Voyage à l'aquarelle : développez votre style en 14 jours de peinture de paysage

1. À propos du cours: Êtes-vous prêt à trouver votre propre style de peinture personnel ? Dans ce cours, je vous emmènerai à travers 14 jours de pratique de découverte de soi et exploration de l' aquarelle alors que nous peignons divers paysages de 14 destinations incroyables à travers le monde. Relever ce défi de 14 jours vous aidera à développer une habitude de peinture cohérente, ce qui est essentiel au développement de vos compétences en peinture. Deuxièmement, vous allez surmonter la peur de commencer et la pression de peindre quelque chose de parfait. Lorsque vous enlevez la pression sur vos épaules, vous n'appréciez pas seulement le processus de peinture, mais l'œuvre elle-même reflète votre joie en tant qu'artiste. Enfin, vous développerez votre propre style de peinture personnel en comprenant parfaitement l'esprit de l'aquarelle. À chaque invite, j' expliquerai en détail comment et quand appliquer différents traits et techniques d'aquarelle pour vous aider à évaluer votre style de peinture unique après le défi de 14 jours. Je suis Bianca Ariola. Je suis aquarelle et je suis un professeur de premier plan de Skillshare. Au fil des ans, j'ai enseigné des milliers d'étudiants à travers le monde, et j'ai pour objectif d'inspirer les gens à découvrir et à poursuivre leur version créative. J'enseigne ce que j'aime et j'ai besoin d'apprendre en tant qu'étudiant. C'est ma plus grande passion d'aider mes élèves, non seulement à peindre, mais aussi à grandir en tant qu'artiste. Je suis sûr que vous êtes ravi de parcourir le monde à l'aquarelle avec moi. Allons-y. 2. Trouver votre style: Notre objectif numéro 1 dans cette classe est de trouver votre propre style personnel. Pour y parvenir, vous devez le numéro 1, apprendre à apprécier l'art de créer et le numéro 2, comprendre par expérience les fondamentaux de l'aquarelle. Nous allons peindre 14 paysages en 14 jours. Chaque leçon prendra environ 20 minutes, et pour chaque leçon, j'enseignerai des principes importants et des enseignements clés que nous pouvons tirer de l'exercice. Je vais peindre sur le carnet de croquis et je n' utiliserai pas de ruban de masquage pour créer des bordures. feuille de travail sans bordure pour moi, enlève la pression pour créer quelque chose de parfait. Il favorise également l' écoulement et le relâchement de l'aquarelle. Je suis ravi de voir comment votre parcours créatif va énormément changer au cours des 14 prochains jours. Allons chercher toutes les fournitures dont nous aurons besoin, et je vous verrai sur la prochaine vidéo. [MUSIQUE] 3. Matériel: Bienvenue dans notre tournée mondiale de 14 jours. Ce sera une aventure très amusante de peindre des paysages du monde entier à l'aquarelle. Jetons un coup d'œil aux matériaux que vous devrez apporter lors de notre voyage. Le premier est le papier aquarelle. Pour cette visite, j'utilise ce carnet de croquis aquarelle à froid d'Etchr. Il est composé à 100 % de coton et 300 g/m². Vous pouvez également utiliser une feuille ou un bloc aquarelle pour vos projets. Ensuite, les peintures à l'aquarelle. Voici les couleurs de ma palette d'aquarelles. Il s'agit de l' ocre jaune, de la sienne brûlée, rouge indien, du violet de perylène, rose de quinacridone, de la teinte neutre, Amadeus authentique ou la violette oxazine est une alternative, bleu horizon ou turquoise cobalt clair, lavande, violette de compost, gris Payne, pourpre alizarine permanent, pêche, indigo, vert olive, bleu apathie véritable ou bleu lunaire, bleu cobalt, rouge perylène, nouveau gamboge, hématite authentique pour la roche textures et blanc titane pour les reflets. Vous pouvez vous référer aux nuances de couleurs pour trouver une teinte similaire si vous n'avez pas les couleurs exactes que je possède, mais je vous encourage également à utiliser l'aquarelle ou la palette que vous préférez. pour donner une touche plus personnelle à vos peintures. Les pinceaux que vous me verrez utiliser tout au long de la classe sont principalement des pinceaux ronds. La première est la brosse à cheveux rouge rouge Renaissance en taille 8 et 10. Je l'utilise pour tous les lavages. Deuxièmement, il s'agit d'une brosse synthétique en soie argentée de taille 10, qui est utilisée pour les traits fins et les détails. Il s'agit d'un pinceau en velours noir de taille 1 pour peindre de fines lignes fluides pour les branches. Préparez également deux tasses d' eau, un crayon, une gomme , du papier de soie et un pulvérisateur d'eau pour humidifier le papier et créer des bords doux. Je n'ai intentionnellement pas utilisé ruban de masquage pour créer des bordures sur mes peintures car je veux que chaque exercice soit aussi lâche, libérateur et sans pression que possible. Vous pouvez télécharger les photos de référence et les peintures finales dans la section Ressources l' onglet Projet et ressources sous cette vidéo. C'est tout ce dont vous aurez besoin, alors faites vos valises et commençons. 4. Jour 1 et de l'impôt, les Philippines: Bienvenue à bord. Pour notre première destination, visitons ce phare emblématique de Batanes, aux Philippines, ma patrie. Pour commencer notre esquisse de base, tracez d'abord la ligne d'horizon. Je le place quelque part en dessous du milieu de la page. Ensuite, je dessine un croquis grossier de la tour en trois dimensions. Puisque notre point focal est ce phare, j'ai fait un peu grand pour occuper la majeure partie de la propagation. est reliée au phare Une petite maison en pierre est reliée au phare. Ne soyez pas stressé de dessiner les détails. Il suffit de dessiner de grandes formes pour dépeindre la structure générale. Dessinons ensuite une pente descendante alors que le phare est situé dans une somptueuse montagne verdoyante surplombant l'océan. Finalisons quelques lignes ici dans la tour, veillant à ce qu'elle soit proportionnelle et solide. J'ajouterai également quelques croquis ici pour montrer les détails du plateau de visionnage. Enfin, ajoutons une fenêtre ici sur la tour et sur la maison. Commençons à peindre. À l'aide de ma brosse à sable, j'obtiens un mélange de bleu cobalt et d' améthyste authentique pour la couleur du ciel. J'ai ajouté de l'améthyste pour tonifier un peu le bleu cobalt. À l'aide d'un vaporisateur, j'humidifie le papier simplement pour faciliter le saignement et le mélange des lavages. Notez que j'ai pulvérisé de l'eau sur le dessus pour créer ce bord doux sur le ciel. J'ai également incliné mon papier pour que les peintures coulent vers le bas et créent un dégradé naturel allant de l' obscurité à la lumière pour le ciel. J'ai évité de peindre la tour pour le moment. J'assombrit également la partie supérieure du ciel pour montrer une perspective linéaire. À l'aide de ma brosse à sable, je sirote l'excès de flaque d'eau à mon horizon pour éviter les refoulements ou les fleurs de l' aquarelle. Ici, je mélange la couleur de la montagne avec de l'ocre jaune et un peu de vert olive. Avec des traits rapides et audacieux, j'ai coloré la région de la montagne. Je laisse aussi tomber quelques verts et laisse les deux couleurs se fondre naturellement. Maintenant, pour montrer la pente descendante de la montagne, j'ai changé le ton de mon mélange en un mélange vert plus foncé utilisant de l'apatite olive et bleue authentique. Je peins également la zone avec un trait qui permet de voir la direction ou l' angle du sol . La couche est toujours humide. J'en profite en laissant tomber quelques touches d'autres couleurs pour qu'elles se fondent bien. Le secret ici est de modifier l'épaisseur du mélange, sorte que lorsque vous posez vos couleurs, vous pouvez créer une distinction entre le milieu et le premier plan. Lorsque vous posez vos peintures avec la même valeur tonale, la tendance est que la zone aura l'air plate. J'ajoute également quelques éclaboussures pour montrer de la texture sur la montagne car je ne veux pas peindre chaque herbe une par une. Nous allons maintenant peindre la montagne lointaine avec une couleur verte froide. Je remarque que le premier plan sèche un peu, je gratte le papier pour créer cet effet de lames d'herbe. Je dépose également de la sienne épaisse brûlée pour ajouter accents chauds sur le premier plan vert. Nous allons ensuite peindre l'océan à l'arrière-plan. Ici, le mélange doit être plus sombre que le ciel pour séparer les deux fragments. Remarquez que mon pinceau est presque sec, c'est pourquoi j'ai créé ces espaces blancs non peints qui ressemblent à l' éblouissement de l'océan. Je remplis la zone vide en utilisant les restes de légumes que j'ai. Ensuite, j'ajoute d'autres traits et éclaboussures ici au premier plan pour servir d'accents. Je m'assure que le fragment de ciel est sec avant de peindre le phare. Je mélange une couleur gris bleuâtre clair pour peindre le côté ombragé de la tour qui fait face à nous. Je suis mélangé améthyste véritable et bleu horizon. En utilisant les mêmes couleurs mais maintenant plus foncées, je vais peindre l'autre côté de la tour. Nous allons maintenant peindre la base du phare avec de la sienne brûlée mélangée à un peu de violet pour le rendre un peu plus sombre dans l'ombre. Notez que je modifie simplement la valeur tonale des couleurs d'un côté pour créer une dimension sur la structure. J'ai également laissé l'un des côtés de la tour non peint car c'est le côté éclairé de la tour. J'utilise du rouge indien pour peindre le pont d' observation de la tour. Mon mélange est un peu épais et sec, donc il se démarquera. Ajoutons quelques traits pour compléter la peinture de la tour. Rappelez-vous l' [inaudible] sur la modification de la tonalité. Ensuite, je peins le toit avec du rouge indien. Pour rendre la couleur plus foncée, j'ajoute un peu de teinte neutre en peignant les côtés de la maison. Finissons en ajoutant quelques détails tels que les rails et les fenêtres de la tour. J'utilise ma brosse synthétique pour que la brosse ne retienne pas trop d'eau et qu'il soit plus facile de contrôler le coup. C'est presque comme dessiner avec un crayon. La consistance de la peinture est également épaisse et presque sèche, ce qui vous permet de créer des traits définis. Maintenant, je frotte mon pinceau également sur la base de la tour et sur la maison pour montrer une texture rugueuse sur le mur. J'ajouterai quelques traits aléatoires avec de la peinture blanche pour les accents. Enfin, avec une couleur vert foncé utilisant mes restes de vert et d'indigo, j'ajoute quelques traits d'herbe au premier plan et quelques petits accents pour compléter le tableau. C'est notre dernier tableau. J'espère que vous êtes tombé amoureux des Philippines. Passons à notre prochaine destination. 5. Jour 2 de 2: Qui n'aimerait pas la beauté délicate de la sakura japonaise. C'est pourquoi aujourd'hui, nous allons peindre un cerisier en fleurs sur un paysage de champs de fleurs jaune vif. Commençons par positionner la ligne d'horizon. Ensuite, dessinons le tronc de l'arbre. Je rends le coup un peu bancal pour un aspect naturel d'un arbre. Je tiens même mon crayon d'une manière différente pour faire des coups lâches pour les brindilles et les branches. Je ne fais que tracer quelques lignes ici à l'horizon pour guider les montagnes lointaines ou les arbres. J'ai humidifié mon papier avec mon pulvérisateur d'eau. Je mélange une couleur pour mon ciel en utilisant de l'améthyste véritable et du bleu horizon. Le mélange est un peu aqueux. J'utilise mon pulvérisateur pour adoucir les bords de mes coups. Je laisse intentionnellement des espaces blancs non peints sur des zones aléatoires pour représenter des nuages dans le ciel. Je n'ai pas non plus peint la partie centrale car je la réserve pour les cerisiers en fleurs. Encore une fois, je continue de pulvériser les bords pour rendre la zone douce. Remarquez à quel point la valeur tonale de mon ciel est douce et légère. Nous devons le rendre léger pour qu'il ne surpasse pas la couleur de l'arbre. J'incline un peu mon papier car nous jouerons avec des peintures fluides pendant que nous peignons le terrain. J'utilise l'ocre jaune et le nouveau gamboge pour une couleur jaune vif. Le mélange est un peu crémeux. Ensuite, je peins quelques traits verts et crée un lien entre le jaune et le vert. Ici, j'ai changé l' angle de mon pinceau et applique une consistance très épaisse de jaune. J'utilise mon pulvérisateur pour laisser les couleurs saigner et s'écouler. J'incline également davantage mon papier pour aider la peinture à s'écouler vers le bas. Ensuite, j'ajoute des traits épais vert foncé sur le bord. Ensuite, j'utiliserai à nouveau le pulvérisateur pour les faire couler. La peinture verte doit être très épaisse et crémeuse, donc lorsque vous pulvérisez de l'eau, vous créerez un joli dégradé et la peinture ne sera pas trop décolorée. J'ajoute quelques points de vert à l'arrière-plan juste pour mettre des éléments supplémentaires. Je fais également des éclaboussures de jaunes au premier plan alors que la couche est encore mouillée. J'ai aussi des éclaboussures de vert et j'essaie de protéger le ciel des éclaboussures en couvrant le pinceau. Nous allons peindre le bâtiment lointain à l'horizon. J'utilise de l'améthyste véritable et du bleu horizon, mais le mélange est légèrement plus sombre que la couleur du ciel. Je laisse aussi tomber des taches plus sombres en utilisant le gris de Payne. Maintenant que le fragment de ciel est sec, j'utilise une brosse humide et je le roule sur le fragment d'arbre pour mouiller la surface au hasard. J'ai mélangé la pêche et la rose quinacridone et j'ai laissé tomber quelques couleurs sur la région. Notez que j'ai créé des traits avec des bords durs et doux en vigueur. J'ai laissé des espaces blancs non peints pour l' empêcher de ressembler à une tache. Je tiens également mon pinceau d'une manière différente pour que j'ai moins de contrôle et les coups aient l' air plus détendus. Vous pouvez éclabousser des peintures pour réaliser différentes tailles et formes de fleurs. Bien que cette couche soit encore humide, je donne une tonalité plus foncée en ajoutant du perylène violet à mon mélange. J'ai laissé tomber des taches sombres sur certaines zones juste pour créer de l' ombre et de la dimension. Veillez à ne pas exagérer cette étape pour ne pas perdre la fraîcheur des couleurs. À l'aide d'un petit pinceau, je peins les brindilles et les branches. J'utilise de la sienne brûlée, améthyste authentique et du mélange rose restant pour cela. Rendez les traits aussi fins que possible. Je suggère que vous variez aussi un peu la minceur et que vous rendiez le coup tremblant et non raide. Je rends la couleur un peu plus foncée pour la faire apparaître sur le fond rose. Nous allons maintenant peindre la branche et le tronc à l'aide d'un gros pinceau avec ses cheveux plats sur le papier. Mon trait semble un peu sec pour montrer la texture rugueuse du tronc. Ajoutons quelques traits supplémentaires pour les branches et soulignons la dimension en assombrissant encore plus certaines parties. La clé pour le faire éclater est s' assurer que le tronc de l'arbre semble plus sombre que le fond du champ de fleurs. Si l'arbre a la même valeur tonale que l'arrière-plan, il aura certainement l'air plat. la dernière étape, mélangeons la base du tronc en y ajoutant de l'herbe autour. Voici notre paysage de cerisiers en fleurs au Japon. Notre prochaine destination est un environnement incroyablement beau, alors ne le manquez pas. 6. Jour 3: Maintenant que nous avons traversé des paysages verdoyants, nous allons goûter à l'hiver mongol. Ici, j'ai dessiné la ligne d'horizon et dessine le contour de la montagne. Nous allons peindre la vallée de Darkhad, alors jouons quelques contours d' arbres séchés ici au premier plan. J'incline mon carnet de croquis et j'humidifie mon papier. Commençons ensuite à peindre la lumière chaude du coucher de soleil avec de l' ocre jaune mélangé à un peu de perylène violet. Je peins avec un trait très léger et je me fond dans du violet pérylène sur certaines parties du ciel. Remarquez à quel point je déplace doucement et rapidement mon pinceau. Évitez également trop de coups car je ne veux pas que mon ciel ait l'air exagéré. Je rends la partie supérieure un peu plus sombre, nous utilisons un mélange plus crémeux de perylène violent et d' améthyste authentique. En utilisant le même mélange violet, j'ajoute quelques traits minces pour rendre le ciel plus intéressant. Ensuite, nous allons peindre la montagne. Je mélange indigo, gris de Payne, bleu horizon et un peu d'améthyste authentique pour avoir cette riche couleur bleu profond. N'oubliez pas de rendre le mélange plus sombre que le ton du ciel. J'ai aussi peint la montagne alors que le ciel est encore humide , donc j'ai le bord doux mais contrôlé. Le bon moment est très crucial pour que la montagne ne saigne pas de façon incontrôlable dans le ciel. J'assombrit certaines parties de la montagne pour montrer ses flancs. J'assombrit aussi le pied de la montagne avec quelques coups cassés. Ensuite, je peins la vallée enneigée de premier plan avec une couleur similaire au ciel. Mon AVC est rapide, c'est pourquoi je crée un coup sec. Ici, je peins le côté escarpé de la vallée en utilisant une couleur bleu foncé similaire à celle que j'ai utilisée avec les montagnes. Je couche encore quelques coups plus sombres sur la montagne car elle est encore humide. Maintenant, j'ai changé mon pinceau en synthétique et j'ai fait un mélange bleu épais pour montrer la ligne d'horizon. Je fais aussi des coups rapides et minces vers le haut pour montrer des brindilles séchées sur la neige. Le fragment est partiellement sec, c'est pourquoi vous voyez des traits avec des bords durs et d'autres avec des traits flous. Ensuite, je vais sécher complètement cette couche avec un pistolet thermique pour fixer le processus et j'ai besoin que la couche soit vraiment sèche avant de peindre les arbres. À l'aide de mon pinceau synthétique, je charge mon pinceau avec un mélange de couleurs épais et je retire l'excès d'eau de mon pinceau. Je commence par le coffre et j'essaie mélanger le tronc au sol avec mon doigt. Ensuite, j'utilise un pinceau pour peindre les brindilles. Je commence par la sortie du coffre et je rends le coup plus petit et plus fin lorsque j'atteins le sommet. Maintenant, j'ai aplati mon pinceau rond et obtenu une peinture sèche pour créer des impressions de feuilles. J'ai simplement tamponné mon pinceau autour des brindilles, assurez-vous simplement que votre pinceau ne contient pas beaucoup d'eau pour obtenir cet effet. Je vais créer un autre arbre à côté de lui en suivant les mêmes étapes. J'ai essayé de remuer un peu mon pinceau en peignant les brindilles. J'épaississe également le tronc et le mélange au sol en ajoutant quelques traits. Voici un moyen simple de peindre un coucher de soleil rose d'hiver. N'oubliez pas que la couleur de l'ombre de la neige reflète la couleur du ciel. Rendez-vous sur la prochaine leçon pour un autre voyage hivernal. 7. Jour 4 de l'Allemagne: Bienvenue au Jour 4. Visitez un lac d' hiver enchanteur en Allemagne. Cet [inaudible] est différent de notre processus de peinture habituel car nous apprécierons purement la responsabilité incontrôlée et la spontanéité de l'aquarelle. L'esquisse est si simple, tracez une ligne d'horizon. Au sommet, il y aura une gamme de pins, et en dessous sera leur reflet. Je n'utiliserai que deux couleurs, indigo et le gris de Payne. Je reçois de l'indigo directement du tube et je frappe quelques coups horizontaux épais au-dessus de la ligne d'horizon. Je fais des traits aléatoires en dessous de la ligne d'horizon. Remarquez que je modifie l'épaisseur des traits et que je leur fais des lignes brisées. C'est la partie amusante. À l'aide d'un flacon pulvérisateur, je mouille le fragment supérieur qui maintient le pulvérisateur dans la direction qui monte, et j'incline mon papier pour que le saignement de l'aquarelle aille dans cette direction. Je déplace légèrement mon papier pour diriger d'une manière ou d'une autre le mouvement de la peinture. Je fais la même chose de mouiller le papier mais cette fois, direction opposée pour peindre la base, laver le reflet. Notez qu'il y a des espaces blancs non peints dans la ligne d'horizon. Il est important de préserver quelques points blancs au milieu pour donner un sentiment de séparation entre la terre et la réflexion. Comme le papier contient de l'eau, j'ai essayé de retirer l'excès d'eau avec mon pinceau naturel. Je préfère le faire de cette façon plutôt que tamponner le bassin d'eau avec du mouchoir pour ne pas perdre l'effet naturel que la peinture a créé. Maintenant, je charge à nouveau mon pinceau avec du pigment pur et ajoute quelques traits pour montrer les reflets de l'arbre. Lorsque vous peignez le reflet, la surface doit rester humide pour que la peinture ait des bords doux. Je remue mon pinceau pour représenter l'image des pins. J'ai également varié la hauteur et écart entre le reflet des arbres. Maintenant, nous allons peindre les pins. Cette fois, j'utilise une couleur plus foncée en utilisant l'indigo et le gris de Payne. Lorsque vous peignez ceci, observez la hauteur ou l' angle du reflet afin que les arbres et le reflet aient une image miroir. La surface est également humide comme je fais cette étape, mais comme mon pinceau contient une très épaisse quantité de peinture et que mon pinceau ne contient presque pas d'eau, je suis capable de créer des traits définis. Nous sommes presque complets avec le tableau. Je retire juste un peu plus d'eau et j'ajoute de petits coups pour plus de détails. Je vais le sécher avec mon pistolet thermique pour accélérer le processus de séchage. Maintenant que le fragment est sec, j'ajouterai quelques pins au ton foncé pour ajouter de l'accent. C'est notre dernier tableau. Pour résumer, lorsque vous peignez la réflexion, le reflet est une image miroir de l'objet réfléchi. En outre, lorsque vous peignez mouillé sur mouillé, nous prenons en compte le niveau d' humidité dans le pinceau et dans le papier. Le timing est important pour créer l' effet désiré, défini mais doux sur les traits. La préservation de quelques petites taches blanches est également très importante pour séparer les deux dimensions. Sur notre prochaine destination, nous utiliserons encore deux à trois couleurs, mais nous allons principalement peindre à sec en ajoutant des couches, afin que vous puissiez également voir quelle approche convient le mieux à votre style. 8. Jour 5 de l'Inde: Aujourd'hui, visitons l'Inde et peignons la magnifique silhouette du Taj Mahal. Commençons par la ligne d' horizon, puis tracons le contour du Taj Mahal. Ensuite, créons une image miroir pour sa réflexion sur l'eau. L'idée de cette invite est de s'entraîner à peindre des couches pour représenter le rétroéclairage et la silhouette. Lorsque nous peignons la silhouette, la couleur n'est pas vraiment noire. Il y a un jeu de ton pour le dépeindre de façon plus réaliste. Nous allons peindre. Je commence par la couleur du ciel. J'ai mélangé la sienne brûlée et l'ocre jaune. Je peins le ciel en commençant par un ton clair au milieu et devient légèrement plus sombre lorsque j'atteins le bord. J'ai ajouté du rouge indien pour rendre mon mélange un peu plus sombre. J'utilise mon pulvérisateur pour adoucir les bords. J'ajoute de l'eau sur mon lavage pour faire un léger dégradé vers l'horizon. Nous allons maintenant peindre le fragment d'eau. L'eau reflète toujours la couleur du ciel et de l' objet qui l'entoure. Comme ce ciel est chaud, l'eau doit avoir la même couleur chaude. Faites sombre le lavage dans la zone proche et passez doucement à un ton plus clair à l'approche de l'horizon. J'ai pulvérisé de l'eau, mais le pulvérisateur est orienté vers le haut pour que les gouttes d'eau soient plus fines. Laissons sécher cette couche avant peindre la silhouette et le reflet. Mélangeons maintenant la sienne brûlée et améthyste véritable pour notre couleur brune. Les couleurs doivent être légèrement plus foncées que l'arrière-plan. Lorsque je peins la partie inférieure de la structure, je modifie les valeurs tonales en ajoutant peu d'eau ou peu de peinture. Il est crucial que la couleur de fond soit complètement sèche afin que nous puissions créer un bord dur sur le contour de la silhouette. Ici, je laisse tomber quelques couleurs sombres sur points aléatoires pour donner à la silhouette un peu de texture et d'humeur. À mesure que nous approchons du bord, la couleur doit être plus épaisse et plus foncée. Cela donne à l'image une profondeur et un drame supplémentaires. Je les fais mélanger vraiment foncés en utilisant une teinte neutre. Maintenant, je prends mon pinceau synthétique pour peindre les détails fins de la tour et du malheur. Une fois que vous avez terminé, j' adoucit le bord l'horizon à l'aide d'une brosse propre et humide. Nous allons maintenant peindre le reflet. La réflexion doit être plus foncée que la structure car il n'y a presque pas de lumière. Tout comme la silhouette, le reflet n'est pas peint noir ou avec une seule couleur foncée. Je continue de varier la valeur tonale créant des tons moyens et des tons sombres. Vous pouvez également observer le mouvement de mon pinceau lorsque je peins le reflet. Je le déplace latéralement pour montrer le mouvement de l'eau qui affecte la forme du reflet. Lorsque vous peignez ceci, gardez toujours à l'esprit que le reflet est l'image miroir de l'objet réfléchi afin que nous ne nous perdions pas peignant le reflet. J'ai également légèrement coupé l'écart blanc droit dans la ligne d'horizon pour que cela ne soit pas trop distrayant. Maintenant, vous pouvez voir l' effet brumeux que nous avons obtenu en faisant tomber des taches sombres de couleurs sur la silhouette. Il donne de la texture à l'image et crée également une ambiance atmosphérique. Ajoutons quelques détails finaux à l'aide d'un pinceau synthétique. Je vais encore sécher cette couche, et c'est fini. Il s'agit de peindre en couches ou en technique humide sur sec. Cette technique n'est pas aussi délicate que la technique humide sur mouillé que nous avons réalisée avec l'Allemagne. Mais la chose cruciale lors cette approche est d'appliquer la valeur tonale appropriée à chaque couche pour obtenir profondeur et conserver la transparence de l'aquarelle. Apprenez-en plus sur l'aquarelle sur notre prochaine destination de voyage dans la vidéo suivante. 9. Jour 6 : Turquie: Bienvenue de retour. Aujourd'hui, c'est notre 6ème jour et nous allons nous rendre en Turquie. Nous allons peindre des roches de cheminée et des montgolfières. Commençons par l' esquisse de base de la montagne rocheuse. Encore une fois, nous dessinons des lignes et essayons de dépeindre l'essence du lieu avec des couleurs plus tard. Ensuite, dessinons des montgolfières, je varie la taille et la position pour montrer la distance. Commençons à peindre. J'humidifie le papier avec un peu d'eau. Ensuite, je prends de l'ocre jaune pour peindre la lumière à l'horizon. J'ajoute un peu de sienne brûlée pour rendre la couleur plus chaude. Ensuite, je mélange améthyste authentique et bleu horizon pour créer un mélange bleuté pour peindre la partie supérieure du ciel. J'évite de peindre sur les montgolfières pour le moment. Je déplace doucement mon pinceau et mélange doucement les couleurs bleu et jaune. Depuis que j'ai ajouté une couleur violette dans mon mélange bleu et que j'ai brûlé la sienne sur mon ocre jaune, j'ai évité d'avoir un mélange vert dans le ciel. J'ajoute également des gouttes de couleur plus foncée sur le ciel pour montrer la perspective. Ici, je vais commencer à peindre le paysage. J'utilise le même mélange d' horizon et d'améthyste authentique, mais j'ai ajouté un peu de sienne brûlée pour peindre la montagne lointaine. J'ai peint cette montagne alors que le papier est encore humide, pas trop humide pour que les couleurs ne saignent pas dans le ciel. J'ai un mélange brun plus foncé pour peindre l'autre montagne plus proche de nous. La valeur tonale doit être foncée que le ciel pour qu'elle éclate. Ensuite, je crée un mélange brun orangé avec une consistance très crémeuse pour peindre l' impression de roches. Remarquez la direction de la brosse au fur et à mesure que je fais les coups. Je fais des mouvements vers le bas pour dépeindre les roches et la consistance est également très épaisse et crémeuse. Ensuite, peignons le sol avec un coup de pinceau à séchage rapide. Encore une fois, le mouvement de ma brosse dépend l'angle de l'avion que je veux dépeindre. J'ai pulvérisé un peu d' eau pour que je puisse créer un bord dur et doux sur le paysage. Notez que des coups lâches mais intentionnels comme celui-ci suffisent à dépeindre l' essence du lieu. Je sèche complètement cette couche avant de peindre les montgolfières. Je mélange une couleur bleu profond en utilisant de l'indigo et du cobalt pour mon ballon principal. Créez une dimension sur le ballon en changeant le ton, adoucissant la couleur, rendant arrondi. N'hésitez pas à utiliser les couleurs que vous aimez pour les ballons. N'oubliez pas la tonalité de la valeur. Pour des traits plus précis, je change mon pinceau par un pinceau synthétique. Je fais le même pas avec les autres ballons, mais pour les ballons lointains, ils doivent avoir un ton plus clair. Notre ballon principal doit être le seul une couleur très saturée ou dominante. Je fais varier les couleurs des ballons pour le rendre plus intéressant. Ne mettez pas trop de détails sur les autres ballons afin qu'ils ne dominent pas notre principal point focal. Pour notre dernière étape, j'ajouterai des reflets sombres et accents sur les rochers et sur le paysage. Vous n'avez pas à en mettre beaucoup, quelques endroits ici et là font déjà une grande différence. C'est notre dernier tableau. J'espère que vous devenez lentement plus détendu et intrépide lorsque vous peignez. Continuons l'habitude et peignons notre prochaine destination. 10. Jour 7 et l'Egypte: Bienvenue au Jour 7. Vous appréciez nos voyages jusqu'ici ? Je suis sûr que vous le faites parce que vous êtes toujours là. Aujourd'hui, nous allons parcourir le désert et peindre la pyramide égyptienne. Commençons par dessiner la pyramide ici à droite. Ensuite, je dessine l' horizon et dessine une image d'un chameau avec un touriste. Comme il ne s' agira que d'une silhouette, nous nous concentrons simplement sur le dessin de la forme générale ou du contour de la figure. Ensuite, je vais dessiner une ombre projetée sur le sol alors que nous allons peindre un coucher de soleil éclatant en arrière-plan. Commençons à peindre. Je vais d'abord mouiller le fond avec de l'eau propre car je vais peindre une lumière éclatante en arrière-plan. Je peins un cercle avec de l'ocre jaune et un peu de nouveau gamboge et j'ai gardé la partie intérieure du cercle non peinte. Ensuite, j'ajoute de la sienne brûlée autour de l'ocre jaune. La couleur suivante sera nouveau gamboge et le rouge pérylène pour rendre la lumière plus chaude lorsqu'elle s' éloigne de la lumière la plus brillante. Je renforce également le jaune pour ajouter plus de contraste. Maintenant, j'utilise le gris de Payne et un peu de violet [inaudible] pour peindre le reste du ciel. Cette couleur foncée doit être foncée et bien mélangée à la couleur orange. Je pulvérise un peu d'eau pour adoucir les bords. Ensuite, peignons l'horizon avec un nouveau gamboge et une sienne brûlée. J'utilise le même mélange plus le rouge indien lorsque je peins le désert. En peignant le premier plan, j'ajoute un peu d'améthyste pour créer une couleur brun plus foncé. J'éclabousse un peu de couleur pour montrer la texture du sable. Ajoutons un peu de traits au milieu du sol pour rehausser le paysage plain. Je sèche complètement cette couche puis on peut peindre la pyramide. En utilisant une teinte véritable et neutre améthyste et de la sienne brûlée, je crée une couleur brun foncé profond pour peindre la partie supérieure de la pyramide. Voyez à quel point la couleur est épaisse. Maintenant, j'ai un autre pinceau pour mélanger une nuance de marron plus claire pour peindre la partie de la pyramide légèrement éclairée par le soleil. Je mélange la couleur claire et foncée, tout comme ce que nous avons fait pour peindre des silhouettes. Ensuite, je crée une couleur encore plus foncée, presque brun-noir pour peindre l'autre côté de la pyramide. Comme le ton est évidemment plus sombre que l'autre côté, nous créons un sens de la dimension. Nous allons maintenant peindre l'ombre fondue avec du bleu lunaire et de l' améthyste authentique. Je peins l'ombre coulée sur du papier sec pour obtenir une forme nette et nette. J'assombrit l'ombre plus près du chameau et je la fais disparaître lentement. Obtenons maintenant une couleur brun orangé pour la silhouette du chameau. Le même principe que celui que nous avons fait sur la pyramide sera appliqué ici. Ne vous inquiétez pas si vous sentez que votre silhouette ne ressemble pas à un chameau, avec les traits et les couches sombres adéquats, elle sera meilleure. Je rends l'image du cavalier encore plus sombre en utilisant une teinte neutre. Ensuite, j'ajoute quelques points de couleurs sombres à l'arrière-plan, et la peinture est terminée. Félicitations pour avoir terminé les sept premiers jours de ce défi. Je suis tellement ravi de commencer une semaine de plus avec vous. 11. Jour 8 de l'Italie: Je suis très heureux que vous ayez terminé la première moitié de notre tournée mondiale. Je suis sûr que vous découvrirez beaucoup de choses sur aquarelle et vos couleurs, traits et styles préférés. Continuons notre voyage. Aujourd'hui, nous allons voir le magnifique paysage Toscane, en Italie. N'oubliez pas que vous pouvez télécharger la photo de référence dans la section ressources de votre guide. Ici, je dessine la colline. Ensuite, nous dessinons une petite maison en pierre entourée d'arbres. Je vais ajouter une petite maison sur le côté juste pour terminer la position de la maison. Je vais dessiner une montagne en arrière-plan. Ensuite, j'alléger mon croquis en l'effaçant légèrement. Commençons à peindre. J'humidifie mon papier avec un pulvérisateur. Commençons à peindre la lumière à l'horizon avec un léger lavage d'ocre jaune. Ensuite, je mélange améthyste et bleu horizon pour la couleur du ciel. Je mélange aussi doucement les couleurs. J'assombrit la partie supérieure pour créer une perspective aérienne. Puisque nous ajoutons un peu d' améthyste dans le mélange, nous avons évité une couleur verte dans le ciel. Ensuite, peignons les montagnes lointaines fraîches. J'utilise de l'améthyste, bleu d' horizon et de la sienne brûlée pour cette couleur. Je peins les montagnes alors que le ciel est encore humide pour obtenir ce bord doux. J'ai évité de peindre la maison et les arbres. Assurez-vous qu'il y a une continuité lorsque vous peignez votre montagne. Ensuite, je mélange de l'ocre jaune et un peu de sienne brûlée pour peindre la colline. Je laisse tomber un peu de vert pour ajouter un soupçon d'herbe aussi. Maintenant, je fais un coup rapide pour peindre le paysage. J'adore la texture que crée mon pinceau sec au fur et à mesure que je fais ce style. Je continue à peindre la colline, mais maintenant avec un mélange de couleurs verdâtres. Remarquez que je dépose des couleurs sur le bord jaune pour montrer la connexion, puis je refais le coup de pinceau sec pour montrer la pente de la colline. Je continue à peindre de nouveau avec du jaune. Ensuite, ajoutons des éclaboussures de vert pour peindre les détails au premier plan. J'adore la façon dont les éclaboussures créent des détails et de la texture sans entrer dans les détails. C'est comme faire ressortir les caractéristiques uniques de l'aquarelle. Ici, je crée un mélange brun foncé pour peindre la maison en pierre. Lorsque je peins avec mon pinceau à sable, j'ai aplati le pinceau pour avoir un trait uniforme sur le papier. De cette façon, la peinture peut être répartie uniformément sur le pinceau, sorte que l'application sur papier est meilleure. Je ne fais que mélanger doucement différentes nuances de marron en peignant la maison pour créer de la texture. Maintenant, nous allons peindre les arbres. Je peins d'abord la partie éclairée à droite, puis je crée le mélange plus sombre pour peindre les parties ombrées à gauche. J'adore la teinte claire du vert, je crée en utilisant le vert olive et l'ocre jaune, puis le vert vert olive et le bleu lunaire, et le vert foncé utilisant le vert olive, bleu lunaire et l'indigo. Lorsque vous utilisez souvent la même palette de couleurs, vous créez un thème de sens des couleurs sur vos peintures. Même si vous les mélangez et les associez, les couleurs n'ont pas vraiment l'air boueuses. Cette piste, contrairement à l'utilisation de nombreuses peintures à l' aquarelle prémélangées différentes. Ici, je viens de terminer la peinture des arbres autour de la maison. J'ai également laissé de petits espaces blancs comme ce que nous avons fait sur le cerisier en fleurs. Maintenant, peignons avec un ton plus clair, la maison sur le côté. C'est juste un supplément sur la position à domicile et pas vraiment le point focal. N'oubliez pas que lorsque vous peignez, vous devez garder le point focal comme le point focal. Les autres éléments ne doivent pas l'emporter. Cela rendra votre œuvre d'art agréable aux yeux, et deuxièmement, cela aidera vos spectateurs à voir à première vue l'essentiel de votre peinture. C'est notre dernier tableau. Explorons la peinture de textures de montagne lors de notre prochaine leçon. 12. Jour 9 Suisse: Aujourd'hui, nous allons peindre la vidéo fascinante de la Suisse. Nous allons peindre de hautes montagnes avec des feuilles de neige au sommet des montagnes et bien sûr un confortable chalet suisse. Commençons par dessiner les chaînes de montagnes. Nous ne dessinons pas de montagnes avec des lignes courbes comme le font les enfants. Nous devrions garder les contours déchiquetés. Ensuite, dessinons le chalet au pied de la montagne. Faisons en sorte que ce croquis soit aussi simple que possible. J'ajoute quelques lignes pour montrer la porte et les fenêtres. Maintenant, nous allons peindre. Ici, j'ai un mélange de vert olive et améthyste authentique pour peindre les crêtes de montagne. Je veux que vous fassiez attention à la façon dont je fais les coups. Tout d'abord, les poils de ma brosse sont aplatis. La consistance de ma peinture est un peu crémeuse. Troisièmement, mon pinceau ne contient pas beaucoup d'eau, ce qui me permet de créer des coups de pinceau secs. Cela nous donne une impression instantanée de neige sur la montagne. Je commence mon coup au bord de la montagne pour obtenir une bordure dure, puis je fais rapidement glisser mon pinceau dans la direction qui montrera la forme de la montagne. Gardez toujours votre mélange épais et crémeux. Si votre mélange est aqueux, vous ne pourrez pas faire ce coup. Ensuite, j'obtiendrais un léger lavage d' ocre et je le mélangerais avec un peu de couleurs vert foncé pour peindre la partie inférieure de la montagne. Ici, le lavage doit être très léger. Bien que la zone soit humide, je laisse tomber quelques touches de couleur foncée pour créer la texture générale et la dimension de la montagne. Ici, j'assombrit la zone autour du toit pour définir sa forme. C'est comme faire de la peinture négative. Comme nous ne voulons pas trop de taches blanches sur la montagne, nous l'atténuons simplement en superposant un lavage plus doux d'ocre jaune clair. Sur le côté droit de la montagne, je change de couleur pour la rendre similaire à la photo de référence. Encore une fois, nous commençons par des coups secs sur le dessus, puis nous nous éteignons lorsque nous descendons la montagne. Ici, sur la colline, je dessine traits verticaux pour représenter des arbres lointains. Je varie la taille et la hauteur. Le trait est également mélangé au fond humide car nous voulons qu'il fasse partie du milieu. Je fais la même technique pour peindre les prairies. Je fais quelques coups rapides et je garde connexion des couleurs chaque fois que je change de couleur. Je fais même des éclaboussures de peinture pour effet aquarelle plus libérateur. Ici, au premier plan, j'assombrit la couleur verte en ajoutant de l'indigo à mon mélange. Ensuite, je fais des éclaboussures de couleurs jaunes et orange pour montrer une impression de fleurs sauvages au premier plan. Nous en avons presque fini avec les prairies. Ajoutons un peu de détails sur la montagne car la couche est déjà sèche. Ici, sur cette étape, nous ajoutons la dimension pour qu'elle ne soit pas plate. Nous voulons montrer une impression de chaîne de montagnes avec de petits coups. Garder les sommets des montagnes vraiment sombres est la clé pour le rendre plus vivant. Ensuite, nous allons peindre le chalet. Je commence par le toit en utilisant [inaudible]. Ensuite, avec une peinture plus foncée et plus crémeuse, je peins le côté de la maison face à nous. Rappelez-vous le principe qui consiste à peindre les côtés du phare avec des tons changeants pour montrer la dimension, c'est exactement ce que nous faisons ici. Ajoutons plus de profondeur au chalet en ajoutant des traits plus sombres. Ici, j'utilise mon pinceau synthétique pour des coups nets. Maintenant, je suis en train de définir la forme de la maison en faisant de la peinture négative. En guise d'accent, j'ai mis quelques traits blancs sur la maison et au premier plan. Nous pouvons nous arrêter à partir d'ici car le tableau semble complet, mais je pense que nous pouvons améliorer la peinture en ajoutant un peu de couleur sur le ciel pour créer également du contraste. J'humidifie la zone du ciel avec de l'eau, puis je peins un léger lavage de bleu d' horizon et d'améthystes ici sur le grand espace vide à gauche. Puisque le premier lavage a l'air si pâle et gris, je le rends plus éclatant en ajoutant un peu de bleu d'horizon. Je garde les bords doux en pulvérisant un peu d'eau. Nous sommes tous finis maintenant. Le prochain sera les vieux moulins et les prairies. Je vous verrai lors de notre prochaine leçon. 13. Jour 10: Notre voyage ne serait pas complet sans un voyage dans un ancien moulin au Danemark. L'esquisse est assez simple, mais nous devons suivre la règle de perspective pour rendre l' image belle. première étape consiste à définir la ligne d'horizon et attribuer un point de fuite à l'intérieur de cette ligne. Ensuite, toutes les lignes que vous allez dessiner sur la plaine doivent croiser sur le point de fuite pour garantir une perspective correcte. Ici, lorsque nous tracons la route, toutes les lignes doivent être dirigées vers un point de fuite à l' intérieur de la ligne d'horizon. C'est ce que nous appelons une perspective à point unique. Maintenant, dessinons le poteau en bois des deux côtés de la route. Je fais juste un croquis grossier et je le garde très lâche. Enfin, dessinons l'ancien moulin ici en haut de la ligne d'horizon. Je commence par le toit, puis par un contour de base de la structure et enfin des turbines. Je dessine quelques détails au milieu pour améliorer la composition. Ces détails ne doivent pas nécessairement être un objet particulier. Les lignes et les formes vont réellement faire le travail. Commençons maintenant. J'humidifie toute la page avec un vaporisateur. Ensuite, je mélange la couleur de mon ciel en utilisant l'authentique améthyste et le bleu horizon. Je fais le mélange penché vers la nuance bleue pour créer une journée brillante. N'oubliez pas de rendre les parties supérieures plus sombres pour une perspective aérienne. Ensuite, je prends de l'ocre et mélange vert pour peindre l'horizon. J'incline un peu mon papier pour éviter les refoulements de peinture. Je varie mes traits allant du trait horizontal plat au tamponnage de pinceau et aux éclaboussures de peintures pour rendre mon paysage plus intéressant. Comme le sujet semble trop clair à cause des éléments très minimes, nous créons un intérêt supplémentaire en faisant varier nos coups de pinceau lorsque nous dépeignons les buissons, herbe et la route. Lorsque je peins les verts sur la route, il devrait y avoir une transition entre la lumière et l'obscurité à partir du point de fuite. La direction de mon coup doit également suivre la direction du fragment. Par exemple, lorsque je peins l' herbe entre la route, j'ai fait un coup de diagonale rapide à partir du point de fuite. Puis, en peignant le milieu, j'ai fait des coups horizontaux comme lavage de base, puis j'ai laissé tomber quelques verts pour représenter l'herbe. Ici, je peins le sol en utilisant [inaudible]. Éclavons de la peinture ocre jaune épaisse pour dépeindre les fleurs au premier plan. J'ajoute également des éclaboussures de [inaudible] pour créer des accents et des connexions dans les couleurs au premier plan. Je gratte le buisson pour créer de la texture sur cette tache de couleur solide. Je sèche complètement le papier , puis je vais peindre le poteau en bois. À l'aide d'un pinceau synthétique, je peins chacun d'un coup sec. La peinture doit être suffisamment épaisse pour se démarquer des verts à l'arrière-plan. Je crée de la dimension même sur ce post en assombrissant un côté de celui-ci. Ensuite, je le connecte au sol, en ajoutant des coups de lame d'herbe à l'aide de peinture vert foncé. Rehaussons les fragments de route avec quelques points sombres. Je reviens à peindre les poteaux en bois avec peinture foncée pour définir les côtés. Ensuite, peignons le moulin à vent avec des restes de peintures. N'oubliez pas que le principe est partagé lors la peinture des montgolfières. Nous établissons le même principe, à cette étape. Nous donnons à la forme un aspect arrondi lorsque nous créons une transition dans la valeur tonale. Appliquer des tons foncés sur la partie ombragée et des tons clairs sur la partie éclairée. Ensuite, nous allons peindre le toit et les turbines. Remarquez que je peins les turbines avec une couleur antique très sombre car je veux qu'elles soient si nettes. Puisque c'est notre point focal, il doit se démarquer. Et la seule façon de le faire est de rendre le ton plus sombre. Peignons les abeilles et créons l'impression de clôtures autour d' elles à l'aide de coups de riz. J'ajoute maintenant des taches de sienne foncée brûlée et de couleur d' aile foncée au premier plan pour améliorer et définir le fragment de route. Au fur et à mesure que vous effectuez cette étape, faites le choix entre quelques taches systématiques d'AVC. L'objectif principal de cette étape est de contrôler la route à l'aide de traits ou de lignes suggestives. Il n'est pas nécessaire de tracer la route avec une ligne droite. Les taches de couleur cassées sont un moyen meilleur et non destructeur de contrôler la forme. Finaliser en ajoutant de minuscules coups d'herbe au milieu et au premier plan. Vous pouvez également ajouter des éclaboussures finales de peinture jaune épaisse au premier plan. Enfin, assombrir les turbines au besoin. Vous pouvez également ajouter de très petits coups d'oiseaux dans le ciel pour le rendre plus joli. C'est notre dernier tableau. Pour la prochaine leçon, nous nous concentrerons sur la création de textures rugueuses en utilisant les propriétés uniques des aquarelles granulées. 14. Jour 11: Textures, tons, aquarelles granulées. La leçon d'aujourd'hui portera sur ces trois éléments. Nous allons peindre ce magnifique monument préhistorique, le Stonehenge au Royaume-Uni. Nous commençons l'esquisse en dessinant les pierres horizontales et debout. Si vous regardez le mouvement de ma main, je dessine les pierres en secouant intentionnellement ma main un peu. Je garde la forme très irrégulière pour rendre plus réaliste. Après avoir dessiné cela, j'ai installé le sol et j' ajoute un petit rocher ici au premier plan. Commençons maintenant à peindre. J'humidifie mon papier avec un vaporisateur et je prépare ma peinture Hematite Genuine. La particularité de cette couleur est sa propriété de granulation. La granulation est l' effet que vous obtenez lorsque les particules pigmentaires s' agglutinent ensemble plutôt que de se déposer uniformément sur la surface peinte. Cet effet rend la peinture de roches ou textures de pierre très naturelle et facile. Je vais mélanger de l' hématite Genuine sur mes peintures pour créer un effet granulant sur le papier. Nous faisons ressortir toute la beauté de granulation en plaçant une bonne quantité d'eau sur la surface, puis en faisant tomber une quantité généreuse de peinture granulée sur cette surface humide. Ici, sur notre première tonalité, après avoir placé le lavage de base, j'ajoute une autre couche de peinture granulée alors qu'elle est encore humide pour faire ressortir l'effet granulant. La même chose que je fais avec la pierre horizontale sur le dessus. Maintenant, je crée des tons sombres en utilisant la branche et l'hématite Genuine. Continuons à peindre. Je peins le lavage de base de ce ton avec un léger lavage. Déposez ensuite une bonne quantité d' Hématite Genuine sur la surface humide. Je laisse les peintures se fondre ou se répandre naturellement afin ne pas gêner le mouvement des couleurs. Je dessine la pierre avec une couleur plus foncée pour apporter de la dimension. Passons à la pierre suivante. Je fais la même étape peignant le lavage de base avec un ton clair. Ensuite, j'ai un ton plus foncé et j'en laisse quelques notes pour montrer la texture rugueuse et la couleur irrégulière de la surface. Ici, je veux souligner le côté éclairé de la roche, alors je peins le côté avec un mélange de bleu d' horizon et d' améthyste authentique. Je retourne à l'autre rocher et j'assombrit certaines taches qui doivent être vraiment sombres pour le rendre plus vivant. Continuons à peindre l'autre. Le processus est très répétitif. Lorsque vous vous entraînez à peindre des roches, n'oubliez pas que nous devons montrer de la dimension et texture en jouant avec les tons. Nous créons de la dimension en veillant à ce que l'autre côté de la pierre à l'ombre ait un ton sombre tandis que le côté de la pierre éclairée par le soleil a une tonalité claire très distincte. Ensuite, nous créons de la texture sur la pierre en créant des mélanges de couleurs légèrement similaires en valeur tonale, mais un peu différents dans la teinte. En ce moment, vous pouvez remarquer que les pierres semblent encore un peu plates, car il n'y a pas de contraste fort entre les côtés des pierres. Mais plus tard, je vais vous montrer comment distinguer les côtés en ajoutant des valeurs tonales contrastées. Pendant que nous attendons que la couche soit sèche, peignons l'herbe. J'utilise toujours mon vert olive avec un peu de bleu. Puisque l'herbe n'est pas vraiment notre point focal, nous pouvons la peindre avec des lavages légers et en vrac. Il suffit de créer des jeux de couleurs entre les verts et les oranges pour le rendre plus vivant et non terne. Je peins ces petits rochers au premier plan avec des couleurs claires car elles ne sont pas notre point focal, et nous ne voulons pas qu'elles volent avec des couleurs claires car elles ne sont pas notre point focal, et nous ne voulons pas qu'elles volent l'attention du Stonehenge. Assombrissons la bande verte sous le Stonehenge. C'est également un bon moyen de relier les pierres au sol. Maintenant, j'utilise un pinceau synthétique et je crée un brun foncé à l'aide d'une branche et d'une teinte neutre. C'est la partie où nous améliorons le contraste sur les pierres pour les rendre dimensionnelles. À l'aide de traits secs, j'assombrit certaines parties des bords pour créer des images séparées entre les deux côtés. Encore une fois, vous n'avez pas besoin décrire complètement l'ensemble du côté, faites simplement des traits suggestifs et cela suffira. Ici, je mélange la couleur du ciel. Le mélange ne devrait pas être trop lumineux. Je n'ai pas prémouillé le fond avant de peindre le bleu parce que je ne veux pas que les couleurs des pierres saignent. Nous avons besoin d'une bordure dure entre le ciel et les pierres pour souligner la texture rugueuse et solide. Je continue de peindre le ciel avec des lavages doux et de pulvériser de l'eau uniquement sur les bords. J'ajoute des points très légers de branche à l'horizon. Ils s'assombrissent aussi, encore quelques coins et fissures sur les pierres et de petits points et taches comme celui-ci pour améliorer encore l'image. Soyez juste conscient de ne pas exagérer le trait ou de ne pas ajouter pierres foncées sur les côtés qui devraient être claires. Ajoutons quelques détails finaux et accents et notre peinture est complète. Appliquons la plupart des techniques et des accidents vasculaires cérébraux que nous avons apprises lors des leçons précédentes de notre prochain projet. 15. Jour 12 de 12: Pour la destination d'aujourd'hui, visitons le Red Rock Canyon, sommets de grès rouge et la route désertique. Nous appliquerons toutes les techniques et principes que nous avons appris en commençant par la perspective. Maintenant, tracons la ligne d' horizon, puis identifions votre point de fuite à l' intérieur de cette ligne d'horizon. De là, nous dessinons le guide de la route et des limites du désert. Toutes les lignes doivent être dirigées vers le point de fuite. Ensuite, dessinons la camionnette. Faites légèrement le toit au-dessus de la ligne d'horizon. Les côtés de la camionnette devraient également se diriger vers le point de fuite pour s'assurer que nous obtenons la bonne perspective dans notre dessin. Dessinons également l' ombre de la voiture sur le sol. Ensuite, nous dessinons les grès. Je fais un croquis grossier en essayant créer une impression de pics de pierre imposants. Je fais la même chose à droite, mais c'est moins détaillé que celui de gauche. Je finalise mon croquis en m'assurant que toutes les lignes parallèles sont dirigées vers mon point de fuite. Maintenant, nous allons peindre. Humidifiez le papier avec de l'eau. Ensuite, mélangeons la couleur du ciel en utilisant de l'améthyste authentique et du bleu Horizon. Je remarque que j'ai un bleu très vif au milieu, alors j'essaie de le diluer en ajoutant un peu d'eau. Je laisse intentionnellement des espaces blancs pour montrer une impression de nuages dans le ciel. Ici, je laisse tomber quelques tons de bleu foncé sur la partie supérieure. Ensuite, nous allons peindre les grès. Je reçois un mélange épais et crémeux de sienne brûlée et peins le fragment avec des traits vers le bas. J'ajoute un peu d' améthyste pour créer un ton légèrement plus foncé pour la dimension. Utilisez un ton plus foncé pour peindre les flancs ombragés de la montagne. Lorsque vous peignez des sujets comme celui-ci, dans un style expressif, vous n'avez pas besoin d' être aussi précis sur la copie de la photo de référence. Il vous suffit d'identifier quel côté est éclairé par le soleil et quel côté se trouve dans l'ombre pour pouvoir jouer avec lumière et l'ombre et poser les couleurs. Ce n'est pas inconsciemment des tons clairs et sombres. Lorsque vous avez configuré les tons, vous pouvez laisser tomber des notes de couleur pour ajouter des intérêts à la texture. Maintenant, je mélange la teinte rouge indienne et neutre et un peu [inaudible] authentique pour peindre la base de la montagne rugueuse et aussi les aurores très sombres au sommet de la montagne. J'utilise un pinceau synthétique, donc le trait sera si audacieux et contenant presque purement de la peinture. J'utilise le même mélange de couleurs pour les pierres de la partie centrale. Ici, je fais varier les lavages du lavage foncé au laiteux. Je veux que les grès de gauche soient plus détaillés, c'est pourquoi peindre ce gars à droite, n' aura pas beaucoup de détails depuis les traits, il sera plus de mélange de couleurs. Commençons maintenant à peindre le désert à partir de la zone proche de l'horizon. Je peins la zone de sable avec les mêmes mélanges de couleurs que nous avons fait auparavant. Ensuite, peignez ces arbustes au premier plan avec un mélange de verts. Je déplace mon pinceau en copiant le mouvement du tabouret d'herbe. Maintenant, je change le trait sur le côté pour peindre le sol. N'oubliez pas de varier la direction de votre trait en fonction de l'objet ou du fragment que vous dépeignez. J'assombrit quelques portions de l'herbe au premier plan en ajoutant de l' indigo dans mon mélange vert. Nous allons maintenant peindre le sol avec sienne brûlée et un peu d'ocre jaune. J'ai gardé la partie la plus droite légère en faisant des coups secs. J'ai également éclaboussé du bronze foncé de peinture pour une texture de sable. Il s'agit du côté gauche de la route avec peu de coups lâches, car il n'a pas besoin d'être trop coloré, contrairement au fragment de droite. Ensuite, mélangeons la couleur de la route à l'aide de lavande et de teinte neutre, rendons le premier plan plus foncé, puis passons lentement à la lumière lorsque nous nous rapprochons du point de fuite. Séchons complètement cette couche avant de peindre l'évent. En utilisant de l'ocre et du nouveau gamboge, je peins l'arrière de la camionnette avec un pinceau synthétique pour des coups plus contrôlés. Ensuite, je peins le côté avec un ton plus clair de jaune-orange. Ensuite, ajoutons des traits lavande pour peindre la partie supérieure et inférieure de la camionnette et garder quelques taches non peintes pour montrer de la lumière. Ajoutons un peu de contour sombre et peignons les roues avec une teinte neutre très foncée. Je mélange encore une fois la lavande et la teinte neutre pour peindre l'ombre de la camionnette sur la route. Je retourne à la camionnette pour ajouter des lignes et des détails supplémentaires. Nous allons peindre les lignes sur la route. Ce faisant, la ligne devrait être très fine près de la ligne d'horizon, puis s' épaissir progressivement à mesure que nous approchons du premier plan. Pour notre dernière étape, ajoutons des accents de peinture blanche opaque sur la camionnette et sur la route. J'ai encore assombri les roues et j'ai ajouté quelques petits accents comme de petits poteaux du côté désert. Ensuite, nous contournons la route en ajoutant des taches de couleur gris foncé sur le côté. Voici notre peinture finale. Des textures rugueuses, passons maintenant à la peinture de champs floraux vibrants. Je vous verrai lors de la prochaine leçon. 16. Jour 13 de la Nouvelle-Zélande: Bienvenue au Jour 13 où nous visiterons les charmants champs de lavande en Nouvelle-Zélande. Je suis vraiment excité par cette tournée parce que j'adore les lavandes. Commençons par esquisser. Je place l'horizon sur la partie supérieure du papier, puis je dessine les montagnes lointaines. Je fais des traits très légers de quelques rangées d'arbres en arrière-plan. Ensuite, je sélectionne un point de fuite et je l'utilise comme guide pour dessiner les rangées de lavande. J'ai fait cinq rangées de lavande dans le champ. Ensuite, j'efface les lignes inutiles et le point de fuite. J'ai défini un peu mon esquisse principale créant ces contours incurvés sur le bord. Nous ne peindrons pas le terrain en détail, mais j'ai essayé de créer la direction de la lavande, donc je sais comment faire mes coups plus tard. Nous voulons dépeindre cette forme cylindrique, est pourquoi nous en prenons note lorsque nous appliquons des couleurs. Allégeons le croquis et humidifions le papier. En utilisant du bleu d'horizon et des améthystes authentiques, je peins le ciel avec un dégradé très doux. Puisque le premier plan sera lourd de couleurs, nous garderons le ciel simple mais très doux. Je peins également un peu d'ocre à l' horizon pour la lumière du soleil. Ensuite, mélangeons notre vert et notre bleu d'horizon et améthystes authentiques pour peindre toutes les montagnes lointaines. Je peins une montagne avec un peu plus crémeux mélangé dans le ciel. Le fragment de ciel est également encore humide, ce qui me donne ce mélange doux. Ensuite, je mélange bleu lunaire et vert avec un peu d' ocre pour peindre le champ et les arbres près de l'horizon. Je dépose quelques couleurs vert foncé pour créer un calque. Ensuite, peignons la prairie avec des coups de vert rapides en suivant la direction ou l'angle du terrain. Ajoutons une très jolie couleur de lavande à l'aide de lavande et d'améthystes authentiques. Remarquez la consistance de mon mélange. Parce qu'il est crémeux, le mélange entre le violet et le vert est contrôlé, doux et très vibrant. Laissons tomber un peu de couleur violet foncé pour obtenir de la texture. Nous allons maintenant peindre les verts entre les lavandes. Je fais ce même coup de diagonale rapide en vert clair. Ensuite, j'ajoute un ton vert foncé sur le bord. Nous peignons sur du papier sec ici, mais nous travaillons rapidement, sorte que lorsque nous ajoutons une autre couleur, les deux couleurs se fondent bien. Ici, lorsque je peins une lavande, le trait vert est encore humide, laissant un joli lien coloré entre le vert et le violet. Remarquez la direction de mon coup lorsque je peins la lavande. Je fais des traits en demi-cercle en suivant l'esquisse de courbe que j'ai faite plus tôt. lumière vient de la droite, donc nous rendons le côté gauche plus sombre et le côté droit de la lumière lavande. J'affiche avec le rapport et la proportion et lavande et l'améthyste Genuine pour créer différentes nuances. Si je veux un ton plus foncé, j'ajoute plus d'améthyste et moins d'eau dans mon mélange. Si je veux un bon milieu, j'ajoute de la lavande et un peu d'eau. Pour le ton clair, je viens de mettre une généreuse quantité d'eau. Je fais des éclaboussures d'eau dans le champ à l'aide de ma brosse à doublure. Cela créera de minuscules fleurs pour montrer impressions de fleurs délicates. Le trait et l'application d'un ton approprié sont cruciaux pour que votre champ ne soit pas plat et uni. En peignant le côté gauche, je ne l'ai pas rendu aussi détaillé que les autres. C'est presque floue. Créons maintenant des textures par technique de levage. À l'aide d'une brosse à doublure propre contenant de l'eau, je crée des traits vers le bas qui retireront les couleurs du fragment. Le moment de faire cela est très important. Pour obtenir un bel effet, il faut le faire alors que le fragment est un peu humide, ce qui n'est ni trop humide ni trop sec. Au fur et à mesure que le fragment sèche, vous remarquerez lentement quelques lignes de peinture levée. Ensuite, ajoutons quelques points forts en utilisant l'améthyste et la lavande. Laissons sécher cette couche avant d'ajouter quelques détails finaux. J'ai une couleur vert foncé et épaisse pour contourner le champ. Cela donne plus de dimension aux rangées de lavande. J'ai juste mis des touches de peinture et je ne délimite pas vraiment tout le champ. Voyez la différence que cela apporte lorsque nous tampons des peintures sur les lavandes. Il a créé une dimension donnant cette forme arrondie sur les rangées de lavandes. Maintenant, améliorons le milieu en ajoutant quelques traits. Comme les couleurs de la montagne se sont un peu estompées, nous pouvons peindre à nouveau l' impression d'arbres lointains. Je vais ajouter un arbre ici pour créer un équilibre sur la position d'accueil. Je vais peindre l'arbre en commençant par la couleur jaune-vert, puis je connecterai une couleur vert foncé. Finissons en éclaboussant quelques peintures violettes au premier plan, et je vais aussi éclabousser la lavande et enfin, la couleur blanche opaque. Ajoutons encore quelques traits sombres, et c'est fini. Demain est une journée douce-amère pour moi, alors prenons notre dernière leçon dans la vidéo suivante. 17. Jour 14 d'Australie: Terminons notre visite en peignant le rocher de la falaise en Australie. J'ai une première esquisse ici, mais je vais tout de même vous guider tout au long du processus d'esquisse. J'ai commencé par identifier la ligne d'horizon, puis à partir de là, je dessine le sol avec des traits en zigzag, puis des lignes verticales pour dessiner la falaise. Ensuite, je dessine notre point focal, qui est le grand arbre au premier plan. Je ne vais pas dessiner les détails de l'arbre , mais juste le tronc principal et quelques branches. J'utiliserai mon Hematite Genuine et une fois de plus pour créer l' effet granulant de la zone de la falaise. Prémouillons le papier avec peu d'eau. J'utilise de l'ocre jaune pour peindre le sol. Je fais un lavage très léger juste pour créer la couleur de base. Ensuite, je mélange quelques verts brunâtres avec de l'olive et [inaudible]. Ici, j'ai une couleur vert foncé pour peindre les arbres en arrière-plan. Je peins avec différentes nuances de vert pour que ce ne soit pas un long trait vert uni et monotone. Nous allons maintenant peindre la texture de la falaise. Je commence par pré-mouiller légèrement le fragment de roche, puis je tomberai dans un mélange épais de brun mélangé à Hematite Genuine. J'ai laissé couler la peinture tout seul. Je renforce la couleur sur le bord pour plus de contraste. J'aide la peinture à s'écouler davantage en pulvérisant de l'eau. Ici, nous pouvons maintenant voir le dégradé de couleur sur le rocher de la falaise. Retirons la flaque d'eau avec notre brosse pour éviter qu'elle ne coule au premier plan. J'ajoute un peu de couleur brun orangé chaud sur la surface pour m'intéresser. Appliquons maintenant une fois de plus le principe nous avons appris lors de la peinture de grès. Nous identifions la partie ombrée afin de les rendre sombres dans le ton. Cela donnera une dimension à l' image. J'ai continué à peindre le côté gauche en suivant la même étape, mais cette fois, la couleur est penchée sur une teinte brune et pas aussi sombre que les premières au milieu. Maintenant que la partie centrale est sèche, je vais peindre la falaise et l'arrière-plan. Notez que je varie les nuances de brun en fonction du côté de l'ombre. Ici, j'ai peint des traits secs verts pour montrer des arbres sur la falaise. Terminons la dernière falaise ici à droite. Maintenant, nous allons peindre la prairie. Je commence par des coups descendants qui copient le mouvement de l'herbe. Ensuite, je fais un lavage pour peindre le sol. Je fais toujours le lavage rapide à sec vers le bord de la terre. Au pied du tronc, je peins une nuance d'herbe vert foncé. Bien sûr, cela ne sera pas complet sans éclaboussures. Continuons à peindre les arbres. Nous appliquons la même technique que sur le cerisier en fleurs. Nous mouillons le papier en faisant rouler le pinceau. Ensuite, nous mettons des notes de couleurs et laissons de petits espaces blancs pour éviter de grosses taches de peinture. Nous ajoutons également une nuance de vert foncé pour construire le volume de l'arbre. J'ajoute encore quelques coups secs sur le bord de la branche. Maintenant, nous allons sécher cette couche pour que nous puissions peindre le tronc. Je commence par la partie surlignée du tronc en utilisant un mélange d'améthyste et de bleu d'horizon, je le rend très léger. Ensuite, j'ai une teinte brune sombre pour peindre les taches sombres du tronc. Je peins également les branches avec un coup de pinceau sec. À l'aide d'un pinceau, je peins quelques brindilles au bout des branches. Je garde ce coup tremblant et très mince. C'est comme danser ou tortiller votre brosse avec une très légère pression. Maintenant, j'ajoute un mélange crémeux d' ocre comme reflets et accents sur mon arbre. Je fais la même chose avec Burnt Sienna. Je les garde mélangés très épais donc ça aura l'air un peu aussi. La dernière étape, j' assombrit encore quelques points sur la falaise pour plus de contraste. Ajoutons également quelques plis d'herbe comme détails finaux et c'est fini. C'est notre dernier tableau. Merci beaucoup d'avoir terminé défi de 14 jours avec moi. Examinons et évaluons notre expérience dans la vidéo suivante. 18. Évaluer votre style: Félicitations pour avoir terminé les 14 jours de peinture de paysage avec moi. Vous êtes un vrai gagnant. Compléter toutes ces 14 instructions prouve à quel point vous êtes dévoué, passionné et engagé dans le développement de vos compétences en peinture, alors gardez le feu brûlant et n'abandonnez jamais. Nous allons entreprendre une auto-évaluation pour voir quels sont vos points forts et vos lacunes. Ensuite, vous pourrez vous concentrer sur l'amélioration de votre style personnel. Parcourez les 14 tableaux que vous avez réalisés et essayez d'observer très attentivement vos œuvres. Essayez d'identifier les techniques, les traits et les effets que vous aimez vraiment faire et aimez intégrer dans vos œuvres d'art. Par exemple, essayez de vous demander si peinture mouillée sur mouillé est une approche agréable pour vous ? Ou s'agit-il d'une superposition de peintures à l'aide de peintures humides à sec ? Deuxièmement, est-ce que vous trouvez satisfaisant de travailler sur chaque détail, ou vous êtes comme moi qui aime dépeindre détails avec des traits et des éclaboussures lâches et expressifs ? Je veux que vous identifiiez vos forces. N'oubliez pas que l' approche qui vous permet de vous exprimer le mieux, celle qui vous rend heureux et inspiré. Ensuite, identifiez les défis que vous avez rencontrés, peut s'agir de techniques que vous avez aimées mais que vous avez des difficultés à exécuter. Si c'est le cas, continuez à pratiquer et à étudier cette technique. Ne laissez pas la frustration gêner le chemin. Grâce à une étude et à une pratique cohérentes, vous l'obtiendrez éventuellement. D'autre part, si ces luttes ne sont pas réellement pertinentes pour vous, vous pouvez le garer en premier et concentrer sur le développement de vos forces et travailler sur les domaines qui vous sont utiles. Je vous encourage à les énumérer et à aller de l'avant, à penser aux opportunités où vous pouvez intentionnellement appliquer ces observations. Chaque fois que vous regardez des cours, au lieu d'essayer exactement la façon dont l'instructeur peint, mettez-vous au défi d'incorporer vos traits et techniques préférés tout en appliquant les nouveaux apprentissages que vous obtenez d'observer leur style. Plus important encore, continuez l'habitude de peindre tous les jours. Les récompenses d'une bonne habitude ne sont peut-être pas immédiates, mais auront certainement un impact sur votre vie, votre voyage à l'aquarelle à long terme. C'est ma plus grande passion de vous aider, non seulement à peindre, mais aussi à grandir en tant qu'artiste. N'hésitez pas à laisser dans la section discussion toute aide dont vous avez particulièrement besoin ou tout sujet de peinture que vous aimeriez apprendre davantage. J'aimerais entendre parler de vous et voir comment cela peut le mieux aider et vous guider intentionnellement en tant qu'étudiants. [MUSIQUE] 19. Réflexions finales: Merci beaucoup de vous être joints à moi dans cette classe. J'espère que ce cours vous a aidé à découvrir votre style de peinture personnel, développer une habitude de peinture cohérente et à comprendre parfaitement comment fonctionne l' aquarelle qui vous aidera sûrement . peignez n'importe quel sujet que vous souhaitez peindre. Je suis ravi de voir votre travail, alors veuillez les télécharger dans la section projet située sous cette vidéo. Vous pouvez également partager des œuvres sur Instagram et me taguer biancarayala, afin que je puisse voir votre travail et partager vos commentaires. Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours, et j'espère vous voir dans mes autres cours.