Aprenda a criar padrões de Arts and Crafts - Parte 1

1. Introdução: Oi, eu sou [inaudível], designer de padrões e professor online da Suécia. Além de ser apaixonado por design de padrões, eu também sou um enorme nerd história e amo estilos padrão históricos. Um dos meus estilos favoritos absolutos é artes e artesanato. Seus projetos de padrão convincentes têm alguma qualidade genial para eles que tem hipnotizado as pessoas por 150 anos. É um dos estilos mais admirados hoje e tem influenciado e moldado tanto o design interior como o moderno padrão de várias maneiras. Como você sabe, padrões de artes e artesanato são bastante complexos com motivos de camada entrelaçados e composições que podem parecer muito difíceis de criar. Mas neste curso, que é o primeiro desta série, vou começar a desmistificar os segredos e como criar padrões de artes e artesanato. Nesta aula, você aprenderá sobre o fundo do estilo padrão de artes e ofícios, suas influências e o princípio de design que o moldou. Vamos dar uma olhada nas características dos padrões de artes e artesanato quando se trata de tema, composição e layout, motivos típicos e esquemas de cores e eu vou compartilhar meu processo para projetar esses projetos complexos em gerenciável passos. Você também vai aprender sobre os diferentes tipos de padrões que você pode encontrar dentro do estilo de artes e ofícios. Para torná-lo um pouco mais fácil, eu dividi isso em quatro categorias. Em cada parte desta série, vamos dar uma olhada em cada categoria. Nesta primeira parte da série, você aprenderá a criar padrões na categoria que chamo de trailing. Estes são padrões com uma estrutura fluida de plantas e flores em uma ou duas camadas de motivos. Você também terá exercícios para praticar como desenhar motivos no estilo das artes e ofícios, e como esboçar uma repetição direta à moda antiga. No final deste curso, você terá um padrão de artes e artesanato próprio para incluir em seu portfólio ou para adicionar em uma impressão sob demanda serviços, talvez, ou para usar para produzir seus próprios produtos como tecido, casa têxteis, e papel de parede, por exemplo. Este curso é para você que quer subir de nível suas técnicas de design padrão e treinar seu olho para o que faz uma composição fluida. É para você que quer melhorar suas habilidades de desenho e explorar seu estilo de design. Mas é especialmente para você que desejou criar padrões no estilo de artes e ofícios. Este é um curso intermediário e você precisará ter conhecimento básico sobre o uso das ferramentas essenciais no Adobe Illustrator. Já que é isso que usaremos para colorir nossos padrões e criar a repetição digital final. Se você está pronto para aprender a criar padrões de artes e artesanato, eu lhe dou as boas-vindas para se juntar a mim por dentro e vamos começar. 2. Boas-vindas ao curso!: Olá a todos, e bem-vindos à primeira parte desta série de cursos sobre como criar padrões de artes e artesanato. Eu quero ser capaz de criar padrões no estilo das artes e ofícios, mas eles parecem tão avançados e complexos e eu não tenho idéia de como fazer isso ou mesmo por onde começar. Este é provavelmente o comentário número um que recebo ao perguntar o que meus alunos gostariam de aprender e sobre o que o meu próximo curso deve ser. Artes e ofícios é um estilo complexo de muitas maneiras com seus motivos e composições entrelaçados e camadas. Mas podemos aprender e realizar qualquer coisa estudando, praticando e tomando as coisas passo a passo. Isso é exatamente o que eu fiz quando eu tentei descobrir como criar um padrão de artes e artesanato por conta própria há algum tempo. Fiz toneladas de pesquisa, estudando os padrões de perto, dissecando-os em seus menores elementos, tentando descobrir como eles foram feitos. Em seguida, tentando e testando diferentes técnicas e métodos para realizar este estilo e cuidar de um monte de tentativa e erro e prática, eu finalmente consegui criar um padrão de artes e ofícios por conta própria. Este tipo de processo de estudar e descobrir como criar um tipo específico de padrões é como desenvolvi minhas habilidades artísticas e técnicas. Mas o resultado mais valioso de tudo isso é que essa forma de aprender também me ajudou a explorar e descobrir meu próprio estilo de design pessoal e criar um processo para projetar padrões avançados e complexos. Como no estilo das artes e ofícios ou [inaudível] ou florais indianos e Damasco, por exemplo. Nesta série de cursos, vou mostrar-lhe como criar padrões de artes e artesanato usando o meu processo. Isso passo a passo irá ajudá-lo a criar um padrão no estilo do seu próprio. Acredito que podemos aprender muito com a história porque é um tesouro de conhecimento e inspiração. O que é arte e artesanato realmente? Bem, isso é algo que você aprenderá na primeira lição. Vejo você no próximo vídeo. 3. O que é Arts and Crafts?: O termo artes e ofícios não se refere a um estilo de design padrão específico, se quisermos ser corretos. Mesmo que muitos associem artes e ofícios com os desenhos padrão de William Morris. A definição mais correta é que artes e ofícios tem sido usado para descrever a arte e design que foi criado na Grã-Bretanha e América do Norte entre os anos 1870 e por volta da década de 1920. o design que foi criado na Grã-Bretanha e América do Norte entre os anos 1870 e por volta da década de 1920. usado para as artes decorativas e aplicadas, o que implica todos os tipos de princípios de design e arte, não apenas padrões para papel de parede e têxteis. Artes e artesanato inclui arquitetura, design de interiores, vitrais, trabalhos de metal, pintura, ilustração, escultura, escultura em madeira, cerâmica, bordados, mobiliário, tapeçarias, tapeçarias, tapetes, mas também roupas, jóias e jardinagem. Artes e ofícios é também um termo que se refere ao grupo de artistas, designers e artesãos durante este tempo, que baseia seu trabalho em um conjunto de princípios que foi amplamente influenciado pelas circunstâncias sociais da sociedade vitoriana e cultura. Juntos, esses grupos se tornaram uma força chamada movimento de artes e ofícios. Isso mudaria a forma como as pessoas viam e valorizavam as artes decorativas e seus criadores e, ao mesmo tempo, criaria uma nova tendência de design na arquitetura, decoração de interiores, jardinagem e moda. Embora o movimento de artes e ofícios inclua muitos designers e produtos diferentes, são os padrões de William Morris e sua empresa Morrison, que se tornaram o nome do cartaz para esta era histórica do design. O fato é que ele foi um ícone de design e influência para muitos dos designers contemporâneos e seu trabalho. Seu estilo de design específico foi, em muitos aspectos, o que moldou o estilo geral das artes e ofícios como percebemos hoje, pelo menos. Mas dentro do movimento de artes e ofícios, havia muitos designers mais bem sucedidos que contribuíram para o desenvolvimento do design de artes e ofícios e os estilos que se seguiram. Na próxima lição, vou lhe dar um histórico e uma breve história do movimento de artes e ofícios e alguns de seus principais designers e seu trabalho. 4. A história por trás do movimento Arts and Crafts: Nesta lição, vou falar mais sobre o pano de fundo e as circunstâncias que levaram ao movimento das artes e ofícios e o que ele representou e isso lhe dará um contexto para os princípios que moldam o trabalho dos designers de artes e artesanato. O século XIX em geral foi uma era de entusiasmo para tudo o que era novo e feito à máquina. Todo o progresso e oportunidades que surgiram com a Revolução Industrial criou uma atmosfera especial e energia que é característica para este período, também chamado de era vitoriana. Em 1851, a primeira grande exposição ocorreu no Palácio de Cristal, em Londres. Foi um grande evento para mostrar a superioridade e o esplendor da Inovação em Engenharia Britânica e seus produtos provenientes de todos os cantos do império. A exposição foi um sucesso com mais de seis milhões de visitantes de todo o mundo, mas não foi um sucesso completo. Muitas pessoas pensaram que mostrou uma fraqueza e falta de gosto em britânicos para assinar e isso criou debate e discussão na imprensa de arte especialmente. Em geral, as pessoas começaram a reagir ao impacto não tão positivo que os fabricantes e a produção em massa tiveram na sociedade e, especialmente, nas condições para os trabalhadores, assim como a mudança da paisagem e do ambiente. Só para ler um romance do Dickens para ter um vislumbre desse lado da moeda. Agora, círculos e grupos de artistas, designers e artesãos, começaram a se formar e quem não gostou de como a produção em massa afetou a qualidade do design e da produção. Eles desprezavam especialmente, como ele tinha separado o trabalhador do processo de design. Todos os operários acabaram de se tornar uma engrenagem numa grande maquinaria, que, aos seus olhos, levam à desmoralização dos operários, já que não podiam mais orgulhar-se do seu trabalho. Era apenas sobre lucro e não sobre bom design ou verdadeira mão de obra. Outros grupos culturais queriam criar uma mudança e reformar a forma como as artes aplicadas e decorativas eram vistas e valorizadas pelo público e elevar seu status para ser igual às artes plásticas. Por exemplo, não havia muitas oportunidades para exibir desenhos e produtos dentro das artes aplicadas e decorativas para o público e uma batalha foi reformar a Royal Academy, que apenas favoreceu belas artes e pintores em suas exposições. Mesmo a arquitetura e a escultura, foram severamente deturpadas. Quando a Academia Real recusou, apesar das duras críticas na imprensa artística e na sociedade cultural. Um comitê separado foi formado com o objetivo de criar um lugar para designers, artistas e artesãos exibirem e mostrarem seu trabalho ao público. Foi agora que o termo artes e ofícios foi cunhado durante uma reunião de comitê em 1887 para decidir sobre um nome para esta exposição. Um fichário chamado T. J, Cobden-Sanderson, propôs o nome Arts and Crafts Exhibition Society. A primeira exposição teve lugar na The New Gallery em 1888 e foi seguida nos dois anos seguintes e depois disso continuou a cada três anos até o século XX. Por volta de 1920, a era do design das artes e ofícios chegou ao fim por causa de como o estilo e as técnicas mudaram tanto e a Primeira Guerra Mundial também foi um ponto de viragem que mudou esta indústria para sempre. Esta foi a história do movimento de artes e ofícios e seu estilo, mas podemos obter uma imagem completa sem contar a história de seus principais designers. Junte-se a mim na próxima lição, onde você aprenderá mais sobre William Morris e alguns de seus colegas e o que influenciou seu trabalho. 5. William Morris e as influências do design Arts and Crafts: Contar a história das artes e ofícios e o que moldou este estilo de design é contar a história de suas pessoas-chave e o que as influenciou. Isso pode ser dito através da vida e obra de William Morris. William Morris nasceu em 1834 e veio de uma família rica em Stowe, no nordeste de Londres. Ele cresceu em uma paisagem pitoresca perto da natureza, com florestas e prados longe das fábricas fumantes. Ele era muito inteligente e lia e escreveu muito quando era jovem, fascinado pela literatura medieval romântica e arte e histórias de amor sobre cavaleiros e belas damas e contos de fadas. Passou muito tempo na natureza estudando ruínas, igrejas e outros prédios antigos. Quando William Morris tinha 16 anos, ele visitou a exposição da grade junto com sua mãe e como muitos outros, ele não ficou impressionado com todo esse esplendor e exibição de novos produtos. Em vez disso, ele pensou que era uma abominação vulgar. design vitoriano em geral era uma coleção eclética de diferentes estilos e influências. Muito graças às novas inovações e transportes que aproximaram o mundo. Com o fluxo de produtos de todos os cantos do vasto Império Britânico, as pessoas ficaram obcecadas com culturas exóticas e arqueologia e todas as áreas históricas. Japonês e outros projetos e produtos asiáticos e orientais também se tornaram extremamente modernos e populares. Todas essas diferentes fontes influenciaram Morris também. Mas para ele, o design vitoriano foi exagerado e cheio de ornamentos e apenas um monte de nostalgia alegre e sentimental. Em sua opinião, tudo foi criado para enganar os consumidores e não ter integridade ou qualidade. Havia três figuras-chave e seu trabalho que influenciaram muito William Morris e seus pensamentos sobre o design e como ele estava conectado à sociedade. O primeiro foi um cara chamado Pugin. Ele fez parte do Movimento Gótico do Revival que se formou durante o século XVIII e que se inspirou imagens e fontes medievais e góticas. O Movimento do Revival Gótico foi enorme durante o século XIX e é a razão pela qual tantos edifícios públicos e igrejas deste período são feitos em estilo gótico. Pugin pensava que o design gótico era superior a todos os outros porque era verdadeiro e honesto. Não tentou parecer ou ser outra coisa. Além disso, na sociedade e cultura medieval e gótica, os artesãos e a obra foram muito mais apreciados de acordo com Pugin, que era essencial para o bom design, e isso só poderia ser criado em uma boa sociedade. Tudo isso falou com William Morris. Outro primeiro influenciado para William Morris sobre o que era bom design foi a gramática do livro de ornamento de Owen Jones. Isso se tornou um livro de referência vitoriano clássico para design ornamental. No livro, Jones construiu sobre os princípios de Pugin que o design deve ser verdadeiro e honesto. Ele levou isso um pouco mais longe, afirmando que o design não deve ser criado apenas para ser admirado ou para vender algo. O design deve primeiro ser criado fora da função, então o ornamento e o núcleo profundo podem ser adicionados. Ele também pensou que o design deveria ser criado no contexto do ambiente onde ele existiria. Ele também disse que um bom design só poderia ser inspirado pela natureza. Tudo isso realmente se tornou pedras angulares do movimento de artes e ofícios mais tarde. Quando William Morris tinha 19 anos, ele veio para Exeter College em Oxford para estudar literatura e clássicos. Aqui ele desenvolveu seus valores ainda mais junto com seus novos amigos artistas. É também onde seu amor por tudo grupo medieval, por exemplo, através dos manuscritos iluminados que ele começou na biblioteca Bodleian. Agora ele se familiarizou com os escritos de outra figura chave, John Ruskin, que questionou o sucesso comercial da produção em massa e como ela criou a miséria humana. Ele também era um fã da arquitetura gótica e do que ela representava. Ruskin argumentou que o trabalhador precisa estar envolvido em todas as etapas da produção para sentir orgulho em seu trabalho, que foi essencial para criar um bom design. Isto foi minado pela industrialização e é o comercialismo. Inspirado por tudo isso, William Morris e seus amigos formaram um grupo chamado The Brotherhood com a agenda para se rebelar contra todo o comercialismo e materialismo criado pela indústria. No início, William e seu melhor amigo, Edward Burn Jones, tinham planejado se tornar clérigo da igreja. Mas durante uma viagem à França, eles mudaram de idéia depois de ver a arquitetura impressionante e pinturas medievais, eles decidiram se tornar artistas em vez disso. Edward Burn Jones decidiu em uma carreira de pintura e William em arquitetura. Depois de se formar, ele voltou para Londres para aprender na prática de George Edmund Street, que também estava na arquitetura gótica e no Movimento Gótico Revival. Nos treinos de rua, William conheceu Phillip Webb, que também se tornou um de seus melhores amigos ao lado de Burn Jones. Agora entra em outra figura chave na vida de Morris, Dante Gabriel Rossetti, que ele também conheceu em Exeter. Rossetti era um poeta e pintor já com algum sucesso, e ele foi um dos fundadores do grupo chamado Irmandade Pré-Rafaelita. Este grupo também estava se rebelando contra algo. Mas para eles, era a tendência atual de imitar o estilo renascentista dos famosos artistas do século Raphael. Em vez disso, eles foram inspirados no período anterior a essa verdade e honestidade na arte medieval e gótica, é claro. Morris admirava muito Rossetti e seu trabalho e quando ele percebeu que a arquitetura não era sua coisa, Rossetti o convenceu a se tornar um pintor. Agora algo muito importante aconteceu. Mas para ouvir sobre isso, você tem que ir para o próximo vídeo onde vamos continuar esta lição. Bastante o penhasco. 6. Continuação: William Morris e as influências do design Arts and Crafts: Rossetti tinha recebido uma grande comissão para decorar as paredes da câmara de debate da Oxford Union, e agora ele convidou Morris e Burne-Jones para vir ajudá-lo. Os afrescos que pintaram para este projeto retratavam cenas medievais típicas do conto do Rei Arthur. Mas o engraçado é que eles realmente não sabiam o que estavam fazendo, e as pinturas foram bastante criticadas por suas proporções estranhas, e depois de um ano, os afrescos tinham desaparecido quase completamente, porque eles tinha-os pintado em cima de uma superfície molhada. Mas esta foi uma fase muito importante na vida de William Morris e início de sua nova carreira. Durante este projeto, Morris também conheceu Jane Burden, sua futura esposa. Eles se casaram em 1859 e se mudaram para a Casa Vermelha, que foi projetada pelo amigo de William, Philip Webb. A Casa Vermelha é muitas vezes chamada de primeira casa de arte e artesanato real, e é claro, não havia mobiliário ou decoração existente no mercado que servisse para Morris. Então, com a ajuda de seus amigos e esposa, ele projetou e fez a maior parte do mobiliário e decoração para a própria casa. Este também foi um passo importante para a fundação de Morris, Marshall Faulkner e empresa. Esta empresa incluía Rossetti Burne-Jones, Philip Webb, e alguns outros amigos e associados. A descrição da empresa era trabalhador de arte em pintura, escultura, móveis e metais. Então artes em combinação com artesanato. A empresa, como a empresa foi apelidada, tornou-se um grande sucesso comercial desde o início. Os primeiros produtos foram projetados principalmente para amigos e familiares. Morris e seus parceiros fizeram tudo sozinhos em um verdadeiro espírito de artes e ofícios, desde o design até a criação. Por exemplo, eles produziram telhas decoradas e produtos de bordado. Mas o produto mais importante foi a produção de vitrais para igrejas e outros edifícios com uma demanda crescente rápida por seu belo trabalho. O que era tão legal sobre seus vitrais é que todos eles colaboraram e trabalharam juntos. Burne-Jones e Rossetti projetaram as figuras centrais, Philip Webb projetou alguns dos outros elementos e as letras, e Morris foi responsável pelos esquemas de cores. Há outra e trágica história paralela da vida de Morris aqui que afetou seu trabalho, especialmente sua escrita e pintura. Este era o caso entre sua esposa e seu amigo, Rossetti. Era uma história estranha e um tempo destrutivo para ele, mas que ele parecia aceitar. O fato é que, em 1871, o casal e a família Morris e Rossetti juntos arrendaram e mudaram-se para Kelmscott Manor, onde o caso entre Jane e Rossetti continuou. termos de negócios, as coisas começaram a dar um mau rumo também. William Morris tinha sido o maior investidor financeiro da empresa, mas depois de alguns anos, começou a drenar seus próprios recursos financeiros. Muito por causa do declínio na demanda de vitrais e móveis, que foram as principais fontes de renda para esta empresa nos primeiros anos. Então Morris foi forçado a fazer algumas mudanças e reconstruir a empresa em 1875, que terminou com a exclusão de alguns dos sócios incluindo Rossetti, e ainda por isso, estou na Equipe William. Apesar de todo esse drama, William Morris se tornou um homem de negócios inteligente. Então, quando as coisas no mercado mudaram, ele adaptou e expandiu seu trabalho em papel de parede e desenhos têxteis. A empresa que agora é chamada Morris and Company começou a obter comissões para decoração de interiores completa, e o negócio cresceu. Em 1876, Morris abriu um showroom na Oxford Street, onde os clientes podiam ver amostras de papel de parede, tapeçarias, tapetes bordados e esboços de interiores completos. Ter sua casa decorada por Morris and Company tornou-se muito popular entre os ricos. William Morris não estava feliz com isso. Ele pensou que muitos de seus clientes não entendiam ou apreciavam realmente a qualidade e o artesanato por trás disso, mas apenas seguiriam uma tendência. Dizem que uma vez ele expressou : “Passei minha vida ministrando ao luxo dos ricos”. Isto foi uma frustração para ele durante toda a sua carreira. Ele se esforçou pela igualdade na sociedade e um bom design disponível para todos, mas em seu esforço para criar um design bom e honesto e de alta qualidade com verdadeira mão de obra, seus métodos de produção de impressão manual, por exemplo, só tornou possível para os ricos para comprar seus produtos e serviços. Neste momento, outro ícone das artes e ofícios entra, John Henry Dearle. Você pode não ter ouvido falar desse designer antes, mas o fato é que ele é realmente o designer por trás de muitos dos padrões criados por Morris and Company e que ainda são erroneamente pensados para ser projetado pelo próprio William Morris. Dearle começou a trabalhar para a Morris and Company em 1876 como assistente de loja no showroom de New Oxford Street. Ele logo avançou e começou a trabalhar com a produção de tapeçarias junto com William e também se tornou parte do processo de design e criou seus próprios padrões para papel de parede e têxteis, altamente influenciados pelo estilo de William Morris, embora. Na verdade, no final dos anos 70, Morris gastou cada vez menos de seu tempo projetando e voltando mais para seu engajamento em reformas sociais. Dearle assumiu mais e mais. A partir de 1888, foi ele que foi responsável por projetar todos os têxteis e papel de parede. A primeira exposição de artes e ofícios ocorreu em 1888. Morris and Company foi um dos principais expositores, é claro, e agora William Morris era muito considerado um ícone e designer superstar entre seus pares. Suas habilidades e padrões os influenciaram e seus estilos de uma maneira grande. Em seus últimos anos, suas contribuições para o movimento se inclinaram mais para dar palestras sobre design e artes decorativas, inspirando uma nova geração de artistas e designers, como o autor Heygate Mackmurdo, Charles Voysey, Lewis Foreman Day, Christopher Dresser, John Dando Sedding, e Walter Crane, claro. Um que eu particularmente quero mencionar é a filha de William Morris, May Morris, que também trabalhou para a empresa e, como com Dearle, ela criou muitos de seus desenhos para papel de parede e têxteis. Por exemplo, Honeysuckle, um padrão icônico que muitos ainda pensam que foi criado por William Morris. Assim como seu pai, May Morris era multi-talentosa, escritora, artesã-mulher, socialmente envolvida, mas sua especialidade artística era bordado. Em 1885, tornou-se diretora do departamento de bordados da Morris and Company. Em 1896, William Morris morreu, apenas 62 anos de idade. A causa da morte foi, acordo com seu médico, simplesmente sendo William Morris. Dizia que suas últimas palavras foram : “Quero tirar o murmúrio deste mundo.” Até o fim, ele lutou sua batalha para tornar o mundo um lugar melhor para pessoas com melhorias sociais e bom design. William Morris foi uma das figuras chave do movimento de artes e ofícios e a força por trás de seus valores e princípios de design. Na próxima lição, vou resumir esses princípios de design e como podemos interpretá-los como designers de padrões de hoje. 7. Os princípios do design Arts and Crafts: [ MÚSICA] Na lição anterior, você tem a história do que influenciou William Morris, e os designers do movimento de artes e ofícios. Você também aprendeu sobre os valores que formaram um conjunto de princípios que foram a base para o seu trabalho e ditando como criar um bom design e qualidade. Nesta lição, estou listando todos esses princípios e tento dar uma interpretação sobre como nós, como designers de padrões de hoje, podemos usar esses princípios para nosso próprio trabalho. O primeiro princípio é que o design deve ser criado em contexto para o ambiente onde ele existirá, não para sua própria existência ou apenas para admiração. Os desenhos de William Morris foram inicialmente criados com um interior completo em mente onde cada peça e produto tinha o seu lugar e trabalhou em harmonia com toda a sala. Cada papel de parede ou tecido de mobiliário, ou tapete que ele fez foi criado com intenção e projetado para um propósito específico. É assim que podemos usar este princípio também, não para criar um padrão apenas para sua própria existência, mas com intenção e um propósito desde o início. É claro que devemos ser capazes de criar a partir de nossos próprios desejos de vez em quando, mas se queremos criar padrões que funcionem bem em produtos específicos otimizados, precisamos levar isso em consideração. Por exemplo, um papel de parede. Para que sala esse padrão funcionará? É a cozinha, ou a sala de estar, ou para o quarto? Quando criamos com intenção e propósito, faremos o nosso melhor trabalho. O próximo princípio é que o design deve primeiro ser criado fora da função, depois disso é alcançado, ornamento e a decoração podem ser adicionados. No trabalho de Morris, nunca houve nada redundante ou detalhes desnecessários. Esta citação feita por ele capta tudo. “ Não tenhas nada em tua casa que não saibas ser útil ou que acredites ser bonita.” Isso pode ser aplicado para como ele projetou seus padrões também. Em seus padrões, você nunca vai encontrar um elemento ou forma ou uma linha que não deveria estar lá ou que não faça sentido ou apoie a impressão geral. Cada motivo tem seu trabalho, seja para transportar outros elementos ou para preencher um espaço e adicionar ao fluxo brilhante. Quando criamos nossos padrões, devemos também começar com a função. Como o padrão será construído e construído a fim fazer o seu trabalho e criar a impressão que queremos realizar? Quando temos a estrutura padrão básica, podemos começar a adicionar as decorações com motivos, e detalhes, e cor. Nosso terceiro princípio é que o design deve ser fiel ao propósito e seus materiais, e também honesto em como ele é criado. Não deve imitar ou parecer algo que não é. É por isso que o estilo de artes e ofícios foi criado em uma matéria bidimensional. Com plantas simplificadas e estilizadas e motivos animais que não tentavam parecer reais, mas apenas emprestam a beleza da natureza e usavam de uma forma que complementasse o interior. É assim que podemos aplicar este princípio também para estilizar os motivos que se adequam ao nosso propósito, produto e à superfície para os quais estamos projetando. O próximo princípio de design de artes e ofícios é bastante fácil. É usar a natureza como fonte de inspiração. Todos os desenhos de artes e artesanato são inspirados pela natureza com motivos de folhagem, flores, animais e frutas. Não há desenhos abstratos ou não figurativos. Isso é bastante simples quando se trata de como podemos aplicar isso também. Mas ainda mantenha o terceiro princípio em mente para não tentar retratar a natureza de forma realista, mas de forma estilizada. O último diretor é um pouco complicado para nós, porém, e é que o designer deve estar envolvido em todo o processo, desde o design até a criação. Para William Morris, isso significava aprender e praticar cada ofício por trás de seus produtos, desde design e desenho até bordados e tecelagem, até morrer e imprimir seus próprios tecidos. Mas para nós, que talvez não tenhamos a oportunidade de fazer tudo isso, como podemos usar este princípio? Bem, em primeiro lugar, é tudo sobre aprender o ofício do design e ficar realmente bom nisso. Então é para obter seus próprios materiais. Outra coisa para praticar este principal é tentar muitas técnicas diferentes para criar padrões, tanto para criar motivos à mão, com diferentes tipos de mídia, ou digitalmente usando diferentes ferramentas e aplicativos. Também é bom ter uma compreensão de como diferentes produtos e materiais são produzidos e como eles agem. Estar envolvido em todo o processo também pode significar que, se projetarmos para uma empresa, podemos fazer parte do processo de produção do produto também. Por mais que estejamos autorizados a verificar as inscrições, visitando a impressora ao iniciar a produção. Por exemplo, eu tenho um amigo que está projetando padrões para papel de parede e para cada coleção de papel de parede que ela está presente na fábrica de papel de parede, certificando-se de que os esquemas de cores estão exatamente certos, e então tudo sai como pretendido. Então essa foi uma compilação dos princípios de design que podem nos ajudar a manter o foco certo quando começamos a projetar nossos próprios padrões de arte e artesanato. Nas próximas lições, vamos estudar as diferentes características dos padrões de artes e ofícios e também dividi-los em diferentes categorias. Mas vamos começar com temas comuns que foram usados. Então vamos nos encontrar na próxima lição. [MUSIC] 8. Características: temas: Nesta lição, vamos dar uma olhada em alguns dos temas que podemos identificar nos padrões de artes e ofícios. Isso vai nos ajudar quando estamos prestes a criar idéias para nossos próprios padrões, e permanecer dentro do tema que nos permite criar uma expressão de artes e ofícios. O tema geral das artes e padrões de artesanato é a natureza, como você já deve saber, mas é mais do que isso. Existem alguns sub-temas aqui que podemos usar como inspiração. Um sub-tema é flores silvestres. Estes são motivos que os designers de artes e artesanato provêm de prados e ao longo de rios do campo inglês. Por exemplo, neste padrão de William Morris chamado Daisy, onde podemos identificar algumas flores silvestres comumente representadas. Além disso, um dos favoritos de William Morris, a Daisy, que este padrão é nomeado por, também podemos ver flores de prímula e columbina. Neste padrão chamado Woodland Weeds de John Henry Dearle, podemos ver flores de milho, não me esqueça, e lírio do rei. Aqui está outro desenhado por Dearle chamado Thistle, e isso não requer nenhuma explicação adicional. Neste padrão, Blackthorn também por Dearle, ele tem além dos espinhos negros óbvios, também incluiu lírio do rei novamente, anêmonas de madeira, esquecer-me-nots, e margaridas. Em seguida, temos um sub-tema retratando folhagem de diferentes árvores ou arbustos. Neste chamado Oak, de Dearle, é tão simples e ainda extremamente sofisticado. Neste padrão de William Morris, ele usou uma romã para seu tema. Aqui, temos outro clássico por ele que está muito na moda agora para todos os tipos de produtos de papel de parede, para sacos, arco de salgueiro. Depois temos o subtema inspirado nos jardins ingleses. Aqui temos Trellis e Strawberry Thief de William Morris, que são ótimos exemplos. Depois, há um padrão de John Henry Dearle chamado Jardim, cheio de tulipas, lírios, e outras flores comuns de jardim. Neste, encontramos Jacinto, mais tulipas, e algo que suponho ser peônias e talvez irmãos de Natal . Outro tema que talvez seja um pouco mais rebuscado são os rios, mas não como retratando os rios literalmente, mas usando a impressão de como os rios fluem da maneira serpentina. Nestes padrões de William Morris, e que são realmente nomeados em homenagem aos rios ingleses também. Última artes e artesanato tema que eu quero compartilhar com você é algo que tem atraído inspiração de tapeçarias medievais. São padrões com uma perspectiva mais ampliada que retratam árvores inteiras ou paisagens e cenas como esses padrões de Charles Voysey. Em seguida, vamos dar uma olhada na composição e como os padrões de artes e artesanato podem ser estruturados. 9. Características: composição: Nesta lição, vamos olhar para os diferentes tipos de composição de padrões de artes e ofícios. O primeiro tipo de composição que você vai encontrar é algo que poderíamos chamar de uma composição simples. É plano e tem uma camada com apenas uma ou talvez um par de plantas diferentes ou elementos motivos com mais ou menos espaço entre eles e sem motivos de fundo ou de enchimento. Então temos um tipo de composição que eu chamo de um todo, que também é plana com uma camada, mas agora com uma mistura de motivos com flores maiores e folhas em combinação com as menores. Então temos algo que podemos chamar de uma composição de enchimento, que ainda é plana, mas tem duas camadas visíveis com motivos principais maiores em primeiro plano e pequenos enchimentos entre eles que são feitos por pequenos galhos ou apenas marcas e pontos. A última composição é algo mais dinâmico e não tão plano. Tem mais profundidade para as duas camadas, mas com uma camada de fundo muito mais complexa e motivos que estão entrelaçados. Na próxima lição, vamos olhar para alguns exemplos de padrões e como eles foram repetidos. 10. Características: repetições: Quando eu comecei a estudar artes e padrões de artesanato, eu pensei que a maioria deles seria criado como uma repetição de meia gota apenas por causa de como eles escondem as bordas da repetição melhor do que, por exemplo, uma repetição reta ou diagonal. Mas eu estava errado. Na verdade, a repetição mais comum nos padrões de artes e ofícios, parece ser a repetição direta, onde o padrão é repetido reto , horizontal e verticalmente assim. Aqui estão alguns exemplos de padrões de artes e artesanato com uma repetição direta. Mesmo esses padrões com motivos refletidos e duplos, estão dispostos em uma repetição direta. Há padrões feitos com uma repetição de meia gota também e isso é quando o padrão é repetido para cima e para baixo perfeitamente alinhado verticalmente. Depois para os lados, mas com meia distância para baixo assim. Aqui estão alguns exemplos de padrão com uma repetição de meia gota. Variação de meia gota, é uma chamada repetição de tijolos. É aqui que o padrão é repetido diretamente para os lados, perfeitamente alinhado horizontalmente. Mas então, quando é repetido para baixo ou para cima, é com meia distância para os lados também. As repetições de tijolos são raras entre as artes e os padrões de artesanato, mas consegui encontrar um. Este é COMPTON, de John Henry Dearle. Em seguida, vamos dar uma olhada nos layouts típicos de padrões de artes e artesanato. 11. Características: layout: Existem algumas estruturas recorrentes que podemos ver em padrões de artes e ofícios. É isso que vamos olhar nesta lição sobre como os padrões podem ser revelados. Primeiro, temos padrões onde os motivos são organizados de forma mais realista. Na forma como as plantas crescem com ramos e folhagem, flores e frutos em um layout de rasto. Então temos uma versão disso, mas mais estilizada com os motivos dispostos ao longo de uma estrutura serpentina e layout. Pode estar em uma direção vertical ou diagonal. O terceiro layout tem uma estrutura de linhas circulares e curvas com ramos e folhas que são roladas. Outro layout é com uma estrutura dupla com motivos que são refletidos ao longo de uma linha vertical. Esse layout duplo ou refletido também pode ser combinado com os layouts anteriores, os layouts finais, serpentina e rolados. O último layout é organizado em uma estrutura mais geométrica com os motivos principais dispostos de forma mais separada em uma forma quadrada ou diagonal. Outra característica a mencionar aqui é que todos os padrões de arte e artesanato são direcionais. Eles devem ser vistos a partir de uma direção específica, muito porque eles retratam motivos naturalistas de plantas em crescimento e também animais para serem vistos sentados no chão ou empoleirados sobre os galhos. Agora, se olharmos para todas essas diferentes composições, repetições e layouts em padrões de artes e artesanato. Podemos recolhê-los em diferentes categorias. Vamos dar uma olhada rápida nessas categorias na próxima lição. 12. Minhas categorias de padrões Arts and Crafts: Como você já viu, há tantos tipos diferentes de artes e padrões de artesanato que podemos fazer com muitas variáveis a considerar, como temas e número de motivos e como eles são estilizados, então existem diferentes layouts e composições com uma ou duas camadas, então elas podem ser feitas em uma repetição reta ou meia gota, mesmo uma pausa. Para ter alguma ordem em tudo isso e ser capaz de aprender a criar padrões de artes e ofícios de uma forma gerenciável, criei um conjunto de categorias a partir dessas variáveis. A primeira categoria é chamada de trailing. Baseia-se na versão de layout de galhos de arrasto e folhagem com flores, frutas e animais, esta categoria tem tipicamente uma camada com a folhagem de uma ou talvez duas plantas de árvores e arbustos, mas também outras plantas de jardim à direita. Ele é criado com uma repetição direta, mas pode ter uma segunda camada de fundo de enchimentos pequenos e simples também, se quisermos. Esta é a categoria que você vai aprender a criar neste primeiro episódio da minha série de artes e ofícios. A segunda categoria é chamada de serpentina, com base no layout e padrões de serpentina, tem uma camada frontal com uma mistura, um grande e muitas vezes muito estilizado plantas de jardim e flores. A camada de fundo tem motivos menores e mais finos, e este faremos com uma repetição de meia gota. A terceira categoria é chamada rolada. Este também tem duas camadas, a camada de primeiro plano tem um layout e estrutura de ramos rolados e folhas de árvores e arbustos e plantas selvagens e de jardim, é bastante ampla e que tipo de motivos podemos adicionar aqui. No fundo, há uma camada de folhagem mais elaborada e detalhada de folhas, algumas pequenas flores que rolou categoria, vamos criar uma meia gota ou repetição direta. A quarta categoria que chamo de emparelhado, e o que caracteriza esta categoria é que os motivos são refletidos ao longo de uma linha central vertical e com motivos emparelhados em ambos os lados, e tudo feito em uma repetição direta, é claro. Nesta categoria, faremos uma composição completa com apenas uma camada plana de plantas selvagens e de jardim. Meu pensamento por trás dessas categorias específicas é que, em cada curso, você vai praticar algo novo, e quando você tiver feito todos os quatro cursos, você terá um conjunto de habilidades para que você possa usar e misturar essas variáveis da maneira você quer e ser capaz de criar um amplo espectro de diferentes artes e padrões de artesanato. Em seguida, vamos olhar para alguns motivos típicos na categoria de padrões finais. Vejo-te na próxima lição. 13. Características: motivos: Nesta lição, vamos estudar os motivos típicos usados em padrões de artes e artesanato. Primeiro, temos a espinha dorsal ou a estrutura fundamental dos padrões de arrasto, que, claro, são os ramos. Eles são o esqueleto e a estrutura em que todos os outros motivos estão ligados. Em um padrão de arrastamento, você pode usar um ou dois, às vezes até três tipos diferentes de plantas, mas com uma planta dominante cujos ramos formarão a estrutura principal. Alguns padrões finais têm duas camadas, uma camada frontal e uma camada de fundo. A camada frontal tem elementos de motivo maiores e mais distintos e dominantes, incluindo os ramos, e a camada de fundo geralmente tem ramos que são menores, mais simplificados e usados como enchimentos. Mas eu vou voltar para esses enchimentos em detalhes, mais tarde nesta lição. Neste padrão chamado Jasmine de William Morris, existem duas plantas diferentes. O jasmim com ramos finos verdes, e uma planta secundária não identificada, mas que tem detalhes espinhosos. Veja como os ramos são feitos de uma forma básica e simples, sem contornos ou outros detalhes para sombreamento ou textura. Mas eles são variados na forma como eles se transformam e como eles são bifurcados e divididos em ramos menores, e em alguns lugares, os ramos se cruzam e se entrelaçam. Apesar de não haver muitos detalhes, eles ainda conseguiram criar variações. O mesmo acontece aqui em Sweet Briar, de John Henry Dearle. Aqui está outro exemplo. Sem contornos ou detalhes nos ramos, mas eles são variados com alguns pequenos galhos aqui e ali, e com ramos em duas cores diferentes. Em Oak Tree by Dearle, os ramos também são muito simplificados. Sem sombreamento ou textura, mas com muitos ramos laterais e galhos. Aqui temos outro exemplo de como retratar ramos. Este é um padrão chamado folhagem, também por John Henry Dearle. Também é feito de uma forma muito simplificada, mas com contornos mais escuros, vê? Neste padrão chamado Bramble de Kate Faulkner, os ramos de amoras não têm contornos, mas linhas seguindo o comprimento dos ramos e foram adicionadas para criar textura. Depois, há espinhos em uma sombra verde mais escura. Em Bird e Romã, Morris adicionou alguns detalhes mais leves para criar uma impressão de destaques. Os ramos também tem alguns detalhes com galhos menores aqui e ali. Neste padrão, Tom Tit de Dearle, os ramos de roseira têm ambos os contornos e alguns sombreamentos com linhas seguindo o comprimento dos ramos, e também algumas marcas menores ao redor dos espinhos. Em Honeysuckle por May Morris, os ramos têm mais detalhes, ambos com contornos e como eles são divididos em seções menores, bem como linhas texturais. Aqui na fruta, os ramos são todos sobre contornos e detalhes com linhas de eclosão ao longo de um lado dos galhos, que cria sombreamento e textura ao mesmo tempo. Podemos concluir que os ramos de árvores e arbustos são feitos de forma muito simplificada. O detalhe é principalmente na forma como eles se dividem em galhos laterais e galhos, e como eles se dobram e se enrolam em uma boa impressão fluida. Sua principal tarefa aqui não é ser altamente decorativa, mas ser a estrutura e a base dos padrões. Agora vamos dar uma olhada em algumas folhas típicas. As folhas, juntamente com os galhos, compõem a folhagem importante e decorativa que é característica dos padrões de artes e artesanato. Se o padrão é feito com uma planta, há obviamente apenas um tipo de folhas, mas para criar variação, são representados de maneiras diferentes. Os designers de artes e artesanato gostavam muito e especialistas em criar as folhas de diferentes ângulos e com turnovers decorativos e reviravoltas. Se o padrão é feito com duas ou mais plantas, as folhas são geralmente diferentes em forma e tamanho, e esta é uma ótima maneira de criar variações e usar formas e formas que se complementam. Este é um princípio importante para criar fluxo e harmonia no padrão. Você vai ver isso muito em padrões de artes e artesanato, e quando você escolher plantas para seus padrões, este é um bom princípio para aplicar também. Agora, esses padrões aqui não estão na categoria final, mas nas categorias serpentina e roladas. Mas eles são ótimos exemplos de como usar plantas e folhas de cortesia, então eu queria mostrá-los aqui também. A forma como as folhas de artes e ofícios são representadas são, naturalmente, mais ou menos simplificadas e estilizadas. Algumas formas gerais são oblongas e estreitas, com ou sem nervos simples e linhas texturais, e são folhas bifurcadas ou lobadas, muito simplesmente executadas ou com um pouco mais de talento. Há folhas mais curtas e mais arredondadas com bordas retas ou espinhosas dependendo da planta, é claro. A próxima categoria de motivo típico é flores grandes, ou podemos chamá-las de flores de halo. Aqui temos as flores grandes e exuberantes com muitas pétalas, como tulipas, e aqui seria papoilas. Então temos uma mistura de outros tipos de flores como rosas, e calêndula, crisântemo e peônias. Então temos alguns exemplos de flores de halo com aparência muito específica, como madressilva e íris, e lírios. Que grandes flores são muitas vezes variadas com menores ou vamos chamá-lo de flores de tamanho médio. Eles podem ser com algum detalhe ou muito simplificados. Um favorito óbvio entre os designers de artes e artesanato desta categoria, é rosas. Então temos as pequenas flores, é claro, elementos motivos muito importantes. Como flores de cortesia para criar contraste e variação para as grandes flores halo. Para estes pequenos motivos florais, todos os tipos de flores de jardim ou silvestres foram usados, como margaridas esquecer-me-nots, jacinto, narcisos, todos os tipos de flores de sino, prímula e pimpernel. Os padrões de categoria à direita muitas vezes retratam plantas que carregam frutas e bagas também. Alguns motivos favoritos de frutas são uvas, e aqui você vê laranjas, limões e pêssegos, e um favorito particular parecia ser romãs. Aqui temos um exemplo de amoras, neste padrão chamado Bramble de Kate Faulkner. tema favorito de William Morris e os motivos eram pássaros na folhagem, e os pássaros estão incluídos em muitos padrões da categoria de rastejamento. Eles vêm em várias formas e tamanhos, mas mais frequentemente você vê pássaros menores que você vai encontrar em seu jardim, como pardal, teta e tordo. Há, naturalmente, pássaros mais majestosos como cacatuas e pavões. Embora sejam mais comuns em padrões de serpentina, alguns exemplos de padrões de arrasto têm uma camada de fundo com folhas e caules menores, que geralmente não são mais do que galhos e linhas ou silhuetas. Seu trabalho é ser enchimentos nos espaços entre os motivos halo da camada frontal, e criar uma impressão uniforme que irá complementar os motivos frontais sem roubar a atenção. Alguns enchimentos são apenas marcas ou mesmo pontos, muito simples, mas tão decorativos. Os motivos típicos das artes e ofícios são mais ou menos estilizados. Na próxima lição, você vai ter um exercício de desenho para praticar isso. 14. Exercício de desenho: folhas básicas: Neste primeiro exercício de desenho, vamos praticar como desenhar algumas folhas básicas e estilizadas com variações. Ao desenhar uma versão estilizada de uma planta e seus diferentes elementos de forma artística e artesanal, por exemplo, uma folha, o princípio é refinar a aparência da folha na vida real e transformá-la em uma versão que não Parece mais a coisa real, mas lembra disso. Isso pode ser feito simplificando alguns detalhes e exagerando outros. A folha mais simples, básica e universal é esta. Pode ser uma folha de muitas plantas diferentes, como folhas de macieira ou citrinos e louro, por exemplo. Tem esta forma mais ou menos gota, um ápice pontiagudo e base, ou a base pode ser arredondada. Esta folha pode ser variada de tantas maneiras. Podemos esticá-lo e torná-lo mais oblongo em estreito, como a folha do salgueiro ou em uma folha de rowan. Outras maneiras que podemos criar variações é com as bordas. Você pode torná-los lisos e retos com bordas lisas, ou você pode torná-los um pouco irregulares e ondulados ou espinhosos. Também podemos variar as folhas com as veias e os nervos. Estes podem ser variados de tantas maneiras, bem como com mais nervos laterais ou apenas alguns ou apenas de um lado. Nós também podemos desenhá-los de diferentes ângulos, como visto de cima apenas em linha reta, ou do lado um pouco. Nós também podemos torná-los virados ou torcidos onde você pode ver a parte de trás da folha um pouco. Essa é uma característica muito típica nas folhas de arte e artesanato. Agora deixe-me mostrar alguns exemplos de como variar essas folhas com turnovers, torções e nervos e assim por diante. Desenhar uma folha básica é, para começar, muito simples, especialmente quando é visto logo de cima. Mas não importa o quão simples seja, eu sempre uso linhas direcionais para onde colocar a folha. A versão mais simples de uma folha básica aqui é apenas, aqui está o centro dela, são minhas linhas direcionais, ele me mostra onde eu quero colocar a folha no papel por uma vez, mas também me dá a direção do folha, como literalmente, como eu quero que ele inclinar. Aqui estou eu desenhando uma folha reta, então não é curvada nem nada. Quando visto diretamente de cima, você vê ambos os lados das folhas igualmente. Mas se você quiser ver uma folha do lado, como de um ângulo um pouco, eu vou desenhar minha linha direcional, então você vê a parte que está mais longe, parece ser mais fina e então você pode desenhar a parte que está mais perto de você, um pouco mais espessa. Isso fará com que a folha esteja inclinada ou uma cena do lado um pouco. Mas minha dica aqui é trabalhar sempre com as linhas direcionais. Isso é muito útil quando você começa a desenhar folhas mais complexas ou variadas. Por exemplo, se eu quiser fazer uma folha curva. Eu estou desenhando como se isso fosse um pouco de curva S talvez, e então eu estou dando algum corpo, meu contorno, e então é mais fácil seguir a direção ao ter essa linha direcional. Agora, eu realmente posso sentir que ele está curvado e agora os contornos estão seguindo isso e aprimorando essa impressão também. Se eu quiser fazer uma curva mais íngreme, vai ser muito mais fácil se eu tiver a direção para desenhar. Além de dar-lhes um ângulo ou uma curva, você pode adicionar outras variações a uma folha básica, por exemplo, eu estou desenhando outra folha como esta, e em todas essas folhas você só pode ver um lado da folha, como a parte superior parte da folha. Mas talvez você queira criar alguns detalhes onde você pode escolher um vislumbre da parte inferior da folha, então você pode adicionar um pouco de volta onde a borda da folha é dobrada um pouco. Posso deixar assim, claro, mas acho que não faz sentido com esta parte volumosa. O que eu gosto de fazer é tornar isso um pouco mais reto porque é aqui que a folha é dobrada. Isso faz com que pareça um pouco mais real. Esta é uma virada no lado da folha, mas você também pode fazê-lo no topo da folha. Novamente, eu estou desenhando alguns contornos, e em vez de fazê-lo no centro do, ou no lado da folha como este, eu comecei aqui em vez disso. Agora, parece que o topo da folha está virado. Você também pode usar sua linha direcional para tomar rolamento para sua virada. Por exemplo, se você quiser fazer uma folha onde no topo é curvada ou virada para você assim, você pode fazer as linhas direcionais, começar com isso e, em seguida, ele mostra como a folha está curvando-se em sua direção. Neste exemplo, você precisa criar um espaço plano no topo aqui onde a dobra na folha parece estar e então você pode adicionar um lado aqui a este, e então também o lado direito aqui, e então, vamos ver, nós adicionamos isso Um. Este lado direito da folha aqui, este é o lado direito do topo da folha e ele precisa se conectar ao lado direito do fundo da folha também. Agora, é fácil ver como se encontrar com o outro lado da folha. Atrás deste volume de negócios, este lado aqui, este é o lado esquerdo da folha, ele irá se conectar com o lado esquerdo do topo da folha também. Você poderia alterar isso. Agora, parece que o topo está dobrando em sua direção, mas você poderia alterar isso realmente fácil e fazer parecer que ele está virado para longe de você apenas definindo esta linha e apagando essas. Agora, parece que está virando na outra direção. Outro detalhe divertido para adicionar às suas folhas é fazer uma torção. Isso pode ser um pouco complicado, então ele precisa de alguma prática definitivamente. Comece com uma folha curva como esta, e então você começa com um lado do contorno, um lado da folha e esboçá-lo assim, e então ele cruza para o outro lado e se encontra no ápice desta folha. Então você vai para o outro lado e ele está atravessando também, mas em vez de apenas cruzar, você pode simplesmente ficar lá e então ele continua do outro lado. Então você pode suavizar esta parte um pouco também. Agora, parece que este é o lado inferior da folha mostrando, e aqui está o lado superior da folha mostrando. Agora você pode fazer o oposto, para que esta parte seja o lado superior, então eu começaria com este lado em vez disso, cruzar e encontrar-me lá em cima. Então você faz o outro lado e você pára e ele continua do outro lado, e então ele vem para lá. Então você pode suavizar as linhas um pouco se precisar. Agora esta é a parte superior e aqui está a parte inferior da folha mostrando. Você pode fazer uma torção dupla ou quantas voltas quiser, então você tem que criar talvez um pouco mais folha para torná-lo mais fácil. Então você cruza a linha central duas vezes em vez disso. Eu estou desenhando primeiro um lado da folha e ele está atravessando, há a primeira torção, e então ele cruza novamente, a segunda torção, e ele se encontra com o ápice, o topo da folha. Então eu entro e faço o outro lado da folha, e lá vem ele atrás, e então continua ali e pára e depois continua do outro lado. Agora parece ser torcido duas vezes, então aqui está a parte superior da folha, e aqui está a parte inferior, e aqui está o lado superior novamente. Estes são os contornos básicos da folha e agora você pode entrar e adicionar alguns detalhes e variação nas bordas das folhas. Talvez você queira ter como uma borda ondulada ou um pouco regular em vez disso, e talvez você não queira ter toda essa linha, o vaidoso através da folha assim, mas apenas um pouco, e você entra e adiciona esses detalhes que adicione o caractere a cada folha. Ou talvez você queira ter como uma borda espinhosa, porque talvez seja uma folha de rosa ou algo assim, e então apenas algumas veias laterais de um lado. Então você também pode adicionar um pouco de textura. Você não tem que ter uma veia central ou nervos assim, você pode apenas adicionar um pouco de linhas texturais. Há muitas maneiras de adicionar caráter às folhas. Como seu exercício, eu quero que você elabore um ramo como este com alguns garfos e galhos menores, em seguida, vesti-lo com folhas em várias formas e complexidade com ângulos e bordas, torções e turnovers. Então você pode variá-los com diferentes bordas e veias. Se você precisar de alguma ajuda para começar, criei essa estrutura de ramificação que você também pode encontrar na pasta de trabalho. Você pode usá-lo como inspiração para desenhar ou imprimi-lo e desenhar diretamente em cima dele ou rastreá-lo. Na pasta de trabalho, você também encontrará algumas ilustrações de folhas para inspiração e referência às variações com as quais você pode brincar. Mas eu quero encorajá-los a criar suas próprias formas, detalhes, bordas e veias também. No próximo exercício de desenho, vamos desenhar algo que você costuma ver em padrões de artes e ofícios. Folhas que têm lóbulos de várias maneiras. 15. Exercício de desenho: folhas lobadas: Neste exercício de desenho, vamos praticar como desenhar formas de folhas um pouco mais variadas que são ramificadas do que bifurcadas com lóbulos e abas como esta. Este tipo de folhas são muito comuns em padrões de artes e artesanato, e será muito útil quando você criar seus próprios padrões de artes e artesanato. Você pode usar este tipo de folha para representar folhas de vários planos diferentes, tanto para plantas heróicas, mas também para plantas secundárias menores, ou até mesmo plantas em um fundo. Por exemplo, uma variedade de flores silvestres como cardos e anêmonas. Uma folha lobada muito básica é esta com três abas, como uma folha de videira estilizada, talvez. Então você pode elaborar sobre este e adicionar mais guias que podem ser variadas um pouco. Você pode torná-los largos ou estreitos. Então podemos fazer folhas que são quase como ramos; mais longas e esticadas. Para estes, podemos adicionar veias e também textura. Não importa a complexidade, eu sempre começo com o planejamento da estrutura geral de uma folha com linhas orientadoras ou linhas direcionais, assim como na lição anterior com as folhas básicas. Mas com folhas bifurcadas ou lobadas, eu também uso linhas orientadoras para onde eu quero as abas. Vamos fazer um realmente simples, a folha bifurcada básica primeiro. Aqui está a minha primeira linha de orientação, e então eu adiciono outra linha de guia onde eu quero que os lóbulos sejam, e depois adiciono os contornos. É o mesmo princípio o tempo todo. Estas linhas orientadoras aqui podem muito bem ser os nervos ou as veias da folha. Com eles, eu posso, desde o início, decidir como a folha vai se curvar e a direção dela. Posso fazer mais detalhes e mais lóbulos. Usar linhas direcionais como esta torna muito mais fácil saber onde desenhar os contornos e a forma geral da folha. Quando você começa a desenhar os contornos, outras folhas como esta, você segue essa linha de orientação, e apenas vesti-lo, e dar-lhe corpo. É quase como se a linha direcional fosse o esqueleto. Agora, eu estou dando carne, ou um corpo, pelo menos, apenas realmente torna mais fácil dar-lhe a sua forma. Agora, você pode escolher se você quer ter uma folha larga como esta, ou você pode torná-la mais estreita. Basta fazer os contornos mais próximos das linhas orientadoras. Uma vez que eu tenho esta estrutura básica no lugar, eu posso adicionar mais detalhes e mais lóbulos laterais como este. Vamos fazer um maior. Com uma estrutura básica, o esqueleto como esse, você adiciona a forma geral, depois adiciona mais alguns detalhes se você quiser, e você pode ter mais lóbulos se você sentir que há espaço para isso. Você também pode criar turnovers, e reviravoltas, e outras variações como eu mostrei nas lições anteriores. Talvez aqui eu tenha ido fazer um volume de negócios, isso é fácil de fazer. Talvez aqui haja outro volume de negócios como esse. Você pode fazer reviravoltas também, mas então eu planejaria isso um pouco desde o início. Você pode construir suas folhas lóbicas assim, e você pode dar-lhes todos os tipos de formas. Também não tem de ser este tipo de forma. Você pode dar a eles ainda mais um olhar, assim. Então você cria outros tipos de lóbulos. Se você criar uma flor de anêmona de madeira, você criaria outro tipo de folhas lobadas. Mas então é bom observar aquela flor original e ver como isso parece, e então criar os lóbulos, e a estrutura de acordo com isso. Quando você encontrar uma forma que você gosta, então você pode adicionar mais alguns detalhes. Por exemplo, você pode adicionar diferentes tipos de veias, como esta aqui. Poderíamos dar uma veia bem simples como essa, ou você poderia fazer uma veia delineada com um recheio ou uma mancha, lembra? Então você pode apenas usar a linha de orientação para isso também. Esta é uma veia que você costuma ver com folhas de acanto, por exemplo. Falando de folhas de acanto, então estas são variações de como você normalmente desenha uma folha de acanto com lóbulos como este e abas diferentes. Se você quiser aprender e praticar mais sobre como desenhar esses tipos de folhas lobadas, você pode conferir meu outro curso chamado Desenho do Acanthus. Lá você terá muitos mais exercícios, por exemplo. Então você também pode adicionar alguma textura. Você pode adicionar estas pequenas marcas extras aqui, bem como para destacar que pode haver alguma parte levantada da folha lá talvez. Estas linhas texturais podem ser feitas de muitas maneiras diferentes, algumas apenas um pouco ou muito. Você também pode desenhar algumas extensões para este nervo, que é bastante típico para padrões de artes e artesanato, onde você começa onde o nervo central está, e então cria esses nervos laterais saindo deste. Você pode brincar com diferentes maneiras de adicionar textura, detalhes e variações a isso. Como seu exercício, eu quero que você elabore uma estrutura ramificada, novamente, assim, ou você usa a que você vai encontrar na pasta de trabalho, e vesti-la com diferentes tipos de folhas lobadas, com variações em quão finas ou grossas elas são , com ondulado, ou curvo, e torcido, e detalhes virados, e talvez, também cruzando um sobre o outro. No próximo vídeo, vamos praticar como desenhar grandes flores de herói. 16. Exercício de desenho: flores grandes: Neste exercício, vamos praticar como desenhar essas flores exuberantes heróis com muitas pétalas e em algumas variações. O tipo de flor que vou mostrar-lhe neste exercício, pode ser desenhado com a mesma base e estrutura, mas depois variado, por exemplo, cenas diretamente de cima como este ou de lado. Primeiro, deixe-me mostrar-lhe como você pode desenhar essas cenas de flores de cima para cima, sem qualquer ângulo ou qualquer coisa e o princípio é realmente o mesmo como você desenha-los. Você pode variar o tamanho deste centro um pouco e você pode variar a aparência das pétalas, se elas são estreitas, ou largas, ou bordas pontiagudas e assim por diante. Primeiro vamos tentar este, que pode ser como um crisântemo ou algo assim. O primeiro passo que faço sempre é fazer as linhas direcionais, então desta vez é sobre marcar o tamanho da flor. Estes são os limites externos dele e então eu marco o centro, então este centro é bastante grande e então as pétalas aqui são bastante estreitas e elas estão saindo do centro, mas elas são variadas um pouco para que você possa criar -los um pouco dobrado e enfrentando direções diferentes, apenas para criar alguma variação, e aqui está ainda um pouco de volume de negócios. Basta fazer essas pequenas linhas de orientação e se você quiser, você pode então refiná-las e ver se você pode criar alguma variação desde o início e talvez você queira ter uma que é curvada um pouco assim. Então você começa a tirar essas pequenas pétalas estreitas, então elas são um pouco mais estreitas no centro ou em direção a elas, elas começam na parte inferior da pétala e, em seguida, tornam-se um pouco mais largas no topo. Basta esboçá-los [inaudível] primeiro e você pode ajustá-los um pouco, talvez alguns deles sejam mais curtos do que deveria ser mais longo. Quando você está satisfeito com a forma de suas pétalas, você entra e desenha uma segunda camada como esta. Aqui temos uma segunda camada de pétalas e, novamente, eu aconselho a começar com algumas linhas orientadoras porque é mais divertido e é apenas mais fácil ter certeza de que você criar algumas variações e adicionar algum corpo a essas pétalas também. Sempre quando você desenha assim, aperte os olhos de vez em quando e veja como tudo se sente. Então, quando você tiver todas as pétalas no lugar, você pode entrar e adicionar alguns desses estames ou detalhes centrais, brincar com algumas formas. Este é o crisântemo com pétalas estreitas vistas de cima. Agora, se pudéssemos desenhar isso do lado como visto um pouco com um ângulo, começamos com uma elipse aqui em vez disso, e então podemos começar com algumas linhas direcionais novamente para essas pequenas pétalas, apenas torná-las realmente básicas no início e Então aqui em cima, eles estão vindo assim e então você pode alterá-los com algumas direções diferentes para as pétalas uma vez que você se instalou com este aqui. Então você pode começar a dar-lhes alguma forma, essas pequenas pétalas. Esta flor é muito divertido de desenhar, e depois de ter desenhado esta algumas vezes, você vai pegar o jeito dela e você pode começar a experimentar. Então podemos adicionar outra camada interna de pétalas, então aqui podemos entrar e desenhar um pouco mais. Então precisamos de algumas pétalas exteriores, a menos que queiras ter mais este broto como flor, mas vamos adicionar algumas pétalas exteriores. Vamos apenas fazer algumas linhas de orientação novamente e aqui podemos fazer um pouco de variação, talvez, aqui está um que está mesmo virando assim e aqui vem outro como este e apenas ver o que você pode criar com algumas pétalas de camada externa como Bem. Então entre e dê-lhes algum corpo também, talvez este possa ter um volume de negócios também. Uma vez que você começar a desenhar turnovers como esse, você vai querer fazer isso o tempo todo e vamos fazer alguns detalhes no centro aqui e eu vou apenas fazer este um pouco diferente. Eu sempre tenho que inventar novas maneiras de fazer as coisas. Este foi o crisântemo, então você pode adicionar variações para criar outros tipos de flores como uma peônia talvez, ou uma tulipa, ou algum outro tipo de flor e então você apenas varia as pétalas, a forma como as pétalas se parecem. Deixe-me mostrar-lhe como você pode desenhar uma flor que tem pétalas um pouco mais amplas como esta, e você vê aqui há mais algumas camadas de pétalas que estão virando assim. Em vez de ter as pétalas espreitando para fora, assim você pode ver todo o centro, aqui, é mais uma flor fechada, então vamos ver como podemos criar isso também. Novamente, comece agora com o primeiro círculo guia como este, então aqui vamos desenhar todos aqueles que aparecem sobre nossas pétalas dentro disso e então vamos fazer algumas pétalas externas que estão saindo, fora do círculo. Vamos começar a desenhar a primeira camada de pétalas e na verdade é esta aqui. Você começa com uma pétala em algum lugar e esse é o seu ponto de partida, e então você pode começar a construir sobre isso adicionando mais pétalas. Aqui está a primeira camada de pétalas e agora podemos trazer outra camada no interior, então você adiciona algumas camadas aqui no interior, diferentes formas e tamanhos, e agora vamos adicionar outra camada fora desta mas vamos ficar dentro deste círculo mais ou menos, mas vamos adicionar um pouco de outra pétala virada, que está cruzando para esta primeira camada que acabamos de criar. Vamos apagar essas linhas, e algumas são maiores, lá, agora está ficando realmente exuberante. Agora a próxima e a última camada de pétalas está saindo, então eu vou fazer isso realmente difícil só para mostrar como você adiciona isso. Então você pode realmente adicionar alguns turnovers sobre esses caras, bem como, apenas para criar alguma variação, então como eu fiz aqui. Aqui você tem um pouco de volume de negócios lá e aqui. Quando você preencher essas linhas aqui, você pode refinar suas pétalas um pouco e então você também pode adicionar essas linhas texturais, estas aqui, que estão dando às flores um pouco mais de profundidade e um pouco de sombra, e então você pode terminar com alguns detalhes centrais. Você constrói a pétala de flor por pétala de dentro e, em seguida, para dentro um pouco e, em seguida, expandindo com algumas pétalas externas também. Este tipo de flor, você também pode alterar um pouco, variar fazendo pétalas espinhosas ou pontudas em vez disso. Aqui está outra versão de desenhar uma flor do lado, que é esta, então esta é bastante fácil, você também pode fazer um esboço inicial para onde você quer que a flor esteja, e então você começa na parte inferior com uma primeira pétala, e então você constrói sobre isso, e também tentando fazer alguma variação nas pétalas, modo que elas estão indo em direções diferentes, talvez um pouco curvo assim, então você apenas constrói sobre ela assim. Quanto mais perto do topo você fica, estreitas as pétalas se tornam e então você também pode adicionar algumas linhas texturais e você também pode adicionar algumas variações aqui, como, se você tem algumas pétalas saindo na parte inferior, aqui são algumas linhas orientadoras e aqui eu quero ter algo que é mais uma virada, uma pétala com um pouco de volume de negócios e talvez o caule. Mas isso é direto do lado e isso é de um pouco de um ângulo também um pouco do lado e então temos alguns diretamente de cima. Agora, para o seu terceiro exercício, eu quero que você experimente essas flores, então você desenha algumas delas de cima para cima, de cima assim e algumas com um ângulo do lado e então você usa o básico estrutura, onde você começa com o centro e, em seguida, construir as pétalas para fora de que e variar as pétalas com algumas diferentes curvas pétalas, pétalas espinhosas, estreitas, e mais curtas e apenas brincar com ele e ver o que você pode vir acima com. Em seguida, vamos desenhar algumas flores mais simples e menores que podem fazer grandes contrastes com essas grandes e exuberantes. 17. Exercício de desenho: flores pequenas: Nesta lição, vamos desenhar um par de pequenas flores que podem ser usadas como flores de cortesia e também para uma camada de fundo. Estas flores são bastante simples e básicas, mas muito importantes como eles compõem as formas contrastantes e elementos motivo para aquelas flores heróis maiores e mais complexas, por exemplo. Contraste e variação é tudo em bom design e especialmente em padrões de artes e artesanato. Mas mesmo que essas flores possam parecer básicas, elas podem ser variadas de muitas maneiras diferentes também. Ao adicionar detalhes específicos, podemos criá-los como versões simplificadas de plantas específicas, como esquecer-me-nots e margaridas e prímula e pimpernel, por exemplo. Estas pequenas flores são realmente simples de desenhar, ainda uso linhas de orientação para torná-los tão simples quanto possível, que é muito importante quando você cria motivos estilizados. Não é suposto eles parecerem esquecidos. Eles são bastante simétricos, mas ainda com um olhar desenhado à mão. Para esses pequenos, pequenos que podem ser “não me esqueçam”, talvez. Eu sempre começo com um círculo para decidir sobre o tamanho da flor. Então eu desenhei aquele pequeno centro Eu sei o tamanho disso também. Para estas quatro flores pétalas, eu desenho uma cruz e começo a moldar as pequenas pétalas. Realmente simples. Mas a chave aqui como eu disse para torná-los simétricos, mas não perfeitos, eles precisam olhar ainda desenhado à mão, e também para que eles são uniformemente distribuídos mais ou menos e também que eles são o mesmo comprimento das pétalas por todo o lado. É por isso que eu uso essas linhas orientadoras. Então você pode criar mais pétalas. Este tinha quatro pétalas, mas depois posso fazer cinco pétalas. Eu faço o mesmo. Vamos nos certificar de que eles se tornem bastante equilibrados. Este machado que você pode ver tem essas duas pétalas laterais estão meio que dobradas atrás do outro. Isso realmente lembra um pouco de violeta, eu acho. Este é um pouco maior, então estou fazendo um círculo maior. Mais uma vez só para atravessar agora eu crio as pétalas exteriores, as duas aqui primeiro e então eu entro e começo por trás das outras. Aqui está outra flor de cinco pétalas onde eu criei as pétalas daquele maior ou mais alto, mais longo. Aqui podemos fazer o mesmo. Os limites externos primeiro e algumas linhas de orientação e, em seguida, adicionar algumas dessas folhas extra pequenas saindo assim. Para este, você pode ver que é exatamente onde eu alterei o centro. Em vez de fazer esses pequenos pontos, eu fiz um centro maior na verdade. As pétalas podem ser um pouco mais curtas, talvez. Crie este centro cruzado. Então aqui está outro amiguinho engraçado onde você tem um centro realmente grande. Não sei que tipo de flor é esta, uma espécie de mini girassol. Então você cria talvez desta vez eu crie seis pétalas e eu divido assim e apenas pétalas realmente curtas desta vez. Também uma maneira de variar as flores. Este carinha aqui, também muito decorativo. Começando com o centro e também estou marcando onde as pétalas devem estar, tornando-as distribuídas o mais simétrico possível e uniforme. Em vez disso, faço estas pétalas em forma de coração. Quando eu delinear estes, eu posso escolher que estes contornos eu posso escolher que exteriores vão todo o caminho para o centro ou apenas fazê-los parar aqui. Esta é também uma maneira que você pode variá-los. Você pode adicionar estas pequenas marcas de sombreamento no centro. Então uma variação para esta é esta, que eu diria que é uma flor de margarida. Eu tenho o centro e então eu apenas faço algumas linhas de orientação para as minhas pétalas. Molde cada pétala, mas faça-as com este tipo de borda externa no topo de cada pétala. Eles podem ser um pouco curvos e dobrados cada pétala para fazer alguma variação. Então temos essas pequenas estrelas. Eles são realmente simplificados. Aqui eu crio esta cruz, crio um centro. Eu poderia fazer o esboço bem apenas para ter certeza de que eu tê-los bastante uniforme e apenas adicionar estas quatro pétalas como essa. Então, quando eu entrar, preencha-os com um forro fino. Eu posso refinar a borda e então eu também posso adicionar alguns detalhes sobre as pétalas assim. Então este também é tão bonito. Um pouco maior, centro maior que tem este centro grade muito elegante muito estilizado. Então você pode adicionar algumas pétalas como essa. Isto é um pouco de girassol. A característica aqui, além do centro cruzado, são estas linhas texturais aqui. Então vá em frente e crie algumas flores pequenas como estas. Para ajudá-lo e guiá-lo, você faz essas linhas de orientação para as pétalas onde você pode decidir quantas pétalas você quer. Você pode ter quatro ou cinco, você pode até ter seis pétalas ou você pode ter mais. Você pode adicionar alguns detalhes extras como estas folhas ou, você pode fazer diferentes centros. Você pode torná-los pequenos ou médios ou bastante grandes. Você pode fazê-los com pontos ou cruzamento cruzado, ou o que você pode vir acima com quando se trata de adicionar variação e chegar com alguns novos detalhes decorativos aqui. Para este exercício, quero que você elabore outro ramo ou use uma das estruturas de ramificação da pasta de trabalho e adicione estas pequenas flores aqui e ali. Explore e pratique como você pode criar variações e adicionar alguns detalhes diferentes nas pétalas e também como você pode distribuí-las em um layout uniforme nesses ramos. Se você quiser, você pode adicionar algumas folhas pequenas também. Se você quiser praticar o desenho de mais folhas e flores exemplos, você encontrará alguns exercícios bônus no final deste curso. Em seguida, vou mostrar a vocês o processo que estou usando para projetar esse tipo de padrões. Vamos nos encontrar no próximo vídeo. 18. Planejando a intenção do seu padrão: Ok. É hora de ser criativo. Nesta lição, vamos planejar nossos padrões e ter um plano agradável e claro para o seu padrão. Todas as outras etapas serão mais fáceis, e você também será mais intencional e focado em todo o processo de design. Na seção de projetos e recursos desta classe, você vai encontrar uma pasta de trabalho que eu criei ou você pode anotar todas as idéias que você vem acima com e as decisões que você vai tomar. Faça o download do PDF, imprima se quiser, e vamos começar. Primeiro, vamos decidir sobre o tipo de superfície ou produto que você projetará. Isso irá decidir muitas das variáveis que você tem que considerar para criar seu padrão, como o tamanho e o formato do seu padrão de repetição e, eventualmente, o arquivo de impressão. Sabendo que tipo de produto ou superfície você projetará, também informa quantas cores você pode usar e a quantidade de detalhes, e também quais tipos de motivos, layouts e composições que funcionarão melhor. Um exemplo para ilustrar isso é a diferença entre projetar para um papel de parede e projetar para o tecido usado para roupas, por exemplo. Se você quer que seu padrão seja para um papel de parede, ele pode ser direcional, que é para ser visto de uma direção específica. Se você está projetando para tecido, para acolchoado ou para moda, você pode querer ter um padrão não-direcional que pode ser visto de qualquer ângulo porque isso vai torná-lo mais útil e não criar tanto derramamento em a previsão. Você também pode querer dar à escala um pouco de pensamento. Papéis de parede podem ter motivos maiores do que estacionários e embalagens, por exemplo. Se você quiser disponibilizar seu padrão para licenciamento ou compra, por exemplo, para uma empresa de papel de parede, você deve ter certeza de que ele pode ser usado para diferentes técnicas de impressão que são usadas para papel de parede. Se ele for impresso digitalmente, não há limites no número de cores e você pode imprimir gradientes e detalhes muito pequenos, e você não precisa considerar o tamanho e o formato de repetição tanto. Mas para ser impresso em volumes maiores, você precisa usar as técnicas de impressão tradicionais para ser econômico. Técnicas como impressão de superfície ou impressão de gravura. Então seu padrão só pode ter até seis cores além da cor de fundo, e o tamanho de repetição é 53 vezes 53 centímetros ou qualquer coisa que possa ser dividida com isso. Além disso, dê um pouco de pensamento ao contexto. Isso foi essencial para os designers de artes e artesanato e seus padrões e arte. Se você quiser projetar para um papel de parede, para que regras será adequado? Um papel de parede para uma cozinha pode precisar uma expressão diferente de um para um quarto ou um quarto para crianças. Isso pode afetar suas escolhas para temas, elementos de motivo, escala e esquemas de cores. Basta pensar nisso, o tecido para roupa de cama tem um contexto muito diferente do tecido para um casaco. Certo, hora de tomar alguma ação. Então, pense em qual tipo de produto e superfície você vai projetar e anote seus planos para o seu padrão na pasta de trabalho. Quando você tem uma intenção para o seu padrão, é hora de começar a discutir sobre temas. 19. Planejando os temos do seu padrão: Um tema não precisa ser complexo. É apenas uma idéia que pode orientá-lo ao decidir sobre que tipo de motivos incluir em seu padrão. Pode ser tão simples como a primavera, ou a Páscoa, ou a floresta, ou flores de jardim, ou pode contar uma pequena história. Veja Strawberry Thief, de William Morris, por exemplo. Este padrão foi inspirado pelos pássaros em seu jardim que continuavam roubando seus morangos. Um tema também pode ser uma ode a alguém que você conhece, ou quer lembrar, como suas flores favoritas ou uma árvore específica. Ou coisas que você associa com uma situação ou uma memória específica. Ter um tema irá ajudá-lo nas próximas etapas do processo. Por exemplo, onde procurar inspiração e materiais de origem. A única coisa a ter cuidado sobre embora quando se trata de temas são temas sazonais. Se você está projetando para um papel de parede ou outra coisa que você não muda frequentemente, você pode não querer ter um tema de Halloween ou Natal. Hora de tomar alguma ação novamente. Então, agora, tire alguns minutos ou o que você precisa, e pense em torno de alguns temas para seu padrão. Tente criar pelo menos cinco temas e anote-os na pasta de trabalho. Agora é hora de discutir algumas idéias sobre quais motivos incluir em cada um desses temas. 20. Planejando os motivos do seu padrão: Nesta lição, vamos discutir alguns objetos e elementos; como em diferentes plantas, árvores e flores, e talvez animais que compõem os motivos padrão, e construir e apoiar os temas que você tem vir para cima com. Dica aqui é não parar nas idéias motivo óbvio que aparecem imediatamente. Pense um pouco mais, porque nem sempre é a primeira ideia que será a melhor. Na verdade, as primeiras ideias são frequentemente os clichês. Se você cavar um pouco mais fundo, você vai encontrar algo novo e talvez ainda melhor. Às vezes, temos que matar nossos queridos e sair de nossas referências atuais e expandir para criar uma obra-prima. Quando você tiver anotado algumas idéias motivo para cada tema, aposto que haverá um que fale com você mais do que os outros, então circule esse favorito, aquele que você decidir, e guarde os outros para mais tarde padrões, talvez. Em seguida, vamos planejar em torno da composição padrão. 21. Planejando a composição do seu padrão: Nesta lição, vamos planejar que tipo de composição nossos padrões terão. Mas primeiro decidir sobre o tipo de artes e artesanato categoria padrão que você vai criar. À direita, serpentina, rolada ou emparelhada. Mas para esta primeira parte do curso, vamos nos concentrar na categoria final. Quando se trata de sua composição padrão, você quer ter um padrão denso com pouco espaço entre os motivos e talvez com enchimentos. Ou você quer ter uma composição sobressalente? Você quer ter uma ou duas camadas? Você quer ter apenas um ou dois tipos de plantas ou talvez muitos, ou jogar em um animal, por exemplo, um pássaro aqui e ali? Depois de ter decidido sobre sua composição padrão, dê uma segunda olhada em seus motivos. Eles vão trabalhar para a composição que você quer? Existem elementos motivos suficientes, ou você precisa de um pouco mais ou menos? Uma dica aqui é usar pelo menos dois tipos diferentes de plantas que criam variação e contraste. Por exemplo, dois tipos de folhas, uma maior e outra menor, ou uma com formas pontiagudas oblongas, e outra com formas mais arredondadas, ou flores. Uma flor maior com muitos detalhes, e uma menor, mais simples. Você pode, naturalmente, ter mais de duas plantas e tipos de motivos, mas você provavelmente não deve ir mais de quatro ou cinco. Se você estiver criando um padrão com duas camadas, uma boa regra geral é ter um elemento motivo maior mais complexo na camada frontal, e menor e mais simples na camada de fundo. Em seguida, é hora de decidir sobre qual técnica de coloração você usará. Você quer colorir digitalmente no seu computador, ou talvez no seu iPad, ou pintá-lo com guache. Nesta aula, vamos colorir nossos motivos e padrões digitalmente. Você pode pular este passo também desta vez, e vamos nos concentrar na coloração analógica em uma próxima aula. O próximo passo é reunir inspiração e materiais de origem para quando vamos começar a desenhar nossos motivos, por exemplo. Vou falar um pouco sobre isso na próxima lição. 22. Inspire-se: Este passo no processo de planejamento é sobre reunir inspiração para a expressão que você deseja para o seu padrão de artes e ofícios. Também se trata de encontrar materiais de origem para usar para desenhar nossos motivos de padrão estilizados. Você também pode usar essas imagens para puxar cores para sua paleta de cores mais tarde. Aqui estão alguns exemplos do que você pode fazer para encontrar e reunir inspiração e materiais de origem. Por exemplo, vá para fora e tire fotos de plantas, folhas e flores. Se você quiser usar plantas que não crescem onde você mora, você pode visitar uma floricultura ou um jardim botânico, por exemplo. Você pode, é claro, também procurar por imagens de referência on-line usando o Google e Pinterest ou olhar através de revistas e livros. Um conselho é que, se não forem suas próprias fotos, reúna uma diversidade de imagens para referência para ter certeza de que você não rastreia ou copia o trabalho de outra pessoa. Certifique-se de criar sua própria versão a partir de várias fontes de imagens. Se você quiser, crie um quadro de inspiração, você pode, por exemplo, puxar suas imagens para um documento do Illustrator para que possa vê-las todas lado a lado para obter uma visão geral e acesso fácil. Este quadro de inspiração também pode ser usado como um documento de trabalho onde você cria mais tarde sua paleta de cores puxando cores de suas fotos e imagens. Este documento e placa de inspiração, também é muito útil e suave para referência quando começamos a desenhar os motivos para nossos padrões. Isto é o que eu quero que você faça agora. Reúna imagens de coisas que representam uma expressão que você deseja para o seu padrão. Além disso, encontre planos para fotografar e coletar imagens de objetos ou plantas que descrevem os motivos que deseja incluir. Por fim, encontre coisas para fotografar ou imagens que incluam cores que você gosta e queira explorar para o seu esquema de cores padrão mais tarde. Na próxima lição, vamos explorar nossos motivos padrão um pouco para que tenhamos algo para escolher quando começarmos a desenhar a coisa real. 23. Explorando seus motivos: Você pode, claro, começar a desenhar o design completo logo fora do [inaudível] mas eu realmente recomendo que você gaste algum tempo para praticar desenho, os motivos que você vai usar em seu padrão primeiro e explorar alguns diferentes maneiras de representá-los. Isto é o que você pode fazer. Esboçar até três a cinco versões de cada motivo, e experimentar diferentes ângulos e turnovers, e detalhes das folhas e das pás e centro sobre as flores e assim por diante. Para isso, você pode usar os exercícios de desenho de antes para guiá-lo. Em seguida, refinar cada esboço algumas vezes e experimentar novas maneiras de desenhar cada um. Pense em como você pode simplificar algumas partes e como exagerar outras, em seguida, escolher as versões que você acha que funcionam melhor e colocar as outras de lado você pode usá-las mais tarde, talvez ou em outro momento. Depois de encontrar as melhores versões para seus motivos, será mais fácil criar e desenhar o design de repetição composto. Em seguida, vamos criar uma estrutura padrão e a espinha dorsal para nossos padrões. 24. Elaborando a estrutura de repetição: [ MÚSICA] Nesta lição, vamos elaborar a estrutura e a estrutura de nossos padrões usando o truque Post-It que aprendi com meu colega designer sueco, [inaudível]. Aqui está um padrão de artes e ofícios que eu fiz e como você pode ver, ele tem duas camadas. Uma camada de primeiro plano com flores maiores detalhadas, folhas, alguns ramos ou hastes neste caso. Depois, há uma camada de fundo com pequenos ajustes encaracolados simplificados e pequenas flores tulipas. Agora vou te mostrar como construí esse padrão. O primeiro passo é rascunhar a estrutura geral de repetição e o layout dos motivos da camada de primeiro plano. Este passo é importante para obter uma visão geral da distribuição dos motivos e do fluxo geral do padrão. Aqui é onde vamos usar as notas de post-it. Vou usar minha caixa de luz aqui. Acho que vai ser mais fácil para você ver o que estou fazendo quando estou começando a desenhar em minhas anotações. Gosto de colocar minhas anotações em cima de um pedaço comum de papel de impressão. Este é apenas um papel de impressão A4 comum. Você vai precisar de uma pilha de notas de Post-it, apenas as comuns, e um lápis e, definitivamente, uma borracha. Você vai precisar de uma régua e então você vai precisar de um pouco de forro fino preto. Se você não tem uma caixa de luz como esta, você realmente não precisa de uma para esta etapa porque as notas Post-It são bastante transparentes, então você vai gerenciar sem uma. Vamos criar uma repetição direta. Como estamos vendo notas quadradas de post-it, sua repetição também será quadrada, o que é realmente muito bom para projetar, por exemplo, papel de parede e tecido, onde muitas vezes você precisa ter uma caixa de repetição quadrada. Mas você também pode pegar duas notas ao mesmo tempo assim. Em seguida, corte-os ao meio para que você tenha quatro notas retangulares altas em vez disso. Então você usa estes, então sua repetição será alta retangular. Isso ajuda você a criar um tipo diferente de impressão para sua repetição ou para sua composição do motivo. Mas então você pode criar uma repetição quadrada usando estes combinando dois deles ao lado do outro. Você terá uma repetição quadrada, mas com um design duplo. Vamos começar aqui. Vou pegar minha primeira nota e colocá-la em algum lugar assim. Eu realmente recomendo agora quando você começa com o seu primeiro padrão como este, para ir realmente simples, não exagerar ou criar muitos ou muito complexos ou muito pequenos motivos. Então vá bem grande na primeira vez definitivamente. Foi o que eu fiz com meu padrão de tulipa também. Vou mostrar-vos como fazer isto para torná-lo o mais simples possível pela primeira vez. Então você pode evoluir e construir e criar mais e mais motivos complexos e detalhados e combinar mais motivos e talvez usar mais tipos de plantas em primeiro plano e assim por diante. Para este, vou criar este primeiro plano com as tulipas. Você pode começar com a distribuição e colocação de seus motivos principais. Para mim, isso seria colocar as tulipas mais ou menos. Vamos ver. Eu só vou fazer este estereótipo de tulipa realmente aqui. Nesta etapa, você não vai desenhar nenhum detalhe ou qualquer coisa. Isto é apenas a elaboração do layout geral. Então eu vou ter como um caule caindo assim e talvez um aqui. Tente refiná-los um pouco para que seja mais fácil ver através do jornal. Agora vou pegar minha segunda nota post-it. Agora eu vou rastrear este aqui e criar exatamente as mesmas linhas. Você vai mudar isso muitas vezes antes de terminar, eu prometo. Há então agora temos a primeira estrutura geral. Agora vamos continuar com a colocação da segunda flor. Eu vou ter um, que está conectando esses dois aqui. Então eu poderia colocar algumas das folhas aqui também. Eu vou ter um que está esticando todo o caminho até aqui e outro ali. Vamos ver. Acho que este precisa subir um pouco assim, porque então eu queria outro como este. Agora só estou tentando colocar alguns motivos diferentes. Vou fazer estas tulipas espetadas ou lóbicas. Estes são apenas esboços muito ásperos. Eles vão ser refinados muitas vezes antes de terminarmos aqui. Algo assim. Agora eu preciso rastrear tudo isso que eu desenhei agora para que ele seja repetido em cada nota da mesma maneira. Vou começar com este. [ MÚSICA] Aqui eu posso ver que estes estão em conflito. Isso é algo que eu preciso considerar e talvez mudar depois disso. Aqui, este eu preciso pegar este bilhete também. Agora, para o próximo, rastreie tudo em cada nota. Agora eu tenho um esboço geral, e aqui agora eu posso ver se eu preciso fazer alguns ajustes. Como aqui é um espaço grande e vazio, então talvez eu queira mover este um pouco para cima. Mas vamos apenas para isso agora um exemplo. Um quadrado representa a repetição, que pode ser duplicada e repetida para cima, baixo para os lados para criar o padrão completo. No próximo passo vamos transferir esta estrutura que agora criamos para um pedaço de papel maior onde podemos começar a desenhar os motivos e a repetição completa completamente e com todos os detalhes. Para fazer essa transferência sem problemas, precisamos encontrar uma seção desta estrutura geral onde até mesmo motivos são tão agrupados quanto possível e onde podemos coletar o maior número de motivos e elementos dentro de um quadrado e onde o mínimo possível dos motivos estão pendurados fora das bordas quadradas. Se o fizerem, temos que encontrar lugares onde podemos facilmente dividir os motivos, por exemplo, na junção entre caules e folhas. Agora eu gosto de usar um forro fino e entrar e preencher as linhas. Alguns desses motivos ou um conjunto dos motivos onde eu posso ver mais claramente agora onde eu posso desenhar este novo quadrado de repetição ideal. [ MÚSICA] Então eu posso usar a pilha postada e tentar encontrar aquele quadrado onde eu tenho o menor dos motivos pendurados, e lá eu desenho um novo quadrado ou os limites repetidos. Agora eu preciso pegar minha régua e fazer uma grade que vai facilitar a transferência para um pedaço de papel maior. Divida este em 16 quadrados iguais. Agora tenho a estrutura do meu padrão inicial pronta. Isto é apenas um rascunho. Eu definitivamente posso ver que como eu faço minha próxima versão deste, que você vai ver na próxima lição, eu provavelmente vou fazer alguns ajustes e esta flor vai ser movido para cima um pouco apenas para ter certeza de que eu distribuir os motivos de forma mais uniforme e cria uma melhor harmonia e fluxo no padrão. À medida que passo por todas essas etapas até ter minha repetição final, farei muitas mudanças, redesenho e retrabalho. Esteja preparado para isso. Esta foi a técnica postada usando uma telha quadrada como esta. Vamos para o próximo passo em que vamos trazer isso para cima outro nível com mais detalhes e em escala. [ MUSIC] 25. Desenhando a camada de primeiro plano: Finalmente chegamos à parte onde realmente projetamos nossos padrões e elaboramos a repetição. Vamos fazer isso de uma maneira analógica tradicional, que eu acho muito apropriado, pois estamos projetando padrões de artes e ofícios. Agora, tenho que te avisar um pouco. Este passo pode ser um pouco complicado nas primeiras vezes, mas meu conselho é não ficar muito preso em torná-lo perfeito, pois temos muitas oportunidades de corrigir e editar erros no Illustrator e mais tarde. Também encorajarei você a criar várias tentativas, iterações, edições e versões do seu design padrão. Primeiro, temos que preparar o papel que vamos desenhar a nossa repetição. Quanto maior você pode desenhar o design de repetição do padrão, melhor para que você possa encaixar detalhes suficientes em seu design. Mas já que vamos escanear os projetos que agora vamos retirar, ele tem que ser capaz de caber no seu scanner. Eu tenho um grande scanner A3, então eu posso facilmente usar um papel A3 e ser capaz de digitalizar isso como um todo. Mas se você tem um scanner menor, um truque é pegar dois papéis menores, por exemplo, dois A4 ou duas letras tamanho e juntá-los assim. Agora, vamos cortar isso em um quadrado para combinar com nosso rascunho de estrutura postado. O papel cortado deve ser deste tamanho para que, quando colocado em um papel de tamanho A3, por exemplo, haja alguma margem em torno de todos os lados. Meça um quadrado, assim. Se você estiver usando a fita juntos papéis, uma dica é centralizar as bordas gravadas e você vai entender o porquê em apenas um pouco. Você pode usar tesoura ou cortador de rolo como este para fazer bordas realmente retas e uniformes. Quando você tiver seu papel quadrado, elabore a mesma grade de 16 quadrados que você fez no rascunho de postagem. Agora, usando a postagem como referência, comece a transferir as linhas do esboço para o papel, quadrado por quadrado até termos todo o esboço da estrutura em escala maior em seu papel. Use realmente leve e fácil de apagar linhas de esboço no início. Então, quando você tem toda a estrutura no lugar, você entra e desenha contornos mais refinados e detalhados de seus ramos, folhas e flores, e outros motivos que você tem em seu plano padrão. Agora você pode referenciar as explorações de motivos que fizemos para que você saiba exatamente como desenhar em seus motivos. Aperte os olhos de vez em quando, e dê uma olhada geral nos motivos. Eles estão bem distribuídos ou alguns deles estão muito próximos um do outro? Há espaços vazios e irregulares? Tudo o que chama a atenção demais, agora você pode editar e redesenhar até encontrar esse bom fluxo. Além disso, não desenhe os contornos até as bordas, economize uma polegada ou mais. Quando você estiver satisfeito, corte o papel em quatro quadrados de tamanho igual, e se você tiver uma fita em conjunto de papel e centralizou as bordas, agora você pode facilmente simplesmente cortar a fita para separá-los. Em seguida, troque os quadrados ao redor assim para que eles acabem nos cantos opostos e junte-os novamente. Agora desenhe as peças do motivo que faltam nestes espaços vazios no centro agora e conectando os contornos e completando todos os motivos. vez, aperte os olhos e dê uma olhada no fluxo geral da repetição, edite, mova e redesenhe coisas com as quais você não está satisfeito. Agora é hora de refinar e preencher esses contornos com um forro fino ou pino fino. Primeiro, separe a fita juntos, quadrados novamente, e organize-os no quadrado original e fita juntos novamente. Agora pegue um novo pedaço de papel grande e coloque isso em cima do seu desenho de lápis quadrado. Se você tem uma caixa de luz como eu, isso realmente vem a calhar nesta etapa. Mas você também pode usar uma janela aqui ou um papel de rastreamento. Agora vamos colocar este documento o mais estratégico possível. No meu caso, eu consegui criar motivos onde há apenas pequenas partes dos motivos que estão faltando em alguns sinais, como estas folhas aqui e aqui, e então também a parte do caule aqui e aqui. Quando agora traçamos essas linhas, queremos fazer motivos como inteiros e completos quanto possível. Se eu tiver alguma margem, eu posso realmente estender e desenhar essas partes em motivos completos. Isso vai ser muito mais fácil no processo de edição. Idealmente, colocaria meu papel assim. Agora eu tenho margem para estender o ramo daqui e esta folha para ouvir, e então o mesmo com esta parte da folha aqui também. Mas às vezes o papel não é grande o suficiente para fazer isso, e o motivo está se estendendo muito além para ser capaz de desenhar o motivo completo ao mesmo tempo. Agora eu vou fingir que este é o caso para mim também, que eu possa te mostrar como lidar com isso mais tarde. Vou centralizar o meu papel assim. Agora esta parte da folha não vai caber aqui. Eu vou ter que encaixar essas duas peças juntas mais tarde em vez de fazer uma forma completa e fechada. Hora de começar a pintar. Mas primeiro, marque seus cantos assim, e eu vou te mostrar o porquê daqui a pouco. Para isso, eu estou escolhendo o meu favorito, é uma caneta escova com uma ponta de escova muito fina. É da Pigma. Este cria uma linha mais dinâmica e um pouco mais espessa. Uma coisa a considerar agora desde o início é, se você quiser ter um pouco do seu motivo em diferentes cores delineadas, por exemplo, se eu quiser ter esses contornos de flores, então o vermelho escuro, e então as hastes, e talvez as folhas em outra cor de contorno. Então eu tenho que ter certeza de que esses contornos não se toquem, caso contrário nós vamos ter que dividi-los camada no Illustrator. Mas outro truque é rastreá-los em diferentes pedaços de papel. Neste papel, por exemplo, eu vou rastrear as hastes e as folhas, talvez, e alguns outros detalhes podem ser, e então eu vou usar outro papel para rastrear minhas flores, então eu vou apenas começar. Agora eu também posso dizer que, eu gostaria de ter as hastes e meus contornos de veia na mesma cor, mas não necessariamente o contorno das folhas na mesma cor. Então eu poderia rastreá-los em papel diferente. Você tem que planejar um pouco com antecedência para tornar seu fluxo de trabalho o mais suave possível. Aqui eu tenho pintado todos os contornos para as hastes e os contornos das veias. O que eu ainda preciso é desta parte aqui, eu preciso ter aqui uma onda. Para conectar isso, quero dizer, eu poderia pintar isso aqui e então eu teria que conectá-los mais tarde quando eu digitalizasse tudo. Mas uma maneira mais inteligente de fazer isso é realmente apenas mover este papel uma linha com os cantos aqui e agora ir para dentro e continuar desenhando assim para que eu vou criar contornos completos imediatamente. Agora eu posso pegar outro pedaço de papel, colocá-lo em cima aqui, e agora eu vou desenhar cantos neste também. Agora, eu vou entrar e pintar os contornos das folhas para que eu as separe. Eu vou seguir em frente e pintar estes também, e então eu vou mostrar a vocês como eu vou estender esta folha. O que me resta aqui agora é garantir que esta folha seja inteira. Vamos ver. Esta parte aqui, eu posso estender nesta área em vez de desenhar os pedaços ali. Para fazer isso, eu vou movê-lo aqui em vez disso, alinhá-lo com os cantos, e aqui eu posso continuar este aqui e criar o motivo de folha completa como este. Eu tenho esta pequena ponta da folha aqui, que é a ponta da folha lá também. Mas já que vai chegar fora dos limites do meu jornal, não vou fazer isso. Então o que eu vou fazer em vez disso é apenas preencher a ponta da folha onde ela está em sua posição, e então eu vou mostrar-lhe como podemos conectá-los depois. Eu tenho as folhas pequenas e também as flores. Vamos ver em que papel seria bom usar. Acho que a folha de papel seria perfeita. Agora, eu quero ter algumas linhas de textura ou linhas de sombreamento nas pétalas de flores e também nas folhas um pouco. Eu acho que, na verdade, as linhas nas folhas vão ser uma parte dos contornos da veia. Mas para as linhas florais texturais, vou desenhá-las aqui. Um pouco de detalhes extras como este é o que às vezes faz a grande diferença no motivo. Agora eu vou colocar em primeiro lugar minhas linhas nervosas aqui nas folhas só para ter certeza de que eu não exagere ou algo assim. Acho que encontrei uma boa maneira de ir para esses nervos. Agora vou preenchê-los também. Agora preenchi tudo o que preciso aqui. Eu tenho meus ramos ou as hastes, neste caso, com as veias, os nervos, e também algumas linhas de sombreamento para as flores. Então aqui eu tenho os contornos das flores e das folhas. Minha camada frontal está pronta para ser escaneada. Então eu vou deixar isso de lado, e a próxima lição nós vamos tomar sobre a camada de fundo. 26. Desenhando a camada de fundo: Para a camada de fundo, vamos sobre isso da mesma maneira que com a camada de primeiro plano. Comece preparando um grande papel quadrado como antes. Agora você pode desenhar a camada de fundo cobrindo todo o espaço. Então você não precisa considerar os motivos da camada de primeiro plano. Ou você pode desenhar em motivos somente nos espaços vazios entre os motivos da camada de primeiro plano. Você pode até desenhar motivos onde alguns dos motivos de fundo entrelaçam com ramos de primeiro plano vindo atrás ou na frente, dependendo do tipo de plantas que você escolheu, é claro. Se você escolher esse tipo de fundo, você precisa usar os desenhos em primeiro plano para mostrar onde desenhar. Para o meu padrão, vou fazer ambos os tipos de camadas de fundo para mostrar como fazê-las. Vou fazer um com motivos muito pequenos e simples de galhos e flores que cobrirão todo o papel. Um segundo em que desenho ramos e folhas e pequenas flores que se entrelaçam com motivos de camada de primeiro plano. Vou começar com uma versão simples. Novamente, deixe as bordas, porque quando você cobriu o papel com seus motivos, você corta em quatro pedaços como antes, troca-os e colados juntos e desenhando motivos nas seções vazias e no centro, completando e conectando os motivos. Para o meu outro design de fundo, eu fiz minha caixa de luz novamente, e agora eu estou usando meus desenhos em primeiro plano e colocando meu papel de fundo em cima, alinhando com os cantos. Agora eu posso ver onde desenhar para combiná-lo com motivos de primeiro plano. Vou fazer alguns dos ramos de fundo cruzarem os degraus aqui. Então farei o mesmo processo com este como o outro. Cortando quatro alternando, preenchendo os centros vazios para completar os motivos. Quando você tiver seu desenho de lápis de fundo acabado, pegue um novo pedaço de papel grande e rastree-o com um forro fino. Mais uma vez, faça os motivos cruzarem as bordas do quadrado, a fim de torná-los formas completas, se possível. Em seguida, vamos trazer as camadas de primeiro plano e plano de fundo, desenhos com tinta para o Illustrator e digitalizá-los. 27. Digitalize e vetorize seu design: Nesta lição, vamos trazer nosso design repetido para Illustrator e transformá-lo em uma versão digitalizada. A primeira coisa que vamos fazer é escanear nossos desenhos repetidos com tinta. Eu tenho um scanner A3, então eu posso digitalizar todo o desenho como está em uma única peça. Mas se você tiver um scanner menor, você pode cortar seu desenho em duas peças e digitalizar separadamente. Se você não tem um scanner, você pode tentar tirar uma foto de seus desenhos com uma câmera ou sua câmera móvel, apenas certifique-se de que ele tem uma iluminação muito boa e nenhuma sombra, e também para não distorcer a imagem. Aqui eu coloquei um dos meus desenhos de camada de primeiro plano no meu scanner de mesa. Como você pode ver, minha interface em sueco, mas eu vou traduzir como vamos. Você pode fazer algumas configurações aqui para otimizar a varredura. Primeiro, ele selecionará “Preto e Branco” e “300 DPI” para obter uma boa resolução e que a digitalização registre dados suficientes em seu desenho. Em seguida, na caixa chamada digitalização para você escolher ou criar uma pasta onde você deseja salvar sua digitalização. Vou criar uma nova chamada “flores à direita”. Então aqui nós nomeamos a nossa digitalização e eu vou chamar o meu rastreamento à direita, para o formato JPEG é bom. Então, aqui na correção da imagem, você clica nas setas e seleciona “Manual”. Aqui você pode brincar com as alças de brilho e contraste para criar uma imagem tão nítida e clara quanto possível. Para este, vou levar o brilho para baixo todo o caminho e o contraste para cima, que tornará as linhas muito definidas e um pouco mais espessas, e o fundo completamente branco. Isso tornará mais fácil para o Illustrator registrar as linhas corretamente quando as vetorizarmos usando a ferramenta de rastreamento mais tarde. Agora desenho uma tenda para festas em torno das minhas ilustrações e aperto “Scan”. Então eu vou fazer o mesmo com todos os meus desenhos de tinta para o primeiro plano e as camadas de fundo. O próximo passo é transformar essas ilustrações digitalizadas em vetores no Illustrator. Para isso, estou criando um novo documento. Darei o nome de flor à direita. Estou escolhendo um tamanho A3 aqui e começando com milímetros, CMYK está bem e 300 DPI e clique em “Criar”. Agora vou importar minhas ilustrações digitalizadas para este documento. Vou encontrar meus escaneamentos na pasta, selecioná-los e puxá-los para o meu documento do Illustrator assim, e colocá-los para que eu possa vê-los todos. Agora, eu vou vetorizá-los usando a ferramenta de rastreamento de imagem, que é esta que eu salvei aqui em meus painéis de ferramentas direita. Mas você também pode encontrá-lo em “Janela” e “Rastreamento de imagem”. Vou fazer este primeiro, e vou selecionar a ferramenta “Rastreamento de imagem” e aqui precisamos fazer algumas configurações também. Em “Mode”, escolha “Preto e Branco”. Agora vamos brincar com alguns desses valores aqui. Mas primeiro clique em “Ignorar branco” aqui embaixo, e também pré-visualizar. Em seguida, o limite aqui é o valor de quantos dados são registrados a partir de sua imagem digitalizada. Menos faz com que o Illustrator registre menos dados, o que resulta em linhas mais finas e também pode causar lacunas nos contornos. Se a linha da caneta for um pouco fina, por exemplo, mais se registrarão de forma mais natural e tornarão suas linhas mais grossas. Vou começar com o padrão em 128 e ver como isso vai ficar. Em caminhos altos, ele manterá a aparência de suas linhas mais próxima do original com mais detalhes, mas também tornará o documento muito mais pesado. Low simplificaria as linhas com menos dados. Tente mantê-lo o mais baixo possível, mas ainda mantendo o olhar que você quer. Nos cantos, mais dará as linhas bordas e cantos mais nítidos, e menos os tornará mais macios. Vou brincar com estes até encontrar os níveis que eu gosto. Acho que isto aqui parece bom. Desde que eu vou traçar várias ilustrações, eu vou salvar essas configurações como predefinição acostumada que eu posso usar novamente para que eu não tenha que brincar com esses valores novamente. Vou até aqui para “Gerenciar predefinições” e clicar em “Salvar como nova predefinição”. Vou dar um nome aos meus contornos de tinta e clicar em “Ok”. Agora eu posso acessar isso nas predefinições e usar isso torna meu processo um pouco mais suave e rápido. Certifique-se também de que as minhas ilustrações terão uma aparência semelhante. Então eu preciso ir até “Objeto” e “Expandir”, para expandir e finalizar meus novos contornos vetorizados. Então eu vou em frente e fazer o mesmo com todos os outros. Aqui eu tenho todas as minhas ilustrações de primeiro plano e plano de fundo vetorizadas e expandidas. Eles ainda estão agrupados e eu vou mantê-lo assim por enquanto. Agora vamos fazer algumas edições para preparar nossos motivos para colorir. 28. Editando seus motivos: Bem-vinda de volta. Nesta lição, vamos editar e preparar nossos motivos para torná-los prontos para colorir. Primeiro, precisamos corrigir erros e polir um pouco nossos contornos. Depois de expandir seus motivos serão agrupados e de alguma forma eles são agrupados duas vezes. Estou pressionando Shift Command G duas vezes para desagrupar meus motivos. Começarei removendo pedaços de que não preciso. O que eu vou começar com é corrigir qualquer erro, e eu posso ver que eu tenho alguns como onde eu tenho deslizado com o forro fino um pouco. aqui, por exemplo, Poraqui, por exemplo,estou usando minha ferramenta Borracha e apenas entrando aqui e removendo alguns dos contornos pretos. Então eu usei a ferramenta Suave para suavizar algumas das linhas aqui. Então, se eu precisar adicionar um pouco mais, usarei minha ferramenta Pincel de Blob para corrigir essa junção aqui, por exemplo. Agora eu vou ir em frente e polir e corrigir erros para todas essas ilustrações. O meu próximo passo agora é juntar estes. Agora eu vou apenas alinhá-los juntos assim. Vou colorir este vermelho agora, então vai ser mais fácil para mim ver os diferentes elementos aqui. Agora eu posso entrar e eu vou selecionar apenas este preto aqui e ver se eu posso mover isso um pouco. Mas, mesmo que eu tenha diferentes elementos de contorno como linhas não separadas, se eu fizer cruzamento, eu também farei uma forma fechada se eu selecioná-los juntos. Mas aqui, não vai fazer isso. Vou entrar e consertar isso imediatamente. A melhor maneira de fazer isso é provavelmente usando a ferramenta Pincel do blog e entrar e desenhar uma nova linha. Então vou apagar este. Agora, se você cortou motivos porque quando você desenhou eles não cabiam no mesmo papel, como na ponta da minha folha aqui, agora é a hora de fundi-los juntos. Eu estou clicando duas vezes nos contornos pretos para entrar no modo de isolamento, e então eu vou mover este aqui, e então eu vou selecionar ambos e ir para Pathfinder e mesclá-los juntos assim. Então posso entrar com a ferramenta Borracha. Agora eu tenho uma forma fechada lá também. Vou agrupar estes agora. Este funciona como está, mas este eu preciso trabalhar um pouco. Isto é bastante complicado, na verdade. Primeiro, vamos mover meus outros grupos de motivos para longe um pouco, então eu posso ter um pouco mais de espaço para este. Agora eu vou combinar essas bordas aqui e também esses dois aqui para ter certeza de que eu posso repetir toda esta seção para os lados e para cima e para baixo sem esses motivos interferindo uns com os outros. Vou começar copiando este aqui, eu posso ver onde combiná-lo porque eu realmente desenhei algumas duplas aqui. Vou pressionar Shift enquanto eu movê-lo para mantê-lo reto, alinhado verticalmente e, em seguida, Option para fazer uma cópia. Eu vou dar a este uma cor vermelha, então com isso eu posso distinguir os diferentes elementos mais facilmente. Então o mesmo para este, e aqui eu também tenho algumas duplas, então eu vou apenas alinhá-lo e pressionar Opção para fazer uma cópia, e eu vou torná-lo vermelho também. Acho que vou levar este original para a frente. Agora eu vou editar esta versão original preta e com a ajuda dessas cópias para apenas certificar-se de que elas se alinham e não se sobrepõem. De zoom aqui, e eu posso ver imediatamente que há algum conflito acontecendo aqui. Acho que vou apagar este. Esta pequena curva aqui vai ser lá em baixo. Esta peça é, na verdade, um pouco redundante, então eu vou apenas remover isso. Este, porém, eu quero mudar para o outro lado. Porque eu também queria adicionar um pouco de um caule aqui. Todas as minhas flores têm um caule assim. Isso nós vamos ter que fazer, e eu vou voltar aqui, eu vou fazer zoom novamente. Aqui posso ver que tenho outro duplo. Acho que vou ficar com a de baixo. Esses dois eu preciso fundir de alguma forma. Eu acho que a maneira mais fácil aqui é pegar este, e então eu vou movê-lo para baixo aqui. Agora vamos ver se podemos fundir estes dois juntos. O que vou fazer aqui é apagar uma parte deste. Em seguida, selecionando ambos e, em seguida, usando a ferramenta Pincel Blob, posso mesclá-los e, ao mesmo tempo, corrigir um pouco a linha. Esse já cuidou. Acho que vou mudar tudo isso de novo. Eu estou tendo um espaço vazio aqui que eu preciso fazer algo sobre. Então eu vou para esta parte. Vou testar isso de novo para ver como é. Vou fazer outra cópia aqui nesta nova versão editada. Eu posso ver que eu cometi algum erro aqui então eu vou clicar duas vezes e então eu vou apenas apagar um pouco deste, também este aqui é muito perto, então eu vou refazer isso. Caso contrário, acho que está tudo bem. Vou remover esta cópia extra e depois vou verificar o lado esquerdo também, e vou colorir amarelo só para ver o que aconteceu aqui. Neste canto, acho que parece um pouco vazio. Vou desenhar alguns galhos extras para preencher isso. Veremos se isso funciona no final. Esta camada de fundo também é feita. O próximo passo que podemos fazer é simplificar estes para reduzir o número de pontos de ancoragem. Vou ampliar bastante perto para ver as linhas, depois selecionarei este grupo, e pressionarei o Comando H para ocultar minhas bordas. Em seguida, vou para Objeto > Caminho e Simplificar, e essa janela Configurações aparece. O padrão é 75%. Simplificou todas essas linhas e as fez parecer um pouco diferentes agora. Se eu trazer isso um pouco para 95 por cento, ele vai manter mais desse olhar original, e eu acho que isso funciona muito bem, na verdade. Aqui eu realmente diminuí meu número de pontos de ancoragem para metade, o que é realmente ótimo. Vou clicar em “Ok” e ficar com isso. Agora vou fazer o mesmo com os outros motivos também. Eu mencionei que precisamos ter formas fechadas algumas vezes agora. A razão é para que possamos usar as ferramentas Balde de Pintura e Construtor de Formas quando colorirmos nossos motivos mais tarde. Já cuidamos de alguns motivos de corte, mas ainda tenho um lugar que preciso consertar, que é esse caule aqui. Isto ainda não está fechado. O fim deste caule aqui vai estar em cima desta flor aqui. O topo da flor aqui vai realmente me ajudar a colocar a forma do caule. Vou começar fazendo um quadrado do mesmo tamanho que o papel quadrado que eu desenhei minha repetição para assinar. No meu caso, era 26 centímetros, que é 260 milímetros. Vou dar-lhe um fundo cinzento claro aqui. Então eu vou mandá-lo para trás. Quando crio minha repetição digital, gosto de trabalhar em pixels. Agora que temos nosso quadrado de repetição medido em escala real em milímetros, vamos mudar nossa Configuração de Documentos aqui e mudá-lo para pixels em vez disso. Em seguida, selecione o quadrado e verifique as medidas aqui em cima. Agora vamos arredondá-los para pixels pares, e memorizar os números. Para mim, é 737 e, em seguida, coloque o motivo da camada frontal no quadrado, e com ele selecionado, clique como e com ele selecionado, clique com botão direito do mouse e escolha Transformar e Mover. Agora vamos copiar este abaixo deste original. Zero pixels horizontalmente, depois 737 pixels verticalmente e pressione Copiar. Aqui agora eu posso ver como eles realmente se sobrepõem um pouco. Vou copiar este para todos os outros lados também. Preciso de trazer estes tipos para cá, e depois copiarei este para a esquerda. Aqui está o primeiro vislumbre de nossos padrões de primeiro plano. A primeira coisa que farei agora é consertar o caule aqui. Outra coisa que podemos fazer agora é ver se há alguns motivos que não são distribuídos uniformemente ou não parece ótimo, mas eu acho que o meu parece muito bom. Este é o meu motivo original e este é o que vou repetir mais tarde. Agora eu vou ampliar e eu estou realmente indo para bloquear meu fundo quadrado. Agora eu vou ampliar aqui e eu vou desagrupar meu motivo original, e então eu também vou desagrupar este. Agora eu só posso selecionar os contornos vermelhos aqui, e também o topo preto da flor. Agora eu tenho essas peças sobrepostas e eu vou usar esta ferramenta Construtor de Formas aqui para cortar estas fora. Vou clicar aqui apenas no caule vermelho, e depois ali. Em seguida, estou pressionando V para minha ferramenta Seta Negra, clique em outro lugar para Desmarcar. Agora eu posso selecionar meus contornos vermelhos novamente e clicar duas vezes para entrar no modo de isolamento. Agora posso apagar esses pedacinhos. Agora eu tenho este pixel realmente limpo, cortado exatamente onde o motivo superior e o motivo inferior toca. Na verdade, foi isso. Não preciso disso agora, e não agora. Preciso ainda de ter esta flor aqui para manter esta forma fechada. Clique duas vezes para entrar no modo de isolamento e, em seguida, eu vou excluir todos eles. Vou agrupar isto por precaução. Agora, os motivos de primeiro plano e de fundo estão prontos para colorir. Mas primeiro precisamos ir e dar uma olhada em como os designers de artes e artesanato trabalharam com cores, e o que constituirá um esquema de cores inspirado em artes e ofícios. Vejo-te na próxima lição para isso. 29. Características: esquemas de cores: [ MÚSICA] William Morris e os designers de Arts and Crafts foram brilhantes em criar esquemas de cores bonitos e harmoniosos. Nesta lição, vamos dar uma olhada mais de perto nesta característica importante. Em primeiro lugar, vamos responder a questão de quantas cores usar. Alguns dos padrões de Artes e Ofícios tinham apenas uma cor em dois ou três tons, os chamados padrões monocromáticos, mas a maioria dos desenhos tinha várias cores. Agora vou mostrar-te uma coisa muito fixe. Este é um desenho de design para a coroa de flores de William Morris. Neste artigo, ele tem explorado e documentado o esquema de cores para este desenho, com notas à esquerda do desenho onde ele escreveu as cores utilizadas e os diferentes elementos motivos. Vamos dar uma olhada no que ele fez aqui. Isto é o que as notas dizem. Ele começa com algo que ele chama de primeiro acanto, afirmando as cores usadas para ele. Verde amarelo, que é dado o número 1, depois sombra com o número de cor 2, depois o contorno da veia como número 3, e então algo que ele chama de mancha de veia como número 4, que é o enchimento da veia. Adoro esse termo “mancha”, então vamos usar isso também. Então temos um segundo acanto, com uma cor que ele chama de verde azul, cor número 5, então a sombra é a cor número 6, o contorno da veia é a cor número 3 novamente, então a mesma cor que os contornos da veia no primeiro Acanthus. Então a mancha da veia é a cor número 5, verde azul que ele usou antes. Então ele observa as pequenas folhas e caules, onde a cor da mancha é o número 7, e as veias são a cor número 3, então o mesmo novamente que nas folhas de acanto. O fundo e os contornos das flores recebem a mesma cor, número 8. Então ele continua com as flores, onde temos a flor branca e a mancha branca com número de cor 17. Então aqui está um salto em números. Podemos adivinhar que ele abordou essa cor em um passo posterior, talvez. O cinza escuro na flor branca, que são as linhas nas pétalas, recebe o número 9, e o cinza claro é o número 10. As flores cor-de-rosa têm três tons de rosa, número 11, 12 e 13. As flores azuis também têm três tons de azul, número 14, 15 e 16. Depois há algo que ele chamou de chefes das flores, que eu acredito ser o centro das flores. Aqui, os chefes das flores rosa têm um fundo branco, que é dado o número 17, o mesmo que a mancha das flores brancas. O fundo central da flor azul é um número verde 9, então o mesmo que na primeira folha de acanto. Depois há algo que ele chama de impressão de chefes, que são aqueles pequenos quadrados do centro, e eles recebem o número de cor 18. Então, ao todo, este design tem 18 cores, incluindo o fundo. Este design também mostra uma característica muito comum nos padrões de Artes e Ofícios quando se trata de coloração, que é que os contornos muitas vezes são os mesmos que o fundo. Dessa forma, eles se fundem bem e dão ao design um visual sofisticado, onde parece que os motivos nem sequer têm um contorno realmente. Com um contorno colorido diferente, o design terá uma expressão mais distinta, e talvez esboçada, mas também um pouco mais confusa. Este design tem muitas cores diferentes, 18. Isso é típico para padrões de artes e ofícios, eu me pergunto? Vamos dar uma olhada em alguns dos padrões mais icônicos e ver quantas cores eles têm. Primeiro vamos começar com o padrão Acanthus de William Morris. Eu tentei puxar as cores diferentes a partir disso, mas há um risco de eu não ter conseguido identificar todas elas porque depende um pouco da qualidade da imagem. Neste, encontrei pelo menos 12 cores, mas poderia ser mais. Este é o Strawberry Thief, também de William Morris. Comparado com Acanthus, este tem cores mais vivas, e parece ter mais cores, eu acho. Mas neste, só consegui encontrar 10 cores. Este padrão de John Henry Dearle chamado Golden Lily também parece ter muitas cores, mas eu só encontrei nove. O mesmo vale para Leicester também por Dearle e Blackthorn e Pimpernel por William Morris, que parece ser um padrão muito dinâmico. Só consegui identificar oito cores. Agora que é um ótimo esquema de cores, eu diria. O mesmo acontece com Bird e Romã. Este chamado Seaweed de Dearle tem sete cores do que eu encontrei. Willow, que retrata apenas uma planta, tem seis cores, incluindo o fundo. E quanto a Fruit? Este deve ter muitas cores diferentes. Tem pelo menos 11 cores, provavelmente uma ou duas mais. A conclusão é que um padrão de Artes e Ofícios com várias cores geralmente variam entre 6 e 18 cores. A maioria dos esquemas de cores tem alguns tons claros e alguns tons escuros e, em seguida, vários tons médios ou cores diferentes em uso. O fundo geralmente tem uma cor escura, mas muitos dos padrões vieram de várias maneiras de cores. Isso, é claro, varia de acordo com fundos brancos ou cremes, e alguns até mesmo com um fundo de tom médio, embora isso pareça um pouco mais raro. Uma vez que os padrões de Artes e Ofícios sempre retratam a natureza e diferentes tipos de plantas, há , é claro, muitos verdes, de um cinza verde fresco , verdes azuis, verdes amarelos. Outra cor muito típica é o índigo em diferentes tons e tons. Em muitos dos padrões, você vai encontrar um respingo de uma cor vívida, e isso adiciona um ingrediente contrastante atraente que torna o padrão interessante e emocionante e fazer alguns dos motivos pop, mas nunca de uma forma que leva muita atenção ou assume o padrão. Encontrar as combinações de cores certas para um design é provavelmente a parte mais difícil do processo. O único conselho aqui é praticar e tentar muitas combinações diferentes. Em seguida, vamos criar uma paleta de cores para nossos padrões. [ MUSIC] 30. Criando seu esquema de cores: É hora de criar um esquema de cores e polit para o seu padrão. Pegue seu padrão, repita o desenho, e vamos fazer algumas anotações da mesma forma que William Morris fez para o projeto do Reef. Para primeiro descobrir quantas cores precisam e também fazer algumas sugestões para as cores que você deseja usar para os diferentes motivos e seus elementos. Para isso, você pode usar a pasta de trabalho novamente e encontrar a página com a lista de esquemas de cores. Comece com a cor de fundo. Meu conselho é começar com um fundo escuro ou claro. Um fundo de tom médio é algo que você pode brincar por uma segunda ou terceira cor de distância. Um fundo claro geralmente é mais ou menos algum tipo de esbranquiçado, cor creme ou tom realmente claro de amarelo, rosa ou azul. Para um fundo escuro, você pode, por exemplo, escolher uma cor azul escuro, cinza, verde, marrom ou por que não uma cor vermelha escura? Para o meu padrão, estou escolhendo um verde escuro, que será a cor número 1. Agora vamos decidir sobre a cor do contorno. Para um fundo claro, você pode escolher o mesmo que o fundo, ou melhor, um contorno escuro, assim como no padrão de frutas. Para um padrão com um fundo escuro, os contornos também podem ser os mesmos que o plano de fundo, mas você também pode experimentar com um tom ainda mais escuro. Eu vou usar a mesma cor que o meu fundo para cor Número 1 novamente, em seguida, para os motivos. Se você tiver um padrão com duas camadas, comece com a camada frontal. Para folhas, escolha uma cor de base e talvez uma cor de sombra, e depois uma cor para a veia. Dependendo da veia, você escolhe uma cor para contornos de uma veia e uma para a mancha da veia. Das minhas folhas, eu vou ter este verde amarelo para a minha base e um cinza verde como uma sombra. Os contornos da veia e os nervos têm um verde ligeiramente mais brilhante do que os contornos gerais. Para a mancha da veia e os ramos, usarei um verde cinza claro e, em seguida, atribuo um novo número de cor para cada nova cor que adiciono ao meu esquema. Para minhas folhas pequenas, usarei o mesmo verde amarelo para a cor base e o mesmo verde para os nervos como nas folhas grandes. Para suas flores, você pode escolher usar uma cor em dois ou três tons. Por exemplo, para a sombra de base das minhas flores, vou usar este vermelho claro e então eu tenho um tom mais escuro de vermelho como a cor da sombra. Então eu tenho um vermelho ainda mais escuro para minhas linhas texturais. Quando terminar com a camada de primeiro plano, faça a mesma coisa com os motivos da camada de fundo. Meus motivos da camada de fundo só precisam de duas cores. Um para os pequenos galhos encaracolados e para aqueles, estou usando a mesma cor que para a mancha da veia e ramos. Para as pequenas flores de tulipa, estou usando uma cor creme. Lembre-se de que você pode reutilizar cores e tons e usá-los em diferentes motivos. Uma cor usada para uma sombra na folha pode ser reutilizada para o centro de uma flor e assim por diante. Isso ajudará você a manter o número de cores baixo. Por exemplo, meu número total de cores é nove, incluindo a cor de fundo, e isso pode ser demais, então eu posso ter que reduzir isso. Para fazer isso, eu poderia, por exemplo, usar a mesma cor para os contornos da veia e deixar nervos como para os contornos gerais. Eu também poderia reutilizar uma cor para as pequenas flores na camada de fundo. Agora, vá em frente e faça o mesmo esquema de cores planejando para descobrir quais cores você precisa e quantas. próximo passo é ir e encontrá-los. Aqui você pode fazer uso das fotografias que você tirou ou das imagens inspiradoras que você coletou. Outra coisa que você pode fazer é misturar suas próprias cores usando guash ou aquarela e fazer algumas amostras em um papel que você pode digitalizar uma importação no ilustrador. Agora vá para o seu painel de inspiração e crie tantos quadrados quanto o número de cores que você definiu com a ferramenta de retângulo e, em seguida, duplique-os. É sempre bom ter algum extra para brincar e comparar o uso e as sombras. Agora, você pode selecionar um quadrado de cada vez. Com a ferramenta conta-gotas, encontre cores e tensas nas fotos e imagens que podem funcionar para seus motivos. Você pode ajustar as cores clicando duas vezes na amostra aqui e esta janela de configuração aparecerá e onde você pode ajustar as cores um pouco se quiser, você pode torná-la mais silenciada ou mais clara e vívida ou mais brilhante e escura. Você também pode encontrar e escolher cores aqui no painel de amostras. Jogue com suas cores até criar uma paleta de cores para começar pelo menos. Ele não precisa ser perfeito ainda e você provavelmente mudará e ajustará várias vezes antes de terminar. Salve suas cores selecionando-as todas e, em seguida, clique na pequena pasta aqui. Isso salvará suas cores em um grupo de cores aqui no painel de amostras. Quando estiver pronto, vamos para a próxima lição onde começaremos a colorir nossos padrões. 31. Adicione cor ao seu design no Illustrator: Nesta lição, vamos adicionar cor aos nossos padrões e motivos. Vamos começar trazendo nossas paletas de cores para este documento. Para isso, precisamos voltar ao quadro de inspiração e salvar esse grupo de cores como global para que possamos acessá-lo e usá-lo em outros documentos também. Trabalhei um pouco mais em minhas cores e criei um grupo de cores adicional que eu quero usar. Primeiro, eu vou remover essas cores padrão ilustradas, então eu vou clicar neste vermelho aqui e, em seguida, pressionar “Shift” e neste último aqui para selecioná-los todos e, em seguida, puxá-los para baixo para esta pequena lata de lixo, e agora eu vou salvar essas duas cores como globais clicando neste ícone aqui e, em seguida, salve a Biblioteca de Amostras como ASE, e eu darei o nome de flores à direita. Agora, quando eu voltar para o meu outro documento, eu posso clicar neste ícone ir para Abrir Biblioteca de Amostras definido pelo usuário, e aqui eu posso selecionar meu grupo de cores Flores à direita, e clicar nas pastas aqui que aparecerão neste pop-up e, agora eles estarão acessíveis no meu painel de amostras. Vou manter essas cores padrão porque em breve teremos uso para elas, e eu vou manter este fundo cinza claro também por enquanto, e também mantê-lo bloqueado, e agora eu vou começar com meus motivos de camada de primeiro plano. Primeiro, eu preciso organizá-los um pouco e também dar cada grupo de formas dentro desta uma cor única. Porque em breve vamos usar a ferramenta balde de tinta para preencher essas formas com cores. Mas quando você usa essa ferramenta, você tem que expandir tudo depois, e então ele será agrupado de uma nova maneira. fim de organizar facilmente os contornos novamente, podemos dar-lhes essas cores únicas para que seja fácil reagrupá-los usando a ferramenta varinha mágica. Mas vou mostrar-lhe as cordas enquanto avançarmos. Vou desagrupar tudo primeiro, só para ter uma ficha limpa. Vou selecionar todos os contornos das flores e agrupá-los e dar-lhes esta cor laranja. Em seguida, o sombreamento da flor delineia e eles podem manter esta cor vermelha, e todos os contornos das folhas, que vamos obter esta cor azul, e então o caule e os contornos da veia, e eles vão ter esta cor verde. Outra coisa que eu quero fazer é criar uma borda aqui e aqui, onde as hastes e as flores se encontram para que eu possa criar formas fechadas para preencher estas com cores separadas. Vou pegar a ferramenta de pincel de bolha e dar-lhe uma cor amarela, e então eu vou desenhar uma linha entre os contornos do caule como este, e agora eu quero cortar as extremidades sobrepostas desta forma para fazer uma forma limpa. Vou selecionar a forma amarela e os contornos do caule, e com a ferramenta construtor de formas. Eu clico e a parte do meio aqui, desmarque, e agora você pode excluir essas duas partes finais, e então eu vou fazer o mesmo na outra haste, e enquanto estamos nisso, por que não limpar todos os contornos sobrepostos com a ferramenta construtor de formas para fazer uma forma limpa em todos os lugares. Agora podemos começar a preencher essas formas com cores. Vou selecionar tudo e selecionar a ferramenta balde de tinta, e vou começar com minhas folhas. Vou selecionar este verde-amarelo aqui e mexer para preencher todas as formas vazias em minhas folhas, e ter certeza que eu tenho todas as formas separadas, então eu vou continuar com as veias e caules, e agora graças ao contorno extra de flores aqui no fundo, e também as fronteiras extras aqui em cima nas flores. Tenho uma forma fechada que posso preencher. Agora, vou continuar com as flores, e agora, quando tudo estiver preenchido, tenho que expandi-las. Vá para “Objeto” e expanda, e agora todos os objetos que selecionei e as novas formas que criei com a ferramenta bucket são agrupados duas vezes. Vou desagrupá-los, e desde que tudo o que eu quero em grupos de cores separados têm cores dedicadas. Agora, eu posso usar a ferramenta varinha mágica aparecer, para selecionar tudo com a mesma cor e agrupá-los novamente. Em seguida, eu quero adicionar um pouco de sombra às minhas folhas, e para isso, eu quero fazer metade dessas folhas grandes em um verde-cinza escuro, e então eu vou dividir as folhas grandes em duas metades. Vou ampliar, e com uma ferramenta de pincel de bolha, desenho outra borda amarela da ponta deste nervo até o ápice da folha. Em seguida, removerei as peças sobrepostas selecionando os contornos da veia e folha e a forma da borda e cortá-la com uma ferramenta construtora de formas novamente, e então eu vou excluir esses pedaços. Agora, eu vou selecionar a forma da borda novamente e, esta base amarelo-verde, e selecionar a ferramenta de suporte de forma, e então, eu vou escolher este cinza-verde aqui da minha paleta de cores e desenhar sobre a base, e a borda, para ambos uni-los e dar-lhes uma nova cor ao mesmo tempo, e então eu vou fazer o mesmo com minhas outras folhas de ampliar. Outra coisa que eu preciso para cuidar das formas de borda que eu fiz entre as hastes e as flores. Vou selecionar as formas amarelas e o caule e onde a ferramenta construtor de formas, eu vou fundi-los juntos. A próxima coisa que farei é dar sombra às minhas pétalas, e para isso, usarei a ferramenta de pincel de bolha para pintar nessas sombras. Vou selecionar este vermelho médio aqui em baixo, e agora vou pintar os contornos para as minhas formas de sombra. Então eu vou selecionar todos esses contornos, e com uma ferramenta de construtor de formas, eu vou preenchê-los desenhando com meu cursor através de todos eles assim, e agora eu vou agrupar essas formas de sombra também. Mas agora não consigo ver meus contornos de sombreamento de flores. Vou selecionar a cor de base rosa e a cor de sombra e ir para “Objetos” e enviar para trás até que eles apareçam novamente. Agora vou dar minhas formas de contorno, as cores finais. O verde escuro para os contornos de folhas e flores e este outro verde para os contornos de caule e veia, e por último, o vermelho escuro para as linhas de sombreamento de flores. Mas agora, quando eu olho para isso, eu acho que realmente ficaria realmente ótimo se os contornos das flores também têm aquele vermelho escuro, e eu também quero que todos os contornos para estar em cima das outras formas. Vou selecionar todos os grupos periféricos e levá-los para a frente. Estes foram os motivos da camada de primeiro plano, e agora eu vou dar aos meus motivos de camada de fundo algumas cores, bem como, usando as mesmas técnicas e ferramentas, e eu vou deixar você me assistir enquanto eu trabalho. Em seguida, é hora de transformar tudo isso em uma amostra de padrões digitais e ver como nossos designs acabaram. 32. Criando o padrão final: Nesta lição, finalmente chegou a hora de juntar tudo e criar a repetição final no Illustrator e ver como nossos padrões acabam. Nós realmente fizemos um monte de preparações com nossos motivos padrão já e até mesmo criou o quadrado de fundo que também será a caixa delimitadora padrão. Mas há mais algumas etapas de edição que precisaremos fazer nesta lição também. Mas primeiro, tome notas dessas medidas do seu plano de fundo quadrado ou retângulo porque você vai ter uso para elas agora. Estou começando com desbloquear meu quadrado e colocando meus motivos em primeiro plano em cima dele em algum lugar aqui no canto superior esquerdo. Como agora vamos criar uma repetição direta com os motivos repetidos em linha reta horizontal e reta verticalmente, eu vou fazer cópias para todos os lados deste quadrado. Com ela selecionada, vou clicar , escolher Transformar e mover , e agora essa janela Configurações aparece, e aqui, agora posso mover e fazer uma cópia dos meus motivos exatamente para o pixel, que é necessário para criar um Repita. Começarei fazendo uma cópia diretamente para baixo. No meu caso, isso é zero horizontalmente e 737 pixels para baixo verticalmente. Se eu quiser movê-lo para cima, eu teria que torná-lo negativo e digitar um menos antes desses números e pressionar Copiar. Eu cobri este lado esquerdo da praça, e agora eu posso selecioná-los e copiá-los aqui para o outro lado também. Com ambos selecionados, vou clicar com o botão direito do mouse novamente, transformar , mover, e agora eu quero movê-los horizontalmente para a direita. Aqui vou inserir 737 pixels. Mas se eu quisesse movê-los para a esquerda, eu teria que inserir um sinal de menos antes, e zero verticalmente e pressionar Copiar. Agora eu tenho minha repetição em primeiro plano pronto. Vou pegar uma das minhas camadas de fundo, e vou começar com esta e ver se consigo encontrar um lugar para ela. Por aqui, assim, eu acho. Eu vou copiar e repeti-los como com a camada de primeiro plano para que eu possa ver como ele parece alinhado ao lado do outro. Eu posso ver que eu tenho alguns espaços vazios aqui e ali e também que eu preciso editar alguns dos meus motivos um pouco mais para fazê-los se encaixar bem com uma camada de primeiro plano motivos. Vou começar aqui para preencher este espaço vazio. Vou clicar duas vezes para entrar no modo de isolamento. Agora, eu gostaria de me mover em torno desses pequenos caules, folhas, e flores, mas eles estão todos agrupados de acordo com o tipo de objeto. Todas as folhas são agrupadas e todos os nervos das folhas e assim por diante. Agora, eu preciso desagrupar tudo e fazer novos grupos com motivos completos. Agora que eu tenho tudo agrupado corretamente, eu posso entrar e mover os motivos para encaixá-los entre os motivos de primeiro plano e criar uma distribuição melhor e mais uniforme, se necessário. Eu também posso manipular e ajustar alguns motivos se eles não funcionam como eles são. Por exemplo, posso cortar algumas folhas com a ferramenta borracha e movê-la e girá-la para caber melhor. Então eu o conecto ao caule novamente desenhando com uma ferramenta de pincel de blob. Para preencher este grande espaço vazio aqui, vamos pegar outro motivo emprestado daqui de cima. Vou copiá-lo aqui e reorganizá-lo um pouco. Acho que vou ver como isto se parece agora. Eu acho que parece melhor, mas eu acho que eu preciso trabalhar nisso mais para baixo em toda a repetição aqui. Vou excluir esses outros fundos e copiar esta versão editada abaixo para ter certeza de que eu tenho todas as edições quando eu fizer ajustes aqui também. Vou clicar duas vezes no Modo de isolamento novamente e continuarei a fazer o mesmo tipo de ajustes. Vou mover e copiar alguns motivos para reutilizá-los, e mover alguns, e mover alguns, excluir partes e adicionar outros usando a ferramenta Pincel de blob. Às vezes, quando você move um motivo, ele acaba atrás de outro motivo. Para corrigir isso, você pode selecionar ambos os motivos e ir para o painel Camadas e encontrar os motivos na lista. Como eles são selecionados, eles têm pequenos quadrados azuis à direita deles na lista. Aqui, eu posso encontrar essa pequena flor e clicar em sua linha e, em seguida, arrastá-la e colocá-la acima do motivo da folha, e isso trará a flor na frente da folha. Você também pode desenhar um novo objeto se você não encontrar nenhum outro para reutilizar. Vou fazer mais alguns ajustes e preencher os espaços restantes e fazer algumas correções aqui e ali, e volto em um segundo. Agora, vou clicar duas vezes para sair do modo de isolamento, e quero fazer cópias dos motivos da minha camada de fundo para todos os lados, assim como fiz com motivos de primeiro plano. Agora, é hora de testar meu padrão para ver como funciona. Para criar uma amostra de padrão, seleciono meu plano de fundo quadrado, pressiono Comando C para fazer uma cópia e, em seguida, Comando B para colá-lo atrás. Com ele ainda selecionado, eu vou até aqui ao meu Painel de Amostras e não dar preenchimento a essa cópia, e certificar-me de que ela também não tem um traço. Vou selecionar tudo e puxá-lo para o meu Painel de Amostras assim até que eu possa ver uma pequena linha azul, e então eu posso soltá-la. Agora, vou desenhar um retângulo grande em algum lugar minha tela e depois preenchê-lo com meu padrão e voilá. Aqui está o primeiro olhar para o meu padrão de artes e artesanato. Acho que acabou muito bom. Mas há mais uma coisa legal que eu gostaria de mostrar a vocês sobre isso antes de experimentar meus outros motivos de fundo. Em alguns lugares, seria muito bom se os ramos de fundo cruzassem os grandes caules de flores, como aqui, aqui, aqui e aqui. A maneira mais fácil de fazer isso é simplesmente apagar a parte da haste grande que está na frente. Eu tenho que selecionar este motivo da camada frontal aqui e entrar com a ferramenta de borracha e remover essas partes. Mas antes de fazer isso, quero fazer uma cópia de toda essa repetição e colocá-la aqui já que eu quero esses motivos de primeiro plano para o meu outro passado, e então eu os quero intocados. Vou pegar minha ferramenta de borracha e começar. Vou me certificar de apagar alguma margem como se o pequeno caule também tivesse um contorno. Isso o torna mais distinto, e como os ramos de fundo e a mancha do caule são as mesmas cores, eles simplesmente se fundirão de outra forma. Vou apagar esses motivos frontais e copiar o editado e agora vamos ver como isso se parece. Vou arrastar isto até aqui para fazer uma nova amostra de padrões e, em seguida, preencher o meu retângulo com o novo padrão. Eu realmente gosto disso. Agora, vou experimentar o meu outro fundo e criar um padrão com isso também. Isso acabou muito bonito também. Mas com um olhar e expressão completamente diferentes do primeiro. Qual deles você gosta mais? O meu favorito é este, e acho que foram aqueles ramos entrelaçados que fizeram isso. Na próxima lição, mostrarei como recolorir esse tipo de padrão de forma eficaz. 33. Recolorindo seu padrão: Nesta lição, mostrarei como fazer as últimas edições em suas cores padrão. A primeira coisa que vamos fazer é verificar as cores no padrão. Vou usar este, o meu favorito. Então o que eu quero fazer agora é ver exatamente quais cores e quantas eu acabei com. Uma maneira fácil de fazer isso é selecionar toda a estrutura de repetição. Em seguida, aqui no painel de amostras, clique nesta pequena pasta para criar um grupo de cores com todos esses motivos e objetos no padrão. Agora posso ver as cores que usei e também contá-las. Então acabei usando 12 cores. Isso é um pouco mais do que eu tinha no meu plano. Então, se eu gostaria de diminuir os números, por exemplo, eu poderia tirar este marrom aqui que eu alguma forma usei para os pequenos pontos neste pequeno centro de flores. Eu também posso mudar o meu segundo verde escuro que eu usei para os contornos das folhas e também os nervos das folhas pequenas, e usar o mesmo verde escuro como o fundo meu número verde um, lembra? Então, para fazer isso eu vou selecionar o meu retângulo padrão aqui e clicar na ferramenta recoloring aqui em cima. Esta é uma ferramenta muito útil no Illustrator. É bastante sofisticado com um monte de recursos e leva tempo para se familiarizar com todos eles. Aqui tenho todas as cores do meu padrão. Este é aquele marrom e aqui está o segundo verde escuro. Vou trocá-los para o meu número um verde, que é este. Agora vou puxar este verde daqui para esta pequena amostra marrom à direita. Então eu faço o mesmo com o segundo verde. Agora tudo no padrão que era marrom e esse verde agora mudou para o meu verde número um. Vou clicar em OK e agora ele salvou uma nova versão do meu padrão no meu painel de amostras. Agora eu posso verificar meus números novamente puxando meu padrão de repetição da amostra como este, e depois salvá-lo como um novo grupo de cores. Como você pode ver este novo grupo tem menos cores do que o anterior, então eu consegui. Então, e se eu quiser mudar a cor de vamos dizer todos os pequenos ramos de fundo e folhas, sem alterar a cor do grande selo Lacz também porque eles têm a mesma cor. Então agora eu não posso recolorir o padrão, mas se eu for para a minha estrutura de padrões que eu acabei de retirar e agora ele está agrupado, então eu vou apenas desagrupá-lo. Então eu posso clicar duas vezes sobre este motivo de fundo aqui para entrar em modo de isolamento. Agora eu desenho um retângulo e preencho com uma cor que eu gostaria de mudar esses motivos de folha e ramo. Vou experimentar esta nova cor verde que eu nunca usei antes. Agora eu seleciono tudo, clique na ferramenta de recor, e agora todas as cores desses motivos e o novo verde estão listados aqui. Agora posso trocar de lugar para esta luz cinza-verde em meus ramos e folhas e o novo verde. Aqui eu posso ver como ele fica e se eu quiser mantê-lo, eu clique em ok. Isso não cria um novo padrão, já que não era o padrão que eu estava recolhendo. Então o que eu tenho que fazer agora é copiar este grupo de motivos editado novamente, e criar uma nova amostra. Aqui está como isso acabou com a nova cor verde. A coisa boa agora é que, uma vez que os ramos de fundo e folhas agora têm uma cor única que não existe em nenhum outro lugar no padrão, eu posso entrar e recolorir o padrão em vez disso, se eu quisesse tentar novas cores para esses ramos e folhas. É claro que você também pode usar a ferramenta de recor para experimentar novas combinações de cores da sua paleta usando este recurso aqui, que irá embaralhar suas cores ao redor. Neste tipo de padrão complexo, embora geralmente não vai funcionar tão bem e obter alternativas loucas que não parecem muito boas. Às vezes, ele pode lhe dar uma idéia para uma nova cor, para um motivo, ou o fundo, por exemplo. Uma última dica é criar uma nova paleta de cores e salvá-la como um novo grupo de cores no painel de amostras, como fiz aqui. Importante, porém, é manter a mesma quantidade de cores que você tem em sua paleta de cores existente e grupo aqui. Então, com o meu retângulo de padrão aqui selecionado eu vou clicar na ferramenta de recor novamente, e aqui nesta lista à direita, eu posso clicar no meu grupo de cores agora alternativo, e ele aparece aqui e também tem recolored o padrão com ele. Agora eu posso arrastar e trocar isso para encontrar as posições que eu quero. Quando eu estiver satisfeito, eu posso clicar ok e ele salvou uma nova amostra de padrões para mim com a nova paleta de cores. Então, estas são algumas dicas para ajustar suas cores padrão em seu novo padrão de artes e artesanato. Agora, vá para a próxima lição onde eu tenho algumas palavras finais para você. 34. Próxima etapa e consideração final: Estamos chegando ao final deste curso e espero que você tenha gostado e aprendido muito. Se você gostaria de ter ainda mais orientação no processo de projetar seu próprio padrão de artes e ofícios à direita, criei um workshop de e-mail de três semanas como um companheiro, e extensão para este curso. Durante essas três semanas, você receberá 10 e-mails, cada um com passos incentiváveis e recursos extras que ajudarão você a avançar em seu processo de design de fazer seu padrão. Se você quiser participar do workshop, você encontrará um link para onde se inscrever na seção de caixa deste curso e também na minha página de perfil aqui no Skillshare, e no meu site, é claro. Você pode participar a qualquer momento e ir no seu próprio ritmo. Quando você se inscrever, você também receberá uma versão estendida do Trailing Arts and Crafts Workbook que você precisará e terá uso no workshop. Antes de deixá-los, quero encorajá-los a criar um projeto estudantil na seção de recursos e projetos deste curso e compartilhar comigo e com seus colegas sobre o padrão de artes e ofícios que você cria com a ajuda do que você aprendeu neste curso. Na seção do projeto, listei sugestões para o que você pode incluir em seu projeto. Lá você também encontrará a pasta de trabalho que criei para este curso. Outra coisa, no final de cada ano, eu seleciono um aluno entre os que concluíram um projeto de classe em qualquer um dos meus cursos durante o ano, e quem receberá minha bolsa de estudos Skillshare. Este é um ano gratuito da assinatura premium de compartilhamento de habilidades. Se você quiser se conectar comigo fora do Skillshare, você pode se juntar ao meu grupo do Facebook chamado Pattern Design com Barbel Dressler ou você pode se inscrever para minha newsletter e também me seguir no Instagram @bearbellproductions. Você encontrará mais informações sobre como aplicá-lo à bolsa de estudos e todos os meus links na minha página de perfil e também na seção de caixa deste curso. Um lembrete, se você não conseguir o suficiente de exercícios de desenho, você vai encontrar esses exercícios de bônus logo após este vídeo. Estes vídeos são tutoriais que eu compartilhei com minha lista de discussão como um bônus de preparação antes deste curso ser publicado. A próxima parte desta série sobre a criação de padrões de artes e artesanato é sobre Como criar padrões de serpentina. Fique de olho nesse também. Tudo bem, isso é tudo por esta vez. Estou ansioso para ver o que você ganha. 35. Exercício de desenho bônus: a rosa de Tudor: Há, é claro, muitos tipos diferentes de rosas que poderíamos desenhar. Mas era a rosa selvagem ou a rosa Tudor que era a rainha de todas as rosas nos padrões de artes e ofícios. Tal como acontece com a maioria dos motivos de artes e ofícios, estes dois foram principalmente de uma forma bastante simplificada e plana. Vamos começar com esta, uma versão clássica da rosa Tudor. Tem estes conjuntos duplos de pétalas, com algumas folhas pequenas entre cada pétala. Como você pode ver, eles são altamente simétricos e muito estilizados. A chave para desenhá-los é ser muito metódico e desenhar todas as formas e linhas semelhantes em etapas. Deixe-me mostrar-lhe como você pode fazer isso. Primeiro vamos desenhar um círculo guia para a forma externa. Então vamos desenhar outro círculo dentro deste. Se você imaginar que aqui é o centro, então você pode fazer metade da distância do centro para a linha externa, em algum lugar aqui você colocará o segundo círculo, círculo central também. Em uma rosa de artes e ofícios, e no estilo medieval, há sempre cinco pétalas em cada conjunto de camadas, então precisamos dividir o círculo em cinco partes iguais, aproximadamente assim. Então também, vamos fazer algumas linhas de orientação extra para o círculo interno como esse. Agora é hora de começar a adicionar as formas às pétalas. Vamos começar com as pétalas internas. A primeira coisa que vamos adicionar são estes pequenos laços aqui ou junções entre as pequenas pétalas. Nós vamos fazer isso todo o caminho ao redor de uma vez. Só para ter certeza de que eles parecem simétricos, mais ou menos iguais. Em seguida, vamos desenhar os cantos das pétalas, os cantos arredondados aqui, e você faz a mesma coisa para cada pétala. Em seguida, vamos nos conectar a estes. Então nós vamos conectar as pequenas junções com os cantos também. Desenhando as mesmas linhas e formas de uma só vez, começamos com todas as junções, então fazemos os cantos de uma só vez e depois conectá-los. Desta forma, é muito mais fácil criar essa forma e linha simétrica. Próximo passo, vou adicionar estes pequenos turnovers estilizados a estas pétalas. Agora vamos fazer a mesma coisa. Vamos começar com uma curva ao longo desta linha guia aqui, e vamos fazer a mesma forma para cada pétala. Agora vamos fazer a curva ou curva oposta assim. Basta dar a volta para cada pétala e fazer o mesmo passo para cada um. Nós não vamos atraí-los de mão livre assim, porque quando você faz isso, não vai parecer o mesmo tanto. O próximo passo é criar essas pequenas folhas. Agora, como acontece com quase qualquer padrão clássico e seus elementos motivos, você usa essa linha S. Então você cria um contorno que está na forma de um S. Então, do outro lado, é apenas uma curva, uma curva simples. Você também poderia, é claro, apenas fazer uma coisa muito simétrica aqui, então isso depende de você. Mas você ainda pode fazer a linha S, mas fazê-lo de forma simétrica. O próximo passo é moldar as pétalas externas. Vamos começar como fizemos com as pétalas internas. Nós vamos criar esses cantos arredondados, e você dá a volta e faz isso para todas as pétalas. Em seguida, em vez de criar as pétalas que são curvas desta forma, apontando para a borda, estamos criando uma variação. Vamos fazer uma curva que está virada para o centro. Nós sempre queremos ter variação em nossos motivos, e então conectá-los, as curvas e os lados, e ao centro. Então vamos agora fazer essas pequenas folhas. Então podemos terminar com esses pequenos pistilos. Perdemos um detalhe, posso ver agora. É esta linha aqui que implica também um pouco de um volume de negócios ou pelo menos uma textura. Vamos fazer isso metodicamente novamente, fazer todas essas curvas, e depois adicionar as curvas laterais. Então essa é a versão. Então podemos tentar este, o que também nos dá variação de opções de como criar as pétalas. Vamos fazer isso da mesma forma metodicamente. Agora vamos começar a moldar essas pétalas. Vamos começar com as curvas destas pequenas pétalas. Então vamos apenas conectá-los ao círculo central. No próximo passo, agora vamos direto para as pétalas externas na verdade, e então vamos adicionar os detalhes mais tarde, e vamos fazer o mesmo que antes. Vamos fazer os cantos, os cantos arredondados de cada pétala. Como você pode ver, vamos agora fazer uma curva que está virada para fora do centro. Vamos usar o círculo da linha guia e adicionar esta pequena curva fora do círculo. Agora conecte todas essas pequenas curvas. Então vamos fazer alguns detalhes. Primeiro de tudo, vamos fazer essas pequenas folhas, e então vamos fazer alguma textura ou sombreamento também. Agora não vai ser tão visível com as minhas linhas de orientação no caminho. Mas eu vou fazê-los assim, acho que você vai vê-los. Então, para as pétalas maiores exteriores, vamos fazer três linhas como essa para criar alguma textura. Foram alguns exemplos de como se pode desenhar a rosa Tudor medieval estilizada. Agora é a sua vez. Vá em frente e tente desenhar isso, pratique-o algumas vezes. Também usou isso como inspiração para idéias de como você pode variar as pétalas e os centros e assim por diante. Então vá em frente e desenhe sua própria versão da rosa Tudor. 36. Exercício de desenho bônus: a rosa silvestre: Esta é mais uma representação de uma rosa selvagem. Basta desenhar o círculo guia e o centro. Agora vamos fazer mais algumas linhas de orientação para os pedais. Vamos fazer as bordas arredondadas. Então você pode variar as pétalas. Você pode fazê-los para que eles sejam um pouco planos ou eles podem ser arredondados. Eles podem ter uma curva extra como essa. Aqui pode ser mais livre e você não precisa ser tão metódico como se estivesse criando algo simétrico. Este tem um pouco mais de uma forma orgânica. Então a chave aqui são esses sombreamentos ou linhas texturais que lhes dão esse caráter e farsa, eu acho que sim. Você pode simplesmente ir em frente e adicionar um pouco disso e fazê-los destino vindo em direções diferentes e apenas torná-los variados. Então podemos fazer uma forma de S para este. Então aqui eu criei um duplo saindo. Você pode fazer isso. Então temos um que é um pouco ondulado. Quando as faço, gosto de fazer linhas de orientação também, caso contrário, às vezes são muito difíceis de realizar assim. Então temos uma longa. Então podemos fazer isso que é um pouco mais do que lóbulo. Eu vou ter um vindo aqui e o outro indo para lá. Temos estes três lóbulos e este está bem, é um pouco mais longo do que o primeiro. Então faríamos os pontos dentro deste centro. Vamos rever rapidamente este também. Vamos ver, eu vou precisar de mais espaço aqui, mas eu não vou ter que torná-lo tão grande. Aquele centro maior, vamos fazer os nossos pedaços de bolos. Agora, quando criamos essas pétalas pontiagudas, uma dica é começar do lado de fora e fazer a forma de S assim. Aqui você também pode ser um pouco mais metódico, embora o objetivo aqui não seja ser completamente simétrico. É mais fácil fazer formas bonitas se você fizer assim. Eu encontrei, pelo menos. Então você apenas sacudi-los, mais deles, e fazê-los se conectar com aquele círculo central. Para estes, nós também vamos adicionar alguns detalhes que estão implicando um pouco de uma viragem dos pedais, e estes são definitivamente muito finos. Então vamos fazer algumas pétalas, e esta vai ser dividida como uma língua de cobra. Estas pequenas rosas aqui, elas não têm muito detalhamento ou variações para elas quando se trata de textura e sombra, mas quando estamos criando padrões e incluindo estes, nós os coloriamos e nesse passo, nós adicionaríamos mais detalhes. Nós criaríamos linhas adicionais ou formas como esta. Esta pode ser uma cor branca e o resto do pedal seria em uma cor vermelha clara ou rosa. Em seguida, quero mostrar-lhe como desenhar variações desta rosa selvagem, e que é claro para desenhar os diferentes estágios da rosa de um broto muito novo para algo que começou a se desdobrar um pouco e então nós temos este que está pronto para estourar e florescer. Estes são, naturalmente, dois estilizados, uma forma muito medieval inspirada. A maneira de desenhar isso é primeiro acertar com um círculo como esse. É este aqui. Então aqui você adiciona esta coisinha aqui, e então apenas segue esta e cria uma curva agradável como esta. Em seguida, entre e crie alguns lóbulos. Então aqui, a chave é este pequeno ilhó aqui. Isso é muito característico para este tipo de rosa. Então temos outro lóbulo vindo aqui, e ele sobe assim, e não está tão longe quanto o lado esquerdo. Só para adicionar mais variação e temos o pequeno caule também. Aqui podemos adicionar um pouco de textura também. Não fiz isso por este, mas vai ser algo assim. Também o torna tão decorativo. O próximo que vamos fazer, o do meio. É muito fácil também, e vamos ver se podemos fazer uma variação que não é exatamente como esta. Em vez disso, vai cair assim, e depois temos estes pequenos ilhós aqui em baixo. Vamos começar com isso, e temos este centro. Agora, um pouco descolado. O último, vamos fazer isso também. Agora vou começar com a criação deste cálice. Então nós temos o centro, e aqui nós não temos que fazer os ilhós porque isso não é realmente adequado para as junções aqui. Vou fazer um pouco diferente. Então temos pétala que está emergindo, a do centro. Para estes, você pode adicionar alguma textura. Se você quiser, apenas para este exercício, você pode ir em frente e preenchê-los com um forro fino apenas para se divertir. Adoro preencher com forro fino e sei que gosta de me ver fazer isso. Talvez eu deva ir em frente e fazer isso. Vou fazer isso pelo menos por este amiguinho aqui. Nocauteiem-se e divirtam-se desenhando para rosas. 37. Exercício de desenho bônus: folhagem da rosa: Outros elementos da rosa são, naturalmente, os ramos e as folhas. Aqui você pode ver um exemplo de um conjunto. Vou mostrar-lhe agora como desenhá-los. Vou começar com o ramo mais grosso. Como você pode ver, é bastante simples, na verdade, em suas características. Tem espinhos grandes aqui e ali. Isso para mim é um estilo muito medieval. Então temos estes galhos cortados. Alguém está cuidando de seu jardim de rosas e aparando-os na primavera e, em seguida, emergindo deste. Na verdade, eu acho que só, finja que isso não está aqui, na montanha ali. Foi um erro que cometi. Tudo bem, mas emergindo deste ramo principal mais grosso, a espinha dorsal, é outro ramo que é mais fino e também se divide em alguma folhagem aqui. Esses galhos têm apenas pequenos espinhos, apenas pequenas marcas como essa. Eu realmente amo esse detalhe, na verdade. Então, a partir desses ramos mais finos, temos essas rosas, folhas de rosa características anexadas. Aqui e ali podemos enfiar algumas rosas e botões diferentes e assim por diante. Vou mostrar-te como desenhar isto. Vamos começar com esse galho grosso com espinhos grandes. Vamos fazer uma linha direcional. Eu queria ter um pouco irregular, então eu estou fazendo essa forma de S assim. Agora estou desenhando a espessura do galho. Pode ser até mesmo todo o caminho porque em um padrão de repetição, provavelmente teremos isso continuar ao longo das fronteiras da repetição. Eu acho que isso é bastante agradável e uniforme. Agora eu quero ter esses galhos cortados e eu acho que é melhor fazer aqueles nas curvas assim. Comece com uma junção curva como essa e depois outra suave como esta. A característica do fim aqui é como você faz isso em uma forma de gota como essa. Então vamos ter outro aqui. Não parece realista, é estilizado, mas é apenas, ele captura a essência de um corte de ramo, você não acha? Vamos continuar, então você faz essa curva e outra quase como um bico de pássaro. Eles são bastante exagerados, esses espinhos, grandes e você não quer ser picado por eles. Coloque-os aqui e ali nesta filial principal. Eu quero ter alguns ramos mais finos saindo deste principal. Eu acho que aqui é um ótimo lugar, então eu estou fazendo aquela junção arredondada. Quero que este seja um pouco perspicaz e apareça assim. Então vamos ter outro chegando assim e então talvez um pequeno saindo assim. Então, provavelmente, outro como este. Porque você quer distribuir os ramos mais finos e, em seguida, quando você anexar as folhas em uma superfície uniforme. Agora vamos dar mais corpo a isto. Aqui você pode decidir se você queria entrar atrás do ramo principal ou na frente. Acho que vou atravessar na frente. Quando você tem essas junções bifurcadas aqui, você faz a mesma coisa. Aquelas pequenas junções suaves. As folhas de rosa são anexadas aos ramos em pares. Bem, primeiro você começa com uma folha de topo. As folhas de rosa são bastante arredondadas em sua forma e com uma ponta pontiaguda. Claro que eles são espinhosos, mas nós vamos apenas colocá-los para fora agora e então nós vamos entrar com os detalhes. Então temos outra folha chegando assim. Agora eles são colocados em pares. Estes são bastante simples, eles não são vistos do lado muito. Então aqui você poderia fazê-los ligados para cima assim também, mas para criar alguma variação, o que posso fazer para fazê-los apontar para baixo? Coloque algumas folhas em pares como esse e outros ramos também. Claro, não se esqueça de colocar uma rosa ou um broto em diferentes estágios de florescimento aqui e ali também. Agora vamos fazer as bordas espinhosas. Não queremos que pareça realista, queremos que seja estilizado. Uma folha de rosa real tem muitos espinhos ou pontos. Você está no limite, mas nós não vamos fazer isso porque queremos simplificar e apenas capturar a essência de como uma folha de rosa se parece. Então vamos ter espinhos, mas apenas alguns. Esse é o truque. Vamos fazer quatro espinhos, talvez cinco. Agora temos as bordas espinhosas, outro detalhe que vamos adicionar são os nervos centrais. Eles são sempre mais ou menos dobrados ou curvos assim. Agora vamos fazer alguns detalhes extras. Dois ou três, como com os espinhos, não muitos. O que você pode fazer agora é adicionar mais algumas folhas, talvez mais alguns ramos, e algumas flores. Então, quando você estiver terminando, você pode adicionar alguns desses pequenos mini espinhos ao longo dessas bordas. Isso é algo que eu provavelmente faria quando eu preenchê-lo com meu fineliner preto ou a caneta escova que eu uso. Então foram os ramos de rosa e as folhas. Agora você pode usar essas técnicas e esses elementos e como desenhá-los e criar seu próprio conjunto e prática para criar motivos para um padrão de artes e artesanato rosa.