Aquarela para iniciantes: técnicas para pintar paisagens com pinceladas soltas

1. Sobre o curso: Se eu lhe perguntasse, com o que você mais luta na pintura em aquarela, o que seria? Bem, uma das respostas mais comuns que recebo dos meus alunos é tentar pintar de forma mais solta e relaxada. Lembro-me de quando estava começando com aquarela, também senti que parei de pintar pinturas bem renderizadas e sobrecarregadas. Eu queria que minhas pinturas parecessem fáceis, frescas e pictóricas, como artistas famosos como Alvaro Castagnet e Joseph Zi fazem isso, mas, falando sério, sempre acabo frustrado ao ver minhas pinturas apertadas, rígidas e muito detalhadas. Mas você sabe, embora algumas pessoas possam naturalmente ter um estilo mais solto do que outras, depois de anos estudando, praticando e observando grandes mestres em aquarela, percebi que o estilo de pintura solta é uma habilidade que pode realmente ser aprendida e desenvolvida. Olá, sou Bianca Rayala, sou artista de aquarela, educadora e melhor professora da Skillshare. Trabalho com marcas como Etchr Studio, Silver Brush Limited, Schmincke, Arkon Mounts e All About Art International. Eu realmente acredito que a pintura é para todos. Ao longo dos anos, ensinei milhares de estudantes em todo o mundo. Meu objetivo é inspirar as pessoas a descobrirem e buscarem sua moda criativa. Nesta aula, ajudarei você a dar vida à beleza da natureza com expressividade e liberdade de estilo Você aprenderá estratégias poderosas e eficazes para afrouxar seu estilo de pintura e criar obras-primas cativantes usando aquarela em uma ampla variedade de técnicas. Para seu projeto final, você pintará sete paisagens inspiradas na natureza em novas notícias e em estilo pictórico. Os projetos de cada aula podem ser pintados em apenas 15 minutos em uma abordagem muito simples e pequena. Para conseguir isso, explicarei o que significa pintar solto e o que é preciso para conseguir isso. Compartilharei estratégias e práticas eficazes que eu faço, como a maneira correta de ver o assunto, como segurar o pincel, quanta tinta colocar no pincel, como fazer um traçado com confiança e muito mais. Eu vou te ensinar como melhorar sua pincelada exclusiva para pintar traços com energia, dinâmica e expressividade sem sobrecarregar sua pintura. Em seguida, veremos como as cores afetam o clima geral de sua pintura e como elas contribuem para manter seu trabalho fresco e solto. Você aprenderá a misturar paletas de cores vintage suaves usando algumas seleções de cores. Por fim, ensinarei passo a passo como pintar sete paisagens, desde a primeira lavagem até os retoques finais, como adicionar respingos e arranhões para obter efeitos interessantes. Esses exercícios ajudarão você a colocar em prática todas as estratégias e conceitos que você aprendeu e fornecerão maneiras diferentes de aplicá-los. Ao final da aula, você estará equipado com todas as dicas e técnicas necessárias para obter uma pintura solta em aquarela pictórica, ficará mais confiante e expressivo em sua pincelada e, claro, terá sua própria coleção de sete pinturas de paisagens vintage inspiradas na natureza. Para ajudá-lo ainda mais na aula, compartilharei recursos gratuitos, como uma receita de cores personalizada, para criar paletas de cores suaves ou vintage que fiz especificamente para esta aula. Também incluí um tutorial sobre como enfeitar seu papel para obter uma obra-prima com aparência vintage. Além disso, coletei algumas fotos de referência que você pode usar como referência ou inspiração para suas pinturas futuras. compartilharei uma lista completa dos meus suprimentos recomendados, lojas online e links de descontos. Tudo isso você pode encontrar e baixar gratuitamente na seção de projetos e recursos da aula. Se você estiver interessado em participar dos meus sorteios e quiser saber quando minha próxima aula será lançada, você será o primeiro a saber se me seguir no Skillshare. Basta clicar no botão Seguir na parte superior e você também pode me seguir no Instagram @biancarayara para ver mais atualizações e assistir a mais tutoriais em clipes curtos. Se você é iniciante em aquarela, quem está ansioso para aprender a pintar a solto e se livrar do excesso de trabalho, das pinturas e da experiência. Aquarela é quem quer melhorar sua pincelada e levar suas pinturas para o próximo nível, ou alguém que simplesmente quer fazer uma pausa criativa e escapar das rotinas diárias da vida Essa aula é perfeita para você. Tenho certeza que você está tão animado quanto eu. Então, vamos começar a criar paisagens soltas em aquarela. 2. Projeto do curso: Esta aula foi criada para ajudá-lo a ter sucesso em seu desejo de afrouxar seu estilo de pintura. Para conseguir isso, a primeira parte da aula será sobre conceitos e dicas práticas para afrouxar efetivamente seu estilo de pintura. Também nos aprofundaremos em melhorar sua pincelada, que é um elemento importante para manter suas pinceladas frescas e não sobrecarregadas. Também ensinarei como simplificar a mistura de cores e como tirar o máximo proveito de uma paleta de cores limitada. A segunda parte da aula é a aplicação de todos os conceitos que abordaremos. Acredito que a prática é a chave para sucesso, então preparei não apenas um, mas sete exercícios de pintura de paisagem para você praticar e aprender. Se você precisar de alguma ajuda ou tiver dúvidas sobre o processo que veio à sua mente, sabe que estou sempre feliz em compartilhar meu conhecimento e ajudá-lo a ter sucesso. Você pode escrever para mim na seção de discussão abaixo deste vídeo, e eu adoraria ver o que você pintou e como essa aula o ajudou a reservar um tempo para si mesmo. Nesta aula, você verá a galeria de projetos do aluno , na guia de projetos e recursos. É aqui que você pode compartilhar seu projeto de aula. Basta tirar uma foto do seu trabalho e enviá-la para lá. Veja aqui como compartilhar seu trabalho, você verá um botão verde à direita que diz Criar projeto. Toque nesse botão e você terá a opção de fazer upload de uma foto de capa, adicionar um título e escrever uma pequena descrição. Você pode incluir textos e imagens na caixa fornecida. Eu também adoraria ver seu progresso, então fique à vontade para compartilhar algumas fotos, como seus exercícios de aquecimento, estudos de paletas de cores, obras de arte finais e também sua área de trabalho. Depois que seu projeto for carregado, ele deverá aparecer na galeria de projetos do aluno, e eu posso deixar um feedback sobre seu trabalho. Você também pode ver projetos de outros estudantes lá, e eu definitivamente encorajo você a curtir e comentar sobre o trabalho de outros estudantes. Dessa forma, construímos uma comunidade saudável de artistas incentivando e capacitando uns aos outros. Além disso, eles também podem descobrir você. Nos vemos no próximo vídeo e vamos dar uma olhada nos materiais necessários para a aula. 3. Compreendendo seus materiais: Nesta lição, mostrarei os materiais que usaremos neste curso e explicarei como cada um funciona. Você pode baixar a lista de materiais em PDF na seção de recursos da aula, onde listei os nomes das cores das tintas em minha paleta, tipos de pincéis e também uma lista de fontes de arte que você pode considerar. Os materiais que usaremos aqui são bastante semelhantes aos que usamos nas minhas aulas anteriores. Eu ainda vou usar papel aquarela prensado a frio de qualidade artística Baohong . É feito de 100% algodão em 300 GSM. Este papel é vendido em folhas grandes ou em blocos, que consistem em várias folhas de papel unidas nos quatro lados. O tamanho do papel que eu uso é de seis por nove polegadas. No próximo vídeo, compartilharei como decalcar a borda para obter o laço vintage. Pessoalmente, prefiro comprar folhas grandes em vez de blocos de aquarela, para poder cortar as folhas em tamanhos menores, dependendo do formato de papel que vou usar. Sei que existem outras marcas de papel no mercado, mas, por experiência própria, realmente faz uma grande diferença quando você pinta paisagens usando papel aquarela Baohong 100% algodão de qualidade artística. A maneira como ele absorve a água e retém a vibração da tinta é muito boa. Também é fácil realçar a cor e usar técnicas diferentes. Para os pincéis, vou usar apenas esses dois pincéis. Ambos são de pincel prateado. Esta é a escova de penas sintéticas e de cabelo de esquilo Silver Atelier , tamanho 40, enquanto esta roxa é uma escova ultra redonda de seda prateada 88 tamanho 6. Vamos dar uma olhada nesse pincel de pena. É feito de cabelo de esquilo misto e fibra sintética. Esta escova tem muita sede e fica com a barriga cheia para absorver quantidade máxima de líquido, limitando o tempo de recarga. As fibras também são bastante flexíveis e um segredo fundamental para pintar rapidamente é usar um pincel maior. Dessa forma, você cobre grandes áreas com poucos traços, fazendo com que você pinte mais rápido. Como esse pincel também contém uma boa quantidade de água, você pode fazer várias pinceladas sem precisar recarregar o pincel. Além disso, quando você faz um traçado, a camada não seca imediatamente. Na verdade, você pode pintar quase tudo em uma camada sem ter bordas rígidas entre as transições. Eu uso esse pincel para pintar principalmente as lavagens inteiras. Como é um pincel sedento, é importante controlar o teor de água na mistura de cores para obter a consistência certa e os tons apropriados. Por exemplo, se você quiser criar uma mistura de cores cremosa, pode precisar de um lenço ou uma toalha para remover o excesso de água do cabelo simplesmente passando a base do cabelo na toalha. Para pintar detalhes e texturas, eu uso esse pincel ultra-redondo. Tem uma ponta afiada e um bom encaixe, facilitando o controle. É perfeito para pintar pequenos detalhes e linhas, como folhas de grama e fios. Como também é puramente sintético, é bom para criar traços secos para impressões de árvores simplesmente esfregando o pincel no papel A textura áspera natural do papel ajudará você a obter essa impressão muito natural das árvores. Eu também uso esse pincel para pintar elementos de paisagem com texturas ásperas, como cerca de madeira , celeiros e similares. Para as tintas, as cores que eu uso são Schmincke Horadam Aquarell. Não vou usar todas as cores da minha paleta para criar o tema vintage, mas deixe-me enumerar as cores para guiá-lo. Amarelo de Nápoles, amarelo transparente , laranja cádmio, ocre amarelo, siena queimada, vermelho escuro de perileno, violeta de perileno, magenta de quinacridona, azul cobalto, turquesa cobalto, violeta do mar profundo, violeta cobalto, cinza paynes, verde oliva, índigo, azul marinho profundo, azul prussiano, azul gelo. Você também pode usar o titânio branco como alternativa. Outras cores aqui são o novo gamboge, rosa concha e o sépia. Na seção de recursos, forneci uma cópia para download da receita da mistura de cores para criar uma paleta de cores suaves ou vintage para seu guia. Outros materiais que usaremos são dois copos de água e uma toalha velha. Este é um borrifador comum, caso queiramos suavizar as bordas e criar um efeito fluido. É um frasco de spray comum que você pode comprar em lojas locais. Também tenho aqui um lápis mecânico e uma borracha para esboços básicos e uma pasta ou quadro à prova d'água para guardar suas folhas de papel ao pintar. Por fim, um cortador e papelão velho para criar papel com bordas de decalque. Quando seus materiais estiverem prontos, vamos passar para a lição principal, como ouvir seu estilo de pintura. 4. Solte seu estilo de pintura: Quando dizemos que queremos afrouxar nosso estilo de pintura, geralmente queremos dizer que queremos parar de exagerar em nossas pinturas. É uma luta comum para maioria dos artistas porque, naturalmente, sempre tendemos a pensar demais, trabalhar demais e complicar demais as coisas. Vamos admitir que é tentador focar demais uma área específica e colocar tantos detalhes nela, pensando que isso fará a pintura geral pareça boa. Se observarmos as obras de grandes artistas como Alvaro Castagnet e Joseph Zbukvic, suas pinturas têm denominador comum. Simplificação, eles simplificam a imagem, simplificam os traços, dão ênfase ao elemento importante ou ao ponto focal, então o resultado final é uma pintura nova e solta. Vamos dar uma olhada em uma das pinturas de Joseph Zbukvic de seu livro. Com certeza, há muitos detalhes e movimentos acontecendo no local real em que ele fez essa pintura, mas você consegue ver a simplicidade do céu no campo? Como são limitadas as cores a serem usadas, observe como ele simplificou os traços das árvores brincando com pincel fluido e orgânico. Também podemos notar como ele deu pinceladas apertadas no ponto focal, que é o celeiro, e pintou os detalhes como grandes formas conectadas. O que podemos aprender com isso? Para afrouxar nosso estilo de pintura, o primeiro passo é mudar a maneira como você vê o assunto. Quando analisamos nosso assunto, seja uma referência fotográfica ou um cenário real. Quando pintamos no local, é natural que anotemos cada detalhe , mas fazer isso só nos levará a sobrecarregar nosso trabalho. Precisamos ensinar nossa mente a ver as imagens, as formas e não os objetos. Não precisamos pintar tudo o que vemos, temos que decidir qual nosso ponto focal com foco a laser nele e deixar tudo ao redor se transforme pequenas formas conectadas que constroem a imagem inteira. Eu tenho uma maneira de fazer isso, é apertar os olhos quando você olha para sua referência, apertar os olhos permite simplificar a imagem porque você está olhando pelo filtro escuro dos cílios. Quando você aperta os olhos, você vê apenas massas de grande valor, o ponto focal geralmente é aquele que se torna dominante na foto, enquanto todos os outros detalhes simplesmente desaparecem. Por exemplo, se olharmos para essa foto de referência, apesar de todo o ruído e detalhes que ocorrem no fundo, quando você aperta os olhos, podemos determinar facilmente que essa árvore à direita é o ponto focal. Uma vez que este é o único objeto que permanece forte e dominante enquanto todos os outros parecem uma forma embaçada. Agora que identificamos qual é a parte mais importante que queremos capturar em seu assunto, podemos focar nossa atenção fazer com que isso seja bem capturado em nossa pintura e pintar outros detalhes de forma muito vaga. Número dois, levante-se para pintar. Eu me levanto quando pinto e até mesmo grandes artistas o fazem. Qual é a lógica por trás disso? Ficar em pé permite que o braço e o ombro se movam enquanto você pinta e mantém o braço afastado do papel, evitando assim que você tenha o hábito de se concentrar demais em uma parte. Se você já fez minhas outras aulas, muitas vezes me ouvirá dizer: dê um passo atrás e veja seu trabalho à distância. Isso incentiva a visão da pintura como um todo e não perder a essência da cena. Número três, pinte com um pincel grande e segure o pincel mais para trás. Quando você era novato em aquarelas, alguém pode ter te ensinado a segurar o pincel, como segurar uma caneta, bem, é verdade que em alguns casos, se você quiser pintar pinceladas apertadas ou precisas, mas, para afrouxar seu estilo de pintura, o segredo é segurar o pincel um pouco mais para trás. Dessa forma, você tem menos controle e evitaremos que você pinte pequenas formas e detalhes. Experimente você mesmo, você pode sentir ainda mais o fluxo e a fluidez da aquarela ao segurar o pincel mais para trás. Agora, o tamanho do pincel também importa, um pincel grande faz com que você se concentre em pintar formas grandes em vez criar um traçado preciso, você cria formas que servem como uma impressão dos objetos, então pratique usando o mesmo pincel grande do início ao fim da pintura e depois mude para um pincel menor apenas para pintar pequenos detalhes e firmeza traços para o ponto focal. Outro benefício de usar um pincel grande é que, como ele pode cobrir grandes áreas com poucos traços, você pode aprender a pintar rapidamente. Essa é a razão pela qual decidi terminar cada projeto de aula em 15 minutos. Quando você pinta rápido, evita pensar demais, exagerar e complicar demais as coisas. Comece rápido e solto e depois vá mais devagar até o final do processo de adição de detalhes precisos. Número quatro, limite sua paleta de cores, mas use bastante tinta rica. Usar poucas cores e aprender a misturá-las e combiná-las não apenas promove a harmonia das cores, mas também mantém sua pintura simples, fresca e organizada. Lembre-se de que menos é mais. Você pode baixar minha receita de paleta de cores vintage na seção de recursos desta aula. Quando se trata da quantidade de tinta que vai carregar nosso pincel, a dica, não tenha medo de usar muita tinta suculenta. A aquarela desbota um tom mais baixo quando seca no papel. Se você usar uma consistência pálida , a pintura parecerá plana e opaca. Coloque tinta no pincel e deixe-o fluir livremente no papel, não tenha medo do fluxo de aquarela ou do ferro, experimente respingos e respingos e você descobrirá quando eles são mais bem usados para criar efeitos interessantes em sua pintura. Número cinco, pratique sua pincelada. pincelada é a forma como os pintores usam o pincel, é como sua assinatura, é o que diferencia sua pintura das outras. Podemos seguir o mesmo procedimento passo-a-passo de pintura, mas é sua pincelada que torna sua pintura única e sua. À medida que suas pinceladas revelam seu próprio estilo de pintura , elas também refletem se você está com medo ou hesitação. Para afrouxar seu estilo de pintura, você deve praticar sua pincelada para refletir energia, confiança e dinâmica. Pratique o uso do pincel em diferentes ângulos, pressões ou direções, dependendo do efeito que você deseja obter. Há traços que exigem rapidez ou rápidos e repetitivos para sugerir movimento ou emoção em seu trabalho e às vezes, você pode tirar o pincel do papel, variar o nível de pressão ao pressionar o pincel ou talvez sacudir o pincel para criar efeitos interessantes. A chave aqui é pintar, pintar, pintar, continuar praticando para que você fique o mais confortável possível com seu pincel. Quanto mais confortável você ficar, mais confiante e expressivo você ficará e, quando dizem confiante, não queremos dizer um derrame rápido, mas irracional. Envolve planejar com antecedência como você abordaria uma pintura, qual pincelada é apropriada em cada fragmento, e aprender a confiar em seu coração. Não analise demais a ponto de ficar paralisado. Por último, mas não menos importante, pinte para si mesmo. Pintar vagamente é um estado de espírito, tudo começa com a forma como você pensa e sente sobre si mesmo e se sobrecarregar da pressão para criar algo perfeito elimina o medo de começar e experimentar. Pinte porque você ama pintar e porque isso lhe dá alegria na vida. Acho útil criar uma atmosfera relaxante antes de pintar, me afastar de qualquer distração, tocar minha música favorita e dançar e cantar ao som da música enquanto pinto. Isso me ajuda a fugir para um lugar onde eu possa ser livre e criativo. Quando você estiver feliz, inspirado e se sentindo positivo enquanto pinta, isso aparecerá em sua pintura. São cerca de 90 e a intuição fluirá livremente do seu coração. Lembre-se sempre de que arte não é apenas ter o conjunto certo de habilidades, é você. Para recapitular, para afrouxar seu estilo de pintura. Número um: mude a maneira como você vê o assunto, pinte formas, não objetos, aperte os olhos para identificar seu ponto focal. Número dois, levante-se para pintar, sempre dê um passo atrás para ver o panorama geral. Número três, pinte com um pincel grande e segure o pincel mais para trás. O número quatro limita sua paleta de cores , mas use bastante tinta rica. Número cinco, pratique sua pincelada. Número seis, pinte para si mesmo. No próximo vídeo, compartilharei com vocês algumas das minhas pinceladas, que você pode tentar conhecer seu pincel. 5. Melhorando seu trabalho em escova: Meu processo de pintura é muito simples. É como uma abordagem de três lavagens. Primeira lavagem para pintar valores de luz, segunda lavagem para valores médios, terceira lavagem para pintar valores escuros, detalhes e acentos. Nossa pincelada muda dependendo onde estamos no processo de pintura. Como a primeira lavagem é para pintar todos os valores de luz, como céu e terra, eu pinto esses elementos com continuidade, considerando-os como uma grande forma usando um pincel grande. A pincelada que uso aqui é o que chamo de lavagem grande e ousada com movimentos horizontais rápidos. É assim que eu faço. Eu coloco meu pincel grande com muitas tintas frescas e suculentas, depois faço um traço horizontal da esquerda para a direita depois da direita para a esquerda. Eu faço isso em um movimento rápido para conseguir uma transição perfeita e evitar linhas ocultas. Às vezes, também é útil inclinar um pouco o papel para ajudar a tinta a fluir sozinha. Também uso a mesma pincelada para pintar terras vastas ou para lavar a base do metal. A segunda lavagem na minha abordagem de três lavagens é para pintar os valores médios como pintar o vinco de fundo, montanhas e estruturas domésticas. Eu pinto esses valores médios quando a primeira lavagem ainda está úmida para que eu possa criar uma mistura suave entre as camadas. Eu coloco minha tinta com uma mistura de cores cremosa para que ela tenha um tom mais escuro sobre o fundo e para que eu possa criar profundidade. Uma das pinceladas que costumo usar nesta etapa é a pincelada para pintar árvores. Eu faço isso pressionando o pincel em direção ao papel e movendo-o em uma direção aleatória, criando a forma geral da árvore. Outro é o que eu chamo de pincelada. Para pintar o metal a pastagem ou um grande pedaço de três, eu brinco com meu pincel para criar a lavagem variando o lado ou o ângulo do pincel e a pressão que coloco nele. Dessa forma, eu crio diferentes tipos de marcas e inicio energia e movimento na imagem. A chave aqui é evitar criar a mesma marca a cada traço para que sua pintura não pareça chata ou repetitiva. A terceira e última lavagem é para pintar os valores escuros, adicionar detalhes e aprimorar a pintura geral. Vamos começar com o rápido movimento de deslizamento usando um pincel seco. Isso é perfeito para pintar texturas ásperas, como troncos de árvores, cercas de madeira e similares. Eu coloco meu pincel com tinta grossa e menos água nele, depois faço um movimento rápido de deslizamento. Você verá aquelas manchas minúsculas e pintadas no traço. Você pode fazer isso na horizontal ou na vertical , dependendo da finalidade. Outro é o movimento ascendente repetitivo. Eu uso isso para pintar lâminas de grama. Pode parecer muito simples, mas o erro comum ao pintar grama é ter lâminas de grama rígidas e com aparência natural. Eu encorajo você a praticá-la com frequência para desenvolver a memória muscular e criar movimentos mais fluidos e de aparência natural para imitar o movimento da grama. Um dos meus trabalhos de pincel favoritos que eu uso não apenas para impressão de flores, mas também para adicionar textura é lisonjeiro. Eu coloco meu pincel pequeno com mistura de tinta cremosa e fluida, depois bato suavemente no meu pincel para obter aqueles lindos respingos aleatórios. O tamanho do pincel e a quantidade de água na tinta afetam o tamanho dos respingos que você pode criar. Se for algo novo para você, experimente testar seus respingos em um pedaço de papel antes de aplicá-los na pintura real. Por último, mas não menos importante, está o arranhão. Eu uso essa técnica para tirar tinta em certas áreas para dar destaque ou simplesmente criar uma impressão de linhas brilhantes. Em vez de usar fluido de mascaramento para preservar uma mancha em sua pintura, que pode parecer muito apertada e refinada, eu arranho a tinta usando unha para obter um efeito mais solto. Agora, o tempo é importante para conseguir um arranhão perfeito. O nível de umidade no papel deve estar bom, nem muito úmido nem muito seco. Se estiver muito molhada, a tinta simplesmente fluirá de volta para a área de arranhão. Quando a tinta estiver muito seca, você também não conseguirá obter uma tinta transparente levantada. Esses são todos os trabalhos com pincel que usaremos para pintar todas as sete paisagens do projeto de aula. Quando estiver pronto, vamos preparar nossas tintas e aprender sobre a mistura simplificada de cores. 6. Mistura de cores simplificada: Como mencionei em nossas aulas anteriores, a chave para uma pintura em aquarela solta e fresca é mantê-la simples. Quando dizemos simplificar sua pintura, isso não se refere apenas à interpretação e aos traços simplificados, mas também à simplificação do uso de cores. Quando usamos uma paleta de cores limitada em nossa pintura, criamos harmonia de cores. Ao combinar algumas cores, tornamos nossa pintura agradável aos olhos. Você pode ter um bom assunto, bom desenho a lápis, valores corretos, mas sem harmonia de cores, a pintura ainda parecerá errada. Outro benefício de usar uma paleta de cores limitada é simplificar a mistura de cores e entender melhor como as cores funcionam juntas. Você não precisa obter todas as cores que uma marca de aquarela tem a oferecer. Com o conjunto certo de primárias frias e quentes e o tom da terra, e talvez uma cor verde básica, você pode criar belas pinturas. Por fim, manter uma paleta de cores limitada dá ao seu trabalho um senso de identidade. Sua escolha de cores e misturas tem o poder de diferenciar sua pintura. Assim como sua pincelada que é exclusiva para você, suas decisões de cores fazem parte de sua identidade como artista. Deixe-me compartilhar um guia simples para misturar e combinar cores limitadas para criar uma paleta de cores vintage. Para a cor do céu, eu jogo principalmente com cores como violeta cobalto e azul cobalto para tons frios, novo Gamboge e rosa concha para os tons quentes. Experimente misturar cada conjunto e variar a proporção e a proporção das cores para descobrir diferentes tonalidades. Por exemplo, eu coloco mais azul cobalto do que violeta cobalto se eu quiser retratar a luz do dia. Mas se eu quiser pintar o pôr do sol, prefiro mais violeta cobalto do que azul cobalto na minha mistura. Para a cor do prado e da vegetação, você pode ser criativo ao brincar com as cores ao pintá-las. As cores base que eu uso para isso são sienna queimada, novo Gamboge, verde oliva e índigo. Para obter um tom mais claro e suave para o campo, misturo sienna queimada e nova Gamboge. Então, a partir dessa mistura, você pode introduzir levemente o verde oliva para obter uma tonalidade verde. Para o primeiro plano ou verduras escuras, misturo verde-oliva e índigo. Você também pode tentar misturar siena queimada, verde oliva e índigo para obter uma cor verde suave. Para manter as impressões das flores frescas e vibrantes, eu sempre uso tintas de cores limpas e puras. Minhas cores favoritas para colher quatro flores são quinacridona magenta, amarelo de Nápoles e azul gelo. Adoro essas cores porque Nápoles e o azul gelo são opacos. Eles realmente dão um bom destaque e sotaque. Para a quinacridona magenta, mesmo sendo uma cor transparente, se você espalhar uma mistura cremosa e saturada dessa cor, obterá um belo efeito vibrante. Às vezes, se eu quiser usá-lo para acentos e destaques, eu o misturo com branco ou com azul gelo para torná-lo opaco. Agora, para a cor da madeira, você precisa ter tons diferentes para mostrar a dimensão. Eu uso sienna queimada e violeta cobalto como minha base. O violeta neutraliza o brilho da siena queimada. Quanto mais violeta você adicionar, mais escuro ficará o tom. Se eu quiser deixar a madeira ainda mais escura, posso adicionar violeta perileno e sépia à minha mistura para obter mais profundidade. É isso. Se você não tem exatamente as mesmas cores que eu, definitivamente está tudo bem. Você pode usar as cores da sua paleta que você se sente confortável em usar. Tudo o que você precisa é um tom de violeta e azul para tons frios, amarelo e pêssego para tons quentes do céu, siena queimada e sépia para sua cor neutra, uma cor verde, azul índigo ou indantrono ou criar tons mais escuros de verde e sua escolha de vermelho, amarelo ou rosa para suas flores. Depois de selecionar suas cores, use sua paleta limitada e explore novos tons diferentes à medida que os mistura e combina. Dessa forma, você pode praticar harmonia de cores e simplificar sua pintura. Tenho certeza de que você está mais do que pronto para começar nosso exercício diário de pintura. Nos vemos no próximo vídeo para preparar nossos papéis com bordas de convés. 7. Como deckle Edge seu papel: [MÚSICA] Para realçar esse visual vintage nessas obras de arte, deixe-me compartilhar com você um tutorial rápido e fácil para enfeitar seu papel. Este é um papel de nove por seis polegadas. Usando um papelão como guia e cortador, criarei um vinco na lateral do papel. Use o cortador levemente para evitar aparar completamente o papel. Eu faço a mesma coisa nos quatro lados do papel. Depois de marcar os quatro lados, dobro cada lado e rasgo suavemente o papel ao longo da linha de dobra. Aí está. É assim que seu papel de borda enfeitado ficará. 8. Dia 1 Prado silencioso: Bem-vindo ao Dia 1. Nosso assunto é bem simples com poucos elementos. O foco do nosso primeiro exercício de pintura é aquecer você a pintar lavagens grandes e ousadas. Eu encorajo você a se levantar enquanto pinta e segurar o pincel mais para trás enquanto pinta lavagens grandes e soltas. Para ter uma visão geral, vou pintar em papel seco e não vou usar fita adesiva para prender meu papel no quadro. Como pintaremos o papel inteiro durante nosso primeiro relógio, deformação não será uma preocupação. No entanto, se você não se sentir tão confortável pintando sem as laterais da fita de segurança em seu quadro, fique à vontade para colar as bordas do papel. Além disso, se o papel não for 100% algodão, recomendo fortemente que você cole todos os quatro lados do papel para obter um suporte adequado e evitar que o papel se deforme. Vamos começar nosso prompt de pintura com uma paisagem simples do pôr do sol. Isso é um esboço a lápis. Eu desenho a linha do horizonte aqui na parte central superior do papel, depois desenho o contorno das montanhas distantes. Em seguida, desenho uma única cerca de madeira aqui no canto inferior direito dos papéis, pois ela servirá como nosso ponto focal. Também desenho linhas horizontais para os fios da cerca. Vou adicionar algumas pinceladas de grama aqui e ali, mas não vou desenhar os detalhes do meio. A aquarela fará isso por nós mais tarde. Agora vamos começar a pintar usando um pincel grande, começo a misturar violeta cobalto e azul cobalto para obter essa bela cor fresca do pôr do sol. Quero que você dê uma olhada na minha pincelada. Posso parecer rápido para pintar, mas essa é apenas a grande lavagem ousada que compartilhei na lição anterior. Deslize o pincel da esquerda para a direita e para trás para criar uma boa lavagem suave. Em seguida, eu limpo meu pincel e obteremos cor de gamboge novo e um pouco de rosa de concha. Observe que eu misturo essa cor quente na minha tinta roxa que sobrou para suavizar a cor quente. Começo com um único traço horizontal aqui na parte da montanha e depois adiciono um pouco de água no meu pincel para obter uma lavagem mais suave enquanto pinto em direção à linha do horizonte. Aqui temos uma faixa não pintada entre o amarelo e o roxo. Para misturar as duas cores, coloco um pouco de água no meu pincel novamente e conecto as duas cores. Usar água para misturar o roxo e amarelo nos ajuda a evitar uma mistura turva. Também inclinei meu papel um pouco para que o roxo flua para baixo e se misture com o amarelo sozinho. Quero criar profundidade no céu ajustando o tom na parte central do céu usando a mesma cor misturada com um pouco mais de violeta cobalto. Eu adiciono mais algumas pinceladas aqui no meio do céu. Nosso céu está pronto. Veja como foi simples e rápido. Pintar o céu não precisa ser complicado. Como não é nosso ponto focal, não precisamos colocar muitos detalhes nele. Tanto quanto possível, evite pensar demais, exagerar e voltar ao fragmento do céu e pinte mais camadas sobre ele. Vamos continuar pintando os fragmentos da lente. Eu pego verde-oliva e misturo um pouco de gamboge novo e sienna queimada para suavizar a cor. Usando o mesmo traço rápido e ousado , deslizo meu pincel horizontalmente. Enquanto pinto a área, adiciono um pouco de sienna queimada pouco a pouco para criar uma variação de tom com meu verde. Em seguida, coloco meu pincel com água e pego uma mistura de verde oliva e índigo para um tom mais escuro. Já que estamos pintando o meio termo, vou mudar minha pincelada, o pincel, colocar os traços. [MÚSICA] Aqui estou começando a fazer movimentos para cima e para baixo e até mesmo em ziguezague, veja quanta pressão coloco no meu pincel enquanto o esfrego no papel. Ao me aproximar da borda do papel, também faço a transição dos meus valores para tons mais escuros para criar profundidade. Eu simplesmente adiciono mais índigo à minha mistura verde para obter essa cor verde escura rica. Agora que eles pintaram completamente o fragmento de terra, eu uso meu pequeno pincel redondo para espalhar um pouco de água no primeiro plano para obter textura. Aqui, podemos ver lentamente alguma mágica acontecendo à medida que as tintas reagem nas gotículas de água. Não se preocupe com as corridas em aquarela, se você ver alguma. Lembre-se de que nosso objetivo é pintar de forma solta e relaxada. Também tento espalhar um pouco de tinta verde escura em primeiro plano usando a mesma mistura verde escura feita de índigo e verde oliva. Apenas faça poucos, pode ser divertido, mas evite exagerar. Agora vou misturar sienna queimada com essa mistura verde escura feita de verde oliva e índigo. Eu fico com uma cor muito suculenta para pintar a montanha distante. Usando meu pincel pequeno, eu deslizo meu pincel na diagonal para criar a inclinação da montanha. Eu adiciono um pouco de verde à minha mistura para fazer um jogo de cores e pintar a parte inferior da montanha. Eu quero que você preste atenção na minha pincelada. A rapidez com que o traço retrata a forma, não o objeto em si. Como o céu de fundo ainda está úmido ao mesmo tempo, você verá aquela mistura suave de cores na borda da montanha. Agora, usando o novo gamboge e a sienna queimada, crio uma mistura espessa dessa cor para pintar a outra montanha atrás. Eu coloco o pincel sobre o papel para criar um traçado lateral com forte pressão sobre o pincel. Eu tento pintar a forma usando marcas de pincel. Depois disso, eu limpo meu pincel e pego um pouco verde misturado com sienna queimada para escurecer a montanha em frente, isso faz com que a montanha se destaque mais. [MÚSICA] Aqui eu tento viver uma leve cor da montanha atrás simplesmente deslizando meu pincel suavemente sobre a camada. Esses pequenos degraus dão à montanha uma sensação de textura sem colocar muitos traços ou detalhes. Agora eu pinto o pé da montanha com algumas marcas de pincel para conectá-las no chão e na terra. A chave aqui é tornar a mistura de tinta espessa o suficiente para ficar acima da cor de fundo. Se a mistura estiver muito úmida, ela criará flores. Observe também que eu simplesmente toco meu pincel para definir as cores. Eu não pinto toda a linha do horizonte, mas apenas linhas sugestivas. Em seguida, peguei uma mistura verde escura, ainda de verde oliva e índigo, ainda de verde oliva e índigo, para fazer uma mistura bem cremosa para pintar as lâminas da grama. traços finos e orgânicos, eu seguro meu pincel mais longe da alça e o posiciono a quase 90 graus. Eu faço movimentos ascendentes rápidos e tento imaginar o movimento natural da grama para evitar linhas repetitivas e rígidas. Eu pinto principalmente aqui na seção inferior direita , abaixo do local onde colocarei a cerca de madeira. Também pinto algumas lâminas de grama usando siena queimada para variar e variar o comprimento e o ângulo do meu traçado. Aqui, eu faço destaques arranhando o papel com unha para criar uma impressão de grama nesse arranhão. De forma eficaz, a tinta não deve estar muito úmida nem muito seca. Arranhe usando a unha em um rápido movimento descendente. Eu adiciono alguns traços verdes escuros para preencher as lacunas, mas ao fazer isso, tento dar um passo atrás para ver a imagem inteira. Agora vamos misturar sépia, siena queimada e cinza de Payne para a cor da cerca de madeira. A mistura deve ser muito opaca e seca, por isso imita a textura da madeira. Enquanto eu faço o traço, você verá como meu pincel está seco. Tentei fazer com que a cerca parecesse 3D pintando a parte do lado direito com um tom mais claro. [MÚSICA] Então eu risco algumas linhas horizontais para obter detalhes. Eu também escureço um pouco o lado esquerdo. Agora, eu pinto os fios usando o mesmo pincel, segurando meu pincel em um ângulo de 90 graus e colocando uma leve pressão para criar traços finos. É normal que a linha fique um pouco instável. O arame não deve ser pintado com muita dor para não sobrecarregar a cerca de madeira. Se você sentir que a dor ficou um pouco grossa, basta passar o dedo nela para nivelar a cor. Em seguida, pinto o fio com uma cor azul gelada ou você pode usar branco titânio para realçar. [MÚSICA] Como toque final, vamos espalhar um pouco de amarelo puro ao redor da área do campo de grama. Você pode usar o dedo ou outro pincel para tocar no pincel e fazer respingos. Lembre-se de onde seu pincel está voltado para não respingar no fragmento do céu. Eu também respingo algumas cores, como o branco. Por fim, adicionarei alguns pontos de rosa aqui e ali como acentos finais. Nossa pintura está completa. Mal posso esperar para ver o que você pintou hoje e ir até a seção de projetos e recursos e, por favor, compartilhe seu trabalho enviando seu projeto de primeira classe para lá. Na próxima lição, vamos praticar algumas pinceladas soltas para pintar a impressão de pinheiros e lago calmo. 9. Dia 2 Lago calmo: [MÚSICA] Estou muito feliz de ter você aqui comigo novamente. Hoje, vamos pintar outra paisagem com foco nos trabalhos de pincel específicos para pintar a impressão de pinheiros e do lago calmo. Nosso objetivo aqui é capturar a essência dos elementos importantes do seu assunto sem ser muito detalhado. Vamos começar. O desenho a lápis é simples. Começamos desenhando a linha do horizonte no terço inferior do papel e os traços de luz da montanha. Tirei a impressão de uma pequena ilha aqui à esquerda, e pronto. Vamos misturar cores para o céu. Eu ainda uso violeta cobalto para minha cor básica do céu. Usando meu pincel grande, faço grandes traços horizontais, assim como pintamos o céu no exercício anterior. Ao pintar a parte central do céu, eu dessaturo a tinta adicionando água ao meu pincel. Aqui você verá que eu parei de pintar roxo no meio do caminho e vamos mudar a cor. Com uma leve mistura de gamboge novo no meu pincel, continuo a lavagem plana de onde acabei até chegar ao horizonte. Em seguida, pego azul cobalto e adiciono um pouco de violeta marinho profundo para fortalecer o tom e pintei a parte superior do céu. É importante deixar a parte superior do céu com um tom mais escuro para que você possa criar uma sensação de perspectiva e sua pintura não pareça plana. Acabamos com o fragmento do céu. Fácil e simples. Agora vamos pintar o lago a seguir. Uma dica importante é que, ao pintar água, lembre-se sempre de que a cor da água deve ser um reflexo da cor do céu e dos objetos ao redor. Se pintamos o céu com roxo, a cor da água também deve ter uma influência do roxo. Outra coisa é que, se você notar, eu não limpei minha paleta antes de começar com outra pintura, bem, essa é a vantagem de usar uma paleta de cores limitada para todas as suas obras de arte. Você evita misturas turvas mesmo que esteja misturando na mesma paleta usada, porque as cores que você usa pertencem a uma família. Vamos continuar nossa pintura. Aqui, eu estou pegando uma tinta suculenta de violeta cobalto, meu pincel de esfregão, e depois coloco meu pincel com um pouco de água e misturo com o amarelo restante que eu tenho. Eu pinto o fragmento de água com traços horizontais rápidos e leves da esquerda para a direita a partir da linha do horizonte descendo. Aqui você pode ver que os fragmentos do céu e do lago não terão valores quase iguais em cores semelhantes. Em seguida, vamos pintar o meio termo, começando com uma montanha ao fundo. Usando violeta cobalto e siena queimada, crio um tom marrom arroxeado para pintar a montagem. A mistura tem que ser mais espessa do que a mistura que usamos no céu, então o valor tonal será mais escuro. Enquanto eu pinto, o fundo está bem úmido. É por isso que eu tenho bordas suaves , mas controladas. Observe como coloco meu pincel no papel e como vario o ângulo para fazer um traço. Às vezes eu uso a lateral do meu pincel e às vezes eu a pressiono no papel. Em seguida, usando siena queimada, pouco de gamboge novo e violeta cobalto, pinto um tom de marrom um pouco mais escuro, porém mais quente , para esta montanha à esquerda. Eu pressiono o pincel para baixo para pintar a inclinação e mantenho meu traçado simples. Eu troco meu pincel pelo nosso pincel redondo. Eu pego verde-oliva e misturo com minha tinta marrom que sobrou, e adiciono um pouco de gamboge novo para pintar o grande pedaço de árvores aqui à esquerda. Lembre-se de que pintaremos formas, não objetos. Aqui, em vez de pintar cada árvore uma a uma, brincamos com as cores variando a proporção de cores na mistura e pintando a forma geral do fragmento da árvore. Você também pode ver aqui que, eu escureço algumas manchas enquanto outras mais quentes. Também pinto traços verticais para retratar as diferentes alturas das árvores. Eu deixo a tinta escorrer e misturo naturalmente, em vez de misturá-la com meu pincel. Continuo pintando formas com pinceladas divertidas e expressivas para completar todo o fragmento. Como o lado direito do papel já está secando, você pode observar essas bordas duras enquanto eu pinto árvores. Isso é totalmente bom e, na verdade, bom, porque nos dá uma sensação de bordas perdidas e encontradas na pintura. Agora começo a criar mais ilusões de árvores pintando a ponta das árvores finas usando pinceladas. Aqui, sua tinta deve ser espessa e cremosa o suficiente para ficar acima da bolha de cor verde. Tente não pintar cada árvore em detalhes. Basta pintar a ponta das árvores, variar a altura e talvez o ângulo pintando outras em posição inclinada e, em seguida, passar uma camada grossa de tinta em cima da grande forma verde para criar profundidade e notas do corpo. Agora vou pintar a ilha à esquerda com um brunch e agora com traços deslizantes. Eu quero criar uma separação entre terra e água, e esse traço horizontal sugestivo é uma boa maneira. Eu também pego minha escova de esfregão novamente para melhorar o lago. Usando violeta cobalto e um pouco de verde oliva, quero criar uma rica mistura de roxo esverdeado para pintar a água. Com um rápido traço horizontal, eu crio pinceladas secas aqui na parte inferior do lago para retratar o brilho na água. Tento não passar repetidamente por uma área para preservar o brilho que criei usando as pinceladas secas. Como etapa final, vamos aprofundar o tom aqui na maior parte da fronteira do lago em termos de perspectiva e dimensão. Eu ainda uso violeta cobalto para essa porção e mantenho meus traços leves e rápidos para mostrar energia e dinâmica. Vamos finalizar adicionando um pouco de violeta de perileno ao meu violeta cobalto e fazer os últimos traços horizontais. Dê um passo atrás e veja seu trabalho à distância. Decida parar antes mesmo de pensar que sua pintura está completa para evitar sobrecarregá-la. Nosso próximo assunto é um dos meus favoritos. Vamos pintar um celeiro serino em um prado florido na próxima lição. [MÚSICA] 10. Dia 3 celeiro em um campo: [MÚSICA] Para nosso terceiro exercício, pintaremos um celeiro sereno em um prado florido. Aqui, veremos como texturas contrastantes, bordas duras e suaves e vários efeitos interessantes podem criar uma dinâmica e energia em sua pintura. Vamos começar com um breve esboço a lápis. Eu desenho a linha do horizonte na parte central do papel e depois desenho alguns traços em ziguezague para o contorno do pedaço de árvores ao fundo. Então, aqui na parte direita do papel, eu desenho um telhado triangular do celeiro. [MÚSICA] Eu desenho o contorno da grama abaixo do celeiro e alguns troncos de árvores ao redor para meu guia. Não vou desenhar as árvores em detalhes, pois as desenharemos por meio de pincéis. Vamos misturar cores. Como queremos pintar um pôr do sol brilhante, precisamos de uma mistura limpa do novo Gamboge com um pouco de rosa. Eu coloco água no meu pincel e vejo como minha mistura é aquosa e suculenta. Agora que meu pincel está cheio de tinta, faço traços horizontais a partir do horizonte até a metade. Antes de fazer a transição para outra cor, suavizo ainda mais a borda com um pincel aquoso. Fazer isso me dá mais tempo para preparar minha cor roxa sem a camada amarela seque e se transforme em uma borda dura. Em seguida, pego uma boa quantidade de violeta cobalto e pinto a parte superior do céu com alguns traços e, em seguida, misturo lenta e suavemente com amarelo com apenas algumas pinceladas. Misturar demais com movimentos excessivos pode causar uma mistura turva. [MÚSICA] Eu escureço um pouco mais a parte superior aplicando um tom mais escuro de violeta cobalto. Eu inclino meu papel de vez em quando para deixar o tom roxo se misturar com o amarelo sozinho. Agora você pode ver uma transição de cores muito bonita e suave. Sem borda dura e sem mistura enlameada. Vamos deixar assim e pintar a base do prado. Usando o novo Gamboge e a siena queimada, pinto a luz refletida no prado. Eu quero que você veja como eu seguro meu pincel e executo o traço. Meu pincel está posicionado para cima e eu faço pequenas pinceladas. Posicionar o pincel dessa maneira me permite criar uma textura irregular, o que é um bom efeito para o campo. Eu também coloco cores saturadas de sienna queimada em algumas áreas para que haja um jogo de tons. Eu continuo com o mesmo traço em direção ao outro lado do papel. Em seguida, sem limpar meu pincel, uso violeta cobalto e verde oliva para fazer a transição lenta do tom para um tom arroxeado, já que é pôr do sol. Ao pintar esse fragmento, vario a proporção entre verde oliva e violeta cobalto. Algumas partes eu tenho mais violeta cobalto na minha mistura, enquanto outras têm mais verde oliva. Mas eu cuido de manter o equilíbrio certo entre os dois para que o equilíbrio certo entre os dois para minha mistura de cores combine com a atmosfera e o ambiente do dia. Quando eu quase me aproximo do primeiro plano, preciso introduzir texturas mais visíveis no prado, então vou mudar minha pincelada para movimentos repetitivos para cima e para baixo. Também começo a alterar a posição de como seguro meu pincel para que meus traços não pareçam chatos. Aqui em primeiro plano, meu tom deve ser ainda mais escuro e profundo. Agora eu uso verde oliva e índigo com violeta cobalto e siena queimada para obter uma cor verde escura suave. Eu me certifico de que o primeiro plano tenha o tom mais escuro aqui na lavagem inicial para que eu possa guiar os olhos dos espectadores em direção ao horizonte. [MÚSICA] Aqui estou apenas adicionando mais algumas manchas escuras de cor para criar profundidade. Só uma dica, o valor tonal precisa ser mais escuro medida que se afasta da linha do horizonte. [MÚSICA] Agora eu pego meu pincel redondo e pinto impressões de grama enquanto a camada ainda está molhada. Eu faço isso com alguns movimentos ascendentes. [MÚSICA] Eu também respingo um pouco de água limpa usando meu pincel para criar um pequeno efeito de floração. Pretendo fazer isso molhado para que a pintura pareça atmosférica e macia. Agora eu pego violeta de perileno, respingo pelo prado e posiciono meu pincel na direção oposta para não espalhar tinta no céu. [MÚSICA] Aqui estou apenas adicionando mais cores no campo para torná-lo mais colorido e charmoso. Eu uso quinacridona rosa misturada com azul gelo para tornar a cor opaca. Eu também uso o amarelo de Nápoles para o efeito respingos. Como a aquarela tende a desbotar um pouco quando seca, talvez seja necessário adicionar mais algumas camadas escuras para compensá-la. Aqui eu pego uma mistura de cores verde escuro e pinto algumas pinceladas de grama em primeiro plano. [MÚSICA] Eu adiciono outro respingo de azul gelado para ter aquele brilho de luz no campo escuro. Deixe a tinta florescer na superfície molhada e crie sua própria magia. Vamos deixar isso secar por enquanto e podemos pintar o celeiro e os elementos ao redor dele. Agora, usando violeta cobalto siena queimada e um pouco de verde-oliva, esfrego meu pincel redondo no papel para pintar a vegetação distante. [MÚSICA] Não tenha medo esfregar a escova, pois ela não será danificada. Em seguida, obtenho violeta de perileno e índigo e siena queimada para obter uma cor marrom escura profunda para o celeiro. [MÚSICA] No meu traço inicial, notei que meu papel ainda está úmido e, se eu continuar pintando-o, não conseguirei obter uma borda dura e nítida para o telhado. Como o celeiro é nosso ponto focal, ele precisa ser definido. Preciso secar completamente a área primeiro usando uma pistola de calor e continuar pintando quando estiver seca. Usando a mesma mistura de cores, pinto a lateral do celeiro voltada para a frente. Observe como eu pinto a área. Eu uso toda a barriga do pincel para criar traços grossos até preencher toda a área. [MÚSICA] Observe também que fiz a parte inferior recortada para dar a impressão de que o celeiro está parcialmente coberto pela grama. [MÚSICA] Eu pinto o outro lado da sala com um tom mais claro e também deixei uma linha diagonal quebrada sem pintura para distinguir os lados do telhado. [MÚSICA] Agora podemos ver claramente como texturas contrastantes , ou seja, lavagem suave no prado e bordas duras no celeiro, trabalham juntas para criar uma pintura aprimorada. [MÚSICA] Não quero que o celeiro pareça um adesivo postado sobre a pintura, então precisamos conectá-lo ao prado. Usando meu dedo, arrasto suavemente a tinta do celeiro para baixo para que ela estabeleça uma conexão com o prado e tenha uma borda irregular. Agora, a parte divertida, vamos pintar as árvores usando pinceladas expressivas. Eu fico verde escuro usando minha tinta verde que sobrou. A tinta tem que ser muito grossa com menos água. Começo com um pinheiro aqui à esquerda. Eu faço movimentos bruscos usando a ponta do meu pincel e retrato essa forma triangular da árvore. [MÚSICA] Em seguida, mudo a tonalidade adicionando um pouco de amarelo, que é o novo Gamboge à minha mistura de cores, e esfrego meu pincel na área para pintar uma árvore cheia e espessa. Penso na forma geral da árvore e tento retratá-la usando esses movimentos rápidos e secos. Eu passo pedaços de tinta escura para tornar a árvore dimensional, mas tento não colocar muitos detalhes dentro dela. [MÚSICA] Agora vamos pintar a árvore à direita. Eu ainda uso meu golpe de fricção, mas desta vez quero fazer uma forma diferente das outras árvores à esquerda. Em vez de usar apenas uma única mistura de cores, tente variar a proporção de cores para o jogo de cores. Também risco algumas partes do papel para mostrar a impressão de baús. Lembre-se de fazer isso quando a tinta não estiver mais tão molhada. [MÚSICA] Vamos terminar a pintura aprimorando o prado. Vou adicionar mais alguns respingos já que a lavagem inicial já desapareceu. Eu respingo um pouco de rosa misturado com azul gelo e também amarelo de Nápoles na parte mais baixa do prado já que este é o primeiro plano. [MÚSICA] Terminamos nossa terceira pintura. Eu adoraria saber como está para você até agora. Você pode compartilhar seus trabalhos e escrever na legenda, suas ideias ou talvez sua experiência ao enviar seu projeto de aula para que eu possa viajar com você. Nos vemos em nossa próxima aula. 11. Dia 4 Sunset Forest: Em nosso quarto exercício de pintura, seremos ainda mais expressivos em nossa pincelada para retratar árvores claras e florestais. Praticaremos a eliminação dos detalhes pintando o primeiro plano como uma forma grande. O desenho a lápis será apenas uma inclinação para as montanhas de fundo. Então vamos desenhar um pequeno círculo aqui no lado direito para representar o sol. Eu ilumino o esboço para que ele não seja visto embaixo da pintura. Vamos começar a pintar. Usando meu pincel de esfregão, compro novo gamboge com casca rosa para pintar a luz quente ao redor do sol. Novamente, estou pintando em papel seco. Observe que eu pintei um círculo maior que o esboço. O motivo é que mais tarde vou suavizar a borda interna com uma escova limpa suavizar a borda interna com uma escova limpa e úmida. Em seguida, também suavizo a borda externa do meu traço redondo inicial. Eu pinto a área ao redor com uma mistura saturada de gamboge novo e concha rosa. Quero que você perceba a intensidade da cor que coloco no horizonte. Também faço traços horizontais rápidos para pintar as outras partes do céu. parte superior do céu, difundo o tom pintando-o com um pincel aquoso. [MÚSICA] Aqui eu terminei de pintar todo o fragmento do céu. Mas antes de prosseguir com os outros fragmentos, vou suavizar essa borda na parte inferior para que ela não seque imediatamente e deixe uma borda dura. Eu pego um pouco de violeta cobalto e misturo com minha mistura amarela para difundir o tom amarelo. Vou pintar a parte inferior do papel com uma lavagem suave para configurar a luz em nossa camada base. Usando violeta de perileno e violeta cobalto, vou pintar a montanha ao fundo e depois misturo bem as tintas para obter uma boa mistura cremosa. Enquanto eu pinto a silhueta de montanha para eles, o fragmento do céu deve estar úmido para que você possa obter aquela borda macia, mas controlada. O valor tonal deve ser mais escuro e cremoso do que o fundo amarelo, para que apareça como meio termo. Observe que eu jogo com tons dentro da montanha, algumas partes parecem mais grossas e mais escuras do que as outras. Não se preocupe se a tinta simplesmente sangrar, é um efeito único da aquarela que queremos abraçar. Agora, vou limpar meu pincel e colocá-lo com uma cor verde para pintar as árvores da floresta. É bom pintar esse fragmento enquanto o papel ainda está úmido para obter uma mistura suave de cores na floresta, contrastando a borda dura e forte da fonte de luz, que é nosso ponto focal. Eu misturo verde com minha mistura roxa que sobrou, adiciono um pouco de violeta cobalto e faço movimentos descendentes repetitivos. Aqui eu quero retratar as árvores da montanha e pintá-las como uma grande forma. Eu lentamente faço a transição para um tom um pouco mais escuro adicionando índigo à minha mistura. Eu continuo fazendo movimentos para cima e para baixo nesta parte. Em seguida, pego meu pincel redondo e obteremos uma mistura bem saturada e espessa de verde usando verde oliva, índigo e um pouco de gamboge novo para pintar os grandes pinheiros ao fundo. Começo a pintar esta grande árvore espiada à esquerda, pintaremos apenas uma parte da árvore e quero que você trabalhe aqui com sua pincelada. Concentre-se em retratar a impressão geral da árvore brincando com o ângulo do pincel. Experimente fazer traços usando toda a barriga do pincel e também em algumas áreas usando apenas a ponta. O segredo aqui é se sentir confortável ao manusear seu pincel para que você possa ter confiança em seus traços. Pintei até a parte inferior, mas vou adicionar tons escuros para deixá-la mais cheia. Eu misturo verde oliva, índigo e chana marrom para essa mistura de verde escuro profundo. Ao adicionar tons escuros, não pinte sobre tudo, apenas passe traços escuros apenas em pontos selecionados. Estou enchendo meu pincel com um pouco mais de verde, mas estou misturando um pouco de violeta cobalto para alterar um pouco o valor da outra árvore. Aqui eu uso a ponta do meu pincel para pintar a parte superior da árvore. Observe as pinceladas que eu faço para criar traços mais grossos. À medida que desço, coloco mais pressão em meus movimentos de movimentos e movimentos para obter marcas ainda mais grossas. Agora, desta vez, não vou pintar até a borda do papel. Usando o borrifador, borrifo água na parte inferior e deixo a tinta escorrer. Passo a pintar a próxima árvore. Eu o fiz menor que o outro. Repito os movimentos de toque e agitação, para criar a forma triangular. Eu borrifei um pouco de água na borda inferior para colocar a tinta no papel também. Como essa parte ficou molhada por causa desse pulverizador, passei algumas verduras para dar cor. Eu também coloco um pouco de chana marrom aqui embaixo, para que esse lugar não seja muito chato com o mesmo tom de verde. Isso serve como um destaque. Eu pinto outra árvore aqui e a deixei menor, para não cobrir o fragmento do sol. Repito o processo de pintar as árvores e borrifar água para que a tinta flua para baixo. É como criar um efeito que as tintas se dissolvem para dar um foco extra à luz. Aqui, ao pintarmos a árvore mais perto do sol, use uma nova mistura de gamboge com chana marrom. Dessa forma, criamos uma impressão de luz atingindo a parte da árvore. Essa é uma das coisas que adoro neste pincel ultra redondo. Tem uma soneca muito boa e é tão fácil de controlar que pintar detalhes finos como esse parece desenhar com uma caneta. A ponta pontiaguda também me permite criar uma pequena marca de pincel, que eu não precise trocar os pincéis de vez em quando. Agora, à medida que você se afasta da luz, faremos a transição da cor de volta para o verde. Nessa área inferior, sou só eu esfregando pinceladas para preencher uma área maior. Eu continuo pintando mais algumas árvores aqui no lado direito e deixando meus traços mais soltos e maiores. Acho que a área do céu aqui à direita parece um pouco vazia, então vou adicionar mais uma árvore alta aqui. Eu ainda começo com uma cor laranja e depois faço a transição para o verde quando chego às partes central e inferior. Também adiciono uma pequena árvore aqui no meio, já que a lacuna é bem grande e parece vazia. Vou adicionar pequenas marcas para deixar a floresta mais cheia e também vou aplicar alguns traços escuros aqui na parte inferior. Como etapa final, vou espalhar um novo gamboge usando meu pincel redondo aqui na parte inferior como acentos e também para quebrar o preenchimento sólido da cor verde. Nossa pintura está completa. Espero que você tenha conseguido acompanhar. Se você tiver dúvidas, sinta-se à vontade para me deixar uma mensagem na guia Discussões abaixo deste vídeo. Na próxima lição, praticaremos pintura de cercas de madeira com foco na criação de texturas ásperas usando diferentes pinceladas. [MÚSICA] 12. Dia 5 em madeira fazenda cerca: Estamos nos limitando aos últimos exercícios e tenho certeza de que, a essa altura, você pode ver o progresso e a diferença na forma como aborda o processo de pintura e como segura e brinca com o pincel. Agora, no exercício de pintura de hoje, praticaremos como realçar a textura áspera das cercas de madeira e como misturar várias cores no céu de uma só vez. Vamos começar nosso esboço identificando a linha do horizonte. A partir daqui, atribuo um ponto aqui no lado mais à direita da linha que servirá como meu ponto de fuga. Para que uma cerca de madeira pareça realista, ela deve ser desenhada seguindo a perspectiva hórica. Eu desenhei duas linhas diagonais que estão todas se cruzando até o ponto de fuga. Isso serve como meu guia para desenhar a altura de cada cerca. Desenhei a madeira aqui começando pela esquerda e depois a próxima um pouco mais curta, seguindo minha linha diagonal como guia. [MÚSICA] À medida que eu adiciono mais madeira, a distância entre cada madeira também deve ser menor. [MÚSICA] Este é nosso esboço final. Vamos começar a pintar o céu. Estamos pintando em um papel seco. Começo misturando a cor quente usando o novo gamboge e a concha. Meu mix tem mais jogos novos. Então, com um traço horizontal completo, eu pinto a linha do horizonte. Eu recarrego meu pincel com tinta, adicionando mais um pouco de concha rosa nele. Eu consigo pensar em fazer uma lavagem grande e ousada e apenas variar a quantidade de gamboge novo ou rosa de casca em cada lavagem. Em seguida, adiciono um pouco de quinacridona magenta para introduzir um toque de rosa de casca na minha mistura. Fiz alguns traços curtos e leves para ver como fica no céu. Como parece muito pálido, pego violeta de perileno e o adiciono à minha mistura amarela. Aqui eu tenho uma bela cor laranja púrpura para o pôr do sol. [MÚSICA] Em seguida, pego violeta cobalto e o adiciono à minha mistura atual para obter essa cor roxa profunda muito bonita na parte superior do céu. [MÚSICA] Para adicionar mais profundidade, eu adiciono um pouco de violeta do mar profundo à minha mistura. Também fiz alguns traços rápidos, porém curtos, da mesma cor para retratar faixas de nuvem no céu. Em seguida, deixei de lado uma pequena porção de tinta para mostrar a luz. Em seguida, usei meu pincel limpo e úmido para remover a tinta restante e tirar completamente a cor. Essa é a vantagem de pintar rápido e com um pincel grande. Podemos pintar o céu inteiro com cores diferentes sem ter bordas duras. Pego meu pincel de esfregão novamente, misturo violeta de perileno, gamboge novo e rosa de concha para pintar faixas menores de nuvem no céu. É melhor fazer isso enquanto o fragmento do céu ainda está úmido, para que o traço seja suave e controlado. Tentei tirar a cor mais uma vez na área do sol porque a tinta continua sangrando. Agora, enquanto pintamos o campo, a cor do campo é influenciada pela cor do céu. Não pintamos o campo apenas com verde. Vou pintar a luz refletida no campo usando uma cor semelhante à que usei no céu. Eu misturo violeta de perileno, gamboge novo e rosa concha para obter essa cor e pintar essa parte do campo logo abaixo do horizonte. Em seguida, faço com que o violeta cobalto pinte o campo e , gradualmente, introduzo o verde na minha mistura. Aqui temos uma cor verde misturada com um pouco de violeta cobalto. Aos poucos, adicione índigo e violeta cobalto para obter um tom mais escuro que vou usar para pintar o primeiro plano. Ao pintar essa área, faço os traços em direções variadas porque quero criar textura e movimento da grama. [MÚSICA] Agora que terminamos de pintar o campo, parece que falta profundidade, pois a parte inferior não está escura o suficiente. Aqui, vou misturar verde-oliva, índigo e siena queimada para obter um tom mais escuro e colocá-la em camadas, preenchendo com traços divertidos, imitando o movimento da grama. [MÚSICA] Usando um pincel redondo e misturando violeta cobalto e siena queimada, vou espalhar um pouco de tinta no primeiro plano. [MÚSICA] Se você sentir não há tinta suficiente saindo, isso significa que você precisa adicionar um pouco de água no pincel. Em seguida, vamos pintar as árvores ao fundo. Estou preparando a cor violeta azulada escura usando violeta de perileno, violeta cobalto, siena queimada e índigo. [MÚSICA] Quando adquiri essa bela cor roxa profunda, coloco bem meu pincel e faço traços de roubo aqui à esquerda. Como meu fragmento do céu ainda está úmido, o efeito é suave e leve. Eu quero que pareça um pouco mais escuro do que o fundo para mostrar uma impressão de silhueta, então eu faço uma mistura mais espessa usando as mesmas cores , mas menos água. Esfrego o pincel por cima mais uma vez, e aqui conseguimos essa silhueta de árvore. [MÚSICA] [MÚSICA] Eu fiz traços horizontais, depois arrastei a tinta para baixo usando meu dedo para conectar a árvore ao campo. Isso é semelhante ao que fizemos para conectar o celeiro ao campo em nosso exercício anterior. Agora, usando a casca rosa na mistura de violeta que sobrou, eu pinto traços quebrados na linha do horizonte. Evite pintar em linha reta para que não distraia os olhos. [MÚSICA] Agora estamos bem com o céu e o meio termo, vamos continuar aprimorando o primeiro plano adicionando grama e depois pintando cercas de madeira. Eu misturo verde, siena queimada e índigo e uso para pintar a grama aqui. [MÚSICA] Nas duas primeiras cercas, meus traços são maiores e mais ousados. Mas à medida que me aproximo do ponto de fuga, meus traços ficam menores e mais leves. [MÚSICA] Também deixo algumas marcas de siena queimada como destaques na grama nas primeiras gramíneas. [MÚSICA] Em seguida, eu respingo tinta amarela aqui na área do lado direito para obter um efeito extra, e também faço uma pincelada leve e seca para conectar a grama ao chão. Não se sinta intimidado se eu me mover muito rápido ao pintar esses elementos, pois eles fazem parte da pincelada. Ao praticar, você também desenvolverá o ritmo de mover seu pincel rapidamente para criar marcações e traços. Na verdade, é disso que trata a pincelada. Agora vamos pintar a cerca de madeira. Para realçar a textura sólida da madeira, o tom tem que ser realmente sólido e opaco. Também precisamos fazer uma mudança no tom em cada lado da madeira para mostrar a dimensão. Vamos começar com a parte horizontal da cerca. Eu misturo violeta de perileno, índigo e um pouco de gamboge novo e também violeta de cobalto. Aqui eu pinto cada porção com cuidado. Pego um lenço e esfrego sobre a dor para aliviar o derrame. Como está próximo do ponto de fuga, o tom deve ser mais claro e não tão forte. Evitei pintar sobre a grama. [MÚSICA] Eu faço um traço rápido para ter esse traço. [MÚSICA] À medida que me afasto, você pode ver com mais clareza a textura áspera criada usando uma pincelada seca. Eu também corrijo o contorno em alguma parte. Em seguida, pego ocre amarelo e pinto na parte superior da madeira para poder mostrar a dimensão. Isso dá a impressão de que a parte iluminada da parte superior da madeira é iluminada pelo sol. Em seguida, vamos pintar as madeiras verticais. Eu ainda uso a mesma cor marrom escuro e arroxeado. Mas observe que deixei uma pequena parte sem pintura na lateral. Vou usar um tom diferente para mostrar a dimensão. Aqui eu pintei com um tom mais claro, e você pode ver rapidamente as laterais da madeira. Vou usar mamilos amarelos e um pouco de concha rosa para dar um pouco de destaque a alguns pontos. Isso ajudará a fazer com que a cerca se destaque do fundo. Também coloquei pequenos pontos de laranja cádmio para realçar o destaque. Mas observe que, ao aplicar isso, eu apenas faço traços sugestivos e não pinto a linha inteira. [MÚSICA] Vamos terminar adicionando mais algumas pinceladas secas aqui na árvore apenas para completar a cena, e também alguns respingos no campo para que não pareça muito liso e simples. Esta é nossa pintura final. Espero que você tenha se divertido fazendo esse exercício. Não se esqueça de compartilhar seu trabalho na seção de projetos e me contar como foi sua experiência. Na próxima lição, pintaremos uma paisagem de floresta seca no outono e praticaremos técnicas de arranhar. 13. Dia 6 Floresta de outono: Bem-vindo ao Dia 6. Nossa proposta de pintura de hoje é bastante diferente de nossos exercícios anteriores, porque é uma paisagem viva de outono. Aprenderemos a retratar os troncos das árvores arranhando e como colocar as cores em camadas sem fazer com que pareçam uma bolha. Vamos primeiro desenhar a linha do horizonte aqui abaixo da linha média. Em seguida, a parte importante em nosso esboço aqui é o ângulo da estrada. Ao secá-lo, faça um traço o mais natural possível para que não pareça muito rígido. A linha também não deve se cruzar com o canto do papel. Por fim, desenhe algumas linhas que representarão a posição das árvores. Vamos começar a pintar. Eu ganho um novo gamboge com meu pincel de esfregão e a tinta do horizonte subindo. À medida que se soltam, coloco água no meu pincel para deixar meu traço mais fluido. Então eu pego violeta cobalto e pinto de cima para baixo. Eu faço traços rápidos e molho o papel com tinta suficiente. Para tornar a cor roxa um pouco mais forte, adiciono um pouco de violeta do fundo do mar. Em seguida, misturo amarelo e violeta enchendo meu pincel com muita água e fazendo alguns traços horizontais. Eu vi uma poça de tinta amarela no meu papel. Preciso me livrar dele ou então ele criará uma flor de aquarela. Eu simplesmente o lavo usando meu pincel de esfregão, para que ele se espalhe uniformemente no papel. Em seguida, tomo um brunch e agora com muita água e começo a pintar a área abaixo do horizonte. Eu fiz isso para que não houvesse uma borda amarela dura na lavagem inicial. Depois disso, pego violeta cobalto para pintar a base da estrada. Eu escureço um pouco mais a parte mais próxima de nós. Depois, usando verde-oliva, pinto os dois lados da estrada. Aqui você pode ver que tratamos a foto inteira como uma grande forma. É por isso que pintamos a primeira lavagem com o mesmo valor tonal. Pintaremos os elementos da paisagem mais tarde, quando terminarmos de configurar o clima inicial ou a lavagem da cena. Eu também espalhei algumas tintas aqui na estrada para dar textura. Eu uso roxo para a estrada e verde para as laterais. Em seguida, pego meu pincel redondo para pintar as lâminas da grama. Eu ainda uso minha mistura verde com índigo. Tudo bem se você não um traço detalhado, pois a lavagem inicial ainda está úmida. Esta etapa é apenas a segunda, que consiste em configurar os valores médios. Eu vario o tom de verde aqui. Meu derrame é muito rápido e repetitivo, mas eles variam em altura e não são rígidos. Vou pegar laranja de cádmio, criar uma mistura cremosa com a nova gamboge e passar a ponta do meu pincel no papel. É como criar impressões de plantas de laranjeira por trás. Em seguida, adiciono um pouco de tinta verde escura no meio e também aqui na frente. Eu mantenho os mesmos traços ascendentes e descendentes, mas tornando-os pequenos à medida que me aproximo da linha do horizonte. Eu adiciono mais alguns respingos de laranja aqui na estrada para unir todas as cores. Usando a mesma mistura de laranja, vou pintar árvores ao fundo usando a barriga do meu pincel. Eu alterno as cores ao fazer a transição para verde e depois para laranja. Basicamente, estou alterando a proporção de cores na mistura para criar um jogo de cores. Você não pintará cada árvore uma a uma, mas apenas criará uma impressão da forma geral das árvores coletivamente. Eu escureço o tom aqui na parte base. Eu uso a cor verde escura e ainda uso a barriga do pincel enquanto o seguro de lado. Aqui estou adicionando algumas cores e traços na parte central que parecem bastante vazios. [MÚSICA] [MÚSICA] Eu também adiciono alguns traços de lâmina de grama mais definidos já que o papel já está secando. Usando [inaudível], preciso conectar essa grama ao chão pintando alguns pontos horizontais sugestivos de tinta. Em seguida, como a tinta já foi absorvida pelo papel, é um bom momento para arranhar. Usando minha unha, eu arranho linhas verticais para o tronco da árvore. Você saberá que é o momento certo quando conseguir um bom arranhão. Se você ver a tinta fluindo de volta para a área de arranhão, isso significa que o papel ainda está muito molhado. Você tem que esperar um pouco mais para que fique úmido. Aqui eu risco várias linhas sobre as árvores. Podemos começar a pintá-los. Ainda usando meu pincel redondo, obtenho uma mistura de verde acastanhado e pinto as laterais do arranhão apenas para criar mais contraste. Eu não pinto uma linha reta marrom de ponta a ponta. Novamente, traços sugestivos são suficientes para criar contraste. Eu compro gamboge novo e verde-oliva, deixo a batedeira espessa e cremosa para que pareça opaca. Eu abro as cerdas do meu pincel e começo a esfregar no papel. Eu faço uma sombra mais escura e continuei pintando árvores usando esse traço. A chave aqui é usar uma cor mais espessa e mais escura do que a cor que você tem no meio termo. Sendo esta a árvore principal à direita, eu uso ocre amarelo e pinto a ponta da árvore. Eu faço isso da mesma forma que pinto nossos pinheiros anteriores. Eu passo a ponta do pincel e coloco parcialmente a barriga para criar traços mais grossos. [MÚSICA] Eu pinto a parte inferior da árvore de forma esverdeada e depois adiciono pontos de ocre amarelo como destaques. Cubro parcialmente o porta-arranhões com tinta para que pareça mais natural. Em seguida, como a parte do lado direito parece um pouco vazia em comparação com as árvores à esquerda, adicionarei algumas folhas aqui no canto superior direito para completar a composição. Vou terminar a pintura com menos respingos, pontos de tinta na estrada e no chão, e pronto. Nossa aula será nosso último exercício para a classe. Estou tão feliz de ter você até aqui. Vamos combinar todas as pinceladas e pintar um enredo muito interessante no próximo vídeo. 14. Dia 7 Árvore antiga: Sou tão abençoada por ter você até aqui. Esta é nossa última e última dica de pintura e espero que tenha sido uma experiência maravilhosa e esclarecedora para você. No último exercício, pintaremos essa paisagem resumindo todas as técnicas e pinceladas que fizemos ao longo do curso. Vamos começar o esboço a lápis. Eu desenho uma inclinação aqui no canto inferior direito para a colina e depois a linha do horizonte da esquerda. Em seguida, desenho um esboço dos arbustos, depois o grande tronco da árvore aqui no lado mais à direita. [MÚSICA] Eu o faço grande o suficiente, pois é nosso ponto focal. [MÚSICA] Eu tento imitar o movimento natural dos galhos fazendo movimentos trêmulos. [MÚSICA] Estou bem com meu esboço e podemos começar a pintar. Começo com o fragmento do céu. Eu pego novos gamboge e shelby, carrego totalmente minha escova de esfregão e faço as lavagens horizontais a partir da linha do horizonte. Em seguida, misturo violeta de perileno à minha mistura para obter um tom arroxeado. [MÚSICA] Eu continuo pintando o fragmento do céu, criando um jogo de cores entre meus amarelos e rosa. [MÚSICA] O segredo aqui é manter seu traçado o mais breve e limitado possível para obter uma camada de tinta fresca e agradável. Quanto mais você retornar a uma camada pintada e cobri-la com outra cor, turva ou sobrecarregada ela ficará. Vou pegar a tinta violeta cobalto e pintá-la na parte superior do céu. Observe que eu não pinto ao lado amarelo porque isso só vai causar uma mistura turva. Precisamos de água para misturar essas duas cores perfeitamente. [MÚSICA] À medida que se aproxima do amarelo, coloco mais água no meu pincel diluindo a tinta roxa do meu pincel. Eu também aprofundo o tom roxo aqui na parte de cima. [MÚSICA] Usando traços rápidos, mas leves, eu pinto impressões de nuvens e as faço traços finos e fluidos. Você pode pintar essas nuvens roxas enquanto o fragmento do céu ainda está molhado. Se o papel já estiver seco, você criará bordas duras e irritantes ou criará as flores em aquarela trazidas por um pincel úmido. [MÚSICA] Acho que sou boa com o céu e vou parar antes de exagerar. Aqui eu limpo meu pincel e tento tirar a tinta usando meu pincel úmido. Estou levantando a cor para criar um brilho de luz no céu. Em seguida, vamos pintar o oceano usando a mesma mistura roxa. Lembra como pintamos a perna calma no Exercício 2 usando uma pincelada seca? Estamos basicamente fazendo a mesma coisa aqui. [MÚSICA] Quero guardar as manchas de papel não pintado para mostrar o brilho da luz na água. Agora, vamos pintar a colina usando o novo gamboge e verde-oliva. [MÚSICA] Pinte a colina com pinceladas direcionadas para seguir a inclinação da colina, observe que comecei com traços diagonais descendentes e depois passei para traços horizontais para mostrar a dimensão da colina. Lembre-se de deixar a peça mais próxima de nós com o tom mais escuro para obter profundidade. [MÚSICA] Agora eu pego meu pincel redondo e pego violeta cobalto e violeta de perileno. [MÚSICA] Eu pinto um pouco mais no fragmento de água para aprofundar o tom. Em seguida, vamos pintar o pincel atrás da árvore. Usando as tintas que sobraram na minha paleta, tentarei criar uma cor verde suave. Eu tomo verde-oliva, violeta de perileno e índigo. [MÚSICA] Eu faço uma mistura cremosa de tinta, esfrego meu pincel da direita para a parte central do papel e pinto a forma geral do arbusto. [MÚSICA] Eu misturo um pouco de gamboge novo com minha mistura existente para pintar as coroas do arbusto com um tom mais claro. [MÚSICA] Aqui estou tentando realçar a cor com meu pincel redondo, já que cobri a parte do tronco da árvore. Em seguida, coloco algumas tintas em primeiro plano para que não pareçam muito simples. Eu uso minhas tintas verdes que sobraram para isso. [MÚSICA] Eu pego violeta cobalto e pinto a parte iluminada da árvore. [MÚSICA] Esta é a parte esquerda do tronco e dos galhos. [MÚSICA] Depois, usando brunch e depois violeta cobalto e um pouco de índigo, pinto o baú com essa cor marrom escuro. Preciso deixar a mistura bem grossa para que ela saia do fundo. [MÚSICA] Como não consigo fazer os traços finos porque o papel ainda está molhado, eu uso minha pistola de calor para secar o papel primeiro. Eu continuo pintando a parte do baú. [MÚSICA] Para pintar esses galhos e galhos, eu uso a ponta do meu pincel e pinto com uma pressão mínima. [MÚSICA] Se você achar difícil controlar a pressão do pincel, recomendo usar um pincel menor ou um pincel delineador. [MÚSICA] Eu deixo meus traços ondulados e trêmulos para criar uma impressão natural. [MÚSICA] Às vezes eu também toco na tinta com o dedo para desbotar a cor. [MÚSICA] Enquanto pintamos os galhos, o tom também deve ser muito claro. Mas à medida que pintamos o tronco e os galhos, ambos podem ter um tom um pouco mais escuro. [MÚSICA] Eu pego o cinza de Payne e misturo com o meu marrom para obter uma cor marrom escuro profundo. Eu preciso desse tom escuro para fazer a árvore parecer mais viva. Precisamos criar um alto contraste entre a parte iluminada da árvore e a parte escura da árvore na sombra para que ela pareça dimensional. Aqui, estou apenas aprimorando a forma geral do tronco, tornando algumas partes mais grossas e proporcionais. [MÚSICA] Então eu pego azul gelo e violeta cobalto e pinto nas partes iluminadas do baú como destaque. [MÚSICA] Eu aplico essa tinta opaca apenas em algumas áreas da parte iluminada. [MÚSICA] Cuidado para não exagerar para que não pareça estranho. É melhor ser colocado como pontos na parte do tronco e também em alguns galhos e galhos. [MÚSICA] Faça pausa de vez em quando, dê um passo atrás e veja seu trabalho à distância para ver se você já está colocando muitos detalhes e é melhor parar. [MÚSICA] Acredito que nossa pintura está pronta, vou parar aqui e deixá-la secar completamente. Uau, você pode imaginar que terminou os sete exercícios de pintura. Parabéns. Foi uma aula lotada. Abordamos muitas coisas, desde estratégias práticas, pinceladas, mistura de cores com a paleta de cores limitada até várias maneiras de aplicá-las em diferentes temas de pintura. Espero que você continue praticando para afrouxar com sucesso seu estilo de pintura. É normal às vezes se sentir infeliz com seu trabalho , mas não deixe que isso o impeça de praticar. Sua prática nunca é em vão. Nos vemos no vídeo final para algumas dicas para continuar crescendo. [MÚSICA]. 15. Continue a jornada: [MÚSICA] Em primeiro lugar, muito obrigado por se juntar a mim durante toda a semana para criar essas pinturas de paisagens e parabéns por seus trabalhos incríveis. Mal posso esperar para ver sua pintura, então não se esqueça de tirar uma foto do seu trabalho e enviá-la para a seção de projetos e recursos. Também encorajo você a compartilhar seu trabalho no Instagram e, por favor, me siga e marque em Biancarayala e Skillshare no Skillshare. Dessa forma, posso curtir, comentar e compartilhar seu trabalho nas minhas histórias do Instagram. Se você gostou da minha aula, deixe um comentário, mesmo que seja curto e Eu realmente sou encorajado a ler gentil. Eu realmente sou encorajado a ler suas amáveis avaliações, o que você gostou na minha aula, como ela o inspirou e ajudou em sua jornada. Sua avaliação também ajuda minha turma a obter mais atrações aqui no Skillshare. Eu realmente agradeço seu apoio. 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