Techniques avancées de storyboarding

1. Storyboarding avancé: Salut, je suis Siobhan. J' enseigne l'animation et le storyboard, et ce cours est des techniques avancées de storyboard. Ceci est un suivi de ma première classe, apprendre à storyboard, qui couvre les bases de choses comme les angles de caméra et les prises de vue, travailler avec des modèles de storyboard, et comment miniatures un script. Si vous êtes tout à fait nouveau dans le storyboard et que vous souhaitez commencer avec une vue d'ensemble, vérifiez d'abord cela. Ce cours va vous emmener un peu plus loin. Il va vous aider à construire votre portefeuille afin que vous puissiez montrer à des clients potentiels ou même des studios ou des producteurs, et il va vous apprendre les techniques et les approches qui sont le plus couramment utilisées dans les storyboard. Voici ce que vous apprendrez dans cette classe. Vous allez apprendre à dessiner des poses dynamiques et à comprendre le dessin gestuel afin de l'utiliser pour poser des personnages. C' est un aspect crucial pour un animateur ou un artiste de storyboard. Je vais aussi vous expliquer ce que sont les feuilles de modèles. Je vais vous montrer comment vous pouvez travailler avec eux. Vous apprendrez tout sur les mises en page et les arrière-plans et vous apprendrez à dessiner votre propre mise en page en utilisant la perspective. Je vais également vous apprendre à identifier le point de l'histoire d'une scène ou d'une séquence donnée et vous montrer comment vous pouvez composer votre photo afin de souligner ces points de l'histoire. Ensuite, dans la dernière section, je vais tout vous apprendre sur le processus de narration linéaire. Vous découvrirez les techniques de réalisation et d'édition les plus utilisées pour le cinéma. De plus, vous apprendrez à structurer vos plans pour une séquence narrative. Cela inclura le dessin de modèles standard de storyboard, tels que la progression vers l'intérieur pour une séquence d'ouverture, ainsi que la recherche d'une autre séquence d'ouverture. Vous apprendrez quand couper, quand ne pas couper une scène. Vous apprendrez ce que sont les coupes de correspondance et ce que sont les branchements, comment les utiliser dans un storyboard et pourquoi elles sont si importantes. Je vais aussi vous apprendre tout sur les photos qui sont utilisées pour le développement du personnage dans n'importe quelle histoire. Ce cours est rempli de nombreuses mini-tâches que vous pouvez aborder pour pratiquer ces techniques. De plus, il y a un projet de grande classe, qui sera certainement votre pièce de portefeuille majeure. Je suis là pour vous donner des commentaires personnalisés détaillés sur votre travail. C' est votre chance de me montrer votre travail. Posez-moi toutes les questions que vous avez et surtout pour obtenir le soutien et l'encouragement dont vous avez besoin pour développer vos compétences en tant qu'artiste narrateur. Je vois ce cours comme une composante essentielle la première classe de storyboard et une occasion pour vous de faire vos prochaines étapes dans votre cheminement vers la d' un scénariste professionnel pour le cinéma ou l'animation. 2. Mes 3 meilleurs conseils pour dessiner: Nous sommes sur le point de plonger en profondeur dans les principales sections d'apprentissage de ce cours et je voulais juste commencer les choses en vous donnant quelques conseils de dessin pratiques à utiliser. Ces conseils sont vraiment simples, mais ne sous-estimez pas cela juste parce qu'ils semblent un peu évidents ou simples. Si vous les utilisez tous les jours dans votre carnet de croquis, vous verrez une grande différence. Astuce numéro un est quelque chose dont j'ai beaucoup parlé dans le premier cours de storyboard, et qui est de dessiner très lâche et très rude au début. Lorsque vous commencez à dessiner, commencez vraiment toujours à la lumière, ne dessinez pas de lignes lourdes tout de suite. Vous pouvez toujours nettoyer et affiner votre travail de ligne plus tard. Quand je dis lâche, je ne veux pas vraiment dire dessiner désordonné, même si ça peut sembler un peu désordonné. dessin lâche signifie que vous développez votre contrôle de crayon ou de stylo, et cela signifie également que vous développez votre confiance dans votre dessin. C' est souvent aussi appelé dessin gestuel, et je vais le couvrir en détail dans notre classe plus tard. Astuce numéro 2 est de tirer à partir de documents de référence. Cela pourrait être une surprise parce que je sais que beaucoup de gens pensent que l'esprit créatif est juste que vous êtes assis avec votre carnet de croquis et à venir avec des idées fabuleuses. En outre, beaucoup de gens pensent que référencer quelque chose est comme copier. Mais ce n'est pas du tout le cas, et je veux que cela soit très clair pour que vous développiez vos compétences en tant qu'artiste. En outre, dessiner à partir de référence est un très bon moyen pour vous d'apprendre à dessiner la structure. façon la plus importante de tirer de la référence est de puiser dans la vie. Mais parfois, vous ne pouvez pas vraiment sortir et dessiner un salon occidental de la vie, donc dans ce cas, vous devez rechercher des images en ligne et collecter des images de référence de cette façon. Recherche d'images Google, Pinterest, Artscape tous ces sites sont des outils en ligne fantastiques pour les artistes. Je vous encourage à passer beaucoup de temps à faire vos recherches visuelles. Ensuite, la pointe numéro 3, qui est la plus simple mais parfois la plus difficile à appliquer, est la cohérence. Essayez de dessiner dans votre carnet de croquis tous les jours. Si vous pouvez tailler cinq ou dix minutes de temps de dessin en une mesure de semaines ou de mois, vous verrez vraiment une énorme différence dans votre dessin. Ce sont mes trois conseils. J' espère qu'ils vous seront utiles et utiles et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 3. Qu'est-ce que le dessin gestuel ?: Le dessin gestuel est une technique qui est le plus souvent utilisée dans le dessin de figure ou dans une classe de dessin de figure en direct comme un moyen de capturer la figure entière très, très rapidement avec des marques dynamiques expressives. C' est souvent considéré comme un moyen de dessiner ou de capturer l'énergie ou l'essence de la figure. Mais pour les animateurs et les conteurs, dessin gestuel est vraiment un outil essentiel ou une technique essentielle pour pouvoir dessiner le numéro 1, poses de personnages claires et expressives et le numéro 2, pour pouvoir dessiner des scènes ou des idées visuelles très rapidement avec clarté et sans s'enliser dans les détails. Vous pouvez penser au dessin gestuel comme juste perdre des croquis griffonnants ou des dessins très rugueux, mais si vous travaillez avec le geste assez longtemps, vous arriverez à le voir comme une façon de dessiner qui est vraiment puissante et qui peut communiquer vos idées et vos sentiments vraiment très, très bien. La chose à retenir à propos des dessins gestuels est que vous n'allez pas pour la précision en termes de proportion ou d'anatomie et c'est vraiment correct parce que ce n'est pas le but du dessin gestuel. Le but est de faire tomber vos idées, puis de les affiner plus tard et de rendre votre dessin anatomiquement correct. Les techniques de dessin gestuel sont les suivantes. Tout d'abord, une très bonne façon d'essayer le dessin gestuel est juste de dessiner avec des griffonnages. Disons que vous dessinez une figure, puis utilisez simplement de petites marques circulaires rondes et travaillez votre chemin autour de l'ensemble du dessin de la figure comme ceci. Vous trouverez que vous pouvez commencer à vraiment construire la masse et le poids de la figure en faisant cela. Vous pouvez passer beaucoup plus de temps avec ces petits gribouillis dans une zone, faire perdre et plus léger dans d'autres zones. Cela vous donnera un très bon sens de la façon de capturer le poids ou la masse d'une figure. Maintenant, la technique suivante pour pratiquer le dessin gestuel est de ne pas retirer votre crayon ou votre stylo de la page pendant que vous dessinez. Gardez votre stylo, votre crayon ou votre stylet en contact avec ce que vous dessinez tout au long du dessin. J' aime vraiment cette façon de dessiner parce que très souvent vous avez une idée d'une scène, mais quand vous allez la dessiner, tout à coup la composition ou la perspective entrave la façon dont il devient vraiment difficile et la chose que vous imaginez ou visualisé devient vraiment difficile de descendre sur le papier. Au lieu de cela, bloquez les formes à l'aide du dessin gestuel et griffonné, puis vous pouvez revenir et l'affiner correctement avec plus de perspective et corriger la ligne. Je veux vraiment vous encourager à pratiquer le dessin gestuel, mettre en pause ces vidéos à droite et saisir votre carnet de croquis, regarder la pièce autour de vous, et choisir quelque chose à dessiner en utilisant cette technique. Ou si c'est possible, prenez votre carnet de croquis et sortez et essayez de dessiner des figures de la vie. Rendez-vous dans un café ou un parc ou quelque chose comme ça, et observez simplement les gens autour de vous assis ou même bouger et peu importe à quoi ressemblent vos dessins, il s'agit d'observation et de faire ces croquis rapides dans votre carnet de croquis. Quand tu seras prêt, reviens et je te verrai dans la prochaine vidéo. 4. Dessiner des poses dynamiques: L' une des principales choses à faire dans vos storyboards est la façon dont vous posez vos personnages au sein d'une scène. pose forte racontera l'histoire du personnage d'une manière beaucoup plus dynamique, et s'il y avait une chose sur laquelle je vous suggérerais de vous concentrer, alors il essaie de vous assurer que vous savez comment dessiner des poses claires. Poser signifie essentiellement montrer le personnage agissant. façon dont un personnage fait quelque chose est presque plus importante que ce qu'il fait, car l'action révèle son caractère. Quelque chose d'aussi simple que d'entrer dans une pièce peut nous en dire beaucoup sur une personne. C' est vraiment bon jeu et c'est ce que vous essayez essentiellement de faire dans vos storyboards quand il s'agit de vos personnages. Une façon de s'assurer que vous obtenez le bon jeu est de réfléchir à la façon dont vous dirigeriez la scène vous-même. Même si c'est quelque chose d'aussi simple que d'ouvrir une boîte et d'avoir peur, comment le ferais-tu vous-même ? Une fois que vous aurez franchi cette motion et compris l'action en jeu, vous aurez une bien meilleure compréhension de la façon de la dessiner. Une autre façon presque meilleure est d' exagérer ce que vous pensez être la plus grande action. Je ne plaisante pas, votre idée de ce qu' est la plus grande action ne sera probablement pas si grande, donc si vous exagérez vos poses, vous finissez par avoir une pose beaucoup plus dynamique. Tu te souviens que je t'ai montré ce petit dessin dans le dernier cours ? Eh bien, quand tu as exagéré, tu as juste une meilleure image. Ce n'est pas si bizarre, et dans le contexte d'autres séquences, il va probablement lire très bien. Une autre astuce pour vous aider avec une bonne pose est de toujours s'assurer que la silhouette du personnage est claire. C' est presque comme la Règle d'Or du storyboard, surtout pour l'animation. Si vous taillez votre pose, et que vous supprimez tout le détail et voyez le contour, vous devriez être en mesure de voir encore clairement ce que l'action est que le personnage fait. Si un personnage ramasse quelque chose comme une tasse de thé et tient ça dans ses mains, vous voudrez le montrer de cette façon, afin que nous puissions réellement le voir clairement et c'est très clair pour le public. Une bonne façon d'exagérer une pose est de dessiner courbes S et C comme ligne d'action standard de base. Cela vous aidera à devenir plus fluide dans votre style de dessin en général. Mais cela vous aidera beaucoup à pousser le personnage dans des poses plus dynamiques. courbes S et C sont des lignes de caractères très standard pour l'animation, ainsi que la ligne d'action. Ce sont des lignes qui se déplacent vers le haut et à travers tout le corps du personnage et c'est presque comme si vous pouviez résumer en un mot l'émotion du personnage, alors c'est l'équivalent ici de cette ligne. Cette ligne est à un mot qui résume l'action que le personnage fait. Pour une mission, ce que je veux que vous fassiez maintenant, c'est de saisir votre crayon ou votre stylo et de dessiner rapidement une courbe S ou C dans votre carnet de croquis. Avant de commencer à penser trop à quoi que ce soit, dessinez une forme ovale pour la tête, tracez des lignes pour les bras et les jambes. Alors continuez. Utilisez ces courbes pour construire vos personnages et les amener dans autant de poses dynamiques que possible. Essayez de remplir une page entière ou même quelques pages de ces dessins. Dans la leçon suivante, je vais vous expliquer comment vous pouvez développer des personnages plus loin, comment vous pouvez dessiner des personnages stylisés, et je vais également vous parler des feuilles de modèles que vous obtiendrez pour vos storyboards. Quand tu auras passé un peu de temps à faire tes croquis, tu me retrouveras dans la prochaine leçon. Je te verrai là-bas. 5. Dessiner des personnages: En animation, qu'il s'agisse d'une émission de télévision ou d'un long métrage, en tant qu'artiste de storyboard, vous aurez généralement toujours la conception finale des personnages que vous devez dessiner et inclure dans votre storyboard. En termes de l'industrie, cela s'appelle une feuille de modèle, et à peu près la feuille de modèle est à peu près aussi détaillée du personnage que vous pouvez obtenir. Il vous montre à quoi ressemble le personnage dans différentes vues ou la plupart en rotation. De ce côté, de l'avant, de la vue 3/4 et de l'arrière. Ensuite, votre travail est de dessiner ce personnage dans autant de poses différentes dans le storyboard que le script l'appelle. Dans ce cas, la principale chose à surveiller lorsque vous redessinez des caractères est de vous assurer que vous gardez les volumes cohérents. Ce que cela signifie, c'est que votre personnage ne devient pas de plus en plus maigre au fur et à mesure que chaque panneau s'ouvre, ou ne s'élargit pas de plus en plus. Lorsque vous modifiez la pose, assurez-vous simplement que vous êtes sur le modèle et que le volume reste cohérent. Donc c'est assez facile ou au moins simple. Lorsque vous avez une feuille de modèle à utiliser, vous savez que vous pouvez toujours référencer les spécifications de caractères exactes au fur et à mesure. Mais que se passe-t-il si on vous demande de storyboard script artiste et que vous n' avez pas de feuille de modèle et que vous êtes invité à venir avec le design de personnage vous-même. Eh bien, cela dépend du style du projet. La première chose, d'abord sortir de la porte, vous devez savoir à quel genre de script vous avez affaire. Nos exemples de scripts occidentaux que je vous ai donnés, l'apparence des caractères dans ce script est plus ou moins réaliste. Il n'y a pas beaucoup de ce que nous appelons la stylisation, sauf peut-être le caractère du barman. Dans le dernier cours de storyboard, je vous ai donné quelques indications sur la façon construire un personnage masculin de base ou un personnage féminin de base. Il y a certaines mains courtes que vous pouvez toujours retourner, et j'espère que vous avez été rattrapé avec ça depuis le dernier cours. Vous devriez être assez bien en sachant comment vous allez un personnage réaliste. Que faire si vous avez besoin de dessiner un personnage stylisé pour le storyboard ? Eh bien, mon conseil est que vous, et c'est quelque chose qui vous est enseigné à l'école d'animation, c'est penser en termes de géométrie. Commencez par des formes géométriques de base, un carré, un cercle ou un triangle, et construisez un personnage à partir de là. Lorsque vous travaillez avec des conceptions stylisées comme celle-ci, la règle numéro un consiste à inclure le contraste. Si vous prenez un élément très basique comme une ligne, vous ne pouvez pas vraiment dire si c'est long ou court jusqu'à ce que vous voyez quelque chose à comparer. Si j'introduit une deuxième ligne comme une courbe, alors immédiatement cette ligne a un caractère spécifique. Maintenant, les conceptions les plus fortes auront toujours ce contraste. Vous trouverez toujours une ligne droite contrebalancée par une ligne courbe. Dans le cas de ce personnage pirate sur lequel je travaille, on pourrait dire qu'il est basé sur un cercle en termes de géométrie. Son design est vraiment juste une forme ronde de base, et d'ici j'ai ajouté les autres éléments des bras et des jambes. Maintenant, notez aussi que les bras utilisent cette idée de contraste, c'est ce dont je parlais, avec une ligne droite contrebalancée par une courbe, et j'ai également gardé l'idée de contraste dans la conception globale. Si cette rondeur est le motif principal, alors les bras et la petite pointe [inaudible] et la tête tendue ajoutent un peu de variation qui équilibre cette idée du cercle principal. La dernière chose que j'ajouterais aussi est que les dessins stylisés comme celui-ci doivent en quelque sorte se rapporter à l'essence sous-jacente ou à la personnalité du personnage. Il est vraiment important que vous sachiez qui est votre personnage, quelle est l'histoire du personnage. Par exemple, il ne sert à rien de faire d'un pirate un voleur comme celui-ci, joyeux et adorable s'il est censé être le méchant. Pensez à qui est votre personnage et à ce qu'est l'histoire de fond, et cela vous aidera à définir à quoi ils ressemblent. 6. Dessiner des plans et des arrière-plans: Avec les personnages, en tant qu'artiste de storyboard, les autres éléments que vous obtiendrez lorsque vous commencez à monter à bord d'un projet sont une mise en page ou même quelques mises en page selon que l'action a lieu dans un ou plusieurs endroits. Dans cette leçon, je vais vous guider à travers exactement ce qu' est une mise en page et comment vous pouvez l'adapter à vos planches. La procédure que je suis sur le point d'expliquer est généralement très spécifique à l'animation, mais vous pouvez également l'appliquer à l'action en direct. Disons simplement pour les besoins de cette leçon, je vais parler de l'animation spécifiquement, et cela aura plus de sens. Toute séquence donnée a généralement lieu dans un seul endroit. Ensuite, lorsque vous modifiez l'emplacement, vous êtes dans une nouvelle séquence. Dans chaque séquence, il y a un nombre illimité de prises de vue. Vous pouvez avoir des plans d'établissement montrant toute la scène. Vous pouvez avoir un long plan montrant les personnages, puis des gros plans sur les épaules, coups de point de vue, tout ça. Vous utiliserez la mise en page qui vous est donnée pour établir, disons, le plan d'établissement. Maintenant, c'est facile parce que si vous dessinez un plan d'établissement, vous redessinez simplement votre mise en page telle qu'elle est dans vos panneaux. Mais lorsque l'action se rapproche ou, disons, que l'angle de la caméra change complètement en montrant une vue différente, vous devrez être capable d'interpréter la mise en page en conséquence et de la dessiner sous différents angles si c'est ce qui est nécessaire. Maintenant, les gros plans et les gros plans extrêmes vont bien. manière générale, vous n'avez même pas besoin de vraiment dessiner l'arrière-plan ici dans la plupart des cas parce que vous êtes juste concerné par les caractéristiques du visage. Mais pour tout plan long ou moyen, vous devez savoir exactement où vous êtes à tout moment et où sont vos personnages par rapport à l'autre et par rapport à l'environnement. C' est là que dessiner un plan d'étage très rapide est très pratique. Maintenant, un plan d'étage est un diagramme, si vous voulez, de la scène dans son ensemble et vu d'en haut, donc vous le regardez comme un plan de descente complet. Maintenant, ce dessin est juste pour vous, peut-être pour vous et le réalisateur, mais ce n'est pas pour le storyboard et ce n'est pour personne d'autre dans la production. C' est juste pour que vous puissiez savoir où tout est. Placez vos personnages là où ils doivent être, puis vous pouvez marquer tous les mouvements qu'ils vont prendre s'ils marchent autour la scène, puis placer vos caméras en position afin de refléter vos choix de prises de vue. Ensuite, vous pouvez simplement numéroter chacun séquentiellement. Maintenant, lorsque vous sortez de la scène ou de la séquence, vous ne vous tromperez pas et vous saurez exactement quoi dessiner en arrière-plan dans un plan donné. Cela vous aidera vraiment une énorme quantité pour rester cohérent, pour garder votre direction d'écran correcte, et bien sûr, pour vous aider à ne pas briser la règle de 180 degrés. C' est très, très utile. Mon dernier conseil est de ne pas vraiment être trop négligé ou concentré sur le dessin de tous les détails exacts de l'arrière-plan ou de la mise en page. Juste pour indiquer les principaux points de repère, dessiner l'arrière-plan suffit pour qu' au moins le réalisateur et les animateurs sachent où se déroule la scène. 7. Mettre l'action en scène: La prochaine section portera sur des techniques plus avancées pour la cinématographie et la narration visuelle. Je vais vous montrer comment vous pouvez utiliser de manière créative le langage visuel pour améliorer votre travail et comment faire en sorte que vos photos soient fluides. La première chose dont nous allons parler, c'est la mise en scène. en scène en animation ou en film signifie comment organiser les éléments de votre scène pour avoir vue la plus claire possible de l'action qui doit avoir lieu. L' action signifie généralement ou fait référence à l'une des animations que les personnages font. Cela signifie donner la priorité à la position du personnage tout au long de la scène. Dans vos storyboards, vous ne voulez pas que les personnages soient couverts par un élément d'arrière-plan, ou pour vos personnages n'ont pas assez d'espace pour se déplacer ou faire ce qu'ils doivent faire. Cela signifie essentiellement contrôler l'attention du public. D' une certaine façon, vous dirigez le public à regarder les personnages et à regarder l'action. En tant qu'artiste de storyboard, votre travail est de comprendre quelle est la chose la plus importante qui doit être vue dans n'importe quel plan. Cela signifie aussi penser à l'avance et comprendre ce qui doit être montré ensuite au fur et à mesure que l'histoire se déroule. Comment prévoyez-vous que cette prochaine action se déroule de façon transparente ? Voici un exemple très simple. Si vous avez deux personnes assis à une table comme celle-ci et qu'elles se parlent, vous penseriez probablement à mettre en scène le tir comme ça. Mais si vous savez, par exemple, que dans le panneau suivant, vous allez avoir un troisième caractère entrer, alors la mise en scène intelligente signifie que vous présentez le premier panneau comme celui-ci afin que le troisième personnage ait de la place. On la voit entrer et entrer. Tout est très agréable et lisse et il n'y a pas besoin de coupes ou de nouvelles configurations. Une autre chose qui appelle toujours une bonne mise en scène est quand vous avez plus de deux caractères. Disons que vous avez un groupe de personnages dans une scène comme celle-ci. Ici, nous avons un personnage principal est de parler à un groupe d'amis. Une façon intelligente de mettre en scène cela serait de traiter ce groupe comme un seul personnage. Donc, quand vous commencez à couper en avant et en arrière de ce plan à celui-ci, il est vraiment clair où se trouve tout le monde. Le public peut suivre le flux des prises de vue en douceur et ils ne seront pas confus. Enfin, un guide de mise en scène à sécurité intégrée consiste à donner à vos personnages beaucoup d'espace. Les réalisateurs diront souvent que la plupart des artistes de storyboard ne coupent assez largement les personnages et qu'ils ne donnent pas assez de place aux personnages. C' est une chose qui va vraiment se démarquer en termes de mauvaise mise en scène. Une très bonne règle est de mettre en scène votre scène pour l'action la plus large possible. Même en gros plan, donnez au personnage un peu de marge de manœuvre et un peu d' espace à l' écran dans la direction qu'il cherche. Une fois que vous êtes vraiment bon et réfléchi à la mise en scène, vous serez en mesure de combiner des coups sans avoir besoin de les couper réellement. C' est quelque chose pour lequel votre réalisateur vous aimera vraiment, parce que cela signifie simplement que les choses peuvent être un peu plus efficaces dans le pipeline, et que l'artiste de fond n'a pas besoin de créer un nouveau fond pour chaque découpe. 8. La composition: Dans le cours précédent, j'ai parlé de la règle des tiers. Si vous vous souvenez, je vous ai montré comment l'utiliser pour diviser le cadre, et j'ai aussi parlé de la raison pour laquelle je pense que cela fonctionne réellement à un niveau beaucoup plus profond que simplement parce que c'est agréable à l'œil d'avoir les choses arrangées de cette façon. J' espère que vous avez rattrapé cette voie et si vous ne l'avez pas fait, je vous recommande d'y aller et de le regarder parce qu'il y a quelques bons points à garder à l'esprit. Pour l'instant, dans cette leçon, je vais regarder d'autres techniques de composition que vous pouvez utiliser. Il y a certaines choses que vous pouvez faire dans vos storyboards qui peuvent conduire l'œil du public à exactement où vous voulez qu'il soit, et c'est essentiellement ce que vous faites dans la mise en scène et la composition. Vous êtes de sorte leur attention à cette partie du cadre ou à cette partie du cadre. Une chose vraiment facile à utiliser dans vos compositions sont les lignes diagonales. Ils sont parfaits pour toujours conduire l'œil à un certain point dans le cadre, et l'idée est que vous utilisez ce qui semble être perspective naturelle dans la scène comme des lignes directionnelles fortes. Ces lignes indiquent littéralement où vous devriez chercher. Une autre façon de le faire est avec le cadrage. Encadrer une prise de vue est lorsque vous avez des éléments de la scène disposés de sorte que le personnage qui est le point de vue soit réellement encadré dans ces éléments. Beaucoup de fois, vous pouvez le faire avec des éléments de premier plan comme celui-ci. Ou vous pouvez même utiliser des caractères pour encadrer les uns les autres. Tout ce qui bloque une partie de votre panneau et ne laisse que suffisamment d'espace pour occuper le personnage est cadré. Maintenant, si vous aimez vraiment cette technique de composition, alors je vais vous recommander de regarder un film intitulé In the Mood for Love de Wong Kar-wai. Je pense que les 10 premières minutes de ce film sont probablement complètement composées de cadres à l'intérieur des cadres, puis tout au long du film, la composition et l'utilisation de l'espace à l'écran sont incroyables. Ce film, je pense, est plutôt une classe de maître en composition. Alors allez certainement vérifier ça. Encore une fois, reportez toujours vos choix de composition à l'histoire. Évitez d'utiliser ces techniques juste pour le bien de cela. Par exemple, dans ce film, le réalisateur isole spécifiquement ses personnages en encadrant précisément et en utilisant des cadres à l'intérieur des cadres, car ce motif visuel souligne l'histoire. L' histoire est de deux personnages qui sont littéralement piégés dans leur univers intérieur, même de l'autre, et cette utilisation étonnante de la composition ajoute des couches de sens à chaque scène dans laquelle ils se trouvent. Donc, lorsque vous expérimentez ou jouez avec des idées de composition, essayez de toujours les relier à une raison comme utiliser des lignes diagonales, si vous voulez montrer un moment dramatique. Utilisez le cadrage si vous voulez montrer un personnage en isolement psychologique ou donner ce sentiment d'être enfermé. Dans la prochaine conférence, je vais vous parler de la façon dont vous pouvez créer un sentiment de profondeur au sein de votre panel. 9. Comment créer de la profondeur dans votre panneau: Dans cette leçon, je veux vous montrer deux techniques simples qui vous aideront à créer un sentiment de profondeur dans vos dessins. Ensuite, à la fin de la leçon, je vous donnerai une courte mission pour que vous puissiez vous entraîner vous-même. La première astuce consiste à utiliser des lignes de perspective. Maintenant, cela vous aidera vraiment si vous êtes dans une situation où vous n'avez pas vraiment beaucoup de choses dans votre cadre et que vous voulez transmettre la distance. Tout ce que vous avez à faire est d'ajouter dans une grille simple. Maintenant, ce n'est pas nécessairement la perspective technique à un point ou à deux points dont j'ai parlé dans le dernier cours. C' est simplement une indication de l'endroit où se trouve le point de fuite, où se trouve la ligne d'horizon. C'est tout. Mais il crée instantanément un grand sens de la profondeur dans votre cadre, et il peut ajouter une énorme quantité à votre dessin. Ce qui est aussi bon, c'est que nous comprenons immédiatement quel est l'angle de la caméra. C' est très important car les angles de la caméra déterminent souvent l'alimentation de la prise de vue. Si c'est un angle élevé, comme ça, alors nous allons regarder vers le bas un personnage, et cela donnera au public l'impression que ce personnage est peut-être dans une position faible ou vulnérable. Inversement, si nous ajoutons une grille comme celle-ci, cela nous indique que le personnage est au-dessus de nous. Elle donne le sentiment que cette personne est dans une position de pouvoir ou de domination. Je sais que je mets cela en scène un peu plus haut, mais ce sont en fait indices visuels subtils que nous lisons tout le temps, même inconsciemment. Il est bon d'être conscient d'eux. La deuxième astuce consiste à chevaucher des éléments dans votre cadre. Parfois, vous ne voulez pas vraiment transmettre de grandes distances, mais vous ne voulez pas non plus que votre dessin soit clignotant. Tu veux avoir un peu de profondeur. simple chevauchement de choses comme celle-ci peut vous donner une belle sensation de profondeur dans le cadre. C' est là qu'un art 2D peut devenir tout à fait magique parce que si vous y pensez, vous n'utilisez qu'un plan plat et quelques lignes pour créer ce sentiment vraiment réaliste ou impression d'espace profond. Pour votre mission de pratiquer les techniques de composition, je veux que vous le dessiniez comme une simple scène de ferme. Je vous ai donné une liste de choses que vous pouvez inclure dans ce dessin, une grange, un arbre, peut-être une clôture, une roue de wagon. Vous pourriez peut-être mettre dans des collines lointaines. Mais vous n'avez pas besoin d'être trop détaillé ou compliqué. Juste un croquis rugueux, c'est tout ce que je cherche. Je veux voir comment vous pouvez organiser ces éléments dans le cadre pour donner un sens de la profondeur et pour diriger l'attention du public ou de l'auditoire. Pensez à laisser de l'espace quelque part dans votre cadre pour que des personnages ou des actions aient lieu. Pensez à la façon dont vous diriez le public de regarder cet espace. Peut-être que vous allez avoir la grange sur le côté. Ensuite, vous n'avez pas besoin de montrer toute la structure au milieu. Mais je te laisserai tout à fait le soin. Ensuite, encore une fois, allez de l'avant et publiez vos dessins dans la section Q&R. Voyons ce que vous venez avec, et obtenons des commentaires. Sinon, envoyez-le-moi si vous voulez que je jette un coup d'oeil. Appuyez sur « Pause », partez, faites des croquis, puis revenez à moi dans la prochaine conférence. Je te verrai alors. 10. Identifier le point de départ de l'histoire: Chaque panneau que vous dessinez doit raconter ou au moins soutenir le point de l'histoire de ce moment ou de la scène en particulier et chaque scène raconte progressivement le point de l'histoire globale de l'ensemble du film. Je vais jeter un oeil sur le processus de la façon de rendre efficacement un point d'histoire dans des panneaux simples et clairs. Dans cette leçon, je vais utiliser un exemple pour le faire. Dites par exemple, vous avez un script qui dit quelque chose comme Colorado Bob est dans la cabine. Il cherche frénétiquement l'or et à l'extérieur, les marshalls approchent rapidement. Eh bien, souvent, quand vous travaillez à partir d'un script, vous pourriez facilement vous perdre ou vous distraire de toutes les choses que vous pourriez dessiner. Ce que vous voulez faire, c'est quand vous commencez, demandez-vous dans toutes les situations, pourquoi un personnage fait une certaine action ? Cela va vous aider immédiatement à comprendre ce qu'est le point de l'histoire. Dans ce cas, il cherche frénétiquement de l'or. Pourquoi le cherche-t-il ? Parce que les marshalls vont le chercher et il a besoin d'y aller. Il ne cherche pas l'or pour le compter ou l'admirer. Il cherche frénétiquement à l'obtenir pour qu'il puisse sortir. En embarquant, je ne serais pas vraiment passer du temps à dessiner des détails inutiles de la cabine ou de la région environnante. Vous voulez vous concentrer tout de suite sur l'état frénétique de Bob. Alors je choisirais probablement beaucoup d'angles de caméra en gros plan pour montrer peut-être ses mains fouillant à travers la recherche de choses, peut-être un gros plan de ses yeux, ou vous pourriez même lui demander de regarder par la fenêtre à un moment donné. Maintenant, vous verrez que cette séquence s'écoule et augmente la tension dramatique parce qu'elle souligne visuellement le point de l'histoire. Mais voici un autre exemple que je veux que vous regardiez. Disons, par exemple, que vous avez un personnage qui marche dans une forêt. Vous pouvez choisir de le dessiner devant les arbres ou marcher vers la caméra et cela vous donnera un beau fond forestier. Mais disons par exemple, le point de l'histoire globale du script est que ce personnage a ce conflit interne intense qui lui fait se sentir en quelque sorte piégé, alors cette configuration ici est brillante parce que ces arbres, comme vous pouvez le voir instantanément, ils créent des silhouettes qui renforcent son état émotionnel et soulignent le point général de l'histoire. Lorsque vous vous demandez pourquoi, alors vous serez en mesure de déterminer la meilleure façon de dessiner un graphique et comment utiliser efficacement le langage visuel pour l'expliquer. Vous éviterez de passer beaucoup de temps à dessiner des caméras inutiles au travail. Rappelez-vous, vous devez être aussi économique que possible comme un artiste de storyboard pour faire passer le point. J' espère que cela a du sens. Faites-moi savoir si vous avez des questions. Dans le prochain cours, je vais parler des battements et du timing dans votre tableau. 11. Rythmes et synchronisation: Dans ce cours, je vais parler des battements d'une histoire et expliquer plus en détail comment comprendre et reconnaître les rythmes. Identifier les battements est l'une des premières choses que vous faites dès le début lorsque vous commencez à lire votre script. Les rythmes déterminent en quelque sorte votre shotlist donc il est très bon d'avoir une compréhension très claire de cette partie. L' une des meilleures façons de le décrire est de comparer littéralement un script à une chanson. Pensez à une chanson qui a une histoire spécifique à l'intérieur, une histoire qui se déroule au fur et à mesure de la chanson. La chanson est chronométrée à musicalement et chaque ligne de la chanson ou vers qui a un point d'histoire spécifique a son propre timing. Si vous deviez conter une chanson et faire correspondre ces panneaux à la bande son, alors votre timing serait fait pour vous parce qu'il correspond à la musique. En tant qu'artiste de storyboard, vous devez trouver ce rythme dans votre script quand vous le lisez. Faites-vous tout cela au cours de la phase de lecture de votre processus ? Ensuite, quand vous venez à vigner les dessins, chaque idée que vous avez eu dans votre tête, mettez-la dans vos vignettes. La raison pour laquelle vous devez avoir un sentiment de timing est qu' il est crucial de dessiner le bon nombre d'images par plan ou par scène, et aussi, parce que plus tard, quand il s'agit de faire un animatique, alors vous allez savoir exactement combien de temps chaque tir doit être, parce que vous aurez le temps pour cela pour vous-même. Cela signifie que vous ne serez pas en train de chercher des images supplémentaires ou vous n' essaierez pas de couper sur une scène parce qu'elle a duré trop longtemps et qu'elle est trop impliquée. Je suppose que vous pourriez dire que trouver les battements est quelque chose d'intuitif, mais la meilleure façon de le faire est de regarder le film dans votre esprit pendant que vous lisez. Ensuite, soyez précis sur ce que vous voyez en termes d'angles de caméra et de prises de vue. Dans la leçon suivante, je vais vous demander de commencer à faire des miniatures la seconde moitié du script occidental que nous avons. En ce moment, je pense que ce serait une bonne idée d'aller prendre ce script et lire les deux pages et juste jouer ce film dans votre tête. Obtenez un sentiment pour le rythme. Après que vous l'avez lu plusieurs fois, alors vous pouvez écrire sur le script lui-même votre shotlist, tout comme je vous l'ai montré dans le cours précédent. Il suffit de marquer dans les marges ou où vous voulez ce que vous pensez que vous avez besoin pour chaque temps. Avez-vous besoin d'un plan large pour cela ou d'un gros plan ou d'une casserole ? Quelque chose comme ça. Amusez-vous, et quand vous serez prêt, je vous rencontrerai dans la prochaine leçon, où je vais passer en revue le projet de classe un peu plus en détail. 12. Séquences d'ouverture standard: Dans cette section du cours, je veux parler de quelques modèles standard de storyboard et je veux vous montrer comment vous pouvez traiter des séquences spécifiques de façon presque comme une manière grossière. Vous pouvez utiliser ces pièces de jeu pour pratiquement n'importe quel type de script. Avec ces formules de séquençage, vous pouvez être sûr de transmettre le point de l'histoire et d'utiliser un bon langage visuel pour votre audience. Dans cette leçon, je veux regarder comment traiter une séquence d'ouverture et je vais vous montrer quels plans et angles de caméra fonctionnent le mieux pour servir ce genre de séquence. Je voudrais commencer par expliquer que ce modèle pour une séquence d'ouverture est basé sur l'idée qu'une histoire progresse vers une résolution. Bien sûr, vous pouvez instantanément penser à des films qui sont racontés à l'envers. Je sais qu'un film comme 500 Days of Summer en est un parfait exemple. Mais en général, vous commencez par la prémisse du film et vous progressez vers la résolution de cela. L' effet global est que vous avez fait un voyage avec les personnages principaux. C' est ce qu'on appelle la narration linéaire, et cela nous amène à l'idée dans le storyboard de progresser fondamentalement vers l'intérieur. C' est une excellente façon d'aborder une séquence d'ouverture car en progressant vers l'intérieur, vous montrez les choses de loin puis vous vous rapprochez de plus en plus jusqu'à ce que vous établissiez le personnage. En d'autres termes, commencez par le plan le plus large de l'emplacement, vous vous déplacez progressivement vers l'intérieur à travers une série de longs plans, moyen, et enfin, le gros plan du personnage. Voici un exemple de script que j'ai. Je vais juste vous montrer comment cela fonctionne avec cette séquence d'ouverture très simple. Nous avons un scénario qui dit que le film s'ouvre dans un immeuble de la ville. Jack se réveille et le réveil s'éteint. Tout de suite, je veux pouvoir dire au public cette information. Ce numéro 1, notre histoire se déroule dans un cadre urbain, c'est une grande ville. Numéro 2 que le personnage se réveille dans son appartement. Voici les clichés standard que vous pouvez utiliser pour cette séquence. Vous commencerez par votre plan large, qui établit l'emplacement, donne au public un aperçu très clair de l'endroit où se déroulera l'histoire. Immédiatement, ils ont un contexte. Ensuite, le plan suivant est plus proche et identifie clairement l'immeuble d'appartements vers lequel nous nous dirigeons. Maintenant, le spectateur commence à se rapprocher de l'action. Mais avec le 3ème plan, que j'ai choisi d'être un gros plan de l'immeuble lui-même pour identifier l'appartement où se trouve Jack, maintenant nous savons que c'est là que l'action va avoir lieu. Alors je peux couper à l'intérieur de l'appartement, montrer Jack endormi et maintenant on est au milieu de l'histoire. Puis j'ai coupé à un gros plan de l'alarme qui se déclenche, donc on sait qu'il est l'heure du matin et que Jack va se réveiller. On a la main de Jack qui arrive et la frappe hors cadre pour la faire taire. Le prochain plan après cela se retire du gros plan pour rétablir la scène. Encore une fois, c'est un tir moyen montrant Jack assis et comme se réveiller grogged. Ce modèle de large, moyen, de gros plan et de retour au moyen a pour effet d'attirer le spectateur dans l'action, les rapprocher progressivement. Une fois que vous avez établi la scène à partir d'un plan large et coupé en gros plans, vous pouvez toujours revenir à vos plans moyens pour rétablir le réglage et l'action. Cela fonctionne dans tant de séquences d'ouverture. C' est le moyen le plus simple juste de mettre la scène et de commencer à rouler la balle et cela fonctionne. séquences d'ouverture sont cruciales pour donner le ton et créer la bonne tension ou le drame pour l'histoire que vous êtes sur le point de raconter. Vous pouvez penser immédiatement à la séquence d'ouverture emblématique de Star Wars, qui nous montre que c'est dans l'espace. de suite, c'est tout ce qu'on doit savoir. Mais dans la leçon suivante, je veux vous montrer comment vous pouvez utiliser exactement les mêmes photos que je vous ai montrées ici pour raconter exactement la même histoire d'une manière complètement différente et avoir un effet complètement différent. Ensuite, regardons une séquence d'ouverture alternative. 13. Autres séquences d'ouverture: Dans la dernière leçon, j'ai expliqué comment illustrer une séquence d'ouverture standard. Maintenant, je veux vous montrer quelques options pour faire les choses un peu différemment. Imaginons un instant que le script que nous avons n'est pas si simple ou ennuyeux que vous le pensiez. Disons, par exemple, que c'est un de ces scripts où le personnage se réveille pour découvrir que toute la ville dans laquelle il vit est complètement déserte et qu'il est le seul qui reste. Disons que c'est la séquence d'ouverture d'un thriller dramatique ou d'un film d'horreur. Dans ce cas, la formule standard de prises de vue que je vous ai montré précédemment ne va pas vraiment fonctionner si bien ici. Cette combinaison, je pense, est tout simplement pas assez dramatique. C' est très humdrum, ordinaire, et un peu piétonnier. Je veux vous montrer comment vous pouvez utiliser exactement les mêmes coups mais les mélanger dans un tout nouveau ordre. Regardez comment cela change complètement la tension et le drame de la séquence. Commençons notre séquence avec ce gros plan de l'horloge, alors apportez ça comme votre premier coup. Tout de suite, le public est amené au milieu de l'action sans lui donner aucune information sur l'endroit où cela se déroule ou ce qui se passe du tout. C' est juste un gros plan d'un réveil qui s'éteint. Ensuite, coupez à votre plan extrême large de la ville. En note, en dessous, vous pouvez montrer que le réveil sonne toujours sur la bande son. Puis recoupez à ce plan moyen, Jack assis, regardant un peu étourdi et confus. Revenez au gros plan du réveil et montrez la main de Jack en frappant le réveil pour le faire taire. Commencer par ce gros plan extrême est vraiment désorientant pour le spectateur. C' est un peu claustrophobe surtout avec la bande sonore de l'alarme bourdonnante. Nous ne savons pas où nous sommes ou ce qui se passe, mais cela nous donne quelques indices visuels. Cela nous dit qu'il est tôt le matin et comme pour la plupart des réveils, cela devrait être un signe qu'une routine quotidienne est en cours et que les choses sont normales et habituelles. Mais quand nous coupons à ce plan large de la ville et qu'il est complètement silencieux et que tout ce que nous entendons c'est ce réveil ennuyeux qui s'éteint, cela pourrait commencer à signaler que quelque chose est peut-être un peu étrange ou un peu éteint. Normalement, vous ne couperiez pas d'un gros plan extrême à un plan très large parce que c'est trop désorientant pour le spectateur. Ce n'est pas une utilisation très lisse du langage visuel. Mais ici, dans ce cas, si nous mettons ces deux clichés ensemble, cela aidera vraiment à garder le public à l'écart et à les garder à se demander ce qui se passe. Le tir médium alors avec Jack regardant un peu groggy et étourdi, cela nous intrigue plus sur ce qui se passe avec cette personne. Qu' est-ce qui lui arrive ? Maintenant, nous attendons de voir ce qui se passera ou se déroulera ensuite. C' est une séquence d'ouverture assez intrigante utilisant des repères visuels pour définir la scène. Si vous voulez regarder un film qui a l'une de ces séquences d'ouverture très intéressantes, je vous recommande de regarder Blade Runner, l' un de mes films préférés de tous les temps. C' est le Blade Runner original, pas le redémarrage. Cette séquence d'ouverture est emblématique, commence par un gros plan d'œil extrême, puis découpe vers un plan très large de la ville. Va voir ça et voir ce que tu peux comprendre et apprendre de la séquence d'ouverture de Ridley Scott. Les formules ou modèles visuels dont je parle sont là pour vous d'utiliser, mais ce ne sont en aucun cas les règles que vous devez suivre. Ce ne sont que des options pour vous. Si vous voulez penser à la narration linéaire, pensez à partir de large et progressivement en gros plans. Mais encore une fois, peut-être que vous voulez mélanger cela complètement et l'utiliser pour un effet dramatique pour raconter une histoire beaucoup plus intéressante. C' est totalement à vous de voir. Apprenez les règles, puis apprenez à les enfreindre. Dans la leçon suivante, je vais parler d'autres modèles de storyboard comme quand couper et aussi quand ne pas couper. Je te verrai dans la prochaine leçon. 14. Quand couper: Pensez au storyboard comme essentiellement éditer un film avant qu'il ne soit réalisé. Si vous pensez à cela, alors vous avez certainement besoin de connaître certaines règles d'édition de base comme quand faire vos coupes. Une coupure est lorsque l'angle de la caméra change. Le terme vient en fait de l'époque du film avant le film numérique où un monteur découpait physiquement la bande de film puis la reproduisait avec une autre séquence. C' est juste coincé avec nous dans l'ère numérique. Il y a quelques raisons que vous devez savoir quand vous devriez couper. Cela améliorera votre timing pour vos storyboards. Il va juste faire couler vos planches et vos coups de feu ensemble. Le premier est de couper l'émotion. Par exemple, si quelqu'un dit quelque chose de dramatique, alors vous pourriez couper pour voir la réaction de l'autre personne. Ça coupe l'émotion. Ou s'il y a un moment émotionnel fort dans la scène, alors vous voudriez couper là plutôt que attarder sur le tir et risquer de laisser l'émotion se dissiper. Par exemple, cette photo ici. Disons que quelqu'un vient de lire une lettre et qu' il a reçu des nouvelles vraiment choquantes ou quelque chose comme ça. Eh bien, vous voudriez les couper et passer à la scène suivante. Quand ils ont enregistré ce choc et que le public le voit sur le visage du personnage. Vous ne voudriez pas vous attarder sur cette photo et montrer à cette personne qui pose la lettre. Je ne sais pas, aller faire une tasse de thé, ça ne laisserait pas tout l'impact émotionnel de cette scène s'éloigner. Un autre bon moment dans le script pour faire vos coupes est quand vous voulez afficher des informations. Par exemple, couper pour afficher des plans de réaction ou des plans de point de vue, ou pour montrer ce qu'un personnage regarde. Affichage des informations sur la scène ou sur le point de l'histoire. Mais l'endroit le plus évident pour couper une scène est ce qu'on appelle couper l'action. Maintenant couper leur action essentiellement, c'est un montage standard sur les films d'action en direct ainsi que sur l'animation. Si vous avez une photo de quelqu'un qui se lève d'une chaise et va répondre à la porte, par exemple, c'est une action. L' action du personnage en se levant. Tu ferais la coupure là. Comme il se lève de la chaise, puis coupé au tir de la porte. Plutôt que de montrer le personnage se lever près de la chaise et marcher le long et ensuite arriver à la porte. Couper sur l'action est une utilisation très intelligente du timing parce que vous pouvez réellement se débarrasser de ces moments longs dessinés où un personnage fait quelque chose pour aller ailleurs. Parfois, surtout si vous êtes en storyboard pour l'animation TV, il peut être le cas qu' en fait trop de coupes finissent par causer beaucoup de problèmes plus tard. C' est souvent le cas que si vous avez beaucoup et beaucoup de coupes, le réalisateur vous demandera d'essayer consolider les plans afin d'être plus efficace en termes de charge de travail pour d'autres départements comme les milieux ou l'animation. La meilleure façon de savoir quand ne pas couper est littéraire, ne coupez pas si vous n'avez pas à le faire. Si vous pouvez mettre en scène vos prises de vue de manière à ce qu'il y ait de l'espace pour l'action et l'action secondaire, vous devez couper à de nouvelles configurations ou à de nouveaux angles de caméra. Dans cet exemple, couper d'ici à ici est connu comme une coupe de saut parce que la position de ce personnage saute littéralement d'un coup à l'autre. Elle est ici dans cette photo et vous avez coupé à un nouvel angle de caméra et elle n'est pas dans la même position. Pour résoudre cela, vous pouvez simplement utiliser un simple mouvement de caméra et passer de cette position juste au-dessus de la gauche. Ensuite, cela vous permettra de montrer le personnage secondaire en arrière-plan sans avoir à couper le plan du tout. Souviens-toi quand j'ai parlé de mise en scène, j'ai parlé de ça. S' il y a quelque chose que vous pouvez montrer maintenant qui aidera l'histoire à se dérouler dans le prochain plan, alors étape plus tard action comme ça parce que cela vous aide à ne pas avoir à faire de nouvelles configurations ou coupes. Une bonne règle empirique est juste de penser logiquement et clairement à la quantité d'affaires que vous devez passer dans une scène, la quantité d'action que vous devez passer si vous le souhaitez. Comment pouvez-vous rendre au mieux le point de l'histoire ? Pensez à savoir si un tir pourrait fonctionner aussi bien avec trois ou quatre angles différents. 15. Faire correspondre les coupes et les branchements: Une coupure de correspondance ou un branchement est lorsque vous coupez d'un tir d'un personnage, par exemple, à un autre plan ou angle où ce personnage se trouve encore dans la scène ou dans le cadre. Vous devez vous assurer que le nouveau plan correspond au précédent en termes de position du personnage et de pose. Un personnage quitte sa maison et descend le chemin vers la voiture où son ami attend. En termes de timing pour la scène, vous ne voulez pas avoir à regarder chaque pas de la porte à la voiture comme je l'ai expliqué dans la leçon précédente. Si vous leur montrez qu'ils s'éloignent de la porte et qu'ils le coupent à la voiture, ce serait un saut. Parfois, les coupes de saut sont bonnes si vous voulez injecter un peu d'énergie dynamique dans votre scène. Mais si l'humeur ne l'appelle pas vraiment, alors ça pourrait sembler déconcertant. Au lieu de cela, vous montreriez votre personnage quittant la porte et ensuite utiliser une coupe de match, qui dans ce cas est un gros plan de ses pas. Maintenant, c'est un match coupé parce que les pas correspondent à la même direction et à la même action que le tir précédent. Ensuite, le prochain coup pourrait le montrer à la voiture. C' est une utilisation très efficace de l'édition. n'y a que trois coups différents, deux coupures, et nous avons établi que le temps s'est écoulé de lui laisser la porte pour qu'il arrive à la voiture. C' est une édition assez transparente quand vous regardez jouer et c'est une très bonne utilisation d'une coupe de match. Une autre façon de le faire est de les faire sortir de la porte, puis utiliser un pan coupé de son ami regardant hors écran et le regardant, puis le montrer debout devant la voiture. Encore une fois, cela a le même effet exact. Ça comprime le temps pour qu'on n'ait pas à le regarder faire chaque pas de la porte à la voiture. C' est une très bonne utilisation d'un pan coupé pour accélérer l'action. C' est quoi un branchement alors ? Eh bien, voici un exemple très simple de branchement. Si vous avez un personnage qui regarde hors écran avant une coupe, alors vous voyez un plan plus large, mais il les montre regarder vers le sol, eh bien, il pourrait y avoir beaucoup de raisons logiques dans le script pourquoi ce personnage a pour regarder vers le bas, mais votre storyboard serait faux parce que la pose ne se raccroche pas. Donc, vous devez soit commencer le premier panneau avec les regarder vers le bas, soit commencer votre deuxième panneau avec les regarder hors écran, puis les montrer en regardant vers le bas. J' espère que cela a du sens. Mais une fois que vous commencez à voir des accrochages dans les storyboards, vous commencerez à le faire très intuitivement. Pensez aussi à vos éléments d'arrière-plan d'ailleurs. Les éléments d'arrière-plan peuvent avoir tendance à se déplacer et à changer position par eux-mêmes si vous ne faites pas attention à vos accrochages ou à vos coupes de match. Lorsque vous allez couper vos scènes, vous devrez garder un œil sur cela aussi et vous assurer que si un personnage est debout à côté d'un poteau de lampe en un seul coup, puis assurez-vous que ce poteau est placé par rapport au personnage dans le prochain coup si c'est sous un angle différent. Passons à la leçon suivante. Je veux parler de certains modèles de storyboard standard pour le développement de personnages, particulier lorsque nous utilisons des gros plans. Je te verrai alors. 16. Plans pour le développement du personnage: séquences de dialogue sont généralement intégrées à l'aide d'une combinaison de gros plans et de plans moyens. Le plan moyen est un bon coup de main pour le dialogue. C' est un tir extrêmement polyvalent parce que vous avez encore beaucoup de place dans un plan moyen pour que les personnages se déplacent, surtout s'ils font quelque chose avec leurs mains. Mais nous voyons toujours l'expression et l'émotion sur leurs visages. Un plan moyen est un outil très utile dans votre narration. De plus, le plan moyen est tout aussi important pour les aspects relationnels de la mise en scène. Si vous avez besoin de rétablir une scène et de revenir à la base de la maison et une séquence de coupures disent, vous êtes passé d'un gros plan à un pan coupé à un gros plan extrême, alors votre plan moyen ou moyen est une bonne solution pour ramener le public à en termes d'où nous sommes tous, où les personnages sont dans la scène, et en relation les uns avec les autres. Maintenant, je veux juste parler un peu du gros plan et je pense que ça vaut la peine de passer du temps pour discuter des gros plans en profondeur parce que ce plan est un plan si important pour votre vocabulaire visuel. La principale chose que je pense vaut la peine de noter sur le gros plan est la façon dont l'identification du public fonctionne à travers ce plan. C' est quelque chose dont j'ai parlé brièvement dans le premier cours de storyboard, mais je ne peux pas insister assez sur l'importance que cela revêt pour la narration visuelle. Je veux juste parler un peu plus dans cette leçon. Laisse-moi t'expliquer comme ça. Si vous pensez à un public qui regarde une pièce, l'action se déroule devant eux. Mais ils sont à peu près coincés dans cette zone, ils ne se rapprochent pas de l'action ou des personnages. Imaginez juste s'ils pouvaient réellement se lever sur scène, s'asseoir juste à côté de ce principal pour que le héros de la pièce, réfléchir à la puissance qui serait en termes de regarder et de comprendre l'émotion de l'acteur. C' est presque à quel point on se rapproche du cinéma quand on regarde un film. Pour l'identification du public, le gros plan est crucial. Mais il ne sert à rien de couper à un gros plan juste au hasard ou au hasard, juste parce que c'est un bon coup ou parce que c'est un langage visuel fort, ou parce que vous ne voulez pas avoir à dessiner sur les détails de fond. Pensez toujours soigneusement quand vous pourriez utiliser un gros plan et assurez-vous de tenir compte de ce qui suit. Couper en gros plan où l'émotion ou la réaction du personnage est la chose la plus importante à montrer dans la scène quand c'est le point de l'histoire. Numéro 2, établir l'intimité et la connexion à la fois avec le public et entre les personnages en allant pour les trois quarts de front comme ça. Vous pouvez même écarter complètement le personnage, mais assurez-vous que leurs yeux sont à la recherche écran gauche à l'écran droit. Si vous avez deux personnages qui parlent, ce gros plan les relie vraiment. Donnez-leur juste de la place autour de la tête et ne coupez pas trop près. À moins que ce soit un moment très dramatique ou intense dans le script qui appelle à un gros plan extrême ne le rend pas si serré. Assurez-vous que vous avez un bel espace négatif autour du personnage, pensez à votre règle des tiers et peut-être placer le personnage sur un ou l'autre côté de l'écran. Ensuite, je vais discuter avec vous du dernier de nos projets de classe. C' est le projet numéro 3, où je vais vous faire nettoyer et finaliser vos storyboards. Je te verrai à la prochaine conférence. 17. Conclusion: Wow, bien fait pour atteindre la fin du cours. Je suis contente que tu sois allé aussi loin. Je pense que c'est génial. Vous ne devriez vraiment pas sous-estimer la quantité de travail que vous avez accompli et ce que vous avez accompli, même en suivant tout le cours. Merci beaucoup d'être ici et d'avoir regardé cela jusqu'à la fin. Je voulais juste vous laisser dans cette vidéo avec certains des points qui, je pense, sont mes meilleurs plats à emporter pour ce cours. Je pense que ce sont les conseils les plus essentiels sur lesquels vous devriez vous concentrer pour aller de l'avant. Le premier est le dessin de la vie ou le dessin de figure. Si vous êtes intéressé par le fait d'être un artiste d'histoire, un dessin ou une animation en général, je ne peux pas insister assez sur l'importance de pratiquer le dessin de figure. Si vous pouvez accéder à une classe de dessin de figure de vie, ce serait la meilleure chose à faire. Mais si vous ne pouvez pas, vous pouvez toujours tirer des références photo en ligne, et il y a des tonnes de ressources pour vous aider. Si vous êtes désireux, envoyez-moi un message, j'ai quelques pointeurs que je peux vous donner pour trouver de bons tutoriels sur le dessin de figure. Numéro 2, si l'animation est vraiment votre principal objectif, alors le design de personnage est quelque chose que vous devriez penser et vous devriez pratiquer autant que vous le pouvez. Les studios adorent voir des dessins de personnages dans votre portfolio et surtout pour les artistes de storyboard capables de dessiner une gamme variée de personnages, pas seulement un style de personnage est quelque chose qu'ils vont chercher. Concentrez-vous sur vos conceptions de personnages et pratiquez-vous autant que possible. Numéro 3, est d'essayer d'obtenir la clarté dans vos storyboards autant que possible. Ce que je veux dire par là, c'est regarder en arrière à travers vos panneaux de storyboard pendant que vous travaillez sur eux et demandez-vous si quelqu'un qui ne connaissait pas l'histoire vient et regarde vos choix de plans ou votre flux de plans. Seraient-ils capables de suivre l'histoire ? Parfois, cela peut signifier que vous devez ajouter quelques images supplémentaires pour décrire une action effectuée par le personnage. Si c'est le cas, alors faites-le parce que vous voulez vraiment être capable de laisser votre storyboard parler pour lui-même. Mon quatrième conseil est de regarder autant de films ou de spectacles que vous pouvez et vraiment étudier comment les plans sont utilisés dans ces films. Une bonne pratique que presque tous les pensionnaires de l'histoire que je connais, est de mettre en pause le film, et de mettre en miniature dans votre carnet de croquis une certaine scène ou une séquence que vous pensez intéressante ou convaincante. Vous commencerez à comprendre comment les réalisateurs pensent, comment fonctionne le montage et cela améliorera vraiment vos compétences en storboard. Ensuite, mon cinquième conseil est de rejoindre autant de groupes en ligne que vous le pouvez. Il y a beaucoup de groupes sur Facebook pour les artistes de storyboard, et vous pouvez vraiment obtenir des tonnes d'inspiration, de connaissances et d'idées en rejoignant ces groupes et en voyant comment les autres artistes de l'histoire fonctionnent. Eh bien, c'est tout pour moi. Il est juste temps pour moi de signer, mais avant de partir, je veux vraiment vous remercier beaucoup d'être ici. Merci pour toutes vos contributions dans ce cours. Je ne peux pas te dire combien ça compte pour moi. C' est incroyable de voir le travail des gens s'améliorer au fil du temps et j'ai hâte de vous voir dans un autre cours.