Pratique de l'illustration conceptuelle : transformez vos peurs en une créature effrayante et surréaliste !

1. Bienvenue !: Bonjour à tous. Bienvenue dans une autre classe Skillshare. Je m'appelle Giovanna. Je suis artiste visuel et illustrateur. Aujourd'hui, je vais vous montrer comment dessiner une créature fantastique et magique avec une inspiration surréaliste. L'une de mes plus grandes difficultés quand j'ai commencé à dessiner a été de trouver des idées sur ce qu'il fallait dessiner. Aujourd'hui, je trouve beaucoup d'inspiration dans mes rêves et dans tous les mondes imaginaires et surréalistes que nous pouvons créer dans nos esprits. Nous avons tous la capacité de rêver et de créer quelque chose qui nous est unique. Dans ce cours, je vais vous aider à trouver un chemin pour découvrir et explorer ces mondes imaginaires qui vivent dans votre tête et qui meurent d'envie de sortir dans vos œuvres d'art. Littéralement, tout peut inspirer ce genre de dessins surréalistes. Mais comme Halloween approche, nous allons devenir effrayants et créer une créature effrayante grâce à l'imagination. Voici ce que vous pouvez attendre de ce cours. abord, nous allons remonter un peu le temps et comprendre comment ce mouvement de réalisme peut être une source d'inspiration pour notre projet aujourd'hui. Ensuite, nous allons faire un exercice d'écriture automatique pour entrer en contact avec votre imagination et stimuler la créativité. À partir de là, nous concevrons une créature surréaliste et fantastique, totalement unique et originale. Je vais vous montrer plusieurs techniques d'encrage différentes et comment les combiner dans votre illustration et vous apprendrez à créer les textures, la profondeur et le contraste souhaités dans votre dessin avec des stylos à encre fine. Enfin, pour ajouter un petit défi, nous allons explorer la superposition de couleurs à l'aide de supports mixtes, ce qui signifie littéralement tous les matériaux que vous avez à la maison pour ajouter de la couleur à votre dessin. Vous allez apprendre à utiliser les couleurs pour ajouter beaucoup de complexité et d'informations à votre illustration, puis à raconter une histoire à travers votre dessin. Ce cours vous aidera non seulement à améliorer vos compétences en dessin, mais il apportera également des réflexions très importantes sur votre travail d'artiste et sur le message que vous essayez d'envoyer avec votre art. illustrations sont des outils vraiment puissants pour raconter des histoires. Aujourd'hui, vous allez apprendre comment le faire en utilisant des textures, des éclairages et des couleurs. Prenez maintenant vos matériaux artistiques, un beau papier à dessin, et bien sûr la chose la plus importante, qui est votre boisson préférée. Commençons. Avant de partir, n'oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare, que vous puissiez être le premier à savoir chaque fois que je publie un nouveau cours et que je ne veux pas que vous le manquiez. Il suffit de cliquer sur ce bouton juste ici. On se voit bientôt. 2. Matériaux: Bonjour, tout le monde. Les principaux matériaux que vous allez utiliser pour ce cours sont : des stylos à encre, un crayon à croquis et une gomme, et un bon papier à dessin. Pour la partie coloriage, nous allons utiliser des supports mixtes pour cette classe, qui signifie tous les matériaux dont vous disposez. Je vais vous montrer un peu les matériaux que je vais utiliser, mais ne vous inquiétez pas, si vous n'en avez aucun, utilisez tout ce qui vous est disponible. Ce sont mes stylos à encre. Je vais utiliser une plage comprise entre 003-01, ce qui est une très fine pointe. C'est parce que j'aime vraiment créer minuscules détails et cet effet délicat sur mon dessin. la ligne de votre stylo à encre est fine, plus votre résultat sera délicat et détaillé, plus votre résultat sera délicat et détaillé, mais cela prend généralement un peu plus de temps. Si vous commencez tout juste avec des stylos à encre, je vous suggère totalement de commencer par une pointe plus épaisse, comme un 03 ou peut-être un 05, et vous serez en mesure d'obtenir d'excellents résultats comme ça. De plus, bien sûr, je vais utiliser un crayon à croquis et une gomme en plastique. Comme je vous dis toujours d'esquisser, il faut choisir un crayon dur. Vous allez le savoir en voyant le numéro à l'arrière du crayon. Le mien est un 4H et les crayons durs vont du HB jusqu'à 8H ou 9H. Plus le nombre à côté du H est élevé, plus il sera difficile. C'est bien parce que le crayon ne se tachera pas trop sur le papier et il sera très facile à effacer, sorte que vous pouvez esquisser autant que vous le souhaitez et votre papier sera finalement propre. Maintenant, quelques-uns des matériaux que je vais utiliser pour coloriser mon dessin ; le premier est l'encre de calligraphie. Je vais utiliser de l'encre de calligraphie noire et blanche. Vous allez les utiliser avec un petit pinceau rond comme des pinceaux aquarelle. Supposons que vous ayez besoin d'ajouter quelques détails sur le bord ou d'ajouter de la lumière, l'encre de calligraphie blanche est ce que j'utilise habituellement pour le faire. Je vais également utiliser ces marqueurs à base d'eau fraîche. Ils sont très simples. Vous pouvez les obtenir dans n'importe quel magasin d'art. Je vais utiliser quelques couleurs et je vais vous montrer plus tard les couleurs que je vais utiliser. Il s'agit d'un stylo gel blanc, qui est également très utile lorsque vous voulez réparer petites choses ici et là et ajouter de petits détails à la fin. Je vais également utiliser des crayons de couleur à base de cire. J'ai cette palette de couleurs de tons de terre et de tons de peau vraiment cool. J'adore ça. Bien sûr, je vais aussi utiliser des aquarelles. Nous allons utiliser des techniques super basiques sur les aquarelles. Si vous n'avez jamais utilisé d'aquarelles auparavant, ce cours vous conviendra parfaitement. Maintenant, si vous utilisez des aquarelles, bien sûr, vous avez besoin d'un petit récipient contenant de l'eau pour arroser votre encre et nettoyer vos pinceaux, un peu de papier essuie-tout ou un petit morceau de tissu, et bien sûr, quelques brosses rondes douces comme celle-ci. J'aime avoir quelques tailles différentes pour pouvoir créer différents effets dans mon dessin. Enfin, mais notre article est très important. Pour choisir le papier qui vous convient, vous devez examiner l'épaisseur du papier. papier aquarelle est généralement de 300 grammes et c'est un papier très absorbant. C'est génial si vous utilisez des aquarelles, mais pas si vous utilisez uniquement des stylos encreurs, ils absorberont beaucoup d'encre de vos stylos à encre et vos stylos ne dureront pas tellement. Je vous suggère d'utiliser du papier aquarelle uniquement si vous avez réellement besoin d'absorber autant d'eau, comme si vous utilisez réellement des aquarelles. Si vous n'utilisez pas d'aquarelles, si vous n'utilisez que des marqueurs et des crayons de couleur vos stylos à encre et votre encre de calligraphie, optez pour du papier bristol ou du papier mixte, ils seront tellement meilleurs pour vous. C'est ce que j'utilise aujourd'hui. Ne soyez pas submergé par la quantité de choses que j'ai ici pour moi. Littéralement, tout matériel que vous avez à votre disposition sera génial. Je vais vous montrer comment calquer vos couleurs pour obtenir des résultats incroyables quel que soit le support que vous utilisez. Maintenant, lorsque vous êtes prêt, retrouvez-moi pour la prochaine leçon pour que nous puissions commencer. 3. Inspiration surréaliste et projet: Qu'est-ce que le surréalisme ? surréalisme est un mouvement qui a débuté à Paris en 1924 et il a exploré totalement de nouvelles façons de créer de l'art. Il a essayé d'accéder à quelque chose qui allait au-delà de la réalité ou du surréaliste, c'est de là que vient le nom. Nous savons tous comment les choses sont censées fonctionner ou ressembler dans la vraie vie, mais dans notre esprit, tout est possible. Nous avons tous eu des rêves fous où rien n'avait de sens, par exemple, peut-être que dans nos rêves, nous pouvions voler ou transformer quelque chose d'autre, ou peut-être que vous avez vu des créatures ou des situations qui ne se produiraient jamais réellement dans la réalité. Le fait que nous soyons capables de créer consciemment ou non tous les scénarios dans notre esprit a été la plus grande source d'inspiration pour les artistes de l'époque. En gros, ils croient que nos rêves étaient l'expression directe de nos vraies pensées et de nos sentiments comme notre vraie nature, ce qui est un peu effrayant. Des artistes célèbres comme Salvador Dali, René Magritte ou Frida Kahlo créaient ces scènes très irrationnelles et folles avec un mélange d'objets et de créatures qui avaient une signification symbolique mais n'avaient rien à voir avec chacune d'elles. autre en réalité. Ce sont clairement des choses que nous ne pourrions voir que dans notre imagination ou dans nos rêves, mais jamais dans la vraie vie. Dans cette classe, nous allons maintenant essayer de comprendre tous les symboles ou significations derrière nos dessins. Nous allons simplement explorer le potentiel créatif et, espérons-le, susciter nouvelles idées et de nouvelles façons d'illustrer ces idées. Nous allons nous inspirer par ce mouvement super fascinant et par nos propres mondes imaginaires. Puisque tous mes cours ont un peu une approche de conscience de soi, aujourd'hui nous allons nous inspirer de nos peurs, bien sûr, parce que c'est Halloween et en octobre, pourquoi ne pas travailler sur quelque chose d'effrayant. Je pensais que nous pouvions travailler sur nos peurs et encore une fois, nous n'allons pas approfondir nos peurs ou quoi que ce soit de ce genre, nous allons simplement nous en servir comme inspiration. J'aime créer ces petits défis pour nous car plus nous pratiquons à traduire des sentiments et des pensées en éléments visuels, mieux nous deviendrons raconter des histoires à travers nos illustrations et créer de l'art significatif. agit d'une compétence précieuse si vous voulez devenir illustrateur éditorial ou, par exemple, si vous êtes allé illustrer des livres. Dans ces carrières, vous ne faites pas simplement de l'art, mais vous essayez d'envoyer un message ou d'illustrer une histoire. J'ai également choisi l'élément de peur pour l'inspiration de cette classe parce que nous avons vraiment tendance à craindre l'inconnu ou ce qui est différent, ce qui est en dehors de la norme, et c'est une protection naturelle contre notre système. Comme notre cerveau préférera toujours les chemins sûrs et familiers que vous avez déjà traversés auparavant. Chaque fois que vous faites quelque chose de nouveau ou que vous faites quelque chose de nouveau, votre cerveau sera plus attentif au danger. Mais le chemin sûr et la routine et faire toujours les mêmes choses de la même manière est la direction opposée de la créativité. Pour stimuler notre créativité et faire évoluer nos choix créatifs et susciter vraiment de nouvelles idées et de nouvelles solutions pour n'importe quoi, pour nos arts, pour la vie, nous devons nous mettre au défi de sortir des sentiers battus. Nous devons nous mettre au défi de créer de nouvelles voies et de faire des choses, peut-être les mêmes choses que nous faisons tous les jours, mais le faire différemment. Si vous vous mettez au défi de faire les choses différemment, vous allez garder votre cerveau dans l'état qui constitue le meilleur environnement de créativité. Cela étant dit, la peur a tout à voir là-dedans. Bien souvent, si toutes nos craintes ne sont pas basées sur des scénarios imaginaires que nous créons dans nos têtes, elles ne sont souvent pas du tout liées à la réalité. En explorant l'univers surréaliste que vous avez en tête, vous pourriez rencontrer des symboles et des scénarios directement liés à vos peurs. Parfois, nous avons peur ou peur de faire les choses différemment ou peut-être de changer notre vie ou vivre quelque chose que nous avons toujours vécu d'une manière complètement différente. J'ai pensé aujourd'hui que nous pouvions saisir toutes ces peurs et transformer cela en une créature magique super cool et fantastique. Comme je l'ai dit, nous allons utiliser une influence surréaliste avec une approche moderne. Si vous pensez : « Oh, je ne veux pas regarder mes peurs en ce moment. » Ne vous inquiétez pas, c'est un espace sûr et nous allons simplement les toucher et nous inspirer, puis transformer cela en une créature super cool et amusante et, espérons-le, vous faire réaliser que vos peurs n'ont aucun pouvoir sur vous et que vous êtes dans contrôle. J'espère que vous êtes ravi de vous joindre à moi dans ce projet. Joignez-vous à moi sur la prochaine vidéo afin que nous puissions enfin commencer notre exercice d'écriture. On se voit là-bas. 4. Exercice d'écriture automatique: Quand je suis devenu artiste, l' une de mes plus grandes difficultés a été de trouver ce qu'il fallait dessiner. À un moment donné, je présenterai deux écritures automatiques pour proposer des idées et c'est là que j'ai trouvé une grande passion pour explorer les mondes imaginaires que j'ai pu créer dans mon esprit. Ce processus est devenu ma plus grande source d'inspiration pour créer de l'art et mon art a commencé à me sentir authentique et plus original. Ce cours est vraiment conçu pour vous aider à accéder vos mondes imaginaires afin que vous puissiez traduire cela dans votre art. Il s'agit d'un exercice très simple. Il vous suffit de prendre un bout de papier et un stylo et nous commencerons par rédiger une liste de nos peurs et laisser un peu d'espace entre chaque peur. Bien sûr, vous pouvez le faire avec n'importe quel autre thème que vous aimeriez, mais je nous pose un petit défi et c'est pourquoi nous choisissons les craintes. Il peut s'agir de petites choses comme la peur des araignées ou la peur des hauteurs, ou même des peurs émotionnelles comme la peur de la solitude ou la peur de perdre quelqu'un, la peur du rejet, la peur de l'échec, celles qui sont très courantes. la peur, c'est que beaucoup d'entre nous ont du mal. N'y réfléchissez pas trop. C'est juste un exercice amusant de conscience de soi pour inspirer notre illustration d'aujourd'hui. Une fois que vous avez une bonne liste de peurs, je veux que vous écriviez à côté de chaque peur, chaque mot qui vous vient à l'esprit lorsque vous pensez à cette peur. Ce que vous essayez de faire ici, c'est de trouver des éléments visuels qui pourraient faire partie de votre œuvre d'art. L'idée ici est d'exprimer vos pensées sans le contrôle de l'esprit. Pas de jugement ni de filtre, rien n'est valable. Personne ne verra cela et vous pourrez brûler ce morceau de papier plus tard. C'est juste entre vous et vous-même et voici la règle la plus importante. Cela n'a pas besoin d'avoir de sens. Soyez aussi aléatoire que possible. Commençons par travailler sur notre première peur. Visualisez votre première peur et commencez à écrire à côté de tout ce qui vous vient à l'esprit. Il peut s'agir d'un objet, d'une situation, d'une personne spécifique, d'un animal, d'une plante, d'une couleur ou d'une forme, quelque chose d'abstrait, de tout ce qui vient à l'esprit comme valable. Laissez votre esprit circuler librement et écrivez-le sans essayer de contrôler le résultat. Faites-le avec toutes les craintes de votre liste jusqu'à ce que vous ayez 5 à 10 éléments par peur. Une fois que vous avez terminé cette partie de l'exercice, regardez tout ce que vous avez mis sur papier et entourez les éléments qui vous intéressent à dessiner. N'oubliez pas que vous essayez de créer une créature surréaliste. Essayez de commencer à imaginer comment certains de ces éléments pourraient se transformer en créature. De plus, je voulais trouver un équilibre entre les choses vous aimez dessiner et les nouvelles choses qui vous posent un défi. Encerclez les objets qui vous semblent intéressants, même si vous ne savez pas comment ou pourquoi vous voulez les entourer, suffit de sélectionner certains éléments qui pourraient être intéressants dans votre illustration. Par exemple, dans mon cas, j'ai un serpent et j'adore les formes sinueuses qu'un serpent a, donc je vais l'encercler. La lune est aussi un élément cool, donc je vais aussi l'entourer. Je vais juste encercler d'autres éléments que j'aime pour une raison quelconque et ensuite, plus tard, nous essaierons de trouver une composition qui inclut certains de ces éléments. Vous avez maintenant quelques éléments à utiliser ? Je veux que vous preniez un autre bout de papier sur votre carnet de croquis afin que nous puissions commencer à esquisser des idées pour votre projet final. se voit lors de la prochaine leçon. 5. Composition et premiers jets: Dans cette leçon, nous allons enfin créer une créature avec certains des éléments que nous avons trouvés lors de notre dernier exercice. Avec un crayon à croquis, je veux que vous rédigiez quelques idées que vous avez pour votre composition. Il peut s'agir d'une créature complètement aléatoire qui ressemble à rien de ce que vous avez vu auparavant, ou vous pouvez vous inspirer de créatures que vous avez vues auparavant, comme des animaux ou des créatures que vous avez vues dans des films, par exemple. Si vous choisissez une créature qui existe déjà comme base, essayez de la rendre surréaliste en ajoutant quelque chose que vous ne pourrez voir que dans un rêve ou en rendant cet animal unique d'une manière ou d'une autre. Peut-être voulez-vous combiner deux animaux, comme une tête d'oiseau avec un corps de cheval. Je ne sais pas. Plus tard, je vais vous aider à devenir encore plus créatif sur la façon de rendre votre créature fantastique et surréaliste. Mais pour l'instant, concentrez-vous simplement sur le concept de votre dessin. La composition des gars est essentielle. Ce type fonctionne comme un storyboard pour un film. Nous allons grossièrement esquisser des idées pour voir la scène qui représente toutes les interférences que vous avez pu accueillir dans cette classe. À partir de là, il n'y a vraiment aucune règle et vous pouvez vous sentir libre de créer tout ce qui vous vient à l'esprit. Ne jugez pas vos idées et ne vous sentez pas coincé dans la création d'une créature. Vous pouvez également dessiner des objets entourant votre créature. Tout cela n'a pas besoin de faire partie de la créature elle-même. Le scénario dans lequel la créature se trouve également. Ce type est en fait censé être très rapide. Vous voulez faire un dessin très rapide sans vous soucier de sa qualité. Vous venez de trouver la forme de votre dessin, la position des choses, où elles devraient être sur papier et comment elles se rapportent les unes aux autres. Comme vous pouvez le constater, je fais plus d'un repêchage jusqu'à ce que je sois satisfait de mon idée. J'ai commencé à dessiner certaines choses qui venaient à l'esprit, mais j'avais l'impression que ce n'était toujours pas tout à fait là. Oui, si vous n'aimez pas votre première ébauche, ne vous inquiétez pas, recommencez jusqu'à ce que vous soyez satisfait de votre idée. Rappelez-vous que le surréalisme était tout au sujet du subconscient. Je trouve que plus je dessine, plus je me sens détendu, ce qui m'aide à avoir plus d'idées et à accéder à plus d'informations dans mon esprit. Cela peut vous arriver aussi. Si vous commencez à avoir de nouvelles idées à ce stade, n'hésitez pas à les dessiner. Ne soyez pas collé à l'exercice d'écriture. Tout ce qui me vient à l'esprit à ce stade est le bienvenu. Dans mon cas, j'essaie d'incorporer le serpent avec le tout sur le sol que j'ai pour mon exercice d'écriture. J'ai cette idée que la tête du serpent a de grands yeux ou plus de deux yeux, donc ça a l'air plus effrayant. Je veux aussi ajouter une petite personne seule pour avoir une meilleure idée de la taille de notre créature, car je veux qu'elle soit énorme. Si j'ajoutais un peu d'humain solitaire, cela semblera assez grand, je pense. En transformant nos blocs intérieurs, nos peurs et même nos mauvaises pensées et souvenirs en art, nous reconnaissons inconsciemment que ce ne sont que pensées et des blocs et qu'ils ne font pas partie de nous. Ce ne sont que des visiteurs temporaires et ils peuvent éventuellement s'en aller. Lorsque nous avons un problème dans nos vies, il semble généralement tellement grand que plus on s'en fuit. Lorsque nous décidons enfin d'y remédier et de l'examiner, le problème devient beaucoup plus petit. Ce que nous faisons ici dans ce cours n'est qu'une façon amusante et créative de travailler sur ces blocs subconscients. J'espère que vous vous sentirez autonomisé et détendu au fur et à mesure que vous travaillez sur ce projet aujourd'hui. Je ne suis pas encore très content de mes croquis. Si vous ne l'êtes pas non plus, c'est tout à fait très bien. J'espère que le dessin se réunira une fois que nous aurons nos références prêtes. Une fois vos premières idées prêtes, rejoignez-moi pour la prochaine leçon afin que nous puissions rassembler quelques références et commencer à dessiner notre dernière pièce. On se voit là-bas. 6. Rassembler des références: Maintenant que vous avez une idée grossière de ce que vous dessinez va ressembler. Nous allons chercher des références qui nous aideront à créer les formes, textures et éclairages appropriés pour notre créature. Dans mon cas, le corps de ma créature est inspiré par un serpent. Je vais chercher des serpents et essayer de trouver des images avec la position et les formes que je veux. N'oubliez pas que c'est vous qui décidez à quoi ressemblera votre dessin et non votre référence. C'est un excellent moyen si vous commencez à puiser dans l'imagination, car parfois nous avons besoin de références pour de petites choses ici et là, mais vous n'avez pas besoin de copier une photo de référence complète. Essayez de trouver des références qui peuvent vous aider dans ce que vous avez en tête et que vous ne trouvez peut-être pas exactement les positions que vous souhaitez. Essayez de trouver des choses similaires à vos idées d'une certaine manière. Par exemple, je ne sais pas comment dessiner la peau de serpent et je veux incorporer la peau de serpent sur mon dessin. J'essaie donc de trouver des serpents qui ont la même position sur mon idée et qui ont également la texture que je veux pour ma créature. J'aime aussi cette ambiance de dragons ou de lézards. Je pense qu'ils ont une texture très intéressante. Je vais essayer de l'incorporer quelque part dans mon dessin. C'est vraiment ainsi que vous commencez à puiser dans l'imagination. Vous pouvez mélanger différentes références pour pouvoir créer vos propres illustrations uniques. Une fois que vous aurez fini par devenir super confiant et très familier avec les sujets que vous aimez dessiner, peut-être que vous n'aurez peut-être pas besoin de références, mais si vous dessinez quelque chose qui est peut-être votre première ou deuxième fois, ou peut-être que vous l'avez fait un million de fois et vous voulez toujours que vous recherchiez une référence. Il n'y a aucun problème. Une fois que vous avez un bon nombre de références, gardez-les accessibles pour que vous puissiez y revenir chaque fois que vous êtes prêt à dessiner et que vous avez besoin de soutien. Lors de la prochaine leçon, nous allons utiliser ces références pour commencer à dessiner notre projet final. On se voit là-bas. 7. Esquisser à partir de l'imagination: Dans cette leçon, nous allons prendre des décisions concernant notre projet final. Je veux que tu prennes ton papier à dessin et que tu esquisses ta créature surréaliste en prenant ton temps cette fois. Pour commencer, je marque toujours quelques lignes de grille en premier et celles-ci dépendront de vos idées. Par exemple, mon dessin est plutôt centré sur du papier. Je veux dessiner une ligne centrale et une ligne qui marque l'endroit où se trouve le sol afin de m'assurer que mon dessin est équilibré à la fin. Vous pouvez le faire à l'œil ou utiliser une règle si vous voulez être plus précis. Comme je l'ai dit dans les leçons précédentes, si vous utilisez un crayon dur comme celui-ci et moins un quatre bords au fait, vous pourrez esquisser autant que vous le souhaitez sans trop salir votre papier. Commencez à ajouter les principaux éléments sur papier et commencez par là où vous êtes plus sûr. Si vous avez confiance en ce qui concerne une partie spécifique de votre dessin, commencez à dessiner cette pièce. Je ne sais toujours pas comment faire la tête de ma créature, alors je vais laisser ça pour des listes. N'oubliez pas d'utiliser vos références comme base si vous en avez besoin et n' hésitez pas à chercher d'autres références car vous vous rendez compte que vous en avez besoin. J'ai toujours mon ordinateur ou mon téléphone à côté de moi lorsque je dessine, car chaque fois que j'en ai besoin, je peux revenir à mes références. Une fois que vous aurez un bon croquis au crayon, vous pouvez commencer à tracer votre dessin avec un stylo à encre et j'utiliserai un stylo 01 pour cette étape car je veux une ligne très fine à ce stade, puis plus tard, nous ajouterons des textures et contraste avec l'encre avant d'ajouter de la couleur. Décrivez simplement votre dessin avec la main confiante et commencez par là où il est clair pour vous. Encore une fois, commencez par avoir confiance parce que plus vous dessinez, votre confiance grandira et ensuite vous serez en mesure attaquer aux petites parties dont vous n'êtes pas encore sûr. N'oubliez pas non plus de tracer sans ajouter de détails, vous voulez simplement avoir les formes principales sur papier. Une fois que vous avez terminé votre contour, vous êtes prêt à effacer toutes les marques de crayon que vous avez encore sur le papier. Rejoignez-moi à la prochaine leçon afin que nous puissions ajouter des textures à votre dessin avec de l'encre. 8. Motifs et textures: C'est l'une de mes étapes préférées dans n'importe quelle illustration, les textures. Avec des lignes et des points, nous sommes capables de créer une certaine sensation à un dessin. Cela vous aidera totalement à créer l'ambiance de vos œuvres d'art. Le moment est-il venu de regarder vos éléments et de réfléchir quelle texture cela a-t-il ? Est-ce collant ? Est-ce qu'un brillant ? Est-ce pointu et égratigné ? Ou peut-être qu'il est doux et lisse ? Est-il humide ou sec ? Est-ce qu'il est poilu ? Quelles sont les textures de votre créature ? Encore une fois, si vous en avez besoin, allez chercher des références pour ces textures, si vous souhaitez les représenter dans votre dessin. Puisque je veux que cette créature se sente comme un reptile en quelque sorte, je veux cette texture lézard, serpent. Avec mon crayon, je vais marquer certaines des textures que j'imagine pour cette créature. N'oubliez pas que la texture ressemble au tissu qui recouvre un élément. Avec l'encre, vous vous concentrez sur les lignes. La direction et la longueur de vos lignes montreront le mouvement de votre créature et le style de cette texture. C'est le moment de vous poser ces questions. Pourquoi est-ce que je veux que ça ressemble ? Qu'est-ce que je veux que ça ressent ? Si je touche cet animal, comment suis-je censé me sentir ? Les textures contiennent ces informations. Pour moi, puisque je n'ai pas beaucoup d'expérience dans le dessin de serpents ou de dragons, ou quoi que ce soit de ce genre. J'ai besoin d'une référence pour me guider sur la direction et dans quelle direction ces lignes devraient être. Vous pouvez à nouveau utiliser votre crayon pour marquer certaines de ces lignes afin de vous aider lorsque vous commencez à ajouter les détails des motifs au cas où vous n'êtes pas trop confidentiel pour commencer à utiliser les stylos à encre. Il s'agit là d'une partie créative du processus. n'y a pas de manuel sur la façon de réaliser chaque texture. Il faut essentiellement découvrir comment une texture peut être représentée avec des lignes et des points et utiliser les matériaux que nous utilisons aujourd'hui. Parfois, simplement en regardant une photo de référence, il est difficile d'imaginer à quoi cela ressemblerait réellement dans un dessin. Une autre façon de le faire consiste à rechercher dessins d'autres artistes et à observer comment ils le font. Avec plus d'expérience, vous serez en mesure de trouver comment dessiner une certaine texture de l'imagination. Mais il n'y a vraiment rien de mal à s'inspirer et à apprendre des autres artistes simplement en observant leur art et en voyant comment ils ont dépeint une sorte de texture que vous jugez intéressante. Si ce n'est pas encore facile pour vous, c'est tout à fait très bien. C'est vraiment difficile pour moi aussi, et il faut beaucoup d'entraînement. Encore une fois, lorsque vous êtes prêt, vous pouvez commencer à utiliser les stylos à encre pour créer ces motifs plus en détail. Je vais commencer à ajouter quelques lignes pour créer cette texture fluide sur ces nageoires que j'ai dessinées sur ma créature et je veux qu'elle ressemble aux nageoires d'un poisson betta. J'ai cherché des poissons betta en ligne pour utiliser leurs nageoires comme référence et je dois tracer les lignes dans la direction où je veux montrer le mouvement des amendes. Il a l'air fluide et ondulé comme ça. Je dessine ce motif d'écailles pour ressembler à la peau du serpent. Je suis pointu comme ça parce que ça me rappelle plutôt une créature dragon et je ne sais pas, choses pointues sont peut-être plus effrayantes, alors j'essaie de faire quelque chose d'effrayant, les gars. J'ai un peu d'insécurité pour dessiner ça, mais j'ai décidé de le faire quand même pour vous montrer qu'il est normal de ne pas être sûr que ce soit correct si nous ne savons pas à quoi ça va ressembler ou si ça va bien paraître. Cela signifie que vous vous lancez un défi et c'est ce que c'est de vivre une aventure créative. C'est un bon moyen de stimuler votre créativité et d'accéder à de nouvelles couches de votre potentiel créatif. Plus vous sortez de la boîte et dessinez de nouvelles choses de nouvelles manières, plus vous serez confiant en tant qu'artiste et plus vous serez en mesure de créer des illustrations originales et authentiques. Une fois que vous avez le contour de vos textures, rejoignez-moi dans la prochaine leçon où nous créons de la profondeur en dirigeant la lumière vers votre créature de la bonne manière. 9. Lumière et profondeur: Dans cette leçon, nous allons faire ressortir notre créature du journal en ajoutant des ombres. Pour ajouter de la profondeur, du contraste et des ombres, nous devons comprendre d'où vient la lumière. La lumière a un moyen super puissant d'envoyer un message au spectateur. Chaque illustration a sa propre histoire, et même si vous ne voulez pas qu'elle en ait une, une personne qui regarde votre œuvre d'art ressentira quelque chose ou pense à quelque chose, et c'est une histoire en soi. Même si aucun élément ne crée de lumière sur la scène que vous créez, il pourrait provenir d'un élément caché. Dans mon cas, je veux que les lumières viennent du dessous de la créature comme si elle venait de la lune. Il pourrait également avoir un sens caché que la lumière provient de l'obscurité de ce trou sur le sol, qui pourrait signifier que la lumière vient de l'inconnu. Je pense que je peux créer beaucoup de sens dans mon illustration en faisant passer la lumière sous mon petit dragon serpent. Peut-être que dans votre dessin, vous avez un élément qui pourrait créer de la lumière. Puisqu'il s'agit d'une véritable illustration, les choses n'ont pas vraiment de sens. Il y a peut-être un élément important dans votre illustration qui pourrait être la source de lumière, par exemple. Dans ce cas, vous pouvez prétendre que la lumière provient de cet élément, et cela pourrait avoir une certaine signification, ou peut-être souhaitez-vous que ces éléments soient lumineux avec beaucoup de lumière vers lui. Rappelez-vous simplement que la lumière dirige l'œil du spectateur. Où que se trouve la lumière, c'est là que nous allons voir en premier. C'est une façon de commencer à jouer avec la narration de votre illustration. C'est vraiment votre choix et il n'a pas vraiment besoin d'avoir de sens. Mais il peut être amusant d'aimer commencer à avoir ces réflexions. Qui sait, peut-être que cela évoluera en une série réelle d'illustrations ou qu'il deviendra un projet plus vaste. Quoi que vous décidiez, une fois que vous aurez choisi la direction dans laquelle la lumière frappera votre créature, commencez à marquer avec un crayon certaines de ces ombres juste pour en ressentir la sensation. Vous allez essentiellement vous demander, donc si la lumière vient d'ici et frappe ma créature ou frappe cet élément sous cet angle, où seraient les ombres ? Une fois que vous êtes prêt, commencez à ajouter de l'encre aux parties d'ombre. Cela s'améliorera au fur et à mesure que vous utiliserez votre observation. Si vous n'êtes pas sûr de créer de la lumière et des ombres à partir de votre imagination, n'hésitez pas à utiliser vos références et à copier la direction de la lumière à partir d'une photo de référence. J'ai fait beaucoup de choses au début de ma carrière de dessinateur. C'est très utile pour que vous puissiez vraiment comprendre la lumière. Dans mon cas, puisque la lumière vient d'en bas et dirigée vers le haut, les ombres vont se trouver sur la partie supérieure du corps de la créature. Commencez à ajouter de l'encre là où les ombres doivent figurer dans votre illustration et commencez là où vous avez le plus confiance. J'aime généralement commencer les ombres sur la partie la plus sombre de mon dessin parce que si je fais une erreur, c'est bon parce qu'il est censé faire sombre de toute façon, donc je peux même ajouter de l'encre pour y remédier. Je commence généralement à ajouter des ombres depuis les parties les plus sombres de mon dessin jusqu'aux plus claires. Je vais maintenant vous montrer quelques techniques différentes qui sont si polyvalentes et si utiles pour créer différentes textures dans votre dessin. Bien sûr, vous n'avez pas à les utiliser tous, mais je veux vous montrer comment utiliser vos stylos à encre sur une illustration pour montrer les différents effets que vous pouvez créer. La première technique que je vais utiliser consiste à ajouter du noir solide aux écailles du serpent comme je le fais en ce moment. Essentiellement entre chaque échelle, j'ajoute de l'encre et je reviens toujours à cette question, si la lumière vient de cet angle et frappe cette petite échelle ici, quoi ressembleraient les ombres ? Parfois, il faut lever la tête et revenir à la question parce qu'il est facile de se distraire et de commencer à ajouter des ombres là où elles ne sont pas censées être. L'ajout d'un noir solide à votre illustration vous aidera à créer une ombre très sombre dans votre dessin. Choisissez judicieusement l'endroit où vous souhaitez ajouter cela. Un conseil que j'ai pour vous, après avoir examiné vos projets et toutes les œuvres incroyables que vous créez avec mes cours, c'est de prendre vraiment votre temps dans cette étape. Je sais que ce type de dessin prend beaucoup de temps et je veux que vous le regardiez presque comme une méditation. Peut-être faut-il mettre de la musique en arrière-plan, peut-être avoir besoin d'un podcast, peut-être que vous avez besoin de quelque chose pour vous distraire. Personnellement, j'ai toujours quelque chose en arrière-plan pour me distraire pendant que je dessine, donc vous ne vous ennuyez pas ou ne vous fatiguez pas parce que si vous vous précipitez ou si vous ne ressentez tout simplement pas l'ambiance de faire ce genre de travail délicat qui prend tant de choses. et c'est tellement répétitif qu'il est vraiment facile de paraître peut-être un peu désordonné ou pas aussi précis qu'il pourrait l'être. Honnêtement, n'importe qui peut faire ce travail. Cela se résume vraiment à la patience et au souci du détail. La deuxième technique que je vais utiliser est l'éclosion. Il existe plusieurs façons d'utiliser cette technique, et je vais vous en montrer quelques-unes. Ce sont de petits détails sur le dos de mon serpent que je voulais créer une texture presque semblable aux nageoires d'un poisson. Très fluide et ondulé. Pour ce faire, je vais éclore sous des formes ondulées après le mouvement de chaque nageoire. Si vous utilisez cette technique, vous serez en mesure de créer de belles ombres comme celle-ci en passant toujours de l'ombre à la lumière. Vous commencez par votre stylo sur la partie ombre et par un mouvement rapide comme celui-ci dans la forme souhaitée, vous vous déplacez dans la direction de la lumière. Plus vous êtes à l'aise avec cette technique, plus vous pouvez jouer avec elle. Si vous souhaitez ajouter encore plus d'obscurité, ajoutez une autre couche de lignes à l'endroit où vous voulez que les ombres se trouvent. Vous pouvez également utiliser de vieux stylos si vous souhaitez créer des résultats plus lisses et plus délicats ou nouveaux stylos si vous souhaitez que les lignes soient plus claires et visibles. Plus vous pratiquerez, plus vous découvrirez votre préférence sur l'utilisation de cette technique et sur les styles que vous aimez réellement créer dans le dessin au trait. Honnêtement, en parlant de mon expérience, une fois que vous commencerez à consacrer beaucoup de temps et d'énergie à ces dessins, vous verrez une telle différence dans les résultats, comme si vous allez être motivé quand vous verrez ce que vous êtes capable de créer en vous permettant simplement de vous détendre et de prendre votre temps. Même si, je sais que nous vivons à cette époque où notre portée d'attention est pratiquement inexistante. s'agit d'un travail très manuel, et c'est beau que vous soyez ici à regarder ce cours et à vous permettre de vous connecter avec cette partie de vous qui n'est pas pressée. Cette partie de vous qui veut vraiment faire un travail bien fait manuellement, la vieille école. C'est vraiment, vraiment beau et admirable. Je suis vraiment content que vous soyez ici et je veux vraiment que vous soyez impressionnés par vous-même, impressionnés par ce que vous êtes capable de créer. C'est mon conseil pour vous. Détendez-vous, respirez profondément. Si vous commencez à vous énerver, à vous fatiguer, à vous ennuyer fermez simplement votre carnet de croquis pour aujourd'hui, il est peut-être temps de vous promener. Il est peut-être temps de prendre une collation, boire de l'eau, d'y revenir plus tard lorsque vous vous sentez prêt. Le travail par points est également un excellent moyen d'ajouter des ombres. J'utilise beaucoup cette technique. Si vous souhaitez créer une texture semblable à une texture croustillante ou plus rugueuse, vous pouvez utiliser une pointe plus épaisse comme un 03. Si vous souhaitez obtenir un résultat plus lisse, vous pouvez utiliser une ligne très fine, comme un 005. Je vais l'utiliser au fond de mon serpent et je le veux quelque part au milieu. En termes de douceur, je vais utiliser le stylo 01. Cela prend beaucoup de temps par rapport aux autres textures que je vais vous montrer. Choisissez les parties de votre dessin dans lesquelles vous souhaitez passer le plus de temps. Ce que vous allez faire, c'est placer un tas de points qui passent de l'ombre à la lumière. Là où vous voulez que les ombres soient, vous allez mettre beaucoup plus de points et disparaître avec de moins en moins de points vers la lumière. Encore une fois, cela prend du temps, mais cela crée cette ombre très douce et délicate que j'adore personnellement. Avec cette technique, je vais vous donner la même suggestion que j'ai déjà donnée. Si vous le faites trop vite, vos points vont commencer à ressembler à des coups. Ils vont commencer à ressembler à une petite ligne. Prenez votre temps, respirez profondément et faites-le lentement, si vous devez le faire lentement. Avec la pratique, vous serez en mesure d'être plus rapide et plus rapide avec un travail d'encre très précis. Vous allez obtenir de belles ombres du travail de points. Il s'agit d'une autre forme d'éclosion appelée croisement. Dans ce cas, vous voulez créer plusieurs lignes courtes dans plusieurs directions pour créer cette texture rugueuse qui, selon moi, est parfaite pour représenter le sol ou la roche qui se forme dans cette partie de mon dessin. C'est totalement différent de l'autre hachure où vous n'éclosez que sur un seul angle. Vous suivez comme une courbe, vous suivez la lumière. Dans ce cas, vous allez essentiellement en haut de chaque ligne. Retournez votre papier pour obtenir les meilleurs angles pour créer les lignes de votre main. Après un certain temps, vous obtiendrez un résultat comme celui-ci. Vous pouvez également jouer avec les ombres en ajoutant plus de lignes là où elles sont plus foncées et moins de lignes là où elles sont plus claires. Comme d'habitude, les vieux stylos auront des résultats plus lisses et plus légers et les nouveaux stylos laisseront tomber beaucoup d'encre, rendant tout un peu sombre. De plus, les lignes fines rendront votre texture plus légère que les lignes plus épaisses. Selon l'obscurité que vous souhaitez que votre dessin soit sombre, vous pouvez choisir les stylos que vous allez utiliser. Je vous suggère totalement de vous entraîner sur un petit papier latéral si vous n'êtes pas encore si confiant. C'est inacceptable. C'est officiellement un environnement de travail hostile. Une autre technique que vous pouvez utiliser est l'éclosion en lignes inclinées. C'est un peu plus abstrait, mais c'est vraiment intéressant pour moi. En gros, vous allez dessiner de courtes lignes parallèles en rangées [inaudible] C'est délicat, créer une texture et ajouter un peu de contraste par rapport à l'arrière-plan, et j'adore ça. C'est un bon motif à ajouter à des endroits où vous ne savez pas si bien comment remplir votre dessin ou quelles textures ils ont, celui-ci est un excellent choix. C'est facile, rapide et ça a l'air vraiment bien. C'est mon illustration avec des textures et des ombres. J'espère que ça vous plaira. Maintenant, joignez-vous à moi pour la prochaine leçon afin que nous puissions explorer les couleurs et les façons de rendre votre créature encore plus intéressante. On se voit là-bas. 10. Explorer les couleurs et le matériel: Passons maintenant notre illustration au niveau supérieur en y ajoutant des couleurs. Nous allons utiliser des supports mixtes afin de créer un résultat unique et magnifique. Quels que soient les matériaux que vous avez chez vous, sont les bienvenus. Marqueurs, crayons de couleur, crayons, pastels, aquarelles, tout est le bienvenu. N'hésitez pas à utiliser ce que vous pensez être une exploration créative pour vous en termes de couleurs. Pour réchauffer nos jus créatifs, prenez un morceau de papier pour tester simplement certains de vos matériaux. Je veux créer un petit échantillon de chaque couleur que vous voudrez peut-être utiliser juste pour voir ce qu'elles ressentent lorsque vous les posez sur du papier. Vous remarquerez que vous vous sentirez plus attiré par certaines couleurs que d'autres, certaines textures plus que d'autres. Peut-être que vous avez du bleu et deux matériaux différents par exemple, mais l'un d'eux est plus amusant à utiliser que l'autre. Comme par exemple, j'ai cette nuance de bleu qui est presque la même nuance de bleu dans le crayon de couleur et les marqueurs, mais c'est tellement plus amusant d'utiliser les marqueurs. Je vais probablement utiliser ça au lieu des crayons de couleur et peut-être qu'ils se complètent mutuellement. En faisant cette expérience, vous commencerez à mieux comprendre vos matériaux et à vous familiariser avec eux. Vous pouvez également essayer d'ajouter une couleur au-dessus de l'autre, il suffit de voir comment elles se transforment et se mélangent. Par exemple, j'utilise des crayons de couleur à base de cire et des aquarelles. Ces deux matériaux ne vont généralement pas trop bien ensemble, car la cire créera une couche sur le papier qui empêche le papier d'absorber correctement l'eau des aquarelles. Je sais donc déjà qu'il faut éviter de peindre avec crayons de couleur avant d'utiliser les aquarelles car je vais alors annuler le lien entre les aquarelles et mon papier aquarelle, ce qui est très important. Mais le contraire fonctionne étonnant. Si je le peins à l'aquarelle, puis quand il est sec, j'utilise les crayons de couleur dessus pour ajouter de l'ombre ou ajouter quelques détails. Cela fonctionne parfaitement, et il n'y a qu'un seul moyen de découvrir ces choses. C'est en essayant. C'est pourquoi je vous donne l'occasion en ce moment vraiment expérimenter ce que vous avez, les mettre les uns sur les autres, de les mélanger juste pour voir comment ils vont se combiner. Continuez à expérimenter vos couleurs jusqu'à ce que vous vous sentiez prêt à choisir quelques-unes d'entre elles avec lesquelles travailler. Une fois que vous avez quelques favoris, essayez d'imaginer à quel point ils seront beaux ensemble pour créer un jeu de couleurs pour votre illustration. Personnellement, j'aime vraiment les roses et j'aime le bleu et l'or. Je fais juste un petit échantillon ici en bas pour voir à quoi ils ressembleraient ensemble et vous n'avez pas à vous sentir limité par cela. C'est plutôt un point de départ pour colorier votre œuvre d'art et nous n'allons pas approfondir la théorie des couleurs ou quoi que ce soit de ce genre. J'y vais vraiment avec notre intuition ici et ce qui vous fait du bien. Une fois que vous aurez choisi certaines de vos couleurs préférées pour le projet d'aujourd'hui, rejoignez-moi dans la prochaine leçon où je vais vous apprendre comment calquer les couleurs pour obtenir l'effet souhaité dans votre illustration. On se voit là-bas. 11. Superposition des couleurs: Êtes-vous prêt à ajouter de la couleur à vos œuvres d'art ? Je sais que ce truc peut être un peu écrasant, mais nous pouvons le faire. La première chose à laquelle vous devez penser, c'est que certains matériaux couvrent l'encre noire et d'autres ne le font pas. Les crayons de couleur, par exemple, et les marqueurs, laisseront le noir de vos stylos à encre, super noirs. Mais les aquarelles peuvent couvrir un peu votre encre, plus vous ajoutez d'eau, moins elle couvrira l'encre, et plus vous avez de pigments provenant de vos aquarelles, plus elle couvrira votre encre noire. Puisque nous ne voulons pas couvrir l'encre et simplement ajouter de la couleur, nous devons être attentifs aux matériaux que nous utilisons et à la façon dont nous les utilisons. La deuxième chose à garder à l'esprit est que nous allons créer des couleurs complexes en les superposant. Cela signifie que vous pouvez utiliser beaucoup de couleurs différentes et de nombreux matériaux différents pour créer de nouvelles nuances pour votre créature. Pour commencer, choisissons un élément de votre dessin et ajoutons de la couleur à la partie ombre de celui-ci. Je vais utiliser le dos du serpent et ajouter un peu de bleu sur le côté obscur. J'y ajoute d'abord un peu d'eau pour que le bleu soit moins saturé et juste pour ajouter un peu de bleu. Maintenant, lorsque vous avez fini d'ajouter votre première couleur, choisissez un autre élément et choisissez le côté sombre ou le côté clair pour ajouter une autre couleur. J'ajoute un rose clair aux nageoires du serpent. Maintenant, pour ajouter une nouvelle couche, cette couleur orange doré aux parties claires des nageoires. Remarquez que je suis en train de suivre le mouvement des lignes que nous avons faites avec nos stylos à encre. Dans le processus de superposition des couleurs, je n'ajoute pas une couleur au-dessus de l'autre. Je choisis des parties de mon dessin en fonction des ombres que j' ai faites auparavant pour ajouter les couleurs au-dessus de chaque plan tonal. Il y aura une couleur pour l'ombre, une couleur pour la lumière, pour chaque élément, et peut-être une couleur pour un ton moyen, et lorsque vous voyez dans la nature, lorsque vous observez la vie et la lumière autour de vous, les choses changent. couleurs. Vous pouvez avoir un objet blanc sous le soleil et il y aura peut-être une teinte de rose et peut-être une teinte de vert, et cela sera basé sur les ombres et la façon dont la lumière frappe chaque objet. C'est un peu ce que nous essayons de créer avec le processus de superposition des couleurs. Maintenant, je vais ajouter une autre couche et je vais ajouter peu de bleu clair aux nageoires et au corps du serpent. Comme vous pouvez le constater, plus nous créons de couches, plus notre créature devient tridimensionnelle. J'ai essayé d'ajouter un peu de vert, ce qui était une erreur totale. Je savais depuis le début que je ne voulais pas ajouter du vert et je ne sais pas pourquoi je l'ai fait, mais parfois tu fais ça, et je déteste vraiment à quoi ça ressemble. C'est un élément important de la création d'une illustration par des gars à la main. Il y aura de petites erreurs ici et là, et il y aura des moments où vous aimeriez simplement faire différemment, mais cela fait partie du processus. Essayons de résoudre ce problème. Avec la couleur, vous pouvez généralement corriger ou tout au moins améliorer une erreur de couleur en utilisant la couleur opposée dans la roue chromatique ou une couleur juste à côté. Si vous allez dans les Ressources, j'ai attaché une roue chromatique que vous pouvez utiliser comme référence et vous pourrez annuler ou au moins masquer une couleur que vous n'aimez pas en utilisant la couleur opposée. Dans mon cas, depuis que je suis allé au haut degré, j'ai choisi d'ajouter plus de roses et de rouges juste à côté et sur le vert, j'ai ajouté un peu plus de bleu. C'est juste à côté du vert dans la roue chromatique et maintenant vous pouvez à peine le voir. Comme vous pouvez le constater, je suis encore un peu attaché à cette idée du vert. Oh mon Dieu, je suis tellement courageux en ce moment et oui, je viens d'ajouter plus de vert, mais un ton de vert différent qui, selon moi, contraste bien avec le rouge. Je ne déteste pas tellement celui-là et je vais juste le quitter. Je ne regrette rien. La fin. Permettez-moi de vous donner un autre bon conseil. Supposons que vous deviez ajouter du blanc à votre dessin. Peut-être avez-vous besoin de réparer quelque chose, ou peut-être que vous deviez ajouter des lumières ou ajouter un petit détail blanc au-dessus des couleurs sombres et, bien sûr, si vous utilisez une aquarelle blanche ou un marqueur blanc, vous ne pourrez pas ont ces résultats et un crayon de couleur blanche pourrait fonctionner, mais il peut être un peu taché. Si vous voulez un détail très précis et minuscule en blanc, vous pouvez utiliser un stylo gel blanc ou un petit pinceau rond avec de la peinture acrylique ou de la gouache ou l'encre de calligraphie, c'est ce que je vais utiliser. Ces matériaux peuvent également couvrir votre encre et votre couleur. Si vous avez besoin d'ajouter du blanc pour faire apparaître quelque chose à partir du fond sombre, vous pouvez le faire en utilisant ces matériaux. Avec l'encre de calligraphie ou le stylo gel blanc, quel que soit votre choix, vous pouvez ajouter des touches légères qui aideront votre créature à sortir du papier. Cela le rendra beaucoup plus 3D et créera une autre couche de profondeur très intéressante pour moi. Dans mon cas, par exemple, j'ajoute de la lumière sous chaque échelle. Puisque ma source lumineuse est la lune et qu'elle vient du bas, j'ajoute de la lumière à chaque petite échelle et au bas de celle-ci et comme vous pouvez le voir, les écailles commencent en quelque sorte à sortir de l'arrière-plan. Plus tard, avec le stylo à encre, je peux même ajouter le côté sombre de chaque échelle pour la faire ressortir encore plus, pour ajouter ce contraste et cette obscurité de l'autre côté de chaque échelle. Maintenant, pour le fond, je veux créer une sensation nocturne et je veux faire en sorte que le côté sombre du bas contraste avec la lune et s'estompe vers le haut. Je pense que cela va créer un bon contraste avec l'ensemble de la pièce. Notez que pendant qu'il est mouillé, vous pouvez toujours jouer avec l'endroit où la couleur reposera sur du papier, et pour que cela devienne un effet de décoloration, je vais ajouter beaucoup plus de noir au bas, puis l'arroser vers le haut. Une partie de mon journal. C'est ainsi que vous créez un effet de fondu. Maintenant, c'est mon dernier art pour vous. J'espère que ça vous a plu et j'espère que cette classe vous a mis au défi comme pour moi et que vous serez en mesure de créer des créatures fantastiques magnifiques et uniques inspirées du surréalisme. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon afin que je puisse vous montrer mes dernières réflexions et je vous remercie d'être ici. 12. Réflexions finales: Salut tous. Merci beaucoup d'avoir pris part à ce cours. J'espère que vous vous êtes amusé et que vous vous êtes détendu et que vous avez découvert de nouvelles choses sur vos mondes imaginaires. Nous devrions juste prendre un moment et apprécier à quel point nous avons de la chance. J'ai l'impression que plus nous pratiquons ce genre d'exercices qui touchent ce niveau de subconscient ou de rêve, nous apprenons vraiment à en savoir un peu plus sur nous-mêmes. Je crois vraiment que plus nous nous connaissons nous-mêmes, plus nous pouvons créer de l'art original. J'espère que c'était un grand pas dans votre parcours artistique. Si vous en avez envie, laissez-moi un avis en bas pour que je sache ce que vous pensiez de ce cours. Si vous avez des idées pour les futurs cours que vous aimeriez que j'aborde, j'aimerais bien entendre vos idées. De plus, si vous souhaitez publier votre projet sur les réseaux sociaux, vous pouvez me marquer et je m'assurerai de partager vos illustrations sur ma plateforme. Bien sûr, si vous le souhaitez, vous n'êtes pas obligé de le faire, mais vous pouvez me suivre ici sur Skillshare. Vous pouvez entendre parler de mes nouveaux cours chaque fois qu'ils arrivent et vous pouvez entendre parler cadeaux et je préfère vous envoyer des courriels et des trucs. Mais parfois, je vous enverrai un e-mail ici et là pour que vous puissiez connaître les nouveaux trucs sympas qui se passent. D'accord. Mais seulement parce que vous avez supplié. Des choses qui, je pense, vous intéresseraient. Je ne vais pas vous jeter des trucs au visage. Oui, je pense que c'est tout, les gars. C'est fini pour aujourd'hui. Comme procrastinant, je vous exhorte donc à quitter cette classe. Je ne sais pas pourquoi. Je pense que c'est à cause de craintes. C'est tellement drôle. Oh, le plus important, publiez votre projet si vous le souhaitez. Encore une fois, vous n'êtes pas obligé de le faire, mais j'adore voir les projets. Les gens adorent voir les projets. Vous allez entrer en contact avec les gens et créer une communauté. Est-ce que nous venons de devenir meilleurs amis ? Oui. C'est vraiment génial. Je commente tous les projets, je suis super. Dès que quelqu'un publie un projet, je suis tellement excité. devrais-je pas montrer mon petit ami ? Je ne pense pas qu'il y ait de problème. Je montre mon petit ami parce que je suis tellement excité de le montrer. Oh, mon Dieu. Regardez cette œuvre d'art incroyable que quelqu'un a créée avec ma classe. Chaque projet fait ma journée. Postez votre projet, faites ma journée. Je vais peut-être arrêter de parler maintenant. Au revoir. Je déteste les sourires les plus gênants à la fin. Oh, eh bien.