamente certo. Depois de estabelecer os contextos iniciais, começo a esculpir esses tons gerais com algumas marcas fortes, finas e escuras. Basicamente, eu estou tentando obter algumas bordas de sombra nítidas que realmente me ajudam a estar mais ciente de onde os aviões mudam. Eu também adiciono muito mais variação de cor local nas unhas e nas palmas da mão. Em muitas pessoas com tons de pele mais escuros, muitas vezes você pode ver uma mudança de cor indo da parte de trás da mão para a palma da mão, e aqui nesta figura também, você pode ver como às vezes essa mudança de cor corre todo o caminho através e realmente aparece na ponta das unhas também. As cores ainda não estão bem, mas eu só estou tentando mais uma vez obter essas declarações médias. Porque mais uma vez, eu quero criar o máximo de contexto possível eu, em seguida, também bloquear em algum verde para as hastes de flores. Você pode ver como no mundo das mãos há muitas variações diferentes de cor que você pode obter. Nesta referência, por exemplo, você pode ver que a luz neutra mais fria realmente acaba causando um monte de notas para destaques que são muito importantes para capturar a sensação da mão dessa pessoa. Assim como com as mudanças de cor locais, eu primeiro bloquei-los em muito notavelmente, e então eu vou puxá-los para trás um pouco mais tarde. Mais uma vez, o processo é, começar com um desenho, começar a introduzir algum contexto, e depois refinar e refinar. Se você notar algo que poderia ser melhor se suas cores gerais simplesmente não estão funcionando, mesmo que você já esteja trabalhando nos detalhes, ou talvez uma parte dele simplesmente não parece muito certo. Seja qual for o caso, você não deve ter medo de refazê-lo. Há algumas áreas nesta mão onde eu julgo que a cor da pele é um pouco mais clara do que era, ou um pouco menos ou mais saturada, e qualquer que seja o caso, mesmo que eu já comecei a colocar detalhes lá, o melhor curso de ação é sempre apenas redesenhá-lo. É treino livre. Você está aprendendo com seus erros dentro da mesma pintura. Não tenha medo de refazer as coisas, é uma parte natural do processo. Quando você aplica tinta na tela, você vai perder certas partes e você vai ter que pegá-las de volta. Se tentares preservar tudo o que fizeste, a tua pintura vai parecer muito apertada e demasiado controlada. Então, por último, vocês podem ver aqui que eu estou passando algum tempo apenas passando por todas as pequenas cristas e as pontas dos dedos e apenas todas essas bordas onde você pode encontrar o último pedaço de sutileza. Eu sempre me sinto como um monte desse sentimento da forma girando depende da própria borda da forma. Eu gosto de ir ao redor das bordas e apenas realmente lá prestando alguma atenção extra para a sutileza. Adicionando apenas um pouquinho de sombra extra para fazer com que pareça que tudo está se afastando. Por último, queria mostrar-lhe um desenho de algumas mãos mais velhas. As principais mudanças acontecem quando se trata de articular as linhas e bloquear nas formas iniciais. Eu estou um pouco menos preocupado em manter as linhas suaves e tê-las fluir para o outro, e eu também estou menos preocupado quando eu realmente bloquear na cor para manter todas as transições limpas, está tudo bem para tem um pouco mais de grades e um pouco mais de contraste quando você está desenhando mãos idosas, a textura extra e as formas de superfície mais definidas permitem que você saia com muito mais contraste. Você pode ver mais contraste de cor entre a pele e a pele que tem veias diretamente sob ela. As rugas lançam sombras mais profundas e quaisquer texturas e formas menores são muito mais visíveis. Nestes, estou muito mais disposto a simplesmente jogar um monte de contraste lá e ver o que acontece, mas eu realmente quero enfatizar em particular nessas mãos, como você não deve se preocupar muito com as rugas, desde o começo. As rugas não são realmente uma parte integrante da estrutura da mão, mas são mais do que os detalhes finais da superfície. Você não quer bloqueá-los muito cedo porque eles vão parecer muito importantes. Tente imaginar a mão como se as rugas não estivessem lá, pinte-a dessa maneira primeiro e, em seguida, somente quando você adicionar os estágios finais você realmente colocar as rugas. Você será capaz de ver no lapso de tempo também, eu só adicioná-los bastante tarde. Enquanto você trabalha nessas formas, tente pensar sobre os materiais que compõem suas mãos. Parece uma pergunta um pouco estranha, mas tenha em mente que os materiais têm propriedades muito diferentes. Por esta mão, em particular, porque a mão está vestindo algumas jóias e também as unhas são pintadas, temos alguns materiais de repente muito mais reflexivos onde antes tudo o que tínhamos era pele. Os materiais reflexivos geralmente mostram maior contraste, refletem de forma mais nítida o que está realmente em seu ambiente, e também tendem a ter destaques muito mais definidos. As mãos e as unhas estão sendo afetadas pela mesma luz, mas como as unhas são muito mais suaves e reflexivas, você pode ver que seus destaques são muito mais nítidos e definidos. As mãos tendem a ter mais uma reflexão difusa. Significando que, embora as cores mudem, você não pode ver um reflexo claro do ambiente na própria mão. Sempre que você pintar as mãos tentar pensar nas características dos materiais envolvidos, as unhas em geral vão ser um pouco mais reflexivas do que a pele, mas é claro, o esmalte vai tornar essas unhas ainda mais reflexivas. Fora isso, as considerações são principalmente as mesmas. Do esboço solto, passamos para o bloco grande em seguida para as pinceladas de forma média e terminamos com os detalhes menores e menores. Você pode ver que eu paro antes de incluir cada ruga na foto. Eu gosto de fazer isso porque mantém meu estilo um pouco simplificado e um pouco pintável. Se eu não sentir que detalhes vão adicionar à peça, então eu geralmente prefiro deixá-lo de fora. Mas aí está, essa é a nossa demonstração de terceira mão completa. Seu dever de casa é pegar o processo que acabei de mostrar e, passo a passo, fazer um estudo de cores por conta própria. Basta encontrar uma bela fotografia de mão que você gosta e fazer o seu melhor para replicá-la. Preste atenção em suas mudanças de cor sutis, bem como como como a cor da iluminação e o ambiente o afetam. Preste atenção ao tom de pele e como esse tom de pele pode variar em toda a mão. Se quiser manter as coisas simples, procure uma iluminação mais suave e neutra. Se você quiser desafiar a si mesmo, tente procurar poses com muitas fontes de iluminação dinâmicas ou diferentes. Tente avaliar qual nível de desafio é apropriado para você agora, e apenas ter uma chance de passar por este processo. Se você já fez isso, eu o verei na Lição 5, onde vamos pegar todo esse conhecimento e combiná-lo em uma única ilustração. Boa sorte com isso. Vejo-te na lição final. 6. Aula 5: colocando tudo juntos: Olá a todos. Você chegou à Lição 5. Bem feito. Nesta lição, vamos discutir como pegar todas as ideias que você tem e transformá-las em ilustrações acabadas. Essas etapas são gerais e aplicáveis a tudo. Eu quero lhe dar um roteiro muito prático que você pode seguir para pegar qualquer ideia de ilustração que você tem e levá-la todo o caminho desde o início até o fim. Vou demonstrar o processo completo de fazer uma ilustração digital, explicando cada passo à medida que avançamos. No final da demonstração, você receberá uma folha passo a passo que você pode imprimir e usar para criar seus próprios projetos. Estou muito animado para passar por isso, espero que você também. Vamos começar. As primeiras coisas primeiro, a miniatura. Eu acho que quando muitas pessoas começam esses tutoriais, o primeiro passo que eles geralmente incluirão é o esboço. Você começa com um rascunho áspero e você refiná-lo até que você tenha algo terminado. Mas há muitas vezes uma pequena seção que eu sempre faço separadamente antes de qualquer outra coisa. É um esboço em miniatura. Basicamente, no esboço em miniatura, estou tentando obter uma referência visual de como minha ID vai se parecer. Basicamente, sempre que eu luto para começar com um desenho, tende a ser porque eu estou sem idéias ou eu tenho idéias, mas eu estou descontando elas. Eu os começo, mas desisto rapidamente porque sinto que eles não vão dar certo. Às vezes eu tenho uma idéia do que eu quero desenhar, mas a perspectiva e todas as coisas que eu preciso resolver, entupem meu cérebro um pouco e eu acabo nunca terminando. Digite a miniatura. A miniatura é ideal para começar a sua primeira ideia. A idéia aqui é criar mais de uma referência visual para desenvolver sua idéia sem realmente se preocupar muito com a perspectiva e obter a composição correta. Você só quer tirar a primeira ideia da sua cabeça e entrar na página. Aqui está a minha miniatura para a ilustração que vamos fazer. Como você pode ver, não é particularmente impressionante. Não precisa ser. A miniatura é só para você. Desde que você entenda o que é que você está tentando chegar, então a miniatura tem feito seu trabalho. Você não precisa se preocupar muito com a iluminação. Você não precisa se preocupar muito com a composição exata, a anatomia, a estrutura, todos esses detalhes. Basta colocar sua ideia inicial lá fora e ver se funciona. Se você quiser, a miniatura também é a melhor vantagem para experimentar. Veja se você pode alterar o ângulo da câmera, veja se você pode alterar as poses dos personagens. Começando com uma miniatura como esta, onde você não precisa se preocupar com desenho correto ou todas essas pequenas considerações técnicas, é uma maneira tão agradável de começar. Sempre que você quiser enfrentar um projeto de ilustração mais longo, eu recomendo que você comece com algo realmente ruim como este. Não se preocupe com a qualidade da sua linha ou com o quão bom ela parece, ou se isso é algo que você deve estar fazendo, apenas pergunte a si mesmo, isso é algo que eu quero desenhar? Se for, então vamos passar para o esboço. Ao esboçar uma pequena cena como esta, ajuda a entender como são os personagens, quem são eles e qual é a sua relação uns com os outros? Como estão seus traços de caráter e seus humores atuais? Como eles vão afetar suas expressões faciais e suas poses? Comece com bloqueios difíceis. Não se preocupe com linhas limpas ou detalhes ou qualquer coisa assim ainda. Tente apenas colocar as coisas na posição certa na página. Basta fazer as grandes mudanças que você quiser fazer agora. Mexa-se, faça esboços, e esteja disposto a redesenhar as coisas. Assim que você começar a se sentir feliz com a composição, a colocação geral das coisas, é hora de começar a considerar a estrutura das coisas um pouco mais. Você pode começar a pensar sobre o encurtamento ou quaisquer elementos anatômicos que você vê. Quando se trata de coisas como mãos e rostos, você quer começar a empurrá-los para fora um pouco mais. Você quer começar a considerar a perspectiva, a estrutura tridimensional dos elementos em sua página, esse tipo de coisa. Tive muitos problemas em ajustar o sorriso da personagem feminina. Acabei redesenhando e às vezes é o que é preciso. Você quer continuar desenhando e redesenhando até chegar a um ponto onde você se sente decentemente satisfeito com o esboço, então você está em um pouco de encruzilhada. Dependendo do estilo que você está indo para, você pode decidir desenvolver o esboço muito mais, focando na arte da linha e mantendo tudo realmente, muito nítido e limpo. Se você está indo para um estilo mais pintor como eu estava, você pode ficar bem só indo um pouco mais rápido. Você vai estar pintando sobre as linhas tantas vezes de qualquer maneira que apenas obter a indicação geral de tudo será bom o suficiente. Se você não tem certeza se você quer mantê-lo mais definido ou mais esboçado, eu diria inclinar-se para gastar um pouco mais de tempo em seu desenho porque eu sou bastante impaciente e esse hábito voltou para me morder um monte de vezes. Assim que você se sentir satisfeito com o bloqueio de linha, você pode começar a introduzir um pouco de cor áspera. Pessoalmente, eu realmente não separo as coisas em camadas diferentes porque isso me ajuda a manter as coisas conectadas e unificadas. Manter as coisas em camadas separadas dá-lhe mais controle, mas às vezes também pode fazer com que as coisas pareçam um pouco desconectadas de outras. Como em vez de uma pintura cheia de personagens, você criou uma colagem onde tudo parece um pouco fora de lugar. Ao usar menos camadas, você acaba se sobrepondo pedaços e pedaços que apenas amarram a peça. Quando você está indo para bloquear na cor áspera, você nem sempre precisa considerar suas sombras, mas ajuda ter uma idéia de como a iluminação vai ser como, porque fontes de luz mais suaves e maiores são vai lançar sombras mais suaves e porque a principal fonte de luz nesta pintura vai ser a lâmpada em torno da borda do espelho, as sombras vão ser relativamente suaves. Eu vou escolher não bloquear em uma cor de sombra separada aqui. Outra razão pela qual você pode querer considerar as fontes de luz é que, se a sua fonte de luz é colorida, ela vai lançar essa cor na cena. As cores que você acaba escolhendo serão radicalmente diferentes do que se sua fonte de luz for mais branca, mais neutra. Em seguida, eu arrasto em uma textura de azulejo rápida, que eu faço principalmente para muito repetitivo ou textura trabalho pesado. Se algo já precisa parecer muito perfeito e em perspectiva, bem, eu poderia levar muito tempo para desenhá-lo com as mãos, mas às vezes usar uma textura é um pouco mais rápido. Também porque eu já sei que eu quero manter os personagens principais em foco, mas desfocar o resto, eu estou bem com o uso de uma textura porque qualquer detalhe que é apenas demais, que é muito realista, realmente não vai aparecer porque eu vou desfocar tudo. Em seguida, vou começar lentamente a indicar alguma luz. Lembre-se da lição de cores que tudo é contexto, então você quer prestar atenção para ficar ampliado e manter a coisa toda no quadro. Quando você amplia muito, você pode renderizar um rosto que parece bonito, mas apenas tornar a coisa toda muito contrastante ou muito leve ou muito escuro. Meu palpite inicial é, eu não tenho idéia se eles vão funcionar, mas apenas introduzindo um pouco de cor lá, lenta mas seguramente, eu estou me dando mais informações para trabalhar. Todas essas cores estão falando umas com as outras e então eu posso ajustá-las como eu preciso. Continuo trabalhando nisso. Eu continuo indo com aquele grande a pequeno principal, começando primeiro com os maiores ajustes gerais e depois lentamente trabalhando em mais detalhes. Às vezes eu apenas jogar em uma cor que eu acho que não vai funcionar, mas então eu apenas misturar e borrá-lo ao ponto em que ele se encaixa muito bem. Essa idéia de introduzir algo muito pesado e depois puxá-lo trás realmente me leva a um princípio que eu sempre penso quando estou pintando. Essencialmente para toda essa seção central da pintura, não estamos fazendo os detalhes finais, mas também não estamos realmente fazendo aquele estabelecimento inicial, eu gosto de pensar em uma roda. De um lado desta roda é a estrutura e do outro lado da roda é sutileza. Estou sempre me perguntando, isso precisa de mais estrutura ou precisa de mais sutileza? Continuo entre estes dois. O que quero dizer com estrutura é formas afiadas, bordas duras, linhas ousadas, qualquer coisa que ajude a dar à sua peça um pouco mais de solidez. Muitas vezes, quando começamos a pintar, e especialmente quando entramos nos detalhes, as coisas começam a parecer um pouco macias, um pouco piegas. Sempre que noto uma área na minha pintura que tem isso acontecendo, tento reintroduzir alguma estrutura. Concentro-me em trabalhar com pincéis mais duros, golpes mais ousados, pressionando um pouco mais no tablet, só para que eu esteja misturando menos e apenas introduzindo mais definição. Por outro lado, se as coisas estão se sentindo muito nítidas e as transições são muito afiadas, talvez haja algumas coisas que devem se sentir macias ou orgânicas, mas ao invés disso elas se sentem muito rígidas ou afiadas. Nesse caso, quero introduzir um pouco mais de sutileza. Palavras que eu penso que há mesclagem, bordas suaves e cores sutis. Basicamente, eu vou estar usando pincéis maiores, pincéis mais macios, e introduzindo cores sutis para tentar suavizar qualquer coisa que se sente um pouco repentina demais, um pouco afiada demais. Desta forma, eu sou capaz de encontrar um equilíbrio entre as coisas que não se sentem moles, sem forma e fracas, mas também não me sinto como máquina, rígida e não natural. Depois, há uma adição à roda, que são os ajustes de escala maior. Como eu estou indo entre a sutileza ea estrutura e pensando sobre ambos e mantê-los em equilíbrio, às vezes eu preciso novamente, puxar para trás e apenas fazer alguns ajustes gerais de tom. parte do tempo, ficarei feliz com a forma como a pintura está se desenvolvendo, mas apenas perceba que toda a coisa precisa de mais contraste. Se este for o caso, eu poderia entrar em minhas configurações e apenas subir os níveis um pouco, ou aumentar a saturação. Talvez eu queira introduzir um pouco de vinheta nos cantos da pintura. Durante toda a parte do meio da pintura, este é o processo que estou seguindo. Eu estou me movendo entre estrutura e sutileza constantemente e ocasionalmente puxando para trás para olhar para o quadro maior para ver se há algum ajuste maior que eu preciso fazer. Então, quando a coisa geral for estabelecida, eu vou começar a ficar em lugares individuais um pouco mais, gastando um pouco mais de tempo em cada elemento individual, como uma mão ou um rosto e apenas empurrando-o ainda mais. Está começando a se aproximar do ponto de ser terminado. Eu vou fazer uma passagem sobre a pintura onde um por um, eu pego esses elementos e os transformo em uma forma mais acabada. Eu basicamente quero que a pintura chegue ao ponto em que ele pode não necessariamente parecer acabado, mas eu posso exatamente dizer o que ele vai ser como quando terminar. Agora que você sente que tem uma idéia clara de onde sua peça está indo, a chave é tentar terminá-la. Muitas pessoas param pouco antes da linha final e nunca acabam fazendo algo que é totalmente feito. Tudo o que fazem são esboços ou ilustrações que sempre se sentem um pouco de coração, porque nunca foram levados até o fim. O que eu gostaria de fazer é da próxima vez que você estiver nessa situação, basta fazer uma lista dos elementos individuais da sua peça e tentar classificá-los por prioridade. Em seguida, começando com a parte mais importante primeiro, tente trabalhar nela. Essencialmente, assim que você terminar essa área e você decidir que ela está feita, você não tem mais permissão para tocá-la. Ao trabalhar desta forma, não parece que a fase final continua e continua para sempre. Esta é uma das principais coisas que está impedindo as pessoas de terminarem seu trabalho regularmente. Há sempre mais a fazer. Tente usar esta lista de verificação para mostrar o que você ainda tem para fazer, o que você já fez e quais partes você não tem permissão para tocar novamente. A última coisa que você quer fazer é deixar a peça um pouco. Apenas vá embora e talvez tenha passado alguns dias sem olhar para ele. Então, da próxima vez que você abrir novamente, tente identificar se há algo que salte de você que precisa ser consertado. A idéia aqui é que ao refrescar sua percepção da peça simplesmente não olhando para ela por um tempo, você é capaz de identificar mais claramente as coisas que estão funcionando e as coisas que não estão. Muitas vezes, quando eu fiz isso no passado, eu era capaz de apenas levar cinco minutos ou mais apenas para consertar algumas pequenas coisas quando a peça geral estava definitivamente funcionando, mas basicamente, isso me impediu de ser frustrado vendo essa peça on-line e sempre percebendo que uma pequena coisa que seria tão fácil de mudar, mas agora ela já está lá fora. Tente fazer um pouco de uma pausa para que, com uma nova percepção, você possa ter certeza de ter abordado quaisquer grandes problemas que possam estar lá. do tempo, você pode fazer a peça apenas um pouquinho melhor com apenas um minuto de trabalho extra. Sua lição de casa para esta lição é começar uma ilustração com pelo menos uma pessoa. Tente manter a estrutura sólida e credível e tente pensar sobre o que você aprendeu durante as lições de Gesto e Cor para adicionar um pouco de vida e brilho a toda a coisa. Você não precisa terminá-lo hoje, mas é claro, o processo de miniatura é perfeito para apenas começar. Para fazer isso, você pode usar o documento que eu forneci nas notas de classe. Se você nunca tiver certeza do que fazer em seguida, tente simplesmente seguir as etapas no documento. Se você der esses passos um por um, ele pode levá-lo todo o caminho desde o início até o fim. Aí está, sua tarefa final de casa. Boa sorte. 7. Outro: Tudo bem. Você chegou ao fim do curso. Dê a si mesmo um tapinha nas costas, espero que você tenha se divertido muito tomando, eu me diverti muito fazendo isso. Se houver algum feedback que você tem, quaisquer perguntas, comentários ou coisas sobre as quais você gostaria de saber mais, você pode enviá-los para o e-mail na tela agora mesmo. Adoro ouvir de todos vocês e adoro ver o que vocês fizeram. Com essa nota, você pode compartilhar o que tiver feito nos projetos da classe para este curso. Mas de qualquer forma, muito obrigado por fazer este curso e espero que eu possa vê-lo no próximo. Por enquanto, desenho feliz.