Transcription
1. Bienvenue: Salut, tout le monde. Bienvenue à la classe Skillshare de lundi. Je m'appelle Giovana. Je suis un artiste à temps plein basé au Canada et aujourd'hui je vais partager avec vous mon processus de dessin botanique avec des stylos à encre. Mon expertise et mes connaissances proviennent de dessins très détaillés et complexes avec des stylos à encre utilisant de nombreuses techniques d'art au trait. Peu importe à quel niveau vous êtes, si vous êtes débutant, si vous êtes avancé, nous allons faire trois styles d'art différents. Celui qui est très minimaliste, qui ressemble à un dessin d'une ligne. Une seconde plus élaborée mais pas trop, elle sera simple, propre et très esthétique. Le troisième, ça va être plus proche du réalisme. Nous allons vraiment comprendre les ombres et
la profondeur et essayer de créer quelque chose de vraiment beau. Peu importe où vous en êtes dans votre carrière de dessin, compréhension de ces trois styles vous aidera à développer votre propre style de dessin. Je suis très passionné par ce type de dessin, et j'espère qu'après ce cours, vous aimerez vraiment dessiner autant que moi.
2. Projet de classe: Dans ce cours, nous allons terminer un projet artistique ensemble. Ce que je veux que vous fassiez, c'est de créer un dessin botanique en utilisant des techniques d'art au trait. Je vais vous montrer comment faire le même dessin dans trois styles différents et vous pouvez choisir celui qui résonne le plus avec vous. En outre, si vous vous sentez créatif, vous pouvez même en faire un mélange. Tu n'as pas vraiment besoin de suivre exactement ce que je fais. Parce que l'art au trait est vraiment un univers de possibilités infinies. Faisons preuve de créativité avec moi et rejoignez-moi sur la prochaine vidéo où je vais parler de fournitures d'art.
3. Fournitures artistiques: Parlons de fournitures d'art. Ce dont vous avez besoin pour cette classe est des crayons à esquisser, une gomme en plastique, du papier à dessiner, stylos à
encre et, en option, un stylo gel blanc. Permettez-moi de vous donner quelques conseils professionnels lors du choix de vos matériaux. D' abord, des crayons. Il y a une tonne de crayons différents là-bas, et ils sont utilisés pour différentes choses. Pour cette classe, notre objectif pour les crayons est seulement de faire un simple croquis avant de commencer à dessiner avec de l'encre. Ce que vous voulez, c'est un crayon sur le côté le plus dur du spectre, car ils sont plus faciles à effacer et ils garderont votre papier plus propre et propre. Lorsque vous avez terminé votre dessin, vous voulez seulement voir l'encre et vous
ne voulez certainement pas voir les marques d'esquisse en dessous. Pour choisir un crayon, vérifiez le numéro et la lettre qui apparaît sur le côté. Vous voulez certainement voir la lettre H qui signifie dureté. Les crayons B seront plus difficiles à nettoyer du papier. J' utilise un crayon 3H, mais n'importe quel crayon H fonctionnera. Plus le nombre est élevé à côté de la lettre H, plus votre crayon sera dur et léger, ce qui est exactement ce que vous voulez pour esquisser. Permettez-moi de vous donner un exemple. Je vais faire une ligne avec mon crayon 3H, qui est celui que je vais utiliser pour le croquis. Je vais aussi faire une ligne avec le crayon 4B, et une autre ligne avec un crayon 8B. J' ai appliqué la même pression en utilisant ces trois crayons. Maintenant, en utilisant ma gomme en plastique, je vais effacer les trois lignes. Comme vous pouvez le voir, il ne reste plus rien de la première ligne, un petit peu sur la deuxième ligne, et je peux certainement encore voir la troisième ligne. Vous voulez certainement choisir des crayons H pour esquisser. Ce sont les gommes que j'utilise. Ce sont des gommes en plastique souple et elles sont très bonnes pour ne pas répandre la saleté sur votre papier. Ce sont les meilleurs pour esquisser car vous voulez garder votre papier aussi propre que possible. Parlons du papier. J' utilise un carnet de croquis de base pour cette classe. N' hésitez pas à utiliser n'importe quel papier que vous avez à votre disposition. Mais si je faisais un morceau pour un client, je choisirais un papier Bristol ou un papier Mixed Media, car ils ont une surface lisse et tiennent bien votre encre. À mon avis, choisir le bon papier a beaucoup à voir avec votre propre touche personnelle, votre style d'art, et honnêtement, exactement ce que vous vous sentez mieux quand vous dessinez. Évitez simplement les papiers aquarelle car ils ont une grande capacité d'absorption, ce qui signifie qu'ils absorberont beaucoup d'encre de votre stylo et que votre stylo pourrait ne pas durer aussi longtemps. Parlons stylos. J' ai essayé différentes marques de stylos à encre et pour être honnête, je n'ai pas vu beaucoup de différence de qualité. Mon choix sûr est toujours les stylos Pigma Micron. Je ne gagne pas d'argent en disant ça. C' est juste mon stylo préféré, mais j'ai aussi quelques stylos Staedtler et cette autre marque. Selon le type de ligne que vous voulez faire, vous voulez choisir le type et la taille de la pointe. Dans cette classe, je vous suggère d'utiliser un stylo à ligne fine de base en deux ou trois tailles différentes. Celui que j'utilise le plus et que je vais utiliser dans cette classe pour 95 pour cent du temps est un 01. Parfois, quand je veux une ligne plus délicate, je peux utiliser un 005 dont je suis hors, donc je ne l'utiliserai pas dans cette classe. Si vous commencez tout juste avec des stylos à encre, vous voudrez peut-être opter pour un 05 ou un 04 d'abord. Lorsque votre stylo a une pointe plus épaisse, vous sentirez que vous avez un meilleur contrôle du dessin. Il faut un peu de pratique. Avec le temps, vous serez en mesure de gagner plus de confiance et vous
serez en mesure d'être plus précis avec vos stylos fins. Par curiosité, je veux vous montrer quelques conseils différents que j'ai ici. En fait, je ne sais pas quel est le nom de cette astuce en anglais. J' ai regardé et je n'ai pas trouvé les bons mots. Je suis désolé pour ça. Si vous connaissez le nom de ce type de stylo, veuillez laisser tomber dans les commentaires. Je veux vraiment savoir, mais d'une façon ou d'une autre, c'est comme un stylo de calligraphie et tu peux faire des trucs vraiment amusants avec ça. Celui-ci est comme un pinceau et il crée ce beau mouvement. Nous ne l'utiliserons pas pendant notre cours, mais si vous êtes intéressé à explorer vos stylos à encre, c'est très amusant à essayer. Enfin, c'est très facultatif. Vous n'avez pas besoin d'avoir ceci, mais cela pourrait être utile, est un stylo gel blanc. Maintenant, ce n'est pas nécessaire du tout, mais cela pourrait vous aider à corriger de petites erreurs ou même à ajouter
un peu lumière si vous avez l'impression que votre dessin a fini trop sombre à la fin. Pendant le cours, je vais montrer comment j'utilise ce stylo et quand il est utile. J' espère que vous avez vos matériaux prêts pour qu'on puisse commencer à dessiner très bientôt. Rejoignez-moi sur la prochaine vidéo où nous allons nous inspirer et choisir quelles fleurs dessiner.
4. Recherche d'inspiration et de référence: Salut tout le monde. Bienvenue dans cette leçon où nous allons nous inspirer et trouver une belle image à tirer de la référence. Tout d'abord, observez simplement ces belles fleurs. Ils représentent le printemps et la renaissance de la vie après l'hiver. Quoi que vous traversez en ce moment dans votre vie, j'espère que ces fleurs peuvent vous inspirer et
vous rappeler que les choses changent toujours et vous aussi. Donc, si vous vivez un hiver dans votre vie, souvenez-vous
juste que le printemps est juste au coin de la rue. Maintenant, choisissons quel type de fleurs nous voulons dessiner. Dessiner à partir de référence signifie que nous avons besoin d'une fleur pour observer et dessiner. C' est important car cela vous mettra au défi de prendre vraiment votre temps pour observer votre sujet et le comprendre afin de le dessiner. Lorsque vous dessinez de l'imagination, vous essayez de vous rappeler à quoi ressemble
une fleur et quand vous dessinez à partir de la référence, vous savez à quoi ressemble une fleur et vous
essayez de la représenter de la meilleure façon possible. Afin d'améliorer vos compétences en dessin, vous voulez certainement étudier votre sujet avant de tirer de l'imagination. Cela augmentera certainement votre confiance dans le dessin, et plus vous vous familiariserez avec votre sujet, mieux vous serez en mesure de puiser de l'imagination plus tard. Vous pouvez utiliser des fleurs que vous avez dans votre maison ou vous faites des recherches en ligne pour trouver l'image parfaite. Je vais vous montrer quelques-unes de mes fleurs préférées dans l'ordre de complexité et vous pouvez choisir celles que vous aimez. chose la plus importante à garder à l'esprit lorsque vous dessinez à l'encre est que vous avez un papier blanc et que vous ajoutez l'encre noire, ce qui signifie que vous n'allez pas vraiment dessiner une fleur. Tu vas dessiner les ombres de la fleur. Lorsque vous choisissez une bonne photo de référence, assurez-vous d'avoir à l'esprit à quoi ressemblent les ombres ? Si vous trouvez une image qui a une belle fleur mais qui est trop brillante ou qui a trop de lumière, pas trop d'ombres, ça va être un peu plus difficile pour vous de dessiner. Lorsque vous avez une image qui a un bel éclairage et de belles ombres, c'est là
que vous avez une bonne photo de référence. En outre, lorsque vous dessinez des fleurs, en particulier, il est important de comprendre le mouvement de la fleur. Je vais vous expliquer ce que ça veut dire. Les fleurs ont cette caractéristique fluide qui représente la vie. Donc, même si vous faites un simple dessin au trait d'une fleur, si vous comprenez le mouvement des pétales, où ils viennent, comment se déplacent-ils, tout
le mouvement de la forme de cette fleur, les gens seront en mesure de voir la vie dans votre dessin, ce qui signifie qu'ils vont mieux s'y rapprocher. Maintenant, je vais partager quelques-unes de mes fleurs préférées à dessiner par ordre de complexité. Ayez juste à l'esprit que c'est juste mon opinion, et je vais vous expliquer comment je l'organise dans une minute. Ici, nous avons des tulipes. Ils sont simples et faciles à dessiner. Ils n'ont pas autant de complexité et ils n'ont pas autant d'ombres à jouer. Ils peuvent être un dessin très, très simple. Si vous voulez vous défier un peu plus, nous pouvons essayer quelques marguerites. Les marguerites et les marguerites gerber sont aussi des dessins simples, mais ils ont un peu plus de complexité. Ces fleurs sont simples à dessiner car elles sont plates et simples en ce sens que les pétales se déplacent vers l'extérieur du centre. Ils ont comme un cercle au centre, puis les pétales se déplacent vers l'extérieur, comme les rayons du soleil. En parlant du soleil, nous avons aussi certains qui sont similaires aux marguerites
gerbera et ils ont un peu plus de complexité au centre. Les lys sont également un grand choix de fleurs à dessiner. Ici, nous commençons à devenir un peu plus complexe avec le mouvement des pétales. Comme vous pouvez le voir, ils ne sont plus plats parce que les pétales se déplacent en diagonale du centre, créant toutes ces belles courbes. Ensuite, nous avons des orchidées, ce qui semble simple, mais ils ont ces petits pétales au centre qui ont un mouvement très unique à elle. Ils peuvent être un peu difficiles parfois. Maintenant, passons à un beau classique, des
roses, de belles formes rondes et des courbes. Maintenant, remarquez la différence. Ce sont des pivoines. Ils sont comme des roses, mais plus inégales. Le mouvement des pétales est plus unique et chaque fleur semble très différente les unes des autres. Il a différentes tailles de pétales et ils semblent plus délicats que les roses, à mon avis. Ensuite, nous avons des dahlias. Ils sont si beaux. Ceux-ci sont simples en ce sens qu'ils sont si symétriques. Les formes sont très uniformément proportionnelles. Ça ressemble à un mandala, mais c'est aussi très détaillé. Je suis sûr que ça prendra un peu plus de temps. Pour finir notre galerie de fleurs, je veux vous montrer des fleurs de chrysanthème. Je suis obsédé par ces fleurs. Je me sens super inspiré par l'art japonais, et ils sont représentés dans tant de pièces que j'aime, mais ils sont un peu difficiles à dessiner. Comme vous pouvez le voir, ils sont complexes, très inégaux. Les pétales se déplacent dans de nombreuses directions différentes. Mais encore une fois, c'est super beau si vous voulez un beau défi. Je vais dessiner des pivoines juste parce que je pense que je peux vous
montrer toutes les techniques dont vous avez besoin pour dessiner n'importe laquelle de ces fleurs, et j'adore combien elles sont délicates. Mais n'hésitez pas à choisir celui que vous vous sentez le plus inspiré à dessiner. Si vous dessinez à partir de vraies fleurs que vous avez à la maison, vous pouvez simplement sauter à la leçon suivante. Maintenant, si vous cherchez une référence en ligne, faites quelques recherches sur Pinterest, unsplash.com, pexels.com, ou même Google pour trouver une bonne image comme référence. Rappelez-vous, bonne image a un bon éclairage. Vous pouvez bien voir le mouvement de la fleur. Après avoir trouvé une bonne photo, venez me rejoindre sur la prochaine leçon où nous allons enfin commencer à dessiner.
5. Esquisse: Dans cette leçon, nous allons enfin commencer à dessiner. La première chose que vous allez faire est de prendre votre crayon et de positionner vos fleurs sur du papier. Donc, ma photo de référence a trois fleurs dans une composition avec quelques feuilles autour d'elle. Donc maintenant, je suis juste en train de positionner les trois fleurs. Ils ont cette forme ronde, donc je dessine trois cercles très légèrement. Vous pouvez à peine le voir, mais je peux à peine le voir. C' est parce que je les mets sur papier pour voir s'ils sont proportionnels. Quelque chose qui m'aide vraiment quand je fais des esquisses est d'observer mon sujet et de comprendre le sujet en termes de formes géométriques. Dans ce cas, je dessine trois cercles. que nous évoluons dans ce croquis, nous allons le faire avec les pétales aussi. On va voir si un pétale ressemble plus à un triangle ou à un rectangle. Tout cela va nous aider à positionner les choses sur papier. Il suffit de regarder votre fleur d'abord et de ne pas voir comme une fleur essayer de la voir comme une forme géométrique. C' est plus circulaire ? C' est rectangulaire ? C' est comme un triangle ? Qu'est-ce que c'est ? Quelle est la forme en général, la forme extérieure de votre fleur ? C' est ce que vous voulez dessiner à ce stade de l'esquisse. Donc, vous le positionnez simplement sur papier, puis vous allez ajouter les détails. À ce stade, vous voulez jeter un oeil à votre croquis et voir s'il est équilibré sur papier. Si votre dessin est trop à droite ou trop à gauche,
trop haut ou trop haut sur le papier, vous voudrez peut-être ajouter quelques détails, peut-être que vous voulez ajouter quelques feuilles pour l'équilibrer. Parce que vous ne voulez pas que vos fleurs soient positionnées sur un coin de votre papier. Vous voulez vraiment qu'il soit équilibré sur le papier. Maintenant, après avoir été satisfait du positionnement de vos fleurs sur papier, trouvez le centre de vos fleurs. Même si vous ne pouvez pas voir, comme par exemple, dans ces fleurs que je dessine, je ne peux pas vraiment voir le centre. Je ne vois pas d'où viennent les pétales, mais je peux avoir une idée approximative dans ma tête où ils seraient. Alors je les marque avec ce petit cercle ,
puis je commence à dessiner le mouvement des pétales. Comme vous pouvez le voir, rien de tout cela n'est vraiment là. C' est juste pour moi comme une ligne directrice pour que je comprenne mieux et mieux le mouvement de cette fleur. Donc ils viennent du centre en allant dans quelle direction ? Ici, je suis juste en train de marquer grossièrement les mouvements, les positions et les formes de chaque fleur sans vraiment prendre de grandes décisions encore. Nous ne décidons pas encore où sont les pétales ou les détails de la fleur. S' il y a des pétales spécifiques ou des morceaux de votre fleur qui sont très clairs pour vous, vous pouvez déjà commencer à les marquer sur le papier. Donc, vous avez une bonne référence de l'endroit où ils sont et vous allez commencer à positionner le reste des autres éléments, les autres pétales et d'autres parties de votre fleur par rapport à ce pétale le plus important. Il y a ce gros pétale potelé qui est juste au centre de cette composition. C' est essentiellement au centre du dessin. Je suis en train de marquer à peu près où se trouve ce pétale. Ensuite, à partir de ce pétale, je vais commencer à passer aux autres. Donc, si vous dessinez une fleur plus simple comme des marguerites ou des fleurs, vous pourriez ne pas avoir ce problème. Mais si vous dessinez une fleur plus complexe comme moi qui a plus de forme ronde comme des roses, des pivoines, des fleurs de chrysanthème, dahlias, tout ça, vous pourriez avoir du mal à comprendre ce que font les pétales, où ils vont, d'où ils viennent, et quel est le mouvement de chaque pétale. Mon conseil pour vous est de commencer à partir de là où vous pouvez clairement voir. Ne commencez pas par les pétales que vous ne comprenez pas encore, commencez par ceux qui sont clairs. Donc, dans ce cas, je commence par ceux qui sont très visibles où je peux clairement voir où ils commencent et où ils finissent, ce qui est un pétale, ce qui n'est pas un pétale. Je commence par ceux que je peux voir clairement, puis je vais commencer à évoluer vers la fleur entière jusqu'à ce que ceux qui sont confus aient du sens. Maintenant que nous allons faire un dessin au trait, nous ne remplissons pas nos formes avec de la couleur. Nous allons vraiment avoir besoin de comprendre où ces lignes commencent et où elles se terminent. Dans une fleur, en particulier, quand nous comprenons que tous les pétales viennent du centre, même si nous ne pouvons pas voir le centre parfois, sachant où chaque pétale va, nous
donnera la direction de chaque ligne qui nous allons ajouter sur papier. Cela va créer la texture et la profondeur dans les fleurs. Même si nous faisons un dessin complètement 2D sans ombres, sans éclairage, le dessin aura beaucoup plus de sens et sera beaucoup plus attrayant si vous comprenez la bonne direction des lignes. À ce stade, observez simplement les formes des pétales et commencez à dessiner ce que vous pouvez voir. Laissez les pétales durs,
les parties qui sont peut-être un peu difficiles à comprendre. Peut-être que vous avez des pétales qui vous disent : « Qu'est-ce qui se passe ici ? Je ne sais pas ce que fait cette photo, où va-t-elle, est-ce qu'elle essaie de faire ? » Laissez ces derniers pour la fin parce qu'ils vont
devenir plus clairs plus vous continuez à dessiner. En outre, si vous dessinez vraiment concentré sur le détail, vous pourriez commencer à perdre la perception de l'ensemble. Après avoir dessiné quelques pétales, soulevez toujours la tête et jetez un oeil à la composition et voyez, est-ce logique ? Est-ce que ça va dans la bonne direction ? Si ce n'est pas le cas, c'est tout à fait bien de soulever et de refaire quelques parties. N' oubliez pas de toujours suivre les directives que vous avez déjà croisées sur le papier. Ces trois cercles que j'ai fait au début et ces lignes qui viennent du centre de marquage de la position et le mouvement des pétales sont là, donc je ne perds pas la trace de mes proportions. Vous verrez que si vous pratiquez cela, vous allez créer des dessins beaucoup plus équilibrés. Si vous êtes intéressé par le réalisme et que vous voulez vraiment dessiner fleurs
réalistes ou n'importe quel sujet que vous avez, suivre les directives que vous créez
au début est la chose la plus importante que vous pouvez faire. Une chose que j'ai remarqué est que sur ma photo de référence, il était vraiment difficile de voir ce qui se passait au centre de la fleur. C' était dur pour moi de comprendre, est-ce un pétale ? C' est l'intérieur de la fleur ? Qu' est-ce qui se passe là-dedans ? Parce qu'il fait si sombre. Pour moi, il était logique de partir de l'extérieur parce que je pouvais voir clairement le début et la fin de chaque pétale. Mais dans votre cas, vous pourriez avoir un scénario différent. Peut-être que votre centre de votre fleur est plus clair et si vous êtes plus à l'aise à partir du centre, ce qui est également totalement bien. Maintenant que je suis en train de finir, j'ajoute quelques feuilles autour d'elle pour créer un peu de composition. Certaines feuilles sont dans ma photo de référence, mais je les dessine très lâchement. Je n'essaie pas d'être exactement comme sur la photo. En outre, j'ai remarqué que tout le monde a son propre style esquisse. Donc je dessine la même ligne 1 000 fois que vous pouvez voir. C' est probablement parce que cela m'aide à comprendre le mouvement de chaque ligne. Quand je dessine une ligne et que je la laisse, parfois ma main, mon corps ne comprenait pas vraiment le mouvement de cette ligne, donc je dois la refaire. J' ai réfléchi un peu à cela et je pense que c'est pour ça que je le fais comme ça. Dans le passé, quand je ne comprenais pas les crayons, je faisais toujours des croquis avec un crayon à mâcher. Comme je dessinais tant de lignes tant de fois, c'est devenu si désordonné. C' était si dur à effacer et mon papier était un gâchis complet à la fin. J' ai remarqué que pour moi depuis que j'ai cette main plus lourde et j'aime refaire toutes les lignes plusieurs fois jusqu'à ce que j'aie la forme parfaite,
pour moi, j'ai vraiment besoin d'un crayon plus dur à esquisser. C' est pour ça que j'utilise un âge de trois ans. Peut-être que pour vous, vous n'avez pas besoin d'esquisser autant de détails. Alors suivez simplement votre intuition et allez avec ce qui est bon pour vous. Maintenant, quand vous serez prêt, rejoignez-moi à la prochaine leçon pour qu'on puisse enfin commencer à dessiner à l'encre.
6. Exercices d'échauffement: Prenez un morceau de papier aléatoire et sélectionnez les stylos que vous allez utiliser. Je commence généralement avec la ligne la plus fine possible, et si je veux rendre l'une de mes lignes plus épaisse plus tard, je peux le faire. Les stylos à encre nécessitent de la confiance, c'est pourquoi l'échauffement aide vraiment. Je vais commencer par le 01 parce que c'est le stylo je vais utiliser pour la plupart de mon dessin. Familiarisons-nous avec votre stylo. Remarquez que selon l'angle que je mets mon stylo sur du papier, je vais obtenir plus ou moins d'encre. Parfois, quand vous dessinez, si vous voulez faire une ligne fine très délicate et soudainement beaucoup d'encre sort de votre stylo, cela peut être un peu difficile et vous ne voulez pas que cela se produise. Alors familiarisez-vous avec votre stylo d'abord. Avant de dessiner, chaque fois que vous devez d'abord le tester sur un morceau de papier. Notez que si j'utilise mon stylo verticalement comme ça, beaucoup d'encre sort du stylo et aussi la vitesse à laquelle je bouge mes mains change la façon dont la ligne se révèle à la fin. Maintenant, regarde ça, si j'incline mon stylo comme ça, les lignes sont beaucoup plus minces, beaucoup plus délicates. C' est bon lorsque vous ombrage ou lorsque vous faites une partie très détaillée de votre dessin. En outre, si vous essayez de faire une longue ligne, remarquez que si vous commencez une ligne et vous arrêtez pour continuer, vous pouvez vraiment voir où vous avez fait cela. Vous pouvez vraiment voir les marques sur la ligne. Afin de faire une longue ligne, une bonne pratique pour vous de faire, est de déplacer votre ligne comme celle-ci, finir avec votre stylo hors du papier et de la ramasser à l'endroit où vous vous êtes arrêté. C' est un mouvement très délicat et soudain. Aussi un conseil très essentiel pour vous. C' est vraiment dur de faire une ligne droite si tu ne bouges que ton poignet comme je le faisais. Si vous gardez votre bras fixe et que vous
essayez de bouger votre poignet, c'est vraiment difficile. Maintenant, mon conseil pour vous est de bouger tout votre bras, ramener votre bras et d'essayer de garder votre poignet immobile. Familiarisez-vous avec votre stylo. Essayez différents mouvements, différentes vitesses, différents angles d'utilisation de votre stylo et voyez comment l'encre sort. Même si vous ne faites pas beaucoup d'attention, inconsciemment vous allez vous familiariser avec le stylo et quand vous dessinez, vous aurez une meilleure idée de ce qu'il faut faire avec. Maintenant, laissez-moi vous donner un pourboire qui m'aide vraiment. J' aime vraiment dessiner des choses avec beaucoup d'ombre, beaucoup d'ombres, et je ne jette pas mes vieux stylos. Ce stylo regarde,
il est complètement vieux et il y a à peine aucune encre qui en sort,
mais c' est incroyable parce que la douceur des lignes et des ombres que je peux faire avec, je ne pourrais jamais faire avec un nouveau stylo avec encre fraîche. Ce stylo est l'un de mes favoris maintenant parce que je peux certainement l'utiliser pour faire ce genre de détail sur une feuille, par exemple. Maintenant, écoute, si j'utilise un nouveau stylo, regarde la différence des lignes même si je
fais le même mouvement et que j'essaie d'être doux, il y a beaucoup plus d'encre qui sort du stylo et j'en ai beaucoup moins de contrôle. Tu vois la différence ? Maintenant, c'est aussi une question de goût. Certaines personnes aiment vraiment les arts de la ligne qui est très soigné
et parfait, et dans ce cas, vous voulez certainement utiliser de nouveaux stylos, car alors vos lignes seront pleines, complètes, elles ne seront pas fanées comme vous obtenez avec le nœud stylo. Mais personnellement, j'aime ce regard plus rugueux sur mes dessins. N' hésitez pas à choisir si cela a du sens pour vous. Ma suggestion pour vous maintenant est de vous réchauffer, faire quelques lignes, d'essayer de faire des lignes droites, lignes
sinueuses, de vous familiariser avec votre stylo, et ensuite nous allons enfin commencer à décrire notre croquis.
7. Contours: Maintenant que vous avez fini de vous échauffer, rapportez votre croquis et nous allons commencer à tracer notre dessin. abord, je vais effacer certaines des marques de crayon supplémentaires que j'ai sur mon papier, car je veux m'assurer que mon papier est aussi propre que possible. De plus, si vos mains transpirent pendant que
vous travaillez, vous voudrez peut-être mettre un petit morceau de papier sous votre main pendant que vous dessinez avec votre stylo à encre. Cela permettra de s'assurer que la chaleur de votre main ne se
frotte pas sur les marques de crayon et rend votre papier plus sale. Dans mon cas, je n'aurai pas besoin de le faire parce que j'ai utilisé un crayon très dur. Si j'utilisais un crayon 2B comme je le faisais quand je commençais tout juste, mon papier serait certainement très désordonné à la fin de cette étape. Si tu utilisais un crayon doux pour faire ton croquis, je mettrais un morceau de papier sous ma main. Maintenant, je vais juste décrire en haut de mon croquis. Remarquez que mon croquis est très détaillé, donc j'ai déjà dessiné tous les pétales, tous les détails là-dedans. Maintenant, je dois juste prendre quelques décisions ici. Attention, je regarde toujours ma photo de référence et maintenant si je veux faire quelques changements sur mon croquis, je peux toujours avec mon stylo à encre. Je me déplace dans la même direction que je l'ai fait avec mon croquis allant de l'extérieur à l'intérieur pour chaque fleur, commençant par les pétales que je peux voir plus clairement ,
puis en passant aux pétales qui sont un peu plus difficiles à voir. Une fois que vous avez terminé de tracer votre fleur entière, vous pouvez effacer tout le crayon car nous n'en avons plus besoin, et en fonction du papier que vous utilisez, votre encre sèche plus rapidement ou plus lentement. Bien qu'il sèche assez rapidement en général, si vous effacez sur le dessus de votre encre juste après avoir utilisé votre stylo, vous risquez de créer un peu de désordre. Commencez à effacer sur les pièces que vous avez dessinées il y a un moment, attendez que l'encre sèche. Pour être honnête, j'aime vraiment la façon dont il a déjà l'air, mais dans notre cas, nous allons explorer trois styles différents d'art au trait, donc dans les trois prochaines leçons, je vais vous montrer de cette étape trois façons différentes dans lesquelles vous pouvez terminer votre dessin.
8. Style 1 : lignes minimalistes: Salut tout le monde. Dans cette leçon, je vais vous montrer un style d'art au trait qui est vraiment populaire en ce moment et qui ressemble à un dessin d'une ligne. Ce que tu vas faire est très simple. Vous allez essentiellement créer quelques lignes plus lâchement autour des lignes qui sont déjà sur le papier. Vous connectez fondamentalement toutes les lignes qui sont déjà là sans vraiment suivre aucune logique. Plus tu es aléatoire, mieux c'est. Remarquez comment je connecte un pétale avec un autre pétale qui n'a rien à voir avec lui. Lorsque vous ajoutez cette ligne, vous mettez l'accent sur les lignes déjà présentes et créez de nouvelles lignes qui ajoutent plus de mouvement au dessin. Remarquez comment, même si toutes les lignes sont aléatoires, j'essaie de suivre le mouvement des pétales. Avec ce type d'art, vous pouvez également faire quelques expériences avec différentes épaisseurs de stylos. Personnellement, j'aime vraiment le look délicat d'une ligne très fine, mais ce type d'art est très minimaliste, donc vous pouvez totalement jouer avec une pointe plus épaisse comme un 03, par
exemple, et obtenir une fleur délicate en même temps. Lorsque vous dessinez les feuilles, vous allez faire la même chose, vous suivez avec les lignes qui sont déjà là. Continuez à ajouter des lignes et des lignes jusqu'à ce que vous obtenez quelque chose comme ça. J' ai remarqué que plus je le faisais, plus je me sentais confiant, et avec le temps, je me sentais confiant d'ajouter des formes et des mouvements différents avec mes lignes. Je sais que nous n'ajoutons pas d'ombres ou d'éclairage ou quelque chose comme ça, mais comme vous pouvez le voir dans mes fleurs, le centre de la fleur est plus sombre, c'est là que sont toutes les ombres. J' ai un peu plus de liberté pour ajouter plus de lignes dans les pétales
du centre parce que lorsque vous voyez l'image entière après, cela crée un peu de profondeur, même si ce ne sont que des lignes. Vous n'avez pas à le faire, vous pouvez faire un dessin au trait très simple, mais personnellement j'aime vraiment les ombres, alors j'ai décidé d'ajouter quelques lignes supplémentaires dans les parties de la fleur qui sont un peu plus sombres. Si vous voulez vous défier et faire des expériences mentales aussi bien, vous pouvez essayer de faire cet exercice avec une seule ligne. Au lieu de tracer votre dessin en premier, vous pouvez passer de l'esquisse au crayon à simplement essayer de faire un dessin au trait avec une seule ligne sans même soulever votre stylo du papier. Ce type d'art au trait semble vraiment mignon comme il est. Vous pouvez même ajouter des formes géométriques à l'arrière-plan pour ajouter de la couleur. Si vous voulez l'amener au numérique, vous pouvez prendre une photo ou une numérisation de ce dessin et ensuite jouer avec celui-ci sur Photoshop, mais je l'aime vraiment tel qu'il est. J' espère que tu t'es amusé à faire ce dessin. Retrouvez-moi à la prochaine leçon où je vais vous
montrer un style très différent des arts de la ligne. Je pense que ça va vous plaire.
9. Style 2 : textures avec des lignes: Dans cette leçon, nous allons apprendre un style très différent de l'art au trait. C' est un peu plus élaboré que le dernier, mais aussi très simple et propre. Nous créons essentiellement la texture des pétales avec une série de lignes qui vont du centre de chaque fleur à l'extrémité des pétales. Assurez-vous de suivre votre photo de référence, surtout si vous travaillez avec une fleur ronde comme celle-ci, car la direction des lignes devrait suivre la direction dans laquelle les pétales poussent. Dans mon cas, je ne vois pas le centre de ma fleur, il y a des lignes invisibles venant du centre, et je ne dessine que la pointe du pétale qui est visible dans mon dessin. Rappelez-vous que les fleurs sont naturelles et elles peuvent être très inégales. Les lignes n'ont pas nécessairement besoin d'être parfaites ou super droites ou quoi que ce soit du genre. Certains artistes aiment créer cette perfection de mouvement en dessinant des lignes très uniformes et parfaites, mais je pense personnellement que cela semble plus naturel lorsque les lignes ne sont pas parallèles, lorsque certaines lignes sont plus éloignées ou plus proches les unes des autres. Le résultat est plus authentique à mon avis. J' aime ce regard inégal et je dessine mes lignes de façon inégale sur le but la plupart du temps. Je vous suggère de faire quelques expériences pour trouver quel style de motifs de ligne vous aimez le plus. Aussi, je vous suggère de créer une séparation entre l'avant et l'arrière de chaque pétale. Dans mon cas, je parle de l'extérieur et de l'intérieur des pétales. Lorsque vous êtes clair sur la séparation, vous pouvez choisir si vous voulez remplir un seul côté des pédales ou des deux côtés. Je choisis de ne remplir que le dos des pétales, qui dans mon cas est la partie extérieure de la fleur, et de laisser l'intérieur vide. Si vous choisissez de remplir les deux, vous pouvez même créer un motif différent en rapprochant les lignes plus ou plus éloignées. Rappelez-vous que, lorsque vos lignes sont plus proches, le résultat final qui sera un peu plus sombre. Si vos lignes sont plus éloignées, vous aurez un résultat plus léger. Choisissez le motif que vous voulez faire compte tenu de la façon dont vous voulez que vos fleurs ressemblent à la fin. J' ai aussi décidé d'ajouter un peu de profondeur dans mes pétales en ajoutant quelques petites lignes supplémentaires sur les côtés des pétales qui sont sur le côté plus sombre. Vous n'avez pas vraiment besoin d'ajouter des ombres, mais encore une fois, j'aime vraiment créer cette profondeur dans notre dessin. Mais si tu aimes ce regard plat, vas-y. Vous n'avez pas vraiment besoin d'ajouter l'ombrage du tout. Vous pouvez également jouer avec différentes épaisseurs de lignes ici. Je pense que ce serait bien de contourner mon dessin avec une ligne plus épaisse, donc j'ai utilisé un stylo 03 pour le faire. Pour les feuilles, je voulais qu'elles soient différentes des pétales des fleurs, alors j'ai juste dessiné très peu de lignes pour marquer leur mouvement. Mais vous pouvez choisir de faire des feuilles plus complexes si vous le souhaitez. Si vous voulez que vos feuilles soient plus sombres que votre fleur, vous pouvez faire un motif avec beaucoup plus de lignes que les pétales et vous obtiendrez un résultat très différent, ce qui serait également délicat et beau. Maintenant que j'en ai fini avec mon dessin, je peux utiliser le stylo gel blanc pour corriger les petites erreurs. Vous voyez dans certains petits endroits peut-être que j'ai fait une ligne un peu trop longue, peut-être qu'une des lignes est trop épaisse. Avec le stylo gel blanc, je peux réparer ces petites choses. Maintenant, c'est mon dessin fini. J' espère que vous avez apprécié ce style d'art au trait. N' oubliez pas de partager vos créations dans la section projet de cette classe afin que nous puissions apprécier votre art et nous inspirer. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous allons
apprendre un style très différent des arts de la ligne qui sera beaucoup plus proche d'un dessin réaliste avec des lumières et des ombres. On se voit là-bas.
10. Techniques d'ombrage de base: Avant de passer au prochain style de dessin au trait, je veux vous montrer trois styles différents d'ombrage que vous pouvez utiliser dans vos fleurs. Il existe de nombreuses façons d'utiliser les lignes pour créer de la profondeur et de la perspective dans votre dessin, mais ceux-ci sont des styles de base très utiles, quel que soit le niveau dans lequel vous vous trouvez. Rappelez-vous que notre papier blanc est la lumière et l'encre est l'ombre, donc vous n'ajoutez pas de lumière à votre dessin, vous n'ajoutez que les ombres. Dans les styles d'art au trait plus simples, nous travaillons généralement avec deux dimensions et nous nous concentrons sur les contours et les textures. C' est ce que nous avons fait dans les deux derniers dessins. Maintenant, si vous voulez faire un style de dessin plus réaliste, l'ombrage aux bons endroits est ce qui rendra votre fleur réelle. Dans ce cours, nous travaillons avec la photo de référence, qui signifie que la première chose à faire est de regarder votre image et d'observer d'
où vient la lumière et à quel angle elle frappe votre fleur. Quand vous comprenez comment la lumière se déplace sur votre image, vous savez où se trouvent les ombres. Juste pour cette démonstration, supposons que les ombres sont sur ce côté gauche de ces rectangles parce que la lumière les frappe de droite à gauche. Lorsque vous commencez à dessiner vos ombres, passez
toujours de l'ombre à la lumière. Vous commencez à ajouter plus d'encre sur le papier là où se trouvent les ombres, puis déplacez votre tête doucement dans la direction de la lumière jusqu'à ce que le papier blanc crée l'effet de la lumière. Avec la pratique, tu seras vraiment bon à ça. Ce premier style est très simple et peut s'adapter sans être trop réaliste. Il s'agit d'un type d'ombrage plus simple. Vous avez juste à utiliser des lignes parallèles comme ceci. Certaines lignes seront complètes, les autres lignes peuvent se transformer en lignes plus courtes ou même en points, sorte que vous créez cet effet d'ombre venant à la lumière. Dans ce style, vous ne changez pas la pression que vous appliquez le stylo sur du papier. Vous allez dessiner des lignes qui ont un début et une fin en utilisant la même pression, et vous modifiez simplement la longueur des lignes pour créer l'effet d'ombre. Ça aura plus de sens quand je vous montrerai le second style. Le second est celui que je vais utiliser pour notre dessin réaliste dans la leçon suivante. La différence avec le premier style et celui-ci est que maintenant vous devez changer la pression du stylo sur le papier, donc vous allez ajouter plus de pression pour libérer plus d'encre sur le papier dans les parties de l'ombre et ensuite passer rapidement avec votre stylo, diminuant la pression jusqu'à ce que votre stylo soit retiré du papier. Vous pouvez ajouter des calques de ce type de ligne et créer des lignes plus longues courtes jusqu'à ce que vous créiez les ombres souhaitées. Le troisième style est le travail par points. J' adore ce style, je pense qu'il est super beau, c'est l'un de mes favoris et j'aime la façon dont il a l'air à la fin, mais c'est très long, alors méfiez-vous de cela avant de décider lequel vous allez faire. Celui-ci prend beaucoup plus de temps que les autres. Vous ajoutez essentiellement beaucoup de points passant de l'ombre à la lumière pour créer l'effet d'ombre que vous voulez. Plus il y a de points, plus les résultats sont sombres. Je trouve que les dessins les plus réalistes ont un contraste élevé, donc vous devriez ajouter beaucoup de points dans les parties d'ombre pour créer des ombres réalistes. Cette étape est vraiment importante et je vous suggère de l'essayer sur un morceau de papier d' abord pour voir lequel vous ressentez le plus de plaisir car cela devrait être amusant. Je crois que si vous vous amusez avec elle, vos résultats seront certainement meilleurs. J' espère que vous aimez ces trois styles d'ombrage. Si vous avez des questions ou si vous voulez partager lequel est votre favori vers le bas dans les commentaires, j'aimerais entendre de vous. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous
commencerons enfin à dessiner notre dernier style d'art au trait.
11. Style 3 : Art au trait réaliste (partie 1): Salut, tout le monde. Bienvenue dans le dernier dessin que nous faisons ensemble dans cette classe. Cette fois, nous allons utiliser une technique simple d'art au trait pour obtenir un look plus réaliste à notre fleur. Comme vous l'avez vu lors de notre dernière session, pour créer une profondeur dans votre dessin, vous devez vraiment obtenir les ombres correctes. D' abord, regardez votre photo de référence. Ne vous précipitez pas. Observez l'éclairage et comprenez comment il frappe votre fleur. Où les ombres sont créées, les mouvements des pétales. Prenez juste une demi-minute pour observer et comprendre ce qui se passe dans votre photo. Quand je commençais à dessiner de référence spécifiquement, je jetais un oeil très rapide à ma référence et commençais à dessiner tout de suite. J' ai pris un cours avec un très bon professeur une fois, et il regardait sa photo ou son modèle pendant 10 minutes avant de commencer à dessiner. C' était vraiment incroyable de voir comment il se connecterait au sujet avant de commencer à dessiner. Cela a vraiment changé ma capacité à représenter mes dessins sur papier après que j'ai commencé à le faire. Je vous suggère vraiment de bien regarder votre photo. Il suffit de le regarder. Ne vous précipitez pas. Quand vous sentez que vous avez mieux compris, vous avez compris les mouvements, ce qui se passe là-bas, vous pouvez commencer à ajouter des ombres. Accédez à votre fleur, et essayez de vous demander, comment je me sens en regardant cette image ? Comment se sent cette fleur ? Elle est heureuse ? Elle est triste ? Elle a besoin d'eau maintenant ? Ou est-ce qu'elle demande plus de lumière ? Ou peut-être qu'elle essaie de donner un sentiment de paix ou simplement essayer de comprendre quel est le sentiment principal, quel est le message principal de votre sujet ? C' est utile pour tout ce que vous tirez de la référence. Vous pourriez dessiner un visage, vous pourriez dessiner des animaux. Vous devez toujours vous connecter à votre sujet d'abord. Maintenant, personnellement, je commence habituellement à partir des parties dont je suis le plus sûr. J' ai remarqué que dans ma fleur, comme ils ont cette forme ronde, l'intérieur des pétales commence toujours plus sombre dans le fond et devient plus léger une fois qu'ils sont plus près du haut. En créant des lignes avec ce mouvement rapide comme celui-ci, je vais créer les premières ombres. Rappelez-vous que si vous voulez utiliser ce même style que j'utilise, vos lignes devraient suivre la direction dans laquelle les pétales poussent. Dans ce cas, est du centre vers l'extérieur et dans mon cas spécifiquement aussi de bas en haut parce que c'est un type rond de fleur. Je connais la direction en sachant où se trouve le centre de ma fleur et bien sûr, en regardant ma photo de référence. Vous devriez toujours passer de l'ombre à la lumière comme ça. Je sais que ce type de dessin est beaucoup plus détaillé et prendra plus de temps. Une fois que vous avez fini de regarder ce cours, je vous suggère de mettre de la bonne musique et un bon podcast et juste profiter du morceau de dessin. Honnêtement, je sens que c'est une méditation pour moi. Je peux être vraiment concentré sur quelque chose et qui me dégage
généralement de tout le reste, qui me fait vraiment bien. Bien sûr, j'accélère le processus ici pour
vous montrer ce que je pense le plus important. Mais toute cette pièce m'a pris environ sept heures pour finir du début à la fin. Prenez votre temps et profitez du processus, et rappelez-vous, je dessine trois fleurs avec beaucoup de feuilles. Si vous dessinez une seule fleur, cela pourrait prendre beaucoup moins de temps. Je vous promets que les résultats sont si gratifiants. J' ai remarqué que quand je regardais un dessin dont je suis fier, à la fin, je suis genre, j'ai fait ça. Ça nourrit vraiment mon âme et ils m'habilitent vraiment. Elle renforce ma confiance, elle renforce mon estime de soi. Cela me nourrit vraiment et me fait sentir que je peux accomplir tout ce que je veux dans la vie. J' espère pouvoir vous offrir cette occasion de vous
sentir vraiment fier d'ici la fin de ce dessin. Maintenant, laissez-moi vous parler un peu du contraste. L' éclairage, comme dans la photographie ou dans les films, mettra l'accent sur l'endroit où vous voulez que votre spectateur se concentre. Quand vous créez une œuvre d'art, vous essayez de raconter une histoire. Notre objectif en tant qu'artistes est de raconter des histoires à travers notre art. Grâce à ces histoires, nous voulons que les gens ressentent des choses et qu'ils s'y rapportent, et peut-être qu'ils se sentent moins seuls. Ou quel que soit le message qu'ils tentent de transmettre, et une façon très puissante de raconter une histoire que les gens utilisent depuis des siècles, c'est d'utiliser des lumières. Pour dire à votre spectateur ce qui est important pour lui de voir dans votre art. Lorsque vous faites la lumière sur votre sujet, vous dites à votre spectateur, concentrez-vous ici. Faites attention à cette partie. C' est là que vous devriez regarder d'abord et à partir de là, ils peuvent créer toute une histoire dans leur tête. Maintenant, bien sûr, nous sommes en train de dessiner à partir d'une référence, donc c'est un gars de l'étude. Nous ne racontons pas une grande histoire ici en ce moment, nous étudions les ombres et nous apprenons à utiliser ce style. A partir de là, vous pouvez vraiment ajouter cette technique à vos créations. Je vous promets vraiment que si vous pratiquez ce type de dessin à partir de référence, vous aurez tellement plus de contrôle et de pouvoir pour raconter vos histoires avec votre art. Un autre conseil que j'ai pour vous est de contrôler vos lignes afin que vous n'ajoutez pas trop d'ombre. Nous avons tendance à ajouter plus que moins, en général. Je ne sais pas pourquoi. C' est en fait une chose de psychologie que j'ai apprise il y a un moment, et ça a beaucoup de sens avec le dessin. Nous avons tendance à ajouter plus de lignes que ce dont nous avons besoin habituellement. Nous avons tendance à ajouter plus d'ombres que vous n'en avez habituellement besoin, et avec la pratique, vous serez en mesure de mieux contrôler la quantité de mot d'encre sur papier de mieux en mieux. Parfois, vous n'avez pas besoin d'autant de lignes ou peut-être vous avez besoin de lignes plus courtes, alors ne soyez pas triste si votre fleur finit plus sombre que vous le vouliez. Assurez-vous juste que vous laissez de l'espace pour que la lumière soit dans votre dessin. Je sais que quand vous obtenez le coup de l'ombrage est tellement tentant de continuer à ajouter des ombres. Pourraient-ils être si beaux ? Mais rappelez-vous que la lumière est ce qui crée le contraste. Si vous ajoutez trop d'ombre ou pas assez d'ombre, votre articulation sera plate. C' est incroyable si vous essayez d'obtenir un look plat. L' art plat est très beau. J'adore ça. Mais ici, nous essayons d'expérimenter quelque chose de différent. Nous essayons de créer quelque chose avec beaucoup de profondeur, beaucoup de contraste, et nous essayons de nous rapprocher le plus possible du réalisme. Ce qui veut dire qu'on veut éviter le regard plat ici. Je veux que vous puissiez dessiner quelque chose de profondeur, sorte que la prochaine fois que vous créez un RPC à partir de votre imagination, vous soyez libre de choisir le style que vous voulez utiliser. Les photos de référence aident beaucoup dans notre étude et vous
verrez à quel point vous allez dessiner une fois que vous aurez pratiqué le dessin à partir de référence. Maintenant, notez que chaque pétale qui se trouve derrière un autre pétale a une ombre et que plus vous ajoutez d'ombres à votre dessin, plus
les résultats seront dramatiques. Vous pouvez ajouter moins d'encre en faisant des lignes plus courtes si vous voulez un résultat plus léger et plus délicat. Mais personnellement, j'aime ce drame. Je pense que les ombres sombres créent un mystère, et je m'efforce vraiment de le faire quand je dessine parce que c'est mon style maintenant. Mais peut-être que vous aimerez ajouter moins d'ombres en moi, ce qui est aussi incroyable. Pour rendre mes ombres très profondes et dramatiques, tout ce que je fais est d'ajouter de l'encre noire supplémentaire dans les parties que je veux être les plus sombres. J' ai généralement le contour des pétales où il y a beaucoup d'ombre pour les rendre encore plus sombres. En fin de compte, l'important est que votre dessin général suit un motif d'ombre réaliste. Si vous avez deux fleurs et l'une de
la fleur a les ombres sur la gauche et l'autre fleur a les ombres sur la droite, va juste regarder bizarre. Ça ne va pas avoir l'air équilibré. Ça ne va pas avoir l'air harmonique et ça va
être bizarre et les gens pourraient ne pas s'y rapporter. Vous pouvez avoir une technique incroyable, mais si vous ne comprenez pas vos ombres. Où les mettre, comment le dépeindre, vous ne serez pas en mesure de dessiner de façon réaliste. Dans ma photo de référence, j'ai remarqué que le centre de la fleur est la partie la plus sombre. Je fais en sorte que je devienne plus sombre que le reste de la fleur. Les pétales au centre de chaque fleur sont un peu plus sombres, et à l'intérieur de celui-ci je peux à peine voir sur une photo. Je vais être très généreux avec mon encre et ajouter autant d'obscurité que possible. J' aime vraiment ce centre dramatique de cette fleur que je peux vraiment voir. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon où nous allons continuer à ajouter ombres à nos fleurs et enfin finir ce beau dessin.
12. Style 3 : Art au trait réaliste (partie 2): Maintenant, nous allons continuer notre dessin en ajoutant le reste des ombres suivant notre photo de référence. Maintenant, laissez-moi vous donner une suggestion pour votre avenir dans votre carrière de dessin. dessin de référence peut vous donner beaucoup de puissance et de compréhension de votre sujet, même si votre style est complètement différent du dessin réaliste. En comprenant le vrai mouvement naturel d'une fleur, je vous garantis que vous serez en mesure de dessiner de meilleures fleurs dans n'importe quel style que vous voulez. Mais je ne veux pas que vous soyez coincé à ce besoin de toujours avoir cette photo de référence et en gros copier à partir d'une référence parce
que, cela peut être un peu ennuyeux parfois. Pour que vous puissiez explorer et défier votre créativité, vous n'avez pas besoin de compter sur une seule référence. Ma suggestion pour vous pour l'avenir est de trouver une idée dans votre tête et ensuite de trouver les références qui vous aident à créer cette idée spécifique. Disons que vous avez une idée d'une composition de fleurs, mais il n'y a pas d'image comme ça. Vous achetez des fleurs et prenez une photo, vous pouvez créer votre propre photo de référence, ou vous pouvez utiliser de nombreuses photos de référence des fleurs que vous aimez dans différentes positions pour créer l'idée que vous aviez. Cela peut vous donner beaucoup de liberté et vous donner les moyens de créer ce que vous voulez avec votre art. Plus vous pratiquez, moins vous aurez besoin de références. Mais gardez à l'esprit que vous pouvez avoir de nombreuses références devant vous, comme vous pouvez avoir cinq, six, sept photos devant vous de différentes positions du même sujet afin que vous puissiez créer la vôtre. Pour les feuilles, je fais la même chose. Je suis ma photo de référence et j'essaie vraiment de dépeindre les ombres telles qu'elles sont dans l'image. Rappelez-vous que le contraste est ce qui est le plus important ici. C' est ce qui va créer la profondeur de votre dessin et c'est
ce que vous essayez d'obtenir avec un dessin réaliste. Les ombres et les lumières sont importantes et assurez-vous de laisser de la place pour les deux, sorte que vos feuilles ne sont pas trop plates, pas trop sombres, pas trop brillantes, et vous pouvez vraiment comprendre leur mouvement à travers leurs ombres. Ici, je vais aussi utiliser le stylo gel blanc pour m'aider à marquer les veines des feuilles et aussi ajouter un peu de lumière supplémentaire. Maintenant, c'est ça, les gars. C' est mon dessin fini, j'espère que vous l'avez apprécié. Assurez-vous de partager vos dessins avec nous dans la section « projet » ci-dessous. J' ai hâte de voir tes créations. Je te retrouve dans notre dernière leçon où on termine ce cours. Je te verrai là-bas.
13. Partagez votre art avec nous ! : Les gars, on a fini. Excellent travail pour nous. Incroyable. Je t'apprécie tellement. Merci d'être ici. Merci d'avoir regardé. J' espère te voir la prochaine fois. Si vous avez des commentaires, des questions, n'importe quoi, s'il vous plaît laissez-le dans les commentaires. Aussi, ça m'aide vraiment si vous me montrez ce que vous faites avec mes cours. Il y a une section ci-dessous appelée projets, si je ne me trompe pas. S' il vous plaît laissez votre dessin là. C' est un moyen de se connecter avec les gens de la plateforme. Les gens vont commenter vos dessins, je serai en mesure de donner des commentaires, et vous allez certainement inspirer beaucoup de gens. Parce que tout le monde est à différents niveaux, tout le monde fait quelque chose de différent et c'est vraiment intéressant pour moi, et j'imagine pour vous aussi, voir tous les styles et les niveaux auxquels tout le monde est dans son art. Aussi, je veux vraiment savoir lequel
des trois styles que je vous ai montré le plus. S' il y a un style spécifique différent que vous voyez autour Internet ou quelque chose et que vous voulez un cours là-dessus, s'il vous plaît faites-le moi savoir. Je pourrais certainement développer du contenu autour de lui quand il s'agit de l'art au trait, évidemment. Je voudrais vraiment savoir, ce que vous cherchez dans votre art ? Quel est votre plus grand défi dans votre art ? Nous allons nous connecter. Créons une communauté d'artistes de ligne parce que l'art de ligne est beau et j'ai l'impression d'avoir tant à partager avec vous sur ce sujet, et tant de choses à apprendre, bien sûr. Tellement plus à apprendre que à partager, définitivement. Mais beaucoup à partager. Oui, merci et je te verrai la prochaine fois.
Gio Vescovi, Visual Artist
