Fleurs expressives à l'aquarelle : Peindre en toute liberté avec de l'expression et du style

1. Bienvenue dans ce cours: [MUSIQUE] L'art ne consiste pas à créer des peintures parfaites, mais à peindre du cœur pour capturer l'essence des choses qui vous rendent heureux. Bonjour à tous, je suis Bianca Rayala. J'ai débuté en tant que comptable public agréé dans le cabinet d'audit numéro un des Philippines. Cependant, au fil des années, j'ai ressenti un profond sentiment d' insatisfaction dans mon cœur. Jusqu'à un jour, j'ai découvert la joie de la peinture à l'aquarelle, ce qui m'a amené à prendre la décision audacieuse de quitter ma carrière d'entreprise florissante et poursuivre ma passion pour la peinture. Au fil des ans, je me suis consacré à perfectionner mes compétences en accordant une grande importance à l'apprentissage constant et sans fin. J'assiste à diverses classes de maître aquarelle organisées par des artistes locaux et internationaux renommés. Je participe également à des expositions d' aquarelle et j'organise mes propres ateliers en personne et en ligne comme Skillshare Top Teacher, Silver Brush et Etch Studio Educator. Au fil des années, j'ai enseigné des milliers d'étudiants à travers le monde, et j'ai pour objectif d'inspirer les gens à découvrir et à poursuivre leur passion créative. Ce cours n'est pas destiné à vous fournir simplement une instruction étape par étape sur la façon de peindre une fleur. Il vise à vous inspirer à vous sentir libre de créer des peintures qui apporteront votre vraie joie et votre épanouissement. Nous commencerons par choisir les bons matériaux tels que les peintures et les pinceaux qui rendront votre parcours créatif beaucoup plus excitant. Ensuite, nous travaillerons à renforcer la confiance en travaillant avec beaucoup d'eau et de couleur en apprenant à lâcher prise. Je partagerai également des pinceaux uniques et des techniques spéciales pour permettre à l'eau et aux couleurs de bouger librement et de tirer le meilleur parti de votre aquarelle. Après cela, je vais vous expliquer comment assouplir votre style de peinture et comment dépeindre l'essence des fleurs en combinant techniques et coups de pinceau expressifs. Je vais vous guider étape par étape en peignant une variété éblouissante de fleurs printanières. À la fin du cours, vous découvrirez le potentiel infini de l'aquarelle, surmonterez la peur du flux d'aquarelle et des éclats de couleurs, et gagnerez un sentiment renouvelé de passion et d'enthousiasme pour la peinture. Si c'est ce que vous désirez vivre, prenez vos pinceaux et faisons le voyage ensemble. [MUSIQUE] 2. Fournitures: Les matériaux que vous utilisez sont la clé de votre succès en tant qu'artiste. Dans cette leçon, je vais vous aider à choisir le matériel approprié dont vous avez besoin pour commencer. La grandeur est que lorsqu'il s'agit de peindre des fleurs à l'aquarelle, vous n'avez pas besoin de beaucoup de couleurs et de pinceaux pour commencer. Parlons de peintures. aquarelle est un excellent support pour peindre des fleurs dans un style expressif en raison de délicatesse et de sa transparence. Puisque l'eau est le principal moyen de travail à l'aquarelle, elle est parfaite pour créer un flux, traits expressifs et des effets. aquarelle est fabriquée en deux qualités différentes, note d' artiste et la note étudiante, mais le principal avantage de choisir des peintures de qualité artiste est que vous évitez d'obtenir des mélanges boueux. Pour ce cours, j'utilise les couleurs de Schmincke Horadam Aquarell. Ce qui les rend vraiment géniaux, c'est que la majorité de leurs peintures sont des tons pigmentaires, ce qui signifie que les couleurs sont propres et restent brillantes lorsqu'elles sont mélangées à d'autres couleurs. Maintenant, les couleurs de ma palette sont les suivantes : jaune Naples, jaune transparent, orange cadmium, ocre jaune, branche Jenna, Perylène en rouge foncé. Violet de perylène, magenta de quinacridone, bleu cobalt, turquoise cobalt, violet de cobalt, violet cobalt, peinture grise, vert olive, indigo, indigo des profondeurs, bleu prussien, bleu glacé. Cette couleur est comme le blanc titane avec une touche de bleu. Rose Oprah, violet de manganèse, orange jaune, sépia. Dans chaque leçon, je vous guiderai soigneusement dans le mélange des couleurs, afin que vous puissiez facilement suivre. Je vous encourage également à utiliser les couleurs que vous avez actuellement et vous n'avez pas nécessairement besoin d'obtenir exactement les mêmes couleurs que celles que j'utilise pour ce cours. Parlons maintenant de papier. La particularité du papier aquarelle, c'est sa capacité à rester intacte lors du trempage. Il est également de texture rugueuse appelée mec qui lave et produit de beaux effets d'aquarelle. Les papiers aquarelle sont disponibles en différentes textures de surface, à savoir pressé à chaud ou lisse, pressé à froid, texture moyenne et rugueuse. Celui que j'utiliserai pour le cours est un papier aquarelle Baohong pressé à froid en 300 g/m². Il est composé à 100  % de coton. papier presse à froid est le papier le plus couramment utilisé car il a la bonne texture pour maintenir la peinture et créer des détails fins. Outre les peintures, l' outil le plus important de la peinture à l' aquarelle est vos pinceaux. Les pinceaux ronds sont le pinceau le plus utile et le plus polyvalent pour tous les sujets de peinture. Les pinceaux sont disponibles dans une variété de tailles, mais vous n'avez pas besoin de compléter chaque taille ou d'une vaste sélection. Si vous avez un pinceau qui a une pointe fine et un ventre plein, vous êtes prêt à partir. Un bon pinceau doit avoir ces deux qualités, sorte qu'il peut être utilisé pour des traits larges et détaillés. Les pinceaux que j'utilise pour tous mes tableaux proviennent de Silver Brush Limited. Ce sont des pinceaux renaissance. Il est fait de poils de sable naturel et possède une bonne capacité de rétention d'eau et de pigment. J'ai les tailles 6 et 8 comme pinceau de travail et la taille 10 pour peindre des lavages plus grands sur le fond. Comme ces pinceaux sont faits de poils d'animaux naturels, ils sont assez chers mais durent toute une vie s'ils sont bien pris en charge. Pinceau ultra rond Silver Silk 88, taille 8 et 2, est un pinceau synthétique très flexible et offre un bon accrochage. Je l'ai adoré pour peindre de beaux détails. C'est comme peindre avec un stylo parce que vous maîtrisez bien les traits. D'autres matériaux essentiels pour le cours sont une palette de mélange, du papier de soie, deux pots d'eau, un pulvérisateur d'eau, un crayon et une gomme à effacer. Toutes les photos de référence et peinture finale peuvent être téléchargées dans la section ressources l' onglet Projet et ressources sous cette vidéo. N'oubliez pas de les télécharger pour votre guide lorsque vous peignez avec moi. Apprenez-en plus sur vos coups de pinceau, le contrôle des pinceaux et plus encore sur la vidéo suivante. 3. Travail au pinceau: brossage est la façon dont les artistes utilisent leur pinceau comme il est évident dans leurs peintures. Savoir comment manipuler vos pinceaux fait une grande différence dans votre confiance en tant qu'artiste et ne ressentez pas la joie de peindre. Il est très important de connaître vos pinceaux et les différentes marques qu'ils peuvent créer en pratiquant sur un papier séparé. Vous pouvez effectuer différents traits lorsque vous modifiez la pression exercée sur la brosse lorsque vous changez les angles ou lorsque vous tournez ou agitez le pinceau pour créer des formes variées. Pratiquons cela en utilisant la brosse à cheveux naturelle et la brosse synthétique que j'ai. Ce faisant, vous pouvez également comparer la caractéristique unique de vos pinceaux. Nous allons peindre des lignes. Chargez complètement le pinceau avec du pigment, puis faites glisser une ligne le long du papier. Notez qu'en appuyant doucement sur le pinceau, vous pouvez créer des traits plus larges tout en appliquant une pression très minimale et avec la pointe qui touche le papier, nous créons des lignes fines. Je vous encourage à expérimenter différentes positions des mains. Essayez de tenir le pinceau près du fébrile pour obtenir un contrôle maximal. Cette position est parfaite pour les travaux étroits et fins. D'autre part, le fait de tenir la brosse près de l'extrémité du manche vous donne un trait lâche et expressif. Je vais faire ce même exercice avec mon pinceau synthétique. Ici, nous pouvons voir combien d'eau et de pigment la brosse à cheveux naturelle peut contenir par rapport à la brosse synthétique. Nous pouvons également constater que cette brosse en soie argentée est vraiment conçue pour des traits fins et des détails précis. Une autre chose que j'aimerais partager est le chargement des pinceaux. La quantité d'eau et de pigment dans votre brosse dépend du résultat que vous souhaitez obtenir. Par exemple, ici, je charge complètement ma brosse de pigment, puis je retire l'excès d'eau en le tamponnant sur un mouchoir avant d' aplatir les poils. Cette technique est appropriée lorsque les couleurs relient les couleurs pour augmenter la profondeur sur les pétales ou les feuilles. Quand ils aplatissent les poils de mon pinceau rond, la couleur est bien répartie à chaque coup. Cependant, lorsque je veux poser le lavage initial ou créer des effets d'aquarelle spéciaux tels que le flux d'aquarelle, je charge mon pinceau avec beaucoup d'eau, cette fois ne retire pas l' excès d'eau du pinceau, et s'assurer que le ventre est vraiment plein pour créer un coup d'eau. Ceci est également applicable lors des éclaboussures de peintures. Le pinceau doit contenir une quantité très généreuse de pigment et d'eau pour que vous puissiez créer de bonnes éclaboussures. Maintenant, pour peindre les détails, je ramène mon pinceau à son bout pointu, chargé d'un mélange crémeux de pigments pour créer des traits précis. Enfin, nous créons un coup de pinceau sec en chargeant notre pinceau avec un mélange crémeux de peinture avec très peu d'eau. Retirez l'excès d'eau sur la partie inférieure de la brosse, aplatissez les poils, puis faites un coup de glissement rapide pour obtenir l'effet de course sèche. 4. Créer de la confiance: Admettons que vous soyez un artiste débutant ou expérimenté, il peut parfois y avoir peur de lâcher prise. La plupart du temps, vous avez peur d'utiliser trop d' eau alors qu'en fait, l'eau est l'élément clé pour créer de la magie avec l'aquarelle. Dans cette leçon, je vais vous aider à renforcer votre confiance en utilisant de l'eau pour obtenir des résultats incroyables grâce à votre aquarelle. Commençons par les flaques de couleur. Coloriez les flaques d'eau lorsqu'elles sont laissées sécher, créez des filigranes comme celui-ci. Ce fond de flaques de couleurs est parfois sous-apprécié car ils sont perçus comme une erreur. Mais cette imperfection est un effet parfait qui peut être utilisé pour des arrière-plans doux et expressifs. Nous créons cet effet en faisant tomber de l'eau ou du pigment d'eau sur un papier humide. La clé ici est de déposer la flaque d'eau sur un papier humide ou humide. Si le papier est encore très humide, les deux couleurs se fondent tout simplement douceur au fur et à mesure qu'elles sèchent. Je vais vous montrer plus de détails sur cette technique lors de nos exercices qui ont suivi. Je répète la même démo sur le côté droit, en variant le niveau d'humidité du papier lorsque je suis tombé dans le pigment. Cette fois, le papier est moins humide que le premier. Maintenant, je vais sécher les flaques d'eau avec mon pistolet thermique. Les filigranes commenceront à s'afficher une fois que le papier sera complètement sec. Le temps de séchage a également un effet sur les résultats. Plus le temps de séchage est rapide, moins les fleurs sont dramatiques. Dans mon cas, puisque j'utilise un pistolet thermique, je contrôle en quelque sorte la croissance des fleurs. Au contraire, lorsque vous laissez sécher la peinture seule, les fleurs peuvent grossir et créer des fleurs plus spectaculaires. Ensuite, l'effet goutte à l'aquarelle. Nous y parvenons en chargeant notre pinceau avec du pigment mélangé à beaucoup d'eau, puis en tamponnant le pinceau plusieurs fois au même endroit jusqu'à ce que la peinture s'égoutte, gravité provoquera le démarrage de la peinture. dégoulinant. Ensuite, les saignements d'aquarelle. Pour ce faire, nous prémouillons la partie du papier autour de l'objet, puis en touchant une petite partie de la peinture humide à l' aide d'un pinceau aqueux. La peinture va saigner vers la surface humide. Faisons maintenant l'effet éclaboussures. Je le fais soit avec un pinceau pour éclabousser de la peinture, soit avec mes doigts pour éclabousser de l'eau. Nous varions la direction de l'effet d'éclaboussures en fonction de l'angle de la brosse. Si vous voulez une éclaboussure décolorée, nous l'appliquons lorsque le papier est mouillé ou humide. Mais les éclaboussures distinctes et dures peuvent être obtenues sur un papier sec. Éclabousser de l'eau avec mes doigts sur une surface humide est également un bon moyen de créer des fleurs d'aquarelle douces et petites. La technique suivante dont nous parlerons est la technique d' adoucissement. Pour ce faire, nous utilisons une brosse humide ou avec un pulvérisateur d'eau. Si vous souhaitez simplement adoucir le bord pour mélanger doucement les couches ensemble, nous l'adoucissons à l'aide d'un pinceau humide. Cette technique convient lors de la peinture négative, où vous définissez la forme de l'objet pour montrer sa forme, puis assouplir les bords pour le fondre sur la couleur d' arrière-plan. D'autre part, j'utilise le pulvérisateur d'eau pour adoucir le bord de la peinture afin de créer un effet de décoloration. Je l'utilise souvent non seulement sur des peintures florales, mais aussi sur des paysages lâches où je n' utilise pas de ruban de masquage pour des bordures curieuses. La dernière technique que je partagerai est de gratter. Je l'utilise pour créer des détails en soulevant la couleur du papier en grattant. Je me gratte habituellement à l'aide de mon ongle, mais vous pouvez également utiliser un couteau à palette ou n'importe quel objet tranchant. Lors du grattage, la peinture doit déjà être humide. Si le papier est encore mouillé, la peinture passera à travers le fragment de rayures. Lorsque la peinture est sèche, effet rayant n'est plus possible. Mettons en pratique toutes ces techniques de pinceau et d' aquarelle avec quelques exercices de peinture florale dans les prochaines vidéos. 5. Mettre en œuvre tous: [MUSIQUE] Je crois vraiment que l'art ne doit pas nécessairement être parfait. C'est un moyen d' expression personnelle et d'aquarelle. Si nous gagnons le courage de lâcher le contrôle, d' être intrépide dans l'utilisation de l'eau et laisser bouger librement, oui, il y aura des erreurs et des imperfections, mais je vous garantis que vous n'apprécierez pas seulement le processus, mais vous obtiendrez également des résultats satisfaisants. Pour rassembler toutes les choses que nous apprendrons ensemble, nous allons peindre cinq fleurs printanières éblouissantes avec une personnalité et une expression uniques. Je vous encourage à peindre sur votre propre expression personnelle et à ne pas vous limiter dans la façon dont je les ai particulièrement peints. Nous commencerons par un simple exercice floral, puis progresserons progressivement à travers des projets stimulants mais amusants. N'oubliez pas que notre objectif principal est de vous détendre et de faire l'expérience de la joie de peindre. [MUSIQUE] 6. Marguerites: Pour notre premier exercice de fleurs qui consiste à peindre un petit bouquet de marguerites, nous apprendrons à lâcher et à embrasser imperfection tout en appliquant les techniques j'ai partagées dans la leçon précédente. Commençons par un croquis simple. Je vais dessiner trois marguerites, une sera ici qui est décentrée. Pour m'assurer de dessiner avec une perspective équilibrée, j'ai dessiné un guide pour dessiner des pétales. Tous les pétales se croisent également sur un point au centre de la fleur. Ensuite, je dessine ici une marguerite latérale légèrement au-dessus de la première. Enfin, j'ajoute une autre marguerite ci-dessous créer une composition triangulaire. Je dessine également un croquis grossier des tiges et des minuscules feuilles. Commençons à peindre. N'oubliez pas que notre objectif principal est briser la peur de lâcher prise en particulier d' utiliser plus d'eau, alors lâchez, ne paniquez pas et amusez-vous. J'ai préparé un mélange de couleur vert bleuâtre à partir d'indigo profond et de vert olive. J'utilise de l'indigo profond principalement raison de sa propriété de super granulation. Il crée une belle texture dans le lavage de fond. J'ai également ajouté un peu de jaune Naples pour ajouter de l' épaisseur au mélange. Je commence par faire de la peinture négative. La peinture négative est une technique où vous définissez la forme des pétales et répartissez la peinture autour de l'espace négatif avec une couleur plus foncée pour faire ressortir la forme de la fleur. Ici, j'utilise ma brosse à sable car elle a une bonne capacité de conservation de l'eau et de la peinture. Je peins soigneusement autour la première marguerite en utilisant le mélange de couleurs initial et en ajoutant petit à petit une partie de chaque couleur pour créer une variation. Notez qu'ils ont ajouté plus d'indigo profond sur une portion et un peu plus de turquoise cobalt sur une autre. Ensuite, je charge ma brosse avec beaucoup d'eau et j'adoucit le bord en mouillant de l'extérieur. Je laisse la peinture s'écouler librement vers la surface humide. Ensuite, je reçois un vaporisateur pour créer un flux d' aquarelle. Lorsque vous pulvérisez de l'eau, il est préférable de pulvériser dans la direction éloignée des fleurs pour éviter que la peinture ne saigne vers les pétales blancs. Je continue à peindre négativement la deuxième fleur. Je répète le processus consistant à tracer les pétales avec de la peinture, puis à adoucir le bord avec un pinceau très aqueux. J'utilise également mon pulvérisateur pour mouiller davantage les bords. Maintenant, je remarque que la peinture se fond vers les pétales. mesure du possible, elles doivent rester non peintes car nous voulons représenter des fleurs blanches, mais dans ce cas, nous pouvons simplement lever la couleur avec un pinceau propre et humide. Assurez-vous simplement de nettoyer votre brosse après le coup de levage, afin de ne plus rester dans le fragment. Maintenant, je laisse tomber un peu plus de couleur sur les coins des pétales pour ajouter de la profondeur alors que le fragment est encore mouillé. Je profite également de l'humidité du papier pour créer des effets spéciaux J'éclabousse donc un peu d'orange cadmium mélangé à du jaune transparent à l'arrière-plan. N'oubliez pas que lorsque vous éclaboussez, votre pinceau doit contenir beaucoup de peinture pour créer des éclaboussures magnifiques et audacieuses. En utilisant le même mélange de couleurs, je peins le centre des marguerites. Je laisse une petite tache peinte au centre pour dépeindre la lumière. Ensuite, j'adoucit le bord avec une brosse propre et humide. Nous allons maintenant peindre les tiges avec du vert olive et un peu d'orange cadmium pour une teinte plus chaude. Je ne rends pas le coup très fort et audacieux car j'aimerais garder les tableaux doux et frais. Maintenant, je vais accélérer le processus de séchage à l'aide de mon pistolet thermique. L'aquarelle a tendance à s' alléger au fur et à mesure qu'elle sèche. Le temps de séchage a également un effet sur les résultats. Plus le temps de séchage est rapide, moins les fleurs sont dramatiques. Dans mon cas, puisque j'utilise un pistolet thermique, je contrôle d'une manière ou d'une autre la croissance des fleurs. Au contraire, lorsque vous laissez sécher la peinture seule, les fleurs peuvent grossir et créer des fleurs plus spectaculaires. Maintenant que mon fond est sec, je peux ajouter plus de profondeur autour des fragments de la marguerite. Ici, je suis déjà passé à un pinceau synthétique pour placer couleur plus épaisse et plus saturée, puis j'utiliserai mon pinceau naturel pour adoucir le bord et le mélanger à ma couche initiale. Puisque ma brosse synthétique a une pointe très pointue, je l'utilise pour faire ressortir quelques pétales en le décrivant partiellement. J'utilise mon pinceau naturel pour mélanger la couche en douceur. Lorsque vous effectuez cette étape, assurez-vous que votre brosse à mélanger est humide et contient de l'eau pour éviter toute nouvelle floraison. Je fais la même étape avec la deuxième fleur, j'ai ajouté plus de contraste sur le fragment supérieur. Ce que j'aime pour maquiller les peintures, c'est sa transparence. Je n'ai pas à m'inquiéter de créer des couleurs boueuses lorsque vous mélangez des couches car les peintures sont faites d'un pigment unique. terminer, ajoutons de la profondeur au centre en laissant tomber un ajoutons de la profondeur au centre en laissant tomber ton jaune orange foncé, et je tamponne simplement le bout de mon pinceau au fur et à mesure que je fais cette étape. J'ajoute également un peu de sépia à mon mélange jaune et orange pour obtenir le ton le plus sombre du centre. Enfin, j'ajoute des notes de tons sombres sur les tiges et les minuscules feuilles. Nous laisserons le papier sécher complètement tout seul et laisserons les flaques créer des filigranes uniques sur votre travail. 7. Tulipes: Pour notre deuxième exercice de fleurs, nous pratiquerons des techniques de saignement de couleur, d' éclaboussures et de grattage dans la peinture des tulipes. Dessinons les trois tulipes en partant de la tulipe principale ici près du centre. Je copie la forme sur la photo de référence mais j'incline légèrement l' angle de la fleur. J'en ajoute un autre ici. Celui-ci fleurit déjà et a un centre ouvert. Ensuite, j'ajoute quelques feuilles autour des fleurs. Pour la dernière fleur, j'ai dessiné un bourgeon sur la partie supérieure droite. J'ajoute une autre feuille, juste pour améliorer la position de la maison. Commençons maintenant à peindre. À l'aide de mon pinceau naturel je reçois le mélange laiteux de jaune-orange. Je le dilue avec un peu d'eau et éclabousse quelques peintures au hasard. Ensuite, je me connecte au magenta et j'ajoute un peu de jaune-orange pour peindre l' autre partie des bourgeons. J'aplatis les poils de mon pinceau pendant que je pose les couleurs. Je laisse les couleurs rouge et jaune se fondre naturellement en gardant mes traits très légers et minimaux. De plus, la direction de mon AVC suit le flux du pétale. Maintenant, je peins l'autre pétale avec une peinture plus épaisse et plus saturée. Comme le mélange est épais, il y a eu un saignement très minime et contrôlé entre les pétales. Je regarde la valeur tonale sur la référence et l' obscurité, ainsi qu'un fragment qui doit être profond et sombre pour créer une forme dans la dimension. Maintenant, faisons des saignements de couleurs. Avec la brosse complètement chargée d'eau, je mouille la zone autour de la tulipe et touche légèrement une petite partie de la partie inférieure de la fleur pour que la peinture rouge saigne vers la zone humide. J'éclabousse également quelques peintures sur du papier humide et sec. Ne vous inquiétez pas si vous sentez avoir perdu la forme ou la forme de la tulipe, nous pourrons l'améliorer plus tard. Passons à la fleur suivante. En utilisant le même mélange de couleurs, je peins cette pédale avant avec un ton clair. Ensuite, je mélange rouge foncé de Berlin et le violet de Berlin pour peindre ces pétales latéraux et cette ombre. Notez que mon pinceau ne contient presque pas d'eau, ce crée un mélange épais. Pour créer de la profondeur et rendre les pétales distinguables, nous leur attribuons des valeurs tonales appropriées. Nous allons peindre la troisième tulipe. Je mets la couleur jaune-orange, puis je me fond dans un mélange de couleurs rouges. J'assombrit le bord des pétales du bourgeon qui se chevauchent pour montrer sa forme. Maintenant, je vais rehausser quelques taches sombres pour mieux montrer la forme des fleurs. Je mélange violet persan et violet profond pour peindre cette couleur violet foncé dans la partie médiane de la première tulipe. Maintenant, je mélange la couleur des feuilles en utilisant du jaune, de l'orange et du turquoise cobalt et un peu [inaudible] j' ai une couleur verte en sourdine pour la tige. J'aplatis mon pinceau et je le fais glisser pendant que je peins la tige. Mon trait ressemble à une brosse sèche. Ensuite, j'ai mélangé le vert olive et [inaudible] le rendant aqueux cette fois pour peindre le lavage de base des feuilles. J'ajoute de l'indigo à mon mélange pour obtenir une nuance de vert plus foncée. En peignant les feuilles, j'ajoute des traits expressifs comme des éclaboussures. Alors que le papier est encore humide, je gratte la partie feuille avec mes ongles pour montrer des détails subtils. En fait, il n'y a pas de bon ou de mauvais timing quant au moment de jouer des effets spéciaux tels que des éclaboussures et des saignements, tout dépend de la façon dont vous avez envie de vous exprimer. Ce qui est important, c'est que lorsque vous placez des effets, vous prenez également en compte le placement de valeurs tonales correctes pour rendre l'image plus vivante malgré son expressivité. Je continue d'ajouter de la profondeur et du contraste sur les feuilles. Maintenant, je fais un autre effet de saignement de couleur sur la partie inférieure de la feuille , puis j'ai suivi d'une éclaboussure. Je fais encore quelques égratignures. J'assombrit un peu la tige et j'ai senti qu' il fallait faire un autre saignement ici du côté droit de la feuille. Celui-ci est cependant plus petit. terminer, je joue de petites taches de couleur rouge foncé et rouge foncé sur des fragments spécifiques sur les tulipes et j'ajoute également un peu de contraste entre les feuilles pour accentuer davantage les plis. C'est notre dernier tableau. Laissez les pétales sécher naturellement et laissez les fleurs faire de la magie dans votre travail. 8. Iris: Iris peut sembler intimidant à peindre en raison de sa structure complexe , mais ne perd pas de cœur. Simplifions le processus, nous concentrant sur la capture de l' essence de la fleur. En regardant la référence, décomposons le formulaire en nous concentrant sur la forme générale. J'observe l'angle de la fleur et je commence par le pétale supérieur. Ensuite, je dessine l' autre pointant vers moi. Je fais des traits tremblants pour dessiner les pétales, et comme je me concentre davantage sur la forme générale, je cherche à m' assurer que les pétales sont proportionnels. Je termine en dessinant la tige et un oiseau qui y est attaché. Enfin, je vais mettre des marques claires comme guide pour les tons sombres. Nous allons peindre. Je charge mon pinceau avec l'eau, puis je reçois une quantité généreuse de violette cobalt. J'y ajoute un peu d'eau pour peindre des éclaboussures sur mon papier. C'est un bon exercice pour assouplir votre style de peinture. Ensuite, je commence à peindre le premier pétale. Le lavage de base est laiteux et transparent. Ici, j'essaie de construire la valeur tonale en une seule couche. Je contrôle la quantité d'eau contenue dans mon pinceau afin de pouvoir placer des traits de tons foncés sur le lavage de base humide en une seule couche. Je mélange un peu de violette de manganèse à mon violet de cobalt pour peindre la partie interne du pétale. Maintenant, je deviens épais jaune-orange et je fais des coups de tampon pour peindre le centre. Je peins ce petit pétale sur le côté, j'utilise la même couleur violette mais je varie le ton pour séparer les deux pétales. Maintenant, nous allons peindre le pétale au milieu. Avec mon pinceau aplati, je pose les couleurs uniformément, puis je laisse tomber des traits de couleur violet foncé pour créer de la profondeur et de la texture. Pour créer un fragment délavé ou clair, je soulève simplement la couleur à l'aide d'un pinceau humide. Ensuite, pour peindre ce trait courbé sombre, je charge mon pinceau avec une peinture crémeuse, puis retire l'excès d'eau de mon pinceau. Nous allons peindre le dernier pétale. Comme l'aquarelle s' estompe au fur et à mesure qu'elle sèche, je continue d'ajouter des traits plus sombres sur la courbe ou les plis des pétales. Maintenant, nous allons peindre la spath et la tige. J'utilise du jaune, de l'orange et de la sienne brûlée [inaudible] pour peindre ce fragment de fond. J'ajoute également du vert olive pour rendre le hurlement plus profond. Ensuite, je place la Sienne brûlée au milieu de ce chemin. Ici, je peins avec les couleurs vertes précédentes, la tige avec un pinceau sec. J'ajoute quelques éclaboussures et l'effet de saignement sur le côté de cette voie. Je dépose une couleur verte plus foncée sur le bord de ce chemin pour créer un éclat de couleur. J'ai juste laissé la peinture saigner abondamment sur la surface mouillée. J'y ai également ajouté des éclaboussures. Ici, je peins le bourgeon avec des tons clairs en mouvements lâches. Maintenant, j'assombrit le bord du pétale pour le séparer de la spath. J'ajoute également des taches sombres sur le côté de la tige pour la dimension. En utilisant du violet cobalt, j'améliore la couleur des pétales. J'applique de la peinture puis j'adoucit le bord pour le fondre sur la couche violette initiale. Je fais la même chose avec les autres pétales. J'ajoute du ton petit à petit pour éviter créer des couches sombres et irréversibles soudaines. Il est toujours préférable d'ajouter un calque à aquarelle plutôt que d'essayer de compenser un trait suramorti. Ici, lorsque j'ajoute de minuscules taches de texture, mon pinceau est humide n'y a presque pas d'eau et très léger pigment dedans. Ajoutons ici une flaque d'eau à l'aquarelle en haut à gauche en utilisant un mélange fin de violette de manganèse. Je dépose beaucoup d'eau sur mon papier et j'éclabousse aussi de la peinture. Pour ce faire, assurez-vous que la flaque de couleur est très claire, sorte qu'elle ne rivalise pas ou ne surpassera pas la couleur de l'iris. Ensuite, j'ai ajouté des contrastes et des détails sur le bourgeon et la spath. terminer, je prends mon pinceau ultra rond taille deux pour peindre les minuscules barbes de l'iris. J'utilise le jaune Naples et le bleu glacé car ils sont opaques à l'aquarelle. Je rends le mélange très épais et saturé pour qu'il paraisse vraiment opaque. Je dessine de petits coups vers le bas pour peindre la barbe. À l'aquarelle, vous devez apprendre quand vous arrêter. La plupart du temps, vous devez cesser d'ajouter des calques ou détails avant même penser que la peinture est terminée. C'est notre peinture d'iris. Entraînez-vous à peindre des fleurs blanches sur des milieux nourris dans notre prochaine leçon. 9. Lys Calla: Bienvenue dans notre quatrième projet. J'espère que, à ce moment-là, nous gagnerons lentement la confiance en jouant avec l'eau. Dans cette leçon, nous allons peindre le lys calla blanc éclatant sur un fond saisissant mais brumeux. Nous commençons par dessiner le pétale principal du lys calla. Ensuite, nous dessinons le pétale plié en dessous, puis le cou et la tige de la fleur. Maintenant, je vais dessiner ces enclos en m'assurant qu'il est aligné avec la tige. Ici, je dessine des traits suggestifs pour indiquer la courbe de la fleur. Commençons à peindre avec du jaune, de l' orange et des verts restants de ma palette. Je peins la partie jaune du cou. Je mélange doucement une couleur plus verdâtre en utilisant mon mélange jaune, orange et turquoise cobalt. Vous pouvez voir que les poils de ma brosse sont aplatis pour créer des traits uniformes. J'essaie de construire la forme de la fleur en une seule couche en jouant avec les tons. Je continue à peindre la tige avec un pinceau sec et j'ajoute des tons plus sombres sur la partie droite de la tige. Ensuite, nous allons peindre les ombres de la fleur blanche. Je mélange le bleu cobalt, le magenta quinacridone et la sienne brûlée pour obtenir une couleur grise fraîche pour l'ombre. Je commence à peindre l'ombre sous la courbe des pétales. Ensuite, je peins l'ombre sur le fragment intérieur du pétale. J'adoucit le bord pour qu'il soit subtil et léger. Je réserve quelques espaces blancs non peints pour conserver la brillance de la fleur blanche. Maintenant, j'ajoute un léger lavage de jaune-orange sur ce paddocks, puis j'ajoute une autre couleur plus foncée pour construire des dimensions. Maintenant, je peins la partie pliée du pétale avec une couleur gris verdâtre, m' assurant que son ton est légèrement plus foncé sur le pétale supérieur pour rendre le pli plus distinguable. Ici, j'améliore les parties ombragées du pétale en ajoutant quelque part légers traits de gris puis adoucissant à chaque coup. Nous allons maintenant peindre l'arrière-plan. J'utilise une consistance très épaisse et crémeuse de violette de perylène. J'ai soigneusement tracé la fleur , puis j'ai étalé la couleur en sortant. J'ai ajouté un peu de quinacridone magenta sur mon violet de perylène pour une couleur plus riche et plus profonde. Je garde mes traits vers le haut et la peinture est très saturée pour qu'elle ne sèche pas la lumière en couleur. Maintenant, je pulvérise un peu d'eau sur le bord à l'aide d'un pulvérisateur pour créer un effet de bord d'alimentation. Je continue à peindre la partie inférieure de l'arrière-plan, en veillant à ne pas tacher ma fleur blanche. Juste un conseil lorsque vous utilisez un flacon pulvérisateur, la position de votre main est très importante pour définir la direction du spray. Assurez-vous de pulvériser loin de la fleur pour éviter que l'eau ne coule vers la fleur blanche. Je ne fais que remplir le fond autour du lys calla, puis pulvérise de l'eau sur le bord pour obtenir le bord d'alimentation doux. Ensuite, à l'aide de mes doigts, j' éclabousse un peu d'eau sur le fond humide pour créer des fleurs douces aussi appelées effet chou-fleur. Maintenant, en attendant que l'arrière-plan sèche, améliorons les couleurs des ombres pour ajouter plus de contraste. J'ai mis un petit trait de gris en dessous , puis j'adoucit le bord avec un pinceau humide. En effectuant cette étape, nous soulignons encore plus l'ombre sous le pli des pétales. Je fais la même étape ici sur la partie interne du pétale. Si vos ombres sont déjà suffisamment sombres, il n'est pas nécessaire de faire cette étape supplémentaire. Maintenant, je peins ceci [inaudible] avec l'orange plus foncé. terminer, je saupoudrez un peu d'eau pour plus de fleurs en arrière-plan. Voici notre calla lys qui brille sur un fond brumeux. Je vous verrai dans la prochaine vidéo de notre prochain exercice de fleurs. 10. Magnolia: Maintenant sur notre projet de cinquième classe, nous allons combiner presque toutes les techniques, y compris l'effet goutte à goutte à l' aquarelle très intéressant lorsque nous peignons une fleur de magnolia. Pour commencer le croquis, nous dessinons le Magnolia ici dans la moitié supérieure du papier. Je rends les pétales vraiment gros pour qu'ils occupent presque tout l'espace. Je copie simplement les grandes formes que je vois. Ensuite, je dessine la tige avec un coup dentelé. Effacez légèrement l'esquisse pour éclaircir les marques de crayon. Faisons maintenant le tableau. Je commence par les ombres sur les pétales en utilisant le bleu cobalt, magenta et le branechena pour créer une couleur grise fraîche. Je charge mon pinceau avec beaucoup d'eau pour diluer la peinture et créer un lavage très aqueux. Je ne couvre pas tout le pétale, mais juste un fragment qui apparaît blanc sur la photo. Je fais la même chose avec les pétales derrière. Ensuite, en utilisant la rose opéra et un peu de jaune Naples, je peins la nuance rose tendre sur le pétale avant. J'ai encore mon pinceau à aplatir et mélanger les traits pour mélanger à fois la couleur vert bleuâtre et la couleur rose. J'ai maintenant un mélange crémeux de rose pour commencer à construire la dimension du même pétale. Le papier est assez humide cette fois-ci, c' pourquoi le trait est à la fois défini mais doux. J'ajoute lentement une tonalité plus foncée sur ce fragment humide pour créer la texture et la dimension. Je passe au pétale de gauche. Je commence par un lavage rose doux et léger, puis j'ajoute un mélange plus épais de peinture plus foncée. Ici, les traits semblent contrôlés car la brosse ne contient pas beaucoup d'eau. Il ne contient presque que du pigment. En peignant le pétale à droite, je place un trait, puis je le ramollis avec un pinceau humide. Je garde le pétale avant comme celui qui a la couleur la plus vibrante. Tous les autres pétales derrière sont très clairs. Ne vous inquiétez pas si vous peignez au-delà de l'esquisse, puisque nous allons peindre l'arrière-plan, nous pourrons définir la forme du Magnolia pendant cette étape. Ici, je pose juste quelques points de couleurs sur certains coins, intersections et pétales pour suggérer la forme. Maintenant, je mélange la couleur verte avec du cobalt, du turquoise et du jaune, de l'orange pour les petits bourgeons verts. J'ajoute également un peu d'indigo au mélange pour obtenir la couleur vert foncé. Ensuite, je peins la tige avec le même mélange de couleurs, mais j'ai ajouté un peu de perylène violet pour obtenir une couleur marron chaud. Je fais quelques coups cassés en peignant la tige. Préparons maintenant la couleur pour l'arrière-plan. En utilisant du turquoise cobalt et du violet profond, je fais de la peinture négative pour créer le lavage de fond. J'ai ajouté de la peinture pour les faire mélanger plus épais. Cette étape est similaire à l'exercice de marguerite, mais cette fois, nous voulions une couleur de fond plus opaque. Je fais des saignements de couleur en mouillant le bord avec un pinceau très aqueux, puis j'incline mon papier plusieurs fois pour obtenir l'effet goutte à goutte des flaques d'eau. Je fais le même pas de l'autre côté. Rendez la couche initiale très épaisse, sorte que lorsque vous introduisez de l'eau sur le bord, vous obtiendrez un dégradé doux du foncé au lavage clair. Je vous encourage à vous lâcher et à simplement jouer avec de l'eau. N'hésitez pas à tomber dans les flaques d'eau et laissez l'eau couler et les couleurs éclater d'elles-mêmes. N'ayez pas peur de jouer et d'expérimenter. Maintenant, pour ajouter un effet de goutte à goutte, je tamponne mon pinceau entièrement chargé d'eau et de peinture sur place jusqu'à ce que la peinture tombe ou même incline mon papier pour qu'il s' écoule plus rapidement et plus facilement. Vous remarquerez ici que le fragment supérieur est plus clair tandis que la partie inférieure est plus foncée. C'est un moyen efficace de pousser les yeux de nos spectateurs de haut en bas. Je dessine soigneusement les pétales de fleurs et j'ajoute un peu plus de contraste entre eux en mettant de la violette profonde. Ici, je prends l'autre orange mélangée à du turquoise cobalt et éclabousse ce mélange vert sur fond humide. Vous voulez que les couleurs soient connectées, j'utilise donc les mêmes mélanges de couleurs même sur des effets spéciaux. J'éclabousse aussi quelques couleurs roses en arrière-plan. Ici, rehaussons un peu plus la fleur. J'obtiens un mélange épais de rose et je fais quelques coups de pinceau secs pour ajouter le ton plus foncé, puis je l'adoucit et le mélange avec un pinceau propre. Je tapote quelques points de couleur foncés sur certains bords comme un trait suggestif entre les pétales. En faisant cette étape, j'ai essayé de m'empêcher de placer trop de points forts car je ne veux pas perdre la fraîcheur et le relâchement de la fleur. N'oubliez pas de vous arrêter avant même que vous ayez l'impression que le travail est terminé. Je vous encourage à prendre du recul et vous apprécierez mieux votre travail. Il s'agit d'un tableau Magnolia. Rendez-vous dans la vidéo suivante pour des rappels spéciaux sur la peinture et le partage de vos œuvres. 11. Partagez vos œuvres: [MUSIQUE] Je suis tellement content que tu sois arrivé à la fin de la classe. J'espère vraiment que vous avez découvert une façon libératrice d' explorer les aquarelles. Il peut sembler effrayant de lâcher prise complètement au début, mais à mesure que vous continuez à vous défier, peinture devient beaucoup plus agréable. Je suis ravi de voir vos œuvres, comment vous vous exprimez à travers des traits intuitifs, éclats de couleurs et des éclaboussures. Veuillez les télécharger dans la section projet située sous cette vidéo. Vous pouvez également partager vos œuvres sur Instagram et me marquer chez Bianca Rayala, afin que je puisse voir vos œuvres et partager vos commentaires. Merci beaucoup d' avoir rejoint ma classe et je vous verrai dans mes autres cours. [MUSIQUE]