Aquarela sem medo: simplificando cenas de rua complexas com confiança

1. Boas-vindas ao curso!: Olá a todos, e bem-vindos à aula de hoje sobre pintura de uma cena de rua chuvosa E estou muito empolgada com aula de hoje porque vamos aprender como detalhar os princípios fundamentais da aquarela e descobrir como podemos pegar uma cena complexa e realmente dividi-la em uma imagem muito cativante Quando você olha para esta pintura, parece que ela está cheia de pequenos detalhes. Mas, na verdade, quando você aumenta o zoom, você vê que são formas abstratas. E os princípios que usaremos demonstram e nos mostram como podemos eliminar complexidade e usar a espontaneidade do meio para criar verdadeiramente encantadores e cativantes Uma das coisas mais importantes sobre a aquarela é se desapegar e permitir que a aquarela fale por si mesma e deixe a magia brilhar E se nos concentrarmos demais em controlar a técnica e forçar a imagem , perderemos essa magia Portanto, essa é uma aula perfeita para nos fazer relaxar e confiar no processo Realmente não importa o resultado final. Tudo o que importa é se permitir ver como o pigmento se move e não ter medo de onde ele pode levá-lo Sou artista profissional há muitos anos, explorando muitos assuntos diferentes, explorando muitos assuntos diferentes, desde vida selvagem e retratos até paisagens urbanas e fraudes Sempre fiquei fascinado com as possibilidades da aquarela Mas quando comecei, não tinha ideia de por onde começar ou como melhorar. Eu não sabia quais suprimentos eu precisava, como criar os efeitos que eu queria ou quais cores misturar. Agora, participei de muitas exposições mundiais, apareci em revistas e tive a sorte de ganhar prêmios de organizações respeitadas, como a International Watercolor Society, a Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton e a SAA Windsor and Newton e A aquarela pode ser assustadora para quem está começando, é por isso que meu objetivo é ajudar você a se sentir relaxado e aproveitar esse meio passo a passo Hoje, vou guiá-lo por uma pintura completa, demonstrando uma variedade de técnicas e explicando como uso todos os meus suprimentos e materiais Se você está apenas começando ou já tem alguma experiência, você poderá acompanhar no seu próprio ritmo e melhorar suas habilidades em aquarela Se essa aula for muito desafiadora ou muito fácil para você, tenho uma variedade de aulas disponíveis em diferentes níveis de habilidade. Gosto de começar com uma abordagem de expressão livre, sem medo de cometer erros, pois criamos texturas interessantes para a Conforme a pintura progride, adicionaremos mais detalhes para dar vida a ela e destacá-la Eu me esforço para simplificar assuntos complexos em formas mais fáceis que incentivem a diversão Ao longo desta aula, compartilharei muitas dicas e truques. Vou te mostrar como transformar erros em oportunidades, tirando o estresse da pintura para se divertir. Também fornecerei meus gráficos de mistura de aquarela, que são uma ferramenta inestimável quando se trata de escolher e misturar Se você tiver alguma dúvida, você pode publicá-la no tópico de discussão abaixo. Com certeza lerei e responderei a todas as ideias que você postar. Não se esqueça de me seguir no Skillshare clicando no botão Seguir na Isso significa que você será o primeiro a saber quando eu lançar uma nova aula ou publicar brindes Você também pode me seguir no Instagram em Will Elliston para ver meus trabalhos mais recentes Então, se você quiser levar sua pintura em aquarela para o próximo nível, esta é a aula para você, porque vou mostrar como você pode ser solto e expressivo e ao mesmo tempo, obter um resultado muito cativante 2. Seu projeto: Muito obrigado por escolher esta aula. Eu realmente agradeço isso, como sempre. Eu realmente acho que você achará essa aula muito útil porque vamos praticar técnicas que podem parecer assustadoras, e você realmente precisa mergulhar nesse processo para que funcione E é por meio desse desapego e permitir que a aquarela fale por si mesma que realmente faz a magia brilhar Agora, não se preocupe se sua resolução não for exatamente como a minha. Eu nunca poderia pintar a mesma pintura novamente porque estou permitindo que a aquarela faça grande parte do trabalho para mim Portanto, a maneira como acompanhamos a pintura é usando princípios de contraste e cores quentes e cores escuras e contraste de tom ou claro e escuro e textura. Então, quando pensamos sobre o que está faltando ou como construir a composição, isso nos mostra. Não precisamos pensar em detalhes, por assim dizer. Porque se você ampliar a pintura, verá que, na verdade, ela é bastante abstrata exceto por algumas coisas que a unem, todas são sugestões de detalhes e não detalhes em si Portanto, confie no processo e espero que, no final, sua pintura se encaixe e seja uma peça única que tenha um toque, que é o mais importante Na seção de recursos, adicionei uma imagem em alta resolução da minha pintura finalizada para ajudar a guiá-lo. Você pode seguir exatamente minha pintura ou experimentar sua própria composição. Como vamos nos concentrar no aspecto de pintura da aquarela, forneci modelos que você pode usar para ajudar a transferir ou traçar o esboço antes de É bom traçar ao usá-lo como um guia para aprender a pintar. É importante ter o desenho correto para que você possa relaxar e se divertir aprendendo o próprio meio de aquarela Seja qual for a direção que você seguir nesta aula, seria ótimo ver seus resultados e as pinturas que você cria por meio Adoro dar feedback aos meus alunos. Então, tire uma foto depois e compartilhe-a na galeria de projetos do aluno na guia Projeto e Recursos. Sempre fico intrigado ao ver quantos alunos têm abordagens diferentes e como eles progridem em cada aula Eu adoraria ouvir sobre seu processo e o que você aprendeu ao longo do caminho, ou se você teve alguma dificuldade. Eu recomendo fortemente que vocês dêem uma olhada no trabalho um do outro na galeria de projetos estudantis. É muito inspirador ver o trabalho um do outro e extremamente reconfortante receber o apoio de seus colegas Portanto, não se esqueçam de curtir e comentar o trabalho um do outro. 3. Materiais e suprimentos (comprimidos): Então, vamos examinar todos os materiais e suprimentos que vou usar na lição de hoje. Ter os materiais certos pode impactar muito o resultado de sua obra de arte Então, vou revisar todos os suprimentos que uso para esta aula e além. É muito útil tê-los à sua disposição e facilitarão o acompanhamento. Vamos começar com as tintas em si. E, como a maioria dos materiais que usaremos hoje, isso tem muito a ver com a preferência. Tenho 12 cores estáveis na minha paleta que preencho com tubos Eles são amarelo cádmio, amarelo cha, siena queimada, vermelho cádmio, carmesim sarin, azul ultramarino, azul cobalto, azul cerliu, lavanda, roxo, preto Vidu e, no final da pintura, costumo usar guash branco para pequenos destaques. Eu não uso nenhuma marca em particular. Essas cores você pode obter de qualquer marca. Embora eu pessoalmente use tintas Daniel Smith, Windsor Newton ou Holbein Então, vamos passar para os pincéis. O pincel que eu mais uso é um pincel redondo sintético, como esse pincel ascoda pla ou esse pincel Van Gogh Eles são muito versáteis, porque você não só pode usá-los para trabalhos detalhados com suas pontas finas. Mas como eles podem reter muita água, eles também são bons para lavagens Eles também são bastante acessíveis, então eu tenho alguns em tamanhos diferentes. Em seguida, estão os pincéis de esfregão. pincéis Mop são bons para pinceladas amplas, preenchendo grandes áreas e criando transições ou lavagens suaves Eles também têm uma boa dica que pode ser usada para detalhes menores. Mas para detalhes muito pequenos, destaques ou qualquer coisa que precise de mais precisão, eu uso um pincel sintético tamanho zero. Todas as marcas os têm e são super baratos. Outro pincel útil é um pincel de caligrafia chinesa Eles tendem a ter cerdas longas e uma ponta muito pontiaguda. Eles são perfeitos para adicionar textura ou criar linhas dinâmicas em suas pinturas. Você pode até mesmo espalhá-los assim para obter texturas de pelos ou penas E isso é tudo para pincéis, em papel. Quanto melhor a qualidade do papel, mais fácil será pintar. papel barato enruga facilmente e é muito implacável, não permitindo que você É mais difícil criar efeitos atraentes e aplicar técnicas úteis, como remover o pigmento. No entanto, papéis de boa qualidade, como o papel à base de algodão, não só permitem que você refaça os erros várias vezes, mas como o pigmento reage muito melhor a ele, as chances de erros são muito menores e você terá mais chances de criar pinturas Eu uso papel arqueado porque é o que está disponível na minha loja de arte local Um spray de água é absolutamente essencial. Ao usar isso, você terá mais tempo para pintar as áreas desejadas antes de secar. Também permite reativar a tinta se quiser adicionar uma linha suave ou remover um pouco de tinta Também tenho um pano velho ou uma camiseta, que usei para limpar meu pincel Limpar a tinta antes de mergulhá-la na água fará com que a água dure muito mais tempo É sempre útil ter um lenço à mão durante a pintura para retirar o excesso de tinta. Além disso, você nunca sabe quando pode ocorrer um respingo ou gotejamento indesejado que precise ser removido rapidamente Também tenho um conta-gotas para manter as tintas molhadas. Ao pintar, é importante que eles tenham uma consistência semelhante à dos tubos. Dessa forma, é mais fácil coletar pigmento suficiente. É útil ter um secador de cabelo para acelerar o tempo de secagem e controlar a umidade do papel. E por último, fita adesiva. E isso, é claro, serve apenas para segurar o papel ainda na superfície para impedir que ele deslize enquanto pinta Além disso, se você planeja pintar até a borda, permitiremos que você crie uma borda limpa e nítida E isso é tudo que você precisa para pintar junto. Eu sugiro que você experimente e explore todos os tipos diferentes de materiais para ver o que combina com você. Mas vamos continuar e começar a pintura. 4. Como esboçar: Nesta aula, incluí dois modelos de traçado, um com formas simples e outro com todos os detalhes da cena, como os edifícios, as janelas, os carros e as luzes A primeira coisa que você deve fazer se estiver desenhando isso sozinho é marcar a linha do horizonte e, em seguida, colocar um ponto exatamente onde todas as linhas de perspectiva levam, conhecido como ponto de fuga Vou apenas girar o papel desenhando linhas bem retas, e isso ajudará a nos guiar por toda a pintura, não apenas pelo desenho, a profundidade que queremos criar Essa será uma maneira muito útil de nos guiar quando se trata de pinceladas ou finalizar o desenho E eu sempre começo com formas grandes, então estou marcando um círculo lá para um dos carros, e enquanto passamos por essa aula hoje durante o processo de pintura, vou explicar um pouco mais sobre a composição. No momento, estamos apenas esboçando, e você pode ver que não estou colocando nenhum detalhe para começar Estou apenas bloqueando formas porque esse é o cerne de uma boa composição que é a simplificação Não queremos nos preocupar com detalhes. Queremos que a imagem principal, a mensagem principal, as formas principais sejam precisas primeiro. Se pudermos criar uma imagem poderosa apenas com algumas formas fortes, poderemos adicionar detalhes depois disso, apenas como um bônus. Mas não são os detalhes que formam uma pintura , são as formas maiores e suas interações. Eu coloquei linhas para o prédio, contornos, blocos muito simples, e agora estou apenas colocando esses círculos, tentando obter uma percepção espacial de onde eu quero colocar os carros Há quatro carros. Um deles é tão pequeno à distância que, na verdade, quase não é concebível como um carro Você pode ver, estou tentando tornar minhas verticais muito fortes. Ter o equilíbrio de verticais com horizontais fortes também é um truque composicional agradável Quando se trata de desenhar esses carros, usaremos esse ponto de fuga e essas linhas diagonais para tornar a perspectiva correta Agora, usando a ponta fina do meu lápis, só para definir os edifícios terão um pouco mais de detalhes agora que os bloqueamos. E podemos levar o tempo que quisermos para que a pintura seja tão detalhada quanto quisermos , porque ela é a espinha dorsal É realmente o que nos deixa mais confortáveis com o desenho, quanto mais claro ele for, maior a probabilidade nossa pintura ser um sucesso, porque conheceremos o plano, a ideia dele Assim, você pode dedicar um tempo para ver como estou desenhando esses carros e pode pausá-los e desacelerá-los só para ver em quais linhas eu faço Eu costumo limpar a janela primeiro na parte superior e depois as luzes do carro, e depois o capô nas rodas na parte inferior, então eu trabalho de cima para baixo Se você pensar bem , são formas totalmente simples Eles são uma coisa muito simples de desenhar. Se você nunca desenhou isso antes, pode ser um pouco difícil de aprender, mas é sempre a mesma coisa quando você desenha carros. Não precisamos ser tão específicos sobre detalhes diferentes. Na verdade, esses carros são a única coisa na pintura que tem muitos detalhes. Talvez façamos algumas marcas de pincel seco nas janelas, mas é muito generalizado A fase de desenho, é claro, é apenas uma linha. Não podemos demonstrar onde estarão os diferentes tons. Temos que deixar isso para nossa imaginação. Mas você pode ver que há muito espaço vazio em ambos os lados da estrada. Colocando uma diretriz para as janelas, vou pintar mais tarde. Mas, além disso, é apenas um espaço vazio. Estou sempre tentando ter consciência de onde está esse ponto de fuga, e não vou ignorar isso porque também quero ver onde está quando estou pintando Eventualmente, a tinta a cobrirá, então não precisamos esfregá-la. Agora, vou levar um pouco mais de tempo para refinar o desenho, então voltarei quando estiver totalmente pronto 5. Como aplicar fluido de mascaramento: A primeira etapa do procedimento de pintura, na verdade antes mesmo de tirarmos a tinta do papel, é aplicar um pouco de fluido de mascaramento E você pode ver, eu não estou realmente aplicando o fluido de máscara diretamente no papel Eu tenho uma paleta um pouco antiga aqui e estou usando um pequeno bastão apenas para aplicá-la nas áreas específicas E embora isso possa parecer um pouco complicado, o resultado final será muito impactante, pois usaremos muito o tom e aproveitaremos tom e aproveitaremos os fortes contrastes para tornar isso Então, preservar esse branco do papel parecerá muito ousado no final, e a cena que estamos pintando hoje é uma cena chuvosa ao pôr do sol, na verdade Não haverá luz. Grande parte da luz será artificial, iluminação pública e coisas assim. Então é isso que essas pequenas marcas de fluido de mascaramento vão transmitir no final, ou na rua, nas placas de sinalização, nas fachadas das lojas Esse é um bom exemplo do que quero dizer nesta lição. O ponto de repetição é que não vou ser tão específico com os detalhes Há apenas sugestões de detalhes, e deixamos a imaginação do espectador preencher as lacunas, seja consciente ou não de que não precisamos ser tão diretos com nossos detalhes. Assim, você pode ser experimental o quanto quiser ao aplicar esse fluido de mascaramento Eu direi, não deixe muitas marcas grandes. Mesmo esses pequenos pontos que estou colocando lá serão muito óbvios por causa do alto contraste entre os tons branco e escuro Portanto, se você colocar suas marcas ou preservar muito do branco do papel, isso será avassalador, distrairá o ponto vocal Mesmo quando estou aplicando isso, você pode ver que estou girando esse bastão, esse ponto, para marcar que estou preservando esses pontos, eles estão voltados para aquele Estou girando o bastão para que ele atraia você para o centro Não estou tentando deixar isso muito óbvio. Eles não estão todos alinhados um com o outro, mas você pode sentir que, à medida que se aproximam desse ponto de fuga, ficam mais próximos e mais densos e, à medida que se espalham pelas bordas do papel, ficam um pouco mais espaçados 6. Pintando o céu: Agora, certifiquei-me de usar um secador de cabelo para secar completamente o fluido de máscara Quero que você dê uma olhada na imagem final para ver onde essas áreas preservadas de branco foram parar. Eu não espero que você acompanhe a pintura sem antes assistir até o fim, só para ver como ela funciona, porque muita aquarela é uma preparação para as coisas no final. Você pode estar fazendo coisas sem contexto É sempre útil examinar todo o processo antes de tentar você mesmo. Estou começando do céu usando amarelo cádmio e um pouco de azul, e estou fazendo isso tão fraco que na verdade não vai se misturar com um verde como o amarelo e o azul normalmente fariam misturar com um verde como o amarelo e o azul normalmente Eu quero ter um forte contraste na pintura, então eu não quero que o céu fique tão escuro. Eu quero que exista, mas seja muito sutil. Estou usando um pincel grande para isso porque se você usar um pincel pequeno, não será um céu suave com gradiente Eu vou ser muito perturbador. Se há muita coisa acontecendo no céu, só precisa ser sutil. Eu tenho minha pintura levemente inclinada. Para que a água caia gradualmente, e estamos usando essa gravidade para ajudar a controlar para onde vai o refrigerador de água Porque se o papel estiver plano na superfície, você não saberá para onde a água será derramada se houver muita água ou onde você cria suas lavagens Mas se você tem uma leve inclinação, você sempre sabe que está indo para baixo e haverá uma unidade na pintura, porque todo o pigmento terá essa sensação, essa essência vertical Então, eu fiz uma lavagem leve para o céu, mas está um pouco pálido demais na parte inferior Quero que fique um pouco mais vívido na parte inferior enquanto ainda está molhado Estou adicionando um pouco mais amarelo para dar aquele brilho Essa primeira etapa da pintura é, na verdade, a mais fácil porque estamos pintando as coisas menos óbvias. Estamos pintando a camada inferior. Assim, podemos ser um pouco mais expressivos. Não precisamos pensar em detalhes neste estágio. E eu quero aplicar, eu quero aumentar essa lavagem nos edifícios, na verdade, para dar pouco de calor aos edifícios, como se houvesse luz artificial brilhando E, novamente, veja a imagem final para ver do que estou falando com o amarelo no prédio do lado esquerdo. Porque quando começamos uma pintura como essa, é fácil pensar: precisamos ser precisos e exatos em precisamos ser precisos e cada pincelada. Mas, na verdade, a beleza dessa peça e água em geral está em sua espontaneidade, em sua energia E a ideia principal dessa aula não é se atolar na perfeição técnica, mas abraçar a fluidez da aquarela E a maneira como lidamos com o pincel, o fluxo da água e a imprevisibilidade dos pigmentos, tudo isso dá vida ao trabalho Trata-se de capturar um momento ou uma sensação em vez de reproduzir cada pequeno detalhe Porque se você tentar replicá-la o mais próximo possível sem permitir que a aquarela faça suas próprias coisas, grande parte da magia será perdida Por exemplo, quando você pinta esse brilho amarelo do prédio à esquerda, a água pode não derramar exatamente nas mesmas áreas que acontece comigo só por causa da espontaneidade do meio 7. A primeira lavagem: Então, estou trazendo esse amarelo para a estrada além dos carros. E estou fazendo isso porque estou tentando imitar o reflexo de uma estrada molhada Então, esses prédios terão luz amarela. O céu ficará um pouco amarelo e só dará aquela sensação de luz. Estamos usando a técnica molhada sobre molhada no momento. Portanto, não há muitas bordas rígidas por enquanto. Então, enquanto trabalhamos para esta pintura, lembre-se de que nosso objetivo é transmitir a vibração e o movimento da cena E nossos traços não precisam ser precisos. Na verdade, quanto mais soltos eles são, mais convidamos a imaginação do espectador a preencher as lacunas A qualidade expressiva desse meio é o que o torna tão poderoso Não estamos pintando uma fotografia, é claro, estamos criando uma interpretação dinâmica e evocativa que deixa espaço para Claro, eu sei que essa cena parece opressora no começo Há muita coisa acontecendo. Temos carros, prédios, luzes de rua, reflexos, etc Mas quero garantir que não é tão complexo quanto parece E mesmo para mim, às vezes eu faço com que seja mais complicado do que precisa ser. Muitas vezes, quando termino a pintura, acho que poderia ter feito isso muito mais rápido se permitisse que a aquarela fizesse sua mágica, sem interferir Muitas vezes, quando eu interfiro, eu realmente faço com que seja mais complicado do que precisa ser. Não acrescenta nada à pintura, retira. Há uma encarnação natural de querer exagerar para controlar o meio E, claro, a técnica faz parte disso. Você precisa conhecer a técnica, mas não é a técnica que faz a pintura no final. Quando o dividimos, na verdade, trata-se apenas de camadas de cores, formas e luz. E não estamos tentando renderizar cada janela do carro, cada tijolo do prédio, cada luz da rua, cada texto da estrada. Estamos nos concentrando no clima e na atmosfera gerais. E estamos fazendo isso simplificando os formulários. Alguns traços bem posicionados podem sugerir algo sem defini-lo totalmente E isso é, na verdade, o mais difícil é encontrar aqueles traços bem posicionados E isso acontece por meio de explorar e ser destemido, que é exatamente o objetivo desta aula Quando entendemos isso, todo o processo de pintura se torna muito mais acessível Portanto, tente não se sentir intimidado porque, trabalhando livremente, estamos nos libertando da pressão da perfeição E você pode ver nesta pintura que 75% do tempo, é uma bagunça. E são apenas os últimos traços de detalhes no final que os mantêm unidos Cada pintura começa bagunçada. Isso é apenas parte da jornada. É nesses primórdios abstratos que começamos a construir a energia na peça final No momento, ainda estou trabalhando no brilho dos edifícios, mas estou me certificando de não pintar sobre os carros Estou baixando até o teto dos carros e, além do meio da estrada, essa laranja não está ultrapassando a linha do horizonte Você pode ver o ponto de fuga. No momento, mal está passando por baixo disso. Novamente, você pode olhar a imagem final para ver de onde estou tirando essa laranja. Outra coisa é não se deixar levar por resultados ruins, porque no começo, quando você é estudante, eles serão feios Mas esse patinho feio acabará se transformando em um Se você mantiver esse hábito de respeitar o meio aquarela e permitir que ele faça seu trabalho sem forçá-lo, ele crescerá e você amadurecerá como artista 8. Sugestão sobre precisão: Agora vou estender essa lavagem para o lado direito, e quero usar um pouco de vermelho forte para isso, e vou ser bastante expressiva usando meu pincel de esfregão, talvez até conseguir algumas marcas de pincel seco, talvez até conseguir algumas marcas de pincel seco, e você pode ver usando linhas verticais e também linhas que apontam para o ponto de fuga Só para ter aquele brilho. Esse brilho vermelho está na parte inferior, onde estarão as luzes da rua , ou nas placas de sinalização, ou nas fachadas das lojas, onde a luz artificial sairá das janelas e placas e brilhará na parte inferior dos edifícios e não na parte Vou apenas limpar meu pincel e jogar um pouco de água no canto inferior esquerdo da estrada apenas para adicionar um pouco mais de textura e uma sensação de gotas molhadas Acho que o que torna a aquarela tão especial é que ela convida à sugestão ao invés Se ampliarmos qualquer parte dessa pintura, se você observar a referência, notará que o que parece um detalhe longe são, na verdade, apenas alguns respingos ou marcas gestuais abstratas, e essa é Estamos sugerindo detalhes sem realmente pintar uma coisinha meticulosamente Quando sugerimos em vez de definir, permitimos essa interação com o espectador e sua imaginação Isso torna a pintura mais interativa e envolvente. Estamos guiando o olho, mas estamos deixando espaço para interpretação E o espectador pode olhar para a cena e sentir imediatamente a energia agitada da rua, o brilho da luz na calçada molhada sem precisar ver cada carro ou pessoa Na verdade, acho que não há nenhuma pessoa na cena, apenas uma sugestão, talvez nas sombras É o clima, é a atmosfera futura. E a abordagem de sugerir em vez de renderizar é um dos principais elementos a serem adotados quando se trata especificamente de aquarela Também me relaciono com outros meios, mas ajuda a criar uma pintura que pareça viva Estou começando a pintar um dos prédios ao longe e estou mantendo a luz e o tom porque quero aumentar a atmosfera. O realismo é, obviamente, muito impressionante, o talento e a técnica quais eles passaram anos trabalhando Mas isso não permite que o espectador preencha as lacunas. Isso torna a pintura mais pessoal, mas mais evocativa, e é aí que o verdadeiro poder da aquarela está em sua capacidade de sugerir algo e deixá-lo se desenrolar na algo e deixá-lo se desenrolar na 9. Caos e controle: Agora, eu o sequei completamente com o secador de cabelo e vou começar a pintar a lavagem principal dos prédios agora. Vou misturar um tom bem escuro, mas mantendo-o bem aguado, não será um pigmento espesso Vou mantê-lo bem neutro, bem marrom e suave. Usando a ponta do meu pincel, meu pincel ascoda perla Outra coisa a acrescentar é que embora estejamos trabalhando com espontaneidade, ainda precisamos de uma composição subjacente forte, uma ideia em nossa mente que nos guie por toda a pintura Isso também ajudará a guiar o olhar do espectador pela pintura. É aí que o equilíbrio entre caos e controle entra em jogo. Usamos composição e contraste para ordenar a fluidez Pense em onde colocamos os valores mais escuros ou os destaques mais brilhantes, e esses pontos de contraste não apenas criam profundidade, mas também direcionam a atenção para as áreas focais da pintura, que basicamente seriam a linha do horizonte ou o ponto de fuga onde tudo se junta Ele dá sua estrutura e propósito, apesar da natureza abstrata da peça em geral. Essa estrutura ou composição de uma pintura pode ser resumida em alguns princípios simples, e há princípios que interagem entre si, por isso é bastante dinâmico. Mas, em geral, qualquer pessoa pode seguir esses princípios, independentemente do seu nível de habilidade. Não estamos confiando em técnicas avançadas. Em vez de nos concentrarmos nos princípios da composição e nos elementos do design, que são os alicerces de qualquer pintura forte. E todos os mestres e artistas profissionais usam esses princípios de composição e elementos de design para destacar suas obras de arte e o que as torna tão especiais Simplificando, quando falamos sobre composição, estamos falando sobre como organizamos os elementos de nossa pintura para criar equilíbrio, movimento e foco. Por exemplo, usamos contraste para direcionar a atenção do espectador para as áreas mais importantes. Pensamos em equilíbrio, não necessariamente simetria, mas em um equilíbrio visual que faz com que a peça pareça coesa Guiamos o olho pela pintura com movimento usando linhas, formas ou até transições de cores Ao mesmo tempo, os elementos do design, como linha, forma, cor, textura e espaço, nos ajudam a dar vida à composição. A linha pode criar direção e ritmo, enquanto contraste entre claro e escuro dá profundidade e clima. Todas essas coisas se juntam para formar uma pintura que parece intencional e também expressiva 10. Contre-jour: Então, estou apenas esfregando um pouco dessa laranja aqui porque está um pouco escura demais. Eu estou no centro aqui. Eu só quero trazer de volta aquele amarelo. Então, estou apenas molhando novamente com meu pincel para recuperar o amarelo Então, estabelecemos a camada inferior e estamos começando a trabalhar em cima dela com tons mais escuros agora Como eu disse antes, contraste é um dos elementos e princípios mais poderosos de design e composição. E um dos esquemas de iluminação mais populares que você pode usar para uma pintura é algo chamado contrade E essa cena é um bom exemplo disso. É um termo francês que se traduz como “contra a luz do dia”. E essa técnica envolve colocar uma fonte de luz atrás dos objetos, neste caso, os edifícios, criando um contraste impressionante entre luz e sombra. É um método poderoso que pode evocar emoção e drama em nossas pinturas, tornando-o particularmente relevante para esta peça Você pode ver como ele desempenha um papel vital porque molda a atmosfera geral. Na verdade, também facilita a pintura porque, ao posicionar a fonte de luz atrás de edifícios e elementos da rua, criamos silhuetas que se destacam contra o Essa abordagem não apenas aumenta o interesse visual, mas também contribui para a sensação de profundidade e dimensionalidade da pintura Quando observamos as luzes brilhantes da rua e os tons quentes refletidos na calçada molhada, fica claro como a contradição nos permite explorar a interação explorar a As áreas claras chamam nossa atenção enquanto as regiões escuras criam contraste na tensão, fazendo com que a cena pareça viva e dinâmica. Esse contraste aumenta o impacto emocional da pintura. Você pode ver muitos desses exemplos contraditórios em obras de arte muito famosas ou até mesmo William Turner ou Mone usam com maestria essa técnica em Você pode ver Turner com suas paisagens atmosféricas, cenas frequentemente pintadas em que a luz do sol se espalha pela tela, criando silhuetas dramáticas E nas pinturas de Monet, podemos ver como ele usou o contraste para realçar a vibração da natureza, permitindo que a luz do sol se filtre pelas árvores ou ilumine campos com muitas cores Portanto, ao trabalhar em suas próprias pinturas, tente não se esquivar de experimentar o contrade Brinque com o posicionamento da fonte de luz e observe como ela transforma o objeto Observe como as sombras podem realmente definir formas e criar uma sensação de mistério que convida o espectador a olhar mais de perto e a Portanto, o Contradur é mais do que apenas uma técnica. É uma forma de expressar a relação entre energia clara e escura e tranquilidade. Isso nos permite explorar a profundidade emocional de nossos assuntos e transmitir uma história por meio de nossas pinceladas Então, à medida que continuamos com esta pintura, vamos ter em mente o poder da luz e da sombra e como o contradur pode nos guiar para criar mais interessantes e convidativas Então, comecei as formas principais à esquerda e estou usando apenas a ponta do meu pincel para levar a água até as bordas desses carros. Tente não pintar os carros ainda. Agora estou usando um pigmento escuro apenas para criar esse contraste entre o carro e o fundo da estrada E você pode ver como o fluido de mascaramento ainda está preservando o papel, e precisamos desse contraste para que o branco do papel se destaque 11. Os princípios da composição: Agora vamos falar um pouco mais sobre os princípios e elementos da composição porque são essas coisas que podem ajudar a desenvolver suas próprias composições e suas próprias pinturas Ao conhecer esses princípios, você terá uma melhor compreensão sobre o que estou tentando alcançar e o que outros artistas estão tentando alcançar. Você pode observar essas coisas em outras obras de arte de que talvez goste e pode integrá-las às suas À medida que eu os examino, você verá que, na verdade, há muitos cruzamentos porque tudo é muito dinâmico e eles se relacionam , embora não sejam tecnicamente iguais O primeiro sobre o qual falaremos é equilíbrio ou simetria e assimetria equilíbrio na composição tem tudo a ver com criar uma sensação de estabilidade e harmonia em uma pintura. É um dos princípios fundamentais que podemos usar para guiar olhar do espectador e criar uma sensação de coesão em nosso trabalho Na aquarela, o equilíbrio não significa que tudo tenha que ser simétrico ou com o mesmo peso nos dois lados É sobre como distribuímos elementos visuais, sejam cores, formas ou valores, alcançando uma sensação de equilíbrio como um Simetria se refere à criação de um equilíbrio espelhando elementos em ambos os lados da composição Pense em um reflexo na água ou em um edifício perfeitamente centralizado em uma paisagem A simetria geralmente evoca uma sensação de calma ou ordem Por exemplo, em uma cena de rua, ao colocar um objeto grande como um prédio no meio da composição com elementos visuais iguais em ambos os lados, ele pode criar uma sensação equilibrada e harmoniosa Composições simétricas podem ser formadas ou estruturadas, que lhes confere uma qualidade clássica atemporal No entanto, precisamos ter cuidado com a simetria, porque se tudo estiver perfeitamente equilibrado, às vezes pode parecer um pouco artificial, um pouco estático ou É excelente para certos efeitos, mas usá-lo em excesso pode tornar a sensação da composição menos dinâmica. Outro exemplo pode estar em uma paisagem. Se você tiver árvores simétricas em ambos os lados, enquanto o equilíbrio é mantido, o golpe pode parecer um pouco estruturado demais e carece de movimento É aí que entra a assimetria. A assimetria traz uma sensação de energia, movimento e interesse a uma pintura Trata-se de criar equilíbrio usando elementos diferentes em cada lado da composição. Mas não são imagens espelhadas. Em vez disso, podemos colocar uma forma maior em um lado e equilibrá-la , temos um grupo de elementos menores no outro. Ainda é equilibrado, mas de uma forma que parece mais espontânea e dinâmica Com essa cena de rua, por exemplo, dá para perceber que ela não é simétrica nos dois lados, mas é bem equilibrada No lado esquerdo, temos edifícios grandes e, no lado direito, também temos edifícios, também temos edifícios, mas eles não são simétricos, mas têm o mesmo peso Da mesma forma com os carros, embora ainda não tenhamos pintado os carros, podemos ver que há dois carros de um lado e dois carros do outro. Mas você tem um carro menor com um carro maior, e isso se equilibra, se você puder imaginá-los em uma escala Isso se equilibra porque o carro maior está mais longe do centro e os dois maiores, outros carros, não estão tão distantes, estão mais perto do centro Mas também há outras maneiras de distribuir o peso visual. Podemos usar as luzes da rua. Podemos usar figuras, possivelmente. Portanto, a pintura permanece equilibrada, mas parece mais viva e menos previsível do que a simetria estrita 12. Equilíbrio: Agora eu me sinto um pouco mais ousada, então vou usar um pigmento bem espesso e vou continuar com essa mistura roxa que misturei na minha E eu quero que seja espesso porque se integrará quando adicionarmos mais água posteriormente e criará alguns efeitos espontâneos Novamente, estamos permitindo que a aquarela faça sua mágica. Então, eu não tenho medo realmente acumular o pigmento espesso No momento, são efeitos de pincel muito secos. Também estou planejando o futuro. Então você pode ver na imagem final, novamente, que temos roxo aqui. Nós temos laranja, e eu vou adicionar verde turquesa lá também E essas são cores terciárias. Se você tivesse cores primárias, se observasse a roda cores primárias e depois girasse a roda de cores, veria que elas se alinham como as cores primárias, roxo, verde turquesa Eles funcionam juntos de uma forma bonita, um pouco como cores complementares, mas de três maneiras em vez de duas maneiras. Então, eu sei que estamos cobrindo muito desse vermelho, mas esse vermelho é um pigmento muito bom porque mancha o papel e, mais tarde, vamos usar uma espátula ou você pode usar uma faca comum ou uma régua para raspar um pouco do pigmento e expor um pouco dessa cor vibrante expor Mas você verá como chegaremos a isso mais tarde. Só estou explicando quais são minhas intenções para o futuro. A aquarela é particularmente adequada à assimetria devido à sua natureza espontânea Podemos deixar a lavagem fluir de forma desigual pelo papel ou permitir que uma área permaneça clara e arejada enquanto a outra é preenchida com tons e texturas mais escuros e ousados tons e texturas mais escuros As composições assimétricas geralmente parecem mais orgânicas, como o próprio mundo natural, onde as coisas raramente estão perfeitamente equilibradas em uma imagem espelhada, mas ainda Também é importante pensar no peso visual ao considerar o equilíbrio, porque luz visual se refere à quantidade de atenção que os diferentes elementos da composição atraem. Portanto, um objeto escuro grande atrairá naturalmente mais a atenção do que um objeto pequeno e claro. Assim, podemos brincar com esses relacionamentos para alcançar o equilíbrio. Um carro pequeno, mas de cores vivas, pode equilibrar um edifício de tom neutro muito maior porque a cor chama a atenção Da mesma forma, uma árvore escura e altamente detalhada pode ser equilibrada por um céu claro e aberto do outro lado da pintura. Nem sempre se trata de tamanho. Às vezes, trata-se de cor, textura ou até mesmo de quão ocupada ou silenciosa é uma área da pintura. Uma das coisas interessantes sobre assimetria é como ela cria uma sensação de movimento Obviamente, não queremos ter um equilíbrio perfeito, porque o olho se move naturalmente pela pintura, explorando diferentes elementos. Esse movimento mantém o espectador engajado, incentivando-o a permanecer e descobrir novos detalhes Também nos dá a chance de brincar com a direção, talvez levando o olho para um ponto focal ou guiando-o por um caminho na rua, no rio ou nas estradas, subindo a calçada, subindo a calçada, Portanto, a melhor maneira de se familiarizar com o equilíbrio, seja ele simétrico ou assimétrico , é experimentar, brincar com diferentes composições seja ele simétrico ou assimétrico, é experimentar, brincar com diferentes composições em seus esboços em miniatura. Tente colocar um ponto focal no ponto morto para uma composição simétrica, quase como esta, na verdade Em seguida, desloque-o para um lado para ver a assimetria e observe como a energia da pintura muda ao fazer coisas assim 13. Usando contraste: E lembre-se sempre de que o equilíbrio não significa que tudo é igual. Isso significa que tudo parece bem junto. Se você está usando simetria para calma e ordem ou assimetria para energia Queremos que nossas composições pareçam estar trabalhando em harmonia, mesmo quando adotamos a bela imprevisibilidade da aquarela bela imprevisibilidade da Sei que há muitas coisas acontecendo na pintura que estou fazendo, e não estou necessariamente explicando cada etapa do processo, quais cores específicas estou usando, etc., etc. Mas se você já viu minhas outras aulas, você pode ver minha paleta lá e você pode saber quais cores eu tenho e você pode me ver misturando elas e você pode retroceder em qualquer seção Na verdade, acho que é mais importante e você encontrará mais crescimento em suas pinturas ao ouvir esses princípios. E conceitos sobre arte em geral. E falando nisso, vamos passar para o próximo princípio, que é, obviamente, contraste, e é uma das ferramentas mais poderosas que temos para criar interesse visual, profundidade e foco em nossas pinturas em aquarela É essencialmente sobre opostos. Claro versus escuro, macio versus duro, suave versus áspero, quente versus frio, etc., etc., e como essas oposições podem trabalhar juntas para guiar o olhar do espectador, criar uma sensação de drama e focar certas áreas de nossa pintura Normalmente, a primeira coisa em que pensamos quando se trata contraste é claro e escuro. E isso é conhecido como contraste de valor. Ao colocar valores de luz ao lado de valores escuros, criamos uma diferença visual impressionante que chama a atenção. Luz contra escuridão é como fazemos com que certas áreas de uma pintura se destaquem. Por exemplo, nesta pintura, no ponto de fuga onde todas essas luzes se juntam, onde é muito denso com fluido de mascaramento Temos uma área concentrada de áreas contrastantes que realmente atrai o foco para essa área E você pode ver que, à medida que nos expandimos, esse contraste quase se dissipa porque não é tão denso ou próximo Digamos que quiséssemos adicionar figuras a essa cena. Você sabe, estamos pintando uma cena de rua ao pôr do sol. Se quiséssemos que o espectador se concentrasse em uma figura específica ou em um edifício específico, poderíamos colocá-lo em um fundo contrastante Imagine uma figura uma camisa branca em frente a um desses prédios escuros, paredes sombreadas, por exemplo, a camisa brilhante chamará imediatamente a atenção do espectador devido ao forte contraste entre os valores claros e escuros E do outro lado, se a mesma figura estivesse usando uma jaqueta escura e encostada em uma parede igualmente escura, elas se misturariam ao fundo, e o contraste seria muito mais fraco e a figura muito menos perceptível O contraste entre valores claros e escuros é fundamental para criar profundidade. Na aquarela, tendemos a usar lavagens claras para afastar as áreas e lavagens mais escuras para puxar os elementos para E você pode ver que em primeiro plano, nas bordas do papel, nosso uso de pigmento aqui é muito espesso, muito preto, e no centro, à distância, esse é o prédio mais claro que temos, aquele tipo de tom roxo que Mas isso vai além de uma cena urbana. Pode ser uma paisagem com montanhas distantes que podem ser pintadas em azuis e cinzas claros, enquanto as árvores em primeiro plano são de cinza escuro Portanto, é o contraste entre a luz e a escuridão que cria uma sensação de profundidade e liberdade. 14. Bordas de achados e perdidos: E depois há bordas duras e macias ou, como às vezes é conhecido, bordas perdidas e achadas. Obviamente, bordas rígidas são onde uma forma ou cor termina bruscamente e outra começa, criando um limite definido Então, temos bordas suaves, onde, é claro, duas áreas se misturam suavemente uma com a outra. E, em alguns casos, é tão gradual que você nem consegue ver a borda. É uma vantagem perdida, como é conhecida porque não há uma separação clara. Na aquarela, temos muito controle sobre as bordas, a quantidade de água que usamos e como aplicamos a tinta Bordas duras podem ser criadas usando menos água e deixando uma camada de tinta secar completamente antes de adicionar a próxima. Já as bordas suaves, por outro lado, podem ser obtidas usando técnicas úmidas em úmidas, permitindo que as cores se misturem e se misturem Grande parte dessa pintura está molhada e molhada. E olhando para a tela, agora você pode ver onde estão as bordas duras e as bordas suaves. No momento, há muitas bordas suaves, muitas áreas indefinidas Mas, ao concluirmos a pintura, mais tarde, você verá mais bordas duras aparecendo porque estamos focando no úmido sobre o úmido no momento, então é aí que as bordas suaves realmente se destacam. Bordas duras são ótimas para chamar a atenção para áreas específicas da pintura, como o ponto focal. Por exemplo, quando pintamos todas aquelas lâmpadas de rua, que, novamente, no ponto de fuga, podemos usar bordas duras Quando retiramos esse fluido de mascaramento, elas serão bordas muito duras porque o fluido de mascaramento tem bordas duras, não uma borda gradual Talvez queiramos suavizar alguns deles, mas, por exemplo, com o que farei mais tarde, você pode ver a imagem de referência final As luzes dos carros, embora tenhamos usado fita adesiva, têm uma borda dura Na verdade, suavize-os , porque eu não quero que eles recebam muita atenção porque não são o ponto focal Não quero que eles se distraiam da gaveta central da composição É isso que as bordas rígidas fazem. Bordas suaves podem ser usadas para criar uma sensação de atmosfera ou distância. Nessa cena, você pode ver os edifícios distantes têm bordas mais suaves, sugerindo que eles estão mais distantes, é claro, e nós os estamos vendo através da poluição cidade, da névoa ou da visibilidade que surge no crepúsculo . Esse contraste entre o primeiro plano com bordas rígidas e fundo com bordas suaves representa profundidade Há muitas coisas a serem consideradas porque precisamos pensar em maneiras de integrá-las à sua composição. Mas, por meio da repetição, você pode reter esses conceitos e descobrirá que eles aparecem em seu trabalho por meio da intuição Você nem precisa pensar neles. Eventualmente, eles têm uma noção do que parece certo. Mas, como eu acho, é repetição. Então você tem texturas lisas e ásperas. O contraste de textura é outra ferramenta poderosa, especialmente em aquarela, onde podemos criar texturas variando a forma como aplicamos a tinta e o tipo de pincelada Obviamente, texturas suaves são obtidas até mesmo com lavagens controladas, enquanto texturas ásperas podem ser criadas com técnicas de pincel seco ou respingando ou retirando a tinta com uma esponja ou raspando 15. Suave e áspera: Imagine que estamos pintando uma rua de paralelepípedos. Podemos usar pinceladas ásperas ou quebradas para sugerir a textura das pedras, contrastando com a suave ondulação do céu acima Esse contraste entre textura lisa e áspera adiciona interesse tátil à pintura e convida o espectador a imaginar a sensação das diferentes superfícies contraste na textura também pode criar uma sensação de variedade e entusiasmo visual. Se tudo na pintura tiver a mesma textura, seja tudo liso ou áspero, a composição pode começar a parecer monótona Ao variar as texturas e colocar áreas lisas ao lado das ásperas e do mar, podemos manter o olhar do espectador se movendo ao redor da pintura, tornando-a mais Agora vamos falar sobre contraste de cores, especialmente entre cores quentes e frias. É outra forma eficaz de adicionar dinamismo à sua pintura Cores quentes como vermelhos, laranjas e amarelos tendem a avançar Eles se sentem mais próximos do espectador. Enquanto cores frias como azuis, verdes e roxos tendem a diminuir, criando uma sensação de criando uma sensação Podemos usar esse contraste de temperatura para criar profundidade ou destacar determinadas áreas. Olhando para essa cena que estamos pintando hoje, eu praticamente quebrei essa regra porque tenho cores frias em primeiro plano e tenho aquele amarelo alaranjado brilhante indo até a distância Talvez eu tenha aqueles prédios distantes de roxo, que podem ser considerados uma cor fria, mas isso mostra que às vezes você pode quebrar as regras. Mas talvez se eu refizesse essa pintura e pensasse em todos os aspectos dela, talvez a composição melhorasse se eu mantivesse as cores quentes à em primeiro plano e só tivesse cores frias Também há um aspecto emocional quando se trata de cores. Geralmente cores quentes evocam sensações de calor, claro, energia e luz, enquanto cores frias evocam calma, enquanto cores frias evocam serenidade Então, em um sentido mais abstrato, podemos usar cores quentes e frias para criar movimento e foco na composição, um toque quente de vermelho em uma área fria Na verdade, vamos fazer isso à esquerda. Você pode ver aqueles pequenos destaques vermelhos. Eu respingei na última etapa da pintura. Esse contraste do vermelho na composição azul imediatamente chama a atenção por causa desse forte contraste na temperatura da cor 16. Guie o olho do espectador: Então, todos esses princípios de composição ajudam a guiar os olhos do espectador de maneiras diferentes, e o contraste não é exceção a isso. Ao posicionar estrategicamente áreas de alto contraste próximas às áreas de baixo contraste, podemos controlar o fluxo da composição e garantir que os olhos do espectador cheguem onde queremos Por exemplo, digamos que estamos pintando uma cena de mercado movimentada. A cena geral pode ser preenchida com muitos valores de tons médios e texturas suaves e desfocadas Mas poderíamos colocar uma figura em primeiro plano com detalhes nítidos e forte contraste de valores, talvez uma figura escura contra um fundo claro, e isso imediatamente chamará a atenção do espectador para essa figura por causa do contraste, tornando-a o ponto focal da pintura E a partir daí, o olho do espectador pode explorar os detalhes ao redor, mas esse ponto inicial de alto contraste atua como uma âncora visual E o contraste também pode ajudar a criar ritmo em uma pintura, guiando o olhar do espectador em uma jornada. Então, depois dessa inicial, aquela âncora visual, que pode explorar em torno da pintura em uma paisagem, podemos alternar entre áreas de valores claros e escuros, a fim conduzir o olho do primeiro plano para o meio, e depois para os e depois O contraste ajuda a criar uma sensação de movimento e fluxo, além de tornar a pintura mais dinâmica e envolvente. E então podemos incorporar a ideia de equilíbrio de contraste. Portanto, embora o contraste seja uma ferramenta poderosa, também é importante usá-lo com cuidado, porque muito contraste pode fazer com que uma pintura pareça caótica ou avassaladora, enquanto muito pouco pode fazer com que O segredo é encontrar um equilíbrio adequado ao clima e à mensagem da peça. O que você quer transmitir? Esse é o tipo de pergunta que você precisa se perguntar antes de começar uma pintura, na verdade. Claro, está em sua mente enquanto você está pintando, mas quando você está olhando para um assunto, você tem que perguntar: o que é que eu estou tentando transmitir Mantenha essa mensagem e ideia firmes em sua mente. E então você poderá estruturar essas ideias de composição em torno dessa ideia. Na aquarela, temos a vantagem de trabalhar com transparência, que naturalmente se presta a contrastes sutis Na verdade, não precisamos confiar em oposições severas ou severas para criar impacto No entanto, como você pode ver nesta pintura, é exatamente isso que estamos fazendo. Estamos usando contraste intenso porque é isso que esta pintura, é isso que eu queria transmitir nesta pintura É uma cena chuvosa ao pôr do sol em uma cidade, e talvez as pessoas estejam correndo para chegar em casa, então esse contraste aumenta a sensação de energia Agora, se fosse uma cena rural sem carros e sem muitas figuras, talvez eu quisesse transmitir que há tranquilidade lá, então talvez eu não usasse oposições tão duras para Às vezes, o contraste mais suave entre uma lavagem suave e uma um pouco mais escura é suficiente para criar profundidade e interesse, dependendo da mensagem que você deseja Há todo um espectro desses contrastes e elementos que se integram à mensagem que você deseja transmitir É assim que a emoção e o sentimento podem ser incorporados às suas pinturas. 17. Exemplos de contraste: Você pode ver que estou começando a usar minha espátula para raspar a tinta, e você tem que fazer isso com um certo nível Não pode estar totalmente encharcado. O pigmento tem que ser maleável. Caso contrário, você verá que ele volta correndo. Você pode ver, na verdade, quando eu tento à minha esquerda, você pode ver as cores brilhantes por baixo, mas como ainda está muito úmido, elas são imediatamente cobertas depois Então eu tenho que ter cuidado para não exagerar ou talvez esperar um pouco mais tarde e voltar porque está um pouco molhado. Eu posso mover seções grandes como essa, mas ainda não consigo fazer linhas finas como fiz do outro lado. Podemos ver como a cor que manchou o papel abaixo está aparecendo E o divertido excesso de tinta deixado na superfície dessa espátula para sugerir detalhes sobre Não é necessário fazer isso assim, mas estou pensando, por que não? Eu tenho a tinta na minha paleta? Não precisa ser super detalhado. É apenas uma sugestão de detalhes, em vez de detalhes altamente planejados e pensados. Se você ainda não percebeu, pode ver que adicionei linhas à esquerda do anúncio, no lado esquerdo da rua, para ajudar a direcionar a atenção do espectador para o centro. E agora você pode começar a ver ao redor, se girar no sentido horário, a composição, todas as várias linhas que eu sugeri para sugerir uma espécie de visão do meio, onde está o ponto de fuga Então, deixe-me dar alguns exemplos de contraste em aquarela Por exemplo, uma paisagem urbana, se você quiser experimentar a sua própria, contraste pode ser usado entre as formas rígidas e angulares dos edifícios e o céu suave ou os reflexos da água abaixo As linhas geométricas rígidas da arquitetura são contrastadas com as lavagens fluidas imprevisíveis e criam uma tensão dinâmica que faz com que Em um retrato, o contraste pode ser usado para destacar o rosto colocando tons de pele claros contra um fundo escuro. O contraste entre claro e escuro chama a atenção para as características do objeto, dando à pintura uma sensação de foco e profundidade. E então você pode até mesmo relacioná-lo com peças abstratas. Podemos brincar com contrastes de textura usando lavagens suaves e uniformes algumas áreas de texto áspero e outras. Há muito disso acontecendo aqui com os edifícios no momento. É completamente abstrato. Então, você realmente não precisa se preocupar em adicionar muitos detalhes porque eles são apenas uma mistura de suaves e texturas altas Só precisamos de algumas coisas para ancorá-lo. E essas coisas que estou mencionando são o que o ancora Então, embora pareça uma pintura intimidadora, ao tentar se lembrar dessas coisas, você pode descobrir como controlar o caos O contraste mantém os olhos do espectador se movendo pela pintura, criando uma sensação de energia e entusiasmo, mesmo sem um assunto ou narrativa claros às vezes. Portanto, a relação entre os elementos, seja por meio de textura ou cor clara ou escura , é importante. 18. Ênfase: Então você pode começar a entender agora o que esses princípios estão tentando fazer, e seu objetivo principal é realmente guiar os olhos do espectador, os olhos do público E para onde queremos guiar esse público? O ponto focal. Toda pintura precisa de um ponto focal, assim como é uma pintura perdida. E quais são algumas das maneiras pelas quais podemos tornar o ponto focal claro. Esse é o próximo princípio chamado ênfase, é um dos princípios mais importantes da composição porque realmente nos dá controle sobre para onde vai a atenção do espectador? Não queremos que todas as partes da imagem exijam a mesma atenção. Caso contrário, torna-se opressor e difícil de navegar. Em vez disso, podemos usar a ênfase para direcionar o olhar do espectador para áreas específicas. Às vezes, podemos ter vários pontos focais se eles ajudarem a contar a história da peça, mas geralmente é apenas um. Só preciso ser uma pequena ideia simples, como o ponto de banimento aqui No final das contas, a ênfase está na criação de uma hierarquia em sua pintura, um caminho visual claro para alguém seguir É como guiar alguém pela experiência de ver seu trabalho Normalmente, o ponto focal é a área de maior contraste, maior contraste ou interesse ou importância na composição. É onde queremos que o espectador pare e se concentre antes de explorar o resto da pintura. A aquarela, com sua fluidez inerente e capacidade contraste ousado, nos dá muitas oportunidades de brincar com ênfase, seja usando cor, valor, textura ou Podemos criar áreas que se destaquem e chamem a atenção. Mas o ponto focal nem sempre precisa estar no centro de uma composição. Na verdade, às vezes, colocá-la um pouco fora do centro, como fizemos aqui, faz com que a pintura pareça um pouco mais dinâmica. Portanto, há muitas maneiras de guiar o olho em direção ao ponto focal. Já falamos sobre contraste. Que é uma das principais formas simples de fazer isso. Falamos sobre cores e o contraste de cores ou a vibração das cores que cria a ênfase Talvez em uma paisagem, toda a cena seja pintada em tons suaves de RV, mas há uma figura vestindo uma jaqueta amarela brilhante andando por um campo, e isso definitivamente chamará a atenção para o ponto focal Então, temos nitidez e detalhes. Eu disse que há detalhes limitados nisso. Há muita abstração acontecendo, mas uma das maneiras de criar ênfase é usando detalhes e nitidez somente em uma área da pintura e deixando as outras partes abstratas ou embaçadas ênfase é usando detalhes e nitidez somente em uma área da pintura e nitidez somente em uma área da deixando as outras partes abstratas Então, quando pintamos uma cena, não precisamos renderizar tudo com os mesmos detalhes. Na verdade, parte da magia da aquarela é a beleza com que ela nos permite sugerir detalhes sem explicar tudo Se você quiser fazer suas próprias cenas urbanas ou paisagens urbanas, você pode optar por se concentrar em um prédio e renderizá-lo com linhas nítidas e janelas distintas deixando o resto da cidade se desfocar Gradualmente, à medida que você se afasta desse ponto vocal, o contraste entre as formas suaves e nítidas faz com que a construção do ponto vocal capture a atenção 19. Posicionamento e tamanho: E então temos o posicionamento, onde colocamos o ponto vocal, que também afeta a ênfase. Como eu disse antes, embora seja tentador colocar o ponto vocal bem no centro, isso às vezes pode fazer com que a pintura pareça estática Normalmente, se a colocarmos um pouco fora do centro ou melhor ainda, ao longo de um dos terços da tela, a regra dos terços cria uma composição mais envolvente Imagine uma cena de praia em que o principal ponto focal é um veleiro Em vez de colocá-la no ponto morto, você pode posicioná-la no terço superior direito da tela e o resto da composição fluirá em direção a ela Esse posicionamento descentralizado ainda chama a atenção, mas parece mais orgânico e menos previsível. Por fim, a ênfase é o tamanho. Elementos maiores na pintura tendem naturalmente a exigir mais atenção do que os menores. Ao variar os lados dos objetos na composição, às vezes podemos enfatizar uma área em detrimento de outra Uma árvore grande no primeiro plano de uma paisagem se tornará naturalmente o ponto focal enquanto objetos menores e menos detalhados no fundo servirão para apoiar o elemento principal Dito isso, o tamanho não precisa ser o único fator. Obviamente, esses edifícios são muito grandes em comparação com o ponto focal, que é o centro; às vezes, um objeto pequeno, mas altamente detalhado ou de cores vivas pode se destacar ainda mais do que as formas suaves maiores Tudo gira em torno de como equilibramos esses elementos. E embora muitas composições tenham apenas um único ponto focal, algumas pinturas se beneficiam de ter um ponto focal secundário ou vários pontos focais secundários para criar um caminho visual mais complexo Os pontos vocais secundários podem ser áreas de menor ênfase que ainda chamam alguma atenção, mas não competem com o ponto focal principal Um pouco como os carros. Os carros têm alguma atenção, mas como estão todos em perspectiva, eles estão levando o olho para mais perto do meio. Novamente, como todas essas coisas, seu objetivo principal é ajudar a guiar o olhar do espectador pela pintura e criar movimento e fluxo. Em uma pintura de paisagem, talvez o principal ponto focal seja uma montanha à distância. Mas você também pode ter pontos focais secundários como árvores ou um éter em primeiro plano, e eles serão posicionados de forma guiar o olhar do espectador para Esses elementos secundários são coadjuvantes, por assim dizer, do ator principal. Eles suportam a composição e adicionam profundidade sem contrastar com o ponto focal principal E algo que devo enfatizar enquanto falamos sobre ênfase é que é importante lembrar que nem todas as partes da pintura devem competir por atenção. Quando há muitas áreas enfatizadas, o espectador fica sobrecarregado e não sabe como ou para onde olhar primeiro É por isso que é crucial criar um equilíbrio entre as áreas de ênfase e seções mais silenciosas e suaves da pintura Na aquarela, esse equilíbrio geralmente é alcançado por meio de lavagens Uma grande área de lavagem suave e neutra pode servir como um fundo silencioso que faz com que o ponto focal se destaque ainda mais. Por exemplo, uma flor vermelha brilhante surgirá se estiver cercada por um campo verde suave. Portanto, mantendo os elementos circundantes simples e discretos, garantimos que o ponto vocal continue sendo a estrela da composição Você pode ver agora como eu salpiquei a tela com água, esperei um pouco e usei o lenço para 20. Como remover o fluido de mascaramento: E enquanto estou esfregando agora, na verdade estou usando o lenço para tirar o resto do fluido de máscara que está lá, revelando o branco do E você precisa ter certeza de que os pigmentos estão completamente secos Você não quer borrar algumas áreas que ainda não secaram Agora todo o fluido de mascaramento da fita adesiva está desligado. Você pode ver o contraste e o quão poderoso é esse branco do papel. Estamos chegando ao final da pintura agora. Estamos apenas juntando tudo. Estou usando pigmento branco puro em algumas áreas novamente para ajudar a conduzir o olho para o centro do ponto focal E usando alguns respingos. Agora, muitos desses brancos são brancos demais. Mas tudo bem. Vamos usar a transparência da aquarela Então, precisávamos deles brancos em primeiro lugar, mas vamos examinar muitos deles com alguns amarelos e laranjas vibrantes apenas para diminuir um pouco a brancura E também começando a detalhar muitos carros, adicionando pequenos destaques, alguns pontos em pequenos lugares Sem muitos detalhes, alguns traços e pontos bem posicionados dão a ilusão de E você pode ver embaixo dos carros os capôs, tudo Está tudo escuro, então não precisávamos realmente pintar as rodas ou mesmo deixar claro onde o carro termina e o chão ou o chão começa. Você pode ver entrando até esses brancos. Esse reflexo no meio é branco do papel, o que é muito importante porque essa é a área de contraste muito alto. É a maior área branca no papel e é uma vertical que leva diretamente ao ponto focal. É interessante que o ponto focal nessa cena não tenha realmente um assunto real, é apenas o centro ao qual toda a perspectiva leva. E você pode começar a ver como repente, há uma ilusão de detalhes agora Agora que adicionamos esses brancos do papel, ou melhor, retiramos o fluido de mascaramento para revelar os brancos do papel, e estamos começando a fazer alguns detalhes Ele apenas ancora a pintura e dá a ilusão de detalhes quando só nos restam 3 minutos da pintura, e 90% dela era muito abstrata 21. Finalizando a pintura: Então, falamos sobre muitos conceitos hoje, e pode ser difícil pensar em como você pode incorporá-los em suas pinturas. Agora, algumas maneiras de fazer isso são apenas observar suas próprias pinturas ou suas pinturas favoritas e considerar como esses elementos e princípios se relacionam com elas. Talvez você possa se fazer perguntas como existe um ponto vocal claro ou posso criar um? Porque sem um ponto vocal, pode parecer desarticulado ou Então, você precisa se perguntar a cada vez se há um elemento forte que se destaca ou se você pode até mesmo manipular a cena para criar algum tipo de foco Então você pode perguntar: existe um fluxo ou caminho natural para o olho seguir? Você pode procurar elementos como estradas, sombras, rios ou linhas na arquitetura que possam naturalmente guiar o olhar pela cena Se a cena parecer muito caótica, sem um fluxo claro, pode ser difícil organizá-la em uma composição forte E então você vai pensar: a cena oferece contraste, o assunto que você está escolhendo, você consegue ver contraste em cor, valor, claro e escuro ou textura? Se tudo for igual, em cores, tons, provavelmente acabará sendo uma pintura plana ou desinteressante maioria das vezes, precisamos simplificar a cena para conseguir essas coisas sem perder sua essência. Cenas movimentadas como essa precisam ser simplificadas com abstração, porque com muitos elementos concorrentes, pode ser difícil pintar e difícil para o espectador se conectar Então, temos que tentar visualizar como podemos simplificar partes da cena E isso provavelmente significará remover detalhes em vez de adicionar detalhes, como dizemos no início, deixando mais para a imaginação do público, em vez de colocar diretamente todos esses detalhes. É assim que criamos arte cheia de emoção e expressão. As pinturas são mais convincentes quando expressam uma emoção e considere se a cena que você quer pintar faz você sentir alguma coisa, seja calma, se há tensão ou é inspiradora Se você conseguir entrar em contato com esse sentimento, poderá descobrir como transmiti-lo com esses princípios de uma maneira quase fórmica 22. Considerações finais: Bem, bem-vindo de volta. Como foi? Se você ainda não fez a pintura, sugiro que realmente experimente, porque mesmo que pareça uma porque mesmo que pareça pintura mais complexa do que o normal, realmente se esforçar e ser destemido é o que torna a aquarela Quando comecei, eu estava criando pinturas terríveis, mas apenas continuando e descobrindo todas essas coisas únicas que você pode fazer, só se esforçando é que realmente o leva ao próximo nível, e você tem que passar por um estado difícil antes chegar ao ponto em que está satisfeito E, na verdade, essa satisfação é contínua, porque uma vez que você aprende a fazer algo, você quer fazer outra coisa. Portanto, mesmo que algo pareça avassalador, ainda é uma boa ideia quando se trata de aquarela, se esforçar pois o nível melhorará muito mais rápido e sua intuição realmente melhorará no processo Lembre-se de que a pintura em aquarela não trata apenas de habilidades técnicas, mas também de expressar sua criatividade e estilo pessoal Eu encorajo você a continuar explorando, experimentando e ultrapassando seus limites para criar suas próprias obras-primas exclusivas em aquarela Ao chegarmos ao final desta aula, espero que você se sinta mais confiante e confortável com suas habilidades de pintura em aquarela A prática é fundamental quando se trata de melhorar suas habilidades, então continue pintando e experimentando. Quero expressar minha gratidão por cada um de vocês Sua paixão pela pintura em aquarela é tão inspiradora, e tenho a honra de ser sua professora Se você quiser um feedback sobre sua pintura, eu adoraria dar. Então, por favor, compartilhe sua pintura na galeria de projetos estudantis abaixo, e eu responderei. Se preferir, você pode compartilhar no Instagram, me marcando em Williston, como eu adoraria ver Skillshare também adora ver meus alunos trabalharem, então marque-os também no Skillshare Depois de se esforçar tanto, por que não compartilhar sua criação? Se você tiver alguma dúvida ou comentário sobre aula de hoje ou quiser algum conselho específico relacionado à aquarela, entre em contato comigo na seção de discussão Você também pode me informar sobre qualquer assunto sobre vida selvagem ou cena sobre a qual gostaria que eu fizesse uma aula. Se você achou essa aula útil, eu realmente gostaria de receber seus comentários sobre ela. Ler suas avaliações enche meu coração de alegria e me ajuda a criar a melhor experiência para meus alunos Por fim, clique no botão de acompanhamento na parte superior para que você possa me seguir no Skillshare Isso significa que você será o primeiro a saber quando eu lançar uma nova aula ou publicar brindes Espero que esta aula tenha inspirado você, e você esteja animado para se esforçar ainda mais com técnicas de aquarela mais empolgantes até a próxima vez. Tchau por enquanto