Se connecter à votre base créative grâce à des croquis intuitifs : paysages de rêve à l'encre et à l'aquarelle

1. Intoduction: [MUSIQUE] Tout le monde mérite amour et compassion. La première étape consiste à apprendre à se le donner à soi-même. Bonjour, je m'appelle Iyana. J'ai fait de l'art pour de nombreux jeux, travaillé comme illustratrice indépendante et je crée maintenant mon propre travail indépendant. J'adore les nouilles minutieuses et j' vraiment faire les choses à la perfection. Mais je savais qu'il se faisait tester très facilement. Il est très important pour moi de développer une pratique dans laquelle je prends soin de moi et de ma santé mentale. Faire des croquis intuitifs et conscients m' a permis de créer un espace sûr. Cela m'a aidée à adopter une attitude positive et intrépide à l'égard l'art et à être gentille avec moi-même. C'est bon pour votre santé mentale et pour votre art de lâcher prise de temps en temps et de vivre le moment présent. Dans ce cours, nous nous concentrerons sur l'établissement d'une relation sûre et positive avec nous-mêmes et notre art. Nous ferons l'inverse dans le paysage forestier relaxant et profiterons de la sensation tactile de peindre à l'encre et à l'aquarelle. Ce cours convient à tous. Aucune expérience préalable n'est requise. Je vais vous donner des conseils sur les matériaux, la composition et la couleur pour vous permettre de démarrer facilement. Je vais vous montrer les deux approches différentes que j' utilise lorsque je dessine à l'encre et à l'aquarelle. Je vais partager quelques conseils techniques et vous aider à garder votre processus de réflexion utile et positif lorsque vous dessinez. Viens dessiner avec moi et laisse-moi apporter un peu de fraîcheur et de créativité à ta journée. 2. Se mettre dans la bonne mentalité: Salut les gars. Je suis tellement contente que tu aies décidé de me rejoindre pour ce cours. Maintenant, commençons par adopter le bon état d'esprit. C'est personnel, ce que vous considérez comme un sketch. C'est probablement quelque chose qui prend moins de temps que votre travail fini et que vous abordez de manière plus souple. Pour moi. Mon travail fini peut prendre entre 4 et 10 heures pour réaliser quelque chose qui me prend une heure ou deux, dans des domaines très sommaires. La principale différence, je pense, réside dans l'état d'esprit. Ma façon d'aborder le dessin est de me donner la permission d' échouer et de ne pas avoir d'attentes quant au produit fini. Je me sens libre d' explorer des idées aléatoires qui me viennent à l'esprit et qui ne me dérangent pas vraiment de tout gâcher. Le processus est bien plus important que le résultat final. Lorsque vous donnez vraiment à votre esprit la liberté de vagabonder, vous vous sentirez beaucoup plus créatif. Vous finissez par trouver des choses auxquelles vous ne vous attendiez pas. Concentrez-vous sur le fait d'adopter le bon état d'esprit. Essayez de travailler dans un environnement qui vous semble vraiment confortable et sûr. Écoutez de la musique que vous aimez vraiment et détendez-vous. Engagez-vous ensuite à laisser libre cours à votre créativité sans les contraintes que vous pourriez vous imposer lorsque vous réalisez d'autres travaux achevés ou que vous souhaitez montrer à d'autres personnes. Laissez votre esprit vagabonder librement lorsque vous dessinez. Si vous commencez avec une idée très rigide de l'endroit où vous voulez vous retrouver. Tu finiras par te limiter. Commencez quelque part. Essayez des choses qui vous semblent intéressantes et laissez-vous guider par votre inspiration. Concentrez-vous sur le fait de vivre le moment présent. Profitez de chaque coup de stylo à pression. Par-dessus tout. Concentrez-vous sur le sentiment ou l'idée que vous essayez de communiquer. Ne jugez pas vos croquis terminés. Considérez-les comme des éléments importants de votre processus de création. La meilleure façon de trouver votre propre voix est de vous débrouiller par vos propres moyens. Concentrez-vous sur le plaisir et le processus de création. Arrêtez de penser à ce que vous devriez faire et commencez à faire ce que vous voulez vraiment faire. Pour récapituler, vous détendre et vous laisser guider par votre inspiration. Concentrez-vous sur la communication claire de vos idées. N'oubliez pas que votre point de vue est unique et précieux. Dans la prochaine leçon, nous parlerons du projet de classe. 3. Projet du cours: Dans cette leçon, nous allons parler du projet de classe. Le but de ce cours est de se détendre et de faire preuve de créativité. Le projet de classe est de faire vos propres croquis de forêt. Essayez de sentir la forêt, imaginez-vous là-bas, ressentez l'énergie, puis essayez de saisir ce que vous ressentez. Qu'est-ce que tu trouves beau et touchant ? Passez un peu de temps à méditer sur cette sensation avant de commencer à dessiner. Faites autant de croquis que vous le souhaitez et ne vous focalisez pas sur la qualité ou la technique. N'hésitez pas à utiliser les techniques que je vais vous montrer ou quelque chose d'autre que vous avez envie d'expérimenter. L'essentiel est de s' amuser avec ses outils et de se détendre. Restez dans le moment présent et laissez-vous guider par votre intuition et votre inspiration. Amusez-vous à dessiner. N'oubliez pas de faire preuve de bienveillance envers vous-même au cours de cet exercice. taire votre critique intérieur et laissez-vous commettre des erreurs. L'accent n'est pas mis sur le résultat final, mais sur le [inaudible]. J'adorerais voir les croquis que vous finirez par réaliser. N'hésitez donc pas à les partager une fois que vous aurez terminé la classe. Dans la prochaine leçon, je vais passer en revue les matériaux que j' utiliserai pour dessiner. 4. Matériel: Dans cette leçon, je vais présenter les matériaux que je vais utiliser pour dessiner. En raison de la nature de ce cours, je vous laisse entièrement le choix de votre matériel. La seule chose que je suggère, c'est d'utiliser quelque chose avec lequel vous vous sentez à l' aise ou quelque chose avec lequel vous avez envie d' expérimenter. Le but n'est cependant pas de s' en tenir aux détails techniques, mais de prendre plaisir à dessiner. Ma boîte à outils de base comprend de l'encre imperméable, un stylo, un crayon, un stylo-plume, un stylo de couleur , des aquarelles et un petit pinceau. Lorsque je dessine, j'aime changer ce que j'utilise. Cela semble toujours m'aider à trouver nouvelles perspectives et à rester inspirée. J'utilise différentes plumes et stylos et tout ce que j'ai à portée de main. Si vous utilisez des aquarelles, est important de garder à l'esprit que votre encre est imperméable, sinon elle coulera de partout. N'utilisez pas accidentellement des crayons aquarelle pour dessiner si vous voulez que le dessin soit là pour vous guider, car ils se dissoudront dans l'eau. J'adore collectionner différents outils de dessin et ma dernière obsession est les stylos-plumes vintage. Les différentes plumes qu' ils possèdent offrent une grande variété et sont très amusantes à utiliser. Si vous souhaitez utiliser des stylos-plumes, veillez à ne pas y laisser sécher votre encre imperméable , car cela détruirait complètement le stylo. Vérifiez que l'encre que vous utilisez est bien destinée aux stylos-plumes, car l'encre ordinaire les masquera. La seule encre que j'ai trouvée qui soit imperméable et adaptée aux stylos-plumes est l'encre à croquis Rohrer & Klinger. Il y en a peut-être d'autres, mais je ne les ai pas rencontrés. En ce qui concerne le papier, utilisez ce que vous voulez et que vous avez à portée de main. Je n'aime pas vraiment utiliser du papier coûteux pour mes croquis, car cela semble ajouter beaucoup de pression, car je ne veux pas gaspiller ce papier coûteux. Ensuite, j'ai l'impression que je n' ai pas la possibilité d'échouer, et être ouvert à l' échec est très important pour me sentir réellement libre de créer. J'utilise principalement des blocs-notes mixtes bon marché assez abordables et dont le papier est suffisamment épais pour supporter de l'eau. Pour les très petites vignettes, j'utilise même parfois de l'aquarelle dans mon carnet de croquis habituel, mais cela fonctionne vraiment sur le papier. Dans la prochaine leçon, je vais vous donner quelques conseils pour des compositions efficaces. 5. La composition: Dans cette leçon, nous allons parler de la création de compositions efficaces. Ce que nous essayons en fait de faire avec compositions, c'est de rendre l'image facile à lire. Si les gens finissent par passer beaucoup de temps à se demander ce qui se passe réellement sur votre image, cela ne sera pas très efficace. En particulier, lorsque nous dessinons, nous essayons de transmettre des idées rapidement. L'accent doit donc être mis sur la clarté. Je suis sûr que vous avez entendu parler de la règle des tiers. Divisez votre toile en trois sections, horizontalement et verticalement, puis placez les détails importants là où ces lignes se croisent. Je pense que l'idée est valable, mais ce qui a vraiment mieux fonctionné pour moi, c'est de penser diviser la toile en sections impaires plutôt que paires. Lorsque vous placez votre horizon ou toute autre grande division dans votre esquisse, vous utilisez l'une de ces lignes. La règle des tiers m'a toujours semblé un peu étouffante. Ce que j'aime dans cette approche, c'est qu' elle semble me donner plus de liberté pour faire mes propres choix. Essayez-le et voyez si cela vous convient. Maintenant, lorsque vous dessinez des paysages, vous avez généralement affaire à de nombreux éléments différents. Cela peut sembler un peu accablant de les composer en une image claire. Un outil utile ici consiste à diviser votre toile en trois sections différentes : le premier plan, le plan intermédiaire et l'arrière-plan. Cela facilitera la compréhension de l'image et vous aidera à prendre des décisions lorsque vous travaillez sur les différentes sections de l'image. Le premier plan sera le plus détaillé et le plus contrasté, tandis que les choses s'estomperont vers l'arrière-plan. répétition d'éléments au premier plan, au milieu et à l'arrière-plan aidera à donner une idée de l'échelle à votre image. Un autre bon conseil à garder à l'esprit est de rendre vos silhouettes vraiment faciles à lire. Les gens peuvent reconnaître beaucoup d' objets et de choses rien qu' à la silhouette. Tant que vos silhouettes sont belles, il sera beaucoup plus facile de comprendre votre image. Gardez cela à l'esprit lorsque vous dessinez votre premier plan, plan intermédiaire et votre arrière-plan. Tant que ces trois éléments ont des silhouettes claires ou des éléments clairs avec des silhouettes, votre image sera beaucoup plus facile à comprendre. Vous pouvez également utiliser des silhouettes fortes pour encadrer une partie de votre image, comme votre point focal. Passons à la valeur. Lorsque vous planifiez les valeurs de votre image, vous devez penser à unifier vos zones sombres et vos lumières. C'est une autre de ces choses qui rendra votre image beaucoup plus facile à comprendre en un coup d'œil. Comparez une image où toutes les ombres sont de petits points tout autour de l'image à une image où les masses d'ombres sont réellement unifiées. Cela rend l'image agréable à regarder et beaucoup plus lisible. Parlons maintenant des points focaux et de la protection de l'œil. Essayez de penser à votre image comme à un voyage que vous planifiez. Où commence ton voyage et où te mène-t-il ? Assurez-vous que les éléments de votre image guident le regard du point de départ au point d'arrivée. Si vous avez beaucoup d' éléments dans votre image, qui guident tous l'œil dans des directions différentes, l'image finira par être vraiment confuse. éléments qui attireront l' attention sont le contraste élevé entre l'obscurité et la lumière, la quantité de détails, formes directionnelles fortes et les zones de contraste, comme lorsque vous avez un objet sur l'image complètement différent des objets environnants. Cela vaut également pour la couleur. Si vous deviez avoir une couleur très saturée ou complètement différente du reste de l'image, votre attention y sera attirée. L'important est de choisir un domaine d' intérêt principal et de subordonner tous les autres points de contraste à celui-ci. Si vous optez pour une image très simple, toute la composition peut être basée sur le simple fait d'avoir cet objet intéressant en plein milieu. Pour récapituler, assurez-vous que votre composition est simple plutôt que complexe. Souvent, les compositions les plus efficaces ont la structure de base la plus simple. N'oubliez pas que moins c'est plus en ce qui concerne les détails. Le dessin est un excellent moyen d'apprendre à réduire votre composition à l'essentiel. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de la couleur. 6. Couleur: Dans cette leçon, je vais vous donner quelques conseils pour utiliser efficacement la couleur lorsque vous dessinez votre forêt. Maintenant, la première chose que je recommande est de choisir votre palette de couleurs avant de commencer à peindre. Comme nous utilisons des aquarelles, il est important de noter qu'elles peuvent devenir très boueuses si vous changez d' avis entre les deux. Je voudrais commencer par décider la couleur prédominante de mon image. Je vais peut-être opter pour quelque chose de très chaud, ou quelque chose de vraiment cool, ou quelque chose de vraiment crémeux. L'étape suivante consiste à mélanger des couleurs qui correspondent à la nouvelle palette de couleurs et qui se marient bien. Vous êtes alors prêt à commencer à peindre. Pour créer une atmosphère plus forte et unifiée, j'aime commencer ma peinture par un premier lavage qui aidera à teinter l'ensemble du tableau. Cela donne à toutes mes couleurs l' impression de faire partie du même environnement. La prochaine chose que vous devriez vraiment envisager de décider est de savoir si vos ombres seront principalement froides ou chaudes. Habituellement, lorsque votre lumière est froide, vos ombres sont chaudes et vice versa. Si vous avez du mal à créer une palette de couleurs directement du haut de votre tête, ne vous inquiétez pas, vous pouvez vous inspirer de photos ou d'autres éléments. Si je rencontre des difficultés, je parcoure généralement mes livres d'art ou je vais sur Pinterest. autre outil que vous pouvez utiliser pour choisir roue chromatique est un autre outil que vous pouvez utiliser pour choisir une palette de couleurs. Il existe de nombreuses façons de créer des palettes de couleurs à l'aide de la molette, et vous pouvez en savoir plus à leur sujet en ligne. Mais ma méthode préférée est de choisir quelques couleurs côte à côte sur la roue chromatique, puis de choisir une couleur complémentaire juste en face d'elles. Vous n'êtes pas obligé d'utiliser les couleurs à pleine saturation. Je choisis généralement un complément plus désaturé, car je veux que mes paysages paraissent paisibles. L'utilisation de couleurs complémentaires est un excellent moyen rendre toutes vos couleurs plus vives. En ajoutant juste un peu de rouge à l'image principalement verte, tout le vert semblera plus saturé. Il est bon de se rappeler que les couleurs changent à mesure que la distance augmente. C'est ce que l'on appelle la perspective atmosphérique. À mesure que les objets s' éloignent, ils apparaîtront plus bleus et plus clairs en valeur et en couleur. Cela peut être un effet vraiment amusant à utiliser, même si les distances de votre dessin ne sont pas vraiment grandes. Il peut s'agir d'un excellent outil pour placer le focus de votre image au premier plan. Maintenant que nous avons affaire à beaucoup de verts ici, il est bon de ne pas oublier d' ajouter de la variété à vos couleurs, sinon votre photo risque de devenir vraiment ennuyeuse. N'oubliez pas que les plantes et les feuilles, selon la plante, seront toutes sortes de légumes verts différents. Il y aura aussi des verts bleus, des verts jaunes et, en fait, un joli gris-vert. C'est pourquoi j' aime beaucoup commencer ma peinture en mélangeant de nombreux verts différents. Cela m'assurera que je les utilise réellement. Rappelez-vous également que les troncs d'arbres ne sont pas seulement bruns, ils peuvent en fait être verts, gris ou rouges. Les couleurs changeront en fait le long du tronc de l'arbre, la partie inférieure étant d'une couleur complètement différente de la partie supérieure. N'ayez pas peur d'expérimenter et d'utiliser les couleurs que vous aimez. Parfois, vous pouvez être un peu bloqué en suivant votre référence, mais lorsque vous avez une très bonne idée, même si vous n'avez aucune preuve que cela fonctionne, allez-y. De cette façon, vous pouvez réellement avoir une idée des couleurs que vous aimez personnellement. Les croquis sont le moyen idéal pour essayer de nombreuses palettes de couleurs différentes et voir ce qui fonctionne. Pour récapituler, pensez à la couleur avant de commencer à peindre. N'oubliez pas de tenir compte de la distance et d'ajouter de la variation à votre couleur. Soyez courageux et expérimentez. Même les expériences ratées vous aideront à développer vos compétences en matière de couleurs. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à dessiner quelques vignettes à l' aquarelle et à l'encre. 7. Vignettes de dessin : aquarelle: Dans cette leçon, nous allons commencer par dessiner quelques vignettes à l'aquarelle. Une fois l'aquarelle terminée , nous ajouterons des détails à l'encre. Ce que j'aime vraiment dans cette technique c'est [LA MUSIQUE] qu'elle m' oblige à lâcher prise. Je commence par une ébauche , puis je laisse mon esprit vagabonder. Je trouve que c'est tellement amusant et relaxant de laisser les choses se produire. Ensuite, si je ne suis pas vraiment satisfaite du résultat final, cela n'a pas vraiment d'importance, car ce que je voulais vraiment était simplement faire preuve de créativité et apprécier le processus. Je commence par tracer un contour libre avec mon crayon de couleur. C'est juste une idée de composition et rien de trop spécifique. J'essaie simplement de m'assurer que les différents éléments semblent équilibrés et que la composition est fluide. Une fois que je suis satisfaite du dessin, je fais mon premier lavage. Cette fois, j'utilise un lavis jaune clair car je veux vraiment que ce dessin dégage une atmosphère chaleureuse et riche. Je pense à une forêt verdoyante dont le sol est recouvert de mousse. Je dépose quelques légumes verts pendant que le jaune est encore humide et je laisse le tout se mélanger. Je m'assure d'utiliser quelques couleurs différentes pour que les verts ne soient pas trop monotones et ennuyeux. La palette de couleurs de base que je choisis ici est le jaune et le vert. En plus de la mousse verte, j'utilise principalement du jaune pour la route et les arbres. Tout comme pour les couleurs vertes, je m'assure d'utiliser plusieurs tons différents pour les arbres et la route. Vous pouvez voir comment j' utilise une valeur plus foncée à la racine de l'arbre et comment elle devient plus claire à partir de là. C'est généralement ainsi que fonctionne la coloration de l' arbre. La couleur et la valeur changent à mesure que vous montez dans le coffre. Je n'ai pas encore terminé mon premier croquis, mais comme il fait assez humide et que j' aimerais lui laisser le temps de sécher correctement, je passe à la vignette suivante. Ce que je pense ici, c'est à quoi ressemble une forêt quand on la regarde de l' autre côté d'un champ ou d'une route. Vous voyez un mur d'arbres de formes et de tailles variées, avec des arbres plus petits à l'avant de plus grands se profilant derrière eux. J'aime beaucoup la façon dont les arbres ont des formes, des couleurs et des valeurs si différentes les uns des autres. C'est sur cela que j'essaie de me concentrer avec ce sketch. Comme avant, je commence à colorier en appliquant un lavis vert jaunâtre, car je cherche ici une palette de couleurs chaudes. Mais contrairement à ce qui se passait auparavant, je fixe immédiatement la couleur de mon ombre, car les ombres jouent un rôle très important dans cette image. Comme vous pouvez le voir, j' utilise une ombre bleue. Je préfère les ombres bleues et les reflets chauds. Je veux que l'image soit focalisée sur les arbres au premier plan J'utilise donc un vert plus foncé pour l'arrière-plan. J'aime beaucoup la façon dont les aquarelles se mélangent ici, car dans la nature, les arbres n'ont pas non plus de bords durs. En fait, il est parfois assez difficile de dire où se terminent les feuilles d'un arbre et où commencent celles de l'autre. Je suis plutôt impatient par nature. Cela me convient vraiment bien de travailler sur plusieurs tableaux à la fois. Au début, j'aime travailler sur sol mouillé sur mouillé, mais en réalité, je vais avoir besoin que le tout soit sec je vais avoir besoin que le tout soit sec avant d'ajouter des ombres plus profondes. Pour une raison ou une autre, cette peinture semblait plus difficile que la première. heure actuelle, je me concentre vraiment sur la recherche des formes et sur leur définition un peu plus précise. Je travaille également d'arrache-pied pour trouver l'équilibre entre la lumière et l'ombre, car j'ai remarqué que j' avais vraiment besoin d'un peu plus de bleu ici. Avec l'ajout de bleu et une meilleure définition des formes, je pense que cette image commence à être beaucoup plus agréable. Vous pouvez voir qu'il ne reste pratiquement plus rien de mon dessin original à ce stade. Je n'ai pas de files d'attente. Je ne me sens pas non plus limité par mon dessin original. La peinture peut en fait changer un peu à ce stade du processus. Je décide que c'est le bon moment pour ajouter les troncs d'arbres, afin de pouvoir réellement voir où se trouvent les arbres. À ce stade, il est très important de ne pas toucher les arbres, car vous pouvez vraiment donner l'impression que les arbres mauvais en traçant de petites lignes ondulées. J'essaie d'avoir une courbe dans chacune des lignes, car les arbres ne sont presque jamais vraiment droits. Maintenant, ma deuxième vignette est assez humide et je pense que je vais juste avoir besoin de la laisser sécher. Je reviens à la première. C'est le moment idéal pour évaluer ce que j'ai réellement fait auparavant. Je pense que ma base est solide et j'aime les couleurs générales, mais l'ensemble a juste besoin d'un peu plus de forme et d'un peu plus de couleur. Je veux que mes espaces verts soient vraiment riches et profonds, comme lorsque vous entrez dans une forêt et que vous vous sentez entouré de verdure. Je commence par définir un peu plus la forme du sol forestier et de la mousse, afin que vous puissiez réellement voir qu'il est rond et doux et qu'il se courbe vers le chemin. Comme il s'agit de la première miniature de ma série, je constate maintenant que j' utilise des coups de pinceau un peu trop petits et trop ondulés. J'aurais pu utiliser des formes plus grandes. C'est mon problème habituel lorsque je commence à dessiner. Quand je commence, j'utilise des lignes un peu trop petites et j'essaie d'ajouter trop de détails à tout. Au fur et à mesure que je avance, je deviens de plus en plus souple et j'utilise formes plus grandes et plus réfléchies. C'est une autre raison pour laquelle j' aime beaucoup faire de nombreux croquis à la fois, car si j'arrêtais après avoir fait le premier, je n'arriverais vraiment à rien. C'est vraiment gratifiant de voir comment votre cerveau fonctionne et que tout change esquisse par esquisse. il est important de le savoir lorsque Cependant, il est important de le savoir lorsque vous devez vous arrêter , car vous finirez par perdre votre rythme et vous vous frustrerez. J'aime beaucoup la façon dont l' ajout d'un peu de rouge au tracé a ajouté du contraste à l'ensemble de l'image. Comme vous le savez, le rouge est la couleur complémentaire du vert. En ajoutant du rouge, tous vos légumes verts seront plus verts. Ma deuxième vignette avait vraiment besoin cette deuxième couleur et maintenant je suis beaucoup plus satisfaite des formes et des couleurs en général. J'aime beaucoup l'ombre d'un bleu profond de la forêt. Cela donne vraiment l'impression que la photo est juste ensoleillée. C'est une bonne idée de marcher dans une forêt quand il fait très chaud dehors et que quand il fait très chaud dehors la forêt ne fait que vous rafraîchir. Vous pouvez voir que maintenant que je commence ma dernière miniature, je suis en fait beaucoup plus efficace qu' avec la première. Je passe directement à des couleurs plus profondes et je suis plus attentive à l'utilisation de traits plus grands et de zones de couleur et de valeur plus grandes. Mon idée de base est la même que celle de la première vignette. Je cherche une forêt moussue qui soit calme et verdoyante tout autour de moi. Mais je trouve que le premier avait l'air un peu ensoleillé. Cette fois, je recherche vraiment cette sensation profonde, voire sombre. Fais en sorte que ça paraisse un peu plus mystérieux et peut-être même un peu effrayant. J'aime beaucoup la façon dont la mousse se forme cette fois-ci. Je pense avoir ressenti la sensation de douceur parfaite et je pense que les variations de couleurs sont vraiment riches et luxuriantes. Cela m'a vraiment aidée de réfléchir un peu plus à mes formes à l'avance. J'ai fini par utiliser moins de couches. Tout semble un peu plus clair et défini. J'ajoute une touche de bleu à l'arrière-plan, car je cherche vraiment à élargir la perspective atmosphérique cette fois-ci. Fais en sorte que ça ressemble à une forêt brumeuse. Je suis plutôt satisfait de mes légumes verts. Je pense qu'ils sont superbes. Mais il est maintenant temps d'ajouter les ombres qui définissent réellement les formes. Vous pouvez voir la définition que cela a donnée à l'image. Comme il s'agit d'un sentier profond, les ombres les plus sombres se trouveront juste sous la mousse, car le milieu du chemin captera plus de lumière. Cette fois, comme vous pouvez le constater, j'utilise en fait une lumière bleutée et des ombres chaudes. Le sentier finit par être d'un vert chaud et les mousses ont une teinte bleutée. J'ajoute à nouveau un peu de rouge au sentier car je veux vraiment mettre en valeur ces verts. J'aime vraiment à quel point ils ont l'air riches en ce moment. Je ne suis pas encore vraiment satisfaite du contexte. ai l'impression que je dois pousser cette perspective atmosphérique plus loin. Je vais opter pour un autre bleu audacieux. Je laisse la partie inférieure la plus claire pour créer un effet brumeux et concentre la valeur la plus foncée en haut. N'oubliez pas de rester dans le bon état d'esprit. Ne vous focalisez pas sur les détails et ne vous inquiétez pas des erreurs. Dans la leçon suivante, nous ajouterons détails au-dessus de nos croquis à l'encre. 8. Vignettes de dessin : encre: Dans cette leçon, nous allons ajouter des détails au-dessus des vignettes d'aquarelle que nous avons créées précédemment. J'utilise un stylo et une encre imperméable pour que les choses ne soient pas complètement gâchées si je décide de revenir en arrière et d'ajouter de l'aquarelle . Comme le but est de dessiner et de découvrir des choses, j'aime beaucoup changer les stylos que j' utilise et voir quels types de marques je peux créer. Vous pouvez voir à quel point mon dessin à l'aquarelle est désordonné , bien sûr. Eh bien, c'est vraiment le but. Ce n'était pas censé être défini. Maintenant, je suis en train de peaufiner les bords et formes que je veux voir et de les dessiner. En fait, j' adore vraiment cette étape. C'est tellement amusant de pouvoir tout changer. Cela fait une énorme différence sur l'image, quels détails vous pouvez réellement ajouter avec le stylo. C'est censé donner l' impression que vous vous amusez et que vous découvrez des choses. Ici, j'ai plusieurs objectifs. Je cherche à ajouter de la texture et des détails à nos troncs d'arbres, afin qu'ils soient vraiment rugueux. J'aime beaucoup la texture des arbres, c'est donc probablement ma partie préférée. Je cherche également à ajouter un peu de texture, mais je ne veux pas exagérer car cela peut facilement sembler trop lourd. La forme la plus large est un peu floue en général. Je cherche juste à trouver les bords qui vous indiqueront réellement quelle est la forme. Il est très important de noter que l'objectif n'est pas de décrire des objets. Vous ajoutez des détails là où ils sont réellement nécessaires, et il n'est pas nécessaire de tout définir. Parfois, ce que vous laissez de côté est en fait plus important que ce que vous dessinez. Surtout ici, car la forêt est molle. Les feuilles vertes et tout le reste se mélangent visuellement. Il est important de ne pas essayer de définir chacune de ces limites. Dessiner la plupart du temps à l'encre est en fait un défi, ou du moins cela l'a été pour moi car si vous utilisez trop de lignes, il est si facile de perdre cette sensation de douceur. Il est très important d' essayer de trouver cet équilibre. Ajoutez suffisamment de détails pour le définir, mais vous pouvez voir qu'il s'agit de mousse il est doux et qu'il a de la texture, mais pas trop, sorte qu'il ne soit pas dur et rigide au toucher. Vous pouvez voir que je prends soin de découper mes traits de manière à ce que les formes rondes de la mousse soient soulignées d'un seul trait. J'aime beaucoup la façon dont l'ajout tous ces petits détails végétaux et petites textures ajoute à la sensation de vie de l'image. Dans l'esquisse suivante, je commence par essayer de trouver les formes des arbres et de les définir un peu plus. Je trouve cela parfois très difficile, car j'essaie de trouver le bon équilibre entre définir la forme et ajouter un peu de feuilles et de texture, sans autant que tout soit trop lourd. Sur le terrain. J'essaie de mieux définir la forme en créant des textures intéressantes dans endroits où il y a plus d'ombres, et en essayant également de me concentrer sur création de formes qui soient belles avec mes lignes. Parfois, vous avez vraiment l' impression de créer un casse-tête amusant lorsque vous tracez vos lignes. Maintenant, je regrette vraiment d'avoir pris du poids sur le côté gauche. J'aurais vraiment pu être un peu plus léger là-bas. J'aime bien la façon dont la voie du milieu s'est terminée. On a vraiment l'impression que cela vous emmène plus profondément dans la forêt. La clé pour cela est d'avoir de nombreuses couches de détails, afin que vous puissiez sentir qu'ils se déplacent encore et encore au loin. Mais il est également important de les laisser disparaître et de ne pas essayer de définir ces dernières couches. Mais ce n'est pas grave, je ne suis pas totalement satisfaite des détails que j'ai créés car le but du sketch était simplement m' amuser et de découvrir des choses. Si vous avez trop peur de faire des erreurs, vous ne vous amuserez jamais du tout. À ce stade, je me rends compte que les choses ne se passent pas vraiment comme je le souhaiterais. J'ai commencé à utiliser le stylo à fond pour essayer de les réparer. Je sais que ça ne marchera probablement pas, mais peu importe, puisque le but est d'essayer des choses. C'est un peu douloureux de regarder mon processus par la suite. Mais pour le moment, je m'amuse toujours. Travailler sur les formes de l' arbre, c'est un peu plus essayer de définir les plantes d'ombre qui font face au sol. C'est vraiment amusant de rassembler tous les morceaux dont sont faits les arbres et d'essayer de les assembler. C'est en fait étonnamment difficile. J'ai passé beaucoup de temps dehors à dessiner des arbres au loin, à essayer de simplifier les formes et de les comprendre. Votre arbre a généralement une forme générale, comme un ovale ou un cône. Mais dans cette forme, il se compose généralement de grumeaux. Ce qui complique ces formes grumeleuses, c'est qu'elles se chevauchent et finissent par donner des formes assez complexes. Il peut être judicieux de simplement dessiner un peu sur du papier avant passer à cette étape et d' essayer de remplir ces formes. Essayez de trouver les avions qui font face au sol, et nous aurons des ombres, et les avions orientés vers le haut et qui auront des points clairs. Il peut être plus facile d'utiliser rectangles compliqués au début, de sorte que les plans soient à peine visibles et ne se déplacent ensuite que sur les formes sphériques. J'essaie de concentrer les détails de la feuille à un endroit précis, là où l'avion se détourne de notre champ de vision. Ce sont généralement les endroits où les détails sont les plus visibles. Maintenant, j'ai eu un petit accident avec mon stylo. J'utilise le papier à tracer pour en parler. Ensuite, je fais un autre bordel juste après. Je me rends compte que je ne concentre plus vraiment sur ce dessin. Il vaut mieux passer à autre chose. J'aurais peut-être pu aller un peu plus loin en ajoutant quelques couches d' aquarelle sur l'encre et en travaillant dessus plus longtemps. Mais je n'ai pas vraiment envie de rester coincé sur une vignette. Je veux juste passer à autre chose. J'adore le fait que ce dessin comporte plus gros troncs d'arbres à détailler. C'est tellement amusant. Il est important de ne pas oublier que vous ajoutez des détails à des troncs d'arbres, non de les ajouter uniformément partout. Essayez d'ajouter les détails dans les zones sombres et de laisser les zones claires plus claires, ou à des endroits où le formulaire tourne ou où quelque chose doit être défini. N'oubliez pas de garder à l'esprit la direction de l' aboiement lorsque vous dessinez. Habituellement, il tourne autour de l'arbre un peu comme une séquence d'ADN. Mais pas tant que ça. Ou si ce n'est pas vraiment le cas en réalité, ça a quand même l'air très amusant quand on le dessine de cette façon. Maintenant, je me concentre sur l' ajout de texture aux ombres. J'aime beaucoup la façon dont les textures des ombres donnent l'idée qu'il y a des détails dans les ombres, mais qu'on ne peut pas vraiment distinguer de quoi il s'agit. À présent, vous avez peut-être remarqué que j'aime vraiment perdre des points de vue. Je suppose que c'est juste une autre forme de cela. J'ajoute un peu de texture d'encre à l'arrière-plan pour la même raison. Je voulais avoir l'impression qu'il y a des choses là-dedans, mais que tout se mélange. Je m'assure de donner une forme à certaines formes, mais je les laisse ensuite se fondre dans l'arrière-plan. La dernière chose que je vérifie avant de terminer c'est que mes ombres sont bien là où elles devraient être, que j'en suis contente. Comme les valeurs les plus sombres l'image sont les traits de crayon, il est très important de vous assurer de les placer là où vous le souhaitez. J'essaie de regrouper mes valeurs les plus sombres pour que la composition soit facile à lire. J'ai eu beaucoup de plaisir à dessiner ces vignettes. J'espère que vous allez l' apprécier autant que moi. N'oubliez pas de vous concentrer sur la détente, le divertissement et l' atmosphère de la forêt. N'oubliez pas de tout décrire. N'exagérez pas avec les détails. Reste juste détendu. Dans la leçon suivante, nous allons réaliser notre plus grande esquisse. On mange d'abord et on peint ensuite à l' aquarelle. 9. Forêt chaude : encre: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment passer des vignettes à une esquisse plus détaillée. Cette fois, en utilisant d'abord de l'encre et de l'aquarelle ensuite. J'ai eu beaucoup de plaisir explorer le thème de la forêt avec mes vignettes. J'ai étudié de nombreuses combinaisons de couleurs et compositions différentes et je me suis beaucoup amusée à explorer. Certaines de mes miniatures ont eu moins de succès que d'autres. Mais je pense que j'ai vraiment trouvé un thème qui m'a plu, à savoir une forêt verdoyante très profonde. C'est ce que j' espère approfondir avec ce sketch. Lorsque j'ai exploré les combinaisons de couleurs pour les vignettes, j'ai essayé de nombreuses approches différentes. J'ai essayé d'utiliser mon imagination et j'ai essayé d'utiliser des photographies, puis de trouver des illustrations avec des combinaisons de couleurs intéressantes. J'ai trouvé que l'utilisation de photographies était un peu étouffante, même si elles contenaient de nombreuses informations intéressantes. Au final, j'ai décidé que je voulais juste opter pour des combinaisons de couleurs d'un blanc pur qui me rappellent les couleurs naturelles. Par-dessus tout, je veux vraiment garder ma palette de couleurs simple. Utilisez simplement quelques couleurs principales et essayez de trouver cette harmonie en elles. J'ai trouvé que je préférais vraiment les compositions qui ne montraient pas du tout le ciel. Au lieu de cela, ils montrent simplement le sol de la forêt et vous pouvez avoir l'impression d'être entouré par la forêt. Maintenant que j'utilise de l'encre pour la première fois, il y a toujours un risque réel Je vais me raidir et recommencer à tout détailler au lieu de m'en tenir à un croquis. C'est quelque chose sur lequel je me concentre vraiment. Il suffit de faire de gros traits, sans trop de détails. Je ne veux pas que cela se transforme en un dessin de rendu détaillé, je veux juste me détendre et m'amuser. Je suis prête à accepter, je vais faire des erreurs et des traits imparfaits pour pouvoir vraiment rester libre. C'est quelque chose que je garderai au premier plan de mes préoccupations pendant que je dessine. Il vaut mieux faire des erreurs et accepter des lignes imparfaites que de commencer à insister sur le dessin. J'ai commencé par faire une esquisse au crayon libre d' une composition que je voulais. C'est assez approximatif, mais vous pouvez voir toutes les formes qui seront présentes même si je pas exactement le dessin. L'essentiel est de savoir sur quoi je vais me concentrer et de savoir où se situeront généralement les ombres et les lumières dans ma composition. Comme pour l'aquarelle et l'encre, il est très difficile de revenir à la lumière si vous faites accidentellement trop sombre. Je travaille avec la division que je vous ai montrée plus tôt dans la leçon de composition, où je pense au premier plan, au juste milieu et à l'arrière-plan. simple fait de savoir clairement où se trouvent ces zones et où se situent leurs limites m'aide vraiment à rester sur la bonne voie et assurer que la composition est facile à lire. J'utilise une courbe en S très basique pour la route, puis je l'encadre avec deux arbres. Les éléments symétriques peuvent parfois être un peu compliqués dans un dessin et sembler un peu ternes ou statiques, mais ils sont également très apaisants. C'est vraiment l'atmosphère que je recherche avec ce dessin. Cette fois, j'ai choisi de l' encre brune car cela donnera vraiment une touche chaleureuse à l'ensemble du croquis. Je vous encourage vraiment à essayer différentes couleurs, différents stylos, différentes pointes et à découvrir ce que vous aimez. ce moment, j'utilise une pointe G dans mon stylo. C'est l'une de mes plumes habituelles, donc je me sens plutôt à l'aise avec elle. J'aime beaucoup dessiner des textures et des éléments répétitifs avec le stylo à immersion. C'est vraiment apaisant pour moi. C'est vraiment ce sur quoi je me concentre ici. Je crée mes formes, puis j' apprécie les textures sans vraiment penser à autre chose qu'au plaisir que je prends avec le stylo. Il y a quelque chose de tellement satisfaisant à placer des lignes les unes à côté des autres et à les laisser couler. Comme cette esquisse est plus grande que les vignettes, environ au format A5, j'ai beaucoup plus de place pour les détails. Dans les vignettes, je n'ai pas vraiment détaillé le sol de la forêt. J'ai simplement laissé le tout se mélanger et ajouté quelque chose ici et là pour simplement indiquer les détails. Mais ici, je commence vraiment à montrer quel point les sous-bois du cheval sont variés. Je me base toujours sur Mossy Box, mais cette fois, je mais cette fois, je pense davantage aux détails, la forme des rochers et toutes les autres plantes qui pousseront dans la forêt. Comme il s'agit toujours d'un sketch, je ne cherche pas à entrer dans les détails. Je n'utilise que différentes formes générales de feuilles. Lorsque je dessine la nature, je veux vraiment que cette scène ait l'air pleine de vie et de variété. J'ai découvert que l'ajout de différentes plantes et le simple fait d'avoir une silhouette variée donnent vraiment cette impression. Il est bon de garder à l'esprit que vous devez vraiment éviter d'ajouter ces détails de manière symétrique, car cela pourrait facilement donner tout un aspect vraiment anormal. C'est, bien sûr, moins que vous n'aimiez ce look. Je ne cherche pas à faire un dessin complet ici. Ce n'est pas ce que je fais habituellement de toute façon. Mais comme il s'agit en fait d'un dessin à l'encre et que je cherche simplement à l' améliorer à l'aquarelle, je vais beaucoup plus loin avec mes détails à l'encre, puis avec les vignettes. Je n'ai pas vraiment besoin d'excuse pour faire un peu de rendu avec l'écorce de l'arbre. Peut-être que toute cette histoire de forêt n'est vraiment que mon excuse pour dessiner plus d'arbres. Maintenant, je n'utilise aucune référence pour les croquis, mais j'ai passé du temps dessiner à partir de la vie en forêt et à l'extérieur. J'essaie de trouver comment rendre le plus doux possible avec des stylos à encre et simplement en détaillant des troncs d'arbres. Si vous n'avez jamais passé de temps dehors comme ça, il peut être difficile de trouver des détails vraiment variés et convaincants sur un sol forestier. [MUSIQUE] Si vous n'êtes pas sûr, regardez des photos de forêts avant de dessiner y a aucune honte à utiliser quelque chose comme référence ou même à les copier. Vous pouvez également dessiner votre propre composition, puis utiliser une image de référence pour vous inspirer des détails que vous ajoutez. Ou utilisez une image comme point de départ , puis modifiez simplement tout ce que vous souhaitez modifier. n'y a pas de règles ici et maintenant, j'ai fait couler de l'encre. Cela m'arrive assez souvent lorsque je ne me concentre pas vraiment ou que je ne fais pas attention au stylo. Normalement, cela me contrarierait beaucoup, mais comme je sais que c'est un sketch, je ne suis pas vraiment censée me soucier de faire des erreurs, je passe simplement à autre chose. Comme les arbres seront peints en brun assez clair, je pense que ce déversement disparaîtra pratiquement une fois que je passerai à la couleur. C'est une compétence vraiment saine à pratiquer, à savoir surmonter ses erreurs. Maintenant, voyez si vous pouvez comprendre où se termine mon premier plan et où commence le juste milieu. Mes deux arbres se situent essentiellement sur la ligne de démarcation. Jusqu'à présent, j'ai surtout dessiné le premier plan et j'y ai ajouté beaucoup de détails. Cependant, comme je sais où va ma ligne de démarcation, je m'assure de ne pas ajouter autant de détails et de détails sombres au milieu ou à l'arrière-plan. Vous pouvez voir comment cela fonctionne avec les arbres. Les arbres de premier plan obtiennent toutes les valeurs les plus sombres et le plus de détails. fur et à mesure que nous passons au juste milieu et à l'arrière-plan, les détails ressemblent davantage indications qu'à un rendu complet de quoi que ce soit. Vous pouvez obtenir une image vraiment plate si vous donnez à tout le même niveau de détails et de rendu. Je cherche plutôt à indiquer des formes en arrière-plan , puis je vais laisser l'aquarelle faire son travail. Lorsque vous ajoutez de la texture à l'écorce d'un arbre, il est très important de vous souvenir des lumières et des ténèbres. Cela aura l'air assez étrange si vous l'ajoutez uniformément partout. J'ai découvert que l'ajout d'un peu d'ombrage des deux côtés du tronc de l'arbre aiderait à mettre en valeur la forme ronde de l'arbre. Maintenant, une autre chose qui m'inquiète, déçue de dessiner, c'est la silhouette de mon premier plan. J'aime beaucoup rendre cette silhouette très claire Je place donc des formes plus sombres sur un fond plus clair. Je fais de mon mieux pour les combiner en une plus grande masse afin que le tout soit plus facile à comprendre à l'œil nu. Je suis prête à rendre la silhouette aussi variée et pleine de vie que possible, comme je l'ai dit plus tôt. simple fait de bien choisir cette silhouette contribuera grandement à donner l'impression d'une flore variée sur le dessin. L'esprit des gens reconnaît très facilement les formes et les objets grâce à la silhouette. Si vous pouvez vraiment vendre la silhouette et faire croire à l'esprit, cela donnera vraiment le ton à l'ensemble du dessin. Parfois, il peut être très difficile de trouver le bon moment pour arrêter de dessiner. C'est tellement simple, vous continuez à ajouter un peu plus de détails et un peu plus de détails et vous vous rendez compte ensuite que vous n'ajoutiez que des détails inutiles. Ou pire encore, vous ajoutiez détails à un endroit qui n'était pas censé être le point central. Ou vous avez vraiment aimé quelque chose sur la photo et vous avez décidé d'ajouter un peu plus de détails et maintenant, c'est surchargé de travail. Je veux vraiment éviter cela ici, donc je suis prêt à arrêter trop tôt plutôt que trop tard. Cela aidera également à garder le perfectionnisme à distance. La dernière chose que je vois, c'est que mes ombres sont là où elles sont censées se trouver mes ombres sont là où elles sont censées se et qu'elles décrivent en fait la configuration du terrain dans son ensemble. J'ai décidé de mettre l' accent sur les ombres des deux côtés du chemin, juste pour que la composition soit vraiment claire. Je veux qu'il soit très facile pour l'œil de suivre le chemin au loin. sur quoi je me concentre ici, ce sont les ombres plus foncées et la forme des objets, puisque les valeurs médianes seront toutes gérées par l'aquarelle. Ce que j' aime vraiment faire lorsque je fais ombrage, c'est de créer un flux à travers l'image. Vous pouvez suivre mes traits d'ombre et voir qu'ils s'enchaînent dans une direction générale. Je trouve que c'est une façon vraiment amusante de guider le regard à travers l'image et de créer cette agréable sensation d'harmonie. Je trouve qu'il y a quelque chose que j' aime vraiment dans les ombres saturées par le fond. Je pense que cela me rappelle peut-être le fonctionnement de la peau humaine et que cela rend tout plus vivant d'une manière ou d'une autre. Si ce n'est pas le cas, vous devez également essayer d'utiliser des encres rouges et violettes. Ils peuvent également contribuer à ajouter beaucoup de vie à notre dessin. Mais ici, j'ai eu l'impression que le brun et le vert se marieraient à merveille pour créer une image de forêt vraiment chaleureuse. Une fois que le dessin est prêt, il est très important de le laisser sécher avant de passer à la couleur. Si vous êtes inquiet, vous risquez de ruiner un très bon dessin à l'aquarelle. C'est également un bon point pour le scanner. N'oubliez pas que votre objectif est de rester détendu et détendu. Dans la leçon suivante, nous allons ajouter de la couleur à notre dessin. 10. Forêt chaude : aquarelle: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment ajouter de l'aquarelle sur le dessin à l' encre que nous avons fait plus tôt. Maintenant, il est temps de prendre notre dessin à l'encre et d' ajouter de la couleur. Commençons par vérifier que notre dessin est bien sec. Ensuite, il est temps de réfléchir un peu à ce que vous comptez faire. Prenez un petit moment et réfléchissez à votre palette de couleurs. Ma palette de couleurs est assez claire dans mon esprit. [MUSIQUE] Je cherche des légumes verts, des oranges et des bruns chauds . Tout comme pour les vignettes, j'aime commencer par peindre en les lavant mouillé sur humide. Je veux m'assurer que j'ajoute réellement une variation de couleur intéressante à ce stade et pas seulement une couleur plate. C'est pourquoi je prends le temps de mélanger de nombreuses couleurs différentes. Lorsque mes couleurs sont prêtes il est très facile de les mettre dans le linge humide. Ma couleur prédominante ici est un vert chaud, jaunâtre, mais je m'assure d' ajouter un peu d' autres verts également. Je commence par utiliser les couleurs et les valeurs les plus claires, puis j' ajouterai les plus sombres. Ce ne seront pas les formes d'ombre définitives, mais elles me donneront quelque chose à définir lors des lavages ultérieurs. Honnêtement, je trouve ce premier lavage très amusant puisque je vais me contenter de suivre le courant et de choisir des couleurs qui me semblent vives. Par conséquent, je dois vraiment travailler rapidement avant que mon aquarelle ne sèche. Je ne peux pas m'arrêter et trop réfléchir. C'est franchement libérateur. Encore une fois, j'utilise essentiellement toutes les couleurs de ma palette sur les troncs d'arbres. Je veux vraiment qu'ils se sentent à leur place dans la forêt, alors pour refléter cette atmosphère, j'utilise des peintures. Évidemment, j'utilise aussi des bruns et des gris, mais ces petites touches de vert aideront vraiment les arbres à avoir l'impression de faire partie de la forêt et de votre sol. n'est pas quelque chose qui soit séparé de tout le reste. Au fur et à mesure que je passe à l'arrière-plan, je fais très attention à rester léger. Je tiens vraiment à préserver cette sensation d' atmosphère et de distance, et à m'assurer que l'accent reste mis sur le premier plan, car j'ai pris soin dessiner un bon secret pour le premier plan. Je ne veux vraiment pas tout gâcher maintenant en rendant l'arrière-plan si sombre qu' on ne peut pas vraiment le voir. J'ai vraiment adoré laisser mes couleurs se fondre dans l'arrière-plan ou dans cette atmosphère brumeuse. Maintenant, alors que j'utilise couleurs différentes au premier plan et à l'arrière-plan, j'utilise en fait des couleurs similaires, avec des variations en termes de saturation et de valeur. Les couleurs sont un peu plus bleues, un peu plus claires, elles essaient essentiellement d' imiter les couleurs du premier plan. Il s'agit de faire en sorte que tout se sente connecté et fasse partie du même environnement. Je suis très fan de l'utilisation des couleurs que j'ai déjà mélangées à de nombreux endroits différents dans l'image que je peins, car j'ai l'impression que cela ajoute vraiment au sentiment d'harmonie de l'image. C'est assez similaire à l'idée de répéter d'autres éléments de votre image. Comme si vous aviez quelque chose au premier plan et que vous répétiez la même chose en arrière-plan. D'une manière ou d'une autre, notre cerveau semble simplement aimer répéter des choses. Peut-être qu'ils créent simplement des modèles plus faciles à comprendre pour le cerveau. Je sais que j'ai dit ma palette de couleurs prédominante serait l'orange, le vert et le marron, mais je dois dire que j'aime vraiment ajouter des notes de violet dans des images vraiment vertes. Cela semble vraiment se jouer depuis les greens. En plus des autres couleurs, je me suis amusée avec les violets dans les troncs d'arbres. Je les utilise également dans d'autres zones d'ombre. Ils ne sont pas vraiment saturés, mais ils font vraiment une grande différence. Tout comme pour les vignettes, après avoir fait mon premier lavage et l' avoir laissée sécher, je regarde mon image et je regarde mon image et je décide qu'il ne me reste plus qu'à ajouter du vert. Cela semble bien fonctionner pour moi, car je commence par établir des variations de couleurs et des couleurs locales pour les objets, puis j'harmonise le tout avec un lavage plus unifié et j' obtiens le rapport qualité-prix que je recherche. J'ajoute un peu de bleu à l'arrière-plan car je trouve que cela marie vraiment bien avec les éléments rougeâtres que j' ai au premier plan. Je suis un grand fan de ce vert bleuté riche. J'adore le fait que je puisse être vraiment libre et négligente dans mes lavages, car j' ai une ligne très solide sur laquelle je peux m' appuyer pour définir mes formes. Je n'ai même pas besoin de faire trop attention aux ombres, puisque j'ai défini les plus importantes avec mon dessin au trait. J'adore la douceur de la mousse lorsqu'on laisse l'aquarelle se mélanger. Comme vous pouvez le constater, à ce stade, l'accident que j'ai eu en dessinant, où j'ai foiré l'arbre de gauche , a pratiquement disparu. Maintenant, on dirait juste qu' une partie de l'arbre est un peu plus orange. Si j'avais utilisé de l'encre noire cela n'aurait pas été aussi imperceptible. J'aurais probablement quand même pu jouer en rendant les arbres un peu plus gris. Peut-être même donner à l'ensemble de l'image une teinte un peu plus bleue. J'apprécie vraiment la façon dont les éléments verts sur les morceaux d'arbre donnent l' impression que l'arbre est presque un peu transparent, pas tout à fait là. J'adore, cela donne à l'ensemble de l'image une touche un peu mystérieuse. Maintenant que j'ai ajouté un peu de bleu à l' arrière-plan, j'ai l'impression que l'image commence à prendre forme. J'apprécie les couleurs et elles semblent être équilibrées sur l'ensemble de l'image. Maintenant, je jette un dernier coup d' œil aux valeurs et j'essaie de voir s'il manque quelque chose quelque part. J' essaie vraiment de m'assurer arrêter avant de trop travailler, afin de pouvoir en faire un sketch. Je décide de donner un peu plus de forme au chemin au loin en ajoutant quelques ombres. J'adore la sensation de détente ressentie par cette peinture. N'oubliez pas d'utiliser des lavages plus longs plutôt que des lavages plus petits, et gardez votre idée claire dans votre esprit. Dans la leçon suivante, nous allons commencer une autre esquisse à l'encre. 11. Forêt fraîche : encre: Dans cette leçon, nous allons faire un autre croquis à l'encre. Dans cette leçon, je vais vous montrer un autre dessin que j'ai fait à l' encre d' abord et à l'aquarelle ensuite. Cette leçon portera sur la partie dessin. J'ai beaucoup aimé la palette de couleurs de la dernière esquisse, mais j'aime varier. Cette fois, j'utilise encre noire et je prévois de faire une esquisse principalement bleue [MUSIQUE]. Je veux vraiment voir comment l' encre noire va jouer avec le blues. J'utilise également un nom de plume différent cette fois, simplement parce que j'aime changer les choses. Celle-ci s'appelle la citrouille bleue. Cette plume est beaucoup plus lumineuse que celle que j'ai utilisée dans mon autre vidéo de dessin, et elle est également beaucoup plus douce à utiliser, ce qui signifie qu'il est beaucoup plus facile d'obtenir des traits de différentes largeurs. Mais c'est un peu plus difficile à contrôler si vous essayez de tracer une longue ligne droite. J'aime vraiment créer des textures plus petites avec cette plume, car elles finissent par être tellement intéressantes. Cependant, il est un peu plus difficile d'obtenir de petits détails de contrôle C'est donc parfait pour les esquisses car je n'arrive pas à me concentrer sur les détails. Comme indiqué pour l' autre dessin, mon objectif ici est de rester détendu et de prendre plaisir à dessiner. J'essaie de ne pas trop penser au résultat final. Je m'en tiens à ce que je pense être juste. Encore une fois, je commence par un croquis au crayon, mais c'est une ébauche, je n'ai pas vraiment l'intention de suivre les lignes. Ensuite, j'ai l'impression que toute la pièce peut s'exprimer avec mon stylo à encre. J'ai juste cette idée très basique d'une composition, dans laquelle les arbres de chaque côté s'appuient les uns sur les autres pour créer un tunnel avec les feuilles qui le surplombent. Je veux que mon point focal soit une forme ronde qui se trouve essentiellement au bout du tunnel. Ce sera plus léger que tout le reste. J'aime vraiment garder les choses simples en général. Il est tellement plus facile de commencer à dessiner et de profiter tout lorsque vous savez clairement ce que vous avez l' intention de faire. Si vous introduisez trop d'éléments contradictoires, même votre esprit s'embrouille. C'est tellement difficile de garder une trace de ce qui est censé être important. Comme je me concentre sur le tunnel qui traverse les arbres, je me concentre vraiment sur la définition des bords du tunnel. Lorsque je dessine le rond, je cherche à obtenir le plus de détails et valeurs les plus sombres là où se trouve le fond du tunnel. Je ne cherche pas à ajouter des détails partout et à tout expliquer. En fait, les bords de la page ne sont pas très intéressants. C'est un bon plan pour économiser du temps et de l'énergie lorsque vous peignez. Passez simplement votre temps là où se trouvent toutes les choses intéressantes. Cela fonctionne également très bien, simplement pour vous assurer que l'accent est mis sur votre composition là où vous le souhaitez. Encore une fois, j'aime beaucoup dessiner les textures des arbres. J'essaie de créer de plus grandes masses avec mes valeurs les plus sombres. Remarquez que le bas de l' arbre est assez sombre et que je continue à observer cette valeur sombre sur la terre en dessous. Le fait que vous ne puissiez pas vraiment dire où se termine l'arbre et commencent le feuillage et la terre contribue vraiment à le solidifier dans le sol. Lorsque vous dessinez à l'encre, il est bon de garder à l'esprit que vous n'êtes pas censé toucher vos lignes rouges. , plus vos lignes sont larges En général, plus vos lignes sont larges, plus elles mettent de temps à sécher. Le conseil traditionnel est de commencer par le coin supérieur gauche de votre document si vous êtes droitier et de passer à autre chose à partir de là. C'est ce que j'ai fait avec ce dessin . Parfois, cependant, vous voulez simplement dessiner les formes qui se trouvent au premier plan avant les formes en arrière-plan. L'une des raisons pour lesquelles je finis par déplacer et dessiner différentes parties du dessin est que j' évite les zones réellement humides. Si vous ne vous souvenez plus quelles lignes sont mouillées, c'est une bonne idée de faire une petite pause et de tout laisser sécher. C'est pourquoi j'aime vraiment faire deux dessins à la fois. Ainsi, lorsque j'ai besoin de faire une pause j'ai autre chose à faire. Avec le feuillage, j' aime vraiment créer différentes formes, puis dessiner des traits. Après tout, la seule chose que j'ai vraiment besoin de faire est de définir une sorte de toit au-dessus de mon tunnel. Encore une fois, j'essaie de faire attention à ne pas ajouter trop de détails en arrière-plan. Je veux indiquer des formes. Je veux que ça ressemble à ce sol des arbres, à des feuilles et à tout ça, mais je ne veux pas qu'ils soient définis. Je traite les bords du papier de la même manière, car je ne veux pas vraiment que l' accent soit mis sur eux. Je laisse juste les détails s'estomper vers les bords. Ici, je m' amuse à nouveau vraiment avec des textures expressives et j' aime utiliser ma pince douce. Je trouve que créer ces textures audacieuses est presque comme une expérience de méditation pour moi. Je me perds complètement, et c'est tellement relaxant. Essayez de trouver les choses dans lesquelles vous vous perdez vraiment et qui vous permettent de vous détendre lorsque vous dessinez. Je pense vraiment que c'est un objectif de faire de l'art uniquement avec les éléments que j'aime. Vous pouvez voir à quel point je concentre beaucoup plus de détails et d'efforts sur les bords de différentes formes. C'est parce que vous n'avez pas vraiment besoin de voir le reste pour le comprendre. Tant que le cerveau comprend les limites, il ne fait que combler le reste. La sensation que je recherche ici est certainement plus magique et surnaturelle que dans mon dernier dessin. Pour obtenir cet effet, il est particulièrement utile de laisser certains détails disparaître et les choses se fondre. Comme je compte poursuivre ce dessin à l'aquarelle, j'essaie également de ne pas trop le travailler. Si je dessine toutes les valeurs avec mon stylo, il ne reste tout simplement plus de place pour la couleur. Encore une fois, je cherche à rendre mon dessin suffisamment solide pour ne pas avoir à faire attention à la couleur. Toutes les formes sont déjà définies. Il existe également déjà une forte indication de l'emplacement des ombres les plus sombres. Certaines personnes aimeront passer à l'aquarelle à partir d'une simple esquisse , mais c'est ce que j'aime faire. Au fur et à mesure que mon dessin est sur le point d'être terminé, je veux m' assurer que mes ombres forment des masses solides et, dans ce cas, que je délimite suffisamment l' embouchure du tunnel. En d'autres termes, j'essaie de m' assurer que mon dessin exprime une déclaration forte et claire. Essayez de garder la déclaration que vous recherchez fraîche dans votre esprit lorsque vous dessinez et revenez-y de temps en et évaluez si vous faites réellement la déclaration que vous voulez qu'elle fasse. Vous aurez alors la possibilité de prendre des mesures correctives si vous remarquez que vous allez dans la mauvaise direction. Ou vous remarquerez peut-être que vous n'aimez pas vraiment l'idée de votre déclaration initiale et que vous souhaitez la modifier. [MUSIQUE] Ensuite, vous pouvez effectuer ce changement avec une intention claire. Il est cependant beaucoup plus facile de s'en tenir à l'original. Je pense que c'est l'un des dangers de l'art numérique. Il est trop facile de changer les choses pour ne pas vraiment apprendre à s'engager. faisant de l'art avec de l'encre, vous apprenez vraiment la valeur de la planification. Maintenant, n'oubliez pas laisser sécher votre encre avant de passer à la couleur. Dans la leçon suivante, nous allons ajouter de la couleur à notre esquisse. 12. Forêt fraîche : aquarelle: Dans cette leçon, nous allons ajouter couleur à l' esquisse à l'encre que nous avons réalisée précédemment. J'aimerais commencer par pré-mélanger certaines de mes couleurs, comme avant. Puis j'ai jeté le papier mouillé. Je veux vraiment que l'atmosphère de cette peinture soit calme et sereine. Je recherche une palette de couleurs harmonieuse avec principalement des bleus. Je sais que ce sera plus compliqué que mon autre croquis parce ces couleurs seront plus irréalistes, il sera donc un peu plus difficile de les imaginer. J'apprécie vraiment la façon dont le blues se présente à ce stade. Toute l'atmosphère semble légère, aérée et magique. J'ai cependant un peu de mal à imaginer comment je vais utiliser mes couleurs pour créer la perspective atmosphérique de cette image. Finalement, j'ai décidé d' utiliser du turquoise et du bleu en arrière-plan, et d'opter pour des verts bruns et jaunes au premier plan. Je suis un peu incertaine quant aux couleurs que j'utilise, et j' essaie simplement de trouver couleurs qui me conviennent lorsqu'elles sont sur le papier. Le but de cette peinture est toujours dessiner, de se détendre et de profiter du moment présent. J'essaie de me donner la possibilité d'expérimenter et d' échouer avec les couleurs. Pour jouer avec ce que j'ai et mes idées, sans trop me concentrer sur le résultat final. Il peut parfois être difficile de se concentrer sur le plaisir du processus lorsque vous ne savez pas exactement où vous allez et que vous avez l'impression d' aller dans la mauvaise direction. Ce peut être une bonne idée d'essayer d' observer ce que vous ressentez lorsque vous dessinez. Si vous commencez à vous sentir frustré agacé ou à avoir une attitude négative à votre égard, vous pouvez vous arrêter et réfléchir à ce que vous pensez réellement. Réfléchissez à ce qui se cache réellement derrière votre frustration ou votre négativité. Quelles sont les attentes que vous n'avez pas satisfaites et que vous vous êtes fixées ? Ensuite, vous pouvez essayer d'évaluer si ces attentes correspondent réellement à votre objectif de dessiner et de vous détendre. Réfléchissez à votre objectif. Tu es censé être créatif. Vous êtes censé vous détendre et expérimenter librement sans craindre l'échec. C'est une bonne pratique de vérifier de temps si vous faites réellement ce que vous vouliez faire. Dans un esprit d' expérimentation, j'essaie d'introduire différentes couleurs dans la peinture en ce moment pour voir si l'une d' entre elles me convient. J'ai l'impression que le vert au premier plan n'est pas vraiment ce que je recherchais, mais j'ai du mal à imaginer quelle serait la couleur qui fonctionnerait. J'ajoute quelques jaunes supplémentaires pour rester fidèle à mon idée selon laquelle le premier plan est plus jaune et brunâtre et l'arrière-plan bleuté. Mais je dois dire que je ne pense pas que les jaunes fonctionnent vraiment bien. Je pense que ce qui me manque peut-être, c'est plus de blues. Je décide d'ajouter plus de bleu à l'arrière-plan et un peu plus de violet. Je suis une grande fan de turquoise, alors j'opte pour une turquoise qui fait vraiment honneur à l'arrière-plan. Ensuite, je décide qu'un violet irait vraiment bien avec une turquoise, alors je continue vers le premier plan avec le violet. Je trouve qu'ils sont vraiment jolis ensemble. je ne suis toujours pas vraiment Mais je ne suis toujours pas vraiment fan du vert au premier plan. Le jaune était probablement une erreur. Pour que mon premier plan ressorte et que mon éclairage soit plus clair, je cherche à assombrir le premier plan maintenant, et comme je ne suis pas vraiment fan des jaunes, je cherche également à ajouter plus de bleu. Si vous voulez éviter cette frustration, vous pouvez choisir une palette de couleurs que vous avez déjà essayée sous forme de vignettes et qui vous convient parfaitement, ou vous pouvez créer une toute petite esquisse en couleur juste pour voir si les couleurs que vous prévoyez d' utiliser se marient bien ensemble. Personnellement, je pense vraiment que c'est agréable pour moi de pouvoir expérimenter, découvrir nouvelles choses et de pouvoir échouer. Je n'ai pas l'impression d'avoir beaucoup appris sur ce processus, même s'il s'est avéré un peu difficile. Parfois, lorsque vous faites quelque chose qui ne fonctionne pas vraiment, vous finirez par trouver une idée qui fonctionnera dans votre futur travail. Tout comme pour mon dessin à l'encre, je me concentre sur la définition des bords de mon premier tunnel. Je concentre mes valeurs les plus sombres sur le pied des arbres, les troncs d'arbres et les sous-bois qui bordent le chemin. J'aime beaucoup la façon dont le chemin finit par briller un peu et vous mener vers la lumière. Je trouve que les violets et les turquoises sont beaux, mais le premier plan me dérange toujours. J'essaie de voir si l'ajout de tons plus chauds aux arbres au premier plan les aidera à se démarquer de l'arrière-plan. Du côté des choses, je pense que j'aurais pu opter pour des couleurs un peu plus rouges ou brunes. Je commence à avoir l' impression de trop travailler sur le sketch à ce stade. Je suis à la recherche de modifications importantes que je pourrais apporter pour que cela soit terminé. Je décide, je vais juste ajouter plus de blues le premier plan tel quel et passer à autre chose. Lorsque vous dessinez, il est bon de le savoir au moment de lâcher prise et de passer à une autre esquisse. Dans la prochaine leçon, nous terminerons le cours et je partagerai avec vous quelques réflexions finales. 13. Réflexions finales: J'ai passé un bon moment à dessiner avec vous, j'espère vraiment que vous l'avez apprécié aussi. Maintenant, donnez-vous une tape dans le dos, pour vous offrir ce moment, pour vous détendre et faire preuve de créativité. Ensemble, nous avons appris à être plus indulgents envers nous-mêmes et envers notre art. Vous disposez désormais de tous les outils dont vous avez besoin pour vous lancer dans la création de forêts à tout moment. J'adorerais voir les croquis que vous avez faits. N'hésitez pas à les partager avec le reste de la classe et à découvrir ce que tout le monde a créé, afin que nous puissions tous profiter différentes manières dont la créativité s'exprime. Si vous publiez votre travail sur Instagram, utilisez ce hashtag pour que je puisse trouver votre travail. Si tu veux voir ce que je fais, tu peux me trouver ici. Si vous souhaitez en savoir plus sur le dessin au stylo profond, consultez mon cours sur le dessin au stylo profond pour débutants. J'aimerais connaître vos commentaires sur ce cours, afin de pouvoir vous offrir la meilleure expérience possible à l'avenir. Si vous l'avez aimé ou si vous avez des suggestions, hésitez pas à laisser un avis. [MUSIQUE] Au revoir les gars, passez une bonne journée, et j'espère vraiment vous revoir bientôt.