Voyage à l'aquarelle : Créer une habitude en 14 jours de peinture de paysage

1. À propos du cours: Vous souhaitez découvrir la joie de voyager travers le monde ? Grâce à la peinture à l' aquarelle, je peux découvrir les magnifiques vues et les couleurs du monde sans vraiment quitter la maison. Bonjour, je m'appelle Bianca Rayala. Je suis artiste aquarelle, je crois vraiment que la peinture est pour tout le monde. Mon but est de vous aider à découvrir et à poursuivre votre passion créative et je suis ici pour voyager avec vous dans l'expérience de la joie de peindre. Dans ce cours, vous apprendrez à peindre tout en vous donnant l'impression de parcourir le monde. Ce cours se double d' un défi aquarelle de 14 jours pour vous aider à développer une habitude de peinture cohérente et explorer un style de peinture ample et expressif. Dans ce cours, vous apprendrez une gamme de techniques d'aquarelle et transformerez une inspiration photo en un tableau captivant. Chaque jour, vous peindrez un paysage de destination de voyage à couper le souffle, mais vous ne copierez pas simplement un coup de peinture pour un AVC, vous apprendrez des principes et des techniques pour développer le vôtre. compétences en peinture. Si vous avez rejoint mon précédent cours de voyage à l' aquarelle, alors ce cours est quelque chose que vous apprécierez certainement encore plus. Mais si ce n'est pas le cas, je vous recommande vivement de consulter ce cours également. À la fin du cours, vous gagnerez les compétences et la confiance nécessaires pour créer vos propres chefs-d'œuvre. Préparez vos peintures et commençons. 2. Construire une habitude de construire une habitude: Lors de mon précédent cours de voyage à l' aquarelle, [MUSIQUE] J'ai expliqué comment développer votre style de peinture unique en 14 jours de peinture de paysage. Si vous avez déjà suivi ce cours, je suis sûr que vous avez déjà découvert vos forces, les techniques que vous avez aimées et aimées faire, et même identifié les domaines que vous devez pratiquer ou étudier davantage. Mais si vous ne l'avez pas encore pris, ne vous inquiétez pas. Vous êtes les bienvenus dans ce cours et je suis sûr que vous pouvez toujours suivre. Je vous encourage à l'essayer avant ou après avoir suivi ce nouveau cours, car vous en apprécierez grandement et en tirerez également des leçons. Cette nouvelle classe s' dans la continuité de notre voyage précédent. Mon objectif est de vous aider à développer une habitude de peinture cohérente et, ce faisant, vous aider à nourrir votre style de peinture personnel unique en apprenant à l' appliquer sur divers sujets. Chaque jour, vous peindrez un paysage qui offre saveur et des éléments uniques pour élargir votre expérience aquarelle. Je vais partager avec vous comment simplifier sujets apparemment complexes et comment capturer l'essence du moment avec coups de pinceau lâches et expressifs. Pour réussir à construire une habitude saine, nous allons peindre 14 destinations époustouflantes de 14 pays à travers le monde. Chaque leçon ne prendra qu'environ 30 minutes par jour et je vous encourage vivement à les peindre régulièrement tous les jours au cours des 14 prochains jours. Je suis ravi de voir comment votre parcours créatif va énormément changer tout au long de ce cours. Allons chercher toutes les fournitures dont nous aurons besoin. Je vous verrai sur la prochaine vidéo. [MUSIQUE] 3. Matériel: Bienvenue à bord. Je suis heureux de vous accueillir ici dans notre voyage de 14 jours à l' aquarelle. abord, voici les matériaux que vous devrez apporter lors de notre voyage. Numéro un, papier aquarelle. Lors de ce voyage, j'utilise ce carnet de croquis aquarelle à froid de [inaudible]. Il est composé à 100 % de coton et 300 g/m². Vous pouvez également utiliser une feuille ou un bloc aquarelle pour vos projets, mais je vous recommande vivement d'utiliser papier aquarelle 100 % coton car ce papier absorbe les peintures différemment du papier cellulose. Vous apprendrez rapidement et obtiendrez de meilleurs résultats lorsque vous investissez dans le bon papier. Ensuite, les peintures à l'aquarelle. Voici les couleurs de ma palette d'aquarelles. L'ocre jaune, la sienne brûlée, rouge indien, la violette de Berlin, rose de quinacridone, la teinte neutre, améthyste véritable ou la violette dioxazine sont une alternative. Bleu Horizon, turquoise cobalt clair, lavande, violette de compost, gris Payne, cramoisi alizarine permanent, pêche, indigo, vert olive, bleu apathie véritable ou bleu lunaire, bleu cobalt, Orange cadmium profond, rouge Berlin, New gamboge, jaune Naples et blanc titane pour les reflets. Vous pouvez vous référer aux montres de couleurs que j'ai téléchargées dans la section de référence pour voir les nuances réelles de ces couleurs. Mais si vous n' avez pas ces couleurs, je vous encourage également à utiliser l'aquarelle ou la palette que vous préférez utiliser pour donner une touche plus personnelle à vos peintures. J'adore utiliser quelques couleurs et essayer de les mélanger pour obtenir de nouvelles nuances pour créer des œuvres d'art harmonieuses et éviter les couleurs boueuses. Les pinceaux que vous allez me voir utiliser Ultra Alto Class sont principalement ces pinceaux. Pinceau en sable Renaissance taille 8 et 10, ultra ronde en soie argentée 88, brosse doublure en velours noir taille 1, pinceau plat en velours noir taille 0,5. Tous ces pinceaux sont de Silver Brush Limited. J'utilise également un flacon pulvérisateur pour humidifier la page et créer des bords doux. Crayon et gomme pour l'esquisse initiale, des tasses d'eau et une vieille serviette ou papier de soie. J'ai préparé un PDF contenant toutes les photos de référence et les peintures finales, il y a une montre de couleurs de ma palette. N'oubliez pas de le télécharger avec moi pour la peinture de votre guide. Vous pouvez le télécharger dans la section Ressources l' onglet Projet et ressources sous cette vidéo. C'est tout ce dont vous aurez besoin, alors faites vos valises et parcourons le monde ensemble. 4. Jour 1: Bienvenue au premier jour. Pour commencer notre voyage, permettez-moi de vous emmener à un voyage relaxant sur une plage de chondrocytes aux Philippines. Ma famille a passé de merveilleuses vacances dans un endroit serein en février dernier, où j'ai eu la chance de faire de la peinture en plein air. Laissez-moi partager cet endroit magnifique avec vous alors que nous peignons ce bateau, reposant sur un rivage calme. Commençons par un croquis au crayon. Je place une marque lumineuse qui sert de bordure pour me guider sur mon croquis. Je n'aime pas utiliser de bandes pour créer une bordure dure sur le carnet de croquis. Je dessine la ligne d'horizon assez au-dessus de la partie médiane de la page, puis je dessine le contour de la montagne. Ensuite, d'un coup rapide, je trace la ligne courte dans un simple bateau. Nous n'avons pas besoin d'être trop détaillés sur le croquis au crayon. L'important que nous devons simplement prendre en compte, c'est la taille correcte du bateau proportionnellement à la vue et à la rectitude de l'horizon. Ici, je viens d'ajouter quelques coups et de finaliser la pente de la montagne. J'efface également certaines lignes inutiles. Commençons à peindre. Je mouille mes peintures, il est donc plus facile de choisir et de mélanger les couleurs. Je commence par mettre la lumière dans le ciel en mélangeant l'ocre jaune et en me connectant à des rangées. Je pulvérise de l'eau sur mon papier et je commence à appliquer de l'ocre jaune puis du mélange rose sur le ciel. Ensuite, j'ajoute la couleur bleuâtre et je laisse les couleurs se fondre naturellement. J'essaie de ne pas créer autant de traits mélangeants pour éviter les couleurs boueuses et les mélanges excessifs sur mon papier. J'applique les couleurs avec un léger trait à l'aide ma brosse à cheveux naturelle en sable. J'incline un peu mon papier pour laisser couler la peinture. Ensuite, je fais un mélange plus épais et crémeux de vert clair avec de l'ocre jaune et de l' olive pour peindre la montagne. Remarquez l'épaisseur de ma peinture. J'ai presque créé des coups de pinceau secs. La peinture doit être aussi épaisse et crémeuse, elle aura donc l'air séparée du fragment du ciel. Cette couche est encore humide. J'essaie de connecter une nuance de vert plus sombre. Cette étape vise à créer du volume et de la dimension sur les montagnes. J'ajoute également une teinte vert brunâtre à l'aide de la sienne brûlée. Ici, nous simplifions le fond de montagne apparemment complexe en jouant avec la connexion des couleurs. Nous n'avons pas besoin de peindre chaque arbre un par un, mais nous regardons simplement les tons, cherchant les taches aux couleurs vert clair, vert moyen et taches aux couleurs vert foncé pour créer une impression de toute la montagne. Une fois que vous avez fini de poser les couleurs, saupoudrez quelques taches d' eau avec votre doigt ou avec un vaporisateur pour créer un effet brumeux. Ensuite, peignons la base de la montagne avec un coup de pinceau à séchage rapide utilisant une branche et mélangés à de l'améthyste authentique, ces deux couleurs créent une couleur brune riche. J'ai également tapoté quelques taches brun foncé pour obtenir de la profondeur. J'ai gardé ces espaces blancs non peints tels quels. Ensuite, mélangeons la couleur de l'eau, en utilisant le bleu horizon et l' améthyste authentique et mélangé à un peu de bleu [inaudible] et de vert olive, je crée une couleur bleu verdâtre pour l'eau. Avec mon propre pinceau aplati, je peins un trait droit de gauche à droite pour peindre le fragment d'eau. J'évite également de peindre sur le fragment du bateau. Je laisse intentionnellement un peu de blanc non peint dans les interstices vers le bord pour montrer de l'éblouissement sur l'eau. Mélangeons maintenant l'ocre jaune et rose quinacridone pour la zone de sable. Je fais des coups très rapides et légers, j'ai également laissé de petits espaces blancs entre le sable et le fragment d'eau pour montrer l'impression de petites vagues sur le rivage. J'ajoute également des éclaboussures de la même couleur au premier plan pour l'accent. Je sèche complètement cette couche à l'aide d'un pistolet thermique pour accélérer le processus. C'est sec, peignons le bateau avec une teinte bleue plus foncée à l'aide d'un pinceau synthétique. Définissez soigneusement le bord, puis peignez le côté gauche avec un ton bleu foncé, puis alimentez progressivement le ton vers le côté droit. Ici, il est important que la peinture ne soit pas seulement de couleur foncée, mais qu'elle n'ait pas beaucoup d'eau dedans, donc elle sortira du fond coloré. Ensuite, je reçois une épaisse quantité de jaune de Naples mélangée à un peu de branche, et pour peindre la partie du bateau, j'ai pris Naples en jaune directement du tube pour qu'il apparaisse riche, épais et opaque. Assurez-vous que le fragment de bateau est déjà sec avant placer ces détails opaques pour créer ces lignes fines. terminer, je place également une bouée sur le côté et je peins un reflet sur le bateau sur l'eau avec la couleur utilisée pour le bateau mélangée à un peu de vert. Ajoutons quelques éclaboussures de bleu sur le rivage, juste pour relier toutes les couleurs et peindre de minuscules troupeaux d' oiseaux dans le ciel. Notre première peinture est terminée, préparez-vous à découvrir les fleurs printanières au Japon dans notre prochaine vidéo. 5. Jour 2: Aujourd'hui, profitons de la vue envoûtante sur le mont Fuji au printemps. En regardant notre photo de référence, rehaussons le tableau en traitant ces branches d'arbres séchées en cerisiers en fleurs. Commençons l' esquisse en dessinant le contour de la montagne. Je place le pic hors centre. Ensuite, je dessine la ligne d'horizon quelque part sur le tiers inférieur du papier. Ajoutons ici quelques lignes à titre guide sur les parties enneigées de la montagne et simplifions la vue de la ville avec des formes rectangulaires. Ne soyez pas intimidé par ces détails complexes. Ensuite, je dessine les branches d'arbres qui culminent dans les coins. Gardez votre croquis aussi léger que possible. Humidifions la page à l'aide d'un pulvérisateur d'eau. Maintenant, je mélange les couleurs bleu cobalt et bleu apatite authentique pour créer cette couleur bleue désaturée. J'ai aplati les poils de mon pinceau, puis j'ai créé des traits diagonaux rapides vers le bas pour peindre les parties ombragées de la montagne. Je le fais avec une brosse sèche pour dépeindre aussi la neige. Ensuite, je laisse tomber un tout petit peu de bleu foncé sur certains points pour créer de la profondeur. Évitez d'en faire trop pour préserver la légèreté des coups. Il suffit d'ajouter un peu d'indigo à mon mélange bleu original pour avoir une teinte plus foncée. Voyez à quel point mon trait est léger en tapant, cette couleur foncée sur la partie de la montagne. J'ai aussi tamponné les haricots à l'aide de la pointe de mon pinceau. Ensuite, j'utilise les restes de peinture bleue ma palette mélangée au bleu cobalt pour peindre la partie inférieure de la montagne. Je prémouille la partie inférieure avec de l'eau propre, puis je laisse tomber quelques couleurs sur le bord et laisse couler naturellement sur la surface humide. Ici, j'ajoute un peu de vert olive à mon mélange pour créer une variété de couleurs dans le fragment. Cela suscite un intérêt supplémentaire. Ici, avec le trait horizontal, je peins le pied de la montagne pour le séparer de la ville. En peignant le fragment de la ville je le fais avec un jeu de traits, à la fois durs et doux. Je laisse intentionnellement des espaces carrés et rectangulaires pour dépeindre les toits des bâtiments ainsi que les maisons. Je fais aussi un jeu de couleurs en bleu et un peu de sienne brûlée pour que la zone ne soit pas trop plate ou plate. Une astuce pour peindre la vue de dessus de la ville, vous n'avez pas à peindre chaque structure une par une. Nous les peignons par impression en utilisant des jeux de couleurs, textures et, surtout, en laissant des espaces blancs et peints. Nous le laissons tel quel pour l'instant et nous allons peindre plus de détails plus tard une fois qu'il sera sec. Nous pouvons maintenant peindre le ciel. En utilisant le bleu horizon et la lavande, je crée une couleur lavande très bleutée pour le ciel. Je dessine soigneusement la montagne et j'étale la couleur. J'évite de peindre sur le fragment réservé aux cerisiers en fleurs. J'ai fait le lavage plat et uni. Parce que nous ne voulons pas qu'elle soit en concurrence avec les fleurs aux couleurs vives, nous allons peindre au premier plan plus tard. Maintenant, je deviens bleu foncé en utilisant de l' indigo pour assombrir certaines taches sur la montagne. Notez que seule la pointe touche les papiers, afin que nous puissions obtenir des traits concentrés et épais. J'ai également peint un ton bleu très clair ici pour éliminer trop d'espace lumineux non peint ici à droite. Laissez cette couche sécher complètement avant de procéder à la peinture à l'étape suivante. Maintenant, je pulvérise un peu d'eau sur les coins pour peindre les cerisiers en fleurs. Avec un mélange saturé de quinacridone rose et de pêche, j'éclabousse quelques peintures sur les coins. Je crée une nuance de rose plus crémeuse et plus foncée en utilisant les mêmes deux couleurs. Je varie la quantité de pêche et rose quinacridone pour obtenir différentes nuances. Pour mon ton le plus sombre, j'ajoute des peintures violettes et éclaboussures de perylène sur le dessus. Je tamponne quelques peintures sur certaines zones, mais je préfère surtout les éclaboussures pour obtenir un effet plus naturel. À l'aide d'un pinceau à doublure, je mélange améthyste authentique et le gris de Payne à ma couleur rose existante pour obtenir une couleur foncée pour peindre les brindilles et les branches. Le mélange doit être si épais et contenir très peu d'eau. Je peins des impressions de brindilles avec des traits très légers. Je modifie également la finesse ou l'épaisseur des lignes. Ici, j'ai créé une tache de rose, alors j'ai essayé de lever un peu de couleur. Cette étape n'est pas nécessaire si vous n'en rencontrez pas une. Je viens d'ajouter quelques petits traits pour finaliser le tableau. En utilisant de l'améthyste authentique et de l'indigo, je peins de petits traits sur le fragment assis pour les reflets. J'utilise également mon pinceau rond pour réduire la luminosité des espaces blancs. Je voulais que la montagne ait le ton le plus lumineux car c'est notre point focal, je dois donc augmenter légèrement la valeur tonale de ces taches blanches sur la ville. C'est notre dernier tableau. Préparez-vous pour une aventure de safari animalier lors de notre prochaine leçon. 6. Jour 3: Au cours de cette leçon, nous allons peindre une intrigue simple mais très intéressante, une silhouette de safari au coucher du soleil au Kenya. Nous combinerons deux photos de référence pour créer une meilleure composition. Je commence par identifier le sol ici bas à gauche du journal. Ensuite, je dessine la silhouette de l'arbre géant. Puisque c'est notre point focal, nous devons prêter attention à sa forme. Ensuite, dessinons le contour de la jeep. Je copie simplement la forme que je vois sur la référence, mais je fais attention aux petits points où la lumière regarde. Enfin, dessinons un animal ici près de l'arbre pour compléter la composition. Faites attention à la taille ou à la petite taille de l'animal pour conserver des proportions adéquates. Notre croquis est prêt. Pour vous donner un aperçu du processus, nous allons peindre le tableau en deux étapes. abord, c'est le lavage de base du ciel, où je vais vous montrer comment mélanger les couleurs. Ensuite, peindre la silhouette à l'aide de traits secs pour créer des textures sur la couche initiale sèche. Il s'agit d'un exercice simple mais amusant, où nous pouvons en apprendre davantage sur les valeurs tonales en utilisant seulement quelques couleurs. Commençons. Je mélange ocre jaune et nouveau gamboge. Mon mélange est fluide et pas trop saturé. J'humidifie mon papier avec mon pulvérisateur. Maintenant, je fais quelques traits horizontaux près de l'horizon. Ensuite, je crée une couleur orange chaude en ajoutant du rouge pérylène à mon mélange. Je peins cette couleur à l'horizon et je la connecte à ma couleur jaune alors qu'elle est encore humide. connexion des couleurs alors que la précédente est encore humide rend la transition de la couleur lisse. Ici, je peins la partie supérieure du ciel avec un ton orange plus foncé, puis diminue progressivement le ton, en peignant vers la couche jaune. Je pulvérise un peu d'eau sur le dessus pour adoucir le bord dur. Ensuite, j'incline un peu mon papier pour que les peintures s'écoulent et se fondent plus doucement. Continuons maintenant à peindre le ciel en ajoutant quelques impressions de nuages oranges. La clé ici est que le papier doit être un peu humide et que la brosse contient moins d'eau et plus de pigment pour éviter les fleurs. Ici, je nettoie ma brosse et enlève l'excès d'eau. Ensuite, soulevez quelques couleurs pour montrer de la lumière sur le ciel. Je fais une couleur brune en utilisant une teinte orange, améthyste et neutre. Je peins d'abord le sol avec un sous-ton orange, puis je couche une couleur brune sur le dessus. Je continue à peindre le sol avec quelques coups de séchage rapide, et je fais aussi quelques éclaboussures de peinture pour un effet spécial. Je sèche complètement cette couche. Assurez-vous que la page est complètement sèche avant de peindre la silhouette pour éviter que la peinture ne saigne. En utilisant de l'améthyste, de la teinte neutre et du nouveau gamboge, je crée un mélange de peinture très épais et crémeux pour l'arbre. Remarquez comment je tiens mon pinceau pour créer les traits secs de l'arbre. Pour obtenir cet effet, la brosse doit contenir très peu d'eau. Je frotte également le ventre complet du pinceau sur le papier pour créer ces traits naturels. Il est également important de laisser quelques taches de couleur orange du ciel pour empêcher l'arbre de ressembler à une tache. En utilisant la même couleur, je peins les brindilles et les branches. J'ai changé mon pinceau par un pinceau synthétique pour plus de contrôle. Ici, mon mélange pour les branches est plus épais. Remarquez les traits secs créés en peignant les branches et le tronc. Je mélange la base du tronc au sol en le frottant avec mon doigt. J'assombrit également certaines zones pour augmenter la profondeur. Ensuite, j'assombrit le premier plan avec quelques traits diagonaux en utilisant la même couleur foncée que celle que j'ai utilisée pour l'arbre depuis que le sol s'est un peu estompé. Ensuite, nous allons peindre la Jeep. N'oubliez pas de réserver de minuscules points pour la lumière qui regarde par derrière. Il est utile d'utiliser un pinceau à pointe pointue et dispose d'un bon accrochage pour un meilleur contrôle et des coups plus précis. Ensuite, peignons cet animal sauvage sous l'arbre. terminer, je peins un petit coup d' herbe sur le sol. J'assombrit aussi des taches sur la Jeep. Enfin, je vais peindre quelques oiseaux sur le ciel. Notre peinture est complète. Pour notre prochain arrêt, visitons les églises photogéniques à dôme bleu de Santorin, en Grèce. 7. Jour 4: Je suis ravi de vous avoir ici le quatrième jour. Aujourd'hui, nous allons peindre l' église emblématique dôme bleu entourée de bougainvilliers rose vif à Santorin, en Grèce. Commençons par dessiner les lignes directrices pour les fleurs au premier plan. Ensuite, je dessine le dôme ici en bas à gauche de la feuille. Pour simplifier l'architecture d'esquisse, je me réfère à ma photo de référence, observe l'angle de chaque côté de la structure, puis je la duplique sur mon papier. Cela facilite l'esquisse et vous aide à tracer des lignes avec une perspective correcte sans vraiment localiser où se trouve le point de fuite. Ensuite, je peins cette arche de cloche à côté du dôme. Encore une fois, je me concentre sur la forme générale pour simplifier le processus de dessin et j' observe et copie les angles des lignes pour une bonne perspective. Je vais dessiner un croquis brut d' une montagne en arrière-plan et à la ligne d'horizon. Maintenant, j'essaie d' éclaircir mon croquis pour qu' il ne soit pas trop visible après la peinture. Commençons. J'humidifie mon papier et je commence par peindre la lumière chaude à l'horizon avec l'ocre jaune. Ensuite, je peins le ciel bleu avec du bleu cobalt. Je vais mélanger un peu de lavande à mon bleu pour éviter d'avoir un mélange vert lorsque le bleu touche la couleur jaune du ciel. J'assombrit un peu la partie supérieure du ciel pour la perspective. Ensuite, je mélange la pointe supérieure bleu cobalt et le vert olive pour le fond de montagne. Le ton doit être un peu plus sombre que le ton du ciel. Le fragment de ciel est également humide lorsque j'ai peint la montagne pour obtenir ce bord doux et brumeux. J'ai laissé sécher complètement cette couche avant de peindre l'eau. Pour l'eau, j'utilise la même couleur que celle utilisée sur le ciel, mais j'ai ajouté un peu de cobalt et bleu horizon pour une couleur plus riche. Ensuite, nous allons peindre le dôme bleu. J'utiliserai du bleu cobalt avec un peu de bleu d'horizon pour cela. Commençons par peindre la partie lumineuse du dôme avec de l'ocre jaune. Ensuite, j'applique la couleur bleue épaisse et je la laisse fondre doucement sur le fragment jaune clair. La grande dimension sur le dôme, il faut placer les tons clairs et sombres de manière appropriée. Ici, je rends la partie du dôme couleur plus foncée pour en faire ressortir sa forme. Ensuite, en utilisant de la peinture à la lavande, les nuances du mur blanc. Je modifie le ton de chaque côté pour construire la forme. En guise de conseil, lorsque nous peignons en large, nous dépeignons large en peignant les ombres et en plaçant une couleur contrastante sombre autour de celle-ci pour la faire briller. Je continue à peindre les parties des murs avec de la lavande et laisser tomber quelques soupçons de ramification pour le rendre plus intéressant. Ensuite, nous allons peindre l'arche de cloche. J'utilise de la pêche et je la mélange avec de la sienne brûlée. Nous appliquons le même principe de variation des tons pour définir les côtés de la structure. Il s'agit de notre couche initiale pour l'architecture. Nous ajouterons d'autres traits pour définir une forme et créer un contraste ultérieurement. Pour l'instant, peignons le fragment de fleur en utilisant rangées de radon reliées dans un peu enterré dans le violet. J'ai pulvérisé un peu d'eau pour humidifier la page en utilisant la même technique que peindre des cerisiers en fleurs le deuxième jour, je charge mon pinceau avec beaucoup de peinture et éclabousse des couleurs rose vif pour dépeindre le boom de la vidéo. Ensuite, j'ai tapoté quelques points de perylène violet pour placer des taches sombres sur le fragment de fleur. Ensuite, ajoutons quelques feuilles vertes avec de l'ocre jaune, restes de bleu cobalt et du vert olive. Cette fois, je fais quelques coups de avec mon pinceau pour peindre les feuilles. Je varie les nuances de vert. Certaines zones sont ombragées jaunâtres, en particulier celles qui sont éclairées par le soleil. Je fais aussi un vert moyen et les peint dans les espaces entre les roses. Enfin, j'ajoute de l'indigo à mon vert moyen pour les feuilles dans l'ombre. Maintenant, à l'aide d'un pinceau à doublure, je peins quelques traits fins et tremblants pour une impression de brindilles. Une chose que j'aimerais partager est d'essayer de ne pas trop faire de traits entre les roses et les verts pour éviter les nuances boueuses. Tant que les deux couleurs se rencontrent naturellement, vous n' aurez pas à vous soucier des mélanges boueux, mais si vous essayez de les mélanger avec votre pinceau, vous obtiendrez instantanément des couleurs distrayantes. Nous allons maintenant nous appuyer sur les détails de l'église. Je peins les portes et les fenêtres avec un trait défini. J'utilise toujours de la lavande pour peindre les parties d'ombre et du bleu cobalt pour les portes. C'est la beauté du régime de couleur. Lorsque vous n'utilisez qu'une poignée de couleurs pour l'ensemble du tableau, l'image est unie et harmonieuse. Ici, je ne fais qu'ajouter plus de contraste sur certains endroits pour mettre en valeur les murs blancs de l'église. J'augmente également le ton de ce mur face à nous pour améliorer la dimension. Pour l'arche de cloche, j'ajouterai quelques lignes fines l'aide de la sienne brûlée pour définir les détails. En utilisant de la peinture blanche opaque directement depuis le tube, j'ai ajouté quelques reflets et accents sur la voûte plantaire à l'intérieur. Maintenant, le fragment de fleurs peut prendre plus de temps à sécher à cause de la piscine d'eau, mais ici notre peinture est complète. Pour la prochaine destination de voyage, effectuons une balade en gondole inoubliable à travers les canaux de Venise. On se retrouve sur notre prochaine vidéo. 8. Jour 5 de l'Italie Partie 1: Bienvenue en Italie. Aujourd'hui, nous allons peindre le quai de Gondola à Venise. Nous apprendrons également à dépeindre l'eau, réflexion, la texture du bois et plus encore. Commençons le croquis. Je commence par identifier la ligne d'horizon quelque part ici dans la partie supérieure du document. Ensuite, je dessine la place Saint-Marc en arrière-plan, et je dessine simplement quelques formes de base pour cela. Maintenant, je commence à dessiner la Gondole, positionnant ici dans le côté gauche du papier. Pour suivre la règle de la perspective, je prends l'angle de la Gondole sur la référence avec mon crayon , puis je le transfère sur mon papier. Puis je dessine le reflet d'un coup chancelant. Le reflet est une vue miroir de l'objet. Ensuite, j'attribue un point de fuite ici sur la ligne d'horizon pour servir de guide pour dessiner le quai de la jetée en bois. Toutes les lignes parallèles doivent se croiser sur le point de fuite, ce qui signifie que lorsque vous tracez la base et les garde-corps de la jetée en bois, les lignes doivent atteindre le point de fuite. Ensuite, je dessine le reflet sous le poteau. Je finalise l'esquisse en ajoutant des échantillons pour compléter la composition sur le côté droit. Enfin, je vais ajouter une lampe ici à gauche. Avant de commencer à peindre, je vais éclaircir mon croquis et finaliser le dessin au trait pour éviter toute confusion lors de la peinture. Commençons. J'humidifie mon papier avec ce pulvérisateur. Ensuite, je crée un mélange violet bleuté pour mon ciel. Je peins de haut en bas en commençant par la couleur saturée, puis je m'éclaircit progressivement au fur et à mesure qu'elle descend. Ensuite, je fais un mélange d' ocre avec un peu de sienne pour peindre l'horizon. J'adoucit les bords avec un pulvérisateur puis j'assombrit le ton sur la partie supérieure du ciel. Ensuite, je crée mon mélange de bleu pour l'eau en utilisant la même couleur que le ciel, mais j'ai ajouté un peu de bleu cobalt. Je peins à partir de l'horizon en prenant soin de ne pas toucher la couleur jaune, puis je continue à peindre en descendant, en évitant la gondole. En atteignant la partie médiane de l'eau, j'assombrit la couleur en ajoutant de l'apathie bleue dans le mélange. Au premier plan, je l'ai rendu un peu plus sombre en ajoutant un peu d'indigo. Ici, je m' assure juste de ne pas laisser espaces non peints ici. Nous allons maintenant peindre l'arrière-plan. J'ai mélangé la sienne brûlée et la lavande pour une couleur marron frais pour le fond. Remarquez que le fragment de ciel est encore humide, me permet d'obtenir des traits doux. Maintenant, je sèche complètement la couche avant de peindre la poire. Je terminerai en ajoutant de minuscules marques pour les détails et assombrissant un peu plus la partie centrale de la télécabine. 9. Jour 5 Italie Partie 2: En utilisant de la sienne brune et de la lavande dans un mélange crémeux, je peins la plate-forme. Maintenant, avec une teinte brun plus foncé, je peins le côté du bois pour montrer sa dimension. Remarquez à quel point ma consistance est crémeuse. Le mélange doit être assez épais pour qu' il éclate du fragment d'eau. Je crée des nuances intéressantes de marron en modifiant le rapport entre les couleurs marron sienne, lavande, améthyste authentique et ocre jaune. Quelle que soit la couleur que je crée, je veille à ce que mon mélange soit crémeux il contient très peu d'eau. Je peins une partie de la balustrade avec ton plus foncé pour montrer ses côtés et pour qu'elle n'ait pas l'air plat. Je continue à peindre les garde-corps en utilisant le même groupe de couleurs. J'évite également de peindre sur la partie de la télécabine ici. Ici, nous pouvons voir que la jetée semble beaucoup plus vivante et sort lentement de la page à cause des couleurs saturées remplacées. Maintenant, je mélange le brun foncé, presque noir en utilisant une teinte neutre pour peindre le lampadaire. Je peins d' abord la lampe avec de la lavande, puis je peins le contour métallique avec une teinte neutre. Passons maintenant à la peinture de la gondole. Je définit la forme du sillon en peignant l'espace qui l'entoure. Ensuite, je reçois une riche quantité de teinte neutre avec un peu de lavande pour peindre la gondole. J'ai ajouté un soupçon de bleu pour peindre le bord afin de montrer la lumière réfléchie de l'eau. Nous devons montrer et faire ressortir la dimension du bateau en plaçant les tons appropriés, comme ce que nous avons fait sur l'église à dôme bleu de Santorin. Ainsi, je rends cette partie médiane de couleur très foncée, puis je m'éclaircit légèrement à mesure que j'approche du bord. Peignons encore le côté intérieur du bateau avec un mélange saturé, puis laissons des espaces blancs entre les deux. Ensuite, j'utilise du bleu cobalt avec un peu de teinte neutre pour peindre les autres parties du bateau. Je place la couleur sur le bord, puis j'étale la couleur avec un pinceau humide pour créer un dégradé. Je comble les lacunes avec des traits aléatoires mais je laisse toujours de minuscules taches blanches à l'intérieur. Préparons ensuite notre couleur pour le reflet en utilisant le bleu cobalt, apatite bleue et le vert olive et créons un mélange vert bleuté pour peindre le reflet. D'un coup, je peins le reflet avec des traits horizontaux tremblants. J'évite de superposer une autre couleur sur le dessus. Je peins également le reflet sous la jetée et les poteaux. Ensuite, peignons les poteaux avec un mélange brun. Nous faisons la même chose que sur les rampes. Nous mettons d'abord la couleur de base, puis ajoutons un ton sombre pour montrer les côtés. N'oubliez pas de peindre la base de la jetée et d'ajouter contraste sur la jetée si nécessaire. Pour notre dernière étape, nous allons peindre reflets blancs sur la gondole à l'aide d'une peinture blanche opaque. J'ajouterai aussi un peu de blanc sur la lampe pour l'accent et certains poteaux. Je terminerai en ajoutant des marques bien rangées pour les détails et assombrissant un peu plus la partie centrale de la gondole. C'est notre dernier tableau. Explorons la République tchèque le soir lors de notre prochaine leçon. 10. Jour 6 en tchèque Partie 1: Les paysages nocturnes peuvent sembler intimidants à peindre, mais aujourd'hui je vais vous enseigner une approche simple pour peindre la République tchèque la nuit. Commençons par la ligne d'horizon. Ensuite, à partir de là, je sélectionne le point de fuite que j'ai identifié sur la photo de référence. Cela sert de point de départ dessiner la structure du pont. Je pose d'abord les lignes, puis je commence à dessiner les arches en dessous. Cela peut sembler délicat au début, mais pour ne pas vous perdre sur votre esquisse, gardez à l'esprit que toutes les lignes parallèles du pont doivent se croiser sur le point de fuite. Je simplifie également la structure n' entrant pas trop dans les détails. Je me concentre sur le dessin du contour général et sur les grandes formes, pour représenter l'ensemble de l'image. Ici, nous sommes bons avec notre croquis au crayon. Je vais juste finaliser quelques lignes et alléger un peu l' esquisse. Commençons à peindre. Nous humidifions d'abord le papier avec une eau propre. Je prémouille très bien le fragment d'eau. Ensuite, je prends de l' orange cadmium avec un peu d' ocre jaune pour peindre la lumière des bâtiments, du pont et de l'eau. Je tamponne doucement mon pinceau. Puisque mon papier est humide, les peintures sont doucement posées sur le papier. Ici, je pose de la peinture jaune sur les arches pour installer la lumière aussi. Ensuite, j'utilise un pinceau plat pour peindre la lumière réfléchie sur l'eau d'un coup vers le bas. J'ai laissé couler la peinture. Ma page est également légèrement inclinée et le trait est très léger, donc je ne veux pas qu'elle soit trop dure ou manipulée. Ensuite, je mélange le violet et le gris de Payne pour peindre le fragment d'eau. Je peins l'espace entre la lumière jaune sur l'eau avec cette couleur violet foncé. Il est important que, au fur et à mesure que vous effectuez cette étape , le papier soit encore humide, sorte que les couleurs jaune et violette auront un mélange doux. Après avoir fait ces coups verticaux, je fais des traits horizontaux légers pour peindre le premier plan. J'assombrit davantage les traits violets pour augmenter le contraste autour de la lumière réfléchie. Puisque la couleur violette commence à saigner sur le jaune, je fais des coups rapides vers le bas pour éliminer ces saignements. Ensuite, j'ajoute également une couleur jaune-orange plus profonde sur le bord du pont. Après cette étape, noircissons encore plus le premier plan. Vous pouvez effectuer cette étape à plusieurs reprises tant que le papier est encore humide. Une fois qu'il est déjà sec, il vaut mieux s'arrêter car vous allez simplement créer des bords durs. 11. Jour 6 tchèque Partie 2: Maintenant, peignons le pont en utilisant [inaudible] Je change le ton en un ton plus sombre en ajoutant un peu d'Amethyst Genuine. Maintenant, j'ai changé le pinceau synthétique pour coup plus contrôlé lorsque peins les piliers du pont. Pour ce fragment, nous faisons ressortir dimension en différenciant les tons des côtés, et de cette façon, nous créons une dimension sans avoir à délimiter les côtés. Ensuite, après avoir peint ces traits horizontaux, je fais glisser la peinture vers le bas pour qu'elle se fonde avec le fragment d'eau. Ensuite, je dépose quelques peintures sombres sur le contour du pont pour le définir davantage. Passons maintenant à la peinture du bâtiment en arrière-plan. Comme il s'agit simplement d'un élément de soutien et non d'un point focal, nous n'avons pas besoin d'y apporter autant de détails. jeu de couleurs claires suffit. J'utilise ici différentes nuances de brun feutré pour peindre le tableau. J'utilise également du vert feutré pour peindre le dôme et le toit. Nous peignons les fenêtres avec quelques traits de points et un peu de petites marques verticales à l'aide de lavande. Ensuite, nous allons peindre le tas d'arbres sur le côté gauche. J'utilise une couleur vert foncé faite d'olive et d'indigo. Je fais quelques coups de pinceau rugueux pour peindre ce fragment. Maintenant, peignons le ciel sombre à l'aide compost violet et de peintre pour obtenir une riche couleur pourpre foncé. Je peins soigneusement autour des structures et j' étale la peinture. Je garde mon mélange très saturé pour qu' il ne devienne pas transparent après séchage. Je pulvérise un peu d'eau pour adoucir le bord. Ensuite, j'assombrit les pièces qui ont l'air clair et m' assure qu'il ne reste aucun espace blanc et peint. terminer, j'ajoute petits reflets et de la texture sur le pont. J'ajoute également de petits traits sur la structure comme touche finale. C'est notre dernier tableau. En récompense de la fin de ce projet difficile, je vous offrirai des fleurs fraîchement cueillies de Suède lors de notre prochaine leçon. 12. Jour 7 Suède Partie 1: Bienvenue au Jour 7. Pour le projet d'aujourd'hui, nous allons peindre un magasin de fleurs suédois. Commençons par dessiner un toit de la boutique, puis l'auvent. J'étends mon croquis sur le côté droit du papier pour obtenir un point de fuite imaginaire lorsque je dessine les parties de l'auvent. Maintenant, dessinons l'entrée du magasin et placons beaucoup de pots de fleurs autour. Ici, je ne fais que dessiner un croquis basique du pot et un contour moelleux comme guide. Nous n'avons pas besoin de dessiner également la vue de l'intérieur visible sur le panneau de verre, car nous utiliserons simplement des couleurs pour l'interpréter. Ajoutons ici quelques éléments comme un lampadaire pour rendre l' image intéressante, et voyons plus loin si nous devrons ajouter quelques détails pour améliorer notre composition. Je choisis de ne pas peindre le bâtiment derrière, mais plutôt de faire un fond atmosphérique lâche. J'ajoute simplement de petits détails importants sur le toit et l'auvent, puis on peut peindre. Maintenant, j'humidifie mes peintures et je commence à peindre les fleurs. À l'aide d'une brosse propre et humide, je l'enroule sur la partie florale pour pré-mouiller cette section au hasard. Ensuite, je laisse tomber un peu de couleur verte en utilisant l' ocre et le bleu horizon. Puisque le papier est mouillé, je crée ces saignements doux. Ensuite, je tombe dans des tons roses et je laisse les deux couleurs se fondre naturellement. Je fais la même étape sur le prochain pot de fleurs, mais cette fois je change la couleur de la fleur. Je fais aussi des éclaboussures de peinture. Notez qu'ils ne mélangent pas les couleurs avec mon pinceau car je ne veux pas créer de multicouleurs. Nous répétons la même étape sur les autres pots. Nous commençons par pré-mouiller le fragment de façon aléatoire avec un pinceau humide, puis on laisse tomber différentes couleurs. Cette technique est vraiment thérapeutique car il est tellement relaxant de voir les peintures bouger et saigner sur une surface humide. Vous pouvez également faire preuve de créativité sur les couleurs que vous souhaitez utiliser pour construire le magasin de fleurs. Maintenant que le papier a un peu absorbé la peinture, je vais laisser tomber des nuances de vert plus foncées pour donner du volume aux plantes. Je ne fais toujours pas d'accidents vasculaires cérébraux. C'est encore une simple chute de couleurs. Ensuite, peignons le brûlé à l'aide d' ocre jaune de sienne brûlé et d'améthyste authentique. Je mélange ces trois couleurs pour créer différentes nuances de marron. Puisque la lumière vient de la droite, la partie la plus à gauche du pot doit être dans l'ombre. Lorsque je peins les pots, mon mélange est crémeux, donc il ne saigne pas sur la couleur des fleurs. Après avoir peint les pots, j'ai un mélange de lavande et d' ocre pour peindre le sol. Je laisse la partie de mon coup toucher la base du pot pour qu'elle ait l'air connectée. Ensuite, j'approfondis la couleur sous le pot avec une teinte brun foncé. Nous allons peindre les fleurs sur le côté gauche. Nous faisons la même étape que pour les fleurs de droite. La seule différence, c'est que j'ai fait paraître cette partie un peu défocalisée. Je retourne aux fleurs de droite et peins sur certains de ces grands espaces blancs. J'assombrit également la partie du pot pour définir chacune d'elles. Je mélange indigo et lavande et vert pour peindre le toit. Je fais quelques couleurs éliminatoires en mettant un contour vert bleuté foncé, puis un vert moins intense pour la partie intérieure. Ensuite, je peins la base de lavage l'auvent avec un lavage très léger de lavande. Je sèche complètement cette couche avant de passer à l'étape suivante. 13. Jour 7 Suède Partie 2: À l'aide de lavande et de peintures très pâles, je peins le panneau de verre de la boutique. Ensuite, j'obtiens l'épais mélange de vert pour définir le toit. Comme je trouve qu'il est encore humide, je le sèche à nouveau avec mon appareil de chauffage pour obtenir un coup défini. Je commence à définir la forme et à ajouter contraste avec ce nouveau calque. Je peins quelques détails comme les minuscules ampoules ici en jaune Naples et nouveau gamboge tout droit des deux. Je vais juste faire un croquis de la bande de l'auvent. Maintenant, à l'aide de lavande et de teinte neutre, je peins les rayures avec les poils de ma brosse ronde aplatis. Mon mélange n'est pas si saturé mais plus de couleur discrète. Certains traits sont également cassés en lignes. Maintenant, peignons le cadre métallique du panneau de verre à l' aide de la teinte grise, neutre et de la sienne brûlée de Payne . Maintenant, je peins de petits détails comme ce support métallique de l'auvent à l'aide d' ocre jaune et de teinte neutre. Peignons le fond atmosphérique à l'aide d'un mélange d'ocre et de pêche. Je dessine soigneusement la boutique avec cette couleur et, bien qu' elle soit encore humide, je mélange de la lavande à côté. Le but de l'ajout de fond est de créer un contraste autour de l'auvent blanc. J'utilise un vaporisateur pour adoucir le bord et créer un effet de couleur doux et diminuant. Je fais même des éclaboussures de lavande et haricots de pêche pour plus de texture. J'ajouterai quelques traits sombres sur la fleur pour qu'ils regardent en haut de l'arrière-plan mais veillez à ne pas exagérer cette étape. Vérifiez toujours votre travail de temps en temps pour voir si vous avez déjà placé suffisamment de coups. Maintenant, ajoutons un peu de décor sur le panneau de verre avec quelques traits secs. Nous n'avons pas besoin de dessiner ce que nous voyons exactement sur la photo. Je sèche le fond pour pouvoir peindre la lampe ensuite. Terminons d'abord cette section de porte en ajoutant des détails finaux avec la peinture blanche. Je place des reflets blancs sur le panneau de verre et sur les pots, ainsi que quelques marques sur la guirlande lumineuse. Maintenant, peignons la lampe avec une teinte neutre. Je le peins avec des coups rapides ressemblant à des gribouillages. J'assombrit le poteau avec une peinture saturée pour le rendre plus solide, puis je peins la partie intérieure de la lampe avec de la lavande. Notre image est entièrement peinte, mais j'ai l'impression que nous pouvons encore ajouter quelque chose pour rendre l' image plus intéressante. J'ai pensé à ajouter un chevalet ici à côté d'une lampe, ce qui est une signalisation très courante dans les magasins de fleurs. Je peins le chevalet avec un banc et une bordure. Ensuite, je peins l' espace en dessous avec la même couleur grise pour qu'il n'ait pas l'air flottant. Ensuite, nous allons peindre la planche intérieure avec un ton clair de teinte neutre. Je vais sécher complètement le fragment et peindre traits blancs comme une impression de texte sur le tableau. Maintenant, la peinture de notre boutique de fleurs est enfin terminée et terminée. Volons à côté de la Norvège pour vous promener relaxant dans l'un de ses charmants villages. 14. Jour 8 Norvège Partie 1: Félicitations pour avoir terminé les sept premiers jours de notre défi. Maintenant, au 8e jour, nous allons peindre un charmant village de Norvège. Nous commençons à esquisser avec un pont quelque part en dessous de la partie médiane de la page. Je dessine l'arche en dessous et j'essaie de copier l'angle à main levée. Ensuite, dessinons les environs, partant du côté du ruisseau, puis de la maison ici à droite. Ajoutons des fenêtres et des portes. J'ai mis un petit détail sur le pont comme les mains courantes et le mur de briques sur le côté. Ensuite, dessinons le ruisseau et mettons une impression d' escalier sur le côté et petites pierres ici au milieu. Maintenant, je dessine les montagnes lointaines. Allégeons quelques lignes dures et ajoutons un peu d'éléments ici à droite. Commençons à peindre. Je commence par humidifier mon papier avec mon pulvérisateur. Ensuite, je peins la lumière chaude avec un mélange aqueux d'ocre jaune puis je me fond dans un mélange laiteux de couleur violacée avec du bleu d'horizon et des améthystes authentiques. C'est ma couleur pour le ciel. J'assombrit un peu la partie supérieure puis je vais adoucir le bord avec mon pulvérisateur. Ensuite, je mélange les couleurs : bleu horizon, olive et apatite authentique pour peindre les montagnes lointaines froides. J'incline mon papier pour que les couleurs ne coulent pas dans le fragment du ciel. Maintenant, je crée un mélange jaune-verdâtre utilisant l'ocre et bleu horizon pour peindre cette montagne au milieu du sol. Tout comme ce que nous avons fait sur les montagnes le 1er jour des Philippines, nous jouons des couleurs et des tons pour représenter la montagne. Le ton suivant légèrement plus foncé alors que la couleur initiale est encore humide. Pour les tons sombres, j'ajoute simplement de l'indigo à mon mélange. Je ne peux pas peindre la maison et je continue varier les tons des verts dans les montagnes. En peignant le pied de la montagne, je rends le lavage un peu doux et aqueux. Je laisse aussi tomber une branche dans une couleur pour y ajouter de la chaleur. Je dessine également avec soin la maison pour définir la forme. Comme mon fragment de montagne est encore humide, j'en profite en déposant de minuscules points de mélange crémeux de peintures pour montrer une impression d'arbres. Cette étape est possible si la couche est encore mouillée, mais si ce n'est pas le cas, je ne conseille pas de le faire. Ici, je saupoudrez un peu d'eau avec mon doigt pour créer une texture unique. Laissez-moi nettoyer ma palette avant de peindre les autres parties. En utilisant Horizon Blue et Amethyst Genuine plus Blue Apatite Genuine, je crée la couleur du fragment d'eau. Je pars de la zone la plus proche moi avec une couleur saturée, puis je m'éclaircit progressivement au fur et à mesure que je vais plus loin. J'intensifie un peu le ton au premier plan pour montrer de la profondeur. Ensuite, en utilisant l' ocre jaune et le bleu Horizon, je peins l'herbe ici de ce côté. Je peins la zone en suivant la direction ou la pente du terrain. Je joue encore des couleurs et des tons en un seul calque. Ensuite, je peins le petit arbre sur le côté avec quelques traits déchiquetés. J'assombrit la partie inférieure de l'arbre pour qu'elle soit plus distincte. Je peins les buissons ici à droite. Je fais un mélange laiteux de couleur brune à l'aide mes restes de peintures pour peindre ce mur de briques sur le côté. J'utilise les mêmes couleurs pour peindre l'escalier à gauche. 15. Jour 8 Norvège Partie 2: À l'aide d'ocre jaune et d'un peu d'Amethyst Genuine, je peins la base pour laver le pont. Le lavage de base est très léger et transparent. Puis je laisse tomber un peu d' améthyste alors qu'il est encore humide, pour créer de la texture à travers les couleurs. Je peins soigneusement le contour pour montrer sa forme. Ensuite, j'ai une couleur brun plus foncé utilisant de l'améthyste et sienne brûlée pour peindre les taches sombres du pont. Encore une fois, je le fais alors que le fragment est encore humide pour obtenir un doux mélange de couleurs. Cette étape revient à créer la texture des briques à l' aide de saignements de couleur. En attendant que ça sèche, j'ai peint les deux côtés derrière le pont. Cette fois, le fragment d'eau est également sec, c'est pourquoi je n'ai pas à m'inquiéter des saignements de couleur. Après l'avoir peint, je fais glisser les couleurs vers le bas à l'aide d'un pinceau plat pour montrer une impression de réflexion sur l'eau. La brosse doit être humide et ne contient pas d'excès d'eau. J' assombrit un peu les bords pour plus de contraste. Maintenant, en utilisant de l' ocre jaune et de la lavande, je peins le dessous de l'arche. J'observe leur référence et je vois quelle partie doit être un peu sombre pour montrer la dimension. Nous allons éclabousser quelques peintures ici au premier plan pour montrer les petites fleurs. J'utilise le jaune Naples car il est opaque. Maintenant, nous allons peindre la maison. J'utilise le rouge indien comme couleur de base pour la maison. Cette fois, je passe à un pinceau synthétique et je peins soigneusement les côtés de la maison. Notez que je ne le colore pas avec un remplissage solide. Je place une couleur saturée sur une zone, puis j' étale la couleur à l'autre. Je fais un mélange plus sombre de rouge indien avec teinte neutre pour peindre l' abat-jour sous le toit, puis je peins le toit lui-même ensuite. Je sèche complètement cette couche avant d'ajouter d'autres lignes dans les détails. Je dois faire plus de contraste entre la maison et le fond de la montagne. Faisons cela en peignant quelques arbres pour mieux définir la forme de la maison. On l'appelle aussi peinture négative. Maintenant, nous allons peindre le poignet de la main sur le pont avec de la teinte neutre et de la lavande. Rendez les lignes très fines et saturées pour qu'elles ne fassent pas trop attention. Voici notre peinture finale. Joignez-vous à moi pour visiter un confortable chalet anglais lors de notre prochaine leçon. 16. Jour 9 Au cours de la partie 1 du mois: Toit de chaume, verdure luxuriante, extérieurs rustiques et vintage ne sont que quelques-uns pour décrire notre projet d'aujourd'hui. Voici un croquis de ce chalet anglais. Je commence par le toit et un angle copié du toit à partir de la photo de référence pour obtenir un angle et un alignement appropriés. Nous allons ajuster un peu la zone du jardin dans notre croquis puisque notre référence est en format portrait. Je me concentre sur le dessin de lignes ou d' éléments essentiels pour montrer l' essence de l'image comme les volets en bois et je passe à petits détails inutiles comme les objets devant la maison. Je finalise mon dessin au trait en effaçant ces croquis lâches et en décrivant l'esquisse finale. Ensuite, j'alléger un peu mon croquis, puis j'humidifie mes peintures et mon papier. À l'aide d'ocre jaune et de sienne brûlée, je peins le lavage de base du toit de chaume. Je peins avec une couleur marron feutrée, le bord du toit. J'essaie de peindre le toit en une seule couche en plaçant tons appropriés en une seule fois et établissant également un lien de couleur. J'ai pulvérisé de l'eau pour obtenir ce bord doux. Ensuite, je dépose quelques peintures de couleur brun foncé sur le fragment humide pour montrer de la texture sur le toit. J'ai également des éclaboussures de peinture pour une sensation plus organique. Ensuite, je peins le plus petit toit sur le côté avec une couleur plus claire à l'aide d'ocre jaune. Ici, je mélange la couleur verte pour peindre les plantes sur le côté. Je tiens ma brosse près de la partie centrale de la poignée pour les coups de perdant. Comme mon papier a un peu d'humidité, je crée ces bords perdus et trouvés lorsque je pose les couleurs. Maintenant que je peins les murs de cette petite maison dans l'ombre, j'obtiens un mélange brun foncé, consistance crémeuse, plus crémeuse que le mélange que j'utilise pour les verts, de sorte que la couleur brune plus crémeuse que le mélange que j'utilise pour les verts, ne saigne pas autant. Je continue à peindre les verdures devant la maison et aussi les plantes fleuries au premier plan. La peinture dans un style expressif peut sembler difficile, mais la technique clé ici est la connexion des couleurs. Lorsque vous apprenez à équilibrer la peinture et l'eau pour créer la connexion dans les lavages de couleur en une seule couche, vous prenez le contrôle du support malgré son imprévisibilité. Ensuite, je mélange la couleur pour le sol avec de la lavande et très peu de sienne brûlée. Je commence par le badigeon près de la maison, puis j' augmente progressivement le ton en ajoutant un peu plus de sienne brûlée dans mon mélange. Je rends le premier plan plus sombre dans le ton pour la perspective. Je dépose une sienne brûlée pour dépeindre le sol du jardin. J'éclabousse un peu de jaune Naples sur le buisson droit pour des fleurs. J'ai également ajouté un peu de rose pour rendre couleur plus vive. Maintenant, nous revenons à peindre les murs de la maison. Puisque le toit est déjà sec, nous pouvons définir la forme à l'aide d'une peinture négative. Lorsque nous peignons les murs avec une palette de couleurs limitée, il est crucial de différer les nuances de brun pour définir les différents côtés du toit et des murs. Ici, je construis la partie inférieure du toit en la faisant paraître sombre rapport à l'autre côté. 17. Jour 9 Au cours de la partie 2 de la section 2 de la rubrique UK: Je peins également la face avant de la maison avec un lavage transparent pour mettre en valeur le ton sombre qui l'entoure. J'y laisse tomber quelques nuances de sienne brûlée aussi pendant qu'il est mouillé. Peignons les autres détails du chalet comme cette petite fenêtre sur le côté. N'oubliez pas de peindre l'ombre en dessous. Nous laisserons cette couche sécher complètement d'abord et en attendant, nous pourrons continuer à peindre les verts à gauche. J'utilise de l'ocre jaune et un peu de vert olive. J'ai pré-mouillé mon papier pour obtenir des fleurs douces de peintures. Je fais la même technique que sur le côté droit des verdures. La connexion des couleurs est la clé pour créer un mélange fluide sur le jeu des couleurs. Éclavons les mamelons jaunes et orange cadmium pour des effets floraux. Enfin, nous allons peindre quelques traits épais vert foncé pour les feuilles ici au premier plan. Notre premier plan est presque terminé, vous suffit de finaliser le chalet pour finir le tableau. Faisons d'abord une peinture négative autour des buissons à fleurs pour peindre la clôture du jardin. Je laisse des espaces blancs non peints autour. Puis à l'aide de mes ongles, je gratte la peinture pour montrer la clôture. Ensuite, je pré-mouille légèrement le fond et je peins un tas d'arbres avec de gros traits audacieux. J'utilise également un pinceau pour peindre la couronne des feuilles et quelques brindilles. Gardez l'arbre un peu floue ou déconcentré en le vaporisant avec un pulvérisateur d'eau. Vous pouvez également l'utiliser pour définir partiellement la forme du toit grâce à une peinture négative. Revenons maintenant à la finalisation du chalet. À l'aide d'un pinceau synthétique, je peins les détails de la maison en commençant par les fenêtres. Pour éviter de le rendre plat, vous devez montrer la dimension des volets en bois. J'utilise une branche, et maintenant pour peindre les bordures de la fenêtre en brun foncé à l'aide d'une branche et d'une améthyste et aussi neutre fin pour peindre les côtés des tons sombres. Ajoutons maintenant les textures rugueuses du toit avec des coups de pinceau secs. Je frotte mon pinceau sur le papier, en assurant qu'il n'y a pas d'excès d'eau ou d'humidité. J'assombrit aussi les parties qui ont besoin d'un contraste supplémentaire, comme le petit chalet sur le côté. Je vais aussi faire quelques coups secs ici sur le toit principal en utilisant une branche et un peu de rouge indien. J'ai frotté la peinture avec mon doigt pour la mélanger avec la couleur de base. terminer, je peins quelques lignes ici sur le sentier pour créer un intérêt et une texture supplémentaires sur le sol. Cela doit être très transparent et ne pas distraire. Notre peinture est maintenant terminée. Pour notre prochaine leçon, promenons-nous dans les rues de Paris avec vue sur la Tour Eiffel la nuit. On se voit dans la vidéo suivante. 18. Jour 10 de la France Partie 1: Promenons-nous aujourd'hui dans l' une des rues de Paris, tout en contemplant la Tour Eiffel la nuit. Nous appliquerons ici la règle de perspective en copiant les angles dans les alignements des lignes de notre référence pour simplifier le processus. Deuxièmement, nous appliquerons également ce que nous avons appris en peignant le paysage nocturne en échec. commençant par peindre la lumière, puis ajouter un contraste autour de celle-ci pour faire briller la lumière dans le paysage nocturne. Commençons à dessiner. Ici, vous me voyez copier l'angle de référence à mon crayon, puis le transférer dans mon carnet de croquis pour dessiner le bâtiment à gauche. Ensuite, je dessine la Tour Eiffel. Même si nous dessinons à main levée, nous devons assurer la symétrie pour qu'elle soit équilibrée, proportionnelle et, surtout, pas horrible. Il est également normal de prendre l'esquisse un peu lentement, surtout avec des sujets qui doivent être symétriques. Ensuite, dessinons le bâtiment à droite. Je commence par une signalisation, puis par l'auvent du café. Puisque nous allons réajuster notre référence d'une référence de format portrait à une peinture de paysage, nous ne dessinerons pas toute la façade et nous allons couper court à la partie avant du café. Ici, au milieu, je ne tiens pas compte tous les détails de la référence, et nous utiliserons simplement de l'aquarelle pour faire ressortir la texture. Je ne préciserai pas ces voitures rugueuses ici sur le côté gauche, et ce côté sera surtout décoloré. Nous nous concentrerons plus de détails ici sur la droite. Je révise une composition en plaçant une fenêtre, et qu'il y en a dans la partie supérieure du café. Notre dessin est terminé, nous pouvons alléger le croquis et commencer à peindre. J'humidifie la page avec un pulvérisateur d'eau. Puis, en utilisant le jaune de Naples, j'ai installé le feu de base de la tour. Ensuite, je mélange Naples et lavande et peins sur la couche pour montrer le cadre métallique de la tour. Les coups sont très légers et subtils, je fais aussi quelques six sous-traits pour le montrer. Ensuite, je prends de l'indigo, lavande et de la teinte neutre pour peindre le ciel nocturne. Mon mélange est très crémeux et opaque pour obtenir l'effet ciel nocturne sombre. Je peins soigneusement autour de la tour, et comme ma tour est encore un peu humide, je laisse quelques petits espaces blancs pour que la peinture foncée ne saigne pas vers la couleur jaune. Je vais juste peindre ces pots plus tard quand la tour sera sèche. Sur cette étape, je ne fais que remplir complètement le fragment de ciel avec de la couleur. J'ai également évité de peindre les bâtiments des deux côtés. J'ai étalé un peu d'eau juste pour adoucir le bord. Maintenant, je nettoie mon pinceau et je vais peindre ces espaces blancs avec du jaune Naples. Je mélange de la sienne brûlée, de l'améthyste et de la lavande pour obtenir la couleur marron feutrée du bâtiment à gauche. J'ajoute encore de la lavande pour créer différentes nuances malgré l'utilisation des mêmes trois couleurs. J'ajoute également un peu de jaune Naples pour montrer un soupçon de lumière. Avec une peinture crémeuse dans un pinceau synthétique, je peins les détails et la structure du bâtiment où le fragment est encore humide. Je fais ça mouillé sur mouillé parce que je veux que ce domaine soit déconcentré. J'ai aussi des éclaboussures de peinture pour créer de la texture. En utilisant une teinte lavande et neutre, je crée une couleur grise pour peindre cette rangée de cartes. Je n'ai pas l'intention de les peindre un par un, et encore une fois, cette zone ne devrait pas paraître définie. Je peins juste la rangée avec des couleurs grises et laisse des espaces blancs entre les deux. Nous allons maintenant peindre la zone médiane sous la tour. J'utilise une couleur orange épaisse puis je connecte couleur brun grisâtre pour créer l'impression d'une rangée de bâtiments de loin. Je laisse tomber des couleurs neutres alors que la portion est encore mouillée. Je peins également la route en utilisant ocre jaune pour mettre en place la lumière réfléchie, puis je me fond progressivement dans un mélange de lavande. 19. Jour 10 de la France Partie 2: J'ai du rouge indien pour peindre l'avant du café dans l'ombre. Je donne un ton plus foncé en y ajoutant une teinte neutre. Je me fonde également dans le jaune de Naples pour montrer la lumière réfléchie de l'ombre sur ce mur. Je pulvérise un peu d'eau pour créer de la texture et adoucir le bord, nous peindrons les détails plus tard une fois qu'ils seront secs. Nous allons peindre l'auvent rouge. J'ai une très grosse quantité de danger en rouge. Ce n'est pas grave s'il a un peu sonné vers le mur supérieur, mais comme vous pouvez le voir, j'ai laissé un petit espace non peint pour empêcher tout le trait rouge de monter. Je prends Naples jaune avec un peu d' ocre pour peindre cette lumière qui brille à travers l'auvent. Alors qu'il est encore humide, je peins la partie supérieure avec un mélange crémeux de rouge et j'incline mon papier pour que les deux couleurs se mélangent et se fondent seules. J'évite de les mélanger avec mon pinceau autant que possible. Ensuite, je laisse tomber quelques taches rouges. Ensuite, je peins cette partie de l'auvent avec une nuance différente de jaune-orange avec le mélange encore épais et très saturé. À l'aide d'un mélange crémeux de lavande et de teinte neutre, je peins les plis et design de l'auvent avec des lignes brisées. Je mélange la sienne brûlée, le rouge indien et le rouge [inaudible] pour peindre les côtés du bâtiment. La couleur doit évidemment être plus foncée que le côté face à nous, la grande dimension. Ensuite, je peins la petite zone autour de la signalisation. Pour la signalisation, je la peins partiellement avec une couleur jaune pâle. Je peins toujours ce côté du bâtiment. D'abord, avec la sienne brûlée, puis des couleurs tombantes comme thème neutre et le jaune Naples. Je mélange Naples en orange pour peindre la lumière ici dans l'entrée du café. À partir de cette couleur jaune, nous connectons un orange plus chaud en ajoutant de la sienne brûlée au mélange. Nous intensifions la couleur au fur et à mesure que nous nous éloignons de la lumière. J'ai peint la porte vitrée avec lavande et mélangée avec un peu de teinte neutre ou montre l'impression de l'intérieur reflétée sur la porte vitrée. Nous effectuons cette étape alors que la couche est encore mouillée. Ici, sur le côté gauche du café, je peins Naples en jaune comme couleur de base de la lumière sur le sentier. Maintenant, je vais peindre quelques détails en commençant par la signalisation avec une teinte neutre. Je peins également le contour avec des traits cassés , puis je peins le texte dans la signalisation. J'ajoute aussi des accents rouges sur le dessus. Ensuite, peignons quelques traits supplémentaires pour définir la forme de la porte vitrée avec une couleur brune. J'assombrit également quelques traits sur l'auvent et je peins également le dessin du texte dessus. Je vais peindre des affiches ici sur le café avec des formes et des marques. Nous allons peindre la fenêtre et la terrasse à côté. J'ai une couleur brun foncé utilisant de l' améthyste et de la sienne brûlée et un peu de teinte neutre. Je viens de dessiner des traits fluides pour peindre le design en métal. Ensuite, je peins l' ombre en dessous. J'utilise toujours la sienne brûlée comme couleur de base pour les volets de fenêtre. Je peins la route avec un mélange vert à l'aide d'une teinte neutre lavande. Je me frotte le doigt pour le fondre à la couleur de base et je peins également l'ombre sur la route avec la même couleur en utilisant un trait de pinceau sec de gauche à droite. J'améliore également la tour avec des lignes sombres en utilisant le même mélange vert. Je voulais faire ressortir un peu ce cadre en métal, alors je fais quelques coups rapides en zigzags en utilisant juste le bout de ma brosse. Maintenant, je vais faire une peinture négative autour du café pour définir la bordure du mur. Ici, j'utilise une couleur brun foncé pour créer ce contraste. Enfin, je définit les détails sur l'entrée du café. Voici notre peinture finale. Pour notre prochaine destination, nous visiterons une ville pleine de bâtiments aux couleurs pastel et à ne pas manquer le triomphe jaune du Portugal. On se voit dans la vidéo suivante. 20. Jour 11 du Portugal Partie 1: Pour l'invite de peinture d'aujourd'hui, nous allons peindre l'un de ces symboles les plus emblématiques, le tramway jaune moutarde encombré, qui se fraie un chemin sur les rails à travers la circulation. Commençons à dessiner. Sur la partie gauche du journal, je positionne le tramway qui approche. Pour obtenir la bonne taille du tramway, j'ai fait une estimation approximative du vrai premier sur la partie inférieure du papier et je dois m'assurer que le tramway n'a pas l'air trop petit car c'est notre point focal, pourtant, il ne devrait pas être trop grand qu'il n'y ait pas assez d'espace pour dessiner le rail. Comme il est très probablement orienté vers l'avant, nous dessinons d'abord la forme générale du tramway. Dessinez le pare-brise, la boîte de destination et une petite partie des pailles latérales. Derrière, nous dessinons les bâtiments des deux côtés. J'imagine que le tableau ressemble à ce tramway lumineux et frappant contre un bâtiment de couleur pastel flou hors du point de vue en arrière-plan. Je dessine encore quelques lignes pour montrer les fenêtres, mais je n'ai pas l'intention de copier tous les détails des bâtiments et même des affaires de la ville. Ici, je dessine les fils du câble. Commençons maintenant à peindre. J'active mes peintures en les pré-mouillant. J'ai également pré-mouillé mon papier avec mon pulvérisateur. En utilisant le bleu horizon et l' améthyste authentique, je crée une couleur bleu pastel pour peindre le bâtiment à droite. Je crée un jeu de couleurs en mélangeant un peu d'ocre dans le mélange et en modifiant également le rapport des couleurs. Bien qu'il soit encore humide, j' éclabousse un peu de couleur violette sur le côté pour créer des textures. Ensuite, avec des traits horizontaux, je peins la route en partant de la base du bâtiment qui descend. Ici, j'utilise de l'ocre jaune avec un peu de sienne brûlée. À l'approche du milieu, j'ajouterai de la lavande à mon mélange pour faire passer ma couleur à un ton plus sombre. Au premier plan, vous verrez plus de couleur lavande dans mon mélange. Je peins la vraie façon avec une couleur grisâtre, puis j'éclabousse quelques peintures sur le sol alors qu'il est encore mouillé. Ensuite, j'ai peint le côté gauche de la rue avec un mélange d'ocre et de sienne. Maintenant, je vais peindre le bâtiment de gauche en utilisant un mélange saturé de sienne brûlée avec un peu d'ocre. Je peins autour du tramway et j'évite le tacher autant que possible. Je fais la même étape pour créer de la texture sur le bâtiment en y éclaboussant des peintures brunes. Nous allons maintenant peindre le ciel avec un très léger lavage de lavande. Le ton doit être si léger qu'il ne sera pas en concurrence avec les deux bâtiments. Maintenant que le bâtiment bleu est humide, je peins l'impression de fenêtres. Il est important de peindre les fenêtres pendant que la couche est humide pour obtenir ce bord doux et flou. Si le vôtre est déjà sec, vous pouvez humidifier le fragment avec un peu d'eau. Laissez ensuite le papier absorber un peu l'eau avant d'appliquer les traits. Une autre technique clé pour ce faire est que la brosse ne doit pas contenir autant d'eau. J'utilise un pinceau synthétique, donc le pinceau contient principalement des pigments. Si mon pinceau est si humide, la tendance est que l' eau qui s'y trouve coule vers le papier et crée des fleurs d'aquarelle indésirables. Vous pouvez maintenant constater un effet défocalisé sur vos bâtiments. Nous ajoutons ensuite quelques morceaux de gris sur la route pour ajouter de la texture. Ensuite, je peins le chemin de fer avec un mélange crémeux de gris. Notez que mon AVC est cassé, je ne fais intentionnellement pas un coup complet pour soutenir le champ libre que nous voulons atteindre. Je peins également des traits horizontaux très légers pour représenter une texture subtile sur la route. 21. Jour 11 du Portugal Partie 2: En utilisant de l'ocre et du nouveau gamboge, je colore la partie jaune moutarde du tramway. Je peins un côté avec une couleur saturée puis étale légèrement la couleur sur d'autres parties. Ensuite, je peins le côté du tramway avec la même couleur, mais en plaçant juste une petite partie de ce côté, puis je le lave. Ensuite, je peins la partie noire du tramway. J'utilise une teinte neutre avec un peu de lavande. Comme il y a une couleur orange réfléchie sur la surface, je me mélange dans mon mélange de couleurs moutarde et laisse les deux couleurs se connecter. Je fais soigneusement quelques traits de contour pour définir la forme du tramway, et je cherche également des saignements de couleurs pour pouvoir lever la couleur. Ici, je suis en train d'assombrir certaines parties pour créer dimension et montrer la forme courbée du devant. Je peins également le feutre de sauvetage sous le tramway en utilisant une teinte neutre tout en laissant des espaces blancs entre les deux. Je peins des traits gris clair sur le côté du tramway. Maintenant, je peins le pare-brise avec des couleurs pâles. J'ai d'abord mis de la lavande mélangée Horizon Blue puis je me fond dans sienne brûlée avec un peu d'ocre. Ici, la clé est de garder les tons très clairs et transparents. Nous faisons la même étape sur les trois sections. Ensuite, je crée de la profondeur en mettant des contours avec des tons plus sombres. Je peins également des traits pour créer l'impression du reflet sur le verre. À l'aide de ce mélange aqueux de lavande, je peins la partie supérieure du tramway. Ensuite, je peins la forme avec une couleur crémeuse de sienne brûlée et une teinte neutre. Peignons les fenêtres avec des lignes fines et remplissons la surface du toit d'un mélange de lavande et d'ocre. Maintenant, je peins le miroir latéral avec une teinte neutre, puis j'utilise de la lavande pour le remplissage intérieur. Après cela, je vais peindre son reflet sur le verre en utilisant principalement de la peinture à la lavande. Maintenant, nous allons peindre la boîte de destination. Je commence par le contour, puis je le remplis d'un mélange de couleurs. En utilisant un nouveau gamboge sans eau, je peins les reflets devant le tramway. Ensuite, je peins l'ombre sur le rail en utilisant une teinte lavande et neutre. La tonalité doit être plus foncée que la valeur tonale du sol pour qu'elle soit distincte. J'approfondis également la couleur ici juste en dessous du tramway. Ensuite, j'ajoute et rehausse le côté gauche de la rue en utilisant de la sienne brûlée. En utilisant la même couleur que l'améthyste authentique, j'ajoute quelques éléments par des traits verticaux et horizontaux. J'assombrit certaines parties du rail avec un coup de peinture plus épais. Je crée également une séparation claire entre le bâtiment et la route avec la course horizontale. Je me frotte le doigt sur le trait pour effacer la couleur. Je reviens à peindre le tramway pour définir sa forme, en particulier la partie arrière près du bâtiment bleu. Avec des points et des touches de peinture, je mets quelques reflets et accents. Enfin, avec la brosse à doublure, je peins les câbles en un seul coup. Notez que je tiens ma brosse à l'extrémité de la poignée et à près de 90 degrés pour un contrôle très minimal et une course très fine. Je terminerai en ajoutant reflets blancs sur la boîte de destination, des accents sur la face du tramway des reflets blancs sur la boîte de destination, des accents sur la face du tramway et sur les fils des câbles. Je voulais assombrir un peu plus cette partie de la section de verre puisqu'elle s'est estompée après séchage. Voici notre peinture finale. À partir de celle-ci, sortons de cette peinture et respirons un peu d'air frais sur la Costa Brava. 22. Jour 12 Espagne: Permettez-moi de vous faire le tour aujourd'hui dans l'un des quartiers les plus romantiques et sportifs d' Europe, bien sûr, uniquement ici sur la Costa Brava, en Espagne. Tracons ici la ligne d'horizon. J'attribue un point de fuite presque près du centre, et à partir de là, j'étends quelques lignes pour tracer la rangée d'hôtels sur le côté droit. D'un coup de glisse rapide, je dessine le rivage. Puis, au premier plan, je dessine un bateau. Je reviens à cette structure à droite et je fais une impression sur les bâtiments ou les hôtels en y installant un toit, fenêtres et des portes. N'oubliez pas de suivre la règle de la perspective, même lorsque vous tracez le toit, la partie supérieure des fenêtres et la partie supérieure des portes. Maintenant, je vais effacer les lignes inutiles et alléger mon croquis. Je vais humidifier mon papier et mes peintures avec un pulvérisateur. Peignons de haut en bas, en partant du ciel. À l'aide d'ocre jaune, je peins la lumière chaude à l'horizon avec un lavage très léger. Ensuite, je mélange le bleu horizon et les amateurs authentiques avec un peu de bleu cobalt pour peindre le ciel. Je laisse des bandes blanches non peintes pour représenter les nuages dans le ciel. À l'aide d'un spray, j'adoucit le bord de la partie supérieure de mon papier. J'assombrit également la partie supérieure pour créer de la profondeur et de la distance. J'adoucit également les bords de ces bandes blanches de nuages avec une brosse propre et humide. Maintenant, j'incline un peu mon papier pour laisser couler la peinture. J'adoucit la peinture jaune que j'ai peinte sur le fragment de l'hôtel avec mon pinceau et aussi en pulvérisant un peu d'eau. Ensuite, je vais peindre le rivage en utilisant une branche ocre et une rose [inaudible]. Mon mélange est laiteux. Il n'est pas saturé et plus transparent. En peignant le rivage au premier plan, je fais juste un coup rapide vers le bord pour créer l'effet pinceau sec. Ensuite, j'éclabousse un peu de couleur brune pour obtenir une texture de sable. Maintenant, je mélange la couleur de la mer. J'utilise mes restes de peinture bleue et j'ajoute du bleu d'horizon et de l'indigo. Je charge mon pinceau avec de la peinture, aplatisse les poils et je peins de l'horizon en descendant. En faisant un coup, j'essaie de créer ces petits points peints pour éblouir l'eau. Je continue à créer cet effet de pinceau sec vers le premier plan. J'ai légèrement touché le fragment de sable avec de la peinture bleue. Ensuite, je reçois un mélange plus saturé de bleu en utilisant plus d'indigo pour peindre des taches sombres dans l'eau. Je vais sécher complètement cette couche avant de passer au fragment suivant, j'ai dû utiliser un pistolet thermique pour arrêter ces saignements de couleur indésirables entre l'eau, sable et le fragment de ciel. Nous allons peindre la rangée d'hôtels. Je commence par un lavage de base ocre jaune très clair. Ensuite, je peins les fenêtres, toits et les portes avec de la sienne brûlée. Je change de pinceau pour peindre des lignes fines sombres pour le toit. J'utilise le même pinceau pour créer de la texture sur les murs et peindre certaines parties. Je prends de la lavande avec un peu de sienne brûlée pour peindre la partie la plus éloignée des bâtiments. En utilisant la même couleur, je peins les côtés des murs dans l'ombre. Maintenant, en utilisant les restes de peinture bleue, je peins les fenêtres et les portes. mesure du possible, il est conseillé d'utiliser le même mélange de couleurs sur différentes parties de la peinture pour créer un équilibre et une harmonie. En utilisant le même groupe de couleurs, vous créez également une connexion de couleur entre différents éléments et uniformez l'image globale. J'essaie de donner à ce fragment un aspect soigné en ne plaçant pas trop de couleurs et en peignant simplement détails avec des traits verticaux légers et transparents. Maintenant, je peins des branches et des reflets sur la côte pour un peu de contraste. Ensuite, je vais peindre ce bateau. Je voulais que le bateau soit blanc et je garderai la partie principale non peinte et je peindrai le dessin avec une couleur bleue, plus proche de la couleur de la mer. Ensuite, je peins les ombres sur le bateau blanc avec un léger lavage de lavande. Ici, je peins les bâtons de pagaie la même manière que nous peignons les bâtons dans le quai de Venise. Nous commençons par le lavage de base léger, puis ajoutons un trait de peinture foncée pour créer des dimensions. Je peins les autres parties et les détails du bateau avec la peinture bleue saturée. Je dessine partiellement le bord du bateau avec un coup cassé à l'aide d'un mélange vert. Je fournit légèrement la portion de sable pour pouvoir ajouter des textures de sable avec des éclaboussures de peinture. Ensuite, j'éclabousse des peintures dans différentes directions pour être plus expressif. J'assombrit également la partie du sable sous le bateau pour montrer sa forme. Ici, j'ai ajouté des contrastes autour du bateau blanc en assombrissant peu plus la partie sable et en plaçant des éclaboussures supplémentaires. Je sèche la peinture avec mon pistolet thermique, puis j'ajouterai les derniers points forts. Avec la peinture rouge, je peins accents sur le bateau et une corde. J'ai également mis quelques points de couleurs rouges en arrière-plan. Enfin, j'ai ajouté quelques traits sombres sur les fenêtres pour les rendre plus vivants. Je place simplement des traits sombres et des reflets pour améliorer l'aspect général de l'image. Voici notre peinture finale. Nous sommes arrivés aux deux dernières destinations de ce voyage. On se voit dans la prochaine leçon alors que nous peignons les aurores boréales. 23. Jour 13 l'Islande: Alors que nous terminons presque notre voyage, je vous emmènerai à ces magnifiques lumières dansantes bleues et vertes dans le ciel de l'Islande. Pour ce moment, je vais vous apprendre comment peindre les aurores boréales. Mais d'abord, faisons un esquisse rapide du contour des silhouettes d' arbres. J'ai varié la hauteur et l'angle des arbres pour un aspect naturel. Maintenant, prémouillons notre papier. J'ai un pinceau plus gros pour mouiller le papier plus rapidement. Je mélange ma couleur verte éclatante en utilisant le nouveau gamboge et le bleu horizon. J'ajoute une bonne quantité d'eau pour rendre le mélange transparent et fluide. J'ai essayé de trouver le bon équilibre entre les deux couleurs pour obtenir une teinte proche de la photo de référence. Sur mon papier mouillé, j'ai posé légèrement la couleur jaune vert. Je laisse la peinture saigner et s'étaler naturellement sur la surface humide. Je danse même mon pinceau pendant que je fais les coups. Ensuite, je crée mon mélange pour le ciel nocturne sombre en utilisant un mélange très crémeux et saturé d'indigo et de bleu d'horizon. Au fur et à mesure que je superpose cette couleur, le papier doit encore être mouillé. De cette façon, il n'y aura pas de bord dur entre le vert et le bleu. Je peins soigneusement l'espace mince entre les traits verts et je modifie la forme générale des lumières dansantes. Ne paniquez pas si vous sentez que la couleur bleue commence à recouvrir le fragment vert. Lorsque vous avez fini de poser les couleurs, je reçois mon pinceau plat et je commence à faire glisser la couleur bleue loin de la couleur verte. La brosse doit être humide, sans eau dedans. C'est comme soulever la couleur mais avec des traits très légers. Nous ne retirons donc pas complètement la peinture. Je fais cette étape pour former la forme des lumières dansantes et pour créer cet effet de décoloration. Une autre clé est d'essuyer ou de nettoyer votre brosse après le coup de levage. Cela vous empêche de tacher le fragment vert avec une brosse sale. Maintenant, nous pouvons voir que les couleurs commencent à se comporter et ne bougent plus. Une fois que vous serez satisfait des résultats, vous le laissez sécher naturellement ou, dans mon cas, j'utiliserai un pistolet thermique pour fixer le processus. Juste un avertissement lors de l'utilisation d'un pistolet thermique, les peintures ont tendance à s'estomper beaucoup plus que le séchage naturel. Maintenant, je reçois l'épais mélange sombre d'indigo avec une teinte neutre pour peindre la silhouette du pin. J'utilise un pinceau synthétique à pointe très fine pour peindre des traits minuscules et délicats. Le mélange doit être très épais, saturé et contenir très peu d'eau, de sorte qu'il se couche bien sur le fond. Je fais quelques coups de tapotage pour peindre la silhouette de l'arbre en partant de la pointe, puis en allant jusqu'au corps. Je laisse aussi quelques taches de l'arrière-plan non peintes pour montrer la lumière à travers. En atteignant le bord, je fais simplement des traits larges et audacieux pour couvrir un gros fragment. Je répète la même étape lorsque je peins les autres arbres. J'ai varié la hauteur et même l'angle ou la direction des arbres afin qu'ils ne soient pas raides et non naturels. Certains arbres sont plus minces, tandis que d'autres sont plus courts. Je continue également de laisser des espaces non peints entre les coups de barbotage pour mieux illustrer l' impression des arbres. En peignant les arbres sur la partie la plus à droite du papier, je les ai rendus courts et avec des traits moindres pour maintenir l'équilibre et orienter l'attention des spectateurs vers le point focal, qui est les aurores boréales les grands arbres sur la gauche. C'est notre dernier tableau. Nous terminerons notre voyage au Canada alors que nous peignons une magnifique plage de coucher de soleil. 24. Jour 14 le Canada: C'est vraiment une expérience merveilleuse de voyager avec vous à travers le monde. Aujourd'hui marque notre dernière destination et nous allons peindre le coucher de soleil spectaculaire sur une plage de surf au Canada. Je commence cette esquisse par la ligne d'horizon quelque part en dessous de la partie médiane. Ensuite, je dessine la gamme d'arbres à droite, suivie du rivage. Ici, sur le côté gauche, je dessine une silhouette de deux surfeurs. Pour garantir la taille appropriée des figures, la tête doit se trouver intérieur ou à proximité de la ligne d'horizon. À partir de là, vous pouvez décider la taille de la figure humaine. Je dessine également des traits tremblants pour la réflexion sur l'eau. Nous allons peindre. J'humidifie le papier avec un peu d'eau et j'incline mon papier sous un léger angle. Avec de l'orange cadmium rouge perylène et un peu d'ocre, je peins le ciel orange. Je fais des traits horizontaux avec le ventre plein de mon pinceau posé sur le papier. Je diminue légèrement le ton au fur et à mesure que je monte en ajoutant une petite quantité d'eau dans mon pinceau. Ensuite, je mélange la couleur du ciel sombre avec indigo et mes restes de peintures des aurores boréales, elle est faite d'indigo et de bleu horizon. Sur mes traits suivants, j'ai ajouté un peu de bleu d'horizon et de violette de compost à mon mélange pour obtenir une couleur bleu violacé. aide d'un pinceau humide, je mélange légèrement la couleur bleue et orange d'un seul coup. J'évite de faire trop de coups de mélange pour éviter le mélange boueux. J'assombrit également la partie supérieure du ciel. Maintenant, je mélange de la lavande à mon mélange sombre actuel pour peindre les nuages violets. Je fais des traits horizontaux et courbes pour les dépeindre. Cette étape, mon fragment de ciel est encore humide, qui me donne un bord doux à chaque coup. Je vois ici que la couleur violette saigne assez incontrôlable sur la couleur orange. C'est tout à fait correct. J'ai essayé de contrôler les saignements écrasants en superposant un pigment plus épais par-dessus. Quand je dis un pigment plus épais, ma brosse doit contenir très peu d'eau. Maintenant, je commence à peindre l'horizon avec une couleur lavande pâle. Nous continuerons à peindre la plage en reflétant la couleur du ciel. En utilisant le même mélange d'orange que j'ai utilisé pour le ciel, je peins l'eau. À côté, je peins l'eau avec du violet. Gardez à l'esprit que nous devons refléter la couleur du ciel sur le fragment d'eau. Au premier plan, j'assombrit le ton violet avec des traits horizontaux. Pour rendre la couleur plus saturée, j'ajoute de la lavande à mon mélange. Au fur et à mesure que je fais ces traits horizontaux, les traits près de l'horizon doivent être fins, fins et transparents. Les traits deviennent de plus en plus épais, plus longs et plus foncés à mesure qu'ils approchent du premier plan. Maintenant, je sèche complètement cette couche avec ma brûlure thermique. Pour notre prochaine étape, je prépare les couleurs des arbres de fond. J'utilise mes restes de peinture violette, puis j'ajoute de l'améthyste véritable, violet perylène et aussi du gris de Payne pour obtenir une couleur foncée très riche. Je commence par les coups fins ici à l'horizon, puis je m' appuie progressivement sur la forme et la forme des arbres avec des traits organiques. Ici, j'ai eu mon pinceau pour créer des traits différents pour dépeindre la silhouette. J'ai également rendu visible la partie intérieure du ciel entre les troncs d'arbres pour retenir la lumière. J'assombrit certaines portions en utilisant le gris de Payne pour faire de cette portion un pic. Ensuite, je mélange le gris de Payne enterré dans la violette et l'améthyste authentique pour peindre le reflet de ces arbres de fond sur la plage. Le reflet est assez clair par rapport à l' objet réfléchi. Je peins le reflet avec des traits horizontaux et je crée cette image miroir. Je peins les vagues à la lavande et fais des traits horizontaux rapides et légers. Ensuite, en utilisant une teinte neutre, je peins la silhouette de la surface et je m' assure que le ton est vraiment profond et sombre car je ne veux pas qu'il paraisse pâle ou transparent lorsqu'il sèche. Les personnalités humaines doivent se démarquer du contexte. Étant donné que les figures humaines sont assez petites, faites attention au maintien de proportions ou de taille appropriées, sorte qu'elles apparaîtront comme des surfeurs. Ensuite, je peins le reflet avec un ton plus clair. Je finalise le tableau en plaçant des traits sombres sur certaines zones qui semblent pâles. C'est notre dernier et dernier tableau. Merci beaucoup d'être avec moi depuis le premier jour jusqu'ici. Je vais partager d'autres conseils sur la façon dont vous pourriez maintenir l'habitude que vous avez bâtie dans la prochaine vidéo. 25. Poursuivre l'habitude de continuer l'habitude: [MUSIQUE] Alors que nous terminons ce voyage de 14 jours à l' aquarelle, permettez-moi de vous rappeler que votre objectif principal n'est pas de peindre. Votre objectif est d'être artiste. Si c'est votre objectif , demandez-vous qui devez-vous devenir ? J'ai appris dans le livre Atomic Habits de James Clear que pour que nous puissions construire et maintenir une bonne habitude, nous devons changer d'état d'esprit. Nous devons d'abord décider qui nous voulons devenir. Pour y parvenir, nous devons nous concentrer sur les habitudes d'un véritable artiste. Vous devez rendre la peinture évidente, attrayante, facile et satisfaisante. Pour rendre la peinture évidente, vos matériaux doivent être visibles et prêts à être utilisés à tout moment. Attribuez une petite zone ou une table où vous pouvez configurer vos objets. Au lieu de garder votre pinceau, votre papier et vos peintures dans une boîte, placez-les sur votre bureau avec vos autres matériaux, afin que vous puissiez facilement être déclenché pour peindre chaque fois que vous les voyez. Deuxièmement, rendre la peinture attrayante. Pour que vous fassiez cette habitude, votre région devrait vous paraître attrayante. Rendez votre espace attrayant et accueillant. En faire un lieu qui vous incite à créer. Troisièmement, facilitez la peinture. Commencez par des sujets simples et simples. Commencez par un gros quelque chose que vous aimez. Ces objets peuvent vous étirer un peu mais ne vous frustrent pas. Enfin, rendez la peinture satisfaisante. Pour faire de la peinture une habitude, peignez quelque chose qui vous fait sentir épanoui et récompensé. C'est peut-être quelque chose que vous aimez ou que vous désirez faire comme voyager. Comme le dit John Dryden, nous faisons d'abord nos habitudes, puis nos habitudes nous font. Vous devenez l'artiste que vous désirez être alors que vous prenez la décision d'être et d'agir comme un artiste chaque jour. [MUSIQUE] 26. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé le cours. Je suis tellement content que vous vous soyez joint à moi vivre la joie de peindre. Je suis tellement excité de voir votre travail, alors n'oubliez pas de me taguer sur Instagram lorsque vous les partagez en ligne. Si vous avez aimé peindre avec moi, je vous invite à participer à mes autres cours d'aquarelle ici également sur Skillshare. Merci beaucoup d'être avec moi, et j'espère vous voir dans mes autres cours. [MUSIQUE]