Tutoriel Ste d'aquarelle de montagne pas à pas pour débutants

1. Intro: Hey, les gars, aujourd'hui je vais vous montrer comment peindre cette aquarelle mile dans ce cours est un bon endroit pour commencer pour les débutants. Je vais vous montrer mes fournitures et vous donner un aperçu des différents types de papier aquarelle , ainsi que des conseils sur le contrôle de l'eau. La couleur et la création de marques toucheront même des aspects importants du paysage, tels que la perspective atmosphérique. Crois-moi, c'est beaucoup plus facile que tu ne le penses. Comme toujours, Michael est un enseignant pour vous aider à mieux comprendre vos outils et votre sujet plutôt que de simplement copier ce que vous voyez. De cette façon, vous pouvez continuer à grandir vous-même en utilisant ces stratégies reproductibles. Je vous fournirai la doublure en étude de valeur pour cette pièce au cas où cela vous serait utile , ainsi que des photos de référence que vous pourriez étudier de Dr Your Paints et Let's Diamond 2. Fournitures et conseils rapides: Avant de commencer avec la peinture, je vais vous montrer les fournitures dont nous avons besoin et vous donner quelques conseils pour les utiliser. Les premières choses d'abord. Il nous faut de la peinture. J' utilise de la douleur hors du tube, mais je la serre dans mon palais pour qu'elle sèche sur un cours de quelques nuits. Cela me donne un peu plus de contrôle sur la quantité de pigment que je ramasse sur mon pinceau lorsque je m' assois pour peindre, nous avons aussi besoin d'une source d'eau. Donc, prenez un verre d'eau ou un seau d'eau comme celui-ci. A proximité et pour les brosses. J' utilise généralement 123 pinceaux par tableau, varient généralement en taille et en épaisseur, ce qui m'aide juste à contrôler le pigment et l'eau un peu plus facilement en cours de route, en fonction de la quantité de détails dont j'ai besoin dans une partie particulière du scène. Non, si vous utilisez une douleur sèche, il est important de la mouiller avant de commencer à peindre. Donc j'utilise un petit flacon pulvérisateur comme ça, et je lui donne juste un joli revêtement d'humidité. Cela nous permettra de ramasser la peinture beaucoup plus facilement sur nos pinceaux et de ne pas avoir à la creuser autant quand nous en avons besoin. Ce que je fais habituellement c'est tourbillonner doucement mon pinceau dans le pigment, ce qui évite d'avoir beaucoup de morceaux de couleur sur le pinceau et vous donne juste un peu d'un coup de pinceau plus propre. Vous pouvez voir ces pinceaux ronds ou vraiment polyvalents. Vous pouvez obtenir de beaux détails, mais si vous tournez votre brosse et utilisez le côté gras, vous pouvez obtenir quelques gros coups de pinceau doux. Ainsi, la pointe libère un beau bord dur plus de pigment et la partie grasse est de plus aqueuse et vous donne un bord plus doux. Vous pouvez l'utiliser à votre avantage lorsque vous faites différents types de coups de pinceau, alors laissez-moi vous montrer comment tirer la peinture d'abord, obtenir un gros pinceau, descendre plein de pigment, puis nettoyer votre pinceau avec de l'eau claire et faites glisser la peinture sur le papier très lentement. Vous commencerez à voir comment le pigment s'écoule dans cette nouvelle zone d'eau, et pratiquement partout où vous mettez de l'eau sur le papier. Le pigment va essayer de couler là, et c'est ce que nous appelons humide et orteil humide. Nous obtenons donc le papier mouillé avec Clearwater ou pigment, puis nous pouvons y toucher d'autres couleurs, et il saigne lentement et s'écoule dans l'autre. L' un des aspects les plus importants et les plus difficiles de l'aquarelle est le contrôle de l'eau. Et même si j'aimerais m'asseoir ici et vous dire exactement comment créer différents types de coups de pinceau, vous ne l'aurez vraiment qu'une fois que vous commencerez à mettre le pinceau sur le papier. Donc, je suggère de faire des petites cartes d'échantillon et des feuilles de test comme ça, d' essayer différents types de fabrication de marques, et j'espère que cela vous fera commencer. Une stratégie qui fonctionne vraiment bien pour beaucoup de gens quand le mélange de couleurs est de faire des piles prémélangées de peinture. Puisque votre papier est bien et que la plupart des palais sont blancs, cela vous donne une assez bonne idée de la couleur que vous allez obtenir. Je vais énumérer toutes les couleurs que j'utilise dans la description de ce tutoriel, mais juste pour qu'il soit facile à suivre pour les débutants, j'utiliserai des termes simplifiés comme bleu clair, bleu foncé, vert chaud, cool vert. Et par là, je veux dire, si un vert a plus de jaune dans son chaud s'il a plus de bleu dedans, c'est cool. Et oui, nous utilisons beaucoup de différents types de verts dans notre peinture afin qu'ils ne deviennent pas ennuyeux. 3. Papiers à l'aquarelle: la qualité de votre papier aquarelle est de la plus haute importance et écoutez-moi. Si vous commencez à utiliser du papier vraiment bon marché qui ne fonctionne pas bien, vous allez supposer que c'est de votre faute si vos peintures ne fonctionnent pas. Alors faites-vous une faveur et utilisez du papier aquarelle qui contient 100% coton plutôt que de cellulose. C' est un facteur énorme dans la performance du papier, et vous vous sentirez leader pour le faire. Je vais laisser quelques liens dans la description offrant mes suggestions, et tout cela est basé sur mon expérience réelle. J' ai essayé de tellement de différents types de papier, donc j'ai beaucoup à dire à ce sujet. Sans être trop technique. Je vais vous montrer les différents types de papier à gauche. Ici, nous avons du papier rugueux, et vous verrez à quel point la texture du papier est intense. Sur le côté droit, nous avons un papier de cellulose. Donc non seulement ce n'est pas pris dans le papier, mais c'est aussi une presse à froid, donc c'est un peu moins texturé. Ainsi, plus le papier est rugueux, plus le pigment va se déposer dans les petites fossettes sur la surface et devenir plus perceptible. Il y a des papiers de cellulose qui sont assez décent. Ce papier fluide est l'un d'entre eux avec lequel j'ai commencé. Cependant, dès que j'ai découvert du papier de coton, je n'y suis jamais retourné. Papier de cellulose La douleur a tendance à s'asseoir sur la surface du papier plutôt que de s'enfoncer dans les fibres, ce qui rend vraiment difficile de se lisser, éclat et même de faire des compétences de base comme le vitrage. Il peut également sécher de façon imprévisible, inégale. Maintenant, comparons la presse à froid et la presse à chaud. Ce côté gauche est arches presse froide, mon préféré absolu. Et sur le côté droit, nous avons Fabbiano artistique Oh, papier de presse chaud. Le papier pressé à chaud est extrêmement lisse, avec presque aucune texture, et à cause de cela il révèle souvent chaque erreur ou pinceau, coup ou morceau de fuzz ou de cheveux qui pénètrent dans la peinture. Donc c'est un peu impitoyable. Beaucoup de gens collent avec une presse à froid, non seulement à cause de la beauté de la texture, mais aussi parce qu'il est beaucoup plus facile de travailler avec. La seule chose pour laquelle j'aime la presse chaude est un bon lavage. Voici quelques exemples de mes études, et vous pouvez voir à quel point la texture mate est belle sur ce papier lisse par rapport à la surface très texturée de la presse à froid, que je préfère pour l'aquarelle. Alors que je fais la démonstration de ces différents types de papier, j'espère qu'il est évident que, oui, vous pouvez obtenir toutes sortes d'effets différents avec chaque type de papier. Cependant, la différence entre rial vient dans la façon dont il se sent pendant que vous peignez. Donc, pour que vous compreniez vraiment ces différences, vous aurez juste à l'essayer par vous-même. Tout le monde a une opinion forte sur leurs papiers d'aquarelle préférés, mais à la fin que vous avez juste besoin de comprendre de quelle façon votre esthétique penche et essayer différents types de papier dans ce style. 4. Perspective atmosphérique: Parlons d'un concept très important pour la peinture de paysage, qui est la perspective atmosphérique. L' air qui nous entoure contient de l'humidité et des particules de poussière et toutes sortes de pollution, et cela affecte la façon dont nous voyons la couleur. Quand il s'agit de la peinture de paysage. Cela signifie que les choses qui sont plus loin de vous apparaîtront moins contrastées et moins saturées. En regardant cette référence, nous pouvons le voir assez évidemment, en regardant les différentes étapes de la terre, ces collines les plus éloignées au loin ou une couleur très claire et brumeuse, suivie par le milieu du sol qui augmentent lentement en contraste et la chaleur et la saturation. Et si nous choisissons les couleurs de chacune de ces sections, cela devient vraiment évident pour nous. Si nous faisions une étude de la valeur de ce paysage, nous utiliserions des tons très clairs en arrière-plan et deviendrions de plus en plus sombres comme . Et ce phénomène se manifeste dans tous les types de paysage, même dans une forêt comme celle-ci. Les arbres qui sont les plus éloignés de nous sont très brumeux et faible contraste de couleur concentrée par rapport aux arbres de premier plan, qui sont fortement pigmentés, hautement saturés et beaucoup plus foncés. Contraste non seulement la valeur change en raison de cet effet, mais aussi la couleur. L' un des effets les plus courants que vous verrez est que les éléments distants apparaissent beaucoup plus bleus que les éléments de premier plan. Dans ce cas, vous pouvez voir comment incroyablement bleu cette montagne de fond est comparé au milieu du sol et au premier plan, qui deviennent beaucoup plus chauds. La présence de nuages d'orage et le fait que le soleil se lève ou se couche peuvent également faire une grande différence. Cela ne signifie pas toujours que nous allons avoir des montagnes bleues au loin et des éléments chauds au premier plan. Cela dépend vraiment de votre scène spécifique, mais vous pouvez toujours voir que dans tous ces exemples, la plage de valeurs dans la distance est beaucoup plus faible que le premier plan, signifie que le contraste de premier plan est beaucoup plus élevé. 5. Peindre le ciel: C' est une journée lumineuse et ensoleillée dans les montagnes. Donc, au lieu d'un ciel bleu clair, je veux ajouter de gros nuages moelleux. Donc, après un croquis rapide dans mes formes de montagne, je sais où va être mon ciel . Je vais commencer par une couleur bleu vif et un mélange de mon ultra marin avec juste un soupçon de mon compagnon bleu saphir. Je vais rester dans cette couleur à travers tout le haut de la chaîne de montagnes, puis laisser un peu d'espace dans le ciel aussi bas et peindre autour de mon nuage. Une chose qui m'aide à garder un joli bord tranchant contre cette montagne est de pointer la pointe vers la montagne. Si vous en avez besoin, vous pouvez esquisser là où vous voulez que vos nuages soient. Si vous êtes un peu nerveux à propos de l'improvisation, vous pouvez voir que j'entoure mon nuage avec la partie grasse et humide de ma brosse. Je ramasse aussi Clearwater ici et là et je le touche dans le ciel pour qu'il coule bien à travers toute la région. Et parce que ce papier est 100% coton, j'ai beaucoup de temps avant de devoir m'inquiéter pour le séchage. C' est donc un peu plus pratique lorsque vous essayez de faire une plus grande zone comme celle-ci. Maintenant, pour donner un soupçon de poids à mes nuages, je vais mélanger un petit peu de quinacrine en orange ou une couleur orange dans mon bleu. Parce que ce sont des couleurs complémentaires. Ils vont se neutraliser un peu, et je vais toucher cette couleur dans la partie inférieure de mes nuages, et cela donnera l'impression que les nuages sont un peu plus attendus, et ça va aussi rendre le côté culminant du nuage la zone supérieure extra lumineux. Si vous poussez votre douleur un peu trop loin sur le bord de votre montagne, utilisez simplement une serviette en papier pour ramasser cet excès de peinture. Une chose que j'ai remarqué ici est que ma zone de tableau supérieure de ce gars était un peu trop légère pour mon goût, donc j'ai juste flotté à nouveau à mon pinceau et l'ai traîné à travers cette zone. Comme le papier prend un peu plus de temps à sécher, cela me donne du temps supplémentaire pour le faire, et je veux aussi lisser certains de ces bords de nuages. Donc, je prends juste une brosse propre avec juste Clearwater et je l'exécute le long de ce côté du nuage . Vous commencerez à voir comment il devient très doux par rapport au côté gauche du nuage, qui a un peu plus d'un bord dur. Et je trouve que lorsque je combine ces bords doux et durs, cela ajoute juste un peu plus de réalisme à la peinture, au lieu de rendre chaque bord identique. Enfin, nous pouvons utiliser notre serviette en papier pour ramasser n'importe quel pigment où nous sommes allés un peu par-dessus bord ou où nous avons décidé que nous voulons juste avoir un bord plus doux. 6. Première couche de montagne: en utilisant ma couleur bleue que j'ai utilisée pour le ciel. Mais dans une concentration plus élevée, je vais rester dans un peu de montagne au loin. J' utilise une technique de brosse sèche ici, ce qui signifie que le pigment est sur la brosse sans beaucoup d'eau. Et je le laisse danser sur la surface de ce papier texturé, ce qui est parfait pour faire croire qu'il y a des petites taches de neige sur la montagne. Si vous avez de la difficulté à créer ces petites taches de zone blanche, essayez de réduire la quantité d'eau qui se trouve sur votre brosse. Comme il s'agit d'unescène lumineuse et ensoleillée, scène lumineuse et ensoleillée, nous avons un côté ombre de nos montagnes, et dans ce cas, je choisis que c'est le bon côté de la montagne. Donc tout avion face au soleil va être beaucoup plus sombre ou plus saturé, et je le garde relativement léger parce que ce sont les montagnes lointaines. Mais pour juste indiquer le fait qu'il y a une ombre, je trempe un peu plus de pigment dans le côté droit. Vous pouvez voir que j'alterne entre utiliser la brosse sèche et toucher eau pour obtenir des bords plus doux parce que je veux aussi m'assurer que je ne fais pas trop bords durs ici, car les éléments lointains ont tendance à être un peu plus floue. Et mon conseil est de le prendre lentement, parce qu'une tendance est de juste jeter sur un tas de douleur et de le balancer parce que c'est amusant . Mais quand nous essayons d'obtenir les changements vraiment subtils en direction de la Montagne du Rocher, nous devons faire attention à l'endroit où nous plaçons notre pigment plus sombre. Je me souviens quand j'ai commencé à peindre des montagnes, j'étais un peu confus sur l'endroit où placer mes ombres et comment créer cette texture sur la montagne. Donc, ce que j'ai fait était de tirer des tonnes de photos de référence, que ce soit mes propres photos, celles de l'air en ligne, et je ferais des études de valeur sur eux. Et juste en faisant quelques-uns d'entre eux, vous commencez à remarquer des motifs dans vos montagnes comme ces longues stries qui apparaissent. J' ai remarqué que ces lignes ont tendance à se pencher vers le bas dans la vallée, et la partie bonus de cela est compositionnellement qui aide vraiment. Nos yeux ont tendance à suivre les lignes et les motifs de sorte que vous pouvez réellement utiliser ces choses pour diriger l'œil de quelqu'un dans votre peinture. Une de mes choses préférées est d'ajouter un grand contraste e ombre d'un côté de la montagne qui fait juste vraiment surgir contre ce ciel. Il aurait dû mentionner que lorsque nous peignons notre montagne, nous devons nous assurer que notre ciel est sec, parce que si nous ne le faisons pas, notre couleur de notre montagne saigne dans le ciel, et nous n'en voulons certainement pas. N' hésitez donc pas à utiliser un sèche-cheveux ou un pistolet thermique pour accélérer le processus. Mais revenons à la montagne pour que vous puissiez voir que j'ajoute des zones d'eau claire. Et puis je laisse tomber le pigment intuit cet air va me donner mes ombres plus douces. Et il est aussi beaucoup plus facile de faire des changements subtils lorsque vous le faites de cette façon, mais juste un rappel que cela nous donnera un peu plus de réalisme si nous combinons ces bords souples avec les bords plus durs avec la technique de la brosse sèche. Et pendant que je descendais vers l'endroit où se trouve le lac, j'ajoute un peu plus d'eau et je touche juste un soupçon de vert. Maintenant, dans ce cas, j'utilise mon para lean green parce qu'il a un peu plus d'un ton noir ish à elle. Donc c'est un peu plus neutre et parce que ces arbres sont présents sur la montagne lointaine et je ne veux pas qu'ils soient super, super, super, vert très pigmenté, et je vais juste le laisser s'estomper et s'écouler comme ça devient plus proche du lac et le vert plus foncé que j'ajoute ici sera la dernière partie sur le fond. Et nous devons laisser sécher ça avant de faire la montagne à l'avant, parce qu' sinon ils vont se saigner l'un dans l'autre. Et si nous voulons avoir cette séparation évidente, nous avons juste besoin d'être patients. Maintenant qu'il est sec, nous pouvons commencer à travailler sur cette montagne ou ici, et nous devons créer une séparation visuelle entre les deux. Donc, dans cette montagne, je vais aller un peu plus saturé et, ah, ah, contraste plus élevé. Je commence toujours assez lentement. Je ne vais pas trop audacieux trop vite parce que vous pouvez toujours ajouter plus de leader. Mais il est beaucoup plus difficile de l'enlever après coup, et à cause de la position de cette montagne, plupart d'entre elle est penchée loin du soleil et dans l'ombre. n'y a donc que quelques endroits où le soleil est en train de le frapper et la neige sera éclairée, comme en haut à gauche. Sinon, il va presque tout être coloré, et je suis en train de descendre vers le lac, et à mesure que je me rapproche de cette zone, je commencerai à ajouter du vert. Et je vais faire varier mes verts de vert foncé orteil vert clair de vert vert froid orteil vert chaud . Parce que je veux qu'il y ait une variété. Je ne veux pas que ce soit un gros et solide morceau de vert. Et en faisant cette première couche mouillée, je vais laisser les verts et les bleus couler ensemble. Et puis au fur et à mesure qu'il commence à sécher, je reviendrai et y ajouterai un peu plus de variété de texture. Parfois, comme se rapportant à l'aquarelle, nous commencerons à remarquer qu'une zone est trop sombre ou trop claire, donc fondamentalement c'est juste un état constant de changement et vraiment juste ajuster à nos décisions au fur et à mesure que nous allons. Donc maintenant, après avoir ajouté ce vert, j'ai commencé à voir que la partie supérieure de cette montagne, la partie bleue, est trop légère. Donc, dans un instant, je vais commencer à ajouter plus de bleu à sombre dans ce peu, et cela aidera à faire avancer cette montagne sur cette montagne de fond. En raison du changement de couleur qui se produit avec l'aquarelle au fur et à mesure qu'elle sèche, il n'est parfois pas évident où nous devons en ajouter davantage. Donc, c'est OK si vous voulez commencer avec une couche très légère et construire lentement votre obscurité. C' est juste quelque chose qui nous vient avec le temps et plus nous nous habituons à nos pigments. Et je ferai remarquer que certaines couleurs ont un changement de couleur beaucoup plus drastique à mesure qu'elles sèchent. Donc, avoir des échantillons et faire des graphiques de mélange de couleurs à l'avance est très, très utile. Comme je l'ai mentionné, je vais commencer à toucher et plus de variété de vert ici, donc ce n'est toujours pas tout à fait sec mais encore notre première couche. Mais c'est vers l'extrémité de la queue, et comme ça sèche, ça va être de plus en plus difficile pour moi de mettre ce mouillé dans l'air mouillé. Mais vous pouvez voir que quand je touche ces petits points de pigment, ils s'estompent si légèrement, mais pas au point où ils deviennent un flou. Donc ça va commencer à ajouter ce soupçon de texture, variété, que cettevariété, quej'ai besoin de faire ressembler à une grande parcelle de forêt. À ce stade, j'ai aussi remarqué que ma montagne de premier plan n'est toujours pas assez séparée de la montagne lointaine , mais j'y parlerai dans un instant. Parfois, nous devons juste garder ces choses à l'esprit pendant que nous allons et nous assurer de ne pas oublier les faire avant de finir. Je fais juste des petits petits points de Tunney twitchy ici et là comme ça coule dans ce côté droit . Je laisse ma drogue brossée un peu sécher et laisse juste un soupçon de cette forêt se déplacer sur le côté droit. Mais ce n'est rien de trop dramatique là-bas, parce que encore une fois, je veux que ça soit un peu fané et pas vraiment se démarquer trop. Accélérez ça juste un peu, parce que mes petites marques twitchy prennent un peu plus de temps. Maintenant, je peux revenir et commencer à aborder la façon de séparer les deux montagnes un peu plus donc une stratégie est d'ajouter plus de pigment à la montagne de premier plan, et je voulais le faire parce qu'il est encore juste était un peu trop léger et Patchy. J' avais besoin de beaucoup plus d'obscurité dans cette montagne cultivée pour correspondre à la situation de thèse que j'ai ajoutée dans la zone forestière. Et quand j'ai touché le papier avec ce pigment, vous pouvez voir qu'il saigne encore un peu dans les arbres, ce qui est bon. Et encore. C' est la beauté d'utiliser du papier de coton parce que vous avez plus de temps pour travailler avec. Et ici, j'ai remarqué qu'une partie du vert a saigné dans le bleu un peu trop. Donc, je l'ai juste tamponné avec mon essuie-tout pour enlever un peu de ce vert foncé et continuer à ajouter l'ombre de ma montagne. Maintenant, après avoir ajouté assez de saturation à la montagne de premier plan, j'ai remarqué qu'elle n'est pas encore complètement séparée de la montagne lointaine, donc je reviens avec une brosse propre et j'essuie un peu de ce pigment dans le distance, et cela s'appelle levage, Donc certains pigments sont plus tachants sur d'autres, et vous aurez plus de mal à faire cela. Mais en général, la plupart des pigments vous permettront de soulever un peu, et tout ce qu'il a fallu était juste un petit peu d'enlever ce pigment lointain pour vraiment séparer ces deux montagnes. 7. Détails de la montagne: temps pour la dernière couche de détail sur la montagne. Donc, dans ce cas, j'ajoute juste de petites rayures de pigment très sombre. J' utilise ma, euh, teinte neutre mélangée à mon pourpre. Vous pourriez utiliser n'importe lequel de vos pigments sombres. Assurez-vous simplement qu'il est très saturé sur votre pinceau afin qu'il ne soit pas très transparent. Et ce sont les petites marques que je fais ces marques sombres, celle de la roche exposée qui fouille dans la neige. Et ils sont à la fois du côté des points forts et du côté de l'ombre. Et si vous le voulez, vous pouvez, vous savez, faire des études très détaillées de celles-ci de vraiment n'importe quelle montagne. Mais dans ce cas, raison de la montagne est assez loin, et c'est aussi un tout petit tableau. Je ne peux vraiment faire autant de détails, donc je suis juste en quelque sorte de faire des hommes de lieu plus abstraits, des marques abstraites et fondamentalement juste de petits indices de ça ici et là. Je n'essaie pas de surcharger la montagne avec ces marques. En termes de placement, ces formations rocheuses coulent dans la direction de la montagne, donc fondamentalement vers le bas dans une légère diagonale dans la vallée, la chose vraiment cool à ce sujet est que dès que vous zoomez ou regardez la peinture De loin, ces petites marques s'estompent dans le réalisme de la montagne, et le spectateur ne regardera pas ces petites marques. C' est juste une partie de l'expérience globale, donc vous n'avez vraiment pas à faire à beaucoup, et vous pouvez les garder tout à fait abstraits. Et mon conseil est de faire un peu moins que vous pensez avoir besoin. Moins est plus dans ce cas, si vous peignez est très, très grand. Bien sûr, vous pouvez ajouter plus de détails, et ce sera beaucoup plus facile. Mais dans ce cas, vous savez que ce tableau ne fait que 9 x 7 pouces, et je ne veux pas la surcharger de trop. Et surtout parce que je veux que le sentiment général de cette peinture soit très lumineux et heureux, et je ne veux pas être trop sombre dans un seul domaine. Je tiens ma brosse assez lâche, juste une sorte de la laisser secouer et tomber à travers le papier, pas vraiment organiser mes coups de pinceau dans un motif particulier. En général, nous voulons éviter trop de modèles répétés parce que ce n'est tout simplement pas très commun dans la nature. Et sur cette montagne de fond, je m'assure que les coups de pinceau ne deviennent pas trop épais ou trop sombres, parce que encore une fois, ces éléments de fond sont un peu plus fanés. Et puis nous pouvons revenir et ajouter un peu d'obscurité au bord du rivage. Et cela indique juste qu'il y a une grosse banque là, soit juste du sol, soit l' espace sous les arbres avant que l'eau ne se produise. Et c'est juste un soupçon de brun, et vous pourriez utiliser même juste vert foncé si vous voulez. Juste si vous obtenez un peu d'obscurité là-bas, ça aide vraiment. Et la montagne aura l'air un peu plus ancrée sur la fuite que nous sommes sur le point d'ajouter. 8. Peindre le lac: avant de peindre notre lac, qui va être un reflet très doux de nos montagnes. Nous devons commencer à penser à la structure des montagnes et aux formes qu'elles fabriquent. Vous voyez donc que ces sommets et vallées sont clairs ou sombres, et c'est ce qui va se refléter dans l'eau. Donc ce que je fais, parce que pour une raison quelconque, mon cerveau ne le voit pas correctement à moins que je ne tourne le papier sur le côté. Je fais un croquis très léger, reflétant ce que je vois de gauche à droite. C' est juste une ligne légère, essayant juste d'aligner certaines des formes que je vois surtout en se concentrant sur les ombres que je vois, et je vais essayer, genre, imiter celles du côté droit. Mais je ne vais pas entrer dans les détails dans le reflet, donc je n'ai pas besoin de tout dessiner. Mais je dois aussi penser au reflet des arbres et de la montagne et du ciel. Donc, c'est beaucoup, mais juste faire ce croquis léger très rapide aidera tellement. Ce que j'aime faire est d'incliner légèrement mon papier pour que j'utilise la gravité à mon avantage. Et je commence par un coup de pinceau bleu très clair près du rivage. Et c'est principalement pour me lancer, et ensuite on peut revenir et ajouter plus de pigment. Selon l'obscurité que vous voulez que votre réflexion soit, vous ajouterez de plus en plus, mais vous avez besoin de travailler rapidement parce que nous ne voulons pas trop nous inquiéter de notre réflexion. Nous voulions être très doux, et plus nous le touchons, le Mauritz va révéler nos coups de pinceau. Donc je vais ramener cette couleur bleue à mon premier plan. Et dans ce cas, je couvre presque tout le fond de ce journal. Je n'utilise pas trop d'eau. Comme vous pouvez le voir, ce n'est pas dégoulinant du papier. Si j'ai utilisé une tonne d'eau sur l'un des pigments, j'ajoute, coulerait très rapidement et deviendrait très, très dilué, et j'obtiendrais même un lavage de couleur plus léger. Maintenant, je vais commencer à tomber dans un pigment plus sombre partout où j'ai fait un petit croquis de ces ombres qui doivent être réfléchies, donc un peu de vert par le rivage pour refléter les arbres dans la forêt. Et dans la partie inférieure de la réflexion, je vais faire un peu plus de bleu, un peu plus d'ombre et essayer d'obtenir un peu de ce reflet de ces grandes ombres de la montagne dans. Et comme vous pouvez le voir, il commence immédiatement à couler et devient un peu plus floue. Vous pouvez toujours voir certains coups de pinceau et leur placement, mais au moment où il sèche, il s'égalise un peu. Il sera également plus léger à mesure qu'il sèche, donc si vous voulez que votre réflexion soit plus sombre, vous devez être courageux et ajouter encore plus de pigment. Mais je comprends que cette partie peut être un peu nerveuse, Donc je suggère de faire est de faire un petit croquis ou un test rapide sur une autre feuille de papier et peut-être même deux ou trois fois, juste pour avoir une idée de la façon dont votre pigment coule et ce ça ressemble quand il sèche dans un grand lavage comme celui-ci. Si vous le laissez rester là pendant une minute et que vous continuez à le regarder comme il coule, vous commencerez à avoir une idée de s'il fait trop clair ou trop sombre, bien que je doute fortement que vous deviez trop sombre, parce que d'après mon expérience quand je a commencé comment je ne suis pas devenu assez sombre, jamais et je ne le fais toujours pas souvent. Mais comme je l'ai dit, nous ne voulons pas trop la toucher parce que plus nous la touchons, plus cela va gâcher notre douce réflexion. Donc, après un certain temps, laissez-le comme il est. En fin de compte, vous pourriez finir par le faire deux fois, donc une fois qu'il sèche, vous pourriez revenir avec un lavage complet de couleur et peut-être le rendre un peu plus sombre . Mais à ce stade, comme il sèche, je vais bien. Je vais juste le laisser tranquille. Je ramasse des flous. Parfois, j'ai un chat ici, alors j'essaie de les enlever si je peux, très délicatement. Mais sinon j'ai juste besoin d'être patient et de le laisser sécher. 9. Éléments de premier plan: Si vous voulez que votre spectateur ait l'impression qu'il fait partie de la scène, vous pouvez utiliser des choses comme des arbres et des buissons au premier plan, traversant les éléments d'arrière-plan pour donner un aperçu de l'échelle au spectateur et lui donner l' impression qu'ils sont debout parmi les arbres. Mais pour commencer simple, je pense que je vais juste ajouter un peu de roche et de brousse ici au premier plan, je vais commencer par mes tons forts. Dans ce cas, j'utilise un ton orangé, qui est en fait mon Coran âcre, propre orange brûlé et ma teinte neutre, qui est, Ah, Ah, couleur gris noirâtre. Et il aide juste à neutraliser rapidement n'importe quelle couleur à laquelle vous l'ajoutez. Vous pouvez également utiliser le bleu mélangé avec votre orange, et cela donnera un effet similaire. Je ne vais pas faire passer mes buissons au-dessus de la ligne d'horizon. Je vais juste ajouter quelques petits buissons ici, et je commencerai par mon ton vert chaud, mon vert chaud clair, et je commencerai lentement à ajouter un vert plus foncé, plus bleuâtre pour être le ton de l'ombre de ces buissons. Je vais laisser les buissons qui laisse toucher ces rochers et les laisser saigner un peu. Mais en général, je garde les éléments d'utilisation comme abstraits parce que même s'ils vont aider le spectateur à se sentir comme ils font partie de la scène, je ne veux pas vraiment qu'ils soient au centre. Ils vont juste mener l'œil du spectateur dans le tableau. Et si vous travaillez mouillé comme ça avec de petits points et des marques de pinceau twitchy, vous permettrez aux pigments de saigner et de s'écouler les uns dans les autres, et cela les aidera à rester un peu plus abstrait. Il lui donnera également un look très expressif. En fin de compte, quand il sèche, je prendrai un ton d'ombre sombre et je toucherai mes branches dans des petits troncs ici et là , juste un peu comme des lignes diagonales aléatoires ici et là. Très, très minuscules lignes minces. Et à la fin, il le fera quand il sèche. Tout deviendra un seul domaine. C' est aussi l'occasion de compléter l'idée de perspective atmosphérique que nous avions précédemment où les éléments de fond sont un peu plus fanés, peu moins saturés et moins contrastés. E. Et les éléments de premier plan peuvent maintenant être très audacieux et vraiment vibrants. Je ramasse un peu de pigment ici et là avec mon essuie-tout. Et à la fin, quand ça sèche, certaines parties de ce buisson se sentiront un peu plus fanées et lui donneront presque effet de lumière tamponnée. J' utilise également un bord dur, comme un couteau à palette, pour gratter physiquement le papier, créant de minuscules dans les vallées denses et les petites vallées dans le papier. Les fibres recueilleront une partie du pigment et resteront assez sombres. Donc, si vous voulez imiter la sensation d'un crayon ou d'une marque de stylo, mais sans utiliser autre chose que la couleur de l'eau, vous pouvez gratter le papier comme ça et créer les marques profondes dans la page. J' ajoute aussi un ton d'ombre à ces roches, qui est juste ma couleur ultra marine. Et parce que c'est le compliment de l'orange, ça va le rendre un peu plus neutre. Mais vous pouvez aussi utiliser un ton noirâtre ou un 10 neutre si vous l'avez. Comme vous pouvez le voir, je suis juste en train de peindre la rue au-dessus de l'eau, le reflet pour que vous sachiez que vous pourriez ajouter cela même si vous n'aviez pas prévu à l'avance. Tant que vos éléments de premier plan sont plus sombres que vos éléments d'arrière-plan. Ça fonctionnera quand même si vous n'êtes pas à l'aise de dessiner et de peindre des rochers. J' ai une autre classe de partage de compétences qui est tout à propos de ce sujet, et c'est très, très en profondeur. Et en fait, vous pouvez utiliser beaucoup de ce que vous apprenez dans cette classe pour appliquer à plusieurs types de paysages différents . Donc juste te faire savoir que c'est là si tu en as besoin. J' utilise mon très petit pinceau pour ces marques et je travaille assez rapidement parce que je veux que les couleurs saignent les unes dans les autres. Et je veux aussi que les marques se sentent très expressives et lâches. Donc, je ne passe pas trop de temps à m'inquiéter de rendre chaque feuille, tronc, branche ou morceau d'herbe juste obtenir des marques rapides là-dedans et encore, juste revenir avec un ton d'ombre ici, en utilisant ce meilleur ultra marin le toucher sur le côté droit de ces rochers parce que tout comme les montagnes de fond, la source de lumière vient du côté gauche, alors assurez-vous que l'éclairage est cohérent sur toute la peinture sur toute la scène. Sinon, ça va être très déroutant pour le spectateur. Si vous le souhaitez, vous pouvez attendre que ces roches sèchent et revenir avec une autre couche, appelée vitrage. Donc, quand vous faites un lavage mince de couleur transparente sur une autre couleur, nous appelons cela vitrage, et c'est une très bonne stratégie. Il vous permet d'obtenir une certaine profondeur de couleur, et au lieu de travailler mouillé dans humide, il lui donne juste un peu d'un aspect différent. Personnellement, j'aime comment humide jusqu'à ce que l'air humide. Et quand je suis à l'extérieur de la peinture et que je n'ai que cinq minutes avant que l'éclairage ne change, je dois travailler assez rapidement. Par conséquent, j'ai tendance à travailler mouillé dans mouillé, simplement parce que je ne peux pas attendre que mon papier sèche tout le temps. Donc, si vous êtes intéressé à apprendre toutes ces techniques, si vous commencez par peindre à l'extérieur, vous vous rendrez rapidement compte que c'est une sorte de chose que vous devez faire nécessité, et vous vous y habituez très vite. Plus vous pourrez pratiquer la variété des techniques que je vous ai montrées aujourd'hui, plus vous vous sentirez à l'aise avec votre contrôle de l'eau, et vous pourrez affronter des scènes plus complexes. J' espère que vous avez apprécié ce tutoriel. S' il vous plaît laisser un commun ou laisser un avis. Cela aide vraiment les futurs élèves à se faire une idée de ce qu'est cette classe. Et si vous voulez plus de contenu, n'oubliez pas que vous pouvez me suivre sur YouTube et twitch où je fais des diffusions en direct et poster beaucoup plus de vidéos et de contenu. Si vous souhaitez partager votre travail avec moi en ligne utilisé mon hashtag Sarah Burns tutor, et je serai en mesure de vous trouver. J' adore voir tous les étudiants travailler. Cela a été tellement amusant de connaître la communauté de partage de compétences, et j'ai vraiment hâte de vous rencontrer. 10. Projet de cours: votre projet de classe sera de peindre montant soit en utilisant mes photos de référence et Leinart ou l'un de vos choix. N' hésitez pas à jouer avec différentes couleurs et situations d'éclairage. Partagez votre projet dans la section Projet de classe sur le partage de compétences et laissez-moi savoir si vous voulez des commentaires. Merci d'avoir regardé, et j'ai vraiment hâte de voir vos résultats.