Techniques de paysage Vol. 1 - Méthodes pour maîtriser votre art !

1. Intro: Bonjour, je m'appelle West Gardner. Je suis votre artiste, illustrateur et professeur d'art professionnel illustrateur et professeur d'art Travaille actuellement en tant qu'artiste indépendant dans l'industrie du divertissement. J'ai des crédits qui incluent Star Wars ou lui ou 40 000 Percy Jackson, Adidas, Universal Studios, Warner Brothers et bien d'autres encore Je suis ici pour vous enseigner la peinture de paysage, mais surtout, je suis là pour vous montrer quelques techniques. s'agit plutôt de décomposer n'importe quel type de peinture sur lequel vous travaillez en étapes répétables et exploitables les unes par rapport aux autres Pour ce cours, nous allons créer une peinture de paysage à créer une peinture de paysage à partir d'une toile vierge jusqu'à la finition complète, où vous aurez choisi votre signature et la diffuserez sur les réseaux sociaux, que ce soit pour un client ou Ce cours s'adresse à tous les niveaux de compétence. Parce qu'il y aura de petites informations pour chaque type de compétence. Tu es un vrai débutant en art. C'est super Bienvenue à bord, car nous allons commencer par une toile vierge et parler de la création d' images basées sur l'idéation, les formes, les valeurs, les couleurs, le rendu, les bords, etc., un ensemble d' œuvres, tout ce que vous voulez dans votre peinture Ce que nous allons y être. Maintenant, si vous êtes un intermédiaire, disons que vous êtes un amateur, vous avez peut-être obtenu quelques contrats avec des clients avant d'avoir reçu des commandes, quelque chose comme avant d'avoir reçu des commandes, quelque chose Il s'agira d'un ensemble de techniques qui vous aideront à rationaliser votre processus. Je sais que l'art peut être très bouleversant. Ce sera une jolie petite carte que vous pourrez suivre pour vous assurer de cocher toutes les cases au fur et à mesure. Et si vous êtes un collègue professionnel, bienvenue également. C'est toujours agréable de discuter boutique avec d'autres frères. Vous allez trouver quelques conseils et astuces d'un autre professionnel, moi, qui vous aideront peut-être à amener votre art à un autre niveau ou à un niveau supérieur que pourriez rechercher en matière d'alimentation Disons que vous faites du portrait. Vous voulez commencer à vous lancer dans le paysage. Ou vous voulez simplement trouver un moyen d'affiner votre processus, accélérer les parties que vous pourriez encore avoir l'impression d'être un petit singe. Ou trouvez simplement votre niveau de confiance exactement là où il doit être avant de commencer à travailler avec ce client important. Alors sans plus tarder, allons-y. Tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est d'un appareil capable de créer de l'art , qui peut être une toile , un iPad ou un scooter, ou toute sorte d'outil d'art numérique dont nous parlerons et, bien sûr, d'un aperçu. Alors sans plus tarder, commençons. 2. Aperçu du cours et définir les attentes: Salut les gars, quoi de neuf ? C'est Wes, bienvenue dans la leçon zéro. Je suppose. Il s'agit plutôt d'une vidéo d' introduction pour définir les attentes et vous faire savoir en quelque sorte ce que vous allez faire Au cours de ce cours. Nous allons définir les attentes relatives aux vidéos, l' ordre dans lequel elles vont apparaître, le type d'informations que nous allons passer en revue. Et aussi quelques conseils et astuces utiles avant d'aller trop loin dans le vif du sujet. Alors laisse-moi sauter ici. Nous y voilà. Alors oui, Landscape Techniques, volume 1. Cette vidéo ne sera donc que l'aperçu du cours, vos conseils de base et la définition des attentes pour le cours. Je veux juste que vous sachiez à l' avance dans quoi nous allons nous retrouver avant de nous lancer là-dedans. Mais laissez-moi cliquer ici. Nous y voilà. Alors on y va. Commençons les courses avec un aperçu du parcours. Nous allons étudier la structure de cet ensemble de didacticiels. L'objectif principal de ce cours est donc d'apprendre étapes de base répétables afin de nous assurer que nous avons le plus de chances de succès lors de la création de peintures de paysages Et peu importe le type de paysages que vous allez créer. La méthode que je veux vous enseigner et je veux vous montrer est une sorte d'ensemble d'outils de résolution de problèmes qui vous aideront, que vous créiez quelque chose grâce à votre imagination, que vous fassiez un master ou une étude de photographie, ou même que vous peigniez en plein air dans Et cela fonctionne avec la peinture numérique. Il fonctionne également avec la peinture traditionnelle. Mais comme nous avons configuré tous nos contenus numériques, c'est sur cela que nous allons nous concentrer, c'est sur l'aspect numérique des choses. Mais je vais ajouter quelques connaissances. Si vous travaillez de manière traditionnelle, cela devrait peut-être également vous aider. À qui s'adresse ce cours ? Chaque cours est associé à un groupe démographique clé. À qui enseignons-nous réellement ? Maintenant, vous pouvez en être à n'importe quel stade de votre parcours artistique et j'espère que vous en retirerez quelque chose. Mais avant tout, cela s' adresse aux peintres débutants et intermédiaires. Disons que vous peignez depuis un petit moment. Vous vouliez améliorer un peu vos paysages, ou vous souhaitez simplement affiner un peu plus votre processus. Dans l'ensemble. C'est probablement là que tu veux être. Dans le cadre de ce cours, vous allez apprendre certaines techniques et nuances pour faciliter la création d'images. Et nous utilisons simplement les paysages comme navire ou véhicule pour apprendre ces étapes. Ainsi, vous pouvez même être un peintre professionnel. Je sais que j'ai beaucoup appris auprès d'autres peintres professionnels. Et regarder comment ils fonctionnent m'aide à résoudre les problèmes différemment. Donc, normalement, quand je me laisse emporter un certain rendu, un type de technique de coup de pinceau ou quoi que ce soit d'autre. Si je vois quelqu'un d'autre le faire, cela me facilite la tâche. Si vous êtes également dans ce camp. J'espère qu'il y aura quelque chose à éclairer. Vous pouvez donc être un débutant absolu en art tout en appréciant le cours. Vous allez donc aller du début à la fin et vous allez apprendre les étapes pour créer un paysage. Mais nous abordons peut-être certains sujets tels que la théorie des couleurs ou la valeur ou quelque chose comme ça. Je vais faire de mon mieux pour répéter les fondamentaux encore et encore parce que c'est tout ce que c'est vraiment, c'est-à-dire que tout revient aux fondamentaux Mais tu peux, ça ira peut-être un peu vite. Je recommande donc d'étudier un peu et peut-être familiariser avec certains termes artistiques et des choses de ce genre. Je l'ai donc mis ici en gros, si vous êtes un artiste qui veut d'abord Pinker, sérieuses tentatives de paysages Si vous voulez peindre des paysages plus raffinés, disons que vous faites déjà des paysages, mais que vous voulez qu'ils soient un peu plus nets, un peu meilleurs Vous voulez pousser votre art à un niveau supérieur. Tu veux passer un moment de niveau supérieur. Ou si vous l'avez déjà dit, j'adorerais peindre des arrière-plans pour mes personnages, mais les arrière-plans sont très difficiles, ce que j'entends souvent de la part des étudiants. C'est pour toi. Cela va le décomposer telle sorte qu'il soit reproductible et exploitable Vous pouvez vous rappeler où vous vous trouvez à n'importe quelle étape du processus. Vous pouvez vraiment tirer le meilleur parti de votre temps chaque fois que vous créez votre œuvre d'art. Alors, comment est structuré ce cours ? Comment allons-nous réellement nous y prendre ? Cela va donc être divisé en une variété de vidéos, chacune traitant d' un sujet principal. Nous allons aborder un peu chaque sujet dans chaque vidéo. Parce que c'est ainsi que cela fonctionne. Vous devez toujours penser à l'image dans son ensemble chaque fois que vous créez une image. Mais nous allions l'articuler autour une idée principale concentrer sur cette idée du début à la fin, nous concentrer sur cette idée du début à la fin, afin de terminer une peinture de paysage. Nous allons donc commencer par une toile vierge. Nous allons littéralement partir de rien. Et nous irons jusqu'à ce que vous signiez votre paysage, jusqu'à ce que ce soit terminé. Les peintures n'ont jamais vraiment été réalisées. C'est juste soit lorsque vous le signez, soit lorsque vous le vendez. C'est alors que c'est terminé. Nous allons donc passer d'une toile vierge à la signature The whole, the whole shebang Ainsi, chaque vidéo mènera à la suivante. Cela signifie donc que chaque fois que nous ferons des choses pour la vidéo numéro un, vidéo numéro deux utilisera l'image que nous avons créée dans la vidéo numéro un. Ensuite, la vidéo numéro trois va utiliser ce qui est final à partir de la vidéo numéro deux. Est-ce que cela a du sens ? Cela va donc complètement mener à lui-même. Parce que les étapes de résolution de problèmes sont toutes liées. Croyez-moi, nous allons faire des allers-retours. Nous allons faire beaucoup de choses, mais nous allons le garder très structuré et très linéaire afin qu' il soit facile à reproduire Je vais donc le publier. Si vous êtes un peintre plus avancé, disons que vous êtes un amateur, vous vendez Même si vous êtes un pro, vous serez très tenté de passer à la phase de rendu. Eh bien, comment s'exprime-t-il ? Je veux savoir comment il s'en sort. Je le recommande vivement pour votre première visite. Regardez chaque vidéo dans l'ordre. Parce que les décisions que nous prenons dès le début ont un impact direct sur les décisions, nous les prenons dès la fin. Et vous allez le remarquer, au lieu de boire dans un tuyau d'arrosage, tout cela vous arrive en même temps . Alors que nous commençons à travailler sur une chose, peut-être la couleur. Nous allons nous rendre compte, oh, peut-être que cela ne fonctionne pas correctement, parce que nos valeurs ne sont pas correctes dans Valeurs, avant que la couleur examine cette structure ici dans une minute pour savoir comment seront les vidéos. Mais vous allez remarquer qu'il s'agit étapes très délibérées de ce processus. Mais ils s'alimentent mutuellement de telle sorte que vous pouvez toujours revenir en arrière, apporter une correction et cela alimente l'autre. Veuillez donc regarder du début à la fin pour la première fois. Et aussi si vous suivez, si vous créez votre propre paysage dans le cadre d'un projet de cours ou quelque chose comme ça. C'est une excellente façon de le faire, c' est de suivre, de procéder étape par étape. Dans ce cas, je devrais peut-être revenir à l'étape précédente, mais vous n'êtes pas obligée de le faire. C'est très bien Nous avons tous un parcours différent pour arriver à destination. Mais les décisions majeures que nous prenons dès départ ont un impact direct sur ce que nous ferons plus tard Donc si vous l'êtes, si vous passez à l'étape suivante et que vous vous dites : «   Eh bien, pourquoi a-t-il fait ça ? Eh bien, pourquoi ça n'a pas de sens. Pourquoi a-t-il fait ça ? J'y ai probablement répondu dans une vidéo précédente. Est-ce que cela a du sens ? Alors oui, faites confiance au processus. Fais-moi confiance. Le processus fonctionne. Tu dois juste y croire. Vous traversez les phases les plus difficiles de vos peintures. C'est bon Nous y arriverons. Nous arriverons à destination. Notre tâche au cours des leçons vidéo sera donc de créer une peinture de paysage qui fasse suite à cette peinture C'est donc mon objectif. Au fur et à mesure que je travaillerai sur ce tutoriel, alors que je vous apprendrai toutes ces méthodes, je vais créer une suite à celui-ci, à Cavern Camp. Je l'ai fait il y a environ un mois et demi et ai eu de très fortes réactions sur les Les gens semblent vraiment l' apprécier et l'adorer. J'ai adoré travailler dessus. Et j'utilise la méthode que j' utilise dans cette vidéo sur cette image. C'est donc le type de finale que vous allez avoir. Maintenant, je dois dire que j'ai pour mes étudiants de Skillshare un cours intitulé Les looks traditionnels pour la peinture numérique À des kilomètres de YouTube qui en parlent pour obtenir un aspect pictural, mais nous examinerons cela au fur et à mesure que nous travaillerons Donc, oui, faire une suite à ça. Donc, avant d'entrer dans le vif du sujet et de vraiment changer de cap Maintenant, parlons de certains outils du métier, d'accord ? Ce sera juste quelque chose qui va être utile. De cette façon, vous pouvez suivre ou trouver de bonnes ressources. Comme ça, tu es en quelque sorte sur la voie du succès, d'accord ? Vous aviez donc besoin d'un appareil et d'un logiciel. Maintenant, il peut s'agir d'une tablette de n'importe quel type, comme un écran tactile, ou d'une tablette à stylet que vous possédez. Vous pouvez travailler avec une souris. Je veux dire, je ne suis pas ton parent, tu peux faire ce que tu veux. Mais je recommande de vous procurer une sorte d' appareil tactile pour le rendre un peu plus naturel. Dans cette mentalité cérébrale le trait que vous tapez imite un trait de peinture ou un coup de crayon Vous voulez que cela se rapproche le plus possible d'un à un. Mais oui, tu peux créer de l'art avec une souris. C'est assez facile. Je connais l'un de mes artistes préférés, il s'appelle Craig Mullins Il est le parrain de l'art numérique. des années, il a peint des tableaux vraiment incroyables, juste des souris. Ils n'avaient pas vraiment de tablettes à stylet lorsqu'ils ont créé Photoshop pour la première fois. Il a donc simplement utilisé ce qu'il avait. Alors oui, utilisez ce que vous avez, mais je recommande d'avoir un appareil. Peu importe qu' il s'agisse d'un iPad et de Procreate , quoi que ce soit de ce genre Il existe des options payantes pour les logiciels de peinture. Donc, bien sûr, les photoshops et les normes de l'industrie. Vous avez également Corel Painter, Clip Studio Paint ou d'autres options plus importantes, mais il existe également des options gratuites, d' autres non payantes, comme Christa Clip Studio Paint ou d'autres options plus importantes, mais il existe également des options gratuites, d'autres non payantes, comme Christa Metabolic Paint. Il y en a quelques-unes que vous pouvez utiliser gratuitement pour commencer votre cours, cette leçon et votre parcours artistique numérique. Il existe également des options payantes pour les appareils mobiles, telles que « J'aime beaucoup Art Studio Pro », « Infinite Painter », « Procreate ». Génial, bien sûr. Cela signifie donc que vous n' avez pas à me suivre exactement en fonction de mon programme. Vous pouvez utiliser le programme de votre choix. Écoutez simplement quelques options si vous ne savez pas par où commencer. Voici quelques options à examiner. Oui, et je recommande vivement également une tablette ou un écran tactile. Voici donc quelques ressources utiles pour vous faciliter la vie, d'accord ? J'utiliserai donc quelque chose chaque fois que nous créerons nos mood boards et chaque fois que nous utiliserons référence plus tard dans le processus de rendu, j'utilise quelque chose appelé pure ref. Il s'agit essentiellement d'une offre de téléchargement gratuit pour les ordinateurs de bureau. Donc Mac et Windows, je crois aussi Linux, où vous pouvez littéralement avoir votre ensemble d' images et les conserver au-dessus de votre programme de peinture. ça, vous n' aurez pas à aimer regarder différemment. J' ai trois écrans. Mais l'objectif est de ne pas vraiment regarder les différents écrans, de vraiment pouvoir se concentrer et se concentrer. Cela vous permet donc de mélanger et de faire correspondre vos images. Vous pouvez faire pivoter et retourner vos images. Une autre chose intéressante que vous pouvez faire avec Pure Ref est de créer des niveaux de gris Vous pouvez donc supprimer la couleur et travailler spécifiquement sur la valeur, ce qui est supercritique Nous allons en parler au cours de la leçon. Mais oui, il y a d'autres choses comme REF. Ref est une excellente solution pour mobile. Cela fonctionne un peu comme Pure Ref. Je ne sais pas si c'est écrit par les mêmes personnes, mais si vous faites simplement une recherche sur viscères de votre App Store, si cela va apparaître Ensuite, les références me permettent aussi de me cacher très rapidement. Euh, donc pour vos références, les références seront un sujet que nous allons aborder de manière très détaillée. Mais sachez qu' il existe des endroits où vous pouvez utiliser librement des références. Mais certains d'entre eux devront être de la même manière. Tu vas devoir l'attribuer. Vous allez devoir donner du crédit là où c'est ce que vous devez faire de toute façon, même si ce n'est pas obligatoire, vous devez créditer les artistes. Dans ce cas, les photographes, qui nous permettent d'utiliser librement leur matériel. D'accord ? Il s'agira donc de licences Creative Commons très légères , sans attribution. Donc, quelques sites Web que vous pouvez consulter pour cela. Ou comme Pixabay, Pexels, Unsplash, Sketch, Daily, Morgue File, archive Il y a aussi des choses payantes que vous pouvez obtenir. Donc, pour les paysages, par exemple, j'ai mis certains de mes préférés ici. Graph it's Studios propose paysages incroyables que vous pouvez acheter. Tom Lopez, Jonas, Ronald Guard et Setting Zillow, Mel's Knee In et Aaron Miller, il y a des dizaines d'artistes Si vous avez un photographe préféré qui réalise certaines choses, envoyez-lui un e-mail. Et ce serait comme : « Hé, je travaille sur des tableaux. J'adore tes trucs. Puis-je acheter les droits qui me permettront d'utiliser certaines de vos œuvres comme référence, non de les copier, sauf si vous faites une copie originale et, sur ce point, je recommande de faire une copie originale authentique. Et Albert Bird Stat, certains peintres de la Hudson River School, peintres classiques. Et puis vous êtes toujours très franc à ce sujet et vous dites : «   Hé, c'est une étude de maîtrise travail de cette autre personne » Si vous le partagez sur les réseaux sociaux ou autre, mais indiquez-en toujours le mérite. Et si vous le pouvez, soutenez vos collègues artistes par des références, par eux, oui, vous pouvez les utiliser gratuitement sur ces autres sites Web et autres. Mais si vous pouvez acheter un pack, ces photographes proposeront souvent un pack de six à 700 images pour environ cinq dollars. Absolument. Inscrivez-moi, mec. Ensuite, vous partirez pour les courses là-bas. Alors oui, soutenez vos collègues artistes. C'est de cela qu'il s'agit. Parlons maintenant de la structure et de la présentation de la vidéo. D'accord, il ne s'agit donc que d'une revue des vidéos que nous allons créer dans ce set. Curieusement, je n'ai enregistré aucune des autres vidéos En fait, je les enregistre également dans l'ordre. Ce n'est donc pas comme si j'étais revenue après avoir fait cette vidéo. Je vais d'abord faire celui-ci. Ensuite, nous allons faire la vidéo numéro un, numéro deux, numéro trois, tout ça. Donc, le premier volume de ce livre sur les paysages va prendre un paysage du début à la fin. Il va être divisé en quatre sujets principaux. Et ce sont des étapes répétables, des étapes réalisables dont vous vous souviendrez Et nous les avons décomposés de telle sorte qu' ils s' alimentent naturellement les uns les autres. Le premier sera donc consacré à Ideation and Shapes. Donc, pour avoir l' idée principale de notre peinture, quelle est l'ambiance de notre peinture ? Blocage des éléments de base de la structure et de la composition. Mais nous ne nous inquiétons pas vraiment de savoir ce que c'est. Nous créons simplement des formes pour voir si nous pouvons créer quelque chose qui attire l'œil. Le numéro deux va être une valeur. Nous allons maintenant en parler et de la vidéo sur la valeur ajoutée. Mais à mon avis, deuxièmement, valeur est la partie la plus importante de toute image. Peu importe qu'il s'agisse d'un portrait, d'une affiche, d'une illustration pour un livre pour enfants, un jeu de cartes ou quoi que ce soit d'autre. Peu importe, la valeur est primordiale. Nous allons passer beaucoup de temps à discuter de la valeur. Cela nuit donc à la lisibilité de notre paysage en raison du contrôle des valeurs et des silhouettes. En fait, les valeurs se résument à la lumière par rapport à l'obscurité Qu'est-ce qui est sombre ? Qu'est-ce que la lumière ? Qu'y a-t-il dans l'ombre ? Qu'est-ce qu'Enlight ? Nous allons jouer avec ça. Numéro trois. Une fois que nous aurons travaillé sur notre valeur, nous la colorerons. Donc, la couleur, c'est exactement ce à quoi ça ressemble. Nous allons appliquer des superpositions de couleur à notre peinture de valeur pour créer une ambiance, pour vraiment intégrer l'ambiance que nous créons sur les idées et les formes, afin de vraiment les refléter et de nous donner envie de passer à l' étape finale, qui est le rendu de vraiment les refléter et de nous donner créer une ambiance, pour vraiment intégrer l'ambiance que nous créons sur les idées et les formes, afin envie de passer à l' étape finale, qui est le Le rendu prend beaucoup de temps. Mais toutes ces étapes de configuration, numéro un, numéro deux, numéro trois à configurer avant Render, vont nous aider à rendre cette transition aussi fluide et facile que possible. Alors encore une fois, j'ai mis le conseil ici. Veuillez regarder ceci dans l'ordre pour la première fois. Et vous remarquerez après coup que disons que vous le regardez, que vous suivez les étapes, que vous réalisez votre projet d'aménagement paysager, que vous êtes enthousiasmé par celui-ci. Mais alors tu veux revenir dans six ou huit mois. Revisitez cette série. Oui, n'hésite pas à sauter où tu veux car tu sauras de quelles étapes tu as besoin. Cela fait également partie de cela. Si vous pouvez facilement décomposer vos étapes en modèles répétables, vous saurez sur quelle étape vous allez devoir travailler ou sur laquelle vous devrez vous entraîner davantage Comme n'importe quoi d'autre. Avant de commencer. Voici quelques conseils utiles et quelques points à garder à l'esprit avant de commencer. Mon objectif en tant que professeur d'art n'est donc pas que vous peigniez comme moi. Ce n'est pas intéressant, non ? Mon objectif en tant qu'instructeur est de vous aider à résoudre des problèmes. Pour que tu puisses peindre comme toi. Chacun a son propre style. Et c'est comme de l'écriture. Qui t'a appris à écrire ? Vous l'avez peut-être pratiqué à l'école, mais votre écriture, cette différence par rapport à celle des autres, le seront toujours, non ? Nous allons donc accepter cela. Et nous allons suivre ces étapes de telle manière que je ne vous dise pas comment ni quoi peindre. Je vous montre les étapes que vous pouvez répéter pour faciliter la réalisation de vos peintures afin que vous puissiez vraiment profiter de ce processus. D'accord ? Donc, il faut garder à l'esprit qu'il y a ce qu'on appelle la règle du cool. Nous créons des images. Nous sommes des communicateurs visuels. Nous voulons avant tout que notre photo soit intéressante. Nous ne voulons pas que ce soit ennuyeux. Je veux dire, il y a un moment où l'on peut copier des répliques exactes une à une Mais s'il ne s'agit pas d'une image unique, sert pas vraiment à grand-chose si ce n'est sa dextérité , non n'est sa dextérité , non D'apprendre physiquement à voir puis à implémenter. Mais la règle du cool est très puissante. Je travaille dans les jeux vidéo, je travaille dans le divertissement. C'est ça Nous devons créer des objets qui suscitent des cellules, objets qui suscitent l' intérêt d'un acheteur, si quelqu'un, si vous avez réalisé des peintures traditionnelles, vous voulez que les gens les achètent, n'est-ce pas ? Vous voulez donc établir ce rapport selon la règle du cool. Vous voulez que vos images soient cool, n'est-ce pas ? C'est amusant de travailler dessus. C'est amusant à regarder. Et puis les gens vont devenir fans de votre travail parce qu'ils savent que chaque fois que vous publiez un Art Drop, chaque fois que vous présentez quelque chose de nouveau, ce sera quelque chose de gratifiant et visuellement intéressant à regarder. Donc si ça a l'air bien, c'est bien. Cela l'emporte sur tout le reste. Si ça a l'air bien, c'est bien. Même si ce n'est pas réaliste ou quoi que ce soit d'autre. Nous en parlerons dans Idéation et stylisation. Mais il y a autre chose qui est très importante si vous trouvez une technique plus tard, ou si vous connaissez déjà une technique. Et cela contredit complètement tout ce que je dis, utilisez votre méthode Ce qui est étrange de la part d'un instructeur. Mais toute l'idée revient à une question de style. Vous allez avoir tellement d'informations dans votre cerveau sur la façon de traiter l'information. Choisissez celui qui vous tient à cœur. Choisissez celui qui vous convient, choisissez celui qui vous donne envie de peindre et d'apprendre. Et si cela contredit ce que je dis, tant mieux, cela influence votre style. Le style, ce sont les décisions que nous conservons, résolution de problèmes, les choses que nous conservons, et aussi celles que nous jetons Quels sont ceux dont nous n'avons pas besoin ? D'accord ? Donc, même si ce que j'enseigne ne correspond pas exactement à ce que vous recherchez, j'espère que cela vous donnera une perspective de ce que vous ne voulez pas qui soit tout aussi précieuse, voire plus précieuse à certains égards pour votre processus d'apprentissage. L'art est donc définitivement subjectif. La beauté est pour ainsi dire dans l'œil du spectateur. Mais il y a certaines choses, en particulier les jeunes artistes, qui n'en tirent pas parti. Mais ce sont là des vérités objectives. Ce sont des choses que vous ne pouvez pas changer. Les lois de la physique existent. De la façon dont fonctionne la lumière, elle ne peut pas se courber autour d'une surface. La lumière est une ligne droite. Ce genre de choses ne change pas. Mais cela nous aide vraiment chaque fois que nous créons une image parce nous pouvons utiliser les règles qui sont déjà établies et ce sont des règles, des lois, mec, tu dois les suivre. Ils vous aident à améliorer votre image car ils sont plus crédibles Ils suivent les règles auxquelles nous sommes habitués en tant qu'êtres humains. Nous résonnons mieux avec l'image. Alors pourquoi essayons-nous de redéfinir la roue ? Chaque fois que la théorie des couleurs existe, la roue chromatique existe pour une raison, dont nous parlerons dans la section des couleurs. Les valeurs et la lumière , la façon dont la lumière fonctionne et la façon dont notre œil se concentre sur l'information. Ce sont des choses scientifiques. Ce sont des choses qui ont été prouvées à maintes reprises. Des gens bien au-dessus de mon niveau de rémunération au cours des centaines d'années ont découvert ce genre de choses. Alors utilisons-le. Prenons cela et utilisons-le pour créer la meilleure image possible. OK, alors laisse-moi cacher ma méchante tasse ici. Et surtout, amusez-vous bien. Tout cela est censé vous faire plaisir en vous amusant. Apprenez vraiment la nouvelle et magnifique expérience de donner vie à vos paysages ou à tout type de peinture. Mais l'apprentissage s'améliore. Et si vous améliorez votre routine matinale, d'accord ? Alors profitez du processus. Amuse-toi bien. Donne-toi un peu de grâce. Ça va être difficile si tu essaies vraiment de passer au niveau supérieur. Si vous êtes un peu débutant ou amateur et que vous voulez vraiment vous améliorer Donne-toi une certaine marge de manœuvre, mec. Ce sont des choses difficiles. Tu invente quelque chose à partir de rien. Tu es un vrai magicien, non ? Tu es en train d'inventer des trucs. C'est toi Vous offrez au monde quelque chose qui n'a jamais été vu auparavant. Pensez-y. C'est impossible. C'est une tâche impossible. C'est une tâche impossible. C'est épuisant mentalement. S'il te plaît, sois indulgent envers toi-même. Amuse-toi bien avec ça. Amuse-toi bien, d'accord ? Mais devinez quels gars ? Il est temps de commencer. Nous vous verrons donc dans, nous vous verrons dans la vidéo numéro un où nous parlons d' idéation et de formes Commençons par intégrer des éléments sur le Canvas. Commençons ce processus en beauté. J'ai hâte de voir la prochaine leçon, mais d'ici là, vas-y doucement 3. Leçon 1 - Idéation et formes: Très bien, bienvenue dans la première vraie vidéo. J'espère que vous avez regardé moins de zéro, la configuration et tout le reste pour voir comment nous allons structurer ce cours. Mais maintenant, allons-y. Nous allons commencer à créer notre paysage. Et je vais sauter par-dessus. Tout comme la vidéo est nulle. Nous allons d'abord faire une petite présentation rapide de style PowerPoint, expliquer en quelque sorte ce que nous allons faire puis nous allons nous lancer directement dans le vif du sujet Je suis donc un grand fan de ce genre de choses. Il y a quelque chose que les tatoueurs disent toujours : plus on passe de temps sous le pistolet, plus on s'améliore. Cela signifie qu'au fur et à mesure du processus, vous allez vous améliorer plus rapidement parce que vous résolvez plus de problèmes, les mouvements et que vous faites preuve de la dextérité nécessaire pour créer quelque chose C'est donc ce que nous allons faire. Nous allons examiner quelques petits trucs et astuces et quelques définitions de choses. Ensuite, nous allons simplement sauter et commencer à faire quelques idées. Voici donc Ideation and Shapes. Et en gros, nous allons parler de ce que c'est. À mon avis, il est toujours bon de partir du bon pied. Et en tant qu'artistes, l'un de nos principaux objectifs est d' avoir quelque chose d' évocateur et Demandez à un spectateur de réagir émotionnellement, qu'il soit bon ou mauvais, très joyeux et majestueux ou sombre et parfois Cela dépend de ce que vous souhaitez proposer à votre spectateur. Mais nous allons en parler un peu, puis façon dont les formes peuvent influencer cela un peu. C'est ce qu'on appelle aussi la phase du ciel bleu. OK, donc nous allons capturer l'ambiance, nous allons trouver des références, nous allons faire tout ça. Alors, l'idéation, c'est quoi ? L'Oxford English Dictionary définit cela comme la formation d' idées ou de concepts. Et ils ont conclu que cela n'existait pas déjà. Comme si c'était quelque chose à partir de rien, non ? Donc, en tant qu' artistes visuels et peintres paysagistes, nous abordons cette question en nous posant quelques questions, d'accord ? Où et où se trouve notre siège ? Par exemple, que voulons-nous peindre ? Je sais que cela semble très évident. C'est à toi de prendre la décision. Mais cette décision est assez importante. Qu'est-ce que je veux peindre ? Une montagne n'est-elle pas dans une caverne ? Est-ce que c'est le cas ? Comme une vue panoramique ? Par exemple, est-ce que je veux battre un camp ? Un coucher de soleil se produit dans un ranch avec du bétail. Est-ce que ce sont de beaux avions, des champs et des collines ? Et vous avez une idée très générale. C'est votre point de départ. Le vieux dicton dit que vous ne pouvez pas modifier les mots qui ne figurent pas sur la page. Tu dois avoir de quoi travailler. Alors oui, qu'est-ce que tu veux peindre ? Vous voulez peindre une ferme comme n'importe quel type de paysage, et cela vaut pour les portraits personnages et tout ça aussi. Mais vraiment, pour les paysages, à quoi ça ressemble ? C'est où, non ? Comme je l'ai dit ici, cela peut être très simple ou très complexe. Donc, selon le fonctionnement de votre esprit, il n'y a pas de mauvaise façon de procéder. Donc ça pourrait être comme je voulais peindre une montagne, c'est fait, super. Nous l'avons résolu. Ou je veux peindre une ruelle de science-fiction. Cela mène à une station de métro, un peu comme dans l'ambiance de Matrix C, mais c'est Cyberpunk comme Blade Runner et ça ressemble à de la pluie Vous pouvez vous investir pleinement dans l'idée et c'est tout l'intérêt de Imprégnez-vous des décisions que vous prenez. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Donc je ne vais pas vous obliger à le faire de cette façon, vous devez le faire de cette façon. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise solution. Cependant, c'est votre cerveau qui fonctionne le mieux. Cette phase est également connue sous le nom de phase du ciel bleu. Donc, dans la production, l'art et la réalisation de films jeux de rôle sur table publicités ou La phase du ciel bleu ressemble un peu à l'observation du nombril. Il s'agit de regarder les nuages , tout est possible et c'est ce que l'on obtient. Comme si je pouvais tout faire. Je vais m'envoler à travers nuages comme Superman ou quoi que ce soit Comme. Aucune idée n'est mauvaise. La phase du ciel bleu est très importante car elle vous permet de découvrir , d'imaginer et d'essayer de vous immerger dans ce domaine de créativité Pour ce tableau, j'ai donc voulu définir ce qu'est le mien. Ce sera la continuation du système de cavernes souterraines qu' un groupe de personnages fantastiques peut explorer dans un jeu de rôle C'est donc assez précis. je suis très inspiré par les jeux de rôle vraiment old school comme Dungeons and Mais plus particulièrement, j'ai grandi dans l'univers des jeux vidéo. Je suis donc un grand fan de jeux comme Never Winter Nights et ISO Dale, Boulders Gate et Boulders Gate Three Je veux dire, il y a tout ce qui est incroyable, comme World of Warcraft et EverQuest Et il y a une tonne de jeux dans ce style. Cela se base vraiment sur la création d'une ambiance, l'exploration et la découverte. Je vais dans des endroits que tu n'as jamais vus auparavant. Et combattre de gros monstres permet d' obtenir des récompenses et des trésors incroyables. Et j'aime bien le fait que depuis que j'ai grandi avec ça, je vais faire une blague à ce sujet. C'est donc beaucoup de PFK-1 dans lequel je peux puiser chaque fois que je crée un paysage L'autre question principale est donc de savoir si nous avons notre objet et où en sommes-nous ? Qu'est-ce que c'est ? C'est une montagne, une rivière, une forêt, peu importe. Mais maintenant, voici la partie qui me semble encore plus précieuse. Quelle est l'ambiance ? Maintenant ? Mood, je suis un grand peintre d'ambiance. Je peins l'ambiance à partir de toutes ces choses. Certains peintres disent qu'ils peignent clairs et sombres, des ombres et tout ça. Je suis un grand fan de l'humeur. Comment puis-je ressentir une sensation et ensuite faire que le spectateur la ressente également ? Très bien, c'est un partage 50/50. C'est un échange entre le public et moi. Alors, comment est-ce que je veux créer cette ambiance pendant que je le peins ? Par, comment est-ce que je veux me sentir ? Mais puis-je puiser une partie de cette énergie dans la peinture elle-même ? Alors oui, voulez-vous que ce soit majestueux ou apocalyptique ? Faites de votre mieux pour canaliser quelque chose. Cela fait probablement partie de ton idée. Comme, oh, j'aime les grandes plaines et le ranch, où il y a une grange sur le côté et le bétail, il y a probablement quelque chose auquel vous pensez, que ce soit une scène de film ou une chanson à la radio, peut-être un souvenir intime que vous avez gardé en grandissant dans un ranch , quelque chose comme la chaleur agréable du retour maison ou ce que nous obtenons. Parce que chaque fois que vous commencez à canaliser des choses comme ça, vous commencez maintenant à vous exprimer. Et c'est là que l'art devient tout autre chose, non ? Et c'est ce qui crée vraiment des liens avec les gens, les gens aiment entrer en contact avec d'autres personnes. Et grâce à l'art, nous espérons donner un stimulus visuel pour le faire. Alors canalisez-le vraiment. Non, ne te sens pas gêné, ne t'intéresse pas au basket. Comme si tu avais un paysage en tête. Imaginons que vous peignez en plein air ou à l'extérieur. Peinture sur la vie. Eh bien, voilà ton humeur. Comment te sens-tu en ce moment ? vous regardiez ce panorama grandiose ou que vous regardiez la forêt, les arbres ou quoi que ce soit d'autre, comment vous sentez-vous ? Par exemple, essayez de capturer cela dans votre peinture. OK. Oui, j'aime mettre de la musique d'ambiance. J'aime bien les moodboards. J'ai besoin de tous ces trucs, pour ainsi dire sur des mood boards. En fait, j'ai créé un mood board ici même que nous allons utiliser pour le paysage. Je vais peindre. Un mood board est une source d'inspiration. Beaucoup de personnes utilisent Pinterest pour cela. Si vous êtes un grand fan de Pinterest et de la façon dont ils proposent des tableaux, vous pouvez créer des objets et enregistrer des images sur certains tableaux. C'est là toute l'idée. C'est comme un tableau d'affichage, c'est comme un mood board. Cela peut donc être n'importe quoi. Cela peut être des formes et des dessins, cela peut être des couleurs. Il peut s'agir de photos prises à partir de films ou de clips musicaux tout ce qui vous permet d'atteindre ce que vous souhaitez réaliser Maintenant, vous remarquerez que sur le mien, j'en ai trouvé pas mal. Tout est basé sur de l'art fantastique, un peu comme Dungeons and Dragons Je pense qu'il y a des trucs pour Guild Wars et World of Warcraft Il y en a un pour les nuits d'hiver au milieu. Tu vois, celui du milieu ne correspond pas tout à fait à la même chose parce que c'est une ville et les autres sont des donjons Mais je l'ai mis au milieu parce que ce sont les jeux auxquels on a l'habitude de jouer. Donc, pour y aller, pour voir cette capture d'écran et me dire : « Oh oui, je sais où je suis maintenant ». C'est en quelque sorte le tout réuni et c'est un élément très important à cet égard Il peut donc s'agir d' images de référence que vous avez, de packs de référence. Si vous avez cela, si vous faites une étude de maîtrise, ayez non seulement l' étude de maîtrise que vous faites, mais aussi d'autres peintures du même artiste et voyez comment elles résolvent différents problèmes. C'est pourquoi créer un mood board est une si bonne idée. Pour ce mood board. J'ai utilisé pure ref. Nous en avons parlé dans la vidéo préliminaire, Leçons zéro pour ainsi dire, mais nous allons également y jeter un coup d'œil dans une seconde. J'adore utiliser Pure Ref comme mood board. J'adore ça. Alors bien sûr, je fais essentiellement une suite à cette image Je suis en train de créer la deuxième partie de cette image. Nous allons aller plus loin dans cette caverne pour voir à quoi elle ressemble OK, donc avoir cette image facilement accessible est formidable parce que je peux voir, oh, j'avais les oranges chaudes, les jolis objets cyan du genre flaques d' eau presque magiques et ces formations rocheuses que la personne, le joueur ou le spectateur doit franchir Cela me donne toujours des idées tout en restant dans l'ambiance. D'accord ? C'est donc la référence que vous voulez trouver. Vous voulez trouver une référence qui vous donne beaucoup d'informations. Tout un tas de trucs en une seule image Mais si vous avez 13 ou 14 de ces images, maintenant vous cuisinez, vous avez beaucoup de choses à faire Je voudrais donc prendre quelques notes à titre de référence, d'accord ? référence signifie donc différentes choses pour différentes personnes, surtout si vous en êtes dans votre parcours artistique. Si vous êtes un nouvel artiste, utilisez des tonnes de références. Oh mon dieu, trouve autant de références qu'il est humainement possible. Reliez toutes les bonnes photos. Imaginons que vous peignez une montagne. Trouvez toutes les photos d' une montagne que vous aimez sur Pinterest, Google comme n'importe quel autre. Créez un mood board et regardez-le. Regardez-le vraiment et dites-vous : « Oh, c'est ce que font ces formes ? Quels sont, dont nous parlerons ? Mais à quoi servent ces formes ou ces images composées d'une certaine façon ? Il y a toujours la montagne sur la gauche. C'est sur le côté droit ? Commencez à remarquer les traits de caractère de ces images. Qu'il s'agisse des couleurs, de l'éclat de la lumière ou de la véritable raison pour laquelle l' Europe s'est intéressée à une certaine image, comme parmi toutes les images sur Internet, vous avez choisi des images spécifiques. Pourquoi ? OK. Oui Trop de références est une bonne chose. Les jeunes artistes de l'artiste, même les plus récents, avaient cette étrange idée que l'art doit toujours provenir uniquement de votre imagination. Ou tu n'es pas un véritable artiste. Ce n'est pas vrai. En fait, tous les professionnels que je connais moi-même utilisent des références religieusement. Nous devons savoir à quoi ressemblent les choses. Comment peindre l'arbre ? Si vous ne savez pas à quoi ressemble un arbre, c'est une idée époustouflante, Mais tu dois regarder le truc. Je vous en prie, je vous en prie. S'il te plaît, regarde le truc. Si vous peignez une roche, trouvez des images de roches et voyez à quoi elles ressemblent et comment elles se produisent sous l'effet des intempéries sur les arêtes vives et les bords arrondis Veuillez utiliser, utiliser plus de références et vous pourriez éventuellement imaginer. OK, maintenant, ne copiez pas directement. À moins que cela ne fasse partie d'un exercice que vous faites. , ne soyez pas une photocopieuse, mais regardez les choses, commencez vraiment à les créer. Et ce que vous allez faire, c'est commencer à créer ce que l'on appelle votre bibliothèque visuelle. Et c'est ainsi que vous commencez à travailler à partir de votre imagination. Parce que si vous voyez 5 milliards de roches, on dirait que vous pouvez peindre une pierre à partir de votre imagination. Par exemple, il fallait y consacrer ce temps et regarder les choses. Tu dois faire des études, puis tu dois comprendre comment ces choses fonctionnent ensemble, d'accord ? Alors oui, vous créez votre bibliothèque visuelle pour vos débutants. Trouvez simplement votre référence, créez un mood board géant et regardez-le. Ayez-le à portée de main à tout moment. Si vous êtes plutôt un intermédiaire, disons que vous prenez des commissions. Vous êtes un artiste, vous travaillez ou vous voulez faire le saut pour devenir artiste actif et vous voulez travailler avec des clients, vous recevez des commandes et tout ça. Un bon exercice consiste à prendre plusieurs références et à les mélanger dans votre esprit pour créer quelque chose de nouveau. Un bon moyen de le faire s' appelle le photo-bashing et d'autres. Il existe de nombreux tutoriels sur le photobashing dans lesquels vous prenez des photos, puis vous les compilez et les composez les unes sur les autres pour créer une image cohérente C'est une excellente façon de commencer à réfléchir. Pour ce qui est de faire référence à une image plutôt qu'à une peinture. Est-ce que cela a du sens ? Il y a une différence entre le fait d'avoir des images de référence que vous regardez. Pouvez-vous faire de votre mieux pour copier puis créer votre propre truc en utilisant cette référence, en utilisant cette réalité. Le dénigrement de photos est donc une chose difficile. C'est chaque fois que vous prenez des photos et que vous en effacez une partie, que vous placez une autre photo à côté, que vous en effacez une partie et que vous essayez de les mélanger pour les rendre réalistes. C'est bien plus délicat que vous ne le pensez, car chaque image que vous allez trouver est probablement LET Il a probablement une couleur différente. Elle a probablement été prise avec différents appareils photo, avec différents objectifs. Donc, si l'on met de côté les points de vue, il est vraiment difficile de mélanger ces éléments. C'est donc votre intermédiaire. Je pense qu'il s'agit de rassembler tout cela et d'essayer de créer une toute nouvelle image de référence partir de plusieurs images de référence. Et les combiner est un excellent exercice, car cela vous montrera ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Oui, tu ne le feras pas très vite si quelque chose va vraiment bien ou pas. Cela entraîne également votre cerveau et votre œil à voir si les éléments fonctionnent ensemble former un tout cohérent pour votre peinture D'accord ? Mais maintenant, si vous êtes avancé, si vous êtes au niveau professionnel et que vous le savez probablement déjà Mais une excellente façon d'utiliser la référence est de ne pas le faire avant d'en avoir besoin. N'ayez même pas de mood board en place, n'avez rien d'autre, ou vous pouvez le faire monter. Bien sûr. Mais ne vous y fiez pas vraiment. Fiez-vous à votre bibliothèque visuelle, à vos années et à vos années de formation. Créez quelque chose qui vous semble cool. Mais si vous en avez besoin, disons que vous peignez une grange. Disons : « Oui, disons que vous peignez une grange, vous avez le champ, que c'est réglé et que vous avez besoin de la référence pour les vaches ». Ils ont essayé d' obtenir la bonne forme du visage, c'est super. Mais supposons que vous peignez la grange et que vous ayez bien défini les formes, que sur les forums, vous êtes la grange et que vous ayez bien défini les formes, que sur les forums, belle, que les couleurs sont bonnes Vous n'arrivez pas à les définir. Disons qu'il y a un toit en tôle rouillé dessus. Vous voulez qu'il soit rouillé et vous l'avez, vous savez, il est de couleur brune, noirâtre, jaunâtre et autour de la périphérie, il est brun et vous avez une vague idée de ce qu' Va chercher. Rien que de la rouille. Regardez Russ, de la rouille sur du papier aluminium , peu importe, trouvez celui qui vous plaît, puis remarquez le motif et dites-vous  : « Oh, ça commence presque comme de la moisissure, puis ça pousse Et puis à la périphérie, où il décompose moins de choses que vous ne le faites, puis jetez-le Retournez à votre tableau. Oh, je comprends. Maintenant. Ça va cliquer pour toi. OK. Donc, les références dépendent de l'endroit où vous vous trouvez et vous pouvez tomber un peu partout selon la nature du sujet, selon votre paysage. Disons que vous êtes un pro de la peinture des plages et de l'océan, des vagues, etc. Tu l'as fait et tu en as fait carrière. Eh bien, quelqu'un t'a chargé de peindre la ville. Vous pensez, vous savez à quoi ressemble un lampadaire. Vous pensez savoir à quoi ressemble un panneau d'arrêt, mais vous devez vous y référer comme si vous deviez saisir ce matériel. Sois donc un débutant. S'il s'agit d'un nouveau type de produit que vous n'avez jamais essayé auparavant, procurez-vous toutes les références et essayez d' en absorber le plus possible. J'espère que cela a du sens selon l'endroit où vous vous trouvez ici. L'un n'est pas meilleur que l'autre. C'est juste que plus vous le ferez, moins vous aurez à vous fier à des références pour démarrer. Est-ce que cela a du sens ? Vous pouvez travailler à partir de votre imagination, puis vous pouvez corriger les choses qui ne vous semblent pas correctes en vous basant sur l'observation. C'est une excellente façon de procéder , car alors toutes vos idées sont vraiment vôtres et vous utilisez ensuite la vie réelle pour les accentuer, rendre un peu plus épanouissantes pour vous et pour le spectateur Donc des formes. Parlons-en très rapidement. en revenir à l'essentiel, mec, ce sont des trucs pour l'école primaire. Oui Ces formes. Ces formes, le carré, le cercle, le triangle, tout ce que vous avez dessiné à la maternelle et en première année, sont essentielles pour créer de bonnes images. Ça y est. J'ai toujours des membres de ma famille chaque fois qu'ils savent que je suis artiste, qu'ils voient mon travail ou quoi que ce soit d'autre. Comme Man, c'est incroyable. Je ne peux même pas dessiner une figurine en forme de bâton. Bonne nouvelle La figurine en bâton est la base de tout. si tu peux tracer un petit cercle et tracer quelques lignes, tu peux devenir artiste, je te le promets. Et je dirais que c'est le premier pour les formes et cette image. Si vous regardez le carré, le cercle, le triangle et le rectangle, toutes les autres formes cette liste sont composées d'une combinaison de ces quatre éléments. Vous savez donc comment nous avons parlé de prendre différentes références et de les assembler. Maintenant, vous prenez un cercle et un triangle. Dans ce que tu crées. Votre ruban peut creuser, s'il a pris le rectangle et le cercle et vous êtes en train de créer un hexagone Tu vois ce que je veux dire ? Comme si vous preniez des triangles et que vous preniez les différents triangles d'un pentagone carré mixte. Vous prenez les formes et vous développez différentes formes personnalisées en fonction de celles-ci, mais tout se résume à une question de forme. Si vos formes se lisent bien, s'il est facile de savoir de quelle forme il s'agit, vous êtes prêt à les aimer. OK, en bas, au bas de l'échelle, le cœur. Tout le monde le sait. C'est une petite icône pour un cœur, non ? C'est presque comme le hiéroglyphe d'un cœur. Nous connaissons tous cette forme. Cela ressemble-t-il vraiment à un cœur humain ? Non, le cœur humain est bizarre, bulbeux, il a des valves qui remontent et il y a du sang aortique pendant , puis des cavités, etc. C'est complètement différent, ne ressemblez pas à ça. Ça a l'air bien différent. Tu vois ce que je veux dire ? Mais nous avons cette compréhension intrinsèque grâce à la communication visuelle cette petite icône juste là, les deux petits cercles sur un triangle en bas. C'est un cœur. Tu sais, des émoticônes, des émojis, qu'est-ce que tu as. Ce sont nos moyens de communiquer. Nous pouvons utiliser cela à notre avantage. D'accord ? Alors n'oubliez pas que les formes sont littéralement les éléments constitutifs. Tu te souviens des Legos et tu y joues. C'est ce que sont les formes. Formes. Construisez votre image, d'accord ? Plus vous pouvez conserver votre composition avec les formes de base , plus les étapes avancées s'améliorent et sont faciles. Parce qu'une fois que vous bloquez votre silhouette, vos formes et la façon dont elles sont liées les unes aux autres sur la toile. Si vous restez dans cette silhouette, si vous ne franchissez pas les limites, vous pouvez vraiment y réfléchir. Mais si vous conservez des formes solides, votre image fonctionnera toujours. Toujours. Si c'est facile à lire, alors vous voyez ce que je veux dire quand vous aurez compris ce que je veux dire ? Donc, comme dans mon travail, je travaille sur des jeux de cartes, comme des jeux de cartes à collectionner ? Certaines œuvres d'art ne mesurent que 2 pouces sur un pouce de haut. Mais non seulement nous devons nous assurer que l'œuvre se lit à cette taille, mais en tant qu' artistes de ces jeux de cartes, nous devons également nous assurer qu'ils lisent à l'envers. Parce que tu joues le jeu contre une personne. Eux, chaque fois que vous posez votre carte, eux, votre adversaire ou que vous voyez la carte à l'envers. Ils doivent donc savoir de quoi il s'agit au moment où il tombe. Il doit y avoir une reconnaissance des formes. Et la seule façon d'y parvenir est d'utiliser des formes. C'est ça OK, et nous allons voir comment les formes entrent dans le formulaire. La forme crée de la valeur, alimente l'éclairage. L'éclairage alimente la couleur. Comme nous l' avons déjà dit, tout fonctionne ensemble. D'accord ? Donc, une fois que vous avez créé une bonne silhouette, respectez-la. Les formes fortes font toujours de bonnes peintures. Toujours. Je m'en fous que vous soyez un artiste traditionnel, un artiste numérique. Votre aquarelle est sur YouTube, les croquis au crayon, les formes sont tout Et puis, en cas de doute, s'il vous arrive de rencontrer quelque chose et que les choses deviennent trop compliquées, simplifiez. Il a retransformé les formes étranges en un rectangle ou un cercle en C, les a fait pivoter et a vu comment elles fonctionnent. OK, alors faisons cette rapide revue, non ? n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de bloquer une composition. Certains artistes utilisent des formes très basiques. Ils dessinent donc littéralement des cercles et des carrés, Ils dessinent donc littéralement des cercles puis ils en collectent une collection et les placent sur des et les placent sur objets, presque comme s'il s'agissait d' aimants sur un tableau. Puis ils prennent du recul et se disent : « Oui, ça a l'air plutôt cool. Oui, on pourrait travailler avec ça. Ou tu peux vraiment creuser et faire des croquis au crayon. Et comme certaines personnes aiment utiliser du graphite, vous creusez vraiment dedans et vous commencez à créer des formes. Oh, nous fabriquons un champignon. Laissez-moi essayer de créer ce hiéroglyphe représentant un champignon. Faites ce qui vous convient le mieux. OK. Mais je vous préviens, ne vous enlisez pas dans les détails Ce n'est pas ce qu'est cette étape. Les détails viendront plus tard. Je vous ai promis que certains détails apparaîtront à la toute fin, littéralement sur la variante avant que vous n' apposiez votre signature. En fait, c'est l'idéation, le paysage onirique, la tête dans les nuages, tout est possible Votre intention est donc de garder votre énergie. Le meilleur moyen d' aspirer l'énergie, non ? Lorsque vous commencez à créer une image est sombre. Je m'inquiète pour les détails. Ne vous inquiétez pas pour les détails. Je ne me soucierai probablement pas des détails et de la peinture en temps réel pendant deux heures et demie Facile. Et c'est si c'est une peinture rapide, tu vois ce que je veux dire ? Nous allons donc examiner ce genre de choses. Mais ce que nous allons réellement faire , c'est créer des vignettes création de miniatures est un excellent moyen d'obtenir de nombreuses compositions différentes. Essaie de voir des trucs pour t'échauffer. Et cela met votre esprit dans l'état d'esprit qui consiste à faire bouger les choses, d'accord, et à mettre en lumière une image Les étapes ultérieures traiteraient donc des détails. Alors ne vous inquiétez pas, croyez-moi pour l'instant, cela n'aura pas l'air bien, mais cela vous donnera une petite étincelle qui suffisamment d'énergie vous donnera suffisamment d'énergie pour passer aux étapes suivantes D'accord ? Alors oui, nous travaillons pour perdre. Nous allons créer les vignettes. Voici donc un conseil de pro. Ici. Voici un petit truc sur les coulisses. Chaque fois que je travaille avec un client, il peut s' agir simplement d'un client général. Ils veulent juste faire un croquis du mien. Ils veulent une planche originale du mien. C'était pour Star Wars, War Hammer et tout ça. Je donne toujours trois croquis par demande. Parce que cela permet à mon client d' examiner diverses options et d' être en mesure de donner son avis très tôt. De cette façon, ils ont confiance dans le processus, ils font partie du processus. Ils partagent cette créativité. Et cela vous facilite la vie. Il n'y a rien de pire que de passer beaucoup de temps sur une pièce puis de l'envoyer et ce n'est pas tout à fait ce que le client voulait. Ils sont toujours reconnaissants quand tu es payé et tout ça. Mais ils sont un peu déçus. Rien n'est pire. Vous voulez donc qu'ils participent à ce processus ? D'accord ? D'habitude, j'en fais trois sur ce que nous allons faire J'ai quelques idées, très vagues, ces choses et je veux qu'on les règle un peu Je vais donc me contenter de petites vignettes. De cette façon, nous pouvons en quelque sorte les regarder. Alors bon, passons à la peinture. Très bien, laisse-moi vérifier mon téléphone très rapidement. Très bien, cool. Alors passons à la peinture. Donc ça va être ici et laisse-moi passer à autre chose. Au fait, j'ai trois écrans. Donc je vais regarder et faire toutes sortes de choses. C'est donc ce dont nous parlions tout à l'heure, qui n'est que pure référence, d'accord. C'est mon mood board. Je suis capable de zoomer et de regarder des objets et des détails, et je peux poser mon crayon vers le bas pour pouvoir utiliser certains de ces raccourcis clavier Très vite, je zoome avec le zoom avec la molette de la souris Vous pouvez créer des mots ici en cliquant avec le bouton droit de la souris et en allant Bonjour, je suis une note » Ensuite, tu peux le déplacer. Tu peux le redimensionner, tout ça. Alors disons que tu aimes celui-ci, j'aime bien celui-ci. C'est donc l'option A. Tu vois ce que je veux dire ? Comme dans, vous pouvez le survoler ici. Donc, ce qui est également très cool, c'est que vous pouvez faire quelques manipulations d'images. Nous pouvons donc sélectionner une image, vous pouvez l'agrandir ou la réduire faisant pivoter ici. Mais mon préféré, si vous maintenez la touche Alt enfoncée et je crois que c'est Alt et Shift. Donc, au lieu d'utiliser Alt sur un Mac, je tiens à dire que c'est comme si je n'avais pas de carte, désolée. Ensuite, vous maintenez les boutons Shift et Alt enfoncés, puis vous cliquez et faites glisser, vous allez retourner l'image horizontalement. Ensuite, si vous faites glisser le pointeur vers le haut ou vers le bas en maintenant les mêmes touches de raccourci verticalement Très cool, très rapide. Maintenant, j'aime bien la souris Zoom, bien sûr, mais voici le vrai problème et nous allons en parler longuement plus tard Si vous cliquez avec le bouton droit de la souris, vous passez en mode « premier arrêt », vous allez dire que vous pouvez superposer la sélection Vous pouvez le rendre transparent ici Souris, ce qui signifie que votre masque peut plus cliquer dessus. Je suis toujours au top. Toujours au top signifie que pendant que je travaille, laissez-moi déplacer ça ici et je vais le déplacer. Pendant que je travaille dans Photoshop. C'est toujours en haut de mon écran. Très, très cool, non ? Parce que si je le désactive, qu'il est toujours au top et que je le désactive, alors je clique sur Off, tu vas voir. Il est donc toujours bon de l' avoir toujours allumé, toujours au top chaque fois que vous travaillez à titre de référence. Et laisse-moi revenir en arrière. Où est mon Photoshop ? La dernière chose principale, la dernière chose principale. La raison pour laquelle j' adore Pure Ref et Viz Wrath et tous les programmes de ce genre Chèrement, si je clique avec le bouton droit de la souris, je vais sur Canvas et je clique sur Grayscale Maintenant, tout ce qui se trouve sur cette toile, tout mon mood board est maintenant en niveaux de gris C'est donc à chaque fois que cela va être inestimable lorsque nous travaillons sur nos passes de valeur. D'accord ? Donc, j'ai aussi mon article ici. C'est toujours bon de l' avoir. Je vais juste l'avoir sur le côté. Mais en fait, ce que je vais faire, aller à l'école maternelle de Canvas OK. Je vais déplacer ça. Je voulais te le montrer, mais je vais le placer sur ce moniteur juste ici. Je travaille donc ici sur mon écran Art. Mais alors ce moniteur, mon mood board, seront placés sur le côté. OK, maintenant que nous avons cette configuration, je vais continuer à y jeter un coup d'œil parce que je veux voir quel est mon cosinus Si je l'amène ici, je vais l'avoir Et si vous double-cliquez sur une image, elle est redimensionnée selon les proportions de Puritan Window Je vais l'ouvrir. Et en fait, je ne regarde que quelques-unes des stalactites. Droite. Est-ce exact ? Les objets de la caverne qui descendent ? Comment ai-je formaté certaines de ces roches ? Il suffit de regarder cette composition de base pour essayer d'en faire une suite Je vais donc toujours avoir les formes pointues. Je vais quand même le faire plus clair au fur et à mesure qu'il s'éloigne de nous, il fera plus sombre. Nous en parlerons donc longuement dans la prochaine vidéo. Mais juste pour me donner quelques notions de base, permettez-moi de passer aux niveaux de gris de Canvas Comme ça, je n'essaie pas encore de m' accrocher aux couleurs. D'accord ? Nous avons donc tout cela, et j'aurai ce modèle ici, ce modèle de vignettes Cela fera partie des extras que vous allez obtenir avec le cours. Donc je vais juste utiliser, laissez-moi simplement utiliser, je vais utiliser le mélange de paille juste ici. Et puis j'ai une couche qui s'appelle dessiner ici. C'est donc ce que je veux faire. Je vais juste comprendre ceci, si c'est assez petit, et je vais juste commencer par les formes. D'accord ? Donc, quelque chose comme ça. Alors je sais que nous avions des trucs comme là-haut. Alors peut-être un joli triangle. C'est une reprise de la même composition, mais je voudrais vous la montrer juste, juste pour vous le montrer OK, alors peut-être plus de choses ici. Alors. Un bon secret pour s'endetter est de suivre ce qu'on appelle la ligne Z. Si vous écrivez simplement Z ici, on dirait que vous commencez au début d'un sentier, puis que vous passez à l' arrière-plan. Assurez-vous simplement que le haut du Z est plus étroit que ce que vous allez obtenir automatiquement. Si nous en avons un, vous aurez automatiquement un look vraiment cool puis comme si cela fait partie de la caverne, en voyant que vous pouvez voir que je fais juste des désordonnées, désordonnées Ils sont donc vraiment un peu trop symétriques. Je vais donc diviser certaines formes ici. N'hésitez pas à faire descendre d'autres stalactites. Peut-être ces champignons ici, quelque chose comme ça. Peut-être l'ouverture. OK. Il y en a une. Ce n'est pas très beau, mais ce n'est pas forcément le cas. C'est ça, ce n'est pas le problème. OK. Puis efface une partie de ça ici. Donnez à mes yeux quelque chose qui ressemble à un « oui ». Par exemple, donner à mon œil un petit objet à regarder et déduire des informations au lieu de me dire directement exactement les informations Donc, comme nous l'avons dit, les détails à ce stade ne sont pas importants. Je fais beaucoup de formes diagonales légères. J'aime beaucoup les triangles, les triangles parmi toutes ces formes Je préfère les triangles parce qu'ils ont un côté plat puis un côté incliné pour orienter le regard du spectateur OK, alors en voici une, peut-être que c'est une longue chronique pour un sujet qui va surgir. Commençons donc peut-être par la seconde, la seconde, rendons celle-ci un peu plus ouverte. Alors permettez-moi de réduire le décalage, comme les triangles dans un coin ici, comme si c'était au premier plan et que nous regardions à travers, presque comme si nous grimpions dans la caverne nous-mêmes. Et puis nous avons vu ce gros, je ne sais pas, ouvert, ce que nous recherchions, gros trésorier ou quelque chose comme ça Nous avons donc cela et nous sommes en quelque sorte en train de l'encadrer ici. Nous pouvons même placer ces formes sous forme de triangles face à l'intérieur pour attirer l'attention du spectateur. Alors laissez-moi en quelque sorte l'ovale, peu comme s'il s'agissait d'une clairière que nous avions traversée par un tunnel. Et un tunnel de lumière pourrait contenir des toiles d' araignées ou quelque chose comme ça Alors. Mais maintenant oui, maintenant nous voyons ce que nous recherchions pendant tout ce temps. Et si c'était juste une grosse structure bizarre ? Mais alors, la structure, si elle était assise ici, peut-être la structure, allons-y , faisons ce Z délicat dans cette structure. Comme un carré, mais il y a des choses pointues qui en sortent C'est peut-être comme un phare. Comme si la lumière passait, comme si elle brillait sur tout, un peu comme nous l' avons fait au départ. Alors peut-être ou le sens de l'échelle. Nous avons d'autres montagnes ou quelque chose comme ça. Nous avons ça et puis d' autres choses, juste un petit casier dans lequel les objets peuvent s'échapper OK. Nous pouvons donc y remédier en partie. OK. Il n'a pas besoin d'être beau. C'est tout ce que nous voulons, nous allons passer aux plus belles choses. C'est juste pour faire bouger notre esprit et nous mettre dans le sien, d'accord ? Alors allons-y. Donc. Nous avons une grande structure. Nous avons des tunnels qui semblent un peu plus claustrophobes Faisons une autre sorte d'E1 claustrophobe. Euh, oui, et ensuite on pourra en faire une bizarre en bas. Alors faisons-en un comme si nous étions dedans, nous étions entrés et le toit était un peu bas là où nous sommes. Mais au fur et à mesure que nous avançons, c' est un peu comme s'ouvrir presque comme un centre commercial, comme un grand tunnel Oui. Alors oui, faisons-le réellement. Donc, si nous commençons comme ici sous la forme d'un cercle, cela s'agrandit progressivement. J'ai marqué sur celui-ci. C'est très bien. Nous pouvons utiliser ces formes pour nous donner une perspective. Vous remarquerez que je n'ai pas du tout parlé de perspective. Nous allons, à différents moments de la pièce, savoir que beaucoup d'entre elles seront des peintures en perspective à point unique Il va y avoir un point d'intérêt. 4. Leçon 2 - Les valeurs: Salut les gars, bienvenue dans la deuxième vidéo, consacrée aux valeurs. Donc, avant d'aller trop loin dans le vif du sujet, je voudrais vraiment détailler toutes les étapes de ce didacticiel. C'est celui-ci, celui sur lequel vous allez beaucoup revenir tout au long du processus. Mais c'est le point le plus crucial. Je ne dis pas que cela veut dire qu'il y vraiment beaucoup de pression sur des enjeux élevés Mais tout le travail que vous consacrez à cette partie de votre création d'images va faciliter les autres parties, Je le dis à tous mes étudiants en art. Que je travaille en tête-à-tête , dans le cadre d'une classe ou que je fasse du mentorat La valeur est l' élément le plus important de la création d'images. Période. Il répond à tous les problèmes que vous pourriez rencontrer. Et il le fait rapidement, facilement et de façon répétitive. D'accord ? Si vous rencontrez un problème avec une image que vous créez, cela se résume à des valeurs 99 % du temps. OK, alors parlons-en. Faisons la conférence. Ensuite, nous allons sauter et appliquer une valeur transmise à notre peinture. D'accord ? Donc les techniques du paysage, alors que vous voulez des valeurs et la beauté des niveaux de gris, valeurs, des lumières, des ténèbres et du fonctionnement de l'œil Nous allons commencer à nous intéresser à l'optique. Cela va vraiment prendre de l'ampleur chaque fois que nous commencerons à approfondir certains détails ou que nous commencerons à apporter des corrections, etc. Nous allons vraiment utiliser la science de la façon dont l'œil se concentre sur les choses. Mais les valeurs jouent un rôle important à cet égard. Qu'entendons-nous donc par valeurs ? D'accord ? Nous définissons donc la valeur en fonction de la luminosité ou de l' obscurité d'une chose. Qu'est-ce qu'il fait clair ou sombre ? D'accord ? Ensuite, il passe d'une gamme de blanc pur et brillant, comme une grande lampe de poche géante, ce que vous êtes d'un blanc aveuglant à un noir pur D'accord ? En science, il existe donc des millions de valeurs. Des millions. Nos yeux sont plutôt doués pour voir les petits détails nuancés, mais ils ne sont pas très doués pour cela Donc, si nous avons, sur un spectre lumineux, des millions, voire des milliards de minuscules transitions microscopiques entre le blanc pur et voire des milliards de minuscules transitions microscopiques le noir pur, c'est l'œil humain Même une vision parfaite, même une vision améliorée, si vous avez également une cybernétique ou quelque chose comme ça dans votre machine à pièces Vous ne pouvez en voir qu'environ 1 000 sur des millions, voire des milliards, l'œil humain ne peut vraiment en distinguer qu' environ 1 000. D'accord ? Artistes, notre travail est de simplifier. Alors nous prenons, nous allons prendre ces milliers ou ces milliers que l'œil humain peut voir entre l'obscurité et la lumière Et nous allons le réduire à neuf. Hein ? Nous avons parlé plus tôt des idéations et des formes et façon dont nous simplifiions la méthode 1000000000-9 C'est assez simple. Tu vois ce que je veux dire ? La valeur est en fait une composante de la couleur. Cela fait donc partie d'une recette pour vous donner une couleur. La couleur est donc composée de teinte, de saturation et de valeur. aussi la chroma, dont nous parlerons un peu, mais c'est une toute autre leçon Nous allons parler de la théorie des couleurs et tout ça et de la leçon sur les couleurs. Mais ici, il suffit de connaître cette valeur à mon avis, à la fois professionnel et personnel. valeur est la plus importante de toutes ces composantes pour qu'une image soit bien lue, accord, alors ne vous inquiétez pas les autres éléments les rouges clairs, les verts foncés et les éléments qui font partie de la définition. Mais en fait, pour l'instant, nous nous inquiétons simplement de l'obscurité et de la lumière. C'est ça OK. Tellement de mots. Imaginez cette étape comme si vous peigniez en niveaux de gris. Vous allez simplement utiliser du noir, du blanc et tous les gris intermédiaires et C'est tout ce que nous allons faire. Nous peignons en noir et blanc. D'accord ? C'est ce qu'est notre Value Pass. Je vais commencer à y faire référence au fur et à mesure que nos valeurs ou notre valeur ont été transmises. C'est ce que nous voulons dire. Préoccupe-toi juste du noir et blanc qui l'entoure. OK. Il est utile d' y réfléchir sur une échelle. Il existe littéralement ce qu'on appelle une échelle de valeurs. Donc, une échelle de valeurs, j'aime bien qu'elle comporte neuf échelons. Et la raison pour laquelle c' est cinq, c'est juste au milieu Très bien, vous avez 12345 au milieu, 6789. Vous en avez donc quatre de chaque côté, cinq au milieu. Cela nous aide vraiment chaque fois que nous commençons à peindre, tu vas savoir pourquoi ? Parce que je commence avec un fond gris à 50 %. C'est juste au milieu, puis nous travaillons en fonction du clair ou du foncé OK. Travailler sur des niveaux de gris, uniquement des niveaux de gris, est donc une idée critique. Une fois que tu t'y es habitué, ça a l'air dingue. Et quand je dis ça à ma femme et quand je dis à d'autres étudiants en art, ils pensent que je suis fou jusqu'à ce que ça leur arrive, jusqu' à ce qu'ils soient capables de le faire aussi. C'est-à-dire que je peux physiquement, ou je suppose que je l'imagine de façon étroite, mais je peux mettre comme un filtre sur mes yeux dès maintenant et savoir, d'accord, que c'est le monde qui m' entoure du plus foncé au plus clair à tout moment, je peux mettre mon cerveau en mode valeur pour monde qui m' entoure du plus foncé au plus clair à tout moment, voir Oh, c'est plus sombre, c'est plus clair que la lumière qui vient de cette façon. Une fois que vous aurez commencé à pratiquer cela, vous pourrez également acquérir cette capacité. Cela ressemble à une superpuissance ou quelque chose comme ça , d'une certaine façon parce que cela vous aide à simplifier ce que vous regardez D'accord ? Mais sachez simplement, faites-vous simplement l'idée qu'il existe une échelle de valeurs selon laquelle vous avez vos blancs brillants et vos lumières. Et puis il y a vos noirs très foncés, vos noirs foncés, vos gris foncés, tout ça Et puis il y a un dégradé régulier ou une transition de l'un à l'autre, d'un côté de l'autre. D'accord ? Donc, au lieu de voir l'image pour tout, il vaut mieux regarder tous les détails, toutes les nuances, tous les contrôles intéressants et tout le reste. Décomposez-le. Faites de votre mieux pour le voir en noir et blanc. OK. Certains de mes films préférés de tous les temps ou des films en noir et blanc. J'aime bien. J'adore Akira Kurosawa, les films de samouraïs, les films comme Hidden Fortress, Seven Samurai, ta série Seven Samurai Tous ces films de samouraï sont magnifiquement tournés et intemporels Ils ne vieillissent pas à cause de la qualité du contrôle des valeurs à l'écran, la qualité des lumières et des ténèbres , du contraste, etc. Qu'est-ce qui le rend lisible ? Et vous pouvez voir que le jour s'éclaircit. Et c'est ce que nous visons ici. Alors lisibilité, quel est notre objectif ? n'y a rien de pire en tant qu'artiste que d'avoir quelque chose dans le cœur et d'avoir envie de le peindre. Puis tu as montré, tu sais, comment tu y es enfin parvenue. Et puis tout le monde a le temps de se dire : «   C'est cool, je suppose, mais c'est quoi Comme ? Il n'y a rien de plus décourageant, non ? Le contrôle des valeurs nous permet donc de créer des formes. en revenir aux formes et à l'idéation, l' intention est plus claire au fur et à mesure que l'artiste en parle D'accord ? Voici donc quelques éléments clés et il y a pas mal de diapositives comme celle-ci. Je vais donc essayer de les décomposer du mieux que je peux. La valeur n'a de sens que par rapport à elle-même. Donc quelque chose, au lieu de réfléchir, nous allons également en parler en couleurs. Au lieu de penser au blanc, au noir ou au gris, gris foncé ou au gris clair, n'y pensez pas en termes très absolus. Pensez-y par rapport aux choses qui l'entourent. Est-ce plus clair ou plus foncé que ce qui l'entoure ? Par ici ? Plus léger. Il y a un soleil qui passe. S'agit-il vraiment d'un éclat de lumière ? C'est beaucoup plus clair, c'est beaucoup plus léger. Si c'est vraiment profond, l'ombre est bien plus foncée. C'est ainsi que vous voulez commencer à établir cette relation dans votre esprit, si tout est relatif. Je suis un grand fan des lois artistiques de la relativité. Tout n'existe que par rapport à ce qui l'entoure. Nous allons vraiment étudier cela pour colorer une partie de ce système. Mon garçon, ton esprit. Je savais que ça m' époustouflait chaque fois que j' apprenais que j'étais ou quoi que ce Mais avec les valeurs, c'est pareil. Ne pensez pas à un absolu. Vous pouvez le faire un peu chaque fois que vous bloquez des éléments pour la première fois, comme d'accord, c'est une valeur de 28 en utilisant cette échelle. Mais une fois que vous commencez à creuser l'image, tout est en relation avec elle-même. Est-ce plus clair ou plus foncé que ce qui l'entoure ? Donc, s'il vous arrive d'entendre quelque chose qui présente un contraste élevé , c'est peut-être un film, peut-être que le réglage de votre téléviseur dispose d'un mode de contraste élevé. Qu'est-ce que cela signifie ? Cela signifie que l'écart entre la luminosité des blancs et l'obscurité des noirs est plus grand. La différence entre les deux est bien plus grande. Cette échelle est plus grande. On pourrait penser que ce contraste serait plus faible parce que vous avez plus de pas entre les deux Mais un contraste très élevé signifie que vous avez un blanc brillant à côté d'un noir foncé, juste à côté l'un de l'autre, ils ressortent vraiment l'un de l'autre. D'accord ? Vous pourriez même entendre parler de plage dynamique élevée ou de HDR sur votre téléviseur. Si vous possédez un téléviseur plus récent et plus chic, il peut être doté d'un mode HDR qui gère la plage dynamique ou votre plage de valeurs en fonction de la la plage dynamique ou votre plage de valeurs en fonction de la quantité de lumière et d'obscurité qui traverse l'image Les zones à faible contraste sont donc plus proches sur cette échelle. Nous avons donc cette échelle ici. Un contraste élevé reviendrait à passer immédiatement du numéro deux au numéro huit. Numéro un à numéro huit, faible contraste serait de passer du numéro quatre au numéro cinq. Du numéro cinq au numéro sept. Vous pouvez toujours avoir un fort contraste, comme un contraste plus important. Si tu vas 3-7. C'est un grand pas en avant en termes d'obscurité et de lumière. Mais ce n'est pas une avancée aussi importante qu'une dynéine. Ce serait notre plus grand contraste. La plus grande différence. Donc, encore une fois, le travail en relativité est un saut de 3 à 7 ou un saut de trois à huit, un saut important ? Oui, elle est énorme, mais elle n'est pas aussi importante que celle qui est niée. Donc, au fur et à mesure que cela commence à apparaître, vous allez commencer à voir que c'est presque comme une pièce de puzzle, commencer à entrer en jeu. Alors oui, pensez-y. Dans quelle mesure le saut entre vos chiffres sur votre échelle de valeur est-il spectaculaire ? D'accord ? La meilleure façon d' attirer l'attention sur une peinture est donc d'augmenter son contraste. Faites-en quelque chose de très sombre sur quelque chose de très clair, ou faites-en quelque chose de clair sur quelque chose de très sombre. D'accord ? En fait, cette petite offre PowerPoint que nous avons est assez contrastée. J'ai des gris plus foncés en arrière-plan et du texte en blanc pur, ce qui facilite la lecture OK, alors pensez simplement que cela n'a même pas à voir avec la peinture. Cela peut être de la photographie, création de PowerPoints Cela peut être quelque chose de plus élevé. Le contraste va être plus accrocheur. Ça va être plus facile à lire. D'accord ? Le fait de travailler sur les valeurs nous permet donc de nous concentrer sur ce que je considère comme important. Donc votre composition, votre humeur, vos formes ou formes, votre lumière, votre ombre. Et tu ne touches même pas aux détails. On ne touche pas à la couleur. Tu ne touches à aucun de ces trucs. C'est juste que peindre en noir et blanc permet de résoudre tant de problèmes. Tôt. Vous recevez, vous secouez ces toiles d'araignées et vous mettez des objets sur le panneau, vous mettez des objets sur la Encore une fois, nous en avons parlé dans la première vidéo, comme les écrivains disent qu'on ne peut pas modifier les mots qui ne figurent pas sur la page. Cela nous permet de mettre nos informations sur la page. Tu vois ce que je veux dire ? Tout le reste n' est donc que bonus. Si vos valeurs sont justes, tout va bien. Je sais que c'est une grosse réclamation. Mais voici donc quelques exercices. Maintenant, nous allons parler de ces choses en temps réel. Je voulais juste vous le montrer pour vous faire une idée, vous faire une idée de ce que nous voulons dire par exercices et valeur. Donc, si vous avez un tube de peinture noire, dans un tube de peinture blanche, vous pouvez créer votre propre échelle de valeurs. Vous pouvez voir quelle est la relation et quelle quantité blanc dois-je ajouter au noir pour le rendre plus gris ? Tu peux commencer à faire des choses comme ça. Et cela vous en apprendra davantage sur ces relations. Et ces relations. Une fois que vous aurez vraiment commencé à peaufiner votre structure de valeurs, même les plus petits coups de pinceau nuancés avec un changement de valeur légèrement différent avec un changement de valeur légèrement différent attireront relativement l'attention des gens, n'est-ce pas relativement l'attention des gens, n' C'est pourquoi, sur ce côté droit, vous pouvez décomposer les peintures que vous aimez, même vos propres œuvres, selon les formes de base de vos valeurs Comme vous pouvez le voir ici, il ne s'agit que d'une collection de peintures , puis de quelques formes de différentes valeurs. Qu'est-ce qui est un peu plus foncé, qu'est-ce qui est un peu plus clair ? Vous pouvez cependant constater que ces niveaux de gris, la valeur passe, les études de valeurs se lisent toujours bien Ils vous montrent l'essentiel des images que vous obtenez. Ce sommet est une montagne. Et puis ça ressemble un peu à une montagne qui ressemble à C'est notre seul objectif pour le moment. Nous voulons que ça ressemble à quelque chose. En ce moment. Vous pouvez tout fouiller vraiment peindre et vraiment affiner les bords et les détails puis vous pouvez approfondir cela et votre valeur passe. Mais l'intention principale et notre principal objectif pour le moment est de faire en sorte que cela ressemble à une chose. Je te donne ça, je te donne cette idéation. Encore une fois, nous revenons à l'idéation et aux formes. Nous utilisons des valeurs et des formes pour développer cette idée. Vous voyez comment tout cela commence à se connecter. Un tout petit peu. Plus de conseils rapides. Je voulais juste vomir ici. Vous allez remarquer qu'il y a des parties de votre parcours de peinture pour chaque peinture où vous allez être comme si cette partie ne fonctionnait pas. Quelque chose ne va pas. Vous allez voir si c'est numérique, sur Canvas ou autre, vous allez le regarder et vous dire « Non, il y quelque chose qui ne va pas à ce sujet ». Quelque chose ne va pas. Vérifiez vos valeurs. Vérifiez votre valeur. C'est pourquoi cette étrange superpuissance qu'est la capacité de modifier votre vision en gris clair . C'est vraiment important. C'est une compétence intéressante à connaître parce que vous pouvez rapidement vérifier vos valeurs et vous dire  : « Oh, c' est faux, c'est trop sombre par rapport à d'autres choses ». C'est fort, trop d'attention. Laisse-moi m'en débarrasser. Tu seras capable de sauter rapidement sur des trucs comme ça. Votre objectif n' est donc pas de toujours rendre vos images attrayantes à regarder , que vous le fassiez pour votre plaisir personnel que vous souhaitiez les montrer à vos amis, aux membres de votre ou que vous souhaitiez les montrer à vos amis, aux membres de votre famille, à vos proches. Ou si vous le faites pour de grandes entreprises. Si vous le faites pour de gros clients, vous voulez que l'image ne soit pas ennuyeuse. Hein ? Comme si votre intention était d'avoir quelque chose de cool, d'excitant et d' intéressant pour considérer Values comme un excellent moyen. En fait, c'est le meilleur moyen de le faire. Je dis toujours aux gens s'ils suivent un cours de nature morte ou quelque chose comme ça Votre peinture de nature morte représentant une pomme sur une table. Même en noir et blanc. Il suffit d'utiliser du noir et blanc pour peindre cette pomme sur la table. Votre objectif est de le rendre aussi intéressant et impressionnant à regarder que possible. D'accord ? Et valorise une grande partie de cela. Autant que tu voudras. Ne vous inquiétez pas des couleurs et des détails dans cette phase. Ne le fais pas. Ce sera pour plus tard. Vous remarquerez que tout le travail que nous avons fait ici vous aidera à résoudre ces problèmes de couleur en détail plus tard. Ainsi, s'il se lit en noir et blanc, il se lit comme suit : eh bien, si votre valeur est correcte, vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur et cela fonctionnera. D'accord ? Je ne saurais trop insister sur l'importance de la valeur. Comme les chaînes de valeur de toute ma vie, cela m'a permis de faire carrière dans l'art. Ça ne lui a pas plu. Laisse-moi voir le monde. C'est comme regarder la matrice ou quelque chose comme ça. Une fois que vous avez compris les relations entre les formes et leur valeur, il n'y a plus de limites. D'accord ? Notre objectif principal pour cette partie et pour une peinture de paysage en général est d'apporter de la profondeur. À quelle distance se trouve une grande épopée de Vista ? À quoi ressemble notre gamme ? À quel point sommes-nous proches de quelque chose ? À quelle distance se trouve le but ? Voulons-nous voyager ? Tout cela est contrôlé par la valeur. C'est pourquoi, dès le début de la phase d'idéation et de formes, nous en avons fait notre principal sujet ou point central de réflexion Ok, où en sommes-nous ? Est-ce une chaîne de montagnes ? Sommes-nous en train de regarder une vallée ? Sommes-nous en train de regarder si nous sommes dans un parc national et si nous regardons le Grand Canyon ? Quelle est l'ampleur de notre situation ? Sommes-nous sur une planète ? Sommes-nous sur Mars ? Ou quel que soit l'endroit où vous songez à peindre ? Il va y avoir une profondeur intrinsèque. Jusqu'où pouvez-vous voir au loin ? La façon dont nous communiquons cela va avoir de la valeur. D'accord ? Notre objectif est de faire en sorte que notre paysage puisse être parcouru par le spectateur. Cela signifie qu'ils pourraient se placer dans cette zone en ayant l'impression de pouvoir la traverser. OK. autant plus que mon objectif est de créer un jeu de rôle fantastique, une zone d'exploration et d'aventure, je veux que vous ayez l'impression que vous devriez explorer ce Je me demande ce qu'il y a dedans. Laissez-moi découvrir ce qui se cache derrière ce rocher. Comme. C'est l'ambiance que je veux donner. Et cela nous ramène à l'idéation et aux formes. Très bien, nous tenons la promesse que nous avons faite dans cette partie Dans cette partie, non ? Vous trouverez des valeurs dans les recettes, ce qui signifie par exemple que j'aime passer du numéro deux au numéro huit sur l'échelle de valeurs. Je trouve que c'est un look sympa si vous les mettez l'un à côté de l'autre, souvenez-vous de ceux-ci. Cela fait partie de votre style. D'accord ? Vous allez juste commencer à l' absorber. Plus vous peignez, plus vous mettez des choses par écrit, vous allez établir ces relations et ce que vous aimez et ce que vous n'aimez pas dans votre esprit, et vous savez comment cela s'appelle. C'est ce qu'on appelle le goût. Et goûtez à quelque chose qui vous mènera très loin. Tout le monde a des goûts légèrement différents et ce n'est pas grave, cela fait partie de votre style. Mais vous voulez réaliser et commencer à comprendre ce qui fonctionne pour vous. Ensuite, utilisez-le dans votre propre travail. Très bien, nous allons donc parler de certaines règles. Des règles strictes, tu ne peux pas les enfreindre. Sachez que vous pouvez les casser. Mais cela va nous aider pendant que nous peignons. D'accord ? Et voici un fait amusant. Ces règles, je les respecte tout le temps, chaque fois que je peins, qu'il s'agisse d'un paysage, de personnages ou quoi que ce soit d'autre. Études de master. Je suis ces règles à chaque fois et j'en ai fait une carrière. Donc des gens qui disent, oh, c' subjectif en tant qu' artiste, qu'il n'y a pas de règles, mec. Je n'y crois pas vraiment. Oui, bien sûr. Mais si vous créez des contenus qui ne plaisent pas au spectateur et qu' ne comprend pas ce qu'il regarde. Je n'y crois pas. Maintenant, je suis un grand fan de l'art abstrait. J'aime beaucoup déduire ta propre relation avec les choses, mais même cela suit ces règles D'accord ? Les trucs de Jackson ******* suivent en quelque sorte ça Donc les deux principales, et je les ai mises en haut pour une bonne raison, cuisent dans votre cerveau. Ce sera le truc. Si vous avez déjà eu des problèmes avec la valeur. Ce sont les deux règles qui vont changer votre vie artistique. Je sais que cela semble dramatique parce que c'est dramatique fur et à mesure que quelque chose se rapproche de vous sur votre image. Si vous voulez que quelque chose se rapproche du spectateur, assombrissez-le. Au fur et à mesure que quelque chose s'éloigne, allégez-le. Bande. Si vous ne vous souvenez de rien d'autre de tout ce cours, vraiment. Souvenez-vous de ces deux choses. Si quelque chose est plus proche, c'est qu'il fait plus sombre. Si quelque chose est plus loin, c'est plus léger. Période. Je voudrais revenir sur quelques offres. OK. Regarde celui-ci. Vous en voyez un du milieu, vous voyez celui du haut, vous voyez celui du bas. première est un peu bizarre parce que la lumière touche le sol. Mais regardez à quel point ces nuages sont brillants par rapport à la montagne en face. Hein ? C'est mon tableau. Au fur et à mesure que quelque chose s'éloigne, il devient plus clair et se rapproche du blanc. Au fur et à mesure que quelque chose se rapproche, il devient plus sombre, plus proche du noir. C'est pourquoi ces stalactites à l' avant semblent être à l'avant parce qu'elles sont plus sombres. D'accord ? J'espère donc que cela commence à se connecter. proche, plus elle est foncée, plus elle s'éloigne, plus elle devient claire. Vous pouvez enfreindre ces règles comme vous le voyez, je le fais un peu ici, mais il y a une raison et nous en parlerons. D'accord ? Mais retenez cela dans votre esprit. Plus sombre, plus proche, plus clair, plus loin. Très bien. Donc, chaque avion ne joue pas comme dans l'avion de ma chambre, mais simplement comme sur le côté d'une forme ou d'une forme, les plans d'une forme. Chaque plan d'une image correspond à une valeur sur l'échelle des valeurs Ainsi, votre premier plan peut être sombre, il peut être un huit sur neuf Très sombre. Votre milieu, le milieu de l'image, peut être un cinq ou vous pouvez vous permettre de vous situer au milieu de cette échelle Et puis votre arrière-plan, votre très, très dos, peuvent être un ou deux, très lumineux, très clair. Hein ? Donc vous cartographiez, j' appelle cela le mappage des valeurs. Vous allez cartographier la valeur de chaque zone. Tu en as neuf avec qui jouer, donc tu peux un peu jouer avec eux. Ensuite, une fois que nous aurons commencé à travailler au pinceau, à mixer et à d'autres choses de ce genre, vous allez vraiment voir un début formation en une pièce cohérente Mais tu peux enfreindre ces règles. Mais il vaut mieux qu'il y ait une bonne raison. Je peux te le dire tout de suite. Je sais pertinemment que la règle que je vais enfreindre est quelque chose de plus éloigné. C'est un briquet, ça va être tout à fait vrai. Mais le point central, celui du milieu, va être sombre parce que je veux qu'il ressorte davantage. Vous avez un contraste plus élevé, ce qui attire le regard. Je vais le faire ressortir davantage sur fond très clair. Je vais prendre quelque chose de sombre. Ainsi, votre IB s'y intègre. Mais nous allons y réfléchir. OK. Souvenez-vous donc d'un contraste élevé et sauts plus importants sur votre échelle de valeur Attirez le regard du spectateur. Utilisez-le à votre avantage. Où voulez-vous que votre peuple regarde ? Où voulez-vous que votre spectateur regarde ? Augmentez le contraste, faites un saut plus important entre vos lumières et vos ténèbres. D'accord ? Si vous souhaitez intégrer quelque chose ou si quelque chose dans votre image attire trop l'attention sur elle-même. Faites-le, mais c'est probablement parce que le contraste est trop élevé, trop fort par rapport à ce qui l'entoure. Donc, fusionnez ce contraste ou associez cette valeur aux valeurs qui l' entourent. Supposons que vous ayez un tas de tons moyens blancs de 4,5. Mais il y a aussi quelque chose qui n'en est qu'un. C'est vraiment brillant. Et tu ne voulais pas que ce soit vraiment brillant au milieu de tout ça. Faites en sorte que celui-ci passe à trois ou quatre. Parce qu'il est alors moins abrasif, cela représente un moindre changement sur votre échelle de valeur. D'accord ? Donc, chaque fois que vous voulez maculer quelque chose , le rendre brumeux ou quoi que ce soit d'autre, mélangez vraiment ces valeurs Et tu vas tout embrouiller. Nous allons également parler des couleurs boueuses. Mélangez ces couleurs et créez des couleurs boueuses. Cela concerne la valeur que vous avez perdue, les valeurs intrinsèques à chaque couleur et teinte. Mais encore une fois, ce sont des trucs avancés. Nous en reparlerons plus tard, non ? Examinons donc ces règles de valeur. Contrôle de votre fourchette de valeurs. Cela signifie que si l'ensemble de votre peinture ne comporte que quatre ou cinq étapes, vous aurez une peinture plus sombre Le contraste sera très faible, comme vous pouvez le voir sur le tableau de gauche. plus le contraste est élevé, si vous êtes plus clair ou plus clair et que vos tons foncés sont plus foncés, vous aurez plus de pression, n'est-ce pas ? Il existe donc un contraste de valeur élevée par rapport à une valeur faible. Cela a un impact sur l' ambiance de notre image. Les photographes appellent cette touche touche haute ou touche basse. À quoi sert leur exposition ? Leur exposition est-elle réglée en fonction de la lumière, luminosité de tout ? Ou sont-ils réglés pour les ombres de manière à ce que vous puissiez voir tous les détails des ombres ? Cela change l'ambiance. Encore une fois, Idéation et humeur. Cela change l' ambiance de notre pièce. Si vous voulez quelque chose d'un peu plus stoïque, d'un peu plus chaleureux et accueillant, moins impressionnant. Faites-en une plage de valeurs inférieure. Utilisez moins de ces chiffres sur cette échelle de valeurs et assurez-vous qu'ils sont plus proches les uns des autres. Mais si vous voulez que quelque chose soit vraiment éclatant et accrocheur, utilisez un contraste élevé et utilisez tout ce qui se trouve dans cette échelle de valeurs Vous pouvez donc voir les vagues sur le côté droit. Plus ils se rapprochent, plus ils s'assombrissent, d'accord, s'éloignent de la ligne d'horizon, s'éclaircissent. Et encore une fois, le plus sombre est plus proche, le plus clair est plus loin. Caravage est donc considéré comme le maître, le maître absolu de la lumière, des ombres et des lumières et de tout simplement de belles compositions C'est 1 million de % à cause de son contrôle des valeurs et de ses formes. C'est ça C'est la vocation de saint Matthieu de 161599-1600 Ce ne sont que des formes. Regarde, regarde la fenêtre. Regarde, regarde la fenêtre là-haut. Il s'agit d'un rectangle foncé avec quatre rectangles plus clairs à l'intérieur Regarde ce faisceau de lumière qui descend. Cela fait à peu près un triangle, triangle noir inférieur que vous pouvez voir. Ensuite, plus le contraste est élevé, vous pouvez presque créer de petits rectangles à partir de cette lumière vive et blanche qui se trouve dans les ombres sombres Vous voyez ce que je veux dire, par exemple, une fois que vous commencez à voir les formes et que vous commencez à voir la valeur, à quel point quelque chose est clair ou foncé, vous pouvez voir comment fonctionne la composition. Il construit une image à partir de formes. Donc, chaque fois que vous entendez parler de quelqu'un qui maîtrise la lumière, oh, quel Maître du blanc Remarquez que les couleurs sont un peu jaunes. Ils sont plus brunâtres, trois ogres, et leur nombre peu plus chaud, moins La couleur n'est pas aussi importante que la valeur. Les valeurs, les lumières et les ténèbres sont. C'est ce qui attire votre attention et attire vraiment votre attention. Un exemple parfait si vous voyez dans l'ombre, juste en dessous de l'endroit où la libc et moi indiquerions profondément, juste en dessous de la fenêtre se trouve l'endroit où se trouve cette ligne dure d' ombre et de lumière Mais vous voyez juste en dessous un doigt pointé très brillant. Hein ? Alors ça te donne envie de regarder, qu'est-ce que ce type veut dire là-dedans ? Parce que cette main accroche, tu vois ce que je veux dire ? La main capte cette lumière dans un endroit ombragé, donc le contraste est très élevé. Captez votre attention. Donc, dernières réflexions avant de nous lancer réellement dans la peinture. OK, je sais que c'est beaucoup de choses qui sont en quelque sorte du matériel de titre. Surtout si vous n'avez pas l'habitude de penser uniquement en termes de valeurs. Mais plus vous le faites, plus cela devient facile et meilleur. Vous aurez donc du mal avec cela au début. Je te le promets. Les valeurs sont délicates. Cela semble facile. Oh, c'est noir ou blanc ou c' est quelque part entre les deux ? Oui. Vous pouvez le simplifier de cette façon, mais le voir est bien différent. Alors tu as déjà entendu ce terme ? Quel est le terme ? Et comme le disent les gens des écoles d' art. Ne peignez pas et ne dessinez pas ce que vous pensez voir. Peignez ou dessinez ce que vous voyez. Alors ne le faites pas, ne peignez pas ce que vous pensez voir. Peignez ce que vous voyez. Ce que cela signifie Ou certains disent qu' en ouvrant votre troisième j'aime voir votre œil artistique. Cela signifie qu'il ne faut pas mettre quelque chose ou mettre des informations là où elles n'ont pas leur place. Si vous peignez un téléviseur, comme une nature morte ou quoi que ce soit d'autre, c'est un grand rectangle noir C'est ça. C'est bon, tu as terminé. Comme si c'était du rouge. Il suffit de le regarder. C'est un rectangle. Est-ce un cercle ? Est-ce un carré ? Dans quelle mesure ce carré, ce cercle, ce rectangle, ce parallélogramme ou autre est-il clair ou foncé cercle, ce rectangle, ce parallélogramme ou autre est-il clair ou Comme vous pouvez le constater, à mesure que nous simplifions les choses, nous allons à l'essentiel. Nous sommes juste allés droit au but. Qu'est-ce que c'est ? C'est un plus clair, plus foncé. De quelle forme est-il fait ? Une fois que tu l'auras trouvé ? Créer des images devient bien plus agréable ? Bien plus intéressant, car on part d'une base solide. D'accord ? Le contraste, l'alignement , la répétition et la proximité d'éléments tels que tous ces éléments de conception, même dans le domaine de la conception graphique, concernent tous principalement votre contrôle de la valeur. Quelles sont vos formes et comment sont-elles corrélées aux formes qui l' entourent ? Hein ? Mais souvenez-vous que si quelque chose semble bon, c'est bien. Nous sommes des communicateurs visuels. C'est ce que nous faisons. Si ça a l'air bien, c'est bien. Si vous enfreignez une règle de valeur, sachez pourquoi vous le faites. Réfléchissez bien à la raison pour laquelle vous le faites. Parce que l'art, ce sont les choix que nous faisons et le style, les erreurs que nous commettons. D'accord ? Alors gardez cela à l'esprit. Gardez à l'esprit que si vous allez enfreindre une règle, faites-le pour une bonne raison, sinon suivez la formule. C'est peut-être ennuyeux, mais je vous promets que l'image est meilleure grâce à cela. Nous allons donc revoir les valeurs à chaque étape du processus Quand je parle de valeurs, créez une image, je pense, gamin, nous allons examiner les valeurs pendant la phase de couleur. Nous allons examiner les valeurs pendant la phase de rendu, pendant la phase de finalisation, ou même examiner les valeurs lorsque nous apposons la signature quelle mesure la signature doit-elle être claire ou foncée en corrélation avec les éléments qui l'entourent ? Je t'ai promis la même valeur que tout. Je ne saurais trop insister. Voilà, c'est tout. Si vous retenez une chose de l'ensemble du cours, c'est la valeur qui compte, d'accord ? Donc, en cas de doute, utilisez un contraste plus élevé entre vos formes. Vous voulez vous assurer que vos documents se lisent séparément. Ensuite, vous pouvez toujours revenir en arrière et réduire ce contraste ou mélanger vos valeurs pour rendre quelque chose moins important Il est donc bon de commencer par un contraste élevé, puis de passer à un niveau plus subtil. D'accord ? Parce que oui, encore une fois, vous voulez que les spectateurs sachent ce qu'ils regardent, que cela les aide. Sauf la réalité que vous leur fournissez lors du paiement. Les valeurs permettent donc un bon contrôle des couleurs. Nous allons donc en parler longuement en valeur ou de couleur. Si vos valeurs sont correctes, vos couleurs le sont aussi. Vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur de la planète. Si votre valeur est correcte, la couleur est correcte, point final. Vous allez voir le pouvoir de cela. Une fois que nous avons appliqué de la couleur sur R value pass, vous pouvez changer d' ambiance instantanément en modifiant vos couleurs car vos valeurs sont correctes. Et nous allons examiner cette technique. OK. Alors sans plus tarder, mec , commençons à peindre. Je suis très heureuse de commencer cette partie. Nous allons passer ici très rapidement et nous allons créer une nouvelle toile, un peu comme elle doit être pour la finale, en ce qui concerne les tailles et tout le Ensuite, nous allons juste prendre ce petit croquis. Nous avons fait une phase d'idéation. Nous allons faire exploser ce mauvais garçon. Nous allons l'affiner un peu. Mais nous allons commencer à fixer des valeurs. Et nous allons raconter l'ensemble de ce processus. Et j'aime effectuer un rendu un peu plus dans ma phase de valeur, juste pour vraiment obtenir une bonne séparation. Mais tu verras ce que je veux dire. Je n'entre pas dans les détails. J'ai juste essayé de vraiment m' assurer que mes formes sont bien lues, comme je le souhaite. Très bien, alors oui, allons-y, allons peindre. Très bien, nous sommes donc de retour ici dans Photoshop. Allons-y. Oui. J'ai donc toujours mon mood board. C'est en mode niveaux de gris, bien sûr, parce que nous travaillons en niveaux de gris Mais assurons-nous que c'est bien. C'est bien Je vais juste m' en débarrasser. Mais oui, pour que nous puissions voir en gros, souvenez-vous de l'avoir porté. Mon intention ici est de faire une suite à cette image. Nous avons donc les chaleurs et tout ça, mais ça ne nous intéresse pas pour le moment Ce n'est pas notre intention. Nous allons sur Canvas, niveaux de gris. C'est ce que nous recherchons. Donc, comme nous en avons parlé il y a quelques minutes, si quelque chose est plus proche de nous, c'est qu'il fait plus sombre. S'il est plus éloigné, il est plus léger. Et c'est la règle que nous allons suivre en bloquant dans notre nouveau tableau. Alors laissez-moi déplacer ça ici sur mon autre moniteur. Oui. OK. Cool. Donc, en gros, nous allons maintenant créer notre toile, OK, donc je veux que ce soit une résolution de quatre K, qui concerne la taille de l'écran. Ensuite, je vais le faire juste 72 pixels par pouce ou points par pouce. Voilà, un peu interchangeable lorsqu'il s'agit d'art numérique. Mais nous avons 72 ans, je le fais juste pour le web. Je n'ai pas l'intention de l'imprimer. Oui, non, pas vraiment. Si c'est juste un exercice de saisie pour moi. Nous allons donc aller dans File New et ensuite nous aurons des offres ici. J'en ai donc déjà fait un. Celui-ci est à 200 pixels par pouce. Alors laisse-moi juste en faire 72. En ajustant vos pixels par pouce ou points par pouce lorsque vous créez quelque chose, il sera un peu plus facile su 5. Leçon 3 - La couleur: Très bien, gang a. Nous passons donc à la phase couleur. Nous venons de terminer ou d'atteindre au moins un bon point d'arrêt sur notre Value Pass. Nous allons maintenant passer à ce que beaucoup de gens considèrent. L'une des parties les plus délicates de toutes les œuvres d'art, pas seulement les paysages peinture numérique ou la peinture traditionnelle ou autre, mais aussi tout type de communication visuelle La peinture et les œuvres d'art font certainement partie de cette couleur. OK, alors petit avertissement avant de commencer à trop approfondir celui-ci, le sujet de la couleur et aussi le sujet du rendu Nous allons avoir un petit PowerPoint. Nous allons avoir une petite discussion à ce sujet. Mais avant tout, nous avons beaucoup de très bons trucs et astuces , et l'ennemi va venir de la partie peinture que nous allons faire. C'est donc là que vous commencez à en faire l' expérience. Qu'est-ce que c'est, mais si vous faites quelque chose encore et encore, vous allez sûrement vous améliorer. C'est juste qu'il en est ainsi. Donc, en utilisant certains de ces conseils plus avancés et en abordant la présentation PowerPoint, nous allons entrer directement dans le vif du sujet. On va commencer à s' embrouiller avec des trucs. Mais j'espère que vous allez voir comment la méthode que nous allons utiliser va vraiment faire en sorte que le tout commence vraiment à s' assembler et à rendre notre phase de rendu assembler et à rendre notre phase de rendu encore plus agréable. Et où vous finirez probablement par passer la majorité de votre temps. Il y a ce qu'on appelle un peu la règle des 20 ans dans l'art. Et c'est que les 20 % premiers de ce que vous obtenez sur la page correspondent généralement à 80 % de la façon dont ils donnent l'impression que vous avez à peu près ce que vous regardez. Et après cette phase, vous allez certainement le voir. Mais les 20 % restants de votre peinture prennent 80 % du temps. OK, donc c'est juste une chose étrange à aborder. Passons donc à l'accord ici. Laisse-moi, on y va. Oui, nous allons donc parler de couleur, température et de relations relatives. Donc, vous savez comment, dans la vidéo sur les valeurs, nous avons discuté de la question de savoir si quelque chose est plus clair ou plus foncé qu'autre chose. La même règle s'applique lorsque nous parlons de couleur. OK, alors laisse-moi cliquer ici. Nous allons donc définir ce qui constitue une couleur. Ensuite, nous allons simplifier la roue chromatique. Maintenant, comme je l'ai dit, la couleur est une énorme bête. C'est ridicule de dire « Oh, je vais couvrir toutes les couleurs dans 20 minutes ». Comme si cela prenait toute une vie, de nombreuses vies. En fait, il a un peu compris tout ça. Et ce sera toujours quelque chose qui vous vient à l'esprit. La phase de couleur n'est jamais facile pour moi. J'ai vraiment apprécié la phase de valorisation. C'est là que j'aime passer la plus grande partie de mon temps, à trouver les bonnes valeurs. Mais si j'ai voulu passer à la phase colorimétrique un peu avant d' être prête à définir mes valeurs, c'est pour vous montrer que vous pouvez mélanger et assortir ces étapes en fonction de ce que vous aimez. Je sais que nous en avons parlé plus tôt dans le cours. Mais si vous aimez la phase de valeur, passez-y plus de temps. Si vous avez vraiment aimé les couleurs que nous allons commencer à faire, passez beaucoup de temps ici. Chaque fois que vous trouvez que c'est le plus agréable, c'est la bonne façon de le faire. D'accord ? Donc, encore une fois, ce sera juste un cours intensif sur la couleur, juste pour vous aider à démarrer, à jouer et espérons-le, à soulager une partie de cette pression. Parce que je connais la couleur, beaucoup d'artistes, même des professionnels, nous discutons beaucoup, du genre « oh, est-ce la bonne couleur pour ça ? » Je ne sais pas. Devrait-elle être de cette couleur ? C'est un truc, non ? Ce sont donc des décisions importantes, mais nous allons essayer de vous en débarrasser. Alors chaque fois que nous parlons de couleur, que voulons-nous dire ? Nous devons définir ce dont nous parlons avant de passer à l'utilisation tactile de ce que nous sommes, de ce dont nous parlons La couleur est donc en fait un terme désignant une multitude de variables pour définir un pigment. D'accord. Maintenant, cela semble un peu bizarre et verbeux, et ça l'est Mais il est essentiellement divisé en trois catégories différentes par souci de simplification. Vous avez donc ce qu' on appelle votre teinte, votre saturation et votre valeur, d'accord ? Parfois, les valeurs sont appelées luminosité et elles sont très, très similaires à celles que nous utilisons. Nous pouvons utiliser les mots de manière interchangeable, mais il y a en fait quelques calculs parce que vous avez affaire à de la lumière, n'est-ce pas ? Tout comme vos écrans numériques, en particulier dans le domaine de l'art numérique, vous avez affaire à quelque chose qui fait appel à la théorie additive des couleurs, selon laquelle plus vous ajoutez de pigments les uns sur les autres, vous ajoutez de la lumière, ce qui signifie que vous vous rapprochez du blanc. Mais si vous utilisez des pigments ou de l'encre, comme votre imprimante, ou si vous utilisez de la peinture traditionnelle. Plus vous commencez à empiler de peinture sur le dessus et à mélanger de pigments, plus vous vous rapprochez du noir, vous rapprochez du noir, ce qui signifie que la lumière ne peut pas passer pour différencier la couleur. C'est ce que l'on appelle la théorie soustractive Je peux vous dire que je peux en parler pour 5 000 diapositives, mais sachez simplement que la légèreté peut être modifiée en fonction de la façon dont nous la définissons Ils veulent dire la même chose, quel point la lumière ou l'obscurité sont quelque chose. C'est donc très simplifié en pensant simplement à la luminosité ou à l'obscurité, d'accord, c'est votre valeur. Votre teinte est donc quoi les gens pensent généralement lorsque vous prononcez le mot couleur. est de quelle couleur ? Oh, le ciel est bleu. La pomme est rouge ou verte, ou l'autobus scolaire est jaune. Cela définit en fait la teinte. Mais beaucoup de gens échangent le terme Q en couleur. Il y en a différents. Je veux dire, la couleur c'est les trois choses, non ? Teinte, saturation et valeur, parce que vous pouvez avoir un rouge foncé ou un bleu ciel clair ou, vous voyez ce que je veux dire ? Vous pouvez vraiment commencer à trouver ces façons pratiques de définir ces choses Mais sachez simplement que la couleur doit tous les impliquer. Donc, une fois que vous commencez à penser de manière holistique comme ça, quoi je parle vraiment quand je dis que l'écorce des arbres est brune, qu'est-ce que cela signifie ? Est-ce une orange désaturée ou complètement saturée ? Jaune mais juste plus foncé sur l'échelle de valeurs ? De quoi est-ce que je parle ? Vous commencez à définir ces choses. Cela le rend plus complexe, mais d'une manière étrange, cela le simplifie en fait Donc, si vous pensez à Roy G Biv, vous vous souvenez que, oh l'arc-en-ciel Roy G Biv, c'est votre teinte saturation est la quantité de pigment ou la quantité de teinte présente. Donc, plus la saturation est élevée, c' est comme si c'était très rouge, comme si c'était une pomme sucrée, aveuglément comme un pointeur laser qui lisait comme whoa, comme un stop », très Mais si vous avez quelque chose d'un peu plus, disons que vous avez un t-shirt rouge , que vous l'avez depuis des années et qu'il est délavé Maintenant, c'est un peu comme le rose. Très usé, rouge sourd. Il s'agit d'une faible saturation. Cette file d'attente est présente en faible quantité , ce qui signifie que la saturation est faible. J'espère que cela a du sens. Et puis la valeur, nous avons suivi un cours complet sur la valeur. Dans quelle mesure est-il clair ou sombre par rapport à la réalité ? Maintenant, j'ai mis une note ici. Il y a quelque chose qui s'appelle chroma. Et beaucoup de gens disent que la chrominance et saturation sont la même chose, mais ce n'est pas Elles sont très étroitement liées, mais ce n'est pas la même chose Cela va sembler vraiment bizarre. Et je vous promets que lorsque nous vous montrerons les exemples, je ferai un petit exercice et je vous montrerai ce que j'entends par chrominance J'espère que cela aura plus de sens. Mais Chroma, pensez-y comme si cette couleur se ressemblait le plus à elle-même. Cela semble vraiment bizarre, non ? Mais où est-ce que la lecture semble la plus lue ? Où le jaune paraît-il le plus jaune ? Où est-ce que le bleu semble le plus bleu ? Il peut donc être complètement saturé. Mais si la valeur est sombre ou claire, cela change, cela change la saturation, mais cela ne change jamais la chrominance La chrominance est une réponse par oui ou par non. Est-ce que c'est du Cromer complet ? Oui ou non ? Cela signifie que c'est le jaune le plus possible que vous puissiez obtenir ? Est-ce que ça ressemble le plus au jaune ? Est-ce qu'il habite là où habite le jaune ? Oui ou non Je sais que ça a l'air bizarre. Je vais y jeter un œil. D'accord. Croyez-moi, je vais essayer de rester simple. Je donne des conférences sur la couleur pour toujours. Mais c'est vraiment la seule chose que nous allons faire pour vraiment nous débarrasser de toutes ces choses , de définitions et de terminologies étranges et d'autres choses de ce genre Nous allons simplement simplifier la roue chromatique en deux éléments principaux. Chaud, frais, chaud et frais. Chaud À quoi penses-tu ? Incendie ? Le soleil Plage, non ? Tu penses à la chaleur. Chaud, c'est-à-dire feu, rouge, orange, jaune. Ce sont vos couleurs chaudes sur la roue chromatique. Des couleurs cool. Qu' est-ce que cela signifie ? De l'eau, de la glace. Tout ce qui contient plus de bleu se trouvera du côté le plus froid de la roue chromatique. Maintenant je dis chaud et froid. Vous pouvez en fait le diviser au milieu, comme vous pouvez le voir dans cet exemple. Je vais vous dire exactement où vous le divisez. Vous pouvez voir l'exemple ici, mais vous pouvez le mémoriser. Vous le divisez entre le vert et le magenta, ou le violet ou quel que soit le nom que vous voulez lui donner C'est là que vous divisez votre chaleur et votre froid. Tu sais pourquoi ? Parce que le vert et le magenta sont les seules couleurs à parts égales, chaudes et froides Est-ce que cela a du sens ? Alors, comment devient-on violet ? Vous obtenez le bleu, qui est une couleur froide, et le rouge, qui est une couleur chaude. Retrouvez-les au milieu et vous obtiendrez du violet. Même chose pour le vert. Qu'est-ce que tu as ? Tu as du bleu, ce qui est cool. Tu as du jaune, qui est chaud. Ils se rejoignent au milieu, vous passez au vert. C'est ainsi que n'importe quelle roue chromatique est divisée en chauds et en froids D'accord ? Maintenant, où nous commençons à vraiment bien nous porter. Pour moi, cela a vraiment simplifié les choses. Mais c'était presque un moment difficile. Parce que vous savez comment il parlait des valeurs, tout est relatif. Est-ce plus clair ou plus foncé qu'autre chose ? Pensez à la température. La température de couleur est la même. Je veux que tu essaies de ne pas penser à des couleurs comme «   eh bien, je fais une feuille, alors je dois mettre plus de vert ». Oh, je suis en train de préparer le terrain. Il faut donc un peu plus de brun. Je ne veux pas que tu parles de couleurs en ce qui concerne ouf, je veux que tu commences à te demander si la couleur dont j'ai besoin est plus chaude ou plus froide ? Je veux dire, dois-je ajouter un peu de bleu ? Dois-je ajouter un peu de rouge ? Est-ce qu'il passe près du milieu de la roue dentée ? C'est en partie pourquoi j'ai dit au début qu'il s'agissait d'une diapositive à ce sujet. La couleur, c'est faire. Une fois que nous aurons accédé à Photoshop, je pourrai rapidement vous montrer exactement de quoi il s'agit. D'accord ? Beaucoup de peintres aiment donc faire le tour de la roue chromatique pour choisir leur couleur. Donc, si vous peignez quelque chose et que vous devez peindre le ciel, vous vous dites : « Oh, le ciel ici ». Il faut que je passe au blues et que j'en prenne un. Je dirais qu'il ne faut pas penser comme ça. Je dirais que la couleur sur laquelle vous vous trouvez passe par la roue chromatique. Donc, au lieu de le contourner pour essayer de choisir ces différentes teintes, parcourez-le. Donc, si vous passez par le gris, cela vous donnera beaucoup plus de contrôle. Le gris est donc en fait ma couleur préférée. Et la raison en est que c'est toujours la couleur dont vous avez besoin. Si vous poussez vers le gris, vous allez voir des choses magiques se produire. D'accord ? Donc, si vous êtes activé, disons le côté jaune de la roue chromatique Au lieu de partir dans le blues pour faire quelque chose. Et si vous commenciez à vous diriger vers le gris, vers le milieu de cette roue chromatique ? Quelle est ta destination finale ? Si vous tracez une ligne droite à partir des jaunes en diagonale vers le, vous savez comment c'est voir si je peux faire le même angle avec ma main C'est bizarre de faire ça. Ok, alors on y va. Vous voyez donc à quel point les jaunes apparaissent ici. Ils commencent à descendre dans ces tons gris. Tu te diriges vers le bleu dans le violet. Tu n'es pas en train de te refroidir. Mais au lieu de faire le saut radical du jaune au bleu, maintenant vous prenez votre temps, y allez et vous avez contrôle total sur la quantité de bleu, la température et le refroidissement que vous ajoutez à cette chaleur entre guillemets quantité de bleu, la température refroidissement que vous ajoutez à cette chaleur Est-ce que cela a du sens ? J'adore le gris. Je l'adore parce qu'il fait toujours plus chaud que ta fraîcheur. Et il fait toujours plus frais que tes vers. Parce que c'est au milieu. Vous devez passer par le milieu pour arriver à destination. Est-ce que cela a du sens ? J'espère que cela commence à avoir plus de sens. Alors mes chiens sont en route. Donc si vous entendez des clics, je m'excuse. Ce sont ses ongles sur le parquet. Il y a donc une idée, et je crois fermement que c'est une excellente idée. Utiliser ce que l' on appelle une palette limitée, ce qui signifie limiter vos options à quatre à six couleurs. Peu importe les couleurs, ce ne sont pas nécessairement des couleurs que vous pourriez penser pouvoir convenir. C'est donc ici que vous pouvez choisir votre Hughes. J'ai besoin d'un bleu, d'un violet et d'un jaune, d'un orange, d'un rouge, puis d'un dégradé. Là-bas. C'est votre palette limitée. Vous ne pouvez utiliser que ceux-là. Ensuite, il vous suffit de commencer à les mixer, les sélectionner et de les mixer. Les peintres traditionnels et les artistes traditionnels peuvent le faire, à mon avis, un peu plus facilement que les artistes numériques, sauf si vous utilisez un logiciel comme ART rage, Rebel ou Corel Painter ou un logiciel doté d'un bon pinceau de mixage Je ne procrée pas car n'importe quel mélange humide peut vous donner de très bons résultats Mais j'ai été formée à la peinture traditionnelle. C'est ainsi que je pense du mélange des couleurs. Prenez deux parties. C'est une partie qui, c'est un peu plus difficile à faire en numérique, mais c'est quand même faisable C'est pourquoi il est si important de limiter vos options. Ma palette limitée préférée de tous les temps. Et c'est celle que je recommande à tout le monde parce que vous pouvez vraiment commencer à voir comment les couleurs fonctionnent ensemble et à quel point il s'agit davantage température que de dénomination d'une teinte directe. C' est la palette Zorn Il doit son nom à Anders ou à l'un de mes peintres préférés. C'est un peintre suédois du XIXe siècle. Et il réalise des portraits incroyables, des paysages enflammés. Il a fait toutes sortes de choses, mais il était très connu pour ses portraits. Des touches qui vont dans le même sens que John Singer Sargent. Donc, si vous avez déjà entendu ces noms, c'est sa timonerie en matière de contrôle des couleurs Il possède un contrôle de la valeur ou Perfect. C'est l'un des meilleurs qui aient jamais vécu. Et je suggère vivement regarder ses articles parce que vous allez, vous allez apprendre des choses. Chacune de ses peintures est comme une master class. Donc, en gros, il n' avait que quatre couleurs. Obtenez du noir ivoire, du blanc de titane, jaune, de l'ocre et du rouge de cadmium Le noir ivoire et le blanc de titane utilisés ont dû refroidir les couleurs car ils étaient faits de bleu. Le blanc et le noir contiennent principalement du bleu. Et puis l'ocre jaune et la carte rouge pour vos bras. D'accord. Maintenant, oui, vous pouvez avoir des noirs chauds et des blancs chauds, et vous pouvez avoir des rouges froids et des jaunes froids. Mais c'est ce que je veux dire. Tout est relatif. Tu as besoin de te rafraîchir un peu ? Tu dois le réchauffer un peu. C'est ici que vous pouvez même voir certains de ces exemples sur le graphique. Si vous voyez sous le noir à droite sur le côté le plus à gauche, ces deux-là sont plutôt verts Mais ils ont le vert. Andrews a déjà obtenu ce vert en mélangeant à parts égales du titane, blanc et du noir pour obtenir mélange de gris et d' ocre jaune Parce que si votre gris est principalement composé de bleu et que vous le mélangez avec du jaune, vous obtenez du vert. Maintenant, remarquez que ce n'est pas aussi éclatant que le vert fluo, mais c'est un vert qui s'accorde avec le reste des couleurs Toutes vos couleurs vont fonctionner ensemble parce qu'elles le doivent Devez-vous mélanger un peu de . Devez-vous mélanger un peu de chaque couleur dans chaque couleur Tu vois ce que je veux dire ? Vous apprenez donc vraiment les recettes par vous-même. Vous remarquerez que je n'en ai même pas parlé, et je n'en parlerai probablement pas beaucoup, du genre « Oh, les couleurs séparées les unes des autres sur la roue chromatique sont des couleurs complémentaires ». Et puis il y a des couleurs analogues et elles sont les mêmes, ce sont les trois Ça ne me fait pas vraiment plaisir de le savoir, mais je ne pense pas de cette façon. Je ne pense pas nécessairement que, eh bien, ça doit être le cas, ils se séparent gratuitement. Cela nécessite une palette de couleurs triadique, cela a besoin d'un garçon. Je ne pense pas de cette façon. C'est cool de penser ainsi. Mais j'aime qu'il y ait un peu plus de nuances dans mes couleurs. Je pense qu'au lieu de faire des trucs complémentaires, je préfère simplement mélanger ma palette de couleurs. Tu vois ce que je veux dire ? Vous obtenez ainsi des résultats bien plus intéressants. Donc, l'art numérique et ce que nous allons faire, nous allons simplement nous limiter. Ce qui est bien, du moins pour moi en ce qui concerne ma peinture, c' est que vous suivez le projet de classe, c' est que vous suivez le projet de classe, en fonction de vos couleurs. Vous remarquerez que la façon dont nous l'avons configuré, parce que nous avons d'abord créé des valeurs, nous permet d'entrer et de faire des touches de couleur au stylo, d' essayer de créer différentes ambiances et un menu d' options en un rien de temps. D'accord ? Il n'y a donc pas de mauvaise réponse. OK, je vais juste te dire de faire de ton mieux pour te limiter à des températures chaudes et froides Et c'est à peu près tout. D'accord. Donc, avant d'entrer dans le vif du sujet, ce diaporama est un peu plus C'est un peu plus basé sur la théorie. Au lieu d'être difficile et comme ça en règle générale et avec Values, bon, si quelque chose est plus sombre, c'est plus proche de nous. Si c'est plus loin, c'est un briquet. Il n'existe pas de véritables règles de ce genre concernant la couleur, car la couleur est très subjective. Ça va changer l'émotion, ça va changer tout ça. Cependant, il suit l'optique, non ? Les rouges sont plus durs que les cyans. Exactement comme fonctionnent nos globes oculaires. La façon dont la lumière rebondit, la façon dont sa physique fonctionne Il y a certaines raisons à cela, comme les feux rouges. Comme vous pouvez les voir même par temps brumeux, vous pouvez les voir plus clairement L'œil ne fait que le remarquer. C'est très intense. Mais c'est toujours, c'est toujours subjectif, les couleurs subjectives. Donc, en fait, les trucs et astuces vont découler de cette démarche. Donc, la partie pédagogique peut être utile quand vous pouvez voir quelques exemples de choses, mais tant que vous n'êtes pas là à le faire, vous n'aurez pas vraiment ces moments, ah oui Vous pouvez lire des articles sur la théorie, excusez-moi, vous pouvez lire des articles théoriques toute la journée. Mais si vous êtes du genre vous remettre en forme en lisant un magazine de fitness, vous voyez ce que je veux dire ? À un certain niveau, tu dois le faire. Tu dois, tu dois lire ce genre de choses, te le remémorer, puis l'essayer et te lancer. Alors oui, à chaque étape de ce processus. Et cela ne signifie pas seulement des paysages, mais n'importe quelle peinture, elle peut être adaptée à vos besoins. Vous n'avez pas besoin de définir vos couleurs pour le moment. heure actuelle, nous voyons cela presque comme une autre phase d' idéation que nous sommes en train de réaliser Nous allons créer différents exemples de choses. L'avantage de mon truc, c'est que j'ai déjà choisi mes couleurs parce que je suis en train de faire la suite d'une autre pièce, quelqu'un qui porte les mêmes couleurs C'est un peu paresseux, je suppose, mais on pourrait le pimenter un peu J'ai quelques idées pour vraiment rentrer chez moi, des trucs cool comme par magie . Exemple de trucs et nous allons y réfléchir. Mais il n'y a rien de bien ou de mal. Tu ne vas pas ruiner tout le travail que tu as fait. Nous allons travailler dans ce que l' on appelle un environnement non destructif. Cela signifie que si vous n'aimez pas, disons que vous faites des touches de couleur et que cela ne fonctionne tout simplement pas Vous pouvez simplement supprimer cette couche et vous revenez à vos valeurs, à la case départ, ce qui n'est pas une mauvaise chose. Ainsi, chaque fois que je travaille avec des clients, je leur propose un menu d'options. Nous sommes donc d'abord d'accord sur une esquisse de valeur, non ? Je donne généralement des croquis à trois valeurs. Ils peuvent donc voir l'ambiance dans laquelle je suis, la diode, la lumière et l'obscurité , les ombres, tout l'éclairage et tout le reste, et s'en faire une idée Donc, en ce qui concerne la couleur, je leur donne généralement deux options. Premièrement, cela me fait gagner du temps sans avoir à créer 18 options. Mais tu vas aussi l' obtenir avec seulement deux. Il y en aura principalement un qui sera probablement un ton plus chaud et un qui sera un ton plus froid. Tu l'envoies. Ils vont donner leur avis. Oh, j'ai vraiment aimé celui-ci. C'est un peu plus bleu et ma couleur préférée est bleu, quel que soit leur avis. Oh, c'est une scène diurne, donc nous voulons vraiment qu'elle soit chaleureuse. Génial. Mais c'est super rapide. Vous ne l'avez pas donné à vos clients très, très rapidement avant de commencer à vous lancer dans le rendu. Ainsi, tous les logiciels de peinture numérique, à cause de Photoshop, ont en quelque sorte défini le langage vernaculaire et la définition des termes dans la façon dont nous envisageons la peinture numérique Ils utilisent des modes de fusion de couches. Il s'agit donc d'un algorithme, d'une méthode mathématique qui place une couche au-dessus d'une autre couche. Et les deux modes de fusion des couches principales que nous allons utiliser, notre couleur et notre superposition Vous allez voir à chaque fois que nous commençons à peindre, couleur prend littéralement la teinte, met la teinte sur quelque chose sans en changer la valeur. superposition fait la même chose, mais elle peut modifier la valeur en fonction de la couleur que vous avez sélectionnée Donc, si vous avez quelque chose d'assez clair et que vous choisissez un violet foncé en mode fusion de couleurs, ce sera un violet clair Tu vas mettre du violet dessus et ça va être violet clair. Il ne se soucie pas de la valeur. Il s'intéresse uniquement à la teinte, la zone de la roue chromatique autour de laquelle vous êtes superposé Cela va également prendre la valeur de votre violet foncé et apporter probablement cette zone claire de valeur à mi-ton. Cela va donc l'affecter. Il le fait presque comme imprégnait davantage. Si cela a du sens. Par exemple, si vous êtes un aquarelliste, comment, vous savez, en acrylique, à coup sûr, acrylique à l'aquarelle sèche, une valeur plus foncée que celle qu'on met sur le papier ou sur la toile fraîche Donc, les huiles que vous pouvez obtenir, si vous travaillez avec des huiles de haute qualité, restent à peu près les mêmes tant que vous ne les mélangez pas , comme de l'huile de lin ou quelque chose comme ça Et il y en a deux jaunes en haut. Ils restent à peu près les mêmes. Mais avec les acryliques et les aquarelles, elles ont tendance à assombrir au moins Certaines couleurs s'assombrissent vraiment, comme presque deux valeurs, mais ni ici ni là Considère ça comme du vitrage. OK, si vous êtes plutôt un artiste traditionnel, nous allons faire du glaçage ou de la peinture. D'accord. Donc oui, j' essaie de penser à la couleur, à la superposition et à tout ça. Ça y est, mec, on va se mettre à la peinture. Je sais que c'était probablement une conférence étrange par rapport aux autres qui étaient moins simples. Mais une fois que nous serons là, je vais d' abord vous montrer ce qu'est vraiment Cromer Mais ensuite, je voudrais juste montrer quelques exemples de passage par la roue chromatique au lieu d'un arrondi Vous allez commencer à comprendre l'essentiel de ce que nous recherchons, d'accord ? Et puis une vignette, fois que nous aurons noté quelques éléments de couleur, l'esprit se contentera principalement d'une seule couleur, mais je vais ajouter un autre ensemble de couleurs juste pour que vous puissiez le voir Et voyez à quel point il est facile de créer un menu d'options. Ensuite, nous allons simplement le passer au rendu. Le rendu va prendre du temps. Ne vous inquiétez pas, ce ne sera pas en temps réel. Tu ne vas pas rester assise ici pendant sept heures et demie à me regarder peindre Mais nous allons le chronométrer et je vais en parler. Cela devrait être l' heure ou peu importe, mais c'est alors, pour l'instant, nous allons travailler sur les couleurs. Sautons par-dessus. Commençons par ajouter nos touches de couleur et parlons de l'utilisation de la théorie des couleurs en plus de nos valeurs Très bien, nous sommes donc ici dans le tableau. Alors oui, comme je l'ai dit, ce n'est pas là que je laisserais une esquisse de valeurs. C'est très, très dur. En fait, j'y allais et je commencerais probablement certaines de mes œuvres de valeur, juste pour vraiment retrouver cette bonne humeur et tout ce que je voudrais Mais si j'ai voulu faire cette phase de couleur, c'est pour vous montrer que vous pouvez effectuer ces étapes à tout moment Et je sais que je l'ai déjà mentionné plusieurs fois. Mais c'est vrai. Ne vous sentez pas obligé de faire les étapes exactement au même moment où je les fais. Si vous voulez simplement passer directement à la couleur, vous pouvez simplement ajouter des blocs et basiques et vraiment géométriques à votre composition Ou vous pouvez faire un rendu presque complet en noir et blanc de votre pièce avant même de toucher à cette couleur. D'accord. Cela étant dit, laissez-moi vous montrer l'exemple de chroma et cela fera partie de vos extras Vous devriez avoir un dossier d'extras, s'appellera l'exemple de chroma. D'accord ? Alors laissez-moi déplacer ça ici. Voilà, désolé, je vais continuer à déplacer mon micro. Il est sur un petit bras de micro, alors je le déplace. Nous avons donc ici du rouge entièrement saturé, bleu entièrement saturé et du jaune entièrement saturé. La façon dont je l'ai fait, la façon dont je les ai choisis, c'est que je suis arrivée sur la roue chromatique. J'ai choisi le jaune. Comme vous pouvez le voir, je suis juste allé dans le coin supérieur droit. Et vous pouvez également le savoir ici, car la valeur et les curseurs de saturation sont tous deux à 100 Il en va de même pour le bleu. D'accord ? Donc si je choisissais cette couleur bleue, je serais bien ici. Même chose, 100, 100. Même chose pour le rouge. 100, 100. C'est donc le plus saturé, le plus brillant, le plus saturé que vous puissiez être On pourrait penser que tout cela est complètement chromatique, non ? Eh bien, bien sûr. Mais qu'est-ce que la chrominance ? C'est là que cela commence à époustoufler les gens. Chaque couleur à pleine saturation et à pleine intensité, aussi visible qu'elle puisse être, possède des valeurs différentes Si tu ne me crois pas, regarde ça. Tout ce que je vais faire, c'est faire un petit résumé et je vais vous montrer comment procéder à n'importe quelle étape de votre peinture. Mais c'est ce que j' appelle un vérificateur de valeur. OK, je vais l'activer. Il élimine toutes les couleurs, toutes les teintes et ne nous laisse que la valeur. OK, donc nous allons le faire en 321. Très bien, que voyons-nous ? Le rouge semble être plus moyen , un peu plus foncé. Donc, si nous examinions cette échelle de valeurs, souvenez-vous que , d' après la définition de la valeur, cela correspondrait à environ cinq ou six sur l'échelle de valeur. Ce bleu semble assez foncé en comparaison, non ? Ensuite, bien sûr, le jaune, selon les réglages de luminosité de votre moniteur, vous ne pourrez peut-être même pas le voir, mais le jaune est extraordinairement brillant D'accord ? C'est ce que signifie la chrominance. Rouge pomme très sucré. Le rouge le plus éclatant que vous ayez est un ton moyen. C'est là qu'il existe. Il vit dans les tons moyens. Jared est en direct dans les tons moyens. Vos bleus, vos violets, etc., se trouvent dans la partie la plus sombre de la médaille, non ? Vos jaunes sont vos couleurs vives. Vous pouvez en fait mélanger une belle couleur blanche avec des jaunes, comme vous pouvez l' utiliser comme éclairage C'est ce que nous entendons par chrominance. Pouvez-vous avoir un jaune foncé complètement saturé ? Oui Mais la chrominance n'est pas correcte. Le chromosome à faible chrominance. Ce n'est pas porter des vies jaunes. Je sais que c'est une journée un peu étrange et parce que c'est la meilleure façon dont je peux vraiment la définir. La saturation est relative. C'est subjectif. C'est saturé ? Oui Eh bien, par rapport à quoi ? Est-ce plus saturé que ça ? Oui Alors maintenant, cela ressemble vraiment à un rouge saturé par rapport à un rouge terne ou quelque chose comme ça. Mais avec la chrominance, la chrominance est une chose réellement mesurée scientifiquement Lumineux, 100 % léger. Votre visibilité en jaune est faible. C'est une valeur lumineuse. Il vit donc dans la lumière, Jared vit dans les tons moyens Ils le font simplement optiquement, c'est là qu'ils vivent. Beaucoup de gens pensent que le rouge est plus brillant qu'il ne l'est réellement. Le rouge n'est pas si brillant que ça. Mais comme nous l'avons dit, il est tellement agressif pour nos globes oculaires et, vu sa façon de fonctionner, il le transperce tout simplement Alors nous disons : « Oh, ouah, ce rouge vif est vraiment brillant. C'est vraiment léger. Ce n'est pas léger. C'est le ton moyen. C'est là que vous commencez à conclure ces différentes offres. Je voulais donc juste vous montrer que, comme je l'ai dit, si vous voulez jouer avec ça vous-même, je vais l'inclure. Mais pensez-y. Où se situent mes couleurs ? Alors pourquoi est-ce important ? Le chromosome est important ? Une fois que nous commençons à peindre par-dessus une échelle de valeurs. Donc, si je voulais des jaunes purement saturés, magnifiques et éclatants, où les peindrais-je Je les peignais à la lumière parce que c'est là que le jaune habite. Est-ce que tu te vois ? Je veux dire, oh, si je voulais vraiment que ce truc s'éteigne, je peindrais tous ces tons moyens, je lirais je ne le ferais pas parce que ça te brûlerait probablement la rétine Mais tu comprends ce que je dis ? Et puis les tons foncés seront un peu plus bleus si je voulais qu'ils soient très saturés C'est essentiellement comme si vous aviez le carnet de réponses d'un test. Chaque réponse que tu donneras sera correcte. C'est ce qu'est l'apprentissage de la théorie des couleurs. C'est ce que permet d' apprendre le fonctionnement de ces optiques. ne veut pas dire que cela devient plus facile, mais vous êtes moins stressé parce que vous savez comment y remédier et essayer des choses. Tu peux essayer ce que tu veux. Beaucoup de gens pensent que si vous suivez ces règles, vous en apprenez davantage sur Cromer, la roue chromatique, les réchauffeurs et Il faut toute la créativité d'un passionné d'art. Je pense que c'est tout le contraire. Une fois que j'ai vraiment compris cela et que j'ai fait quelques recherches approfondies, j'ai été plus intéressée à faire plus d'art parce que j'avais la certitude que je pourrais probablement faire une très bonne peinture. Ce ne sera pas le meilleur tableau jamais peint. Mais je serai content du résultat. Et j'espère que les fans, les personnes présentes sur les réseaux sociaux ou mes clients apprécieront également le tableau, car ils suivront certaines règles qui ne changent pas. Je veux dire, si tu mélanges du rouge et du bleu, tu obtiens une forme de violet. Il peut être d'un violet chaud ou froid selon son orientation. Mais c'est ce que vous obtenez, c' est une loi de la physique et vous allez obtenir cette couleur. Tu ne vas jamais mélanger le rouge et le bleu pour obtenir du jaune. Cela n'arrivera pas. Sauf si vous vivez à l' envers ou quelque chose comme ça. Quoi qu'il en soit, c'est dans cela qu'il y a Chroma. La chromite est importante. Mais je pense que c'est quelque chose de plus avancé. D'accord ? Nous allons donc voir pourquoi nous travaillons d'abord avec Values, d'accord ? Donc, à ce stade, ce que j'aime faire, c'est d'en faire une copie fusionnée. Chaque fois que j'atteins ce que je considère comme un point de contrôle, c'est un bon endroit pour enregistrer mon projet J'aime créer une copie fusionnée. Ce qui signifie que c'est tout ce que tu vois. Ce que vous voyez correspond à ce que vous obtenez sur cette couche. Je vais sélectionner tout, modifier, copier, fusionner. Chaque logiciel de peinture aura donc une version différente de celui-ci. Mais ensuite je vais m' assurer d'être sur ma couche supérieure. Je vais modifier, coller. Et ça va créer une nouvelle couche. Et je vais appeler cela des valeurs fusionnées. Tu peux l'appeler comme tu veux. J'aime toujours me demander : « Oh, où est mon évaluateur fusionné Oh, ça y est. Je le fais depuis des années. Donc, quel que soit votre langage vernaculaire, quel que soit le nom que vous voulez lui donner, n'hésitez pas à le faire D'accord. Alors on y va. Nous l'avons. Comment commencer à appliquer la couleur de manière non destructive Eh bien, il existe deux modes de fusion de couches. Désormais, tous les logiciels d'art en seront équipés. Eh bien, sauf pour MS . Paint. Oui, je ne pense pas qu'ils le fassent. Généralement, n'importe quel art doté d'un programme artistique comportant des couches. La gestion des couches comportera modes de fusion des couleurs, car il s'agit essentiellement d'un algorithme informatique lui indique comment afficher mathématiquement chaque couche dans l'ordre du haut vers le bas D'accord ? C'est comme de la sérigraphie. Si vous connaissez ce processus qui consiste à placer une couleur au-dessus de l'autre couleur. Tu sais, une imprimante fonctionnait en quelque sorte. Le même principe s'applique donc ici. Mais ce que nous allons faire, c'est créer une nouvelle couche. En mode fusion. Nous allons le changer en couleur. À présent. Je vais juste choisir, vraiment, si vous voulez de bonnes transitions et d' autres choses de ce genre, vous pouvez utiliser un pinceau plus doux. Mais je vais juste utiliser une brosse ronde et dure qui ressemble à une pointe mouillée. C'est celui que nous utilisons pour expliquer pourquoi mon Photoshop exécute du vrai Genki, du vrai Genki Nous en sommes donc à notre couche Color Overlay. Laisse-moi le renommer Très bien. Commençons maintenant par choisir une couleur. J'ai ouvert mon original ici. D'accord. Permettez-moi de terminer notre exemple de chromate. Oui, bien sûr. Comme je l'ai dit, vous allez l'avoir dans les extras si cela vous intéresse et si vous pouvez créer d'autres petits carrés et tester où vous pensez de la chrominance, où et où se situe cette couleur dans le spectre des valeurs ? 6. Leçon 4 - Rendu et finaliser votre art: Bonjour, bienvenue pour la dernière leçon de style conférence, je suppose. Avant de passer au timelapse final, à la narration et à toutes ces bonnes choses Cette leçon porte donc sur le rendu. Récapitulons donc ce que nous avons fait jusqu'à présent. Nous avons créé une idée dans notre esprit. Éliminez quelques formes et objets de base pour avoir une idée générale de ce que nous voulons Nous avons bloqué nos valeurs, nos lumières et nos ténèbres pour voir la composition prendre vie en fonction de l'ambiance que nous avions créée Ensuite, nous avons fait quelques touches de couleur. Nous avons découvert différentes méthodes qui nous permettent d'intégrer la couleur en plus de notre passe de valeur sans détruire ce que nous avons créé jusqu'à présent. Maintenant, disons que vous avez fait tout cela et que vous en êtes arrivé à un point où vous avez aimé les couleurs, la disposition générale des couleurs, les valeurs sont assez précises. Maintenant, il est temps de terminer ce truc. Nous allons donc parler du rendu. Alors laisse-moi venir ici et m'occuper de ça. Donc oui, le volume 1 de Landscape Techniques, c'est la dernière leçon du cours. Hourra. Tu l'as fait. Vous m'entendez parler de ça sans arrêt depuis un moment. Alors tapotez-vous dans le dos. Donc, le rendu, c'est là que nous passons à la finale. Et oui, on met fin à tout ça. Il y a donc certaines règles dont nous allons parler. Mais en réalité, il s' agit d'équilibrer vos points focaux et vos détails. Utiliser le contrôle des bords avec la texture, quelques idées différentes pour essayer de vous faire une idée. Le rendu est donc quelque chose que tout le monde fait différemment. Cela fait partie de votre style, fait certainement partie de votre style artistique. Certaines personnes apprécient un rendu plus caricatural entre guillemets. Certaines personnes aiment les choses plus photoréalistes. Mais il y a la bonne nouvelle concernant l'art. Est-ce que tout cela est aussi valide et tout est nécessaire ? Je pense que le monde est vaste. Votre version de votre voix sur la façon dont vous donnez vie à un tableau est tout à fait valable et elle doit être célébrée. C'est mon opinion professionnelle et personnelle. Très bien. Le rendu est simplement un terme qui signifie finalisé. Donc c'est tout un tas de trucs. Les gens utilisent différentes techniques, comme le dénigrement de photos ou le fait d' entrer dans le vif du sujet pour le rendre vraiment entrer dans le vif du sujet pour le rendre tridimensionnel Un autre exemple rapide de rendu est celui où vous avez déjà vu ces vidéos de personnes utilisant de la craie sur un trottoir, lesquelles elles font quelque chose en trois dimensions Et puis ils arrivent là où on dirait presque que vous allez entrer dans un gouffre ou quelque chose C'est une forme de rendu parce qu'il doit y avoir une certaine crédibilité pour que vous puissiez vous faire une idée, même pour une fraction de seconde, vous dire : « Oh, je dois contourner ce trou géant sur le trottoir » Même si ce n'est pas réel. Les règles qu'il suit en ce qui concerne la perspective et l'endroit où j'ai travaillé nous donnent certainement cette impression. Et cela fait partie du rendu. Ne pensez donc pas que le rendu dure environ 3 000 heures. Tu dois toucher tous les pores de la peau. Ce n'est pas vraiment ce dont nous parlons. En gros, il s'agit simplement d'un moyen finaliser l'image dans le style que nous voulons Je ne pense donc au rendu que de deux idées principales. D'accord ? Cela se résume aux bords de la texture. C'est ça. Une fois de plus, nous avons parlé de simplifier les choses et les valeurs en les remplaçant par des valeurs claires. La couleur est chaude par rapport à la couleur froide. Le rendu consiste à contrôler vos bords et à contrôler votre texture. C'est ça. Très bien. Alors qu'est-ce que je veux dire par là ? Donc des bords, et c'est drôle parce que, vous connaissez cette règle, vous n'êtes pas censé utiliser le mot dans sa propre définition. J'ai essayé de trouver d' autres façons de le dire, mais avec des arêtes, une ligne nette. Parfois, il est net entre une valeur ou une couleur et une autre. Les bords ou la relation entre le trait de peinture, les bords, entre les bords nets et les bords souples sont des bords perdus. En fait, je vous ai demandé, un peu inconsciemment , de regarder les bords distincts à l' arrière-plan de ces Si vous remarquez les différents coups de pinceau cela peut être très intéressant à regarder , car les formes et contrôle des bords varient. Certains d'entre eux sont mélangés, d' autres sont des taches et d' autres sont assez durs C'est l'idée. Vous voulez qu'il y ait une variété de bords dans votre pinceau, et dans vos coups de pinceau aussi, pour susciter Ensuite, l'autre est la texture. Je dis simplement que la texture consiste à appliquer des détails de manière à imiter la réalité, imiter le visuel et le matériau d'une surface, ou à ajouter de la crédibilité à une image ou à des objets qu'elle contient . Ça a l'air vraiment énorme. Mais c'est très, très facile. OK, parlons d'abord des bords. Donc, à mon avis, les bords sont ce qui distingue la peinture ? Le fusain et l'art visuel artistique débordant d'interprétation. C'est ce qui la différencie de toutes les autres formes visuelles de la planète. D'accord ? Les bords sont nettement picturaux C'est quelque chose auquel vous pouvez vraiment ajouter beaucoup de personnalité en fonction de la façon dont vous contrôlez vos bords. Il existe donc une myriade de bords différents. Si vous recherchez des bords sur Wikipédia ou des bords artistiques légers ou quelque chose comme ça, il existe probablement des dizaines de définitions différentes, mais je ne m'inquiète que pour trois types d'arêtes. D'accord ? Je m'inquiète pour les bords durs. Sont des arêtes vives, des arêtes molles et des arêtes perdues ou inexistantes. Ainsi, une arête nette est une distinction très nette entre la valeur ou la teinte ou les deux. C'est un contraste. Mais il y a une limite littérale. Il y a une ligne distincte, très nette entre ceci et cela. Pensez-y comme à une lame de rasoir raisonnable à couper en plein milieu En fait, j'ai une brosse qui s'appelle la lame de rasoir. Je sais donc que c'est mon pinceau le plus dur que j'ai. Pour que je puisse y aller et faire ce genre de choses. Donc, un soft edge, c'est un peu ce à quoi ça ressemble. Il y a toujours une arête, il y a toujours un endroit où cette valeur, cette valeur ou cette couleur dans cette couleur changent. Vous pouvez clairement voir la séparation parce qu' il y a toujours un bord, mais c'est un peu douteux, c'est un peu flou, si Mais vous pouvez toujours voir une ligne de séparation distincte entre cette arête et cette arête perdue, ce dégradé lisse. n'y a pas de ligne distincte où une chose change en une autre. C'est un processus graduel, d'accord ? Les arêtes perdues n'ont donc aucun point de transition visible. C'est très important. Pensez donc à un bord partiel, à une lame de rasoir, bord souple, à une sorte de flou flou Et puis il n'y a pas d' avantage perdu. On ne sait plus où aller. Très bien. Voici donc comment nous avons obtenu la formule et les règles de nos valeurs selon lesquelles si quelque chose est plus proche, c'est plus sombre. Si quelque chose est plus loin, c'est un briquet. Nous allons utiliser le même type de mentalité avec nos avantages. Maintenant, je peux vous dire que j'ai littéralement fait carrière en tant qu'artiste professionnel, suivant ces règles pour chaque peinture que je réalise. Et voici un de mes tableaux pour vous donner une idée des différents types d'arêtes. C'était un portrait, puis je me suis dit : «  Ne serait-ce pas cool si je me détraque avec mes pinceaux et mes coups de pinceau Et vous pouvez voir qu' il y a toutes sortes d'arêtes différentes. Mais j'espère que vous pouvez toujours savoir où se situe le point central, d'accord ? C'est donc la formule la plus simple que je suive pour les arêtes. Si vous avez une arête dure ou vive, elle devient automatiquement un point focal. L'œil veut savoir parce qu'il va créer des formes distinctes. C'est pourquoi les formes sont si importantes au début de la phase d'idéation Cela vous donnera une silhouette aux bords nets qui vous permettra de créer votre point focal au fur et à mesure. D'accord ? Donc, plus la tension va monter, plus l'attention est forte. Au fur et à mesure que vous êtes moins concentré, les choses commencent à s'estomper C'est sur une pente. C' est littéralement sur une échelle. Votre point focal sera celui qui comportera le plus grand nombre d' arêtes nettes rapprochées. Ensuite, au fur et à mesure que nous nous éloignons du point central ou moins important pour la composition globale. Vous allez utiliser des bords de plus en plus doux. D'accord ? Il y a donc une hiérarchie. Si vous avez deux points focaux, vous avez votre point focal principal , puis un point focal secondaire. Vous pouvez définir le point focal secondaire et avoir un certain nombre d'arêtes nettes, mais pas autant que votre point focal principal. Alors j'espère que cette valeur a du sens ou que l'échelle a du sens, d'accord ? Ainsi, moins de mise au point équivaut à des bords plus doux. Donne-le simplement dans ton esprit. Les bonnes peintures ont toutes sortes d' arêtes et chacune a un but, d'accord ? Votre point focal est donc votre cœur. Les bords sont souples, ils renforcent votre point focal. Et puis vous perdez les bords, donnez littéralement à votre spectateur un peu de repos. Si c'est juste le chaos qui vous bombarde tout le temps. C'est vraiment fatiguant pour les yeux, non ? Nous ne pouvons pas nous concentrer sur un certain nombre de choses à la fois et nous allons en parler ici dans une seconde. Mais je vais garder ça. Et c'est un conseil que j' ai appris de l'artiste James Gurney, qui est l'un de mes artistes préférés au monde C'est un professeur incroyable. Et il a dit que 95 % de votre peinture devrait probablement présenter des bords souples car c'est ainsi que la peinture traditionnelle se fond dans elle-même. Il est très rare de voir une arête tranchante comme un rasoir dans une peinture traditionnelle possible. Nous avons vu que le Caravage avait gagné lors du Value Pass Cette ligne qui descend littéralement donne l'impression qu'il a pris une règle qu'il vient de peindre, comme du ruban adhésif et de la peindre Mais c'est pour cela que c' est si frappant, c'est parce que la peinture commence à fondre sur elle-même, alors même qu'elle sèche . Ça commence à adoucir le bord. Même si vous avez un tranchant comme un rasoir, vous devrez peut-être le faire 12 ou trois fois pendant séchage pour vous assurer que le bord reste tranchant comme un rasoir À cause de la peinture, en particulier des huiles. Les huiles se mélangent toutes ensemble et elles sont magnifiques J'adore la peinture à l'huile. C'est en fait mon type de peinture traditionnelle préféré. Mais sachez simplement que ce n'est pas comme l' acrylique où le polymère plastique reste là où vous le placez Faites bouillir, mélangez, adoucissez chaque arête jusqu'à ce que vous la corrigiez Ainsi, la majorité de vos œuvres d'art numérique devraient probablement présenter des bords souples, non pas des bords perdus, mais des bords souples où vous pouvez toujours voir des formes, des objets. C'est pourquoi j'ai mis ce tableau ici. Vous pouvez donc voir, si vous regardez les cheveux, qu'il n'y a pas vraiment beaucoup de bords partiels, uniquement là où la différence entre le front et la frange entre en ligne de compte Mais toutes les autres arêtes des cheveux sont des logiciels. Vous avez remarqué que je n'ai pas fait le rendu des cheveux, mais vous savez ce que c'est. Votre esprit comble les vides. Vous obligez le spectateur à travailler pour son repas. C'est un vieux dicton. Et c'est une bonne chose. Vous voulez qu'ils soient investis et qu'ils relient les points. Tu vois ce que je veux dire ? Vous savez comment nous avons parlé de la phase du ciel bleu Tu vois des formes dans les nuages. C'est la même chose pour le rendu, vous voulez que vos bords vous voulez que vos bords puissent être interprétés par le spectateur. Vous voulez qu'ils soient également investis. Donc si tu leur donnes toutes les réponses, c'est cool, je suppose, mais ils vont regarder ton image et te dire : « Oh oui, comprends ». Ensuite, ils vont partir. Mais si vous obtenez certains de ces bords, si vous les perdez, si vous en maculez certains, si vous les adoucissez, si vous en obtenez quelques-uns tranchants comme des rasoirs sur votre point focal, les gens vont regarder et ils seront bas Qu'est-ce qui se passe ici ? J'ai les yeux rivés, mais je reviens toujours ici. Pourquoi est-ce que je reviens toujours ici ? Les personnes qui ne connaissent pas la terminologie ne savent peut-être pas pourquoi, mais elles vont toujours se dire : « J'adore votre pinceau, c'est quelque chose de dynamique là-dedans » C'est ce que c'est. Vous avez vos différences et elles jouent toutes différemment. Voici donc un vrai truc et je veux que tu le fasses tout de suite, d'accord ? J'ai obtenu cette image grâce à I Start. Et ironiquement, je me suis arrêté juste à cause des yeux. Mais nos yeux ne peuvent pas très bien se concentrer. Comme le mien ne le peut vraiment pas parce que j'ai des lunettes. Mais littéralement, le cerveau humain était très doué pour se concentrer sur une seule chose. C'est à peu près tout. Tout le reste devient flou dans le périphérique. Il n'y a pas de meilleure façon montrer cet exemple que de se concentrer sur un mot, sur cette image. Sur l'image, vous vous concentrez sur un mot. Et ne bouge pas les yeux. Ne tournez pas les yeux. Ne fais rien Vous aimez vraiment vous concentrer sur un mot alors je vais regarder le mot amour, la déchirure sur cette image. Alors je vais juste y jeter un coup d'œil. Maintenant, sans bouger les yeux du tout. Combien d'autres mots voyez-vous ? Je peux voir sur la gauche, c'est écrit « pur ». À sa droite. Il dit « je pense » au-dessus, il le dit, et il y a le côlon. Et puis, comme si je voyais le M 0, M du moment en dessous. C'est à peu près tout. Je vois un peu le mot « le », en bas à gauche du mot « Littéralement tout le reste. Je ne peux pas dire ce que ça dit. OK. Vous vous concentrez sur votre œil, littéralement comme en milieu rural, comme le faisceau d'un tracteur. Cette image a donc un effet de profondeur de champ. Mais cela signifie que cela vous indique où vous concentrer. Cela brouille les choses qui ne sont pas importantes. Au fur et à mesure que l'image s'affiche. L'accent n'est pas là. Cela n'a pas d'importance. Utilisez exactement ce phénomène pour votre peinture. Comme je vous l'ai dit dans le tout premier article, comment les règles de l'optique et la science ainsi que les lois de la physique et de notre monde physique dans les règles que nous suivons au quotidien nous aideront en tant qu'artistes visuels. Il ne s'agit pas de combattre le système. Vous pouvez le faire avec votre message et votre art. Mais utilisez ces lois qui nous entourent, façonnent le monde qui nous entoure et vous simplifient la vie, n'est-ce pas ? Alors utilisez ces connaissances. Les arêtes dures sont votre mot clé. Sur quel mot voulez-vous qu'ils se concentrent ? Sur quel objet voulez-vous qu'ils se concentrent ? Et au fur et à mesure que vous vous en éloignez, que ce soit à gauche, à droite, haut ou en bas, ou si c'est littéralement plus loin. En ce qui concerne la distance entre la lumière et la dette, nous avons parlé de la perspective atmosphérique dans les valeurs. Ce contraste est bien moindre et il est beaucoup moins net. Plus on s' éloigne du spectateur. Parce que ça va ajouter de la distance. Nous ne pouvons pas nous concentrer. Nous ne pouvons pas nous concentrer sur le mot amour. Si 16 km de nous. Nous ne pouvons tout simplement pas, nos yeux ne peuvent pas le faire. Nous ne sommes pas en mesure de le faire. Commencez donc par les bords de votre cœur et, au fur et à mesure que vous vous éloignez des points focaux, adoucissez-les jusqu'à atteindre la périphérie, perdez les bords, simplement perdez-les. Vous allez littéralement créer une vignette ou une vision tunnel de votre spectateur exactement là où vous devez regarder. OK. J'ai donc voulu montrer ça. En fait, je suis toujours très, très fier de ce tableau. Il s'agissait d'une étude sur le contrôle des bords. Je voulais littéralement faire des bords. Je voulais voir s'il s'agit en fait d' une statue et je voulais la rendre d'une manière différente. Ce n'est pas réaliste parce que c'est très stylisé, mais cela suit les règles de la physique et les règles du fonctionnement de notre œil Donc, si vous le remarquez ici, c'est mon point central. Et c'est la raison pour laquelle nous allons parler d'empiler des éléments contrastés ici en une seconde Mais j'ai une arête tranchante comme un rasoir là où cette orbite est l'os de l'orbite, la partie supérieure d' ici, tranchante comme un rasoir Ce n'est pas le cas dans la nature. Comme si c'était une transition très douce en temps normal. Mais je voulais que tu regardes ici. Je l'ai fait tranchant comme un rasoir. J'ai également affiné la structure de l'arête du nez comme un rasoir Vous pouvez donc également voir les ombres ici. Assez tranchant comme un rasoir, pas aussi tranchant que celui-ci. Mais j'ai aussi fait une belle astuce pour placer l'obscurité la plus foncée à côté lumière la plus claire tout en faisant en sorte que ce soit un bord dur Alors maintenant tu fais un double plongeon. Vous vous assurez vraiment d'utiliser tous les outils disponibles pour vous concentrer. Mais au fur et à mesure que vous vous éloignez, si vous vous concentrez directement sur le globe oculaire, cela semble assez crédible La pièce entière qui. Mais ensuite, vous commencez à vous éloigner de cette zone focale et vous commencez à regarder la barbe. La barbe est un gâchis. Ce ne sont que des traits de peinture. Cela n'a pas d'importance. Comme si je n'avais pas essayé de coiffer. Je n'ai pas essayé de rendre tout ça. Vous trouverez le haut du chapeau ici. Si vous regardez le globe oculaire, alors vous vous laissez faire par votre « je », cette illusion d' adoucir les choses Cela semble assez doux. Mais si vous y regardez, il y a beaucoup de coups de pinceau durs. C'est donc également ainsi que nous jouons avec la valeur. Mais vous remarquez qu'il n'y a pas vraiment de détails ici. C'est comme si des traits de peinture ouverts perdaient des bords en arrière-plan ici. Si vous regardez de très près, vous pouvez toujours voir qu'il y a du bleu ou du violet, un peu comme le jaune verdâtre que j'ai mis ici juste pour essayer de cacher quelque chose Mais il n'y a pas de bords, il n'y en a pas, il n'y a rien de dur à regarder. Cela donne à vos yeux un endroit où se reposer, un endroit nuageux et agréable où se reposer Avant de retourner dans centre comme une lame de rasoir Ensuite, vous pouvez même voir certaines de ces taches et d'autres objets de ce genre qui orientent votre œil presque comme une rampe d'accès à cette aire de repos Ensuite, vous pouvez faire des allers-retours presque comme sur un pont, non ? J'aime penser que les bords souples un pont que votre spectateur peut littéralement traverser à pied. D'accord ? Je voulais donc simplement le montrer parce que j'ai fait cette peinture, mais je pense également que cela montre assez bien la focalisation du phénomène. OK. Parlons maintenant de la texture. La texture est donc en fait composée d'arêtes. Tout cela ne concerne que les bords, mais la texture est quelque chose de différent au toucher. J'ai une texture sur mon pinceau. C'est très graveleux. J'ai une texture qui ressemble à de la pierre. J'ai un pinceau de texture et il semble que je suis maintenant essentiellement une texture, c'est simplement une façon de penser à ajouter des détails à quelque chose. Donc, si vous avez un pinceau lisse, comme un aérographe ou un pinceau rond dur, un pinceau rond doux Beaucoup de détails. Je vais donc avoir beaucoup de texture. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas de texture. Cela signifie que c'est très limité. OK, c'est très fluide. C'est l'endroit idéal pour se reposer, car avec des pinceaux lisses, il est plus facile de corriger les bords perdus qui ont du sens. Non, s'il s'agit d'un anneau extérieur lisse, il n'y a pas de transition étrange. Mais si vous regardez tous ces coups de pinceau ici, ce sont tous des bords très nets, et vous avez alors des bords plus doux où les dégradés apparaissent en quelque sorte Il devient un peu gris, légèrement moucheté. Vous jouez donc avec vos yeux et vous vous concentrez même sur chaque coup de pinceau Maintenant, cela peut être beaucoup de choses à retenir. Mais n'oubliez pas qu'au pinceau de texture, cela signifie des détails. Peu importe le détail, c'est juste qu'il soit détaillé. Ainsi, n'importe quel détail attirera l'attention car il s'agit d'arêtes plus dures. Il existe une transition plus nette entre les nuances, même les plus petites, lorsqu'il y a une texture sur le pinceau D'accord ? Alors quelque chose de différent ? Tous les détails attirent l'attention. Tout ce qui est identique ou aucun détail est oublié, c'est perdu. OK, et c'est une bonne chose. Il suffit donc de penser qu' au lieu d'utiliser des valeurs, nous avons des couleurs foncées plus claires, des détails de texture chauds et froids ou aucun détail Donnez tous les détails sur cet article. Si c'est le cas, utilisez un pinceau de texture. Si ce n'est pas le cas, utilisez un pinceau lisse. C'est un autre paysage que j'ai créé. Et j'ai principalement utilisé des bords arrondis doux et un peu plus durs pour réaliser la majorité de 98 % de sa peinture. Le seul endroit où j'utiliserai des pinceaux de texture, c'est ici, dans les rochers, dans le tronc de l'arbre. Et puis, de façon sporadique, ici, vous allez voir une petite de toile légère ou quelque part une texture granuleuse et une texture sonore Mais la grande majorité de cela, et comme vous pouvez le voir, l'arrière-plan semble vraiment brumeux C'est fait exprès, car maintenant cela va vous inciter à voir le reste. Et vous pouvez littéralement le constater, nous utilisons les mêmes règles que la dernière fois. Lors de toutes les leçons précédentes, nous avons fait nos formes. Les formes sont là. Il y a beaucoup de cylindres, de rectangles, de diagonales et des trucs comme ça Ensuite, nous avons construit notre valeur. Si quelque chose est plus proche de nous, c'est qu'il fait plus sombre. Au fur et à mesure qu'il s'éloigne, il devient plus léger. C'est ainsi que nous avons obtenu cet effet de ces petits trous dans les arbres. Nous utilisons maintenant le contrôle des bords et la texture pour mettre davantage en valeur l' endroit où nous voulons que le spectateur regarde. D'accord ? Oui, si vous utilisez un aérographe ou quelque chose comme ça, vous ne comprenez pas ce que vous avez probablement entendu dire si vous êtes dans l'art numérique depuis dans l'art numérique depuis un petit moment et si vous avez suivi d'autres cours Ils vont te dire de ne jamais peindre à l'aérographe. Ne peignez jamais à l'aérographe. Principalement, c'est vrai. Tout va avoir l'air délavé. Tout va paraître un peu, tu sais, il n'y a rien à regarder vraiment parce que c'est un peu comme un cimetière là-bas. Mais souvenez-vous qu' en vous en servez. OK. Une grande partie de cet arrière-plan, en particulier ici, a été aérographiée parce que je ne voulais pas de bord J'ai spécifiquement fait le choix de ne pas avoir de bords. Puis je suis revenue par la suite et j' appliqué quelques coups de pinceau plus légers pour renforcer apparence de ces branches délabrées OK, alors souvenez-vous des détails plutôt que de l'absence de détails. C'est l'une des plus grandes choses. Donc, renderer Wrap-Up, nous allons littéralement terminer Ensuite, nous allons faire. Je vais vous montrer quelques exemples de rendu à l'aide pinceaux que vous allez utiliser dans ce cours. Je vais te donner ces pinceaux gratuitement. Il existe au format .ABR ou au format Adobe Brush. Ils fonctionnent dans Photoshop. Ils peuvent également être utilisés avec des objets tels que Critter, Loop Studio Paint Je crois que Procreate peut apporter des ABR. Je ne suis pas sûr de choses comme la douleur infinie, la rage ou des choses comme ça. Mais tout ce qui autorise pinceaux Photoshop devrait les autoriser à entrer. OK. Alors j'espère que ça va, ça va entrer dans un problème de loterie dans la mesure où vous n'avez pas de pinceaux. Vous allez maintenant avoir un ensemble de pinceaux et je vais vous montrer à quoi servent chacun d'entre eux, parler et comment ils peuvent être utilisés pour le rendu. Alors ça va terminer. Nous allons passer au Timelapse, d' accord, mais passons d'abord en revue ce Donc des astuces rapides, des bords combinés et des textures pour un impact maximal. Si vous avez un bord net et des textures détaillées avec un contraste ou des valeurs élevés, vous obtenez un résultat très foncé et très clair. Ce sera toujours votre point central, que cela vous plaise ou non, non ? Nous en avons déjà parlé. Souvenez-vous de ce que vous faites, prenez votre rythme et sachez que si j' ai un côté et une texture tranchants, les chances sont plutôt bonnes. Les gens voudront y jeter un coup d'œil, surtout si j'ai des logiciels à ce sujet. OK. Alors oui, dirigez vraiment le regard de vos spectateurs. Je dirais travailler avec les clients. Juste le fait de vouloir, par exemple si vous voulez juste des likes sur les réseaux sociaux ou quand j' impressionne vos amis, c'est comme si vous vous sentiez vraiment plus épanouie avec vos œuvres d'art. L'utilisation de ces techniques va être, au bout d'un moment , un peu évidente C'est presque comme si vous teniez le spectateur dans la main. En les faisant apparaître là où vous voulez qu'ils regardent. C'est bien. C'est ce que tu veux faire. Par exemple, soyez aussi évident que possible. La pire chose au monde, c'est d'envoyer quelque chose à un client et qu'il lui demande : « Qu'est-ce que je regarde ? Ce n'est pas génial. Il va plutôt dans le sens de l'évidence. Si vous entretenez de bonnes relations avec un client après dix ou vingt peintures, vous pouvez peut-être lui parler de «  Faisons quelque chose de plus interprétatif ». Soyons peut-être moins évidents, alors vous pourrez en quelque sorte contrôler cela Mais je dirais que si vous créez simplement du contenu à publier en ligne, si vous créez du contenu pour votre portfolio, soyez aussi évident et intentionnel que possible. Pointez littéralement de grosses flèches comme regardez ici, regardez là, regardez ici par Bao, Bao. Comme utilisez vos bords, utilisez votre texture. Faites une enseigne au néon pointant où vous le souhaitez. Voici donc quelque chose qui pourrait être un cours complet en soi. Mais je voudrais aborder rapidement la différence entre crédibilité et réalisme Le réalisme signifie comme le photoréalisme. Dans quelle mesure cela semble-t-il réaliste ? Nous avons fait la blague sur le fait de dessiner toutes les peaux pauvres et toutes les menaces de poils. Par exemple, nous avons des millions de sangliers des millions de poils et fibres différentes sur les ongles Maintenant, vous pouvez, ne vous méprenez pas , le réalisme photo et apprendre à le faire est extraordinaire. La dextérité requise pour cela est incroyable, non ? Je suis des artistes très talentueux qui le font parce qu'ils sont vraiment dévoués à leur métier. Je dois le reproduire là où il se trouve. On ne peut pas le distinguer de la réalité. Et c'est super incroyable. L'œil en revanche, la lumière pour plus de crédibilité Je m'en fous de savoir si quelque chose semble réaliste. Je me soucie de savoir si ça a l'air crédible. Puis-je voir un personnage à cet endroit ? Cela ressemble-t-il à un paysage ? Est-ce que je peux explorer cela ? Est-ce que le portrait ressemble un peu à une personne ? Suit-il la règle des ombres projetées ? Suit-il la règle du chaud et du froid ? Est-il suffisamment bien rendu pour que je puisse voir la forme de la forme qui est crédible ? Je m'en fous du réalisme. Oui, c'est juste que je ne suis pas vraiment intéressée par le réalisme quand j'étais vraiment étudiante à Otellini Oui, comme si je voulais du réalisme. Je voulais regarder exactement ce que j'ai vu. Aucune erreur, aucune interprétation. Mais à présent, je pense que l'interprétation est plus intéressante. Donc si vous suivez les lois de la physique, si vous suivez ces points focaux, votre travail sera crédible D'accord ? Et même en utilisant cet effet de profondeur de champ, cela rend les choses crédibles car c'est ainsi que fonctionnent nos yeux Donc, tout cela revient essentiellement au vieil adage qui dit « Apprenez d'abord les règles, puis enfreignez-les ensuite ». Fais ça. Si ça a l'air bien, c'est bien. Nous en avons parlé lors de la phase d'idéation. Nous sommes un média visuel. Si vous enfreignez les règles pour une bonne raison et que cela suscite de l'intérêt pour votre œuvre, c'est un succès. Ne laissez personne vous dire le contraire. Si votre intention est pure et que les gens la comprennent. S'ils le comprennent, s'ils sont engagés, c'est un succès. Si ça a l'air bien, c'est bien. Je vais donc dire quelque chose de plus détaillé. Si vous utilisez des textures photo pour accélérer les choses. Nous en avons parlé dans les références et d' autres sujets de ce genre. Veuillez disposer de la licence appropriée pour le faire. Donc, si vous obtenez, disons un pack de paysages du studio graphique ou un autre exemple que nous avons donné plus tôt. Assurez-vous, par exemple, si vous fabriquez quelque chose pour un client, que vous détenez la licence commerciale. Ça va être plus cher. Mais cela vous permet en fait d' utiliser certaines de ces textures et ces photos de différentes manières dans le cadre d'un produit commercial. Parce que souvenez-vous de ces photographes et des personnes qui ont créé ces packs d'art. Ce sont également des artistes et ils méritent d'être payés. Ils méritent d'être rémunérés pour leur travail. À crédit, là où le mérite est dû, vos textures n' existeraient pas sans elles. Vous leur devez donc une très grande dette de gratitude. Non seulement sur le plan financier, mais aussi sur le plan artistique. Veuillez donc vous munir des licences appropriées si vous avez des questions à ce sujet, contactez le photographe à qui vous souhaitez utiliser sa pièce d'identité avec photo en disant : «   Hé, cela m'intéresse ». J'aimerais utiliser ces textures. Je les trouve magnifiques dans certains de mes tableaux. Je peux te payer pour le faire ? Canine a autorisé cette image pour ce faire. Et d'habitude, si les photographes sont très attentifs à vous, euh, oui, absolument. Tout ce que vous voulez, et ensuite vous pourrez le négocier à partir de là. Ou mieux encore, nous en avons tous un. Vous êtes peut-être même en train de regarder ce didacticiel sur un téléphone portable. Alors utilisez-le, prenez des photos de choses et utilisez ces textures dans votre peinture. Ok, alors passons à la peinture. Je vais sauter ici tout de suite. Et allons-y, boum, cool. Alors je l'ai fait ici. Je vais juste vous montrer quelques techniques. Donc, dans ce cours, vous allez obtenir ce que l'on appelle mes pinceaux May Sketch a Day 2020. Donc oui, ce sont des pinceaux vieux de trois ans, mais ils ont toujours des propriétés percutantes que j'utilise dans presque tous les tableaux. Et je vais faire une brève présentation ce que font ces pinceaux. D'accord ? Alors, je vais t'apporter ça. Donc, il s' agit d'un pinceau rond dur classique mais si vous voyez que les bords se rétrécissent légèrement, ils lissent légèrement les bords Cela donne un très bel aspect pictural. Rond souple classique. Comme vous pouvez le constater, c'est parfait pour les bords perdus. Si vous voulez passer en revue ici différentes valeurs et d' ici différentes valeurs et autres choses de ce genre, c'est un excellent moyen de perdre des points. Ou si vous appuyez un peu plus fort, vous pouvez toujours créer un bord. Mais c'est plus doux. Écrivez avec un bord plus doux, mais vous pouvez toujours voir le coup de pinceau spécifique Je trouve que c'est le meilleur crayon du monde. Il s'agit essentiellement d'un pinceau à craie très sec. Cela va vous donner une très bonne texture. Disons que nous avions ces arêtes juste ici. Et puis j'ai vraiment envie de mettre en valeur quelque chose. Laisse-moi obtenir du blanc pur. Maintenant, cette texture apparaît vraiment sur ces bords perdus. Tu as ce contraste. Tu as des limites. Sur le fil du rasoir, ça va toujours attirer l'attention. D'accord ? crayon traditionnel et en plus, c'est juste une sensation différente selon la quantité de grille, la texture. Vous pouvez l'utiliser comme bon vous semble. Je les appelle simplement crayons parce que c'est ce qu' ils me font penser à un stylo à encre Ce sont des lames de rasoir un peu plus grandes, mais elles ont encore du cran. OK. Crayon riche. Vous pouvez maintenant commencer à voir ces bords de cœur vraiment carrés, mais ils ont des taches sur le côté Ils peuvent donc vraiment que si nous faisons cela, c'est très difficile. Mais il y a encore un petit intérêt visuel quant à la façon dont ils se fondent dans ces petits endroits De l'eau et de l'huile. Il s'agit d'un pinceau qui, en fonction de la pression que vous exercez, va mélanger votre arrière-plan les couleurs de premier plan Donc, si vous n'avez pratiquement pas exercé de pression, cela vous donnera plus de votre couleur d'arrière-plan. Si vous appuyez assez fort, vous obtiendrez un pourcentage plus élevé de caractère aléatoire de votre couleur de premier plan Bon, disons que je veux changer ça pour qu'il soit blanc, vert. Et puis ma couleur de fond ici, je veux qu'elle soit un peu plus foncée. Cela ajoute à de très belles peintures. Je l'utilise beaucoup. Un look pictural car vous avez maintenant une variété d'arêtes. Juste en faisant quatre ou cinq coups de pinceau différents. Vous avez des bords nets ici, des bords perdus et des bords lisses, des bords logiciels. C'est vraiment amusant de jouer avec ces textures diagonales. C'est peut-être le pinceau préféré que j'ai jamais fabriqué et je l'utilise tout le temps. C'est littéralement un angle de 45 degrés. Ça a l'air plutôt doux. Mais je dirais que lorsque vous effectuez un zoom arrière et que vous obtenez une vue à 100 % ici, je sais que je bloque le pourcentage, mais il s'agit de la taille réelle de ce document. Je ne suis pas venu ici. Utilisez-le comme du vin moucheté. Mais c'est idéal pour ajouter des détails, des détails un peu sommaires, ou si vous l'agrandissez C'est un pinceau vraiment intéressant à utiliser pour rendre les détails, d'accord ? Encore une fois, il a ce bel aspect pictural. Vous obtenez une variété d' arêtes à l'intérieur des arêtes. Ce sont donc des bords sur des bords. pastel fonctionne de la même manière, mais il est un peu plus croustillant Je suppose. Vous pouvez y voir la texture de la toile. C'est un peu plus sporadique quant à l'endroit où cela vous donne du pigment Mais cela peut en fait être assez cool de se fondre dans d' autres domaines, non ? Pour commencer à introduire ou diriger l'œil ailleurs. Laisse-moi me cacher ici. Vous pouvez donc voir les noms de ces carrés en graphite. C'est la même chose. Leur texture est cependant plus douce, mais il y a un petit plus dans leur anthracite tranchant. Et c'est une texture très, très nette. D'accord ? Très, très, c'est presque, ça a presque l'air faux. Mais c'est une bonne chose. Parce que disons que j'ai une jolie couleur lilas ici J'en ai des plus foncés et plus clairs. Vous commencez à obtenir cette belle très belle grille d' éclaboussures OK. craie huileuse fonctionne un peu de la même manière que l'eau et l'huile Vous obtiendrez toujours ce mélange Mais ce sera probablement 95 % de votre couleur principale avec un peu de teinte de votre couleur secondaire Mais oui, permet un mélange fluide en ajustant un pinceau C'est très sympa. Mullins griffonne. C'est d'après Craig Mullins, l'une de mes idoles artistiques En gros, cela va juste vous donner d 7. Leçon 5 - Timelapse (w/ narration) et récapituler: Très bien, bienvenue dans le Timelapse, la version accélérée du processus de rendu complet dont Cela s'est donc déroulé sur deux sessions et je n'arrêtais pas de faire des commentaires ou des blagues, je suppose, dans la leçon numéro quatre sur le rendu et la finalisation Que ce serait une séance de peinture super hardcore de quatre à cinq heures. Pas vraiment. Cela n'a donc duré qu'environ une heure et 40 minutes et cela a été accéléré pour atteindre environ 45 minutes ici Et je viens de le faire en deux petites séances. L'un était à environ une heure et 15 minutes, puis le second était à environ 30 minutes de là. Mais il est accéléré jusqu' à 250 %. Donc, juste pour un peu de clarté. Donc, la première étape que j'ai faite ici est que vous verrez que j'ai créé une copie fusionnée de ma valeur où la première chose que je fais est de me débarrasser de toute la lumière, lignes, des choses qui ressemblent à des lignes. Et il y a plusieurs raisons à cela. La première est que les lignes donnent automatiquement aux choses un aspect un peu plus caricatural ou illustratif Et si c'est ce que vous recherchez, c'est fantastique. Mais je voulais que ce tableau soit un art conceptuel, une peinture de haute fantaisie, peu comme celle sur laquelle nous nous sommes basés Tu vois ce que je veux dire ? J'ai donc voulu suivre cette voie. Mais l'une des principales raisons pour lesquelles j' aime me débarrasser des lignes que les lignes sont la définition même des arêtes nettes. Et comme nous l'avons déjà dit, nous voulons économiser les bords de notre cœur avec parcimonie, comme si nous voulions simplement les utiliser pour les points focaux, c'est-à-dire pour attirer l'attention du spectateur S'il y a ces lignes dures partout et si elles sont simplement plus foncées que tout ce qui les entoure. Même si je considère que ces lignes sont plus foncées ou plus visibles que ne le sont les formes des silhouettes Tu vois ce que je veux dire ? In Shapes règne définitivement en maître. Chaque fois que vous peignez des paysages. Vous voulez que vos formes soient lisibles avant, en fait, tout le reste. Et même si c'est un peu vrai ici, je pense que les lignes me gênaient vraiment. Ma première chose à faire était de vraiment examiner mon Value Pass Je ne me soucie même pas de la couleur à ce stade. Je voulais juste entrer et m' assurer que ce sont des formes que nous lisons. OK. Et c'est, c'est intéressant, je ne sais pas, c'est presque un dilemme. Parce que tout le monde a un rôle qui lui plaît. Découvrez tous les aspects de la création artistique dans le cadre de votre processus. Ainsi, selon votre méthode préférée, vous pourriez passer beaucoup de temps à estomper les couleurs C'est comme vraiment mettre de la couleur et essayer de voir ce qui se passe, à quoi cela ressemble et tout ça, et c'est tout à fait valable. Mais comme nous l'avons déjà dit dans le tutoriel, j'aime beaucoup les valeurs. C'est là que j' ai vraiment l'impression que c'est ma force. Mais j'aime vraiment faire ce que je suis une application décente, qu'aucun de nous n'aime faire des choses qui ne sont pas bonnes. Ce n'est tout simplement pas amusant. Mais c'est ce qui m'amuse, c'est d' entrer et de faire le, hé, si c'est plus proche, c'est qu'il fait plus sombre. Si c'est plus loin, c'est plus léger. Je crois. Il commence à mieux se lire. Et en fait, même lorsque je peins et que je trace des traits de peinture, je regarde ce Navigateur, cette version un peu plus petite de la peinture en haut à droite pour m'assurer que les formes se lisent même lorsqu'elles sont de très petite taille Je travaille donc pour la résolution K. Alors voilà, à quoi servent ces 38, 38, 40 par 21, 60, je pense. Ce qui est juste une norme pour une image K telle que vous la verriez sur un téléviseur ou quelque chose comme ça, ou sur un écran d'ordinateur en fait. Et j'aime beaucoup travailler avec cette résolution parce qu'elle n'est pas très grande. Mais il est aussi assez grand pour faire fonds d'écran K. Si vous avez des mentorés, des mécènes ou quoi que ce soit d'autre, c'est un bon moyen de créer des objets pour eux. Un petit bonus, merci pour eux. C'est juste une taille agréable pour travailler, car vous avez joli port d'affichage où vous pouvez le faire. Je veux dire que vraiment tout est juste un excellent rapport hauteur/largeur de 16 sur 9. Donc, si cela était imprimé en pouces, il pourrait s'agir d'une impression de 16 pouces sur 9 pouces. Presque deux contre un. Pas tout à fait, mais plutôt bon ratio en toi. Remarquez que je ne suis toujours pas très précis sur les choses. Je choisis juste des couleurs foncées ou claires, et j'utilise des pinceaux Je pense que c'est oh oui. Cela utilise le pack de pinceaux auquel vous avez accès. J'ai pris cette décision dès que j'ai commencé enregistrer parce que j' allais utiliser mes pinceaux standard, ceux que j'utilise tout le temps. J'ai répondu : « Non, non, tu sais quoi ? Je vais me débarrasser de la vieille école. Je vais utiliser le pack de pinceaux 2020 que vous allez recevoir. Fonctionne toujours à merveille. Je l'adore, il est livré avec vos pinceaux de texture et votre pinceau de texture diagonal change la donne C'est un gagnant de bout en bout. Parce que tu peux découper des détails. Cela lui donne un peu de cran, mais pas au point d'être trop dur pour les yeux. C'est génial. Trouver vos pinceaux spéciaux est une partie très excitante du métier d' artiste, car c'est cela qui dicte votre style Aimez-vous utiliser des pinceaux plus inclinés ? sont des pinceaux à bords plus durs, ou il est préférable d'utiliser un peu de tout Mais tu vas trouver ce que tu aimes vraiment et tu vas t'en servir. Et vous allez le faire, plus vous l'utilisez, plus vous vous améliorez, comme pour tout, plus vous faites ce genre de choses, il est facile à intégrer. Vous pouvez voir que nous avons même déjà apporté des changements spectaculaires. Et nous n'en sommes qu'à 6 minutes de ce Timelapse. Et cela signifie déjà une valeur de 15 minutes, peut-être 17 ou 18 minutes. Et en temps réel. Et de grandes choses se produisent déjà. Je commence à me faire cette idée : et s'il y en avait, s'il y avait presque deux points focaux principaux ? Et je sais que je vous ai probablement dit de ne pas le faire. Mais c'est comme faire ce que je dis, pas ce que je fais. zone supérieure que nous voulions avoir comme passerelle pour une raison ou une autre J'avais en tête que cela ne ressemblait pas vraiment à un endroit à explorer. Par exemple, comment puis-je vraiment faire cela ressemble à quelque chose que vous pouvez réellement s'agit d'une partie de la structure ou d' une partie faire ? Il s'agit d'une partie de la structure ou d' une partie des rochers qui ont naturellement créé une passerelle menant au sommet Et j'ai décidé, OK, eh bien, laissez-moi mettre des objets lumineux là-haut, un peu comme un cristal ou un feu de camp qui brille comme ça que nous pourrions avoir Ce qui a fini par se produire, c'est qu'après l'avoir fait, je me suis dit : « Oh, ça peut remplacer ce rayon lumineux. Rappelez-vous comment ce rayon lumineux est descendu en diagonale tout à l'heure Peut-être qu'au lieu d'avoir un rayon de lumière sur ce grand film dramatique, nous avons juste le feu de camp imaginaire le plus haut qui soit, qui nous éclaire au milieu de toutes les ténèbres Mais ensuite, nous avons la même chose sur le sol, juste au milieu, vous voyez où nous avons toujours le carré le plus sombre juste là, presque au milieu de la composition De cette façon, nous avons deux choses à examiner. Et j'ai trouvé que cela correspondait assez bien à l' idée selon laquelle c'est un endroit que vous voulez explorer. Pourquoi ne pas joindre le geste à la parole, créer des choses que vous pourrez regarder. Tu vois ce que je veux dire ? Ainsi, votre œil parcourt l'image. Eh bien, qu'est-ce qu'il y a là-bas ? Oh, qu'y a-t-il là-bas ? C'est quoi ça ? Qu'est-ce que cela fait ? Cela commence vraiment à ressembler à un endroit que vous pourriez visiter. Maintenant, j' aimerais mentionner quelque chose. Et ça, toute cette vidéo va être remplie de conseils rapides. Pensez presque à un cadeau de Noël ou à un beau cadeau d'anniversaire pour vous. Parce que ce sont tous des conseils de pro. Il suffit de cracher, de te le lancer. Et j'espère que ce sera l'une de ces choses qui, chaque fois que vous le voyez, je suis chaque fois que vous le voyez se faire et que vous l'entendez. Il connecte et bien au-delà, ouah, loin. Oui, je comprends. C'est un très bon exemple. Avez-vous remarqué que ces coups de pinceau sur le sol qui se dirigent vers nous comme vers le bas de la toile ressemblent à des lignes très droites C'est un peu comme si nous l'appelions forme occupée, c' est-à-dire écrire la lettre Z. Mais dans ce cas , le haut du Z est plus court que le milieu du Z, qui est plus court que la queue de la maladie Cela vous aide à guider votre spectateur dans le tableau. Autre chose pour les paysages, surtout vous remarquerez aussi que je n'ai rien entre guillemets qui bloque l'entrée On dirait que c'est une promenade fluide, comme si oui, vous pouviez voir des petits rochers et des cailloux et la majeure partie du premier plan, non ? Mais ce n'est pas le cas, cela ne vous bloque pas la route. Tu n'es pas réel. Vous ne voulez pas avoir de grandes formes juste devant , à moins que vous ne le fassiez pour une bonne raison. À moins que ce ne soit parce que vous voulez le spectateur ait l'impression de regarder à travers, peut-être comme un trou de serrure où vous lui donnez simplement une fenêtre d'affichage illimitée. Mais ici, comme nous voulions vraiment faire de l' exploration, vous voulez que cela invite le spectateur à entrer. Pour ce faire, vous devez garder le bas de votre composition ouvert. en tiens littéralement à l'endroit où je mettais un crayon ou une épingle, je commençais comme si je dessinais une ligne, comme si je faisais un labyrinthe à partir d'un cahier d'activités où je pourrais tracer une ligne cohérente Et je crois que j'ai commencé à le faire ici. Ligne cohérente à partir de cette base. Oui, je crois que j'ai comblé ce petit espace de cette façon, si vous tracez une ligne qui peut suivre un zigzag et tout ça, elle vous mènera directement à cette lumière vive qui touche le sol Vous voulez en faire un chemin dégagé. Parce que c'est ce que vous voulez, vous voulez votre spectateur, ou du moins, dans mon cas , pour mon objectif, je voulais que mon spectateur impression de pouvoir explorer ait l' impression de pouvoir explorer, d' entrer dans le tableau. Et plus vous pratiquez cela, plus vous le faites, plus cela devient facile. Et je le fais vraiment inconsciemment maintenant à l'avance. Je veux dire, je suis devenue professionnelle en tant qu'artiste en 2019. Et depuis, j'ai créé quelque chose d'artistique tous les jours, tous les jours pendant quatre ans. Et qu'il s'agisse d'une peinture complète d'un croquis, d'une étude ou quoi que ce soit d'autre, cela peut vraiment vous permettre de surmonter les bonnes habitudes et de vraiment remarquer ce qui fonctionne dans ce qui ne fonctionne pas. Mais bon, maintenant c'est fait, maintenant nous passons à la couleur. Je suis du genre : « Oui, les valeurs des votes se lisent bien mieux maintenant. Et j' abandonne complètement ce que nous avions auparavant parce que nous avons maintenant un nouveau Value Pass. Et je regarde toujours le navigateur supérieur. Je peux zoomer et dézoomer sur l'espace de travail principal. Mais je suis vraiment en train de regarder le navigateur et comment fonctionne-t-il ? Je me suis dit : « Oh, au lieu des grosses boissons froides auxquelles nous sommes habitués, si nous avions une ambiance verte et orange ? Et je recommence à introduire ces bleus dans les banlieues automatiquement à l'aide d'une carte dégradée. Ensuite, au-dessus de cette carte en dégradé, créez une nouvelle couche sous forme de superposition de couleurs Et juste en apportant des couleurs plus saturées sur le dessus. Il fait automatiquement à peu près le plus gros du travail pour nous. Et j'utilise Let's see what brush oh yeah, gros aérographe provenant d'un de mes packs de pinceaux Mais vous pouvez également utiliser le pinceau rond doux fourni dans le pack que vous recevez lorsque vous travaillez sur votre, vous le considériez comme un devoir de cours ou simplement le paysage sur lequel vous travaillez actuellement. N'hésitez pas à l'utiliser et à l'utiliser comme aérographe pour aérographier certaines idées de couleurs en plus d'une notation Vous serez vraiment surpris de voir à quel point cela accélère votre processus. Et je dois dire, je sais, que je vais probablement faire asseoir beaucoup d'étudiants, mais comme si vous aviez réussi à le faire en une heure et demie C'est dingue. Comment travaillez-vous aussi vite ? Comment puis-je travailler plus rapidement ? La vitesse est quelque chose qui vient avec le temps. Chaque fois que vous commencez à tirer à plein régime et vous réalisez dans quoi vous êtes doué et où se situent vos points forts, surtout si vous divisez votre façon de créer des œuvres d'art, votre processus en étapes répétables Une fois que tu réussis ton étape préférée, tout le reste se met en place Et je veux dire, normalement, disons que c'était en 2019. Je viens de devenir pro. Je suis encore en train d'en apprendre certains, j'apprends toujours les bases, mais j' essaie vraiment de prendre de bonnes habitudes ici. Cette peinture m'aurait pris environ 7,5 à 8 heures. Je crois que l'objectif est le même. D'autres artistes professionnels me l'ont dit chaque année. Vous pratiquez avec diligence au cours de votre année et vous participez activement à votre propre exploitation agricole Cela signifie que vous ne faites pas que des peintures, juste pour les faire, mais que vous étudiez vraiment et essayez de comprendre le monde qui vous entoure. Tu vas te raser au moins une heure par an. Une chose au cours de votre première année qui vous aurait pris 5 heures trois ans plus tard, cela vous prendra 2 heures, probablement même moins. Parce que vous savez comment vous allez travailler et comment vous préparer à la réussite. Est-ce que cela a du sens ? Oui, c'est une de ces choses que la vitesse, ne t'inquiète pas pour la vitesse. Peu importe que je l'aie fait pour le mérite. Peu importe que cela m'ait pris une heure et demie ou 50 h. C' est le même tableau. Tu atteins le but final. Maintenant, je vais parler du travail des clients blancs dans le cadre du travail professionnel, mais je sais que cela sera publié partout. Oui, je vais probablement passer au moins 25 à 30 heures, mais cela fait 25 à 30 heures à travailler à ce rythme, à essayer de déterminer rapidement des valeurs. De cette façon, je peux passer 30 de ces 35 heures à faire le rendu, rendre exactement comme le client le souhaite ou exactement comme je le souhaite. Celui-ci était un peu plus souple. Et c'est très bien, parce que la plupart du temps, je préfère ces peintures celles qui ont un rendu très réaliste. Je pense que c'est plus intéressant parce que le spectateur de votre œuvre peut y participer. Ils peuvent le voir, le faire pour le découvrir avec vous. Parce que tu ne leur donnes pas toutes les réponses. Vous n'utilisez pas de textures photo C'est amusant, nous avons fait cette petite sous-leçon sur la façon de photographier des textures. Nous n'utilisons pas de photo-blashing ici. J'étais en train de peindre un seul tableau une fois que nous avons intégré les couleurs, puis je me suis dit que c'était le moment de faire le rendu J'ai juste commencé à prendre des pinceaux et nous allons y aller. Donc, sur le côté droit, si vous regardez mes couches, j'ai fini par faire une gestion des couches de base très, très rudimentaire Je ne suis pas du genre à superposer des couches. Non, je n'utilise pas de couches. Ce que je pense, c'est parce que j'ai été formé pour peindre professionnellement ou traditionnellement. Je ne pense pas que c'est comme des couches. Je lui dis : « Oh, maintenant c'est à moi, c'est mon laissez-passer ». Tu vois ce que je veux dire ? Comme ça, comme moi, tu travailles en couches et tu fais de l'art traditionnel avec du flambeau et d' autres choses de ce genre Mais en réalité, c'est juste que vous utilisez une couche pour peut-être corriger quelque chose. Ou si vous devez faire un grand changement radical. C'est vraiment les seules fois où j'utilise des couches. Et oui, j'aime bien les calques simples, mais j'ai fait tout ce qui existait avant cette fusion de valeurs de couleur claire. Je l'ai mis dans son propre dossier. Juste pour m'en sortir. J'appelle ça une configuration. Je le fais chaque fois que tous mes clients avec lesquels j'ai travaillé reçoivent le fichier PSD en couches ou le fichier Photoshop S'ils l'obtiennent, ils disposent toujours d'un dossier de configuration. Je ne ferais pas tout ça, mais c'est le sketch, la résolution de problèmes pour en arriver à cette étape Alors ce que j'ai fait, c'est que chaque fois que j'arrivais à un point, je me disais : « OK, nous pouvons vraiment commencer à appuyer sur ceci, ceci pour effectuer le rendu et créer une couche fusionnée ». Chaque fois que je sais que je suis prêt pour l'étape suivante, je les fusionne. De cette façon, il est non destructif, ce qui signifie que je peux toujours supprimer le nouveau calque Si je travaille dans, quelque chose ne fonctionne pas correctement et je veux recommencer. Je peux simplement supprimer la couche, puis créer une autre copie fusionnée de la couche que j' avais auparavant, puis commencer à travailler à partir de là. C'est très utile car j'ai toujours une sauvegarde. Mais cela me permet et me donne les compétences nécessaires pour continuer à développer des idées tout le temps. Vous remarquerez que j'utilise différents pinceaux et essaie de voir ce qui est beau et ce qui est « Qu'est-ce que c'est ». Et en ce moment, nous faisons le genre de look d'arrière-plan. Je crois que je vais l'assombrir ou quelque chose comme ça en une minute juste pour voir à quoi il ressemble Ensuite, appuyez beaucoup sur le bouton d'annulation. Je trouve toujours que c'est plus intéressant, même si je fais une erreur, de le recouvrir plutôt que de le réparer. Parce qu'avec Undo, vous vous débarrassez de quelque chose. Et j'ai découvert qu'avec la peinture, même la peinture numérique, plus vous avez de points de vue sur les coups de pinceau ou les décisions que vous prenez, plus il est intéressant de regarder et de sauvegarder tout cela. Tu vois ce que je veux dire ? Alors pourquoi ne pas l'utiliser ? Pourquoi ne pas utiliser ces coups de pinceau ? Maintenant, si, même s' il ne s'agit que de texture, c'est vraiment un objectif. Tu vois ce que je veux dire ? C'est donc un intérêt visuel à ne pas hésiter à le garder. Je veux dire, pour la majorité de mes peintures, professionnelles ou personnelles, je n'utilise pas beaucoup le bouton Annuler. Je pense juste que c'est du gâchis parce que j'ai l'impression de me débarrasser de mes décisions et c'est comme si, je ne sais pas, je ne voulais pas me débarrasser de quoi que ce soit. Je veux que cela fasse partie de ce processus. Comme ici, j'ai ajouté du cristal bleu et j'ai fait le cristal fuchsia violet en bas à Contrairement à ceux-là. OK. Mais je crois que je me retrouve dans ce top bleu ou peut-être même que je m'en débarrasse complètement. Je ne m'en souviens vraiment pas. Mais c'est l'une de ces choses. je me suis débarrassé de, je pense que celui du haut ou du moins je l'ai beaucoup atténué, c'est parce je pense que celui du haut ou du moins je l'ai beaucoup atténué, c' que je faisais un zoom arrière, il attirait beaucoup d'attention Et je me suis dit : « Je ne savais pas si ça fonctionnait bien. Je ne sais pas. Je ne veux pas que ce soit son propre point focal. Comme s'il s'agissait d'une chose très lumineuse au milieu d'une zone très sombre. Et vous jetez simplement des idées et si cela ne fonctionne pas, débarrassez. Comme s'il n'y avait pas de mal, pas de faute. Vous suivez toujours chaque étape de ce processus. Je sais donc que même cela peut sembler très statique. Genre : « Oh, je vais faire la phase d'idéation ». Ensuite, je vais enregistrer mes formes. Alors je vais inscrire ma valeur. Ensuite, je vais déposer mon tout-petit Ensuite, je vais faire le rendu. Je dirais que, oui, ça peut sembler assez statique Mais à un moment donné, vous allez commencer à réaliser que vous faites chaque étape, pendant chaque étape. Est-ce que cela a du sens ? Donc pour l'instant, en gros, je suis en train de faire la phase d'idéation. Ce que je fais, c'est en couleur et avec des valeurs sous différentes formes. Tu vois ce que je veux dire ? Je suis encore en train d'explorer les choses. En fusionnant. Je sais déjà à quoi ressemblent mes ténèbres. Je sais déjà à quoi ressemblent mes lumières. Laisse-moi juste choisir la couleur à partir de là. Utilise ça. Et si cela ne fonctionne pas, je peux le modifier. Tu vois ce que je veux dire ? Comme ne jamais avoir peur d'y aller. Il suffit de mettre quelques trucs sur la toile et de voir ce qui se passe. Oui, la célébrité, c'est ici que je m'en débarrasse un peu J'ai eu l'idée que nous avions des champignons dans ce premier paysage. Je me suis dit qu'avec celui-ci, et si nous avions comme si les petits cristaux des fleurs qui brillaient ou quelque chose comme ça, tu vois ce que je veux dire ? Comme quelque chose de similaire que on peut un peu rappeler à cette peinture originale, mais quelque chose qui lui est propre. Quelque chose d'un peu différent. Vous êtes plus loin dans cette zone. Oui. Dans l'ensemble, je pense qu'ici je suis redéfinir certaines formes de silhouette J'essaie de me procurer un pinceau plus tranchant. C'est un bon vieux pinceau à texture diagonale. Je te dis que c'est un gagnant. J' entre et j'ajoute juste un peu de lumière là où cette lumière entre, et j'ajoute une sorte de silhouette dans la structure des silhouette dans la structure rochers et d' autres choses de ce genre Voici un autre point que je tiens à souligner parce que j'ai l'impression que nous n'avons pas encore suffisamment insisté. Si ça a l'air bien, c'est bien. Hein ? Nous avons parlé de la règle du cool. Par exemple, parfois, si les choses ont l'air cool, c'est une raison suffisante pour le mettre dedans. Donc, techniquement, si je devais être comme un fou, du genre : « Oh, eh bien, techniquement, la lumière sur le sol ne serait pas plus brillante que la source de lumière qui fournit la lumière un fou, du genre : « Oh, eh bien, techniquement, la lumière sur le sol ne serait pas plus brillante que la source de lumière qui fournit la lumière. Tu vois ce que je veux dire ? Comme nous l'avons tous fait alors que nous n'étions pas tous à l'école d'art, mais nous entendons ou voyons à la télévision ou ce genre de trucs de professeur d'art. Et techniquement, c'est correct. Techniquement, vous ne pouvez pas avoir une lumière comme une lumière sur le sol ou quelque chose qui émet du blanc. Rien ne peut être plus brillant que la chose qui produit la lumière elle-même. C'est une règle, c' est une règle de physique. Mais tu remarques, je m'en fous. Cette ligne, cette zone focale claire au milieu de la composition est d'un blanc presque pur. Et rien d'autre dans cette composition ne s'en rapproche vraiment. Peut-être que ce petit truc en forme de feu, le petit feu magique en haut, a un peu de blanc dedans. Par exemple, pourquoi est-ce que ce truc est le plus brillant ? Pourquoi cette partie centrale ? Pourquoi pas ? Ça a l'air cool. Ce serait ma réponse professionnelle. Mais est-ce que ça a l'air cool ? Mission accomplie. Alors ne vous attardez pas trop sur les règles. Eh bien, c'est écrit ici, et comme les rochers sont un autre bon exemple, je commence tout juste à mettre de la lumière réfléchissante sur le bas de ces rochers juste pour leur donner un peu plus de forme. Maintenant, suivent-ils exactement les lois de la nature selon lesquelles, pour chaque nombre de pieds, la lumière se dissipe et, par conséquent elle ne serait pas si orange parce que les choses vont plus loin, comme si vous êtes tellement accroché à cela, l'une ou l'autre des deux choses ? Premièrement, tu manques vraiment de confiance en toi. Je sais que ça va peut-être bouleverser Russell et qu'il n'en a pas assez. Mais si vous craignez que les choses soient exactement mêmes mathématiquement ou physiquement. En tant que créateur d' images, vous manquez de confiance parce que vous craignez trop que guillemets ne s' affichent pas correctement J'espère qu'une partie de ce cours, même si ce n' est que brièvement , vous permettra de sortir de ce processus de réflexion, peu importe qu'il vous semble juste ou faux. Si ça a l'air bien. C'est bien. Je dis que je peux te le dire. Si vous demandez à d'autres professionnels, ils vous diront la même chose si vous travaillez avec un client professionnel. Et ils sont un peu perplexes quant à ce qu'ils veulent. Je passe en mode par défaut savoir comment puis-je donner à ce truc une apparence cool ? n'a pas besoin d'avoir l'air réel, il n'a pas besoin d'avoir une certaine apparence particulière. La seule chose que j'ai en tête, c'est D'accord, comment fonctionne une piscine au sel ? Et puis je le fais dans le suivant, je le montre. Dans 92 % des cas, les commentaires que je reçois me disent  : « Ouah, c'est cool ». Hein ? Cela signifie donc simplement que mes formes sont parfaites, que mes couleurs s'harmonisent bien et que je préfère le chaud au froid. Et c'est pourquoi la partie métallique de cette pièce fonctionne très bien. Parce que nous avons un gros objet orange juste à côté de ce joli cyan, bleu glacé Cela n'a pas forcément de sens, mais ça a l'air cool. Est-ce que cela a du sens, comme les livres ? J'aime bien son apparence. C'est la raison pour laquelle, en tant qu'artiste, c'est la seule raison dont vous avez besoin. OK, donc une autre chose qui a l'air cool est très bien chronométrée Ce que je viens de faire, c' est créer une nouvelle couche. J'ai un pinceau rond doux et je m'en occupe. Si vous cochez ce mode de fusion des couches, il est activé sur Color Dodge Ce que fait Color Dodge, c'est saturer les contours de vos valeurs Mais il le fait avec une couleur très saturée. Cela permet de savoir où, oh, maintenant je suis en train de vérifier à nouveau mes valeurs. Bien sûr, après avoir utilisé un Color Dodge ou un pinceau à effets spéciaux similaire entre guillemets Je vérifie toujours si les choses se lisent bien. Maintenant, je fais ressortir l'ancien article, je compare et vous pouvez voir à quel point ils sont courants. Ils se ressemblent, mais ils ne se ressemblent pas exactement , et c'est le but. Color Dodge vous donne donc une petite touche de couleur éclatante qui fonctionne très bien dans vos tons moyens. Mais utilisez-le avec parcimonie, très, très parcimonie. L'utiliser autour de votre taille, c'est comme un surlignage, en allant dans vos tons moyens. Et vous pouvez voir à quel point cela a ajouté un bel effet de floraison, presque comme un léger effet de floraison. Mais ensuite je n'y touche plus. Je ne le touche pas. C'est bon. Ensuite, je continue. Je me dis : « D'accord, j'ai besoin que ces arrière-plans soient un peu plus assemblés. Pour ce qui est de relier mes formes les unes aux autres. C'est toujours une bonne astuce de rendu. Par exemple, si vous ne savez pas vraiment quoi faire lors du rendu, connectez tout à tout le reste. aime voir comment je ferme certaines formes et comment je crée des lignes et des boîtes, puis elles se fondent dans les autres éléments du premier plan J'aime que tout soit ce que je considère comme connecté. Tout simplement parce que cela permet aux yeux du spectateur de se reposer. Si tout est fragmenté et que tout est facile, petits coups de pinceau et des choses comme ça Cela peut devenir vraiment chaotique. Il est donc basé sur cette idée centrale. Notre point central sera la zone où se trouvent le Color Dodge et la grande floraison lumineuse et vraiment époustouflante, comme un magnifique mélange de couleurs et tout ça Tout le reste peut être relégué au second plan. C'est donc le meilleur moyen de se débarrasser d' une grande partie de ce bruit supplémentaire. Comme nous l'avons dit, n'oubliez pas de faire correspondre ces valeurs à ce qui les entoure et d'utiliser un pinceau plus doux. Utilisez un pinceau plus petit ou un pinceau plus doux ou plus léger. Ensuite, il suffit de le rendre moins abrasif. Réduisez le contraste. Et ça va aller, ça va bien se passer pour vous, ça va vraiment attirer l'attention du spectateur ou faire en sorte que l'œil du spectateur soit attiré là où vous voulez qu'il aille. Ce qui est le plus important. Oui. Maintenant, je continue à le faire comme sous un éclairage. La bonne règle en matière d'éclairage et de lumière. Vous vous demandez peut-être comment avez-vous appris à utiliser une orange là-bas et peut-être une petite orange au milieu du train de roulement, la forme la plus grande au niveau supérieur Ou comment savez-vous quelle couleur choisir ? En gros ? Et une règle très facile à retenir. Cela semble évident, et c'est parce que c'est évident. Mais c'est quelque chose que nous ne considérons pas nécessairement comme une affaire à part entière. Si quelque chose fait face à une source blanche, il capte une partie de la source lumineuse. D'accord ? La version que je dis toujours est si c'est face à la lumière, elle reçoit la lumière. C'est pourquoi nous utilisons la couleur orange sur le dessous du chemin qui monte, au milieu, c' est parce que cela met en corrélation ces deux éléments avec le fait qu'ils se est parce que cela met en corrélation ces deux éléments avec le fait qu' trouvent sur le même plan La seule raison pour laquelle il capterait une lumière orange en bas est qu'il s'agit lumière presque orange au sol. Est-ce que cela a du sens ? Nous relions donc ces deux idées en utilisant la similitude, c'est-à-dire l'orange. Mais en gros, même si nous revenons aux valeurs, c'est juste que la partie inférieure est plus claire que la partie centrale est foncée. C'est votre zone la plus sombre parce qu' elle ne reçoit pas vraiment de lumière de nulle part. Et puis la partie supérieure sera un peu plus bleue parce qu'il y a cette jolie étrange cheminée imaginaire. C'était vraiment ça. Si la base est la lumière, si vous regardez la lumière, elle reçoit la lumière. Maintenant, je suis juste en train de vignetter un peu plus. Je l'ai essayé avec un pinceau à nuages et je n'ai pas aimé son apparence. J'ai répondu : « Oh non ». Je viens donc de recevoir la brosse ronde douce. Ensuite, j'ai littéralement contourné les bords de la toile dans un mouvement circulaire et j'ai tout assombri Il suffit de l'assombrir. Je voulais commencer à me concentrer un peu plus sur les détails du premier plan. Vous pouvez donc me voir gagner l'argent avec des pinceaux ronds et commencer à créer d' autres formes Et c'est juste pour donner cette impression de rochers. C'est pour donner l'impression d'un rebelle sur le sol ou simplement pour donner une sorte de texture. Et remarquez que je ne parle même pas de texture en ce qui concerne un pinceau à texture, c'est juste de la texture. C'est juste qu'il y a du bruit ici, des coups de pinceau. Il y avait quelque chose à regarder. N'oubliez pas que nous avons parlé de détails plutôt que d'absence de détails. En ce moment. Je vais juste faire de petits ajustements dans les détails. Je choisis la couleur. J'utilise le curseur de valeur. Ici. Je voulais assombrir un peu cette zone. Je pense que je vais un peu trop honnêtement. Je crois que je m'en éloigne un peu aussi. Je vais le redécouper avec briquet, donc parce que je voulais vraiment que ce truc de cheminée le plus haut apparaisse un peu Donc, la meilleure façon de le faire est obtenir une luminosité limitée au lieu d'être assez proche du blanc pur. Un petit peu de ça. Vous ne pouvez donc pas obtenir une luminosité plus brillante que le blanc pur. Le secret est donc qu'au lieu de le rendre plus clair, faut assombrir ce qui l'entoure. Tu sais ce que je mange ? N'oubliez pas que tout est relatif, que tout est dans le contexte. Et c'est exactement comme ça que tu dois penser. Vous avez une capacité limitée pour la lumière et l'obscurité. Je suis juste en général. Donc, si quelque chose est assez léger, pouvez-vous vouloir qu'il soit plus léger ? Ne vous inquiétez pas vraiment de le rendre plus léger. J'ai juste peur de faire noircir tout ça. Il y a un comédien, il s' appelle Mitch Head Bird. Il est décédé depuis un moment. Mais il avait vraiment un excellent travail. Et il m'a dit : « Je pourrais m'élargir les dents ou simplement me faire bronzer » Et je me suis dit que c'était un parfait exemple de cette idée selon laquelle il suffit de changer les choses et vous obtiendrez le résultat malgré tout. Oui, je suppose que le terme technique utilisé pour cela reviendrait presque à travailler dans un espace négatif. Pense à tout ce qui l'entoure, pas à ce truc. Mais il y a tellement de façons différentes. C'est tout ce qui nous rend si bons dans le vrai pouvoir de tout cela. Et je sais qu'il nous reste environ 6 minutes avant la fin de la vidéo Je vais donc commencer à terminer le cours espérant que cela vous facilitera un peu les choses , car cela vous apprendra à diviser votre propre processus en étapes répétables et réalisables Plus vous pouvez le réduire à un menu. C'est presque une recette. C'est comme si vous deviez préchauffer le four. Tu dois préparer ça, tu dois faire ça. Tu dois les mélanger, puis tu les mets dedans pendant ce laps de temps et puis c'est fait. C'est presque exactement ce que vous faites avec Art. Il faut que tu trouves l'idée. Tu dois t' assurer qu'il se lit bien. J'espère donc que tout ce fournisseur d'idéation et de formes pourra valoriser, puis passer à la couleur Ensuite, une fois que tout cela est établi, commencez par votre dossier. Vous remarquerez que cela semble très différent, très différent qu'il était au début de cette vidéo Timelapse. Comme si vous pouviez montrer cette première petite image puis cette image et son poids, accord, ça a dû prendre une infinité d'heures de différence. Mais chaque décision que nous avons prise jusqu'ici, déesse ici, nous a fait comprendre que cette déesse ici, nous a fait comprendre que zone médiane devait être un peu plus reléguée au second plan. Nous avons donc dû ajuster la valeur. C'est exactement ce qu'il faut pour travailler à la composition. Au milieu, la zone centrale avec la lumière blanche juste là. Maintenant, il n' y a plus rien au milieu d'une boîte ou d'une personne ou quoi que ce soit d'autre. Mais c'est parce qu'il n'en a pas besoin. C'est une question d'environnement. Il ne s'agit pas de ce qu' il y a au milieu. Vous pouvez apporter des changements radicaux de ce type et c'est bien parce que les changements sont éclairés Vous prenez ces décisions et ces changements parce que vous avez fait preuve de diligence raisonnable en suivant les étapes préalables pour savoir ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas. C'est ça, les gars secrets. Je sais que c'est un cours de paysage, mais cela fonctionne pour les portraits. Cela fonctionne pour la conception de votre personnage imaginaire. Peu importe si vous avez votre propre structure que vous commencez à suivre et qu'elle fonctionne pour vous, utilisez-la. C'est le mien. Je le fais pour chaque peinture que je fais. Je commence par un croquis, puis je saisis d' abord les valeurs, puis j'ajoute des éléments de couleur, puis nous procédons au rendu , non ? Mais c'est après des années passées à peindre chaque jour. Ce n'est pas exagéré. En fait, en 2020, je peignais deux fois par jour. Je crois que j'avais près de 700 tableaux. Et ce n'est pas un Bragg. C'est juste pour rattraper le temps perdu. Je suis allée à l'école d'art , puis j'ai abandonné mes études et je n'ai plus fait d'art. Je n'ai même pas pris de crayon pendant 12 ans. Puis j'ai retrouvé ma passion. Je voulais aller de l'avant. L'une des GoPro a réussi à devenir professionnelle, par exemple en étant embauchée pour un studio ou en tant que freelance dans un studio Puis je me suis dit : « Oh, j'ai 12 ans à rattraper. Alors j'ai juste fait du colportage avec le métal, je me suis lancé. Tu n'es pas obligée de faire ça. Croyez-moi, je recommande de ne pas le faire d'ailleurs. Mais c'est exactement comme nous en avons parlé tout à l'heure. C'est juste le moment où l'on est sous pression. C'est le temps passé, ce sont les connaissances acquises. Et le log se résume à cela : il suffit de l'utiliser et 8. Outro: C'est un rap. Félicitations, vous avez atteint la fin du cours. J'espère que vous avez trouvé bon nombre de ces conseils et astuces utiles. En fait, il s' agit simplement de vous assurer que vous vous préparez à réussir tôt. Vous pouvez donc commencer par vos formes d'idéation. Vous avez votre mood board, vous retrouvez dans la zone et vous commencez à rédiger les bases de Boyden. L'idée est que chaque fois que vous trouvez cette partie, vous passez à vos valeurs Assurez-vous de pouvoir y intégrer ces lumières et ces zones sombres pour pouvoir lire l'article le mieux possible avant de passer à la couleur Appliquez votre couleur en vous assurant qu'elle crée vraiment cette ambiance. Ensuite, passez à votre rendu final, une fois que vous êtes satisfait de tous les choix que vous avez faits à partir de là. Comme je l'ai dit, nous l'avons fait avec une peinture de paysage pour ce tableau, mais cela fonctionne en fait pour tous les types de papiers. N'hésitez donc pas à utiliser cette méthode. Et le meilleur, c'est qu'une fois que vous avez défini cette méthode, vous pouvez la modifier, la changer. N'oubliez pas que cette méthode vous appartient désormais. Fais ce qui te rend le plus heureux, fais tout ce qui te permet d' obtenir les résultats que tu souhaites Et j'ai hâte de voir ce que tu vas faire avec ça. Mais je m'appelle West Gardner. Je n'ai pas été ton professeur. Ça a été un plaisir. Vous pouvez aller me voir chez Western Gardner point Art. J'y ai toutes sortes de liens. Donc, si vous voulez me dire bonjour ou me montrer sur quoi vous travaillez, j'adorerais avoir de vos nouvelles et j'ai hâte de voir ce que vous allez faire avec toutes ces techniques de paysage sympas que vous verrez la prochaine fois Au revoir