Transcrições
1. Introdução: [MÚSICA] Oi lá. Meu nome é Cynthia Oswald. Sou artista e
designer vivendo e trabalhando no meu
estúdio em casa em Phoenixville,
Pensilvânia, cerca de 30 minutos
a noroeste da Filadélfia. Meu trabalho é uma mistura de coisas, principalmente uma combinação de
paixão e conjuntos de habilidades. Atualmente, passo meu tempo
criativo fazendo pinturas
aquarelas
botânicas e paisagísticas e criando
desenhos de superfície para a casa. Também ajudo os clientes a
trazer à tona suas
próprias esperanças criativas, objetivos e ideias
por meio de branding, impressão e web design. Meu corpo atual de
trabalho envolve
inspirar-se nas paisagens que mais me inspiraram. Gosto de criar composições
botânicas e depois
separá-las no Photoshop, isso me permite misturar
naturalmente meu amor pelo
design e pela arte por meio da criação de designs de superfície. Tenho pintado
com aquarela há mais de 20 anos e participo de espetáculos de arte jurados local e nacional
desde 2005. Em maio de 2020, recebi meu MFA e
desde então lecionei cursos na
Universidade Kutztown da Pensilvânia. Hoje eu quero compartilhar com
vocês meu processo de aquarela. Nos últimos dois anos, descobri um processo
que me permite usar princípios básicos de design em combinação
com
algumas referências
em mente para criar composições que se sintam orgânicas e completamente exclusivo para mim. Quero compartilhar esse
processo com você hoje. Para o projeto de aula, vamos criar
uma pintura botânica. Incluirá
completar isso usando seu espectro de
cores favorito para criar sua
própria obra de arte. Para o primeiro passo, vamos reunir nossos
suprimentos e alguma inspiração. Compartilharei com vocês meus materiais favoritos e como gosto de reunir
inspiração na natureza. Em seguida, analisaremos como os princípios
básicos de design em combinação com suas preferências
exclusivas podem ser usados para
compor sua peça. Falaremos sobre hierarquia, contraste, repetição, proximidade, equilíbrio, cor e espaço e como cada um afetará a
sensação de sua peça. Em seguida, vamos
começar a esboçar algumas miniaturas para começar a mapear um plano
para o seu projeto. Em seguida, analisaremos os fundamentos
básicos da tinta aquarela. Compartilharei algumas das minhas
dicas e truques favoritos com você. Em seguida, colocaremos
tinta no papel e criaremos sua
própria obra de arte. Finalmente, vamos
encerrar tirando uma foto da peça e compartilhando-a na galeria do
projeto. Esta aula é para criativos que procuram
aprender uma nova habilidade, se
expressar através da
criação de belas artes ou apenas entender melhor as técnicas de
aquarela. As habilidades e
princípios revisados
neste curso são benéficos
para compor layouts, dominar o meio aquarela e construir competência
como criativo. Os alunos podem começar a criar
obras de arte com base em suas próprias
sensibilidades únicas ao concluir este curso. Tudo o que você precisa para começar
é papel aquarela, alguns pincéis, aquarelas, um copo de
água e uma toalha de papel. [MÚSICA] Vamos
começar a criar. [MÚSICA]
2. Projeto do curso: [MÚSICA] Para o projeto de aula, estamos criando uma
pintura em aquarela inspirada na natureza. Escolhi este projeto
, pois permite que a
preferência e o
estilo únicos do artista ganhem vida
no resultado final. Isso nos permite
romper com a cópia de composições
exatas e
libertar nossa mente para usar nossa
intuição enquanto estamos pintando. Ao integrar princípios básicos de
design com suas preferências exclusivas,
desbloqueará sua capacidade de
pintar usando a intuição. Coloque algumas músicas, que só ajuda você a entrar
nesse estado de fluxo. Então, quando você estiver preso
no meio bagunçado, lembre-se de que os princípios básicos de
design que estamos revisando ajudarão a lhe dar uma visão
para o próximo passo. Quando criei pela primeira vez uma composição em aquarela usando
essa ideia e técnica, acabei cortando
cerca de metade dela. Não tenha medo de
explorar isso e realmente ultrapassar os limites
do que isso poderia ser. Perceba que talvez
seu primeiro não seja
exatamente como você quer, mas está ajudando você a se mover para esse estado de fluxo meditativo. Encontrei esse processo
através da coleta ideias e inspiração
ao longo dos anos. Um dia só tinha que
sair e, quando aconteceu, parecia tão libertador. Meu objetivo é que você também tenha essa experiência na
criação desse trabalho. Se as formações foliares
não inspirarem, você se sente livre para usar qualquer coisa da
natureza que o ilumine. Escolhi folhas
porque me permite brincar com o valor de uma forma
muito monocromática. Você poderia fazer isso
com qualquer referência. Vamos reunir nossos suprimentos,
referências e esboços. Em seguida, analisaremos
algumas técnicas de design thinking e aquarela. Começaremos a colocar
tinta no papel. Quando terminar
este projeto,
você tirará uma foto rápida usando seu telefone ou câmera e
compartilhará na galeria do projeto. [MÚSICA] Se você compartilhá-lo
nas mídias sociais ou usar a aquarela hashtag por design para que possamos
mostrar um pouco de amor. Vamos começar reunindo nossos suprimentos e inspiração.
3. Reunidos materiais e inspiração: Para o primeiro
passo, você vai
reunir alguns suprimentos
e inspiração. Você precisará de
papel de sucata e lápis. Estaremos criando alguns esboços em
miniatura como aquecimento. Se você gosta do formato circular, você vai querer bússola
ou pode usar um prato pequeno ou uma tigela. Os pincéis que
vamos usar durante este curso são uma escova de esfregona para lavagens e escovas
redondas para detalhes. Você pode usar uma variação
desses dois ou adicionar alguns outros pincéis para ajudá-lo a alcançar a
aparência que você estava buscando. Você também precisará de um conjunto de
aquarela e uma paleta se estiver
usando tubos de aquarela. Eu uso aquarelas de classe
profissional Winsor & Newton. Quero que você escolha
um intervalo de cores para trabalhar
para que o resultado final seja um pouco monocromático. A razão para isso
é apenas deixar você confortável com o meio, focar em criar
espaço através de valores e explorar a composição,
tendo algumas restrições. Então você vai
precisar de papel aquarela. Eu uso um papel
aquarela de prensagem a quente. Eu também recomendo
ter certeza de que você tem uma toalha de papel
para colocar seu pincel, e você também pode usar uma esponja. Muitos de vocês usarão
esponjas para tirar tinta do papel se a
colocaram lá, e não gostarem
da aparência. Você também pode usar uma toalha
de papel para isso. Isso é o que eu gosto de usar, mas na verdade é apenas
uma preferência pessoal, então talvez ter os dois
por perto seja uma boa ideia. Esta aula nasceu
de anos de observação. Meu palpite é que o YouTube
vem observando o mundo natural e coletando imagens que o inspiram. Sempre fui fascinado pelo espaço negativo e
pelos
padrões encontrados na natureza. Ao longo dos anos,
essas observações deixaram uma marca duradoura. Achei que poderia ser
difícil explicar sua visão, mas acontece que tenho
capturado fotografias e vídeos dessas
inspirações há anos. Dito isto, o
primeiro exercício que eu
recomendaria é esboçar folhas e plantar a
vida da sua mente. Veja o que vem
naturalmente para você primeiro. É assim que a maioria das
minhas peças são criadas agora. Se não parecer natural, você pode pegar algumas flores ou vegetação em uma loja local. Consulte livros de botânica para
entender a anatomia
da planta ou veja seus próprios arquivos de fotos para ver que tipo de
vegetação você pode encontrar. Talvez você possa referenciar seus florais de casamento ou florais de casamento de um
amigo, ou talvez você tenha imagens
do seu próprio jardim. Por fim, você sempre pode explorar compra de plantas secas
para inspiração. Em seguida, analisaremos os princípios de
design e como você pode aplicá-los para
criar uma composição.
4. Princípios de design: Em seguida, analisaremos como os princípios
básicos de design
em combinação com suas preferências exclusivas
podem ser usados para compor sua peça. Como artista e designer, é importante para
mim entender a diferença entre os dois. O design serve a um
propósito muito específico e, portanto, os princípios podem ser usados para
atingir um objetivo específico. A arte é um meio de
auto-expressão e não precisa necessariamente
ter um objetivo ligado a ela. Ao trabalhar com clientes, gostaria de dizer mais
deles e menos de mim, não
quero
me ver no resultado final. Quando estou criando belas artes, é mais sobre um
processo intuitivo de auto-expressão. Como designer, não posso
deixar de ver como essas práticas
influenciaram minha tomada de decisão quando
se trata de fazer arte. Isso é o que eu
quero compartilhar com você. Hierarquia. Qual é o
aspecto mais importante da sua peça? Talvez não seja
algo que você realmente saiba imediatamente, mas quando você está trabalhando, é algo que
pode ser revelado. Escala intencional
ou detalhe de densidade e destaque
geral desempenham um papel na determinação de onde o ponto
focal estará. É uma ferramenta útil para ter
em mente ao
esboçar sua peça. Contraste. Adicionar um espectro de valores coloca ênfase ou desênfase em áreas específicas. O contraste é uma excelente ferramenta de
composição. Ele pode ser usado em combinação
com outras técnicas para criar um caminho para o espectador se mover
pela peça. Usando uma paleta mais
monocromática, estamos usando contrastes
em luzes e escuros, mas também se aplica a
outros elementos contrastantes como nitidez
ou técnicas de pintura, detalhes ou obstrução. Repetição. Elementos repetidos, preferências de
estilo, cores, etc. podem fornecer uniformidade
ou, neste caso, podem revelar seu estilo. Reconhecer e
repetir padrões em seu trabalho é uma ótima maneira de
aprimorar seu
estilo de assinatura, bem
como se apoiar no que está
funcionando para você. Proximidade. No design, proximidade é usada para criar organização e
coesão dentro de um espaço. Quando se trata de belas artes
e uso de sua intuição, proximidade pode ser usada
para criar atrito, espaço para
respirar, consistência ou alguma combinação
dos três. Balance também é uma
ferramenta que pode ser usada para criar uma sensação
de atrito ou facilidade. Quando algo não
parece certo, cria desconforto
que pode ser intencional ou você
pode optar por
criar equilíbrio para confortar o espectador. A cor pode evocar certas
emoções e expressar valores. Cores quentes criam uma
sensação diferente das cores frias. As cores complementares podem criar equilíbrio ou contraste quando
colocadas uma ao lado da outra, ou cancelar umas às outras
quando combinadas. A cor pode adicionar profundidade
e falta de cor, faz com que pareça plana. Ambos podem ser escolhas intencionais. espaço, como equilíbrio
e proximidade, é importante ter em mente
para fins de composição. Ao criar espaço, você está dando aos olhos
um momento para respirar. Por falta de espaço, você cria muito atrito. Se você criou
composições no passado, dê uma olhada em seu próprio
trabalho e defina como elas desempenham um papel na aparência
geral. De que maneiras você poderia brincar com essas ideias para criar um sentimento
específico em seu trabalho? Vamos agir. Pense em como você pode
aplicar esses princípios para criar ou evocar um
sentimento em seu trabalho. Crie alguns esboços em miniatura com esses princípios em mente. Pegue um lápis e um pequeno
pedaço de papel de sucata e explore cada uma
dessas ideias em combinação com
as referências que você reuniu e veja que tipo de composições
você pode criar. Obtenha uma pequena miniatura com a
qual você está muito animado e é
quando você sabe,
você está pronto para mergulhar na criação de uma composição
em aquarela. Próximo passo, vamos
rever as técnicas de aquarela.
5. Colocando tinta em papel: parte 1: Nesta aula,
vou rever a
configuração do seu
artigo, seu paladar. Por que estamos usando cada um
dos pincéis e algumas técnicas básicas de
aquarela? Enquanto eu te guio pelo
meu próprio processo de aquarela. Primeiro, vamos
limpar nosso espaço de trabalho. papel aquarela pode absorver
facilmente pigmentos, então você quer ter certeza de que está trabalhando em uma superfície limpa. Pegue seus materiais. O básico é pincéis, tinta, papel, água e uma toalha de papel. Baixe minha
lista completa de suprimentos usando o link nos recursos
da classe. Nesta demo estou usando arcos, um papel
aquarela de prensa quente de 140 libras. Prefiro usar um bloco de
aquarela pois ele me permite pintar
do sofá [RISOS] ou ao ar livre, mantendo
o papel esticado. Gosto de prensagem a quente
porque ele escaneia bem, e como uso muita da minha arte original para design de
superfície, ela se traduz bem
no computador. A prensa fria também tem
muitos benefícios divertidos. Uma das coisas interessantes
sobre a prensa fria é como ela reúne o pigmento dentro
da textura do papel. Eu encorajo você a
explorar os dois para que você tenha uma noção do que gosta trabalhar e o que
parece natural para você. Você pode escolher uma composição
circular ou qualquer forma que você quiser. Mas para esta demonstração, vou usar um círculo. Para criar um círculo perfeito, gosto de usar uma bússola. Ao usar uma bússola, decida o tamanho do círculo
e, em seguida, meça
metade do diâmetro. Esse é o tamanho em que sua
bússola deve ser ajustada. Certifique-se de medir
um ponto central e,
em seguida, crie seu círculo. Você pode usar seu
esboço para fazer referência a uma composição se você escolher
ou você pode mergulhar diretamente. Também entendo
o desejo de
esboçar sua composição
diretamente no papel. Vá em frente. Não
há regras aqui. Trata-se de fazer o que
parece certo para você. Você pode usar uma
borracha amassada para remover algumas das marcas de lápis depois de já
pintar nela. Para o propósito desta classe, você também pode usar um prato
ou uma tigela para delinear
o parâmetro. Quando faço um esboço
em papel aquarela, faço isso de ânimo leve e apenas delineio os campos
de valores diferentes. Então eu tenho uma noção
das formas gerais, mas reservo os detalhes
para a pintura em si. Se você ama suas marcas de lápis, considere colocá-las de forma muito intencionalmente e incluí-las como parte de seu trabalho final. Em seguida, vamos
preparar seu paladar. Para o propósito desta classe, estamos usando uma paleta limitada,
mas dito isso, mas dito isso ainda
estamos usando todas as
cores do arco-íris. Eu uso tubos de aquarela
Winsor e Newton de
grau profissional. Eu não limpo minha paleta
entre cada uso, pois o pigmento
ainda é bom depois secar e percorre um longo caminho. Se você estiver preparando
uma nova paleta, recomendo comprar
um conjunto básico de aquarela
Winsor e Newton, é 12 ou mais. Em seguida, pegue algumas cores extras
no espectro em que você
prefere trabalhar. Estou usando todas as cores
do arco-íris nesta peça, focando
principalmente em
azuis, verdes e amarelos. Escolha uma
cor principal e, em seguida, incline-se em ambos os lados dessa
cor na roda de cores. Também estou usando alguma
combinação de Windsor vermelho, sienna
queimado, umber cru e
azul ultramarino francês para criar sombras. Para este exercício,
vamos começar
usando o pincel de esfregão para
demonstrar a técnica
molhada sobre molhado. A primeira coisa que
vamos fazer é molhar nosso pincel e sem
nenhum pigmento, começar a adicioná-lo ao papel. Você quer cobrir toda a
superfície do papel. Se você quiser manter
uma área branca verdadeira, não adicione água a essa área. Você também pode usar um fluido de
mascaramento para preservar todas as áreas que você
deseja permanecer intocadas. Não é algo que
eu uso ou amo, mas eu
recomendo explorá-lo. É definitivamente uma preferência
pessoal. A ideia com a técnica
molhada sobre molhado ou pincel molhado em papel molhado é
criar lavagens ou grandes áreas de cor que se misturam perfeitamente. A outra
coisa incrível sobre molhado sobre molhado é como você pode usar pigmentos
diferentes
mergulhando seu pincel
no pigmento e depois
no papel e
observando-o se espalhar naturalmente. Uma das razões pelas quais
meu pincel favorito é um pincel redondo é por causa
da versatilidade que eles têm. Você pode usar um pincel para obter uma variedade de detalhes
na pintura. Escovas redondas grandes
têm uma ponta minúscula, mas também têm
a capacidade de segurar muita água. Você também pode preparar uma lavagem usando
uma escova redonda. Se você fosse
investir apenas em um pincel, eu diria para você pegar um pincel redondo
tamanho 14 ou mais. Quanto maior a escova,
mais água ela segura. Quanto maior a área de superfície
que você precisa pintar, maior será
o pincel
que você precisará. Dependendo do
tamanho de suas lavagens que determina o tamanho de
um pincel que você precisará. Imagine que você está
pintando um céu em uma grande folha de papel
aquarela. Você pode precisar de um pincel
muito maior. Olhando para o seu esboço, determine se há áreas
da página que devem
permanecer brancas, onde a cor pode
funcionar bem em um nível de cor rico e
denso e como você pode jogar criação de atmosfera
através de variações em sua lavagem. Tenha em mente
como o contraste de cores , o
equilíbrio e o espaço
podem ser
usados na maneira como você cria sua
base para esta peça. Essencialmente, é isso
que estamos criando. Nós cobrimos muito terreno. Vamos recapitular rapidamente o que
abordamos nesta lição. Até agora, você deve
ter uma compreensão de como preparar seu papel,
quais cores usar, quais cores usar, uma compreensão sobre
como escovas de esfregões e pincéis redondos interagem
com o pigmento e o papel. Você também estará pronto para criar lavagens usando a técnica
molhada sobre molhado. Em seguida, analisaremos
molhado em seco, seco em seco e como podemos utilizar
os princípios de design que
analisamos para influenciar
nossa composição final.
6. Colocando tinta em papel: parte 2: Nesta lição final,
vou mostrar a vocês como você usa técnicas secas e
secas, e vou
orientá-lo sobre como tomei decisões composicionais ao terminarmos nossas peças. Se você não deixou a lavagem secar vá em frente
e faça isso agora. Dê ao papel cerca de 20
minutos para secar entre criar a lavagem e
começar com os detalhes. Você também pode usar
um secador de cabelo
se preferir
seguir em frente. A técnica úmida sobre seca
ou pincel molhado em papel seco é como você começa a adicionar em
detalhes e criar linhas limpas. Se o papel
ainda estiver molhado, ele
sangrará criando uma
suavidade nas bordas. Talvez você queira criar um nível de
detalhe mais suave também, você pode colocá-lo
no papel enquanto
ele ainda estiver secando. Se você quisesse criar
um nível de
detalhe mais suave entre as
linhas nítidas e as lavagens, não deixe o papel secar completamente e coloque algumas linhas
para testá-lo. Quando você estiver pronto para
adicionar linhas finas e detalhes, você vai querer que o papel
esteja seco ou principalmente seco. Compreender como o
papel seca e como o pigmento reage em cada
nível entre molhado e seco ajudará você
a criar os
detalhes e os efeitos
pintóricos que você deseja ver. Pessoalmente, penso
do zero e normalmente começo com minhas lavagens e construo detalhes a partir daí. Vou entrar e adicionar lavagens
adicionais ao longo do processo, especialmente quando eu quiser construir cores
e criar profundidade. Vou começar trabalhando nos
meus detalhes de nível médio ou nos itens que são como
uma prioridade de nível médio. Eu faço isso porque não
quero que eles sejam
o ponto focal por palavra, mas eles podem me ajudar a definir a página geral, permitindo que
eu considere hierarquia, espaço, proximidade e equilíbrio. Também estou constantemente fazendo com as mãos em cada uma das minhas peças. Eu crio um elemento
e depois olhei toda
a composição em sua totalidade para
criar equilíbrio justapondo outro elemento que é quase igual em escala. Neste caso, o
eigen que compensa meu primeiro elemento botânico
é oposto em contraste. Isso ajuda a criar a
ilusão de profundidade na minha peça. Tudo não está
no mesmo plano por palavra. Tome nota de como crio outra lavagem sangrando
longe do elemento botânico. Isso me permite criar uma borda macia do lado de
fora, mantendo uma borda dura no interior
mais próxima da peça botânica. Você só quer ter
em mente que cada vez que você lavar
como esta, você precisará permitir que
ele seque antes criar detalhes nítidos
nesse local, então contorne a página para frente e para
trás por digamos permitir o tempo
de secagem entre cada movimento. Como você pode ver, ainda estou
usando o pincel redondo grande. Eu queria que você tivesse uma
noção do detalhe que é possível ao
usar este pincel. Vou mudar para um pincel redondo
menor em seguida, desejo
que meu trabalho se
sinta orgânico e equilibrado. Quero que eles se sintam
meditativos, mas tenham um elemento decorativo no
sentido de celebrar a beleza. Há dança entre
selvagem e ordenado. Eles podem estar dizendo algo
sobre quem eu sou na vida real. Digamos que eu gosto de criar variação nos elementos
através de escala, forma e mudanças sutis na cor,
ao mesmo tempo em
que equilibra tudo para que pareça intencional, meditativo
e decorativo. Minhas decisões são baseadas
nesse desejo. O que você deseja
explorar através do seu? Isso é algo que você
quer ter em mente ao tomar
decisões para
essa composição, e enquanto você está
pensando em como
os princípios de design podem ser utilizados para
tomar decisões em suas peças. Se você quiser criar muitos detalhes
finos usando espaço
negativo, considere usar um fluido de mascaramento. Você pode pintar com o
fluido e, em seguida, ele
bloqueia a área que
deseja preservar o papel, então você pode pintar sua
lavagem diretamente sobre ele. Quando secar, você pode esfregar a máscara e o
papel será preservado. Depois que meus primeiros dois
objetos se sentem equilibrados e estão criando
um espaço que
eu gosto, começo a adicionar
variações na escala. Acabei fazendo
pelo menos um objeto como o maior ou, neste
caso, o item mais longo. Na maioria das vezes, quando
isso acontece, eu não crio um igual no lado oposto, permitindo que o maior
ou tenha um maior nível de
importância para a hierarquia. Também para garantir que nem tudo
seja calculado e há algumas irregularidades dando
essa sensação orgânica selvagem, talvez haja outro elemento
único menor no lado oposto
da peça que ajuda para equilibrar a composição geral, mas
não parece calculado. Em seguida, vou trabalhar em
alguns elementos
repetitivos em escala menor que são equilibrados. Uma vez que eu tenho alguns elementos
botânicos repetitivos indo ao
mesmo tempo, começo a sentir
fricção como o meio bagunçado. A proximidade de cada elemento começa a interagir
com o próximo, e quando algo
está equilibrado torna-se realmente óbvio. Em seguida, repito o processo
criando espaço e profundidade através do espaço em branco de
preenchimento e trabalhando em sombras. Você quer ter certeza
de que tem água limpa e, em seguida, você tem uma
toalha de papel com você o tempo todo. Você vai notar que
muitas vezes estou colocando meu pincel
na toalha de papel
na água na
cédula e de volta novamente. A quantidade de água que você permite
no pincel enquanto você agrupa o
pigmento da paleta e quando você o coloca
no papel, ele determina
o quão denso o pigmento
será e quanto
controle você terá. Ter uma toalha de papel
à mão pode ajudá-lo a monitorar esse controle,
liberando pouco de água antes
de colocá-la
no papel ou apenas para testar
a densidade do pigmento. Você sempre pode adicionar água à paleta para soltar as
cores antes de começar. Gosto de borrar a tinta com a água e depois mergulhar
para frente e para trás entre as cores para obter a combinação
certa de cores para cada elemento. Ao colocar tinta em camadas
para criar detalhes, estou pensando em adicionar menos
água a cada camada, obtendo mais pigmento
na camada superior. Em alguns casos,
você pode até usar pincel seco ou seco em papel
seco para criar
detalhes ricos e divertidos. Mesmo com pincel seco
em papel seco, você usará um pouco de água para soltar o pigmento. Gosto de pensar em seco
como opaco, onde molhado sobre seco é um pouco transparente e molhado sobre molhado é
extremamente transparente. Quero levar um minuto
para falar sobre cor. Eu poderia usar uma cor; literalmente, um tubo
para pintar toda essa peça. Estou apenas adicionando água para
criar tons dessa cor,
mas, em vez disso, estou usando
todas as cores. Adicionar dicas de azul aos
verdes cria um verde frio, adicionando amarelos
traz os aquecimentos. A mistura dessas cores parece mais fiel
ao mundo natural. Quando você está
olhando para plantas na natureza, há tantas
variações de verde. Estou tentando
capturar a essência
do mundo natural
e
me parece certo usar todas as cores mesmo quando estou trabalhando
matematicamente. Se você está apenas
começando com aquarela, você pode tentar usar um 2-buteno. Dessa forma, você pode realmente jogar com a tactilidade
do meio. Acho seco sobre seco ou
menos água com pigmento
rico como algo que
eu gosto de trabalhar. Vou contornar a peça constantemente construindo
a composição,
então, quando sinto que está
começando a cair,
adicionarei sombras e solidificarei áreas de
luz para garantir
que a peça tenha profundidade. Muitas vezes vou pintar
uma formação de folhas, e depois de
secar,
voltarei e adicionarei mais detalhes. Às vezes vou
esperar que ele seque duas vezes ou mais e continuo
adicionando camadas. Acabei de perceber que você não vai obter
mais detalhes quando estiver molhado. Quanto mais molhado o pincel,
menos controle. Se você não gosta de alguns
dos detalhes que criou, uma das melhores maneiras de
resolvê-lo é adicionando água
à área e trabalhando de volta
nela com um guache. Se você acabar adicionando
água a uma área por engano, basta colocá-la
com uma toalha de papel limpa
e, uma vez seca,
volte para a área que você interrompeu para adicionar
os detalhes de volta. Como você pode ver, eu
uso uma toalha de papel com
bastante frequência no meu processo de
pintura. Uma das últimas coisas que
quero compartilhar com você é
cometer erros. Este projeto realmente nos
permite celebrar nossos erros. Se algo parecer errado, considere o que discutimos. A hierarquia ou a falta dela está
fazendo com que ela se sinta desequilibrada? O contraste está criando profundidade
na forma como você imaginou? Você está combinando
muitos estilos ou está repetindo referências
para que o trabalho pareça você? Há muito ou
pouco atrito devido à proximidade ou
à
relação entre os elementos? A peça parece
equilibrada em geral? Você está usando as cores
ou valores para seu benefício? O que o espaço ou a falta dele diz sobre sua peça? Se algo
parecer um erro, considere como essas ideias
básicas de design podem ser aplicadas para
resolver o problema. Em termos de erros reais com o próprio
meio aquarela; bem, há uma maneira de mover a
tinta depois de colocá-la para baixo, você só precisa
garantir que a tinta permaneça molhada. Basta diluir uma marca com água
pura se não fosse
o que você queria enquanto ainda estiver molhada e puxe-a para cima usando uma
toalha de papel limpa ou uma esponja. Não cometa o erro
de usar uma porção de sua toalha de papel que
tenha pigmento nela, que pode se tornar
desastrosa rapidamente. Certifique-se de quebrar em
um lugar que faça sentido depois de
concluir uma lavagem ou depois de
terminar de pintar um objeto na íntegra. Uma vez que o pigmento seca,
deixa uma impressão, mas não deixe que isso o assuste. O objetivo deste projeto
é ajudá-lo a aproveitar sua intuição quando se trata
de auto-expressão criativa. Todos nós temos
preferências únicas e criar espaço para eles ganharem vida é uma coisa linda. Dito isso, confie em seus instintos naturais
e quando todos eles não conseguem
percorrer os princípios de design para
descobrir seu próximo passo. Mal posso esperar para ver
o que você cria. Vamos recapitular rapidamente o que
abordamos nesta lição. Discutimos pincel molhado em papel
seco ou molhado sobre seco. Também discutimos pincel seco
ou seco em papel seco. Também analisamos algumas
perguntas importantes para fazer relacionadas
aos princípios de design que
ajudarão você quando você estiver
se sentindo um pouco preso. Falamos sobre a dança de trabalhar em torno da
peça em termos de variações de tamanho,
além de adicionar lavagens e detalhes à medida que você
continua a construir uma peça. Em seguida, vamos dar uma
olhada no trabalho finalizado, recapitular o que aprendemos
e o processo geral, depois tiraremos [MÚSICA]
uma foto da peça e compartilharemos na galeria do
projeto.
7. CONCLUSÃO: [MÚSICA] Como há
tanta dança frente e para trás com esta peça, muitas vezes
ela pode ser orientada
de várias maneiras diferentes. Veja de que maneira você prefere agora
que sua peça está completa. Vamos terminar tirando uma foto e compartilhando-a
na galeria do projeto. Tente posicionar
sua arte perto uma janela usando luz natural e capturá-la com o telefone. Depois de ter uma imagem,
você fica feliz, publique-a na galeria do projeto. Se você compartilhá-lo nas mídias sociais, use a
aquarela hashtag por design, para que possamos acompanhar você. Hoje, olhamos para reunir
inspiração na natureza. Aplicando princípios de design
para criar composições, criando
esboços em miniatura rápidos, preparando papel ou paletes, criando lavagens, usando a técnica molhada em molhado. Equilibrando nossas composições
criando um ritmo, adicionando detalhes e camadas
usando a técnica úmida sobre seca, utilizando o
pincel esfregão e o pincel redondo, bem
como outras inúmeras
dicas e truques. Obrigado por se juntar a mim hoje, tem sido tão divertido compartilhar
esse processo com você. Minha esperança é que ela abra uma
nova maneira de você praticar a auto-expressão e
criar uma consciência de seus instintos naturais. Eu também espero que você
se sinta capacitado para passar pelo
meio confuso agora que você tem uma coleção de princípios de
design você pode aplicar quando não tiver certeza de qual é o
seu próximo passo. Acima de tudo, espero que você tenha se divertido e aprendido e novas
técnicas no processo.
Cynthia Oswald, Artist & Designer
