Techniques de réalisation de films : créer des compositions cinématographiques

1. Introduction au cours: La création de compositions cinématographiques n'a pas besoin d'être compliquée. Vous n'avez pas besoin de grilles complexes. Des guides ou une formule magique pour une narration efficace. Dans ce cours, je vais clarifier certaines choses pour vous. le processus de création Faciliter considérablement le processus de création de compositions. Avoir des objectifs en photographie et cinématographie qui soient réellement tangibles et réalisables Je suis Sean Dykink. Je travaille dans le domaine du cinéma depuis 2005. Et j'ai passé des heures à analyser des compositions et leur contribution à la narration Ce cours traite du cadrage et de la composition et explique comment mettre en œuvre des techniques de composition pour raconter une histoire de manière efficace Que vous soyez un photographe ou un directeur de la photographie en herbe avec une certaine expérience ou peut-être aucune expérience ou peut-être aucune Ce cours est pour toi. Vous apprendrez par où commencer lorsqu'il s'agit de cadrer et de composer des stratégies de plan pour une narration efficace . Vous pourrez ainsi mieux comprendre certaines de ces règles de composition dont vous avez peut-être À la fin de ce cours, vous serez doté d'une stratégie pratique matière d'approche, de cadrage et de composition pour la narration Sur ce, plongeons-nous dans la classe 2. Projet de classe: Merci beaucoup d' avoir suivi ce cours. Je suis très heureuse de pouvoir participer à votre parcours de cinéaste Parlons du projet pour ce cours. fait, votre projet peut être aussi complexe ou aussi simple que vous le souhaitez. Prenez une photo, prenez plusieurs photos, créez une courte séquence de trois prises de vue. Assurez-vous simplement de démontrer le matériel appris et d' inclure, dans la mesure du possible, le processus de réflexion qui sous-tend votre projet. Une chose à garder à l'esprit est que de nombreuses leçons donneront lieu à des exercices, et même ces exercices individuels peuvent contribuer à votre projet de classe. Par exemple, ce court laps de temps provient de l'exercice de la leçon 8 et pourrait être utilisé comme projet de classe Et encore une fois, il n'est pas nécessaire que ce soit en timelapse. Il peut s'agir d'une seule image. Tous les exercices de classe ne doivent pas nécessairement être un grand chef-d'œuvre. Mais si vous êtes inspiré par un exercice en classe et que vous souhaitez créer un projet de classe à partir de celui-ci. Et je vous encourage à le faire. Tu t'amélioreras en matière réalisation de films quand tu le feras Ainsi, plus vous investissez dans les leçons et dans l'ensemble de la classe, plus vous en bénéficierez. Les exercices de réalisation de films n' ont pas besoin d'être des chefs-d'œuvre. Cela peut être aussi simple que de travailler sur le cadrage et la composition à l'aide votre smartphone et de simplement prendre des photos Cela m'amène à ce dont vous aurez besoin. Si vous avez une caméra capable d' enregistrer une vidéo, c'est très bien. N'importe quel appareil photo fera l'affaire avec votre caméra vidéo, votre reflex numérique, un téléphone. Lorsque j'ai envie de trouver une idée, ou que j'ai un cadre à tester et que je n' ai pas d'appareil photo même de téléphone pour utiliser mes doigts comme cadres et enregistrer les images dans mon esprit, le meilleur appareil photo avec lequel prendre des photos est celui que vous avez avec vous. Même si cela signifie que vous devez utiliser vos mains pour créer des cadres, comme le grand Steven Spielberg Il est important de s' amuser tout en apprenant. Alors ne vous prenez pas trop au sérieux et essayez de profiter du processus. Si cela ne vous plaît pas, faites une pause et revenez-y avec une nouvelle perspective ou un objectif précis en tête. Je ne vais pas vous proposer des exercices à chaque leçon, mais cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas tester ces théories et techniques au fur et à mesure. Ce n'est jamais une perte de temps. Ces leçons sont des exercices. Cela va accélérer votre expérience et vous permettre de devenir un meilleur cinéaste Je vous encourage donc vivement à vous montrer aussi pratique que possible. Parce que plus vous investissez vraiment dans quelque chose, plus cela doit porter ses fruits. Cela étant dit, passons à notre première leçon. 3. Communication visuelle: Il peut être difficile de déterminer quel est le secret visuel de l' histoire que vous racontez Et la façon dont le public interprète ce qu'il voit à l'écran dépend de nombreux facteurs différents public interprète ce qu'il voit à l'écran dépend Et certains de ces visuels peuvent être plus efficaces que d'autres. Dans cette leçon, nous allons donc explorer certains critères généraux pour aborder la communication visuelle par le biais de la cinématographie Et oui, ce n'est pas vraiment une surprise. Raconter l'histoire, c'est ce qui compte. Et c'est ce qui devrait guider notre cinématographie Et vraiment tous les aspects du cinéma. Lorsque vous vous approchez d'un cliché, demandez-vous : qu'est-ce que j' essaie de communiquer par le biais du cliché ? Et vous pouvez communiquer un certain nombre de choses par le biais de la cinématographie Le choc peut être de diriger votre regard vers un personnage ou un objet en particulier dans le cadre, exemple en communiquant l'importance de cette personne ou de cette pensée. Les raccourcis révèlent simplement l' emplacement géographique d'une scène, nous indiquent où se déroule une partie de l'histoire et aident à créer un contexte. Un choc peut également révéler au personnage qui il est, son point de vue, et cela s'étend sa relation avec les autres personnages son statut et à son pouvoir. Un choc peut également aider à communiquer grands thèmes de Saving Private Ryan, un thème important qui revient tout au long du film est la tragédie de la guerre. Cela est illustré par le mouvement de la caméra, la pellicule, la vitesse d'obturation et un certain nombre d' autres éléments cinématographiques Un cliché peut également communiquer des informations susceptibles de susciter un certain nombre d'émotions. Le film Zodiac, ce serait de la peur. Cette scène particulière manipule les sentiments du public envers notre protagoniste et ce personnage secondaire, la liste est longue Donc, pour simplifier les choses, et à mon avis, le cliché qui raconte le mieux une histoire, qui est le plus efficace et qui peut être un peu vague et peut-être un peu frustrant Mais dans ce cours, nous allons approfondir les détails de ce que cela signifie réellement. Et grâce à certaines théories et techniques de réalisation de films, j'espère qu'il sera beaucoup plus facile de comprendre Voici donc un exemple très simple que j'ai filmé et qui, je l'espère, illustrera ce point de vue qui consiste à réfléchir à ce que l'on veut communiquer par le biais d'une prise de vue. Nous avons ce type qui regarde son téléphone et nous constatons que son solde bancaire n'est pas vraiment là. Nous y sommes probablement tous déjà allés. Le stress de ne pas avoir d'argent. Ok, donc oui, rien de trop fou. Mais cela fait partie de la classe. Nous voulons filmer le plus grand nombre possible de ces petites séquences de plans. Nous pouvons donc continuer à expérimenter différentes idées de narration, différentes compositions, différents types de plans Donc, en fait, tout se résume à cette seule photo. C'est la raison pour laquelle j'ai voulu filmer ce film car j' aime bien cette partie de notre maison et je trouve que le bar ressemble presque à une trouve que le bar ressemble presque Cela m'a amené à réfléchir à des thèmes liés à ce sentiment d'être piégé. Et je me suis dit : « Eh bien, quelle est la chose qui fait que beaucoup de gens se sentent piégés par le manque de moyens financiers ? Je me suis dit que j' allais illustrer ce sentiment par une courte séquence. Maintenant, que cette idée vous vienne vraiment à l'esprit, en tant que spectateur, tout commence par cette intention, cette idée de ce que vous voulez communiquer par le biais de la prise de vue. L'étape suivante consiste à identifier le point d'intérêt. Le point d'intérêt est le ou les éléments visuels d'une prise de vue destinés à attirer l'attention du spectateur. Il n'est pas nécessaire qu'il s'agisse d'un point individuel avec le cadre. Il peut s'agir de plusieurs points. Et dans le cas de cette photo, il s'agit d'un certain nombre de choses à communiquer, d'une idée, communiquer ce thème du sentiment de contrainte et de piégeage Donc oui, bien sûr, j'essaie d'utiliser les barres verticales des rampes Et puis j'essaie aussi d' utiliser les couleurs, la lumière extérieure plus froide contrastant avec la lumière provenant d'une autre pièce Et le fait de me placer en dehors de cette lueur chaude dans des teintes plus froides raconte sa propre histoire, car les teintes froides peuvent indiquer une imagerie plus frappante ou, dans ce contexte, symboliser une sorte d'isolement Le fait d' inclure la profondeur de l'arrière-plan avec la table, des chaises vides et des fleurs sur la table donne également ce type d' imagerie intéressante où le public peuvent se faire leur propre idée de ce que cela signifie. Mais j'aime le vide des chaises et la façon dont cela peut contribuer à cet isolement, à l'encadrement et à la proximité de l' endroit où je suis placé par rapport au bord du Les carburants sont contraignants en eux-mêmes. Il n'y a pas beaucoup de marge de manœuvre ici, et cela peut créer une sensation de tension et de malaise chez le spectateur Enfin, nous avons ces lignes diagonales qui aident à guider l'œil à travers le cadre d'un élément à l'autre. J'essaie donc d'utiliser tous ces éléments pour raconter l'histoire. Bien entendu, ce ne sont que les décisions que je prends en matière de narration et mon intention quant à la façon dont je veux que ce plan en particulier touche le public ne signifie pas qu'il fonctionnera réellement, mais au moins l' intention et la justification sont là cadre auxquels vous ne voulez pas que votre public regarde sont tout aussi importants Les points du cadre auxquels vous ne voulez pas que votre public regarde sont tout aussi importants que le point d'intérêt du cadre . Donc, lorsque j'ai essayé pour la première fois le type de cadrage que je recherchais pour ce plan, j'avais initialement plan super large et je ne l'ai évidemment pas utilisé parce que, eh bien, il y a beaucoup de choses qui se passent dans ce cadre et de nombreux points d' intérêt inutiles qui peuvent empêcher le public se concentrer sur le sujet de l'histoire Mais comme je savais ce que je voulais communiquer dans le plan et où je voulais que le public regarde ou quel était le point d'intérêt, j'ai pu me concentrer, éliminer toutes les distractions et orienter plus étroitement attention du public les points d'intérêt visés Savoir quel est votre point d' intérêt vous aidera à déterminer par où commencer lors du cadrage de votre prise Et le point d' intérêt, bien entendu, n'a pas besoin d'être aussi compliqué. Il pourrait s'agir simplement de cette photo. L'intérêt est de montrer le solde bancaire. Il s'agit clairement de donner un contexte à ce que regarde le personnage. Et mon objectif était d'être le plus clair possible avec ce fond donc, tout est flou Je veux dire, même si je voulais couper le cliché encore plus près, je pourrais le justifier. Il s'agit donc uniquement de révéler une plus grande partie de l' histoire au public. Le point d'intérêt permet d'engager votre public et de comprendre où il doit regarder dans le cadre, qui l'aide à comprendre ce qui se passe dans l'histoire, à la fois sur le plan logique et sur le plan émotionnel et somatique Et dans quel domaine faites-vous vraiment du bon travail, vous pouvez susciter des émotions au sein du public Et je ne dis pas que cette séquence évoque une quelconque émotion Mais tant que vous abordez la cinématographie et votre séquence de plans avec ces intentions et ces objectifs en tête, c'est vraiment tout ce que vous pouvez faire espérez que dans le cadre et même pendant le montage, vos idées seront transmises au public de la manière prévue et qu' il les interprétera comme vous le souhaitez. C'est tout ce que tu peux faire. Si vous souhaitez sortir et commencer à filmer immédiatement , expérimenter avec vos propres centres d'intérêt et communiquer thème, le contexte et les idées à travers vos prises de vue. Fais-le à coup sûr. Et un autre exercice très accessible consiste à prêter attention aux émissions ou aux films que vous regardez. Réfléchissez à ce que chaque cliché essaie de communiquer. Quels sont les points d' intérêt dans le cadre ? Et pensez à l'endroit où votre regard est naturellement attiré et à l'endroit où vous pensez que le cinéaste veut que vous regardiez dans le cadre et que vous fassiez en sorte que les choses se rejoignent. Et c'est une photo qui raconte l' histoire de manière efficace. Donc, pour récapituler, il y a tellement de choses différentes qui peuvent communiquer par le biais de la cinématographie Vous voulez communiquer ce qui se passe en termes d'intrigue dans votre histoire. Il est donc facile pour le public de comprendre ce qui se passe dans le cadre. Réfléchissez aux contextes. Pense à tes personnages. Réfléchissez aux thèmes, à l'objectif général de la photo que vous essayez d'atteindre. Et une fois que vous savez ce que vous essayez de communiquer d'un plan à l'autre, réfléchissez à la manière dont les points d'intérêt peuvent contribuer à communiquer cette idée. Dans la leçon suivante, nous allons donc définir certains termes et discuter de la différence entre le cadrage et la composition 4. La différence entre l'encadrement et la composition: Dans cette leçon, nous allons définir certains termes. Nous sommes donc sur la même longueur d'onde. Le cadrage et la composition vont de pair, mais sont également quelque peu différents Je considère le cadre, les limites dans lesquelles nous sommes capables de voir afin de pouvoir déplacer le cadre Nous pouvons déplacer les quatre parois du cadre. Mais le cadre lui-même ne change pas à moins, bien sûr, que nous ne changions le rapport hauteur/largeur, mais c'est une conversation complètement différente. Voilà donc le cadre. La composition, quant à elle, inclut tous les éléments visuels du cadre et la relation entre eux. Alors, à quelle distance sont-ils l'un de l'autre ? Et cela inclut le cadre lui-même, la distance entre les objets les limites du cadre. Et nous pouvons ajuster le cadre et le déplacer pour modifier cette relation. Mais nous pouvons également simplement déplacer les éléments visuels dans le cadre. À notre goût. Le cadre ou l'équilibre entre l'image et la composition sont les éléments visuels contenus dans le cadre. Maintenant que vous comprenez la différence entre le cadrage et la composition, il est temps d'apprendre par où commencer lorsqu'il s'agit de cadrer et d' imposer un plan réel 5. Créer des compositions efficaces: Une cinématographie efficace commence par cadrage et Lorsque vous essayez d'en savoir plus sur la cinématographie et la photographie, vous avez probablement remarqué qu'il existe de nombreuses règles et grilles différentes que les gens vous Mais ils ne donnent pas vraiment de bonnes raisons pour expliquer pourquoi. Au cours des prochaines leçons, je vais faire de mon mieux pour démystifier certaines de ces règles afin que vous puissiez appliquer ces idées et théories de manière plus pratique à vos La première règle la plus courante est connue sous le nom de règle des tiers. La règle des tiers est généralement définie comme un outil permettant de créer des compositions visuellement attrayantes ou plaisantes Maintenant, je ne suis pas totalement convaincu, et je pense que j'aimerais essayer de redéfinir cette règle Et pour y parvenir, nous devons aller là où la règle a commencé. La règle des tiers a été abordée par John Thomas Smith en 1797 dans son livre intitulé Remarques sur les paysages ruraux. Et il fait référence à une œuvre de Sir Joshua Reynolds. Reynolds parle, mais pas tout à fait clairement, de l'équilibre entre l'obscurité et la lumière et d'une peinture John Thomas Smith développe ensuite cette idée et la nomme officiellement la règle des tiers Cette citation est tirée directement de son livre. Deux lumières distinctes et égales ne doivent jamais apparaître sur la même image. L'un doit être principal et le reste subordonné. À la fois en dimension et en degré. parties inégales et les gradations détournent facilement l'attention de la deuxième partie alors que les parties d'apparence égale sont suspendues maladroitement, de la deuxième partie alors que les parties d'apparence égale sont suspendues maladroitement, comme si incapables de déterminer laquelle de ces parties doit être considérée comme subordonnée et de donner la plus grande force et la plus grande solidité à donner la plus grande force et la plus grande solidité Certaines parties de l' image doivent être aussi claires et d'autres aussi sombres que possible. Ces deux extrêmes doivent ensuite être harmonisés et réconciliés l'un avec l'autre Bien que la formulation puisse être un peu difficile, je retiens principalement, c'est que la règle des tiers vise à guider facilement l'œil une partie du cadre à l'autre sans que le spectateur ne se conflit quant à ce qu'il doit regarder Ainsi, la règle des tiers divise une image en deux lignes horizontales espacées de manière égale et en deux lignes verticales également espacées. Nous divisons donc l'image en tiers. Les points les plus importants de votre image sont destinés à être placés aux points d'intersection de chaque ligne Ils sont appelés PowerPoints Et souvenez-vous de ce que John Thomas Smith a dit : parties inégales attirent facilement l'attention dès la deuxième partie Donc si je filme ce paysage filmé et organise le ciel et la terre de manière égale. Ainsi, 50 % des images s'élèvent vers le ciel, 50 % des images atterrissent, alors chaque portion est égale et se bat pour attirer l'attention. Si je réorganise simplement le cadre en parties inégales, soit en remplissant le paysage dans les deux tiers inférieurs, soit en remplissant le ciel dans les deux tiers supérieurs J'ai maintenant créé une hiérarchie visuelle. Et cette organisation peut également utiliser les tiers verticaux. Ainsi, plutôt que de simplement composer des éléments visuels directement au centre du cadre, nous pouvons désormais utiliser la règle des tiers pour créer des compositions dynamiques Nos yeux ont désormais davantage de raisons de danser autour d'une image plutôt que d'être guidés directement vers le centre. D'après la façon dont je regarde cette image, je peux voir à quel point cela est vrai, mais d'autres sont plus nuancés Chaque image possède ses propres caractéristiques uniques qui peuvent être utiles ou non à la regarder strictement selon la règle des tiers. Maintenant, je ne suggère pas que vous suiviez cette règle aveuglette lorsque vous débutez dans la photographie ou la cinématographie Je pense qu'il est important de comprendre ce qu'est la règle des tiers. Mais plus important encore, je pense que vous devez comprendre le pourquoi. Et je redéfinirais la règle des tiers comme l'organisation du cadre, la création d'une certaine hiérarchie Et pourquoi cela serait-il important ? Eh bien, je pense que si je peux structurer le cadre et les éléments visuels ou mes points d'intérêt, j'ai de meilleures chances de réussir à faire comprendre au public ce qu'il regarde, où il est censé regarder et le sens de la composition elle-même. Reprenons donc l'exemple du pont et essayons d' appliquer ce raisonnement. Comprenez mieux pourquoi nous nous appuyons sur la règle des tiers ou, mieux encore, sur l'organisation de notre cadre. Le point d'intérêt est ce pont. Et oui, la ligne d'horizon de la ville est également un point intéressant secondaire de cette image Mais si nous savons quels sont les points d'intérêt, nous pouvons utiliser la règle des tiers pour nous aider à concentrer et à attirer davantage l'attention sur nos points d'intérêt. Donc, en organisant ce pont, photographiez les deux tiers du ciel contre les deux tiers du paysage. À mon avis, je trouve que le ciel est un peu plus beau mis à part les lignes directrices, cela n'apporte rien à la prise de vue. À mon avis, c'est plus distrayant parce que j'essaie de comprendre à quoi servent ces clôtures ou ces balles de foin et qu'est-ce qu'elles ont à voir avec le Cela éloigne donc un peu plus la photo, puis lui fournit toutes les informations utiles Bien sûr, d'une certaine manière, vous pouvez plaider en faveur ce plan. Si vous deviez créer une séquence de plans avec, par exemple, personnes dévalant la colline sur toboggan ou quelque chose comme ça , cela aurait beaucoup plus de sens Mais dans le contexte de cette photo, j'ai l'impression que le fait d'avoir une plus grande partie du ciel fonctionne mieux car il y a moins de détails dans le ciel. Ainsi, votre regard se tourne vers le paysage, le pont et la ligne d'horizon elle-même. Et puis le centrage de l'image ne fonctionne pas non plus tout cause de toutes les informations concernant notre point d'intérêt Ces informations externes nous éloignent presque de ce sur quoi nous essayons de nous concentrer. Et je pense que l'image centrée peut être améliorée simplement en zoomant ou en recadrant tous les éléments de notre composition sur lesquels nous ne voulons pas que le spectateur se concentre Si tu n'es pas d'accord avec moi, c'est très bien. Je vous encourage simplement à au moins être en mesure de justifier pourquoi vous utilisez la règle des tiers. Découvrez les raisons profondes de la façon dont vous composez une image. Pour résumer, la règle des tiers est une façon de diviser une image en tiers, fois horizontalement et verticalement Et pour citer John Thomas Smith, parties inégales et les gradations attirent facilement l'attention dès la deuxième partie mes propres termes, cela signifie créer organisation visuelle et une hiérarchie qui guident plus facilement l'œil, la gorge et l'image Maintenant, bien sûr, je pense qu'il est normal d'utiliser la règle des tiers. Vous pouvez utiliser le guide de la règle des tiers de votre appareil photo pour composer une prise de vue. Mais je vais également vous exhorter à désactiver cette règle des tiers comme guide. Essayez de composer un plan sans l'utiliser. Essayez de réfléchir à la raison profonde pour laquelle vous l'utilisez. Et pour moi, cela signifie créer une organisation au sein de vos compositions. Dans la leçon suivante, nous allons approfondir la question de la démystification 6. Démystifier les règles de composition: Dans cette leçon, nous allons approfondir les règles de composition Et je vais faire de mon mieux pour vous les démystifier afin que vous puissiez avoir un meilleur contrôle créatif contrôle Pour clarifier, lorsque j'utilise le mot démystifier, ce n'est pas la même chose que Démystifier signifie clarifier, rendre quelque chose plus facile à J'espère donc que lorsque nous explorerons ces règles et directives de composition, je vous aiderai à mieux comprendre pourquoi nous l' avons choisie Vous ne suivez donc pas aveuglément cette règle parce qu'un article ou une personne sur Internet vous soutient que c'est essentiel pour devenir un bon photographe ou directeur de la photographie Je voudrais en dire un peu plus sur les PowerPoints. Les PowerPoint sont donc l'endroit où les lignes se croisent et sont considérés comme un lieu de sondage visuel Et que vous devez placer éléments visuels importants sur ces lignes qui se croisent. Et d'après ce que j'ai compris, il n'y a pas vraiment de bonne explication à ces PowerPoint Je ne sais pas exactement d'où ils viennent. Pourquoi suivre un guide s'il n'y a aucune bonne raison de le faire ? Eh bien, il y a peut-être une bonne raison. Et une idée courante ici. Je ne suis pas le seul à penser que ces lignes qui se croisent peuvent être considérées comme une version simplifiée de ce que l'on appelle le nombre d'or Soyez indulgent avec moi. Le nombre d'or, également connu sous le nom de juste milieu ou de section dorée, est un concept mathématique qui décrit un ratio d'environ un pour 1,618 Ce ratio est souvent utilisé dans l'art et le design ainsi qu'en photographie. Et il est utilisé pour créer des compositions esthétiquement agréables à Le nombre d'or est considéré comme esthétique car on le retrouve dans de nombreux motifs et formes naturels dans Et l'exemple le plus célèbre est la forme en spirale du coquillage Le nombre d'or peut être utilisé pour composer une image en divisant le cadre en une grille avec des lignes horizontales et verticales espacées selon le nombre d'or. Cette grille s'appelle la grille Phi, et elle doit son nom à la lettre grecque Phi, qui est utilisée pour représenter le nombre d'or dans équations mathématiques. À l'aide d'une grille Phi, le photographe peut utiliser le nombre d' or pour créer une composition équilibrée et agréable à regarder La plupart des arguments en faveur du nombre d'or sont donc qu' il est agréable à regarder parce qu'il se trouve dans la nature Je ne sais donc pas si c'est un argument suffisant, mais c'est un autre outil que nous pouvons utiliser pour expérimenter lors de la création de compositions. nombreuses autres règles qui accompagnent la composition Outre la règle des tiers et le nombre d'or ou la grille Phi, il existe de qui accompagnent la choses deviennent encore plus complexes et il y a encore plus de règles que cela. Une expérience intéressante consiste à superposer toutes ces différentes grilles les unes sur les autres Vous verrez que n'importe lequel de ces points d' intersection peut toucher aspects importants de la composition et que certaines images créées d' une manière ou d'une autre respectent l'une de ces règles, ce soit intentionnel ou Bien entendu, je sors quelque peu ces règles de leur contexte. C'est plutôt une expérience amusante à tester. Je ne dis pas que vous ne devez pas utiliser ces règles ou les appliquer à vos propres compositions. Je vous conseille vivement de ne pas suivre ces règles aveuglément. Si vous comptez utiliser une règle de composition, essayez d'en comprendre la raison profonde et ne vous fiez pas parce qu'elle est agréable à regarder ou parce qu' elle se trouve dans la nature, essayez de découvrir son utilité pratique approfondie Ainsi, dans notre leçon précédente, nous avons parlé de la règle des tiers et de la façon dont elle permet de créer une organisation hiérarchique, ce qui permet au spectateur de distinguer plus facilement les différents points d' intérêt qui l'ont aidé à déchiffrer l'histoire l'écran et à comprendre ce qu' il doit penser de l'image elle-même Un exemple tiré de Mad Max Fury Road, regardez la photo. La ligne d'horizon est très basse dans le cadre, et cette photo ne suit pas particulièrement les règles de composition L'histoire racontée ici est que nos personnages sont très petits dans le cadre. Illustrant l' ampleur de cette tempête. Le contraste entre la taille de ces éléments visuels crée davantage de peur, anxiété et de tension le public qui fait l'expérience de la scène. Mais là encore, vous pouvez plaider faveur de n'importe laquelle de ces règles de composition Le but est de créer le plan qui raconte le mieux l'histoire. Si cela inclut l'utilisation de certaines règles pour vous aider à créer ces plans, et cela fonctionne pour l'histoire Alors super. Vous avez utilisé l'outil avec succès au lieu de l'intégrer de force à vos compositions. Donc, pour récapituler, nous avons quelques grilles de composition que nous pouvons utiliser Mais n'oubliez pas que nous utilisons le guide pour raconter l'histoire plutôt que pour adapter l'histoire au guide. Bien entendu, je vais vous encourager à comprendre pourquoi vous utilisez une règle de composition spécifique et comment cela affecte l' histoire que vous racontez Mais nous pouvons aussi commencer par la règle. Et plus tard, découvrez comment cela affecte l'histoire. Ajustez à partir de là et refilmez, modifiez à modifiez Essayez des choses. J'ai mis ces superpositions à disposition téléchargement afin que vous puissiez les insérer dans votre éditeur vidéo ou photo préféré pour faire quelques expériences J'ai continué à itérer. Continuez à vous demander pourquoi vous faites les choix de composition que vous faites La progression est lente. Cela prendra du temps, mais amusez-vous bien car c' est censé être du PFK-1 C'est amusant d'expérimenter ces différentes règles et voir comment elles peuvent affecter l' histoire que vous racontez. Améliorons encore davantage nos compositions en explorant le concept d'équilibre 7. Équilibre visuel: un concept clé que les cinéastes prennent en compte dans est un concept clé que les cinéastes prennent en compte dans chaque composition Balance permet de créer des images harmonieuses, créant ainsi des compositions plus efficaces Et cela peut contribuer à l'histoire. bulletins de vote font référence à la disposition des éléments visuels au sein d'une composition qui crée un sentiment d'équilibre et d'harmonie Une composition est considérée comme équilibrée lorsque ces différents éléments visuels ont le même poids visuel. Nous pouvons utiliser ces blocs duplo pour illustrer cela de manière très simple Cette configuration est visuellement équilibrée. Lorsque nous retirons certains de ces éléments du côté gauche, notre regard est davantage attiré vers le côté droit Composition commerciale déséquilibrée. Une image équilibrée peut créer ordre et de l'organisation dans votre cadre, ce qui permet de visualiser plus facilement ce qui permet de visualiser plus facilement les points d'intérêt de votre composition. Et en créant une sensation de facilité lors de la visualisation de l'image. D'autre part, une image déséquilibrée peut être désordonnée et désorganisée, crée de la tension et de l' inquiétude chez le spectateur Mais cela peut signifier bien plus selon le contexte. Une façon de penser à Balance est d'imaginer un point d'appui avec des poids de chaque côté, gauche et à droite d'une image Et là, les éléments visuels font office de poids. Chaque élément possède son propre pôle visuel, et la quantité de pôle détermine poids de cet élément visuel dans le cadre. Un certain nombre de facteurs contribuent à l'équilibre visuel. Et pour simplifier cette explication, je vais utiliser des graphismes très basiques à l'écran La taille de l'objet. Les objets plus grands ont plus de poids visuel que les objets plus petits. Position d'un objet. objets situés plus près du bord du cadre peuvent paraître plus lourds que les éléments légèrement décentrés Couleur. Les couleurs vives ont plus de poids que les couleurs ternes. Les couleurs chaudes ont un peu plus de poids que les couleurs froides. Et si nous pensons davantage au noir et blanc, tons les plus foncés ont plus de poids visuel que les tons plus clairs. Mais il est également important de garder à l'esprit le contraste créé par la juxtaposition des parties claires et sombres d'une image, car celles-ci ont également leur propre Ensuite, nous avons la texture et le motif, et la texture et le motif peuvent peut-être techniquement appartenir à nos autres catégories. Mais comme ces attributs peuvent être facilement identifiables, il convient de les mentionner. De grandes zones présentant une texture plus lisse peuvent équilibrer, disons qu'une texture plus petite et plus détaillée est attirée par des lignes et des détails plus complexes parce que nous, tant qu'humains, recherchons naturellement des motifs dans la nature et la vie et les complétons Et cela a été un moyen de survie. Ainsi, la traction exercée sur ces petites zones texturées peut fortement attirer l'attention. Lignes directrices. Il suffit de mettre nos lignes qui apparaissent dans les images et encore une fois, nos yeux suivront naturellement ces lignes dans une image. Et ces lignes peuvent guider l'œil dans différentes directions et contribuer à l'équilibre visuel. lignes directrices suggérées constituent un sous-type de lignes directrices lorsqu'elles ne sont pas perceptibles mais implicites Donc, dans cet exemple, je vais parler à un autre personnage hors écran, juste là Hé mon pote. Hé, hé. Vous pouvez donc voir dans cet exemple que mon regard, ou l'endroit où je regarde Sean hors écran, crée une ligne directrice suggérée. Et l'espace négatif, c'est la ligne directrice ajustée. Mon langage corporel, où la position de mon corps face à face contribue à équilibrer cette image par ailleurs asymétrique. C'est exact Et lorsque vous coupez entre les deux plans, cela laisse un espace confortable entre les deux personnages. Ouaip. Et n'oubliez pas que cet espace est également appelé espace de conversation ou salle principale. Si nous nous rapprochions du bord du cadre, cela créerait beaucoup plus de tension , ce que nous allons explorer un peu plus dans la leçon suivante. Oui, aucun de ces cadres n'est nécessairement faux. Ils racontent simplement des histoires différentes. Il a raison Et beaucoup de choses qui attirent notre attention, comme les choses qui sont focalisées, les gens, les animaux, les visages Ces éléments visuels ont beaucoup plus d'importance. Parce que l'équilibre peut être très difficile à manœuvrer. Je veux que vous gardiez simplement à l'esprit ces éléments visuels tout au long de votre journée. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d'avoir votre appareil photo sur vous pour ce faire. Vous pouvez simplement cadrer un lieu ou voir avec vos yeux et le cadrer avec vos mains, ou simplement identifier ces différents attributs visuels dans votre environnement Et si vous emportez tous les appareils photo avec vous, cadrez la prise de vue et tenez compte du poids et de l'attention que chaque élément exige. Donc, pour résumer, il s'agit d'un équilibre concevable et d'une orientation gauche-droite lorsque les éléments visuels situés sur le côté gauche du cadre et sur le côté droit du cadre sont pondérés de manière uniforme Vous avez atteint l'équilibre. Et encore une fois, ne vous inquiétez pas, ce n'est pas comme un tout ou rien, vous soyez équilibré ou non. Ça ne va pas être parfait, mais c'est bon. Utilise ton meilleur jugement. La pratique fait des progrès. Dans cette configuration de Talking Eds, je dirais que nous ne sommes pas parfaits. Il penche probablement un peu plus de ce côté. Et ce n'est pas grave. De nombreux attributs visuels contribuent aux bulletins de Taille, position, couleur, ton, contraste, texture, motif, lignes directrices et vraiment tout ce qui attire l'attention L'équilibre est un concept important à garder à l'esprit lorsque vous composez des plans. Mais n'oubliez pas que tout cela est subjectif si vous ne voulez pas obtenir un cliché parfaitement équilibré à chaque fois. Alors n'essayez pas d'être parfait à ce sujet. Expérimentez, amusez-vous en pensant à la façon dont vos compositions racontent l'histoire. Et je vous suggère même de créer une image intentionnellement déséquilibrée pour voir quelle histoire elle raconte Dans la leçon suivante, nous aborderons plus en détail l'équilibre et certaines stratégies pour y parvenir. 8. Atteindre l'équilibre: Pour vous aider à mieux comprendre l'équilibre dans vos propres visuels, je vais passer en revue les différents types d'équilibre et fournir d'autres exemples dans cette leçon Il existe deux types d' équilibre, symétrique et asymétrique équilibre symétrique se produit lorsque les éléments de composition sont disposés de manière égale de part autre de l'axe central tout en obtenant une harmonie visuelle globale Ce type d'équilibre se retrouve principalement dans les prises de vue centrées de personnages, d'environnements ou d' objets avec une image miroir Il s'agit également d'un équilibre beaucoup plus facile à atteindre dans vos images. Une image équilibrée peut créer un sentiment de paix et de tranquillité, qui peut être utilisé pour transmettre un sentiment de calme ou de sérénité, ou le sentiment que tout est à sa juste place. Et cela est encore plus souligné lors de l'utilisation de l'équilibre symétrique équilibre asymétrique se produit lorsque les éléments ne sont pas répartis uniformément de chaque côté du centre du cadre tout en préservant une harmonie visuelle globale Et dans ce type d'équilibre, les éléments peuvent être disposés de manière à créer une sensation de tension visuelle tout en maintenant un sentiment d'équilibre général. Ce type d'équilibre est souvent observé lorsque les personnages discutent entre eux. Comme dans cette scène, nous avons ce personnage sur le côté gauche du cadre parle à un personnage hors écran sur le côté droit du cadre. L' espace négatif et la ligne directrice suggérée équilibrent chacune de ces compositions Et cela peut également être réalisé en utilisant des photos prises par-dessus l' épaule avec l'extrémité sale du cadre avec épaule, afin d'équilibrer l'image. équilibre asymétrique est également très courant lors des entretiens Et encore une fois, nous avons l'espace de discussion ou la ligne directrice suggérée qui équilibre cette composition asymétrique Et le fait de diriger une pièce et espace de conversation ne se limite pas à créer un équilibre et un espace confortable entre deux personnages. Il s'agit également de créer une continuité spatiale. L'espace peut aider le spectateur à mieux comprendre position approximative de chaque élément dans la scène. Ces lignes directrices suggérées ne doivent pas nécessairement contenir uniquement deux personnes, mais il peut également s'agir de bâtiments. Rien que la façon dont le bâtiment fait face peut justifier une prise de vue asymétrique équilibre asymétrique est également généralement obtenu en utilisant éléments d' arrière-plan ou d'autres éléments décentrés Et une expérience intéressante consiste à prendre certains de ces plans larges comme des films. Et nous pouvons effacer certains éléments visuels d' un côté de l'écran et voir ce que vous ressentez. Dans ce cas, maintenant, cela semble déséquilibré sans cet élément ici à droite. Il est beaucoup plus difficile d'obtenir équilibre asymétrique, car vous devez vous fier aux valeurs de couleur, de luminosité et d'obscurité, ainsi qu'à la texture et au sujet pour peser chaque côté du cadre, ce qui peut parfois être subjectif L'objectif d'un équilibre asymétrique ou symétrique est donc de créer un équilibre visuel égal sur tout le cadre afin de créer une image harmonieuse Et pourquoi voulez-vous l'harmonie ? Bien que l'harmonie crée de l'ordre et de l'organisation dans le cadre sans créer la tension qu'engendre une image déséquilibrée, nous sommes en mesure d'examiner facilement les différents points d' intérêt d'une composition Mais cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas traiter les images déséquilibrées. Et surtout dans la série Mr. Robot, ils utilisent tout le temps des images déséquilibrées C'est un choix délibéré qui imite également notre personnage principal Eliot est dans notre monde, il est en marge de la société, un peu exclu Ce type de cinématographie est donc logique pour un spectacle comme celui-ci, en le plaçant sur les bords extérieurs du cadre et en augmentant la tension et l' inquiétude En général, plus les éléments visuels sont proches du bord du cadre, plus vous ressentirez de tension lorsque vous regardez cet élément. Bien entendu, les lignes directrices suggérées peuvent augmenter cette tension si elles se déplacent également vers le bord du cadre. Voici un cadre rapide qui vous aidera dans le cadre de l'exercice de cette leçon. Lorsque j'approche un lieu, je cherche des éléments visuels qui contribuent à symétrique ou asymétrique Cela m'aide à déterminer comment je pourrais aborder un lieu et à proposer des idées de prises de vue possibles. Et la plupart du temps, vous obtiendrez un équilibre à la fois asymétrique et symétrique en fonction de vos choix d'angle, de votre architecture, de diverses caractéristiques de votre lieu et de la narration Avec la balance symétrique, il est facile de centrer le sujet ou la scène dans son ensemble et d' obtenir généralement une image harmonieuse est difficile d'aborder l'équilibre asymétrique, mais grâce à nos leçons précédentes, consacrées à des exemples de poids visuel, il sera un peu plus facile de discerner où le poids visuel dans le cadre le plus grand trou et vous indiqueront comment recadrer pour créer un équilibre ou réarranger physiquement les éléments de composition Essayez donc de ne pas penser que l'équilibre est équilibré ou déséquilibré Dans certains cas, c'est un peu variable, car tous les éléments visuels à l'écran vont attirer le regard de différentes personnes de différentes manières. C'est donc un peu subjectif. J'ai aussi ce sens inné. Lorsque nous voyons quelque chose d' équilibré ou non, vous allez probablement composer automatiquement un plan de manière à ce qu'il vous semble équilibré Mais cela demande beaucoup de pratique. Tu vas devoir perfectionner tes compétences. Vous allez devoir expérimenter différents types d'équilibre. Ensuite, examinez les images ou les photos et décidez si j' ai atteint l' équilibre que je souhaitais. Et est-ce que cet équilibre contribue ou non à l'histoire que je raconte ? Pour résumer, l'équilibre est un concept crucial lors de la création d'images, et il peut vous aider à créer de l'harmonie au sein de vos images Il existe deux types d'équilibre, l'équilibre symétrique et l'équilibre asymétrique L'équilibre symétrique repose davantage sur des images même centrées ou des images en miroir, tandis que l' équilibre asymétrique peut être un peu plus dynamique et créer un peu plus de tension visuelle, tout en maintenant un sentiment d' Tenez compte de votre position et des autres éléments du cadre qui contribuent à créer un équilibre symétrique ou asymétrique par rapport à eux, réfléchissez à la manière dont vous pouvez composer vos prises de vue pour créer un équilibre, voire même déséquilibrer intentionnellement les choses Dans la leçon suivante, je vais vous aider à comprendre comment créer de la profondeur dans vos images. 9. Profondeur du cadre: Les visuels à l'écran sont souvent projetés sur un plan 2D, comme celui-ci ici Cela peut nous laisser avec des images plates et peu inspirées. Mais il y a certaines choses que nous pouvons faire pour donner plus de profondeur à nos images. Dans cette leçon, nous allons donc discuter de la manière de créer de la profondeur dans vos visuels afin d'offrir une expérience plus immersive à votre public profondeur de cadre consiste à prendre une image en deux dimensions et à la faire apparaître comme si elle était en trois dimensions Ainsi, en prenant une photo qui semble très plate, comme celle-ci, avec un peu de travail, nous pouvons lui donner l'impression qu'elle a plus de profondeur. exemple, nous pouvons sauter dans l' écran ou y mettre la main pour faire partie de l'environnement. Et créer de la profondeur crée vraiment une expérience réaliste et immersive pour le public. Et cela peut être très important pour votre histoire, car cela peut mettre votre public dans cet état de film. En regardant l'hypnose, vous suspendez votre incrédulité. Ils sont immergés dans les visuels à l'écran. Et en retour, cela peut contribuer à augmenter les chances de succès de votre histoire et de son objectif. Pour créer de la profondeur dans une prise de vue, il est important de commencer par créer des couches dans le cadre. Cela implique de créer un premier plan, un milieu et un arrière-plan distincts , ce qui crée une expérience dynamique et immersive pour le public Cela permet également au public de comprendre plus facilement sur quel élément visuel il doit se concentrer. Dans la leçon suivante, nous allons explorer certaines stratégies pour créer cette profondeur dans votre cinématographie 10. Créer une imagerie immersive: Maintenant que vous avez compris le cadre et son importance, il est temps d'apprendre quelques stratégies pour créer des images immersives. Commencez par la profondeur de champ. profondeur de champ correspond exactement à ce qui est mis au point dans une prise ouvrant l' ouverture et en échangeant une profondeur de champ plus faible peux me séparer de l'arrière-plan, créant ainsi des couches plus distinctes Filmer la scène avec une grande profondeur de champ qui attire notre attention sur chaque couche à la fois. Dans le cas de cette photo, vous pouvez voir que tous nos éléments de premier plan, de milieu de plan et d'arrière-plan sont nets Ils sont tous écrasés ensemble. Ainsi, lorsque nous ajustons la profondeur de champ, nous pouvons nous concentrer sur la mise au point de cette photo, aide le spectateur à se concentrer sur ce qui est le plus important dans le cadre. C'est aussi un conseil de pro ici. Si vous souhaitez une profondeur de champ encore plus faible, tenez votre sac photo et zoomez. Lorsque vous zoomez, les éléments du cadre sont compressés. Traitement d'une faible profondeur de champ. perspective signifie littéralement la façon dont vous regardez quelque chose. Cela peut faire référence à l' angle d'une caméra par rapport à une scène particulière. Par exemple, lorsque vous débutez dans la réalisation de films ou dans la photographie, il est courant de composer des plans De front. Cela montre clairement le sujet dans le cadre, mais manque de profondeur. Ce tir frontal produit des lignes horizontales et verticales qui peuvent indiquer la stabilité Et c'est peut-être bien pour ce type de cliché. Ces lignes horizontales et verticales peuvent également servir de trajectoires à l'œil, qui peuvent guider notre œil vers la gauche ou la droite ou vers le haut et le bas dans le cadre, mais elles n'ont pas la profondeur souhaitée. Ainsi, le réglage de votre perspective en modifiant l'angle de la prise de vue peut entraîner création de lignes diagonales, qui peuvent être utilisées pour diriger l'œil du spectateur de la même manière que les lignes horizontales et verticales créées dans notre exemple précédent. Cependant, nous donnons maintenant l'illusion que le I se déplace sur l'axe z avec les lignes diagonales créées. Et cette ligne plonge notre œil plus profondément dans l'espace bidimensionnel, créant ainsi une illusion de profondeur Il s'agit essentiellement de prêter attention aux lignes directrices de votre image et d'ajuster vos angles de manière à ce que ces lignes directrices se déplacent en diagonale. Lorsque vous filmez des points d'intérêt tels que des personnages à l'écran ou, dans cet exemple, moi, il est préférable de les éloigner du mur pour créer des couches distinctes. Je ne vais pas m' asseoir directement contre le mur, car cela donnera l' impression que je fais partie du mur plutôt que d'être contre le mur, car cela donnera l' impression que je fais partie du sur une couche séparée. Si je m' éloigne du mur, je donne plus d' espace et de distance. C'est entre moi et le mur, ce qui donne de meilleures chances de créer des couches d' apparence distinctes. Vous pouvez également envisager de salir votre cadre, y compris un premier plan généralement flou et de placer le premier plan de la Passat en direction de votre point Mais une chose à garder à l'esprit est que cela doit correspondre à l'histoire. Dans ce cas, cela ne semble pas vraiment correct. On dirait que quelqu'un m'espionne. contraste peut être créé en associant des éléments clairs à des éléments sombres Et c'est pourquoi les photos de silhouette peuvent être si efficaces. Ces photos de silhouette semblent avoir plus de profondeur en raison des différences entre le clair et le noir, nous pouvons clairement voir que ces deux choses sont différentes. Et plus la différence est grande, plus les couches se détachent clairement les unes des autres, plus les points de contraste élevés d'une image peuvent être intéressants, ce qui nous permet de mieux contrôler l'attention du public. Un autre moyen moins évident de créer de la profondeur consiste à utiliser la couleur. La raison pour laquelle cela est moins évident est que cela nécessite généralement l'utilisation de lumières pour découvrir des emplacements contenant un contraste de couleur, ce qui est évidemment un peu plus rare. Jetez un œil à cette roue chromatique. Vous pouvez constater par vous-même les différentes combinaisons de couleurs qui se contrastent. Encore une fois, plus le contraste est élevé, plus il est facile de différencier les couches donnant à l'image 2D une apparence de profondeur. Vous pouvez donc voir ici cette configuration de tête parlante. J'ai essayé de créer un contraste de couleur avec les tons chauds et froids pour créer de la profondeur dans ce petit espace. Dans la plupart des cas, le fait de se concentrer sur la création de profondeur dans le cadre aidera à immerger le public plus profondément dans son histoire , en accordant ainsi une plus grande importance l'histoire racontée. Mais il ne s'agit pas nécessairement suivre chacun de ces guides. L'histoire passe avant tout et une composition plus plate convient le mieux à votre histoire, et c'est très bien N'oubliez pas de trouver des moyens d' utiliser ces stratégies de création de profondeur pour maintenir une expérience immersive pour le public. Parfois, il existe différents degrés de profondeur dans chaque composition que nous créons lorsque nous ne pouvons pas accéder à toutes les techniques pour créer une profondeur de cadre maximale. En résumé, la profondeur des échanges dans vos compositions peut transformer l'écran bidimensionnel en une expérience immersive en trois dimensions Il existe plusieurs méthodes pour créer de la profondeur, se concentrant sur la création de plusieurs couches en incluant des éléments de premier plan, de milieu de plan et d'arrière-plan Nous pouvons créer une séparation plus nette entre ces couches en ajustant notre profondeur de champ. Utilisation du contraste à la fois en termes de luminance et de couleur. Utiliser les angles de caméra dynamiques pour transformer ces lignes horizontales ou verticales en lignes diagonales, guidant ainsi l'œil du spectateur au plus profond de l'image. Et le plus pratique, c'est d'ajuster les éléments de composition de votre cadre, les séparant les uns des autres, en créant un espace physique entre eux créant un espace physique entre Et tenez toujours compte de l'histoire que vous racontez lorsque vous créez de la profondeur. Dans la prochaine leçon, je vais vous donner un gros conseil qui vous aidera à mieux comprendre comment aborder l'éclairage dont vous disposez 11. Comment travailler avec la lumière disponible: Il existe de nombreuses situations où vous n'avez pas le temps d'installer les lumières. Il n'est pas approprié d' installer des lumières ou vous n'avez tout simplement pas accès à du matériel d'éclairage. Mais ce n'est pas grave, car dans cette leçon, je vais vous apprendre une chose importante qui vous aidera à tirer le meilleur du plaisir dont vous disposez. Alors, quel est le truc ? C'est de l'éclairage en haut de la scène. L'éclairage en haut de la scène provient du théâtre. Au théâtre, l' éclairage en haut de la scène fait référence à toute location du plateau, en haut Et l'éclairage en arrière-plan peut augmenter le contraste de vos compositions, créant ainsi plus de définition et de profondeur Pour comprendre la mise en scène dans le contexte du cinéma, nous devons d'abord examiner la ligne d'action La ligne d'action est cette ligne invisible qui relie deux sujets. Dans cet exemple, vous pouvez voir que nous avons deux personnages sur un canapé qui parlent entre eux. Et cette ligne d'action est cette ligne imaginaire qui relie l'action qui se passe entre eux, c'est-à-dire qu'ils se parlent entre eux. La ligne d'action ne se limite pas à deux personnages qui peuvent se trouver entre n'importe quoi. Ainsi, lorsque vous comprenez où se situe la ligne d'action, vous pouvez déterminer le meilleur emplacement pour votre caméra par rapport à votre source lumineuse principale. Donc, dans cet exemple, quel serait selon vous le meilleur emplacement de la caméra ? Eh bien, d'abord, nous pouvons identifier où se trouve la principale source de lumière ici. Le nom plus technique de cette source de lumière principale est appelé lumière principale. Et déterminez ensuite où se trouve la ligne d'action. Je suis en train de lire ce livre. Cela signifierait que la ligne d'action se situe entre moi et le livre. Donc, en fait, n'importe quel angle de caméra situé du côté opposé la lumière principale et à la ligne d'action utilise l'éclairage en haut de la scène Nous pouvons donc remplir plusieurs angles de caméra sur le côté opposé de la lampe principale et utiliser l'éclairage en haut de la scène pour la ligne d' action Et si l' éclairage en arrière-plan est si efficace, c'est parce qu'il augmente le contraste de l'image, crée une forme et une définition et sépare le sujet de son arrière-plan, créant ainsi de la profondeur, transformant votre image 2D en image 3D Vous pouvez donc voir que l'atténuation de la lumière passe du clair au foncé Nous filmons donc essentiellement le côté obscur de mon visage. Une autre façon de comprendre l'éclairage en haut de la scène consiste à considérer l'emplacement de votre caméra par rapport à votre lampe principale L'accès de la caméra au sujet doit être perpendiculaire à la lumière principale permettant d'accéder au sujet afin d'augmenter la forme des ombres. Vous pouvez donc voir ici que nous filmons une fois le côté obscur de mon visage, en échangeant des contrastes, des formes, une définition et une profondeur plus profonds. Maintenant, si je place mon appareil photo dans la même direction que la lampe principale, sous le même angle. Ils sont sur le même axe. orientant la caméra et l'éclairage dans la même direction, nous obtenons une lumière plus plate et uniforme Cela ne signifie pas nécessairement que c'est faux, c'est juste différent. Et cela vous aide à comprendre les techniques que vous devez utiliser pour créer une forme plus précise ou pour revenir en arrière et créer une lumière encore plus plate. Mais en général, la location en haut de la scène est plus belle et, comme on dit, plus cinématographique Je dois noter que dans cet exemple, notre expérience contribue également à créer ce contraste. Nous avons donc encore un peu de profondeur ici. Vraiment, n'importe quel angle du côté opposé la source de lumière principale vous aidera à donner plus de profondeur à vos compositions. En d'autres termes, si l'axe du sujet de la lâcheté s'aligne sur l'axe lumière-sujet, nous obtenons cette Lumière plate Et lorsque nous commençons à déplacer la lumière principale vers l'axe du sujet perpendiculairement à l'axe de l' appareil photo par rapport à l'axe du sujet, nous obtenons plus de définition, plus de profondeur et plus de contraste. Grâce à ces connaissances, vous pouvez contrôler le contraste, la définition et la profondeur de vos prises de vue, et utiliser la lumière disponible de la manière qui convient le mieux à votre projet. Vous n'avez peut-être pas besoin d'un éclairage spectaculaire pour une vidéo de formation en entreprise, mais pour un court métrage dramatique, cela peut avoir du sens. Un bon exercice consiste donc simplement à prêter attention aux films et à la télévision que vous regardez. Déterminez d'où provient la principale source de lumière par rapport aux acteurs et à la caméra de la scène. Et il est fort probable que la majorité, voire la totalité des prises de vue, présentent l'axe des lumières principales perpendiculaire à l'axe de la caméra. Et remarquez qu'avec un contenu plus dramatique, l'éclairage peut se déplacer encore plus en haut de la scène Je recommande également vivement d'aller chercher une amie et de sortir et tester ces méthodes par vous-même ou de se filmer comme je l'ai fait Et en testant ces méthodes. Regardez vos photos et notez la position de votre lampe principale par rapport à l'appareil photo. Qu'est-ce que tu préfères pour le concept sur lequel tu travailles ? Pour résumer, l'un des moyens les meilleurs et les plus simples d'améliorer votre éclairage est de filmer avec votre lampe principale en haut Et dans le contexte de la réalisation de films, cela signifie que vous filmez l'autre côté de la lampe principale, source de lumière principale et de la ligne d'action N'oubliez pas que la ligne d'action est cette ligne invisible qui relie l'action qui se déroule dans la scène. filmez du côté de la ligne d' action où se trouve la lampe principale vous filmez du côté de la ligne d' action où se trouve la lampe principale, vous obtiendrez une lumière plus plate et uniforme Une méthode plus simplifiée contrôler le contraste, la définition et la profondeur de définition et la profondeur vos images consiste à considérer l'axe de la caméra par rapport à l'axe du sujet des lumières principales. Le fait garder ces axes perpendiculaires aidera à créer de la forme. Lorsque vous placez ces deux axes dans la même direction ou parallèlement l'un à l'autre, nous obtenons une image plus plate plus uniforme 12. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé ce cours, et j'espère que vous avez trouvé ce cours utile pour rassembler toutes les leçons. Voici un récapitulatif final. Lorsqu'il est important de raconter une histoire à travers vos visuels, demandez-vous ce que ce cliché communique Et bien sûr, quelle est votre intention derrière le cliché lui-même ? Essayez-vous de fournir un contexte, révéler des traits de caractère intéressants, communiquer des thèmes plus généraux ? J'ai essayé d'être aussi précis que possible. Une fois que vous savez ce que vous recherchez, il est temps d'identifier les points d'intérêt au sein de votre composition. Où espérez-vous que le spectateur va regarder ? Pensez à organiser les éléments de composition dans votre cadre Nous avons parlé du raisonnement qui sous-tend la règle des tiers et la grille Phi ou la section dorée. Ces grilles peuvent également être utiles pour organiser et hiérarchiser vos compositions Mais surtout, réfléchissez à la façon dont Balance peut contribuer à harmoniser votre image ou à ajouter des niveaux de tension Et n'oubliez pas de créer de la profondeur dans vos images. Transformer la 2D en 3D. Si votre public a l' impression d'être dans la scène, comme s'il y était, cela peut aider à mettre fin à son incrédulité Vous pouvez également utiliser la lumière dont vous disposez pour augmenter cette profondeur, améliorer définition et le contraste, créant ainsi un look cinématographique Et n'oubliez pas que la pratique fait des progrès. Amusez-vous, testez et révisez vos séquences ou vos images plus tard, analysant comment les compositions que vous avez créées peuvent raconter une histoire. J'attends avec impatience les projets de la classe supérieure. Et n'oubliez pas que cela n'a pas besoin d' être très sophistiqué ou complexe. Vous pouvez simplement soumettre une photo que vous avez prise avec votre téléphone. Bien sûr, si vous souhaitez créer un projet plus complexe avec une séquence de plans ou un court métrage ou autre. Je vous encourage à le faire également. Et je fournirai les meilleurs commentaires constructifs possibles. Si vous ne l'avez pas déjà fait, suivez mon profil pour de nouveaux cours, des mises à jour et des cadeaux occasionnels Et n'hésitez pas à laisser un avis ou un commentaire, car cela m'aidera à améliorer mon métier et à mieux vous servir. Merci encore d' avoir suivi ce cours. Et n'oubliez pas que l'histoire est votre guide