Se lancer en tant qu'artiste numérique : principes de base pour l'expression artistique

1. Cours d'introduction: Bonjour, je suis Blue, et bienvenue dans le premier cours de mon talent, les Chaos Je n'aime pas trop avoir des règles relatives aux actifs ou les suivre, car il existe de nombreuses manières d' aborder l'art et de l'interpréter. Et je pense que c'est ce qui rend les arts amusants. Alors, permettez-moi de me présenter. Je suis des biscuits bleus, mais je choisis le bleu. Je suis illustratrice de personnages et je crée de stupides petits tutoriels artistiques sur YouTube Je dessine depuis environ huit ans maintenant. Je sais depuis mon plus jeune âge que c' est dans le domaine de la création que je voulais m'orienter. Comme je suis atteint du TDAH, j'ai une façon très simple d'aborder les choses qui aident mon cerveau à rester concentré Donc, dans mes leçons, j'essaie de garder cela à l'esprit pour mes autres amis atteints du TDAH. Dans ce cours, j' espère vous montrer comment pratiquer l'art numérique en tant que débutant, comment vous habituer à dessiner sur tablette, quels principes fondamentaux apprendre, comment étudier ces principes fondamentaux, et pourquoi ils seraient importants pour vos futures œuvres d'art. J'ai toujours été un peu romantique et j'utilise mon art pour m'exprimer de manière à mieux me comprendre. Je veux donc dessiner des choses que vous aimez et tomber amoureux de votre presse artistique. Si vous avez décidé de suivre ces cours, j'imagine que vous êtes des artistes débutants qui essaient de se lancer dans l'art numérique C'est donc exactement ce que je vais essayer de vous montrer. J'essaie de garder à l'esprit j'étais quand j'ai commencé où se situaient mes difficultés et tout ce que j'ai appris au cours des huit dernières années. Je suis donc très heureuse d' être votre professeur. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours, et commençons. 2. Comment utiliser les programmes artistiques: Bonjour, je suis Blue et je suis à la fin d'aujourd'hui. Je vais vous montrer les programmes artistiques et comment vous pouvez les utiliser. Peu importe le programme artistique que vous utilisez, je vais vous expliquer les bases que tout programme artistique devrait avoir. Je vais montrer des exemples à la fois en peinture CP Sudo et en grade P. Le programme artistique que vous finissez par choisir pour être votre premier peut être celui que vous utilisez pendant de nombreuses années. Parce que s'écarter de celui que vous avez déjà utilisé peut être assez effrayant et inconfortable Lorsque vous choisissez un programme artistique, tenez compte des fonctionnalités. Est-ce compliqué ? Dispose-t-il d'une interface simple ? Est-ce abordable ? Il existe d'excellents programmes artistiques gratuits, comme ceux-ci. Alors considérez la compatibilité. Si vous utilisez un mobile ou un ordinateur, vous aurez accès à différents programmes artistiques, et certains des programmes artistiques qui fonctionnent le mieux sur mobile ne fonctionnent pas mieux sur PC et vice versa. Je suggère vivement d'essayer autant de programmes artistiques que possible pour voir ceux que vous aimez le plus et ceux pour lesquels vous vous sentez le plus à l'aise. Commençons donc. Certains programmes artistiques vous permettent de réorganiser les panneaux à votre guise. Je trouve que le fait de pouvoir personnaliser le programme artistique en fonction de vos besoins facilite considérablement le flux et le rend plus personnel. Ainsi, la peinture, par exemple, vous permet de supprimer certains panneaux et d'en ajouter et vous permet de réorganiser les pinceaux en catégories C'est ainsi que j'ai arrangé ma peinture clipsio. Donc, tout ce que je cherche se trouve plus près de ma main droite. Comme je suis droitière et que tout ce que je cherche moins se trouve sur le côté gauche, donc plus loin sur la toile. Vous pouvez retirer les panneaux pour les poser légèrement sur la toile, ce que je préfère, car j'ai l' impression que la toile est beaucoup plus grande Si vous fermez une fenêtre sur ipsa paint, vous pouvez facilement la rouvrir en remontant par fenêtre puis en la trouvant dans ce panneau, et elle se rouvrira sur le L'interface de Procreate est déjà beaucoup plus simple, il n'y a donc pas beaucoup de personnalisation à effectuer Ce que vous pouvez faire dans Percrate, c'est réorganiser les pinceaux et les regrouper dans des ensembles de pinceaux, afin qu'ils soient plus faciles à trouver, et que vous puissiez avoir vos pinceaux préférés dans une seule colonne. Vous pouvez également faire glisser des panneaux dans Percrate, afin de faire glisser la roue chromatique Il vous suffit de la saisir, de la retirer et de la coller sur le canevas, ce qui facilite l'utilisation Maintenant, vous pouvez simplement le remettre en place lorsque vous avez terminé, afin d'avoir un plus grand espace sur la toile. Ensuite, nous avons des raccourcis qui permettent d'accélérer considérablement le processus artistique. Les raccourcis sont pratiques pour accéder rapidement aux outils, aux pinceaux et aux options. Vous n'imaginez pas combien de temps cela permet de gagner du temps en l'appuyant sur un bouton plutôt que d'avoir à le saisir et à trouver l'outil à chaque fois. Ou peut-être que c'est juste le paresseux qui parle sur le net. Sur les tablettes, utilisez ce joli bouton sur le côté auquel vous pouvez attribuer des pinceaux et des outils, comme le compte-gouttes ou le slip en toile, etc. Vous pouvez également définir des raccourcis vers le clavier, et c'est ce que je fais, car je trouve cela beaucoup plus facile. Vous pouvez également utiliser les raccourcis clavier pour Procreate si vous liez un clavier Bluetooth à votre iPad Veuillez également ignorer les touches manquantes de mon clavier. Mon chat les a mangés. Ouais. C'est tout ce que je vais expliquer à ce sujet. Pour Pcate, vous pouvez également utiliser des raccourcis avec les doigts, exemple en utilisant deux doigts pour annuler Vous pouvez entrer ici, un PN Procrate, et vous pouvez réaffecter les différents gestes des doigts à différents raccourcis Pour Clip Studio Paint, vous allez dans les raccourcis ici, et ce petit menu apparaît, puis vous pouvez simplement cliquer sur l'outil, puis l' affecter à un bouton. Il existe des raccourcis par défaut que vous pouvez utiliser. Donc, si vous ne voulez pas entrer et modifier et simplement apprendre celles-ci , vous le pouvez. Donc, la première chose que vous voudrez faire lorsque vous commencerez est d'ouvrir un canevas. Dans Clip Studio, c'est dans les fichiers, puis vous appuyez sur Nouveau, mais dans Procreate, c'est ici dans le coin, vous cliquez dessus et vous pouvez appuyer sur la liste L'un des problèmes que vous rencontrerez si vous utilisez le format par défaut du canevas est que vos pinceaux seront très pixelisés très pixelisés Vous allez donc vouloir agrandir le canevas pour éviter un aspect pixélisé. J'utilise normalement une résolution de 3 000 x 3 000 et une résolution de 350 DPI pour la peinture procrate et clipsdo, car cela agrandit considérablement la toile et laisse plus de place aux pixels J'ai choisi une couleur trop grise pour protéger mes yeux, car le poids de la toile peut commencer à vous faire mal aux yeux au bout d'un moment. Passons à l'une des pièces les plus importantes, pinceaux et les outils. Il existe différents types de pinceaux par défaut parmi lesquels vous pouvez choisir. Il existe des pinceaux à croquis, qui ne sont pas des pinceaux plus doux et plus petits, parfaits pour bien dessiner. Il existe des pinceaux panoramiques , plus durs, plus adaptés au dessin au trait et à la mise en page des couleurs Ensuite, il y a les pinceaux. Ensuite, ils sont doux et mélangez-les un peu plus, idéal pour peindre et mélanger Chacune des catégories comportera différents types de pinceaux. Comme de l'aquarelle ou des pinceaux à encre, ou ouais, tu verras Je vous suggère certainement de parcourir les pinceaux par défaut et de voir ceux que vous aimez et ceux que vous n'aimez pas. Donc, lorsque je trouve un pinceau qui me plaît dans les pinceaux par défaut, je le place simplement dans une catégorie distincte, afin d'avoir tous mes pinceaux préférés dans une seule section. Donc, les pinceaux peuvent normalement être pliés, mais le téléchargement de différents ensembles de pinceaux est beaucoup plus excitant. Vous pouvez trouver des pinceaux et des ensembles de pinceaux en ligne pour les programmes que vous utilisez, tels Clips you paint et Procreate Recherchez « Insérer le nom des programmes artistiques » dans les pinceaux, et vous trouverez un tas d'options. Pour les débutants, c'est génial de jouer avec différents types de pinceaux. Vous pouvez vraiment voir ce qui fonctionnera pour votre style artistique ou type de direction que vous souhaitez prendre. Sur les peintures en cluster dans les propriétés de l'outil. Vous pouvez redimensionner le pinceau pour le rendre plus petit ou plus grand Vous pouvez modifier le pacity, ce qui signifie que le pinceau sera soit très clair, soit très foncé, et lors de la procréation, ce sont ces paramètres sur le côté Ainsi, celui du haut redimensionne le pinceau, et celui du bas abaisse ou augmente l'opacité L'aérographe est un pinceau très doux et moelleux, idéal pour ajouter de l' ombrage ou L'outil suivant est l'outil d'effacement, qui est assez explicite C'est juste une gomme, donc elle efface tout ce qui se trouve sur le calque En parlant de course, il existe les options Annuler et Redo, qui permettent d'annuler ou de remettre en place ce que vous venez de faire Maintenant, n'oubliez pas que les options Annuler et Rétablir ont des limites Vous ne pouvez donc pas revenir en arrière à l' infini dans la plupart des programmes L'outil de maculage, qui se trouve ici dans Per create, et dans cet outil ici sur Cosi Paint, mélangera et maculera deux couleurs ensemble Je ne l'utilise pas toujours, mais je sais que beaucoup de gens aiment vraiment son apparence. Vous pouvez modifier la façon dont le pinceau se tache en sélectionnant l'une de ces options de pinceau Si vous utilisez procrate, vous pouvez utiliser vos doigts pour vous déplacer sur le canevas Si vous utilisez Clips Paint comme sur un PC, vous pouvez utiliser la barre d'espace puis vous déplacer sur votre toile ou vous pouvez utiliser la barre de navigation pour la déplacer et zoomer dessus et dézoomer dessus. L'outil de liquéfaction est un outil vraiment cool qui vous permet de manipuler des sections sur un Ensuite, l' outil bucket vous permet de compléter les lignes connectées les unes aux autres. Pour P Crate, pour utiliser l'outil godet, vous saisissez ce petit cercle là où se trouvent les couleurs, et vous le faites glisser jusqu' à l' endroit que vous souhaitez remplir. Maintenant, vous pouvez les remplir de différentes manières , comme les couches, que je vais vous montrer dans une seconde. Désormais, les sélections ou les outils laser ces programmes artistiques vous permettent de sélectionner des formes, puis de les manipuler, de les redimensionner ou de les déplacer sur le canevas Donc, le clip à outils laser City Paint est ici, et l'outil laser de Procreate est Ainsi, si vous sélectionnez quelque chose, vous pouvez le redimensionner pour Clip City Paint dans les propriétés de l'outil Il y aura des options pour le redimensionner. Vous pouvez donc modifier le centre ou caractéristiques selon son échelle , le déformer ou quelque chose comme ça Et dans Procreate, les options se trouveront ici. En bas, vous pouvez donc soit déformer, redimensionner, soit redimensionner , Ce sont les principes de base des outils utilisés pour la peinture Clip Sido et les grades P. Je vais maintenant expliquer le fonctionnement couches et les choses intéressantes que vous pouvez en faire. Ensuite, nous allons aborder les couches. Layers, mec. m'a fallu quelques minutes pour comprendre quand j'ai commencé, mais je vais essayer de les expliquer pour qu'ils soient un peu plus faciles pour vous. La façon la plus simple d'expliquer les couches est de les considérer comme des feuilles de brillant empilées les unes sur les autres Tout est transparent et transparent sauf s'il y a quelque chose dans la couche supérieure. Tout ce qui se trouve sur des couches distinctes ne peut pas interagir les uns avec les autres ni interagir avec eux, sauf si vous vous trouvez sur cette couche spécifique Vous pouvez donc les empiler comme ceci, esquisser, colorer, ombrer, tracer au trait , puis ajouter des extras Les couches sont donc très faciles jusqu'à ce que vous ayez un endroit avec environ 70 couches différentes, et vous ne pouvez pas savoir où se trouve cet endroit sur terre. Ensuite, cela devient une mission. Utilisez ce bouton pour créer une nouvelle couche, puis vous pouvez les faire glisser pour les faire glisser vers le haut , pour les faire glisser vers le haut le bas ou le milieu. Maintenant, permettez-moi de vous présenter les masques à découper. Les masques à découper sont très utiles. Ensuite, nous vous simplifierons le processus artistique dix fois plus facilement. Pour les clips que vous peignez, ce bouton ici définit une couche pour découper les masques, et pour procréer, vous devez la sélectionner, puis dans cette petite barre d'options qui apparaît, elle indiquera masque de découpage vous devez la sélectionner, puis dans cette petite barre d'options qui apparaît, elle indiquera Si vous avez un calque situé en bas et recouvert d'un objet, le calque du masque de découpage situé au-dessus ne pourra pas quitter la zone dans le calque inférieur a été défini C'est idéal pour colorier un dessin au trait ou pour colorier un remplissage de base. Je suis sûr que vous avez vu un tas d' artistes y colorier d'abord en dessinant du gris avant de commencer à ajouter des couleurs de base. Cela est dû au fait qu'ils utilisent cette couche grise comme masque de découpage Ils vont donc découper les couches au-dessus pour pouvoir ajouter de la couleur de base, un peu comme dans l'exemple que je montre ici. Vous pouvez regrouper les couches et les renommer pour les rendre plus nettes. Vous pouvez ainsi utiliser un dossier ou un groupe, Vous pouvez ainsi utiliser un dossier ou un groupe Dans Procreate, vous les faites glisser puis vous les regroupez ici Ensuite, dans Clipsit, vous peignez, le dossier se trouve ici, vous cliquez dessus, puis vous pouvez faire glisser toutes les couches dans le dossier Oh, tu peux juste être comme moi et avoir les couches complètement chaotiques. 99 % du temps. Je ne sais pas qui se trouve sur quelle couche, et je n'ai pas le cerveau nécessaire pour m'en soucier. Vous pouvez sélectionner des couches, ce qui revient presque à les regrouper, puis vous pouvez les déplacer, et seules les couches que vous avez sélectionnées seront affectées. En sélectionnant une couche, vous cliquez sur cette petite erreur sur les clips de votre peinture ou vous la faites glisser sur Procreate Si vous avez sélectionné quelques couches, vous pouvez désormais utiliser l'outil de liquéfaction, qui n'affectera que les couches que vous avez sélectionnées. Vous pouvez donc liquéfier un dessin entier si vous sélectionnez Cela vaut également pour les outils laser Vous pouvez donc sélectionner plusieurs objets , puis les déplacer s'ils se trouvent sur des couches distinctes. Vous n'êtes pas obligé de tout fusionner. En parallèle, voyons comment utiliser l'outil bucket sur différentes couches. Donc, cette chose intéressante que vous pouvez faire est de définir une couche à référencer. C'est ce petit phare sur de la peinture stéréo, ou vous devez le sélectionner comme ça sur Procreate En gros, cela signifie que c'est maintenant sur cette couche que l' outil bucket va se concentrer Vous pouvez donc vous trouver sur une autre couche en bas, et il se concentrera sur le contenu de cette couche plutôt que sur le calque que vous venez d'avoir. Vous pouvez donc avoir la coloration sur différentes couches. Assurez-vous que l'outil en forme de godet situé dans des propriétés d' outil similaires et dans Closer Paint fait référence à la couche de référence Donc, ce phare ici. Assurez-vous que cette option est sélectionnée, et elle fera référence à la couche que vous avez définie pour faire référence. comme les calques, les calques ont des fonctionnalités vraiment intéressantes appelées modes de fusion de calques Il existe des paramètres intéressants sur lesquels vous pouvez placer une couche pour qu'elle réagisse différemment avec la couche située en dessous. Ces modes affectent la façon dont les couleurs une couche mélangent les couleurs des couches inférieures, créant ainsi divers effets visuels. Dans Clip City Paint, les modes de mélange des couleurs se trouvent sur la barre de ruban ici, et dans Procreate, vous devrez sélectionner une couche, puis sélectionner cette petite couche pour pouvoir ouvrir le Je vous suggère vivement de les parcourir et voir comment ils interagissent avec la couche située en dessous. Mais mes préférés que j'utilise sont le multiplicateur. Multiplier assombrit les couleurs de la couche active, donnant l'impression que vous regardiez à travers un verre foncé translucide Il est souvent utilisé pour les effets d'ombrage et d'assombrissement. Et puis il y a la superposition qui combine les effets sombres de la multiplication et les effets éclaircissants de l' Il améliore le contraste et la saturation. C'est vraiment amusant à utiliser comme un aérographe. Comme je l'ai mentionné, il y en a tellement d'autres à parcourir, et je vous suggère vivement faire défiler la page pour voir laquelle vous Il existe d'autres effets de couche que vous pouvez utiliser, comme la carte des dégradés, qui est un outil très puissant pour ajuster la couleur et les tons de votre image, offrant ainsi un moyen rapide et efficace d'obtenir une palette de couleurs stylisée ou autiste Pour créer un clip à peindre, vous pouvez trouver des cartes dégradées en cliquant avec le bouton droit sur une couche, passant en mode correction des couleurs, puis vous trouverez des dégradés de couleurs en bas Tout cela vous intéresse vraiment, donc je suggère vivement de les parcourir. Et dans Procreate, vous le trouverez en haut de la page. Ils peuvent également être ajustés comme je l'ai fait avec le clip, alors peignez-en un. La suivante est la roue chromatique, qui s'explique d' elle-même. La couche extérieure est donc la teinte, c'est-à-dire les couleurs, puis la couche intérieure représente la saturation et les valeurs. Vous pouvez donc sélectionner le degré d' obscurité, de lumière ou saturation ou d'insaturation de la couleur en la sélectionnant au milieu. Et puis vous pouvez simplement changer la couleur avec le côté extérieur. Dans l'un des cours, je vais expliquer comment utiliser la couleur et comment utiliser la roue chromatique pour créer un schéma de couleurs. Ainsi, lorsque vous aurez terminé avec l'œuvre d'art, ou que vous souhaiteriez avoir un fichier sécurisé pour l'œuvre d'art, vous allez créer un fichier pour enregistrer votre travail. C'est pour PC, bien sûr. J'ai donc créé un fichier artistique appelé art, puis j'ai les années que j'utilise. Nous sommes donc en 2024 maintenant, donc je passe à 22 24, puis je l' enregistre là-dedans. Il en existe deux types différents. Il y a le format PNG, ce qui signifie que tout va être fusionné, puis il y a le fichier de peinture clip-side, qui signifie que toutes les couches seront encore intactes, vous pourrez donc y revenir plus tard. Sur Procreate, c'est un peu différent. Tout ce que vous avez à faire est de sortir et cela enregistrera automatiquement le Canvas. Mais notez que si vous sortez, vous ne pourrez plus utiliser le backspace. Et puis, lorsque vous voulez l'enregistrer au format PNG, donc une image aplatie, vous montez ici, vous appuyez sur Partager le PNG, puis il l'enregistre dans vos fichiers Maintenant, il y a beaucoup d'autres choses compliquées que vous pouvez faire avec les programmes artistiques, mais ce ne sont que les bases Clipster Paint et Procreate, et ce sont les bases que j'utilise Je n'ai pas vraiment de processus trop compliqué. C'est donc ce que j'utilise dans toutes mes œuvres d'art. Il n'y a rien d'autre. Merci beaucoup, et je vous verrai au prochain cours. Au revoir. 3. Quels pinceaux utiliser: Bonjour encore une fois, et bienvenue dans ce cours. Aujourd'hui, nous allons passer en revue les différents types de pinceaux et leur utilisation. Il existe de nombreux types de pinceaux, et chacun peut être utilisé de manière créative. Side se sent coincé avec leurs utilisations par défaut. Par exemple, la calligraphie utilisée pour peinture par pinceaux est destinée à l'écriture, mais j'aime bien l'utiliser pour peindre en raison de sa forme Il existe quatre types de pinceaux : le dessin, la peinture, l' aérographe et le pinceau à douleur Je vais passer en revue chacune d'elles. Les pinceaux à croquis sont généralement des pinceaux très légers. Ils sont faciles et rapides à utiliser en raison de la stabilisation inférieure de la brosse. Ensuite, il y a les pinceaux. Ils sont beaucoup plus doux et contiennent parfois même une sorte de mélange intégré. Donc, normalement, ce sont des pinceaux ronds. Les pinceaux à air ou ces pinceaux à opacité très moelleux et doux à la lumière sont parfaits pour ajouter des nuances plus douces ou des dégradés à votre dessin. Astuce amusante. Si vous utilisez l'outil laser et l'aérographe ensemble, vous pouvez créer des textures et des dégradés vraiment intéressants comme celui-ci Et enfin des pinceaux à stylos. Ce sont des pinceaux solides, généralement très stabilisés sans mélange ou peu opacité Parfois, les pinceaux peuvent même ne pas avoir de pression ou de sensibilité du tout. Et enfin, il y a les pinceaux texturés. Il s'agit d'un autre type de pinceau qui permet d'ajouter de la texture à votre travail. Si c'est quelque chose qui vous intéresse. Ils contiennent généralement des packs de pinceaux ou des textures de pinceau. Est-ce que je peux aimer ceux-ci ? Désormais, chacun de ces pinceaux a ses propres utilisations par défaut. Mais comme je l'ai déjà dit, vous pouvez les utiliser pour n'importe quoi. Vous pouvez donc l'utiliser comme un pinceau à air pour peindre ou vous pouvez utiliser le pinceau pour dessiner ou le pinceau pour dessiner Et oui, il n'y a donc pas de véritable règle quant à leur utilisation. Pour dessiner, je suggère de réduire la stabilité du pinceau. La stabilisation du pinceau indique degré de contrôle que vous aurez sur les traits la stabilité est faible, moins elle est stable, et plus elle est élevée, plus elle est stable. Esquisser avec une faible stabilisation facilitera grandement les choses , car cela signifie que les pinceaux auront beaucoup plus de contrôle Mais si vous voulez faire l'alignement, je vous recommande de faire appel à l'équipe de stabilité Différents styles artistiques nécessiteront des pinceaux différents. Si vous voyez un style artistique que vous aimez, vous pouvez toujours demander aux artistes quels pinceaux ils utilisent. Mais ce n'est pas parce que vous avez le même jeu de pinceaux qu'un artiste que vous serez capable d' obtenir exactement le même style artistique. Parce que les pinceaux nécessitent toujours une technique pour les utiliser afin d' obtenir un certain look. Cela va également de l'autre côté. Si vous n' avez pas non plus les mêmes pinceaux que l'artiste ou le style artistique que vous aimez, vous pouvez toujours y parvenir avec d'autres pinceaux que vous possédez en apprenant différentes techniques. En fin de compte , les pinceaux que vous utiliserez ne seront pas si importants. C'est la façon dont on les utilise. Vous pouvez faire n'importe quoi avec les pinceaux les plus basiques. C'est à vous de déterminer quels pinceaux conviennent votre ancien style et comment vous aimeriez en tirer des leçons. Alors maintenant, je vais vous montrer les pinceaux que j'utilise, puis les techniques que j'utilise pour les utiliser. Les pinceaux que j'ai utilisés pour Clips CD Paint et Procreate sont donc liés ici, comme vous pouvez Je sais comment vous pouvez les télécharger et où vous pouvez les trouver en ligne si vous voulez avoir les mêmes pinceaux que moi. J'utilise le pinceau à semelle pour dessiner et peindre. Le pinceau à semelle ou tout autre pinceau identique doit être légèrement transparent, ce qui doit être légèrement transparent, ce signifie qu'il est légèrement transparent avec un bord plus doux. Je préfère une sensibilité minimale à la pression, où la taille ne change pas beaucoup, mais j'appuie plus fort. Je préfère plutôt que la sensibilité à la pression soit affectée par la consistance de la peinture. Donc, plus j'appuie légèrement, plus la consistance de la peinture est claire, mais plus j'appuie fort, plus elle sera foncée. Vous pouvez également régler manuellement la transparence des pinceaux comme sur la barre ici si vous n'avez pas le même pinceau que moi. Il ne devrait pas y avoir de mélange du tout. Le deuxième pinceau est un pinceau parent dur, sans transparence ni mélange Il s'agit d'une forme à angle carré n'est pas du tout sensible à la pression, ce qui signifie que la consistance reste la même en général. Votre programme artistique doit être doté d' un pinceau de clygraphie par défaut Si ce n'est pas le cas, il s' agit essentiellement d'un pinceau carré. Et puis de temps en temps, j'utiliserai un pinceau de texture différent. Je vais donc prendre quelque chose comme ceux-ci, comme ces pinceaux à peindre pour ajouter un peu de texture Mais cela résume en gros tous les pinceaux que j'utilise. Comme je l'ai déjà mentionné , ces pinceaux ne se mélangent pas et mon style artistique est un peu plus pictural Ainsi, lorsque je souhaite mélanger deux couleurs, je réduis l'opacité du pinceau afin de réduire la densité de la peinture Ensuite, je vais juste choisir la couleur. Je vais donc choisir une couleur, puis passer en revue une autre couleur, puis choisir la couleur au milieu que je viens de noter. Et il finira par se mélanger au fur et à mesure. Une autre technique de mélange vraiment cool que vous pouvez utiliser pour ajouter de la texture consiste à utiliser l' outil laser puis à utiliser un aérographe Cela crée un effet de mélange très doux. Et en plus, vous pouvez également avoir un avantage si c'est quelque chose dont vous avez besoin. Lorsque vous débutez, vous avez parfois envie de vous fier davantage à un seul pinceau, et je vous suggère de sortir trouver différents pinceaux et , de trouver différents pinceaux et d'en essayer autant que possible. Mais je dirais aussi que le contraste est d' avoir un ensemble de pinceaux que vous utilisez et avec lesquels vous vous sentez à l'aise. Parce que si vous continuez à sortir et à en essayer différents, vous ne pouvez parfois pas vraiment apprendre les techniques nécessaires pour les pinceaux que vous avez. N'oubliez pas que les pinceaux ne sont que des outils et non la peinture elle-même. C'était une leçon assez courte, mais elle résume la plupart des choses que vous devez savoir sur les pinceaux. Passons maintenant à l' habitude de nos tablettes. 4. S'habituer à une tablette graphique: Bonjour encore une fois, vous venez d'acheter ou vous envisagez d'acheter votre première tablette à dessin de s'habituer au passage du traditionnel Il peut être difficile de s'habituer au passage du traditionnel au numérique. Je dois donc vous montrer un moyen simple habituer à en utiliser un. abord, il existe trois types de tablettes à dessin, chacune ayant son propre ensemble d'éléments que vous pouvez utiliser, ses avantages et ses inconvénients. Vous pouvez les changer l'un ou l'autre et ils auront leurs propres défis à relever. Il y a une liste d'écrans, des cookies, des iPad et des tablettes liste d'écrans est probablement la plus difficile à comprendre, mais elle est très agréable à utiliser, et je les préfère honnêtement à la plupart des tablettes à écran. Premièrement, parce que cela vous fait vous asseoir droit, quelle position de la maison peut adopter. Je ne suis pas ******* au-dessus de l'écran. Ensuite, ma main ne fait pas obstacle à l'art lui-même, ce que je trouve assez ennuyeux avec les cytiques Un autre problème que vous rencontrerez si vous commencez par la tablette à écran est le fait qu'il y a une déconnexion entre le fait de dessiner et de voir vos œuvres d'art. Vous regarderez donc l'écran devant vous au lieu de regarder vers le bas. qui peut être un peu déconnectant au début, mais cela finira par devenir plus facile à mesure que vous l'utiliserez J'ai utilisé la petite tablette Screenls pendant les six premières années de mon parcours artistique, ai adorée et elle a fait un excellent travail Vous n'avez donc pas besoin de choisir le plus chic pour vous lancer art numérique et pour pouvoir créer de l'art facilement Donc, une chose à propos de l'écran des tablettes, c'est que les gens pensent que vous l'utilisez comme un trackpad, alors qu'il s'agit en fait de l'ensemble de l'écran situé dans la zone de la tablette. Il faut une minute pour naviguer. La suivante est la sytique, qui est une tablette avec écran Il y a parfois une légère confusion, vous avez besoin d'un ordinateur ou quelque chose pour connecter le cyniqu Il ne s'agit pas simplement d'un ordinateur autonome. Ou une tablette. Il s' agit essentiellement d'un moniteur supplémentaire. cyniques sont géniaux, car j'ai impression que vous êtes plus connecté à Mais alors, votre main vous gêne également. Et j'ai l'impression de les écraser, et ma posture est un peu mauvaise avec les techniques cyniques Donc, si vous êtes cyniques, je vous suggère certainement de prendre un autre stand qui surélève un peu plus, afin de ne pas être comme penché Ensuite, il y a les tablettes et les iPad, que vous pouvez emporter avec vous, mais la seule chose avec eux, c'est qu'ils ne sont disponibles que dans une certaine taille Parce que vous devez les transporter, ils ne sont pas aussi gros qu' une tablette syntaxique ou sans écran Mais en plus, vous n' avez pas besoin d' un ordinateur ou de quoi que ce soit pour le connecter. Ainsi, l'un des principaux avantages de l'achat d' une tablette artistique ou du passage à l'art numérique en utilisant art traditionnel est le décalage que vous ressentirez avec votre art, car vous n'interagissez pas vraiment avec celui-ci comme vous le feriez avec l'art traditionnel. Voici quelques pratiques que je suggère lorsque vous commencez à faire de l'art numérique, lorsque vous commencez à faire de l'art numérique quelle que soit la tablette que vous achetez. Utilisez vos épaules plutôt que votre poignet, surtout si vous dessinez sur une surface plus petite. Cela signifie qu' au lieu d'appuyer votre main sur la table elle-même et d'utiliser vos poignets pour les mouvements et les coups, utilisez votre épaule pour le mouvement et passez votre poignet au-dessus Cela vous aidera à allonger les lignes et à mieux les contrôler, vous protéger des blessures au poignet et à améliorer votre posture. Les blessures sont une autre chose que les nouveaux artistes ont tendance à oublier ou à négliger. Vous devez faire attention à votre façon de dessiner afin de ne pas avoir de douleurs à l'avenir, car dessiner est une activité répétitive qui peut entraîner des blessures plus tard. Et si vous vous blessez plus tard, cela entravera votre parcours artistique et votre amélioration au fur et à mesure. En ce qui concerne le dessin lui-même, je comprends que s'habituer à des programmes artistiques et à des tablettes en même temps peut être très, très stressant et un peu étrange. Mais cela peut sembler un peu loufoque, mais pour vous habituer à dessiner avec la tablette, vous pouvez dessiner des cercles et les connecter Cela facilitera la coordination entre les yeux et les mains. Il est également idéal pour contrôler les pinceaux et les stylos, et il est également intéressant de connaître la pression et la stabilisation. Lorsque vous les dessinez, je veux que vous utilisiez plutôt l'intégralité de votre épaule, et je veux aussi que vous essayiez de les dessiner le plus vite possible en vous assurant de les relier. J'essaie donc de relier le cercle. Vous allez simplement les dessiner et encore, et si vous voulez continuer à vous entraîner, vous pouvez dessiner différents types de formes, mais essayez de ne pas y passer trop de temps, dessinez-les simplement très rapidement. C'est idéal si vous essayez de habituer à utiliser une tablette. Je suggère également qu'au lieu de vous lancer directement dans la finition de pièces complètes, faire de petits griffonnages et de petits croquis ici et là pour vous habituer à tout vous sera d'une grande aide Comprendre à quel point une tablette à dessin peut être gênante peut prendre jusqu'à deux à trois semaines. Mettez-vous à l'aise avec elle. Même si cela semble un peu impossible au début, accordez-vous du temps et la pratique, avec de simples dessins, et vous finirez par vous y habituer. C'est passionnant de commencer et de vouloir créer des pièces complètes. Mais plus vous vous autorisez à faire des griffonnages et à faire des erreurs, plus vite vous vous habituerez à l'utiliser Merci beaucoup d'avoir regardé cette vidéo. Passons maintenant au prochain cours sur les références et les études. 5. Comment utiliser des références: La leçon d'aujourd'hui porte sur la recherche références et sur la manière de les utiliser efficacement dans votre art. Que vous les utilisiez pour des études ou pour améliorer vos dessins, les références sont de puissants outils pour tout artiste. Les références sont importantes à utiliser à la fois pour étudier et créer les pièces finales. En consultant une référence, vous pouvez perfectionner votre travail et assurer qu'il est précis et détaillé. Voici pourquoi les références sont si importantes pour les études. Comprendre l'anatomie, les proportions et les détails L'utilisation de références peut vous aider à comprendre l'anatomie, les proportions et les détails les plus fins des objets Il facilite également l'apprentissage, en apportant des ombres et des couleurs claires, améliorant ainsi la précision Les références sont cruciales pour améliorer la précision de vos dessins, en particulier en cas d'exactitude anatomique L'étude régulière des références améliore votre capacité à remarquer les détails subtils, ce qui est essentiel pour créer d' art réalistes ou pour les styliser Utiliser des références pour améliorer votre style artistique ou pour obtenir un style artistique est un moyen vraiment efficace de développer votre style artistique. Les artistes peuvent mélanger et assortir différentes références éléments pour créer un style artistique unique. Cela encourage l'expérimentation de différentes textures et motifs. Je recommande vivement d' utiliser les références d'autres artistes ainsi que des références réalistes. Où pouvez-vous donc trouver des références ? Je préfère utiliser Pinterest pour les références, car c'est comme un site où tout est rassemblé sur un seul site qu'il suffit de parcourir. Ce que je recherche lorsque je recherche sont des références artistiques, des références anatomiques, des portraits, des valeurs. J'ai un Pinterest complet ici avec un tas de références que j' utilise personnellement pour mes études, si vous voulez vous lancer dans le terrier du lapin avec celui-ci. Voyons maintenant comment vous utilisez les références. Lorsque vous entrez, c'est une question d'observation. Commencez par observer où se situent les choses dans votre référence. Prenez note des proportions, des angles et des principales caractéristiques, décomposez la pièce. Simplification de formes complexes en formes de base. Cela facilite la compréhension de la structure et de la composition. Normalement, je dessine au-dessus d' une référence pour me faire une idée de ce qui se passe réellement en dessous tous les détails et de la simplification. Une fois que vous avez fini de dessiner le formulaire de base, ajoutez progressivement plus de détails. Simplifier ce que vous voyez rend le processus de dessin plus facile à gérer. Donc, si vous faites un bras, le décomposer en deux formes est le plus simple. Ensuite, vous pouvez pousser l'étude un peu plus loin et étudier le muscle qui se trouve au-dessus. Vous n'avez plus besoin d'apprendre chaque groupe musculaire pour pouvoir étudier quelque chose ou apprendre chaque détail d'une référence. Maintenant, je ne me contente pas d'utiliser des références pour étudier. J'utilise également des références lorsque je dessine les pièces finales. Donc, si je ne suis pas sûr de l'apparence d'une pose ou de la façon dont quelque chose est censé interagir les uns avec les autres, je vais chercher une référence qui représente le mieux la pose que je suis en train de faire, ou je prends une photo de moi, puis je fais référence à cela. Puisque vous ne savez pas toujours exactement comment l'anatomie va réagir. Et parfois, il est très difficile de l'imaginer et de le perfectionner. Contrairement à ce que vous utilisiez simplement une référence, ce qui rend le processus dix fois plus facile. Si vous ne trouvez pas la référence que vous recherchez, vous pouvez utiliser trois modèles en D, ce qui est très utile pour la peinture Clip CDR Il existe également des sites comme celui-ci où vous pouvez télécharger trois modèles en D, puis les poser, ce qui vous aidera à mettre ou du moins à avoir une idée de ce à quoi la pose est censée ressembler. Vous pouvez également le faire avec des arrière-plans. Je sais que beaucoup de gens utilisent Blender pour créer un arrière-plan afin de pouvoir y faire référence dans leurs dessins. Vous n'avez pas non plus à utiliser une seule référence si vous voulez dessiner, vous pouvez en utiliser plusieurs. Donc, si une pose a le bon angle, mais pas les bras droits. Vous pouvez mélanger deux références différentes, l'une ayant les bras que vous aimez et l'autre les proportions du corps que vous aimez. N'hésitez donc pas à avoir un collage de références, j'ai normalement un moodboard ou quelque chose comme ça. Et puis c'est en quelque sorte ce que je pense. Et c'est ainsi que se termine le cours d'aujourd'hui. Et c'est ainsi que se termine le cours d'aujourd'hui. N'oubliez pas que les références sont vos amies et que la seule façon de vous améliorer est de les utiliser, alors n'ayez pas peur de les utiliser autant que possible. C'est bon. Je te verrai dans le prochain. Au revoir. 6. Ce qu'il faut étudier: Bonjour et bienvenue. Dans cette clause, je vais vous indiquer ce qu'il faut étudier pour améliorer votre art. Je vais aborder les sujets en détail dans des vidéos séparées, mais je pense qu'il est essentiel de comprendre d'abord le pourquoi Quant à savoir pourquoi est-ce important ? Où allez-vous l'utiliser ? Où pouvez-vous voir cela dans d'autres médias, et la maison viendra plus tard. Pourquoi les fondamentaux sont importants. Ce dont je parle, ce sont les fondamentaux de l'art. Vous avez probablement déjà entendu parler de ces termes. Anatomie, lignes, couleurs, formes, valeurs et composition. Ils peuvent sembler intimidants au début, presque impossibles à maîtriser, mais même une compréhension de base de ces concepts facilitera grandement le processus artistique De nombreux nouveaux artistes se lancent directement dans la création artistique sans en comprendre les bases. Cela peut entraver leur progression. Décrivons les principes fondamentaux et comprenons pourquoi ils sont si importants. La façon pratique de suivre deux leçons dans des classes séparées. Donc, d'abord, nous avons la forme. forme est le fondement et, à mon avis, l'élément le plus important. C'est la construction de blocs pour tout ce que vous apprendrez par la suite. La forme fait référence à des objets tridimensionnels qui renferment un volume ayant une longueur, une largeur et une hauteur Donc, en termes simples, forme consiste à créer une forme en trois D sur une surface en deux D. Vous allez créer un formulaire en utilisant l'ombrage, les valeurs, l'éclairage, simplement la forme en général Alors pourquoi est-ce si important, c'est parce qu'une fois que vous aurez appris à créer trois formes en D, vous serez capable de maîtriser choses comme l'anatomie et la perspective. Ensuite, il y a l'anatomie. L'anatomie est un point de départ populaire pour de nombreux nouveaux artistes. Lorsque vous commencez à dessiner des personnages et à leur dire « paraissez un peu étrange », c'est le moment de commencer à étudier l'anatomie. L'anatomie consiste à comprendre le corps humain, ses formes, courbes, ses muscles et ses proportions. Pour exceller en anatomie, vous devez d'abord bien saisir la forme puisque le corps est une forme en trois D. L'apprentissage de l'anatomie donne à vos personnages aspect plus naturel et plus vivant, car des erreurs d'anatomie peuvent rendre une pièce un peu maladroite. Ensuite, nous avons des lignes. Les lignes, les éléments de base utilisés pour créer de l'art. familiarisant avec la façon dont vous tracez les lignes et en comprenant l'épaisseur des lignes, la lourdeur des lignes peut rendre le processus de dessin plus naturel et plus facile à aborder En tant que nouvel artiste, vos lignes peuvent manquer de confiance. Vous avez donc des lignes à gratter en forme de poulet ou des lignes qui se connectent vraiment bien, ou il n'y a pas de forme appropriée dans la façon dont vous tracez avec les lignes. Mais avec de l'entraînement, vous améliorerez placement de votre ligne et gagnerez en confiance lors du trait. Donc, avoir des traits plus longs et améliorer la connexion. La prochaine étape fondamentale concerne les couleurs. Dans l'art traditionnel, il est fondamental de comprendre les couleurs primaires et de savoir comment les mélanger pour créer différentes palettes de couleurs et les appliquer sur la toile. Mais cela s'applique également à l'art numérique, mais différemment. Dans l'art numérique, vous avez la roue chromatique, qui contient déjà toutes les couleurs, il n'est donc pas nécessaire de mélanger les couleurs. Mais la couleur ne se limite pas à la sélection. L'utilisation de la couleur pour attirer l'attention ou créer une harmonie dans votre art est en fait cruciale. Les connaissances sont importantes car elles vous aident à créer l' atmosphère souhaitée et à attirer l' attention sur des objets ou des zones spécifiques de votre travail. La prochaine étape fondamentale concerne les valeurs. Les valeurs font référence à la façon dont les couleurs claires ou foncées apparaissent. Il communique la surface lumineuse, les points focaux et la profondeur. L'utilisation combinée de nuances de valeurs similaires crée un faible contraste, tandis que des valeurs différentes créent des points d'intérêt et de profondeur. Il est important de comprendre les valeurs pour montrer la forme par le biais de l'éclairage et de l'ombrage. Les valeurs sont également utilisées pour attirer l'attention sur des zones spécifiques. Par exemple, si vous avez un arrière-plan plus foncé et un caractère plus clair, le personnage se démarquera et vice versa. Lorsque vous pouvez voir la valeur dans la couleur, vous pouvez créer des éléments dynamiques en prêtant attention aux valeurs et aux couleurs. C'est pourquoi il est important d'étudier les couleurs et les valeurs en même temps. Et puis le dernier est la composition. La composition concerne la façon dont les différents éléments d'une œuvre d'art sont combinés. Il se concentre sur la disposition des sujets clés, des poses, des objets, des couleurs et sur le recadrage, afin qu'ils s'intègrent parfaitement en une seule pièce La composition peut raconter des histoires ou créer une atmosphère. Lorsque vous débutez, la composition ne semble pas vraiment importante, ou elle peut être difficile à assimiler, mais je vous montrerai plus tard qu'il est en fait assez facile de créer du flux dans une pièce. En conclusion, ces principes fondamentaux sont les piliers de l'art. comprendre et les maîtriser simplifiera votre processus artistique et rendra votre œuvre plus percutante Dans les clauses suivantes, nous approfondirons chaque sujet et apprendrons comment appliquer ces concepts dans la pratique. 7. Forme: Bonjour. Dans la leçon d'aujourd'hui. Je vais vous montrer l'importance de la forme et comment vous pouvez l'apprendre. Alors, qu'est-ce que la forme ? La forme est un élément d'art tridimensionnel qui englobe le volume, y compris la hauteur, la largeur et la profondeur Ce sont des cubes, des sphères, des pyramides et des cylindres. forme implique également de bien utiliser l' ombrage et l'éclairage pour montrer la profondeur et la forme Il existe différents types de formes, des formes géométriques. Elles sont précises et régulières comme les cubes, les sphères et les pyramides, on trouve souvent dans les objets fabriqués par l'homme, puis il y a les formes organiques. Elles sont irrégulières, courbes et asymétriques, on trouve généralement dans la nature comme les arbres, les plantes et La forme comprend trois formes en D utilisées pour créer de la profondeur et de la perspective dans votre travail. C'est important parce que tout ce qui vous entoure est fait de formes. En simplifiant l'anatomie en formes, le dessin devient beaucoup plus facile Par exemple, une main peut être simplifiée en formes de base comme un carré et des cylindres. Savoir dessiner ces formes de base facilite grandement la compréhension et le dessin de la main Alors, comment apprend-on la forme ? abord, vous devez commencer à penser en trois D. Lorsque vous dessinez, ne considérez pas cela comme une image plate. Pensez-y comme une forme en trois D avec une forme. Avec l'art, vous essayez de capturer trois formes en D sur une surface en deux D, créer de la profondeur et créer une œuvre plate. forme ne se limite pas à la profondeur, longueur et à la largeur, mais aussi à la couleur et à l' éclairage. Vous pouvez créer un formulaire en utilisant un bon ombrage ou un bon éclairage. Par exemple, un cylindre peut sembler plat, mais avec le bon ombrage ajouté, il peut ressembler à une forme en trois D. Dessinez trois formes en D, essayez les entourer d'un élastique pour indiquer où se trouvent les centres. Vous voulez que ces lignes traversent les formes, ce qui vous aidera à suivre les proportions et le milieu de la forme. C'est ce que j'appelle l'élastique. Cette technique est également utile en perspective et pour moi. Aidez-moi à mieux comprendre l'angle. Par exemple, le cylindre est doté de deux élastiques, et peu importe où je le tourne, il y aura toujours deux lignes constantes, mais cela m'aide à suivre la direction dans laquelle la forme tourne. L'élastique vous aidera lorsque vous commencerez dessiner en perspective pour raccourcir, c' est-à-dire tourner la forme vers le spectateur et la raccourcir ainsi La meilleure façon d' apprendre la forme en trois D est de dessiner trois formes en D. Arrêtez ou dessinez des cylindres, des carrés, des rectangles et différentes perspectives Vous pouvez les dessiner en utilisant cette escouade comme référence, qui montre des cubes sous tous les angles. Vous pouvez les remplacer par différentes formes. Cela peut sembler un peu stupide, mais cela vous aidera à dessiner le f du corps L'anatomie de Ss est faite de formes empilées les unes sur les autres J'ai l'impression qu'en faisant juste une ou deux études de forme, je m'attaque ensuite à un atome. J'ai une bonne idée du fonctionnement du corps et de la façon dont les formes interagissent les unes avec les autres. Je recommande donc toujours de faire des études de forme avant d' étudier comme une pièce complète. revenir aux élastiques, une excellente façon de les pratiquer est imaginer une forme coupée en deux, puis de dessiner ce que vous voyez Par exemple, imaginez un cylindre coupé en deux et dessinez-le. Cela vous aidera à saisir trois formes en D amères sur le papier, et cela vous aidera également à comprendre les élastiques. La forme suivante à pratiquer est la forme organique, qui ressemble à des formes qui ne sont généralement pas géométriques. Avoir une idée plus vague de la façon de placer une forme qui n'est pas exactement géométrique dans différentes positions vous aidera lorsque vous commencerez à décomposer différents objets, que ce soit en arrière-plan ou sur tout ce qui n'est pas parfaitement symétrique. Une bonne façon de commencer à saisir la forme est également utiliser la modélisation ou la sculpture en trois simple fait de regarder ou de former une forme dans un programme en trois D vous aidera à mieux la saisir et à mieux la mémoriser. Je n'oublie pas d'y aller et de les ombrager également. Il existe de nombreuses références en ligne de différentes formes avec ombrage. Cela vous aidera lorsque vous entrez et que vous voulez faire de l'ombre. Vous saurez à quoi ressemblera la forme , car chaque forme aura un type d'éclairage différent. Par exemple, un cylindre sera équipé d' un éclairage logiciel parce qu'il est rond et qu'aucun bord dur ne l'accroche. Mais un cube aura un ombrage plus solide, mais un ombrage plus solide en raison de ses arêtes solides Il y a tout pour cette leçon et maintenant pour la suivante. 8. Lignes: Bonjour. Bon retour à une autre leçon. Et dans les leçons d'aujourd'hui, je parlerai des lignes et manière d'être plus confiante avec elles. Et lorsque vous commencez à tracer des lignes pour la première fois, cela peut être très intimidant, car il faut beaucoup de temps pour gagner en confiance et être capable tracer les lignes correctement et au bon endroit Alors aujourd'hui, je vais vous montrer comment améliorer votre confiance en vous grâce aux lignes. Je vous suggère d'éviter. D'où l'importance de lignes fiables. Des lignes fondamentales et artistiques, associées des lignes fiables peuvent améliorer considérablement votre travail. Les lignes affirmées sont plus intentionnelles et peuvent mieux exprimer la forme et la structure de votre sujet. Au début, il est courant d'utiliser des coups plus courts et hésitants, souvent appelés égratignures de poulet Eh bien, cela fait naturellement partie de l' apprentissage. La transition vers des traits plus longs et plus délibérés peut donner à vos lignes apparence plus confiante et à votre travail plus raffiné Voici donc quelques techniques pour des lignes sûres. Faites donc des traits plus longs. Essayez d'éviter les lignes de poulet à gratter, qui sont courtes et hésitantes Visez des frappes continues et plus longues. Cela ne signifie pas que chaque ligne doit être longue et parfaite, mais efforcez-vous de rendre chaque montant utile. Travaillez à partir de vos épaules, et pas seulement de votre poignet, pour obtenir des lignes plus lisses et mieux contrôlées. Rappelez-vous ce que j'ai dit dans la vidéo sur tablette travaillez avec vos épaules et non avec votre poignet. Si vous travaillez à partir de vos épaules, vous pouvez avoir des frappes plus longues en toute confiance. Mais si vous avez tendance à travailler à partir de votre poignet, vous aurez plus de lignes à gratter en forme de poulet. Planifiez vos lignes. Avant de tracer une ligne, déterminez où vous voulez qu'elle aille, visualisez le tracé de la ligne et la forme qu'elle créera. Entraînez-vous à masquer le trait en passant votre crayon ou vos styles sur la page ou le papier avant de prendre contact. Connecter les lignes. Dans le domaine de l'art numérique, de nombreux artistes ont du mal à relier les lignes. Entraînez-vous à vous assurer que vos lignes permettent de créer des formes et des formulaires complets. Parfois, si vos lignes ne se connectent pas bien, vous pouvez facilement perdre la forme. Regardez, par exemple, ces deux dessins différents. L'un a plus de lignes non connectées hésitantes et l'autre en a Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas avoir bonnes lignes non connectées et leur donner une belle apparence, mais cela demande des compétences et de la pratique. Un autre problème avec les lignes est que beaucoup de nouveaux artistes ont du mal à trouver l'espacement Il n'y a donc pas beaucoup d'espace entre les deux lignes pour bien créer la forme entraîner à dessiner des formes et des objets, tout est très important de s'entraîner à dessiner des formes et des objets, tout en veillant à ce qu'il y ait suffisamment espace entre les deux lignes d' espace entre les deux lignes pour montrer la forme et la forme. Voici donc quelques exercices pour améliorer la confiance en ligne. Gribouillage et croquis. Accordez-vous le temps de griffonner et de dessiner librement. Ces dessins informels peuvent vous aider à vous détendre et à prendre confiance en Ne vous souciez pas de la perfection, concentrez-vous sur le flux et la connexion de vos lignes. Lorsque vous commencez à dessiner, je sais que vous voulez vraiment créer de belles pièces finies, mais il est très important de vraiment vous échauffer et de donner cette fluidité aux croquis Mais la seule façon d'y parvenir est de vous permettre de griffonner davantage Chaque fois que je commence à dessiner, j'aime bien une page de gribouillage, ce qui m'aide beaucoup Donc, le poids de la ligne varie. Entraînez-vous à porter le poids des lignes pour ajouter de la profondeur et de la dimension. Des lignes plus épaisses peuvent indiquer des zones d'ombre ou de chevauchement, tandis que des lignes plus fines peuvent être utilisées pour les détails et les zones surlignées. Regardez ces deux dessins. L'un a une épaisseur de ligne, l'autre non. L'un semble un peu inerte, tandis que l'autre semble plus profond Autre exemple : si un bras repose sur un disque, les lignes entre le bras et le disque seront plus épaisses à cause du poids et du contact. Ce n'est qu'un moyen simple d'ajouter une ligne. Voici quelques conseils pratiques. Lorsque vous dessinez numériquement, évitez de zoomer Cela peut vous faire perdre de vue la forme et la composition générales. Maintenez votre toile à une distance confortable et effectuez régulièrement un zoom arrière pour vérifier l'équilibre général et les proportions de votre dessin. Puis créer de l'espace. Utilisez des lignes pour créer des espaces et des séparations dans vos dessins Par exemple, si vous dessinez un personnage avec un arrière-plan, laissez un espace entre le personnage et les éléments d'arrière-plan pour que le personnage ressorte du lot. Des lignes d'espace épurées peuvent améliorer la clarté et la lisibilité de votre travail Ensuite, il y a l'entraînement linéaire. Entraînez-vous à dessiner en lignes droites et courbes, à la fois avec les mains libres et à l'aide de guides. Expérimentez avec différents types de lignes. Les lignes droites, courbes, en zig-dag et ondulées peuvent toutes transmettre des émotions et des textures différentes. En vous concentrant sur la technique et les astuces décrites dans la vidéo, vous avez confiance en vos lignes. N'oubliez pas que l'entraînement est essentiel passez du temps à griffonner et à expérimenter différents styles de lignes et de poids, qui vont également de pair avec qui vont également de pair Au fil du temps, vos lignes deviendront plus confiantes, ajoutant une touche professionnelle à votre travail. 9. Valeurs: Bonjour, et bon retour. Dans le via d'aujourd'hui, je vais parler des valeurs et de la manière de les utiliser pour améliorer votre éclairage et votre ombrage, ce qui est crucial pour créer un bon contraste et une bonne atmosphère dans votre art. Pourquoi les valeurs sont-elles importantes ? Les valeurs sont toutes liées à la luminosité et à l'obscurité d'une couleur, et elles jouent un rôle essentiel dans la mise en valeur de votre œuvre d'art. En maîtrisant les valeurs, vous pouvez guider le regard du spectateur à travers le dessin et concentrer sur l'endroit où vous le souhaitez Par exemple, si votre personnage se fond dans l'arrière-plan à cause de valeurs similaires dans les couleurs, elles deviendront floues et vous ne pourrez pas très bien les voir En ajoutant un contour ou un arrière-plan plus clair au personnage, vous pouvez le faire ressortir et se démarquer immédiatement. Vous pouvez utiliser des valeurs pour créer du contraste. Le contraste est essentiel pour rendre les éléments de votre pièce distincts et attrayants. Sans une bonne fourchette de valeurs, votre œuvre d'art peut paraître plate et boueuse, ce qui peut entraîner la perte de détails importants L'utilisation de valeurs contrastées permet définir la forme et de créer une impression de profondeur, rendant ainsi votre travail plus dynamique et visuellement attrayant. Vous pouvez créer du contraste en utilisant des valeurs, afin qu'une couleur très claire et une couleur foncée puissent se contraster, ou vous pouvez créer un contraste en utilisant différentes couleurs saturées. Ainsi, par exemple, s'il s'agit d'une pièce très monotone à faible saturation, mais si j'ajoute une couleur très saturée à cette pièce, il y aura beaucoup plus de contraste de couleurs ici Vos yeux vont donc parcourir la pièce. Ou si votre pièce présente une saturation très élevée et que vous utilisez une couleur très peu saturée, vous pouvez créer des sections de grande valeur. Les valeurs ne concernent pas uniquement le noir et blanc. Ils jouent également un rôle crucial dans le travail sur les couleurs. Même si vous avez des couleurs contrastées, si les valeurs sont similaires, la pièce peut toujours manquer de définition. Par exemple, le contraste entre un bleu foncé et un jaune clair peut créer un effet saisissant si les valeurs sont bien choisies. Ici, par exemple, cette pièce semble avoir des couleurs différentes. Mais si j'active un filtre noir et blanc, vous verrez qu'il n'y a pratiquement aucune valeur, ce qui vous fera perdre la pièce. Mais là, je suis en train de modifier les valeurs des couleurs, et vous pouvez déjà voir qu'il y a une grande différence. Nous créons donc des valeurs profondes. Les valeurs contribuent à créer de la profondeur. Ce qui améliore à son tour le formulaire. En utilisant efficacement la lumière et les ombres, vous pouvez transformer des formes plates en formes tridimensionnelles, ajoutant ainsi du réalisme et de l' intérêt au travail. Par exemple, il s'agit d'un cercle plat, mais en ajoutant deux ou trois couleurs plus claires, je peux déjà le faire ressembler une forme tridimensionnelle. Alors, comment étudiez-vous les valeurs ? Dessins en échelle de gris. Arrêtez-vous en redessinant vos pièces en niveaux de gris, concentrez-vous sur l'identification et la reproduction des zones les plus sombres et les Et en vous concentrant uniquement sur cela, pas sur ce que vous dessinez réellement. Par exemple, si je dessine cette théière, je me concentre sur les valeurs les plus sombres, les secondes les plus claires, puis les valeurs les plus claires et les plus claires se trouvent ensuite sur les valeurs les plus claires À partir de là, je me suis un peu embrouillé. Cet exercice vous aidera à comprendre la structure des valeurs sans vous laisser distraire par les couleurs. Et deuxièmement, les études d'observation. Entraînez-vous à observer des valeurs dans la vie réelle, exemple en regardant des objets et des notes ou en éclairant les zones les plus sombres Observez les objets et notez les zones les plus claires et les plus sombres. Essayez d'esquisser ces objets en utilisant uniquement le noir, le blanc et le gris ombrés pour capturer l'essence de la forme uniquement par la valeur. Il s'agit donc plutôt d'une étude d'éclairage intense. Donc, ce que je veux que vous fassiez lorsque vous étudiez de cette manière, c'est de regarder l'image et d'essayer de trouver comment vous pouvez la traduire en une ligne noire et blanche continue en un morceau. Cela vous aidera donc à vraiment réduire les valeurs, et cela vous aidera également à vraiment comprendre la forme d'une pièce. Et lorsque vous allez dessiner quelque chose, vous serez en mesure le personnaliser sans trop y penser Et puis il y a les études de peinture. Lorsque vous faites des peintures à l'huile traditionnelles, il est toujours suggéré de commencer par couleurs les plus sombres , puis de continuer à partir de là Maintenant, c'est une pratique pour le travail traditionnel, mais si vous commencez à le faire dans votre travail numérique, cela vous aidera également à établir cette cartographie de valeur pour vous. Cette technique permet de créer une base de valeur solide et de créer des profondeurs à partir de zéro. Cela sera utile même pour le travail numérique. En maîtrisant les valeurs, vous pouvez améliorer de manière significative l'impact visuel de votre travail Les valeurs guident le regard du spectateur, créent du contraste et ajoutent de la profondeur et de la forme. Une bonne façon de vraiment mettre en pratique les valeurs est de transformer de temps en temps votre pièce en noir et blanc lorsque vous définissez les ombres et les couleurs Vous pouvez voir si vos valeurs se portent bien. Vous pouvez également vous entraîner à l'avance sous forme d'ongle. Vous pouvez choisir l'endroit où vous souhaitez que les couleurs les plus claires et les plus foncées soient dans votre dessin Vous pouvez le planifier sous forme de miniature, comme une version plus petite sur le côté Merci beaucoup d'avoir regardé, et je vous verrai au prochain cours. Au revoir 10. Anatomie: Bonjour. La leçon d'aujourd'hui portera sur l'anatomie et les formes utilisées pour dessiner l'anatomie. Pourquoi l'anatomie est-elle importante ? L'anatomie est fondamentale si vous voulez dessiner des personnages. fait d'avoir des proportions anatomiques précises pour vos personnages les aidera à se sentir plus réalistes et plus approfondis. Si votre anatomie est défectueuse, cela se remarque souvent, même pour les personnes qui ne savent pas dessiner. Ils peuvent sentir que quelque chose ne va pas. L'anatomie est probablement l'une des premières choses que vous voulez étudier lorsque vous commencez à apprendre l'art. Parce que c'est probablement l'une des premières avec lesquelles vous avez du mal. Il est crucial de trouver de bonnes références. J'ai fait une vidéo complète où je peux trouver des références dans les cours précédents, mais je trouve généralement les miennes sur Pinterest. J'utilise toujours des références réalistes lorsque j'étudie l'anatomie. Puisque ces références sont plus précises. Je décompose l'anatomie en formes simples comme des cylindres, des cubes, des carrés et des cercles. C'est là que la connaissance de la forme est importante pour pouvoir étudier l'anatomie. Comment étudier l'anatomie. En utilisant la référence. Prenez une image de référence et décomposez l'anatomie en formes simples. Identifiez et tracez les formes de base, les cylindres en cubes et les carrés au-dessus de la référence Pour ce faire, réfléchissez aux formes pointues, la perspective, aux élastiques et aux formes en trois D. Redessinez la référence latérale faisant attention à la position des membres et aux proportions Par exemple, l'endroit où les membres et les articulations se situent sur la référence, et essayez de le placer là où il est censé être. redessinant l'image le côté, vous vous entraînez donc normalement à vous habituer vous-même aux proportions vous-même aux proportions sans trop vous fier à la référence Cela renforce la mémoire musculaire. Le second à étudier est le dessin gestuel. Le test du dessin consiste à dessiner la figure sous forme de bâton avec fluidité et poids. Décomposez le corps en formes ou lignes de flux les plus simples. Concentrez-vous sur l'endroit où se trouvent les épaules les jambes, la colonne vertébrale et le poids. Quand je parle de poids, je veux dire par là que le corps penche dans une direction ou un point. Cela permet de capturer le flux de l'anatomie, ce qui est essentiel lorsque l'on ajoute des formes anatomiques par-dessus. Ces deux éléments permettront de mieux dessiner la nature, je suggère donc de faire les deux. Voici quelques conseils supplémentaires pour étudier l' anatomie. Comprenez les articulations. Faites attention à l' endroit où se trouvent les articulations et à leur fonctionnement. Par exemple, déterminez où les coudes, les genoux et les chevilles se plient et jusqu'où ils peuvent se plier Étudiez les groupes musculaires. Eh bien, les formes de base aideront à la structure. Comprendre les groupes musculaires majoritaires peut ajouter du réalisme à votre dessin. Découvrez où les muscles se gonflent et contrastent avec les mouvements. Pratiquez régulièrement, la cohérence est essentielle. La pratique régulière de ces techniques vous aidera à internaliser les proportions et structure de l'anatomie humaine Utilisez trois modèles D. L'utilisation de trois modèles en D peut vous permettre de mieux comprendre l'anatomie sous différents angles. Quelles sont donc les formes de base utilisées pour l'anatomie ? Pour la tête, commencez par le cercle situé à l'arrière du crâne, et le visage est en papier enroulé autour du crâne. Le cou est un cylindre relié au torse et au crâne J'utilise une ligne de colonne vertébrale pour déterminer où le cou sera aligné. Le torse utilise une combinaison de formes arrondies et de triangles pour représenter la poitrine et le palvis La poitrine peut être représentée par une forme carrée ou en forme d'œuf, en utilisant la colonne vertébrale pour déterminer où ajouter la poitrine et où elle sera placée, comme sa direction À partir de là, la section médiane est un petit cylindre, puis l'entrejambe N'oubliez pas que le torse a trois formes , pas seulement deux Beaucoup de gens oublient la partie médiane, puis leur torse a tendance à être beaucoup Et puis l'entrejambe ressemble à un caleçon. Les bras, commencez par le cylindre pour le bras supérieur , puis par le cylindre pour le bras inférieur. Le coude est un petit cercle qui dépasse sous certains angles, puis les mains sont de petits rectangles L'épaule relie le petit torse. J'utilise la ligne médiane en haut du torse pour déterminer où se situeront les épaules, puis je les utilise également sur le côté du torse Ici, c'est au milieu du torse que se trouvent les bras Cela m'aidera lorsque j'essaie de plier le torse dans une autre direction Je peux dire où seront les bras ou si je vais être capable de voir où se situent les épaules. Pour les mains, un carré plat malléable pour la paume de la main avec des cylindres pour les doigts Le pouce est une forme supplémentaire attachée au carré. Pour les jambes, c'est un peu plus facile. Utilisez la méthode de la courbe droite. Chaque jambe peut être décomposée en cylindres et en formes. Donc pour cela, je veux dire, si vous regardez bien, ce sera toujours une ligne droite, une courbe, courbe, une ligne droite, quel que soit l'angle sous lequel se trouvent les jambes. Cela permet de l'aborder un peu plus facilement en général. Vous pouvez donc me voir dessiner un tas de bras et de jambes différents ici, et ils utilisent tous la méthode de la courbe droite . le monde a du mal à s'attacher les pieds, Tout le monde a du mal à s'attacher les pieds, mais je les considère normalement comme un petit triangle qui s'attache à la cheville sans oublier la façon dont pieds peuvent se plier à cause des articulations, etc. En décomposant les formes complexes et les formes désemplées et en pratiquant régulièrement, vous pouvez améliorer votre compréhension de l'anatomie et créer des personnages plus réalistes et dynamiques Je vois dans le cours suivant, par 11. Outro: Bonjour, et bienvenue sur la vidéo finale de notre cours. J'ai du mal à croire que c'est déjà terminé. J'ai l'impression de travailler sur ces vidéos depuis si longtemps. J'espère sincèrement qu'ils vous ont été utiles et inspirants. Alors que vous poursuivez votre parcours artistique, je vous souhaite bonne chance. J'espère que vous découvrirez votre amour pour création artistique et que vous trouverez le bonheur dans votre travail. N'oubliez pas que l'art est un processus profondément personnel et évolutif. Permettez-vous de grandir et d'emprunter le chemin unique que vous allez emprunter. Ce sera très différent du mien, mais c'est ce qui rend votre art vraiment spécial. Merci beaucoup de m' avoir permis de participer à cette expérience d'apprentissage. J'ai eu beaucoup de plaisir à créer ces vidéos et à partager mes connaissances avec vous. Je suis extrêmement reconnaissante d'avoir l'opportunité d' accueillir ces cours. Continuez à repousser les limites de votre créativité, restez curieux et, surtout, appréciez le processus. Je vous ferai de nouveau pipi dans le futur d'ici là, au mieux, bloquez votre art et prenez soin de vous. Au revoir et bonne création.