Cinematografia com micro-orçamento: direção

1. Introdução: Olá a todos. Esta é a minha aula de direção de filmes de orçamento micro, que é a terceira parte da minha série de filmes de orçamento micro, que leva você através de todo o processode produção que leva você através de todo o processo filmes desde o início até a distribuição. Nesta aula, vou focar principalmente no que faço como diretor no set. Se você quiser saber mais sobre o processo de roteirização ou o processo de pré-produção, então eu encorajaria você a começar no início da aula. Assim, você entende os principais passos que são necessários antes estar pronto para ligar a câmera e gritar ação. Pode haver meses de trabalho necessários para prepará-lo para o sucesso. E enquanto você pode querer pular a arma e começar a atirar, eu garanto que você vai querer colocar o trabalho de antemão para que você não acabe despreparado. Se você assistiu minhas aulas anteriores, então você sabe, eu tinha experimentado na época em que eu era uma criança começando como um ator infantil. Então, quando era adolescente, comecei a criar meus próprios filmes e até mesmo competir com aqueles em festivais de cinema internacionais, tornando-se um cineasta premiado aos 18 anos. Meu trabalho mais recente foi exibido no BAFTA e antes dos festivais de cinema de qualificação, bem como minha atual peça de paixão, sendo o Samaritano semi finalista nos cintilantes de qualificação do Oscar, Rhode Island International Film Festival . Também dirijo uma comunidade de 1500 cineastas independentes aqui em Londres, onde moro, chama-se curta-metragem Kino. Além disso, oferecemos uma variedade de eventos de exibição, networking, suporte à produção e o Festival de Cinema do Povo. Mais informações podem ser encontradas em Kino curta film.com. Chega de falar de mim. Esta aula é sobre você e fazer seu filme. Já que estou focando na produção de filmes de micro orçamento nesta série, é meu objetivo fazer com que você faça seu filme, independentemente do seu conjunto único de limitações. Muitas aulas tentam fazer com que você se concentre na maneira certa de fazer as coisas. Eles podem ensinar padrões sindicais, assumindo que você é totalmente financiado por um estúdio e está trabalhando com uma grande equipe onde cada pessoa pode se concentrar na minúcia de seu trabalho particular. Mas para os propósitos desta aula, vou assumir que você está trabalhando com não mais de dez pessoas. Entendo perfeitamente que alguns de vocês podem estar trabalhando com menos do que isso, mas não se preocupe, filmes incríveis ainda foram feitos por apenas uma equipe de poucas pessoas. Nesta aula. Vou tocar muito brevemente no processo de pré-produção, retomando de onde parei com a parte dois desta série. Mas principalmente eu vou estar focando no meu processo, trabalhando com atores, trabalhando com equipe, ritmo e atmosfera enquanto iniciar truques e dicas para filmes de orçamento micro e alguns conceitos básicos de cinematografia para ter em mente. Eu também estarei focando fortemente em curtas-metragens em minhas analogias e exemplos nesta aula. E isso não quer dizer que esses princípios não podem ser usados para longa-metragem, mas eu sempre acho que é uma boa idéia começar com um curta-metragem se você não tem experiência, deixa seus pés molhados muitas vezes eu vi pessoas talentosas apenas girar suas rodas no início de sua carreira. Eles vão a produtores, vão a agentes, vão a distribuidores, vão a festivais de cinema. E onde quer que vão, as portas são fechadas na cara deles porque eles não têm o portfólio ou a experiência. O que eu sou apaixonado é capacitar qualquer um para fazer um filme como uma forma de expressão pessoal e como uma forma de construir um portfólio para que você possa progredir na indústria. Tudo bem, pronto para começar. 2. Recapagem de préprodução: documentos essenciais: Na segunda parte do meu curso de cinema de orçamento micro, eu abordei formas criativas de aumentar as finanças e como dividir seu roteiro em uma variedade de documentos administrativos que ajudarão você a organizar sua produção antes do início. Então, a essa altura, vou assumir que você criou sua agenda de filmagens, sua lista, suas listas de chamadas, contratos e lados. Se você não sabe quais são esses documentos ou se você ainda não preparou os seus. E eu encorajaria você a parar essa aula, voltar para a aula de pré-produção e começar tanto sobre ser um diretor. Início é sobre rolar com os socos quando as circunstâncias do dia te jogam uma bola curva, haverá mudanças constantes lançadas no seu caminho. Pode haver mudanças no tempo, um ator pode não aparecer. Vais ter de inventar planos de contingência. E em situações como essa, você vai querer todos os seus patos seguidos para que você esteja pronto para girar um centavo em direção ao que seu dia de produção precisa. Como esse é um processo muito reativo, vai ser difícil para mim dar dicas sobre algumas questões específicas que você pode ter individuais com suas produções. Então, se você tiver alguma dúvida, por favor, deixe um comentário abaixo e eu vou tentar o meu melhor para ajudá-lo. Ou você pode obter alguns conselhos de outras pessoas dentro da comunidade de compartilhamento de habilidades. Como diretor, será seu trabalho manter a calma enquanto começa quando as coisas não forem planejadas. E você pode usar seus documentos de pré-produção para analisá-los e fazer ajustes necessários para garantir que você saia os ajustes necessários para garantir que você saiacom todas as filmagens necessárias para cortar a costura. Lembre-se de dois terços de um filme que é perfeitamente filmado vale menos do que um filme completo que conta a história completa, que pode ter algumas bordas ásperas. Uma coisa que não cobri na minha aula de pré-produção foi ensaiar com atores. E embora isso seja definitivamente um pedaço de pré-produção tradicional, eu acho que eu decidi não incluí-lo porque é um luxo que muitos cineastas de micro orçamento não têm. Se você está trabalhando com um orçamento muito pequeno, você pode não ter nenhum tempo de ensaio e você pode precisar ensaiar o início antes de fazer as fotos. Se puder ensaiar antes do tempo. Ótima. Mas com o propósito de começar isso, vou agora começar a falar com vocês através do meu processo de trabalhar com atores começando. 3. Recapagem de préprodução: fundição: Mesmo no orçamento mais micro das produções onde você está usando todos os chapéus, o roteiro, metade da direção, a cinematografia, o som. Mesmo em circunstâncias como essa, geralmente há uma coisa que você não pode evitar uma vontade de encontrar colaboradores e que são seus atores. Claro que você pode ser capaz de encontrar amigos e famílias. Alguns podem ter mais talento do que outros. Mas se você tem uma quantidade limitada de orçamento para gastar em algo, atores seriam uma das minhas primeiras prioridades absolutas. Performances surpreendentes podem elevar o filme medíocre e até mesmo o filme técnico mais impressionante vai cair em seu rosto. Se o público não for investido em seus personagens principais, público precisa suspender sua descrença e estar convencido que a cena que você estava mostrando a eles é real e autêntica. Obviamente, sob restrições orçamentárias, como cineasta de microorçamento, você provavelmente não terá acesso a atores profissionais de nível superior. Mas você ficaria surpreso com quantos atores da classe trabalhadora, muito, muito talentosos estão lá fora que estão dispostos a trabalhar com produções menores que eles se sentem apaixonados. A coisa é que você só precisa saber onde procurar esse tipo de talento. Clubes, escolas de teatro e teatros comunitários são um ótimo lugar para atrair atores. Eles geralmente estão cheios de pessoas que levam seu ofício muito a sério. Também sites como mandy.com ou até mesmo redes sociais podem criar ótimos recursos para se conectar com talentos. No meu curta-metragem mais recente, eu fui realmente capaz de elencar alguém cujos créditos anteriores incluem a série Netflix a coroa, apenas estendendo-lhe a mão no Twitter e perguntando-lhe se ele estaria interessado em ler o script. Além disso, nunca tenha medo de sonhar grande. Agora, eu não estou dizendo que você vai fazer Tom Cruise estrelar seu próximo curta-metragem. Mas o que eu estou dizendo é que alguns atores com um certo nível de créditos que você pode pensar que estão acima de você ou talvez intimidados por eles e não vê-los estava ao alcance. Conheci uma atriz enquanto internato. Ela tem créditos no Amazon Prime e fazendo algum conteúdo original para eles, o conteúdo original da Netflix. E recentemente ela descobriu que pequenas produções Indie já não a alcançam para peças fundidas. Ela passa muito tempo fazendo audições. E sim, você pode chegar no Big show de vez em quando. Mas muitas audições para atores, a maioria deles acabam em rejeição. Então os atores estão muito, muito famintos para obter Onset. Os principais critérios que eles procuram se eles estão trabalhando uma taxa reduzida vai ser um Eles gostam do projeto? Eles gostaram do conteúdo que você está fornecendo para executar? Eles gostaram da cena? E você é uma pessoa interessante para trabalhar? Eles vêem potencial na sua carreira? Você vai estar indo para a frente e pode transformar na próxima grande coisa que eles querem ter um relacionamento cedo com. Então essas são as maneiras de impressioná-los. Tudo bem, então aqui estão minhas coisas. Trabalhar com pessoas que são atores. Não importa quanto Hollywood está disposta a pagar a essas pessoas. Importa o quão seriamente eles levam suas naves. Mesmo que você tenha pouco ou nenhum dinheiro, contato para estabelecer atores independentemente, a resposta é sempre não. Se você nunca perguntar, abordar o talento com confiança e mesmo se você está oferecendo a eles não é digno de sua posição e talento, você só pode se surpreender com quem você começa a dizer sim. 4. Trabalho com atores: Agora, o teste é definitivamente parte do processo de pré-produção. Na verdade, estou me chutando um pouco por não cobrir isso na minha aula de pré-produção. Mas de qualquer forma, vou cobrir isso agora, já que estamos no tema dos atores. A audição já foi há muito tempo. E falando como alguém que se sentou em ambos os lados dessa experiência. Não é um processo muito divertido naturalmente com produções maiores. Assim, por exemplo, longas-metragens onde você tem outros produtores envolvidos. Então você vai querer suas opiniões ou você tem investidores que você quer impressionar nessas circunstâncias, você definitivamente vai querer fazer uma audição. Mas para uma produção de microorçamento, não se sinta pressionado a realizar audições só porque é o padrão da indústria para fazê-lo. Isso não significa que não há coisas que você precisa garantir que estão dentro de sua capacidade de atores antes de contratá-los. Sabe, tudo o que estou dizendo é que você pode economizar tempo e você pode economizar dinheiro evitando o processo de audição. E há um conjunto único de dinâmicas que podem tornar o processo de audição difícil ou impossível para alguns cineastas de microorçamento. Por exemplo, se você está se aproximando de um ator que pode estar se juntando à sua produção como um favor fazendo uma taxa reduzida ou de graça porque eles realmente acreditam em você e em seu projeto, então você vai querer torná-lo tão fácil quanto possível para eles dizerem sim a você. Mesmo no primeiro de chegar até eles. Se você jogar com o ego deles e dar a eles o papel dizendo que, hey, eu acho que você vai ser perfeito neste papel, os papéis seus se você quiser, então essa bajulação pode ir um longo caminho. Em casos como este, alugar um espaço para realizar uma audição é um corte fácil do item da linha de orçamento. Se você tem finanças limitadas, também, audições nem sempre são a melhor maneira de julgar o talento de alguém. O processo de audição pode ser muito, muito intimidante e, muitas vezes, os atores não fazem o seu melhor trabalho na audição. Descobri que a melhor maneira de obter uma imagem mais precisa da habilidade do ator é olhando para o seu trabalho anterior. A maioria dos atores terá carretéis demo que contêm um monte de clipes curtos para destacar seu alcance como ator. Estes são grandes insights sobre o seu talento. Além disso, confira seus sites e quaisquer outras peças do portfólio que eles possam ter. Além disso, uma coisa chave para mim é que nem sempre é sobre a habilidade do ator e com quem eu escolho trabalhar. Às vezes é mais sobre a relação de trabalho entre vocês dois e como vocês se dão bem. Então, em vez de uma dinâmica de poder de uma audição, que é uma entrevista de emprego, você é o empregador lá, o empregado quando há dinheiro limitado, eles não vão ter esse incentivo para atuar. Então você realmente quer trabalhar com alguém que é realmente apaixonado pelo seu filme e pelas suas idéias. E a melhor maneira de fazer isso é entrar em uma sala com uma pessoa, comprar-lhe uma xícara de café e perguntar seus pensamentos sobre o projeto e ver como eles são apaixonados em se envolver com seu projeto de paixão. Além disso, tenha cuidado ao falar com um ator. Não fale muito. Faça mais escuta, coloque-lhes perguntas interessantes sobre o personagem, sobre o filme e, em seguida, obter suas reações a partir dele. Ao ouvir, você vai ser capaz de entender o quanto eles entendem seu projeto e a direção que eles provavelmente vão querer tomar seu desempenho. Avalie isso. E se funciona para você, então você acabou de contratar seu ator sem ter que fazer uma audição. Assistir ao trabalho anterior de um ator lhe dará uma idéia melhor de sua habilidade do que uma audição. Durante a reunião, permita que o ator compartilhe seus pensamentos, para garantir que você esteja na mesma página. 5. Trabalhando com atores a Atores: ensaio: Normalmente, quanto mais tempo você tiver para falar sobre a performance e ensaiar, melhor será essa performance. Embora em algumas circunstâncias atenuantes, um primeiro take não ensaiado pode realmente ser mais autêntico e mais natural desempenho superior do que tomar após take, onde a repetição do mesmo tipo de suga a vida da performance em uma produção de micro orçamento onde você está pedindo alguns favores e pedindo taxas reduzidas, ensaiando antes do tempo, pode ser um luxo que você não pode pagar. Mas, independentemente disso, não há nenhuma maneira que você vai ser capaz de se livrar desse processo de ensaio, mesmo que isso aconteça começar alguns minutos antes de você gritar ação. Então este é o meu processo quando se trata de trabalhar com atores. Acho que o que estou tentando dizer é, e se, se, e se eu deixar passar uma oportunidade de conhecer alguém para me dar uma vida de morte, sabe, em um mundo ideal, você deveria começar com uma mesa de leitura dentro algumas semanas antes de planear estar em produção. Reúna todos e simplesmente leia os roteiros dando aos atores nenhuma direção. Sente-se e veja o que eles fazem. Deixe os atores se sentirem confortáveis com o material e se sentirem confortáveis uns com os outros. Após a leitura, agora é hora de colocar a cena em pé, em vez de fornecer aos atores algum bloqueio, dizendo-lhes quando e para onde se mover. Muitas vezes vou deixá-los sentir a cena por si mesmos. Eu primeiro vejo que idéias únicas eles trazem para os personagens, seu instinto natural de bloqueio. E então eu uso todas essas coisas e as ajusto até que esteja em uma posição onde o desempenho esteja pronto. É mais como moldar e esculpir a performance do que ditar a performance. Este é um ótimo método porque faz com que os atores sintam que estão no controle de suas próprias performances, o que os torna mais emocionalmente investidos em seu projeto. Você deve se divertir com o fato de que um ator está trazendo algo para a mesa além do que você viu em sua visão são realmente bem treinado ator atinge profundamente dentro de sua experiência para puxar para fora alguma leitura emocional de uma linha que sente muito autêntico para eles. E embora essa leitura possa não soar como você imaginou em sua mente, eu o desafio a sempre questionar sua intenção, ver se a direção que o ator está seguindo. É uma direção interessante a seguir. Nem sempre diga, tem que ser do meu jeito. Foi assim que ouvi. Suba nessa palavra, acabe com essa palavra. Você vai ter um desempenho muito, muito robótico e não natural se você dirigir dessa maneira. Então, algumas das performances mais mal sucedidas que eu já vi sempre foram baseadas em micro gerenciar esse ator para tentar levá-los a fazer algo especificamente tecnicamente que você quer que eles façam. Não dizendo-lhes para se sentar de uma certa maneira e que sua cabeça desta maneira e Kauket assim. É o equivalente a uma foto problemática estranha. Eu acredito que é Alfred Hitchcock, que é famoso por se referir aos atores como capital e vai viver massivamente respeitar sua contribuição para o cinema. Não podia discordar mais. Uma das minhas citações favoritas vem de Paul Schroeder. E se você assistiu minha aula de roteiros, isso deve soar familiar. É verdade que assim que você começou a evoluir, viver, respirar seres humanos na criação, seu filme, ele vai assumir uma vida própria. Atores não são apenas pedaços de carne para acariciar ou manipular matéria. Tudo bem, eu gostaria de ter um minuto para falar sobre o uso da manipulação como uma ferramenta para obter uma certa performance de um ator. Alguns dos diretores mais famosos do passado usaram Manipulação. Talvez o nível de desempenho não estivesse à altura do padrão que deveria ter sido. Então, em vez de trabalhar através dos problemas com o ator ou o diretor decide colocar o ator em uma situação psicológica comprometedora, a fim manipular o ator para reagir de uma certa maneira. Ou talvez, talvez eles nunca sequer deram ao ator a oportunidade entregar uma grande performance antes de jogar um jogo mental com eles, porque eles queriam colocar o Ator neste Headspace que eles pensavam que iria entregar algo que era mais autêntico. Por exemplo, alguns dos mais famosos são como Oliver Stone começou a agir como um sargento no set do pelotão para dar a seus atores uma experiência militar mais autêntica ou como Stanley Kubrick abusou de Shelley Duvall no set do brilho. Desde que o Chile devolve estava interpretando uma esposa agredida e ele queria que seu desempenho parecesse mais visceral e real. Mas para mim, aquele que toma o bolo como o pior seria o último tango em Paris. Bernardo Bertolucci, o diretor, não disse à atriz Maria Schneider que haveria uma cena de estupro. Então ele teve o início dela e tudo o que ela sabia era que Marlon Brando estava de repente saindo do roteiro e atacando-a. Isso é porque ele queria que a reação dela parecesse real. Agora, obviamente, esse é um comportamento profissional extremamente antiético para ter na época, foi justificado por razões artísticas. Mas eu sempre faço o argumento de que o bem-estar psicológico de seus atores é sempre mais importante. E se você contratar atores realmente, realmente grandes, eles podem oferecer performances incríveis sem ter que manipulá-los. Contrate pessoas que são realmente boas no que fazem, e deixe-as guiar seu desempenho. Como diretor, é seu trabalho dirigir essa performance e fazer esses ajustes no set. Então você está sempre indo para o desempenho mais natural, mas você não quer ser um ditador. Não sei dizer quantas vezes um ator me entregou uma performance muito diferente da forma como vi escrita na página. Agora, eu poderia ter sido um ditador e ter dito, não, você tem que fazer do meu jeito. Mas a coisa psicológica em fazê-lo, então você está pedindo a eles para ir contra seus instintos naturais. E é aí que você realmente entra no território de uma performance. Começo a sentir-me falsa. Ser início é um processo de criação, mas também é um processo de deixar ir? Sim. Como diretor, você é responsável por garantir a qualidade do desempenho. E se o desempenho não estiver ao par, você sempre deve falar. Mas se um ator está lhe apresentando uma versão diferente do esperado, então eu desafio você a se abrir para a possibilidade de ver através de seus olhos. Muitas vezes, o processo de colaboração proporciona algo infinitamente mais interessante. Em seguida, a contratação de um ator para B0 robô para trazer vida em seu storyboard. Da mesma forma, como roteirista, uma vez que seu início, eu encorajaria você a deixar ir as palavras que você escreveu na página. Sim. Você quer ter certeza de que o ator está no caminho certo e eles não estão batendo no roteiro com um monte de palavras desnecessárias que vai afetar seu ritmo mais tarde. No entanto, seu objetivo como diretor é obter o desempenho mais autêntico. Portanto, se as palavras precisam ser alteradas para que essa performance seja mais autêntica, e você certamente deve estar aberto a fazê-lo. E não ordenes que todas as palavras que escreveste sejam lidas da mesma forma que escreveste. O público não fará um roteiro para comparação de filmes. Tudo bem, então Tarantino é absolutamente famoso por ser um tirano quando se trata de garantir que os atores mantenham seu diálogo que ele escreveu. E eu acho que muitos cineastas independentes que idolatravam seu talento tipo de assumiram o mesmo ethos e trouxeram o mesmo nível de preciosidade para seus próprios roteiros. Então, mesmo diante de um ator lutando para trazer esse pouco de diálogo para a vida, eles duplicam e dizem não, você tem que fazer do meu jeito. O ponto que estou tentando fazer é que o que tem prioridade é sempre o que funciona para oferecer um desempenho natural. Seja menos precioso. Comece com uma mesa de leitura, depois coloque a cena em seus pés. Redirecionar. A performance natural é que seus atores te dão contra ditando direção? Questione sua visão quando apresentada com contradições inspiradas de colaboradores confiáveis e seja menos precioso. 6. Ferramentas para trabalho com atores: Pessoas que fazem coisas terríveis para preservar suas vidas não podem ser perdoadas. Deus perdoa qualquer coisa e qualquer um por qualquer coisa que eles façam, não importa o quão Craven agora, covarde. Baseado. Primeiro, é importante entender o fundo de um ator onde eles treinaram como um ator de método. Eles fizeram muito teatro comunitário? Eles estão mais envolvidos na modelagem e no trabalho comercial? Todas essas coisas afetarão a forma como você se comunica com eles e que tipo de trabalho eles estão acostumados a fazer. Além disso, conheça seu gosto de atores. Quais são seus filmes favoritos? Quem eram alguns de seus atores favoritos? Estes são todos pequenos pedaços de informação que você pode usar para criar referências para comunicar ideias criativas com mais facilidade. Diga se, por exemplo, um verdadeiro amor e respeito ao trabalho de Kate Winslet. E você sabe, em suas referências que você viu o filme e há uma performance similar que Kate Winslet fez em sua geografia cinematográfica. Você pode usar essas cenas para destacar e ilustrar ideias semelhantes. Isso é importante porque a produção de filmes de micro orçamento é feita a um ritmo tão rápido que você deseja encontrar a maneira mais fácil de chegar a uma performance o mais rápido possível. E como apenas uma nota lateral, esta é também uma estratégia que não funciona apenas para atores que trabalham com cada colaborador que você tem. Por exemplo, se você está trabalhando com seu diretor de fotografia e sabe que quer uma foto é muito Wes Anderson. E a outra pessoa está familiarizada com o trabalho de Wes Anderson. Como imagino a maioria dos cineastas são. Há uma certa estética que eles vão entender que você vai atrás. Então eu venho de um fundo de teatro. Comecei a atuar aos cinco anos e já estive em provavelmente mais de 30 produções de palco na minha vida. Já atuei em filmes, mas principalmente me interessei no que acontece por trás da câmera, em vez de me tornar ator de cinema. Agora atuar em palco e atuar em cinema são duas coisas muito diferentes. Mas há algumas coisas que aprendi durante o meu tempo como ator de palco que acho que me ajudam a comunicar com atores quando estou trabalhando no filme. Normalmente, um ator de teatro está acostumado a exagerar no palco. Eles têm que expressar algumas emoções desde a primeira fila até a parte de trás da casa, o que significa que eles usam grandes gestos largos e uma voz muito alta. Mas no filme tudo é muito mais confinado. Às vezes, a câmera é muito, muito próxima e o ator pode apenas estar sentado lá e com um movimento muito sutil, você pode entender e inflexão emocional que se você fizer isso maior, ele iria parecer muito, muito falso . Então, se eu estou lidando com muitos atores de palco, o que eu sempre vou fazer é normalmente dar a eles quase um barômetro de onde eu quero que sua performance seja. E é sempre recusado se me entregarem algo, é exagerado. Ele agiu como um dez e eu sou como, OK, o instinto provavelmente estava certo, a emoção provavelmente estava certa, mas não parecia genuína o suficiente. Então vamos, vamos usar isso e então vamos transformá-lo em downloads, discá-lo de volta para um sete ou um seis. Essa discagem de performances como, na verdade, uma outra ferramenta de comunicação muito útil que você tem em trabalhar com atores. É por isso que estou enfatizando nessa linha. Saiba, exatamente, sempre dar direção com um giro positivo. Você não quer entrar nos atores da segurança. Se eles estão fazendo algo que não está funcionando, diga algo mais como, hey, vamos tentar dessa maneira e ver se isso funciona. E faça esses pequenos ajustes para chegar onde você precisa ir, em vez de fazer com que seu ator sinta que não pode entregar o que você está pedindo. Essa é a maneira certa de colocar uma bomba completamente no desempenho e cada tomada vai piorar cada vez mais. Eu prometo a você, atores só querem a garantia de Ann lá fora que eles confiam e que esse é o seu papel como diretor. Eles estão constantemente avaliando seu desempenho de dentro para fora. Então, a maneira como a performance se sente, então eles podem não estar tão em contato com a forma como ela está sendo percebida por outras pessoas. Você, o diretor, está olhando de fora para dentro, e é o tipo de combinação mágica dessas duas coisas, a experiência emocional que o ator está trazendo e a experiência objetiva que o diretor está vendo. Você se casa com esses dois juntos. E é aí que a magia acontece. E como você provavelmente pode dizer, eu amo o processo de trabalhar com atores e eu provavelmente deveria fazer uma aula inteira sobre apenas trabalhar com atores quando minha série micro orçamento estiver concluída. Por enquanto vou parar de falar em trabalhar com atores. Eu vou passar para os outros aspectos da direção porque é um trabalho muito multifacetado onde você tem que estar pensando em um monte de diferentes partes móveis. Não apenas atores, apesar de serem uma das partes móveis mais importantes. Conheça seu histórico de atores, conheça seus colaboradores, gostos e filmes. Use os exemplos que eles lhe dão como uma ferramenta para transmitir suas idéias em um contexto que eles já entendem e respeitam e sempre construam confiança em seus atores. 7. Trabalho com tripulação: Como um cineasta de micro orçamento, você pode ficar tentado a filmar seu filme sozinho em vez de trabalhar com uma equipe. Bem, eu construí meu próprio portfólio de diretores, criando meu próprio conteúdo de micro orçamento. Eu também estive em muitos outros sets de filmes. Já atuei e fiz filmes, produzi filmes para outros diretores. Fui diretor de fotografia em alguns curtas-metragens, fui assistente de direção em um videoclipe. E eu até fui um assistente de produção e um corredor em produções maiores só para poder estar perto pessoas da indústria que tinham mais experiência do que eu. Eu definitivamente encorajo todos que assistem a ganhar o máximo de experiência possível, mesmo que não seja na capacidade de diretor, se você começar a sentir outras posições diferentes da tripulação, a quantidade de conhecimento que você vai ser capaz de obter só irá ajudá-lo quando chega a hora de dirigir seu próprio filme. E você precisa se comunicar com outras pessoas que estão nas posições que você já ocupou. Ao fazer minhas próprias produções de micro orçamento, muitas vezes tive que preencher os papéis de ser meu próprio diretor assistente, ser meus próprios cineastas, supervisor de roteiros , produtor, editor e muito mais. Acredito firmemente que você tem que fazer o que for preciso para seu projeto seja feito e a falta de ter uma equipe não deve te atrasar. Mas você tem que começar em algum lugar. Acredito firmemente em aprender fazendo a prática é perfeita, mas ao fazer filmes por conta própria, eu realmente aprendi minhas próprias fraquezas. E eu realmente acredito que os filmes são melhorados quando o processo é colaborativo. Se você auto-financiar seu próprio filme, você pode sentir que você não pode pagar uma equipe. E se você está olhando para os créditos finais, fazer um filme de Hollywood, você está certo, você não vai ser capaz de pagar uma equipe tão grande. Mas ainda assim, você precisa saber quais são todas essas posições porque você e sua equipe que você tem estarão trabalhando horas extras para preencher todas as tarefas de trabalho para garantir que o filme que você faz é de alta qualidade possível. Pessoalmente, eu acho que a equipe mínima que você precisa para fazer um bom filme é três pessoas. Use o diretor, diretor de fotografia e um gravador de som. Conheço algumas pessoas que fizeram grandes filmes com ainda menos, talvez uma tripulação de duas pessoas, talvez por conta própria. Mas sei, pela minha experiência, que sinto que obtenho os melhores resultados quando estou, pelo menos, a trabalhar com outros dois colaboradores nos bastidores. Minha receita para uma tripulação de três homens é a seguinte. Seu papel como diretor é trabalhar com atores, criar ângulos de câmera e dizer ao DOP onde colocar o endpoint da câmera. Preste atenção à continuidade. Concentre-se no design de produção, traje, cabelo e maquiagem. Defina o ritmo do dia para se certificar de que você está dentro do cronograma. Falarei mais sobre isso mais tarde. Entendo que os pontos fortes e fracos de todos são completamente diferentes. E o seu trabalho é ser honesto consigo mesmo e perguntar a si mesmo quais posições eu sou capaz de assumir realisticamente meus deveres de diretor e quais eu não sou? O papel dos cineastas é seguir sua direção e configurar a foto. Você imagina. Diz-lhes onde colocar a câmara e depois deixa-os montar o tripé, acender as luzes, etc. É especialmente importante delegar este trabalho quando você precisa ter tempo para ensaiar com seus atores em um grande set. Um diretor de fotografia trabalharia com um assistente, uma gafe, ou para ajudar com as luzes. Gaffers geralmente têm assistência, bem chamados melhores meninos ou faíscas. Alguns DOPS nem operam a câmera. Eles trabalhavam com uma câmera. O departamento de câmeras em um grande filme pode ser enorme. Obviamente, na mais apertada das produções de micro orçamento, o diretor de fotografia, estaremos preenchendo todos esses papéis. O papel da pessoa sonora é simples, mas essencialmente é gravar todo o som para a cena. E isso inclui usar um microfone de explosão e amei o Mike para se conectar a atores. E eu vou entrar mais em detalhes sobre algum som em uma parte posterior desta aula. Encontrar uma equipe é muito parecido com encontrar atores que podem entrar on-line em mídias sociais ou em sites projetados especificamente para ajudá-lo a encontrar equipes como o mandy.com. E lá você pode verificar seus reais em seu portfólio para julgar sua habilidade. Quando você estiver interessado em alguns indivíduos em particular, encontre-os pessoalmente e veja se eles são o tipo de pessoa com quem você pode se dar bem. Muitas vezes trabalhando DOPS e outros membros da tripulação estão sobrecarregados com o trabalho em shows corporativos e trabalho comercial. Então, se você trouxer a eles uma história narrativa que você está pedindo para eles trabalharem, isso pode estar mais interessado só porque é mais divertido trabalhar ou porque eles queriam diversificar seu portfólio. No entanto, ao contrário dos actores da minha experiência, os membros da tripulação muito bons são muito menos propensos a trabalhar gratuitamente ou a uma taxa reduzida. Isso ocorre porque muitas vezes vêm com seu próprio arsenal de equipamentos que era muito caro para eles comprarem. Então eles precisam priorizar os shows pagadores, a fim de poder pagar suas próprias contas. E você vai precisar respeitar isso, já que você precisa de equipamento para fazer um filme, contratação acumulada que possui seu próprio kit. Só faz sentido. Você estaria gastando o dinheiro de qualquer maneira em alugar ou comprar o equipamento. Então você também pode contratar as pessoas que sabem como tirar o melhor proveito desse equipamento. Definitivamente será mais barato do que comprar o equipamento. E muitas vezes será o mesmo preço que se você tivesse trabalhado para alugar o Whitman chefe. Levar embora. No mínimo, trabalhe com uma equipe de três homens. Diretor, diretor de fotografia, gravador de som. 8. Terminologia para trabalhar com a equipe de câmera: Ter confiança em outra pessoa para lidar com os aspectos técnicos de manuseio de uma câmera é uma carga completa fora durante o início. Um ótimo DOP levará sua visão e se concentrará em todos os pequenos detalhes para garantir que seu filme pareça profissional. Eles vão se concentrar na iluminação, no enquadramento, nas taxas de quadros, exposições, escolhas de lentes, provavelmente ser muito opinativo sobre qual câmera eles querem filmar. E o querer estar envolvido na aparência final do filme com gradação de cores. Uma vez que você está na pós-produção. Não quer dizer que você não precisa entender todos os aspectos técnicos do cinema. Mas com meu estilo de direção, sempre achei que era meu trabalho trazer uma visão mais ampla versus minúcias de micro-gerenciamento. Se você é um pave de DO experiente, as próximas coisas que eu vou ensinar são sem dúvida, vão parecer muito, muito básicas. Então, isso é mais voltado para diretores de micro orçamento que estão filmando pela primeira vez ou trabalhando com um DOP pela primeira vez. Vamos começar definindo esses aspectos. Eu só mencionei. Opções de lentes. A lente é o pedaço de vidro que permite a luz entrar na câmera. É a janela das câmeras para que possa ver e capturar a cena que você está realizando na frente dela. Diferentes lentes têm distâncias focais diferentes. Uma lente de grande ângulo é essencialmente uma janela mais ampla para capturar mais da cena. E uma lente teleobjetiva é essencialmente uma pequena janela que pode fazer uma foto parecer um close-up, mesmo que a câmera esteja longe. Todas as lentes têm um número de milímetro ligado a elas. Quanto menor o número, maior a lente. Enquadramento. Um quadro são os cantos de suas câmeras. Janela. Enquadramento é a colocação e a posição dos sujeitos em seus tiros. As fotos são sobre composição, muito parecido com uma pintura, em vez de apontar a câmera para o assunto e apenas ver o que acontece. Você precisa ter um plano e compor um tiro de uma maneira esteticamente interessante. Filme de taxa de quadros foi criado por uma série de imagens fixas tocadas rapidamente para dar a ilusão de movimento. Uma taxa de quadros é quantas dessas imagens estáticas são tiradas por segundo. Exposição. O filme é tudo sobre deixar a luz entrar pela janela da lente da câmera. A exposição refere-se à quantidade de luz que você deixa entrar. Se a lente da câmera for um olho, a exposição seria a largura que a IA está abrindo a iluminação. Isso é exatamente o que parece. Pode envolver iluminação natural do sol se você estiver filmando fora, pode incluir equilíbrio, que não é uma luz, mas sim um dispositivo para redirecionar a luz do sol. E, claro, há um medley de diferentes luzes elétricas e géis coloridos. Classificação de cores. Quando o filme é feito, ele será colorido graduado em pós-produção. Aqui é onde você pode realmente colocar um olhar cinematográfico específico no filme. Há muitas, muitas, muitas outras coisas que você pode aprender sobre os aspectos técnicos de trabalhar com uma câmera. Mas, por enquanto, vou deixar vocês com o básico. 9. Escolas de câmera e lente: A primeira coisa que vou falar com você é taxa de quadros. O filme tradicional foi gravado como 24 fotogramas tocados dentro de 1 segundo para dar a ilusão de movimento. A estética de 24 quadros por segundo é tão fortemente enraizada na história do cinema que se você usar qualquer outra coisa, é provável que ou pareça uma produção amadora ou uma novela com consumidores começou a comprar câmeras de vídeo em casa, tinha uma taxa de quadros de 30 quadros por segundo. E assim a estética parecia muito, muito diferente do que ir assistir a um filme. Hoje. Praticamente todas as câmeras com as quais você trabalha terão pelo menos essas duas opções, 2430. Mesmo que você esteja trabalhando em algo como um iPhone, eles terão essas duas opções. Certifique-se sempre de que está a fotografar a 24 fotogramas por segundo para ter a certeza de que está a obter o visual cinematográfico mais cinematográfico. Claro, há sempre exceções à regra e câmeras de ponta superior incertas que você pode querer filmar em uma taxa de quadros diferente, desde que ela possa ser transferida para 24 quadros por segundo na pós-produção, se o seu objetivo é vender seu filme de alguns mercados internacionais, exigem uma taxa de quadros diferente de 24 quadros por segundo. Assim, seu diretor de fotografia pode aconselhá-lo a fotografar em uma taxa de quadros diferente. Se for esse o caso, certifique-se de que está tendo essa conversa com seu diretor de fotografia. Então, no final do dia, você terá pelo menos uma versão do filme que é a mais cinematográfica para combinar com sua visão. Agora vamos falar brevemente sobre as escolhas da câmera. Você pode filmar em tudo, desde um iPhone a uma câmera de cinema e, como um vermelho ou um arejado Alexa, as câmeras estão mudando constantemente e a tecnologia incrível está se tornando mais barata e mais barata. Em vez de te dar a minha opinião sobre câmaras específicas, vou deixar isso como uma conversa para teres com o teu cineasta ou para fazeres a tua própria pesquisa online. Lembre-se que a câmera mais cara não significa necessariamente que você vai fazer um filme melhor. O filme é sobre criatividade. É sobre como você usa essa câmera. Então, mesmo uma câmera incrível pode fazer um filme terrível, e até mesmo um iPhone pode fazer algo que é incrível para assistir. Vou quebrar as câmeras em três grupos. Telefones com câmera, DSLRs e câmeras de cinema. Neste ponto da minha carreira, eu sempre coloco minhas mãos em uma câmera de cinema. No entanto, eu tenho experimentado tiro em todos os três desses, Eu recomendaria usar um telefone com câmera somente se é sua única escolha ou se ele funciona melhor por razões narrativas. Por exemplo, você está fazendo um filme de terror encontrado como Blair Witch. Sim, o telefone já está no seu bolso. Sim, existem alguns aplicativos incríveis lá fora que fazem o seu melhor para tentar dar-lhe um olhar cinematográfico fora do telefone. Mas na minha experiência, nunca fiquei totalmente satisfeito com meus resultados vindo de um telefone com câmera. Se você tem algum orçamento de câmera do que um DSLR é muito melhor. Eles vêm com lentes amovíveis, então você terá muito mais versatilidade. Uma ótima lente pode até mesmo elevar a qualidade de um Canadá menor. Mesmo se um iPhone filma e 4K e um DSLR antigo pode não, Eu ainda escolheria o DSLR por causa desse fato. E, claro, se dinheiro não é um problema, então as câmeras de cinema são incríveis. Eles são muito complicados, e é por isso que eu sempre uso um DOP ao trabalhar com eles. Mas os resultados que você obtém são noite e dia diferentes ao elevar seu filme de um visual amador para um visual profissional. Agora vamos falar sobre escolhas de lentes. Se você estiver filmando em uma câmera que tenha uma lente embutida, talvez você não tenha muita versatilidade. No entanto, eles estão até fazendo um pequeno clipe em lentes para iPhones nos dias de hoje. Se estiver a trabalhar com um telemóvel com câmara, esteja ciente de que o zoom através da aplicação da câmara irá degradar a qualidade da imagem. Então não faça isso. Se precisar de um close up. Há tantas opções lá fora. Mas a verdade é que você pode fazer um filme com apenas uma única lente se você estiver tão inclinado. Idealmente, eu recomendo fotografar com três tipos diferentes de lentes, uma lente de grande ângulo, uma lente de médio alcance e uma lente teleobjetiva. Se você está preso a dinheiro e você precisa cortar algo que a teleobjetiva seria a primeira lente que eu cortaria porque eu normalmente uso a menor quantidade. Aqui está um exemplo de como esses três tipos de lentes diferentes se parecem. Agora, eu não movi a câmera em nenhum desses exemplos, tudo que eu fiz foi manter a câmera no mesmo lugar e trocar as lentes. Nem todas as lentes são criadas iguais, mas na minha experiência, as lentes de cinema primárias sempre me deram meus resultados favoritos. Uma lente primária não amplia nem diminui. Ele só tem um único conjunto de distância focal. E por causa disso, é tipicamente uma qualidade superior porque não tem que oferecer essa diversidade. takeaways sempre usam 24 quadros por segundo para uma taxa de quadros. Câmeras com lentes destacáveis são superiores àquelas que não são. E minha idéia LensKit teria três distâncias focais diferentes, uma ampla, uma média e uma telefoto. 10. Noções básicas de gravação e composição: Na minha aula de pré-produção, ajudei você a criar sua lista de fotos. Então eu vou assumir que você já fez isso. Se não o fez, sabe onde olhar naquela aula, faço uma cena de um dos meus filmes e disseco todas as cenas diferentes que usei para montar aquela cena. Agora eu gostaria de focar brevemente no enquadramento e composição. Agora, semelhante à minha seção de atuação, eu provavelmente poderia ensinar uma aula inteira sobre como direcionar a câmera. Mas para o bem desta aula, vou deixar para algumas dicas de alto nível. Claro, eles são realmente infinitas opções ao configurar um tiro, mas bom enquadramento não é apenas sobre encontrar o ângulo mais bonito. Você precisa pensar sobre o quadro geral e como essas fotos realmente se encaixam uma vez reunidas na baía de edição. Como exemplo, vou fazer uma cena para o meu curta-metragem, A última confissão para ilustrar alguns pontos. Desculpe m comprimento. O tráfego na frente livro nesta época do ano, quando tenta pacientes de um site ou um pai aparece, Eu não morri ainda. Aqui é muito Duncan. Devo abrir as cortinas? Está uma linda tarde de inverno lá. Obrigado. Pelo menos deixe-me abrir a janela. É terrivelmente abafado. Quer que eu pegue minha mesa de código? Se você é gostosa, tire o casaco. Eu gravei este filme de uma maneira muito clássica. Eu me concentrei no desempenho e só movi a câmera quando absolutamente necessário. Que não só funciona dentro do estilo do drama de época, mas também torna a produção extremamente econômica. Em vez de me concentrar em uma infinidade de fotos, trabalhei com meu diretor de fotografia para aperfeiçoar um pequeno punhado de fotos e mantive o quadro interessante com as performances. Observe como os caracteres estão em lados opostos do quadro. O padre ocupa o lado esquerdo da moldura e o homem na cama ocupa a direita. Mantendo isso consistente durante todo o filme, mesmo quando você troca de fotos subliminarmente dá ao público e compreensão do espaço semelhante a assistir atores no palco, os olhos do público saltam para frente e para trás entre os personagens como eles têm uma conversa da esquerda para a direita. Claro, isso parece incrivelmente simples e básico, mas você ficaria surpreso com quantos cineastas de micro orçamento são. cineastas da primeira vez não prestam atenção a essas regras. público é usado para transmitir filmes usando a mesma técnica. Então, se você não usá-lo, é muito provável que o público vai pegar isso subconscientemente, mesmo que eles não entendam o porquê, eles vão começar a sentir como se estivessem assistindo um filme amador em vez de um filme profissional. Claro, você nem sempre tem que seguir essa regra. Você pode usar o enquadramento central, por exemplo, onde os caracteres estão sempre no centro do quadro. E isso geralmente fornece um olhar mais humorístico que você encontraria em algo como um filme de Wes Anderson. Depois de entender como o público processa informações visuais, você pode começar a quebrar algumas dessas regras e se divertir um pouco, desde que tenha um motivo para isso. Mas a orientação de caracteres esquerda e direita para cenas de diálogo é uma ferramenta simples e eficaz para começar. Agora vou partilhar dois truques simples que podem ajudar-te a enquadrar. A primeira é a regra dos terços. Pense no quadro da câmera como uma série de nove caixas, uma grade como essa. Agora esta grade tem quatro linhas que se cruzam em quatro áreas diferentes. Esses cruzamentos, ou seus pontos doces para a ação. Pense em colocar os olhos do seu personagem, boca, etc., nessas seções transversais do quadro. Normalmente, isso resulta em tiros mais interessantes. Agora há muitos vídeos por aí sobre a regra dos terços. E eu encorajo você a mergulhar fundo em alguns desses outros vídeos se você quiser saber mais. Mas para os propósitos desta aula, era mais apenas uma técnica que eu queria que você soubesse. A segunda coisa é aquela regra de 180 graus. Lembre-se de quando eu estava falando sobre manter os personagens consistentemente no lado do quadro, mesmo que o shan não mude. Bem, uma maneira fácil de fazer isso é seguindo a regra de 180 graus. Imagine que há uma linha traçada no chão entre seus dois sujeitos. Se você sempre manter sua câmera colocada em um lado dessa linha, é mais provável que siga essa regra. Novamente, eu recomendo que você vá assistir a uma aula completa dedicada à regra de 180 graus. E algumas dessas aulas até darão ideias criativas para quando e como quebrar essa regra de forma eficaz. Além disso, se você está procurando alguma recomendação de livro, os cinco C de cinematografia é um grande livro que eu li ao estudar cinema. Sendo americano, decidi não ir para a escola de cinema agora porque não achava que não aprenderia nada lá, mas porque não queria passar o resto da minha vida em dívidas estudantis. Então o que eu fiz foi fazer pesquisas sobre quais escolas de cinema estamos ensinando como parte de seu currículo. E eu fui e comprei alguns desses livros. Eu mesmo li esses livros e comecei a entender alguns desses conceitos básicos. Então essa é uma maneira econômica de dar a si mesmo a experiência semi escola de cinema. Uma coisa que sinto que perdi por não ir para a escola de cinema foi mais as conexões de outras pessoas da indústria que conheci. No entanto, há muitas maneiras interessantes de se conectar com a comunidade criativa. De festivais de cinema, clubes de cinema, a uma série de coisas que muitas das principais cidades ao redor do mundo oferecem. Eu acho que o importante é ser um estudante ao longo da vida e sempre progredir e crescer sempre. Mesmo se você sabe muito, você sempre pode saber mais. Mas eu não tenho que pregar para o coro aqui porque você está aqui fazendo a aula. Então, minhas escolhas são a regra dos terços, a regra dos 180 graus. Assuma o comando da sua própria educação. 11. A psicologia de escolhas de câmera: Agora eu gostaria de mostrar alguns clipes de alguns de meus filmes para que eu possa ilustrar como certas escolhas de câmera podem afetar o estado psicológico do seu público. Agora, muitas das coisas que estou prestes a ilustrar vão parecer muito simples e, portanto, muito fáceis de roubar. Mas recomendo que roube tudo isso que acha que seria útil no seu próprio filme? Eu fiz. Estas são todas as técnicas que eu roubei de cineastas anteriores antes de mim. E eles trabalharam muito bem para mim. Rouba como um artista. Ouvi dizer que são passageiros temporários nesta nave espacial. A natureza continuará a se recuperar sem um soft.com. Pretendo ser uma boa conta de ativos. Um que não instala um navio de caça fazendo com que ele se infiltre. Chega de aplicativos, esta linha do tempo, vida e vida na cidade. Mas este tiro termina como parte da montagem, que você vai filmar fundamentalmente diferente de uma cena de diálogo como o exemplo anterior. Como é uma montagem, não há necessidade de continuidade ou seguir a regra de 80 graus. São apenas um monte de tiros aleatórios para mostrar a passagem do tempo e construir caráter. Isso, claro, nos libera para ser muito mais brincalhão em termos de enquadramento e, em particular, com o movimento da câmera. Muitos dos tiros nesta sequência são o que eu chamaria de tiros especiais. Então fotos que eu não priorizaria no início do meu dia de filmagem porque se a agenda ficasse apertada, há maneiras mais rápidas e fáceis de contar a história dentro dessas fotos. Os tiros Gimbal ou vistoso, mas mais do que isso, esses tiros contam uma história. Então, lembre-se da história primeiro. Acredito que o movimento da câmera deve ser sempre motivado. Então, para mim, minha foto padrão é sempre um tiro fixo, e eu só escolho mover a câmera se eu acho que eu preciso fazer isso para fins emocionais ou narrativos, o tiro que eu gostaria de apontar na sequência é o tiro de Gimbal que gira em torno do personagem principal. O movimento do tiro realmente mergulha o público no mundo do personagem. Vemos sua reação a viver como um eremita na natureza, que ele está satisfeito com esta vida. E então revelamos a natureza que ele está admirando. Imediatamente, somos empurrados para a dura justaposição da vida da cidade, o personagem outrora liderado. É o contraste destes dois tiros que o torna uma transição psicológica tão poderosa. No primeiro tiro você tem a beleza eo movimento suave não dimensão, a bela pontuação. E no próximo tiro, é de mão e agitado. E há um som terrível. O movimento da câmera tem um efeito psicológico no público. Por isso, antes de optar por mover uma câmara, certifique-se de que compreende os efeitos psicológicos que esse movimento terá no seu público. E é o efeito psicológico que você quer que eles tenham como cineasta de micro orçamento que pode precisar cortar cantos, não mova a câmera se você não precisar. Aqui está outro clipe do mesmo filme, Samaritano, e espero que se traduza quando tirado do contexto. Às vezes, a falta de movimento cria tensão para esta cena, que é sobre um personagem saindo de casa. Eu queria manter o público na borda de seu assento sobre se ele seria pego ou não no que é de outra forma, Eu sou relativamente rápido filme ritmo. Esta é a única sequência em toda a cena é um tiro que dura quase dois minutos. A escolha de tocar a cena dessa forma constrói ansiedade dentro do público. Eles querem o corte Cambriano. Eles querem tempo para ir mais rápido. Eles estão nervosos para o personagem e gostam dele. Eles querem escapar da sala por não fornecer-lhes essa fuga, você estava construindo tensão dentro daquela audiência. Aqui está um terceiro exemplo entre todo esse horror, ele insinuou. Um ato redentor. Conte-me sobre isso. Foi setembro de 1944. Prisioneiros da Hungria tinham sido trazidos aqui como sempre, prisioneiros, mas escolas para a mudança de quartos, eles não endereçado preparação de uma quebra e D Laozi quer que a câmara foi selada. Isso seria introduzido. Quanto tempo demorou? 20 minutos até o grito da tela desaparecer. Maridos tremendo ou sem esposas, mães em pé em cima de que as crianças fazem em um emaranhado de comandos, pirâmide confusa de tronco de membros. E esta manhã de setembro começou diferente. vez, esta é uma cena muito simples. O que mantém interessante são os efeitos sonoros e o desempenho é, você notou o zoom lento e quase imperceptível em? Isso realmente ajuda a atrair públicos. Diz-lhes que isto é algo em que precisam prestar atenção. Isto é importante. Eu queria manter o público no limite de seus lugares. Então, ao invés de esperar que eles se inclinassem mais perto, eu escolhi trazer o personagem mais perto deles, ampliando sutilmente. Também notei os tiros de reação. Essas fotos, sobre as quais falarei mais na minha aula de pós-produção, realmente ajudaram a dizer ao público como eles devem se sentir sobre a cena que estão assistindo. Dá-lhes um ponto de referência para se relacionarem quando o personagem está falando sobre algo que é claramente horrível. É como quando alguém começa a rir em uma sala de cinema, repente outras pessoas sabem que não há problema em rir da fila. E agora, aqui está um quarto exemplo. Agora esta cena é de um filme meu, então ainda é um pouco áspero em torno das bordas. Não houve gradação de cores na cena e o som não foi misturado corretamente. Mas quero te mostrar o que estou fazendo aqui. Ei, eu sei de qualquer maneira, ok, bem, eu ia comer um pouco e pensei, bem, talvez pudéssemos. Gates e muito cansado, então vou clicar nele. E pensei que podíamos passar pela apresentação. Você sabe, na entrevista você parece ter dificuldade para atender a este treinamento. Você faz. Sr. promoção? Por que eu acho que eu estava acima de você ou algo assim? Bom? Isso é sim. Nós não encontramos ou a vida noturna indica que o que você precisa é de um homem real parado na sua frente e lavando pratos. Esta cena é sobre uma invasão de espaço pessoal. Eu segui as regras tradicionais de enquadramento? Bem, sim e não, os personagens começam mantendo os lados de seus quadros. Mas como o personagem masculino invade agressivamente o espaço das personagens femininas, eu também o faço invadir o quadro. Ele está invadindo o espaço do público e deixando o campo do público tão desconfortável quanto ele está fazendo o campo da heroína. Este é um exemplo de como você pode quebrar o enquadramento e regras por uma razão narrativa psicológica muito específica. Então, minhas coisas são, sempre mover a câmera com motivação, motivação emocional ou narrativa. Entenda o efeito psicológico que o enquadramento e o movimento da câmera terão. Conheça as regras antes de quebrar as regras. E não quebre as regras sem saber porquê. 12. Oar diretor: Capturas de foco automático, problemas de continuidade , etc., e como todas essas coisas são erros. Mas a verdade é todos esses erros são coisas que a maioria dos membros do público vai perdoar ou nem mesmo notar em comparação com erros de som que são excepcionalmente imperdoáveis na mente de até mesmo audiências amadoras. Diálogos bem capturados, misturados profissionalmente com efeitos sonoros, atmosfera e música podem transformar um filme corajoso barato em um filme de classe mundial. Dito isto, você não deve delegar som a apenas um colega de quarto que quer se envolver em seu filme, mas não sabe o que eles estão fazendo. Capturar som é uma forma de arte e quando é feito direito, é uma dádiva absoluta na pós-produção. Às vezes, eu tive que filmar meus próprios filmes quando eu tinha limitações orçamentárias e não podia contratar um diretor de fotografia. Mas a única coisa que eu nunca conseguia contornar era um bom tipo de som. Embora eu aprecie um ótimo som, eu sei que capturar som e editar som não é minha tag quatro. Não é minha habilidade. Então eu não vou fingir que te ensinei algo que eu realmente não me sinto qualificado para fazer isso. Mas como diretor, é absolutamente fundamental que você entenda o que procurar em uma boa pessoa com som para garantir que ela esteja fazendo seu trabalho e entregando o som que você precisa para o seu filme. Aqui estão algumas coisas que você deve certificar-se de que sua pessoa sonora está fazendo. Obviamente, deve ser escusado dizer que você precisa de um microfone adequado. Não use o microfone na própria câmera. Uma boa gravação de som usará um boom suspenso, um microfone de amor ligado a atores, e talvez até microfones adicionais colocados em torno de diferentes áreas da sala para capturar várias camadas de áudio para a cena para que possa ser misturado corretamente. O microfone está a aproximar-se o mais possível do assunto, está a gravar. O microfone da lança deve estar apenas fora do quadro e seu ângulo deve ser diretamente apontado para a ação ou a boca dos sujeitos. Se capturar diálogo, você deseja gravar o início de som natural da mais alta qualidade possível para evitar algo chamado ADR. Adr é quando você entra em um estúdio depois que o filme é feito e pede aos atores para sincronizar labial com sua performance. É uma coisa muito difícil de acertar, e normalmente faz o desempenho, parecia muito falso. Além disso, certifique-se de que o gravador de som capta algo chamado tom de sala. Kelvin, três segundos. tom do quarto é o som do silêncio na atmosfera particular que você estava filmando. Mas nunca é realmente silencioso. É o pequeno zumbido do aparelho, a natureza, os pássaros, o vento, etc. São os sons sutis de baixo volume que estão sempre presentes no fundo. Então, o takeaway é, aproximar os microfones. Use vários microfones e capture o tom da sala. 13. Pace do dia: Se você fosse embora com um único conselho, seria isso. Aperfeiçoando. Um único tiro nunca é tão importante como sair com uma série de fotos viáveis para juntar a sua cena. No final do seu dia de filmagem, você quer ser capaz de andar deslocado com confiança que você tem tudo filmado na lata que você vai precisar para montar sua cena. Se eu aprendi uma coisa sobre pós-produção é que muitas vezes suas fotos favoritas são aquelas que acabam no chão da sala de corte. Por quê? Porque ao criar esses tiros muitas vezes estamos focados em torná-los chamativos para que possamos ter algo legal para nossos diretores real, talvez seja um tiro de gimble ou talvez um tiro de drone. Mas nesses casos, é muito menos provável que você se concentre em avançar com sua história. Você está mais apenas dando uma textura para impressionar. E quando algo precisa ir à loja, ele não vai. O tiro desnecessário do drone vai acabar. Se conseguires espremer uma grande tacada de boneca ao mesmo tempo, então teremos mais poder para ti. Mas muitas vezes esses tiros acabam sendo não-essenciais e eles levam muito mais tempo para configurar que se você se concentrar neles, você poderia muito facilmente ficar para trás em seu ritmo do dia e você não poderia sair com os tiros essenciais que você Preciso contar a sua história. Certo, então a primeira foto do dia normalmente leva mais tempo. Leva muito tempo para configurar. E normalmente começo o dia um pouco atrasado, mas não se preocupe. Faço as pazes quando começo a entrar no fluxo do dia, tipicamente, quando você pausa para o almoço, você está quebrando esse fluxo. Então, quando você voltar do almoço, haverá um pouco de rsrs. Então é por isso que eu sempre tento embalar a maior quantidade de tiros que eu posso antes do almoço e tornar a minha tarde um pouco mais fácil para mim mesmo em termos da quantidade de tiros que eu estou tentando capturar. Além disso, uma das coisas que mais economizam tempo que você pode fazer é já pensar sobre como a cena vai ser editada juntos mesmo antes de filmá-la. Muitas vezes, diretores de primeira vez ou amadores não sabem como eles realmente vão juntar a costura. Então eles filmam um monte de material que acaba no chão da sala de corte. Eles podem começar a filmar toda a cena quando eles só precisam dos primeiros cinco segundos da cena de largura para estabelecer o espaço. É micro orçamento cinema, é provável que você seja o editor. Assim, você pode economizar muito tempo se você visualizar a edição antes das filmagens e apenas filmar as fotos, você sabe, você vai usar. Se você não sabe como estruturar uma cena com a edição, então o momento para aprender essa habilidade é agora antes do seu início. Analise como outros filmes cortaram cenas juntas e usam suas estruturas como um modelo. Depois de entender os fundamentos da edição, você pode criar suas próprias estruturas e quebrar essas regras. Outra ferramenta de economia de tempo para ajudar com o ritmo do dia é a de tiro não-linear. O que quero dizer com isso é que alguns diretores filmam uma cena exatamente como eles imaginam. Se eles sabem que querem começar com um tiro largo do lado esquerdo da sala. Eles vão pegar essa foto e então eles vão passar para o próximo tiro, que é um meio do lado direito da sala. E então eles sabem que querem ver de perto o outro personagem. Então será filmado do lado esquerdo da sala e, em seguida, continuar saltando para frente e para trás como eles vêem a cena acontecendo em sua cabeça. O que você está tentando fazer é minimizar configurações de câmera e configurações de iluminação. Toda vez que você tem que mover a câmera e mover as luzes, vai custar tempo. Então atire em tudo o que puder de um lado da sala. Mesmo que isso signifique sair de ordem no roteiro, isso pode significar que você está pedindo a seus atores para pular uma parte da cena, talvez filmado a abertura, pular algumas linhas do final da cena. E desde que tenha feito seu ensaio, atores profissionais sabem como fazer isso. Eles sabem onde seus arcos estão dentro da cena e eles podem entrar e sair dessas emoções conforme necessário. Tudo bem, então minhas coisas são priorizadas. história essencial sobre tiros de truque chamativos. Reserve tiros não essenciais para o final do dia no caso de você ficar atrasado e precisar cortar sua lista, planeje sua primeira foto do dia para demorar mais, espere um Lowell depois do almoço e economize tempo começar entendendo como você planeja editar o filme antes de filmá-lo. E fotografando tudo de um lado da sala antes de seguir em frente, mesmo que isso signifique atirar fora de ordem. 14. Atmosfera no conjunto: Há muito tempo é aceito na indústria cinematográfica que o início da atmosfera é muito estressante. Mas estou aqui para te dizer que não tem de ser. Se você puder promover um início de ambiente que seja acelerado, produtivo, positivo, encorajador e divertido, então os colaboradores se apegarão a você. Começando, é provável que você esteja fazendo um monte de trabalho com um monte de pessoas que estão trabalhando de graça ou barato simplesmente para construir seus portfólios. Então, se você não é agradável para trabalhar com você, você não vai fazer com que essas pessoas voltem a trabalhar em seus projetos. E o que eu descobri é tipicamente quando chega a hora de conseguir um show pagador, seu portal para esse show pagador é através dos relacionamentos que você promove início durante a construção de portfólio. E se não for agradável trabalhar com você quando o ganho de pagamento chegar, você não vai receber a ligação. Como diretor, você é responsável por definir o tom no set. Alguns diretores escolhem tocar música entre as tomadas para que todos estejam se divertindo e possam relaxar. Outros diretores escolhem ficar muito, muito focados e garantir que todos não estejam distraídos para que possam ficar na zona. As decisões realmente depende de você, independentemente da sua abordagem, um elemento importante é a confiança na direção. Sempre exalam início de confiança, independentemente se você se sentir confiante internamente ou não. Não há nada pior do que uma equipe que pode sentir o cheiro de que seu diretor não tem uma visão. Na ausência dessa visão, embora provavelmente comece a ultrapassar com mais sugestões. É provável que haja mais jogadas de poder. Os membros da tripulação podem tentar ser o diretor que você não é, e eles podem bater cabeças e toda a produção pode rapidamente espiral a hierarquia criativa com um diretor em cima está lá por uma razão. E é provavelmente com uma produção de micro orçamento que você também será o produtor. A indústria. Muitas vezes o produtor é a hierarquia absoluta, embora o diretor tenha o controle criativo sobre o projeto. Isso não quer dizer não aceite sugestões, apenas esteja preparado para liderar, tenha um plano. E quando seu plano não estiver funcionando, confie no plano para o qual você muda, vez de deixar que a insegurança separe o ano inteiro do dia da filmagem. Outro aspecto importante para manter uma boa atmosfera no set é equilibrar pausas enquanto sob restrições apertadas quando as paixões são altas e as pessoas estão animadas para trabalhar em um projeto criativo, é comum que as pessoas esqueçam comida. Se dependesse de mim num dia de filmagem, provavelmente não comeria nada. Anteriormente. Mencionei duas das três áreas que foram as mais importantes a priorizar em termos de orçamento. Som de atores. E agora vou adicionar uma terceira comida. Se você estava puxando favores com as taxas das pessoas, você não pode economizar em seu orçamento de alimentos. Uma boa comida faz com que o elenco e a equipe se sintam muito apreciados por seu trabalho muito duro. E eu não estou falando apenas de refeições, eu estou falando sobre ter lanches disponíveis e bebidas começar também. Idealmente, seria ótimo se você conseguisse que alguém concentrasse apenas na comida para que você possa se concentrar, nas coisas criativas, mas nem sempre é o caso. Há muitas vezes que eu filmei o dia inteiro e em seguida, cozinhar o jantar macarrão para todo mundo quer atirar dia foi feito. Tens de fazer o que tens de fazer. Então, minha comida para este aqui é simples. É só ser centrado no outro, não um egomaníaco. 15. Back suas fotos... AGORA!: Tudo bem, então eu edito todos os meus próprios filmes e na minha próxima parte da aula da série de micro orçamento, eu vou ensiná-los sobre o meu processo de edição. Então, a coisa que você precisa para editar um filme é claro, sua filmagem. Dependendo de como você está capturando filmagens, provavelmente é uma boa idéia agendar várias pausas ao longo do dia para transferir essa gravação para vários discos rígidos para garantir que você está fazendo backup e que você não perde nada. Um grande conjunto de Hollywood, há uma pessoa cujo único trabalho é ser um lutador de dados e transferir filmagens para discos rígidos. Agora, em um conjunto de micro orçamento, isso vai ser você mesmo ou talvez você seja DOP. Se você tiver espaço suficiente para capturar todas as filmagens em talvez um cartão SD ou qualquer coisa que você está filmando sem ter que fazer despejos durante o dia. Certifique-se sempre de que você está despejando imagens no final do dia. A última coisa que você quer fazer é se sentir confiante no cartão SD e, em seguida, esquecer isso. E quando você vai editar seu filme, você percebe que algo aconteceu com ele. Já perdi filmagens de vez em quando, e não é uma boa posição para estar. Transfira as imagens para o disco rígido imediatamente e faça sempre uma cópia de segurança das imagens num segundo disco rígido e, em seguida, envie o segundo disco rígido para casa com outra pessoa. Então eles não são armazenados no mesmo lugar. Também não seja preguiçoso em transferir áudio para os mesmos discos rígidos. A transferência de imagens pode levar horas às vezes, mas o áudio leva uma questão de minutos. Portanto, certifique-se sempre de que todas as suas peças estão no disco rígido para separar discos rígidos, lugares separados. 16. Conclusão: Obrigado por assistir. Eu realmente espero que você tenha achado esta aula útil quando se trata de cinema. Você poderia continuar e continuar porque é um processo tão complexo. Mas espero que meu processo único seja pelo menos uma visão geral suficiente para começar e inspirá-lo a sair e fazer seu filme, independentemente dos recursos limitados que você tem. Uma vez que minha série de orçamento de cinco partes está disponível on-line, eu provavelmente vou começar a criar mais classes que mergulham em certas minúcias de produção. Então fique de olho neles. Se você achou esta classe útil, considere escrever um comentário para que outros possam encontrá-la. E eu prometi não demorar muito antes de criar minha próxima parte da série e colocar isso online, que vai ser na pós-produção. Então, se você está assistindo essa aula e já faz alguns meses desde que eu a publiquei pela primeira vez. Você pode querer dar uma olhada naquela classe, pode estar disponível. Agora, se não, está chegando em breve. Obrigado por assistir.