Théorie des couleurs pour les designers de personnages : Trucs et astuces

1. Introduction: La bonne couleur au bon endroit peut vraiment donner vie à un dessin. Mais quand vous travaillez à partir de votre imagination sauvage, vous savez où tout peut arriver. C' est vraiment difficile de trouver la bonne couleur et le bon endroit. Que vous souhaitiez exprimer une émotion ou décrire quelque chose pour lequel vous n'avez pas de mots, vous aurez besoin d'un plan si vous voulez naviguer dans le monde de la couleur. Hé, je suis Myrie Marks, je suis dessinateur et illustrateur et la couleur a toujours été une grande partie de la façon dont je raconte une histoire. Je passe beaucoup de temps à réfléchir et à lire sur pourquoi et comment couleur fonctionne et beaucoup plus de temps assis dans Photoshop, mélangeant et assortissant des échantillons. Chaque projet basé sur les couleurs est une recherche cette combinaison spéciale de teinte, de saturation et de valeur. Ce cours est mon propre mélange de théorie et de pratique. Autrement dit, je vais partager des histoires et des images pour faire bouger votre esprit et suivre cela avec un projet basé sur le personnage qui vous fera mélanger et correspondre les couleurs dans Photoshop mieux que jamais auparavant. À la fin de tout cela, vous travaillerez plus intelligemment et plus rapidement et, surtout, vos dessins se sentiront plus vivants. Il est temps d'arrêter de se sentir perdu dans vos échantillons. Laissez-moi vous aider à trouver votre chemin dans ce monde fou mêlé de couleurs, peinture, de palettes et de Photoshop. 2. Aperçu du cours: Vous êtes assis devant votre écran avec vos outils de dessin à proximité. Avant d'y arriver, laissez-moi vous dire à quoi vous attendre de cette classe. C' est vraiment deux moitiés distinctes. Au cours de la première moitié, j'ai prévu une leçon pour vous faire réfléchir de façon nouvelle et passionnante sur la couleur. Nous commencerons par examiner comment les artistes à travers l'histoire ont influencé le cœur de notre relation avec la couleur. Ensuite, nous sauterons dans le monde contemporain de notre InDesign pour regarder quelques-unes de mes inspirations préférées non-picturales. Ça nous mènera à la forme artistique principale de la classe, le dessin animé. Je vais partager les façons uniques dont le dessin animé utilise le langage de la couleur, puis nous allons voir comment les dessinateurs modernes stylisent la couleur pour un projet spécifique. Ensuite, nous arrivons à la seconde moitié du cours, le projet de classe. La tâche que je vais vous guider est la création de design et la coloration d'un personnage connu comme un gardien élémentaire, plus sur cela plus tard. Nous allons travailler dans Photoshop CS, un programme que vous avez seulement besoin de connaître pour réaliser ce projet. Je vais vous montrer comment configurer votre fichier, puis nous examinerons les outils nécessaires pour dessiner et colorier, ainsi que quelques raccourcis super gain de temps qui permettront garder votre processus créatif fluide. Ensuite, je vais vous guider à travers l'étape conceptuelle de la conception de votre personnage, qui comprend la recherche d'inspiration et incroyable processus de croquis en trois étapes et un rapide coup d'œil à l'encrage d'un dessin animé. Puis vient la coloration. Pendant le processus de coloration, nous examinerons les techniques inspirées de l'industrie pour le blocage des couleurs, affiner l'utilisation de votre design et, surtout, utiliser la saturation et la valeur. Ensuite, j'ai un chapitre bonus sur deux techniques de coloration cool, la couleur de ligne, et la lumière de jante. J' ai travaillé dur pour vous donner le bon équilibre d' esprit en développant la théorie de l'art, des conseils techniques et des étapes pratiques pour vous aider à devenir un meilleur coloriste, illustrateur et conteur. Sans plus tarder, allons-y. 3. Leçon : Histoire de la couleur part. 1: La couleur a toujours eu le don de regarder la curiosité humaine. Lorsque nous rencontrons une couleur, nous nous attendons à y trouver un mystère, et à son tour, un sens. On ne peut pas s'en empêcher. C' est dans notre nature d'explorer les couleurs. Grâce à nos expériences, nous développons des relations avec eux. La couleur nous apprend à vivre dans le monde visuel. Est-ce que ça a l'air dingue ? Je ne pense pas. Le monde est plein de couleurs. Pour les traiter tous, nos cerveaux doivent reconnaître leurs distinctions. Grâce à ce besoin, nous aiguisons notre perception des éléments principaux des couleurs, son utilisation, ses valeurs et sa saturation, et nous commençons à associer les caractéristiques de la couleur à nos expériences. Nos cerveaux trient ces notions d'expérience des couleurs. Certains sont caractérisés comme utilitaires, comme lorsque nous reconnaissons la couleur d'un panneau d'arrêt. Certaines notions sont caractérisées comme une observation naturelle, comme la reconnaissance de la couleur du ciel avant un orage, et certaines notions sont émotionnelles, comme voir une couleur qui nous rappelle une veste que nous avions quand un enfant. À mesure que nous recueillons des expériences, nos relations uniques avec la couleur s'approfondissent. La psychologie de la couleur en tant que conversation est vieille comme l'art lui-même. Il y a d'innombrables théories à explorer. Mais pour moi, j'ai toujours eu un lien avec les notions de Johannes Itten, expressionniste suisse et peut-être le plus célèbre théoricien des couleurs du XXe siècle. Itten voyait une grande différence entre la couleur comme utilité et la couleur comme une porte d'entrée vers une signification cachée. Vous pourriez deviner que sa théorie va un peu plus profonde que de mémoriser la roue de couleur. Itten croyait en artistes, esthétique des couleurs est informée par une combinaison de trois types d'intention. Impression, sens, observation visuelle, expression, représentation émotionnelle et description de l'artiste, potentiel d'amplification symbolique de la couleur. Cette théorie a vraiment renforcé ma relation avec la couleur et il m'a donné une appréciation beaucoup plus profonde pour le rôle des couleurs dans l'histoire de l'art. Je pense qu'il y a beaucoup à apprendre de voir le monde de la couleur de cette façon. Maintenant, je vais partager ce point de vue avec vous. 4. Leçon : Histoire de la couleur part. 2: Les peintres de la Chine antique cultivaient une relation avec la couleur bien avant la plupart des civilisations. Au fur et à mesure que leur palais de couleur s'élargissait, le sens derrière son utilisation. Ils ont trouvé l'inspiration dans le monde qui les entoure, en particulier dans le sol jaune du plateau le plus bas, l'origine de la civilisation chinoise. impressions du monde naturel sont venues une expression du symbolisme culturel. Les anciens peintres chinois utilisaient la couleur pour représenter les énergies de la nature. Au centre de cette théorie se trouvait le jaune, une couleur exclusivement réservée à leur empereur. L' art mosaïque de l'Empire byzantin visait à préserver les histoires de leurs saints sacrés. Cette responsabilité a imposé une forte demande à ces artistes romains et à leurs couleurs. Imaginez la sophistication de leur processus créatif, regardez la façon dont ils créent des variations subtiles de couleur, de lumière et d'ombre. La préservation de cette œuvre au cours des siècles a assuré son influence sur les générations futures d'artistes, en particulier ceux employés par l'Église. Ce style mêlant imagination, observation impressionniste et signification symbolique à travers la couleur est à la racine de tant d'art occidental. Au XVe siècle, les peintres italiens de la Renaissance maîtrisaient la tonalité et la modulation des couleurs. Ils peignaient des images massives et épiques à des niveaux insensés de réalisme. Alors que le symbolisme était encore à la base de leurs compositions, les images ont été dépouillées d'éléments décoratifs vus dans les œuvres religieuses antérieures. Pour moi, les peintures de la Renaissance ont le poids et le drame d'une scène d'un film, mais ce n'était pas le sommet de la peinture réaliste. Cela n'est arrivé que lorsque des artistes comme Titien au milieu du XVIe siècle ont commencé à vraiment concentrer leur utilisation de la couleur. Titien utilisait la couleur pour donner du caractère et de la vertu aux principaux sujets de ses compositions. Regardez les deux figures posées dans cette foule de corps tordus, localiser et concentrer la couleur était une façon brillante d'apporter le symbolisme à un style réaliste de peinture. La théorie de la couleur de la Renaissance s'est enracinée si profondément dans la conscience collective du monde de l'art. Pendant des centaines d'années, cette esthétique est ce que les gens imaginaient quand ils pensaient à l'art et à la couleur. Mais dans les années 1800, la culture de l'art était prête pour une toute nouvelle perspective. En 1810, Johann Wolfgang von Goethe a publié le livre Théorie des couleurs. Goethe était un auteur de littérature émotionnelle, mais il avait aussi un intérêt égal pour l'art visuel et sa relation avec la science. Ce nouveau livre avait pour but de changer la perception de la couleur dans le monde. La théorie de Goethe cherchait à valider la fonction scientifique de l'imagination humaine en réponse au phénomène de la lumière et de la couleur. La chaleur du soleil couchant et la fraîcheur de l'ombre montante de la Terre pour lui étaient la preuve non seulement de la fracturation de la lumière blanche, mais aussi de l'intuition poétique de l'humanité. La théorie de Goethe est enveloppée dans sa version de la roue de couleur. À première vue, il ne semble pas être différent du cadre rationnel des théories des couleurs antérieures. Mais ici Goethe a attribué des qualités allégoriques à chaque champ de couleur. Le rouge est la beauté, l'orange est la noblesse, le jaune est bon, vert est l'utilité, le bleu est la communalité et le violet est l'inutile ou spirituel. Inutile de dire que le monde scientifique n'a pas trouvé de valeur académique dans ses recherches en optique, mais ses études de couleur restent influentes jusqu'à aujourd'hui. Ce ne sont pas seulement les artistes qui ont lié à la théorie de la couleur de Goethe. Toutes sortes de gens étaient dedans. Je pense que les technologues, John Gage l'ont dit mieux quand il a dit, « Goethe a soutenu qu'il n'y a pas de couleur dans le monde physique. n'y a que des motifs de lumière et d'obscurité, et ces motifs sont une sensation produite par nos âmes mêmes. » 5. Leçon : Histoire de la couleur part. 3: Le lien entre l'intuition poétique et la science de la couleur est un aspect majeur de tout mouvement artistique moderne. Dans les années 1880, environ 70 ans après la sortie du livre [inaudible], le monde de l'art était arrivé au néo-impressionnisme. Les artistes de ce mouvement, comme Henri Edmond Cross, avaient une profonde appréciation du pouvoir émotionnel de la couleur, ainsi qu'une profonde compréhension de la science optique. D' une certaine façon, les peintures de Cross sur la vie urbaine sont des expériences dans la réponse humaine à la couleur. Son travail a prouvé que les notions de couleur étaient si fortes dans l'imagination humaine que le sens pouvait être communiqué par des arrangements simplifiés de points colorés. Peu après Cross, Monet et les autres impressionnistes fuyaient les théories néo-impressionnistes. Monet se considérait plus comme un étudiant de lumière qu'un étudiant de couleur. Ses peintures ont cherché à étudier la façon dont la lumière du soleil modifie les tons locaux des objets naturels. Comme les néo-impressionnistes, Monet croyait que le mélange pigments rompt le pouvoir de la couleur des pairs et que les yeux pressent pour la fermeture visuelle conduira un spectateur à scènes significatives dans un sens plus profond du rôle de la lumière dans le monde. Artiste français Paul Cézanne, a élargi l'idéal Renaissance de la modulation des couleurs en le mélangeant avec l'influence des impressionnistes. Le résultat a été des peintures de scènes de représentation qui brillaient avec des effets de couleur exagérés. Cezanne a superposé des rythmes subtils de couleurs fraîches et chaudes pour rehausser la réalité dans ses images. Le tournant du siècle a amené le mouvement expressionniste à part entière. Ce sont des créateurs, comme le peintre norvégien Edvard Munch, ont vu la couleur comme un moyen de représenter la psychologie interne. Les expressionnistes se détournaient du monde extérieur et commençaient à chercher la nature intérieure des humains pour exposer les émotions souvent non représentées de l'existence naturelle. Voici une citation de Munch qui résume assez bien le mouvement expressionniste. « La nature n'est pas seulement tout ce qui est visible à l'œil. Il comprend aussi les images intérieures de l'âme. » Hilma af Klint fut l'un des premiers peintres à sortir d'une longue tradition de couleur représentative. Elle a dit : « La lumière était le premier phénomène du monde et elle partage la vraie nature du monde vivant à travers sa couleur. » Klint a passé toute sa vie à concevoir son langage de couleur, distinguant l'énergie masculine avec une énergie jaune d'or et féminine avec un bleu coquille d'oeuf. Sa profonde compréhension de la théorie des couleurs lui a permis d'explorer les relations entre les énergies humaines et l'harmonie de la nature. Comme af Klint, Piet Mondrian voyait le potentiel de la couleur pour relier l'humanité à un niveau de conscience supérieur. Mondrian a dit un jour : « Je veux aborder la vérité le plus près possible et, par conséquent, j'ai tout résumé jusqu'à ce que j'arrive à la qualité fondamentale des objets ». Mondrian a été décrit comme un théoricien autant qu'un peintre. Son travail a exposé le cadre de base de l'art visuel, le dépouillant aux couleurs primaires, intentionnellement disposées sur une toile. En supprimant l'esthétique familière de l'art, il a pu se connecter à une partie plus profonde de la relation humaine avec la forme et la couleur. L' histoire de la couleur est vraiment l'histoire de l'intention créative. Dans n'importe quelle image en couleur, vous allez trouver des impressions, expressions dans le symbolisme qui reflètent la relation d'un artiste avec la nature de son monde. C' est juste une question de regarder plus profondément. La théorie est amusante et tout, mais il est temps de devenir pratique. Regardons comment les artistes modernes utilisent la couleur pour faire le travail. 6. Leçon : Communiquer avec la couleur: Pour vraiment communiquer avec la couleur, il est important pour moi de comprendre comment les artistes qui travaillent en dehors de mon domaine d'illustration font le travail. Voici les leçons que j'ai apprises d'un graphiste, d'un photographe et d'un concepteur de production cinématographique. Paul Bacon utilisait la couleur pour communiquer l'humeur. graphiste Paul Bacon était un grand fan du jazz et a construit sa carrière autour de son amour de la musique. Il a créé des albums iconiques pour Blue Note Records et d'autres empreintes axées sur le jazz. Enfant, je voyais son travail constamment pop-up dans ancienne collection de disques de mon père et je le rencontrais en naviguant dans les magasins de disques. Pendant toute une génération, palette de couleurs de Paul Bacon aux tons pâles et aux couleurs fraîches est devenue la représentation visuelle des sons invisibles de musiciens comme John Lee Hooker, Abby Lincoln et Thelonious Monk. Paul Bacon m'a montré à un très jeune âge de regarder au-delà des couleurs heureuses de mes livres Eric Carle et de voir des couleurs qui représentaient plus sombres dans des humeurs complexes. Vivian Maier a utilisé la couleur pour communiquer l'histoire. Pendant près de 60 ans, Vivian Maier se promenait tranquillement dans les rues de Chicago avec son appareil photo en couleur. Elle a utilisé la couleur pour créer des petits pompons vifs. Elle était particulièrement attirée par le jaune et la façon dont elle évoquait une histoire, trois inconnus avec le même sens de la mode. Un colporteur de rue qui se retrouve mis en scène par une toile de fond de rideaux de moutarde, un bouquet jeté effondré comme un ivrogne contre un lampadaire, un coléoptère aux yeux au début de l'hiver, un champ de pédales printanières attirant l'œil d'un mystérieux artiste. Je ne passe pas beaucoup de temps à regarder la photographie, mais quand je vois quelque chose que j'aime, je ressens une connexion instantanée. Vivian Maier raconte le genre d'histoires avec lesquelles je me connecte et son utilisation de la couleur aura toujours une place particulière dans mon cœur. George Conture utilise la couleur pour communiquer le thème. rôle de contour dans l'industrie cinématographique n'est pas aussi célèbre que celui d'un acteur ou d'un réalisateur. Son travail est de concevoir un monde pour qu'un personnage existe. Non seulement cela, mais pour s'assurer qu'un personnage ne parle pas, le monde qui l'entoure communique l'histoire et le thème du film. ce moment, vous regardez la dernière vidéo du film de 2007, « No Country for Old Men ». Ce film a remporté le contour et le prix de l'académie. Voici l'histoire qui l'a amené sur scène. Quand il a été chargé de la conception de la production pour l'adaptation cinématographique de l'auteur Cormac McCarthy Modern Western. Conture devait trouver un moyen d'exprimer visuellement le ton sombre du style d'écriture de McCarthy. « No Country for Old Man » est situé dans les années 1980 au Texas, le long de la frontière américaine avec le Mexique. Conture devait concevoir une palette de couleurs qui transmettait la dureté, la chaleur et la soif du désert ouvert, tout en encadrant le cadre comme un lieu à la lisière de la civilisation. Sa solution était brillante et, comme toutes les idées brillantes, la résolution était étonnamment simple. Conture a fait une petite peinture dans le style du peintre expressionniste Mark Rothko, quelques nuances de brun, une nuance de repos, une nuance de béton et une éclaboussure de sang. Ce tableau établit le thème et donne un ton aux acteurs et aux réalisateurs. Essayez maintenant de regarder ce film et ne ressentez pas l'influence de ce tableau sur chaque cadre. George Conture, Vivian Maier et Paul Bacon ne sont que quelques-uns des artistes qui me donnent l'impression qu'il est possible de faire quelque chose de nouveau et passionnant avec la couleur. Prenez le temps de regarder vos inspirations et d'essayer de voir quelles impressions elles ont laissé sur votre propre processus créatif. 7. Leçon : Couleur et dessins animés: Quand je travaille sur un projet, j'essaie toujours d'équilibrer ces trois intentions de couleur. Rappelez-vous plus tôt : observation visuelle, représentation émotionnelle et amplification symbolique. Ce sont les éléments qui rendent la couleur puissante, mais dans mon monde de dessin animé, je trouve que la forme artistique a son propre ensemble de forces uniques, qui en font ma façon préférée de raconter une histoire. Voici ce que j'appelle les quatre forces de la couleur des dessins animés. Les dessins animés utilisent la couleur pour élargir l'attrait. J' ai passé la seconde moitié des années 1980 à regarder beaucoup de dessins animés, dessins animés des années 80 étaient, pour la plupart, du marketing pour les jouets. Chaque personnage avait un schéma de couleurs simple et vive, ce qui a rendu facile pour les enfants d'identifier, et bien sûr, de souligner dans le magasin de jouets. C' est une stratégie efficace qui a vraiment changé la façon dont l'industrie utilisait la couleur, pour élargir l'attrait de leurs personnages. Vous pouvez voir cette stratégie de couleur à l'œuvre dans la franchise Teenage Mutant Ninja Turtle. Les tortues ninja ont commencé en fait comme une bande dessinée indépendante souterraine sombre et couvante, par Kevin Eastman et Peter Laird. Mais quand la propriété a été transformée en franchise pour enfants, les personnages ont été relooking. Notez que les tons de peau sont devenus une nuance plus amicale de vert, et plus important encore, l'établissement de leurs bandanes de couleur emblématiques. Les choix de couleurs n'étaient pas différents de la façon dont une équipe de marketing utilise la psychologie des couleurs, pour communiquer avec les consommateurs. Leonardo, le chef de l'équipe, obtient une nuance de bleu, une personnalité de couleur apaisante, debout pour la loyauté et le respect. Michelangelo, l'aimant amusant de l'équipe, mec de fête, est orange, une couleur chaleureuse et agréable avec un ton aventureux. Donatello, l'inventeur de l'équipe, est violet, la personnalité de couleur de l'imagination. Raphaël, la tête chaude de l'équipe, est bien sûr rouge, une couleur associée à la puissance et à la passion, une couleur qui peut être à la fois audacieuse et en colère. Les dessins animés utilisent la couleur pour évoquer des paramètres fantastiques. Le caricaturiste européen Moebius a utilisé la couleur pour évoquer des mondes fantastiques et des personnages mystérieux. C' est toujours une bonne idée de passer en revue un artiste établi, trouver des motifs dans leur approche et de comprendre ce qui fait que leur utilisation de la couleur fonctionne. Moebius, pour moi, joue les caractéristiques distinctes des teintes chaudes et fraîches, les unes contre les autres. Il prend des aspects familiers de notre réalité, et les juxtapose d'une manière qui les fait sentir d'un autre monde. La couleur dans ses arrière-plans, est souvent des teintes de violet, bleu et vert. Ses personnages incarnent l'orange, jaunes et les nuances de rouge. Les dessins animés utilisent la couleur pour représenter l'individualité. Le dessin animé en tant que forme d'art, a parcouru un long chemin depuis les années 1980. La série BD Lumberjanes, a un attrait pour les enfants, mais elle fait de gros efforts pour fondre ses personnages, dans des personnalités réelles et distinctes. L' histoire de Jo, April, Molly, Mal et Ripley, est remplie d'éléments fantastiques dans les tropes de dessins animés, mais à son cœur, le livre est une histoire de l'âge adulte sur cinq jeunes femmes. Ce sont des gens avec des familles et des histoires, des gens avec qui vous pouvez vraiment vous rapprocher. Les dessins animés utilisent la couleur pour créer un contraste narratif. Batman et Joker, sont probablement l'association héro-méchant le plus reconnaissable dans la culture moderne. Ce n'est pas une coïncidence, il y a une connexion si puissante, considérez leur palette de couleurs. Le costume de Batman est conçu pour intimider les criminels. Il crée une silhouette forte en utilisant du noir et des nuances de gris ou parfois de bleu. Habituellement, son costume a un accent jaune au milieu de sa poitrine, dans la tradition des héros de couleur primaire classiques, comme Superman. Batman est un symbole de la justice obscure. Le costume du Joker est à peu près le contraire, il est beaucoup plus occupé et théâtral. En utilisant une combinaison des trois couleurs secondaires, vert, violet et orange, le Joker est un opposé visuel du héros de couleur primaire typique, et une force perturbatrice lors de la traversée de la silhouette brutale de Batman. Narrative, Batman et Joker sont les deux faces d'une même pièce, et ils sont en conflit continu donne à chaque personnage une présence plus audacieuse sur la page. Quand il s'agit de raconter des histoires, couleur est un outil narratif puissant. Nous pouvons identifier la personnalité d'une histoire, par sa seule palette de couleurs. Maintenant, plongons un peu plus profondément dans la façon dont la couleur évoque notre imagination. 8. Leçon : Les nuances d'une histoire: La couleur est un aspect dynamique de la narration visuelle. Elle grandit et change avec les personnages de l'histoire et leur engagement envers leur environnement. Nous regardons un court métrage animé sur un carnet de croquis itinérant qui passe d'un personnage à l'autre. J' ai choisi ce court métrage comme exemple pour quelques raisons. L' une des raisons est ce style pictural que l'artiste travaille et met en valeur la palette de couleurs du film. La deuxième raison est que le film n'utilise ni dialogue ni narration. Sans cet outil de narration commun, le spectateur doit regrouper l'histoire à partir des images seulement. Regardez la façon dont la couleur change constamment l'humeur des scènes au fur et à mesure que le livre voyage à travers le monde. Vous pouvez évoquer le pouvoir narratif de la couleur en l'utilisant pour accomplir ces trois tâches distinctes. Utilisez la couleur pour soutenir l'histoire. Utilisez la couleur pour décrire la personnalité d'un personnage. Utilisez la couleur pour faire ressortir un personnage de l'arrière-plan. Regarder des exemples de dessins animés longs raconter des histoires m'aide vraiment à comprendre combien une couleur joue un rôle dans les arts narratifs. Je trouve un excellent moyen d'étudier la coloration des dessins animés est à travers le script couleur d'un film d'animation. Un script couleur est un moyen pour un artiste de production de créer une carte préliminaire de la couleur, de l' éclairage et des rythmes émotionnels d'un scénario de film d'animation. Un script couleur est fait bien avant que le film ne soit en production finale et il ressemble un peu à une longue bande dessinée sans mots. Un script couleur peut transmettre des rythmes d'histoire externes comme la distinction entre deux scènes. Il transmet aussi des rythmes d'histoire internes comme l'arc émotionnel d'un personnage. Derrière chaque grand dessin animé est un grand script de couleur. C' est l'une de ces étapes cruciales du processus créatif. L' artiste de la leçon se concentre sur l'impact et les conséquences de leurs choix de couleurs. Dans la vidéo suivante, je vais passer en revue le script couleur de Lu Ramano pour l'application de film d'animation de Pixar. Bon avertissement, je vais passer en revue tous les points de l'intrigue des films. Donc, si vous ne l'avez pas encore vu, vous voudrez peut-être passer au chapitre suivant. 9. Leçon : Scénario couleur pour le film Up de Pixar: Alors que je vous parle à travers le tracé de l'intrigue de haut, essayez de garder vos yeux sur les couleurs que Lu Romano utilise pour communiquer l'histoire. jeune Carl Fredricksen est dans un cinéma en train de regarder de vieilles images minuscules sur son héros, célèbre explorateur Charles Muntz. Lors d'un voyage en Amérique du Sud, Muntz a découvert un oiseau rare et avec l'aide de sa meute de chiens parlants, l'explorateur prévoit de retourner dans la région inexplorée de Paradise Falls pour ramener la preuve de l'animal. En rentrant chez lui, jeune Carl rencontre Ellie, une jeune fille maladroite au goût de l'aventure. Ils deviennent des amis rapides et Carl promet de voler vers Paradise Falls un jour. On voit Carl et Ellie grandir et se marier. Nous voyons leur histoire de vie se dérouler alors qu'ils préparent leur pique-niquer à la maison sur une colline et essaient de ne pas avoir un bébé. La vie continue de faire obstacle à leur voyage vers Paradise Falls. Finalement, Ellie meurt et un vieux Carl est laissé seul dans leur maison. Coupez jusqu'à nos jours et nous retrouvons Carl. Cette fois, c'est un vieil croupier solitaire. Sa maison est seule au milieu d'une zone de construction, Carl refusant de perdre sa dernière connexion avec Ellie. Un éclaireur de la nature, Russell, se présente pour aider Carl. Carl claque la porte au visage de Russell. Lorsque la cour exige que Carl abandonne sa maison et emménage dans une maison de retraite, Carl échappe à son sort en attachant des milliers de ballons d' hélium à sa maison et en décollant pour Paradise Falls seul, ou ce qu'il pense. Il s'avère que Russell était debout sur le porche. La paire improbable flotte à travers un mauvais orage et atterrit sur une falaise, en face de Paradise Falls. Alors que Carl traîne la maison vers les chutes, deux autres personnages rejoignent leur équipage improbable. Kevin, un énorme oiseau exotique, et Doug un chien parlant. Il s'avère que Doug fait partie d'une meute de chiens qui chassent Kevin. Carl et le gang sont pris par les chiens de chasse qui, bien sûr, appartiennent au héros perdu de Carl Charles Muntz. Muntz est devenu un peu fou après des années loin de la civilisation et il est plus désespéré que jamais de mettre la main sur Kevin, cet oiseau rare. Muntz capture Kevin et Carl et Russell courir pour elle. Ils arrivent à Paradise Falls, mais Russell est assez fou que Carl ait laissé Muntz capturer Kevin. Russell décide d'y retourner et de sauver l'oiseau. Carl est à nouveau seul. Il trouve le livre d'aventure d'enfance d'Ellie et une note l'intérieur l'encourageant à partir pour une nouvelle aventure maintenant qu'elle est partie. Prenant son conseil, Carl entre chez lui et poursuit Russell. Carl et Muntz se battent sur le bon dirigeable steampunk de Muntz. Carl est capable de sauver Russell, Kevin et Doug. Mais malheureusement, la maison de Carl est coupée dans la lutte et s'éloigne. Muntz tombe à sa mort. Quand Carl et Russell rentrent chez eux, nous voyons une dernière photo de la maison de Carl et Ellie arriver à Paradise Falls. C' est facile de prendre la bonne narration pour acquis. Vous avez probablement remarqué que la résonance émotionnelle est vraiment intégrée dans la palette de couleurs et le script de couleurs est la première étape pour établir cette connexion. 10. Leçon : Style et caractère: Voici une citation de notre vieux pote Goethe, qui résume ce prochain sujet. Pour le reste de la classe, nous allons vraiment nous concentrer sur le style des couleurs. Le style de couleur est un ensemble de lignes directrices qui distinguent l'aspect et la sensation d'un récit visuel. Voici quelques panneaux d'une de mes bandes dessinées appelée « L'Exploit ». C' est une histoire qui se déroule dans un avenir pas si lointain à propos d'une jeune hacker nommé Lang qui essaie d'échapper aux griffes de son passé troublé. J' ai passé beaucoup de temps à penser au style de couleur pour cette histoire. Il s'agit d'une division du monde entre la complexité désordonnée de réalité et l'indifférence du paysage numérique basée sur les données. J' utilise la couleur non seulement pour donner le ton à un moment et à un lieu, mais aussi pour donner le ton au voyage émotionnel du personnage Lang. style de couleur devrait toujours jouer aux thèmes du projet. Alors que nous nous préparons à entrer dans notre projet de classe, nous nous concentrerons de plus en plus sur la façon dont la couleur fait ressentir un personnage comme un individu. Regardons quelques spectacles de dessins animés qui ont influencé mon travail travers leur approche unique de la couleur, du style et du caractère. Nous commencerons avec les personnages principaux du dessin animé fantastique de Rebecca Sugar, Steven Universe. Le grenat, l'améthyste et la perle sont les gardiens de la Terre. La personnalité de chaque personnage sous forme physique est projetée à partir d'une pierre précieuse colorée enfoncée quelque part dans son corps. Pearl est un guerrier gracieux qui manie la lance. Ses couleurs pâles ont un look noble, mais elles font aussi allusion aux luttes qu'elle a avec son estime de soi. L' améthyste est le gardien amusant, aimant fouet balançant. Sa tenue fait allusion à son passé en tant que lutteur rugueux, et Garnet, leader de l'équipe, est vêtu de blocages de rouge et de noir très contrastés, accentués par les étoiles jaunes sur ses puissants gantelets. Les schémas de couleurs de chacune de ces gemmes ont une esthétique de niveau de surface attrayante, mais leur but va beaucoup plus profond. La couleur est un aspect fondamental du récit visuel de Steven Universe ainsi que des voyages de personnages au cours de nombreuses saisons et épisodes. Au cours du spectacle, nous apprenons que les gemmes peuvent être fusionnées les unes avec les autres pour créer de nouveaux personnages. Regardez-moi le leader des pierres précieuses Grenat. Son look est parfait pour un guerrier terrestre extra. Elle projette un vrai sens de l'individualité. Plus tard dans la série, vous apprenez Grenat est la fusion de deux autres personnages : le soldat courageux et intensément concentré, Ruby et le niveau dirigé aristocrate, Saphir. La fusion de ces deux personnalités montre pourquoi Garnet est si bien placé pour diriger l'équipe de héros. À travers cette histoire, nous apprenons que de couleurs de Garnet reflète l'équilibre de ses traits de personnalité. L' histoire toujours plus profonde des gemmes, de leur histoire et de leurs relations est une grande partie de l'attrait de Steven Universe et du fandom massif. Le spectacle s'inscrit bien dans la longue tradition des tropes de dessins animés héroïques pour enfants, mais il se distingue vraiment son style de couleur bien planifié qui lui permet de transmettre une histoire de l'âge qui est riche de la construction du monde, complexité émotionnelle et beaucoup d'attrait pour un jeune public. Ensuite, nous allons regarder les dessins de personnages de Lisa Hanawalt. Elle est designer de production pour le spectacle Netflix BoJack Horseman. abord, Lisa Hanawalt est une illustratrice incroyable. Elle a un vrai talent pour écraser les motifs d'animaux colorés et la mode d'une manière vraiment unique. Cette attention aux détails du style de couleur et de style motif est vraiment fondamentale pour ses spectacles de construction du monde. Bojack Horseman est l'histoire d'une star des sitcoms délavée des années 90 vivant à Hollywood avec ses amis humains et anthropomorphes. L' histoire saute dans le temps et l'utilisation de la couleur et du style par Lisa Hanawalt est vraiment essentielle à la façon dont cette narration circule et fonctionne. Contrairement à beaucoup de dessins animés, les personnages de l'âge BoJack et leur look reflètent la culture américaine et le style de l'époque. Quand on rencontre un personnage comme la star pop troublée Sarah Lynn, son look est différent de l'époque dans laquelle nous la voyons. 2016 Sarah Lynn semble différent de Sarah Lynn début 2000 et totalement différent du milieu des années 90 Sarah Lynn. Ce n'est pas seulement le casting principal qui a un sens de la mode. Chaque personnage, y compris tous les personnages de fond de ce spectacle, est distinctement emblématique. Vous pouvez activer ce spectacle à n'importe quelle scène et voir tous les personnages vivre leur propre vie bizarre. Je vais lire quelques citations de Mme Hanawalt que nous traversons les feuilles de modèles de personnages de l'émission. D' après une entrevue avec Beach Media, Hanawalt dit : « Je veux vraiment que tout soit très spécifique. Je veux juste que les choses soient uniques et je veux penser à des gens particuliers que je connais. Quand je dessine un personnage, je veux le baser sur une robe que j'ai vue, que je ne peux pas sortir de ma tête ou souvent quand je demande à Raphaël, le créateur du spectacle, qu'avez-vous à l'esprit pour ce personnage particulier ? Il sera comme Julia Roberts comme un kangourou. C' est un bon point de départ pour moi. » Cette prochaine citation est tirée d'une interview sur peoplemagazine.com. Hanawalt décrit le choix de la tenue d'un personnage. « D'abord, j'ai lu le script. Ensuite, je note des notes sur les personnages principaux. Je pars toujours de ceux qui semblent les plus amusants à dessiner. Ensuite, je tire des images de blogs de mode, photos de piste et de ma pile de magazines de mode japonais. J' aime faire correspondre différents looks et couleurs aux personnalités des personnages ». Puis elle a demandé : « Pourquoi pensez-vous que la mode est un élément important de votre travail ? » Hanawalt dit : « La mode est pour tout le monde. Il ne s'agit pas seulement de vêtements et de mannequins hors de prix sur la piste. Nous choisissons tous ce que nous portons tous les jours et je suis intéressé par ces choix. Même si vous portez le même sweat-shirt à capuche ennuyeux tous les jours, c'est une décision qui raconte une histoire sur vous. » J' adore ça parce qu'il y a un dessinateur et un illustrateur, je cherche constamment des moyens de faire en sorte que mes dessins se sentent réels sans sacrifier cette vibrance surréaliste d'un monde de dessins animés. Pour moi, BoJack prouve comment la mode, en particulier les modèles, peut rendre un monde réel. utilisation du motif, de la couleur et du style par Hanawalt est quelque chose qui rend BoJack vraiment unique. Quelque part là-bas, il y a un petit garçon à tête qui est genre, « Hé, je suis une icône de la mode de dessin animé depuis les années 1950. » Et à cela, j'aimerais dire : « Va voler un cerf-volant, Charlie Brown. » 11. Projet : Paramètres, outils, raccourcis: Il est temps de passer à la section projet de classe du cours. Vous allez commencer par ouvrir Adobe Photoshop. Au moment de cet enregistrement, je travaille dans Creative Cloud version 2019. Il est fin décembre 2018. Si vous avez récemment effectué une mise à jour, il s' agit de la même version que vous utilisez. Dans ce chapitre. Nous préparerons notre fichier Photoshop, examinerons certains outils, et ce sont des raccourcis. Commençons par ouvrir un nouveau document. Je vais travailler dans un format spécifique, qui est configuré pour ma classe Skillshare. J' utilise 1920 par 1080 HD 300 pixels par pouce. 1920 par 1080 est une résolution avec un rapport d'aspect 16-9. C' est l'équivalent des formats TV HD. Vous pouvez utiliser le même format que moi ou vous pouvez réviser votre ratio. Mais je recommande, en gardant les pixels par pouce au moins 300 pour la qualité d'impression. Avant d'entrer dans les outils, permettez-moi de décrire comment je suis assis dans mon espace de travail. J' ai ma tablette de dessin juste en face de moi. C' est un second moniteur connecté à mon iMac. Je suis droitier, je garde mon clavier juste à gauche à une portée confortable de ma main gauche parce qu'il y a des raccourcis clavier j'utilise constamment pendant que je dessine avec ma droite. La première étape de notre processus, sera de faire un croquis rapide pour être encré puis coloré plus tard. Je vais passer à un crayon. Je suis plus à l'aise avec un crayon bleu non photo. Vous pouvez esquisser avec le graphite gris ou noir habituel. Mais j'aime le bleu parce qu'il y a un beau contraste entre le bleu et le noir de mon travail final. J' utilise les pinceaux d'art de Kyle T Webster. Vous pouvez vraiment utiliser n'importe quel pinceau par défaut. En fait, je pense que beaucoup de Kyle sont maintenant intégrés dans Creative Cloud. Lorsque vous téléchargez Photoshop, vous obtenez probablement l'ensemble d'encrage, de dessin, de pinceaux de peinture de Kyle Webster. Si vous voulez parcourir les brosses Kyle Webster, vous pouvez aller dans le menu, Obtenir plus de pinceaux et télécharger d'autres ensembles pendant que je suis en train de dessiner, et encore une fois, il ya quelques raccourcis clavier de base que je garde à portée de main, pour rationaliser mon processus. première est la touche B, qui est le raccourci de brosse du clavier. L' EK est le raccourci de l'outil Gomme. Vous pouvez basculer d'avant en arrière facilement entre le B et E. Je suggère de ne pas obséder overeffasing. Effacer les engrenages et mon processus créatif pendant que je dessine. Je suggère d'éviter la gomme, autant que possible. Je trouve aussi très utile de pouvoir ajuster la taille de la brosse pendant que je travaille. La touche de support gauche votre clavier réduira la taille de votre brosse et la touche de support droite augmentera la taille de votre brosse. Un autre raccourci qui va nous aider, surtout quand nous entrons en couleur, est de maintenir la touche Alt ou Option enfoncée sur notre clavier. Cela bascule votre pointeur sur l'échantillonneur de couleurs. Si vous devez modifier rapidement couleur de votre pinceau, sélectionnez votre outil et regardez la barre d'outils active, vous verrez un curseur intitulé lissage. Cette fonction vous aide à lisser les secousses de votre ligne pendant que vous dessinez. Dans le curseur, vous pouvez entrer une valeur comprise entre 1 et 100. La valeur plus élevée, signifie plus de lissage, appliquée à votre geste. Les paramètres de l'outil de lissage, ce moment, sont définis par défaut. Si vous ouvrez ce petit menu d'engrenage, vous verrez que vous avez un ketchup de course et réglez le zoom. Stroke ketchup signifie que la ligne continuera à compléter son chemin, même après avoir arrêté le dessin, vous voudrez probablement garder cela sur. Ajustez le zoom, diminuez votre lissage lorsque vous zoomez sur votre illustration. Cela préservera le geste global de votre art au trait. Je recommande certainement de garder cela. Les autres paramètres sous l'engrenage sont un sujet pour une autre classe, mais il y a beaucoup de potentiel en eux, et si vous voulez explorer cela plus loin, je recommande de googling, lisser les coups de pinceau dans Photoshop CC pour en savoir plus. lissage peut être un peu distrayant pendant que vous esquissez, vous voulez probablement qu'il soit assez bas. Vous pouvez ajuster le lissage à la volée avec le raccourci clavier, maintenez la touche Option ou Alt enfoncée et appuyez sur une touche numérique. Maintenir l'option et appuyer sur une touche définira votre option de lissage à 10 pour cent, et les deux touches diront que vous lissez à 20 pour cent et ainsi de suite. Ce sont les outils de base et les raccourcis qui nous aideront à esquisser à l'encre notre illustration. Parlons maintenant de trouver l'inspiration pour ce premier croquis. 12. Projet : Inspiration et lignes directrices: Voici un rapide coup d'oeil à mon projet de classe entièrement coloré. L' illustration a été inspirée des références de Steven Universe et Bojack Horsemen. Nous avons regardé dans le style dans le personnage Chapitre de cette classe. Avant d'entrer en couleur spécifiquement, nous devons esquisser un design d'encre qui va nous mettre au défi d'utiliser la théorie des couleurs dans la pratique professionnelle dont j'ai parlé dans les premières parties de ce cours. Le thème de mon projet de classe est le gardien élémentaire. Vous allez dessiner, encrerer et colorier un personnage humanoïde dont la personnalité et style sont soulignés par des éléments naturels. Tout d'abord, nous avons besoin de quelques images de référence pour inspirer notre design de personnage. Pour relier mon projet à la citation qui a inspiré toute cette classe pour commencer, je suggère que nous faisons tous référence au travail de Georgia O'Keeffe. Pourquoi O'Keefe ? Eh bien, pour commencer, c'est une artiste avec un vaste travail qui est bien documenté. Vous avez beaucoup à choisir. L' autre raison est que son travail couvre une très large gamme de couleurs naturelles, formes et d'énergie émotionnelle. Il y a des chances que vous trouviez quelque chose qui vous inspire. Je pense qu'elle est parfaite pour la classe et les sujets que j'y aborde. Mais si vous avez un artiste préféré qui travaille avec la nature et la couleur de manière similaire, par tous les moyens, utilisez-les comme référence. En fait, des points bonus si vous utilisez un artistes impressionnants que je n'ai jamais entendu parler auparavant. Après avoir parcouru le travail d'O'Keeffe sur Pinterest pendant un certain temps, je me suis installé sur ce tableau appelé fleur bleue. J' aime les formes, les formes et l'équilibre de la lumière et de l'obscurité dans cette image. Il a un dynamisme, mais il a aussi une obscurité au centre, littéralement. Je veux vraiment rendre ce projet de classe accessible à tous les niveaux de capacités de dessin. Avant de partager mon processus d'esquisse ce design de personnage final, laissez-moi passer en revue quelques lignes directrices qui aideront même un artiste débutant à créer quelque chose de cool. La première règle du projet de classe est de garder les proportions humaines. Commencez par un cercle pour la tête, puis ajoutez un rectangle pour le torse qui est à peu près la même hauteur que la tête, mais légèrement plus large. Maintenant, ajoutez un rectangle d'environ la taille de trois torses empilés l'un sur l'autre. Cela représente les dimensions des jambes. Ajoutez maintenant des rectangles trop longs de chaque côté pour représenter les dimensions du bras. Séparer les extrémités du rectangle en blocs où les mains seront. Maintenant, séparez les jambes, les pieds et la région pelvienne. Maintenant, vous avez essentiellement bloqué les proportions d' une personne et il est prêt à construire un design à l'intérieur de. Sur ce formulaire de base, vous pouvez commencer à ajouter des éléments de design simples inspirés de votre peinture de référence. Expérimentez la séparation du formulaire avec quelques lignes, mais ne compliquez pas trop la conception, surtout si vous êtes nouveau dans Photoshop, vous voulez vous donner le temps de maîtriser les outils sur un projet simple avant d'entrer dans quelque chose de plus ambitieux. À l'aide de vos raccourcis pour le B pour le pinceau et E pour l'effacement, parcourez le croquis faisant ressortir la personnalité du personnage en ajoutant de l'éclat et un point d'accent. Nous aurons besoin de ces caractéristiques distinctes du design pour réfléchir quand nous allons ajouter de la couleur. Une fois que vous avez un croquis, vous êtes assez satisfait, envisagez de bloquer certaines parties de la conception pour avoir une idée du potentiel de contraste et de l'étape finale de la coloration. À ce stade, nous avons un croquis décent qui pourrait vraiment fonctionner. Si vous êtes nouveau dans le dessin, n'hésitez pas à garder votre design simple et orienté vers l'avant. Mais si vous voulez un peu un défi, esquissez votre personnage à trois quarts de tour, c'est la façon la plus populaire d'illustrer un personnage de dessin animé. Cet angle crée plus de possibilités pour nous d'utiliser sources de lumière dans un stade ultérieur de notre conception de couleur. Nous avons des directives simples et solides pour notre projet de gardien élémentaire. Vous n'avez pas besoin de vous pousser à créer une esquisse et une illustration étonnantes, gardez la simplicité. Dans le prochain chapitre, nous allons passer à un processus que j'appelle l'esquisse en trois étapes. Je travaillerai sur mon propre niveau de compétence. Je vous demande juste de trouver un endroit où vous êtes à l'aise pour attirer et commencer à partir de là. 13. Projet : Esquisse en trois étapes: esquisse en trois étapes est l'idée que trois itérations d'un dessin de personnage donneront le meilleur équilibre entre l'attrait illustratif et la clarté du design. Dans l'une de mes autres classes intitulée Illustration By Design, je parle de la façon dont les principes des arts graphiques peuvent améliorer la clarté du design dans une illustration. esquisse en trois étapes est une approche similaire à l'art. Vraiment, il s'agit d'être dans la bonne mentalité à des étapes cruciales de votre processus créatif. La première itération de votre croquis doit révéler le type physique du personnage. L' artiste devrait se concentrer sur la proportion et la forme générale de ses choix de conception. Les formes de vos personnages sont-elles douces et lourdes ? Sont-ils légers et pointus ? Pour moi, je veux que mon gardien élémentaire soit une figure de haut rang, quelqu'un d'autorité. Tout en gardant les proportions humaines à l'esprit, je dessine des formes qui se sentent grandes et stables. Ce personnage n'est pas une guerrière, elle n'a pas de forces physiques apparentes ni de costumage athlétique. Elle est conçue pour être une figure de respect. Se tenir debout et parler sont ses rôles dans sa culture. Ses costumes devraient se sentir gracieux et équilibrés. Comme les formes de fleurs O'Keeffe qui l'inspirent. Lorsque j'ai réussi à établir les proportions sous la forme générale de ce caractère, j'abaisse l'opacité du premier calque d'esquisse à l'aide du curseur d'opacité dans l'onglet Calque. Dans ce cas, je vais changer la couleur de mon crayon de croquis en rouge, pour l'aider à mieux apparaître dans la vidéo. Gardez le bleu si vous le souhaitez, mais il est parfois utile d' avoir un peu de contraste lorsque vous superposez votre esquisse. itération 2 consiste à affiner les traits physiques des caractères et à faire ressortir les éléments de conception. Je commence habituellement par le visage et les chapeaux parce qu'ils sont les plus étroitement liés à la personnalité du personnage. Vous pouvez voir la couronne sur ce personnage est inspiré par les formes centrales de la peinture O'Keeffe. Le visage de mon personnage va être long et étroit et je peux souligner cette idée en lui donnant un nez plus long, des sourcils levés et de grandes oreilles. Je veux que le coût humain soit superposé. Je sépare sa jupe de son haut et place une pierre royale à son centre. Cela ressemble à la petite forme jaune dans le tableau, probablement le stigmate, ce pollen attirant une partie de la fleur. Ce point d'accent représente-t-il sa féminité ? Je suppose que c'est un sujet pour un autre cours, alors on va passer à autre chose. Sa moitié inférieure, ce qui signifie tout ce qui est au-dessous de la taille, y compris les mains dans ce cas, va s'évanouir pour améliorer le sentiment de stabilité. C' est comme si elle grandissait hors du sol. Vous remarquerez ici que j'ai une ligne verticale qui traverse le centre de la figure, cela m'aide à établir ce tour de trois quarts de la pose du personnage. Maintenant, je commence à donner plus de forme et de s'épanouir à la robe des personnages. Essayons de représenter les pétales de la peinture dans la partie arrière de la robe. Cela donne au personnage un peu plus d'une présence fantastique. Maintenant, je vais éteindre ce premier croquis bleu et prendre un moment pour évaluer le deuxième croquis. Sans la distraction de cette première itération, je peux affiner certains détails de mon personnage. Je vais retourner au visage et lui donner plus de personnalité. Je veux pousser le côté auteur de sa personnalité et lui donner une structure faciale légèrement angulaire la plus profonde. Je veux que le personnage se sente un peu au-delà de l'humain. Je fais ce que je qualifie de pousser les formes du croquis, c'est-à-dire les étirer et les distinguer. Je vais aussi essayer de tourner dans les pétales derrière la tête en quelque chose d'une couleur royale, quelque chose qui encadre son visage et se sent totalement impraticable. Ensuite, j'apporte un peu plus de forme aux pétales de robes. L' itération 2 est terminée. Ce n'est que lorsque je sens que j'ai vraiment perdu mon chemin dans mon design je reviens à cette première itération. Dans ce cas, je pense que mon design est fidèle à mon intention initiale. Je vais passer à la troisième itération sans regarder en arrière. Encore une fois, j'abaisse l'opacité de la couche et je vais revenir à ce crayon bleu avec une taille de pinceau légèrement plus grande, de sorte que je puisse obtenir plus de variation de poids dans mon travail de ligne. Ça commence mon dernier croquis. Maintenant, cette fois, mon objectif est de rationaliser ce design pour une lisibilité maximale. La troisième itération ne consiste pas à ajouter plus de détails, cas échéant, il s'agit de les enlever. Il s'agit de simplifier et de mettre l'accent la personnalité et la présence physique du personnage. La personnalité de mon personnage vient des formes du visage. Les caractéristiques accrues impliquent un sentiment d'autres connaissances du monde. Les cheveux derrière votre couronne donnent un petit soupçon à un vrai moi et implique peut-être presque son âge. Appelons cela son humanité, manque d'un meilleur terme extraterrestre. Dans la troisième itération, une fois que je m'éloigne du visage, j'essaie d'esquisser dans des formes larges et confiantes et de penser à la silhouette globale mes formes créent et moins aux détails spécifiques d'une forme singulière. Vous remarquez que j'ajoute quelques lignes lâches sur la robe, le torse et la couleur pour apporter un peu de rondeur et de profondeur à l'esquisse. Maintenant, selon le style d'encrage, ces lignes peuvent ou non être utilisées. En ce moment, ce ne sont que des notes à considérer dans ma prochaine phase d'encrage. On y va. C'est mon croquis fini. croquis en trois étapes, c'est plus une philosophie qu'une pratique. Vous pouvez être plutôt un esquisse en deux étapes un esquisse en quatre étapes ou un esquisse en trente étapes. Peu importe le nombre d'esquisses que vous faites réellement, condition que, dans ce processus, vous créiez le temps de clarifier complètement les éléments de conception de votre personnage et de les utiliser pour appliquer la personnalité des dessins. 14. Projet : Encrer: Au fur et à mesure que je m'apprête à écrire mon croquis, je vais ajuster quelques-uns de mes paramètres de pinceau dans Photoshop pour s'adapter à mon propre style d'encrage. Ces paramètres vont bien sûr être un peu variés pour chacun d'entre vous. Pour ce projet, je travaille avec un pinceau du dossier des brosses générales étiqueté dur rond, et j'utilise une taille de pointe de 10. Maintenant, si vous regardez dans votre barre de paramètres à côté du curseur de lissage, vous verrez une icône pour la pression du pinceau. On dirait un peu bulls-eye, allumé que si vous voulez utiliser votre tablette brosses sensibilité à la pression. Puisque ma pointe de brosse est réglée sur une taille assez petite, vous ne verrez pas beaucoup de variation dans mon poids de ligne, ce sera des changements subtils. Si l'encrage est un nouveau concept pour vous et que vous n'avez pas encore développé un geste d'encrage confiant, vous voulez faire la même chose, garder la taille de votre pinceau petite. Si vous avez une grande taille de brosse et beaucoup de variation dans votre pression de main, vous allez obtenir un poids de ligne vraiment incohérent. Pour ce projet, nous voulons des lignes propres, lisses et uniformes. Crois-moi, ça va rendre la coloration beaucoup plus facile. En tant que quelqu'un qui encrait depuis longtemps, j'ai un geste de ligne assez confiant, donc je n'ai pas besoin de beaucoup de lissage. Souvent, mon lissage est réglé à environ 10 pour cent, mais avec ce design spécifique, je sais aussi que j'ai des courbes massives dedans, et je ne veux pas qu'elles soient toutes agités, donc je vais régler mon lissage plus haut que d'habitude et je vais aller avec environ 20 pour cent. Rappelez-vous, vous pouvez ajuster le lissage à la volée en maintenant la touche Alt et en appuyant sur un nombre sur le pavé numérique. Mes objectifs avec l'encrage sont de créer des lignes simples et propres et d'être épargnant avec la texture. Vous pouvez voir que les cheveux du personnage et aspect que j'ai décrit comme l'humanité du personnage, est vraiment le seul endroit, je suis en train d'ajouter des détails supplémentaires à mon encrage. C' est juste ma petite façon d'apporter un peu de mystère et peu de profondeur au design de ce personnage. Le style de bande dessinée est à nouveau l'un des styles d'encrage les plus clairsemés là-bas. En raison du fait que vous êtes susceptible de concevoir un personnage qui devra être esquissé et encré encore et encore. Qu' il s'agisse d'un personnage pour une bande dessinée à plusieurs panneaux ou d'un grand projet d'animation, le défi de concevoir un personnage de dessin animé est d' être excentrique et passionnant dans son concept, mais réservé à l'exécution. Considérez le rôle de chaque ligne que vous encrez, est-ce que cela améliore votre design ? Sinon, peut-être épargne-toi l'effort et décide qu'il n'a pas besoin d'être là. Une fois que j'ai encré toutes mes lignes importantes, je suis prêt à passer à l'événement principal, la modélisation 3D. Non, je plaisante, c'est de la couleur. Je voulais juste m'assurer que tu fais toujours attention. 15. Projet : Blocage des couleurs: Le blocage des couleurs est l'endroit où vous allez établir la palette de couleurs de base de votre design. Avant de commencer à bloquer cependant, parlons de l'utilisation de la roue de couleur. Après avoir décidé qui est mon personnage, la roue de couleur devient ma prochaine étape de développement créatif. Sur color.adobe.com, vous pouvez trouver cet outil dandy pratique pour concevoir des harmonies de couleurs. Vous pouvez utiliser ce menu déroulant ici pour sélectionner un style d'harmonie. Les couleurs analogues sont celles trouvées dans un coin étroit de la roue de couleur. Une harmonie des couleurs monochromatiques utilise une seule teinte à travers une gamme de valeurs de la lumière et de l'obscurité. Les couleurs complémentaires sont des opposés polaires qui créent un contraste attrayant et vous avez également quelques autres options. Je suis un grand fan des triades de couleurs. Pourquoi ? Laisse-moi te montrer. Voici un petit dessin d'un elfe dans Explorer. Maintenant, faisons monter la roue de couleur. Un jeu de couleurs triadiques est composé de trois points espacés uniformément sur une roue de couleur. Cette formule est un excellent raccourci pour créer des schémas de couleurs vibrants et harmonieux ; ce qui est parfait pour mon style de bande dessinée. Vous pouvez voir mes sélections de couleurs plier les règles d'un triangle uniformément équilibré, mais j'essaie toujours de rester fidèle aux teintes de couleur une fois que je commence à peindre. Je n'utilise que des variations de valeurs claires et sombres pour briser les zones à contraste élevé. Maintenant, la règle générale avec la couleur de bande dessinée est qu' une palette de couleurs restreinte a plus potentiel pour la clarté narrative et la connexion émotionnelle. Maintenant que vous savez où je vais avec ma théorie des couleurs, revenons à notre personnage gardien élémentaire et construisons une palette de couleurs en utilisant la triade et la peinture d'O'Keeffe. Regarde ça. Est-ce juste une coïncidence que ses harmonies de couleurs principales soient triadiques ? Je ne pense pas, mais mettons ces options de couleur de côté un instant et configurez notre espace de travail pour un blocage rapide et efficace des couleurs. Tout d'abord, j'ai défini un dossier avec mon calque d'encre et mes calques d'esquisse. Il est très intelligent de s'organiser à ce stade ; notre système de superposition est sur le point de devenir beaucoup plus compliqué avec l'ajout de couleur. Maintenant que je suis organisé, je sélectionne ma couche d'encre et je prends l'outil de baguette magique, qui est aussi le raccourci W sur le clavier. Je clique sur le fond blanc de ma page. Ensuite, je vais dans le menu de sélection et sélectionnez « Inverse » ou utilisez le raccourci Ctrl Shift I. Maintenant, j'ai mon personnage pris dans un grand lasso. Mais j'ai un petit problème : si je fais un zoom avant sur l'illustration au trait, vous pouvez voir que ma sélection inclut quelques pixels gris autour des bords. Je ne veux pas que mon blocage de couleur soit perdu en dehors de mon dessin de personnage, je dois donc modifier cette sélection. Je retourne au menu Sélectionner en haut et fais défiler à mi-chemin jusqu'à « Modifier ». Je sélectionne « Contrat » et je reçois une nouvelle fenêtre contextuelle. Dans ce menu, je peux réduire ma sélection actuelle d'une plage de pixels. Pour l'épaisseur de mon dessin au trait, je vais essayer de contracter de trois pixels, ce qui place ma sélection au milieu de l'art au trait. Eh bien, pour la plupart. Mais il semble qu'ici, dans la ligne étroite du doigt minuscule du personnage, ma sélection tombe à l'intérieur de l'art de la ligne. Si une sélection ne fonctionne pas pour vous, vous pouvez également revenir dans 'Sélection' et 'Modifier' et choisir 'Expande'. Je vais agrandir d'un pixel et je pense que c'est aussi proche de la perfection d'une sélection que je vais obtenir. Maintenant que j'ai ma sélection, je crée un nouveau dossier pour mes calques de couleur. Sur ce nouveau calque, je vais créer une silhouette blanche derrière mon personnage ; de cette façon, plus tard, lorsque je mélange des calques ensemble, je n'ai jamais à m'inquiéter de l'interaction de mes couleurs avec les éléments d'arrière-plan. Il y aura toujours un tampon blanc entre le personnage et l'arrière-plan. Je vais sélectionner « Blanc » à partir de ma roue de couleur et appuyez sur la touche « G  » sur le clavier pour sélectionner l'outil de seau de peinture. Je veux également rechercher dans mon menu « Options » ici et m'assurer que « Tous les calques » est désactivé afin que mon dessin au trait n'affecte pas mon remplissage. Ensuite, je remplis ma sélection. Je vais éteindre le journal pour que vous puissiez voir ce que j'ai fait. Maintenant, je vais libérer ma sélection en sélectionnant « Désélectionner », ou en maintenant Commande D sur le clavier. Je vais utiliser Expand et Contract assez fréquemment lorsque je passe à travers mon stage de blocage des couleurs, donc je vais attribuer des raccourcis clavier aux deux fonctions. En bas du menu Edition, vous trouverez le menu Raccourcis. La commande L va être mon raccourci Expand. Il semble remplacer un raccourci de menu Niveaux, mais ce n'est pas quelque chose dont j'ai besoin à portée de main, donc cela ne me dérange pas ; et je mets la sélection Contract à la commande K sur le clavier. Maintenant, je vais ramener ma triade de couleurs et commencer à bloquer. Je crée un nouveau calque au-dessus du calque silhouette blanche, je touche W sur le clavier pour sélectionner l'outil de baguette magique, et je clique à l'intérieur de la robe. Maintenant, je maintiens la commande K pour afficher mon menu de sélection Développer et étendre ma sélection d'un pixel. Ensuite, j'appuie sur G pour mon outil de peinture et remplissez la sélection. Comme je l'ai mentionné dans un chapitre précédent sur la coloration des dessins animés, la couleur devrait raconter l'histoire d'un personnage ; donc, avec ma gamme d'options ici, je vais utiliser le bleu dans ma triade comme couleur de robe. Le bleu a une dignité royale pour lui. J' utilise la commande D pour désélectionner ma sélection. Maintenant, je passe à la peau. J' appuie sur W sur le clavier pour sélectionner l'outil de baguette magique, et je clique à l'intérieur d'une région de l'habillage. Ensuite, je maintiens « Maj » pour ajouter à la sélection et cliquez à l'intérieur des autres régions de l'habillage. Une fois que j'ai sélectionné toutes les zones d'habillage, je maintiens la touche « Commande K » pour afficher mon menu de sélection Développer et étendre ma sélection d'un pixel. Ensuite, j'appuie sur « G » pour mon outil de seau de peinture et remplissez la sélection. Maintenant, la photo de la peinture que j'ai n'est pas aussi vibrante que je le veux pour mon dessin dessiné, donc vous remarquerez que je n'utilise pas les tons raffinés de la triade d'échantillons, mais je reste fidèle à la forme de la triade. Je remplirai le reste du costume avec le vert, et je lui ferai correspondre la pierre élémentaire à sa peau. Je vais aussi remplir les cheveux en blanc pour l'instant que vous ne pouvez pas vraiment voir mais, croyez-moi, c'est là. Maintenant, j'ai terminé mon blocage de couleur de base. Vous pouvez voir comment suivre les lignes directrices de base de la triade de couleurs peut vraiment vous amener à un jeu de couleurs décent avec beaucoup de dynamisme et de contraste sans beaucoup d'efforts. Vous remarquerez également que j'ai fait tout mon blocage de couleur sur un seul calque ; cela rend beaucoup plus facile d'effectuer des ajustements, qui est exactement ce dont nous allons parler dans le prochain chapitre. 16. Projet : Affiner les teintes: J' ai établi une harmonie décente des couleurs de base, mais appelons ceci mon schéma de couleurs brouillon rugueux. Je veux toujours une certaine liberté pour faire des changements et pour ce faire, j'ai besoin d'être capable d'ajuster mon harmonie des couleurs tout à la fois. Je vais aller dans le menu Image, puis sélectionner, Réglages, et sélectionnez, Teinte/Saturation. C' est là que commence la fête. Avec le curseur de teinte, je peux maintenir l'équilibre de ma triade de couleurs tout en parcourant différents jeux de couleurs. C' est un moment chaotique, c'est sûr. Mais après toute cette planification et cette théorie, un peu de chaos est une bonne chose pour votre art. Comment je fais cela comme je viens de flasquer à travers certaines options jusqu'à ce que quelque chose attire mon attention. Je suis vraiment attirée par ce rouge profond pour la robe des personnages. Il a ce champ royal que j'ai aimé dans le bleu, mais le rouge est une couleur plus puissante qui convient à ma description du personnage, est un aristocrate de haut rang. À ce stade, je veux que vous compreniez que l'utilisation de la couleur est tout au sujet du contexte. Il ne s'agit pas d'un seul choix de couleur. C' est à propos de la façon dont ils travaillent tous ensemble. Avec cet arrangement de couleurs, je sens vraiment capable d'affiner l'individualité des personnages. 17. Projet : Saturation et valeur: L' œil humain est très sensible aux couleurs. Lorsqu' un artiste utilise la couleur dans une composition, le contraste entre les couleurs peut créer ou rompre une relation avec une image. moment, je dirais que cette image a un schéma de couleurs à haute tension. Oui, c'est harmonieux comme on l'a dit tout à l'heure, mais c'est un peu dur pour les yeux. Ce sont des sommets et pas de vallées. Maintenant, nous savons qu'il y a plus d'aspects à la couleur que la teinte. En fait, je pense vraiment que la réponse humaine à la couleur est beaucoup plus sur le contraste de l'image que sur les couleurs utilisées. Les niveaux de contraste proviennent de deux caractéristiques distinctives de la couleur : la saturation et la valeur. Parlons d'abord de saturation. Pour moi, la saturation est comme la force vitale intérieure de votre couleur. Des niveaux élevés de saturation obtiennent votre cœur en course. Beaucoup de saturation attire certainement l'attention d' un spectateur mais peut vraiment épuiser rapidement l'œil. Dans le dessin animé, il y a deux côtés à la saturation, il peut être utilisé pour créer un attrait heureux pour les enfants et exagérer une réalité. Des niveaux de saturation plus faibles peuvent faire ressortir une humeur sombre et peuvent rendre une histoire ou un personnage un peu plus mature ou plus ancré. Vous remarquerez juste en dessous du curseur de saturation est le curseur de lumière qui est techniquement le curseur de valeur. Je joue avec ça, mais on parlera plus de valeur dans une minute. Comme avec la teinte, je les déplace jusqu'à ce que je sois heureux. Mes paramètres finaux sont juste des changements vraiment subtils. Je n'ai réduit la saturation que de 13 pour cent et la légèreté de 7 pour cent. Cela peut ne pas sembler une grosse affaire, mais c'est juste assez pour donner à mon image un peu plus sombre. Alors maintenant que j'ai altéré l'énergie des couleurs, nous allons apporter un peu de réalité et de profondeur visuelle au personnage en jouant avec la valeur. Pour la plupart, la valeur est l'impact environnemental de votre couleur. Cela signifie les ombres de votre design. J' aime colorer mes ombres et mes surlignements en utilisant des calques configurés avec des masques d'écrêtage. Vous pouvez appliquer un masque d'écrêtage à un calque en cliquant avec le bouton droit de la souris et en sélectionnant « Créer un masque d'écrêtage » au milieu du menu des options de calque. Lorsqu' un masque d'écrêtage est appliqué à un calque, vous lui avez dit que ses limites visuelles sont définies par un calque de base qui est celui en dessous. Je sais que c'est déroutant, mais vous pouvez voir que pendant que je peins des ombres sur ce nouveau calque avec un masque d'écrêtage appliqué, aucune couleur ne s'échappe des limites du calque de couleur noire. Cela peut vraiment me faire gagner du temps parce que maintenant je n'ai plus à m' inquiéter de voir la peinture sortir des bords de la silhouette de mon personnage. Vous pouvez empiler plusieurs calques avec des masques d'écrêtage, l'un au-dessus d'un autre, et ils référenceront toujours ce calque de base. Vous pouvez même utiliser le calque silhouette blanche que nous avons créé comme calque de base pour éviter tout débordement de l'un de vos calques de couleur. Permettez-moi de souligner d'autres paramètres de mon calque d'ombres. « Le style du travail d'ombre » est un choix artistique vraiment personnel, et c'est comme ça que je le fais. J' ai défini le mélange d'un calque sur « Color Burn » et j'abaisse l'opacité à 30 pour cent. J' essaie de faire toutes mes ombres pour un projet avec la même couleur pourpre profond. Pour une raison, j'aime la façon dont ce violet profond réagit à la plupart des autres couleurs sur la roue de couleur et, plus important encore, cela m'aide à garder mes ombres cohérentes au cours d'un projet comme une bande dessinée. Mes faits saillants se font essentiellement de la même manière. Mais au lieu de définir un calque sur « Color Burn », je l'ai défini sur « Color Dodge ». Lors de la création de lumières et d'ombres, j'essaie de garder à l'esprit la source de lumière d'une scène. Si vous ne savez pas d'où vient votre source de lumière, la position par défaut sera le coin supérieur droit, incliné vers le bas au visage du personnage. Imaginez une lumière de scène pointant vers un acteur. Mon approche de la valeur comporte deux facettes. J' utilise la valeur pratiquement. Je veux montrer la profondeur des objets et je veux cacher et mettre en évidence des aspects importants d'un design de personnage, mais j'utilise aussi la valeur narrative. Dans ce cas, les ombres changent la façon dont nous répondons au visage de ce personnage. J' ai ajouté une ombre sombre sous le sourcil pour donner à ce gardien un peu plus d'intensité et une sensation presque menaçante. En ce qui concerne les réglages des gestes et des pinceaux, mon style d'ombrage est fondamentalement le même que mon style d'encrage. J' utilise le même pinceau et différents niveaux de lissage pour créer des formes douces et pétillantes d'ombre et de lumière. Si ce dessin animé brillant ne vous plaît pas vraiment, essayez de passer à un pinceau plus texturé, comme une aquarelle ou un pinceau pastel. La texture va faire ressortir un sens plus impressionniste de la couleur dans votre travail, mais elle va aussi ajouter beaucoup plus de caractère. Alors expérimentez et voyez ce qui fonctionne pour vous. À ce stade, nous avons fini de colorier notre design de personnage. Mais rester autour, j'ai encore un chapitre bonus sur les effets de couleur supplémentaires, comme changer une scène de jour en nuit et colorier votre travail de ligne. 18. Bonus ! Couleur de ligne et lumière de bordure: J' appelle cela un chapitre bonus, parce que la coloration de la ligne et la lumière de la jante ne sont pas nécessaires à savoir pour terminer le projet. Ce ne sont que des techniques stylistiques amusantes. Commencera par la couleur de la ligne. C' est une façon assez cool et élégante de briser le contraste d'une illustration. Vous commencez par cloner votre calque d'encre, faites-le glisser vers le bas vers le nouveau bouton de calque et vous obtiendrez une nouvelle copie. Cliquez ensuite sur le bouton « Lock Alpha Channel » juste ici. Cela préservera chaque niveau de transparence de pixels sur un calque donné. Je vais essayer quelques couleurs différentes pour mon art au trait pour voir ce qui convient le mieux à ce projet. En maintenant l'option « Alt » pour passer à la pipette, je vais commencer par échantillonner la couleur de l'ombre profonde ici dans la robe. Ça a l'air assez bien, c'est vraiment similaire au noir que j'utilisais déjà. Passons à autre chose et essayons une couleur différente. Que diriez-vous de ce rouge plus léger dans la partie supérieure de la robe ? Souviens-toi, c'est une préférence personnelle pour moi, ça ne marche pas. J' aime le contraste de l'art au trait noir et si je m'éloigne trop de ce sentiment, cela semble diluer ou masquer les détails de l'illustration. Essayons une couleur totalement différente, diriez-vous de ce violet bleu foncé sous le bras ? Ça commence à changer l'humeur de l'ensemble de la pièce. Personnellement, je n'ai qu'une seule règle quand il s'agit de la couleur dans l'art au trait. Il doit correspondre à la valeur la plus sombre des arts. Vous pouvez voir avec ce bleu foncé, quand vous le mettez contre les rouges profonds, il semble plus léger et c'est une étrange tension. Vous ne voulez pas que vos contours se sentent plus légers que vos ombres les plus sombres. Personnellement, si je vais colorer l'art au trait dans ce travail, je vais utiliser ce rouge profond. Vous pouvez avoir toutes sortes de plaisir avec la couleur dans l'art au trait. Je vais saisir mon outil de brosse et j'aime utiliser un pinceau plus doux arrondi lors de la ligne de coloration. Disons que je veux faire quelques faits saillants sur les extrémités de la robe. Je vais alléger un peu ma lecture et peindre dessus. Grâce au canal Alpha, il ne sort pas de la ligne. Nous pouvons apporter un peu plus de détails à l'illustration en zoomant et en modifiant la couleur des yeux du personnage. Remarquez, je ne suis pas tendu pour ma triade de couleurs. J' utilise le rouge profond sur les yeux, si je décide d'ajouter plusieurs couleurs à mon dessin au trait, je ne le ferai que dans des endroits qui poussent les formes et la personnalité du personnage. Disons que cette couronne est un véritable point d'accent avec de belles lignes épurées. Je pourrais y aller et utiliser le bleu foncé et changer la couleur de la ligne pour correspondre. Je vais aller chercher un gris foncé pour donner un peu plus de caractère aux cheveux. Je pense que ça a l'air cool. Maintenant, donnons un coup à tout ce truc d'éclairage de jante. Imaginez que notre gardien élémentaire a erré dans une mystérieuse grotte de l'espace et qu'il a rencontré un garçon de rock radioactif, c'est juste hypothétique. L' éclairage d'une scène comme celle-ci a deux choses à traiter. Tout d'abord, c'est l'obscurité. Je vais désactiver mes anciens calques de surbrillance et d' ombre car ils ne s'appliquent plus ici. Ensuite, je crée un nouveau calque et crée un masque d'écrêtage. Je vais nommer cette nuit de couche. Ensuite, je le remplit d'un bleu profond et je le déplace vers le haut de ma liste de masques de coupe. Rappelez-vous qu'il est toujours sous les couches d'art linéaire, donc les taches colorées sur celles-ci restent visibles, je vais m'occuper de celles-ci bientôt, mais d'abord, je vais effacer le bleu là où se trouvent les yeux. Dans les mondes de dessins animés, les yeux brillent toujours dans l'obscurité. Ensuite, j'ai réduit la couche de nuit à 75 % d'opacité. C' est une façon de le faire, d'autres artistes aiment changer le calque de fusion pour se multiplier au lieu d'abaisser l'Opacité, c'est vraiment à vous de décider. Je vais changer la doublure des cheveux en rouge profond, je veux que les textures des cheveux apparaissent dans cette scène sombre. La lumière de jante est un terme de couleur élégante, ainsi qu'un terme de photographie pour un éclairage spectaculaire qui est retenu sur les bords les plus fins d'un sujet, mais il ne s'agit pas seulement d'une ligne, éclairage de jante doit représenter la forme des sujets. La première étape consiste à créer un nouveau calque et à créer un masque d'écrêtage. Maintenant, je mets ma couleur de premier plan à la couleur de la lumière des garçons Cave, maintenant j'ai attrapé mon outil Lasso, prendre une profonde respiration et le balancer autour d'une région du personnage où les garçons de la Cave brillent se refléterait hors de. Maintenant, j'utilise le raccourci clavier Alt, Option, Supprimer pour remplir cette sélection avec la couleur de premier plan Commande D pour désélectionner. Maintenant, je viens de travailler mon chemin autour du design. J' aime aussi penser à ce que la surface est faite lorsque je planifie mon éclairage de jante. Par exemple, la pierre dans poitrine de mes gardiens va refléter la lumière différemment que le tissu de la robe. Je ne veux pas en faire trop, ça s'appelle l'éclairage de jante bien sûr. éclairage de la jante n'est pas cool ? Tu n'es pas content que tu sois coincé avec elle et que tu regardes ce chapitre bonus ? Triste de dire que nous arrivons à la fin de la classe, il est temps de terminer. 19. Conclusion: Merci d'avoir regardé World of Color. J' espère que vous avez une meilleure compréhension de la théorie des couleurs maintenant, comment vous pouvez l'appliquer à votre propre illustration et art narratif, et bien sûr, quelques conseils et techniques pour améliorer votre flux de travail dans Photoshop. Lorsque vous créez votre propre tuteur élémentaire, inspiré par cette classe, bien sûr, s'il vous plaît le partager dans la section projet de classe. Partager votre travail et contribuer à la classe aide d'autres élèves à le découvrir, contribue à la tendance de la classe, ce qui m'inspire à faire plus de cours, et cela aide vraiment à bâtir la communauté autour de ma chaîne Skillshare. Avant que tu partes, j'ai quelques choses que j'aimerais partager avec toi. Si vous avez aimé World of Color, vous pourriez profiter de mes autres cours. J' en ai un sur l'art conceptuel, Drawing Imaginary Worlds, un cours d'illustration créative, mettant l'accent sur la conception de monstres marins et la création de créatures riches. Illustration by Design est une classe assez unique. Je regarde le mouvement de l'art nouveau et comment les artistes visuels adoptaient les compétences en graphisme. J' ai fait de ce cours un moyen d'aider les illustrateurs à réfléchir davantage à leurs compétences en matière de composition et de design. J' ai des cours de dessin animé de base. Une qui se concentre sur les visages et les expressions, une autre qui traite des corps et des poses, et une classe que j'appelle Ink and Illustration, un aperçu de certains de mes livres préférés pour enfants, illustrateurs et comment ils influencent mon style. Assurez-vous de suivre ma chaîne Skillshare. Je fais ce truc appelé Class Parents, où j'envoie essentiellement un bulletin d'information, où je parle de mon propre travail, d'artistes et d'illustrateurs, et de projets créatifs qui m'inspirent. Enfin, j'ai un site web où vous pouvez lire un tas de mes livres gratuitement. J' ai un thriller de science-fiction appelé The Exploit, une histoire d'aventure de monstre de mer pirate appelée l'Aquarium Drift, un conte surnaturel effrayant appelé Witch Knots, et toutes sortes d'autres choses que j'espère que vous apprécierez. Merci de rester dans le coin et je te verrai la prochaine fois.