Structurer une scène parfaite : La clé pour écrire de meilleurs scénarios

1. Introduction du cours: Bonjour, tout le monde. Je m'appelle Simone Ordanova et je suis une réalisatrice primée diplômée du NFTS J'adorerais vous parler de mon parcours, mais ce que je veux vraiment faire, c'est vous montrer comment vous pouvez mettre en œuvre tout ce que j'ai appris dans vos propres scripts. J'ai déjà abordé le drap de plage de Blake Snider qui décompose la structure d'un scénario Et dans ce cours, nous allons discuter de la structure de chaque scène individuelle. structure est le fondement de votre histoire, tout comme chacune de vos idées est le fondement de l'industrie. Ce cours expliquera non seulement la structure de chaque scène individuelle, mais nous parlerons également des techniques que vous pouvez appliquer à vos scènes aujourd'hui pour les améliorer. Nous travaillerons ensemble en décortiquant des scènes de films célèbres et en vous aidant à écrire votre propre scène. Que vous soyez débutant ou que vous cherchiez à perfectionner vos compétences, ce cours est conçu pour rendre écriture de scénarios accessible et amusante Vous repartirez avec une solide compréhension de la manière de structurer vos scènes et de donner vie à vos idées. Si vous êtes prêt à faire passer votre narration à un niveau supérieur, rejoignez-moi dans ce cours où nous analyserons la structure de la scène et vous montrerons comment l'utiliser efficacement dans votre propre écriture 2. Projet: Le projet de ce cours est très simple. Il vous suffit de télécharger ce document ici et de le remplir. Cela vous aidera éventuellement à créer votre scène. Ce que nous allons faire, c'est que vous devez avoir votre idée de scène votre idée de scène à écrire avant la fin de celle-ci. Une scène qui s'inscrit dans une histoire plus vaste. Vous n'avez pas besoin de connaître tous les détails de votre histoire, mais vous devez avoir une idée du sujet de votre histoire. Mais à la fin de chaque leçon, je vais vous poser quelques questions. Il se peut que nous analysions des films efficaces ou des scènes emblématiques efficaces, ou que nous posions des questions sur les scènes que vous êtes en train d'écrire. Réfléchissez à chacune de ces questions et remplissez-les sur cette feuille. Je vous guiderai à chaque instant et à chaque étape de l' écriture d'une scène efficace. Idéalement, vous devriez écrire votre scène tout au long de ce cours. Vous pouvez regarder cette leçon spécifique à tout moment. Vous pouvez commencer par cela, vous pouvez écrire complètement votre scène. Ensuite, au fur et à mesure que nous apprenons des choses sur l' écriture de la scène et de la structure de scène, vous pouvez la modifier et la réviser pour l'améliorer Ou bien, vous pouvez regarder le cours dans son intégralité , puis vous pouvez revenir à cette vidéo du projet et je vais vous expliquer comment écrire votre scène. ce qui vous convient le mieux, C'est ce qui vous convient le mieux, mais idéalement, à la fin, vous devriez avoir une scène terminée de trois à cinq minutes Pensez donc à deux à cinq pages de texte écrit. Dans ce PDF, vous devez répondre à quelques questions, car ce sont ces questions qui vous guideront pour rendre votre scène efficace et significative. Après avoir répondu à ces questions, vous pouvez commencer à écrire vos scènes. Tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est soit d'un logiciel d'écriture de scripts. Il existe des tonnes de livres gratuits disponibles en ligne, ou vous pouvez simplement les écrire sur une feuille de papier. Quel que soit votre choix, n'oubliez pas de télécharger votre travail ici sur Skillshare afin que je puisse vous faire part de mes commentaires et que nous puissions améliorer encore vos scènes 3. Qu'est-ce qui rend la structure de scène importante ?: Bonjour, tout le monde. Merci de m'avoir rejoint et bienvenue à ce cours. Aujourd'hui, nous allons entrer directement dans le monde de la structure scénique. Nous allons commencer par les bases de la narration, comment structurer une scène captivante Comme nous le savons, la structure n' est pas un évangile, mais elle existe pour une raison. Aristote a créé la structure de n'importe quelle œuvre d' écriture dramatique en grec ancien et depuis lors, quelle que soit l'œuvre d'art que vous regardez, vous pourrez retrouver cette structure qu'il a décrite il y a tant d'années Dans l'écrit que vous êtes en train de regarder. De toute évidence, il y a quelque chose à structurer et, tout comme chaque histoire a une structure, chaque scène a une structure très basique que vous devez suivre si vous voulez qu'elle soit réussie et vous vous dites peut-être  : Oh, mon Dieu, maintenant elle va me donner un ensemble de règles très strictes et rapides que je dois suivre quoi que je fasse Ce n'est pas le cas. Je vais vous donner une structure très simple et très basique. Si vous y réfléchissez, vous verrez que chaque scène que vous avez vue dans votre vie correspond parfaitement à cette structure. C'est si c'est bien fait. Sans plus tarder, voyons quelle cette structure de scène très basique est cette structure de scène très basique afin que nous puissions apprendre à l'utiliser dans notre propre écriture. Chaque histoire est construite à partir d'une série de scènes. Chacune de ces scènes est un mini-récit part entière qui fait avancer l'intrigue. Je suis contente que tu sois venue. J'espère pouvoir tout arranger. Mais qu'est-ce qui fait qu'une scène fonctionne exactement ? Peu importe qu' il s'agisse d'un moment de réflexion tranquille ou d' une séquence d'action à enjeux vraiment élevés. Chaque scène comporte trois éléments principaux. Nous commençons par le montage, puis nous passons au conflit, et cela nous amène finalement à la résolution de la scène. Si vous y réfléchissez, la structure d' une scène est très similaire à la structure de base d'une histoire car en réalité, une scène est une mini-histoire, un mini-cosmos du sujet réel de l' histoire. La structure de la scène et la structure de l'histoire. Sont en fait très similaires les uns aux autres. L'un d'eux, bien sûr, a une vue d'ensemble, une idée plus large, une résonance thématique. Mais une scène a toujours cette idée de mettre en place quelque chose, d'aborder l'essentiel de l'histoire, le fond de l'histoire, c' est-à-dire le conflit, puis de trouver une solution. Vous avez peut-être entendu dire que la résolution selon laquelle la structure de l'histoire est un dénouement, un dénouement Examinons ce que chacune de ces choses implique. Qu'est-ce qui rend une scène efficace ? Pour répondre à cette question, nous allons commencer par demander ce qui rend une scène captivante. Parce qu'une scène efficace est toujours captivante. Cela nous attire toujours, cela nous donne envie de plus, et une bonne scène ne se contente pas montrer des personnages en train de parler ou de se déplacer. Comme je viens de le dire, cela engage votre public. Cela contribue à l'ensemble de votre histoire, et soit cela révèle quelque chose de nouveau sur les personnages, soit cela fait avancer l'intrigue. Idéalement, vous pouvez faire toutes ces choses en une seule scène. Maintenant, regardons quelques exemples. Vous avez probablement vu tout ce dont je parle dans vos films préférés. Maintenant, une scène géniale est une scène qui saisit le public avec tension, curiosité ou émotion Et qu'elle soit dramatique ou légère, chaque scène contribue à donner de l'élan à votre histoire Je vois le sol dur, oui. Tu penses que ce sera au début du printemps ? Ne l'avons-nous pas fait hier ? Je ne vois pas ce que tu veux dire. Ne plaisante pas avec moi, pauvre Chop. est quel jour ? C'est le 2 février. Journée de la marmotte. Ouais Désolée Tu sais, je pensais que c'était hier. Oh. Maintenant, les bases d' une structure de scène peuvent être divisées en trois parties que j'ai mentionnées plus tôt. abord, nous avons la configuration, où nous déterminons qui, où, quand, vous savez, vous avez créé le monde. Tu me donnes le cadre, où nous sommes, qui parle. Pourquoi devrais-je m'en soucier ? Ensuite, il y a le conflit. C'est dans le conflit qu'intervient la tension. C'est le cœur de la scène, tout comme le conflit est le cœur de votre histoire globale. C'est là qu'il se passe quelque chose qui met vos personnages au défi. Enfin, nous arrivons à la résolution. C'est le gain de la scène, si vous voulez. C'est là que la tension immédiate est résolue, donc la tension de la scène en particulier, pas nécessairement celle de l' ensemble de l'histoire, mais c'est aussi là que vous pouvez ouvrir la porte à ce qui se passera dans votre scène suivante Tu peux le préfigurer. Vous pouvez me donner un aperçu de ce qui va se passer en ce qui concerne les tensions que je vais observer dans le futur. Pensez-y comme à une mini-histoire. Dans la configuration, vous allez attirer votre public dans votre univers. Ensuite, dans le conflit, vous leur donnerez une raison de rester investis et dans la résolution, vous récompenserez leur attention. Ce faisant, vous indiquerez également ce qui va suivre, ce qu'il reste de votre histoire. À quoi pouvons-nous nous attendre de plus ? Quelque chose de très important que je ne peux pas ne pas aborder. C'est pourquoi la structure de la scène est si importante. Imaginez un film où chaque scène n'est que des événements aléatoires sans aucune direction claire. Les choses arrivent, on les oublie, on passe à autre chose, puis on revient. Cela ne vous semblerait-il pas décousu ? Par exemple, on n'y a pas pensé, comme si personne ne savait ce qu'ils faisaient quand ils ont écrit ceci. Maintenant, une scène bien structurée n'existe pas toute seule. C'est comme une pièce de puzzle qui s'intègre parfaitement à l'ensemble de votre histoire. Ce n'est pas un mini-film. En soi, c'est quelque chose qui répond mieux au message que vous essayez de faire passer, et c'est exactement ce que vous devez faire. Vos scènes doivent être connectées les unes aux autres et le meilleur moyen de les connecter est d'utiliser la structure de l'histoire et la structure de la scène. Parce que personne n'aime une histoire décousue. Personne ne veut assister à un vidage de cerveaux. Tout le monde veut penser que le scénariste est un génie qui a pensé à tous les angles. C'est ton travail. Prenez la structure de la scène, mettez-la dans votre écriture, et c'est ce que vous allez créer. Vous allez donner au public l' impression que vous savez ce que vous faites parce que vous le savez. Maintenant, regardons le Dark Knight, par exemple. Chaque scène s'appuie sur la précédente, augmentant les enjeux et révélant nouvelles facettes des personnages et de l'intrigue C'est pourquoi il est essentiel de maîtriser la structure de la scène. C'est ainsi que vous maintenez l' engagement de votre public du début à la fin. Parlons de ce que nous allons faire dans le futur ici. Nous allons analyser l'anatomie d'une scène. Nous explorerons chaque partie des scènes en détail, de la façon dont vous configurez les personnages, de manière dont vous configurez les enjeux, de la manière dont vous créez des tensions, manière dont vous augmentez les conflits et, enfin, de la manière d'obtenir un gain satisfaisant Nous verrons comment établir le contexte et les personnages, comment créer de la tension et du drame, comment réunir le tout. Nous aborderons les techniques de transition entre les scènes Nous parlerons de l'équilibre entre action et dialogue au sein de votre scène. Nous parlerons des erreurs courantes. Je vais vous expliquer comment les éviter, et à la fin de ce cours, vous aurez même la possibilité de créer votre propre scène. Ainsi, lorsque nous aurons terminé ce cours, vous aurez tous les outils nécessaires pour créer bien plus que des scènes efficaces. Vous aurez les outils nécessaires pour rendre vos scènes absolument inoubliables. J'espère que vous êtes prêt à car nous commençons dès maintenant. 4. Préparation : établir le contexte: Après avoir abordé les bases de ce qu' est la structure d'une scène et pourquoi elle est si importante, il est temps de passer au premier élément clé, la configuration. C'est là que votre scène commence vraiment. C'est ici que vous allez jeter les bases de tout ce qui va se dérouler dans la scène Selon la scène que vous écrivez, c'est peut-être là que vous posez les bases de l'ensemble de votre film Ce que vous devez retenir dès le début, cette chose cruciale que vous devez savoir pour le reste de votre travail, c'est que c'est la configuration qui accroche le public. C'est ce qui prépare le terrain pour l' action à venir. Qu'est-ce qu'une configuration ? C'est ici que vous pouvez déterminer qui nous suivons dans cette scène spécifique, où nous en sommes en termes de décor, heure et de lieu. Quand est-ce que cela se passe ? Est-ce un flashback ? Est-ce que cela se produit maintenant ? Est-ce à l' époque victorienne ? Est-ce dans un futur dystopique ? Est-ce que c'est dans un monde magique ? C'est ici que nous établissons le contexte de la scène. C'est là que vous donnez également le ton et l'ambiance. C'est ici que vous allez mieux nous le dire ou nous montrer. Comment devons-nous ressentir l'ambiance de la scène ? C'est ici que vous allez fournir le contexte essentiel dont nous aurons besoin pour le conflit à terme. Si votre conflit est entre un couple marié et le mari pense que sa femme vous trompe, il est bon de le savoir, il se méfie d'elle Parce que s'il entre et repart tout de suite , tu me trompes, c'est un peu bizarre Mais s'il regarde son téléphone et voit un message d' un autre type disant : «   Hé, je couche avec ta femme », alors nous avons la configuration. Nous savons qu'il va l'affronter quand elle rentrera à la maison. Puis, quand elle rentrera à la maison, nous savons que ce sera le conflit auquel nous nous attendions. C'est l'élément essentiel, le contexte dont nous aurons besoin pour comprendre pourquoi le conflit est si important. La configuration consiste à déterminer qui, où et quand avez-vous vu ? Cela donne au public un contexte essentiel. À propos de l'endroit où se trouvent les personnages, de ce qui se passe, de la raison pour laquelle c'est important. Sans cette base, votre scène peut sembler désorientante ou confuse Mais il ne s'agit pas simplement de donner des informations à votre public. C'est l'occasion de créer une intrigue pour attirer votre public et lui donner des raisons de se soucier de ce qui va se passer ensuite. Un excellent moyen de le faire est d'omettre des informations en ne nous disant pas tout ce que nous pourrions savoir Les meilleures configurations sont subtiles, mais elles regorgent de détails qui laissent entrevoir ce qui va arriver Maintenant, quels sont les éléments clés d'une configuration ? Nous devons savoir qui joue dans cette scène. Où sont-ils ? Quand est-ce que cela se passe ? Quelle est l'atmosphère ? Et qu'est-ce qui est en danger ? Même si ce qui est en danger n'est pas juste devant nous. Tout d'abord, vous avez vos personnages. Qui joue dans cette scène ? C'est l'occasion de réintroduire vos personnages au public d'une manière qui leur rappelle qui ils sont Ou si c'est la première fois que nous les rencontrons, c'est l'occasion pour vous d' établir l'identité de ce personnage. Même un petit détail peut me donner un sentiment de personnalité ou de motivation. Si votre personnage entre en scène en alignant des stylos et du papier, je sais qu'il a un peu de trouble obsessionnel-compulsif Je sais qu'ils ont le souci du détail. Ce sont des choses sur votre personnage que je comprends instantanément, rien qu' à partir de ce détail. Dans Les Aventuriers de l'Arche perdue, lorsque nous rencontrons Indiana Jones pour la première fois, nous avons une idée claire du personnage à travers ses actions, sa confiance, le danger auquel il est confronté Nous savons tout de suite que ce type est débrouillard, courageux et qu'il a l'habitude de gérer des situations difficiles Ensuite, nous avons l'emplacement. Où sont tes personnages ? Le décor joue un rôle important dans le déroulement de la scène. Sommes-nous dans un bureau exigu ? Sommes-nous sur un champ de bataille ouvert ? Sommes-nous dans une maison familiale tranquille ? Bien évidemment, chacun de ces environnements influe sur l'humeur, le comportement des personnages, nos attentes. Dites-moi où nous sommes. Réfléchissez à la situation décor qui conviennent le mieux à la scène que vous souhaitez créer. Qu'est-ce qui suscitera le plus d'intrigues ? Regardons un Blade Runner. Le décor est tout aussi important que les personnages. La ville sombre et trempée par la pluie crée immédiatement l'ambiance et indique au public qu'il se trouve dans un monde futuriste et graveleux où il est difficile de survivre De plus, je me rends compte que ces deux exemples sont des films d' Harrison Ford, mais nous allons simplement ignorer mon parti pris évident à son égard et passer à autre chose. C'est l'heure du troisième élément. Quand se passe ta scène ? C'est tôt le matin ? Est-il tard dans la nuit ? Est-ce que c'est quelque chose entre les deux ? L'heure de la journée peut nous en dire long sur l'ambiance et sur ce que sont les personnages. Pensez à ce que l' on ressent lorsqu'on voit une scène tranquille au lever du soleil par rapport à une confrontation tendue à minuit. Ce serait très différent car l'ambiance que vous définissez est très différente et vous pouvez définir l'ambiance en fonction de l'heure de la journée. Un lever de soleil peut donner un ton paisible et plein d'espoir, tandis qu'une scène nocturne peut sembler plus dangereuse ou pleine de suspense Le temps n'est pas qu'une toile de fond, c'est quelque chose qui contribue activement à l'ambiance et aux enjeux de votre scène. Et en parlant d'humeur, le ton est le dernier ingrédient auquel vous devez penser. Optez pour une scène intense et dramatique, ou peut-être quelque chose de plus léger et de plus détendu. Votre ton définit les attentes de votre public, vous devez donc le faire correctement. Réfléchissez à ce que vous voulez dire. Comment souhaitez-vous que votre public se sente ? C'est ta principale question. Tu veux qu'ils s'inquiètent ? Voulez-vous qu'ils se sentent détendus ? Doivent-ils se sentir chez eux ? Devraient-ils être à l'aise ? Définissez le ton en fonction de ce que vous souhaitez atteindre. Aujourd'hui, le Grand Budapest Hotel de West Henderson donne immédiatement un ton original et léger avec ses couleurs vives et ses dialogues pleins Dès le premier cliché, le public sait qu'il a envie de quelque chose de ludique et d'amusant. Vous n'avez donc pas besoin de me dire quel est votre ton. Tu dois me le montrer. Utilisez vos dialogues, votre décor, les couleurs, la dynamique des personnages pour montrer le ton de ce film et, surtout, de la scène elle-même. Brett avec cette casquette, Anathor. C'est un plaisir pour moi, Heschn Le Strassbster. Elles ne sont pas acceptables. Je suis entièrement d'accord. Éducation. J'ai étudié la lecture et l'orthographe. J'ai commencé mon école primaire presque dans le domaine de l'éducation. Zéro. Maintenant, il a explosé. Bonjour, Cicéron. Appelez le GodmPlumber Cet après-midi, Monsieur Site. Est-ce que cela échouera s'il y a un***. Pas maintenant. Famille ? Desi Et enfin, ce que je préfère absolument, ce sont les enjeux. Même dans la configuration, il faut avoir une idée des risques pour les personnages. Cela peut être quelque chose d'absolument énorme, comme la vie ou la mort, ou quelque chose de plus petit mais tout de même significatif. Même des enjeux subtils peuvent garder le public accro. Mais ce que je peux vous promettre, c'est qu' aucun public ne sera accro à aucun enjeu Le public vient assister au drame. Aucun enjeu n'équivaut à aucun drame. Un bon film, une bonne scène nous apporteront toujours des enjeux. Dans un endroit calme, même les moments les plus calmes comportent énormes enjeux un faux mouvement, un son et la vie des personnages est en danger C'est ce qui rend chaque scène si tendue. C'est pourquoi le public est constamment nerveux, car tout peut mal tourner à tout moment. Maintenant que nous avons décomposé les éléments clés d'une configuration, examinons quelques exemples où ces éléments se combinent pour créer une scène d'ouverture très puissante. Dès le début, la scène d'ouverture définit immédiatement le monde, les personnages et les enjeux. Vous comprenez la complexité du cambriolage rêvé et le danger que cela implique Es-tu là pour me voler des objets ou bien si nous dormons vraiment ? Je sors, on a une idée claire du ton. Quelque chose ne va pas, même si nous ne savons pas encore exactement de quoi il s'agit. **** c'est que j'allais y aller mais je ne peux pas. Ce n'est pas le jour. Pas moi. Tu sais à quel point ils aiment m'envoyer ici, mec. Maison. Allez, mes frères. Ouaip. Par yo. Ronde. Alors offrez aux agriculteurs du plaisir et du plaisir. Dans Jurassic Park, la scène d'ouverture établit immédiatement les enjeux avec une introduction terrifiante au pouvoir des dinosaures Pour récapituler ce que nous avons dit maintenant, une structure solide est la base de scène et vous devez définir vos personnages, le lieu, l'heure, le ton et les enjeux, tout en attirant votre public et en lui faisant prendre conscience de ce qui va suivre C'est si facile, non ? Mais ne t'inquiète pas. Je veux maintenant que vous réfléchissiez à la scène d'ouverture d'un film que vous aimez et que vous la décriviez. Qui sont les personnages ? Quel est le réglage ? Quel est le ton établi et quels sont les enjeux ? Juste dans la scène d'ouverture. Cet exercice vous aidera à identifier les éléments dont nous avons discuté aujourd'hui et à voir comment ils fonctionnent ensemble pour créer une configuration convaincante. Maintenant, la prochaine fois, nous allons explorer le deuxième élément clé d'une belle scène, le conflit, alors restez à l'affût. 5. Conflit : créer des tensions: Nous avons déjà parlé de la configuration, manière de jeter les bases de votre incroyable scène. Passons maintenant à l'un des éléments les plus importants pour maintenir l' engagement de votre public. Grattez ça. L'élément le plus important qui permet à votre public de rester impliqué dans le conflit. Le conflit est le moteur qui vous anime. Il s'agit de la tension entre deux forces opposées, qu' il s'agisse d'une dispute houleuse entre deux personnages , d'un personnage contre son environnement ou conflit interne au sein du personnage lui-même. L'important, c'est que sans conflit, je peux vous promettre que la scène s'effondrera. Le conflit est au cœur de chaque grande scène. C'est ce qui donne au public une raison de continuer à regarder. Qu'il s'agisse d'un conflit physique, émotionnel ou psychologique, c'est ce qui donne l'impression que les enjeux sont réels. Il existe trois principaux types de conflits personnage contre un autre personnage, personnage contre son environnement et un personnage contre lui-même. Décomposons-les. entre un personnage et un autre personnage est le type de conflit le plus courant, en particulier dans les séries dramatiques ou les films d'action agit d'un conflit entre deux personnes qui veulent absolument des choses différentes, ou qui veulent la même chose, mais qui veulent y parvenir de différentes manières Cela peut être aussi intense qu' une bagarre physique ou un désaccord très subtil au cours d'un dîner. Peu importe. L'essentiel est que les deux personnages poursuivent activement des objectifs opposés ou le même objectif de différentes manières. Dans la nuit noire, exemple que je donne très souvent, le conflit entre Batman et le Joker est bien plus que physique Il est fondamentalement idéologique. Batman veut protéger Gotham, tandis que le Joker veut le plonger dans le chaos Leurs scènes sont électrisantes car chacun d'entre eux est déterminé à arrêter l'autre. Tu n'as rien qui puisse me menacer. Rien à voir avec ça. Ensuite, nous avons le caractère par rapport à son environnement. C'est le type de conflit où le personnage lutte contre des forces extérieures. Très souvent, c'est la nature, mais cela peut aussi être la société ou un environnement physique qui menace leur survie. Au niveau de la scène, vous pouvez le constater dans chaque scène martienne Mark n'a pas affaire à un méchant ici. Il lutte contre l'environnement hostile de Mars elle-même. Le paysage aride, les ressources limitées et l'isolement créent pour lui une tension constante Chaque scène parle donc de sa survie. Maintenant, nous avons enfin le caractère contre soi. Cela signifie le caractère contre lui-même. Il s'agit d'un conflit interne. C'est mon type de conflit préféré et, à mon humble avis, est de loin le type de conflit le plus puissant. C'est lorsque le personnage est aux prises avec ses propres pensées, ses propres émotions ou ses propres décisions C'est souvent plus subtil, mais généralement aussi puissant qu'un conflit externe. Dans Black Swan, le combat de Nina est interne. Elle est tiraillée entre son désir perfection et la peur de perdre le contrôle. Le conflit est entièrement psychologique, mais il est tout aussi saisissant que le serait n'importe quel combat extérieur Aujourd'hui, le conflit en soi est une bonne chose, mais les grandes scènes font monter les enjeux, ce qui signifie qu'à mesure que le conflit s'intensifie, les conséquences deviennent de plus en plus graves. Que se passe-t-il si le personnage ne gagne pas le débat dans lequel il se trouve ? S'ils ne s'échappent pas du bâtiment en feu. Qu'est-ce qui est en danger ? Que peuvent-ils perdre ? J'aime voir les scénaristes comme des gens qui peuvent parfois être méchants Vous devez proposer le pire scénario pour votre personnage et, si possible, intégrer exactement à ce scénario. Montrez-leur ce qu'ils peuvent perdre. Au fur et à mesure que vous développez votre conflit, vous devez également créer des tensions. Assurez-vous que les enjeux augmentent au fur et à mesure que la scène avance. Cela permet à votre public de rester nerveux. Cela renforce leur investissement émotionnel dans le résultat et rend finalement votre scène encore meilleure Sur Mac MacFury Road, chaque seconde d'une scène de poursuite augmente les enjeux Les personnages ne se contentent plus de s' enfuir. Ils se battent pour leur vie. Les enjeux sont aussi élevés que possible, et chaque obstacle aggrave la situation. Parlons maintenant du dialogue. Nous parlerons du rôle du dialogue et de l'action plus loin dans ce cours. Mais dans de nombreuses scènes, conflit se manifeste à travers ce que disent les personnages et, plus important encore, à travers ce qu'ils ne disent pas. Utiliser votre dialogue pour améliorer votre conflit est la meilleure solution. Le dialogue peut créer des tensions par le biais de sous-textes, malentendus ou Pour ceux d'entre vous qui ne connaissent pas le sous-texte, c'est ce qui n'est pas défini, les personnages ne disent pas, mais ce qu'ils veulent vraiment malentendus créent des tensions en raison de la confusion . Chaque fois que les personnages ne sont pas sur la même longueur d'onde parce qu'ils ont mal compris ce que l'autre personne essayait de leur dire, cela peut facilement créer des tensions Cela peut facilement augmenter les enjeux pour vous. Et la confrontation se produit lorsque des objectifs directement opposés s'affrontent. C'est généralement lorsque les personnages sont ouvertement en désaccord. Très souvent, les confrontations sont des disputes, des gens qui se crient dessus Mais à mon avis, le meilleur conflit vient du sous-texte, ce qui est sous-entendu, plutôt que de ce qui est clairement énoncé. Bien entendu, cela peut provenir de malentendus où les personnages travaillent à contre-courant sans s'en rendre compte Mais personnellement, je suis un fervent partisan du sous-texte. Aujourd'hui, dans l'histoire de Marat, une grande partie du conflit entre Charlie et Nicole n'est pas évoquée. C'est tacite Même dans les moments de silence, leur langage corporel, leurs expressions nous indiquent qu'ils sont profondément en désaccord. C'est une masterclass sur l' utilisation du sous-texte pour créer des tensions et je recommande vivement d'aller voir ce film si vous souhaitez utiliser du sous-texte Tout d'abord, j'aime ma mère. C'était une mère formidable. répète ce que tu m'as dit. Deuxièmement, comment osez-vous comparer mon rôle maternel à celui de ma mère ? Maintenant, comment utiliser le contexte pour faire avancer l'histoire ? Tout d'abord, souvenez-vous de ce principe essentiel. Le conflit n'est pas seulement une question de tension à ce moment-là. Il s'agit surtout de faire avancer l'histoire. Ainsi, chaque scène devrait modifier vos personnages d'une manière ou d'une autre. Même s'ils ne gagnent pas le conflit, ils apprendront peut-être quelque chose. Ils risquent de perdre quelqu'un ou quelque chose. Peut-être changent-ils leur vision du monde. L'important est que votre personnage ne soit pas statique. Votre personnage devrait changer à chaque scène. Ils devraient croître ou descendre en spirale. Mais ton personnage a besoin d'être développé. À la fin de la scène, votre personnage devrait se trouver dans un endroit très différent de celui au début de la scène. Cela peut être émotionnellement, mentalement ou même physiquement dans un endroit différent. Mais le conflit est le catalyseur du changement Veuillez donc utiliser votre conflit pour créer un changement. Examinons maintenant quelques autres exemples de scènes déclenchées par un conflit pour voir comment ces éléments se combinent. Sur les réseaux sociaux, on assiste à un conflit intellectuel entre Mark Zuckerberg et ses rivaux. C'est ton seul ami. Dans Gladiator, c'est une question de vie ou de mort, conflit physique entre Maximus J'aurai mon venyar dans cette vie ou dans la suivante. Dans Whiplash, c'est une guerre psychologique entre un élève et son professeur implacable Dans chaque cas, les enjeux augmentent et les personnages changent à jamais à cause de cette confrontation. Bref, le conflit est le moteur de chaque grande scène. Qu'il s'agisse d'un affrontement entre deux personnages, d'une bataille externe avec leur environnement ou d'une lutte interne avec eux-mêmes, conflit augmente les enjeux et rend votre public accro J'adore apprendre à partir de bons exemples. S'il vous plaît, allez chercher un film ou une émission de télévision où le conflit vous tient le plus à cœur dans une scène spécifique , puis décomposez-le. Réfléchissez à la source de ce conflit, façon dont il s'intensifie et à la façon dont les personnages changent-ils à la fin de la scène Parce que si vous comprenez comment les professionnels s'y prennent, vous serez en mesure de mieux le faire vous-même. Jusqu'à présent, nous avons abordé le montage, la montée des tensions et les conflits les plus importants d'une scène. Il est maintenant temps de parler de la résolution. C'est le moment où tout porte ses fruits. Regardez la leçon suivante et étudions-la ensemble. 6. Résolution : retour sur investissement et objectif: Maintenant que nous avons parlé de la configuration, manière de créer des tensions et de la manière d'écrire un bon conflit, il est temps de parler de la résolution, des avantages, du dénouement de toute une histoire, mais uniquement dans les limites d' Ce que cette scène a mené à cela, c'est ce dont nous parlons aujourd'hui. Ce que vous devez savoir, c'est que chaque scène a besoin d'une certaine résolution. La résolution est le moment où le conflit en cours atteint son paroxysme ou trouve une solution. Tu vois, c'est très important. Vous n'avez pas besoin de nous donner toutes les réponses à toutes les questions que vous vous êtes posées dans la scène. Ce que vous pouvez faire au contraire, c'est simplement nous montrer que nous allons obtenir cette résolution, cette clarification de toutes les réponses. Peu importe que votre personnage gagne ou perde. Ce que la résolution doit absolument faire, c'est qu'elle doit être perçue comme la progression la plus naturelle par rapport au conflit et à la configuration. Cela doit donc être organique par rapport à ce qui s'est passé jusqu'à présent. Cela doit être une façon sensée de mettre fin à ce que vous êtes en train de construire dans cette scène. Sans une résolution solide, votre scène peut sembler totalement incomplète. Permettez-moi de reformuler cela Sans une résolution solide, votre scène semblera incomplète. La résolution est ce qui satisfait le public ou, dans certains cas, c'est ce qui le pousse à vouloir plus. C'est ce qui les y maintient. C'est ce qui retient leur attention jusqu'à la scène suivante. Cela se produit parce qu'ils ont maintenant vu l'issue de la configuration et du conflit. Ils ont vu à quoi ces deux choses ont mené. Maintenant, ils veulent savoir comment cela va se passer. Il existe différents types de résolutions. Vous pouvez avoir une victoire ou une défaite, vous pouvez avoir un compromis ou un changement. Vous pouvez également avoir un accroche-falaise ou un mystère, et bien sûr, vous pouvez avoir un avantage émotionnel. Décomposons maintenant ces quatre types. La première est la victoire ou la défaite. Celui-ci est assez simple. C'est quand un personnage gagne et que l'autre perd. Il s'agit d'un résultat très classique qui peut être très satisfaisant lorsque vous le faites correctement. Regardons une scène combinée de Rocky. Dans ce cas, c'est la résolution non seulement de la scène, mais de l'histoire dans son ensemble. Cela vient après le match de boxe épique. Ce qui est important ici, c'est que notre personnage principal, Rocky, ne gagne pas le combat, mais il gagne d'une manière différente. Il se prouve qu' il peut tenir la distance. Il s'agit d'une résolution pleine de victoires et de défaites. Vous avez Rocky qui perd le combat, mais il change. Vous pouvez voir la progression du personnage. Il ne gagne donc pas physiquement, mais émotionnellement et personnellement. C'est un moyen très puissant de structurer votre scène de victoire ou de défaite , car vous obtenez les deux, ce qui fait de Rocky une personne émotionnellement intelligente. Ensuite, il y a le compromis ou le changement. C'est à ce moment qu'aucune des parties n'obtient exactement ce qu'elle voulait, mais qu'il existe une certaine forme de compréhension mutuelle ou qu'un personnage évolue peut-être en réponse au conflit C'est similaire à ce que nous avons vu avec Rocky dans la scène précédente. Mais maintenant, regardons le parrain. résolution de Michael Corleone implique souvent des compromis ou des changements Il fait des sacrifices stratégiques qui l'enfoncent plus profondément dans le monde mafieux et chaque scène le transforme d' un outsider réticent en un leader impitoyable Quelle que soit la scène du parrain que vous examinez, vous verrez que la plupart d'entre elles ont exactement ce compromis ou changement de personnage comme résolution Mike, tu ne viens pas à Las Vegas pour parler à un homme comme Moe Greene comme ça Fredo. Tu es mon frère aîné, et je t'aime. Mais ne prenez plus jamais parti pour quelqu'un contre la famille. Depuis toujours. Ensuite, il y a le type de résolution « Cliff Hanger » ou « mystère Ce type laisse le conflit non résolu. Cela tient le public en haleine pour ce qui va suivre À mon avis, c'est un excellent moyen d'attirer vos spectateurs pour les scènes ou les épisodes à venir. Inception le fait très bien. Le dernier cliché de la toupie est un parfait exemple d'accroche à une falaise. Nous ne savons pas si Cobb rêve encore ou non, et c'est cette incertitude qui rend la résolution de cette scène si mémorable Enfin, nous avons le gain émotionnel. C'est un moment cathartique. Cela fait du bien au public, et c'est à ce moment-là que la résolution du conflit ne consiste pas simplement à gagner ou à perdre. Il s'agit du fait que le personnage atteint un tournant émotionnel. Dans cette scène de Goodwill Hunting, la résolution est que Will tombe finalement en panne pendant sa séance de thérapie avec Sean. Ce gain émotionnel est immense car le conflit n'était pas externe Il ne luttait pas contre un problème physique. Le conflit portait toujours sur le fait que Will surmontait ses propres peurs de vulnérabilité. Ce moment semble donc particulièrement puissant pour terminer la scène. Ne t'en prend pas à moi. Ce n'est pas de ta faute. Ne t'en prend pas à moi, d'accord ? Ne t'en prends pas à moi, John, pas toi. Ce n'est pas de ta faute. Ton téléphone. OK. Maintenant, l'essentiel à retenir ici est que la résolution doit toujours servir votre histoire dans son ensemble. Vous ne pouvez pas simplement travailler scène par scène. La résolution de chaque scène devrait d'une manière ou d'une autre mener le personnage vers la résolution de votre histoire principale. Il ne s'agit pas simplement de terminer cette scène ou de la terminer de manière satisfaisante. Il s'agit de savoir comment cette fin affectera le personnage et fera avancer votre intrigue. Même si votre résolution est subtile, elle aurait certainement dû l'être. Maintenant, que votre personnage réussisse ou échoue dans la scène, la résolution devrait nous donner une idée de ce qui va suivre Alors, comment l'issue de ce conflit influencera-t-elle le moment suivant de votre histoire ? À la fin d'Empire Strikes back, la résolution du duel entre Luke Dark Vador est absolument Luke perd le combat, mais surtout, il apprend que Vada est son père Comment cela fonctionne-t-il pour l'ensemble de l'histoire ? Eh bien, cette révélation fait avancer le reste de l'histoire. Il met en place tout ce qui suit. C'est ce qui permet à Luke de comprendre l'ordre Jedi et changer tout ce que nous savions ou pensions savoir jusqu'à présent. Soudainement, la perspective change et nous devons réexaminer la séquence complète des événements survenus jusqu'à présent Cette résolution change l'arc de caractère de Luke et le fait grandir davantage. Non Je suis ton père. Non Ce n'est pas vrai. Ce démontable. Des sortes de sentiments. Tu sais ce qu'il y a entre les deux. Maintenant, parlons de ce que vous ne voulez absolument pas. Ce qu'il faut éviter à tout prix, c'est l'anticlimax. Maintenant, un point culminant se produit lorsque vous avez créé de la tension pendant toute la scène, pour résolution tombe complètement à plat ou que vous ne vous sentiez absolument pas méritée Cela peut se produire lorsque le gain n'est pas à la hauteur du conflit qui l'a précédé Si le parcours de votre personnage dans le conflit est intense, la résolution doit en tenir compte. Un anticlimax est une résolution qui laisse le public insatisfait, souvent parce que cela semble trop facile ou elle ne répond pas aux enjeux que vous avez accumulés jusqu'à présent Dans Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, la résolution concernant le vaisseau spatial extraterrestre ne donne pas vraiment les résultats escomptés dans le reste du film Le conflit, même s'il était intense, ne fonctionne pas, et il ne fonctionne pas entièrement, car les bénéfices ont laissé de nombreux spectateurs complètement déconnectés, car cela ne correspondait pas aux enjeux de l'histoire qu' ils regardaient Maintenant que je vous ai dit ce qu'il faut éviter, je vais vous montrer quelques scènes supplémentaires avec une résolution agréable et satisfaisante. Dans Shawshank Redemption, la scène où Andy s'évade est non seulement une résolution parfaite de la scène elle-même, mais aussi une résolution parfaite d'un conflit qui se construit lentement, une résolution conflit qui se construit lentement, une parfaite Maintenant, dans Toy Story 3, la résolution du voyage de Woody et Buzz est pleine de rebondissements émotionnels. Merci, les gars. Et dans le silence des agneaux, la résolution entre Clarisse et Hannibal Lector est effrayante, mais tellement satisfaisante car Claris gagne, mais Prends soin maintenant de me faire preuve de la même courtoisie. Tu sais, je ne peux pas faire cette promesse. J'aimerais que nous puissions discuter plus longtemps, mais je vais inviter un vieil ami à dîner. Au revoir Lettre. Lettre de décoration. Lettre du médecin. Je sais que je mentionne les résolutions de l'histoire elle-même, mais n'oubliez pas que la résolution de l'histoire est toujours contenue dans une scène. Récapitulons maintenant rapidement tout ce que j'ai dit jusqu'à présent. La résolution est la récompense du conflit de vos scènes. Cela peut être une victoire. Cela peut être un compromis. Cela peut être un accroche-falaise ou une récompense émotionnelle Quoi qu'il en soit, assurez-vous que c'est mérité et que c'est utile. Votre résolution doit affecter vos personnages, les faire changer et faire avancer votre intrigue. Maintenant, pensez à la scène sur laquelle vous avez travaillé jusqu'ici. Quel est le conflit ? Comment la résolution apaise-t-elle la tension ? vous semble-t-il mérité ? Votre scène correspond-elle à l' objectif général de l'histoire ? Votre récompense répond-elle spécifiquement l'objectif général de l'ensemble de votre histoire ? Cela mènera-t-il votre personnage là où il doit aller ? Si vous n'êtes pas satisfait du résultat obtenu jusqu' à présent, réfléchissons à la manière dont vous pouvez augmenter vos mises ou à la manière dont vous pouvez rendre la résolution plus efficace. Prenez votre temps et souvenez-vous que résolution de chaque scène est l' occasion de faire avancer vos personnages et votre histoire. 7. Transitions entre les scènes: Nous avons déjà parlé de la résolution et des avantages. En théorie, votre scène pourrait être terminée Mais maintenant, nous allons nous plonger dans quelque chose qui est très souvent négligé ou dont on ne parle pas assez. Je vais vous parler de la transition d' une scène à l'autre Les transitions sont le globe qui unit la scène. Une scène bien structurée peut se suffire à elle-même, mais sans une bonne transition entre les scènes, il impossible de créer un sentiment de continuité. Les transitions sont ce qui garantit le bon déroulement de votre histoire et l'engagement de votre public. Pensez aux transitions comme à des ponts. Ils nous emmènent d'un moment à l'autre sans perdre notre élan. Si les transitions sont discordantes ou floues, le public peut être confus ou déconnecté de votre histoire Mais lorsqu'elles sont bien effectuées, les transitions créent une expérience fluide. La façon dont cela fonctionne est essentiellement que vous obtenez la configuration, puis le conflit, puis les avantages d'une scène, puis vous passez rapidement à la configuration, conflit et à la résolution d'une autre scène Examinons maintenant différents types de transitions. Chacun d'entre eux répond à un objectif unique. Il n'existe pas de solution universelle. Ce qui compte, c'est de savoir comment la transition peut servir votre histoire. Tout d'abord, nous avons le type le plus élémentaire, le hard cut. Il s'agit de ruptures nettes entre les scènes, sans aucun chevauchement d'images ou de sons. Ils sont simples, ils sont directs. Ils sont parfaits si vous souhaitez créer un contraste entre deux scènes ou si vous souhaitez changer de ton très rapidement. Pulp Fiction en est un excellent exemple. Les coupes dures sont utilisées pour créer des changements brusques de ton. un moment, nous sommes dans une scène de dialogue calme et le lendemain, nous sommes au milieu d'une fusillade intense Cette transition abrupte modifie radicalement l'attention du public, ce qui ajoute à l'imprévisibilité du film Vous voyez, dans ce cas, la transition est bouleversante, mais elle convient à l'histoire , compte tenu de objectif général et de son Vous pouvez certainement utiliser les transitions d'une manière non conventionnelle, ou vous pouvez les rendre choquantes si tel est le but Ensuite, nous avons des matchs coupés. Il s'agit d'un lien entre deux scènes par le biais de visuels, de sons ou d'actions similaires. Cela peut créer un sentiment de continuité même lorsque les deux scènes se situent dans des lieux complètement différents ou même à des périodes différentes. L'un des exemples les plus célèbres d'allumette remonte à 2001, l'Odyssée de l'espace Un os est projeté en l'air et se transforme sans difficulté en vaisseau spatial Cette coupe fait le pont entre des millions d'années d' évolution en une seule transition élégante. Ensuite, vous pouvez obtenir une coupe transversale. Il s'agit d'une technique de transition qui vous permet de passer d'une scène à l'autre se déroulant en même temps et de créer une action parallèle. Cette méthode crée des tensions et relie des scénarios qui peuvent éventuellement converger Regardons à nouveau le parrain. Pendant la séquence du baptême, on voit Michael assister au baptême de son neveu alors que ses ennemis sont assassinés L'action parallèle crée ici un contraste saisissant entre innocence et violence, et met en évidence la transformation de Michael. La raison pour laquelle il est utilisé ici, c'est pour l'idée thématique de l'histoire. Vous pouvez également avoir des repères visuels ou audio, qui sont des transitions très efficaces. Il peut s'agir d'une porte qui claque vers un nouvel emplacement ou d'un son semblable à celui d'un téléphone qui sonne dans une scène Ces indices créent un lien fluide et souvent subconscient entre les scènes Dans Requiem for Dream, signaux sonores tels que des sonneries de téléphone sont utilisés pour faire la transition entre les vies des personnages, ce qui permet de relier leurs histoires même lorsqu'ils ne sont pas au même endroit La répétition de ces signaux audio crée un rythme qui lie ces scènes entre elles. Enfin, nous avons les Mtoklinks. Ces transitions ne reposent pas sur des éléments visuels ou sonores. Ils sont entièrement basés sur le sens profond ou le thème récurrent de votre histoire. Vous pouvez terminer une scène avec la réflexion d'un personnage sur l'amour , puis passer à un autre personnage aux prises avec la relation Le lien ici est dans le thème du hangar. Au Grand Budapest Hotel, Wes Anderson utilise souvent de tels liens thématiques pour passer d'une chronologie à l' autre Une réflexion sur la loyauté à une époque trouve un écho dans un scénario parallèle, même si les scènes sont séparées par Les transitions semblent tout à fait naturelles car elles sont ancrées dans les thèmes principaux du film. Au cas où vous ne sauriez pas comment écrire toutes ces transitions dans votre script, je vais vous le montrer tout de suite. Pour les coupes dures, nous utilisons également le cut. Il s'agit du type de transition de scène le plus générique que vous puissiez voir et parfois vous n'avez même pas besoin de l'écrire, car c' est ce que l'éditeur supposera que vous faites. Si vous écrivez des matchcuts, vous l'avez deviné, vous écrivez simplement match cut Pour la découpe transversale, nous utilisons généralement l'intercut. Les signaux visuels ou audio peuvent être coupés en J ou coupés. Une coupure en J se produit lorsque le son d' une scène commence à la fin de la scène précédente, comme ceci. Mmm. Et une coupure en L se produit lorsque le son d' une scène passe à la suivante comme ceci. Comment. Vous n'écririez pas vraiment liens thématiques dans la transition. C'est quelque chose qui se produira dans votre action et dans votre dialogue. Alors, quand devriez-vous utiliser les techniques que nous avons abordées ? L'essentiel est de prendre en compte le rythme et le ton émotionnel de votre histoire Si vous souhaitez conserver une dynamique rapide, les transitions rapides, telles que les coupes dures ou les coupes transversales, fonctionneront très bien. Mais si vous ralentissez les choses pour réfléchir au parcours émotionnel ou à la situation d'un personnage, vous aurez probablement besoin d'une transition plus fluide. Vous pouvez donc travailler avec un match cut ou un lien thématique. Ils seraient peut-être bien meilleurs dans cette situation. Les transitions ne consistent pas simplement à passer d'une scène à l'autre. Il s'agit de gérer le rythme de votre histoire et de guider les émotions de votre public. Si votre transition ne semble pas à sa place, elle peut éloigner les spectateurs de l'histoire. Mais si vous le faites bien, cela améliorera l' expérience de narration Alors, choisissez judicieusement. Regardons maintenant quelques films qui utilisent les transitions de manière très efficace. Dans Danker, Christopher Nolan utilise le croisement pour raconter trois histoires simultanées sur des chronologies différentes Cela lui permet de créer des tensions et de relier les événements terrestres, maritimes et aériens. Dans Birdman, le film entier semble avoir été tourné en une seule prise continue Les transitions sont masquées par le travail et les mouvements intelligents de la caméra. Dans Mad Max Fury Road, les coupes dures sont utilisées pour maintenir l'intensité à un niveau élevé faire avancer l'action à un rythme effréné Passons maintenant en revue certains écueils courants en matière de transitions La plus grosse erreur que vous puissiez commettre est de loin créer des transitions discordantes ou désynchronisées Avec le ton de la scène. Pourquoi ? Parce que si vous créez une transition qui ne semble pas naturelle, si je n'ai pas l'impression que c'est ainsi que vous feriez normalement la transition entre deux scènes, en tant que spectateur, vous mettrez fin à mon immersion Je n'y participerai plus, et c' est la dernière chose que tu as envie de faire. Une autre erreur est d' utiliser la même technique de transition. Ainsi, le croisement constant entre les scénarios, par exemple, peut être source de confusion. Oui, la coupe transversale peut être efficace, mais si vous l'utilisez trop souvent, elle peut perdre de son impact. Enfin, évitez de vous fier à des transitions tape-à-l'œil pour des raisons de style. Ils doivent servir votre histoire. Si vous êtes en transition, par exemple en faisant correspondre deux scènes de deux personnages différents, vous créerez inévitablement un lien entre ces deux personnages dans l'esprit du public Cela peut fonctionner si vous voulez qu'ils soient ensemble à un moment donné, ou s'ils ont des histoires similaires, mais ils ne se sont jamais rencontrés. Mais si vous ne l'utilisez que pour bien paraître, reconsidérez votre position. C'est bon. Nous avons parlé des transitions, des différents types de transitions et des circonstances dans lesquelles les utiliser. Maintenant, pensons à la scène que vous êtes en train d'écrire. Quelle est la scène qui va suivre ? Réfléchissez à la relation entre ces deux scènes. Sont-ils très différents ? Sont-ils connectés ? Quelle transition fonctionnera le mieux ? Peut-être s'agit-il d'un lien thématique, peut-être d'une correspondance, peut-être d'un lien rigide parce que vous parlez d'un sujet complètement différent ou que vous faites une comparaison. 8. Dynamique de scène : action et dialogue: Maintenant que nous avons expliqué comment utiliser les transitions de scène pour créer transitions dynamiques et engageantes entre scènes et comment passer facilement d'une scène à l'autre, il est temps de parler d'un élément essentiel de toute scène, l'équilibre entre action et dialogue. C'est ce qui rend la scène intéressante et efficace, et c'est ce qui vous permet de maintenir l'engagement de votre public. L'action et le dialogue sont deux des outils les plus importants de votre kit de narration est essentiel de trouver le juste équilibre entre les deux pour maintenir engagement de votre public, maintenir le rythme de votre histoire et créer un impact émotionnel En d'autres termes, trop d'action peut devenir épuisant. Votre public a besoin de temps pour respirer. Mais trop de dialogues et votre scène va commencer à traîner. Ce sera ennuyeux. Ce sera épuisant d'une toute autre manière. Vous allez perdre votre audience. Vous perdrez également la tension et l'élan que vous avez créés. Pour trouver votre point idéal, vous avez besoin d'action et de dialogue pour travailler ensemble. Cela vous aidera à créer une scène dynamique, déterminée et vivante Commençons par parler d'action. L'action ne se limite pas aux scènes de combat ou de poursuites en voiture. Il s'agit de tout mouvement physique ou événement qui fait avancer l'histoire ou qui révèle quelque chose sur les personnages. Donc, si votre personnage marche, c'est de l'action. Si le personnage prend une brosse à dents, c'est de l'action. L'action fait avancer l'intrigue et fait avancer les choses. Cela nous montre ce que font les personnages, pas seulement ce qu'ils disent. Cela peut être quelque chose de subtil. Comme un regard échangé entre deux personnages. Cela peut être quelque chose d'absolument énorme et explosif, comme une poursuite dans les rues de la ville. Mais l'action est le carburant qui vous propulse. Dans John Wick, l'action n'est pas qu'une question de spectacle. Cela révèle de manière cruciale qui est John. Chaque mouvement est délibéré. Chaque combat nous parle de ses compétences, de ses motivations et de son acharnement. Nous découvrons son caractère par ce qu'il fait et non par ce qu'il dit. Parlons maintenant du dialogue. C'est dans le dialogue que la personnalité de votre personnage brille. C'est ainsi que nous découvrons leurs pensées, motivations, leurs relations, mais tout comme l'action, le dialogue doit avoir un but à chaque fois. Cela devrait révéler quelque chose sur le personnage. Je devrais créer des tensions, ou cela devrait aggraver les enjeux émotionnels. Si votre dialogue n'a pas de but, il doit être abandonné. Un bon dialogue est net et concis. Et c'est plein de sens. S'il vous plaît, ne laissez pas vos personnages parler pour le plaisir de parler. Chaque fois qu'ils disent quelque chose, ils doivent exprimer une raison pour faire avancer l'histoire. Ils révèlent peut-être des secrets. Ils sont peut-être en train d'établir des relations. Ils créent peut-être des conflits. Mais chaque ligne doit avoir de l'importance. Dans Inglorious Bastards, Quentin Tarantino utilise magistralement Quentin Tarantino le dialogue pour créer des tensions. Dans la scène d'ouverture, attitude calme et amicale du colonel Lando cache les dangers mortels qui se cachent sous la surface Chaque mot est empreint de menace, car la tension s'installe uniquement par le biais du dialogue Tu abrites des ennemis de l'État, Diana. La vraie magie opère lorsque vous trouvez le juste équilibre entre action et dialogue. L'action peut ponctuer ou souligner une scène riche dialogues, tandis que le dialogue peut ajouter du contexte et du sens à votre action Il est préférable qu'ils travaillent ensemble pour faire avancer votre histoire et fidéliser votre public. En intégrant de l'action dans des scènes riches en dialogues, vous maintenez l'élan, et en laissant le dialogue s'infiltrer dans vos scènes d'action, vous ajoutez du sens et de la profondeur émotionnelle L'essentiel est de savoir quand s'appuyer sur l'un et quand s' appuyer sur l'autre. En outre, vous devez comprendre comment les mélanger harmonieusement. Regardons la nuit noire, la scène où Batman interroge Joker C'est un parfait exemple d'équilibre entre action et dialogue. Le dialogue est vif et intense. Elle est pleine de guerre psychologique. Alors pourquoi veux-tu me tuer ? Je ne veux pas te tuer. Que ferais-je sans toi ? Retourner à arnaquer des trafiquants de mafieux ? Non, non. Non. Non, toi. Tu es complet. Moi. Tu es une ordure. Tu tues pour de l'argent. Ne parle pas comme l'un d'eux. Tu ne l'es pas. Même si tu aimerais être avec eux, tu n'es qu'un monstre. Comme moi. Ils ont besoin de toi maintenant. Et s'ils ne le feront pas, ils vous expulseront. Comme un lépreux. Tu vois, c'est de la morale, nous sommes du code. C'est une mauvaise blague. Nous sommes descendus au premier signe de problème. Ils ne sont bons que dans la mesure où le monde leur permet de l'être. Je vous montrerai quand les chips seront épuisées, ces gens civilisés se mangeront entre eux Tu vois, je ne suis pas un monstre. J'ai juste une longueur d'avance. Ensuite, les moments d'action physique, comme lorsque Batman frappe le Joker contre le mur, ponctuent la puissance brute de la scène Vous pouvez voir comment ces deux éléments s'alimentent mutuellement et augmentent les enjeux au fur et à mesure que la scène avance. Cela n'aurait pas été aussi puissant s'ils ne faisaient que parler, et cela n' aurait certainement pas été aussi puissant s'ils se battaient simplement. L'équilibre entre les deux est ce qui rend la scène si mémorable. Maintenant, voici un petit conseil pour vous. Si vous écrivez une scène riche en dialogues, pensez à interrompre les moments de dialogue par de l'action. Cela peut être quelque chose de très petit, comme un personnage qui change nerveusement sur son siège ou qui sert un verre Cela peut simplement perturber le rythme et donner à la scène une sensation plus dynamique. Ces petites actions peuvent refléter ce qui se passe à l'intérieur du personnage. Un geste nerveux peut révéler de l'anxiété, un certain mouvement peut indiquer un changement dans la dynamique du pouvoir. Mais en ajoutant ces moments d'action, vous créerez un intérêt visuel et vous garderez un rythme varié Sur les réseaux sociaux, dialogue rapide d' Aaron Sorkin est interrompu par des moments d'action Les personnages rythment, font gestes ou réagissent physiquement lorsqu'ils parlent Dans ce film, le mouvement maintient l'énergie à un niveau élevé même pendant de longues périodes de dialogue et l'action contribue à maintenir l'intensité de la scène. Il y a, bien sûr, des moments où vous souhaitez que votre dialogue occupe le devant de la scène. Si vous écrivez une scène où vous vivez un moment chargé d'émotions ou une conversation qui révèle quelque chose de crucial à propos de cette histoire. N'ayez pas peur de vous pencher sur votre dialogue et de laisser les mots des personnages prendre le dessus. Parfois, la tension d'une scène vient uniquement de ce qui est dit. Dans ces moments-là, vous n'avez pas besoin de grandes séquences d'action. Il faut que les bons mots soient prononcés au bon moment. telles scènes sont puissantes car elles reposent sur l'intensité émotionnelle et le dialogue. Avant le coucher du soleil, tout le film tourne autour du dialogue. Les conversations entre les deux personnages révèlent leur passé, leurs regrets et leurs espoirs. Il y a très peu d'action, mais le poids émotionnel des mots permet au public de rester investi. Ici, c'est le dialogue qui est le moteur. Tu n'y étais pas de toute façon. Attendre. Pourquoi n'étiez-vous pas là ? J'aurais été là si j'avais pu. J'ai fait des plans, et tu ferais mieux d'avoir une bonne raison. Quoi ? Oh, non. Non, tu y étais, n'est-ce pas ? Oh, non. Oh, c'est terrible. Alors, comment mettez-vous cela en pratique ? Lorsque vous créez votre scène, avant de commencer à écrire, asseyez-vous et réfléchissez : qu' est-ce que ma scène doit accomplir ? Avez-vous besoin de plus d'action pour mener à bien l'intrigue ? Est-ce le moment où les personnages ont besoin d'entrer en contact par le biais du dialogue ? N'arrêtez pas de vous demander quel est le bon équilibre ici. Il y a une raison pour laquelle quelque chose va bien et quelque chose ne va pas pour que l'un d'entre eux corresponde mieux à un certain type de scène qu'un autre. Continuez donc à réfléchir à ce qui fonctionne le mieux et pourquoi. En comprenant le but de votre scène, vous pourrez mieux décider comment équilibrer action et dialogue. Si votre scénario est riche en dialogues, trouvez des endroits où l'action peut renforcer subtilement la tension émotionnelle ou narrative Si la scène est axée sur l'action, réfléchissez à la façon dont un dialogue bref et précis peut ajouter contexte ou du poids émotionnel sans ralentir votre rythme. Regardons Casablanca. C'est l'un de mes films préférés de l'époque et l'équilibre entre action et dialogue est ici magistral. Le dialogue de Rigels est empreint de tensions tacites, mais ce sont les actions entre leurs paroles, leurs regards, leurs petites pauses, leurs C'est ce qui ajoute des couches et des couches de sens. Ici , l'action et le dialogue se combinent pour créer une scène chargée d'émotions qui garde le public en haleine. Si cet avion quitte le sol et que tu n'es pas avec lui, tu le regretteras. Peut-être pas aujourd'hui, peut-être pas demain, mais bientôt et pour le reste de ta vie. Mais qu'en est-il de nous ? Nous aurons toujours Paris. Nous n'en avions pas. Nous l'avons perdu jusqu'à ce que tu viennes à Casablanca. Nous l'avons récupéré hier soir. Quand j'ai dit que je ne te quitterais jamais. Et tu ne le feras jamais. Mais j'ai aussi un travail à faire. Tu ne peux pas suivre où je vais. Tu ne peux pas participer à ce que je dois faire. Je ne suis pas doué pour être noble, mais il ne faut pas grand-chose pour comprendre que les problèmes de trois petites personnes ne une mince affaire dans ce monde fou. Un jour tu le comprendras. Il te regarde, gamin. Maintenant que vous savez comment équilibrer action et dialogue, discutons de certains écueils courants que vous devez absolument éviter L'une des plus grandes erreurs commises par les écrivains est de laisser le dialogue devenir trop statique. Donc, si le personnage reste assis parler trop longtemps sans bouger ni agir, je peux vous promettre que la scène sera plate. Une autre erreur consiste à utiliser l'action juste pour le plaisir. Vous vous balancez donc dans l' autre sens. Si l'action ne correspond pas à l'histoire ou si vos personnages sont quelque chose de nouveau , cela vous semblera inutile De même, le fait de trop expliquer par le biais de dialogues peut enliser votre scène. Alors n'oubliez pas, montrez, ne dites pas. Il n'est pas nécessaire de tout dire à votre public. Ne leur donnez pas toutes les informations nécessaires. Montrez-le-nous si vous le pouvez. Essentiellement, veillez à ce que votre dialogue soit clair et laissez l'action du personnage faire le gros du travail. Regardez votre scène. Regardez la quantité de dialogue que vous avez, regardez la quantité d'action que vous avez. Essayez de trouver un équilibre. Si vous avez trois pages de dialogue pur, écrivez des lignes d'action entre les deux, divisez-les , donnez-moi quelque chose, laissez-moi imaginer avant de voir le film. Laissez-moi voir le film avant de le tourner. L'essentiel est de continuer à vous demander comment l'action et le dialogue peuvent se compléter pour faire avancer votre histoire. C'est tout ce que c'est. La prochaine fois, je vous aiderai à mettre en pratique ce que nous avons appris , alors restez à l'affût. 9. Pièges courants et dépannage: Maintenant que nous avons parlé des bases de la structure d'une scène, parlons de quelques erreurs courantes qui peuvent faire dérailler même la scène la mieux écrite Je vais me concentrer sur certaines erreurs courantes qui font souvent trébucher les rédacteurs et je vous aiderai à garder votre histoire engageante, ciblée et à aller de l'avant. L'un des pièges les plus courants de l'écriture de scènes est ce que l' on appelle le manque de but Chaque scène doit avoir une raison d'être. Si votre scène ne fait pas avancer l'intrigue, si elle n'approfondit pas vos personnages ou ne crée pas de tension, je peux vous promettre que ce n'est qu'une perte de temps et que vous devez la couper. Les scènes qui serpentent ou qui ne contribuent pas vraiment à l'histoire donnent souvent l'impression d'être pleines. Pour éviter cela, avant d'écrire chaque scène, je veux que vous vous demandiez quel est le but de cette scène. Qu'est-ce que le public apprend ici ou comment progresse l' histoire Si vous ne pouvez pas répondre à ces questions, il est temps de retravailler entièrement la scène ou de la supprimer complètement du scénario. Dans cette scène, remarquez que rien de nouveau n'est révélé. Les personnages ne grandissent pas, l'intrigue n'avance pas. C'est tellement stagnant. C'est exactement ce que vous voulez éviter. Un autre gros piège pour les écrivains est d'utiliser des dialogues trop explicatifs Cela se produit lorsque les personnages expliquent au public des choses qu'ils devraient déjà savoir ou, pire encore, lorsqu'ils énoncent des choses qui pourraient être montrées visuellement ou par le biais de sous-textes Certains appellent cela, comme vous le savez, la situation de Bob. Lorsqu'un personnage se tourne vers un autre personnage qui connaît manifestement la situation, mais pour la commodité du public, il décide néanmoins d'expliquer la situation. C'est tellement ennuyeux et ça ne semble pas naturel. Trouvez une façon plus créative pour les personnages de l'expliquer. Trouvez un personnage qui n'a aucune idée de ce qui se passe et expliquez-lui. Laissez le public apprendre à travers ce personnage. Une autre fois, lorsque je vois des dialogues explicatifs c'est lorsque vos personnages expliquent tout. Ce que vous faites ici, c'est que vous manquez une occasion de créer de la profondeur par le biais du sous-texte Au lieu de laisser les personnages dire « J'ai peur », montrez-les en train de trembler ou hésiter avant qu'ils passent Faites simplement confiance à votre public pour capter les indices visuels et émotionnels. Dans cette scène, le personnage explique ce qu'il ressent directement au public. Je n'aime pas le sable. C'est grossier, rugueux et irritant, et ça se retrouve partout. Pas comme ici. Ici, tout est doux et lisse. C'est clair ? C'est tout à fait clair, mais c'est aussi très forcé. Maintenant, comparez cela à mon exemple suivant. Ici, nous n'avons pas besoin que le personnage nous dise qu'il a peur. C'est leur langage corporel et leurs actions qui parlent. Et c'est beaucoup plus engageant. Qu'est-ce que j'ai raté ? Mm. Oh, tout un tas de rien. Vous parlez de sport ? Hé ! Ouais Oui, le truc avec le Jujitsu, c'est que la force n'a pas d'importance, non ? Tout tourne autour de ça. C'est un jeu de stratégie comme Trash. Il s'agit d'avoir deux, trois ou quatre coups d'avance. Cool. Lève-toi debout, lève-toi. Jérémy ? Euh, pas de karaté , n'est-ce pas ? Il ne fait pas de karaté, euh. Oui, je dois régner. Non, non, ne jouez pas, mais trouvez-le soûl. Je suis juste Jeremy. Je n'allais pas le blesser. Parlons maintenant du ton et du style. Une scène qui ne correspond pas au ton général du film peut déconcerter le public. Par exemple, une scène comique au milieu d'un thriller tendu peut sembler tellement déplacée à moins que vous ne le fassiez avec une intention précise Chaque scène doit s'intégrer dans le puzzle plus vaste de votre univers narratif. Si votre film est un drame sérieux, sachez simplement qu'un moment de comédie burlesque peut ne pas faire bon ménage Assurez-vous simplement que vos scènes correspondent au ton et au style que vous avez définis tout au long de votre script. Remarquez à quel point cette partie comique semble si déplacée par ailleurs, scène sérieuse Cela crée une dissonance tonale qui éloigne le public de l' histoire S'il vous plaît, soyez une porte secrète, soyez une porte secrète, soyez un secret. Désormais, un personnage plat ou passif peut donner l'impression que même la scène la plus dynamique est plate. Si vos personnages ne poursuivent pas activement leurs objectifs ou ne réagissent pas aux conflits, je peux vous promettre que le public ne se sentira pas du tout engagé. Pour éviter cela, assurez-vous simplement que vos personnages ont des motivations claires dans chaque scène. Même s'ils ne sont pas le personnage principal, ils devraient tout de même avoir quelque chose qu'ils veulent ou dont ils ont besoin, ce qui donne vie à la scène et un but. Quel âge avez-vous ? 17. Depuis combien de temps avez-vous 17 ans ? Tandis que. Ouais Je sais ce que tu es. Voyez-le. À voix haute. Dis-le Vampire. Remarquez donc comment le personnage réagit simplement aux choses qui se passent autour de lui. Ils n'ont aucun objectif de jeu, et le résultat est que la scène est simplement passive et absolument inintéressante Alors, comment éviter tous ces écueils ? Tout d'abord, soyez toujours intentionnel. Avant d'écrire une scène, demandez-vous quel est le but de la scène. Je l'ai dit tout au long de ce cours. Comment votre scène fait-elle avancer l'intrigue ? Comment développe le personnage de votre scène ? Comment votre scène crée-t-elle des tensions ? Comment votre scène contribue-t-elle à l'histoire globale ? Ensuite, évitez de publier trop d'informations dans votre dialogue. Faites confiance à votre public pour comprendre le sous-texte et les indices visuels Gardez un ton uniforme sauf si vous faites un choix stylistique délibéré Enfin, assurez-vous que chaque personnage de votre scène a une raison d'être là. Donnez-leur un objectif, donnez-leur de la motivation et, s'il vous plaît, donnez-leur du libre arbitre. Maintenant, prenez la scène que vous avez écrite jusqu'à présent et analysez-la. Cherchez tous ces pièges courants que je viens de mentionner, trouvez-les et corrigez-les. Votre scène sert-elle à quelque chose ? Y a-t-il peut-être trop d' exposition ? Comment vos personnages font-ils avancer la scène ? Faites tous les ajustements, améliorez-le et vous l'aimerez encore plus. Restez à l'affût, car c'est l' heure des études de cas. 10. Analyser des scènes efficaces: Maintenant que nous avons abordé leur structure et les pièges les plus courants, ainsi que les moyens de les éviter, il est temps de tirer les leçons des meilleurs Nous allons décomposer certaines scènes de films emblématiques et comprendre pourquoi ils fonctionnent si bien. À la fin, vous serez en mesure d'appliquer ces techniques à vos propres films. Commençons par la scène d'ouverture de la nuit noire. Ce braquage de banque donne non seulement le coup d'envoi de l'action, mais il introduit également le joker sans trop en dévoiler. C'est crucial. La scène a plusieurs objectifs, ce qui en fait un excellent exemple de scène efficace. Je crois que tout ce qui ne vous tue pas fait simplement de vous un étranger. Ainsi, dès les premières secondes, le film nous plonge directement dans l'action. Cela s'appelle In Media's Res. Le film commence par le braquage déjà en cours Nous ne savons pas exactement qui sont ces voleurs, mais le sentiment d'urgence et de tension est palpable On nous présente des voleurs de masques travaillant en équipe, mais il y a un sentiment de méfiance et de Maintenant, alors que le vol continue, la tension augmente également. Remarquez comment le conflit s'aggrave au sein du groupe. Chaque voleur est systématiquement éliminé par les autres selon les instructions du joker, ce qui ne fait que souligner sa manipulation Le plan des blagueurs visant à faire en sorte que les voleurs s' entretuent montre non seulement son esprit tordu, mais cela nous permet de rester sur le qui-vive alors que la dynamique du pouvoir au sein du groupe ne cesse Puis, lorsque le joker se dévoile à la fin de la scène, il fait de son personnage le principal antagoniste du film. C'est la récompense. Le joker se démasque, donnant au public un aperçu du méchant du film tout en nous donnant envie de bien Le high réussit, mais avec une touche canine et chaotique. La scène équilibre magistralement action, tension et révélation des personnages Regardons ensuite l'une des scènes de renforcement de la tension les plus célèbres l'histoire du cinéma, Jaws. Cette scène sur la plage où le requin attaque un nageur est une parfaite étude du suspense et de la mise en La plage est bondée vacanciers heureux profitant d'une journée ensoleillée. Spielberg crée ici un contraste parfait. L' atmosphère sereine et insouciante des amateurs de plage est juxtaposée au danger que représente le L'appareil photo passe fréquemment aux prises de vue sous-marines, ce qui laisse entrevoir un danger invisible Cela crée un sentiment d'effroi accru chez le public. La tension augmente à mesure que le requin se rapproche de ses embruns. Ici, le conflit réside dans l'approche du requin. La tension augmente non pas à cause de l'action rapide, mais à cause de ce qui va se passer Le public sait quelque chose que le personnage ignore, ce qui rend chaque prise de vue encore plus inquiétante. Le public est en avance sur les personnages, et c'est ce qui crée une ironie dramatique puissante Maintenant, le requin attaque, semant le chaos sur la plage et révélant le danger. L'attaque résout non seulement la tension immédiate, nous donnant des bénéfices, mais elle fait également avancer l'histoire Cela marque un tournant pour le protagoniste, Brodie, qui sait désormais que la menace est réelle Brodie doit donc maintenant faire face à la réalité du requin, et les enjeux sont accrus pour le reste du film. D'accord. Alex. Un. Passons maintenant à un genre complètement différent et parlons du moment où Harry a rencontré Sally. La scène emblématique de la charcuterie démontre le pouvoir de combiner action et dialogue pour créer des moments mémorables Harry et Sally discutent d'un sujet banal, façon dont les hommes et les femmes perçoivent les relations différemment. La scène commence de façon anodine juste une conversation entre deux personnes, mais le décor nous prépare à ce qui va se passer Ils sont assis dans une épicerie bondée, ce qui ajoute une touche de normalité à la Le réglage normal contraste avec l' événement extraordinaire qui s'ensuit. Alors que la conversation s'intensifie, Sally décide de prouver son point de vue en simulant un orgasme au milieu de la charcuterie Ce conflit est entièrement motivé par le dialogue et les interactions entre les personnages. Les steaks ici sont sociaux, pas physiques, mais ils sont tout aussi efficaces La tension vient de la maladresse sociale et de la réaction de Harry Le public est attiré par l'alchimie du personnage et par alchimie du personnage et le fait que cette situation est si Oh. La scène se termine par une célèbre phrase où une femme âgée dit : «  Je vais avoir ce qu'elle mange ». Mais le gain n'est pas seulement une question d'humour. Cela laisse une impression durable tout en renforçant la dynamique du personnage, et la scène nous permet de mieux comprendre les deux Cela confirme également l'un des moments les plus mémorables du film. Enfin, examinons une scène connue pour sa maîtrise du sous-texte et de l'introduction des personnages, l' ouverture du film Le Parrain Cette scène est pleine de sens car elle présente Don Corlone la subtile dynamique du pouvoir en jeu Le film commence par un gros plan d' un homme qui demande justice. La configuration repose uniquement sur le sous-texte. Nous nous retirons lentement pour révéler qu'il parle à Don Clone, établissant ainsi la dynamique du pouvoir dès le départ. L'homme demande de l'aide, mais nous pouvons sentir la tension lorsqu'il est obligé de demander une faveur au chef de la mafia Cela nous dit tout ce que nous devons savoir sur le monde de l'histoire sans aucune explication explicite. La demande de cet homme le met dans une position vulnérable, et la réponse calme et mesurée de Don Clone ne fait qu'accroître la tension Sa réponse montre sa puissance sans qu'il soit nécessaire d'élever la voix ou de menacer qui que ce soit. Il s'agit d'un avantage numérique très subtil, car Corleone indique clairement que les faveurs sont assorties de conditions Le conflit ici est entièrement psychologique et non physique. Tout tourne autour des règles tacites de leur monde. La scène se termine lorsque Clone accepte de l'aider, mais selon ses conditions , il donne le ton pour le reste du film. La résolution ne résume pas bien les choses. Au contraire, cela nous permet de bien comprendre les enjeux de ce monde. La faveur a été accordée, mais à un prix. Cette scène fait de Colone une figure d' autorité et renforce le thème de la loyauté et du Pense à la scène que tu as écrite. Comment avez-vous introduit la configuration, le conflit et la résolution, et comment pouvez-vous intégrer un sous-texte à tout cela ? Avant de revenir à votre scène et de la retoucher une fois de plus, je vous recommande revenir à votre scène et de la retoucher une fois de plus, de regarder autant de scènes iconiques efficaces que possible et d'expliquer comment elles fonctionnent et pourquoi elles fonctionnent. 11. Variations de scène : adaptation aux genres: Maintenant que nous avons présenté des exemples réussis dans certaines études de cas, il est temps de passer en revue les différentes variantes de scènes et la façon dont elles sont utilisées dans différents genres. Bien que les principes fondamentaux de création d'une scène restent les mêmes, c'est-à-dire que je m'attarde à chaque leçon sur la résolution des conflits, résolution des conflits différents genres ont des attentes différentes quant à la manière exacte de les exécuter Il existe de nouvelles réponses à la façon dont vous créez vos scènes en fonction du genre de votre choix, qu'il s'agisse de scènes d'action rythmées , de rythmes émotionnels subtils ou de drames Cette leçon vous montrera comment adapter votre approche aux Commençons par l' action et le thriller. Dans ce type de film, le rythme est crucial et les scènes ont tendance à être plus énergiques, elles sont coupées rapidement et la tension ne cesse de monter Les enjeux sont souvent physiques Vous pensez donc à la survie, à l'évasion, au conflit, et vos scènes doivent refléter l'urgence inhérente aux genres d'action et de thriller. Donc, ce dont vous avez besoin pour ces genres, c'est d'une configuration rapide. Alors, donnez-moi un minimum d' informations, allez directement au point que vous essayez de faire valoir. Nous avons besoin d'un conflit rapide J'ai donc besoin que la tension soit généralement externe, mais surtout qu'elle soit immédiate La résolution ici doit rester dynamique. Très souvent, vous verrez des accroche-falaises ou quelque chose qui servira à préparer l'instant suivant et la scène suivante, car tout doit se dérouler rapidement Pensez à la scène de Chase et à l'écriture de Mad Max Fury. Ici, tout est question de mouvement. Le conflit est intégré à chaque image. La résolution ne lie pas les choses comme on pourrait s'y attendre normalement, mais elle permet de maintenir les enjeux élevés pour le moment suivant dans la scène suivante Donc, si vous travaillez dans l'un de ces genres, vous devez vous assurer que votre rythme et votre intensité se reflètent dans votre vision. Maintenant, à l' opposé du spectre, nous avons des histoires dramatiques et centrées sur les personnages. Dans ce type d'histoires, les scènes tournent souvent autour de tensions émotionnelles Contrairement aux films d'action où vous avez généralement des enjeux physiques et quelque chose que vous pouvez voir. Ici, les enjeux sont probablement personnels. Vous avez donc des enjeux émotionnels. Vous avez des relations. Vous avez une croissance personnelle. C'est un énorme saké, et c'est particulièrement courant dans les histoires centrées sur les personnages et dans les drames C'est aussi un de mes préférés. J'adore le développement personnel comme un steak, et c'est là pour vous donner une histoire plus subtile mais aussi souvent plus puissante dans son ensemble. Donc, la façon dont vous régleriez votre conflit et votre résolution de configuration est de me donner une configuration détaillée. Concentrez-vous donc sur la création ce contexte émotionnel ou situationnel Essentiellement, vous avez besoin d'un terrain très bien aménagé sur lequel vous pouvez vous appuyer, car vous n'avez pas la manifestation physique des choses. C'est juste une question de sentiments, de dialogue et d'émotions. Le conflit s' enflammerait alors lentement. La tension, parce qu'elle est souvent interne, augmentera avec le temps. Personne ne se contentera sauter dedans et de frapper quelqu'un Non, vous aurez une conversation qui se transformera lentement en dispute. Ensuite, la résolution des drames et des histoires axées sur les personnages est généralement beaucoup plus subtile La résolution sera davantage axée sur le thème ou l'émotion que une défaite claire du gagnant, pour ainsi dire. Prenons l'exemple de Manchester au bord de la mer. Dans ce cas, la tension provient de mots mal définis, d'un deuil sous-jacent et d'un traumatisme non résolu Ce qui n'est pas réglé, ce qui se trouve sous la surface, est à l'origine de la véritable tension ici Et ensuite, parlons de comédie. Je trouve les comédies particulièrement difficiles à maîtriser. Mais en termes de structure, ils sont probablement les plus simples et ceux que vous connaissez probablement le mieux. Vous avez certainement entendu une blague, une idée de punchline, sur laquelle reposent chaque blague et chaque scène comique Ici, le montage est à la base des punchlines, et le conflit provient souvent d'un malentendu, d'une situation exagérée ou même d'un et le conflit provient souvent d'un malentendu, d'une situation exagérée ou même d'un conflit de personnalités. Il est essentiel de choisir le bon moment pour les comédies, car chaque scène doit avoir un impact comique maximal La ligne de frappe est alors l'équivalent de votre résolution ici. La scène se termine par un rire ou vous pouvez également utiliser une touche inattendue. Il y a une scène emblématique de la vierge de 40 ans où les amis d'Andy ont essayé de lui donner des conseils sur les rencontres Maintenant, l'humour vient des malentendus et de la maladresse du personnage. Chaque conseil renforce la tension comique. Dans ce cas, où tout va mal, c' est la résolution qui fait naître l'amour. Dans les comédies, en particulier, vos scènes doivent être très serrées et percutantes, car chaque ligne doit être orientée vers l'effet comique, le gain comique, la Maintenant, les scènes d'horreur visent à créer de l' effroi et de la tension, vous devez jouer avec les attentes du public Je ne suis pas un grand fan de l'horreur, mais si vous voulez apprendre à écrire la tension, c'est exactement le genre que vous devriez vous intéresser. Dans l'horreur, encore une fois, le conflit est généralement externe. Il s'agit donc d'un danger caché, Il s'agit donc d'un danger caché qu'il soit surnaturel ou psychologique La résolution est alors souvent conçue pour laisser le spectateur perplexe. Mais je tiens à souligner quelque chose d'important. Troublé ne veut pas dire insatisfait. Les spectateurs d'horreur veulent se sentir déstabilisés. Donc, si vous parvenez à les déstabiliser, cela apporte vraiment de la satisfaction Maintenant, comment pouvez-vous adapter cette structure de scène de base à votre film d'horreur ? Vous avez essentiellement besoin d'une configuration atmosphérique. Vous devez créer cette atmosphère troublante dès le début, dès le début de votre scène Dans ce cas, le conflit éclatera dans la tension et le suspense Il doit se développer lentement pour garder le public constamment à l'affût. Idéalement, vous voulez une résolution très choquante. Cela devrait fournir un sketch ou un hit, c' est quelque chose d'encore pire qui est sur le point de se produire Dans The Conjuring, un film qui me terrifie complètement et que je ne peux pas regarder, la scène avec la poupée possédée est un parfait exemple du rythme de l'horreur La configuration est très simple. Tu as une pièce sombre et une poupée effrayante. Mais dans ce cas, la tension ou le conflit intensifie lentement et lorsque vous pensez que la scène va se résoudre, cela vous fait une dernière frayeur, et voici votre solution. Si vous écrivez de l' horreur, maintenez le rythme lent jusqu'au moment où vous en tirerez le plus grand profit. Encore une fois, en retournant le scénario, nous allons passer à la romance et comédies romantiques sont une combinaison entre romance et comédie, évidemment, donc vous pouvez combiner les Mais les Romcos se penchent généralement davantage sur la configuration et la structure de la romance que sur la configuration et la structure de la comédie Désormais, les scènes d'amour mettent l'accent sur l'alchimie entre les personnages et sur les enjeux émotionnels. Par conséquent, le conflit tournera souvent autour de malentendus, vulnérabilités ou d'une lente création Ces scènes sont fortement tributaires des interactions entre les personnages et du sous-texte, magie qui améliore chaque scène Vous avez besoin d'une configuration émotionnelle. Vous devez préparer le terrain pour chimie et la tension émotionnelle, c'est l'ambiance que vous devez rechercher Maintenant, le conflit se situe généralement du côté le plus subtil. La tension est souvent interne, elle est donc dans l'esprit des personnages et provient de malentendus et de sentiments tacites provient de malentendus et Dans ce cas, la résolution doit être tendre. Il peut s'agir de quelque chose de très petit, comme un contact visuel ou un léger toucher, mais cela touche quelque chose de plus profond. Si vous continuez à prendre des résolutions et à obtenir des résultats similaires dans chaque scène, résolutions et à obtenir des résultats similaires dans chaque scène, la progression de la relation sera si naturelle et agréable et à la fin de votre histoire, lorsque les personnages se réuniront inévitablement, vous aurez l'impression que cela se produisait depuis le début, sera la progression la plus naturelle pour les deux de devenir un couple Dans Pride and Prejudice, qui est un classique absolu, la scène où M. Darcy avoue pour la première fois son amour à Elizabeth est pleine de tensions tacites, d' indices de leurs sentiments contradictoires, et le conflit vient de La résolution présentée ici, bien qu'elle ne soit pas romantique au sens traditionnel du terme, prépare le terrain pour leur éventuelle réconciliation. Maintenant, tous les genres que j'ai décrits sont très courants. En gros, n'importe quelle histoire que vous saisissez peut s' intégrer d'une manière ou d'une autre à l'une d'entre elles, et voici la configuration générale de façon dont vous créez une scène pour chacune d'entre elles. Mais il y a deux types de scènes spécifiques que je vois souvent. Dans bon nombre de ces genres, si ce n'est dans tous. Personnellement, je pense qu'ils sont généralement inefficaces. Bien sûr, chaque règle comporte des exceptions, mais je pense que pour que ces scènes fonctionnent, elles doivent être manipulées avec une extrême prudence et une telle compréhension de la manière de les faire correctement, que je conseillerais simplement de ne pas les écrire du tout. Il existe de nombreuses autres manières créatives et intéressantes de gérer le but de ces scènes. Que je ne pense tout simplement pas que cela vaille la peine de les mettre dedans. Mais je vais quand même les décrire et les détailler pour vous afin que vous puissiez comprendre pourquoi je pense que ce n'est pas la voie à suivre. Je parle en particulier expositions de films d' actualités et des séquences oniriques Si vous m'avez écouté d'une manière générale, si vous avez suivi l' un de mes cours, vous savez parfaitement que je les déteste. Alors pourquoi les expositions de films d'actualités échouent-elles souvent ? Eh bien, parce que cela semble passif, il manque d'action axée sur le personnage, et franchement, c'est révélateur, pas visible. Maintenant, dire, ne pas montrer est un principe dont beaucoup de gens parlent. Pratiquement tous les membres de la communauté écrivains ont entendu parler de show don't tell et les gens ont des opinions divergentes sur sa qualité. Personnellement, je pense qu' il y a un temps pour raconter et un temps pour montrer. Mais ce n'est jamais bon. Si vous pouviez me montrer quelque chose, dites-le plutôt parce que c'est tellement peu imaginatif et peu Je ne pense pas qu' il y ait un seul membre du public qui dirait : Savez-vous quel moment de ce film j'ai préféré, Savez-vous quel moment de ce film j'ai préféré c'est la scène d' actualités Parce que c'est ennuyeux et que c'est ce que tout le monde a fait, c'est tellement épuisant et il existe des moyens plus sympas de faire la même chose. Encore une fois, vous pouvez me communiquer ces informations dans le dialogue. Tu n'as pas forcément besoin de me le montrer. Mais si vous avez deux personnages qui se parlent et se tiennent courant de la situation politique actuelle, cela vous semblera plus naturel et plus intéressant que si l'un des personnages venait de l' entendre au journal télévisé. Parlons maintenant des séquences de rêve. raison pour laquelle ils échouent souvent, c'est parce qu'ils semblent déconnectés de l'histoire, pas toujours, mais très souvent c'est le cas. Cela peut ressembler à une sortie de flic. Vous auriez pu me raconter cette histoire d'une manière intéressante et captivante, mais vous avez préféré que je la voie. J'ai souvent l'impression que c'était la solution la plus simple au lieu de penser à une manière créative de le faire en fonction de la scène de vos rêves. Parfois, cela peut aussi sembler totalement pertinent par rapport à l'intrigue et, en tant que spectateur, je peux m'asseoir là à me demander pourquoi je regarde ce film ? Qu'est-ce que cela a à voir avec quoi que ce soit ? J'en ai déjà parlé, mais dans la deuxième partie de Twilight Breaking Dawn, la séquence onirique prolongée réduit complètement les enjeux émotionnels car elle révèle que ce n'était pas réel, ce qui donne au public le sentiment d'être trompé Nous pensions que ces personnages étaient morts, puis il s'est avéré : Oh, non, ne t'inquiète pas pour ça. C'est bon Ce n'était qu'un rêve. Mais vous m'avez fait investir dans ce rêve et dans ces personnages, et leur mort m'a soudainement bouleversée sans aucune raison apparente. Les séquences de rêve peuvent fonctionner si elles sont étroitement liées à l'arc du personnage. Mais dans Twilight Breaking Dawn P two, à mon avis, cette longue séquence de combat qui s' avère être un rêve ne fait que dégonfler le point culminant de la scène et le public se sent empêché de trouver une solution significative trouver Chaque genre a ses propres exigences et la façon dont vous structurez vos scènes doit refléter les exigences et les attentes du genre pour lequel vous écrivez. Que vous construisiez une séquence d'action à enjeux élevés comme une poursuite en voiture que vous fassiez confession d'amour dramatique dans une histoire d'amour, ou que vous ayez des tensions sous-jacentes et des conversations entre personnages. Que vous écriviez pour l'art dramatique ou faire rire aux éclats dans une comédie, peu importe, mais comprendre les attentes au genre pour lequel vous écrivez vous aidera à mieux concevoir vos scènes et à trouver vous aidera à mieux concevoir vos scènes et écho auprès du public Plus. Je suppose que vous avez déjà reconnu le genre pour lequel vous écrivez, prenez des notes sur ce genre et vérifiez. Ma scène correspond-elle aux attentes de ce genre en particulier ? Ajustez-le en conséquence et concentrez-vous particulièrement sur la façon dont le rythme , le ton et les enjeux changent en fonction des conventions de votre genre. L' avez-vous bien fait ? Notez également que l' expérimentation des conventions de genre peut vraiment améliorer votre histoire. Et j'ai hâte de voir comment vous adapterez votre structure au monde dans lequel vous vous arrêtez. La prochaine fois, nous approfondirons techniques plus avancées d'écriture de scènes, alors restez à l'affût. 12. Techniques avancées : scènes non linéaires: D'accord, nous avons abordé de nombreux types de scènes pour différents genres, mais maintenant je voudrais vous parler de deux techniques plus avancées que vous pourriez envisager ou que vous avez déjà écrites dans votre propre scénario et je veux vous aider à les améliorer encore. nous parlons spécifiquement des structures non linéaires Dans cette leçon, nous parlons spécifiquement des structures non linéaires et des structures de scènes expérimentales. Examinons une comparaison rapide entre une structure linéaire et une structure non linéaire afin que vous compreniez mieux ce dont je parle en ce moment. Dans une version linéaire, nous suivrons la rupture émotionnelle du personnage du début à la fin. Dans la version non linéaire, nous allons mélanger les flashbacks et les couper à différents moments ou utiliser le symbolisme pour rendre la décomposition plus surréaliste et C'est quelque chose que les réalisateurs comme Nolan adorent vraiment faire Pourquoi s'agit-il d'une technique expérimentale ou avancée ? Eh bien, c'est parce que, comme vous pouvez le constater, ce n'est pas aussi simple que la version linéaire, mais c'est plus complexe sur le plan émotionnel. Une structure non linéaire oblige votre public à s'engager. Cela nous donne également une compréhension plus approfondie et multidimensionnelle des émotions du personnage et des thèmes en jeu ici Maintenant, quand devons-nous utiliser ces structures expérimentales et ces récits non linéaires Eh bien, ils sont particulièrement efficaces dans certains cas. Tout d'abord, ils fonctionnent très bien dans les thrillers psychologiques Lorsque vous explorez les thèmes de la mémoire, de la perception ou de l'identité, évidemment en raison des thèmes abordés ici, cela fonctionne très bien. J'ai mentionné que Nolan en était un grand fan au début et, évidemment, je ne peux pas parler de structures non linéaires, de thrillers mémoriels et psychologiques sans évoquer un autre exemple incroyable de thriller psychologique utilisant cette technique expérimentale Shutter Island est Maintenant, cela peut aussi très bien fonctionner dans l'étude des personnages. Lorsque vous révélez des émotions complexes ou des couches psychologiques au fil du temps, d' un esprit impeccable en est un bon exemple soleil éternel d' un esprit impeccable en est un bon exemple. Le clair de lune est également un excellent exemple à observer Maintenant, il est très courant de les voir dans des films d'art ou des récits expérimentaux, mais c'est dans le nom dans ce cas, car le but ici est d'évoquer un sentiment ou un thème plutôt que de suivre nécessairement les progressions traditionnelles de l' intrigue Vous pouvez regarder Mulhollan Dry, par exemple, qu'est-ce qui ne va pas ? Je ne sais pas qui je suis. Un autre excellent produit que je recommande est Tree of Life. Maintenant, les drames policiers ou policiers fonctionnent très bien avec des récits non linéaires, car si vous divulguez pas cette information clé jusqu' au moment idéal, cela ne fait qu'ajouter à la tension et à l' intrigue qui font partie intégrante Regardez les suspects habituels. Vous pouvez vous faire une idée de la raison pour laquelle il est important de ne pas tout nous donner dès le départ. Vous pouvez également considérer le prestige comme un excellent exemple de la façon de l'intégrer dans un drame policier ou un mystère. Cependant, il est très important de ne jamais utiliser une technique parce qu'elle est cool tape-à-l'œil, intéressante ou expérimentale. Vous devez toujours utiliser tout ce que vous apprenez et toutes les techniques que vous pouvez mettre en œuvre dans un but et une intention spécifiques. Quand devriez-vous les utiliser lorsqu'ils sont liés au parcours émotionnel du personnage son arc de caractère ou aux thèmes de votre histoire ? Quand ne devriez-vous pas les utiliser ? autres termes, quand ils apparaissent dans votre script juste pour le plaisir ou parce qu'ils sont cool ? Bien entendu, certains défis doivent être pris en compte lors de l' utilisation de ces structures. Examinons quelques pièges courants que je recommande d'éviter Tout d'abord, les structures non linéaires peuvent être source de confusion si vous ne les manipulez pas correctement. Si vous avez des sauts chronologiques trop fréquents, ou si vous ne savez pas exactement quand et ce qui se passe, je peux vous promettre que le public s'y perdra et qu'il ne sera donc plus investi dans votre histoire. Si vous utilisez des récits non linéaires, vous devez être très clair sur l'endroit où nous nous trouvons, sur ce qui se passe et, en particulier, sur les raisons pour lesquelles nous les utilisons Utilisez-le également avec parcimonie. Maintenant, un autre gros problème est le manque d'investissement émotionnel. Cela se produit si la scène devient trop fragmentée ou trop abstraite Le résultat est que le public risque de perdre le lien avec le personnage complètement le lien avec le personnage ou avec votre histoire. Pour des raisons évidentes, vous devez éviter cela et pour éviter cet écueil, une bonne façon de procéder consiste simplement à vous assurer qu'il existe toujours un lien émotionnel avec la raison pour laquelle nous utilisons cette structure narrative Comme je l'ai déjà mentionné, tout cela peut être surutilisé Les sauts temporels constants ou les techniques expérimentales peuvent devenir épuisants et perdre de leur impact s'ils ne sont pas utilisés Les structures non linéaires et expérimentales vous offriront une grande liberté créative et la possibilité de jouer avec le temps, la perception et même les attentes du public. Cependant, ils nécessitent une planification minutieuse pour être bien réalisés. Si vous les utilisez judicieusement, ces techniques amélioreront vraiment votre histoire, accroîtront l'engagement de votre public, s'intéresseront davantage à vos personnages et vous aideront à créer une intention de suspense Vous pouvez les utiliser pour ajouter de la profondeur à votre narration, mais ils ne laisseront pas une impression durable sur votre public si vous en abusez ou si vous les utilisez incorrectement. Maintenant, c'est le moment d'expérimenter. Essayez de planifier la structure de votre scène et découvrez comment techniques non linéaires peuvent ajouter de la complexité à votre histoire. J'ai hâte de vous voir repousser les limites de la narration et je vous verrai la prochaine fois 13. Créer vos propres scènes: J'ai passé tout ce temps à apprendre les tenants et les aboutissants des structures de scène. Il est enfin temps mettre en pratique tout ce que nous savons. Nous avons abordé la théorie qui sous-tend création de scènes efficaces, alors utilisons ces connaissances à bon escient. Je vais vous expliquer le processus d'écriture des scènes du début à la fin et à la fin, vous aurez votre propre scène soignée. Commençons par l'étape la plus importante, savoir préparer le terrain pour votre scène. La clé ici est le contexte. Qui sont les personnages ? Où sont-ils ? Qu'est-ce qui se passe ? Pour vous aider à démarrer, je veux que vous réfléchissiez à ces éléments fondamentaux. Où se déroule la scène ? C'est votre réglage ? S'agit-il d'un moment intime ou d'une grande envergure ? Pensez ensuite à vos personnages. Qui sont les principaux acteurs de cette scène spécifique, et surtout, que veulent-ils ? Parce que chaque scène parle d'un personnage qui veut quelque chose, il essaie de l'obtenir et il l'obtient ou non. Ce que vous devez avoir établi dès le début avant de mettre du stylo sur du papier, c'est ce que veut votre personnage. Enfin, pensez à votre conflit. Quelle est la principale source de tension en ce moment ? Mettez cette vidéo en pause, prenez quelques minutes, notez les réponses à ces questions afin avoir les éléments de base pour commencer à écrire. Il n'est pas nécessaire que ce soit un aperçu complet, mais donnez-vous une idée précise de ce qui se passe. Tu l'as ? Génial. Parfait. Nous pouvons passer à autre chose. Même si c'est difficile, le plus important est que ce soit un début. La configuration est là pour créer les bases de ce qui va suivre. Et ce qui va suivre, c'est que maintenant que nous avons jeté les bases, il est temps de commencer à écrire Passons en revue vos trois moments clés pour mettre en place le conflit, les avantages dont nous avons parlé pendant tout ce temps Nous devons rapidement établir le contexte. Où sont tes personnages ? Quelle est votre humeur et indiquez ce qui vous attend en réglant les enjeux ou les tensions. C'est le but de votre configuration. Il n'est pas nécessaire que ce soit long, juste assez pour donner à votre public une image claire du monde et du point de départ du personnage. Passons maintenant au cœur de la scène, à savoir votre conflit. Quels sont les enjeux pour les personnages et quels sont les obstacles qui se dressent sur leur chemin ? C'est votre tournant. Vous pouvez créer des tensions ici en indiquant clairement ce qui les empêche d'atteindre leurs objectifs. Chaque scène a besoin d'un conflit. Il n'est pas toujours nécessaire que ce soit un combat physique, comme je l'ai dit d'innombrables fois. Il peut s'agir d'une confrontation émotionnelle, d'un désaccord ou d'une lutte interne. Assurez-vous que votre tension est à l'avant et au centre. Enfin, terminons-le avec la résolution. Réfléchissez à ce qui se produira en conséquence directe de votre conflit. Votre conflit est-il résolu ou sommes-nous à l'origine d'une recrudescence des tensions maintenant ? Vous avez besoin d'un but pour votre scène. Réfléchissez à ce que ce moment peut apporter à votre histoire dans son ensemble ? Votre résolution est cruciale. C'est là que le sens de la scène devient clair. Il n'est pas nécessaire que ce soit une belle conclusion, mais cela devrait donner de l'élan à l'histoire dans son ensemble. Excellent travail. Maintenant, vous avez une scène très difficile, mais c'est quand même une scène Chaque grande scène fait l'objet de plusieurs brouillons et c'est occasion pour vous de peaufiner votre travail Je veux que vous recherchiez quelques points spécifiques à réviser. Tout d'abord, pensons à la clarté. Votre conflit est-il clair ? La motivation de vos personnages est-elle forte et compréhensible ? Pourrais-tu les améliorer ? Réfléchissez ensuite à votre rythme. La scène vous semble-t-elle trop lente ou trop épurée ? Y a-t-il des domaines dans lesquels vous pouvez renforcer le dialogue ou l'action ? Enfin, réfléchissez à votre objectif. Cette scène fait-elle avancer l'histoire et quelles nouvelles informations ou quels changements nous apporte-t-elle ? Prenez le temps de relire ce que vous avez écrit et de voir si vous pouvez affiner votre scène en tenant compte de ces points C'est dans les révisions que la magie opère réellement. Vous pouvez continuer à travailler sur votre scène autant de fois que vous le souhaitez jusqu'à ce que vous impression qu'elle est précise et précise et qu'elle correspond exactement à vos L'un des meilleurs moyens d'améliorer votre écriture est de consulter les commentaires des autres. Je recommande vivement de faire à quelqu'un qui n'est pas aussi proche de votre travail que vous pour lire votre scène et vous faire commentaires sans savoir ce que vous vouliez faire ou ce que vous vouliez réaliser, car c'est la seule façon de voir si vous avez vraiment réussi La raison en est que, parce que vous êtes si proche votre scène, que vous l'aimez tant et que vous savez toutes ces choses sur vos personnages, vous ne pouvez pas vraiment la voir objectivement, parce que vous pensez avoir montré que votre personnage possède des caractéristiques spécifiques, mais vous savez déjà que votre personnage possède ces caractéristiques Donc, si vous l'avez démontré de manière efficace, vous ne pouvez pas vraiment le voir, ou comme quelqu'un d'autre sera en mesure de déterminer qu'il n'a rien reçu, c'est là que les commentaires entrent en jeu Lorsque vous donnez ou recevez des commentaires, n'oubliez pas de faire des critiques constructives. Concentrez-vous sur ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, ce qui peut être amélioré, proposez des solutions, ne vous contentez pas de signaler les problèmes. Soyez toujours très ouvert à la critique. Parce que vous ne devriez pas prendre les commentaires personnellement si quelqu'un vous dit que quelque chose ne fonctionne pas, ne s' agit pas d'une attaque contre vous, il ne s' agit pas d'une attaque contre vous, même si vous en avez vraiment l'impression. Il s'agit de renforcer votre travail. Nous voulons tous apporter notre aide, et c'est exactement ce que nous faisons. Utilisez vos commentaires, réécrivez-les, un autre brouillon, mais faites tout de même confiance à votre instinct, car c' est votre histoire que vous voulez raconter, alors racontez-la de la manière qui vous convient le mieux à la fin de la journée Ne vous sentez pas obligé de tout changer. Peut-être que la personne n'a pas compris ce que vous essayiez de faire, mais si 17 personnes sont d'accord pour dire que le personnage est ennuyeux, alors le personnage est peut-être simplement ennuyeux. Utilisez ce qui vous tient à cœur et qui correspond à votre propre vision En fin de compte, la révision est une question d'équilibre. Vous devez garder votre voix tout en améliorant la clarté et l'impact. Au fur et à mesure que vous développez vos scènes, je voudrais que vous gardiez à l'esprit quelques conseils. Tout d'abord, rédigez toujours plus d'un brouillon. N'ayez pas peur de réécrire votre scène plusieurs fois car chaque brouillon vous rapprochera du cœur de ce que vous vouliez dire bon conseil que j'ai reçu récemment est lire à haute voix et surtout d'autres personnes qui ne connaissent pas à d'autres personnes qui ne connaissent pas votre histoire de lire votre script et de simplement l'écouter Parce qu'entendre votre scène peut mettre en évidence des problèmes de rythme ou dialogues maladroits que vous ne pourrez pas identifier sur la page, et c'est juste au moment où vous l' entendez que vous vous rendez compte, oh mon Dieu, cela semble vraiment horrible Alors quelque chose qui semble si évident, mais tellement important c'est de toujours rester fidèle à votre histoire. Chaque scène doit être au service de votre récit global. N'incluez pas de scènes qui ne font pas avancer cette histoire. écriture de scènes est un processus, L'écriture de scènes est un processus, et plus vous vous entraînez, mieux vous y arriverez, plus il vous semblera naturel de créer une configuration, un conflit et une résolution qui fonctionnent bien ensemble et efficacement. Maintenant, vous avez probablement écrit et révisé une scène complète et vous avez assimilé le concept de configuration à celui de rentable et j'espère que vous l'avez appris en cours de route. Mais ce n'est que le début. L'écriture est un processus continu et chaque scène que vous écrivez s'appuiera sur les leçons de la précédente. Finalisez vos scènes en vous basant sur tout ce que vous avez appris ici, partagez-les avec la classe et révisez-les en fonction des commentaires que je vous donnerai et que d'autres vous donneront peut-être également N'oubliez pas que le meilleur moyen d' améliorer l'écriture de scènes est d'écrire plus de scènes et de réviser les scènes que vous avez déjà écrites . J'ai hâte de voir ce que vous allez créer.