Trouvez votre style : comment développer votre propre esthétique de lettrage | Gia Graham | Skillshare
Menu
Recherche

Vitesse de lecture


  • 0.5x
  • 1 x (normale)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Trouvez votre style : comment développer votre propre esthétique de lettrage

teacher avatar Gia Graham, Designer, Letterer, Illustrator

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Leçons de ce cours

    • 1.

      Intro

      3:05

    • 2.

      Projet de classe

      1:30

    • 3.

      Entrée et sortie

      7:27

    • 4.

      Un voyage de style

      5:14

    • 5.

      Trois étapes vers le style

      9:39

    • 6.

      Exercice d'observation

      11:02

    • 7.

      Exercice d'exploration

      13:13

    • 8.

      Pratique cohérente

      4:26

    • 9.

      Audit du projet

      1:55

    • 10.

      Merci

      1:26

    • 11.

      Bonus ! Entretien avec Brooke Glaser

      15:40

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

2 918

apprenants

65

projets

À propos de ce cours

En tant qu'éléments de création, votre style sert d'identité artistique - c'est ce qui aide à vous définir en tant qu'artiste... mais comment développez-vous un style ?  Dans ce cours, nous allons adopter une approche très pratique, conviviale pour les débutants du développement du style.

Bien que ce cours ne vous donnera pas un style, il vous aidera à apprendre à pratiquer votre lettrage d'une manière logique et intentionnelle qui vous aidera à atteindre votre objectif qui consiste à trouver votre propre esthétique. 

La beauté d'avoir un style créatif défini est que c'est plus qu'une simple carte de visite visuelle, cela peut également vous aider à créer une marque d'art prospère où les clients vous recherchent pour votre esthétique unique.

Tout au long du cours, je travaillerai numériquement sur l'iPad Pro, en utilisant l'application Procreate, mais vous pouvez travailler sur le support de votre choix. Un iPad n'est pas nécessaire pour ce cours.

Bien que le projet soit basé sur le lettrage, ce cours n'est pas réservé qu'aux artistes du lettrage. Les principes peuvent être appliqués à n'importe quel objectif créatif, qu'il s'agisse d'illustration, de peinture ou de beaux-arts.

. . . 

Si vous débutez dans le lettrage à la main et l'illustration, ces autres cours peuvent également vous être utiles :


Lettrage à la main dans Procreate : principes de base des touches finales
en tant que guide du débutant facile à suivre pour le lettrage dans Procreate

De simples mots à un art époustouflant : combinez le lettrage à la main et l'illustration
Un guide intermédiaire pour savoir comment améliorer vos compositions de lettrage

S'amuser avec les fleurs : créer des fleurs avec de la dimension et de la personnalité dans Procreate
Un guide simple et détaillé pour dessiner des fleurs amusantes et imaginatives

 

Vous trouverez également de nombreux autres cours de lettrage et d'illustration intéressants dans la catégorie Illustration de Skillshare.

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Gia Graham

Designer, Letterer, Illustrator

Top Teacher

Hello and welcome - I'm so glad you're here!

My name is Gia and I'm a designer, hand lettering artist and illustrator. I was born and raised in Barbados but I live and work out of my sunny home studio in the southern city of Atlanta, Georgia.

My creative experience ranges from corporate design and branding to art direction, photo styling and stationery design but my current focus is licensing my artwork to product based companies.

I've picked up several handy skills, tricks and techniques along my creative journey and I'm excited to share them with you!

. . .

I can't wait to see what you create so please be sure to post your class projects and if you share them on Instagram, be sure to tag me!

Speaking of Instagram, let's conn... Voir le profil complet

Level: Beginner

Notes attribuées au cours

Les attentes sont-elles satisfaites ?
    Dépassées !
  • 0%
  • Oui
  • 0%
  • En partie
  • 0%
  • Pas vraiment
  • 0%

Pourquoi s'inscrire à Skillshare ?

Suivez des cours Skillshare Original primés

Chaque cours comprend de courtes leçons et des travaux pratiques

Votre abonnement soutient les enseignants Skillshare

Apprenez, où que vous soyez

Suivez des cours où que vous soyez avec l'application Skillshare. Suivez-les en streaming ou téléchargez-les pour les regarder dans l'avion, dans le métro ou tout autre endroit où vous aimez apprendre.

Transcription

1. Intro: En tant qu'êtres humains, nous sommes profondément motivés par notre sens de l'identité. C' est ainsi que nous nous définissons, et souvent comment les autres nous définissent. En tant que créateurs, notre style unique est notre identité artistique. C' est ce qui aide à vous définir en tant qu'artiste. En parlant d'identité, bonjour, m'appelle Gia Graham, et je suis illustratrice, artiste de lettrage à la main, et professeur de haut niveau ici sur Skillshare. Mon identité créative ou mon style créatif est ancré dans la façon dont je combine le lettrage à la main avec des illustrations florales luxuriantes et des palettes de couleurs bien conçues. La beauté d'avoir une identité créatrice définie c' est bien plus qu'une simple carte de visite visuelle. Il peut également vous aider à construire une marque d'art florissante. Une fois que j'ai développé mon propre style, ma carrière de lettrage et d'illustration a vraiment commencé à s'épanouir. Les clients et les directeurs artistiques ont commencé à me chercher parce qu'ils pensaient que mon esthétique créatrice serait parfaite pour leur projet ou leurs produits. Mes œuvres d'art sont apparues sur une variété de produits allant des cartes de vœux et des vêtements aux couvertures de livres et même des accessoires. Comme la plupart des artistes établis vous le diront, il n'y a pas de formule magique pour développer votre style, et une pratique cohérente est la clé. Mais quand vous êtes un débutant en apprenant une nouvelle compétence, il est parfois difficile de savoir comment pratiquer. En tant que débutants, nous nous tournons souvent vers d'autres artistes pour nous inspirer ou imiter ce que nous voyons, mais cela ne nous rapproche pas de notre propre parcours de style. Maintenant, cette classe ne vous donnera pas de style, mais nous allons adopter une approche très pratique et conviviale pour les débutants pour le développement du style, et je vais vous montrer comment pratiquer votre lettrage d'une manière logique et intentionnelle qui vous aidera à atteindre votre objectif de trouver votre propre esthétique. Dans la première moitié de ce cours, nous ferons le bilan de vos influences visuelles et de la façon dont vous les intériorisez. Ensuite, dans la seconde moitié de la classe, je vais vous montrer comment observer vos influences avec intention et comment explorer et pousser votre créativité, afin que vous puissiez remixer et réinterpréter ces influences plutôt que de les imiter. Bien que le projet sera basé sur le lettrage, ce cours n'est pas seulement destiné aux artistes de lettrage. Les principes peuvent être appliqués à n'importe quel accent créatif, qu' il s'agisse de l'illustration, de la peinture ou des beaux-arts. Je travaillerai numériquement sur l'iPad Pro, en utilisant l'application Procreate, mais vous pouvez travailler sur n'importe quel support que vous préférez. Un iPad n'est pas requis pour cette classe. Veuillez noter que bien qu'il s'agisse d'un cours débutant, l'accent ne sera pas mis sur la technique du lettrage. Si vous n'êtes pas familier avec le lettrage à la main ou les bases de Procreate, je recommande de commencer par mon lettrage à la main dans la classe Procreate. Maintenant, si vous êtes prêt à partir pour trouver votre style, faisons ce premier pas. Je te verrai en classe. 2. Projet de classe: Le projet de cette classe consiste à créer votre propre version de l'exemple d'illustration fourni en suivant le processus étape par étape décrit dans la classe. Si vous souhaitez approfondir votre processus de développement de style, j'ai également inclus un projet amusant sous la forme d'un Mini Drawing Challenge de cinq jours, où vous pouvez recréer cinq pièces de lettrage différentes dans votre propre style émergent. Vous pouvez travailler sur le projet bonus à votre propre rythme. Le but est de s'entraîner à ne pas atteindre la perfection. Veillez à télécharger votre œuvre dans la galerie du projet. Vous pouvez également partager vos croquis ou toutes les notes que vous souhaitez inclure. J' adore voir ton processus de pensée. Pour partager votre projet, allez dans l'onglet Projets et ressources, puis cliquez sur le bouton « Projet de classe ». Nommez votre projet et téléchargez autant d'images que vous le souhaitez en cliquant sur l'icône de l'image ici où il est dit, ajoutez plus de contenu. Vous pouvez également taper des notes ou poser des questions dans la zone du projet. N' oubliez pas de télécharger une image de couverture, car c'est ce qui apparaîtra dans la vue de la galerie. Ici, dans la section Ressources, vous pouvez télécharger tous les exemples d'illustration dont vous avez besoin pour les affectations d'exercices pratiques. Si vous avez des questions pour moi, vous pouvez les taper ici dans la zone de discussion. J' ai hâte de voir comment votre voyage de style évolue. Mais avant d'en arriver à ce point, parlons un peu de la façon dont vos influences peuvent affecter votre style. Je te verrai dans la prochaine leçon. 3. Entrée et sortie: Je tiens à répéter que le développement de votre style ne se fait pas du jour au lendemain. Tout comme il a fallu du temps pour que votre identité personnelle prenne forme, votre identité créative doit également être nourrie et développée. Avant de commencer, je veux clarifier quelques choses. Lorsque je fais référence au style dans cette classe, je fais référence à un style de signature. L' une est esthétique artistique. C' est votre expression créative unique et la façon dont vous abordez votre art. Ce n'est pas à confondre avec les styles de lettrage. Quand je parle d'un style de lettrage, je parle de l'aspect spécifique des formes de lettres que vous utilisez dans une œuvre d'art. En termes d'art, votre style de signature émerge lorsque vous faites constamment les mêmes choix dans votre travail. Cela peut se manifester dans les couleurs vers lesquelles vous gravitez, ou dans les techniques que vous utilisez à plusieurs reprises, ou dans le sujet ou le contenu qui apparaît à plusieurs reprises dans votre travail. Lisa Congdon est un excellent exemple d'artiste au style très reconnaissable. Sa palette est cohérente, incorporant presque toujours le bleu, rose, le rouge ou le noir. Son lettrage a une sensation très ludique dessinée à la main, et elle utilise souvent des formes audacieuses et simplifiées dans son travail. D' ailleurs, sur une note connexe, Lisa a écrit un livre intitulé Find Your Artistic Voice, qui vise à établir votre identité en tant qu'artiste. Je le recommande si vous souhaitez approfondir ce sujet. J' ai acheté le mien sur Amazon et je vous laisserai un lien dans la section Ressources. travail de Belinda Kou est un exemple de la corrélation entre le contenu et le style. Une grande partie du travail de Belinda se concentre autour de la nourriture et vous trouverez souvent des ingrédients volants amusants tourbillonnant autour de son lettrage. Jill De Haan est un exemple d'artiste dont le travail prend de nombreuses formes, mais sa propre esthétique unique parvient encore à briller, que ce soit ses agencements feuillus complexes ou sa façon de raconter des histoires avec des lettres détaillées. Son lettrage illustratif est facile à reconnaître comme distinctement le sien. La question séculaire est la suivante : Comment arriver au point où vous avez une identité créatrice distincte et reconnaissable ? Comment peut-on développer un style ? Croyez-le ou non, le développement de style se produit réellement bien avant mettre le crayon sur papier ou le crayon Apple sur iPad comme le cas peut être. Bien que nous n'en soyons pas toujours conscients, les informations visuelles que nous consommons ou notre apport éclairent souvent le travail que nous créons, qui est notre résultat. Tout commence par ce que nous observons ou ingérons chaque jour. Il y a un documentaire intéressant intitulé The Creative Brain sur Netflix, qui explore la créativité et le fonctionnement du cerveau. L' un des points de vue du spectacle que j'ai trouvé particulièrement intéressant est le fait que entrées du monde qui nous entoure sont constamment en collision et se remixent dans notre cerveau. En tant qu'humains, nous avons la capacité unique de prendre des idées d' un seul endroit et de les appliquer dans un contexte complètement différent. Par exemple, j'ai grandi dans un pays très coloré. Tout est vibrant à la Barbade. Non seulement les plages bleues vives ou les couchers de soleil roses et orange, mais il est très fréquent de trouver des maisons et même des bâtiments dans la ville peints dans des couleurs presque choquantes. Chaque année, notre Crop Over Festival accueille une explosion de couleurs sous forme de costumes ornés. Toute cette entrée colorée est présente dans mon cerveau depuis l'enfance. Il est tout à fait logique que mon style créatif soit si fortement influencé par et enraciné dans la couleur. Avec ces types d'influences visuelles, une autre entrée puissante est votre collection d'influences créatives. Les artistes que vous admirez, les comptes que vous suivez sur Instagram, le contenu créatif que vous regardez tous les jours. Tout cela s'infiltre dans votre esprit, se mélange et entre en collision avec ce qui est déjà là. Bien que vous ne le réalisiez pas, ces choses peuvent en quelque sorte ressurgir dans l'art que vous créez. La première étape de ce parcours de style est de faire le point sur vos entrées. Voici votre première mission. Énumérez trois influences visuelles dont vous vous souvenez de votre enfance. Avez-vous été entouré par les lignes dures d'un paysage urbain ou les formes organiques de la nature ? Avez-vous un souvenir de motifs audacieux dans votre maison ou le décor était-il plus neutre ? Avez-vous vu beaucoup de couleurs vibrantes chaque jour ou votre environnement était plus muet ? L' étape suivante consiste à répertorier trois artistes dont vous aimez le travail. Qui sont-ils ? Qu'est-ce qui vous attire dans leur travail ? Aussi, notez s'il y a quelque chose qu'ils ont tous en commun. J' ai fourni une feuille de travail pour que vous écriviez vos conclusions. Vous pouvez imprimer le fichier PDF ou télécharger et importer le fichier Procreate pour prendre des notes sur votre iPad. La dernière partie de la mission consiste à identifier d'autres compétences, passe-temps, expériences ou habitudes qui font partie intégrante de ce que vous êtes ou de votre façon de penser. Avez-vous d'autres passe-temps que l'art ? Pouvez-vous énumérer trois compétences que vous avez acquises à l'école et que vous utilisez encore ? Ou y a-t-il quelque chose que vous avez appris à votre emploi actuel ou précédent qui pourrait vous être utile ? J' ai déjà fait cet exercice et je vais partager mes notes. Pour mes influences visuelles depuis l'enfance, j'ai noté beaucoup de couleurs vibrantes comme je l'ai mentionné précédemment. La nature a été une autre influence visuelle pour moi. Il y avait toujours des plantes, des fleurs et des arbres partout. Je me souviens surtout de tous les arbres fruitiers. La sérénité de l'océan a été une autre influence, une vue sur l'océan n'a jamais été loin. Voici trois artistes dont j'aime le travail. Le premier est Caroline South. J' adore la façon dont elle joue avec la couleur et la composition. Le deuxième artiste que j'ai répertorié est Dana Tanamachi. J' aime la nature graphique de ses œuvres et sa propreté et sa précision. Le troisième artiste que j'ai choisi est Kelly Ventura. Le mouvement dans son travail est vraiment attrayant pour moi. C' est très vif et expressif. Une fois que j'ai mis leur travail côte à côte et que j'ai vraiment fait attention, je remarque que les trois artistes intègrent éléments inspirés de la nature ou de la nature dans leur travail, même si c'est de manière très différente. Quant à mes passe-temps, j'ai écrit le jardinage. Trois compétences que j'ai acquises à l'université comprennent la mise en page de conception, la façon de critiquer et la présentation visuelle. Trois compétences que j'ai acquises lors de mes emplois précédents comprennent le style photo, direction artistique, à la fois donner la direction artistique et la recevoir, et la gestion de projet. Maintenant, nous ne allons pas prendre ces réponses puis ajouter une formule spéciale, puis poof, identifier immédiatement votre style. Le but de cet exercice est simplement de sensibiliser à ces choses que vous pourriez même ne pas réaliser qui vous ont influencé. Ensuite, nous allons jeter un oeil à mon parcours de style comme un exemple de la façon dont toutes ces entrées peuvent se manifester dans son esthétique artistique. Je te verrai dans la prochaine leçon. 4. Un voyage de style: Je sais que je l'ai déjà dit, mais il faut le répéter. Le développement de style n'arrive pas du jour au lendemain. C' est un processus. Même s'il semble que quelqu'un ait trouvé son style rapidement, la vérité est ce que vous voyez est plus que probable l'aboutissement d'une construction longue et régulière. J' aimerais vous emmener dans un petit voyage dans mon cheminement de carrière comme exemple pour vous montrer à quoi ressemble cette construction stable. Ma carrière créative a commencé en design graphique. J' ai fait beaucoup de design d'entreprise comme ces brochures et matériel marketing. La plupart des données visuelles que je recevais au cours de cette période étaient axées sur la typographie et sur la façon d'organiser l'information dans la mise en page la plus attrayante. J' ai quitté le design d'entreprise pour démarrer une entreprise d'invitation de mariage et tout en étant immergé dans le monde du mariage, j'ai commencé à jouer avec des palettes de couleurs. Les blogs étaient vraiment grands à l'époque et les mariées étaient toujours à la recherche d'inspiration pour leur mariage. J' ai commencé à organiser ces tableaux de couleurs que je partageais sur mon blog et sur Pinterest chaque semaine. A cette époque, une grande partie de mon entrée était la conservation des couleurs. La première véritable itération du travail que je fais maintenant a commencé quand j'ai lancé ma collection de cartes de voeux et de papeterie en 2014. À l'époque, je ne faisais toujours pas de lettrage à la main, mais j'ai commencé à explorer mon style d'illustration florale et j'ai expérimenté l'interaction entre les fleurs et la typographie. En passant, juste pour clarifier, la typographie se réfère à l'utilisation de polices dans l'impression et la conception. Ce n'est pas la même chose que le lettrage à la main. En janvier 2018, j'ai téléchargé l'application Procreate et j'ai décidé de donner vraiment ce lettrage il y a qui m'a mis sur le chemin de mon style actuel. À l'époque, je me concentrais uniquement sur l'apprentissage et la pratique. Je ne m'attendais pas à ce que ça deviendrait. J' ai créé mon compte Instagram actuel et j'ai utilisé les défis de dessin pour me motiver. Cette première année était vraiment expérimentale. J' ai essayé un peu de tout. J' ai commencé à suivre beaucoup de comptes de lettrage et j'ai regardé le lettrage à la main tous les jours. Je consommais beaucoup de différents styles de lettrage. À la fin de l'année, j'ai fait le point sur le corps de travail que j'avais créé et j'ai noté quelles pièces j'aimais le plus, quelles pièces j'aimais créer le plus, et quels éléments restaient récurrents dans mon travail. Vers 2019, c'est quand mon style a vraiment commencé à émerger. Après mon audit artistique de fin d'année, j'ai réalisé deux choses. Je voulais faire de la couleur une partie centrale de mon travail, et j'ai vraiment aimé ajouter des illustrations florales à mon lettrage. Avec cette connaissance, je suis devenu plus intentionnel sur ce que je créais. Avec le recul, je peux voir que mes entrées stockées avaient été remixées et exprimées de ces nouvelles façons. Ces tableaux de couleurs de mariage que j'avais l'habitude de créer étaient la genèse des palettes limitées mensuelles que je créais et partageais depuis quelques années. Mon expérience de mise en page graphique est la base de la façon dont j'aborde les mises en page de lettrage maintenant. Ces entrées ont fusionné avec les nouvelles connaissances en lettrage que j'acquérais et les différents styles de lettrage que j'observais et cela a suscité ma propre créativité. Avec une pratique constante, mon style a rapidement commencé à prendre forme. Je pense également qu'il est important de noter que vous ne créez pas votre style en prenant toutes vos inspirations et en copiant des morceaux de chacun. Un style devient unique pour vous lorsque vous êtes en mesure de remixer et réinterpréter vos entrées en fonction de vos propres perspectives et expériences. Par exemple, dans la dernière leçon, j'ai énuméré trois artistes dont j'aime et regarde souvent le travail. Ils sont une grande source d'entrée visuelle pour moi. Cependant, mon travail ne ressemble à aucun des leurs. Voici comment je pense que mes entrées ont été réinterprétées. J' ai dit que j'aime vraiment le mouvement et l'énergie dans le travail de Kelly Ventura. Je pense que cela apparaît dans mon travail parce que j'ai tendance à ajouter beaucoup de mouvement à mes illustrations florales. Je le fais d'une manière différente. Dans le travail de Caroline South, il y a une nouvelle approche moderne de la façon dont elle utilise les couleurs pastel. J' ai tendance à utiliser des pastels dans des combinaisons légèrement inattendues aussi. Le graphiste en moi aime vraiment la structure du travail de Dana Tanamachi. Bien que mon travail ait tendance à être plus lâche et fluide, je me retrouve à graviter de temps en temps vers des mises en page plus structurées et symétriques. Comme vous pouvez le voir, il n'y a jamais de comparaison individuelle. Mon travail peut être influencé par d'autres artistes tout en étant unique à moi. Maintenant, revenons à nous concentrer sur vous. Après la dernière affectation, vous êtes maintenant au courant de certaines de vos entrées. Ceux-ci peuvent ou non entrer en jeu au fur et à mesure que votre style émerge, mais il est bon d'être conscient des raisons pour lesquelles vous pourriez faire certains choix stylistiques. Maintenant, qu'en est-il de la partie pratique du développement de votre style ? Nous allons nous concentrer sur ça dans la prochaine leçon. 5. Trois étapes vers le style: Le remixage et la réinterprétation des entrées dont nous avons parlé dans la dernière leçon se produisent généralement inconsciemment. J' ai une formation en école d'art et de nombreuses années d'expérience en design à tirer de ce qui aide le processus à se produire un peu plus intuitivement pour moi. Mais même si vous êtes un débutant, vous pouvez absolument le faire. Mon objectif est de diviser ce processus intuitif en étapes exploitables que vous pouvez utiliser pour aider à former votre esprit créatif. La vraie magie se produit lorsque vous pratiquez régulièrement votre lettrage. Mais la façon dont vous pratiquez peut faire toute la différence. Il y a des choses que vous pouvez faire pour vous aider à pratiquer intentionnellement. J' appelle ces trois étapes de style : observation, exploration et cohérence. D' abord, parlons de l'observation. J' ai abordé cela brièvement dans la leçon 18 de mon lettrage à la main dans la classe Procreate, et je pense que cela vaut la peine d'être discuté plus loin ici. Afin de profiter pleinement de toutes les influences visuelles que vous prenez constamment, il est important d'observer avec intention. Zombie défiler à travers Instagram ne fait pas tout à fait le travail. Comme je l'ai dit dans mon cours de lettrage à la main, il est important d'observer avec des yeux attentifs. Disons que vous faites défiler sur Instagram et que vous regardez beaucoup d'art incroyable. Vous tombez sur un morceau lettré à la main qui vous inspire vraiment et vous êtes complètement amoureux du style de cette personne. Vous avez déjà aimé le post et lui a donné plusieurs emojis de cœur. C' est là que je pense que beaucoup de débutants trébuchent. Ce qui arrive souvent, c'est qu'un débutant voit une œuvre d'art qu'il aime, et plutôt que de faire l'observation profonde nécessaire pour comprendre pourquoi il aime l'œuvre, il veut immédiatement reproduire le look. Ils vont directement de l'entrée à la sortie sans remixage, ce qui entraîne simplement la copie du style de quelqu'un d'autre, plutôt que de prendre des mesures pour découvrir le leur. Très souvent, je suis tagué sur Instagram post où quelqu'un a créé un morceau de lettrage mais a copié une mise en page exacte de la mienne ou les fleurs exactes que j'ai utilisées. Il y aura souvent un doux savoir dans la légende disant comment ils ont été inspirés par mon travail. Le fait est que ce n'est pas tout à fait l'inspiration, c'est de l'imitation. Bien que cela puisse être frustrant pour moi en tant qu'artiste, je comprends que c'est une chose très normale et attendue pour les débutants. Aristote a écrit : « L'être humain est la créature la plus imitative du monde. Apprend d'abord par imitation. » C' est quelque chose que nous faisons tous depuis l'enfance et que nous continuons à faire bien dans notre vie adulte, surtout lorsque nous apprenons une nouvelle compétence. Lorsque vous donnez des conseils à des débutants, la plupart des artistes diront que vous ne devriez recueillir inspiration que d'artistes en dehors de votre médium. Ou que vous ne devriez jamais regarder le travail d' un autre artiste de lettrage lorsque vous essayez de créer votre propre œuvre. Je suis sûr d'avoir donné ce conseil par le passé. Mais ce que j'ai réalisé, c'est que la plupart des débutants ne peuvent pas se rapporter à ces conseils, surtout s'ils n'ont pas été à l'école d'art. Il est très difficile de savoir comment remélanger intuitivement et inventivement l'inspiration si vous n'avez pas eu la formation nécessaire pour le faire. Le fait est que la plupart des nouveaux artistes font défiler Instagram quotidiennement en essayant d'apprendre en imitant ceux qu'ils admirent. Le défi est de remodeler la façon dont vous imitez. Imitation avec intégrité et intention peut être un excellent moyen d'ajouter de nouvelles informations à votre coffre-fort créatif, que vous pouvez inconsciemment tirer et réinterpréter lorsque vous développez votre style. Copier avec intégrité signifie que vous le faites uniquement pour votre pratique personnelle. Il n'est jamais correct de copier le travail de quelqu'un d'autre, puis de le publier comme le vôtre. C' est du vol d'art, simple et simple. Il y a l'idée de flotter là-bas que si vous changez quelques choses dans votre version copiée, peut-être les mots ou les couleurs, alors c'est bon. La vérité, c'est que ce n'est pas bon. N' oubliez pas que tous les artistes reconnus qui vous inspirent ont fait le travail acharné nécessaire pour développer leur style individuel. Quand quelqu'un copie son travail ou ses éléments de son travail, c'est blessant pour l'artiste que vous admirez tant et c'est blessant pour sa marque. Lorsque vous copiez avec intention, cela signifie que vous êtes conscient de ce que vous faites et comment vous le faites. Le but est de disséquer le travail que vous imitez, essayer de comprendre ce qui vous inspire ? Qu' est-ce qui résonne avec vous ? Comment se fait-il et quels choix précis ont été faits ? Lorsque vous copiez de cette manière consciente, vous êtes imprégné de beaucoup plus de connaissances que vous ne le réalisez. Ces entrées commencent à rebondir dans votre cerveau, prêt pour le remixage. Plus tard dans la classe, nous allons creuser un exercice pratique sur la façon de copier avec intention. Restez à l'écoute pour ça. Il y a une troisième partie du processus d'observation, et c'est l'auto-observation, où vous observerez votre propre travail. Dans la dernière leçon, j'ai mentionné que j'avais fait une vérification de fin d'exercice après ma première année de pratique du lettrage. Je pense qu'il est important de prendre du recul et de faire le bilan du travail que vous créez et de prendre note des thèmes récurrents , des sujets, des couleurs, etc. Prendre un moment pour réfléchir de cette façon vous aide également à voir les progrès que vous faites, ce qui, bien sûr, peut être un grand facteur de motivation pour continuer à avancer. fréquence à laquelle vous effectuez cet audit artistique dépendra de la fréquence à laquelle vous pratiquez et de la quantité d'art que vous réalisez. Mais je suggère de le faire au moins une fois tous les deux ou trois mois. Maintenant, sur la deuxième étape vers le style, qui est l'exploration. Vous avez trouvé ce morceau d'art de lettrage qui vous inspire vraiment. Vous avez fait votre observation attentive et vous comprenez clairement pourquoi vous aimez l'œuvre. Maintenant, vous pouvez penser à comment utiliser cette entrée pour pousser les choses plus loin. Pour pousser les choses plus loin, vous devez explorer. Prenez les principales caractéristiques que vous avez observées à partir de cette œuvre d'art inspirante et essayez de nouvelles façons de les aborder. Essayez le style de lettrage avec lequel vous vous sentez plus à l'aise. Essayez différentes embellissements sur le lettrage. Retravaillez la mise en page, ou incorporez des éléments que vous aimez, comme vos couleurs préférées, une floraison que vous aimez vraiment utiliser, et ainsi de suite. Poussez au-delà de votre zone de confort et essayez de nouvelles choses. N' ayez pas peur de l'échec. Même si le résultat n'est pas bon ou pas ce que vous espériez, il y a toujours quelque chose de nouveau à découvrir sur nous-mêmes en tant que créatifs si nous nous donnons la permission d'explorer. N' oubliez pas que chaque pièce que vous créez n'a pas besoin d'être publiée sur les réseaux sociaux. Enlevez la pression pour créer quelque chose digne de l'approbation des gens. La dernière et la plus importante étape vers le style est la cohérence. n'y a pas de contournement et il n'y a pas de raccourcis. Une pratique cohérente est le seul moyen de développer un style de signature. Maintenant, combien vous pratiquez sera différent pour chaque personne. pratique quotidienne peut ne pas être possible pour tout le monde, mais je vous recommande de pratiquer votre lettrage au moins trois à quatre jours par semaine. Il est préférable de construire une structure autour de votre pratique pour vous aider à rester motivé. Cela peut prendre la forme d'un projet que vous créez vous-même, ou vous pouvez participer à un défi en ligne. Par exemple, une fois par an, le compte Instagram, 36 jours de type, lance un défi d'un mois pour lettrer l'alphabet. Bien sûr, vous pouvez également créer votre propre projet. Belinda Kou, que j'ai mentionné plus tôt dans la classe, l' a fait plusieurs fois. Avec sa série Hungrily Ever After, elle a créé 18 pochettes de livres gravées à la main et illustrées qui étaient inspirées de la nourriture sur des contes de fées classiques. Avant cela, Belinda a créé une série intitulée What's Not Cooking, où elle a créé 15 pièces sur un thème central. Lauren Hom a lancé sa carrière de lettrage tout en dévoilant son style en créant son projet quotidien de malhonnêteté, qui documentait les petits mensonges blancs qu'elle se disait chaque jour. Ohn Mar Win n'est pas une artiste de lettrage, mais elle est un excellent exemple de quelqu'un qui participe régulièrement à des défis de 100 jours qui l'ont aidée à maîtriser son style. Ohn Mar est également une enseignante de premier plan sur Skillshare, et elle a un cours sur la pratique artistique quotidienne, qui a des idées utiles sur l'état d'esprit et l'approche de la pratique cohérente. Si trouver votre style est une priorité pour vous, vous devrez prendre le temps de vous entraîner. Aussi, gardez à l'esprit que la pratique ne devrait pas ressembler à un fardeau. Oui, nous avons ces jours où nous n'avons pas envie de faire quoi que ce soit. Mais si le lettrage est quelque chose qui vous passionne vraiment, pratique devrait se sentir plus comme une indulgence plutôt qu'une corvée. Pour résumer, les trois étapes du style sont l'observation, l'exploration et la cohérence. Observez le travail des autres avec intention et intégrité. Poussez votre créativité en explorant et en essayant de nouvelles choses, et pratiquez-vous de manière cohérente pour que votre style prenne forme. Ensuite, on arrive enfin à dessiner. Nous allons commencer à mettre en pratique toutes ces choses dont nous avons parlé, en commençant par un exercice d'observation. Je te verrai dans la prochaine leçon. 6. Exercice d'observation: Commençons. Je vais vous expliquer comment j' aborde la pratique d'observation que j'ai décrite dans la dernière leçon. Pour rappel, l'objectif est d'observer avec des yeux attentifs, copier avec intégrité et de copier avec intention. Ma source d'inspiration est cette pièce Chill Out, créée par une de mes amies lettrantes, Jane Wongjirad, mieux connue sous le nom de cottonwood312 sur Instagram. Née en Thaïlande et basée à Chicago, Jane est graphiste de jour en jour et aime expérimenter le lettrage après les heures de travail. Elle est vraiment douée avec le lettrage de script et les floraisons délicates. Cela combiné avec les riches couleurs sombres qu'elle utilise souvent, ajoute une véritable élégance à son travail, que j'aime. Quand j'ai vu cette pièce pour la première fois, ce qui m'a immédiatement attiré, c'est le sentiment calme et détendu qu'elle a donné, qui fonctionne bien sûr parfaitement avec l'expression « chill out ». J' aime le mélange du rose doux avec les couleurs fortes à la terre. Le lettrage du script est précis mais se sent toujours détendu et presque balayé par le vent avec l'ajout de la ligne de chute subtile. J' ai également remarqué que Jane utilisait un style texturé lâche pour encrerer les feuilles et les fleurs, ce qui ajoute à l'ambiance détendue de la pièce, et la façon dont elle a superposé les fleurs avec les grandes fleurs à l'avant et les petites fleurs en arrière-plan aide vraiment à créer de la dimension et vous attire dans la pièce. Jane m'a donné une autorisation spéciale pour recréer ses œuvres pour ce cours, et je n'ai pas l'intention de réafficher la copie que je crée sur n'importe quelle plateforme, en ligne ou autrement. Cette partie de l'exercice est uniquement destinée à la pratique personnelle. Ne vous inquiétez pas, à la fin de cette leçon, je vous fournirai des illustrations pour votre pratique d'observation. S' il vous plaît, n'imitez pas l'œuvre de Jane sans permission. Maintenant, je vais essayer de recréer cette pièce intentionnellement, essayant de comprendre comment elle a été faite et quels choix ont été faits. La première chose que je remarque est que le lettrage rebondit, ce n'est pas sur une ligne droite. Il y a aussi cette grande interaction ici où le mot Out se glisse dans l'espace laissé par la courbe de Chill. Le lettrage de script n'est pas vraiment facile pour moi, donc je vais devoir me concentrer sur les formes et comprendre comment ces lettres sont structurées. Comme d'habitude, je vais commencer par un esquisse de squelette rugueux juste pour que je puisse trouver le placement. J' ai le lettrage, donc maintenant c'est l'heure des fleurs. Ces deux tiges courbent légèrement vers l'intérieur, créant presque un cadre autour du lettrage, donc je vais commencer par les positionner, puis je vais juste remplir à partir de là. Mon croquis semble juste, donc maintenant c'est l'heure de l'encrage. La première chose que je vais faire est juste agrandir ma fenêtre de référence ici et utiliser l'outil pipette pour sélectionner les couleurs dans la pièce afin que je puisse faire la palette. Laissez-moi éteindre mon croquis, et commencer à tirer des couleurs. J' ai créé une nouvelle palette et enregistré toutes ces couleurs pour une référence facile. Maintenant, je peux commencer à écrire, donc je vais réduire l'opacité ici, commencer un nouveau calque. J' ai remarqué que l'encre sur le lettrage ici est vraiment nette et propre. Je vais utiliser le pinceau monoline, et ce lettrage est en brun, donc je vais choisir ça. Donc, le lettrage de Jane comprenait également un détail en ligne et une ligne de dépôt vraiment subtile, donc je vais les ajouter ensuite. Maintenant, contrairement au lettrage qui était agréable et croustillant, l'encrage pour les fleurs est très lâche. Il a beaucoup de texture à elle. C' est comme une texture d'encre sèche, donc je pense que je vais utiliser un pinceau de cet ensemble de textures sèches, et j'ajouterai un lien dans la section des ressources pour l'endroit où j'ai acheté cet ensemble de pinceaux. La brosse sèche épaisse devrait bien fonctionner ici, donc je vais choisir ce bleu foncé, qui est ce que Jane a utilisé pour toutes les feuilles et les tiges, et je vais juste garder ce beau et lâche parce que toutes les imperfections vraiment ajouter à la texture. Je ne sais pas à quel point vous pouvez le voir à l'écran, mais il est là, lignes bleues légèrement plus claires et des détails dans chaque feuille. Donc je vais l'ajouter maintenant. Pour les fleurs, je pense que la meilleure façon de l'aborder est de construire des couches de texture. Donc, je vais commencer par un gros trait lâche pour les pétales et ensuite partir de là, et puis il y a aussi ces petits points jaunes minuscules dans la pièce de Jane. Donc je vais les ajouter à chacune des fleurs aussi. Maintenant, une chose que j'ai remarqué lors de mon observation attentive que je n'ai pas remarqué quand j'ai regardé cette pièce pour la première fois, étaient ces feuilles ton sur ton en arrière-plan. Ils sont subtils, mais ils ajoutent vraiment à la profondeur de la pièce. Donc, je vais les ajouter et finir tous les détails restants. Voici le résultat. Ce n'est pas une réplique parfaite, mais je crois que j'ai réussi à capturer l'essence de la pièce de Jane. Qu' est-ce que j'ai appris de cet exercice ? Eh bien, je n'ai jamais essayé ce style particulier de lettrage de script avant, donc recréer cela m'a aidé à comprendre comment les lettres étaient structurées. L' utilisation d'une ligne de dépôt comme Jane l'a fait est un excellent moyen d'ajouter un mouvement subtil au lettrage, et c'est la technique que je garderai à l'esprit pour les projets futurs. Le ton sur ton laisse en arrière-plan est une autre technique que je n'ai jamais pensé. C' est un outil que je pourrais potentiellement implémenter sur une autre pièce d'une manière légèrement différente. Maintenant, voici votre mission. J' ai dessiné cette pièce pour que tu le recrées. Si vous travaillez numériquement, le fichier JPEG est disponible dans la section Ressources que vous pouvez télécharger et importer dans Procreate. Tout comme je l'ai démontré dans cette leçon, pratiquez l'observation avec des yeux attentifs, énumère les choses que vous remarquez et les choses que vous aimez à propos de la pièce, puis copiez la pièce avec intention, prêtant attention à la les détails et les choix faits. Aussi, n'oubliez pas de copier avec intégrité, s'il vous plaît ne pas partager votre version copiée en ligne comme s'il s'agissait de votre propre œuvre d'art. Cet exercice est strictement pour votre pratique personnelle dans cette classe. Une fois que vous aurez plus d'expérience, cette étape d'imitation ne sera pas nécessaire. Plus vous pratiquez, plus ce processus deviendra fluide et intuitif. Mais pour l'instant, c'est un excellent moyen de construire le muscle d'observation, surtout si vous êtes un débutant. Ensuite, on va pousser ça plus loin. Je vais explorer des façons de réinterpréter l'ambiance et les détails de la pièce de Jane, et je vous donnerai une mission pour que vous fassiez la même chose avec ma pièce. Je te verrai dans la prochaine leçon. 7. Exercice d'exploration: La mission d'observation de la dernière leçon consistait à regarder vers l'extérieur, examiner les choix créatifs de quelqu'un d'autre. Maintenant que nous avons pris tous ces détails, il est temps de regarder vers l'intérieur, commencer à explorer et d'essayer de tirer de votre propre coffre-fort créatif. Le but est d'apporter des parties de vous-même dans le travail. Commencez par revoir les notes que vous avez faites au cours des deux dernières affectations. Ce sont les faits saillants que j'ai tirés de mes notes d'entrée visuelles. Les entrées que je reconnais et auxquelles je me connecte sont la couleur, la nature, la sérénité, la propreté, la précision, le travail graphique et le mouvement. Voici ce que j'ai mis en évidence dans mes notes d'observation lorsque j'ai étudié la pièce de Jane, le style lettrage était détendu, mais toujours croustillant et raffiné. J' ai également noté cette texture et cette dimension. Mon objectif est de réinterpréter cette pièce, en gardant ces choses à l'esprit, je veux garder l'ambiance détendue mais raffinée, la texture et la dimension de la pièce de Jane. Mais je veux intégrer les choses qui me résonnent, comme la couleur, le mouvement et la qualité graphique précise. L' endroit le plus logique pour commencer est avec le lettrage. Je ne veux pas utiliser exactement le même style de script, mais je veux garder le même sentiment décontracté et détendu. Je vais essayer le style de lettrage en majuscules frisonné. Au fait, ce pinceau large avec lequel je croquis est le pinceau à crayon bloc de Cynlop Ink. Cynthia a eu la gentillesse d'offrir à mes étudiants un code promo pour sa boutique, donc je vais laisser le lien et le code dans la section des ressources pour vous. J' aime vraiment la façon dont le mot est caché dans cette courbe créée par chill, et la façon dont la barre transversale du T s'intègre parfaitement dans ce petit coin. J' essaie d'apporter ce même sentiment dans ce lettrage. J' ai donc mis un L dans la forme de l'autre. Cette petite courbe que le L fait ici semblait être un endroit idéal pour la barre transversale de ce T. Je pense en fait que je peux aussi faire ce O sentir comme il est caché dans cet espace un peu plus trop. Maintenant, comme nous l'avons vu dans la dernière leçon, il y a une belle ligne de goutte subtile utilisée dans ce lettrage. Je ne vais pas faire de ligne de dépôt, mais je pense que je vais utiliser une ombre portée à la place. Maintenant, pour les fleurs, j'aime beaucoup de mouvement dans mes fleurs, donc plutôt que de les ancrer au fond de la toile, je pense que je vais les avoir autour du lettrage. Je vais garder les feuilles grandes comme Jane l'a fait, mais je vais utiliser des formes qui viennent plus naturellement pour moi. Ce sera une autre façon de séparer mon travail du sien. Dans la dernière leçon, nous avons parlé de la façon dont les feuilles ici sont superposées pour donner plus de dimension à la pièce, je vais ajouter une petite dimension en faisant en sorte que certaines de mes feuilles chevauchent le lettrage. Bien sûr, je ne veux pas affecter la lisibilité, donc je vais juste les faire couvrir petites parties des lettres pour qu'on puisse toujours tout lire. Je suis content de la mise en page et j'ai l'impression qu'elle a l'air assez différente de la pièce de Jane. Je vais fermer cette référence et maintenant je peux passer à la couleur. Dans sa pièce, Jane a combiné ces tons vraiment doux avec des couleurs profondément ancrées. J' ai tendance à combiner des tons doux avec des couleurs plus saturées, donc je vais changer un peu cette palette à quelque chose qui me ressemble un peu plus. Je vais certainement garder ce rose et ce corail, mais je veux éclaircir légèrement ce bleu. Je veux aussi garder une couleur lavande, mais je voulais être un peu plus léger et peut-être même un peu plus rose dedans, et je pense vraiment que je veux ajouter une belle couleur prune aussi bien. Pour une autre touche de couleur, je pense que je vais égayer ce rouge profond. J' ai ajusté toutes les couleurs que je voulais ajuster et j'ai ajouté quelques options supplémentaires pour l'ombrage et les reflets, etc. Maintenant que mes couleurs sont toutes réglées, je peux commencer à écrire. En passant, si la sélection des couleurs est un défi pour vous, j'ai quelques ressources utiles. Pour une solution rapide, vous pouvez vous inscrire à mon bulletin d'information électronique une fois par mois pour avoir accès à mes archives de palettes, j'inclurai un lien dans les ressources, ou vous pouvez suivre mon cours de palettes de couleurs pour apprendre à créer vos propres palettes. Si vous avez déjà regardé mes vidéos time-lapse sur Instagram, vous saurez que j'encris habituellement en noir d'abord, c'est juste une préférence personnelle. Si vous le souhaitez, vous pouvez consulter ma classe de Encore en direct sur l'illustration d'une note de remerciement pour une explication de la façon dont j'aborde l'encrage de cette façon. Maintenant, je ne veux pas utiliser les mêmes embellissements que Jane a fait plutôt que de faire une ligne, je pense que je vais décrire chacune de ces lettres. Je pense que cela ajoutera un sentiment poli similaire à ces formes de lettres détendues. Je viens de faire un masque de coupure sur les lettres violettes. De cette façon, je peux simplement entrer et créer les contours sans me soucier de rester dans la forme. Maintenant, pour les feuilles et les fleurs, plutôt que de commencer avec un pinceau très texturé comme je l'ai fait dans l'exercice d'observation ; je vais commencer par des formes plus propres et ensuite ajouter de la texture. J' aime ajouter un peu d'ombrage subtil dans mes feuilles, donc je vais utiliser mon pinceau gouache shader ici. Je vais laisser un lien dans la section des ressources pour où j'ai eu ce pinceau. Voici le résultat final. Comme vous pouvez le voir, bien que ma dernière pièce ait été fortement inspirée par le travail de Jane, les deux ne se ressemblent pas. Après la mission d'observation et la pratique de l'imitation, vous devriez maintenant être très familier avec cette œuvre d'art. Maintenant, il est temps de vous étirer et de voir comment vous pouvez réinterpréter ma pièce. Pour être clair, l'objectif n'est pas de copier ma pièce, changer un ou deux détails, puis de l'appeler le vôtre ; essayez de pousser plus loin, de modifier la mise en page, de changer le style des formes de lettres ou d'essayer quelque chose de différent avec les fleurs. Le but est d'expérimenter et d'y apporter plus de vous-même. Si vous êtes nouveau à dessiner des fleurs, regardez mon plaisir avec la classe florale, où je décompose le processus et vous montre comment vous pouvez créer vos propres fleurs imaginatives ou vous pouvez remplacer les fleurs par quelque chose que vous vous sentez dessin plus confortable. Rappelez-vous, bien que mon œuvre soit l'inspiration, votre pièce finie ne devrait pas ressembler à la mienne. J' ai demandé à deux de mes amis de lettrage de se joindre à nous dans cet exercice, donc ils ont aussi dessiné cette pièce dans leur propre style. Jane et moi avons échangé des places, et cette fois, elle a réinterprété mes œuvres et l'a fait sienne. Comme vous pouvez le voir, nous avons tous deux incorporé des fleurs et des palettes similaires, mais l'œuvre est tout à fait différente. La compétence de Jane avec le lettrage de script brille vraiment ici. J' ai adoré la façon dont elle a dessiné les mots, Self Love. Il y avait un lien entre le S et le L dans ma pièce. Jane a réinterprété cette connexion en créant cette magnifique ligature entre ses S et L, plutôt que de voir les lettres se chevaucher comme je l'ai fait. Alors que ma pièce crée une forme carrée, Jane a opté pour une disposition plus circulaire. Cette œuvre représente clairement le beau style de Jane. Maintenant, voici une autre comparaison de style. Cynthia Lopez est une autre de mes amies lettrantes. J' ai mentionné ses pinceaux Procreate personnalisés plus tôt dans la leçon. Il y a une qualité facile et sans effort dans le travail de Cynthia. Elle intègre souvent de grandes fleurs audacieuses avec son lettrage, qui se démarquent sur les milieux sombres qu'elle utilise souvent. Une autre carte de visite du travail de Cynthia est la façon dont elle joue avec la texture. Dans la version de Cynthia de la pièce Self Love Club, elle a utilisé sa palette sombre et son style de script décontracté. Elle a décidé de changer le format de carré à vertical et elle a incorporé beaucoup de cette texture délicieuse qu'elle est connue pour elle. C' est le style de Cynthia à 100 %. Comme vous pouvez le voir, il y a plusieurs façons de réinterpréter l'œuvre. N' oubliez pas de puiser dans vos entrées et d'essayer de remélanger vos influences pour trouver quelque chose qui vous représente. Ensuite, nous allons examiner quelques façons de créer une structure autour de votre pratique, y compris un projet de bonus amusant. Je te verrai dans la prochaine leçon. 8. Pratique cohérente: Maintenant que vous avez travaillé sur quelques morceaux et que vous avez un peu d'entraînement sous votre ceinture, continuons à prendre de l'élan. La pratique cohérente est là où les progrès commencent vraiment à se produire. Pour vous aider à construire une structure autour de votre pratique, j'ai mis en place une mission bonus pour vous sous la forme d'un mini défi de dessin de cinq jours. Voici comment ça marche. J' ai créé cinq lettrages pour vous inspirer. Votre mission est de réinterpréter chaque pièce dans votre propre style émergent. Comme l'expression du projet principal de classe était le club d'amour personnel, nous continuons ce thème d'autosoins, de sorte que, comme vous pouvez le voir, chaque phrase est liée à l'autosoin d'une façon ou d'une autre. Vous remarquerez également que la complexité de l'œuvre change avec chaque jour du défi. La première pièce est assez simple avec un seul mot et une mise en page minimale, tandis que la cinquième pièce est plus détaillée, ne soyez pas intimidée. C' est parfait si vous arrivez à la cinquième pièce et que vous ne vous sentez toujours pas assez confiant pour aborder une mise en page plus complexe. Simplifiez-le, faites-le fonctionner pour vous. Après tout, le but ici est de puiser dans votre esthétique personnelle. Bien que j'appelle ça un défi de cinq jours, il n'y a vraiment pas de limite de temps. Que ce soit cinq jours ou cinq semaines pour relever le défi, il suffit d'aller à votre rythme. Le but est simplement d'être cohérent et d'avoir une collection de cinq pièces terminées d'ici la fin du projet. Vous trouverez les instructions et les illustrations d'inspiration pour ce défi bonus dans le guide PDF de classe, que vous pouvez télécharger dans la section ressources. Il y a deux façons d'aborder ce défi. Vous pouvez utiliser des invites visuelles ou des invites de mots. L' approche visuelle est essentiellement ce que nous avons fait tout au long de la classe. Tout comme ce que Jane et Cynthia ont fait, vous utiliseriez mon œuvre comme inspiration, mais vous allez explorer et essayer de nouveaux thèmes pour que votre pièce ne soit pas simplement une réplique de ce que j'ai créé. Bien sûr, si c'est utile, vous êtes invités à commencer par les exercices d'observation et d'imitation, tant que vous imitez avec intention et intégrité comme nous l'avons dit. Mais ne vous arrêtez pas là, poussez plus loin et essayez de réinterpréter l'œuvre. Si vous avez un peu plus d'expérience avec le lettrage et que vous êtes plus aise avec le processus de remixage des idées, vous pouvez mettre de côté mes exemples et simplement utiliser la liste des invites de mots pour guider votre pratique. J' ai en fait inclus quelques phrases supplémentaires au cas où vous voudriez prolonger le projet au-delà des cinq jours. Avec l'approche par mot, lisez chaque phrase et voyez quelles images ou concepts elle évoque pour vous. Vous avez une totale liberté avec cette approche. Encore une fois, j'ai compté sur mes amis en lettres pour vous donner quelques exemples. Comme vous pouvez le voir, ils ont tous adopté approches conceptuelles complètement différentes à la même phrase. Le style Sonia est simple et graphique, et elle incorpore généralement illustrations de personnages doux pour aider à relayer le message qu'elle écrit. Fidèle à la forme, Sonia a adopté une approche très imaginative et graphique de l'invite. Elle a incorporé les mots « amour de soi » dans un cœur, et les lettres révèlent une image d'un de ses personnages de signature. C' est presque comme si le personnage regardait à travers une fenêtre d'amour de soi. Maintenant, le style Roselly est audacieux, coloré et fluide. Elle est vraiment douée pour combiner l'illustration lettrage d'une manière qui vous attire dans la composition. Dans sa pièce, les tiges des fleurs créent une forme de cœur et se transforment en mains berçant un cœur. Encore une fois, le mot qui vient à l'esprit est fluide à cause de la façon dont tous les éléments coulent si magnifiquement ensemble. C' est le travail de Kevin Adams. Son style signature comprend un lettrage audacieux, tridimensionnel et très détaillé avec un peu de pop art rétro. interprétation de Kevin de la phrase est exactement ce que j'ai appris à connaître et à aimer de son style. Il est graphique, audacieux et rempli de détails élégants. J' ai hâte de voir comment vous approchez ces invites. S' il vous plaît partager votre série complète dans la galerie du projet, et si vous publiez l'une de vos pièces sur Instagram, assurez-vous de me marquer afin que je puisse voir votre travail. Ensuite, nous vous expliquerons comment examiner et vérifier votre travail une fois que vous aurez terminé le projet. se voit dans la leçon suivante. 9. Audit du projet: Plus tôt dans la classe, j'ai parlé de faire votre propre audit artistique pour observer et faire le point sur le travail que vous avez créé. Je vous encourage à effectuer une de ces vérifications après avoir terminé le défi de cinq jours. revue vos illustrations du défi individuellement et en groupe, puis posez-vous ces questions. Quelle pièce aimez-vous le plus ? Quelle pièce avez-vous le plus aimé créer ? Voyez-vous des thèmes ou des éléments récurrents ? Est-ce que la collection se sent cohésive ou disjointe ? Si tu le refaisais, qu'est-ce que tu changerais ? Afin de faire intentionnellement des pas vers le bas de votre style, considérez peut-être ce qui suit. Quelle que soit la pièce que vous aimez le plus, peut-être essayer de faire plus de cette chose ou utiliser cette pièce comme votre propre inspiration pour aller de l'avant. Pour la pièce que vous avez vraiment aimé créer, pensez à ce qui l'a rendu agréable. Incorporez peut-être plus de cela dans votre travail. Après tout, développer un style devient plus facile si vous appréciez ce que vous faites. Si vous voyez des thèmes récurrents, tant que ces éléments récurrents sont originaux pour vous, cela pourrait être un indicateur de votre style émergent. Si votre projet se sent disjoint, c'est bon. Ça veut juste dire que tu es encore au stade de l'exploration. Pensez à la façon dont vous pourriez potentiellement apporter un élément de signature dans votre travail à l'avenir. Si votre collection se sent cohésive, c'est incroyable. Cela signifie que vous êtes en bonne voie pour avoir un style de signature. Pensez à ce que vous pouvez améliorer et n'oubliez pas d'apporter ces changements dans votre prochaine pièce. Être intentionnel sur l'amélioration est le seul moyen de perfectionner vos compétences et de vous rapprocher d'établir votre propre style. Rappelez-vous qu'il s'agit d'un processus en constante évolution et qu'il ne sera pas mis en place après un seul défi. Mais faire cet auto-audit vous aidera certainement à y arriver un peu plus rapidement. 10. Merci: Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' espère que cela vous donnera quelques nouvelles idées et de nouvelles façons de penser au développement de votre style. Bien sûr, ce cours n'éliminera pas toutes les frustrations et les douleurs croissantes de trouver votre esthétique artistique, mais j'espère que cela vous donnera une feuille de route pratique à suivre au fur et à mesure que vous commencerez ce voyage. Rappelez-vous que le chemin de tout le monde est différent. Vous pourriez vous retrouver graviter vers plus d'un style ou même arriver à la conclusion que vous ne voulez pas vous limiter à un style particulier du tout. Toutes les options sont valides. Tu es l'artiste, alors tu peux décider. N' oubliez pas de partager votre travail dans la galerie de projets. Parfois, il peut être difficile de voir votre propre travail objectivement, donc je suis heureux de vous donner une perspective extérieure et je vous encourage à faire de même pour vos camarades de classe aussi. Aussi, n'oubliez pas de me tagger @IAMGIAGRAHAM si vous publiez vos projets sur Instagram. Si vous avez apprécié ce cours, j'adorerais que vous laissiez un avis. Vos commentaires m'ont non seulement aidé à améliorer mes cours, mais ils aident également les étudiants potentiels à savoir à quoi s'attendre. En outre, vous pouvez cliquer sur le bouton Suivre afin que vous soyez alerté chaque fois que je poste une nouvelle classe. Comme toujours, ce fut un plaisir de partager cet espace créatif avec vous et j'ai hâte de vous voir dans la prochaine classe. 11. Bonus ! Entretien avec Brooke Glaser: Encore bonjour. J'ai un petit régal pour vous. Bon nombre d'entre vous connaissent peut-être déjà Brooke Glaser, qui est une autre enseignante de haut niveau ici sur Skillshare. Maintenant, Brooke a également un cours sur la recherche de votre style. Dans cette leçon bonus, je discuterai avec elle de son approche du sujet. Si vous n'êtes pas déjà familier avec Brooke, elle est illustratrice et conceptrice de surfaces. Son travail se trouve dans des endroits comme Target et sur des produits comme les vêtements pour enfants, les cartes de vœux, l'emballage cadeau, et plus encore. Brooke a aidé près de 200 000 artistes à améliorer leur carrière artistique et créative avec des cours sur des sujets tels que la façon de dessiner et de gagner leur vie en tant qu'artiste. Hé, Brooke, c'est bon de te voir. Merci beaucoup de vous être joints à nous pour partager vos idées sur le développement du style. La première question que je vous pose est de savoir comment aborder le développement de votre style artistique unique ? Pour moi, le style ne se limite pas à la façon dont votre art ressemble, bien sûr, il s'agit de l'ambiance du sentiment et des thèmes que vous utilisez. C'est agréable d'examiner, d'accord, quelles sont les choses que je veux montrer dans mon art ? Je pense que c'est comme ça qu' est un homme d'affaires ou un patineur ; ce n'est pas seulement ce qu'ils portent, c'est aussi l'argot qu'ils utilisent, la langue qu'ils utilisent, ou la musique qu'ils écoutent, ou les endroits où ils vont. Mais bien que ces choses soient importantes, c'est vraiment l' apparence de votre art qui constitue le fondement, la partie la plus importante du développement de votre style. À cette fin, j'aime examiner mon style à travers la lentille des éléments de l'art. Vous avez comme, comment dessiner des formes ? Comment tracer des lignes ? Comment utilisez-vous la couleur ? Il existe en fait différentes façons les aborder. Par exemple, lorsque nous parlons des éléments de l'art et de la forme, vous pouvez dessiner des objets dans un style géométrique ou organique, ou vous pouvez faire une variation entre ces deux éléments. Dans ma classe, j'utilise un exemple de dessinons un champignon. Si vous avez le champignon, le sommet du champignon peut ressembler à un demi-cercle parfait, et c'est une façon très géométrique de représenter les formes. Peut-être que les cercles au-dessus de ce champignon sont des cercles parfaits, peut-être que vous avez même l'ombrage du haut du champignon jusqu'au bouillon, peut-être que l'ombrage est en forme de triangle et c'est un style de dessin très géométrique. Alors que si vous faites un dessin organique, agit peut-être bien plus d'un dessin réaliste des formes, qu'il soit grumeleux cahoteux et non lisse, c'est une façon très organique d'aborder cela. Bien sûr, il y a une multitude de façons de dessiner des formes entre le fait d'être organique et géométrique, mais c'est cette pratique qui consiste à, d'accord, comment puis-je me résumer à ces détails délicats de ce qui se passe. est-ce que les éléments dont mon art est fait et comment puis-je jouer avec ces éléments ? Par exemple, une autre façon de voir cela est de regarder des lignes dans des dessins animés. La façon dont une bande dessinée Marvel peut être dessinée peut être complètement différente de celle de l'anime ou de Calvin et Hobbes. Vous pourriez avoir une ligne uniforme complètement solide et épaisse dessinée très épaisse, ou vous pourriez avoir lignes très esquissées qui s' effilent d'une extrémité à l'autre. Mon approche en classe consiste vraiment à examiner ces différentes façons dessiner et comment apportez-vous ce que vous aimez dans votre propre art ? C'est vrai. Oui, j'adore cette approche car elle est très pratique et pratique. C'est un excellent moyen de mélanger et de faire correspondre et de comprendre ce qui résonne chez vous et ce qui vous parle le plus. Oui. Maintenant, votre classe est très concentrée sur l'illustration. Beaucoup de mes élèves sont des artistes de lettrage ou ils combinent lettrage avec leurs illustrations Avez-vous des idées spécifiques sur le développement de style spécifiquement pour les lettres ? Oui, totalement. Je pense que la partie la plus importante pour nous est comprendre les fondamentaux du lettrage, et bien sûr, vous avez beaucoup de bons cours là-dessus. Une fois que vous avez compris les fondamentaux, vous pouvez commencer à expérimenter et explorer et à prendre votre propre vision unique. Lorsque je dessine du lettrage, la majeure partie de cela consiste à créer un formulaire et comment créer un ombrage ? Par exemple, vous utilisez ce magnifique lettrage de club d'amour de soi que les élèves peuvent imiter dans votre classe. Vous avez cette très belle gradation pointillée très fine. Cela crée l'endroit où les formes de lettres se croisent, cela crée un ombrage pour que vous puissiez voir, « Hé, partie de cela se trouve devant l'autre », c'est l'ombrage. Dans ce cas, une façon dont vous pourriez expérimenter cela est que vous pouvez prendre au lieu d'utiliser un poinçon très fin, vous pourriez peut-être faire du travail de ligne, vous pourriez faire des hachures ou des croisements, vous pourriez faites un type de texture totalement différent, vous pouvez utiliser un bloc solide, de sorte que lorsque les formes de lettres se rencontrent au lieu d'avoir un dégradé pour créer ce sens de la forme, vous pourriez avoir un bloc de couleur solide qui dit : » Bon, voici ce qu'il y a devant et voici ce qu'il y a derrière. » Il s'agit, encore une fois, d'examiner ces détails vraiment délicats les éléments de ce dont est fait votre art et comment cela modifie-t-il l'apparence de ce que vous dessinez. Je comprends tout à fait cela et je suis d'accord avec vous parce que ces choix peuvent vraiment faire une énorme différence dans la façon dont la pièce se déroule globalement. Il est agréable de les examiner isolément et de dire : « Bon, concentrez-vous simplement sur la forme et la façon dont nous ombrageons la forme, concentrez-vous simplement sur la couleur. » Mais au final, toutes ces choses mélangent et elles ne sont pas isolées par elles-mêmes, il y a toujours de la texture à l'intérieur de la couleur, eh bien , presque toujours, ou il y a un manque de texture, ce qui est également un choix intentionnel. Mais j'espère que dans ma classe, nous pourrons les examiner individuellement et ensuite voir comment ils s'intègrent tous ensemble. Mais oui, ce sont toutes ces petites traces que vous faites dans votre lettrage qui rendent votre lettrage unique. J'adore que vous abordiez ce niveau de détail dans votre classe, car c'est une séquence parfaite pour mes élèves de passer de ce cours à vôtre, car ils peuvent prendre les grandes suggestions que j'ai offrez, puis entrez dans les détails délicats avec votre classe, avec des techniques et comment essayer différentes choses et différentes façons d' aborder une pièce. J'adore ça. Ce qui était intéressant dans la différence entre nos cours, c'est que je commence mon cours en disant : « Hé, vous devez vraiment faire attention à ce que font les autres artistes parce que oui, vous pouvez entrer dans ces des détails délicats, mais il faut vraiment voir ce que font les autres artistes pour comprendre cela. » Je pense que votre classe donne vraiment une bonne perspective sur : « Voici comment vous regardez ce que font les autres, et voici comment l'intégrer dans ce que vous faites. » Parce qu'il vaut mieux construire sur les épaules des géants autour de vous, ce n'est probablement pas la même chose, mais vous apprenez des gens incroyables autour de des gens incroyables autour vous et vous bâtissez sur ce qu'ils font. Je pense que c'est une très bonne façon d'aborder l'art également. Maintenant, c'est vraiment un excellent passage dans ma prochaine question parce qu'une partie du développement de votre style consiste à observer d'autres artistes, et vous en parlez dans votre classe et j'en parle également dans cette classe. Mais le défi de regarder d'autres artistes est que vous pourriez tomber dans cette terrible malédiction de comparaison, et il est parfois facile de se sentir comme si nous ne pouvons pas correspondre aux artistes que nous admirons, ces géants qui dont vous avez parlé. Comment abordez-vous ou gérez-vous la comparaison ? Oui. C'est une grosse affaire, et c'est aussi très important. Je pense que la comparaison est une épée à double tranchant, car comparaison peut être très bonne. Lorsque la comparaison est bonne, cela vous incite à être comme, j'adore ce que cette personne fait. Je veux être au niveau de ce que je fais. Je veux essayer quelque chose de nouveau. Je veux faire ce que je fais mieux. C'est à ce moment que la comparaison est bonne. Mais ce n'est pas si bon si vous êtes coincé, et quand vous en avez envie, je ne serai jamais à la hauteur. Je ne pourrai jamais être aussi bon que cette personne. C'est très facile pour moi d'être submergé et intimidé, et c'est vraiment difficile. J'aimerais pouvoir dire, oh, eh bien, quand vous atteindrez un certain niveau, cela disparaîtra et vous serez tout le temps absolument confiant. Jamais. Mais ce n'est pas vrai dans mon expérience. Ce n'est pas vrai dans mon expérience, ce n'est pas vrai chez beaucoup d'artistes que je connais, quel que soit leur niveau. Vous apprenez et vous vous efforcez toujours auprès d'autres personnes et la comparaison fait partie de ce territoire. J'ai développé de nombreuses façons. Je ne suis certainement pas un expert en matière de comparaison, mais j'ai développé de nombreuses façons de faire face à cela. Je parle de tout un tas de personnes dans la classe. Mais certains d'entre eux, je dirais qu' étant conscient de la consommation passive, et quand je pense à la consommation passive, je pense à la consommation passive et active. Il y a une différence entre, vous faites simplement défiler sur Instagram ou sur Internet et vous voyez juste ce truc et vous avez l' impression que je ne suis pas bon, vous commencez soudainement à vous sentir mal. vous-même. La différence entre une consommation non active est lorsque vous utilisez activement cette comparaison en action et que vous faites quelque chose avec elle. Si vous essayez activement de comprendre, comment dessiner vraiment bien une cascade, alors vous y allez et vous regardez comment un autre artiste dessine une cascade. Parce que vous êtes en mode action. Eh bien, parce que je suis en mode action, je dois dire que j'ai beaucoup plus de facilité à dire, je trouve ce que fait cette personne est inspirant et je vais essayer d'imiter cette façon de dessiner, de tomber des lignes, de tomber. eau. C'est parce que je suis actif, cela m'aide à ne pas ressentir ce sentiment de comparaison. C'est quand je ne suis que passivement, vois quelque chose et que je ne fais pas quelque chose que je me sens bien pire. Oui. En amenant cette intention à la comparaison. Oui. Je pense que vous parlez du rouleau de zombies. Oui. Dans votre classe. C'est pas bon. Oui, c'est exactement ça. Ce que vous décrivez, c'est exactement le rouleau de zombies, vous allez et allez, mais vous n'êtes pas intentionnel à regarder le travail des autres. En fait, je pense que c'est juste, nous avons tous besoin de temps pour un parchemin de zombies, nous sommes tous humains. Nous avons besoin de temps pour nous détendre sur le canapé et sortir des légumes sans rien faire. Ce que j'ai trouvé vraiment utile pour m'aider à éviter ce piège comparatif, c'est trouver une inspiration dans des médias différents de ce que je fabrique. Je ne veux pas dire que je dois écouter de la musique et des podcasts. Je veux dire, je m'inspire toujours des médias visuels. Pour moi, j'aime jouer à des jeux vidéo ou m'inspirer du design d'intérieur ou du cinéma. Ce sont des choses dont je m' inspire directement parce que je dessine des décors et que j'aime dessiner du design d'intérieur. Mais la différence ici est que je pense que la raison pour laquelle cela fonctionne si bien pour moi et m'aide à ne pas ressentir ce sentiment de comparaison, c'est parce que les mesures du succès d'un film Studio Ghibli sont peut-être, c'est un Oscar et je n'essaie pas d'aller chercher un Oscar, donc je ne me compare pas à cette superbe œuvre d'animation. Je suis probablement plus susceptible de me comparer à un autre illustrateur qui va chercher les mêmes clients ou qui l'est, je regarde mes likes Instagram et je compare quelqu'un d'autre qui a plus m' aime bien et ça me fait mal. Si je regarde des médias qui ont des mesures différentes du succès et qui sont un peu différents, c'est toujours utile pour moi, mais différent de ce que je fais. C'est utile pour moi. J'aime ce que vous avez dit lorsque vous comparez un à un comme un autre illustrateur qui fait un travail très similaire, alors cela accroît vraiment ce sentiment de comparaison et de compétition. Mais vous pouvez toujours regarder un autre artiste visuel. Mais s'ils font quelque chose de différent de vous, c'est une excellente façon de s'inspirer sans avoir ce nœud dans votre estomac. Oui, je pense que c'est une excellente façon de l'aborder. Oui. J'approfondis beaucoup plus de techniques, mais je pense que la troisième que je quitterais peut-être ici, c'est que j'aime me comparer à moi-même. Je pense que vous en avez parlé de faire un audit de vous-même. Pour moi, si je repense au travail que j'ai réalisé il y a un an, il y a deux ans , trois ans, je suis très fier de la croissance que je me suis faite en tant qu'artiste. Oui. En remplaçant cette émotion de je ne suis pas là et en disant : « Hé, je dirige ma propre course ici et c'est le progrès que je fais pour moi-même. Au moins, ça m'aide. Absolument. Centrez encore une fois ma vision, changez au moins cette émotion pour ne pas avoir l'impression de ne pas pouvoir mesurer que je suis comme, non. Oui. J'ai fait quelques progrès. Oui. J'adore que vous dirigiez votre propre course. C'est tout à fait cela. Personne ne peut dire à quelle vitesse il devrait aller, combien il devrait aller lentement, quelle forme il devrait prendre parce que c'est votre course. Je veux dire, honnêtement, vous n'avez probablement même pas la possibilité de dire cela, la vie prend ses propres conditions et vous faites ce que vous pouvez, mais vous n'avez pas beaucoup de contrôle sur la course pour commencer. C'est tellement vrai. Bon point. Oui. Merci beaucoup, Brooke. Un grand merci à Brooke de s'être jointe à nous et de partager son point de vue. N'oubliez pas de consulter sa classe, qui s'appelle Find Your Style : an Actionable Guide to Develop Your Illustration Style. Si vous ne le faites pas déjà, assurez-vous de suivre Brooke ici sur Skillshare, donc vous serez alerté chaque fois qu'elle publiera un nouveau cours. Je vous reverrai bientôt. Allons-y encore une fois. Oui. 1, 2, 3. Est-ce que je suis gelé ? Vous m'entendez maintenant ? Oui. Non, tu es gelé. Essayons encore une fois. Je ne sais pas si vous êtes gelé ou si vous parlez.