Arte de Zentangle: desenhe seus próprios padrões exclusivos e meditativos

1. Olá!: Você já percebeu que tudo ao nosso redor está cheio de formas e padrões? Quer vejamos a arquitetura gloriosa de monumentos ou roupas desenvolvidas por designers de moda ou simplesmente elementos da natureza. Podemos ver formas e padrões de inspiração literalmente em todos os lugares. Obviamente, não é segredo que todos os artistas são inspirados pelo que veem ao seu redor e estão sempre procurando maneiras criativas de incluir sua inspiração em sua prática artística. Nesta aula, é exatamente isso que faremos com uma abordagem muito atenta, atenta e fácil. Olá a todos e bem-vindos a esta aula. Meu nome é Ridhi e sou cineasta e artista multidisciplinar da Índia. Adoro trabalhar com padrões, o que provavelmente explica meu amor pelo método artístico Zentangle e o fato de eu ser professora certificada como Zentangle. Esta aula é uma continuação minha aula anterior aqui no Skillshare, que é um guia para iniciantes do Método Zentangle e apresenta a terminologia e a estrutura essencial do Zentangle. Se você se deparou com essa aula atual sem ter visto a anterior, então eu recomendo que você volte e assista a essa aula primeiro para ajudá-lo a se familiarizar com o que exatamente é o Zentangle. Não se preocupe, é rápido, você aprenderá o básico em pouco tempo. Se você já viu essa aula, bem, então bem-vindo a esta próxima etapa de sua bela aventura, onde prometo que vou fazer você se apaixonar por padrões, com certeza. Essa aula é perfeita para designers e ilustradores de padrões de superfície que desejam adicionar novos designs ao seu portfólio. Também é uma ótima aula para entusiastas do Zentangle ou do Zen-Doodle que desejam aprimorar seus desenhos. Você pode até ser um iniciante ou um amador que quer experimentar novos estilos ou mídias, e você pode ser um artista ou ilustrador digital em busca de novas ideias para incluir em seu trabalho. A melhor parte é que você não precisa de nenhuma habilidade prévia de desenho ou arte para fazer esta aula. Mas, como eu disse, é recomendável assistir primeiro à aula para iniciantes apenas para se familiarizar com algumas das terminologias que eu uso. Agora, em termos da estrutura da aula, vamos começar com alguns exercícios de aquecimento para melhorar nossos traços e, depois disso, aprenderemos como identificar as formas ao nosso redor. Em seguida, aprenderemos como converter essas formas em padrões ou motivos , também conhecidos como emaranhados no Método Zentangle. A partir daí, passaremos a aprender sobre realçadores de emaranhados, que são basicamente técnicas para embelezar ou aprimorar um motivo existente. Em seguida, passaremos a trabalhar com estruturas emaranhadas e emaranhados. Por fim, trabalharemos em um projeto para aplicar tudo o que praticamos e aprendemos na aula. Agora, uma das razões pelas quais estou reunindo muitas informações nesta aula é por causa de todo o feedback que recebi de meus alunos ao longo dos anos. Meus alunos sempre dizem que, quando acessam a Internet, encontram uma infinidade de ideias de padrões e emaranhados para se inspirar. Então, eles realmente acham muito fácil replicar essas ideias quando estão praticando. Mas quando se trata de desenvolver suas próprias obras de arte originais e exclusivas do zero, eles parecem um pouco presos, um problema muito comum enfrentado pela maioria dos artistas, não acha? Bem, todo mundo quer desenvolver padrões que nunca foram vistos antes ou padrões que sejam únicos e realmente reflitam seu próprio estilo individual. Basicamente, estamos procurando maneiras de desenvolver arte sem precisar depender de nenhuma diretriz ou estrutura. Isso geralmente vem com essa habilidade, habilidade e confiança para desenvolver seus próprios designs exclusivos. Quero ter certeza de fornecer todas essas ferramentas e técnicas para que fornecer todas essas ferramentas você desenvolva essas habilidades com confiança. É disso que trata toda essa aula, e estou muito feliz em compartilhar todo o meu conhecimento com você. Vamos mergulhar e começar a criar alguns padrões legais. Te vejo em breve. 2. Materiais: Antes de entrarmos no processo de desenho real, eu queria mostrar rapidamente todos os materiais que você pode usar nesta aula. Em primeiro lugar, precisaremos de algumas fichas práticas. Agora, isso pode ser um caderno de desenho de boa qualidade que você provavelmente já está usando para sua prática diária de desenho ou pode ser algo tão básico quanto papel de cópia. Isso é só para praticar. Qualquer coisa que seja acessível e facilmente disponível para você funcionará perfeitamente. Em seguida, precisamos de canetas de desenho, que às vezes também estão disponíveis em lojas de arte com nomes como forros finos ou canetas técnicas. Eu geralmente uso essas canetas Sakura Pigma Micron que vêm em vários tamanhos de ponta. Os tamanhos das pontas ajudam a indicar a espessura das canetas. Sakura Micron geralmente tem números escritos nele, como 01, 02 e assim por diante. Olhando os números, você pode descobrir facilmente a espessura e, na verdade, ela menciona a espessura no próprio corpo da caneta. Agora, você pode comprar essas canetas em pacotes ou também perdê-las individualmente, ou também perdê-las individualmente dependendo da marca que está comprando. Se você está apenas começando sua jornada de desenho , não precisa comprar um pacote inteiro para si mesmo. Você pode simplesmente comprar alguns deles em dois ou três tamanhos de ponta diferentes, e isso deve ser totalmente bom. Se você não tem essa marca específica disponível em sua loja de arte, ou se simplesmente prefere trabalhar com outra marca, tudo bem também. Basicamente, estamos apenas procurando canetas de desenho de boa qualidade. Portanto, qualquer marca local que esteja facilmente disponível para você que seja acessível é totalmente adequada para fazer esse curso. Em seguida, precisamos de uma superfície para seu desenho final, que também será seu projeto de aula. Aqueles de vocês que estão familiarizados com método Zentangle sabem que geralmente desenhamos nesses ladrilhos Zentangle quadrados de 3,5 polegadas. Mas para essa aula em particular, eu realmente quero incentivá-lo a tentar algo maior. Então, no meu caso, vou usar esse papel de mídia mista de 15 centímetros por 15 centímetros quadrados, que tem aproximadamente seis polegadas de largura e seis polegadas de altura, mas você não precisa trabalhar no mesmo tamanho que eu. Você pode trabalhar com oito polegadas ou 10 polegadas ou qualquer tamanho o qual você realmente goste de trabalhar ou com algo com o qual se sinta mais confortável. Na verdade, nem mesmo necessariamente você precisa trabalhar apenas em um formato quadrado. Eu simplesmente prefiro trabalhar em um formato quadrado, é por isso que a maioria dos meus desenhos e cadernos de desenho são todos quadrados. Mas você também pode trabalhar em forma de retângulo no modo retrato ou paisagem horizontal, o que quiser. Portanto, sinta-se à vontade para experimentar tamanhos e formatos de papel, dependendo do seu nível de conforto. Quero mencionar rapidamente que a espessura do papel é importante quando você trabalha com várias camadas de tinta e grafite. Para essa classe em particular, eu recomendaria papel em qualquer lugar além de 160 GSM. Portanto, o mínimo 160 GSM e você pode usar o quanto quiser e, de preferência, tentar trabalhar com algo que seja prensado a quente ou que seja uma superfície lisa para que, ao trabalhar com várias camadas de grafite e tinta, você possa realmente ter sua caneta e lápis deslizando suavemente sobre a superfície. Basicamente, tente procurar um papel liso, de peso médio a pesado, que possa assumir várias camadas de grafite e tinta. Claro que agora isso nos leva à nossa próxima ferramenta, que será um lápis de grafite. A marca Zentangle ou os lápis de grafite geralmente são feitos com chumbo HB. Se por acaso você não tem isso na sua área, tudo bem. Você pode usar qualquer lápis com um chumbo HB de qualquer boa marca. Na verdade, você também pode usar lápis de chumbo 2B ou 4B. Mas eu não recomendaria ir mais do que isso se você for iniciante, porque então fica um pouco complicado controlar os lápis. Se você não tem muita experiência trabalhar com grafite , usar lápis entre as faixas HB e 4B funciona muito bem. Agora, também precisaremos de um tortillon, que é basicamente uma pequena ferramenta de papel enrolado com uma bela parte superior pontiaguda para entrar nos cantos finos do desenho quando você está realmente misturando o grafite e fazendo o sombreamento. Como alternativa, você também pode usar tocos de mistura, que estão facilmente disponíveis em uma loja de materiais de arte. Agora, como todos vocês provavelmente sabem da aula de introdução, que não há uso de uma borracha no método Zentangle. Isso ocorre porque a arte Zentangle segue a filosofia de não cometer erros. Assim como nossa vida não tem borracha ou botão de exclusão, também não temos uma borracha no conjunto de ferramentas Zentangle, nossos chamados erros ou traços não intencionais no papel são simplesmente uma oportunidade para fazermos novas descobertas. No entanto, nesta aula em particular, quero ajudá-lo a aumentar o nível de seu desenho desenvolvendo seus próprios padrões individuais exclusivos. Como você não trabalhará com padrões preexistentes e vai criar e experimentar muito, faz sentido ter uma borracha com você para essa aula em particular. Isso ajudará você a ajustar e aperfeiçoar todos os padrões que você vai experimentar. Sua obra de arte ficará muito mais polida e finalizada com biocidas de borracha. Definitivamente, recomendo manter um para esta aula. Isso é tudo para todos os suprimentos. Agora estamos prontos para mergulhar profundamente no mundo dos padrões. 3. Componentes de emaranhamento: Logo de cara, vamos começar fazendo uma rápida recapitulação do que exatamente é um emaranhado. Na terminologia zentangle, a palavra emaranhado é usada para descrever os padrões que desenhamos. Esses emaranhados têm uma sequência predefinida dos traços elementares que são então repetidos para preencher as seções do bloco criadas pela corda. Agora, essa é, obviamente, a explicação para a palavra emaranhado, conforme ela aparece no vocabulário do método zentangle. Mas, para ser honesto, para todos os efeitos, essa definição realmente se adapta perfeitamente a padrões ou motivos de todos os tipos que nós, como artistas, desenhamos, não necessariamente aqueles que seguem apenas o método zentangle. Agora, para que possamos nos tornar melhores em desenhar esses padrões ou emaranhados, devemos nos concentrar em cinco componentes cruciais. A primeira é a prática do traçado, que basicamente significa focar em desenhar traços nítidos e confiantes que façam com que nossos padrões pareçam polidos e profissionais. Então, precisamos de ideias de formas, que são basicamente a base de qualquer padrão ou motivo que queremos desenhar. Em terceiro lugar, precisamos de realçadores de emaranhados, que são basicamente formas de embelezar ou aprimorar uma determinada forma. Depois, precisamos de estruturas emaranhadas ou padronizadas, que nos ajudem a identificar qual é a melhor disposição das formas que desenvolvemos e como fazer com que um padrão ou motivo tenha a melhor aparência possível. Finalmente, precisamos de emaranhamentos, que são basicamente variações de um emaranhado que desenvolvemos. Vamos nos aprofundar em cada um desses componentes, um por um, e o primeiro é a prática de AVC. 4. Prática de acidente vascular cerebral: Você se lembra de todos aqueles livros de prática de caligrafia que costumávamos ter quando crianças, especialmente aqueles de caligrafia cursiva? Bem, todos eles foram projetados com o pensamento fundamental de que quanto mais praticamos cada golpe, mais confiantes nos tornamos ao escrever essas cartas. O mesmo princípio também se aplica ao desenho. Uma das primeiras aulas de desenho que experimentamos quando crianças é desenhar linhas em pé e linhas para dormir. Antes de passar a desenhar formas como retângulos, quadrados, triângulos, etc. Sejam alfabetos, números ou formas geométricas, tudo o que vemos ao nosso redor é desenhado com traços. No Método Zentangle, esses traços são conhecidos como traços elementares. Eles são I, C, S, O e pontos. Depois de começar a trabalhar com eles, você perceberá que praticamente todos os objetos que vemos ao nosso redor podem ser desenhados usando esses traços elementares. Para que possamos nos tornar melhores no desenho, é vital que pratiquemos esses traços regularmente . Isso é importante por dois motivos. Primeiro, descobriremos com os derrames que enfrentamos e que preciso melhorar. Em segundo lugar, saberemos nossa direção preferida de desenho. Vamos dar um exemplo do eu derrame. O traço I é basicamente uma linha vertical reta. Agora, eu prefiro desenhá-lo para baixo, mas talvez você prefira desenhá-lo para cima. Algumas pessoas têm dificuldade em desenhar linhas verticais, então elas giram o papel e desenham a mesma linha vertical horizontalmente. Novamente, você pode fazer isso da esquerda para a direita ou da direita para a esquerda. Agora, quando eu viro o papel, essas são basicamente linhas verticais para mim, exceto que eu as desenhei um método que era mais confortável para mim. Mas, basicamente, o que quero dizer é que, com este exercício, você poderá descobrir qual é sua direção preferida de desenhar. Existem várias maneiras de praticar seu I stoke. Pense em todas as variações que você pode fazer com isso. Por exemplo, tente desenhar linhas diagonais e, em seguida, faça de outra maneira. Tente fazer algumas linhas em ziguezague. Tente desenhar também alguns triângulos, quadrados e retângulos. Essas atividades podem parecer muito pequenas no momento, mas quanto mais você pratica esses traços, mais confiante e consciente ficará ao trabalhar em motivos e padrões maiores. Você descobrirá seus pontos fortes e fracos e, o mais importante, descobrirá com o que se sente confortável. Por exemplo, percebi por mim mesmo que a maioria das pessoas desenha um quadrado com duas linhas verticais e depois duas linhas horizontais. Mas isso é um pouco desconfortável para mim. Eu prefiro desenhar meus quadrados apenas com linhas horizontais. Eu prefiro mover o papel em vez de mover muito minha mão. Essa é a minha preferência, que percebi quando comecei a fazer esses exercícios práticos regularmente. Eu encorajo você a acompanhar e experimentar esses exercícios práticos por si mesmo e ver com o que você se sente confortável. Agora, vamos tentar o traço C. Podemos escrever Cs encanados, que se parecem muito com semicírculos. Podemos torná-los alongados assim. Podemos revertê-las e tentar criar imagens espelhadas. Então, também podemos brincar com o posicionamento do arco. Por exemplo, se eu fizer um arco gordo na parte superior com uma cauda ligeiramente plana na extremidade, posso criar um coração assim. Então, se eu fizer o oposto, eu posso realmente criar algo como uma forma de lágrima. Este tem uma extremidade superior mais plana com um pouco mais de protuberância na parte inferior. Ovais e círculos são basicamente compostos de traços C. Pratique o traço C de maneiras diferentes para aquecer sua mão e ganhar mais confiança ao desenhar essas lunetas. O traço I é uma extensão do traço C. Porque são basicamente duas formas de C empilhadas uma sobre a outra voltadas para direções opostas, é claro. No entanto, o foco com a forma de S é desenhar linhas contínuas com curvas. Tentamos fazer traços em S curtos e rechonchudos. Em seguida, tentamos fazer os alongados. Então, vamos tentar algumas horizontais também. Em seguida, tente fazer o inverso delas. Então, vamos fazer algumas verticais reversas também. Novamente, fazer tudo isso ajudará você a entender qual direção é mais favorável ao conforto de sua mão. Você também pode tentar criar ondas contínuas como essa. Experimente alguns com curvas muito profundas. Alguns que não são tão dramáticos e acentuados. Basicamente, brinque e fique confortável. Passando para o traço O. que é basicamente a base para círculos, ovais e orbes de todos os tipos. Você deve experimentá-los com certeza para ver se prefere movimentos no sentido horário ou anti-horário. Você também quer observar como você fecha suas esferas. Você não consegue fechá-los? Ou você vai além do ponto de fechamento e realmente corre um pouco mais? Você pode tentar se concentrar um pouco mais, controlar seus movimentos e fazê-los parar no ponto certo? É um pouco de prática, mas você definitivamente chegará lá. Agora experimente algumas esferas ou ovais alongadas. Em seguida, experimente-os horizontalmente também. Experimente também algumas variações diagonais e angulares. Finalmente, vamos tentar fazer alguns pontos. Podemos fazê-los dispersos, ou podemos fazê-los em um agrupamento. Também podemos fazê-los em padrões específicos. Por exemplo, tente fazer uma onda com eles, você também pode tentar fazer os pontos em ordem crescente ou decrescente em termos de tamanho. Isso é algo que você provavelmente já viu muito em muitos padrões intrincados ou nítidos. Basicamente, não pense que os pontos são como uma simples bolha no papel você também pode experimentar muito com a formação deles. Isso encerra nossa prática de AVC. Eu recomendo fortemente que você faça isso regularmente se quiser melhorar suas habilidades de desenho. Acredite, eu faço isso até agora nesta fase da minha carreira, especialmente se eu voltei de longas férias e não desenhei nada há algum tempo. Esses exercícios são uma ótima maneira de aquecer a mão e aumentar a memória muscular para você. Nos dias em que você não tem vontade de desenhar nada, ou nos dias em que se sente menos inspirado e não tem novas ideias para trabalhar, você deve dedicar alguns minutos e, pelo menos fazer esses exercícios práticos de AVC para si mesmo. Dessa forma, você terá sua criatividade fluindo novamente. Você também se sentirá muito menos culpado por não tocar em seu caderno de desenho por algum tempo. Confie em mim nisso. [Risos] Com isso resolvido, vamos passar para nossa próxima aula, onde falaremos sobre ideias de formas. 5. Ideias de forma: coletando inspiração: Sempre que observamos qualquer padrão com cuidado, podemos ver que sempre há uma forma ou uma estrutura nele. Na maioria das vezes, essas formas compõem o contorno do desenho ou do padrão e, em seguida, há outros detalhes dentro dessa forma. Mas a verdade é que, quando nos sentamos para criar padrões do zero, as ideias geralmente nos iludem. Essas formas são ideias de design que não vêm à nossa mente com tanta facilidade e experimentamos um bloqueio mental ou criativo. O que fazemos? Bem, existe uma teoria muito popular entre os profissionais criativos de que você faz todo o seu trabalho criativo, seja a partir da observação ou da imaginação. E adivinha? Quanto mais você observar, mais informações você fornecerá ao seu cérebro para alimentar sua imaginação. Em outras palavras, a observação é o primeiro passo para a maioria dos processos criativos. No contexto dos padrões da aula de hoje, observaremos formas interessantes ao nosso redor e, em seguida, obteremos inspiração criativa para convertê-las em modelos interessantes. Primeiro, vamos restringir a categoria ou gênero de nossa inspiração. Você pode se inspirar na natureza, arquitetura, moda e muito mais. Dentro dessas categorias, você pode simplificar ainda mais sua inspiração. Por exemplo, se você escolheu a natureza como sua categoria de produto , pode restringi-la a apenas pássaros, flores ou padrões encontrados em recifes de coral, etc. Da mesma forma, se você está escolhendo arquitetura como tema principal , pode restringi-la ainda mais à inspiração da arquitetura romana ou moderna, ou mesmo na arquitetura mogol, e assim por diante. Basicamente, queremos criar uma pasta rápida de imagens para nós mesmos, a partir da qual possamos nos inspirar para ideias de formas. Para a aula de hoje, achei que seria divertido e interessante desenvolver padrões a partir de vegetais. Na verdade, é uma boa razão pela qual decidi fazer isso hoje. Isso porque, quando pensamos em criar belos padrões de metadados, as pessoas geralmente não pensam nos vegetais como um recurso de inspiração. Na verdade, quero demonstrar que literalmente qualquer coisa pode ser convertida em um belo modelo, uma vez que você conheça certos truques e técnicas. Em segundo lugar, eu pessoalmente também não trabalhei muito com vegetais sozinha, então, enquanto estou gravando esta aula para todos vocês, também estou me esforçando para escolher de forma criativa e propositada uma área temática que não explorei muito. Você literalmente me verá explorando ideias com você primeira mão e terá uma imagem muito realista do meu processo criativo. Tudo o que acontece na minha cabeça sempre que estou tendo ideias de design, com todos os erros e todas as conexões que vou fazer ao longo do caminho, você terá a imagem mais autêntica de como abordo meu processo criativo de inspiração em design e sinto que essa será a e sinto que essa será a maneira mais autêntica de entregar essa experiência para você. Agora, voltando às nossas imagens de referência, há algumas maneiras pelas quais podemos fazer isso. Você pode acompanhar exatamente as mesmas imagens que escolhi para a aula de hoje, que também incluí em um documento na seção de recursos da aula. Ou você também pode escolher seu próprio conjunto de imagens e trabalhar com elas. Estou trabalhando com vegetais , mas sua fonte de inspiração pode ser arquitetura ou frutas, animais, flores ou qualquer outra coisa que você queira. As etapas que eu mostro usando vegetais como exemplo são aplicáveis a qualquer gênero de inspiração que você escolher para a aula de hoje. Você está definitivamente livre para experimentar aqui. Como eu disse, se você sentir que precisa um pouco mais de força agora, pode seguir exatamente os mesmos passos eu com exatamente as mesmas imagens de referência que eu. A escolha é totalmente sua, dependendo do seu nível de conforto e do seu nível de habilidade. Agora, para as imagens inspiradoras, você pode clicar em suas próprias imagens para referência ou visitar um site de fotografia gratuito, como Unsplash, e coletar algumas imagens de lá. Você pode marcar as imagens como favoritas na janela do seu navegador ou baixar as imagens em uma pasta no seu computador ou tablet ou em qualquer dispositivo que você esteja usando. Por exemplo, fiz uma pasta para mim aqui com algumas imagens que gostei do Unsplash e vou transferi-las para o meu telefone daqui a pouco. Eu tirei várias fotos diferentes que acho que têm o potencial de serem convertidas em padrões. Mas, novamente, talvez eu tenha dificuldades com algumas dessas imagens. Eu não sei disso ainda. Descobriremos assim que entrarmos no processo de desenho. Como eu disse, você basicamente terá uma imagem muito realista de como eu abordo meu processo criativo quando se trata de criar novos designs. Agora, eu tenho todas essas várias imagens comigo, algumas de vegetais folhosos, vegetais de raiz, flores, cenouras, pimentões, apenas uma mistura aleatória de imagens. Se você está seguindo exatamente o mesmo processo que eu , listei os links para eles no mesmo documento que mencionei anteriormente, que está na seção de recursos. Ele está disponível para download. Se você estiver seguindo um conjunto diferente de imagens inspiradoras que escolheu para si mesmo, como arquitetura, frutas ou flores. Então, eu encorajo você a criar uma pasta semelhante para si mesmo e mantê-la pronta antes de começar a próxima aula. Porque é aí que realmente começaremos a desenhar. Estou ansioso para ver você na próxima lição com todas essas imagens de referência e vamos começar a desenhar. 6. Ideias de forma: experiências de desenho: Vamos começar com alguns padrões. Agora, baixei minhas imagens no meu telefone aqui comigo para que eu possa ampliar e ver os detalhes e tentar extrair algumas formas e ideias de design dessas imagens. Obviamente, você pode baixar as imagens da pasta de recursos e mantê-las em um telefone, iPad ou qualquer outra coisa que seja conveniente para você, ou pode até mesmo imprimir essas imagens e mantê-las ao lado. Agora, na verdade, vamos começar com essa imagem de couve-flor e tentar extrair algumas formas. Enquanto eu estiver desenhando as formas, meu foco será tentar observar a forma externa a estrutura externa ou o contorno do elemento. Não quero me concentrar muito nos detalhes, porque esses serão os aprimoradores que faremos em nossas próximas aulas. Por enquanto, eu só quero focar nas formas externas. Agora, vou tentar manter isso o mais simples possível, porque o objetivo aqui é tentar simplesmente extrair ideias de formas. Por exemplo, aqui eu não quero fazer muitos detalhes internos e vou apenas adicionar essas linhas curvas e fechar essa lacuna interna dessa forma. Agora, uma das coisas que também queremos tentar fazer neste exercício é tentar criar algumas variações nos designs. Por exemplo, fiz uma versão em que as folhas estão florescendo como uma flor, mas desta vez quero experimentar uma versão em que as curvas ou os pequenos códigos e babados nas folhas sejam um pouco mais acentuados. Basicamente, estou adicionando um pouco mais de drama e tentando ver se isso vai me dar um resultado diferente. Basicamente, a ideia é pegar uma imagem e tentar dividi-la em etapas simples para nós mesmos. Nós apenas observamos os contornos das formas e não nos concentramos muito nos detalhes. Se você quiser adicionar os detalhes apenas para referência, você pode adicionar linhas pequenas do jeito que estou fazendo agora, apenas para imitar o que estou vendo na fotografia, mas isso não é necessário. Há uma grande chance de que, quando eu realmente entrar na fase de refinamento dos padrões, eu possa realmente pular completamente essas linhas internas, as asas. Vou apenas manter isso como referência, mas talvez não me limite a isso eventualmente. Vamos tentar uma terceira versão aqui e, nesse caso, não vou fazer as folhas forma independente, como estava fazendo nas duas primeiras variações. Desta vez, vou me concentrar apenas nas formas onduladas concêntricas maiores, para não quebrar cada folha individualmente. Em vez disso, estou apenas focando nessa forma concêntrica ondulada. Agora, é claro, se você quiser dividi-la em pequenas seções, podemos tentar uma variação em que certas linhas estão indo em direções diferentes, dessa forma. Mas, novamente, sou só eu fazendo um brainstorming e pensando em voz alta e colocando ideias aleatórias no papel sem realmente me preocupar com o resultado nesta fase. Eu acho que isso é realmente muito importante quando você está criando seus próprios padrões. Basicamente, você não deve se forçar a chegar a um bom resultado imediatamente. Eu acho que é importante desacelerar e focar apenas em uma forma de cada vez. Por exemplo, no meu caso, provavelmente nem vou usar todas essas variações, talvez eu use apenas a do meio porque é a que eu mais gostei. Talvez eu não acabe usando a primeira e a terceira versão, mas o que eu quero dizer é que você realmente não deve se preocupar com a forma como o botão será aplicado eventualmente ou com sua aparência neste estágio. Agora, para nossa segunda imagem, eu tenho esse aspargo que eu baixei, e o que eu gosto é que ele tem essas pequenas estruturas em forma de caule, e então podemos construir a parte superior, quase cônica, com um pequeno botão de flor. Podemos continuar adicionando formas triangulares curvas e construí-las assim. Agora, eu também posso me concentrar apenas na parte superior e fazer uma versão que se concentre apenas no elemento superior. Novamente, estou apenas observando as formas agora e apenas fazendo esboços soltos delas. Não estou focando no realismo aqui porque, no final das contas, não quero que pareça um aspargo. Quero que pareça um padrão ou motivo de design completamente novo , que seja abstrato, que não seja representacional e que fique lindo quando combinado com os outros emaranhados que vamos desenhar. Agora estou apenas fazendo uma versão, que é um pouco mais cheia de curvas. Esta, na verdade, parece muito o botão de uma flor desabrochando ou uma daquelas flores com caule. Eu também gosto dessa variação. Temos algumas dessas variações para jogar e, claro, eu só posso fazer a haste e pular completamente a seção superior. Eu posso simplesmente dividi-lo em seções assim, e adicionar essas pequenas formas triangulares curvas alternando assim. Essas são todas as diferentes variações de design em que consigo pensar agora. É claro que, quando entrarmos nessa fase de jogar com aprimoradores de emaranhados, teremos mais ideias, mas, por enquanto, elas servirão para os contornos. Então, vamos passar para nossa próxima imagem. Na verdade, não tenho certeza do que é. Não havia descrição dessa imagem, mas ela simplesmente apareceu no meu feed do Unsplash quando eu estava procurando fotos interessantes de vegetais. Eu acho que isso é uma flor, não tenho certeza, mas eu gosto muito desse design interessante aqui que estava acontecendo sobre essas estruturas circulares. Isso me lembra aquelas linhas curvas em uma bola de praia. Vou começar com isso como minha referência. Com um círculo, vou adicionar essas linhas curvas e dividi-las nessas seções da seguinte forma. Então, é claro, posso experimentar uma versão em que pulei o círculo externo e realmente tentei focar nessas pequenas bordas arredondadas na parte superior, o que me dará um resultado parecido com sabão. Agora, é claro, não preciso manter esse ponto no centro em si. Eu posso mantê-lo totalmente fora do centro e isso vai me dar um resultado diferente. Vamos tentar uma variação na qual eu estou fazendo um círculo como minha diretriz e , em seguida, vou voltar às bordas superiores e adicionar um pouco mais de espessura a essas bordas, e isso vai me dar um resultado um pouco diferente. Isso basicamente adiciona um pouco mais de contraste ao design e as bordas externas parecem um pouco mais acentuadas. Existem diferentes ângulos para fazer isso. Em vez de fazer isso tão perto, também posso experimentar uma versão oval. Aqui eu posso tentar fazer uma versão como essa. Novamente, volte e deixe essas bordas um pouco mais grossas. Isso vai me dar um resultado diferente. Agora, novamente, esta é apenas minha interpretação e compreensão dessas formas. Você pode ver essas formas de forma diferente e observar algumas coisas que estou perdendo. O objetivo deste exercício é basicamente observar essas imagens e dividi-las em formas fáceis para nós, sobre as quais poderemos criar detalhes posteriormente. Se você realmente conseguir ter mais ideias ou ideias diferentes das minhas usando as mesmas imagens, isso é realmente muito bom porque dessa forma você terá algo próprio para mostrar e algo realmente único e interessante. Todo mundo vê essas imagens de forma diferente e a observação de todos é, obviamente, diferente. Sinta-se à vontade para experimentar essas imagens e basicamente se divertir com essas formas. Agora tenho mais uma imagem interessante, que tenho certeza que não é um vegetal. [RISOS] Mas isso apareceu novamente no meu feed quando eu estava procurando vegetais. Achei muito interessante com aqueles pequenos topos triangulares e a forma como essas folhas se espalham. Algo muito parecido com folhas tropicais e algo que você veria em uma bela ilha, eu suponho. Isso realmente chamou minha atenção e eu queria experimentar algumas variações com isso. Um deles é basicamente como um ventilador normal. Então eu queria tentar uma abordagem diferente para desenhar isso. Achei que deveria primeiro fazer as linhas que estão se espalhando, que são basicamente as hastes, e depois adicionar essas pontas triangulares. Agora, é claro, podemos adicionar pequenas linhas que podem simplesmente desaparecer no meio do caminho ou podem ir até o fim. Eles estão basicamente se espalhando ou simplesmente se espalhando a partir desse pequeno centro. Essa era outra forma com a qual eu realmente queria brincar e acho que essas duas variações ficaram lindas. Acho que vou me divertir muito adicionando detalhes nas formas. Passando para nossa próxima imagem, que é esta. Acho que é uma abóbora moscatel ou abóbora moscatel. Não tenho 100% de certeza. Mas a imagem definitivamente tinha a palavra moscatel na descrição. Gente, essa é outra imagem interessante qual pensei que poderia brincar. Novamente, a ideia é que estamos apenas tentando simplificar as formas. Isso também me lembra um pouco de uma bola de praia, com essas pequenas seções e divisórias. Mas o que eu também gosto é que eu posso realmente voltar às bordas externas e dar a elas um pouco mais de curvas na parte superior ou esse design ondulado na parte superior que me dá um resultado totalmente diferente quando faço dessa maneira. Eu posso ir em frente e adicionar essas linhas. Novamente, não estou realmente focando em fazer um trabalho muito bom no momento, porque o objetivo é apenas entender essas formas e deixar minha criatividade fluir. Vou entrar nos estágios de refino quando passar para os intensificadores de emaranhamento. Agora, quando eu amplio esta imagem, eu realmente quero focar naquela pequena seção ou fatia daquela abóbora. Acho que isso pode me dar uma variação interessante que pode parecer algo como um coração. É como se eu estivesse focando em talvez um quarto ou talvez até menos de um quarto desse círculo inteiro. Estou apenas focando nessa pequena área e isso pode me dar alguns pequenos elementos com os quais brincar. Parece um coração ou chapéu de chef e um balão de ar quente ao mesmo tempo. Eu não sei. Às vezes, minha imaginação combina muito bem com essas coisas. De qualquer forma. Vamos tentar uma versão na qual, na verdade, não focamos tanto na forma externa um círculo ou algo semelhante a um círculo; em vez disso, fazemos uma em vez disso, fazemos forma abstrata, como um blog abstrato. Se basicamente tentarmos agora cortar isso e, em seguida, fazer curvas na parte superior e depois trazer essas pequenas veias. Isso nos dará um resultado totalmente diferente. Acho que definitivamente gostei da ideia de manter isso fora do centro, porque dessa forma eu posso brincar muito mais com esse formato. Mais uma vez, esse é um ótimo exemplo para enfatizar e reiterar o fato de que os emaranhados não precisam ser realistas. Na verdade, eles são melhores quando são abstratos, não representacionais, porque dessa forma você pode realmente criar uma bela cauda emaranhada e não precisa se preocupar com o resultado. Você pode simplesmente aproveitar o processo de fazer movimentos repetitivos. Sinta-se à vontade para se divertir com essas formas e não se preocupe muito em fazê-las parecer realistas. Agora, essa foi outra imagem que achei interessante. Isso ocorreu principalmente porque gostei da ideia dessas folhas individuais comparação com todo aquele cacho de couve-flor que havíamos feito anteriormente. Agora, existem diferentes formas externas dessas folhas com as quais podemos brincar. Alguns têm uma parte superior um pouco mais arredondada com uma face plana, enquanto outros têm uma base um pouco mais arredondada e uma parte superior ondulada. Basicamente, vou brincar com essas formas e ver se gosto da ideia de manter os caules e os ventos, ou se quero ignorá-los completamente. Acho que estou mais inclinado para a ideia de usar apenas a forma externa e não usá-la realmente em nossas veias e caules. Só estou brincando com mais formas e mais estruturas. Só para ver se tudo isso pode levar a outra variação de design. Acho que de tudo isso, eu gosto mais desse formato em particular e definitivamente me vejo usando isso. Vou apenas adicionar uma pequena marca de verificação ali. Eu sei que vou trabalhar em algumas variações de design sobre isso. Agora, passando para nossa próxima imagem. Novamente, essa foi uma imagem interessante, muito semelhante à imagem da couve-flor que fizemos anteriormente. Mas o que eu realmente gostei nisso foi, novamente, o fato de que as bordas externas eram ligeiramente diferentes da imagem anterior da couve-flor. O que eu realmente quero fazer aqui é usar a ideia de uma única folha da imagem anterior, mas tente adicionar os elementos de design e as curvas usando essa imagem, que basicamente significa que estou combinando ideias de duas imagens diferentes. Por exemplo, talvez eu queira que uma única folha tenha essa aparência com ondas no topo. Novamente, sou só eu brincando com diferentes variações de design e vendo se tudo isso desperta novas ideias. Passando para outra imagem interessante que encontrei, que tem um pouco de brócolis ou broto de vegetais. Achei isso muito interessante. Na verdade, parecia uma concha marinha para mim quando a vi pela primeira vez, e então tive que verificar novamente e percebi que na verdade é um vegetal. Na verdade, eu também tenho uma porção mais próxima desse vegetal em particular. O que eu realmente gosto nisso é a formação triangular na qual os círculos estão formando uma luva Mano. Eles são ascendentes ou descendentes dependendo da direção em que você está desenhando. Você basicamente tem esse wireframe ou essa estrutura externa. Então, temos esses círculos que estão gradualmente ficando cada vez maiores à medida que descem. Agora, com cada círculo, novamente, há outra rodada de espirais que está começando. Mas estou optando por ignorar esse elemento específico porque isso significaria apenas adicionar muitos detalhes. Novamente, a ideia é que eu só queira me concentrar nas mudanças mais amplas, em vez de fazer com que pareçam um broto realista. Não estou fazendo uma réplica exata da imagem. Eu só quero basicamente fazer minha criatividade fluir e obter as formas externas corretas. Vou experimentar uma versão que também seja vertical. Na verdade, também podemos experimentar uma versão aqui em que eu pulo completamente a estrutura externa e faço os círculos como cordas, que também me lembra um pouco de luzes de fada ou pequenas decorações em festivais e festivais de música e assim por diante. Isso também é algo que podemos desenvolver ainda mais. Essas são todas as variações de design interessantes que surgiram até agora. Acho que será ótimo usá-los quando usarmos os intensificadores de emaranhamento. Agora, é claro, suas variações podem ser um pouco diferentes das minhas, ou você pode ter inventado mais variações em comparação a mim. Está totalmente bem. Tudo o que estamos vendo agora é apenas simplificar as formas. Sinto que já disse isso muitas vezes nesta lição. [RISOS] Mas eu quero continuar enfatizando o fato de que, agora, tudo em que estamos focando é apenas manter as coisas simples e apenas extrair formas. Eu prometo que vou tentar não dizer isso mais uma vez, porque eu sinto que vocês entenderam isso. Passando para a próxima imagem. Esse não era interessante. Imagem de rabanete de melancia. O que eu realmente gostei nessa imagem foi, bem, não tanto a forma externa, porque eventualmente, é como um círculo. Mas o que eu gostei foram esses detalhes internos. Isso me lembrou dessa pequena técnica de tecido de amarrar e tingir. Achei que esse interessante padrão de rádio poderia funcionar muito bem em uma estrutura circular como essa. Na verdade, também podemos aplicar isso em qualquer uma de nossas outras formas pré-existentes. Por exemplo, também posso aplicá-lo nessas folhas que desenhamos anteriormente. Basicamente, essa é na verdade uma imagem em que estou focando mais nos detalhes do que na forma externa. Porque, como eu disse, a forma externa é basicamente um círculo. O que realmente me fascinou na imagem foram os detalhes. Sim, então eu gosto muito dessa ideia de design e vou mantê-la. Na verdade, posso fazer uma ideia como referência em que estou apenas fazendo aquele caule de aspargo com esse pequeno padrão dentro dele. Basicamente, combinamos duas ou três imagens diferentes e vemos como elas se parecem juntas. Basicamente, como eu disse, sinta-se à vontade para experimentar. Não há ferramentas aqui. Não existe um padrão policial, que virá e dirá, ei, você não pode misturar duas imagens, bem, esse não é o caso. Para nossa sorte, podemos misturar quantas imagens quisermos. Agora, só para fins de demonstração, vou fazer mais uma imagem que achei muito interessante. Novamente, não tenho 100% de certeza do que é essa alface, mas sei que é um vegetal folhoso. Vamos apenas experimentar uma versão em que vamos tentar imitar a forma dessas folhas onduladas. Na verdade, posso brincar com um círculo como base ou uma forma abstrata como base e depois me mover pela borda externa. Parece muito a base de uma tulipa. Mas, no topo, temos essas pequenas linhas de Federico V. Na verdade, posso experimentar uma versão em que eu faço primeiro a forma externa em U. As penas se encontram no centro. Nós pulamos completamente esse círculo interno. Talvez eu possa realmente fazer uma em que eu possa fazer com que as folhas se dobrem em uma curva. Então, em vez de fazer com que eles se encontrem no centro, como eu fiz na versão anterior , eu posso simplesmente adicionar mais alguns babados aqui, assim. Novamente, esses são apenas tipos diferentes de ideias de design. Agora que eu olho para ela , ela também me lembra aquelas lindas flores da arquitetura mogol. Acho que este tem um potencial muito bom para se tornar um padrão repetido em tecidos. Esse é definitivamente algo com o qual vou jogar muito. Isso nos leva ao final de nosso exercício em que estávamos olhando para imagens diferentes e tentando extrair formas delas. Obviamente, se você escolheu um conjunto diferente de imagens , suas formas serão um pouco diferentes das minhas. Mas tudo bem, desde que você tenha uma estrutura básica pronta, você poderá adicionar muito mais detalhes sobre ela na próxima lição. Prepare seus cadernos de desenho, faça uma pausa rápida para café ou chá e nos vemos na próxima lição, para café ou chá e nos vemos na onde começaremos a trabalhar com intensificadores de emaranhamento. 7. Aperfeiçoadores de emaranhados: Aura: Tudo bem então. Vamos continuar nossa maravilhosa jornada de criação de padrões exclusivos. Agora que temos algumas formas básicas para brincar, vamos dar uma olhada nos aprimoradores de emaranhados. Como o termo sugere, intensificadores de emaranhados são técnicas para aprimorar um determinado emaranhado. Isso ajuda a criar variações em seus desenhos e também adiciona muita sutileza. Nas próximas aulas, abordaremos nove aprimoradores de emaranhados diferentes. Isso inclui aura, caixotão, gotas de orvalho, espessamento, perfume, arredondamento, sombreamento, brilho e ponderação. Vamos começar com a aura. Agora, nesse método de emaranhamento, uma linha traçada ao redor do exterior ou do interior de um emaranhado é chamada de aura. Por exemplo, vamos desenhar um oval aqui. Agora vou desenhar outro oval do lado de fora, que basicamente se torna uma aura. A mesma coisa, vamos fazer uma aura interna. Novamente, eu desenho um oval e, dessa vez, vou desenhar outro oval dentro dele. Em ambos os casos, eu basicamente repeti um traçado previamente desenhado e isso é essencialmente o que uma aura é. Você também pode considerar isso para linhas paralelas. Por exemplo, eu tenho uma linha ondulada aqui e depois vou repetir isso para que ela se torne uma aura como essa. Da mesma forma, se você tiver uma linha vertical, podemos repetir isso assim. Agora vamos dar uma olhada em algumas das formas que havíamos desenhado anteriormente e tentar aplicar uma aura lá. Por exemplo, vamos experimentá-lo em uma dessas folhas aqui. Eu desenho a forma. Então eu volto para dentro e simplesmente repito exatamente o mesmo movimento na parte interna da forma. Temos uma aura como essa. Então, vamos experimentar por outro motivo, por exemplo, esse interessante motivo em forma de U é algo que podemos tentar. Primeiro vou desenhar minha forma e depois farei uma aura parcial como essa. A beleza da aura é que você pode optar por fazê-la na forma completa ou pode fazê-lo parcialmente e simplesmente acentuar ou destacar pequenas partes do seu design ou motivo. Por exemplo, nesta variação, estou fazendo a aura externa na forma de U do motivo e, em seguida, fazendo com que as auras se encontrem no centro. Agora vamos tentar outra ideia com base na primeira variação que fizemos. Nesse caso, vou fazer as pétalas esfriarem nas laterais. Então eu vou fechar essa lacuna no meio com um pequeno arco e dar a ela uma aura. mesma forma, também posso dar uma aura no interior dessas pétalas. Você pode realmente ver que simplesmente adicionar a aura ajuda muito a tornar o design muito mais elegante e muito mais polido. Isso realmente aprimora a aparência geral e faz com que pareça muito mais detalhada. Agora, digamos que queremos adicionar uma aura lá com base nas ideias de design que havíamos discutido anteriormente. Eu posso adicionar isso e continuar adicionando várias auras dentro dela. Na verdade, mesmo nesse primeiro design, posso adicionar mais duas linhas assim. Podemos literalmente adicionar auras a praticamente qualquer formato. Vamos voltar e dar uma olhada no desenho dos aspargos que fizemos anteriormente e vamos dar uma olhada na parte superior desses aspargos. Eu posso desenhá-lo aqui assim. Agora, quando eu tiver essa forma geral pronta, posso voltar para dentro e adicionar as auras a cada uma dessas pétalas dessa maneira. Aura é uma técnica maravilhosa porque é muito simples e não envolve muitas etapas complicadas mas consegue mudar completamente a aparência do nosso motivo e muito poucos traços simples. Agora, mesmo com essa ideia de caule de aspargo que estou testando agora, baseada nas ideias iniciais com as quais brincamos podemos realmente adicionar muitos detalhes mais bonitos às estruturas. Posso adicionar as auras às seções dessa forma e, quando volto e adiciono esses triângulos arredondados, também posso dar auras a elas. Isso só faz com que pareça tão bonito e tão elegante. Como eu disse, podemos adicionar auras a praticamente qualquer coisa que quisermos. Literalmente, não há fim aqui, há muitas possibilidades. Agora que estou vendo esses motivos com a intenção de adicionar auras, há muitas possibilidades que estão vindo à minha mente. Por exemplo, essa abóbora ou abóbora mascote que desenhamos anteriormente também pode ficar tão bonita com uma aura parcial ao redor da borda externa. Vamos tentar isso também. Eu só vou desenhar a forma completa disso primeiro. Neste estágio, estamos realmente refinando as ideias de design de aura, então eu recomendo dedicar seu tempo e aproveitar o processo aqui, fazendo cada golpe com muito mais intenção, com muito mais atenção, e apenas construa as ideias enquanto joga com essas novas técnicas. Agora, estou basicamente adicionando essa aura em toda a borda externa. Na verdade, podemos pegar apenas uma seção ou um fragmento daquela abóbora ou abóbora, mais ou menos como fizemos em nosso estágio de concepção, e basicamente fazer disso um pedal. Muito parecido com uma daquelas pétalas duras que havíamos feito anteriormente. Então eu vou adicionar uma aura dentro dela, como alma. Claro, você sempre pode voltar e adicionar mais detalhes. Adicionar o realçador de emaranhados não impede você de adicionar outras variações de design, então fique à vontade para experimentar as formas e os designs. Os aprimoradores estão lá apenas para ajudá-lo a a aparência geral do design ou dos motivos que você planejou mas isso não significa que você não possa combiná-los com outras ideias de design ou outros elementos de detalhamento. Sinta-se à vontade para adicionar quantos detalhes quiser. Agora, com isso, vimos muitos exemplos de como a aura funciona, então eu encorajo você a experimentar auras em todos os designs e motivos que você experimentou até agora. Sinta-se à vontade para compartilhar suas imagens de trabalhos em andamento comigo para que eu possa continuar dando feedback e, definitivamente, continuar experimentando e deixar a criatividade fluir. Na próxima lição, mostrarei outro maravilhoso potenciador de emaranhados. 8. Aperfeiçoadores de emaranhados: Perfs: Tudo bem, então, bem-vindo de volta à aula. Nesta lição, trabalharemos com outro aprimorador de emaranhados chamado perfs. Agora, o perfs é um lindo realçador de emaranhados que consiste em pequenos pontos ou esferas que podem ser usados para preencher uma área específica ou embelezar qualquer tipo de espaço que tenhamos em nosso design. Por exemplo, vou desenhar algumas linhas onduladas aqui e agora vou preenchê-las com pequenos orbes. Esses são basicamente perfs. Agora, vamos dar uma olhada em algumas de nossas formas desenhadas anteriormente e ver se podemos preenchê-las com detalhes, como o branco, como esse motivo que estamos construindo. Vou desenhar as pétalas indo para dentro desse jeito . Eu também vou dar a eles uma aura. Agora eu posso realmente preencher essa aura com perfs. Essa é a parte divertida dos realçadores de emaranhados, você pode combinar dois ou três realçadores de emaranhados diferentes e mudar completamente a aparência da forma inicial que você desenhou. Estou adicionando perfis em ambos os lados. Assim como desenhar as auras, até mesmo esses perfumes são tão relaxantes de desenhar. Se você as fizer com atenção, se você realmente se concentrar em um golpe de cada vez, poderá obter resultados incríveis e entrar em um estado mental realmente meditativo. Agora também posso adicionar detalhes maiores nessas áreas internas, ou posso entrar e simplesmente adicionar outra aura. Podemos brincar com várias coisas aqui. Agora vamos tentar fazer uma versão do design da couve-flor que fizemos anteriormente. Vou prosseguir com a forma circular concêntrica 1 que tínhamos. Aqui, podemos realmente nos divertir preenchendo os perfis dessas camadas. Na verdade, podemos preenchê-los em camadas alternativas. Agora, novamente, isso muda completamente a aparência do design. Agora, quando alguém olha para esse emaranhado, provavelmente não será capaz de adivinhar que ele veio daquela imagem de couve-flor. Como eu disse anteriormente, a beleza dos emaranhados ou a beleza desse método de emaranhamento é que ele é abstrato e não representacional. Não deveria parecer um objeto da vida real ou não deveria representar algo. Quanto mais abstrato for, melhor. Agora veja isso. Parece tão lindo e eu posso continuar preenchendo a página inteira com esse lindo padrão. Vamos tentar outra forma. Acho que desta vez quero experimentar o design de folhas tropicais. Eu vou desenhar as hastes primeiro. Então eu vou fazer os topos triangulares. Agora eu posso realmente separá-los e adicionar os perfis em um lado dessa seção. Isso faz com que pareça tão 3D e, uma vez sombreado, ficará muito bonito. Mudou completamente a aparência do motivo e parece que ele tem muitas partes e facetas, quase como um enfeite ou um pingente de joalheria. Essa é outra maneira interessante de adicionar perfs. É claro que também podemos continuar construindo isso da mesma forma do outro lado. Para outro exemplo, vamos voltar e ver algumas dessas formas que fizemos. Vamos experimentar esta folha que fizemos. Se eu realmente adicionar o caule e as asas, posso realmente criar mais seções para colocar os perfs. Inicialmente, se você se lembra, eu era realmente contra a ideia de usar as hastes porque pensei que só usaria as estruturas externas. Mas agora, nesta fase, quando estou brincando com meus intensificadores de emaranhamento, sinto que o caule , essas asas e as estruturas das quais estou tirando disso seriam mais interessantes e posso combiná-las com vários intensificadores de emaranhamento. Acho que isso parece muito mais elegante e muito mais polido do que apenas o contorno. Essas são algumas outras ideias interessantes com as quais podemos brincar. Com isso, espero ter dado muitos exemplos para jogar com profissionais. Novamente, eu encorajo você a experimentá-lo nos designs que você está desenhando e, especialmente se você optou por trabalhar com diferentes conjuntos de imagens , seria interessante ver como você aplica esses aprimoradores de emaranhado aos designs que você esboçou. Vá em frente, pratique-os e nos vemos na próxima lição, onde trabalharemos com outro lindo aprimorador de emaranhados. 9. Aperfeiçoadores de emaranhados: oferta: Nesta lição, trabalharemos com cofres. Agora, o coffering é um aprimorador de emaranhados inspirado na arquitetura. Um cofre no vocabulário da arquitetura se refere basicamente a painéis afundados na forma de um quadrado ou retângulo, ou um octógono, e assim por diante, geralmente encontrados em tetos e paredes. Muitas vezes você pode vê-los em cúpulas de edifícios antigos e assim por diante. Por exemplo, esta é uma foto de uma cúpula em caixotões. Você pode ver como há painéis afundados dentro de cada um desses quadrados. Isso basicamente dá um efeito muito tridimensional e parece muito estratificado. Da mesma forma, aqui está outra imagem interessante de uma cúpula em caixotões. Você pode ver que, devido à forma como a luz está caindo em um determinado ângulo, esses painéis afundados dão um efeito tridimensional muito bonito. Na verdade, você pode ver muitas variações na luz e na sombra, que torna todo o efeito o que torna todo o efeito dos painéis submersos muito interessante, então há muito contraste e muita dimensão acontecendo lá. Agora, vamos ver essa técnica em ação quando se trata de criar emaranhados. Vamos experimentar algumas variações de design com isso. Vou começar fazendo uma forma poligonal. Você pode fazer um pentágono ou hexágono, qualquer coisa que quiser. Agora, basicamente, vamos dar a isso uma aura. Depois de ter essa aura, vamos até esses cantos e conectaremos as formas. Essencialmente, essa é a etapa mais importante do encaixe porque, caso contrário, ela acabará parecendo uma aura normal. Esses cortes são aquelas linhas de conexão que basicamente ajudam você a fazer com que pareça um painel afundado. Da mesma forma, estou fazendo um quadrado aqui. Novamente, isso é apenas uma aura normal. Mas no minuto em que eu conecto esses cantos, parece que há um painel dentro deles. Faz parecer que tem facetas, como se houvesse facetas e uma pedra preciosa. Vamos voltar e ver alguns dos motivos com os quais estamos brincando até agora. Vamos ver se podemos usar os painéis afundados ou essa técnica de caixotagem em alguns deles. Acho que quero começar com o caule do aspargo porque acho que ele tem o potencial de se tornar um retângulo, como um bastão longo com seções, e então podemos realmente criar painéis afundados. Vamos desenhar linhas retas em vez das outras formas, as linhas que estávamos usando para o caule do aspargo. Agora, em vez de usar os semicírculos, eu basicamente usei linhas retas para cortar a haste. Então, estou basicamente adicionando os painéis afundados, que é a técnica de caixotagem. Da mesma forma, acho que também podemos brincar com o botão do aspargo. Em vez de arredondar, vou fazer as pétalas com pontos pontiagudos. Uma das coisas com o caixote é que ele fica melhor quando você faz com ângulos que têm linhas retas e bordas retas, então funciona melhor com formas poligonais, ou seja, triângulos, retângulos, octógonos, pentágonos e assim por diante. Nesse caso, em vez de usar a natureza arredondada das pétalas, estou basicamente fazendo esses topos triangulares e quase em forma de diamante. Estou basicamente adicionando os painéis submersos agora. Novamente, como um lembrete rápido, é importante conectar os painéis internos aos externos , caso contrário, eles acabarão parecendo uma aura normal. Agora vamos tentar outro exemplo. Na verdade, estou muito interessado em ver o efeito do caixote na folha que fizemos, a folha tropical. Acho que vou mudar a aparência do centro. Basicamente, ainda estou usando a parte superior triangular, mas não estou desenhando todas as hastes no começo. Vou tratar isso como um fragmento separado ou uma forma separada e depois construir a partir daqui. Claro, ainda podemos adicionar aquela pequena seção ou aquela linha no centro, exceto que desta vez eu estou fazendo isso depois de ter feito o caixote. Então, uma vez que tenhamos essa seção, podemos realmente construir mais painéis submersos por dentro e simplesmente conectá-los com pequenos triângulos porque a forma externa é o triângulo, então estamos apenas construindo mais sobre ela. Agora, se quisermos continuar construindo a forma de leque da folha, vamos repetir as etapas. Vou começar novamente com essa forma externa e adicionar o painel afundado. Então, da mesma forma, podemos realmente continuar construindo isso cada vez mais. Neste ponto, isso realmente me lembra de um lindo cacho de cristais. verdade, parecem aqueles cristais de quartzo ou qualquer outro cristal Na verdade, parecem aqueles cristais de quartzo ou qualquer outro cristal que compramos em lojas de cristais, então na verdade parece um lindo aglomerado de cristais. Agora, examinando alguns outros motivos. Na verdade, eu também quero experimentar esse design em forma de U. Mas eu vou realmente converter isso em linhas nítidas. Em vez de fazer as pétalas com curvas, na verdade estou fazendo isso com bordas retas. Novamente, isso ocorre apenas porque estou fazendo isso propositalmente com a intenção de adicionar coffering como um intensificador de emaranhados. Alguns desses realçadores de emaranhado podem não parecer tão bonitos em um motivo específico quanto pensávamos. Mas a chave aqui é a experimentação e a chave é experimentar diferentes variações e ver o que funciona. Definitivamente, recomendo que você dedique algum tempo e não pule todo esse processo criativo, essa jornada em que você experimentará certos fracassos, certas ideias bem-sucedidas e se aproximará de seu eventual design. Mesmo assim, agora você pode ver que tentei duas abordagens diferentes. À esquerda, fiz uma abordagem em que acabei de fazer o encaixe nas bordas. Mas à direita, na verdade, fiz um painel completamente afundado por dentro. Continue revisitando seus designs antigos e veja se você pode tratá-los de forma diferente com o uso desses aprimoradores de emaranhamento. Por exemplo, como parte da haste que desenhamos, também podemos adicionar perfis dentro desses painéis afundados. Novamente, isso dará uma aparência completamente diferente. Da mesma forma, no quadrado, posso adicionar detalhes nas bordas externas, e isso novamente me dará uma aparência completamente diferente. Eu posso adicioná-lo em apenas um lado ou em lados opostos, ou fazer isso em todos os quatro lados. Cada uma das versões vai me dar um novo design para jogar. Como sempre, vou encorajá-lo a experimentar essa técnica e esse aprimorador de emaranhados em todos os designs que você esboçou e desenvolver ainda mais suas ideias de formas. Tente combinar dois ou três intensificadores de emaranhamento diferentes e veja aonde isso o leva. Vou me encontrar mais uma vez na próxima aula com outro intensificador de emaranhamento. 10. Aperfeiçoadores de emaranhados: entendendo: O próximo aprimorador de ângulo com o qual trabalharemos é chamado de encantamento. Agora, a incubação é uma técnica de incubação emplumada. Ao aplicar essa técnica, você notará que ela é muito semelhante à técnica de hachura frequentemente usada na ilustração. Isso é feito usando traços finos da caneta que você está usando e ajuda a adicionar tons e textura a qualquer emaranhado. Vejamos um exemplo disso. Vou desenhar uma forma muito simples aqui, muito parecida com a forma de uma folha. Agora, estou basicamente usando minha caneta para criar esses traços emplumados que estão desaparecendo na ponta quando eu levanto minha caneta, e isso está me ajudando a adicionar essa pequena textura e sombra à forma. Então, alguns de vocês provavelmente já reconhecem essa técnica a partir da ilustração. Essa é uma técnica muito comum, frequentemente usada em todos os tipos de ilustração, seja fazendo paisagens, retratos, naturezas-mortas ou qualquer outra coisa. É uma técnica de ilustração bastante comum e encontra seu lugar no método zentangle com o nome de enthatching. Agora, vamos dar uma olhada em alguns dos nossos motivos de design e tentar aplicar o charme por lá. Acho que podemos definitivamente adicionar alguns interesses esse caule de aspargos e podemos apenas adicionar alguns traços finos como este. Uma das coisas que eu realmente gosto em encantar é que ela traz uma sensação de realidade aos seus desenhos abstratos; então é a mistura perfeita entre realismo e abstração e você deve ter visto essa técnica de incubação sendo muito usada para criar cílios, para colocar texturas em roupas, ou você deve ter visto isso em paisagens. Muitos artistas de ilustração usam essa técnica para muitas coisas diferentes. Basicamente, ajuda a fazer com que qualquer objeto pareça real. Mas a parte divertida é que, quando o usamos em combinação com emaranhados do método zentangle, é um aceno perfeito ao realismo, mas não é totalmente representativo de objetos da vida real, então é aquela bela mistura de realismo e abstração, como eu estava dizendo. Eu definitivamente adoro essa técnica para adicionar textura. Obviamente, se você adora brincar com luz, sombra e contraste, novamente, essa é uma técnica com a qual você definitivamente gostará de trabalhar. Agora, estou basicamente trabalhando nesse motivo inspirado em couve-flor que fizemos. Nas camadas externas, estou apenas adicionando esses pequenos traços de penas. Sempre começamos cada traço com um pouco de pressão, mas quando você está prestes a chegar ao final do traçado, você levanta suavemente a caneta ou reduz o contato da pressão com o papel, o que leva às pontas emplumadas dos traços, criando esse lindo efeito que desbota naturalmente ou se espalha naturalmente. Essa é a beleza de trabalhar com a fascinação. Agora, isso é apenas para dar um exemplo de como seria toda a forma. Tenho certeza que você tem uma ideia de me ver fazendo isso. Também vou aplicar a mesma técnica no motivo da folha tropical com a qual estamos brincando. Eu acho que isso parece muito, muito bonito. Definitivamente, você pode brincar com a duração desses traços, para que possa deixá-los mais longos ou mais curtos. Da mesma forma, vamos também tentar isso na placa de aspargos. aqui, como já temos seções muito pequenas, vou manter os traços bem curtos. Mas quero dizer, olha só, isso muda completamente a aparência do design. Ninguém seria capaz de ver isso e dizer que isso realmente veio de uma imagem de aspargo que foi usada como referência. Definitivamente, evoluímos bastante à medida que esboçamos e tivemos uma pequena evolução com todos esses designs. Agora, mais uma coisa que eu também quero mostrar é fazer esses traços na mesma forma do contorno, que basicamente significa que os estamos fazendo direcionalmente e acentuando a forma do motivo. Por exemplo, se eu tiver uma folha curvilínea, vou fazer linhas curvas ali. Basicamente, você pode fazer com que suas linhas ou seu entalhe sigam na mesma direção da forma ou do contorno da forma para basicamente dar a ela um contorno ou um efeito mais bem torneado. Você provavelmente já viu muito desse efeito de contorno ou dessa hachura direcional na ilustração floral porque lá, temos muitas folhas e pétalas com as quais trabalhar, então você definitivamente provavelmente já viu isso em algumas dessas ilustrações. Vamos também experimentar essa técnica no broto de aspargo original. Desta vez, vou fazer mais ou menos da mesma forma que desenhamos inicialmente, que é com aqueles topos pontudos , mas como um fundo oval. Agora, vou entrar e preencher os detalhes. Agora, quando eu olho para ela de longe, ela produz um lindo efeito de luz e sombra, e isso faz com que tudo pareça muito mais tridimensional e bastante real, mesmo que [RISOS] estejamos trabalhando com uma forma abstrata, mas definitivamente um aceno ao realismo por lá. Mais um exemplo que eu quero mostrar de traços direcionais ou encadernação direcional é o motivo de abóbora com o qual estamos brincando. Esse motivo em particular tem muitas curvas e adicionar esses pequenos detalhes está acumulando aquela tinta no centro, o que, novamente, faz com que pareça muito tridimensional e definitivamente aumenta o contraste ali. Além disso, estou repetindo rapidamente o fato de que esses derrames precisam acontecer na mesma direção. Por exemplo, se aqui eu estou fazendo de baixo para cima e cada traço tem que ser de baixo para cima. É dessa forma que podemos realmente obter um belo efeito emplumado, porque cada um desses traços começa grosso, mas termina fino, então começa com a ponta pressionada e, quando soltamos a caneta do papel ou quando o contato está diminuindo , o efeito emplumado acontece, e então as caudas parecem uma pena. Da mesma forma, se eu desenhasse uma pena real, e digamos que eu estivesse fazendo isso de cima para baixo , basicamente faria meus traços da mesma maneira. Eu começava de um centro ou um ponto e depois os separava gradualmente. O que queremos evitar fazer são os movimentos para frente e para trás , porque então o efeito emplumado desaparece, e então a coisa toda parece muito inconsistente. O jogo de luz e sombra ou o contraste que você está tentando obter não parecem tão estéticos. Isso é basicamente para encantar. Espero que, olhando esses exemplos, você tenha conseguido pensar em onde adicioná-los em seus motivos específicos ou nos designs em que está trabalhando. Com certeza, experimente e nos vemos na próxima aula com outro intensificador de emaranhados. 11. Aperfeiçoadores de emaranhados: arredondamento: A próxima técnica com a qual trabalharemos é chamada de arredondamento. Agora, o arredondamento é um maravilhoso intensificador de emaranhados que ajuda você a criar um efeito arredondado em qualquer emaranhado. Existem várias maneiras de aplicar esse intensificador de emaranhado, e a aplicação mais comum é nas bordas externas de qualquer emaranhado. Mas você também pode aplicá-lo na parte interna do triângulo. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos para entender isso um pouco melhor. Agora, vamos fazer um quadrado ou um retângulo. Temos esses cantos afiados de 90 graus. Agora vamos voltar e criar pequenas linhas curvas, ou basicamente colocar um arco nessas bordas. Vamos apenas colori-los. Isso é basicamente o que é arredondar. Ele ajuda você a eliminar a nitidez de qualquer forma e também atua como uma linha de conexão ou um elemento de conexão entre dois traços. Agora também podemos tentar essa outra forma poligonal ou, no nosso caso, também podemos tentar isso com o motivo em forma de leque com o qual estamos brincando. Vou desenhar isso rapidamente mais uma vez com esses topos triangulares. Depois de ter o contorno, posso entrar e adicionar esses pequenos arcos e colorir essa seção. Basicamente, estou adicionando ambientes. Agora, para que seu arredondamento pareça inclusivo e faça parte do design, é sempre uma boa ideia reduzir bem essas bordas ou deixar esses arcos se misturem com as bordas do design. Aqui, estou deixando esses arcos ou esses arcos se misturarem ou se fundirem com essas seções. Então, ele não parece desconectado ou alienado, apenas parece um design coeso. Agora vamos ver outras formas com as quais podemos experimentar. Talvez possamos realmente brincar com esse caule de aspargo. Vou apenas criar seções com linhas retas, muito parecidas com o que fazíamos quando estávamos trabalhando com caixotes. Mas desta vez, em vez de adicionar caixões aqui, vou apenas adicionar essas bordas arredondadas. Por aqui, eles realmente se parecem com pequenos orbes ou pequenos seixos que estão envoltos em um tubo. Muito parecido com o que são ervilhas e uma vagem. Essa é a beleza do arredondamento porque apenas faz parecer que há outro objeto ou outra forma existente dentro de um limite externo. É claro que, com tanta coisa acontecendo no papel, isso também ajuda a criar contraste. Agora, outra aplicação muito útil do arredondamento é conectar duas formas diferentes. Por exemplo, se você tem um conjunto ou um buquê de formas, como se eu estivesse desenhando essas pequenas esferas aqui. Na verdade, você pode conectar as bordas externas dessas formas com a ajuda do arredondamento. Isso ajuda a preencher essa pequena lacuna entre as formas conectadas. Se você quiser dar uma aparência mais coesa ao seu design, essa é uma ótima maneira de conectar dois objetos diferentes ou duas formas diferentes, mas até mesmo dois traços diferentes. Agora, vamos voltar e também fazer alguns experimentos sobre as formas que desenhamos até agora. Por exemplo, nesta tulipa, podemos adicionar arredondamentos nas bordas da seguinte forma. Agora parece que é parte do design, como se fosse parte do motivo. Também podemos fazer arredondamentos nas bordas externas aqui, dessa forma. Isso basicamente dá o efeito de uma folha de resfriamento ou, como se houvesse uma certa dimensão nisso, que há uma borda ou uma faceta naquela pequena curva ali. Novamente, parece parte do design e cria um efeito muito bonito. Mais uma forma que posso mostrar para arredondar é essa pequena forma que havíamos desenhado anteriormente quando brincávamos com cofres. Eu posso voltar e adicionar as bordas arredondadas aqui. Agora, esse painel submerso tem um novo caráter , por assim dizer. É claro que podemos adicionar mais detalhes e mais designs na parte interna dessa forma. Mas apenas conectar esses pequenos cantos e tirar a nitidez de toda a forma ou de todo o painel interno dá uma aparência completamente diferente. Da mesma forma que eu também posso fazer isso com a praça aqui. Novamente, um ótimo exemplo para mostrar que você pode combinar vários intensificadores de emaranhamento. Porque aqui temos caixotões e arredondamentos, e é claro que os buffs já estavam desenhados nas bordas. Temos três intensificadores de emaranhamento diferentes em uma forma específica ou em um emaranhado específico. Também vou adicionar um pouco de arredondamento. Faça esse motivo de design aqui com o qual estivemos brincando anteriormente. Novamente, eu encorajo você a experimentar todas essas ideias diferentes e apenas brincar arredondando os emaranhados que você tem com você nas ideias de formas que você está esboçando até agora. Basta ver o que você pode inventar. É definitivamente uma ferramenta muito útil, e você verá mais exemplos dela ou mais aplicações quando chegarmos ao nosso projeto final. Mas até lá, eu encorajo você a continuar experimentando essa técnica em particular. 12. Enhancers: de emaranhados: ponderação: O próximo intensificador de ângulo que vamos experimentar é chamado de ponderação. Essa é uma técnica de aprimoramento de emaranhados em que adicionamos tinta ao traçado previamente desenhado e isso o torna um pouco mais espesso ou, em outras palavras, basicamente dá um pouco mais de peso. Há muitas maneiras diferentes de fazer isso, e vou mostrar alguns exemplos agora. Vamos começar com uma linha curvilínea como essa, e eu vou adicionar um traço adicional parcial, que então será colorido dessa forma. Basicamente, o que eu fiz foi pegar uma certa parte dessa linha ou uma seção específica dessa onda, e essa é uma maneira de fazer a ponderação. Eu vou fazer isso em outra seção aqui também. Agora, outra maneira comum de fazer a ponderação é basicamente voltar ao curso repetidamente. Por exemplo, aqui, estou redesenhando exatamente no mesmo lugar. A diferença entre a primeira e a segunda técnica que mostrei é a colocação dos traços adicionais. No primeiro caso, fizemos um traçado adicional um pouco fora do traçado desenhado anteriormente e depois o colorimos, mas aqui eu estou basicamente adicionando traços adicionais no mesmo lugar exato. Com a ajuda da ponderação, posso realmente criar variações grossas e finas nas minhas linhas. Por exemplo, aqui, estou apenas adicionando bordas um pouco mais grossas na parte superior, que estão gradualmente desaparecendo e se tornando estreitas no final. Agora, vamos também voltar e conferir alguns dos nossos motivos mais antigos. Nesse formato de abóbora com o qual estamos brincando, posso realmente adicionar peso adicional a cada uma dessas seções, o que basicamente ajudará a segregar as seções um pouco melhor. Na verdade, essa é a razão pela qual a ponderação é mais comumente usada nesse emaranhado pois ajuda a dar ênfase a uma forma específica ou a um motivo específico, e isso pode se tornar sua imagem focal ou ajudar a aprimorar detalhes específicos, que podem então se destacar um pouco mais do que os detalhes ao redor. A ponderação é definitivamente muito útil para adicionar contraste e ênfase. A mesma coisa nesse outro motivo com o qual estávamos brincando, posso simplesmente deixar as curvas um pouco mais grossas para que eu possa fazê-las desaparecer gradualmente. Começo com um bem grosso, depois com uma leve espessura média e depois um fino. É criar como um efeito de redução ou desvanecimento. Agora, quando eu voltar, essa técnica em particular realmente se aplicaria bem esse design que fizemos onde eu realmente amei os pequenos traços com os quais estávamos brincando. Por exemplo, posso começar com um traço bem grosso e adicionar peso ali e gradualmente colocar esse peso e tornar as linhas mais estreitas. Se eu fizer isso de forma radial, isso pareceria muito com raios solares de raios de sol ou uma explosão estelar, e isso definitivamente daria um belo efeito. Também posso adicionar peso na parte externa de uma forma específica quando eles têm uma aura externa, e também posso fazer isso na parte interna de uma forma quando há uma aura interna. Novamente, tudo depende do que estamos tentando enfatizar e onde queremos criar mais contraste. Da mesma forma, também podemos adicionar peso parcial ou espessura parcial às bordas externas da forma, e isso pode realmente transformar a aparência da forma. Se você tiver bordas em qualquer formato, você pode realmente brincar com essas bordas e tornar seus traços mais grossos ou mais finos. Agora, mesmo que essa folha em particular tivesse um caule no centro, eu poderia começar totalmente com um fundo mais grosso e que ela desaparecesse gradualmente na parte superior dessa maneira. Basicamente, tudo se resume a redesenhar o mesmo traço no mesmo local exato ou adicionar tinta adicional ao redor do traçado fornecido. Isso basicamente ajuda a tornar o traçado mais ousado ou mais espesso, ou basicamente apenas adiciona mais peso a ele. Por exemplo, nessa imagem de couve-flor com a qual estávamos brincando, posso simplesmente voltar a esses limites, torná-los espessos e adicionar mais peso a eles. Isso só vai fazer com que ele se destaque um pouco mais no papel. Da mesma forma, se você quiser criar mais imagens tridimensionais e jogar com um pouco mais de contraste, você pode adicionar peso às seções dessa forma. Isso parece muito bom. Novamente, eu encorajaria você a experimentar essa técnica em todos os motivos que você está esboçando e me contar suas descobertas. Você pode publicar imagens do seu trabalho em andamento na seção Projetos, e eu ficaria mais do que feliz em ver seus motivos. Nos vemos na próxima lição onde trabalharemos com outro intensificador de emaranhamento. 13. Aperfeiçoadores de emaranhados: Dewdrop: Nesta lição, trabalharemos com a gota de orvalho. Agora, a sede da Zentangle escreve gota de orvalho como uma palavra. Mas se você tentar pesquisá-lo na Internet, provavelmente também encontrará algumas variações com orvalho e gota escritos como duas palavras separadas. Não se confunda com isso , porque basicamente significa a mesma coisa. Agora, uma gota de orvalho, conforme explicada pelos fundadores do Zentangle está desenhando uma versão ampliada de um emaranhado dentro do mesmo emaranhado. Embora seja considerado um intensificador de emaranhado, você também pode pensar nele como um intensificador de composição, pois você pode ter várias gotas de orvalho diferentes em sua composição em várias seções, e ela não precisa ser colocada de forma restrita a apenas um emaranhado. Você pode até mesmo colocá-lo em seções ou áreas onde vários emaranhados se encontram. Também gosto de pensar nisso como um intensificador de composição, e não apenas um intensificador de emaranhados. Agora, passando a ver como exatamente a gota de orvalho funciona, vamos fazer um rápido exercício prático para isso. Queremos começar desenhando um círculo, e queremos fazer isso a lápis, porque as gotas de orvalho são sempre desenhadas a lápis. Então, quando tivermos esse círculo, vamos deixar um pouco de área branca na parte superior dele, que será o destaque. Em seguida, fazemos outro círculo de grafite, por assim dizer, deixando um pouco de uma forma sorridente na parte inferior, que está vazia. Sou só eu colocando grafite de forma muito leve. Novamente, não queremos exagerar com o grafite. A borda superior desse círculo interno tocará a borda superior do círculo externo e, em seguida, apenas a misturaremos com o todion. Isso nos ajudará a definir os destaques e as sombras. Queremos ter cuidado para não encontrar aquele destaque que deixamos vazio na parte superior. Isso exigirá um pouco de paciência aqui ao tentar fazer um trabalho preciso, porque não queremos entrar nas áreas em que há um destaque. Para facilitar as transições, é sempre uma boa ideia ir para o exterior. Gradualmente, apenas indo da escuridão para a luz. Vou trazer meu lápis agora e acentuar a área superior, que é a sombra que fica logo acima do destaque. Se você notar realces a qualquer momento em um objeto da vida real, notará que a área ao redor do realce geralmente é a mais escura, e é exatamente isso que estamos tentando fazer aqui. Então, queremos dar uma sombra a todo o orvalho. Vamos voltar com um lápis e criar uma sombra em forma de sorriso, que está na direção oposta ao destaque. Novamente, vamos misturar isso bem e puxar o grafite para fora dessa forma. Parece que posso suavizar um pouco mais a seção interna. Vou tirar meu todion mais uma vez e misturá-lo um pouco melhor que a transição do escuro para a luz pareça um pouco mais suave. Agora, às vezes, quando seu todion não está muito nítido, ou se você acidentalmente fez isso com pressa , às vezes seu grafite tende a ultrapassar um pouco a linha, e isso tende a acabar a ilusão da forma que estamos criando. Nesse caso, um pouco do meu grafite foi para a esfera ou o círculo que eu criei. Vou consertar isso trazendo minha borracha, e vou revogar um pouco essa área. Isso parece muito melhor agora. Como etapa final, vou trazer meu lápis de grafite mais uma vez e acentuar um pouco mais as áreas escuras, para que haja um pouco mais de definição e contraste em toda a forma, e ela pareça um pouco mais realista. Agora, quando se trata de colocar essas gotas de orvalho em cima de padrões ou emaranhados em nossa composição, sempre garantimos que o padrão pare e continue por trás dessa gota de orvalho e, dentro da gota de orvalho, criamos uma versão levemente distorcida do padrão, para que pareça que há um pouco de água em cima do emaranhado ou uma gota de orvalho literal, que está sentado em cima do emaranhado, então a visão fica um pouco distorcida. Basicamente, conseguimos isso primeiro, desenhando por trás da gota de orvalho. Imaginamos que o padrão continue por baixo ou por baixo da gota de orvalho. Em seguida, voltamos e tentamos conectar essas linhas, mas propositalmente não fazemos um trabalho muito bom ao conectá-las. Aqui, queremos tentar criar uma versão distorcida do padrão, o que significa que as linhas serão esboçadas um pouco mais grosseiramente e não estarão no ponto exato em que deveriam estar idealmente em um padrão. Aqui estou apenas desenhando um pouco mais alto do que o padrão deveria se encontrar. Você também pode desenhar um pouco mais abaixo, desde que eles não estejam exatamente no mesmo lugar onde deveriam estar. Também é um pouco mais superficial e áspero. Você pode ver que eu propositalmente não estou fazendo linhas suaves aqui. Agora, outra coisa a notar é que nunca desenhamos em cima do destaque, então sempre desenhamos nas áreas cinza ou escuras e deixamos o destaque sempre vazio. Mesmo que tivéssemos outro padrão circulando dessa forma, digamos que tentemos traçar altos e baixos. Novamente, vou me certificar propositalmente de que não cumpra a linha, então vou deixar o destaque vazio e dar a volta assim. Basicamente, tudo isso se resume a planejar sua composição com antecedência. Logo no início de sua composição ou fase de desenho, você precisa decidir onde suas gotas de orvalho serão colocadas. Basicamente, você desenha os círculos muito cedo no desenho e os mantém como espaços reservados para suas gotas de orvalho. Digamos que temos um padrão com círculos concêntricos. Vamos deixar a gota de orvalho vazia por enquanto e continuaremos preenchendo nossos emaranhados em nosso título. Mais ou menos do jeito que temos feito com nossa moda de laço de azevinho. Vamos apenas fingir que o padrão está passando por baixo dessa esfera e continuaremos deixando os espaços vazios imaginando que eles estão se conectando por trás do círculo que deixamos de fora. Como mencionei, pode haver dois ou três padrões que se encontram em um determinado ponto e é aí que sua gota de orvalho pode ser colocada. Por exemplo, aqui, vou tentar fazer um padrão de fluxo e vamos imaginar que isso está ficando para trás a partir daí. Agora, depois de esboçar o padrão e imaginar que todo o ladrilho está pronto, podemos voltar e começar a trabalhar em nossa gota de orvalho. Novamente, começaremos deixando o destaque e, em seguida, desenhando um círculo interno, que toca a parte superior do círculo externo, deixando um pouco de espaço vazio na parte inferior, como uma lua crescente ou como um elemento sorridente em forma de C. Vamos apenas misturá-lo bem. Novamente, devo mencionar que você deve colocar muito, muito pouco grafite, porque sempre haverá algum resíduo em seu todion, então você deve levar isso em consideração. Agora vou apenas adicionar a sombra. Isso é muito, muito importante para retirar a gota de orvalho do papel. Para dar uma aparência tridimensional, a sombra desempenha um papel muito, muito importante. Vamos apenas misturar isso. Vou apenas adicionar um pouco de grafite na parte superior. Agora, como nota lateral, devo mencionar que você também pode deixar sua gota de orvalho do jeito que está agora. Você não precisa necessariamente ter os padrões continuando dentro da gota de orvalho. Você pode considerá-los como um elemento decorativo, apenas em cima de sua composição, e isso também é totalmente normal. É uma escolha pessoal. Se você quiser fazer parecer que é apenas uma gota aleatória em sua composição, isso é totalmente legal. Mas se você quiser continuar seu design, seguimos o mesmo caminho. Deixaremos os espaços em branco ou os destaques vazios e não continuaremos com o design lá. Basicamente, continuaremos desenhando o design nas áreas cinzentas. Vamos fingir que ele se encaixa dentro da forma, dessa forma. Novamente, as linhas dentro da gota de orvalho não são muito lisas. Eles deveriam ser incompletos para criar a ilusão de uma gota de orvalho sobre um padrão. Tudo bem se elas não alinharem com o padrão externo, as linhas não precisam corresponder à posição exata. Agora, com o círculo final feito, terminamos esta pequena seção. Também quero mencionar o fato de que as gotas de orvalho tendem a funcionar melhor quando você tem linhas concêntricas, linhas retas ou linhas onduladas. Basicamente , padrões simples e pouco complexos em termos de detalhamento. Se você tem detalhes muito, muito complexos , a ilusão realmente não parece tão estética e os padrões não tendem a combinar muito bem por dentro e por fora da gota de orvalho. Você quer usar emaranhados e padrões mais simples quando se trata de usar gotas de orvalho em suas composições. De preferência, algo relacionado a linhas ou formas básicas, como triângulos, círculos, quadrados, etc. Também para sua referência, criei um diagrama rápido aqui indicando onde exatamente estão os realces e onde estão as sombras. Eu também incluí isso no documento de recursos da aula, então, se você quiser revisá-lo mais tarde para uma referência rápida, você sempre o terá disponível para download. Isso é tudo para gotas de orvalho e agora vamos passar para nossa próxima aula. 14. Aperfeiçoadores de emaranhados: faísca: O próximo intensificador de emaranhamento com o qual trabalharemos se chama Sparkle. Esse aprimorador de emaranhado ajuda a produzir um destaque criando uma pequena pausa em um traçado que você está desenhando. Pense nisso como um pequeno espaço em branco em um traçado que você está desenhando e isso criará um efeito cintilante , muito parecido com o que vemos brilhos nas ondas do mar. Como exemplo, vou mostrar algumas linhas onduladas aqui e vou propositadamente quebrar o traço em certas seções para criar um efeito cintilante. Olhando para isso, você provavelmente se lembra das ondas do mar e esse é o efeito que estamos buscando. Agora, também podemos aplicar isso às auras sempre que as preenchemos dentro de uma forma específica ou se você estiver tentando fazer linhas dentro de um emaranhado. Por exemplo, se quisermos criar auras aqui em um orbe, podemos quebrar o traço quase no mesmo ponto. Isso criará um pequeno destaque e parecerá que há um feixe de luz ou uma partícula de luz caindo em uma determinada seção da esfera, criando assim esse destaque. Da mesma forma, você pode fazer isso em um traçado direcional. Por exemplo, se você tem uma forma de gota de orvalho ou algo no formato de uma folha, então também podemos fazer alguns traços aqui desta forma. Agora vamos tentar aplicar isso ao motivo de espargos com o qual estávamos brincando e vamos tentar preenchê-lo com linhas pequenas. Agora, quanto mais próximas as linhas estiverem, mais intenso será seu brilho. Se você tiver muitas linhas unidas, que significa que você tem uma ilustração densamente preenchida ou um emaranhado densamente preenchido com muitas e muitas linhas , o destaque vai se destacar ainda mais. O efeito do brilho funciona muito bem quando as linhas estão bem juntas, mas é claro que você também pode fazer isso em linhas espaçadas. Agora, outra maneira de brilhar é criar áreas pretas acentuadas e muito escuras e deixar um espaço em branco nítido no meio. Pense nisso como [inaudível] com muitos traços juntos sem folga e, no meio, deixamos uma seção branca que funcionará como um destaque e que também é outra forma de brilhar. Também podemos fazer isso em fitas, ou também podemos fazer isso de forma variada onde podemos ter muitas e muitas áreas com tinta preta. Onde quer que tenhamos uma pequena curva ou se o motivo estiver girando ou se curvando em um determinado ponto, podemos destacar isso com a ajuda do brilho. Essa segunda abordagem de trabalhar com brilho dá muito mais drama e intensidade à sua composição. No desafio de 45 dias que eu organizei aqui no Skillshare, fizemos um exercício no qual usamos um pano emaranhado. Você pode ver que eu basicamente fiz com que parecessem tubos metálicos usando o efeito de brilho, porque parece que há um feixe de luz passando por esses pequenos tubos ondulados. Essa é a beleza de usar essa técnica de brilho intenso, então você também pode usá-la dessa maneira específica. O brilho nem sempre precisa estar apenas em linhas retas ou onduladas. Você também pode fazer isso totalmente em emaranhados circulares ou emaranhados radiais. Por exemplo, se você quiser fazer isso com braços estampados, que são um emaranhado inspirado em espiral, podemos criar um destaque dessa forma deixando pequenas seções vazias e podemos simplesmente fechá-las assim. Da mesma forma, se você tem uma forma abstrata e vai preenchê-la com auras internas, você pode propositadamente tentar quebrá-la exatamente no mesmo ponto para criar um pequeno destaque ali. Isso só faz com que o emaranhado pareça muito mais elegante e tenha um brilho metálico. Sempre podemos brincar com nossos emaranhados e criar esses pequenos destaques aqui e ali para criar profundidade e dimensão em nossa composição. Novamente, digamos que, se tivermos um retângulo, possamos preenchê-lo com brilhos assim , e isso também ajuda a adicionar muita textura à sua composição. Muito parecido com a forma como você veria essas quebras em troncos de madeira ou tábuas de madeira e muito semelhantes aos elementos que vemos na natureza. Novamente, isso lembra técnicas de ilustração realistas, mas como as estamos usando forma abstrata no método zentangle, elas realmente realçam sua composição e fazem com que ela pareça muito única. Eu encorajo você a experimentar isso em todos os designs e motivos que você esboçou até agora e, como sempre, adoraria ver suas imagens em andamento. Com isso, estamos prontos para passar para nossa próxima aula. 15. Estruturas de emaranhamento: Nesta lição, trabalharemos com diferentes tipos de estruturas emaranhadas. O que isso significa basicamente são maneiras diferentes pelas quais podemos organizar nossos emaranhados ou nossos motivos de design forma que pareçam atraentes e estéticos. Agora, vamos brincar com os motivos que já esboçamos. Mas esse aplicativo ou esse processo pode se aplicar a praticamente qualquer emaranhado que você verá no método Zentangle. Não se limita aos motivos que estamos fazendo na aula de hoje. Você pode aplicar essa técnica a literalmente todo e qualquer design disponível neste planeta. Vamos começar. Vamos mergulhar nisso e você terá uma ideia do que estou dizendo agora. A primeira técnica sobre a qual quero falar com você é a estratificação, que também é popularmente conhecida como técnica Hollibaugh no método Zentangle e a que isso basicamente se refere é a sensação de camadas nos motivos de design. Por exemplo, digamos que eu tenha um bastão como esse, e digamos que eu coloque outro bastão atrás dele desse jeito. Basicamente, criei uma camada no sentido de que alguns objetos estão mais altos ou acima de certos outros objetos que estão em segundo plano. Essa técnica se aplica não apenas aos bastões, mas a praticamente qualquer coisa. Por exemplo, há um emaranhado muito popular no método Zentangle chamado printemps, que é basicamente como espirais. Se eu desenhar assim, então eu volto e escondo parcialmente a outra espiral atrás desta. O que isso está me dando é chamado de efeito Hollibaugh. Claro que posso continuar indefinidamente. Nesse caso, esse está se escondendo atrás desse e assim por diante. Novamente, eu posso ir assim e fechá-lo assim. Basicamente, essa é a maneira mais comum de fazer o efeito Hollibaugh, onde colocamos objetos em camadas um atrás do outro e ele também pode funcionar bem com praticamente qualquer forma que tenhamos. Na verdade, vamos experimentar um dos motivos de design que estivemos esboçando todo esse tempo. Digamos, por exemplo, que temos essa folha e eu desenho uma folha assim, com qualquer detalhe que eu queira fazer dentro. Digamos que a folha tenha um desenho como esse e agora eu queira esconder outra folha para trás. Eu vou desenhar outro e isso é basicamente ficar escondido por trás desse jeito. Talvez outro possa estar surgindo daqui. Então, provavelmente outro pode sair daqui. Então, talvez haja outro como esse. Aqui, na verdade, também estou fazendo a folha ficar atrás das primaveras. É assim que conectamos diferentes designs na composição final para que todos pareçam coesos. Essa é uma das formas mais comuns de criar estruturas com seus emaranhados, ou basicamente apenas criar um motivo de design a partir deles, e você definitivamente deve ter visto esses designs na indústria de padrões de superfície onde muitas vezes você pode ver isso em tecidos, em uma manga para algodão, lençóis de cama e coisas assim. Esse padrão ou arranjo de um motivo é bastante comum e ajuda a criar camadas. Agora vamos para o nosso segundo tipo de arranjo, que são emaranhados dispersos. Emaranhados dispersos significam basicamente que não há camadas. Tomando emprestado da mesma ideia de folha. Se eu não os colocasse em camadas, mas digamos, eu apenas os conectasse no mesmo plano focal e eles tocassem em vez de se esconderem um atrás do outro, isso seria considerado um emaranhado disperso. Eles não estão se escondendo um atrás do outro, eles estão apenas conectados um ao outro. Da mesma forma com os printemps, se eu tivesse que fazer uma espiral assim. Então o segundo estaria tocando nele, não estaria indo por trás dele. O que isso significa é que, nessa abordagem específica, temos muitas lacunas vazias. Como se essa fosse uma lacuna vazia. Essa é uma lacuna vazia. Digamos que se eu tiver outra folha aqui, essa é uma lacuna vazia. Basicamente, temos lacunas vazias na abordagem dispersa, mas não temos lacunas vazias na abordagem que fizemos anteriormente, que é a abordagem Hollibaugh. Essa é basicamente a principal diferença entre as duas abordagens. Em uma das minhas outras aulas, que é o desafio de desenho de 45 dias aqui no Skillshare. Eu usei essa abordagem para criar esse design inspirado na forma dos campos. Novamente, até mesmo essa abordagem funciona muito bem em tecidos e é frequentemente usada no design de padrões de superfície para basicamente repetir o mesmo motivo repetidamente. Outro exemplo que posso dar da abordagem dispersa é baseado no design de couve-flor que fizemos anteriormente. Digamos que temos uma forma externa como essa. Então, dentro, temos as diferentes camadas, o que é basicamente como fazer os pedidos. Então, é claro, podemos detalhar isso. Mas então pode haver outra couve-flor simplesmente tocando nela assim. Então, da mesma forma que poderia haver outro assim. Basicamente, estamos apenas juntando os contornos de duas formas diferentes e essa é a abordagem dispersa. Mesmo com esse motivo em forma de U com o qual estamos brincando, digamos que temos um aqui, então poderíamos ter outro assim. Novamente, estou fazendo esboços muito aproximados apenas para ver como o motivo ficará quando estiver organizado dessa forma. Você pode brincar com quantos motivos quiser e fazer sua criatividade fluir, isso é apenas para debater e conversar consigo mesmo e ver quais motivos ficam melhores nesse arranjo. Agora, uma das coisas divertidas de fazer seu padrão ou seu emaranhado na abordagem dispersa é que você não precisa se preocupar com o tamanho do elemento. Você pode ter alguns dos elementos maiores e outros menores. Novamente, isso é algo que você poderá avaliar ao experimentar e tentar fazer isso de várias maneiras diferentes. aqui, por exemplo, estou brincando com esse motivo de tulipa e colocando-o em direções diferentes em diferentes ângulos e tamanhos diferentes. Essa abordagem dá uma aparência muito divertida e, devido à forma como as folhas se enrolam por dentro, dá um efeito muito divertido, divertido e emplumado. Talvez eu o use dessa maneira específica quando fazemos a composição final. A terceira abordagem que vamos experimentar é chamada de abordagem de fita e, nessa abordagem, basicamente temos fitas flutuando em nossa composição. Eles podem ser feitos de linhas onduladas ou retas ou linhas em ziguezague ou qualquer coisa, literalmente desde que pareçam pequenas seções ou faixas pequenas que se assemelham a diferentes tipos de fitas. Na verdade, quando você desenha essas fitas, elas nem precisam ter espessura consistente por toda parte. Você pode ter algumas fitas que vão de finas a grossas. Então, pode haver outros que vão do grosso ao magro. Ou você pode até mesmo brincar com alternativa fina, grossa e grossa. Basicamente, divirta-se. [RISOS]. Agora que tenho algumas fitas esboçadas aqui, vou mostrar como podemos repetir um motivo. Digamos que queiramos brincar com o formato da folha. Basicamente, posso ter minha folha se repetindo, ou teria sido assim. Basicamente, o que estamos vendo é uma banda e dentro dessa banda temos o mesmo design, que se repete repetidamente. Há o mesmo elemento que está sendo repetido. Também podemos fazer exatamente a mesma coisa com o motivo que se parece com tulipas. Mais uma vez, esses são apenas esboços para imaginar como seu design ficará quando organizado dessa maneira. É claro que você tem total liberdade para aperfeiçoá-los neste estágio específico, total liberdade para aperfeiçoá-los mas eu costumo mantê-los muito difíceis para não gastar toda a minha energia fazendo apenas esses exercícios, e gosto de realmente manter a maior parte da minha energia criativa para o projeto real. [Risos] É assim que eu funciono. Gosto de fazer muitos esboços e , eventualmente, fazer o polimento final na peça final. Mas cada pessoa tem seu próprio processo criativo, então, se você sentir que deseja aperfeiçoá-lo nesta fase, você é totalmente bem-vindo a fazê-lo. Agora, dentro dessas fitas, você também pode brincar com a orientação dos motivos internos. Não existe uma regra que diga que as tulipas devem estar todas voltadas para a mesma direção. Vamos fingir que essa lacuna aqui também é uma fita e aqui eu posso ter um motivo indo nessa direção e o outro elemento pode realmente ser o oposto, então isso vai dar uma aparência completamente diferente. Trazemos o outro assim. Na verdade, eu gosto muito dessa abordagem porque as bordas aqui , como a forma externa da tulipa, estão se tornando uma aura natural da anterior que desenhamos. Para esse design em particular, gostei mais dessa abordagem do que da anterior. Agora lembre-se desses aspargos que colocamos anteriormente. Na verdade, isso pode se tornar uma fita com muita facilidade, porque seu design é assim. Na verdade, as seções podem ser mais assim, então estou basicamente dando uma ordem às seções. Então, tínhamos aquela pequena folha acontecendo para que pudéssemos realmente fazer as coisas funcionarem assim. Acho que houve outro em que realmente fizemos isso assim, em que os fizemos alternar. Novamente, o que acontece dentro da fita está totalmente sob nosso controle. Basicamente, estamos apenas vendo como queremos repetir os mesmos traços porque, no final das contas, o Zentangle visa entrar em um estado mental meditativo. Isso coloca você em um estado de espírito muito relaxado e isso acontece quando você repete os mesmos traços repetidamente. Porque a repetição dos traços é o que ajuda você a entrar nesse estado de espírito relaxado. Basicamente, estamos procurando maneiras diferentes de repetir os traços. Da mesma forma que fizemos esta versão anterior do caule do aspargo com o caixão e os postes. Isso também pode se tornar uma fita e, na verdade, já é uma fita porque tem duas linhas retas paralelas que funcionam assim e então temos os detalhes internos. Mas essa mesma coisa também pode ser replicada de várias maneiras, onde podemos ter as seções e depois podemos ter o cofre. A única diferença seria que nesse caso, o caixote ficaria ao longo da borda externa, que é ondulada. Então, é claro, podemos ter os mesmos detalhes internos. Agora, a próxima abordagem que analisaremos para estruturas emaranhadas será uma abordagem empilhável. O que basicamente significa que você está empilhando exatamente o mesmo motivo um em cima do outro. Digamos que eu tenha uma pedra ou uma esfera parecida com essa. Basicamente, vou empilhá-lo um em cima do outro. O empilhamento geralmente acontece verticalmente, então estamos basicamente pensando em criar uma pilha e isso pode acontecer com qualquer motivo que você quiser. Na verdade, também podemos fazer isso por nossos motivos inspirados em tulipas. Enquanto estou desenhando isso, está ficando bem evidente para mim que esse arranjo ou essa estrutura não funcionará bem para esse motivo. Mas, novamente, esse é o objetivo desse exercício: basicamente examinarmos nossos motivos de design e tentarmos combinações diferentes com eles para ver o que vai funcionar e o que não funcionará eventualmente. Agora eu sei que isso não é uma abordagem ou não é uma raiz que eu quero seguir para esse fragmento ou elemento em particular. Agora, uma das coisas interessantes sobre empilhamento é que ele não precisa estar exatamente na mesma direção e pode ter uma certa rotação. O que quero dizer é basicamente combinar duas abordagens diferentes, que é a abordagem dispersa junto com a abordagem de empilhamento. A maneira de conseguir isso com sucesso é empilhando objetos, cada um com um certo grau de rotação. aqui, todas essas estruturas parecidas com seixos estão empilhadas umas sobre as outras. Mas cada um deles tem um certo grau de rotação, então basicamente não são exatamente como patos em uma fileira. [Risos] Eles estão um pouco aqui e ali. Agora que estou analisando essa abordagem, posso realmente experimentar essa forma de tulipa com essa abordagem e ver se ela fica melhor. Sim, acho que esse tipo de abordagem em que eu os empilho, mas também os giro, está funcionando muito melhor como uma opção empilhável para esse motivo de design específico. Agora, a vantagem de empilhá-lo assim é que ele pode realmente funcionar como uma borda para um design e pode funcionar como uma fita vertical. Também podemos usar isso como uma fita. Digamos que, se eu tiver bordas assim, isso possa se tornar um padrão maravilhoso dentro de uma fita. Novamente, possibilidades maravilhosas aqui quando você combina duas ou três abordagens diferentes. Então, finalmente, a última abordagem com a qual vamos trabalhar é chamada de abordagem radial, na qual basicamente imaginamos que existe um centro. Então, cada um dos nossos elementos está girando , como pétalas de flores radialmente ou como raios de sol. Se eu tivesse pedrinhas, elas circulariam assim. Com esse motivo de tulipa, vou imaginar que há um centro aqui. Eu vou fazer isso funcionar assim. Na verdade, neste caso, podemos fazer quatro pétalas e digamos que eu esteja funcionando assim, agora isso se torna um elemento automotivo completamente novo . Agora esse pode ser o seu bloco , que você pode realmente repetir em sua fita, então possibilidades divertidas mais uma vez lá. Basicamente, a abordagem radial consiste em imaginar que existe um centro e, em seguida, você simplesmente repete o motivo ao redor. Vamos ver outros exemplos. Por exemplo, temos isso como parte do caule. Podemos fingir que há um caule assim. Outro tipo desse tipo , neste caso, na verdade, não será como um ponto centro, porque essa parte desse caule era, na verdade, como uma haste grossa. Então, podemos fazer com que as seções funcionem assim e, em seguida, podemos preencher o que quisermos no meio. Agora, todo esse espaço vazio que você tem aqui no meio, isso pode ajudá-lo a construir mais projetos nele. Por exemplo, talvez eu possa ter algumas folhas ou caules assim. Ou aqui eu posso preencher a samambaia que experimentamos para que ela possa vir aqui, o que significa que estamos combinando dois motivos diferentes. Basicamente, você se diverte muito brincando e combinando diferentes motivos com diferentes realçadores e estruturas diferentes. Cada vez que você mistura e combina esses motivos com aprimoradores e estruturas diferentes, você sempre terá um resultado diferente. Cada resultado lhe dará muito mais variedade para jogar. Cada resultado ajudará você a criar uma coleção de motivos aparência perfeita e deixará você vez mais perto de identificar o tipo de design que você realmente gosta. É claro que, no processo, você está desenhando padrões repetidos repetidamente com traços repetitivos, você ficará cada vez mais confiante e ficará mais relaxado. Divirta-se, experimente esses designs e me diga o que você inventou. 16. Projeto de aula: desenho: Agora estamos prontos para começar a trabalhar em nosso projeto de aula e eu estou pronto aqui com meu papel de mídia mista de 15 centímetros quadrados. Mas, como mencionei anteriormente, você é totalmente livre para escolher o tamanho de papel que quiser, o que estiver facilmente disponível para você, o que for mais conveniente para você e, claro, também depende totalmente do seu nível de conforto tamanho que você deseja desenhar. Vamos começar com o estilo clássico de emaranhados, quatro pontos nos cantos e depois conectá-los às bordas. Agora, quero mencionar rapidamente que, se você é um emaranhador avançado e está confiante em sua capacidade trabalhar com composições abstratas , é totalmente bem-vindo a pular esta etapa. Mas se você gosta de trabalhar com o método clássico de emaranhamento , é claro que é recomendável fazer os pontos e as bordas. Pessoalmente, gosto de usar os pontos e as bordas até agora, porque sinto que isso só me ajuda a me aquecer, afasta meu medo de um papel em branco e me ajuda a ter o estado de espírito certo ao trabalhar em uma composição abstrata. A próxima etapa desse método de entrelaçamento é adicionar a string e, para a composição de hoje, achei que seria divertido trabalhar com uma string de loop triplo. Obviamente, novamente, se você é um emaranhador avançado, pode escolher qualquer outra corda de sua preferência, não precisa trabalhar na mesma corda que não precisa trabalhar na eu e é totalmente bem-vindo para personalizar e personalizar o projeto da maneira que quiser. Agora, voltando aos emaranhados, eu definitivamente quero usar alguns dos emaranhados que eu realmente gosto de desenvolver por meio nosso processo criativo nas últimas aulas. Um dos emaranhados em que eu realmente gostei de trabalhar foi o design inspirado em folhas tropicais, porque me deu uma atmosfera muito art déco e tem lindas linhas retas nítidas. Eu, como artista, geralmente costumo usar muitos designs orgânicos que são de designs orgânicos que são natureza muito fria, então, desta vez, até eu quero me esforçar de forma criativa e usar algo que seja um pouco mais rígido e um pouco mais estruturado do que meu estilo de desenho normal. Vou encaixar isso aqui. Novamente, essa é realmente uma ótima maneira mostrar que toda vez que você quer colocar um motivo em sua composição abstrata, ele não precisa necessariamente seguir a corda, então você não precisa apertar seu design ou não precisa controlar seu design apenas para caber no segmento formado pela corda. Você pode fazer com que ele flutue aleatoriamente em qualquer lugar seu design e ele não precisa seguir basicamente a forma. Agora, a próxima coisa que eu quero fazer é definitivamente incorporar o design da folha que adorei desenvolver, e vou usá-lo em uma abordagem dispersa. Mas mesmo na abordagem dispersa, vou fazer uma pequena variação e as folhas não vão se tocar completamente. Vou deixar muito espaço vazio. Eles são quase como folhas flutuantes ou fragmentos flutuantes. Em segundo plano, vou colocar outro padrão ou outro design. Essa é uma ótima maneira de colocar seus designs em camadas. Sempre que você quiser ter dois padrões em que eles quase sobreponham ou sobreponham um em cima do outro, você definitivamente pode deixar muito espaço vazio para que ambos tenham visibilidade suficiente em seu design e você sempre possa ter um mais se destaque ou destacar um pouco mais do que o plano de fundo usando apenas um pouco de truques de sombreamento aqui e ali. Definitivamente, veremos isso acontecer com esse design. Agora, para a seção aqui, eu quero usar algo desse design de abóbora que desenvolvemos, então vou usar quase um design de meia abóbora e vou retomá-lo neste ciclo. Esse também é, novamente, um bom exemplo para mostrar que essas linhas ou sequências que colocamos no papel são simplesmente diretrizes e não estão restringindo você de forma alguma. Você pode se sentir totalmente à vontade para ignorá-los ou simplesmente misturá-los ou ignorá-los totalmente, basicamente, [RISOS] se quiser fazer isso. Você pode brincar totalmente com as regras e se divertir. Agora, na parte inferior, vou tratar toda essa seção como uma fita e aqui vou colocar aquele design inspirado em letras, que acabou parecendo quase tulipas e vou usá-lo em um estilo rítmico, com o motivo alternando na parte superior e inferior. Como essa será minha composição final, estou fazendo isso com muito mais intenção e estou me concentrando muito mais meus traços, porque esses não são mais esboços e esse será meu design final. É claro que não estamos trabalhando com um lápis, estamos trabalhando com uma caneta aqui, que significa que não vamos apagar isso, então, no estilo emaranhado escolhido, se eu acabar cometendo um erro ou se eu acabar colocando um traço em algum lugar, que foi feito sem querer, então bem, isso não é realmente considerado um erro porque não há erros nisso método de emaranhar. Esse método de emaranhamento é muito indulgente porque não há regras, o que significa que não há erros. Mesmo que você acabe cometendo um derrame em algum lugar sem querer, você sempre pode voltar atrás e corrigi-lo de forma criativa. Pelo que você sabe, isso pode levar a um novo padrão ou a um novo emaranhado, então faça isso da forma mais intencional possível, mas se alguns traços aparecerem aqui e ali, bem, não se preocupe, porque essa é a alegria de trabalhar com emaranhado, literalmente sem erros nesse método. Agora, a próxima coisa que eu quero fazer é preencher a parte superior aqui com aquelas esferas que desenvolvemos, muito parecidas com luzes de fadas e elas realmente vieram daquela foto de brócolis e eu vou colocá-las aqui, quase como galões de pérolas ou quase como colares de pérolas, que estão flutuando aqui. Novamente, vou ignorar a corda aqui e transformar tudo isso em uma grande seção para mim, de modo que fique por trás daquele pequeno motivo de abóbora que desenhamos e também fixe o motivo da folha que desenhamos. Agora isso me deixa com aquele pequeno laço ali. Vou preenchê-lo com uma daquelas folhas que desenvolvemos olhando a imagem da couve-flor. Imaginando que isso é como uma única folha ou quase como a pétala de uma flor. Vou colocar isso aqui com talvez um ou dois saindo dos lados. Novamente, esse design parece muito simples, mas eventualmente, se voltarmos, podemos ver que isso veio à nossa cabeça, ou isso está realmente incluído neste projeto hoje porque vimos aquela imagem da couve-flor como referência. Toda vez que alimentamos nosso cérebro com muitas ideias visuais ou com muitos elementos visuais, fica mais fácil reproduzi-las no papel. Antes que você perceba, esses padrões simplesmente ficarão embutidos em sua memória e se tornarão uma segunda natureza. Basicamente, todo esse processo criativo que fizemos nas últimas aulas nunca nos decepcionou. Isso sempre ajuda a alimentar nossa criatividade de uma forma ou de outra. Agora, antes de preencher o padrão de fundo, estou adicionando rapidamente alguns detalhes às folhas e estou apenas criando aqueles pequenos caules com as auras. Em seguida, dando pequenos sopros. Todo o espaço vazio que eu tenho entre os puffs, eu os preencho com escurecimento porque isso só ajuda a criar contraste e também ajuda a fazer com que todo o elemento pareça muito polido. Os puffs também se destacam um pouco melhor quando você pinta os espaços vazios de preto. Agora vou acelerar um pouco o vídeo só para mostrar meu progresso, porque o processo é muito repetitivo. Basicamente, estou apenas colocando os folhados e os caules em todas essas folhas. Depois que todas as folhas estiverem prontas, passarei para o design em forma de alface ou de tulipa, como o chamamos. Em um dos emaranhamentos, brincamos com as folhas voltadas para dentro e depois adicionamos as auras para conectá-las. Eu estou basicamente fazendo isso aqui. É claro que você pode escolher qualquer um dos outros emaranhamentos. Esse é apenas o posicionamento que consegui fazer, dada a composição com a qual estou trabalhando. Mas se você estiver trabalhando com uma corda diferente ou se estiver trabalhando com uma composição diferente , suas tulipas seriam maiores ou menores que as minhas. Dependendo da escala do padrão, você pode escolher totalmente os detalhes que deseja adicionar no interior. Definitivamente, você pode pular as folhas se achar que isso vai ocupar muito espaço ou se quiser destacar as folhas de espaço ou se quiser uma maneira diferente , então você também é totalmente bem-vindo a fazer isso. Basicamente, sinta-se à vontade para usar suas próprias combinações e trabalhar com todas as possibilidades de design que você discutiu de forma criativa até agora. Agora, quando termino com essas folhas, estou basicamente adicionando alguns detalhes dentro desses motivos de tulipas. Estou tentando adicionar algumas linhas onduladas encaracoladas semelhantes ao design inspirado em treliça que fizemos no fragmento na parte superior com a lágrima. Estou basicamente imitando esse efeito no interior das tulipas. Novamente, apenas para criar alguma harmonia de design. Depois, todo aquele espaço restante entre as várias tulipas, que é todo aquele espaço vazio entre as auras. Só estou enchendo isso com puffs. Novamente, basicamente para adicionar alguns detalhes ao design e torná-lo um pouco mais ornamentado. Como sempre, você está livre para alterar esses designs e pode ignorar totalmente algumas dessas etapas ou adicionar algumas de suas próprias variações de design. Sinta-se à vontade para se divertir quando se trata dos detalhes. Novamente, esse processo de adição de detalhes é um pouco repetitivo. Eu só vou acelerar um pouco o vídeo para você. Obviamente, se você estiver trabalhando com detalhes diferentes e tiver uma composição um pouco diferente, poderá pausar o vídeo e voltar quando estiver pronto. Não tenha pressa. se apresse e, definitivamente, não siga a velocidade desses vídeos. [Risos] Não se apresse e faça isso com facilidade, atenção e conforto, e eu realmente não consigo inventar mais adjetivos, mas basicamente faça isso de uma maneira fácil. Agora que terminei minha fita, estou passando a adicionar o design inspirado em aspargos atrás das folhas, que basicamente agora se encarrega de preencher todo o meu papel e eu realmente não terei nenhuma lacuna vazia depois disso. Estou apenas adicionando linhas retas, não 100% retas. Estou propositadamente tentando mantê-los levemente orgânicos para que se pareçam com caules de aspargos. Apenas certifique-se de que eles se alinhem por trás dos padrões. Agora, vou rapidamente adicionar algumas seções aqui e dar a elas auras. Feito isso, agora vou usar a gravura como meu intensificador para animar isso como parte do design inspirado no caule. A gravação tende a levar muito tempo, mas acho isso altamente meditativo e muito relaxante, porque é simplesmente colocar a caneta no papel com tanta atenção, você quer controlar cada traço, você quer passar do escuro para o claro e você quer passar da alta pressão para a baixa pressão. É o equilíbrio perfeito entre atenção plena e diversão. Eu realmente adoro adicionar isso aos meus designs. Agora, mais uma vez, este é um exercício bastante repetitivo. Vou acelerar um pouco o vídeo para que você possa ver meu progresso. Mas, ao mesmo tempo, quero reiterar o fato de que você definitivamente pode pausar o vídeo e voltar quando estiver pronto. Você não precisa trabalhar no mesmo ritmo que eu. Você pode trabalhar mais rápido, pode trabalhar mais devagar e fazer quantas pausas quiser. Eu terminei a gravação, e agora, a próxima coisa que eu quero fazer é basicamente adicionar alguns detalhes às esferas que temos no canto superior esquerdo. Quero equilibrar isso com os elementos que tenho no canto inferior direito da minha composição. Como eu tenho esse motivo muito inspirado em art déco no canto inferior direito, quero adicionar um pouco de nitidez também quero adicionar um pouco de nitidez inspirada no canto superior esquerdo. Eu quero pegar essas bordas triangulares e colocá-las no canto superior esquerdo também. Na verdade, essa é uma das maneiras mais fáceis de alcançar harmonia em sua composição. Sempre que você tiver diferentes tipos de desenhos em sua composição, tente procurar certos elementos que possam ser usados para harmonizar o design. Tente procurar certos detalhes que possam ser trocados ou adicionados para fazer com que toda a composição pareça fazer parte da mesma família. Nesse caso, estou usando as pontas triangulares dessas folhas e adicionando-as às esferas no canto superior esquerdo. Parecem estar conectados ou relacionados entre si. Agora vou continuar adicionando isso a todos os meus orbes. Claro, você pode adicionar quantos detalhes quiser aqui. Mas também vou fazer algo com contraste de cores. Na parte inferior dessas esferas, vou continuar adicionando algumas auras. Mas no topo das esferas, vou pintá-las de preto. Quando eu sombrear essa composição, vou sombreá-la como cordas individuais ou como fitas em si mesmas. Cada uma dessas linhas em que as esferas estão aumentando de tamanho será tratada como uma fita separada. É assim que estou planejando dar vida a tudo isso. Mais uma vez, como essa é uma atividade bastante repetitiva, vou pular para mostrar a aparência da composição final nesta seção do bloco. Aqui, você pode ver que adicionar muita tinta preta na parte superior definitivamente me ajudou a criar contraste. Adicionar aquelas pequenas auras na metade inferior de cada uma dessas esferas me ajudou a conectá-la à folha tropical art déco no canto inferior direito da página. Definitivamente, tenho muito mais linhas angulares em andamento, no meu ladrilho agora. Agora, voltando a esta abóbora aqui, vou adicionar aquelas pequenas linhas que foram inspiradas na imagem do rabanete com melancia. Gosto muito do fato de que algo tão simples quanto adicionar peso às linhas pode criar muito impacto. Vou usar isso aqui no design inspirado na abóbora. Agora, mais uma vez, apenas um lembrete rápido de que todos esses pequenos detalhes que estou inserindo são baseados no brainstorming criativo que fiz nas últimas aulas. Mas se você usou um conjunto diferente de imagens, talvez tenha designs diferentes em sua coleção e um conjunto diferente de detalhes em seu repositório para brincar. Sinta-se à vontade para personalizar o design e se desviar do que estou fazendo aqui. Basicamente, divirta-se compondo um vídeo e não se esqueça de aproveitar o processo. Agora, novamente, isso é bastante repetitivo e vou continuar adicionando isso agora. Eu só vou acelerar isso e passar para a próxima fase. Chegando a essa folha única inspirada em couve-flor que fizemos com algumas outras pétalas florescendo, vou adicionar algumas linhas aqui e deixar um pouco de brilho no meio. Praticamente adicionando asas em um estilo de ilustração muito botânico, mas deixando um pouco de brilho no meio. Esse é o detalhe que eu gosto desse elemento em particular. Novamente, você pode usar qualquer outro detalhe de sua preferência. Você pode usar auras, pode usar cofres, pode adicionar outros detalhes que quiser aqui. Mas acho que quero adicionar mais algumas linhas aqui para fazer com que pareça uma pena, e quase como esse elemento aleatório de rabo de peixe flutuando no meu design. Agora, chegando ao último aqui, que é o design inspirado em folhas, vou adicionar caixotes. É como se tivéssemos esboçado esse desenho de feixe de cristal anteriormente. Dentro disso, vou seccioná-lo com mais algumas linhas angulares, o que, novamente, é um aceno para o canto superior esquerdo do olho, onde também fizemos as linhas angulares dentro das esferas com mais algumas linhas angulares, o que, novamente, é um aceno para o canto superior esquerdo do olho, onde também fizemos . Agora, isso basicamente ajuda a fazer com que todo o design pareça muito mais coeso e eles pareçam estar conectados um ao outro. Parece um design muito mais harmonizado. Feito isso, agora estamos prontos para começar a sombrear, o que faremos em nossa próxima lição. Eu encorajaria você a manter seu design completo antes de começar a próxima aula. Se você estiver trabalhando em um design um pouco diferente com imagens de referência diferentes, recomendo que você reserve um tempo e desenhe isso pacificamente e me encontre na próxima lição quando estiver completamente pronto para desenhar. Em seguida, começaremos a sombrear. 17. Projeto de aula: sombreamento: Agora estamos prontos para começar a sombrear nosso projeto e, para isso, precisamos escolher a orientação do desenho que mais gostamos. Agora, a melhor coisa sobre o Zentangle é que ele é uma forma de arte abstrata no final das contas e não há nenhum lado certo para esses desenhos. Você pode girá-lo da maneira que quiser e decidir por si mesmo como deseja emoldurá-lo ou como quer pendurá-lo, para poder decidir qual caminho será por cima e qual caminho será por baixo. Dedique alguns segundos, basta girar o desenho no sentido horário, no sentido anti-horário e escolher a orientação que você mais gosta para o desenho. Vou usar a ideia original que tive, onde eu tinha as esferas no canto superior esquerdo e esse pequeno Ruben na parte inferior. Agora vou começar a sombrear as esferas primeiro e quero tratá-las como Rubens. A primeira coisa que eu quero fazer é voltar às linhas de lápis originais que eu desenhei e vou escurecê-las um pouco para adicionar um pouco de grafite ao papel, e isso vai me ajudar quando eu começar a misturá-lo. Estou basicamente adicionando grafite a um dos lados dessas seções. Agora vou trazer meu tortillon e vou começar a misturá-lo levemente. Agora, com o grafite, sempre queremos ir aos poucos. Você não quer adicionar muito grafite no começo, porque então toda a composição tende a ficar muito escura. Queremos continuar adicionando camadas e camadas de grafite se você quiser que fique mais escuro, mas sempre começamos com um pouco no início e depois continuamos construindo a partir daí. Agora, ao compartilhar isso, você pode ver que estou propositadamente deixando um dos lados mais claro e, portanto, estou basicamente fazendo a transição do escuro para o claro usando meu tortillon muita delicadeza e criando um efeito de desvanecimento ou quase uma transição perfeita do escuro para o claro. Eu vou fazer o mesmo no resto das seções também. Vou apenas adicionar o grafite e depois começar a misturá-lo suavemente. Agora também queremos ter um pouco cuidado ao misturar, porque já existe uma pequena quantidade de grafite presente em nosso tortillon, que é o resíduo das camadas de grafite anteriores que desenhamos. Sempre que você estiver adicionando mais grafite, você deve levar em consideração o grafite que já está no tortillon. Essa também é a razão pela qual queremos ir pouco a pouco, porque o resíduo no tortillon também vai se somar à escuridão eventualmente no papel, então queremos continuar construindo gradualmente as camadas em vez de adicionar tudo de uma vez. Isso já parece bastante tridimensional neste estágio, mas vou voltar com meu lápis de grafite e escurecer algumas das bordas, que haja um pouco mais de contraste, e possamos realmente ver esses belos detalhes em preto com o grafite. As sombras estão ficando um pouco mais acentuadas e, por causa disso, os destaques também estão sendo aprimorados tornando-os um pouco mais escuros nessas bordas. Vou trazer meu tortillon e ajustar algumas dessas áreas e misturar tudo bem. A próxima coisa que eu quero fazer é esse motivo inspirado em meia abóbora. Para isso, quero manter um efeito fofo, quase um efeito de balão. Vou adicionar grafite nas bordas externas. Novamente, vou gradualmente transferi-los para os destaques. Quanto mais escuras forem as bordas desse design específico, mais você poderá definir as bordas e mais poderá se concentrar no contorno do design. Você também quer ter certeza de que está usando o tortillon de forma direcional e seguindo essas linhas externas e apenas refazendo seu caminho ao longo dessas linhas externas, para que as misturas sejam suaves e as transições também ocorram sem problemas. Agora, nem é preciso dizer que o sombreamento é subjetivo, e essa é apenas uma das muitas maneiras diferentes pelas quais você pode sombrear um motivo como esse. Se você quiser experimentar uma técnica diferente ou um estilo diferente de sombreamento, você é totalmente bem-vindo a fazer isso. aqui, sinto que adicionei um pouco de grafite demais e acho que comprometi o destaque por causa da adição de muito cinza. Eu só vou voltar com uma borracha. Esta é uma borracha de precisão que eu tenho, que tem a forma de um lápis com um pequeno pincel prático na parte de trás. Isso me ajuda a criar linhas brancas limpas em meus desenhos de grafite ou carvão. Obviamente, você também pode fazer isso com uma borracha comum, mas acho que a borracha de precisão um pouco mais fácil de trabalhar e também um pouco mais rápida de trabalhar, pois ajuda você a obter destaques realmente nítidos muito rapidamente, em vez de tentar manobrar sua borracha grossa pelas bordas. Agora eu também vou fazer rapidamente o outro lado. O processo continua o mesmo, a única diferença é que desta vez as sombras estão à direita e depois os destaques estão à esquerda. Novamente, isso é completamente diferente das regras convencionais de sombreamento porque na verdade não temos uma fonte de luz de foco aqui , então estamos colocando nossas sombras e realces em qualquer lugar que quisermos de maneira decorativa, em vez de realista. Isso é basicamente para melhorar o emaranhado, em vez de focar no trabalho realista de luz e sombra aqui. Sinta-se à vontade para brincar e quebrar as regras quando se trata de luz e sombra aqui. Basta adicionar alguns toques finais com mais grafite para acentuar essas bordas e também para criar algum contraste. Em seguida, vou trabalhar no design inspirado na época dos espargos. Aqui, na verdade, não preciso de muito grafite porque um efeito de sombreamento natural já foi criado com a caneta, graças ao efeito antienvelhecimento. Vou usar muito pouco grafite e na verdade, confiar mais no resíduo que já está no tortilhão. Vou criar essas belas misturas suaves e adicionar levemente grafite nessas hastes aqui e ali. O antienvelhecimento aqui, na verdade, já está se adaptando muito bem ao design ou ao sombreamento, porque já está nos dando uma dica ou uma dica de onde devemos colocar nosso grafite. Já sabemos que é mais escuro na parte inferior e mais claro na parte superior. Quando adicionamos o grafite, queremos ter certeza de que estamos apenas seguindo a mesma rota e criando uma mistura suave por lá. Estou tomando muito cuidado aqui para não levar meu grafite até o topo em cada uma dessas seções, então quero ter certeza que algumas dessas bordas superiores ainda permaneçam brancas e para que tenhamos uma boa transição suave em vez de totalmente cinza. Não quero que passe do preto para o cinza, quero que passe do preto para o branco então quero ter certeza de que alguns desses destaques ainda estejam aparecendo. Agora, a próxima coisa que queremos fazer são os buffs nessas folhas. Para isso, vou adicionar pequenas linhas sorridentes ou traços dentro de cada um desses buffs. Então eu vou trazer minha torção e misturá-la bem. Isso só vai dar um acabamento quase perolado. Temos essa leve sombra e o resto é como se estivesse brilhando bem. Deixe-me realmente dar uma olhada mais de perto nisso. Vamos apenas adicionar os pequenos smileys com um lápis de grafite. Você quer ter certeza de que seu lápis está bem afiado aqui. Porque se o lápis estiver sem corte, você acabará adicionando muito grafite extra desnecessariamente. Você quer ter certeza de que o lápis está bonito e afiado. Está acontecendo de uma maneira muito precisa. Em seguida, colocamos a tortilla e misturamos bem. Quando você olha de longe, essas partes parecerão objetos metálicos brilhantes ou muito parecidas com pérolas envoltas nesse formato de folha. Eu só vou acelerar isso um pouco porque esse é um processo bastante repetitivo. Eu quero que você reserve seu tempo terminar bem cada uma dessas curvas. Provavelmente, essa também pode ser uma oportunidade para você pausar o vídeo e fazer uma pequena pausa antes de voltar e continuar com o processo de sombreamento. Faça isso no seu próprio ritmo. Não há nenhuma pressa. Agora, quando terminarmos com esses detalhes internos, vou voltar para essas folhas e dar-lhes uma sombra. Vou contornar as bordas e dar elas uma bela aparência tridimensional adicionando uma sombra. Novamente, não temos realmente uma fonte de luz aqui para referência. Vou colocar as sombras aproximadamente no lado direito de cada uma dessas folhas. Apenas certifique-se de que as sombras estejam fazendo com que pareçam elevadas em relação ao design dos espargos. Por exemplo, agora que estou adicionando os retoques finais aqui, você pode ver que eles parecem estar sentados em cima ou flutuando em cima do padrão de aspargos. Novamente, esse é outro estilo de sombreamento decorativo para apenas elevar seu design. Ele não precisa seguir as regras do sombreamento convencional. Estamos simplesmente aprimorando o design aqui e ali de uma forma abstrata. Estou apenas contornando parcialmente cada uma das folhas e não girando completamente em 360 graus ao redor delas. Só me certificando de escolher um lado e adicionar um pouco de sombra ali. Agora, vamos trabalhar nesse elemento que foi inspirado na folha. aqui, vamos fazer o sombreamento do caixão primeiro, onde estou apenas adicionando um pouco de grafite nas bordas internas. Vou misturá-lo bem e dar um efeito tridimensional. Nas seções internas, eu não as estou realmente sombreando, mas estou simplesmente colorindo-as. Vou alternar preto e branco aqui adicionando o grafite. Novamente, basta misturar bem para garantir que o grafite penetre no dente do papel. Em seguida, vou repetir os mesmos passos para as outras seções da folha também. Agora, a fita na parte inferior é bem pesada quando se trata de detalhes. Então, vou tratar tudo isso como uma única entidade. Vou apenas ir até as bordas, adicionar o grafite e criar um belo feixe de luz no centro. Não vou me concentrar muito nos detalhes individuais quando se trata do sombreamento. Porque já há muita coisa acontecendo em termos de design, e não quero que os olhos se sintam confusos quando analisamos o design. Acho que toda essa banda pode ser tratada como uma entidade. Vou apenas criar um belo feixe de luz no centro. Novamente, isso lhe dará um acabamento muito metálico semelhante a um cubo. Isso me lembra aqueles lindos colares metálicos ou dourados usados pelas deusas gregas antigamente. Por causa dos detalhes ornamentados, parece totalmente um elemento de joalheria quebrado como um colar, ou quase como uma pulseira. Definitivamente estou gostando da onda daqui. Por último, mas não menos importante, vamos fazer aquele pequeno elemento emplumado ali, que foi inspirado nas folhas de couve-flor, mas agora parece muito com a cauda de um peixe tímido, eu acho. [Risos] Vamos apenas adicionar um pouco de grafite ali. Estou dependendo do resíduo que já está na minha torção. Não estou adicionando nenhum grafite adicional aqui. Só estou brincando com a pressão na torção. Apenas acentuando aquela pequena curva com mais grafite, deixando o branco brilhante como fizemos originalmente com nossa caneta e adicionando alguns tons e destaques aqui e ali. Basicamente, brincando com os vários graus de cinza. Com isso, finalmente terminamos de sombrear esse estilo. Estou muito feliz com a forma como isso aconteceu. Também estou muito feliz por ter tido a chance fazer isso com vocês e mostrar meu processo exato. Durante o processo de filmagem desta aula, até eu pude adicionar muitas novas ideias de design à minha coleção. Então, estou muito animado para ver tudo o que você inventou. Não se esqueça de postar uma foto do seu estilo finalizado na seção do projeto, onde ficarei mais do que feliz em dar meu feedback. Se você tiver alguma dúvida sobre o projeto, ou se tiver alguma dúvida sobre ferramentas ou suprimentos, você sempre pode colocá-la na guia de discussões, que também está logo abaixo deste vídeo. Com isso, terminamos esse projeto. Estou ansioso para compartilhar alguns dos meus pensamentos finais com todos vocês. 18. Considerações finais: Parabéns por terminar o curso e fazer seu lindo projeto. Eu realmente espero que esta aula tenha sido útil para você e que tenha lhe dado um pouco mais de confiança quando se trata desenvolver seus próprios padrões e motivos. Agora, antes de terminarmos a aula, quero compartilhar algumas reflexões finais com todos vocês. Em primeiro lugar, se você estiver interessado em seguir em frente com sua jornada no Zentangle e quiser acompanhar minhas próximas aulas, recomendo que clique no botão Seguir logo acima deste vídeo. Dessa forma, você se inscreverá para receber minhas notificações no Skillshare e será o primeiro a saber sempre que eu lançar uma nova aula ou uma aula bônus, ou quando eu planejar um sorteio e tiver outros anúncios interessantes a fazer. Também quero lhe dar um lembrete rápido para publicar seu projeto na seção de projetos e recursos, que está abaixo deste vídeo, para que eu possa dar meus comentários. Prometo que vou analisar cada projeto que todos vocês publicarem. Em seguida, o Skillshare é uma plataforma voltada para estudantes, e todas as suas opiniões e avaliações ajudam professores como eu a continuar adicionando mais aulas por aqui. Se você gostaria de ver mais das minhas aulas e gostou de assistir a esta, deixe um comentário sobre isso abaixo deste vídeo. avaliações garantem que todas as minhas aulas e minha presença no Skillshare continuem avançando e que eu possa continuar criando conteúdo mais valioso para você. Isso me leva ao próximo ponto, então, se você tiver alguma sugestão para aulas futuras, coloque-a na guia de discussões abaixo deste vídeo. Levo todas as suas sugestões e recomendações muito a sério e adoro planejar aulas de acordo com as solicitações dos meus alunos. 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Por último, mas não menos importante, não se esqueça de baixar o documento de recursos da aula que contém todas as fotos que usamos na aula de hoje, junto com algumas imagens adicionais recomendadas da minha parte. Isso o ajudará a praticar ainda mais e desenvolver ainda mais designs. É isso por hoje, e nos vemos em breve em outra aula empolgante. Tchau.