Aperfeiçoe seu piano: crie seus próprios arranjos musicais

1. Apresentação: Adoro tocar piano por causa das infinitas possibilidades de expressão e inspirar outras pessoas a tocar suas músicas favoritas e compor é algo pelo qual sou muito apaixonado. Olá, sou Alicia Fox, pianista, produtora e compositora. Eu toco piano há 18 anos e me apresentei internacionalmente e produzi com artistas como a fita McCrae, estudante Q em música, filho único. Se você estiver animado para aprender diferentes abordagens para tocar suas músicas favoritas na criação de arranjos. Essa aula é para você. Vamos ver maneiras de criar padrões avançados de acompanhamento que funcionarão para músicas pré-escritas ou ao escrever músicas originais. Também analisaremos a gravação e o lançamento músicas originais e diferentes abordagens para elas. Você precisará de um piano ou teclado e, Você precisará de um piano ou de preferência, de um pedal sustentado. Ao final desta aula, você poderá pegar uma simples progressão de acordes e transformá-la em um arranjo avançado com várias técnicas. Junte-se a mim enquanto aprendemos alguns fundamentos da criação de arranjos. 2. Primeiros passos: Muitos dos PNS e tecladistas mais procurados são aqueles que conseguem criar um arranjo eficaz a de uma simples progressão de acordes. Quando eu toco com artistas ao vivo, muitos deles procuraram que eu pegasse a versão gravada de sua música e transferisse para um arranjo de piano ou algo que funcionasse bem com uma banda ao vivo. mini-músicas têm progressões de acordes semelhantes ser capaz de transformá-las em adicionar sua própria voz é uma ótima maneira de se destacar como pianista praticando conceitos em várias músicas, fortalecemos nossa capacidade de abordar novos materiais, que são úteis para composições, trabalhos em estúdio e apresentações ao vivo. Nesta aula, exploraremos padrões de acompanhamento mais avançados, diferentes vozes para acordes estendidos, como a nona e a 11ª vozes. Como usar acordes alterados para criar tensão e como usar o deslocamento rítmico para criar entusiasmo ao criar um arranjo. Também discutiremos o lançamento de músicas originais em diferentes estratégias para fazer com que sua música seja ouvida por um público maior. Junte-se a mim enquanto mergulhamos em alguns conceitos avançados de arranjo. 3. Técnicas de prática: Nesta lição, examinaremos as técnicas práticas de diferentes maneiras nas quais você pode aplicar os conceitos para se tornar um pianista e compositor mais completo. Como grande parte dessa classe é baseada em conceitos, é importante aplicá-los todas as maneiras possíveis para que possamos nos tornar jogadores mais completos e ter mais opções ao abordar novas material para estabelecer uma rotina prática eficaz, é importante descobrir a que horas você se sente mais inspirado e qual é o melhor momento para sua criatividade. Pessoalmente, me sinto mais inspirado pela manhã. Por isso, desenvolvi uma rotina matinal na qual acordo, tomo uma xícara de café e leio o jornal antes de tocar piano por uma hora sem olhar para o celular ou introduzir distrações extras. Eu penso nisso quase como uma sessão de meditação ou diário na qual estou deixando as ideias fluírem e me sentindo confortável com o instrumento Esta rotina matinal é a base do meu dia e É importante para mim que eu comece dessa maneira. Você pode achar que se sente mais inspirado à noite e tudo bem também. É importante experimentar diferentes métodos de prática para ver o que funciona melhor para você. Como muitos pianos estão visualizando diferentes formas e acordes, eu gostaria de introduzir uma técnica prática para agrupar acordes pela forma como eles aparecem. Para isso, vamos mergulhar nos acordes do sétimo. Começaremos examinando os acordes principais do sétimo. C maior sete. sétimo maior é semelhante, pois ambos usam todas as teclas brancas. Dessa forma, podemos classificar ou agrupar esses acordes. Ré maior sétimo, Mi maior sétimo em um sétimo maior são semelhantes e todos começam com uma tecla branca, seguida por uma tecla preta, seguida por uma tecla branca, seguida por outra tecla preta. Em minha mente, eu visualizo esses acordes da mesma forma, porque o layout do piano tem a mesma aparência. No mesmo método, Ré menor sete, Mi menor sete e um sétimo menor, todos usam todas as teclas brancas. Enquanto Fá menor sete, G menor sete e C menor sétimo começam com uma tecla branca, seguida por uma tecla preta, seguida por uma tecla branca, seguida por outra tecla preta. É útil agrupar esses acordes para que possamos nos acostumar a visualizá-los e tê-los na ponta dos dedos mais rapidamente. Existem alguns acordes que são únicos em sua composição, como o sétimo dominante B, que é uma tecla branca seguida por duas teclas pretas seguidas por uma tecla branca. Portanto, é importante lembrar esses valores atípicos e se acostumar a reconhecê-los para que os cabos estejam na ponta dos dedos. E assim que vemos um símbolo de acorde, é quase como ver uma cor na qual não precisamos pensar, Ah, isso é verde ou vermelho, mas instantaneamente sabemos que é esse acorde. Então você quer praticar até um ponto em que isso se torne uma segunda natureza. Assim, você pode ler facilmente os gráficos principais vendo um acorde e fazendo com sua mão saiba instantaneamente o que tocar. Outra parte importante do desenvolvimento de seu próprio som no piano é sempre que você inventa algo de que goste É muito importante transpor para todas as 12 teclas para que você o tenha como opção para qualquer música ou assinatura chave. Mas primeiro, deixe-me explicar novamente o que é transposição. Se você se lembra, analisamos o Circle of Fifths, que mostra que há 12 chaves exclusivas. Você pode tocar qualquer frase ou melodia em todas essas teclas. E é importante se acostumar a transpor algo caso você esteja se apresentando com um cantor que está acostumado a cantar uma música em um tom diferente. Neste exemplo, examinarei uma frase curta e depois a transpôrei em todas as 12 teclas. Vou tocar uma 11ª voz menor, começando em Ré menor mover uma voz interna com terços. Então, digamos que eu estava jogando e descobri isso e, oh, eu gosto do jeito que soa. Então, em vez de apenas ter isso como uma opção em Ré menor, vou movê-lo por todas as teclas. Então, vou subir cada nó meio passo até Mi bemol menor. Agora estou jogando o mesmo relacionamento, mas está em uma nova chave. Vou continuar movendo-o até o piano. Então agora eu tenho em Mi menor, vá para Fá menor. Em seguida, vou movê-lo para Fá afiado, seguido por Sol menor, Lá bemol menor. Se isso for muito, tenha paciência comigo. A menor, Si bemol menor, Si menor, Dó menor, Dó nítido menor. E, finalmente, de volta ao Ré menor, onde começamos. Agora estou visualizando isso porque estou muito familiarizado com a escala cromática, que é todos os semitons. Então, cada vez que estou movendo o acorde para cima, estou movendo um semitom em uma direção. Dessa forma, se eu tiver agora esse conceito, que é um terceiro rolo em um acorde menor de nove. Então eu comecei em Ré menor, mas se há uma música e Fá menor, agora posso aplicá-la a qualquer música porque eu a aprendi em todos os tons. Então, digamos que eu estivesse abordando uma música que era Fá menor para Dó menor. Se você quiser, você pode improvisar sobre isso usando a escala C menor ou a escala de azul marinho, que é C, Mi bemol , F, F nítido, G, B bemol e C. Agora vou tentar demonstrar essa técnica sobre esses acordes, que é de Fá menor a Dó menor. Então, agora estou pegando um conceito simples e o transformando em uma música ou arranjo mais completo apenas movendo esse conceito pelas teclas. Muitas vezes, quando toco piano como parte da minha rotina matinal, estou simplesmente mudando um conceito para diferentes teclas como um exercício. Mas, ocasionalmente, eu vou gostar e querer transformá-lo em uma composição completa. Para finalizar, analisamos a importância de estabelecer uma rotina para praticar. E eu gostaria de enfatizar novamente que uma prática diária, mesmo por dez ou 15 minutos, produzirá melhores resultados do que praticar por 4 horas uma vez e depois deixá-la sozinha quando você está começando a tocar piano, pode ser opressor porque está introduzindo um mundo inteiro de conceitos. Dessa forma, aprender piano pode ser semelhante a aprender a andar de bicicleta, em que é uma curva de aprendizado um pouco íngreme. Mas quando você começa, você se lembra dessas habilidades para toda a vida. Concluindo, é essencial aplicar esses conceitos de todas as maneiras possíveis. Sempre que você inventa algo que ressoe com você para transpor para todas as 12 teclas, para que você possa efetivamente tê-lo como uma ferramenta à sua disposição. Na próxima lição, abordaremos alguns padrões de acompanhamento mais avançados que podem ajudar a fortalecer suas habilidades ao abordar uma nova progressão de acordes ou estrutura musical. 4. Padrões de acompanhamento: Agora que discutimos os hábitos de prática, vamos abordar alguns padrões de acompanhamento que podem ajudar a dar vida a uma simples progressão de acordes. Há muita liberdade e criatividade na criação de um padrão. Sempre que você criar um padrão de sua preferência, é importante aplicá-lo ao maior número possível de músicas ou progressões de acordes. Assim, você pode internalizar esse padrão e tê-lo à sua disposição ao abordar novas músicas. Para começar, gostaria de começar com um padrão intermediário sobre a progressão de acordes, C maior, Mi menor, menor e Fá maior. Para esse padrão, usaremos apenas tríades. Então, vamos primeiro tocar os acordes com a mão direita. Temos C maior, Mi menor, um menor e Fá maior. Para esse padrão, vou começar tocando as duas primeiras notas, a terceira e a quinta da tríade, e depois descendo para a primeira nota. Quando você estiver confortável com isso, podemos adicionar nossa mão esquerda jogando os nós raiz. Então, este é um exemplo de um padrão básico que então pode ser aplicado a qualquer progressão de acordes. Se alguém nos desse a progressão de acordes, Ré menor para Sol maior, poderíamos pegar o mesmo padrão e aplicá-lo lá , ou seja você pode criar seus próprios padrões ou encontrar padrões em canções populares ou música clássica. Outra ótima técnica para criar padrões de acompanhamento ou ferramentas de composição é usar um tom comum, também conhecido como tom de pedal. Nesse caso, criamos uma progressão de acordes que pode ter três ou quatro acordes, todos compartilhando um nó comum, que pedalamos no topo. Para este exemplo, vou usar o tom do pedal F, que permanecerá a nota máxima em todos esses acordes, mesmo que eles se movam por teclas diferentes, vou começar com um acorde, Sol menor. Então eu vou descer para Sol bemol maior sete, que está em uma tecla diferente, mas ainda usa f, seguido por Fá menor, e depois seguido por Mi bemol menor, que também usa f. Agora um pedal, esse tom, que une os cordões. Portanto, embora os acordes dessa progressão tenham vindo de várias teclas, o tom f ou pedal ajudou como uma cola para uni-los, dando ao ouvinte algo em que segurar. Agora, vou fazer uma nova progressão e ver maneiras de usar inversões para dar vida a ela. Essa nova progressão incluirá os acordes, um bemol maior sete, um bemol maior sete, Ré bemol sete, dó menor sétimo. Em um sétimo dominante, flat five. Vou tocar essa progressão agora e experimentar alguns padrões de acompanhamento diferentes usando inversões ou rearranjos do mesmo agrupamento de notas. Você pode notar que, ocasionalmente quando estou tocando um padrão, estou repetindo uma nota como fiz para o exercício de tom guia. Nesse caso, eu estava tocando em um acorde plano maior de sete e repetindo a nota G, porque isso funciona como um tom de pedal entre todas as quadras. Veja novamente enquanto eu pedalei G durante toda a progressão. Podemos usar o tom de pedal ou exercícios de tom comuns ao abordar uma nova progressão para adicionar uma nota que possa unir as quadras, conectando-as ao ouvinte. Agora que analisamos alguns padrões de acompanhamento mais avançados, gostaria de voltar à nossa primeira progressão e convidar você a praticar isso. Mais uma vez, essa progressão foi C maior, Mi menor, menor e F. E começamos tocando o terceiro e o quinto da voz, depois descendo até a raiz. Assim. Se você quiser outro padrão de acompanhamento, podemos usar a mesma progressão de acordes, mas aplicando o arpejo começando do topo do acorde e descendo. Nos dois exemplos, eu estava usando a mesma tríade no tribunal, mas encontrando dois padrões de acompanhamento diferentes ou variações diferentes de tocar os acordes. Agora, isso pode exigir um pouco de prática, e é importante lembrar que essa é uma jornada contínua. Na próxima lição, vamos seguir em frente examinando algumas vozes da nona e 11ª das extensões superiores que podemos aplicar aos acordes maiores e sétimos menores pré-existentes que já aprendemos. Te vejo lá. 5. Acordes de 9º e 11º: Nesta lição, veremos como você pode usar a nona e a 11ª extensões superiores para adicionar cor aos nossos acordes menores e sétimos maiores preexistentes. Vamos começar tomando o exemplo de um sétimo acorde em Ré menor, que inclui as notas DFA, e ver, se nos lembrarmos, a sétima nota desse acorde foi chamada de sétima porque é a sétima nota da escala correspondente. Da mesma forma, quando adicionamos nosso nono, que é e. É chamado de nono porque está nove notas acima da raiz original, 123-45-6789. Portanto, um nono acorde em Ré menor incluiria as notas D, F, a, C e E. Se você pensar bem, esse cordão na verdade inclui dois acordes que já vimos. Tem um Fá maior sete, bem como um Ré menor sete. Então você pode pensar em um Ré menor nono como primo de Fá maior sete. Agora vamos nos familiarizar com alguns outros acordes menores do nono. Então, para começar, examinaremos Sol menor sétimo, que incluiria as notas G, Si bemol, D e F. Ao adicionar o 9º, podemos pensar nele como o segundo nó da escala correspondente, que neste caso seria um degrau inteiro maior que g, ou dois semitons acima da raiz g. Então, para G menor nono, teríamos G, Si bemol, D, F e a. Esta corte também inclui um Si bemol sétimo maior, assim como o Sol menor. Podemos dizer que o nono menor tem um som um pouco mais característico. Não é só feliz ou triste, mas tem um pouco mais de dimensão. Agora vamos praticar a alternância entre Ré menor e nono. Em Sol menor, nono. Adicionando uma pequena variação melódica. Excelente. Depois de nos familiarizarmos e nos sentirmos confortáveis com esses dois acordes, vamos ver mais um exemplo, Dó menor nove. Para isso, começaremos com C menor sétimo, que sabemos que inclui as notas C, E bemol, G e Si bemol. E então adicionaremos D no topo, pois essa é a segunda ou a nona nota da escala correspondente. Para esses nonos acordes, eu recomendaria usar as duas mãos. Sua mão esquerda pode tocar a tríade e sua mão direita pode tocar as extensões superiores. Se você quiser. É importante passar pela posição raiz do nono acorde examinando cada nota da escala cromática, vou demonstrar isso agora brevemente. Se começássemos com Ré menor nono, subiríamos meio degrau para Mi bemol menor nono, seguido por Mi menor nono, seguido por Fá menor nono, seguido por Fá afiado menor nove, seguido por Sol menor nove, seguido por um nono menor plano, seguido por um nono menor, depois em Si bemol, depois B e C, depois C-sharp. E então voltamos para D. Quando você estiver mais familiarizado com o conceito de nonos menores, vamos adicionar o 11º menor. Vamos voltar para Ré menor nono, D F-A-C-E. e ver como adicionar o 11º, que neste caso seria G. A Ré menor 11º acorde tem cinco notas, D, F, a, C, E, G. E você pode ver que inclui uma tríade em C maior e uma tríade menor na tríade em Fá maior e uma tríade em Ré menor. Portanto, é um acorde muito denso com um som muito aberto porque tem muitos acordes maiores e menores que lhe confere um caráter complexo. Vamos dar uma olhada agora em Sol menor 11º, que seria G, B bemol, D, F, a, C. Na prática agora, movendo-se entre esses dois acordes. Então, temos de D a G. Se você quiser, você pode experimentar os arpejos desses acordes, o que seria outra forma de se familiarizar com eles. Agora, vamos falar sobre os principais nonos acordes. Vamos dar uma olhada em C maior sétimo. Para adicionar um nono a isso, iríamos para a segunda ou nona nota da escala maior. Como existem sete notas, elas acabam sendo a mesma nota, que seria d. Então, um C maior nove incluiria as notas C, E, G, B e D. Agora vamos dar uma olhada em Fá Maior nove, que seria inclui F-A-C-E. e depois a nona nota, que seria g. Você pode dizer que para esses acordes, estamos sempre deixando uma tecla branca fora ao tocar a próxima nota. Subindo em terços. Da mesma forma, para criar um 11º acorde maior, adicionaríamos mais uma nota. Para um F, isso seria b. Portanto, este é considerado um 11º acorde nítido em Fá maior sete nítido 11, que também inclui muitas tríades. Mi menor, C maior, um menor. E esses acordes têm uma qualidade muito agridoce e podem ser muito úteis para e podem ser muito criar progressões de acordes eficazes. Para recapitular, analisamos como poderíamos criar um nono menor e um 11º menor adicionando as extensões superiores da escala correspondente. E também como podemos criar um nono maior ou um 11º maior. Esses nonos acordes menores se tornarão muito úteis à medida que avançamos para nossa próxima lição, introduzindo acordes alterados, que podem ser usados para resolver para os nonos menores, criando tensão antes do lançamento. Na próxima lição, espero que você se junte a mim enquanto discutimos tribunais alterados. 6. Acordes alterados: Agora que descobrimos como encontrar acordes menores de nono e 11º, gostaria de discutir um novo tópico em introduzir cortes alterados. Acordes alterados são ótimos para criar tensão antes da liberação de uma pequena úlcera de nono acorde. As quadras também podem ser usadas para expandir uma progressão básica de acordes e adicionar mais profundidade ao enredo da história. Em primeiro lugar, vamos ver o que é um acorde alterado. Começaremos pegando um sétimo acorde dominante. Nesse caso, começarei com o sétimo dominante, que inclui as notas a, C sharp, E e G. Em acordes alterados há um sétimo dominante com um quinto elevado e um nono elevado. Então, elevaríamos o quinto grau da escala e movíamos o até F. E também adicionaríamos uma faca afiada, que também é conhecida como um terço menor adicionando, veja no topo. Então, para um acorde alterado, teríamos um Dó nítido, E, F, G e C. Agora, isso é muito dissonante em som aberto e pode ser usado para criar tensão antes de voltar para o nono menor. Vamos imaginar que temos uma progressão básica de Ré menor nono para um nono menor. Podemos pensar nelas como ou duas bases domésticas. Ambos são sons constantes e bonitos. Então, para o nono Ré menor, temos D, F, , C, E, e o nono menor, temos um CBGB. Podemos pensar nisso como um roteiro, e esses são nossos dois destinos. Agora, vamos expandir essa progressão colocando um acorde alterado na frente de cada um dos nonos menores para aprimorá-lo e nos dar um lugar para resolver dois. Sempre que você tiver um nono acorde menor, você pode colocar um acorde alterado na frente dele e encontrar o acorde alterado baseado no quinto que se transformaria no nove menor correspondente. Então, estamos começando com D menor nove. E sabemos que vamos entrar em um nono menor. Meio que encontre o acorde alterado que viria antes disso. Eu olharia para o quinto de um nono menor, que é e. Então agora vamos encontrar e alterado. Começaremos encontrando o sétimo acorde dominante em E, que é E, G nítido, B e D. E então aumentaremos o quinto, subindo para ver um anúncio em um G no topo, nos dando E, G nítido, C, D e Isso é um e alterado. Então, agora vou tentar jogar o Ré menor. E em vez de ir direto para o A menor, tocarei o E alterado antes, o que aumentará a tensão, tornando a resolução ainda mais doce. Então, agora temos Ré menor. Em seguida, ele alterou um menor. Ainda assim, isso ajuda a configurar a aterrissagem para chegarmos a um menor. Agora, antes de voltarmos para Ré menor, como esta é uma progressão em loop, precisaremos encontrar o acorde alterado do cinco de Ré, que neste caso seria a. E já aprendemos um acorde alterado. Mas, mais uma vez, começaríamos com o sétimo acorde dominante. Em seguida, subiríamos o quinto para Fá nítido, o nono, que é C, nos dando um C nítido, E, F , G e C. Então, agora transformamos uma progressão de dois acordes em essencialmente uma progressão de quatro acordes. Ainda estamos aterrissando em nossa base de Ré menor nono e um nono menor. Mas estamos colocando um acorde alterado diante deles para aumentar a tensão antes da resolução. Vou tocar apenas os nonos acordes menores e depois adicionarei os acordes alterados para que você possa ver como soa e como isso é basicamente um aprimoramento da progressão pré-existente. Começaremos com apenas Ré menor até A. Certo. Estou apenas invadindo as quadras. Agora adicionaremos aos tribunais alternativos o DNA alterado. Então, adiciona um pouco mais de enredo da história. D, e alterado, como alterado, leva de volta a D. Então ele também então a. Novamente. Vejamos mais um exemplo e como podemos aplicar os três acordes. Digamos que, neste exemplo, temos uma progressão em C menor, que começa com um C menor nove, depois desce para um Si bemol, depois desce para um A bemol e um Fá menor. Então, mais uma vez, nossa progressão original é C, B bemol, um plano e depois Fá menor. Então, sabemos que se vamos voltar para dó menor, podemos colocar um acorde alterado saindo da quinta tecla. De dó menor seria G. Então, vamos encontrar um acorde de Sol alterado. Então, vamos começar com um sétimo dominante G. Em seguida, aumentaremos o quinto, o meio degrau e adicionaremos o nove nítido ou o terço menor dessa tecla, dando GB nítido, F, Si bemol. Agora vou tentar colocar esse acorde alterado antes do dó menor para adicionar alguma dimensão à progressão. G. Como alternativa, você pode improvisar sobre isso com a escala do azul marinho. Ela alterou, terminou com um arpejo. Para recapitular, acordes alterados são uma ferramenta eficaz para aumentar a tensão ao aumentar o contorno de uma progressão. Sempre que você tiver um nono acorde menor, você pode colocar um acorde alterado antes que ele saia do quinto do nono menor ao qual está dando início. Na próxima lição, veremos como podemos usar deslocamento rítmico para aumentar a empolgação ao criar um arranjo. 7. Deslocamento rítmico: Nesta lição, veremos como podemos usar deslocamento rítmico para aumentar a excitação e adicionar variação aos nossos arranjos. Na maioria das músicas populares, o compasso comum é 44, o que significa que há quatro batidas em cada compasso. Neste próximo exemplo, veremos maneiras de somar diferentes subdivisões de tempo para sugerir assinaturas de tempo diferentes ao mesmo tempo, permanecer por, para, no primeiro exemplo, Eu gostaria de pegar dois acordes simples e imaginar que temos oito batidas. Vou me mover entre um acorde em Ré menor nove e um acorde G7. Vou começar tocando quatro batidas de cada acorde. Eu tenho 1234, 1234, 1234, 1234. Portanto, uma forma básica de adicionar variação a isso seria definir dois números ímpares que ainda somam oito, mas nos dão a ilusão de outras assinaturas de tempo. Neste exemplo, usarei cinco batidas e depois três batidas. Então, ainda estaremos em 44 vezes, mas vamos mudar para o segundo acorde um pouco mais tarde. Agora vou demonstrar 123-451-2345. Então, em vez de tocar quatro batidas de cada, agora adicionamos algumas variações tocando o primeiro acorde por cinco batidas e o segundo por três. Vamos fazer outra progressão. Já vimos, dó maior, mi menor a um menor para F. E eu vou tocar cinco batidas de C, três batidas de Mi menor, cinco batidas de a em cinco batidas de f1234512, 12345123. Você pode adicionar um pouco de variação a qualquer progressão em vez de fazer quatro para adicionar 5.3. Agora, outra subdivisão de 44 seria a 16ª nota quatro vezes quatro é 16. Então, para o próximo exercício, vamos nos aprofundar e analisar uma frase de 16 notas. Para este exemplo, vou usar dois acordes que usamos em uma lição anterior, um menor de nove a Ré menor de nove. Vou começar tocando quatro grupos de quatro para cada acorde, somando 16. Para este exercício, usaremos arpejos. Um, dois, três, quatro, um, dois, três, quatro, um, dois, três, quatro, um, dois, três, quatro. O objetivo deste próximo exercício é pegar subdivisões de 16, mas usar números ímpares que somarão 16, mas nos darão a impressão de outras assinaturas de tempo. Você pode pensar em quais números somariam 16. E é ótimo usar números como 57,9. Poderíamos usar 556, o que somaria 16, nos mantendo em 44 vezes, mas implicando um cinco. Então, para essas progressões, usarei um arpejo de cinco notas, 12345. Então eu vou fazer um padrão de 51, padrão de cinco e depois um padrão de seis. Então, vamos ficar em 44 vezes, mas insinuar que outra vez parece 123-45-1234, 512-34-5612, 1234 5123 4512 3456 1234 5123 4512, 3456, 1234, 5123, 4512, 3456. Vamos dar uma olhada em outro exemplo. Estou pensando em números que somarão 16. E eu sei que cinco sétimos e nove são números ímpares, então eles criam uma boa noção do campo temporal. Neste exemplo, farei 754, o que também soma 16. Este exercício de deslocamento rítmico é uma ótima maneira de criar entusiasmo e variações com nossas frases, adicionando números ímpares ao mesmo tempo, impor um período comum. Para o próximo exemplo, usarei um padrão de nove e, em seguida, um padrão de sete, que totalizará 16. Vou usar os mesmos dois acordes, um nono menor a Ré menor nove. Um padrão de nove também pode ser considerado como três padrões de três. Então, vou usar isso aqui. Um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois- três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três, um-dois-três. Esse conceito é semelhante à programação de chapéus quando você está produzindo, em que você pode usar variações diferentes para sugerir outros campos de tempo enquanto ainda permanece em 44. É importante lembrar que o piano é um instrumento percussivo de cordas. E podemos pegar muitos conceitos da bateria e aplicá-los ao piano. Para concluir, neste exercício, analisamos maneiras de criar subdivisões diferentes que ainda somarão 16 ou oito. Portanto, permanecemos no tempo comum, mas implicamos campos de tempo diferentes. Na próxima lição, veremos como você pode usar notas repetidas, arpejos ou execuções para criar variações ao abordar uma música original ou um arranjo de uma existente. canção. Te vejo lá. 8. Arpejos de nota repetida: Nesta lição, veremos como você pode usar arpejos ou trechos de notas repetidas para criar uma textura agradável para um arranjo ou como veículo para uma composição original. Arpejos ou corridas de notas repetidas lidam com o uso de algumas notas repetidas para criar uma textura que se move pelo piano. Sempre que você criar um arpejo de notas repetidas de sua preferência, eu o encorajo a experimentá-lo. São todas as 12 chaves para que você possa tê-las à sua disposição. Começaremos criando uma frase de sexta nota sobre o acorde D menor sete. Como Ré menor vem da escala CTL de dó maior, usarei a escala de dó maior quando estiver pensando em quais notas usar para meu arpejo. Para este, vou criar uma frase de sexta nota, ou duas frases repetidas de três notas. Vou começar com a nota E, e vou para E, F, C, G, a G. É importante lembrar que, com elas, queremos terminar a frase perto de onde começamos em uma É importante lembrar que, com elas, queremos terminar a frase perto de onde começamos em oitava acima para que possamos repeti-la através da oitava. Então, para isso, vou fazer o EFC GAG, que me liga de volta para E, E fc. Então, vou tentar jogar isso agora. Eu também poderia voltar começar no GAG e depois no CFE. Então, mesmo que sejam apenas seis notas se repetindo, parece uma frase muito mais longa porque estamos avançando pela oitava. Se eu gostar dessa frase, vou experimentá-la em todas as teclas para que eu possa tirar o máximo proveito dela. Agora vou mover essa mesma frase para Fá menor. Então, para isso, eu começaria no G e experimentaria nessa chave. Agora vamos tentar jogar de Ré menor para Fá menor para transformar isso em uma composição básica. De volta a D. A penugem. Muitas vezes, quando estou praticando piano pela manhã, percorro frases diferentes tentando aplicá-las de todas as maneiras possíveis, ver em quais acordes elas tocam como uma composição. ferramenta. Agora, vamos criar uma frase de oitava nota sobre outro acorde. Para este exemplo, vou criar uma frase sobre o acorde G menor nono, G, Si bemol, D, F. E como esse é um acorde que sai da escala de Fá maior, usarei essa escala quando chegar com opções para minha melodia, vou começar com a nota C e criar uma frase de oitava nota que terminará perto do C, uma oitava mais alta para que possa se repetir. Então eu acabei de criar, veja, a, Bemol, C, D, F, Si bemol, que me leva perto do mar em uma oitava mais alta, que eu pudesse tocá-lo através das oitavas. Aqui vamos nós assim. Então, repetimos isso movendo-se pelo piano. Vou tentar novamente lentamente, começando mais baixo. Ao praticar essas frases, é importante começar lentamente e depois aumentar gradualmente o ritmo usando um metrônomo on-line ou físico. Vou começar a praticar um pouco mais rápido e ver se consigo passar por isso. Se eu gostar disso, vou tentar movê-lo para outra chave. Vamos fazer B bemol menor. Então, basicamente, pego um conceito e, para que ele aparecesse no meu jogo, eu o movi para teclas diferentes. Então, se eu estiver jogando com amigos e alguém tiver uma composição que precisa terminar em Si bemol menor, posso usar a mesma frase que criei em Sol menor e ter várias opções. Vou continuar praticando dessa maneira para que toda vez eu veja um acorde e queira criar uma frase repetida. Eu passei por dezenas de variações para ter muitas coisas que posso acessar e não estou preso a uma única opção. Essas frases de notas repetidas são ótimas para finalizar músicas, mas também podem ser usadas para solar ou improvisar e como uma ferramenta de composição. Agora, eu gostaria que você tentasse criar sua própria frase de seis notas sobre o cordão, Mi menor nono. Para isso, você pode usar a chave de Ré maior, pois Mi menor é um cordão que sai da escala CTL para Ré maior. Em nossa próxima lição, veremos como você pode pegar duas vozes para pegar uma melodia pré-existente e realmente fazê-la cantar. 9. Vocalizações avançadas: Nesta lição, veremos como podemos usar vozes tipo “drop two ” para pegar uma melodia pré-existente e transformá-la em um padrão de acordes. vozes suspensas referem-se a um conceito no qual você usa dois acordes, um acorde em dó maior e um B diminuído. E alternamos entre as inversões desses acordes, criando uma escala CTL. Esse é um ótimo método para desenvolver melodias de coral porque podemos pegar qualquer melodia e aplicar duas vozes a ela, dando vida a ela adicionando outra dimensão. Esse é um conceito semelhante ao de como diretores ou arranjadores de coro pegavam uma melodia e a organizavam para quatro vozes. Neste exemplo, vamos usar a tecla de dó maior, e vou explicar como você pode encontrar duas vozes nesta tecla, vamos começar com um sexto acorde em dó maior, que inclui as notas C, E, G e a. A é a sexta nota dessa escala. Começaremos examinando todas as inversões desse acorde. Então, temos o CGA. Em seguida, moveremos esse C uma oitava para cima, nos dando um GAAC. Mova o e para cima uma oitava, dando g ACE, e depois suba novamente, dando ACG, que é semelhante a um sétimo menor, antes de finalmente pousar na mesma quadra em oitava acima. Para este exercício, sempre estará jogando na inversão de c maior seis, ou a B diminuído em sétimo. Agora vamos dar uma olhada nisso. Seja diminuído em sétimo lugar, que inclui as notas B, D, F e um bemol. Vamos analisar as inversões desse acorde. Então, moveremos o b para cima, dando D, F, um plano e B. Mova a nota inferior para cima novamente, dando-nos F, um plano, B e D. E então vamos subir novamente, nos dando um apartamento, B, D e F antes de retornar ao mesmo acorde, uma oitava acima, F e bemol, começaremos com o C, E, G, um acorde. Em seguida, passaremos para a próxima versão de B diminuído, que é D, F, um B plano Antes de passar para a próxima versão do acorde C6, novamente, E GAAC, antes de passar para a próxima versão de B diminuído, F, um BD plano. Antes de passar para a próxima versão é C6, GAAC. Para a próxima versão de B diminuído, a-bemol, B, D, F. A próxima versão é C6, a, C, E, G. E, a próxima, a versão final de B diminuiu B, D, F, A-bemol. Então, mais uma vez, isso fica assim com a mão direita. Então, qualquer nota que tenhamos no topo, podemos aplicar essa voz, seja um Dó maior seis ou um B diminuído, e preencher o acorde abaixo, eu vou pegar uma melodia básica em dó maior e demonstre como você pode jogar com essas quadras. É importante lembrar que o acorde diminuído em Si sempre volta para o seis em dó maior. Portanto, essa técnica cria uma tensão e resolução intrínsecas, aprimorando assim o som dessa progressão. Vou pegar uma melodia básica como Mary Had a Little Lamb. E experimente com essas duas vozes. Sempre que houver uma nota, C, E, G ou a, usarei alguma versão do sexto acorde em dó maior. Sempre que a nota da melodia for D, F, um bemol ou B, usarei alguma inversão do acorde B diminuído. Então, desde que começamos com e, eu preenchi abaixo com E, C, a G. Para a próxima nota, D, percebi que era o B diminuído, então preenchi com dB, um F plano, seguido por C, a, G. Então, consegui pegar uma melodia e dar vida a ela. Vamos dar outro exemplo de uma melodia, por exemplo , essa G, F, E , C, D, com duas vozes, que soaria assim. Então você pode ver que estamos pegando uma melodia simples e aplicando essas vozes, seja uma inversão do C maior seis ou do B Diminished. Essa pode ser uma ótima técnica para dar vida às melodias se estivermos tocando com a mão esquerda. E também para criar substituições para progressões de acordes pré-existentes. Vou tocar aquela melodia novamente com um padrão de passada com minha mão esquerda. Agora podemos trazer nossa mão esquerda. E essas são chamadas de vozes suspensas porque você pode pegar a segunda nota do topo e a mão direita está tocando e soltá-la na oitava. Para nossa mão esquerda. Para demonstrar, começaremos com esse acorde, E GAAC. Podemos pegar a segunda nota do topo, que é a, e movê-la para baixo com a mão esquerda, nos dando um e movê-la para baixo com a mão esquerda, padrão agora. Essas são formas que os diretores de coro usarão muito ao organizar a voz, pois há um movimento natural entre os nós. Mais uma vez, estou explicando o conceito de voz drop two em dó maior, mas você pode usá-lo em qualquer tom usando a raiz maior e o acorde de sete diminuídos. Agora vou fazer uma progressão simples e mostrar como ela pode ser expandida usando vozes suspensas. Para este exemplo, usarei uma progressão que analisamos anteriormente, uma menor sete, D menor sete. Como um menor é a chave relativa de Dó maior, usarei o Dó maior drop two que acabamos de aprender para criar uma substituição de ir de menor para Ré menor. Sabemos que estamos indo de A para D. Então, vou adicionar uma gota à Melody no meio, criando mais tensão e mais movimento antes de chegarmos à nossa base. Então, em vez de ir hoje, eu vou agora. Vou fazer outro exemplo. Ainda estamos aterrissando em D, mas criamos um mundo inteiro de como chegar lá passando pelas duas vozes. Vamos fazer outro exemplo. Você pode notar que quando eu toquei em um acorde alterado antes do Ré menor, muitas vezes é mais fácil visualizar isso anotando todas as notas dos dois acordes que você está usando. Portanto, você pode ter isso como referência ao criar uma melodia de acordes. Sempre que você tiver uma melodia, você pode usar essas vozes suspensas para alternar entre uma maior seis e sete diminuídas e dar vida à melodia com um arranjo CTL completo. Como tarefa, gostaria que você pegasse uma melodia em dó maior em orquestrada, dada a queda de dois que acabamos de examinar, depois de fazer isso, você pode enviá-la para a galeria do projeto. E estou ansioso para ver o que você cria. 10. Prática de vocalização: Bem vindo de volta. Nesta lição, veremos como você pode usar vozes internas para criar mais movimento dentro de seus tribunais. As vozes internas se referem a um conceito no qual você move as notas dentro do cordão enquanto as vozes externas permanecem as mesmas. Nesta lição, vou demonstrar vários conceitos que você pode aplicar para vozes internas um acorde de sétimo acorde em Ré menor. Ao criar vozes internas, é ótimo usar intervalos como terços ou seis, que são intervalos consonantais no som, bons para harmonias. Vejamos um exemplo de um nono acorde em Ré menor. Nesse caso, teremos D, F, a, C com a mão esquerda e AGC com minha mão direita. A nota C vai ficar no topo, mas vou mover esses terços no meio para girar de E e G para F e voltar para E e G. Então, como podemos ver, o cabo permanece o mesmo, mas há um movimento de voz interno movendo-se de E para G, subindo para FNA e de volta para baixo. Ou se eu encontrar uma voz interna que eu goste, vou movê-la e transpô-la para teclas diferentes. Vou transpor isso, movendo-o para Fá menor. Agora, vamos dar uma olhada em outro exemplo de voz interior, e poderíamos usar mais de um sétimo acorde em Fá maior. Para este acorde, vamos começar com essa voz, C, G, e então a mão direita tocará a e E. O intervalo entre a nota superior em ambas as mãos é um sexto, o que significa que podemos movê-lo ao redor e soará como uma grande harmonia. Então eu vou subir e jogar. Minha mão direita está tocando EDC, enquanto minha mão esquerda toca G, F, E. Então, mais uma vez essa voz interior está se movendo enquanto as vozes externas permanecem as mesmas. Vou demonstrar isso, movendo-o para algumas teclas. Sempre que invento uma voz interior dizendo que ressoa em mim, tentei aplicá-la de todas as maneiras possíveis. Então eu tenho isso como outro conceito que eu posso usar. Vejamos mais um exemplo de voz interna. Desta vez, em um nono acorde em dó menor. Para isso, vou jogar C, E bemol e G, A tríade com minha mão esquerda e Si bemol, D e F com minha mão direita. Vou girar entre Si bemol e D, e C e Mi bemol. Então, vamos tentar isso agora. Estou alternando entre Si bemol e D, e C e Mi bemol e depois voltando para Si bemol e D. Então o F na parte superior permanece o mesmo, mas a voz está se movendo dentro do acorde. Uma música que escrevi, Grand Canyon usa esse conceito. É assim. Você pode ver as notas externas permanecerem as mesmas enquanto o movimento está dentro do acorde, criando uma textura muito bonita. Ouça novamente. Para concluir. As vozes internas são um ótimo conceito para criar movimento dentro dos acordes mantendo a estrutura externa. Sempre que você criar um padrão de voz interno de sua preferência, eu o encorajo a transpô-lo para todas as 12 teclas que você possa tê-lo na ponta dos dedos ao abordar um novo material. Na próxima lição, veremos como podemos pegar alguns dos conceitos que aprendemos no piano e aplicá-los na produção com uma estação de trabalho de áudio digital. Espero que você se junte a mim. Vai ser muito divertido. 11. Como produzir e gravar: Bem vindo de volta. Nesta lição, aprenderemos como usar alguns dos conceitos que aprendemos no piano e transferi-los para contextos de produção. Neste exemplo, usarei o Ableton Live, que é uma DAW ou estação de trabalho de áudio digital. Existem muitas outras opções de Dawes que você pode usar, como GarageBand, Logic Pro ou Fruity loops, que fazem coisas semelhantes. Para esta lição, eu tenho um teclado midi, que está conectado ao meu computador, que significa que todos os sons que eu toco no teclado podem então controlar os sons no computador e gravar eles no projeto. Ao começar a produzir, gosto criar uma progressão de acordes primeiro depois adicionar uma melodia básica em elementos adicionais, como bateria e outras coisas. Neste exemplo, vou começar gravando em uma progressão de acordes na tonalidade de dó maior. Vou começar definindo meu ritmo para 83 batidas por minuto e garantir que meu metrônomo esteja ligado para que eu possa jogar a tempo. Agora vou gravar a progressão básica de acordes, que é Fá maior sete, Mi menor sete, Ré menor sete acordes da escala CTL de Dó maior. Vou contar com você e depois começaremos. Agora que temos a progressão de acordes, vou adicionar uma linha de base. Então, vou mudar para um instrumento de baixo e usar as técnicas que aprendemos sobre linhas de base, tocar os nós raiz e usar outras partes da escala C maior para preencher. Agora que eu tenho a linha de base, vou adicionar alguns arpejos adicionais em um som de estrada, que é um instrumento dos anos setenta. Nesse caso, estou usando um modelo de um. Então, aqui vamos nós. Agora que tenho minha linha de base, vou adicionar alguns medicamentos. Eu vou tocar bateria no teclado. Então, isso às vezes é uma tarefa difícil, mas vou tentar o meu melhor. Agora que tenho um esboço básico, vou improvisar usando um Synth Lead, e vou sozinho usando a escala pentatônica C. Aqui vamos nós. Agora que tenho os elementos básicos, comecei com uma progressão de acordes. Encontrei uma linha de base que funcionava tocando as notas raiz na introdução de outras notas intermediárias. Em seguida, adicionei arpejos nas estradas. Eu não toquei em uma peça de bateria. E então terminei adicionando uma improvisação pentatônica ou uma melodia usando a escala pentatônica C. Agora que eu tenho alguns elementos básicos da minha música, eu posso ajustá-la daqui. O objetivo desta demonstração era mostrar que muitas das possibilidades e conceitos do piano também podem ser aplicados em um contexto de produção ou composição. Se você tiver uma estação de trabalho de áudio digital, recomendo que tente usar alguns dos conceitos que aprendemos ao escrever e produzir sua própria música original. Eu adoraria que você enviasse sua música original para a galeria do projeto. Mal posso esperar para ouvir o que você cria. Na próxima lição, veremos alguns métodos para lançar músicas originais para que você possa ouvi-las por outras pessoas ao redor do mundo. 12. Como lançar música: Agora que vimos como podemos pegar alguns dos conceitos de piano e aplicá-los na produção de música. É hora de falar sobre o lançamento de músicas para que outras pessoas ao redor do mundo possam ouvir nossas composições. Uma das coisas empolgantes da época em que vivemos é que nunca foi fácil gravar sua própria música e lançá-la para tão fácil gravar sua própria música e lançá-la para que outras pessoas possam ouvi-la e compartilhá-la em todo o mundo. Existem muitas plataformas excelentes, como TuneCore, destroy kid, stem in muitas outras, onde você pode pegar uma final como música e lançá-la no Spotify, Apple Music e em outras plataformas de streaming. Muitas vezes, os músicos trabalham muito para criar suas músicas, mas não conseguem pensar em uma mas não conseguem pensar em estratégia de lançamento: são maneiras diferentes de comercializar suas músicas nas mídias sociais. como Instagram, TikTok e Facebook. Existem muitos recursos para que você possa pegar uma música gravada e divulgá-la. Uma das coisas mais empolgantes para mim em fazer música é o quão infinitamente colaborativa ela é. Podemos usar as habilidades que aprendemos no piano para amplificar o sotaque, vozes de outras pessoas e suas mensagens O conjunto de habilidades de tocar piano pode abrir possibilidades infinitas e levar a colaborações com vocalistas, instrumentistas em rappers. Isso me levou a me apresentar em todo o mundo e a poder trabalhar no estúdio com muitos artistas, como schoolboy, Q, BJ, o garoto de Chicago e Tom Mish. Essas aulas são apenas uma introdução ou abrindo as portas para um mundo inteiro de possibilidades com o piano em colaboração nos recursos da aula, forneci um guia com algumas informações úteis dicas para lançar sua própria música. 13. Considerações finais: Parabéns, chegamos ao final da aula. Se você está comigo desde o início da jornada, você sabe, nós cobrimos uma série de tópicos envolvendo muitos conceitos diferentes. Agora, combinamos todos os elementos das aulas anteriores para finalmente podermos lançar músicas originais para o mundo. Espero que com esta aula você se sinta inspirado em novas possibilidades que você possa usar ao tocar suas músicas favoritas, criar composições originais ou improvisar. Foi um prazer e uma honra ser seu professor durante todo esse processo. E eu realmente espero ver o que você contribuirá para o mundo da música até a próxima vez.