Secrets d'arrangement musical, partie 1 : théorie de l'arrangement ory

1. Introduction: Salut, tout le monde. Bienvenue sur Music Arrangement Secrets. Première partie, Théorie des arrangements. Dans ce cours, nous allons donc parler de tout ce que vous devez savoir sur l'arrangement de la musique. C'est probablement la chose la plus demandée depuis an environ par les gens qui m'ont posé des questions à ce sujet. Voici donc ce que nous allons aborder. Dans ce cours, nous allons parler de ce que signifie l'arrangement et nos objectifs en matière d'arrangement. C'est un sujet vaste, alors ne pensez pas que ce n'est que des peluches. Je vais vous donner un morceau sur lequel travailler. Vous êtes invités à travailler sur vos propres pistes tout au long de ce cours. Mais si vous n'avez pas de travail en cours de préparation prêt, je vais vous donner un morceau avec lequel vous pourrez jouer, faire quelques expériences, puis nous travaillerons ensemble tout au long de la classe pour transformer ce morceau très imparfait en un très bel arrangement Nous allons donc parler de ce que signifie arranger quelque chose, ce que signifie avoir un arrangement efficace et des raisons pour lesquelles vous vous retrouvez probablement coincé à essayer de terminer certaines pièces. C'est probablement à cause de l'arrangement ou des difficultés que vous rencontrez avec l'arrangement. Ensuite, dans les deuxième et troisième parties, nous allons aller encore plus loin et aborder les transitions et tous les détails nécessaires pour vraiment faire ressortir votre morceau Alors, sans plus attendre, plongeons-nous dans Music Arrangement Secrets. Première partie. 2. Comment la classe fonctionnera: C'est bon. Salut, tout le monde. Bienvenue dans ce cours d' arrangement géant. C'est un cours que tant de personnes m'ont demandé de suivre pendant si longtemps pour parler en détail, comme de vrais détails sur les arrangements. Je travaille donc là-dessus depuis très longtemps , sur la façon dont je vais m'y prendre. Et, vous savez, j'ai décrit maintenant trois catégories de matériel, et cela va vraiment tomber dans les mauvaises herbes, de sorte que nous prendrons des dispositions extraordinaires d'ici la fin. Alors, comment cela va-t-il fonctionner ? Est-ce que je vais vous donner une piste, cette piste qui est à l'écran. C'est une de mes chansons que j'ai faite pour ça, et c'est bon. C'est une belle piste. Ce n'est pas étonnant. C'est très bien, d'accord ? Genre, ne me jugez pas. Il y a quelques problèmes d'arrangement, d'accord ? Ce n'est pas un bon arrangement. Nous allons donc le corriger, et nous allons le corriger en utilisant certaines techniques que nous allons apprendre dans ce cours. Je vais vous donner toute cette séance. Tu peux en faire ce que tu veux. Tu peux jouer avec. Tu peux le démonter. Tu peux, tu sais, en devenir fou. Mais le but de ce que je vous donne , c'est que nous allons déplacer des objets. Nous allons l'explorer. Nous allons apprendre à faire un excellent arrangement, et ce sera une excellente source. Maintenant, si vous ne voulez pas utiliser cette piste, si vous voulez utiliser vos propres pistes, c'est très bien aussi. Tu n'es pas obligée d'utiliser celui-ci. Mais je veux juste te donner quelque chose à utiliser pour que tu puisses suivre ce que je fais. Donc, tout au long des trois parties de ce cours, nous pouvons faire trois pistes différentes, et nous pouvons faire une piste comme celle-ci pendant tout le temps. Je n'en suis pas encore sûre. Nous allons faire ce morceau pour la première partie de cette série. Nous pourrions passer à un autre. Je pourrais créer quelque chose de nouveau pour la deuxième partie et de nouveau pour la troisième partie, ou nous pourrions simplement continuer à travailler sur celui-ci pendant toute la durée. Nous verrons ce qui se passera une fois sur place. Mais pour la première partie, nous allons travailler là-dessus. Cela s'appelle Arrangement one track. Et nous verrons comment ça va se passer. D'accord, je vais donc vous parler dans quelques minutes de la façon de télécharger, configurer cette piste pour que vous puissiez l'utiliser. Mais d'abord, passons en revue quelques notions de base sur ce cours et sur ce dont vous aurez besoin pour tirer pleinement parti de ce cours, y compris les logiciels, le matériel, toutes ces bonnes choses. Alors plongeons-nous là-dedans dès maintenant. 3. Outils dont vous aurez besoin dans ce cours cours: D'accord, de quel type d'outils aurez-vous besoin pour ce cours ? Vraiment, juste un, et c'est un procureur. Je vais utiliser Ableton dans ce cours, mais attendez, vous n'avez pas besoin d'Ableton. Ne vous laissez pas effrayer. Vous pouvez utiliser ce que vous voulez, et je vais même vous montrer comment configurer cette piste , peu importe où vous vous trouvez. Le D n'aura pas vraiment d'importance pour ce cours, d'accord ? Il ne saura vraiment pas que je dis cela dans tous les cours ou dans beaucoup de cours. Et je sais que vous entendez probablement cela dans de nombreux cours, puis vous vous dites : « Oh, il a dit : Peu importe que j'utilise la logique ou non, mais ce cours parle de logique ou autre. Mais dans ce cours, il ne s' agira pas vraiment de parler de choses d'ensemble. Nous allons parler de la façon de configurer les transitions et de tout ça. Ce sera de la musique. Ce ne sera pas vraiment cliquez ici, cliquez ici, cliquez ici. Je suppose que vous savez comment faire beaucoup de choses avec votre père. Ce n'est donc pas une façon d'utiliser une classe Da. Si vous ne voyez pas ce que je veux dire par Da, je veux dire Ableton, Logic, Pro Tools, FL Studio, Reaper, Garage Band, n'importe lequel d' N'importe lequel d'entre eux ira bien. Tant que tu peux faire la musique pendant ce jour, tout ira bien. Alors, de quoi avez-vous besoin pour réussir dans ce cours ? Tu as besoin d'un procureur, quelque chose comme ça, et tu as besoin de musique. Tu as besoin d'un peu de musique pour travailler. Si vous avez les vôtres, c'est génial. Si tu n'as pas mon morceau , je te le trouverai dans une seconde. D'accord ? C'est facile. C'est vraiment tout ce dont tu as besoin. Il n'y a rien d'autre fantaisiste ici dont nous ayons à nous inquiéter. Passons donc une minute et concentrons-nous dont nous parlons ou sur ce que nous voulons dire quand nous parlons d' arrangement, d'accord ? Parce que c'est un objet lourd. C'est un vaste sujet signifie plusieurs choses. Cela signifie différentes choses pour différentes personnes, et cela signifie des choses différentes selon le genre dans lequel vous appartenez, même. Assurons-nous donc d'être tous sur la même longueur d'onde et discutons de ce que signifie même arrangement. 4. Définissons l'Arrangement. Cela a plusieurs significations.: OK, donc j'ai un ami qui est arrangeur professionnel, d'accord ? Il y a beaucoup de gens qui sont des arrangeurs professionnels. Euh, cet ami travaille pour une grande émission de télévision bien connue dont vous avez probablement entendu parler , n'est-ce pas ? Donc, lorsqu'il y a, vous savez, un jeune chanteur sur scène, et que l'Amérique vote pour son talent. J'essaie d'éviter de prononcer le nom de l'émission, même si j'ai simplement dit le nom de l'émission. Donc, quand ils arrivent l'émission et qu'ils disent : «  Je veux chanter cette chanson », quelqu'un doit arranger cette chanson pour le groupe local. Hum, et c' est ce que fait mon ami. C'est son travail. Donc, arranger pour lui signifie obtenir le tableau et noter l'harmonie, l'instrumentation et la structure de la mélodie C'est un arrangement. Un arrangeur le fait généralement dans le sens traditionnel du C'est quelqu'un qui est un monstre de théorie musicale. Surtout dans le sens du jazz, un arrangeur est quelqu'un qui réécrit réellement la musique d'un point de vue vraiment harmonique C'est un peu différent de ce que nous faisons. Ce dont nous parlons ici, c'est principalement de l'écriture de chansons. Nous ne sommes pas vraiment dans le monde du jazz ou du classique en ce moment. Nous allons parler d' écriture de chansons dans pratiquement tous les genres, exception du classique et du jazz, je suppose Et nous allons parler de la manière de structurer une chanson pour Maximum Impact, afin qu'elle trouve le meilleur résultat possible auprès de l' auditeur Nous allons donc discuter de la manière dont nous pouvons faire en sorte que notre refrain soit vraiment percutant Comment pouvons-nous composer notre couplet, intégrer notre refrain Comment faire en sorte que ces transitions entre les deux fonctionnent ? Comment contrôle-t-on l'arc émotionnel de la pièce ? Nous allons donc principalement parler de forme, de structure, de transition, d' arcs émotionnels, comme je viens de le dire, et de toutes les nuances qui s'y rattachent. Nous parlerons un peu l'harmonie et de la façon dont elle affecte toutes ces choses. Donc tu ne vas pas t'en tirer avec les trucs de théorie musicale. Il y en aura un peu, mais pas trop. N'oubliez pas. Mais notre objectif principal est de trouver comment transformer votre chanson qui fonctionne peut-être pas tout à fait correctement pour restructurer afin de la rendre vraiment pop C'est donc sur cela que nous allons nous concentrer lorsque nous parlerons de l'arrangement dans ce cours. 5. Comment maîtriser l'arrangement pour aider notre musique ?: Alors pourquoi nous soucions-nous de l'arrangement ? Pourquoi est-ce important ? Pourquoi est-ce si important pour beaucoup de monde qu'ils me demandent de suivre ce cours depuis tant d'années Quelques raisons. La première est que l'arrangement d' une chanson est ce qui la termine, n'est-ce pas ? Beaucoup d'entre vous ont probablement très bonnes sections de chansons. Il se peut que vous ayez 100 titres inachevés dans un dossier Et si tu avais juste quelques outils pour t'aider à les arranger, tu pourrais peut-être les terminer, peut-être même les combiner pour créer un, tu sais, peut-être qu'un fragment d' une mélodie est un refrain, et un fragment est, tu sais, un couplet ou autre. Donc, avoir très bons outils d'arrangement à votre disposition, très bonnes techniques et quelques règles vous aidera à terminer les morceaux. Cela vous aidera à démarrer des chansons. Une autre raison est que cela vous aide à raconter l'histoire. Et c'est celle sur laquelle je ne saurais trop insister. L'arrangement est une question de contraste. Tu vas m'entendre le dire 100 milliards de fois dans ce cours Contraste. Un refrain ne sonne pas sans contraste, n'est-ce pas ? Ce qui le précède est tout aussi important que ce que c'est, non ? Par exemple, si vous avez un gros refrain fort et génial, mais juste avant que ce ne soit un grand bridge, alors ce refrain ne va pas retentir , C'est juste qu'on va juste entrer dans ce refrain, mais ça ne va pas vraiment atterrir Cela ne signifie donc pas que vous ne pouvez pas avoir un pont grand, bruyant et génial. Cela signifie simplement que vous avez besoin d'un intérêt sorte de transition pour entrer dans ce refrain, ou peut-être que vous devez le réorganiser pour que nous puissions créer un peu de contraste avant de passer au contraste, le contraste, le contraste sont donc ce dont nous avons besoin pour faire notre arrangement, avoir un arc et raconter l'histoire que nous essayons de raconter. Si tout est silencieux, si c'est juste fort , si c'est juste fort , nous perdrons notre auditeur et il ne comprendra pas ce que nous essayons de décrire avec notre chanson, et il ne comprendra pas ce que nous essayons de décrire avec notre morceau ou notre morceau ou quoi que ce soit L'arrangement est donc tout aussi important que les paroles, que l'harmonie que tout autre élément de la mélodie. OK. Très bien, parlons de genre très rapidement, pour ce qui est façon dont nous allons aborder ce cours. 6. Une note sur le genre: OK, genre. Si vous avez déjà suivi mes cours, si vous me connaissez, vous savez ce que j'aime, n'est-ce pas ? Donc, cette classe est neutre en termes de genre. Tu peux t'intéresser à tous les genres que tu veux, et ce serait génial. Tu pourras très bien suivre. Je travaille très dur pour que cela soit ouvert à tous les genres. Donc si tu travailles sur de la musique country, de la musique rock, tout ce que tu veux, d'accord ? Cela étant dit, j'ai principalement travaillé dans le domaine de la musique électronique. Je me concentre donc, je parle du point de vue de la musique électronique, mais c'est juste mon langage et d' où je viens. Il n'est pas nécessaire que ce soit comme ça. Vous pouvez donc totalement interpréter cela à travers le prisme de n'importe quel genre. Le morceau que je vais vous donner est plutôt électronique. Il y a une piste vocale, donc ça ressemble plus à une chanson. Et nous allons certainement nous concentrer sur les chansons dans ce cours. Mais je veux juste que tu saches que tous les genres sont bons. Tous ces principes dont nous parlons fonctionneront dans tous les genres, l'exception de quelques petites choses. Nous parlerons de certaines choses comme le drop et de choses comme ça qui sont spécifiques à la musique électronique. Je vais mentionner un peu sur le côté. Mais dans l'ensemble, tout cela s'applique à tous les genres, même si j'aime parler de musique électronique parce que c'est mon truc. Vous pouvez utiliser toutes ces techniques dans le genre que vous aimez. Cool. Cool. Bien, parlons de ce morceau que je vais vous donner et de la façon de le configurer telle sorte que si vous voulez l'utiliser, vous puissiez le configurer, puis nous aborderons certaines choses 7. Voici une piste imparfaite sur laquelle travailler on: OK, alors jetons un coup d' œil à cette piste. C'est, tu sais, un petit gâchis. Je crois que je l'ai qualifié de gâchis dans mes notes. C'est le nom de la piste pour le moment. Tout commence donc par ce genre d'atmosphère. Ici, nous avons des tambours. Rien d' extraordinaire ici. Un peu d'effets d' ambiance, des chapeaux, caisse claire, ce genre de cool qui ne fait que creuser les rainures de base. Vous pouvez en quelque sorte voir où cela change harmonieusement ici et ici Ces trucs verts ne sont que des synthés qui se produisent. Et puis, tout en bas, il y a ces voix. Ce ne sont que des samples vocaux que j'ai trouvés. C'est le principal ici, et il fonctionne en quelque sorte. Ce n'est pas génial. Je l' ai en quelque sorte ajouté pour que nous ayons quelque chose sur lequel travailler. Il y a certainement un potentiel ici, et nous allons le découper pour qu'il fonctionne mieux, et je vais vous montrer comment je vais m'y prendre. Bref, mais en gros, nous avons la voix principale ici, puis juste les voix affectées ici. Nous avons donc juste un tas de réverbération, de delay, d'égalisation, de tuning et d'autres trucs sur les autres, et puis quelques voix de fond ici Ce ne sont donc pas mes voix, juste des samples que j'ai trouvés en ligne et qui peuvent être utilisés Donc, tout est intentionnellement un peu embrouillé. Cela nous laisse donc de la place pour le peaufiner, la fois en termes de bizarrerie du morceau, mais aussi en termes d'arrangement C'est intentionnel, vous allez l' écouter et dire : je ne sais pas vraiment quel est le couplet et quel est le refrain Et ce que j'aimerais vous fassiez la première fois que vous l'écoutez, ce que nous allons faire dans une seconde, c'est de réfléchir à la raison. Réfléchissez à ce qu'est le couplet et si vous ne parvenez pas à identifier quelle section est le couplet ou quelle section est le refrain, essayez de comprendre pourquoi Pourquoi est-ce difficile à dire dans ce morceau en particulier, d'accord ? Nous reviendrons le disséquer sous peu pendant que nous travaillerons à le réparer OK ? Alors écoutons-le une fois jusqu'à maintenant. 8. Voici comment le télécharger et l'installer avec Ableton.: D'accord, voici comment vous pouvez télécharger et configurer cette piste très imparfaite. Si vous utilisez Ableton, voici comment procéder. Si vous n'utilisez pas Ableton Live, vous pouvez ignorer cette vidéo et passer à la suivante où je vous explique comment procéder si vous utilisez autre chose qu'Ableton D'accord, si vous utilisez Ableton, il vous suffit de vous rendre sur le lien de téléchargement Cela peut se trouver dans la section des fichiers de ce site, ou dans un lien texte dans la leçon suivante ou dans deux leçons à partir de maintenant. Donc, quand vous verrez cela, vous allez télécharger le lien Ableton, qui vous permettra d'obtenir un pack Ableton, Ce pack Ableton va ressembler à ceci. Arrangez un PAC ALP, d'accord ? Maintenant, ils fonctionnent un peu bizarrement. Ce pack contient tout ce dont vous avez besoin. Il y a la session. Il contient les échantillons. Il contient tout ce qui est prévu. toutes les pistes MIE J'ai rendu toutes les pistes MIE sous forme de pistes audio. Vous n'avez donc vraiment pas à vous soucier des effets ou de quoi que ce soit de ce genre. Tout devrait bien fonctionner. Vous allez donc double-cliquer sur cette ALP, et elle vous demandera un endroit où l'enregistrer, d'accord ? Et c'est une chose qui prête un peu à confusion. Je vais donc le mettre sur mon bureau, et il va tout extraire. C'est essentiellement comme un fichier zip, si cela vous est familier. Il va donc tout extraire. Mais une fois que c'est fait, en extrayant tout, ça ne servira à rien Il va juste rester là. Et cela peut être un peu déroutant. Donc d'accord, tu vois, c'est fait, et ça n'a rien fait. Donc, ce que vous devez faire maintenant, c'est trouver l'endroit de votre ordinateur où vous l'avez également extrait. Allez-y, et vous verrez la session Ableton. Ouvrez cette session, d'accord ? Et puis c'est ta séance, d'accord ? Alors, garde ça et tu t' en vas, d'accord ? Donc tu l'extrais, puis vas là où tu l'as extrait , puis tu l'ouvres, d'accord ? Ensuite, tu seras prêt à partir. Vous aurez exactement ce que j' ai ici à l'écran. Cela ne pourrait donc pas être plus simple. Donc, vous êtes l'un des chanceux si vous utilisez Ableton Si vous n'utilisez pas Ableton, c'est un peu plus compliqué car nous allons devoir le faire avec des stems, ce dont nous parlerons maintenant 9. Voici comment le télécharger et l'installer en utilisant n'importe quel autre DAW (en utilisant Stems): Bien, voyons ensuite comment configurer cette piste sur n'importe quel autre logiciel Donc, si vous n'utilisez pas Ableton, comment le configurer. Maintenant, juste un rappel, vous n'avez pas besoin de configurer cette piste. Si vous êtes du genre : « Oh, mon Dieu, ce morceau est nul ». Je préfère utiliser une de mes propres chansons. C'est juste amusant. Tu seras totalement capable de le faire. Mais si vous voulez le faire, le configurer dans n'importe quel autre DA . Ce n'est pas trop difficile. Nous allons le faire avec les tiges ou les fichiers individuels. Je vais donc le faire ici dans Logic. J'ai donc créé une nouvelle session dans Logic. Je vais créer une nouvelle piste, et je pense qu'il me faudra environ 25 pistes. Juste des pistes audio. Je réduis un peu ma fenêtre ici pour que vous puissiez la voir. OK, maintenant, dans le téléchargement, que vous verrez soit dans le texte suivant, soit dans les téléchargements de cette zone, selon le format de ce site Web, vous verrez ce que l' on appelle Download stems OK ? C'est ce que vous souhaitez télécharger. Ce sera un très gros dossier. Cliquez donc sur Télécharger , puis prenez une tasse de café. Attends une seconde. Et puis vous aurez un dossier qui ressemble à ceci, des tiges et un tas de fichiers audio. OK ? Voici donc ce que je vais faire. Je vais y aller. Je vais prendre l'un d'entre eux. Je vais le faire glisser vers l'intérieur et le faire glisser jusqu'à la gauche. Pour ce premier, il va me demander si je souhaite modifier ma fréquence d'échantillonnage. Disons que convertir un fichier n'a pas vraiment d'importance pour nous dans ce cas. OK, donc c'est ce que nous allons faire. Il ne va réfléchir qu'une seconde. Génial. Maintenant, je vais prendre le suivant. Je vais le traîner dedans. Maintenant, la clé, c'est que je vais zoomer. L'essentiel est que votre piste, chacun de ces clips audio doit se trouver complètement vers la gauche. OK ? S'ils ne sont pas tout à gauche, cela ne marchera pas. Par exemple, si celui-ci est là, ça ne marchera pas. Ça va faire le bordel. Il faut que ce soit le plus à gauche possible. Cela va faire en sorte que tout soit aligné, d'accord ? Voici donc le suivant. Voici le suivant. Voici le suivant. Et je vais juste le faire avec tout. Et une fois que j'aurai terminé, je pourrai simplement appuyer sur Play, et le son sera exactement le même. Maintenant, si vous voulez être un peu plus, ce que je recommande vivement dans ce cas, vous pouvez faire beaucoup d'organisation ici car vous avez des choses supplémentaires ici. Vous avez des bus et des groupes dont vous n'avez pas vraiment besoin, il n'y a vraiment rien de mal à les avoir. Vous avez également nos morceaux, je crois, triés probablement par ordre alphabétique ici, ce qui n'est pas une très bonne façon de les trier. Vous devriez donc les réarranger comme je les ai fait dans la session Ableton, en les regroupant par percussions, basse, synthés Et quelque part, il semblerait qu'il y aura un rebond complet avant le tout dernier C'est ici. Ce tout dernier est un rebond complet de la piste complète Vous pouvez donc l'utiliser pour comparer et vous assurer que tout va bien, celui-ci ici. OK ? Donc pour l'instant, je vais juste éteindre celui-ci. Même s'il ne semble pas y avoir grand-chose ici en ce moment, tout aligner au début fera sorte que tout fonctionne et que tout sonne bien. Mais je vous recommande d'organiser la session, réduire l'espace vide peut en fait vous aider. En fait, cela nous aidera beaucoup dans ce que nous faisons. Ce que je veux dire par là, c'est que vous pouvez le faire pour supprimer l'espace vide qui se trouve ici, mais soyez prudent. Ne faites pas cela et déplacez le clip. Tu ne veux pas faire ça. Vous voulez le faire et supprimer l'espace vide. Il est très difficile de faire la différence. Comment ferais-je la différence ? Mince, je ne sais même pas. C'est ce symbole que je vois ici. Cela réduit l'espace vide et déplace le clip Assurez-vous donc de ne pas déplacer le clip, mais de réduire l'espace vide Si tu veux le faire, si tu es du genre, whoa whoa whoa, je ne comprends pas ce que tu dis Oubliez. Oublie juste ça. Ne t'inquiète pas pour ça. Mais cela configurera votre piste afin que vous puissiez suivre ce que nous allons faire avec cette piste dans la classe. Cool. 10. Lorsque vous déplacez les échinacées, assurez-vous d'atterrir EXACTEMENT la barre: Bien, dans cette section, je voudrais parler de certaines fonctions de base de la chronologie besoin parce que nous aurons besoin parce que nous allons déplacer gros morceaux de matériel dans la chronologie afin de perturber notre arrangement, et nous voulons nous assurer de ne pas tout gâcher et nous voulons nous assurer de ne pas tout gâcher Il y a donc quelques astuces qui seront vraiment très utiles pour effectuer cette tâche qui consiste à déplacer de gros morceaux de choses. Je voudrais donc vous donner quelques conseils avant d'entrer dans le vif du sujet. Tout d'abord, nous allons déplacer des objets dans les bars, d'accord ? Donc, généralement, la plupart du temps. Au moins, une fois que nous aurons commencé à travailler sur les transitions, ce sera un peu différent. Ce sera un peu plus nuancé. Mais lorsque nous travaillons sur l'arrangement principal, nous parlons principalement de bars. Alors regardons, comme si c'était vrai, peut-être juste. Trouvons un bon endroit ici. Je ne sais pas, juste ici, d'accord ? Donc, si on prend tout ce matériel ici, non ? Prenons juste toutes ces choses. Et on le déplace ici, non ? Je clique et je le fais glisser pour le déplacer là-bas. C'est bon, non ? Genre, ça marche totalement. Je vais annuler ça. Voici une chose que je vois souvent se produire, d'accord ? Maintenant, Ableton va m' empêcher de faire ce que je veux vraiment faire Je vais donc faire en sorte qu'il soit un peu plus facile de faire le mauvais choix. OK, regarde. OK, voilà. On dirait que je l'ai très bien fait, mais je ne l'ai absolument pas fait. Cela va complètement gâcher mon arrangement. Sais-tu ce que j'ai fait ? Peux-tu le voir ? Ce que j'ai fait, c'est que lorsque j'ai laissé tomber ce morceau de musique, je ne l'ai pas exactement inscrit sur la grille Si je zoome, vous pouvez voir que je suis totalement hors de propos sur ce coup de pied. Cette base se trouve sur la grille. Le coup de pied est hors de portée. Cela va faire un énorme gâchis. C'est tout. Donc je vais juste annuler ça. Effectuez un zoom arrière. Et revenez à Snap to Grid pour m'empêcher de le faire, n'est-ce pas ? Maintenant, ça va en quelque sorte m'obliger à le faire. Mais je vais quand même zoomer. Je vais m'assurer que je suis exactement sur la bonne voie. Si vous êtes exactement sur ce point bas, là où il nous indique où il nous indique, c'est le ralentissement lorsque nous obtenons un nombre entier Quelle que soit la distance à laquelle vous zoomez, nous serons exactement sur cette ligne, n'est-ce pas ? Je fais un zoom arrière. D'accord ? Je constate donc que cela se produit tout le temps chez les étudiants où ils déplacent des objets, où les choses sonnent de pire en pire et où ils n'arrivent pas à le comprendre Et le problème, c'est qu'à chaque fois qu'ils déplacent quelque chose, ils n'atterrissent pas parfaitement sur le réseau. Donc tu dois vraiment faire attention à ça, d'accord ? Certains logiciels vous permettent de vous connecter facilement au réseau. Donc, il ne faut pas juste garder un œil sur ça, d'accord ? Si tu n'es pas bloqué dans le réseau, tu vas avoir des problèmes. À moins que vous n'ayez affaire à de l'ambient ou à une sorte de musique qui ne figure pas sur une grille, alors c'est une autre histoire. Mais si vous avez affaire à de la musique pulsée, assurez-vous déposer exactement là où elle doit aller 11. Sélectionnez tout, sélectionnez quelques-uns, sélectionnez tout avant ce point Point: OK, ensuite, parlons de la sélection des choses. Il y a quelques petites astuces pratiques que nous pouvons faire ici. Supposons donc que je veuille tout récupérer dans cette région. Je peux cliquer sur quelque chose sur Shift Click. OK ? Cliquez sur Shift. Un outil très important. Shift qui fonctionne sur à peu près tous les DAW et systèmes d'exploitation. J'en suis presque sûr. Cliquez sur Shift. Je peux aussi déplacer le clic vers le bas. Je peux descendre ici, en cliquant sur Shift. Il va sélectionner tout ce qui se trouve entre les deux. Cliquez sur Shift. Shift, cliquez sur Shift, cliquez. OK ? Va jusqu'ici. Shift, cliquez. OK ? Alors, déplacez, cliquez. Maintenant, une autre chose que vous pouvez faire est logiciel vous permet de sélectionner un point comme ici, puis tout ce qui se trouve devant, ou même parfois tout ce qui se trouve derrière. Vous pourriez donc cliquer puis dire, sélectionnez tout ce qui se trouve devant ce clip, n'est-ce pas ? Ou tout ce qui se cache derrière ce clip. On ne peut pas faire ça à Ableton, pour autant que je sache. Donc, dans Ableton, je le fais simplement en zoomant, puis en cliquant sur le bouton Maj pour obtenir tout ce que vous voulez Donc, si je suis là, cliquez dessus , et je dois faire de la place ici. voyez, c'est une chose très courante lorsque vous travaillez sur un arrangement. Par exemple, je dois insérer une barre ici, non ? Comment est-ce que je vais m'y prendre ? Parce que cela signifie que je vais devoir tout déplacer de cette façon. Et c'est exactement ce que cela signifie. Vous pouvez donc sélectionner ici, puis tout en bas, puis jusqu' ici , puis tout déplacer comme ça Annulez ça. Ou vous pouvez simplement sélectionner ici. Et si vous êtes dans un procureur où vous avez la possibilité sélectionner tout ce qui se trouve devant lui, vous pouvez le faire également. Mais dans Ableton, je fais généralement un zoom arrière, sélectionne tout, puis je le fais glisser comme ça pour libérer l'espace supplémentaire dont j'ai besoin Si vous avez une automatisation ou quelque chose comme ça, cela dépend généralement de ce que vous faites. Une dernière annulation. Une dernière chose très importante à propos de la sélection est de tout sélectionner. commande A est select A. Maintenant, Select All comporte une sorte d'astuce cachée. Vous pouvez utiliser Select All juste pour récupérer beaucoup de choses, mais pas tout, n'est-ce pas ? Nous allons donc sélectionner OK, alors regardez ceci. Je vais sélectionner A, puis sur un Mac, de toute façon, vous pouvez cliquer sur la commande pendant que tout est sélectionné pour désélectionner cette piste Donc, si je veux tout faire sauf le coup de pied, je peux cliquer sur cette piste de coup et maintenant tout est sélectionné sauf le coup de pied, n' est-ce pas ? Annulons cela. Donc, Apple une commande A pour tout sélectionner, puis cliquez sur Commande pour désélectionner certaines choses, n'est-ce Vous pouvez également exécuter la commande A pour sélectionner A, puis contrôler, Shift, cliquer sur un objet, puis Shift, cliquer sur le retour à l'endroit où vous étiez. Je suis sûr qu'il existe un moyen plus simple de le faire, mais c'est ainsi que je le fais souvent, et je laisse de côté quelque chose comme ça. Vous pouvez maintenant le collecter pour créer l'espace supplémentaire que vous souhaitez. Donc, de petites astuces pour, vous savez, naviguer et sélectionner gros morceaux de choses peuvent être très pratiques, car nous allons probablement en faire une grande partie en récupérant différents morceaux 12. Option-cliquer et faire glisser pour copier et dupliquer: Oh, et j'ai presque oublié que l'une de mes astuces préférées, comme le copier-coller, que j'utilise tout au long de la journée est de sélectionner Let's go in on something. Sélectionnez puis cliquez sur l'option et faites glisser le pointeur. D'accord ? Si cela ne vous est pas familier, cela permet de laisser le clip là où il était et d'en faire une copie. Hein ? Donc, en gros, vous supprimez un doublon comme ça, n'est-ce pas ? Par exemple, voici le truc, cliquez et faites glisser les options . Maintenant tu en as deux. C'est un clone C'est une machine à cloner. Et cela fonctionne sur des sections deux entières. Si vous voulez le faire, disons que nous en voulons un autre, nous pouvons simplement procéder comme ça. Et maintenant, nous avons de nouveau cette section, n'est-ce pas ? clic et le glisser-déposer sont donc un excellent moyen de simplement remplir des champs. Alors n'oubliez pas celui-ci. Vous allez me voir souvent faire ça, et c'est ce que je fais. 13. Créer un historique des versions.: OK, deux autres petites choses. Ensuite, nous allons aborder la théorie des arrangements, où les choses commencent à vraiment s'améliorer. OK, enregistrez plusieurs versions, d'accord ? Je vais le répéter encore une fois de plus près. Enregistrez plusieurs versions. C'est très important, d'accord ? Hum, tu vas faire un arrangement vraiment cool, puis tu vas dire, euh, je peux l'améliorer, et tu vas continuer à t' embêter, puis tu vas te dire, mec, ce que j'ai mangé hier était plus cool J'aurais aimé l'avoir encore. Et si vous aviez enregistré plusieurs versions, vous l'auriez toujours. Voici donc ce que nous allons faire. De temps en temps, peut-être une fois par jour, peut-être une fois par heure. Chaque fois que tu auras l' impression d'avoir trouvé quelque chose d'intéressant, nous allons y aller. Nous allons accéder au fichier, nous allons enregistrer le Live set sous. Nous allons l'appeler comme nous voulons, puis nous allons dire, souligner ou simplement tirer un trait d'union Allons-y, juste un trait d'union. Si tu veux. C'est plus facile, et puis la date. Cependant, vous écrivez la date. Je l'écris dix, 15, 25. Donc, d'accord, c'est ce que nous allons faire. Vous allez l'enregistrer sous forme de dix dans le même dossier. Voici le deal. Ces fichiers Ableton ou ces fichiers de session, peu importe, faites votre choix. Les fichiers de session eux-mêmes sont vraiment petits Il s'agit essentiellement d'un fichier texte, quelque sorte. Ils ne sont vraiment pas grands du tout. Tous les fichiers audio et les fichiers de projet se trouvent dans ces dossiers, et ces fichiers ALS, les fichiers de session, font simplement référence à tous ces fichiers. Le fichier de projet proprement dit est donc comme un fichier texte qui indique ce qu'il faut mettre où. C'est comme une carte. Ce n'est pas un gros dossier. Par exemple, je vais vous dire quelle est la taille de cette session, le fichier ALS fait 140 kilo-octets Il s'agit d'un fichier texte. Il s'agit d'un très, très petit fichier. C'est comme la taille d' un e-mail, un gros e-mail. Alors, épargnez tôt, économisez souvent. Ils ne consommeront pas votre disque dur, d'accord ? Alors si vous pensez que j'aimerais me souvenir de ce que j'ai fait l'autre jour, revenez en arrière et vous l'aurez. Cela est particulièrement important lorsque vous travaillez sur votre arrangement. Tu es le bienvenu. Et 14. Nous travaillons (généralement) par groupes de 4, 8 ou 16 barres: OK, dernière chose à propos d'un truc technique. Celui-ci fait le lien entre la technique et la théorie des arrangements. Mais je veux que tu regardes tes bars ici, d'accord ? Ce numéro, pour moi, est là-haut. Pour certains d'entre vous, c'est en bas. Mais nous allons regarder les bars, d'accord ? Vous voyez ici, je vois 81, 82, 83. Et selon la façon dont vous zoomez, ils auront un aspect différent Donc 81 signifie barre 8, 181,2 signifie barre 81 battements deux. Barre 81 battement trois, barre 81 battement quatre, barre 82 battement un, c'est ce que cela signifie. Le beat 1.1 est un raccourci. C'est juste pour masquer le 0.1. D'accord, mais je vais reculer un petit peu. Nous y voilà. Nous avons donc affaire à 1 bar, c'est ça, d'accord ? La raison pour laquelle je le souligne en ce moment c'est que lorsque nous parlons d'arrangement, nous travaillons généralement en groupes de quatre, huit ou 16. Parfois 12. Mais 48 ou 16 ans, c'est la chose la plus courante. Nous parlons donc de morceaux de 4 barres, de morceaux de 8 barres, de morceaux de C'est généralement ainsi que nous travaillons. Et c'est une chose vraiment intéressante que vous pouvez étudier si vous le souhaitez. C'est un peu comme ça que nous aimons notre musique dans ces motifs répétitifs de 48 ou 16. C'est juste bizarre. C'est exactement ce que nous faisons. Maintenant, voici l'une des choses importantes à propos de l'arrangement. Cela signifie-t-il que votre morceau doit être composé de groupes de quatre, huit ou 16 ? Non, ce n'est pas le cas. Cela ne veut pas du tout dire. Mais cela signifie que l'on s'attend à ce que le public, l'auditeur, s' attende à ce que votre morceau soit classé dans une sorte de groupe de quatre, huit ou 16 Vous n'êtes pas obligé de le faire, mais si vous ne le faites pas, vous devez savoir que vous jouez avec les attentes de quelqu'un face à ce qui se passe. Et ça peut être vraiment amusant. OK ? Vous devez donc faire ce qui est attendu ou ne pas faire ce qui est attendu, ce qui est amusant dans les deux cas. Nous en reparlerons bientôt. Mais quand je dis que nous faisons les choses par groupes de 48 ou 16, ce que je veux dire, c'est que si nous regardons ici, cela fait quatre temps ou 4 mesures, cette introduction, puis il y a 4 mesures d' autre chose, puis 4 mesures. Et puis, tu sais, la base arrive. Donc, chacun de ces types de morceaux correspond à 4 barres. J'ai mis un marqueur toutes les 4 barres dedans juste pour nous aider à voir ce qui se passe. Voici donc 8 barres. Voici 12 barres. C'est bizarre. Faites donc attention à ces groupes de quatre, huit, 12 ou 16 barres pendant que nous travaillons. Telles sont les principales choses que nous faisons. Ce sont les principales choses que les gens attendent d'une chanson. D'accord, ce sont les principaux principes que je voulais juste vous les éléments techniques que je voulais juste vous faire comprendre, nous mettre tous sur la même longueur d'onde Passons maintenant à la théorie des arrangements. 15. Voici le mot magique que je vais répéter 1000 fois dans ce cours : contraste: OK, donc théorie des arrangements. Je vais donc vous parler de trois grandes idées concernant l'arrangement. Et quand je parle de théorie des arrangements, il n'y a pas de théorie des arrangements similaires. Il n'y a pas de théorie musicale pour les arrangements. Quand je parle de théorie des arrangements, je parle idées qui permettent de réaliser un bon arrangement. Et ce sont des choses que j'ai recueillies par le biais de livres, d'études et simplement d'analyses. C'est donc ma propre théorie en quelque sorte, mais elle est basée sur, vous savez, des centaines d'heures d'étude , d' écoute, d'écriture et sur ma façon de faire les choses. Je vais donc parler de trois concepts, puis je vais passer à une liste de règles, avec de grandes citations à ce sujet, parce que je sais, grâce à tous mes autres cours, que vous aimez les Je vais donc vous donner une liste de règles à suivre, et nous y reviendrons dans une minute. Mais d'abord, je voudrais parler de ces trois grandes idées, d'accord ? Ce sont des choses que je veux que tu gardes à l'esprit chaque fois que tu t'arrangeras. Donc d'abord, l'arrangement est une question de contraste, d'accord ? Nous en avons déjà parlé, mais allons-y un peu plus. Tout est dans le contraste. C'est ainsi nous savons où nous nous situons dans une chanson. La partie la plus forte est le refrain. La partie la plus silencieuse, c'est le pont ou le couplet ou autre, n'est-ce pas ? Écoutez n'importe quelle chanson et écoutez la densité de la chanson, non ? Quelle est donc la densité ? C'est son épaisseur ou sa finesse ? Y a-t-il beaucoup de choses qui se passent ? Est-ce qu'il se passe un peu de temps ? Écoutons-le dans notre exemple de morceau ici. Je vais arranger ça. Nous appellerons. ce que nous allons faire. Il suffit de tenir bon. Alors peut-être que nous arriverons ici. Même épaisseur, même densité. Maintenant, cette idée de densité, une chose que j'aime dans les partitions notées traditionnelles, c'est juste, vous savez, la musique notée. Que vous sachiez lire de la musique ou non, cette idée de densité apparaît très rapidement sur une partition. Laisse-moi te montrer. C'est la neuvième symphonie de Mahler, d'accord ? C'est comme la page 26 ou quoi que ce soit d'autre. Alors jetez un œil à ça, non ? Comme si c'était, tu sais, tout un tas de notes. Ne t'inquiète pas pour ça. Mais zoomons bien loin, non ? Si nous faisons simplement un zoom arrière, ne vous inquiétez pas pour les notes individuelles et pensez simplement à quoi ressemble la densité. Nous pouvons voir qu'ici, les choses s'épaississent un peu. Peut-être qu'ici, il y a une sorte de limite et qu'il se passe plus de choses ici qu'avant. Qu'en est-il ici, non ? Par exemple, il se passe moins de choses ici. Il y a une lampe. C'est plus fin là-bas. Nous pouvons donc en quelque sorte voir, voici une partie fine, voici une partie plus épaisse. Nous pouvons en quelque sorte voir cette idée de densité. Maintenant, ce n'est pas pareil que dans Mahler, nous allons voir un chœur de couplets, un chœur couplets de la même manière que nous le voyons dans une chanson pop, n' C'est comme si c'était une symphonie. C'est bien plus compliqué que ça. Le formulaire fonctionne différemment, mais c'est la même idée, non ? Vous pouvez voir les sections contrastées. C'est ainsi que nous savons que nous sommes dans différentes sections d' une chanson grâce au contraste entre elles. S'il n'y a pas de contraste, il n'y a pas de section. Il faut qu'il y ait du contraste. Tout est dans le contraste. Donc, si vous voulez que ce refrain soit vraiment éclatant quand vous y arrivez, comment vous y prenez-vous ? Oui, vous devez faire en sorte que ce refrain apparaisse parfaitement, mais vous devez également revenir à la section précédente et le réduire pour augmenter le contraste, n' est-ce pas ? Si la section précédente descend très bas, devient vraiment silencieuse, devient vraiment fine, prend vraiment de la lumière dans sa densité, alors quand ce refrain arrivera et qu'il sera fort, il va vraiment frapper, n'est-ce pas ? C'est ce que tu veux. Il ne s'agit pas toujours de faire en sorte le refrain soit aussi grand que possible dans le cas où vous voulez un gros refrain, Je ne prends cela qu'à titre d'exemple. Il s'agit également d'augmenter la densité ou le contraste en affinant la section précédente afin que le refrain paraisse plus grand Tout est une question de contraste. 16. L'arrangement est un outil narratif: OK. Deuxième chose, Arrangement est un outil narratif. Pensez-y de cette façon. Disons que vous êtes votre auteur préféré, non ? Disons que vous êtes, vous savez, Stephen King, peu importe. Et tu t'assois pour raconter une histoire. Et en racontant cette histoire, vous trouvez des personnages géniaux, d'accord ? Tu as des personnages géniaux, et tu te dis « Cool ». Mes personnages sont géniaux. Ils font des choses géniales. Ils sont dynamiques. Ils sont puissants. Ils ont des trucs sympas à leur sujet. Tout est génial dans ces personnages. Cool. Alors, que vais-je faire maintenant avec ces personnages ? Je vais juste les renvoyer dos à dos dans l'histoire, et c'est fini. OK, cool. C'est mon histoire. Non, bien sûr que non. C'est une terrible histoire, non ? L'histoire raconte comment vos personnages changent au fil du temps. Voilà l'histoire. Oui, il faut avoir de bons personnages. Et dans cette métaphore, les personnages sont votre matériau musical Ce sont vos personnages musicaux. Les personnages sont votre matériel musical. Vous avez donc un excellent matériel musical, n'est-ce pas ? Ce sont les personnages de votre histoire, mais vous devez tout de même raconter une histoire avec ces personnages avec ce matériel musical. Alors, comment vas-tu t'y prendre ? Vous allez introduire un personnage, un thème, un instrument, une mélodie, une progression d'accords, comme vous le souhaitez Tu vas présenter quelque chose. Peut-être que tu vas laisser tomber ça pendant une minute. Vous allez présenter autre chose, quelque chose qui fonctionne avec ce que nous avons déjà présenté à ceux qui vont travailler. Nous allons maintenant passer à une nouvelle section. En quoi consiste cette nouvelle section ? C'est le conflit de l'histoire. C'est là que les choses changent. C'est là que les personnages prennent conscience de ce qu'ils doivent faire pour arriver à la fin de l'histoire. Tu ne peux pas. Stephen King vient de dire : Voici ce clown psychotique Cool. Voilà. Ce serait une terrible histoire, non ? Le récit, la façon dont il se déroule au fil du temps, c'est l'histoire. C'est donc un arrangement pour nous. Nous devons réfléchir à façon dont tout notre matériel musical évolue au fil du temps. Sinon, ce n'est qu'une série de sons sympas après sons froids, ce qui peut être bien, mais cela ne trouvera pas vraiment d' écho auprès de la plupart des auditeurs, Une série de sons sympas peut être amusante, mais c'est parfois ce que j'appelle une démo. Avant, je ne sais pas si je dois dire ça. Je vais le dire dans un langage quelque peu codé. J'allais tout le temps à ces conférences. C'est comme des conférences musicales pour les compositeurs. C'est tout ce que je vais dire à ce sujet. Et lors de ces conférences, j'entendais souvent ce que j' appellerais une pièce de démonstration, ce qui signifie qu'il s'agit d'un compositeur qui dit : «   Regarde ce que je peux faire ». Ils écrivent une section d' un morceau de musique, et ça a l'air cool. Et ils écrivent une autre section. Ça a l'air cool. Ils écrivent une autre section. Ça a l'air cool. Si on met tout ça ensemble, c'est stupide. Ce n'est pas du tout intéressant, car c'est juste une série de sons sympas. Cela ne m'a rien dit en tant que morceau de musique. Je ne m'ai pas du tout déplacée. Je n' ai rien trouvé d' intéressant, et je m' ennuie jusqu'aux larmes. J'ai entendu des sons sympas. Bien sûr. Mais il n'y a aucune histoire là-dedans. L'arrangement est donc un outil narratif. 17. L'arrangement est une question d'attente et d'anticipation: OK, troisième et dernier type de gros sujet général qui sera abordé de nombreuses fois. Et c'est cet arrangement qui est une question d'attente et d'anticipation. Voici ce que cela signifie. Nous avons tous entendu des millions de chansons dans notre vie, n'est-ce pas ? La musique est omniprésente. Il y en a partout. Nous entendons toujours de la musique tout le temps, n'est-ce pas, dans notre société. Nous savons donc qu'après un couplet, il y a souvent un pont puis un refrain, n'est-ce pas ? Par exemple, ce sont juste des choses auxquelles nous nous attendons. On s'attend à ce que les chansons fassent une certaine chose. Il y en a toujours eu et il y en aura toujours. Ce n'est qu'un signe des temps. Cela a changé au fil du temps. Bien sûr, c'était différent pour Mahler de ce que c'est pour nous, mais on s'attend toujours à ce que les chansons aillent dans une certaine direction et fassent une certaine chose Donc, quoi que vous fassiez, lorsque vous écrivez une chanson, vous devez savoir qu' on s'attend ce qu'elle soit censée faire une certaine chose. Maintenant, voici ce qui est intéressant à ce sujet. Tu n'es pas obligée de faire ça. Mais ce dont vous devez être conscient, c'est que vous jouez toujours avec cette attente. Cette attente existe donc, que vous le fassiez ou non. Vous pouvez choisir de l'ignorer, mais l'ignorer est un choix. Donc, si vous faites ce que vous êtes censé faire, c'est très bien. Cela peut être un bon choix. Si vous faites quelque chose de différent de ce que vous êtes censé faire, c'est un choix, et cela a également du poids, n'est-ce pas ? Vous définissez une attente. L'arrangement consiste donc également à jouer avec les attentes. Donc, en le rattachant au récit précédent, on peut s'attendre à ce que vous alliez dans une certaine direction parce vous racontez une histoire dans laquelle vous allez dans une seule direction, n'est-ce pas ? L'histoire raconte que ces deux personnes vont tomber amoureuses, non ? Et tu racontes cette histoire et tout va bien. Mais vous décidez de contrecarrer les attentes, et les deux personnes tombent d'une falaise, non ? Vous jouez maintenant avec les attentes d'une manière vraiment amusante et excitante. Vous n'avez donc pas à faire ce qui est attendu. Mais si vous ne comptez pas faire ce qui est attendu, vous devez être bien conscient que vous trompez ou trompez l' Tromper est un meilleur mot que tromper. Vous trompez l'auditeur et vous le redirigez en quelque sorte, ce qui peut être amusant Cela peut être difficile à réaliser. Cela peut être et cela peut être vraiment gratifiant. Mais cela doit être fait intentionnellement. C'est tout l'intérêt de ce que j'essaie de dire. Si vous ne le faites pas intentionnellement, vous allez simplement créer un gâchis. Vous devez donc être conscient des attentes afin de pouvoir choisir de le faire ou de ne pas le faire. OK, ce sont les trois grandes choses auxquelles je dois penser tout le temps lorsque vous organisez ces trois concepts. Maintenant, pour ceux d'entre vous qui veulent des règles, établissons des règles. Allons-y. 18. Règle 1 : aucune règle n'est universelle.: D'accord. Six règles. Les six règles d'organisation. Maintenant, n'oubliez pas que ce ne sont que mes règles. Il ne s'agit pas d'une série de règles sophistiquées ou quoi que ce soit d'autre. Cependant, je pense que ce sont de très bonnes règles, et j'ai vraiment travaillé d' arrache-pied pour les élaborer. D'accord, donc normalement je ne suis pas du genre à simplement dire, voici les six règles que tu dois suivre. Je n'aime pas avoir des règles strictes, mais je sais que beaucoup d'entre vous aiment avoir des règles strictes. J'ai donc trouvé ces six. Malheureusement, pour vous, si vous aimez ces règles strictes, la première est celle que vous n'aimerez probablement pas. La première règle est qu'il y a de nombreuses exceptions à la règle, d'accord ? C'est de l'art, d'accord ? Aucune règle n'est donc universelle. C'est la règle numéro un. Euh, alors que vous travaillez, si vous vous dites que la règle dit que je devrais peut-être faire ceci ou cela. Mais j'ai l' impression que ce serait peut-être plus cool de faire ceci ou cela que de faire ceci ou cela. Par exemple, suivez votre cœur. Faites ce que vous pensez être le meilleur morceau de musique, même si cela enfreint les règles, surtout si cela enfreint les règles. Hum, la musique ne suit pas de règles. L'art ne suit pas de règles. Si toutes les musiques et tous les arts étaient soumis à des règles, nous vivrions tous dans un monde très ennuyeux. C'est en enfreignant les règles que l' on fait de bonnes choses. Donc, règle numéro un, aucune règle n'est universelle. D'accord ? Alors rangez-le. Gardez cela à l'esprit. C'est toujours ton oreille qui gagne. Votre intuition musicale l'emporte toujours. Vos goûts l'emportent toujours. Maintenant que c'est réglé, passons aux cinq autres règles. 19. Règle : Jouez avec les attentes: D'accord. Règle numéro deux. Toutes les règles relatives à l'arrangement vous indiqueront ce à quoi le public ou l' auditeur s'attendra Votre travail consiste à jouer avec les attentes. Ce n'est pas pour répondre aux attentes, n'est-ce pas ? Il s'agit de jouer avec les attentes. Donc je sais que ce n'est pas exactement ce genre de règle. Je vais aborder quelques-unes de ces règles dans une minute. Mais il s'agit d'un concept important. Et je sais que nous en avons déjà parlé un peu, mais l'idée est que pour chaque choix que vous ferez, pour chaque choix que vous ferez pensez à aller dans les deux directions, d'accord ? Si vous pensez que je pourrais aller au chœur ici ou si vous pensez que je devrais aller au chœur ici, considérez deux choses Vous pensez que je pourrais aller au chœur ici ou que je ne peux pas aller au chœur Qu'est-ce que cela signifie pour les attentes de l'auditeur ? Cela signifie-t-il que si je vais au chœur, cela signifie que c'est ce que j'attends de moi ? Que se passera-t-il si je fais quelque chose d'inattendu ? C'est ce que vous devez garder à l'esprit pour chaque choix que vous faites en ce qui concerne l'arrangement. Qu'est-ce qui est attendu et qu'est-ce qui est inattendu ? Et quelles sont les conséquences de faire ce qui est attendu ou inattendu, d'accord ? Parce que n'oubliez pas que votre travail n'est pas de faire l'un ou l'autre. C'est pour jouer avec l'un ou l'autre. C'est ainsi que nous racontons l'histoire, non ? Surtout quand on fait de la musique instrumentale. Si vous avez de la musique vocale et que vous racontez réellement une histoire, il se peut que certaines choses lyriques vous aident à vous orienter dans une certaine direction Mais si vous n' avez pas de paroles , comme je le fais habituellement, vous avez vraiment besoin de ce genre d'attente pour créer l' arc narratif de l'histoire. D'accord ? Il s'agit donc d'anticiper et de les défier. C'est donc la roue numéro deux. 20. Règle 3 : L'économie des idées: OK. Règle 3, ne rien faire de nouveau. Voici ce que cela signifie. Lorsque vous êtes en mode arrangement, vous disposez de tout le matériel dont vous avez besoin. Une chose dont nous allons beaucoup parler et dont nous allons commencer à parler dès maintenant est l'idée de l'économie des idées. Cela signifie que, eh bien, laissez-moi reformuler cela. Une chose que je vois souvent chez les étudiants c'est de jeter l' évier de cuisine sur une voie ferrée. Et nous ne voulons pas le faire parce que cela devient trop confus pour l'auditeur Pensez à la très courte durée d'attention de votre auditeur, d'accord ? Nous voulons leur donner trois ou quatre choses à garder dans leur mémoire à court terme à la fois. D'accord ? Donc, dans un morceau de musique, une fois que vous avez écrit votre refrain de couplets ou autre, vous avez probablement tout ce dont vous avez besoin, d'accord ? Nous n'allons pas ajouter de matériel ce qui concerne l' arrangement ou les transitions, franchement, dans de très rares cas, peut-être. Mais dans presque tous les autres cas, nous n'allons pas ajouter de nouveau matériel. Tout est déjà sur la bonne voie. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Disons que dans ce morceau, disons que je voulais quelque chose de nouveau ici. D'accord ? Faisons de nouvelles petites barres juste là. Disons que j'ai besoin d'une grande transition juste là, d'accord ? Qu'est-ce que je pouvais faire ? Je pourrais dire : OK, je veux un gros bâtiment juste là. Eh bien, je pourrais ajouter un gros build. Vous savez, je pourrais simplement fouiller dans mes échantillons, fouiller dans mes éviers, ajouter quelque chose de nouveau, créer un gros Floisho Je pourrais faire quelque chose de mieux en utilisant simplement ce que j'ai déjà Cela va rendre la pièce plus cohérente. Si j'ajoute quelque chose en dehors du champ gauche, je me demande : Ah, quelle est cette nouveauté qui ne convient pas ? Cela n'a aucun sens. C'est comme ajouter un autre personnage à la fin d'une histoire. Genre, ça n'a aucun sens. Utilisons donc quelque chose que nous avons déjà. Une chose que j' aime vraiment faire, c'est chercher une ligne intérieure. Par exemple, voici ce FMPAT. Peut-être que nous n'en avons pas vraiment profité. C'est déjà là, mais peut-être que ce n'était pas vraiment bien prononcé. Allons prendre ça. Peut-être que je vais faire des choses vraiment pas bien en ce moment. exemple, ne booste pas ton morceau comme ça, mais ce n'est qu' un exemple, d'accord ? Ne me fais pas. Donc, tu sais, je vais vraiment beaucoup augmenter ça. Je vais peut-être l'inverser. Allons réfléchir une seconde. Mais je vais inverser ce clip, qu'il reste le même matériau sonore. Cela ne va donc pas ressembler à quelque chose de nouveau. Vous savez, et peut-être que nous automatiserons certains effets pour que cela se produise au fil du temps. Vous savez, nous allons, vous savez, prendre notre volume et créer quelque chose ici pour que cela augmente, puis peut-être placer, par exemple, notre base de référence à mi-chemin, et il fait la même chose. Comme ça, non ? Maintenant, j'ai créé une nouvelle section à partir de matériel que j'avais déjà. Je n'ai pas ajouté de nouvelles boucles de batterie. Je n'y ai rien ajouté de nouveau. Cela va rendre notre morceau plus cohérent. Ne continue pas à accumuler plus de choses, d'accord ? Lorsque vous arrangez, n'y a pas de nouvelle musique, vous avez déjà tout ce dont vous avez besoin dans le morceau, d'accord ? Économie des idées. Toutes les idées dont vous avez besoin pour ce morceau sont déjà là. 21. Règle 4 : Fluctuation et modification de la densité: OK, fluctuation de densité. Nous en avons déjà parlé un peu sur ce que signifie la densité lorsque nous examinons un morceau de musique. Ici, j'ai en quelque sorte formulé cela sous forme de règle pour vous. Donc, si chaque section d'un morceau de musique pouvait être classée comme faible, moyenne ou élevée en termes de densité, n'est-ce pas ? Par exemple, faible ou nous pourrions utiliser des mots différents. Nous pourrions utiliser une intensité épaisse, moyenne ou fine, non ? Mince, moyen, épais, non ? S'il existe trois degrés de densité, n'est-ce pas ? Et rien de plus. OK ? Il n'y en a que trois. Vous allez classer chaque partie de votre chanson dans l'une de ces trois parties. Ensuite, chaque morceau de votre chanson doit changer. OK ? Chaque section de votre chanson doit changer. Donc, si vous êtes dans une section de densité moyenne, votre section suivante ne peut être que de faible ou haute densité, d'accord ? Si vous êtes dans une section à haute densité, la section suivante ne peut être que moyenne ou faible, d'accord ? C'est la règle, d'accord ? Maintenant, bien sûr, oui, vous pouvez enfreindre cette règle. Les règles sont faites pour être enfreintes. Mais comme bon point de départ, c'est ma règle. Hum, si nous regardons notre musique, écoutons cette transition folle que je viens de faire, d'ailleurs. Je ne pense pas que ça va sonner très bien, parce que ça fait environ 4 mesures Tu sais, les tambours seraient entrés juste là. Ça m'aurait plu. J' étais peut-être une bonne intro OK, alors regardons la densité ici. Tu vois, cette piste pose un problème, de nombreux problèmes, mais la densité est en quelque sorte l'un d'entre eux. Par exemple, ici, nous pouvons voir une sorte de densité épaisse. Allons-y comme ça pour voir un peu mieux. Et puis la section suivante, ici, c'est toujours une densité épaisse. Le problème, c'est que nous ne pouvons pas vraiment dire quelles sont nos sections, ce qui est un autre problème. En voici une assez épaisse. En voici une autre assez épaisse. Je veux dire, ce sont toujours les mêmes sections. Il est donc assez difficile de dire ce qui se passe dans celui-ci. Mais si nous examinons une autre piste, nous pouvons voir le flux et le reflux de la densité Faisons-le. OK, alors voici une autre de mes chansons. Cela ressemble plus à un morceau de techno, donc il n'a pas un énorme flux et reflux de densité, mais vous pouvez toujours y voir un arc où, au début, nous sommes relativement fins, et il s'ouvre en quelque sorte au fur Il s'agit d'un long changement de densité. Donc ici, c'est essentiellement fin, un peu au milieu et ici, le plus épais Donc, en réalité, il n'y a que trois sortes de grandes sections. Mais si vous zoomiez, vous trouverez d'autres sections Mais dans un morceau techno, ça dure un peu longtemps, et il n'y a pas beaucoup de variations de densité, mais un tout petit peu Alors, écoutons à quoi cela ressemble. Peut-être juste te donner. Voici donc la partie la plus fine. C'est assez mince. Venons-en à la partie conseil. Voici le conseil. y a donc beaucoup de cordes, beaucoup de cordes épaisses, appuient sur ce sillon. Donc, règle 4 des fluctuations de densité. 22. Règle 5 : Clarté: D'accord. Règle 5. Clarity, d'accord ? Cela signifie qu'à tout moment, je veux que vous puissiez dire comment s' appelle le nom de la section dans laquelle vous vous trouvez, d'accord ? Donc, pendant que vous écoutez la chanson, vous devriez pouvoir dire que nous sommes dans le refrain Maintenant. Ou nous sommes dans le couplet. Nous sommes sur le pont, peu importe où nous nous trouvons, la section dans laquelle vous vous trouvez doit être claire. Si vous dites : Eh bien, nous sommes dans une sorte de bridge, je ne sais pas, ce n'est pas une bonne chose. Si ce n'est pas clair pour vous, cela ne le sera pas pour l'auditeur Et si ce n'est pas clair pour l'auditeur, cela ne fonctionnera pas très bien Ça va être confus. Je l'utilise donc sur toute ma musique. Je l'utilise aussi sur la musique des autres. Si j'écoute de la musique et que je ne peux pas arrêter le morceau à tout moment et nommer la section dans laquelle nous nous trouvons, si je ne peux pas dire « Oh, c'est un pont », alors il y a quelque chose qui ne fonctionne pas vraiment pour moi. Cela ne signifie pas que les sections ne peuvent pas changer. Donc, pendant que vous travaillez, ce qui était le refrain peut devenir le couplet ou devenir, vous savez, le bridge ou autre chose, ou même l'outtro, ou l' intro, les choses peuvent vous savez, le bridge ou autre chose, ou même l'outtro, ou l' intro, les choses Et les choses peuvent être ambiguës lorsque vous travaillez. Mais au fur et à mesure que vous finalisez l'arrangement, il devrait commencer à être très net. Qu'est-ce que c'est ? Et vos transitions nous y aideront vraiment lorsque nous commencerons à travailler sur les transitions, ce que nous ferons plus tard. Mais la transition devrait vraiment vous amener au point où vous dites, maintenant que nous sommes dans le refrain Nous le ressentons. Tout le monde sait que c'est là que nous en sommes, et nous avons atterri dans n'importe quoi. Nous le ressentons. C'est là que nous le savons. Tout le monde sait où nous sommes. À tout moment, tu devrais pouvoir arrêter la piste, et tout le monde autour de toi devrait savoir où tu es. Donc de clarté. Indiquez aussi clairement que possible où vous vous trouvez dans la chanson. 23. Règle 6 : Le nombre d'or: Bien, dernière règle mais non la moindre, règle 6, d'accord ? Six. Et celui-ci est important. C'est une question à laquelle on ne pense pas aussi souvent, mais le nombre d'or peut avoir de l'importance, d'accord ? Tu n'es pas obligée de le faire, mais j'y pense. J'y pense dans chaque titre que j' écris et dans chaque mélodie que j'écris Pour être parfaitement honnête avec vous, le public s'attend à ce que le moment le plus important de votre morceau se situe aux trois quarts de point C'est comme le nombre d'or, non ? Si vous ne connaissez pas ce concept, cela remonte à des centaines et des centaines d'années , je ne sais pas, à DaVinci Je ne me souviens pas qui a découvert cela, mais en gros, c'est ce design. Tu peux le rechercher. Mais je ne suis ni un scientifique ce domaine, ni un neurologue, ni un neurologue, ni un neuroscientifique dans ce domaine ou autre Mais en gros, la façon dont nous vivons en tant que société, comme notre art, en particulier l'art basé sur le temps, consiste à avoir un arc qui s'étend sur environ trois quarts de point, puis une sorte de conséquence au cours du dernier trimestre. Donc, dans un cas comme celui-ci, si nous disons : « C'est le morceau complet jusqu'ici », d'accord ? Nous pouvons simplement le regarder ou non. On pourrait dire que cela fait, voyons voir, 134 barres de long. Quel est le trois quart de point de 134 bars ? Découvrons-le. Donc, les trois quarts de ce montant, selon mes calculs rapides, seraient d'environ 100 bars, soit 100,5 Ce serait donc exact 907-90-8909, 100. Sois là. Au localisateur. Le Golden Ratio, quel que soit le nom que vous voulez lui donner, est là. OK ? C'est donc le moment. Le centre commercial denu, comme on dit, parfois, je pense que le centre commercial denu, c'est ce terme qui vient après ce Quoi qu'il en soit, cela ne signifie pas que vous devez atteindre exactement ce point. Cela signifie simplement que c'est ce que nous recherchons lorsque c'est votre point le plus important de la pièce. Maintenant, que signifie le point le plus important ? Cela peut signifier le point le plus dense, le point le plus fort, le point le plus silencieux Hum, cela peut signifier beaucoup de choses différentes, non ? Cela signifie simplement le point qui sera peut-être le plus saisissant Si vous écoutez toute la musique que vous connaissez et aimez et que vous gardez cela à l'esprit, vous constaterez probablement que c'est assez vrai la plupart du temps, non pas scientifiquement, aux trois quarts du temps, mais à peu près là. Regardez un film. Regardez un bon film hollywoodien, et vous découvrirez que ces trois quarts de point sont vrais presque tout le temps. Voyons à quoi sert ce morceau , juste là. Oh. Nous avons donc été dans ce genre de pont ici. Je veux dire, souvent, ces trois quarts de point viennent d' un pont avant le début d' une grande finale, ce qui, à mon avis, est une base. Donc ça va frapper comme fond à points plus grands. Ce n'est pas un bon trois quarts de point. Corrige probablement ça. Il n'est donc pas très bon sur cette piste. Ajoutons cela à notre liste de choses que nous devrions probablement corriger. Mais gardez cela à l'esprit, les trois quarts de point, le nombre d'or, le juste milieu, quel que soit le nom que vous voulez. 24. Les sections principales d'une chanson: D'accord. Bon retour. Ou peut-être que vous avez simplement continué et regardé tout cela en rafale Mais pour moi, il y a eu une nuit entre les deux. Ce n'est pas que tu t'en soucies. Hum, d'accord. Donc, dans cette section, nous allons simplement définir et parler de chacune des sections d' une chanson que nous connaissons, n'est-ce pas ? Parlons de ce qu'est un refrain, de ce qu'est un couplet et de tous ces termes, non ? Et nous allons le faire assez rapidement. Nous n'avons pas besoin de passer tout notre temps à parler de ce qu'est un refrain, parce que tout notre temps à parler de ce qu'est un refrain, nous savons tous ce que c' Mais je voudrais, par exemple, y mettre quelques mots afin que nous ayons une sorte de définition sur laquelle nous puissions tous être d'accord. Hum, mais avant cela, je voudrais dire quelque chose que j'ai dit à quelques reprises d'une manière un peu différente. OK, donc l'une des règles que j'ai dites est que vous devez savoir à chaque moment de la chanson dans quelle section vous vous trouvez, n'est-ce pas ? Et je voudrais vous poser la question. Est-ce important pour votre public également, n'est-ce pas ? Votre public a-t-il besoin de le savoir ? Par exemple, devraient-ils être capables de dire : Oui, nous sommes dans le couplet en ce moment, ou oui, nous sommes dans le chœur en ce moment Et s'ils ne peuvent pas le nommer, est-ce que la chanson a échoué ? La chanson est-elle ambiguë ? C'est une question, non ? Par exemple, je ne connais pas la réponse à cette question. Et je pense que la réponse dépend votre style de musique et de la façon dont vous voyez la musique. Beaucoup de gens font des choses vraiment expérimentales avec cet arrangement. Certains de mes albums préférés utilisent arrangements très expérimentaux où il n'y a pas de structure de chœur en couplets C'est juste un couplet, un verset, un couplet, couplet, la fin. Genre, c'est ça. J'adore ce genre de musique. Ce ne sont que des expériences, tu sais ? Mais je dois simplement dire, encore une fois, que si vous voulez le faire, si vous voulez répondre à nos attentes, assurez-vous simplement de le faire intentionnellement, de savoir quoi et de diriger le public, n'est-ce pas ? Vous incitez l'auditeur à aller dans un sens ou dans l'autre. Par exemple, si vous n'avez aucun contrôle sur la destination des auditeurs, cela ne fonctionne probablement pas très bien Mais si vous avez le contrôle de l'arrangement, vous pouvez conduire, non ? Vous pouvez conduire là où nous voulons, et vous pouvez emmener l' auditeur avec vous, même si vous faites quelque chose d'expérimental Mais certainement, si vous faites quelque chose de plus traditionnel, comme un arrangement de type chœur de couplets Cela étant dit, passons en revue les différentes sections et donnons-leur une petite définition. Ensuite, nous allons nous plonger dans R Track et commencer à essayer structurer et de mettre de l'ordre dans l'arrangement de R Track ici. Alors, on y va. 25. L'introduction: OK, l'introduction, non ? Par exemple, nous savons tous ce qu'est une introduction, mais permettez-moi de changer notre façon de voir les choses. Imaginons l'introduction non seulement comme une sorte d'augmentation du contenu ou de la façon dont nous y voyons les choses, mais aussi comme une façon de créer une ambiance Imaginons cela comme une introduction aux personnages de l'histoire, n'est-ce pas ? Si la chanson est l'histoire, alors c'est l' introduction, c'est comme si le rideau s'ouvrait, et nous sommes en train de voir le set, non ? Si vous êtes déjà allée voir une pièce de théâtre ou une pièce de théâtre, vous voyez de quoi je parle. Nous sommes en train de voir le plateau. Nous constatons qu' il y a, vous savez, du brouillard sur scène et un vieux bâtiment effrayant ou quoi que Euh, donc nous préparons le terrain. Nous recevons peut-être des sons parce que, généralement, les introductions sont instrumentales se peut donc que nous recevions des sons qui nous indiquent dans quel genre de monde nous vivons, n'est-ce pas ? Je pense souvent qu'un nouveau morceau de musique est comme si on le faisait tomber sur une planète, et que l'introduction ne fait que présenter les règles de la planète, non ? Par exemple, nous y voilà. Écoutons donc l' introduction de notre chanson ici. OK, écoutons notre intro. Ça va, alors disons que ces huit premiers sont notre introduction Débarrassons-nous de ce marqueur. Et renommons celui-ci. Intro. Eh bien, allons-y jusqu'ici. OK, intro. D'accord, nous avons donc essentiellement ce genre d'effet sonore atmosphérique. On dirait que quelqu'un parle dans une grotte ou quelque chose comme ça. Intéressant Cela fonctionne en quelque sorte. Cela nous prépare à quelque chose d'un peu mystérieux. Je ne sais pas si ça correspond vraiment à cette voix quand elle entre en jeu. Je pense qu'il s' agit de pluie ou de quelque chose comme ça. Nous y reviendrons peut-être une fois sur place. Mais passons à autre chose et parlons du verset. 26. Le vers: OK, en général, quand on pense la courbe dynamique du début d'une chanson, l'intro augmente puis descend pour le couplet, non Très, très, généralement, c'est vrai, plus d'exceptions à cette règle qu' probablement plus d'exceptions à cette règle qu' il n'y a d'utilisations de la règle. Mais nous allons augmenter, puis l'énergie diminuera un peu pour le couplet. Le couplet a donc moins d'énergie, mais l'une des raisons pour lesquelles nous voulons réduire l'énergie du couplet, c'est pour avoir un endroit où aller pour le refrain, n'est-ce pas ? Quand le refrain arrivera, nous voulons être en mesure de le relancer. Donc, les vers sont généralement moins énergiques et là où commencent les paroles s'il y en a, et là où l' histoire commence sérieusement, où nous commençons en quelque sorte à dévoiler l' C'est là que nos mélodies entrent en jeu, que nous commençons à comprendre, non ? Le hook est comme la partie de la mélodie selon laquelle les gens s'éloignent en sifflant et restent coincés dans ta tête Voyons donc si le nôtre suit ce schéma qui consiste à monter puis à descendre lorsque nous arrivons au verset. Une sorte de clac. Moi et le voilà. Donc, idéalement, peut-être que ce genre d'ambiance est le début du couplet, et peut-être que c'est notre intro Alors peut-être pourrions-nous l' intégrer à l'intro d'une manière ou d'une autre. Mais vous voyez, c'est un excellent exemple de la raison pour laquelle cela ne fonctionne pas, car nous avons une intro qui se trouve ici Et puis un verset où l'énergie que nous voulons pour le verset commence ici et se poursuit ici. Mais qu'en faisons-nous ? C'est comme ce genre de partie étrange où l'énergie continue de croître et n'a pas encore diminué pendant le couplet. Nous devons donc y faire face. Nous y reviendrons au fur et à mesure que nous y travaillerons. Mais revenons à notre liste de sections et parlons d'un pré-refrain 27. Le rôle du chœur préalable: OK, un pré-refrain vient avant le refrain. Tu en veux peut-être un ? Il se peut que tu ne le sois Tu n'en as pas toujours besoin. Dans quel cas avez-vous besoin d'un pré-refrain ? Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi j'en veux un parfois et pas d'autres fois ? J'ai une réponse. J'ai une réponse. J'ai deux réponses. L'une des réponses est que c'est ta chanson. Utilisez-en un où vous le souhaitez. Mais une réponse beaucoup plus satisfaisante est probablement de réfléchir à la façon dont je parlais de l' intensité, n'est-ce pas ? Disons que vous avez un couplet et un refrain, d'accord ? Et disons que c'est notre intensité ou nos textures, non ? Passons à la texture pour le moment. Euh, donc non, allons-y avec l'intensité. C'est mieux pour cet usage précis. OK, disons que notre couplet est à intensité un peu faible, c'est cool. Et puis notre chœur va claquer, non ? Nous allons donc jusqu'à la fin du couplet, puis nous avons cette grosse batterie, puis nous passons au refrain, et c'est gros, non ? gros contraste fonctionne très bien là-bas. Tout le monde est content. Pas besoin de pré-refrain. Vous pouvez toujours en mettre un si vous souhaitez, mais vous n'en avez pas besoin. Cependant, disons que vous êtes dans une situation où le refrain est beau et où non, désolé, le couplet devient vraiment gros et fort Par exemple, vous construisez vraiment ce couplet, et ce couplet grandit de plus en plus avec son intensité. Et à la fin, ce couplet déborde vraiment d'énergie, non ? Alors vous avez un gros refrain qui arrive , n'est-ce pas ? Maintenant, vous avez beaucoup d'énergie à dépenser. Qu' est-ce que tu vas faire ? Si vous vous lancez directement dans ce refrain, il ne va pas vraiment atterrir, comme vous le souhaitez, Parce que le contraste ne sera pas là et que vous n'aurez pas l'impression que le refrain frappe vraiment. Alors, que faites-vous ? Boum, insérez un pré-refrain, retirez-le un peu, donnez-vous un peu de place, puis entrez vraiment dans votre refrain OK ? C'est une bonne utilisation d'un pré-refrain. Laissez-le séparer les deux sections si vous avez besoin de quelque chose qui vous donne une certaine diversité dans cette texture. Maintenant, il y a d'autres raisons d'utiliser un pré-refrain. Disons que vous voulez juste un peu de tension avant le refrain Supposons que vous ayez un texte à faire qui justifie l' utilisation d'un pré-refrain Il y a donc de nombreuses raisons pour lesquelles vous pourriez vouloir faire un pré-refrain, mais c'est à cela que je pense généralement, c'est le niveau d'énergie Par exemple, dois-je réduire le niveau d'énergie ? Et si c'est le cas, un pré-refrain est un excellent moyen de le faire. Nous verrons qu'un pont, c'est un peu la même chose, mais le contraire. Nous y reviendrons sous peu. 28. Le refrain (ou le refrain): OK, le refrain. Le refrain est, vous savez, généralement la plus grande partie de la chanson ou la section la plus mémorable de la chanson C'est l'accroche principale de la chanson. Il utilise souvent le titre de la chanson dans les paroles. Il est conçu pour être le plus souvent chantable. Encore une fois, si vous utilisez des paroles, c'est, vous savez, la partie que nous voulons que les gens chantent. J'ai envie de dire que si la chanson était un film, le refrain serait le thème du film Tu vois ce que je veux dire ? Comme, genre, la morale du film. Je regarde beaucoup de films pour enfants parce que j'ai un petit enfant. Il y a donc toujours une morale dans le film, non ? Par exemple, B toi-même. Sois fidèle à toi-même, c'est comme la morale du film. C'est un peu comme le refrain. Par exemple, c'est ce que tu vas répéter encore et encore. Par exemple, les refrains ont généralement une ligne qui se répète beaucoup, ou une mélodie qui se répète beaucoup Et c'est ainsi que nous obtenons ce crochet. Hum, maintenant, refrain refrain est un autre mot pour chœur. D'habitude, je pense que le refrain signifie la même chose. Mais d'habitude, quand je vois un refrain, je pense un chant d'église plus ancien. Comme quand j'étais enfant, on chantait extraits du cantique. Le refrain est, genre, la partie où tout le monde chante, vous savez, le pasteur chante le couplet, puis tout le monde chante, bla, bla, bla Mais c'est le refrain, non ? Genre, tout le monde chante. Cela signifie que c'est le refrain. Donc, heu, Refrain est juste un autre mot pour chœur, peu dans un style de musique différent 29. L'étiquette Tag: OK, un tag. Qu'est-ce qu'un tag ? Ce n'est peut-être pas l'une des choses les plus courantes. Vous ne l'avez peut-être pas rencontré. Un tag, c'est quelque chose qui est généralement un truc lyrique, mais il peut s'agir d'une mélodie en soi Mais c'est généralement un truc lyrique, et c'est une petite phrase courte qui dite ou chantée à la fin d'une section et qui est répétée encore et encore pendant un petit moment et peut-être, genre répétée encore et encore pendant un petit moment et , qui s' estompe, euh peut-être qu'il y a quelques variations Peut-être que s'il y a un très bon chanteur, peut-être qu'il improvise dessus. Mais c'est comme si la ligne était quelque chose comme, disons, qu'il y a un refrain, et que le refrain, la dernière ligne du refrain, est quelque chose comme, euh, You're the best Je t'aime tellement ou quelque chose comme ça. C'est pourquoi je ne suis pas parolier, mais tu es le meilleur. Je t'aime tellement. Alors le tag pourrait être, fin du refrain, c'est juste : « Je t'aime tellement Je t'aime tellement. Est-ce qu'il le fait. Je t'aime tellement. Je t'aime tellement. Fais. Je t'aime tellement, tu sais, ce genre de choses. C'est donc un tag. Donc, il peut être utilisé pour, euh, prolonger la fin du refrain Il peut être utilisé comme une sorte de petit pont à part entière. En fait, elle peut être beaucoup utilisée comme une sorte de technique en queue d'aronde, dont nous parlerons plus tard, mais pour étendre une section sur une autre, d' accord, pour faire entrer deux sections C'est donc une excellente technique pour cela. Donc un tag. 30. Le pont, ou « Middle 8 »: Le pont, le pont ou le huit du milieu. Le Middle Eight est un terme que nous voyons encore principalement utilisé en Europe, je crois. Certaines personnes utilisent encore le terme « huit du milieu », mais « huit du milieu » et «   pont » sont la même chose. Je vais utiliser le terme pont. Pensons donc au bridge du point de vue de la texture. Donc, la chanson la plus typique du monde, vous avez, vous savez, un chœur de couplets Dans le refrain, disons que vous avez un gros refrain cool, n'est-ce pas ? Ensuite, vous passez à un autre couplet, donc vous redescendez. Ensuite, vous passez à votre deuxième chœur. Maintenant, ce refrain va être encore plus grand, n'est-ce pas ? votre deuxième refrain, vous y ajoutez généralement une autre couche ou quelque chose comme ça Tu as, genre, un gros chœur. Alors maintenant, vous avez ce grand refrain. Tu t'en sors. Et qu'est-ce que tu veux ? Tu veux descendre tout en bas, non ? Vous voulez aller très loin, très bas, créer un énorme contraste. C'est là que notre pont entre en jeu. Donc c'est juste une façon de prendre une grande respiration, juste pour accompagner cette chanson, non ? Donc, généralement, dans le chevalet, nous obtenons un changement de texture important, généralement vers le bas nous obtenons un changement de texture important, généralement vers le bas. D'habitude, nous avons une sorte de changement harmonique, pas un changement harmonique radical mais une reprogression différente, souvent en passant à une tonalité mineure relative ou quelque chose comme ça, mais généralement pas un véritable changement de touche. C'est quelque chose que je vois beaucoup d' auteurs-compositeurs plus jeunes ou plus inexpérimentés faire Un changement important dans le bridge est en fait assez rare, sauf s'il s'agit d'un changement relativement mineur. Mais ce que je dis toujours aux gens, c'est une bonne règle de base pour un bridge, c'est suivre la progression inversée des accords Disons qu'il contient quatre accords, choisissez-en deux, gardez-les, puis choisissez deux autres accords dans la tonalité, utilisez-les pour votre chevalet, cela sonnera probablement très bien Il suffit donc d'utiliser les différents accords qui se trouvent dans la clé. Vous n'avez pas besoin de faire de changement clé. Un véritable changement de clé peut sembler un peu stupide. Je veux dire, tu peux le faire si tu veux, mais ça ressemblera probablement un peu à Whitney Houston dans les années 80 Ce qui est génial si vous êtes dans les années 80 Whitney Houston. Je ne m'en prends pas à Whitney Houston du tout. OK, donc ce terme « huit moyens » , pour y revenir, nous utilisons souvent pour ce qu'il est. C'est souvent au milieu de la chanson, et cela fait souvent 8 mesures. Cependant, les chansons modernes jouent avec ça, vous savez, il n'est pas nécessaire que cela fasse 8 mesures. Certaines chansons, il n'y a que 4 mesures, autres chansons, 32 mesures. Alors ne vous inquiétez pas, vous n'avez pas du tout à vous en tenir à 8 barres. Oui, Bridge, Middle Eight. 31. L'outro ou Coda (suite: Très bien, l'Outro ou le CODA. Donc, c'est la fin de la chanson. Nous connaissons tous la fin de la chanson. Les choses ont tendance à se compliquer. Mais il y a quelques points importants à prendre en compte pour la fin de la chanson. Pensez au récit de la chanson, à la texture de la chanson. Hum, une chose à laquelle j'aime penser en pensant au récit de cette chanson, c'est que vous voulez une texture similaire à celle que vous recherchez souvent une texture similaire à celle de l'intro de la chanson, n'est-ce pas ? Il tourne généralement vers le bas sur plan de la texture de la même manière que l'intro Il s'agit donc généralement de l'intro à l'envers sur le plan de la texture. Vous pouvez donc utiliser une partie du même matériel que celui de l'intro, mais pas exactement, car vous devez penser que l'intro s'est penser que l'intro Pensez que l'intro est un personnage, non ? Le personnage vient de passer par tout ça, non ? Cela vient de passer par toute cette expérience de cette chanson, non ? Maintenant, c'est passé de l' autre côté, et ça a changé. Il a vécu une situation aussi dramatique. C'est différent maintenant. Il doit donc refléter ce qu' il vient de vivre. Vous ne pouvez donc pas simplement copier-coller l'intro sur l'outtro Il faut vraiment être capable de le dire, il devrait vraiment reconnaître ce qu' il a vécu. Il y a d'autres éléments que vous pouvez trouver dans votre œuvre pour l'Outro C'est quelque chose que j'aime vraiment faire, c'est simplement dire, vous savez, quel est un élément interne qui est peut-être sous-utilisé et que nous pouvons mettre en avant pour l'outtro C'est généralement une technique amusante. Qu'est-ce que j'ai fait ici ? OK, il n'y a pas vraiment d'Otro ici. Nous avons en quelque sorte laissé tomber et nous nous sommes arrêtés la réverbération étant juste dans les délais, comme l'Outro OK ? C'est bon Nous pourrions faire quelque chose de bien plus intéressant, même si ce n'est pas terrible. C'est une option. La seule chose que je vais dire à propos d'Otros pendant que nous aborderons le sujet , c'est le fondu. Ne faites pas de fondu. Je veux dire, tu peux faire des fadouts. Tu peux faire ce que tu veux. Mais je te le dis juste, personnellement, je ne ferai pas de fanages. Fade out Faire disparaître un morceau, c'est un peu démodé Par exemple, les chansons modernes ne font plus ça très souvent. Et chaque fois que j'entends un fondu , je me dis : « Allez, mec. Par exemple, trouver une fin. Tu l'as. Tu sais comment trouver une fin. Vous n'avez pas besoin de le faire disparaître. Tu peux le faire. Alors, trouvez une fin. Ne le décolore pas. 32. Sections solos ou instrumentales tions: D'accord. Le solo. Le grand solo de guitare. Oui, si vous voulez avoir des solos dans vos chansons, c'est en quelque sorte là que vous le faites En général, si vous voulez jouer en solo, il peut aller là où va le pont. C'est une façon courante de procéder. Et vous pouvez utiliser le même matériau que celui que vous utiliseriez pour un pont. Alors, faites ce truc fondamental de progression dont je viens de parler. C'est quelque chose que tu peux faire. De plus, parfois en vers, le matériel que vous utilisez pour le couplet peut fonctionner pour un solo. Mais je trouve qu' il est plus intéressant de le changer un peu par rapport au couplet. De plus, si vous allez faire une section solo, gardez à l'esprit que la section solo elle-même peut être narrative. Il n'a pas besoin d'être statique en termes de dynamique. Autrement dit, la section solo peut partir d'une dynamique et se développer. Tu sais, je peux faire quelque chose. Cela peut devenir quelque chose de grand. Pendant que le soliste joue, il n'est pas nécessaire que ce soit comme si, vous savez, tout le groupe allait juste se détendre dans cette progression des corvées pendant que le soliste fait son travail Vous pouvez vraiment développer une section solo vraiment sympa. Gardez donc cela à l'esprit si vous voulez écrire des sections solo dans votre musique. OK, passons à autre chose et parlons de notre musique. Passons en particulier au couplet d' introduction et au refrain 33. Trouver le refrain: Bien, passons à notre chanson et voyons si nous pouvons améliorer cet arrangement. Maintenant, nous n'allons pas résoudre toute cette chanson pour le moment. Nous allons l'utiliser, je pense, pour toute la classe, pour toute la classe multip Donc d'abord, je veux voir si nous pouvons trouver le refrain. Donc, d'habitude, le refrain est le plus facile à identifier pour moi de toute façon C'est donc par cela que je vais commencer ici. J'étais donc juste en train de jouer avec ça pour essayer décider quel est le refrain, où se trouve le refrain Et j'ai en quelque sorte atterri sur deux choses. Il n'y a pas vraiment de refrain. C'est l'un de ses grands problèmes. Il n'y a pas de vrai refrain là-dedans. Ici, c'est une sorte de refrain. Euh, la deuxième option est que c' est une sorte de refrain. Oui, rien de tout ça n' est très bon pour Horas. Donc je pense que je vais opter pour celui-ci. que je vais opter pour celui-ci. Donc je vais dire que c'est notre refrain, et je vais essayer d'en faire un refrain, Cela va être un peu fastidieux, alors je vais faire une pause pour voir ce que je peux faire, puis je reviendrai et je vous montrerai ce que j'ai fait C'est bon. C'était difficile. Voici donc ce que j'ai fait. J'ai pris le temps de zoomer ici. J'ai pris cette section ici, je crois. Et j'ai fait de mon mieux pour en faire un véritable refrain ou quelque chose comme ça Donc, au lieu de le faire ici, parce que je pense que nous devons simplement reconstruire cette piste Alors je l'ai sorti d' ici à ici. Voici donc le nouveau refrain. Donc, tout ce que j'ai fait ici , c'est de changer légèrement la voix pour qu'elle commence à un endroit différent. J'ai un peu mieux aligné la voix de fond d'Oz. J'ai ajouté un nouveau Sythline. J'ai mixé les voix un peu mieux, nouvelles casquettes Synthline, puis un tout petit peu C'est tout C' est ce qui nous amène à cela. Oh. Soleil. D'accord. Pas mal C'est pas génial. J'aurais certainement pu me faciliter nous donnant pas une piste aussi folle sur laquelle travailler, mais je pense que tout va bien. Utilisons-en donc notre refrain, du moins pour le moment. Passons à autre chose et essayons de créer un couplet à partir de ce que nous avons ici. D'accord. 34. Le vers: D'accord. Voyons si nous pouvons trouver un couplet dans tout ce bordel. Je pense que nous le pouvons. Je pense que celui-ci pourrait être un peu plus facile. Donc, le couplet, je pense que nous pouvons l'utiliser d'une manière ou d'une autre, mais je pense en fait que si nous l'utilisons ici, nous serons un peu mieux en forme, car Iraytt sera mieux intégré là-bas Je vais donc m'en servir. Je vais donc faire la même chose. Je vais le prendre , le copier, mettre à la fin du morceau, et essayer d'en tirer un couplet. Alors, on y va. OK. Donc je pense que j'ai trouvé quelque chose qui allait bien. Donc ce que nous avons fait, c'est que nous avons pris ceci, non, nous l'avons pris. En rayon. OK, donc nous l'avons pris et ce que j'ai essayé de faire ici, c'est d'en faire un refrain en le réduisant et en le resserrant Donc moins boueux. Il y a juste une tonne de réverbération dans tout ici. J'ai donc réduit une grande partie de la réverbération. J'ai renforcé la voix en la déformant un peu plus Puis je me suis débarrassé d'un tas de voix de fond, atténué la batterie, et c'est ce qui nous a menés Mettons-le là. Ceci. Nous n'avons donc qu'un coup de pied et un piège Les chapeaux hauts sont en sourdine, les effets spéciaux sont en sourdine. C'est un peu plein de tambour à la fin. Juste de la basse. La seule harmonie ici, c'est basse et ce petit truc, qui n'est qu'une bombe, joue sur les touches Bop, bop. C'est juste ça ici. Oh. C'est exactement le même. L'accord change donc, mais ce petit accord fonctionne avec tout, et il va juste dépasser la ligne de basse Et puis la voix, cette voix haute, tout le reste, sont mises en sourdine. C'est donc juste cette voix haut de gamme. Ce petit accord et la ligne de basse, puis le kick et le snare Il est donc très dilué. C'est quand même assez épais parce qu'il y a beaucoup de réverbération sur cette voix parce qu' elle ne sonne pas très bien Donc, mais c'est vraiment un couplet. C'est un couplet. Poisson en vers. C'est difficile à dire, Verseh. Alors écoutons-le. Hé ! Ça marche, je plaisante ? Dans un No No Strong I Hey. OK. Cool. Nous avons donc un couplet et un refrain maintenant, d'accord ? Donc couplet et refrain. Notez donc que je ne les ai pas simplement alignés dos à dos parce que je veux d'abord y réfléchir un peu plus Ce n'est pas normalement comme ça que je le ferais. C'est un peu la façon de le faire en enregistrant une piste. est-à-dire que j'essaie d' en faire quelque chose d'intéressant. Normalement, je le ferais un peu sur place. Et réparez-le au fur et à mesure. Mais pour celui-ci, je vais juste essayer sortir les choses et d'en faire couplet et un refrain appropriés Alors faisons-en une de plus. Faisons notre introduction Voyons si nous pouvons mettre de l'ordre dans une intro, puis nous passerons 35. L'intro: OK, voyons si nous pouvons trouver une intro ici. Maintenant, nous en avons un. Nous avons ce truc. Et ça va plutôt bien. Cela pourrait fonctionner. Mais pendant que je préparais le couplet, j'ai eu une autre idée. Nous allons donc le garder en attente. C'est peut-être une bonne idée, mais je vais essayer autre chose et voir si je peux trouver un autre couplet. Encore une fois, je vais faire une pause d'une minute. Expérimentez avec quelque chose, et je reviendrai tout de suite. OK. Je suis de retour Très bien, voici ce que j'ai fait. Je ne l'ai pas utilisé. Je n'ai pas du tout utilisé ce truc d' atmosphère. Ce que j'ai fait, c'est que je suis allée voir cette nouvelle petite Sythine que j'ai choisie pour le refrain, parce que voici ce que je C'est quelque chose que j'aime beaucoup faire. J'ai ce refrain Sythine et je ne veux pas utiliser cette ligne de refrain Syth dans le couplet, n' est-ce pas, parce que dans ce cas, il y a de fortes chances que ça passe, nous allons entendre ça dans le couplet puis dans le refrain, et ensuite ça va Ce ne sera pas très dramatique, mais je pourrais l'utiliser dans l'intro, car nous l'entendrons ensuite dans l'intro Nous allons faire une pause, puis ça reviendra dans le refrain et ça fera du bien Nous aimons toujours entendre quelque chose pour la deuxième fois, le fait que les humains aiment les choses familières. Donc, lorsque nous pouvons ramener quelque chose, c'est très important pour nous en tant qu'humains. Nous aimons les motifs, non ? Nous sommes des adeptes de modèles. Nous sommes des espèces modèles. Donc, ce que j'ai fait, c'est que je l'ai saisi et je l'ai modifié un peu. Je l'ai juste resserré . J' y ai fait ressortir quelques notes mélodiques Hum, puis j'ai ajouté la ligne de base, cette ligne de base, le kick and snare et quelques petits remplissages de batterie, et c'est tout Mais cela forme une jolie petite arche qui se construit, et ensuite je pense que nous serons en mesure de la relier au couplet facilement. Voici donc ce que j' ai trouvé pour notre introduction. OK. Pas mal Je trouve qu'il a une belle forme. C'est un peu trop brillant ici, alors peut-être que nous penserons à l' adoucir plus tard Mais pour le moment, je vais y aller. 36. Assembler le tout: OK, voyons maintenant si nous pouvons tout mettre ensemble. Nous avons donc une intro ici, et c'était mon couplet Alors, saisissons-le. Maintenant, ce n'est une introduction, un couplet et un refrain pas parce que nous avons une introduction, un couplet et un refrain que nous allons pouvoir les taper l'un à côté de l'autre sans aucune à côté de l'autre Mais essayons-le quand même. Voici donc notre intro et notre couplet Devrions-nous le faire deux fois dans le verset ou une seule fois ? Ce couplet est, eh bien, assez long. Laissons de côté, mais nous le ferons deux fois dans le refrain Oups, j'ai oublié mon petit bordereau de ramassage. C'est bon Je peux le récupérer. Hum, voici ma note de retrait. Regarde. Là-bas. Je trouve que ça a l'air sympa. OK, alors voyons voir. Oh, oui, et ensuite nous allons faire un deuxième refrain. OK, donc voyons si sans aucune transition ou quoi que ce soit d'autre, voyons simplement ce que vous ressentez. D'accord ? Nous allons aller ici. Faisons-le. Passons à l'introduction ici. Appelons ce verset un. Et appelons-le cours 1 pour le moment. D'accord ? C'est donc ce que nous avons jusqu'à présent. Allons-y. OK, ne t'inquiète pas, alors Oh, SmitOh OK, pas mal C'est un très bon début. Nous avons donc probablement besoin d' une aide pour la transition entre l' introduction et le couplet ce qui du couplet au refrain, je pense que nous avons besoin d'un pré-refrain, parce que nos niveaux d'énergie sont assez similaires Cela y dégage de l'énergie, mais c'est quand même assez nul. Je pense qu'un pré-refrain juste là nous aiderait, ne serait-ce que 4 mesures, quelque chose où nous pourrions en quelque sorte réduire même un refrain hors du temps Tu sais ce que nous pouvons faire ? Nous pourrions le faire. Ces choses hors du temps sont plutôt amusantes. Juste comme ça ? Genre, regarde ça. Oui, d'accord, peut-être pas. Oui, d'accord, peut-être pas. Mais nous avons besoin d'un cours préalable ici. Nous aborderons donc cela bientôt, mais passons à autre chose. Nous avons certainement déjà cette chanson en bien meilleure forme. Et nous travaillerons beaucoup plus sur les transitions très bientôt. Alors, attendez-vous aux choses de transition. 37. L'appoint ou la pause: D'accord. Maintenant, nous avons un petit bout de piste. Donc, vous savez, nous en sommes un peu plus satisfaits. Nous améliorons l'arrangement. à savoir Avant de terminer la première partie, je voudrais faire une dernière chose, revenir à nos définitions des différentes sections et reprendre quelque chose que j'ai oublié dans la première partie. Et ce sont là certaines des sections propres à la musique électronique. Donc, si la musique électronique ne vous intéresse pas , vous pouvez sauter cette partie. Mais je veux juste les diffuser pour qu'ils soient sur notre radar. Oh, il n'y en a que quelques-uns. Maintenant, il est important de noter que toutes les sections de la musique électronique utilisent le refrain de vers, vous savez, les mêmes éléments Et si vous écrivez une chanson folklorique, il n'y a aucune raison pour que vous ne puissiez utiliser aucune de ces sections. En fait, je pense que c' est une initiative créative géniale de le faire, juste pour vous sortir, vous savez, des choses normales que les gens font habituellement. Ce ne sont donc pas, à proprement parler, des sections uniquement électroniques. Mais lorsque nous pensons à la musique de danse en général, nous avons quelques autres éléments auxquels nous pensons, vous savez, à certains éléments de l' arrangement. Parlons donc de la panne ou de la rupture. Cela remonte donc aux origines du hip hop, aux origines de la musique de danse. Et c'est, vous savez, cette partie de la chanson où il y a un énorme contraste, n'est-ce pas ? Où ça se réduit vraiment à de la batterie. Et, tu sais, évidemment, ça remonte au funk des années 70, non ? Genre, c'est comme un truc acoustique. Comme James Brown l'a dit, tu sais, donne-moi la batterie, et tout s'arrête sauf la batterie, et c'est la pause. Mais dans la musique électronique moderne, le hip hop, peu importe, nous aimons vraiment ces freins, et nous les utilisons beaucoup. Et surtout dans un DJ set ou quelque chose comme ça, ces pauses sont vraiment amusantes. C'est peut-être là que le morceau se résume à de la batterie. Il y a peut-être des coussinets dedans. Il y a peut-être des basses là-dedans, mais l'important pour appeler cela une pause, c'est que le niveau d'intensité baisse considérablement. c'est comme un pont qui le Pour moi, c'est comme un pont qui le sépare d'un pont, et c' est une question d'opinion, c' est vraiment le niveau d'intensité baisse lors d'une panne ou d'une pause où nous sommes presque toujours à quelque chose qui se rapproche de la batterie C'est donc la pause. 38. L'accumulation: L'accumulation. Maintenant, tout est une question de contraste, car dans la préparation d' un morceau de musique de danse, il s'agit essentiellement d'un élément de transition, mais il est tellement long qu'il possède son propre type de section Cela fait partie d' un morceau où il commence à s' accumuler et il construit, et il construit, et il construit. Et finalement, nous aboutissons à une baisse, dont nous parlerons ensuite. Mais il s'agit de construire, de construire et de construire jusqu'à ce point. Cela va s'accumuler si haut que nous allons essentiellement marcher jusqu'au bord d' une falaise, puis sauter tout de suite, et c'est la chute. chose la plus stéréotypée que nous ayons, est cette idée rythmique de A, genre, un tas de quarts de notes, puis de huitième, puis de 16e notes, non ? C'est le boom, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, boum, bup, pop pop, pop pop, Tu sais, ce genre de rythme accéléré Mais c'est aussi là que vous pourriez avoir, genre, du bruit qui gonfle, juste du bruit blanc Vous pourriez avoir des sirènes et des sons fous là-dedans, sons fous blocs-notes qui s'accumulent, toutes sortes de choses. Vous voyez ces accumulations vraiment épiques. Et certains des plus grands ensembles comme Arena Deja , comme Tiesto et ce genre de choses Ils font ces séries très longues, parce que c' est surtout dans ces émissions en direct qu'elles deviennent vraiment intéressantes. Pour les pistes enregistrées, elles ne sont pas aussi longues. Mais leur seule intention est de créer ce sentiment de contraste, n'est-ce pas ? parce que nous sommes en train de passer d'un morceau de musique de danse à un énorme bâtiment. Nous allons le rendre aussi épais, essayant de tout mettre à l'écran. Ah, d'accord, c'est épais. Ensuite, nous allons le réduire à néant dans une section intitulée The drop dont nous parlerons tout de suite. 39. La goutte: OK, la goutte. Donc, dans l'accumulation, général, nous augmentons à la baisse Nous sommes donc en train de monter, monter, de monter, de monter. Ensuite, nous arrivons au point de dépôt. Alors, que se passe-t-il au dépôt ? L'intensité diminue-t-elle ou reste-t-elle élevée ? L'un ou l'autre, en fait, cela pourrait aller dans les deux sens. Donc, la chute est généralement le moment le plus explosif, non ? Parfois, il y a un gros moment explosif juste dessus, puis ça recule, et puis on se retrouve comme dans le pétrin. Parfois, il reste haut en intensité et cuit vraiment pendant un moment Cela pourrait donc aller dans les deux sens. L'accumulation peut donc être pour nous amener à l'intensité que nous voulons pour la chute, ou cela peut être pour nous faire monter très haut et ensuite nous laisser tomber là où la baisse doit se situer La baisse peut donc être l'une ou l'autre, mais ce sera un moment décisif, où que nous soyons C'est le point le plus lourd et le plus dansant de la chanson C'est là que tu veux, genre, déployer toutes tes forces. C'est ce que tout le monde attendait. Euh, souvent, pendant toute l' accumulation qui précède le drop, vous pouvez faire quelque chose comme retenir un élément, comme appuyer sur la base, maintenir le bas de l'échelle, juste pour que lorsque vous arrivez au drop, vous rameniez la base en arrière, et elle frappe vraiment, non Parce que nous avons été un peu négligés par rapport à la base, puis elle revient et c'est vraiment incroyable quand elle atterrit enfin. C'est donc la baisse. 40. La rupture centrale et la deuxième goutte: OK, donc après ta chute, ta chanson se met à cuire, elle se porte très bien. Tout le monde danse, tout le monde se sent bien. Au fur et à mesure que la chanson avance, vous pouvez arriver à un point où l'accumulation recommence à se produire. Et si vous voulez recommencer à le construire, vous pourriez arriver à une pause intermédiaire et à une deuxième baisse. Vous allez donc faire une pause, monter en puissance et faire une deuxième chute. Nous appellerions cela une rupture intermédiaire et une deuxième baisse. En gros, ce n'est pas vraiment différent du premier break et du premier drop, même si jouer avec le temps est une chose courante. Donc, en les allongeant, en les raccourcissant, en expérimentant le second pour qu'il ne soit pas aussi prévisible, n'est-ce Vous ne voulez pas qu'il soit exactement de la même longueur ou exactement de la même manière. Vous ne voulez pas être parfaitement découpé et collé, car alors il n'y a pas d'hum. C'est trop prévisible, non ? Tout le monde saura en quelque sorte ce qui va arriver. Vous voulez que ce soit un peu moins prévisible. Il n'y a donc rien de particulièrement original dans le middle break ou le second drop. Mais il y a des termes que vous devez connaître. 41. L'outro sur le rythme Conclusion: OK, un dernier terme que je voudrais te donner en tête est de battre Outro Je pense que ce n'est pas un terme très courant, mais c'est quelque chose que vous entendez de temps en temps. Donc, je suppose que la fin d'un morceau n'a pas vraiment besoin d'être électronique. Mais lorsque vous réduisez tout au rythme et le rythme se déroule tout seul, vous pouvez appeler cela un beat Outro Vous pouvez également faire le contraire et avoir une introduction rythmique où seul le rythme commence et puis tout recommence Hum, je pense que c'est un terme un peu vieux et dépassé, mais c'est un terme que je rencontre de temps en temps. Donc, quelqu'un à qui réfléchir, je ne m'assois pas nécessairement pour dire : Oh, je vais créer un Bat Otro, parce que je trouve ça un peu étrange Mais peut-être rencontrerez-vous quelqu'un qui aime toujours ce terme. Alors, gardez un œil sur elle. Beat Otro et beat intro 42. Que faire ensuite ? ?: Il. D'accord. Nous allons nous arrêter là pour la première partie. Nous allons passer aux parties deux et trois très bientôt. Qu'est-ce qui va arriver ? La deuxième partie portera davantage sur le contraste et le travail sur ce morceau. Et en particulier, lorsque nous avons travaillé sur le contraste jusqu'à présent, nous nous sommes vraiment concentrés sur le type de contraste de texture et de densité C'est ce dont nous avons vraiment parlé. Mais dans la section suivante du cours, la deuxième partie, nous allons vraiment nous concentrer sur d'autres moyens d' obtenir du contraste. En particulier, créer un contraste avec l'harmonie, avec l'instrumentation, avec le design sonore, avec la dynamique, avec les effets. Il existe donc de nombreuses autres façons de créer du contraste pour créer un excellent arrangement. Nous y travaillerons donc dans la deuxième partie, et nous appliquerons toutes ces techniques à ce morceau pour essayer de le mettre en forme. Dans la troisième partie, nous allons vraiment nous plonger dans les transitions. Comment effectuer tous les travaux nécessaires pour que chaque transition passe à la section suivante afin de s' assurer que rien ne Dans cette chanson, tout passe à la suivante, et elle raconte vraiment l'histoire que nous essayons de raconter avec la chanson. Alors rejoignez-moi pour les deux prochaines parties. Ils seront probablement déjà disponibles. Cherchez donc ceux qui se trouvent autour de ce site. Restez à l'affût. J'ai encore quelques trucs pour toi. O. 43. Leçon bonus présenté comme,: Salut, tout le monde. Je veux en savoir plus sur ce que je fais. Vous pouvez vous inscrire à ma liste d'e-mails ici. Si vous le faites, je vous informerai lorsque de nouveaux cours seront publiés et lorsque j'ajouterai ou modifierai des cours auxquels vous êtes déjà inscrit. Consultez également ce site. J'y publie beaucoup de choses, et je les consulte tous les jours. Alors, s'il vous plaît, venez passer du temps avec moi dans l'un de ces deux endroits ou dans les deux, et nous vous y verrons.