Techniques de composition musicale 2 : tension et relâchement | J. Anthony Allen | Skillshare
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Techniques de composition musicale 2 : tension et relâchement

teacher avatar J. Anthony Allen, Music Producer, Composer, PhD, Professor

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Bienvenue et introduction

      5:07

    • 2.

      Pourquoi la tension et la libération

      3:02

    • 3.

      Outils de révision

      2:47

    • 4.

      Processus d'examen

      2:52

    • 5.

      Long terme et court terme

      8:06

    • 6.

      Formulaires

      3:05

    • 7.

      Des formes qui créent du drame

      4:44

    • 8.

      Définition de forme d'une sonate

      2:11

    • 9.

      4 éléments de forme sonate

      8:58

    • 10.

      Exemple de forme de sonate

      16:35

    • 11.

      Utiliser la forme de la sonate pour la tension

      5:41

    • 12.

      Utilisations modernes de la forme et de la tension

      1:55

    • 13.

      Muse : mouches et ouragans

      10:21

    • 14.

      Compteur et tension

      4:54

    • 15.

      Préoccupations stylistiques

      7:36

    • 16.

      Compteurs composés

      3:09

    • 17.

      Alterner des compteurs composés et des compteurs en duvet

      6:07

    • 18.

      Motifs rythmiques

      7:39

    • 19.

      Obfuscation des motifs

      7:36

    • 20.

      Exemple : glas

      5:16

    • 21.

      Exemple : Aporia

      4:03

    • 22.

      La cononance et la dissonance

      8:23

    • 23.

      Dominante prolongée

      6:42

    • 24.

      Résolution accentuée

      5:29

    • 25.

      Teintes de pédalier

      9:15

    • 26.

      Longues résolutions de tons de pédalier

      3:38

    • 27.

      Teintes de pédalier pour les voix élevées

      7:08

    • 28.

      Exemple : Ventolin

      6:25

    • 29.

      Combiner les techniques

      7:38

    • 30.

      Exemple : Kinesthésie, mouvement 7

      10:40

    • 31.

      Exemple d'intersections d'un film

      5:55

    • 32.

      Composer pour les films

      3:14

    • 33.

      Bientôt : musique de film

      1:13

    • 34.

      Merci et au revoir !

      1:26

    • 35.

      SkillshareFinalLectureV2

      0:36

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

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À propos de ce cours

Lorsque la plupart des gens pensent à un compositeur, ils imaginent quelqu’un assis dans un grenier poussiéreux avec un piano à queue, une grande perruque blanche, et l’année est 1800. Cela aurait pu être exact à l’époque, mais le compositeur moderne est juste comme vous et moi. En fait, j'en suis un. 

Dans ce cours, je vais vous montrer des techniques que j'utilise pour écrire de la musique dans une variété de styles et de situations. J'ai travaillé avec de grands orchestres américains, des studios de cinéma et des concepteurs de jeux vidéo, donc j'ai plus qu'un peu d'expérience. Je suis également un doctorat en composition musicale et un professeur universitaire (composition musicale). 

Récemment, j'ai été nommé en tant que demi-finaliste pour le prix de l'éducateur musical de l'année de la Fondation Grammy en raison de mes cours universitaires en personne. Maintenant, je prends ces cours à Skillshare dans un format en ligne pour atteindre plus d'étudiants et leur donner la joie de la théorie musicale.

Je prévois de faire plusieurs sections  de ce cours, et ce sera la deuxième partie. Au fur et à mesure que le cours grandira, nous allons aller de plus en plus loin dans mes techniques. Ce cours est axé sur la création d'un sentiment de tension et de libération : l'une des notions les plus fondamentales de la composition musicale.

Dans ce cours, nous aborderons les éléments suivants :

  • Mes antécédents et écouter une partie de ma musique
  • Pourquoi la tension et la libération ?
  • Outils du métier : Logiciel
  • Outils du métier : crayons et papier fin
  • Tensions à long terme et à court terme
  • Utiliser la forme pour la tension et la libération
  • Des formes qui créent du drame
  • Forme de la sonate
  • Les 4 éléments de la forme
  • Exemple : Mozart, Sonate au clair de lune
  • Composer avec une forme sonate
  • Utilisations modernes de la forme sonate
  • Exemple : muses, mouches et ouragans
  • Tension et libération avec un mètre
  • Compteurs composés
  • Signatures de compteurs
  • Alterner des compteurs composés et des compteurs doubles
  • Utiliser le rythme pour changer les attentes
  • Motifs rythmiques
  • Obfuscation des motifs 
  • Exemple : Philip Glach et la bande originale de Truman Show
  • Exemple : Allen, Aporia
  • Utiliser l'harmonie pour la tension et la libération
  • La cononance et la dissonance
  • Prolonger la dominante
  • Résolution accentuée
  • Teintes de pédalier
  • Des tons de pédalier en mouvement
  • Exemple : Twin Aphex, Ventolin
  • Combiner des techniques multiples
  • Exemple : Mozart, Sonate en ut
  • Exemple : Allen, l'ange du repos
  • Musique de film et signes de tension
  • Composer pour les films
  • Beaucoup plus, beaucoup plus ! 

Et bien sûr, une fois que vous vous êtes inscrit à cette section  du cours, les sections futures vous viendront à des rabais importants ! Plus de la moitié pour toutes les sections futures !

Vous n'aurez pas une autre occasion d'apprendre la composition musicale de manière plus complète. Commencez ici.

Jason Allen est un entraîneur certifié par Ableton, et un doctorat en composition musicale et maîtrise les sons électroniques. Sa musique a été entendue dans le monde entier dans les films, la radio, les jeux vidéo et les sons industriels, ainsi que dans la salle et le théâtre. Son album de 2015, Aniscorcia, atteint le Top200 Charts et des émissions radio à l’échelle nationale. En 2014, il a été nommé demi-finaliste pour le Grammy Music Educator Award.

Il est actuellement professeur adjoint de composition à l’Université de St. Thomas et PDG de la Slam Academy à Minneapolis.

Éloge des cours du Dr Jason Allen :

  • "Sans aucun doute la meilleure explication et l'essentiel de l'utilisation que l'on peut obtenir. Cela vous laisse suffisamment de place pour explorer. Les cours sont rapides pour que vous puissiez être sur votre chemin pour être compétent. Qu'attendez-vous ! "
  • "Incroyable - J'ai adoré ça ! J'ai pris tous ses cours et je suis tellement heureux ! Des charges apprises ! Jason est un enseignant formidable ! »
  • « Je n’ai jamais eu de formation musicale formelle. Essayer d'apprendre toutes les notes et comment tout était traduit était un défi sérieux. Après avoir suivi ce cours, le Dr J a totalement fait tomber les barrières. Le texte était très utile et facile à comprendre."
  • "J'aime ces cours parce que vous pouvez vous mettre rapidement à jour sans avoir à passer des heures à patauger dans TMI (trop d'informations !). Jason atteint les points forts, mais vous montre ce que vous devez savoir. Merci ! »
  • « J’ai regardé beaucoup d’autres vidéos sur les gammes et les accords, mais celle-ci a été la meilleure. Je comprends maintenant les gammes et les accords mineurs et même comment analyser les chansons. Cela m’a vraiment donné la confiance pour commencer à produire de la musique parce que j’ai une structure et des directives à suivre. INCROYABLE ! »
  • « Clair et instructif – Jason a un style de présentation clair et non encombré (avec des touches importantes d’humour) qui est axé sur les aspects clés importants de ce cours. Recommandé pour les débutants ! »
  • "Dr. Allen le fait encore avec sa série de théorie musicale. Ce cours a vraiment ouvert les yeux sur tout ce que j'ai appris de la 1ère section, et maintenant je comprends mieux le côté composition pour la musique. Je recommande vivement ce cours à tout le monde ! ! ! J'ai vraiment ouvert les yeux sur beaucoup de choses dont je n'étais pas au courant."
  • "Le meilleur professeur de tous les temps, qui vous fait comprendre les tenants et les aboutissants de la théorie musicale par tous les moyens sans donner ce que vous ne voulez pas savoir."

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Teacher Profile Image

J. Anthony Allen

Music Producer, Composer, PhD, Professor

Enseignant·e

Dr. J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of "glove" controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he's not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation's Music Educator of the Year.

J. Anthony Allen tea... Voir le profil complet

Level: Beginner

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Transcription

1. Bienvenue et introduction: Ok, Ensuite, parlons du sujet de ce cours, qui est la tension et la libération. Maintenant, c'est ce que j'ai trouvé pour une façon assez large de rassembler tous les sujets dont nous allons parler dans ce cours. Donc, cela ne veut pas dire que tout ce dont nous parlons dans ce cours sera créer des tensions. La tension implique un certain type de musique, non ? Ce n'est pas exactement vrai. La tension et la libération sont l'une des techniques de composition les plus fondamentales que nous ayons. Ce que cela signifie, c'est que nous voulons faire quelque chose qui donne un sentiment d'absence. Ce qui a vraiment à voir avec c'est le genre de polarité de la musique étaient dans un certain genre de musée. Mais tu comprends le point. C' est cette note qui va en quelque sorte là-dedans, et ça change toute la sensation de ça. Ça peut devenir , sinistre, selon la note que vous utilisez. Nous utilisons le dominant, donc il a un peu Ah, un malaise. Maintenant, j'ai ce g qui vient de pulser sur le battement off. Je vais passer ça à travers tout ce truc sanglant. Ne vous inquiétez pas, je ne vous obligerai pas à écouter ce long et long truc à nouveau. Je veux juste en avoir le sens. Ok, Donc maintenant, effectivement, ce que j'ai c'est un ton de pédale ici. Le ton de la pédale ne se maintient pas éternellement parce que je n'ai pas autant de soutien. Hé, tout le monde, Bienvenue, Teoh. Ma séquence de composition. Séquence de composition musicale Deuxième partie axée sur la tension et la libération. Alors plongons juste dans et laissez-moi vous dire pourquoi vous vous souciez de la libération de tension. Tout d'abord, c'est quelque chose qui est fondamental pour toute écriture de musique. C' est quelque chose qu'on pense tout le temps. Donc, ce que j'ai fait dans ce cours, c'est que j'ai pris tout un tas de techniques de composition que j'utilise tous les jours et que j'ai un peu pensé à comment un paquet ces tout à fait ? Quel est le fil commun ici ? Et ça crée un sentiment de tension et de libération. Il y a un tas de façons différentes de regarder ça et de le réaliser. Donc, dans cette classe, nous allons parler d'utiliser le rythme pour créer un sentiment de libération de tension ,bien sûr, bien sûr, en utilisant l'harmonie pour créer un sentiment de libération de tension, mais aussi en utilisant le compteur utilisant la dynamique en utilisant la forme pour créer ce sentiment de libération de tension. Et nous allons terminer à la fin de ce cours en appliquant ces concepts à musique de film. Et nous allons regarder quelques projets où ah compositeur a dû travailler avec un réalisateur qui avait son propre sentiment de tension et comment le compositeur l'a réalisé. Donc, c'est un cours vraiment amusant. J' en suis vraiment fier. Je pense que j'utilise le parapluie de la libération de tension pour introduire tout un tas de techniques de composition , de styles, styles, processus sur des façons juste que je fais les choses. Je vais vous montrer un tas de projets différents dans ce cours, un tas de morceaux de musique différents, des mines, d'autres gens et ah, pour ceux qui sont à moi. Quoi qu'il en soit, je parle de la façon dont je les ai faites et de ce qui me passait dans la tête, et pourquoi j'ai pris certaines de ces décisions autour de l'idée, créant un sentiment de tension, puis résolvant ce sentiment de tension avec la libération. J' espère que tu décides de te joindre à nous dans ce cours. C' est une tonne de plaisir. On pourrait faire beaucoup de choses vraiment cool et ça va t'aider. Ah, meilleur compositeur. Si vous êtes intéressé à écrire de la musique, c'est ainsi que vous le faites. Alors s'il vous plaît, sautez et nous vous verrons dans la première conférence. 2. Pourquoi la tension et la libération: Ok, Ensuite, parlons du sujet de ce cours, qui est la tension et la libération. Maintenant, c'est ce que j'ai trouvé pour une façon assez large de rassembler tous les sujets dont nous allons parler dans ce cours. Donc, cela ne veut pas dire que tout ce dont nous parlons dans ce cours sera créer des tensions. La tension implique un certain type de musique, non ? Ce n'est pas exactement vrai. La tension et la libération sont l'une des techniques de composition les plus fondamentales que nous ayons. Ce que cela veut dire, c'est que nous voulons faire quelque chose qui donne un sentiment d'absence. Ce qui a vraiment à voir avec c'est le genre de polarité de la musique étaient dans un certain genre de musique, et il veut avoir l'impression que ça va ailleurs. La tension veut orteil, avoir une libération. Donc, nous parlons toujours de Comment cette section de musique que j'écris veut-elle maintenant passer à la prochaine section de musique ? C' est une sorte de situation d'attention et de libération. Donc, dans la première classe de composition, nous avons parlé un peu de la forme et de la façon dont nous avons une section dans une section B et nous voulons que la section B complète la section A, mais aussi pour la faire sentir comme elle. Il bouge quelque part. Il se déplace dans une direction. Donc, dans cette classe, nous allons plonger plus profondément dans ça. Nous allons regarder cette idée de libération de tension, créer quelque chose qui a l'impression qu'il faut une résolution à quelque part ailleurs, non ? Comme se déplacer d'avant en arrière. C' est quelque chose que si vous définissez le mot, la tension est quelque chose que vous pouvez trouver dans n'importe quelle musique. C' est quelque chose que si vous définissez le mot, la Toujours, il y a toujours une relation de tension et de libération qui se passe dans toute la musique, quel que soit le genre partout. C' est vraiment juste pour créer du drame, non ? C' est vraiment juste pour créer du drame, Comme le drame est une question de tension et de libération. C' est ce que ah est comme la définition du drame pour moi de toute façon, donc dans cette classe, on va parler de ah, en utilisant nos principaux outils musicaux pour atteindre ce sentiment de tension et de libération pendant que nous écrivons. Donc on va parler d'utiliser la forme pour créer une libération de tension. On en a parlé un peu en première classe, mais on va aller plus loin dans cette classe. On a parlé de l'utilisation d'un compteur pour créer une tension. On va parler de rythme, harmonie Ah, et ensuite de techniques pour combiner tous ces éléments ensemble pour faire de la tension et de la libération. Alors ne pense pas à ça comme faire de la musique de tension comme des trucs effrayants. C' est vraiment à propos de cette idée de polarité. Quelque chose veut toujours aller ailleurs. Nous sommes toujours en mouvement pour créer du drame dans la musique. C' est ce qu'est cette classe, et c'est ce que signifie la libération de tension. Donc, avec cela étant dit, plongons dans la discussion sur les outils dont vous pourriez avoir besoin pour ce cours. 3. Outils de révision: Ok, euh, des outils. Tu m'as déjà entendu parler de ça dans l'autre classe. Et si tu suivais les cours de théorie de la musique Ah. Puis tu m'as entendu parler beaucoup de ça au début de tout le monde, mais je veux que ça soit très clair. Hum, certains des outils auxquels je pense que vous devriez avoir accès pour réussir dans ce cours. Heureusement pour toi, les deux outils principaux dont je vais parler sont tous les deux gratuits. Donc, le 1er 1 vous devriez avoir un morceau de logiciel. Un logiciel que nous appelons un éditeur de notation est un peu le nom large de ces logiciels. Je vais utiliser. Celle-ci s' appelle Muse. Score est le nom de l'application est un programme gratuit. Vous pouvez le télécharger sur muse score dot orig. En fait, c'est plutôt génial. il Ce qu'ilnous permet de faire, c'est d'entrer des notes. On peut déplacer des notes. Nous pouvons ajouter des notes. On peut le rejouer. On peut entendre ce qu'on fait. Hum, on conteste certaines choses. On peut ajouter un tas d'articulations et de dynamiques et vraiment écrire de la musique. C' est différent de votre programme audio principal que vous pourriez avoir si vous aimez, genre,un logiciel audio. C' est différent de votre programme audio principal que vous pourriez avoir si vous aimez, genre, aimez, genre, Si vous êtes et un logiciel audio, peut-être que vous avez des outils pro. Peut-être que vous avez la logique de vivre. C' est un peu différent. Il s'agit d'un programme conçu pour la notation musicale. Donc, je recommande fortement d'obtenir cette application. Vous marquez les deux autres types de gros sont Finale et Sibelius. Ah, ces bons programmes pour, euh, ils sont un peu chers, donc je vais utiliser celui-ci juste parce que j'aime utiliser des outils gratuits chaque fois que possible. Alors vérifiez ce programme. C' est vraiment génial. Il existe pour le dos et le PC et assez sûr alors téléchargez-le et utilisez-le. L' autre chose que vous devriez avoir juste pour griffonner des notes et des choses est juste un bon papier de bâton à l' ancienne, juste les cinq lignes sur ce personnel. Donc je vais vous donner ah, feuille de ça dans le prochain petit segment, je vais vous donner un pdf téléchargeable de quelques papiers, donc imprimez comme cinq ou six feuilles de ça et gardez-le juste à côté de votre ordinateur pendant que vous êtes regarder ces vidéos. Il est pratique d'avoir ce genre de papier pour que vous puissiez simplement noter des notes très rapidement. Et aussi, si tu veux, tu sais, aller dehors et grimper aux arbres. Alors, euh, vous pouvez prendre ça avec vous et simplement griffonner les droits et la musique. Nous en parlerons plus dans une seconde quand nous parlerons de ah, processus, qui va passer maintenant. Donc, dans la prochaine chose vous donnera du papier du personnel à télécharger. Et après cela, nous irons à, ah peu de revue sur certaines des idées de processus dont nous avons parlé dans la première classe de composition . Révision si rapide. Et puis nous arrivons à la viande et aux pommes de terre les bonnes choses. 4. Processus de révision: Donc le premier cours de composition, euh, qu'on avait celui juste avant celui-ci. J' ai beaucoup parlé du processus, et j'ai pensé que je ferais juste un petit examen à ce sujet. Ah, puisque nous pourrions construire une partie de ça dans cette classe. Alors, dans cette classe, je t'ai donné beaucoup d'idées pour ce que je fais pour commencer. Ah, l'idiot de Sharp Trick à venir avec de la musique programmée. Rappelez-vous, la musique de programme, c'est comme , euh, nous essayons de raconter une histoire avec de la musique, donc nous utilisons beaucoup de métaphore, choses comme ça. Croquis de personnages et écriture libre. C' est probablement mon préféré que je veux vous transmettre dans cette petite session d'examen rapide . N' aie pas peur de prendre toutes ces techniques dont on parle et de le mettre mentalement decôté une seconde et de laisser libre cours à votre cerveau et de commencerà écrire. N' aie pas peur de prendre toutes ces techniques dont on parle et de le mettre mentalement de côté une seconde et de laisser libre cours à votre cerveau et de commencer C' est génial d'avoir toutes ces techniques et de connaître toutes ces choses différentes qui allaient faire. Mais c'est aussi la chose la plus bénéfique de simplement se détendre et écrire de la musique et juste suivre votre cœur. Laisse ça arriver et peut-être y retourner et dire, Oh, Oh, j'ai eu de la bonne musique. Il y a de la bonne musique là-bas. Comment puis-je éditer cela et utiliser les techniques que je connais et transformer cela en quelque chose get N'ayez pas peur de le faire. Tout n'a pas besoin de suivre ces règles ou toutes les règles. Sa composition. C' est un art, non ? Donc, vous créez toujours et rien que vous ne savez noter que vous pourriez écrire peut être appelé mal parce que vous êtes le créateur. Alors n'oubliez pas que tout ce que vous écrivez est correct. Les techniques que je vous montre dans cette classe sont des choses qui se sont avérées bonnes et peuvent vous aider à écrire quelque chose qui sonne vraiment bien. Plus rapide. Mais ah, si tout le monde suivait toujours toutes les règles tout le temps, nous aurions la même musique pendant les 500 dernières années. Et nous ne le faisons pas parce que les gens enfreignent les règles. C' est là que l'innovation se produit. Alors prenez toutes les règles que je vais vous donner dans toutes les idées que je vais vous donner et traitez-les, mettez-les dans votre cerveau. Mais alors, quand tu écris, laisse-toi juste être libre. Laisse-toi aller grimper un arbre et écrire de la musique et enfreindre les règles si tu veux. N' oubliez pas que c'est un art avec lequel nous travaillons ici. C' est la chose la plus importante dont vous devez toujours vous souvenir. Personne ne peut te dire que tu as tort. D' accord avec cela, commençons à parler de notre premier grand sujet, qui est formé tension et libération sous forme ou, en d'autres termes, utiliser la forme pour créer un sentiment de tension et libérer Off on va. 5. Long terme et durée court: Ok, donc, euh, quand il s'agit de la forme, de la tension et de la libération, je veux parler de la forme de deux niveaux différents. Je vais utiliser ces boîtes pour représenter les différentes sections d'un morceau de musique. Alors appelons la boîte rouge dans une section. Donc je vais juste assembler un morceau ici. Donc, pour chaque section, ce à quoi nous pensons, c'est comme, si c'était une chanson pop, on pensait à une section ou un de ces blocs était hostile, un autre était un choeur, un autre être un pont. Si c'était un style de paix plus classique, nous serions section universitaire ce pourrait être la section a section B, la section C. Différentes mélodies peuvent être dans leur propre section, différentes progressions de base et genre de le faire. Comment fonctionne toujours le mieux. Mais l'essentiel est que si vous imaginez que ce bloc est un morceau de musique et que ce bloc est un morceau de musique, ils se contrastent en quelque sorte. Donc, cela arrive et puis cela arrive et ils sont contrastés. Ok, donc voici ce que je veux dire par les différents niveaux. Disons que la section rouge arrive, et ensuite on va faire notre section bleue. Et puis disons que nous allons refaire notre section rouge, puis peut-être notre section bleue à nouveau, et ensuite notre section verte pour quelque chose de différent, puis lire la section à nouveau et la section bleue . Ok, c'est une paix parfaitement normale. C' était une chanson pop. Ça aurait un bon sens. Verset, choeur, verset, choeur, pont, verset, choeur. Ok, plutôt bien. Donc, l'aspect de tension et de libération ici est entre chaque section. Chaque fois que la couleur change, nous avons un contraste qui fait un peu d'une sortie. Nous voulons que cela donne l'impression que cela va à cela, et nous voulons que cela se sente confortablement dans ceci et ceci, et le rouge va dans le bleu. Le bleu va dans le vert, le vert dans le rouge et le rouge dans le bleu, non ? Plus facile à dire qu'à faire. Mais c'est comme ça qu'on veut que ça se sente, pour que ça progresse toujours le long de la peur de ce mec vert flottant là-haut . Maintenant c'est un niveau, mais regardons ça d'une manière légèrement différente, donc je vais copier tout ça. Et prenons ça ici. D' accord ? J' ai donc redoublé dans une nouvelle pièce. Donc la même affaire, rappelez-vous, tout est sa propre section, et nous avons ce premier verset de cours, choeur, pont, premier choeur. OK, mais maintenant regardons ça un peu différemment. Je vais faire un nouveau bloc. Et colorions celui-ci. Quelque chose qui se démarque est difficile à faire avec ces couleurs d'Enfants. Peut-être juste noir. Ok, on va juste utiliser du noir. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va prendre un pas en arrière de tout ça, et au lieu de regarder chaque bloc comme leur propre truc, on va regrouper certaines choses ensemble. Ok, donc ce que j'essaie de représenter ici, c'est que cette boîte noire est dans une section et sur la section B , donc j'ai un pas en arrière. Donc maintenant ce que j'ai est une répétition de la section A B ou de la boîte noire, quelque chose de différent ici, et puis ceci. Donc, en d'autres termes, faisons ça à partir de zéro ici. Fais juste ça une boîte normale. En d'autres termes, je l'ai. Ok, alors laisse-moi traverser ça une fois de plus. Ça aurait pu être déroutant. Donc boîte rouge et verset boîte bleue et choeur, non ? Celles-ci sont toujours appariées ensemble. Alors, prenons un peu de recul et considérons cela comme une seule chose. Puisque le rouge et le bleu sont toujours appariés ensemble, on va penser à ça comme une seule unité. C' est donc une section A. Appelons ça les deux ensemble. Cela fait toujours de cette boîte verte la boîte impair. Mais quand je pense à ce sujet comme ça maintenant donc j'ai ce quelque chose de différent que ça. Maintenant, mon élément de tension est plus parce que j'ai cette répétition. On a entendu ça un tas de choses, et ça devient plus impactant. Alors j'y réfléchirais pendant que j'écris. Je pense à comment ces deux pièces ensemble peuvent-elles en faire plus une version quand on y arrivera ? Tout droit sur. Et il y a des éléments musicaux que nous pourrions faire pour cela. Et on va parler de ceux qui sont nés quand on parle d'harmonie. C' est la principale façon dont je le ferais. Mais, hum, faisons un de plus. En utilisant la même idée avec la boîte noire. Oups. J' ai pas tout copié. Ok, maintenant quoi ? Nous savons ici, à partir de cette petite expérience, que lorsque les sections se répètent, cela ajoute à l'attention. Donc ça va être plus intense que s'il n'y en avait qu'un. Donc, par cette même logique, je peux faire cette paix étrange cette section étrange de la musique, je me sens encore plus fort si je veux que ce soit encore plus grand quand on y arrivera, ce que je peux faire est ça Ok, Qu'est-ce qu'on a maintenant ? Nous avons ceci une section qui est en fait deux sections à l'intérieur de celui-ci. Mais la section qu'on appelle ça la boîte noire. Appelons ça la boîte noire quatre fois qui continue d'aller et d'aller et d'aller . Et enfin, on obtient quelque chose de différent. Ça va être une version très satisfaisante. Cela ne veut pas dire que vous devriez toujours répéter tout quatre fois, mais la paille, plus vous le répétez, plus fort. Cette libération va être correcte. Alors gardez ça à l'esprit. Donc c'est une sorte de deux niveaux de choses. Ah, nous pouvons considérer les choses comme des sections individuelles, mais nous pourrions aussi revenir à un niveau et regarder et aimer les sections ensemble et les regarder comme une sorte de grande section. Et puis notre genre de pièces bizarres se démarquent un peu plus. Alors gardez ça à l'esprit au fur et à mesure que nous avançons, surtout cette idée de répétition pour attirer plus d'attention et ensuite faire une plus grande sortie. Alors gardez ça à l'esprit au fur et à mesure que nous avançons, surtout cette idée de répétition pour attirer plus d'attention et ensuite faire une plus grande 6. Formes que nous connaissons: accord, avant d'aller trop loin dans les mauvaises herbes sur les formes, faisons un rapide examen des formes dont nous avons parlé dans la dernière classe, qui consistaient principalement à la réforme interne de forme binaire. Alors utilisons mes petites boîtes ici. Teoh. Parle d'eux. Appelons cette boîte rouge dans cette boîte bleue B et la boîte verte. Voir. Donc, sous forme binaire, nous avions dans une section et une section B, et ce que nous faisons en binaire est que nous faisons typiquement le A deux fois, puis le être deux fois. Et puis c'est la fin. Donc, a. B um, parfois nous écrivons que comme un B avec une répétition autour d'elle, avec la répétition autour de chaque lettre, donc un répété être répété. Donc c'est la forme binaire A A B B. Celui-ci n'est pas fantastique pour l'attention pour cette tension et la libération. Ce n'est pas une bonne forme pour créer du drame, c'est seulement un grand genre de changement est entre ce A et ça, et la répétition est un dans A. Donc il y a un peu là, donc ça pourrait laisser une sorte de changement ici, mais elle tend à être courte. Il a tendance à ne pas avoir beaucoup d'impact dramatique. Regardons une forme urinaire de la réforme de l'Internet. Nous avons un puis être puis un nouveau, donc un B A. Que l'on ne prête pas non plus à beaucoup de changements dramatiques n'est pas beaucoup de tension et de libération disponible dans le formulaire A B A. Donc, ce que nous avons ici, c'est que vous savez, nous avons un changement ici entre A et B, et puis nous avons encore un changement entre B et A. Mais, hum, il n'y a pas beaucoup de temps passé là-dessus. R. Il n'y a pas de répétition d'un, euh, et encore une fois, il a tendance à être assez court. Habituellement, la relation harmonique signifiant que la progression du noyau est un 51 entre les deux, donc cela peut commencer sur un accord et se terminer sur un accord de cinq. Et puis ce serait dans les cinq accords, qui est bon mais pas génial à ce sentiment de libération quand nous arriverons à la section B ici. Alors que ces deux formes sont géniales, elles ne font pas une tonne pour un sens plus dramatique de la musique. Aussi, notez que la section R C ici sont boîte verte n'a pas été utilisé dans aucun de ces, sorte que l'on est en quelque sorte éteint sur son propre. Parlons donc de formes qui se prêtent mieux à plus de drame. Ah, et plus d'attention et de libération dans notre musique. Passons à une nouvelle vidéo et parlons de certains de ceux en particulier sur lesquels je veux passer un peu de temps. 7. Formes qui créent le drame: Donc, dans ce prochain couple de vidéos, nous allons parler d'une de mes formes préférées pour créer un sentiment de tension et de libération, et libération, c'est quelque chose appelé Sonate Form. On en parlera dans une seconde. Mais je veux d'abord vous dire pourquoi Sonate Form fonctionne, et ensuite je vais vous dire pourquoi j'aime Sonate Form. Prenons cette forme binaire et voyons si on peut la transformer en une forme avec plus de drame. Donc, la clé à retenir ici est que vous aurez toujours une meilleure idée de la libération plus longtemps que vous prolongeez la version, donc si elle est prolongée, elle aura plus d'impact. Alors faisons ça. Débarrassons-nous de cette répétition. Donc maintenant nous avons un tronçon B qui dehors et faire ce genre de regarde ce que j'ai fait avant. Faisons un autre A. Donc maintenant, nous avons un A A A A B Maintenant être est plus puissant parce que les trois A qui l'ont précédé ont créé plus d'attention, et ensuite nous obtenons le B comme sortie. Si je fais cela maintenant, le B est encore plus puissant parce que j'ai quatre une section, donc plus Aiken DeLay cette section B est longue, plus elle devient puissante, plus elle percutante, plus elle est libérée. Maintenant, en plus de tout ça, vous devez penser à, euh, créer une pièce de musique vraiment monotone. Donc, ce n'est pas quelque chose que je pourrais vraiment vouloir écrire, parce que je répète juste quelque chose cinq fois et ensuite je fais une section B qui va faire une résolution vraiment puissante ici quand nous arriverons à la section B, mais au coût d'avoir peut-être un tas de musique vraiment ennuyeux menant à elle à cause de toute la répétition. Donc ce que vous pouvez dio est ce que nous appelons ah prime. Nous avons donc une section A. Mais disons que nous avions aussi dans une section prime lorsque vous utilisez le mot premier informer. Cela signifie que c'est la section A, mais légèrement modifiée. Faisons ça comme une couleur saumon, non ? Donc, cela signifie que cette autre chose que nous allons appeler un premier est en fait le matériau de section A, mais avec quelques changements à cela. Donc dans ce cas, ce que nous pourrions faire est un A, et ensuite nous ferons comme dans un premier et un autre un premier. Donc maintenant j'ai une certaine diversité dans tout ça, une entrée dans mon B, non ? Donc, il peut fonctionner vraiment bien de cette façon où vous pouvez créer ah diversité dans toute cette répétition et encore faire beaucoup de drame menant et d'être ainsi Ce serait appelé un. Ce serait appelé un. Ce serait appelé un premier. Cela s'appellerait un « premier ». C' est comme une variation d'un fondamentalement, et vous pouvez le faire sur B deux et C vous pouvez être premier. Voir Prime. Tu verras tout ça sous peu. Regardons celui-là. Comment pourrais-je rendre ça plus dramatique ? Vous savez, une façon de le faire juste pour faire quelque chose de différent, B, je pourrais prolonger ça pourrait même être plus dramatique que de prolonger un dans un sens, parce que l'auditeur entend la musique A et ensuite les sections b de quelque chose de différent, et puis b et B puis B et ils sont comme, quand est-ce que le a venir ? Et ils vont avoir le sentiment de vouloir ça parce que dans ce cas, ils connaissent la musique d'un ici. Ils ne savent pas que c'est de la musique ici. Ils savent ce que c'est, et ils vont attendre qu'il revienne tout ce chemin pour qu'on puisse changer choses en faisant un B prime. Donne-lui juste une couleur un peu plus claire ici. Dans le cas, j'ai un B b, B B, premier A. Donc ça nous donne une certaine diversité dans toute cette répétition juste pour que ça ne devienne pas ennuyeux. Donc, la clé à retenir ici est que plus nous retardons la résolution, plus elle est puissante. C' est ce dont tu dois te souvenir. 8. Définition de forme Sonata: D' accord. Une de mes formes préférées à utiliser pour ce genre de chose est appelée Sonate Form. Maintenant, la forme Sonate remonte beaucoup en arrière. Et c'est Ben développé et utilisé par les compositeurs modernes d'une manière très libérale. Donc, si nous prenons la définition classique de la forme de sonate, cela signifie trois sections. Nous commençons sur notre tonic kiwi fin dans notre clé dominante dans la troisième section. Soit nous restons dans notre dominant, soit parfois vous retournez à la tonique ou parfois nous allons au mineur relatif. Et puis la troisième section, nous restons dans notre clé tonique. C' est comme la définition classique de ça. Mais ne vous inquiétez pas pour ça. Ce que je veux me concentrer sur une interprétation très moderne, ce qui veut dire qu'on a en quelque sorte coupé certaines règles. Ce que je veux me concentrer sur une interprétation très moderne, ce Ce qu'on va faire, c'est prendre un peu de forme et le traiter comme ce genre d'idée de bloc que je travaille dans mes boîtes colorées. Donc je ne vais même pas vraiment me soucier des clés et des choses comme ça mais nous allons en parler bientôt, mais maintenant je vais parler est juste des formulaires et une section B sections dans les sections C. Ce que nous n'avons pas mord un forum est quelque chose comme nous avons dans une section. Nous avons une section B, puis nous faisons dans n'importe quelle section à nouveau et une section B à nouveau. Ensuite, nous faisons une section C, puis nous faisons dans une section à nouveau et une section B à nouveau. Et c'est un peu si on voulait le découper en un seul B un B B C A. B. C'est une façon de l'examiner, mais c'est un peu plus compliqué que ça. Et la raison en est que toutes ces boîtes ne sont pas créées égales, nécessairement sous forme de Sonata. Alors découpons ça en boîtes, et on va devoir retirer notre boîte noire pour regarder les choses plus grandes si on veut vraiment aller au fond du formulaire Sonate. Alors faisons ça dans une vidéo séparée. On y va 9. 4 éléments de la forme de Sonata: D' accord. Donc, en fait, sous forme de sonate, il y a trois ou quatre sections selon Ah, quelle définition vous suivez. Il y a beaucoup de définitions différentes de ceci. J' aime le considérer comme quatre sections. Donc je vais juste aller Teoh, utiliser du texte ici et les étiqueter. Donc le 1er 1 s'appelle l'Exposition. Ce sont des termes fantaisistes, mais je vais vous expliquer qu'en 2ème 2ème 1 s'appelle de développement. 3e 1 est appelé Situation récapitulative. Espérons j'orthographe les choses correctement Et le 4ème 1 qui est parfois inclus comme une chose séparée et parfois juste inclus comme récapitulation. Mais j'aime le considérer comme une chose distincte. C' est la coda. Ok, alors faisons en sorte que ça ressemble un peu différent ici. D' accord ? Faisons ça juste pour le séparer de ma chanson ici. Et j'ai laissé une lettre là-bas. Ok, alors regardons juste sont l'exposition en premier. Je vais les enlever une seconde. Donc notre exposition va être une et ensuite répétée. Voilà donc l'exposition. Alors faisons ça. D' accord. Voilà notre exposition maintenant. Le développement va être notre C. Maintenant, ça va être différent ici, c'est que ce n'est pas que nous allons à une section C égale à la section B ou à la section A. Nos boîtes sont plutôt difficiles ici. Qu' est-ce que c'est qu'il est en fait à peu près égal à l'exposition. Cela ne signifie pas que cela doit être exactement la même longueur. Mais c'est comparable. Appelons ça comme comparable. Ok, donc je vais sortir de mon écran parce que j'ai encore plus à faire. Donc, c'est un zoom arrière. Il suffit de toucher. Ok, donc c'est mon exposition ou mon développement. Désolé. C' est donc la section du développement. D' accord ? Maintenant, revenons en arrière et regardons notre exposition. Maintenant que nous avons vu ce développement, ce que cela signifie est que ce modèle B A B est en fait probablement pourrait être facilement défini comme la situation de la boîte noire que nous avons examinée auparavant, à droite, causer tous ceux ensemble pourrait être appelé la section A d'une certaine manière. Donc l'exposition est ce gros truc à quatre blocs. Ensuite, nous avons le développement. Ok, maintenant, retirons notre troisième chose, qui est notre récapitulation. La récapitulation est fondamentalement une façon fantaisiste de dire, Ramenons les choses que nous avons déjà entendues. Donc pour ça, je vais faire dans une section et une section B, mais je ne vais pas le répéter. Donc, c'est significativement plus court. C' est donc notre récapitulation et a et A B les mêmes que nous avons entendus ici. Donc vous pourriez penser à ça comme 1/2 exposition, quelque sorte. On peut jouer un peu avec ça, alors appelons-les. Peut-être prime. Juste pour le plaisir. Maintenant, rappelez-vous, c'est une interprétation moderne de ce n'est pas nécessairement l' interprétation classique de l'horloge de celui-ci. Et puis, pour un coda, la dernière pièce, ce qu'on peut faire ici, c'est j'essaie de trouver une nouvelle couleur pour montrer que c'est que tout se passe. Oui, je ne sais pas. De quelle couleur n'ai-je pas encore utilisé ? Violet. Maintenant, c'est un peu comme l'autre couleur. C' est difficile à trouver. Une nouvelle couleur Bleu droit, bleu, jaune. Et jaune ? Plus jaune. On y va. Jaune. OK, Kota peut être quelque chose de totalement nouveau. Hum, c'est court et ça enroule tout. Donc c'est notre forme de sonate. Donc, si vous regardez ce que j'ai fait ici. C' est vraiment similaire. Voilà notre truc A B A B, mais maintenant je vais l'appeler l'Exposition comme un gros bloc. Et puis le développement est en fait significativement grand. Mais c'est un jeu avec tous ces trucs. La récapitulation rappelle à tout le monde ce que sont les sections A et B était avant, et Koda est juste un moyen de terminer et de dire, C' est la fin Maintenant, il y a un peu plus à cela. Ce que nous faisons, c'est que nous pensons à cela que j'aime expliquer. Forme Sonate. Imaginez que c'est comme un gamin ah qui joue avec des jouets. L' exposition est quand vous sortez tous vos jouets et que vous dites, voici mes jouets que je vais utiliser, c'est votre A et B juste ici. Ce sont les jouets avec lesquels je vais jouer, et puis tu es A et B les enfants disent non, vraiment. Ce sont mes jouets avec lesquels je vais jouer. Donc nous présentons les jouets et nous réaffirmons. Que sont les jouets ? C' est l'expédition. Le développement est de jouer avec vos jouets. Donc, dans cette section, je vais prendre ces jouets et je vais juste jouer avec eux pendant un moment. Donc les mélodies et les harmonies que j'ai introduites dans la section A et B avec lesquelles je vais expérimenter, je vais devenir bizarre avec lui, tu sais, un peu funky. Après avoir fini de jouer avec tous mes jouets, je dirai, Hey, Hey, ce sont mes jouets. Je vais rappeler à tout le monde ce que mes jouets R. Mais peut-être que j'en ai cassé certains en jouant avec lui. Donc ça pourrait être un peu différent ici. J' ai peut-être un peu moins de jouets. J' ai peut-être inventé un nouveau jouet. Certains de mes jouets sont cassés, perdus, couverts de morve. Peu importe. Mes jouets air légèrement différent. Mais je vais te montrer une fois de plus ce que sont mes jouets, puis la section Coda est que j'emballe mes jouets et les met de côté en disant que c'étaient mes jouets. Maintenant, j'ai fini. C' est comme ça que je pense à ça. Donc, ce n'est pas seulement que cette section de développement est complètement indépendante. C' est en fait lié à d'autres choses que nous avons utilisées. Donc, quand il s'agit de tension et de libérer notre plus grande version est ici. Quand nous revenons à nos jouets, quand nous réaffirmons le matériel que nous utilisons, nous pouvons aussi avoir beaucoup de tension. Et la version est partout dans cette section de développement. Je pourrais avoir beaucoup de moments différents à l'intérieur d'ici où nous nous éloignons du matériel , réintroduisons une partie du matériel, suspendons la résolution du matériel, toutes sortes de choses comme ça. Donc, cela pourrait être partout dans la section du développement. Mais alors nous en avons un grand quand nous avons eu de retour à la récapitulation avoir tout ce temps pour s' attendre à entendre ce matériel à nouveau ici. Bon, donc c'est un grand moment de libération que nous avons sous la forme de sonate. Ok, alors parlons un peu plus de ça et regarderons peut-être quelques exemples. 10. Exemple de forme Sonata: Ok, regardons une sorte de sonate classique traditionnelle et voyons comment ça se fait. , Ce qu'on va utiliser ici,c'est ce qu'on a à l'écran, c' est-à-dire la Sonata au clair de lune. Tu l'as déjà entendu ? Probablement. Ah, soit si vous avez pris des cours de piano, soit c'est dans beaucoup de films, c'est à la radio. Vous avez probablement entendu au moins le début de ça avant. Les chances sont, si vous ne l'avez pas fait, c'est tout à fait correct. Hum, celui-ci est un peu délicat à regarder parce qu'il répète ce triplet pour presque tout ce que va faire le triplet. Donc il n'y a pas, comme une vraie ligne définitive entre les sections, non ? S' ils s'arrêtaient, s'il arrêtait ce triplet, ce serait vraiment évident où les sections changeraient, n' est-ce pas ? Parce qu'il le ferait entre les sections. Mais ça continue pour toujours. Nous devons donc écouter un peu plus près pour entendre les différentes sections de la Sonate. Hum, mais j'aime bien celui-là parce qu'il a aussi un bon moment de sortie quand il revient dans la section A. Donc, quand nous reviendrons à la récapitulation, après tout le développement. Il y a cette grande sortie. Je le ferai remarquer quand on y arrivera. Ok, donc , hum, jouons-le une fois juste pour que tu puisses l'entendre et qu'on parlera ça. Alors on y va. Et d'accord, d' accord . Je pense que la façon la plus simple de passer par cela et de parler de la forme en ce qui concerne ces sujets dont nous parlons est Teoh hit play à nouveau et sorte de parler sur elle. Je déteste parler de musique, surtout un morceau est puissant, c'est ça, mais ah, je pense qu'on doit le faire. Mais avant que je fasse ça, laisse-moi faire une chose dans un autre cours quand on parlait pour lui, je pense que c'était le premier cours de composition. Mais avant que je fasse ça, laisse-moi faire une chose dans un autre cours quand on parlait pour lui, Une des choses que j'ai faites, c'est que j'ai dit : «  affaiblir ». Parfois, nous pouvons voir le formulaire vraiment facile si nous posons tout sur une seule page. Donc, si je vais à cette vue continue ici, donc nous voyons juste cela dans une grande, longue ligne, et ensuite je zoome. Parfois, vous pouvez voir que la forme est juste une sorte de blocs qui émergent, et il y a certaines choses que je peux voir ici en faisant cela. Mais les morceaux trop longs. Hum donc tout devient trop petit si j'allais tenir sur une page pour que ça soit utile. Donc, alors que c'est en fait une technique pratique pour regarder la forme, cela ne fonctionne pas vraiment dans ce cas parce que ces triplés continuent à toujours. Alors au lieu de cela, passons à travers et nous allons peut-être non. Alors passons à travers ça. Alors on y va. Ok, donc c'est notre section A, non ? C' est notre principale chose. Alors laissons tomber ça. Et puis je ferai remarquer quand on aura la section Teoh RB. Mais gardez à l'esprit cette mélodie que nous entendons qui va depuis le début jusqu'à y écrire. C' est le principal type de référence relative. Maintenant, nous avons cette mélodie supérieure pour qu'on puisse appeler ça une intro. Et c'est une section si on voulait fendre les cheveux. Ok, donc il y a notre mélodie pour un Alors maintenant quelque chose change, non ? Quelque chose a changé là-bas, et maintenant nous reprenons la mélodie un peu différemment. Appelons ça une section B. Quelque chose de très différent là-bas. Voici la fin des mélodies est probablement terminée La section B juste là. Maintenant, nous avons quelque chose d'un peu différent. Je ne pense pas que nous sommes encore en phase de développement, donc ça pourrait encore faire partie de la section B parce que je pense qu'on va l'entendre plus tard . Donc je pense que c'est en fait une mélodie B. Et avant que nous entendions deux fois Donc quelque chose d'un peu différent là-bas au lieu d'un b un B. Je pense qu'il nous a donné un premier B qui se termine en ce moment. Maintenant, je pense que nous sommes dans la section développement. C' est subtil, mais vous allez l'entendre commencer à prendre cette mélodie et commencer à jouer comme ça un peu plus pour que l'harmonie change. La mélodie va être légèrement différente partout. C' est la partie expérimentale, non ? Le développement. C' est quand il a juste un peu de s'amuser avec le matériel qu'il a que nous sommes loin un peu loin de la mélodie étaient pas vraiment Nous n'avons pas vraiment quelque chose qui ressemble à cette mélodie d'avant donc très clairement étaient dans la section développement. Maintenant, faites attention à cette note de base. On va revenir et en parler dans une minute. Alors voici le boom de fin. C' est la fin de la section sur le développement. On est maintenant de retour avec cette mélodie. Donc, nous sommes clairement de retour dans la section a une répétition de la section A. Ok, il y a la fin de la section A. On va l'avoir encore ? Une sorte de penser que c'est une section privilégiée qu'on a déjà entendue ? Il y a la fin de ça. On a une section B ici ? Oui. I Cette harmonie particulière était la caractéristique de la section B. Donc nous sommes maintenant dans la répétition de la section B. Maintenant je crois qu'on va dans la coda. C' est le début de la coda. Maintenant, on a encore cette mélodie. Mais c'est tout bas dans la base très bas, et ça ne va pas se développer. C' est vraiment juste ces trois notes. C' est juste rester là-bas dans la base pendant que les triplés supérieurs continuent de tourner autour, nous enveloppant, nous conduisant à ce dernier cordon. Deux accords à la fin. Ok, et nous l'avons là. Donc notre forme est un peu différente de ce que nous attendions, et c'est bon. Les compositeurs ont pris les libertés avec la forme de la sonate. Donc, au lieu du A b a b, ce qu'on a ici c'est de prendre la boîte noire une seconde. Ce qu'on a c'est un premier être. On a peut-être eu une répétition de B, mais je ne pense pas. C' est ce qui est devenu notre exposition dans cette pièce. Une exposition un peu plus courte, ce qui est tout à fait correct. C' était donc l'exposition. Vous voyez, si je pouvais juste aligner ça Rio et ensuite le développement qu'on a joué avec tout ce matériel on a eu un premier et on sera à nouveau. Donc on a eu Allons ça dehors et se faufiler dans leur boîte rouge. Donc le résumé, nous avons eu un premier et être à nouveau. Et le Dakota et Kodo, rappelez-vous, signifie juste la fin littéralement. Ça veut dire queue, comme, tu sais, la queue de la paix, la partie arrière, la fin. Donc tu peux faire ce que tu veux dans la coda. Il a tendance à être assez court. Donc, nous l'avons là. Maintenant, je veux regarder un aspect de cette pièce, et nous allons passer à une nouvelle vidéo pour elle. Mais la chose que je veux examiner, c'est ce qui s'est passé ici en sortant du développement de la récapitulation. Qu' est-ce qu'il a fait pour que ça se sente vraiment fort ? Parce qu'il y avait un cool délicat fait là qui nous a vraiment envoyé dans la récapitulation vraiment bien, du développement à la récapitulation. Alors passons à une nouvelle vidéo, et on en parlera. 11. Utiliser la forme Sonata pour la tension: D' accord. Souviens-toi comment j'ai dit plus tôt que tu as toujours plus de sens de la libération, plus tu prolongeras, non ? Parfois, cela ne veut pas dire juste faire comme, ah, prolonger d'être comme ce qu'on a regardé avant d' avoir, genre un être, tu sais, quelque chose comme ça où on a tout ça un Alors il se sentira vraiment Ah, comme une résolution énorme. Ça n'a pas toujours besoin d'être aussi littéral, parce que nous avons ça ici. Donc, nous voilà, dans la section de développement, je vais aller à la fin de la section de développement va être juste à propos de Il y a la fin de la pièce ici. C' est à ce moment que la mélodie revient en tant que section A. Ok, donc c'était vraiment sympa. C' était comme ça. Ah, grande ouverture. Et regardons pourquoi quoi ? Il prolongeait dans la dernière partie de la section de développement tout au long de presque toute cette page d'ici jusqu'ici, il prolongeait quelque chose et ce n'était pas un aspect formel. Ce n'était pas la mélodie, la section a de la section B. Il était quelque chose de différent que dans le développement qu'il prolongeait ce qu'il était un simple que cette note de basse. Ok, c'est un G dans une octave, et ce g passe tout le chemin à travers tout ça. Il continue de le frapper encore et encore et encore. Continue, continue. Prolonger, prolonger, prolonger, prolonger, prolonger, prolonger. Ensuite, nous entendrons encore une fois. Montez, redescendez à elle. Et puis l'énorme résolution ici. Cette note de basse juste là. Tout ce G nous amène à ça. Si vous vous souvenez de votre théorie musicale,l' IFC est notre route. Si vous vous souvenez de votre théorie musicale,l' IFC est notre route. Si vous vous souvenez de votre théorie musicale, Si C est la clé étaient dans alors G est la dominante de celui-ci. Et si vous voulez prolonger quelque chose pendant longtemps, la dominante est la façon de le faire. Cinq notes de C Donc si vous comptez de la mer, nous ne pouvons pas voir comme 12 d t e toe f à G. C'est cinq notes de la cinquième note. Le G est ce qui va toujours conduire à voir vraiment fortement. On en parlera plus quand on parlera d'harmonie. Mais je tiens à souligner ici que pendant le développement ici, il a tout ce genre de choses. Il le pousse juste et pousse. C' est comme g g g g g g dans sa grosse note de basse tout le chemin pour entendre quand elle se termine et nous revenons à la mélodie et ça se sent tellement gratifiant. Allons entendre juste cette partie. Ok, donc voilà où commence ce G. Alors gardez votre ici sur cette note de base, mais c'est vrai. c' Tu l'as senti ? Tu as senti ça ? Tu vois, comme la résolution de toutes ces pages est tout le chemin jusqu'ici, en prolongeant ce g fait voir, j'ai l' impression qu' on est de retour à un et qu'il n'y a rien que tu puisses faire à ce sujet. Vraiment forte résolution. Donc la tension tout au long de là et puis cette grande sortie, cette grosse note de basse G nous donne juste une tonne. L' attention mène ici, et on est enfin lâchés. D' accord, euh , , je veux te donner ce fichier, donc je vais te donner, euh, euh, cette musique ou ce fichier, et je te donnerai un pdf deux de , Sonate au clair de lune, et vous pouvez jouer avec, voir ce que vous en pensez. Ah, et ensuite on parlera d'une interprétation plus moderne de ça. Ah, en utilisant une grosse chanson de rock. Alors faisons-le 12. Utilisations modernes de forme et de tension: Je veux regarder une autre chanson Maintenant, on va laisser la forme de Sonate pour un peu ici et je veux juste ici et je veux juste regarder la forme de Ah, un autre genre de paix. regarder la forme de Ah, Faisons une grosse chanson de rock et je vais faire une petite analyse formelle en utilisant mes boîtes ici et mes couleurs et j'appellerai les choses par une abeille dans un Now Souviens-toi normalement comme une chanson rock. Nous aurions le premier cours et le pont ce serait une sorte de trois pièces Lego principales. Et puis on a mis les choses ensemble. , Mais ce que je cherche vraiment ici,c'est une chanson qui a beaucoup de points. C' est une grosse accumulation de tension, puis une libération de celle-ci. Et ça n'a pas toujours besoin d'être un gros point. Il peut être une libération très douce là où il est. Ce n'est pas le point le plus fort de la chanson, mais ça crée un grand sentiment de soulagement. Hum, comment puis-je mieux expliquer ça ? On va écouter une chanson où c'est un gros morceau de rock, qui est fort et qui devient très et qui a une tonne d'énergie dedans. Mais la sortie réelle que nous allons entendre quand il y a un grand moment de tension et ensuite libérée. Mais la sortie est en fait le point le plus calme de la chanson, mais on a toujours l'impression d'avoir ce moment très fort de sortie quand ça arrive. ça , Écoutezça,quand ça arrive, ça n'a pas besoin d'être bruyant. Il n'a pas besoin d'être le point d'énergie le plus élevé. Donc la chanson qu'on va regarder est par un groupe appelé Muse. Si vous aimez le rock, vous le savez probablement, Muse. C' est un grand groupe, musiciens vraiment talentueux dans la travée. Je suis fan de beaucoup de choses qu'ils font. Donc, dans la vidéo suivante, faisons une analyse d'une chanson de leur, une très sorte de chanson étrange de leur appelé Butterflies and Hurricanes. 13. Mie : papillons et Hurricanes: Ok, donc ce qu'on va faire ici, c'est analyser. Le groupe s'appelle Muse. La chanson est des papillons et des ouragans. Ok, donc ce que nous allons entendre ici, c'est que nous sommes là, seulement deux sections, parce que ce qu'ils font dans cette chanson, c'est vraiment étrange, comme ils l'ont fait dans une section, et ensuite dans un premier , puis une autre section principale. Donc, vous savez quelque chose de légèrement différent. Faisons-le vraiment sombre. Je suppose que oui. Tous ces éléments sont un, mais ils sont en fait en quelque sorte de construire l'un sur l'autre. Donc un premier a qu'on appellerait ce double prime. Donc c'est une autre itération d'un et ce qu'ils font c'est qu'ils commencent doux et ils nous donnent le même matériau à nouveau, mais ils deviennent de plus en plus forts. Et encore une fois, ce qu'ils deviennent de plus en plus gros, et ils continuent à aller de l'avant. Et en fait, nous pourrions même représenter cela peut-être encore mieux, au lieu d'utiliser des couleurs Onley en utilisant des couleurs, faisant quelque chose comme ça, c'est un peu plus précis pour ce qu'il ressent. Un plus grand, un plus grand et puis on verra ce qui se passe de là. Ok, alors pensons à la forme comme ça, juste pour le plaisir. Maintenant, il y a une vidéo sur cette, hum, en ligne que vous avez confinée de cette chanson. Je ne vais pas l'utiliser parce qu'ils raccourcissent un peu la chanson et ils ont découpé une partie de cette section du milieu qui est si puissante pour moi. Alors je vais juste jouer. Ah, l'enregistrement. Et puis je vais, hum, je vais préparer ce plan pendant que nous partons pour que vous puissiez voir ce que je fais ici. On y va. Voie. Oh, façon. D' accord. Et puis c'est la fin. C' est une chanson assez bizarre, non ? Alors, vérifiez. Un premier, un double premier, un triple premier. Un quadruple prime. Un quintuple premier, un cept Uppal premier un HEPA renversement premier premier être. Bien que je n'appellerais pas ça une section b, j'appellerais ça Ah, pont. Donc vraiment, j'appellerais probablement ça toute une partie de la section suivante parce que c'était vraiment transitoire. Ça a vraiment servi à nous amener à la section suivante. C' est ce grand solo de piano long. Et puis voici notre grande résolution en sortant de là que nous sommes retournés dans la section A , mais la partie la plus silencieuse de la section A. Laisse-moi revenir à ce très vite ici. Ok, donc voici le solo de piano. Nous sommes ici et maintenant, très délicatement, nous retournons dans un droit là et c'est très fragile. Mais alors il saute très vite à la vapeur, saute quelques pas ici et devient vraiment fort, vraiment rapide ici, mais nous laisse toujours de la place pour devenir encore plus grand dans notre ici pour le dernier. Donc ça nous amène à la fin. Donc, j'adore cette pièce parce que nos résolutions sont libérées de nouveau dans la section A est si délicate, et cette transition est si longue. C' est comme ce solo de piano fou, bizarre et bizarre tout le chemin en plein milieu. Ça n'a pas besoin d'être aussi long pour être aussi efficace. Il pourrait être juste un court comme tout le reste et être tout aussi efficace. Ça pourrait être comme ça, et il pourrait encore avoir Justus beaucoup de pouvoir. Ah, si c'était fait avec soin. Mais plus vous faites cela, plus il est facile pour cela d'être vraiment puissant. Même si c'est l'un des moments les plus calmes de la chanson, c'est peut-être le moment le plus calme de la chanson autre que le tout début. Donc une sorte de forme maladroite, parfois en utilisant ah, la taille des formes pour représenter la forme peut être pratique. Ah, ce n'est pas normal. Si vous étiez juste si un professeur vous demandait de sortir le forum pour une chanson, vous ne le feriez pas nécessairement. Si vous étiez juste si un professeur vous demandait de sortir le forum pour une chanson, Mais dans un cas comme celui-ci, je pense que cela montre vraiment plus clairement ce qui se passe que juste des formes et des couleurs. Alors regardez cette chanson utilisée comme beaucoup de choses vraiment intéressantes avec la forme. J' aime vraiment la musique. D' accord avec ça, passons à autre chose et parlons de mètre. Ah, certaines choses qu'on peut faire avec le compteur qui ont vraiment poussé cette idée de tension et de libération. 14. eter et tension: Ok, passons à parler du compteur et de la façon dont on peut utiliser le changeur de compteur pour créer un sentiment de tension et de libération. Hum, maintenant, ce dont on parle vraiment ici, c'est l'attente. Nous pouvons gâcher les attentes en ajustant le compteur de différentes manières. Nous pouvons également donner un sens vraiment satisfaisant de la résolution en leur donnant enfin au public ce qu'il attend. Droit ? Donc, vous changez le compteur. Ce n'est pas tout à fait ce qu'ils attendent. Et puis tu lui donnes enfin, et c'est à l'aise. C' est comme à la maison. C' est une excellente résolution. Donc on va parler plus des attentes. Juste une seconde. Je pensais qu'on commencerait cette section avec je veux y retourner et jouer. Je vais juste jouer un de mes morceaux. Quoi ? Mon truc que j'ai écrit. Et je pense que c'est une chanson que j'ai jouée dans l'intro. En fait, c'est une pièce électronique d'achat appelée Circadian. Maintenant, je vais faire ce que je déteste , c'est en parler juste pour signaler quelques choses de mètres. Ok, donc ça commence par son truc de cloche. Maintenant, si tu comptais ça et que tu essayais de le compter en 44, tu aurais vraiment du mal. 123412341234 c Nous sommes déjà partis, c'est dans. C' est dans un compteur à changement de vitesse, mais ce n'est pas ce que je veux dire. Donc ce synthé est sur le point d'entrer, et c'est aussi dans un compteur de changement. Donc, si vous comptez le modèle et quatre à partir du début, qui est juste ici 123412341 Voir ? Rien ne fait la queue sur un rythme. Maintenant, on a une étude, huitième note. Nous savons au moins où c'est. Mais encore une fois, ça ne va pas s'aligner dans un modèle 44. 44 est toujours ce que les gens attendent. Alors c'est ça. Il y a cette attention en ce moment à partir de ce compteur bizarre, et on ne sait pas où il est. Si tu essayes de danser, tu tomberais partout parce que le compteur est en train de bouger. En fait, ça change chaque bar. Vous ne pouvez pas vous sentir vraiment comme ça, mais c'est ce qui se passe pour créer cette incertitude continue de durer de plus en longtemps. - Ok , voici la résolution. Maintenant, après tout ça, Kwan va se lier à 44 et tu pourras compter 1234 et c'est vraiment satisfaisant. 23412341234 Vous voulez. Donc, tout ce qui était saccadé et à différents mètres s'est soudainement cassé dans 44 là, et c'était logique. J' ai dû changer la musique pour le faire, pour que ça marche, mais ça donne l'impression que c'est comme si tu jonglais 10 balles au début ,c' est ce que ça fait. J' ai dû changer la musique pour le faire, pour que ça marche, mais ça donne l'impression que c'est comme si tu jonglais 10 balles au début , Et puis ça arrive à ce rythme et c'est comme, Ah, OK, OK, je comprends comme si tout était tombé dans un modèle. On aime les modèles. C' est confortable. Il y a un sens de la résolution là-bas, et c'est vraiment bon. C' est ainsi que le compteur peut influencer cette tension et libérer la chose. Alors rappelez-vous quand je parle de 44, ce que nous voulons vraiment, c'est , euh, on veut pouvoir compter. 12341234 alors allons dans cela un peu plus. Dans la prochaine vidéo et celle-ci, je voulais juste vous donner cet exemple et la prochaine vidéo sur laquelle nous allons parlerde préoccupations stylistiques fera aussi un peu de définition sur ce qu'est ce modèle 44. Dans la prochaine vidéo et celle-ci, je voulais juste vous donner cet exemple et la prochaine vidéo sur laquelle nous allons parler 15. Préférences stylistiques: Ok, je vais quitter Muse, marquer une minute et travailler dans ma séquence ou ici. C' est capable de vivre. La raison pour laquelle je vais le faire est que je veux regarder, euh je veux utiliser la batterie comme exemple pour cela. Maintenant, cela s'applique que vous écriviez de la musique pour piano, quatuor à cordes, la musique, musique Elektronik ou autre chose. Eso je ne pense pas que juste parce que j'utilise de la batterie que c'est la seule chose qui s'applique. Ah, mais c'est juste plus facile à expliquer avec de la batterie, alors faisons-le avec de la batterie, OK ? Donc, si vous avez pris d'autres cours, vous savez ce que je veux dire quand je dis pour quatre ou un temps ordinaire ou quelque chose comme ça. Mais faisons juste un petit rafraîchissement très rapide ici. Ce que ça veut dire, c'est si tu regardes ici, c'est un bar d'ici à ici. Cette durée est d'une barre et vous voyez qu'elle est notée comme 11.21 point 31.4. Et puis à ce que cela signifie, c'est la barre un. Ceci est battu à Ceci est battu trois et ceci est battu pour l'instant. Je suis dans 44 temps ici. Ça veut dire qu'il y a quatre battements dans une mesure. C' est toujours ce que nous attendons. Si vous êtes comme un public occidental, il peut y avoir d'autres choses que vous pouvez faire qui sont assez normales. Comme 34 ayant trois battements dans une mesure. Hum, mais selon le style de musique, votre écriture peut ou ne pas se sentir à l'aise et normale. Donc ici, j'ai un battement de tambour. Et si vous faites de la batterie, vous allez mettre un coup de pied un son de basse sur un et trois et un son de caisse claire sur deux et quatre et ce coup de pied particulier notre ah, battement de batterie. Nous avons aussi un autre coup de pied entre les trois et quatre depuis cette année. C' est vraiment rapide ? Ok, laisse-moi en fait juste, hum, boucle ça. Ok, donc on peut compter jusqu'à quatre avec ça. Droit ? J' ai commencé le début. 123412341234 Droite, très bien. C' est génial. C' est ce qui est la chose la plus prévisible que vous pouvez faire. Donc, si c'était en 34, ce serait comme ça. D' accord ? Donc si j'essayais de compter quatre maintenant, je vais avoir du mal. 1234123412341 Il n'est pas aligné. Droit ? J' avais besoin d'être le même à chaque cycle. Donc je compte jusqu'au 3123123123123 Maintenant, il s'aligne. Mais c'est là que les trucs stylistiques interviennent. Si je joue de la musique rock. Ah, la musique de style auteur-compositeur. Ah, et tout ce qui est conçu pour être de la musique de danse 44 est ce dont vous avez besoin. Si j'essayais de danser, accélérons un peu. Si j'essayais de danser, Essaie de danser à ça. Tu vas tomber partout parce que c'est dans trois. Revenons à quatre. Allons l'entendre à la vitesse la plus rapide. Tu vois, ça ressemble déjà à une résolution, non ? C' est plus confortable qu'il ne l'a fait quand il était en trois. Donc tu peux jouer avec ça tant que tu es prêt à, hum, jupe-toi un peu ce truc stylistique. Certains styles de musique sont meilleurs en trois, et d'autres en quatre. Mais tu peux devenir encore plus bizarre que ça. On pourrait le faire si j'avais une demi-battement. Ensuite, nous passons à une huitième note et nous appellerons ceci chacune de ces notes que nous appellerions à la huitième note, donc ce serait à quatre, puis à la moitié d'une barre qui serait cinq. Donc on appellerait ça 58 fois, non ? C' est bizarre. On fait 38 fois, non ? On fait 38 fois, Et si on l'avait fait ? Ah, tout un tas de tout ça. Vérifie ça. Faisons quelque chose. Donc voici un 38 bar. Voici un 58 bar. Ajoutons Oh, faisons un 34 bar et puis jouons un peu avec ça. Laissez-moi vous montrer ce qui se passe. Voici un autre 38 bar. C' est 2338 bars. Et puis là. 58 bar. Et puis faites notre 34 bar un autre 38 bar et un autre 58 bar. Ok, ça suffit probablement. Débarrassez-vous de celui-là une seconde. Maintenant, nous allons entendre ça passer par 3858 et 34 dont aucun ne sont plus aise. Euh, boucle. Droit. Alors écoutons-le d'abord, et ensuite on va le résoudre, pour ainsi dire. D' accord ? pour que tu ne puisses pas danser. Ce n'est pas un modèle définitif, mais regardez ça. Ajoutons un de plus et nous allons en faire un 44 Penser ainsi. La mesure 44, en fait, commençons à droite sur le rythme afin que nous puissions le voir plus facilement. Donc c'est la mesure 44, et puis je la fais juste boucler ici. Alors faisons que ce n'est pas si déroutant ici. Ok, donc voici mon bar 44. Je vais copier ça. Mettez-le ici, là-dedans. Décidé quelques fois. Donc, ça va se sentir rythmiquement comme si ça se résout quand on l'entend. Permettez-moi de changer la couleur de ça pour qu'on puisse voir. Ok, quand on arrivera à cette orange, il devrait y avoir une sorte de sentiment de résolution. On y va. Droit. Donc, on dirait que c'est juste un peu secoué ensemble. C' était le chaos, puis il est devenu contrôlé. C' est un excellent exemple de tension et de libération, à droite. Nous créions de la tension avec tous ces compteurs de changement que nous avions ici. Et puis boum. Nous l'avons enfermé et il est devenu un prévisible pour quatre. Ok, ensuite, parlons, euh, euh, compteurs composés et comment fonctionnent les compteurs composés 16. Metterie à partir de métaux: Ok, je suis de retour. Muse. Score. Regardons cela et la notation plus traditionnelle. Donc ça veut dire que nous sommes en 44 Ce que ça veut dire juste comme un rafraîchisseur. C' est 5/4 notes. C' est ce que ça veut dire. Je peux mettre quatre d'entre eux dans un bar. Oups. Donc le numéro du haut me dit combien du numéro inférieur je peux tenir dans un quart de barre est, vous savez, noté vous savez, 1/4. Donc c'est là qu'on obtient ça pour ça. Changeons notre signature temporelle ici. Faisons 24 Alors qu'est-ce que quatre va me dire ? Ça veut dire que je peux m'adapter à des notes de quart dans un bar. Ok, assez facile. Environ 54 Même logique. Je peux adapter 5/4 notes. Regardons maintenant certains de nos compteurs à base de notes huitième. 38 Nous étions juste en train de regarder 38 Cela signifie que je peux placer 3/8 notes dans une barre, ce qui signifie aussi que je pourrais adapter 1/4 note et 1/8 note. Ce n'est pas forcément toutes les huitième notes. Faisons 98 Un autre étrange conf. 9/8 notes dans cette barre, et nous avons tendance à les regrouper en ensembles de trois So 9/8 notes ou trois groupes de 3/8 notes. Maintenant, quand vous regardez ça, nous avons deux types de mètres différents. Ici, nous avons des mètres que nous pouvons diviser par deux et mètres. On ne peut pas diviser par deux, par exemple, pour quatre. On pourrait le couper en deux et ça marcherait très bien. 24 Nous pourrions couper en deux et ce serait un nombre pair 54 Nous ne pouvons pas tout à fait couper en deux, d' accord, parce que ce serait juste Voici le point à mi-chemin, donc nous devrions couper cette note en deux. Ça va faire un nombre impair qui est Compound Meter, même chose avec 38 la même chose avec 98 Alors faisons un peu de, hum, hum, un rafraîchissement sur ce que les compteurs composés signifient, et puis on reviendra et on parlera de en utilisant des compteurs composés pour créer une tension , puis en les résolvant avec un compteur ducal. Un compteur de tirage est celui dont nous parlions juste ici que nous pourrions couper en nombres pairs, fondamentalement ok, donc ah, quelques vidéos sur l'examen de Compound Meter et puis bien, c'est examen si vous avez pris mes lunettes théoriques. Si vous n'avez pas pris mes lunettes théoriques, alors ce sera nouveau. Euh, et de toute façon, ce sera bon pour toi. Donc deux vidéos sur ce Ah, et puis ne sont pas désolé. Trois vidéos là-dessus, et on reviendra et on parlera de, euh, alternant avec eux. 17. Métaux composés et d'autres morts à l'ordre des morts: Essayons de faire quelque chose. Ah, en 98, puis résolvez-le. Donc, pour parler, pour l'instant, ce terme résolu que j'utilise, c'est que vous ne voudriez pas l'utiliser comme votre cours de théorie de la musique à l'université . Résoudre signifie quelque chose qui se passe entre les accords, et c'est une chose harmonique, mais j'aime penser au rythme pendant que j'écris de la musique comme ayant des moments résolus. Ce n'est pas comme une théorie de la musique. C' est comme un truc de composition. Donc, euh, ce que je vais faire, c'est que je vais commencer dans un mètre bizarre. Utilisons 98 alors je vais essayer de le résoudre à 44 Maintenant, d' abord, abord, pensons à la différence entre 19 et 44 Ce que cela signifie est que 98 a effectivement gagné plus de huitième note que 44 le fait parce que 44 a 4/4 notes, ce qui signifie qu'il a 8/8 notes, c' est donc essentiellement 88 et on va faire quelque chose en 98. Donc ce que ça veut dire, c'est que , hum , tout au long de la section 98, je vais leur donner une huitième note supplémentaire et puis ça va me sentir bizarre et ensuite je vais l'enlever dans le 44 Maintenant, en plus à cela 98 modèles, nous avons tendance à le ressentir en groupes de trois. Donc, si j'ai fait quelque chose comme ça encore et encore, ça va faire quelque chose de vraiment répétitif pour que ça se sente, euh on a le sens assez vite. Donc ici, j'ai 9/8 notes en 98 Ok, je vais répéter ça quelques fois. Fais-le. Je ne sais pas, Bunch. Ok, c'est vraiment bien. Non seulement passera à 44 ici. Je ne vais pas mettre exactement la même musique. Parce que ce sentiment de 123123123 va disparaître. On va se sentir 1234567812 donc on va le ressentir un peu différemment. Donc, au lieu de cela, je vais toujours utiliser les huitième notes pour que ça se sent un peu comme ça. Mais alternons comme ça. Ils ont demandé trois barres de ça. Ok, voyons si je l'ai fait. Regardons ça en arrière. Donc, il est ignorer cette mesure. Donc 98123123123123123123 Tout le chemin jusqu'ici. Quand on arrivera ici, on aura soudainement 1212121212 Droit. En fait, un et deux et trois et quatre et cinq et six et groupes. Désolé. Un et deux et trois et quatre et un et deux et trois et quatre finissent. Ça devrait me sembler une sorte de résolution. Allons l'entendre comme ça. D' accord. Non, ça ne te frappe pas sur la tête, c'est sûr. Dans ce modèle simple, vous savez, vous savez, trois notes. Mais il a un sentiment de changement, comme un grand sentiment de changement ici. Mais, vous savez, pour être honnête, ce que j'ai ressenti c'était la tension. Et c'était la sortie parce que nous nous habituions tellement à ce modèle 98. Cela commence à avoir l'impression d'être privés d'une note là-bas, donc ça ressemble à la tension dans ce cas particulier, qui est intéressant. Alors résolvons le problème en revenant à notre 98 Ok, Voyons si cela ressemble maintenant à la tension et puis cela ressemble à une résolution quand nous y arriverons . C' est intéressant. Je pense que c'est le cas. Donc je pense que c'est juste un cas d'utilisation juste une mélodie si simple où ce que nous avons fait est fait le sentiment d'enlever cette e note ici, um, sur le modèle et ensuite nous la ramenons. C' est le genre de résolution que je cherchais. Intéressant. Mais vous pouvez voir quelle que soit la libération dans laquelle on est est le créateur de tension. En déplaçant les mètres, nous avons vraiment créé une sorte de changement dramatique dans le sentiment de la musique sans vraiment faire grand-chose d'autre. En déplaçant les mètres, nous avons vraiment créé une sorte de changement dramatique dans le sentiment de la musique sans C' est juste le modèle. Ok, avec ça, um, passons à autre chose et parlons juste des rythmes sans changer le compteur, mais juste des rythmes comment vous pouvez créer des moments rythmiques intéressants, hum, qui ont un sens du drame et un sentiment de tension. Relâchez sans changer de compteur dans notre prochaine section 18. Motifs rythmiques: OK, en haut. Passons de la discussion sur le compteur à une discussion sur le rythme. Donc je vais laisser Meter en dehors de ça. Euh, même si c'est un peu lié au compteur. Donc, ce que nous allons examiner ici, c'est comment nous pouvons utiliser le rythme pour créer un sentiment de tension et libération. Euh, par exemple, regardez ce modèle que j'ai fait ici, donc j'ai juste deux notes alternant et quart de notes pour savoir que c'est alterner des notes de coin . L' altération s'arrête ici, puis nous avons un silence, et puis elle recommence. Allons entendre ça. Ok, maintenant il y a quelques choses intéressantes que cet exemple souligne. Trois choses en fait sur Larry. Je me souviens de tous. Alors d'abord, regardons ce que cela fait. Donc on a changé le modèle ici, non ? Les motifs ont cessé de passer de deux notes. G deux notes. D Le modèle est maintenant allé quatre notes D qui nous a laissé un peu de tension parce que nous attendons ce G. Donc juste en changeant légèrement le modèle, nous avons créé un sentiment d'attente. Maintenant, le numéro deux, c'est que ce repos a vraiment créé une certaine tension parce que nous attendons nouveau le G. Donc, dans ce repos, nous avons eu une rupture dans le modèle et nous nous attendions à entendre à la fois le modèle et la séquence des notes de deux G de deux D et d'avant en arrière. Donc, cela a créé un peu de tension menant à ce prochain G. Rien numéro trois qui s'est passé dans cet exemple est quand il a commencé à remonter, nous avons décalé notre downbeat droit. Je viens de commencer sur le downbeat qui ici j'ai fait un, puis deux, puis à écrire donc est trop bas à haut tout le chemin. Mais j'ai commencé par un. Donc ça veut dire par ici quand ça a recommencé, notre temps perdu a senti comme si c'était là. C' était comme 412341 Donc on a décalé le rythme. Maintenant, ça pourrait être intéressant si je faisais quelque chose où j'avais un accompagnement à ça et que je voulais que le rythme ait changé ici. C' est exactement comme ça que je ferais. Mettez un peu de repos, laissez la tension récente, puis réintroduisez le motif sur un rythme différent tandis que l' accompagnement reste sur le modèle précédent qui serait un moyen de créer un nouveau matériau juste à partir de ce modèle simple. En fait, peut-être que nous allons faire ça. Ok, je vais créer une clé de basse. Le personnel ici. Maintenant, ajoutons simplement des notes de basse très simples sur notre downbeat. Nous avons g e Donc faisons comme un gros vieux G. Faisons-le comme des notes entières. Ok, et ensuite, je veux que ça sonne un peu sombre et effrayant. Um, relatif mineur sera des marchandises qui b un bémol. Alors jetez B à plat là à côté. Ok, maintenant, faisons que je ne veux pas que ce soit un motif à noter. Je veux que ça donne l'impression qu'il y a un sens plus long du mouvement. Allons à un A. Ce serait peut-être amusant. Sois un peu dissonant. Oups, je suis allé à un C Allons-y dans un Ok, maintenant allons-y. Allons à un C. Maintenant, ça a l'air amusant. Et puis revenons à un bémol sur une sorte de marche à l'intérieur de la balance ici. Ok, maintenant, on s'accroche à ce bémol ici parce que je ne veux pas de nouveau mot ici. Si on va lier ça pendant que ce D sonne. Et maintenant c'est là que le modèle change. Donc, ce qui se passait ici, c'est que nous avions notre note de base, puis une note basse, puis notes hautes et une note basse. C' est ce qui se passait. Une note basse à des notes élevées. Un prêt ici. On va le changer. On va utiliser ce repos pour faire un petit quart de travail. Alors commençons mon même modèle sur ça ? Tu veux dire une copie de ça et la mettre là. Maintenant, mon motif est déplacé vers les notes basses vers les notes élevées. Ça va se sentir un peu secouant. Ça va nous donner une idée de, euh, pour au moins un bar, peut-être deux. On va toujours ressentir, ah, ah, petit point d'interrogation, et ça va créer un peu d'attention. Bon, écoutons. C' est la quantité de cheveux ici. C' est ce qu'on a fait, non  ? non Donc ce changement a créé un tout nouveau sens de quelque chose ici. C' était un peu de tension tout au long de ce repos, et puis la libération s'est produite ici. Mais à cause du changement de rythme, la libération était un peu déroutante, et puis elle s'est résolue lentement au fur et à mesure que vous vous y habituez. Donc c'est comme une résolution lente utilisant le rythme, peu intéressant. Il y a beaucoup de choses vraiment cool et rythmiques que vous pouvez faire comme ça pour créer. Ah, la tension et la libération. Et l'une des façons les plus évidentes de le faire est de prendre un modèle et d'ajouter ou d'enlever notes, des notes,un peu comme ce que nous avons vu avec le compteur à changement. C' est vraiment populaire dans Ah, les Minimalistes des années quatre-vingt et encore populaire dans beaucoup de musique moderne aujourd'hui. Donc c'est quelque chose que j'appelle juste une obfuscation de modèle. Regardons ça dans la vidéo suivante. 19. Obfuscation de motifs: OK. Obfuscation de motif. Fondamentalement, ce dont je parle ici est de prendre un modèle et de confondre temporairement l'auditeur. Faisons-le dans un style minimaliste. Alors prenons comme, ah, ah, juste quelque chose comme ça. Donc juste une petite triade de haut en bas et disons que je veux oh, assez répéter ça pour nous l'avoir dans la tête. Ok, maintenant je vais utiliser les mêmes notes, mais je vais le confondre un peu. Faisons la confusion purement rythmique ici. Obfuscation, si tu veux. Allons-y comme ça. Je ferais mieux de connaître ça Tate correctement. Attends. Ok, donc c'est ce rythme est un peu déroutant, mais fondamentalement ce que j'ai ici est 12 3/8 notes au milieu, puis 1/16 note et une autre 16ème note à l'extérieur. Donc ça fait 4/8 notes. C' est un peu maladroit. C' est un peu difficile à lire parce que tout cet air va arriver, en fait, entre la huitième note, parce que celui-ci les met tous en avant, quelque sorte les pousse, donc juste faire plus déroutant. Tu as mis une autre 16e note là, puis tu fais la même chose, et ensuite je vais lier ces deux-là ensemble. Donc maintenant ce qu'on va ici est le même modèle que nous avions ici. Mais cette petite 16e note au début va la secouer juste une seconde. Et tout ça va être sur le pas, toutes ces notes et ensuite on le réinitialisera ici. Ok, donnons-nous à juste pour le plaisir de ça. Donc ça va créer un sentiment de tension parce que ça va faire attendre tout le monde , quoi ? Et puis ça reviendra à ce qu'ils attendent en répétant ça. Nous mettons en place une série d'attentes qui vont arriver. Alors écoutons ça et voyons si j'ai raison. D' accord. Quand c'est totalement nu comme ça, c'est moins évident. Alors ajoutons une sorte de point de pédale ici. Je pense que ça a toujours fonctionné, mais ça pourrait fonctionner plus fort si on avait une idée du rythme. Alors faisons ça. Mettons 1/4 note tout au long de cela. Certains en basse clé ici, en fait, allons-y. D' accord. Une chaîne de A. J' allais mettre le quart de note est tout le long de tout ça maintenant, juste ici. Ça va être beaucoup plus évident que c'est hors du jeu parce qu'on a un modèle. Un rythme très clair qui se passe ici. Donc, on l'entend encore maintenant que nous avons une sorte de mise à la terre. Cool. Droit. Donc maintenant, vous pouvez vraiment sentir clairement que nous avons un peu confondu le modèle ici temporairement et un peu comme à travers tout dans les airs. Et on est comme, Attends, qu'est-ce qui se passe ici ? Et puis il atterrit ici et ensuite on se bloque. C' est donc une façon cool de créer cette tension et de libérer sans vraiment changer de notes ou quoi que ce soit. C' est juste un truc rythmique. Pendant que je faisais ça, j'étais un peu comme, Hey, il y a quelque chose de cool ici. Pendant que je faisais ça, j'étais un peu comme, Hey, Attends. J' entendais ça, euh,de la musique qu'on pourrait faire à partir de ce petit exemple. J' entendais ça, euh, euh, Je veux déplacer ce mot vers un G, um, quand on joue ça, j'étais comme ça. Non serait cool si ça se déplaçait juste là, puis vers un F. Et puis continuons à descendre E E E E E et ensuite nous resterons debout à volonté. Retourne à un gène, puis descend à un gène et puis peut-être e g a. On remontera à l'A ici. Maintenant. La raison pour laquelle je fais ça, c'est juste parce que je pense que ça va sembler soigné. J' aime le son de prendre un modèle. Nous le ferions. On pourrait aussi appeler ça le mot fantaisie de Justin ostinato Austin Otto pour un motif, euh, et garder le modèle le même. Mais ensuite, une sorte de déplacement d'une ligne de base vers le bas diatonique Lee, ce qui signifie à travers l'échelle, ce qui est tout ce que j'ai fait ici. Je l'ai déplacé d'anade tout le chemin vers un E de retour jusqu'à dans un bas à un G, puis étapes e f g a. qu'il se résout juste là. Allons l'entendre. Je pense que ça va sembler une façon soignée dont j'ai besoin. Donc j'ai aimé la façon dont ça sonnait, sauf ici. Je n'étais pas vraiment dans ça. Cette dernière mesure voudrait modifier ces notes basées. Je n'aimais pas ça. Donc, juste à partir de cet exemple simple, en déplaçant cette ligne de base autour et en ayant cette pause cool ici du rythme. Je peux créer un joli sentiment de tension juste là. Et puis ça nous propulse en quelque sorte dans ce G. Donc c'est un bon son. Ok, maintenant, ce genre de technique d'utilisation de ce truc rythmique, hum, obfuscation est vraiment populaire. Musique minimaliste. Donc je veux regarder, hum, un des compositeurs probablement les plus célèbres pour ce genre de choses. Et c'est Philip Glass. Regardons un morceau de verre Philip ensuite. 20. Exemple de verre: Philip Glass fait beaucoup de ce truc où il fait un arpège. Um, c'est jouer à l'accord. Une note à la fois. Comme dans ostinato. C' est comme un modèle et ensuite un peu de jeu avec ça. Je ne trouve pas un très bon exemple dans le de certaines partitions de sa musique où il fait beaucoup . est la partition pour ses affaires antérieures où il fait vraiment ça. Beaucoup de choses sont difficiles à trouver. Alors j'ai trouvé ce morceau. C' est de, ah, le score pour le Truman Show. Et Philip Class ne fait pas beaucoup de partitions de films, mais de temps en temps il en fait un. Et Philip Class ne fait pas beaucoup de partitions de films, Et il a fait ce film , , ce qui est intéressant. Je ne savais pas qu'il avait fait ce film, mais apparemment, euh et donc ce qu'on a ici, c'est ce modèle. Alors écoutons ce modèle très vite. Ok, c'est le modèle. On va l'entendre un tas de fois, et ce sont les notes qui vont changer. Ça va traverser une progression de base , mais le schéma va rester le même. Toute la relation des notes va continuer, vous entendrez ces données vous. Mec, je fais ça pour que papa fasse des données que même si les notes changent, le modèle reste intact jusqu'ici. Et puis nous obtenons cette section bizarre pour le reste de la paix où il y a un sentiment certain d'absence de ce modèle. Donc, il prend le modèle et va juste aux notes de quart, ce qui est vraiment intéressant. Et ce qui est inhabituel de Philip Glass ici, c'est que ce modèle, ce modèle ne revient pas réellement. C' est probablement parce que c'est un film Qué donc la scène s'est terminée et le motif n'est jamais revenu. Mais écoutons ça. Et vous pouvez avoir une idée de ce dont je parle où ce modèle devient si enraciné en nous que l'absence de celui-ci d'ici en avant semble étrange, non ? On dirait que c'est ça crée un sentiment de tension que nous n'avons plus ce modèle. Ok, alors écoutons ça. Way, way, way. - Ok , donc tu as une idée de ce dont je parle. Ce motif est tellement normal à ce stade de la pièce. On l'a entendu tout le long, puis là, ça s'arrête et on a juste ces gros billets. Il crée une absence du motif, ce qui est l'attention, donc juste prendre le modèle attend crée une certaine quantité de tension. Hum, maintenant, si tu aimes Philip Glass, regarde une partie de sa musique. Si vous aimez ça, regardez beaucoup de musique de Philip Glass. Il écrit beaucoup de trucs vraiment intéressants. Il est très accessible en ce sens qu'il n'utilise pas d'harmonies vraiment complexes. Trop souvent, mais parfois il le fait. Trop souvent, Mais c'est aussi, tu sais, très rythmiquement pulsé. C' est comme quand j'enseigne un cours d'université, tu sais, je pourrais jouer un tas de musique bizarre et étrange et avoir un tas de musique. Les étudiants ont l'impression que c'est bizarre. Je ne sais pas si ça me plaît, mais ensuite je joue Philip Glass et ils sont comme, je creuse complètement ça. C' est un très bon point de départ pour entrer dans la musique moderne à travers Philip Glass. C' est un très bon point de départ pour entrer dans la musique moderne à travers Philip Glass. Ah, et si vous aimez Philip Class, allez dans ce trou de lapin plus profond et trouvez Steve Reich, sa musique est encore plus intéressante pour moi. Ok, je vais te donner ce fichier pour que tu puisses l'écouter et jouer avec si tu veux, et ensuite on parlera d'un autre exemple de cette idée dans la prochaine vidéo. 21. Exemple de Aporia: Ok, euh juste pour te donner un exemple très clair de ça, euh, je veux te rejouer un de mes morceaux. C' est une zone pauvre, qui je pense, est en fait la piste que j'ai joué dans l'intro sur moi chose. Je sais. J' ai dit que c'était circadien, mais je pense que c'était important. Euh, toute façon, donc c'est là. Je vais en parler, ce que je déteste faire encore, mais tour de chemin, tour rythmique. J' ai entendu parler de tout ça. Sautez en avant. Il s'amincit vraiment ici. Mais cet ostinato est parti tout le temps. Ce petit Marine ? Rien de haut. Des notes élevées ici. Écoutez ce qui se passe ici. Il y a quelque chose qui sonne un peu, juste là. Ce que j'ai fait, il y avait la même chose dont on parle. J' ai changé le rythme. Juste un cheveu juste assez pour vous faire partir. Quoi ? Et quelque sorte de secouer la tête et de me demander ce qui se passe à propos d'un rythme. Après ça, tu t'es enfermé. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai pris 1/8 note à la fin ici. Donc je vais compter ça, et je vais te montrer où ça devient bizarre. 123412341234123412 Donc, vous voyez, quand il revient, le rythme ne s'alignera pas. Quelque chose est devenu bizarre, et le truc était, j'ai juste sorti une huitième note de sorte que quand tout revient, tout est une huitième note tôt, et cela crée ce petit hoquet qui ajoute ce genre de rythme attention à elle. C' est juste un peu comme un choc. C' est subtil. C' est subtil ici, mais , euh, ça aurait été beaucoup plus facile quand j'écrivais ce morceau de le faire revenir sur le temps perdu. Mais j'ai eu les tracas de tout réaligner pour arriver et la huitième note tôt parce que je voulais juste ce petit choc, et pas seulement qu'il revienne quand on s'y attendrait, mais plutôt dans un début neigeux, et cela crée ce sentiment de tension. Et puis il se résout en quelque sorte au cours de quelques battements. Comme vous vous familiariser avec l'endroit où le rythme est maintenant, donnez cela à vous une fois de plus, et c'est tout. Donc je voulais juste le souligner parce que c'est celui que je connais particulièrement bien parce que je l'ai écrit. c' Etc'est juste un petit truc que j'ai fait pour créer une tension. J' ai juste triché. Ah, huitième note, c' est tout. Ok, donc avec ça, passons à autre chose. Et parlons de l'harmonie. Faire ça avec harmonie. Il y a beaucoup de trucs que nous connaissons déjà, euh, sur la création de tension. Relâchez avec harmonie, Affayen Dio, vous savez, accords dominants pour suspendre l'harmonie. Mais allons-y. Allons dans certains d'entre eux, mais aussi quelques nouvelles astuces comme des sons de pédale et des choses comme ça qui vont vous amener vraiment loin avec ça, surtout quand nous entrons dans la composition de films. Les tons de pédale vont être l'un de vos meilleurs amis. On y va 22. Consonance et Consonance: Ok, Donc quand on parle de tension et de libération en termes d'harmonie Ah, les termes les plus typiques que nous utilisions seraient continents et dissidents. Droit ? Donc si tu as suivi mes cours de théorie ou fait un travail de théorie, tu sais un peu sur les , continents et la dissonance. Examinons d'abord les choses de différentes façons, donc nous avons certains intervalles qui sont considérés comme dissonants. Examinons d'abord les choses de différentes façons, Um, faisons une note entière et utilisons voir comme base ici. Donc, en regardant notre échelle, si je monte une échelle majeure C à D, c'est ce son qui est une seconde majeure. C' est une sorte de dissonance. Mais si je sors de l'échelle et que je passe à une seconde mineure, c'est Ah, beaucoup plus fort, dissident. Si mineur Second est une très forte dissonance. Ça sonne comme ça. Ah, Ok, donc une seconde mineure est deux notes adjacentes eso qui sont juste à côté de l'autre. C' est une seconde mineure. C' est probablement l'une de nos plus fortes dissonances. Toujours quand on sortira de la grande échelle dans les notes plus chromatiques, c'est là qu'on aura les dissonances les plus fortes si on les veut, euh,de retour dans l'échelle. Toujours quand on sortira de la grande échelle dans les notes plus chromatiques, c'est là qu'on aura les dissonances les plus fortes si on les veut, euh, Bien de la troisième. Ce n'est pas une dissonance, vraiment. Le troisième mineur pourrait être considéré comme une dissonance, mais pas vraiment par la force. pourrait être considéré comme une dissonance, Ah, voyez, orteil f est vraiment intéressant parce que dans certaines périodes de temps il était considéré comme une dissonance, et dans d'autres il était considéré comme un continent vraiment intéressant. , Pour nous, c'est à peu près un continent. Ça semble plutôt OK, alors appelons ça un continent, celui-là. Cependant , , c'est notre triple ton. C' est une autre constante très forte ou une dissonance tellement comme le mineur. Deuxièmement, celui-ci est très dissonant. Donc voici deux dissonances les plus fortes sont une seconde mineure et un tri, ce qui est une autre façon de dire un quatrième augmenté ou un 5e 4e diminué qui est 1/2 pas trop grand ou 1/5. C' est 1/2 pas trop petit. Même chose. Continuons à voir ce qu'on a d'autre ici. On monte à la sixième, euh, pas une dissonance, parce que c'est un 3ème 1/7 inversé peut être considéré comme une dissonance, mais si vous mettez d'autres notes là-dedans, vous faites un accord 1/7, ce qui peut sonne vraiment sympa. Donc, septième est intéressant, mais si nous inversons 1/7 nous finissons avec une seconde. Donc, les mêmes règles de la seconde s'appliquent une seconde majeure, euh, est plutôt dissonante, mais une seconde mineure est très dissidente. Donc, si nous inversons cela, cela signifie qu'un septième majeur est aussi dissonant qu'une seconde mineure. Ah, si c'est déroutant, passez en revue les règles sur l'inversion de la théorie. Donc un septième mineur, qui est ce que nous avons ici, euh, inverse en une seconde majeure. Donc c'est un peu dissonant, mais pas une tonne. C' est un peu dissonant si on passe à un septième majeur qui inverse à une seconde mineure, donc c'est assez dissonant. Ah, alors appelons-la nos plus fortes dissonances. Trois. Une seconde mineure, une tri tonalité et une septième majeure. Une seconde mineure, Regardons nos cordons pour que je ne veuille pas passer par tout le système de progression des accords diatoniques ici. Ah, nous l'avons fait dans d'autres cours, alors vérifiez que si vous avez besoin d'aide pour trouver quels accords vont entrer, quelle clé ? Mais ah, tu te souviens de cet accord construit sur tonic ? Faisons-le ici. Ok, donc un accord majeur en do, un court d'accords construit sur tonic tout de même chose qui sera notre accord le moins dissonant dans n'importe quelle clé. Si on est dans la clé du do majeur, on va voir si on est dans la clé du ré majeur. Ça va être D etcetera. Hum, ça va être libéré. dissonant. C' est difficile de dire ce que sont les accords les plus dissonants, c'est parce que je pourrais dire, toute combinaison de notes dissonantes sera notre accord le plus dissonant. C' est difficile de dire ce que sont les accords les plus dissonants, c'est parce que je pourrais dire, , Parlons de notre cordon de tensionleplus le . Ce sera probablement notre accord de cinq. Si j'utilise juste des accords majeurs et mineurs parce que nos cinq accords veulent toujours mener à la seule cour, ça a cette tendance, non ? Alors que cinq tribunaux va être notre meilleure façon de créer ce genre de tension parce qu'il a un peu où il veut aller, et plus nous restons là plus longtemps, nous l'empêchions d'aller là où il a l'impression qu'il besoin d'aller, qui est ce qui attire l'attention. Donc, ce cinq accords en soi n'est pas dissonant, mais , ah, il a le sentiment de vouloir revenir à un accord. Euh, et maintenant tu le veux en quelque sorte ici. Encore une fois , , on pourrait le rendre encore plus fort en y ajoutant 1/7 qui se sent encore plus comme ça devrait revenir à un. Donc, ça va se sentir bien. Cela se sentira confiant. On dirait qu'on s'est retirés. Ah, et c'est quelque chose de plus loin, et il y a un peu de tension là-dedans. Et puis nous revenons à cela, c'est ce que nous voulons faire. D' accord. Et si je faisais ça ? Et si je mettais un peu de repos ici pendant cette mesure de repos, on aura l'impression d'attendre ce cordon. Ça va être un silence de tension, parce qu'on va vouloir que cet orteil arrive, et c'est qu'on va l'attendre ici. Alors écoute-moi. J' ai dit que pendant ce repos, tu disais Où est cet accord ? C' est de la tension, et c'est la libération. Donc, ce que je veux faire dans cette section est de regarder quelques façons différentes. On joue avec un accord sur cinq pour créer ce genre de libération de tension. Nous savons déjà travailler avec les progrès de base. Ce que je veux faire, c'est parler de quelques traitements différents pour cette relation tonique dominante . C' est ce qu'on appellerait ça. C' est tonique. Ceci est dominante relation tonique si dominante un couple de façons que nous pouvons regarder cela pour créer encore plus d'attention que d'avoir juste une progression du noyau rempli de tension. , Ok, alors passons à une autre vidéo, et on va parler de prolonger les cinq pour un moment. 23. Dominant prolongé: Ok, parfois on peut créer un effet vraiment cool en prolongeant la dominante pendant un certain temps. Alors regardons comment on pourrait faire ça. Disons qu'on est toujours en do majeur, mais je vais faire quelque chose comme si je vais faire quelque chose de vraiment évident ici. Disons qu'on est toujours en do majeur, Ok, presque des clous à la maison. Vous voyez, Major ? droite. Alors faisons quelque chose où nous voulons vraiment mettre ça dans sa tête. Donc c'est peut-être le faire trois fois. Maintenant, passons ça à la dominante. Ok, je fais juste ça sur sol majeur. Et faisons-le peut-être trois fois. Bien sûr. Maintenant, au lieu d'y retourner, Teoh le tonique ici, continuons à jouer avec le dominant. Plus je peux le faire, plus ah, l' attention sera créée. Alors ajoutons la septième. Ok, donc maintenant je laisse le G. mais je vais toujours aller à l'application Be D. Donc, j'ajoute dans la septième. Je suis juste en train de monter la balance. Je vais le refaire, et je vais aller dans un g donc je suis juste en train de monter les inversions ici. Oups. Je l'ai mal fait. Je veux commencer sur D. Oops. Ok, faisons-en un de plus, mais maintenant, passons une minute sur un D ou sur un accord G. Un accord g sept. Je vais juste une sorte de nouilles par ici, entre les deux. Je vais juste entre les différentes notes qui travaillent mon chemin vers le bas. Oui. Um, ouais, ouais. Et bientôt les groupes, euh, deviennent un peu trop bas à mon goût. Tu peux retourner à un G. Ok, maintenant, j'ai prolongé cette dominante pendant un certain temps. Alors maintenant, voyons si ma résolution pour voir que nous allons travailler après tout ça. Alors que c'est là-dedans. Donc, ce voir ici devrait se sentir très bien accueilli après tout ça, parce que pendant tout ça, je joue juste des notes dans l'accord G 7, et je suis juste en train de courir autour. Au début, je fais le même modèle que je déplace le modèle vers le haut. Puis je monte et descend, en bas, en bas et en bas et en bas et en bas et en bas et en bas et puis je résouds pour voir, alors voyons ce qui se passe. On veut que ça se sente comme si on était juste dans cette animation suspendue de cet accord dominant pendant une longue période. Je pense que ça marche. Vous savez quelque chose qui aiderait ce genre de geste beaucoup serait, sont à la retraite ici, juste ralentir un peu. Et puis cela aiderait à le pousser dans leur. Mais ne faisons pas ça juste parce que nous nous concentrons sur l'harmonie ici maintenant. Une chose. C' est bizarre. Je pense que j'ai une mauvaise note ici, euh, euh, en lisant beaucoup plus bas dans les lignes du grand livre. Donc c'est un de si D c B a. C'est une mauvaise note. C' est ce que je veux. Way go. Hum, je déteste lire les lignes du registre des prêts. C' est dur pour tout le monde. Ok, mais je crois que j'ai fait mon point. Je pourrais prolonger cette dominante Regardons ça. Donc, si je regarde tout ça en une seule fois, OK , donc tout ça d'ici à ici est dominant. Ce cinq accords. Donc je l'ai juste, genre, étirée et étirée, que quand c revienne enfin, le tonique, on dirait que, Oh, Oh, on est de retour. Tu sais quoi ? Nous étions dans ce voyage pendant un petit moment, et puis nous sommes revenus. Donc prolonger l'accord dominant peut être quelque chose de vraiment précieux pour créer ce genre de sentiment de tension et de libération. 24. Résolution privilégiée: Donc, pendant que nous sommes sur ce genre d'exemple particulier, je voudrais parler très rapidement de mettre l'accent sur la résolution. Il y a des choses que nous pouvons faire qui nous rendront encore plus puissants en matière de résolution. L' un d'eux, je viens de mentionner la dernière vidéo qui met un peu à la retraite là-bas signifie ralentir. Si je n'ai jamais expliqué ça. Alors voyons si le score amuse me laissera faire ça. Je ne sais pas si j'ai déjà mis un retraité. Ok, donc, euh, je ne peux pas comprendre comment écrire dans un score à la retraite dans Muse. C' est un peu dur. Nous utilisons le théâtre Alec R I t et puis une ligne généralement ainsi, mais je peux le faire manuellement juste avec ce petit truc de tempo ici. Donc je vais le faire juste pour le souligner. Alors ce que je vais faire, c'est qu'en arrivant ici, je vais commencer à ralentir, à ralentir et à ralentir. Et là, nous reviendrons à notre rythme initial. Et ça se sentira encore plus puissant. Laissez-moi vous le démontrer ici. Alors passons à une centaine. Theo Theo, très subtil, tu sais, j'ai juste ralenti un peu, mais c'est toujours juste, genre, vraiment, ça pousse dans ça. Une autre chose que vous pouvez faire comme ça. Pour vraiment souligner la résolution ici est avec le volume. Et ce n'est peut-être pas la façon dont vous penseriez pouvoir le faire de cette façon. Donc c'est un crescendo. Donc ça veut dire que les choses deviennent plus fortes. Et puis, ah, affaiblir Donnez une dynamique ici pour sauver Forte. Donc si on doit le faire au début, on doit dire quel volume on est. Disons piano, ce qui veut dire calme. Donc, nous sommes silencieux et nous entrons plus fort dans la résolution. C' est une façon évidente de le faire et laissez-moi vous montrer à quoi ça ressemble, mais que je vais vous montrer une autre façon qui peut parfois être encore plus efficace. - Ok , donc on s'est mis plus fort dans la résolution, tu sais, genre, un peu soigné. Mais regarde ça. Et si on le faisait à l'envers ? Parfois, cela peut être beaucoup plus efficace. C' est un 40. Leur forte est forte. Et là, disons que le piano signifie silence. Et là, nous ne ferons pas un crescendo, nous ferons un jour crescendo signifie se calmer. Donc maintenant, si nous combinons ces deux sont nous faisons un retard ralentissement, plus un crescendo jour. Ça peut être très puissant parce qu'on va être autorisé. Alors on descend. En bas. Don, ne, euh, ne... pas, tu sais, pourrait être très efficace. Ah, essayons-le. Je pense que bien, nous sommes devenus plus silencieux menant à leur mais parfois cela peut attirer encore plus d'attention à elle. Donc tu n'as pas toujours à aller plus fort au point où tu veux des gens ici. C' est vraiment un contraste que vous voulez que les gens entendent, donc parfois vous pouvez vraiment le retirer. Et cela attirera l'attention des gens. Ok, donc je veux juste souligner ces deux choses pendant que nous étions sur cet exemple. Ensuite, passons à autre chose et parlons des tons de pédale. Une des astuces préférées ah des compositeurs de film dans la prochaine vidéo 25. Tones de pédales: Ok, ton de pédale. Ce sont Superfund. Ce que cela signifie, c'est qu'il le considère comme une note basse, bien qu'il ne soit pas nécessairement une note basse. Mais juste pour l'expliquer. Laisse-moi. Reste à l'idée d'une note basse, une note basse qui va juste, Tu sais, c'est comme ce long bas drone d'une note qui passe sous la musique que nous entendons, et ça change complètement le façon dont ça sonne. , Je crois, et ça pourrait être mal, mais je crois que le terme tonalités de pédale vient d'une pédale d'orgue, donc ils jouaient quelque chose avec leurs doigts, et ensuite ils ont les pédales C'est comme une prise sous le clavier. Mais ce sont des notes très basses, alors regardez ça. Ah, voici comment j'aime expliquer les tonalités des pédales et montrer à quel point elles peuvent être puissantes. Alors je vais Teoh, non ? Une petite mélodie ici, une mélodie qui est probablement familière. Ok, restons-en avec ça. Ok, donc voici Mary, chef de l'agneau, évidemment. Allons-le un peu. Je vais répéter ces quatre barres plusieurs fois. Les 4 premières barres de Mary avaient un peu d'agneau parce que je veux faire beaucoup de contexte. Maintenant, je l'ai écrit en ut majeur. C' est important. Gardez ça à l'esprit. Ok, c'est bien. Maintenant, ajoutons un autre personnel ici que je pourrais le faire sur le même personnel, mais je veux juste Teoh. C' est un peu plus facile de voir si je fais ça sur une seconde portée. Alors je vais aux instruments. Faisons même ça dans un instrument différent. Ajoutons une base. Ok, donc je vais ajouter une partie basse à ça. Alors rappelez-vous, c'est ce que nous avons. D' accord ? Juste encore et encore et encore. Maintenant. Oups. Descendez ici. Et je vais ajouter juste la note entière et ne l'ajoutons même pas ici. On va le faire entrer la deuxième fois. Maintenant, nous sommes dans la clé de C. Donc voir serait une bonne chose à faire. Souviens-toi, je suis dans la clef de basse. Et ce petit symbole ici, ce huit qui traîne là-bas, ça veut dire qu'on est dans la clef de basse et qu'on est actifs en bas. Donc on est vraiment bas ici, donc je vais écrire un G. C'est les cinq, tu te souviens ? Hum, et je vais faire une octave sur, mais je vais juste laisser rester assis là et traîner longtemps, c'est le ton de la pédale. Attachez-le ensemble. Laissons ça passer longtemps. Ça suffit. Attachez-les entre les deux ensemble. Ça va donner à Mary un peu d'agneau, une sensation différente, mais c'est sur Lee le début. Ça va donner à Mary un peu d'agneau, une sensation différente, OK, alors vérifiez. - Ok , ça va presque. Cet instrument chez Joe sonne comme une corne de brume. Euh, mais tu comprends le point. C' est cette note qui va en quelque sorte là-dedans, et ça change toute la sensation de ça. Ça peut prendre ah, sinistre. Selon la note que vous utilisez, nous utilisons le dominant, donc il a une sorte de Ah, un inconfort pour elle. Mais pas une dissonance extrême, nécessairement. Mais pas une dissonance extrême, extrême, C' est un peu entre un, mais ça te distrait de la qualité majeure de la mélodie. Maintenant, une chose que nous pouvons faire ici, c'est que je veux revenir à la pédale dans une seconde. Mais ce qui se passe si je commence à bouger autour de cette pédale et que l'une des choses que j' aime vraiment faire est juste de la déplacer vers le bas chromatique Lee. C' est complètement fou. Cela en fait un peu pas un ton de pédale, parce que rappelez-vous, un ton de pédale, un ton de pédale signifie qu'il ne bouge pas. Mais écoute-moi. Je vais juste déplacer ça vers un F et là je vais le déplacer vers un e. et là, on devient vraiment bizarre quand on est descendu dans un e appartement. Donc, nous allons totalement chromatiques ici. Ok, alors écoute-moi. Ça va sembler pur mal. - Ok , vous avez le point pour commencer à déplacer cette note basse ou chromatique Lee, et vous commencerez à obtenir ces sons vraiment sinistres et ils nous tirent de plus plus loin De C. Et parce que nous sommes dans la clé du cessez, nous voulons entendre. Tu vois ? Donc si j'ai fait ça et là, je nous ai ramenés pour voir que C va se sentir incroyable. Oh, écoutons encore une fois. Parce que maintenant nous en résultons. C' est juste quand ce voir est finalement arrivé. C' était comme si le ciel s'ouvrait d'une manière bizarre. Donc, c'est une autre utilisation comme ajouter ces notes de chargement était de le déplacer. Ce n'est pas exactement un ton de pédale, mais pendant que nous sommes là, je voulais le souligner. Revenons maintenant aux tons de pédale. Um, je veux parler de résoudre un ton de pédale d'une manière bizarre, alors allons à une autre vidéo pour ça. 26. Résolutions de longues résolutions de Tones de pédales: J' ai donc écrit une fois une pièce qui avait un ton de pédale pour toute la pièce, du début à la fin, elle a résolu. Et je veux te montrer ce sentiment. La pièce que j'ai écrite durait environ 10 minutes, et je ne vais pas te le faire, mais je veux que tu saches à quel point ça peut être puissant. La pièce que j'ai écrite durait environ 10 minutes, et je ne vais pas te le faire, Alors poussons ce G vers l'extérieur, extérieur, extérieur, jusqu'à la fin de ce que j'ai là. Ok, donc la dernière fois que Mary a fait entrer un peu d'agneau ici, on va aller à un siège. Donc nous avons entendu ce G depuis si longtemps, et puis tout d'un coup, nous allons nous décider de voir que c'est juste une sorte d'exemple de dynamite, plus vous prolongez les cinq, plus le tonique est gratifiant. Donc, il y a le tonique à la fin, et il va partout à la fin. D' accord ? Alors supporte avec moi. Écoutons ça une fois de plus et ça et écoutons cette résolution basse, hum, tout seul, sans aucune autre motion dedans. On y va. Ça vaut la peine juste après tout ce temps, on a eu ce C et c'était comme, Oh, mon Dieu, j'en avais besoin. Tu sais, hum, tu peux faire ça et ça n'a pas besoin de l'être, comme te frapper par-dessus la tête avec ça comme on le fait ici, non ? Tu peux le faire. Et des façons beaucoup plus subtiles. Le même effet. Comme déplacer la tonalité de la pédale vers une voix supérieure quand elle est dans cette grande base énorme en bas, c'est très comme, vous savez, euh, euh, flagrante, presque vulgaire d'une certaine façon. Mais ça n'a pas à l'être. Ça pourrait être plus subtil. Hum, donc je veux parler de mettre ces sons de pédale dans une voix plus haute. Suivant. Alors passons à ça. Et puis je vais te donner un de mes exemples préférés de tout le temps. 27. Tones de pédales en voix plus: D' accord. tonalités de pédale peuvent être tout aussi efficaces dans la voix supérieure. Laisse-moi me débarrasser de tout ça. Non. Une chose qui est différente dans la voix supérieure est qu'elle a tendance à ne pas soutenir aussi bien. Voici une des astuces que j'aime faire. Je vais ajouter un autre instrument, instruments, et je vais juste ajouter un autre piano, mais comme, la main droite d'un piano. Alors débarrassons-nous de cette contrebasse et de la main gauche. Ok, donc maintenant j'ai deux pianos, les deux trucs de clé de problème. Donc, ce n'est pas basé club. C' est la classe des problèmes. Je vais mettre ça plus haut que l'autre. Alors voici ce que je vais faire là où ça arrive. J' y vais. Teoh, mettons-le. Mettez-le. Battre deux et quatre. Voyons voir ça. D' accord. Je crois que je veux une octave plus haut, donc c'est un E f g. donc c'est un E f g. Et je vais juste mettre ça sur le pas. D' accord ? Maintenant, j'ai ce G qui est en train de pulser sur le pas. Je vais passer ça à travers tout ce truc sanglant. Ne vous inquiétez pas, je ne vous obligerai pas à écouter ce long et long truc à nouveau. Je veux juste en avoir le sens. Ok, Donc maintenant, effectivement, ce que j'ai c'est un ton de pédale ici. La tonalité de la pédale ne se maintient pas éternellement parce que je n'ai pas beaucoup soutenu dans cet instrument particulier dans un piano haut. Ça ne sonne pas éternellement. Donc ce que je vais faire, c'est continuer à taper cette note encore et encore et encore et nous laisser chercher du carburant pour ça. Il a à peu près le même effet, mais c'est plus subtil. Allons l'entendre. - D'accord . Effet similaire à la note basse sauf, euh, moins vulgaire. Disons que, hum, je pense que vulgaire est un bon mot pour ça. Maintenant, je peux faire la même chose en bougeant ça. Um, je pourrais commencer à prendre ça. Allons à un F, puis à un autre. F jusqu'à un e est une sorte de ce que j'ai fait avant, bien que ça bouge un peu plus vite. Donc encore une fois, cela signifie que ce n'est pas tout à fait un ton de pédale à ce stade. Allons D d Flat d plat et puis à un C, donc nous allons résoudre leur. Donc ce n'est pas vraiment un ton de pédale parce que, euh, ça bouge, mais, euh, tu sais, c'est toujours un ton de pédale. J' aime appeler des tons de pédale. J' aime le laisser se déplacer, mais je pense que par la définition la plus stricte, ce n'est plus une pénalité quand on commence à bouger. Mais c'est bon. Donc maintenant ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai fait le truc G pendant un petit moment, puis je commence le déplacer. Donc là, ça se résume à, euh, Rockets ici va à un F retour à un G à un e 2. Tout deux a d d plat d se résout finalement à un C. Donc à travers ce que cela fait pour nous. Intéressant. ce moment, évidemment ici. Quel était l'intervalle le plus dur de notre tonalité de pédale ? C' était juste ici. Et voyons pourquoi. Parce que c'est en D. Quand on met ce D à plat, ils se heurtent à toutes ces autres notes qu'on a. Quelle est la relation entre D Flat et notre clé, qui est C. C'est cette seconde mineure dont on a parlé, non ? Ce sera l'un de nos intervalles les les plus durs pour le faire. Cet intervalle vraiment dur aide, cependant, cependant, dans ce cas, nous pousser à ce siège parce que la dissonance conduit à ah veut être résolu , qui est un continent. Donc, cette dissonance mène à un continent. La tension conduit à une résolution. Impressionnant. Ok, en haut, je veux te donner un exemple de ça dans un morceau de musique que j'aime tellement, donc, tellement. C' est mon exemple préféré de tous les temps de ce genre de ton de pédale supérieure. Utilise Ah, pendant très longtemps. Hum, mais crois-moi, c'est un morceau cool, alors faisons-le dans la prochaine vidéo. 28. Exemple de Ventolin: D' accord. Ce qu'on va entendre ici, c'est une chanson d'un artiste électronique appelé Aphex Twin. Si X twin est un mec britannique nommé Richard D. James, il met de la musique en tant que jumelle d'effets. Si X twin est un mec britannique nommé Richard D. James, Des trucs vraiment intéressants. Il est un peu un du genre, je suppose qu'on pourrait l'appeler les parrains de la musique Elektronik . Il faisait des trucs vraiment progressistes très tôt. Ah, un innovateur. Un mec vraiment génial. Maintenant, ce morceau de musique en particulier est un petit flacon, comme il fait ici. Ce qu'il fait, c'est qu'il introduit tout de suite ce son cri. Et puis ce genre de beat se passe tout autour, et ce n'est que jusqu'à la fin dans les 30 dernières secondes de la chanson quand ce son très haut cri se met en bas, je pense que c'est tout un pas. Et ce léger mouvement est si gratifiant. Tu es genre, Oh, mon Dieu, cette chose a finalement bougé. Il a juste un tel pouvoir parce qu'il dure si longtemps. Alors je veux que tu écoutes. Cette piste je ne peux pas juste avancer rapidement vers la partie où il se déplace parce que vous n'aurez pas le vrai sens de cela. Euh, alors regarde ça. C' est un Aphex Twin. La chanson s'appelle Ventolin. Alors, on passe ton oreille sur ça. Une autre chose que vous allez entendre est dans cette chanson, cette fréquence élevée. Il commence à vaciller un peu comme s'il ne changeait pas de hauteur, mais il devient un peu comme si c'était comme si c'était à peine accroché comme s'il essayait de continuer. Mais certaines choses, comme essayer de l'arrêter. Hum, et cela ajoute même à la tension de ça, aussi. D' accord. Appréciez quelque chose. - Way , way, way. D' accord. 29. Combiner des techniques: OK pour cette dernière section. Parlons d'obtenir le plus grand coup pour notre argent en combinant plusieurs techniques. Et c'est une sorte de ah, ce qu'il s'agit vraiment de tout, comme nous avons regardé comment créer le sentiment de tension et de libération en utilisant différentes techniques. Mais dans la plupart des cas, , on va utiliser plus d'un pour le faire. Eso j'ai entendu un exemple qui utilise deux techniques, et nous pourrions en quelque sorte faufiler 1/3 là-dedans si nous le voulions vraiment. Et c' c' est tout ce qu'on a déjà regardé, mais c'est un peu ensemble. Alors voici Mozart. Bon vieux Mozart, je devrais dire vieux parce qu'il n'a jamais été particulièrement vieux. Mais, euh je suppose que historiquement c'est vieux nous remorquer. Mais je voulais dire qu'il n'était pas devenu un vieil homme. Vraiment, il est mort assez jeune, mais, euh sonate et voir une belle, jolie pièce. Je veux regarder court, petit extra Pierre Ah, du début à ici. Donc on commence en do majeur, c'est un accord en do majeur ici, donc on va d'un océan à l'autre maintenant. Il va Meander Teoh aux cinq et à travers ces trois bars nous donner ce sentiment d'animation suspendue flottante avant de nous résoudre à ici va passer assez vite . C' est un exemple rapide. Mais je pense que vous aurez l'impression que dans ces trois bars, nous sommes différents et nous attendons d'y retourner. Ok, alors écoutons ça. Et puis, euh, j'en parlerai une seconde, Theo. Ok, c'est ça. Alors, écoutons ce qu'on a vraiment entendu là-bas. Donc nous avons entendu un tas de do majeur. On pourrait analyser ça et dire, OK, c'était une longue corde. Il y a un accord de cinq. Il y a, tu sais, tout le reste, mais ne nous enlisons pas tout de suite. Hum, passons à ce qui se passe ici. Donc on commence à voir ah, genre rythmique de, ah, chose rythmique sinueux ici, non ? On monte et descend, de haut en bas, haut en bas. Donc ce n'est pas différent de ce que nous avons vu avec ce genre de truc d'obfuscation de modèle. Donc, le rythme commence à courir et à aller partout. Donc c'est une chose deux. Regardons ce que font les cordons ici. Donc on est dedans. Tu vois ? Ici, nous avons un F et dans un Donc nous allons à un accord quatre. Ensuite, nous réitérons les quatre accords, et maintenant nous allons à un autre accord. Nous allons à un C E et G s. Nous revenons à un accord, en fait un autre accord. Mais nous courons toujours parce que nous commençons ça sur un G. Ça nous donne l'impression que nous sommes dans cinq zones comme une zone dominante. Euh, donc ça ressemble vraiment à un accord de cinq, ici. Maintenant on va aller à un C A D et un F si on avait besoin de mettre ça dans une triade, comment pourrions-nous le faire ? Il manque un ah, ce qui en ferait unaccord D 7, qui est Ah, mineure 7 corps. Il manque un ah, ce qui en ferait unaccord D 7, qui est Ah, mineure 7 corps. Il manque un ah, ce qui en ferait un accord D 7, qui est Ah, qui est Ah, Ce serait une mineure à la corde. C' est bizarre, mais c'est suspendu. On pouvait aussi voir comment il se déplace vers le bas au bout de la barre. Ici, nous avons un d, un B et un autre B pour que je sache que ça semble bizarre mais je pourrais appeler ça un cordon g , peut-être même un accord G sept. Voici un G et voici notre septième dans ce dernier temps. Alors que le G n'est pas en ce moment, je suis heureux d'appeler ça un accord G 7 qui nous pousse vraiment vers cet E. Et puis nous sommes de retour à un C. Donc, en d'autres termes, tout cela est une sorte de suspendre un Appelons ça et non tonique, non ? Comme où sont loin de tonique quelque chose d'autre que tonique. Et nous sommes en quelque sorte en train de se déplacer et de courir à travers ces séquences, attendant de nous résoudre à voir. Donc c'est une séquence harmonique. Donc, nous avons les cordons qui créent la tension et le rythme qui crée la tension, tous vers cette sortie juste ici. Maintenant, il pourrait y avoir 1/3 chose qu'on pourrait grincer là-dedans où si on jouait vraiment ça , on pourrait se faufiler un peu à la retraite juste ici. On pourrait ralentir juste un cheveu pour vraiment mettre l'accent sur ce décalé, peut-être, ou peut-être pas. Dans ce cas particulier, nous pourrions attendre que cela se produise tout le long pour entendre, mais je ne voulais pas aller jusqu'ici parce que d'ici à ici est en fait une modulation, dont nous parlons quelque part dans une classe différente dans l'une des classes théoriques. La modulation signifie qu'il déplace les touches temporairement. Donc nous allons en parler ou regarder la classe de théorie pour obtenir plus d'informations à ce sujet. Hum, ça fonctionne en fait de la même façon. Si nous allons jusqu'ici va guérir une résolution plus forte. Mais parce qu'il commence à se faufiler dans ces foulures, ça commence à nous pousser vers G. et on a résolu g ici. Jouons ça pour que tu puisses l'entendre. Donc ce que nous faisons ici, c'est que nous créons un sentiment de tension. Relâchez là où il y a de la tension ici dans ces trois barres, relâchez ici pour voir Major et ensuite d'ici ont créé un mot à dire, un sentiment de tension. Et puis, avec ce f pointu, on va pousser ça pour que G devienne notre libération. C' est un peu comme un tour de tour de main, comme un petit tour de magie, sorte de là où la sortie va en fait être dans une autre clé. Mozart était vraiment bon à ça. Allons l'entendre comme ça. Donc ça ressemblait à une libération ici, mais c'était en Iran. Gardez c'était This is G. C'est ah R libération dans G. Alors comment il a fait c'était plus de rythme, plus d'harmonie, rien. Dans ce cas particulier, avec des changements de compteur ou des changements de forme, il sera difficile de dire que quelque chose se passait avec la forme dans ce court d'exemple. Mais vous pourriez ajouter que dans le point que j'essaie de faire ici, c'est que nous voulons combiner plusieurs choses pour vraiment nous donner ce sentiment de tension et de libération. Alors considérez que lorsque vous écrivez 30. Exemple de Kinesthesie, Mouvement 7: Ok, regardons un exemple. C' est un autre exemple du mien. C' est un peu compliqué. je voulais Maisje voulaiste donner un exemple plus compliqué. Et c'est un que je connais assez bien, parce que je l'ai écrit. C' est un morceau que j'ai écrit. Ah, tout va pour le quatuor à cordes avec, ah, tout un tas de trucs électroniques qui se passent dedans. Um, dans. Donc c'est un truc de huit ou neuf mouvements appelé « Keenest Asia » en deux parties. C' est le huitième ou regrettable septième mouvement. Et donc c'est un peu comme le grand point culminant de tout ça. Et il y a quelque chose que je fais ici qui crée un sentiment de tension et de libération que je voulais souligner. Je déteste montrer mes propres trucs comme je l'ai fait dans cette classe. On dirait que j'ai un énorme ego. Mais c'est vraiment facile d'expliquer mes propres trucs parce que je peux vous dire exactement ce que j'ai fait pour créer ce genre de sentiment. Euh, donc mon ego n'est pas si grand ? C' est juste des exemples pratiques. Donc, avec cela dit, regardons une partie de ma musique. Euh, donc dans ce morceau, il y a beaucoup de chaos. C' est un mouvement très chaotique. C' est le grand genre de finale. C' est une pièce d'une heure, et ce mouvement est le genre de grande finale de tout ça. Il y a encore un mouvement, mais c'est comme mais c'est commeune sorte de souffle. C' est un super calme, super frais. C' est la grande fin. C' est aussi assez long, donc je vais le jouer Ah, et en parler, qui encore ? C' est aussi assez long, donc je vais le jouer Ah, et en parler, Hey, fais Mais supporte avec moi. Alors on y va. D' accord. Alors garde ton oreille dans ce loyer de violon, parce que je vais l'utiliser pour faire un petit tour en gros dans un certain temps. Donc je vais laisser ça jouer pendant un moment pour que tu aies vraiment le sens de ce que j' essaie de faire. Je reviendrai quand on arrivera à la partie pertinente. Mais sans toute l'accumulation, je ne pense pas que tu l'auras vraiment. Alors je vais me taire une minute. - Voici une sorte de point de pédale que j'ai écrit dans le violon crée un grand sentiment de tension ici. en attendant que ça revienne à ce chaos. C' est vraiment une accumulation arythmique, tu sais ? Mais ce qui va arriver, c'est qu'on ne va pas récupérer ce chaos. Je vais prolonger la tension pendant à peu près les cinq prochaines minutes. Maintenant, ça va devenir encore plus chaotique. Différent. Donc, pour le prochain petit peu, tout va s'écrouler dans ce bâtiment sur cette attention, il y a ces comédies musicales. Ils vont venir en rythmiquement et harmonieusement forme sage. Fais tout pour que ce n'est pas la fin qui arrive. Maintenant, c'est la sortie, en fait, et les sorties seront toutes faites juste avec une caisse claire. C' est ce que j'essayais de faire ici. Donc on se calme. On va prendre des violons dans une seconde. Ils vont introduire une nouvelle harmonie, mais ça ne sera pas vraiment résolu. Alors voici ma nouvelle harmonie. La résolution va venir de deux endroits. L' un est la caisse claire qui est sur le point d'entrer. C' est la chose qui nous donne enfin un sens rythmique du pouls que nous n'avons pas eu depuis le tout début. Tu sais, il y a six minutes. Donc ça va le résoudre rythmiquement en nous donnant ce backbeat et rien plus, mais ça a un sentiment très accueillant. Voilà donc, votre résolution de caisse claire. Ouais, et soudain, on dirait que peut-être qu'on va aller bien au milieu de tout ce chaos, comme un chaos violent pur. Maintenant, il y a une autre chose qui arrive ici que je veux souligner. Il y a notre mélodie de violon depuis le début qui revient, mais elle est décalée par une huitième note. J' ai donc fait quelques changements de compteur ici pour créer un sentiment de libération ici, parce que maintenant que le violon est plus aligné sur le rythme qu'il ne l'était avant. Avant qu'il ne commence sur le downbeat avec un et fait pour une Syncopation bizarre, Donc l'accent était sur le off. Maintenant, les accents de retour sur le temps perdu parce qu'il y a un petit ramassage à elle. En d'autres termes, c'est un peu simplifié, et cela correspond à l'harmonie que nous n'avions pas auparavant. Et maintenant nous obtenons une belle harmonie propre. C' est une sorte de résoudre tout ça, juste une sorte de résolution comme une heure de musique, que je ne veux pas jouer pour toi tout notre ici. Donc ce petit bip est en fait une sorte de transition vers le prochain mouvement, qui est cette chose vraiment calme, éthérée pour toujours, laquelle nous n'avons pas besoin d'entrer. Le fait est qu'il y a tout un tas de techniques utilisées pour créer ce sentiment de tension tout au long. Ah, tout, comme six ou sept minutes de tension et puis cette libération très douce et subtile. C' est un peu comme ce que je vous ai montré il y a un moment où nous disions, parfois la sortie n'est pas la plus grosse chose, mais c'est la chose la plus subtile. Et ça pourrait être une version plus chaude et plus accueillante. Et ça pourrait être une version plus chaude et Ah, puis frapper quelqu'un par-dessus la tête avec. Et dans ce mouvement particulier, je devais avoir une sortie plus calme et plus subtile parce que j'ai frappé l'auditeur sur la tête avec un marteau. Avec tout le chaos dans tout le mouvement que je n'avais nulle part où aller, je ne pouvais pas le faire plus grand. J' ai donc choisi une version qui s'est glissée, est devenue plus calme et me sentait plutôt gratifiante. Je pense à moi de toute façon. Ok, euh, ne parlons pas de la façon dont cela s'applique à la musique de film 31. Intersections de film de l'exemple: Je veux vous jouer un de mes exemples préférés de musique de film. Même si cela ne vient pas d'un film, c'est d'une émission de télévision, mais c'est un morceau de musique vraiment étonnant, et c'est quelque chose dont nous avons déjà parlé. Nous avons déjà parlé de Philip Glass et comment il utilise la répétition, points de pédale, les pédales, Ah, rythme ah et le compteur pour créer un sentiment de tension et de libération. Maintenant, quand nous travaillons sur un projet de film, nous essayons toujours de créer des tensions et de sortir parallèlement à ce que les cinéastes tentent de faire. Donc, ce que nous faisons, c'est qu'un cinéaste pense toujours à la façon dont il crée de la tension dans une scène, et ce que nous devons faire est de complimenter cela et de l'aider à être encore plus fort avec la musique. Et j'aime cette scène parce qu'elle le fait de tellement de façons différentes. Donc je vais juste le jouer, et je veux que vous réfléchissiez à et je veux que vous réfléchissiez à ce que la musique contribue à ce sentiment de tension. Pensez au rythme. Pensez aux pédales en particulier, ce genre de grosses notes basses, ces grosses basses notes basseset inquiétantes qui pourraient se produire. Ce n'est que du piano solo, pas de l'orchestre. Et c'est en fait une pièce de Philip Glass. Et le spectacle qui vient de Battlestar Galactica était l'un de mes spectacles préférés. Hum, alors regardons ça. - Les yeux éteignent le courant. Quelque chose à propos de la douleur, pas toi. C' est mon père. Nous reviendrons. Tu sais, comme les courses. - Tu sais, je n'ai jamais vraiment aimé cet endroit. Quoi qu'il en soit, c'était un travail d'été ici. Je travaille juste sur un enrouleur. C' est un crime. Euh, hein. Après l'attaque, Jamais. Pas le temps. Merde. a jamais manqué. Vues stupides, parking, toilettes cassées dans une salle de bain. Tout le monde que je connais se bat pour revenir. Quoi ? Ils avaient des conclusions. Je ne sais pas faire autre chose. Ce n'est pas mon vaisseau. Bien sûr l'est. Comment va le tien ? Quand il se réveillera, on décidera de quoi faire. D' accord ? D' accord. 32. Composer pour les films: une dernière chose à propos de cette idée d'écrire de la musique sous l'angle de la tension et de la libération . Peut-être que plus d'une chose quand on écrit de la musique, on y pense toujours. Peut-être que plus d'une chose quand on écrit de la musique, on y pense toujours. Peut-être que plus d'une chose quand on écrit de la musique, On se dit toujours, où je vais ? Droit. Quel est le niveau de tension ? Comment puis-je le résoudre si je vais le résoudre ? Et puis qu'est-ce qui vient ensuite ? Je suis toujours en train de le construire et de le retirer. C' est toujours ah, remorqueur de guerre avec libération de tension. Et il est quelque chose qui informe tout ce que nous En ce moment, écrire pour le film est une pépite vraiment intéressante quand il vient à cela, parce que nous n'avons pas sur Lee à penser comment cette musique peut-elle avoir un sentiment de tension Libération dans une poussée et tirez. Mais aussi, comment ça vient compléter la scène ? Mais aussi, Et comment cela réalise-t-il ce que les réalisateurs tentent d'atteindre ? Parce que si ça n'atteint pas ce que les réalisateurs essaient d'atteindre Ah, tu vas être viré si tu crée des tensions dans des endroits où le réalisateur ne veut pas tension, oublie ça. Tu sais, il va trouver un autre compositeur. Et ça arrive tout le temps. Au fait, , il y a des tas de cas célèbres où les compositeurs ont été célèbres. Les compositeurs ont été licenciés d'un film. Et un autre compositeur vient faire le film. Il y a quelques cas assez célèbres de compositeurs qui ont écrit des bandes sonores à des films entiers , et j'ai été coupé. Ah, et quelqu'un d'autre est venu le faire parce que, ah, ce que le compositeur écrivait ne correspondait pas à ce que le réalisateur avait imaginé. Certains pourraient prétendre que c'est en fait un problème que le réalisateur avait, parce qu'ils n'étaient peut-être pas assez clairs dans ce qu'ils voulaient. Mais c'est une toute autre boîte de vers. Le fait est que si vous ne pouvez pas contourner ces techniques de libération de tension que, ah, ah, vous n'allez pas réussir à écrire de la musique pour le cinéma, la télévision ou même des publicités, d'ailleurs. Euh, donc vraiment penser à ça ? Ah, et réfléchissez à ces techniques et à la façon dont elles se réuniront si vous êtes intéressé à écrire de la musique pour le cinéma. Maintenant, quand on écrit de la musique pour le cinéma, on pense toujours à cette musique sera-t-elle bonne seule ? Je pense toujours à ça de toute façon, , donc appliquer ces techniques à n'importe quelle musique de concert, piano, musique, musique pop, danse, musique, musique, n'importe quoi. Si c'est de la bonne musique, ça va avoir un sentiment de tension. Relâchez toujours, même si la sortie est juste une caisse claire, même si la sortie est une grande, énorme finale orchestrale sorte de cadence. Peu importe ce que tu fais, tu dois avoir cette poussée ou ça va être ennuyeux. Alors gardez cela à l'esprit, autant plus que nous abordons la musique de film, dont je veux parler dans la prochaine vidéo. 33. Prochain : Musique de film: Ok, c'est ce que nous avons réalisé. Ah, ma partie de classe de composition s'est trop concentrée sur l'intention et la libération. Maintenant, ce qui vient d'être fait allusion à ce qui vient ensuite, c'est écrire pour le cinéma et la télévision. Donc je vais commencer à travailler sur ce cours tout de suite. Probablement encore aujourd'hui. Hum, je suis vraiment excité à propos de la prochaine. Uhm, je vais vous montrer certains de mes projets de films sur mes projets de télévision. Même certains de mes projets publicitaires. Des trucs commerciaux. Je vais vous parler de la façon dont le processus fonctionne, comment vous y entrez. Je vais vous parler de la façon dont le processus fonctionne, Ah, et puis la mécanique, comment vous le faites réellement et ce à quoi vous devriez penser pendant que vous écrivez de la musique une scène particulière. Um, ça va être très amusant. Je suis vraiment excité par ce cours, alors s'il vous plaît continuer avec ces cours. Cherchez-la. Euh, bientôt, ça devrait être là. Je devrais en avoir fini. Et, eh bien, peut-être un mois ou deux. Euh, mais peut-être que tu prends ce cours, et il existe déjà. C' est très possible. Alors ah, restez là pour ça. Regardez autour de ce site pour ce cours. Je pense que ça va être une de mes meilleures classes 34. Merci et au salut !: D' accord, c'est la fin. Tout le monde. Merci à un groupe de traîner et d'avoir pris ce cours avec moi. Comme je viens de le dire, restez pour le prochain cours de la séquence, hum, sera dans la musique de film et, ah, laissez une bonne critique. Comme je viens de le dire, restez pour le prochain cours de la séquence, hum, sera dans la musique de film et, ah, Dites à votre ami de tirer quelques e-mails. Tweet à propos de cette classe ou d'une autre. Mes autres. les Regarde aussilescours de théorie de la musique. J' ai un tas de cours I technologie musicale qui est autour particulièrement capable de vivre un design sonore de synthèse. Et si vous avez besoin de brosser la théorie et que vous êtes plus dans la musique électronique, consultez ma théorie musicale pour les cours de musiciens électroniques là-bas. Ici. Il y en a trois en ce moment, et ce sont de loin mes classes les plus populaires. Les gens aiment vraiment ça, alors s'il vous plaît vérifier ça. Merci d' avoir passé du temps avec moi. Merci d'avoir acheté ce cours. J' espère que tu t'es bien amusé. des Laissezdesquestions ou des commentaires, et j'y arriverai. Je vérifie ces choses tous les jours. Hum et je les ai toujours répondu. On se verra dans le prochain cours ? Oui. Oh, mais avant ça, j'ai encore un petit segment. Et la prochaine chose où ah, vous offrir des réductions et des choses pour entrer dans mes autres cours sur le pas cher. Alors s'il vous plaît profiter de ceux-ci. Ah, j'adorerais te voir dans d'autres cours. Ok, au revoir. 35. SkillshareFinalLectureV2 en matière de qualité SkillshareFinalLectureV2: Hé, tout le monde veut en savoir plus sur ce que je prépare ? Vous pouvez vous inscrire à ma liste de courriels ici, et si vous le faites, je vous indiquerai quand de nouveaux cours seront publiés et quand j'apporterai des ajouts ou des modifications à des cours auxquels vous êtes déjà inscrit. Consultez également sur ce site. Je poste beaucoup de choses là-bas et je vérifie tous les jours. Alors s'il vous plaît, venez traîner avec moi et un de ces deux endroits ou les deux, et on vous y verra.