Réaliser des acteurs : débloquer des performances incroyables pour votre film

1. Introduction: Réaliser des acteurs m'a fait peur. Je ne savais pas quoi leur dire. J'ai fait des études de cinéma pendant quatre ans et on ne m'a rien appris sur la façon de parler aux acteurs. Alors je me suis contenté de l'imaginer, ce qui n'est certainement pas une bonne façon de faire un film Je m'appelle Dean Peterson et je suis cinéaste à Brooklyn, dans l'État de New York Au cours de ma carrière, j'ai réalisé trois longs métrages à petit budget qui ont été présentés dans des dizaines de festivals à travers le monde. Idp, un autre film qui a été présenté en avant-première à Tribeca, et j'en ai monté un autre qui a été présenté en avant-première J'ai également réalisé un tas de courts métrages en cours de route. Dans le cours d'aujourd'hui, je vais vous apprendre à vous parler et à diriger des acteurs. Si vous êtes cinéaste, il est probablement déjà arrivé que des acteurs vous aient fait peur pendant un tournage et qu' un acteur vous ait posé une question à laquelle vous ne saviez pas comment répondre Vous avez donc paniqué et peut-être avez-vous inventé quelque chose sur place, ou peut-être avez-vous essayé de donner une direction à un acteur ou de lui donner une direction pour qu' il vous regarde comme si vous parliez du grec ancien Si c'est le cas, ce cours est fait pour vous. Je vais vous donner les compétences dont vous avez besoin pour être en mesure de communiquer avec les acteurs et de leur communiquer efficacement en partie ce dont vous avez besoin. Nous allons passer en revue certaines situations qui vous sont peut-être familières et parler de certaines erreurs courantes, puis je vais vous proposer des outils que tout cinéaste pourra emporter avec lui et utiliser sur son prochain projet. Diriger des acteurs ne doit pas être effrayant. Une fois que vous avez compris comment les acteurs pensent et ce qu'ils attendent de vous en tant que réalisateur. Et une fois que vous aurez quelques armes secrètes dans votre arsenal, vos films seront non seulement meilleurs, mais vous aurez également plus de plaisir à les réaliser. Travailler avec des acteurs est ma partie préférée du cinéma. Et après ce cours, j'espère que ce sera aussi le vôtre. Ce cours s'adresse non seulement aux cinéastes, mais aussi aux réalisateurs de toutes sortes Ces conseils s'appliqueront, que vous tourniez un court métrage pour étudiants, un film hollywoodien à gros budget ou une pièce . Vous n'aurez besoin que de papier et d'un stylo pour prendre Si vous travaillez actuellement sur un script, associez les deux. Nous verrons comment le décomposer et le baliser pour mieux communiquer avec vos acteurs. Enfilons donc notre chapeau de réalisateur et commençons. 2. Parler aux acteurs: Les acteurs utilisent un tas d'approches différentes . Vous avez peut-être déjà entendu parler de Stanislavski, de Meissner, de méthode, etc. Quelle que soit l' approche utilisée ou non par l'acteur, votre travail en tant que réalisateur consiste à vous assurer qu'il dispose de ce dont il a besoin pour faire qu'il dispose de ce Il peut vous être utile d' avoir une compréhension de base de ces différentes méthodes. Mais selon toute vraisemblance, même si un acteur est formé dans une école de théâtre spécifique, cela n'apparaîtra probablement jamais. Par exemple, je n' ai jamais parlé d'une école de théâtre en particulier avec aucun acteur avec lequel j'ai travaillé. Quel que soit le processus et l'acteur utilisent , ils sont principalement internes et c' est un outil qui les aide à faire leur travail uniquement pour eux. Une partie de leur travail consiste à prendre le script et votre direction et à le traduire en quelque chose qu'ils peuvent utiliser en interne. Les acteurs sont des maîtres en la matière. Ne vous inquiétez donc pas trop quant à l'adaptation votre orientation à telle ou telle technique, cela dit, il y a certaines choses que vous pouvez faire ou auxquelles vous pouvez réfléchir qui peuvent leur faciliter la tâche Souvent, vous aurez envie de faire plus d'une prise de quelque chose. Si c'est le cas, vos acteurs se demanderont probablement pourquoi lorsque vous dites « couper », d'accord, c'était génial. Allons-y encore une fois. Vos acteurs voudront probablement une orientation, quelque chose à essayer ou à faire différemment. Donnez-leur quelque chose si la mise au point n'était et que vous voulez le refaire pour l'appareil photo, dites-leur si leurs performances ne sont pas encore au rendez-vous. Travaillez avec eux. Ne vous contentez pas de faire cinq prises sans donner à vos acteurs quelque chose de différent à faire. Les acteurs ne veulent pas simplement se balancer aveuglément dans le noir Laissez-moi vous donner un exemple. J'ai déjà travaillé comme monteur vidéo. Lorsque je soumettais le montage d'une vidéo à mon patron, il me disait que la musique ne fonctionnait pas vraiment. Alors je leur ai demandé : OK, pourquoi ça ne marche pas ? Et ils n'auraient pas de réponse pour moi. Ils m'ont juste dit d' essayer autre chose. J'essaierais donc quelque chose de différent qui ne semblait pas non plus fonctionner pour eux. C'était incroyablement frustrant. Je n'ai eu aucun problème à essayer différentes options de chansons. Je voulais juste un objectif, quelque chose sans marimba, morceau de chanson plus lent et plus minimaliste De même, vous devez donner à vos acteurs de quoi travailler. Si vous leur demandez simplement de faire la même chose encore et encore, vous devez vous demander pourquoi vous devez faire plus de prises. Une autre chose que vous devriez essayer de faire est de leur dire quelque chose après chaque prise. Les acteurs sont souvent comme des gymnastes olympiques. Ils suivent leur routine, puis ils regardent vers les juges pour voir quel a été leur score. Les acteurs sont généralement concentrés sur la scène et ne regardent pas nécessairement leur performance. Ils comptent donc sur vous pour leur faire part de leurs commentaires sur la façon dont cela s'est passé. Donc, même si vous avez obtenu ce dont vous avez besoin et vous passez à autre chose, dites-leur quelque chose. Même si quelque chose d' aussi simple que cela était merveilleux. Cela montrera que vous êtes attentif et leur savoir qu'ils n'ont pas à regarder leur propre performance. Parfois, cependant, une performance ne fonctionne pas pour vous. Dans la leçon suivante, nous verrons ce que l'on doit dire de l'acteur lorsque cela se produit 3. Corriger les performances: Parfois, la performance de l'acteur n'est pas tout à fait ce que vous voudriez qu'elle soit. Dans ce cas, vous devez leur communiquer ce que vous recherchez, ce qui, en fin de compte, est ce qu' est la mise en scène. Mais lorsque vous parlez à des acteurs, vous devez imaginer les choses de leur point de vue. Imaginez ce que ce serait d'être acteur et de recevoir cette direction. Une bonne règle de base est de leur donner des éléments exploitables Voici ce que cela signifie. Imaginez que vous donnez l' ordre à un acteur de faire peur. Faire peur n'est pas une action que quelqu'un peut faire. C'est le résultat que tu souhaites. Mais qu'est-ce que cela signifie ? Que voulez-vous que l'acteur fasse ? Tu veux qu'ils crient ? Tu veux qu'ils se baladent à toute vitesse ? Voulez-vous qu'ils regardent sans rompre le contact visuel ? Tout cela pourrait potentiellement être interprété comme faisant peur. C'est ce que l'on appelle la direction orientée vers les résultats. Vous voulez que les résultats soient ceux d'une personne qui apparaît d'une certaine façon à l'écran ou sur scène. Mais ce que le public voit n'est que le résultat de ce que fait l'acteur. Ce serait comme demander à un chef de vous préparer quelque chose de délicieux. D'accord, mais tu veux un smoothie ? Tu veux un steak ? Il en va de même pour les acteurs. Donnez-leur une action à effectuer plutôt que le résultat que vous souhaitez obtenir. Si tu veux qu'ils arrachent leur chemise et crient, dis-le-leur. Arracher sa chemise et crier, c'est quelque chose qu'un acteur peut faire Ce que leurs actions transmettent. De la bravoure, de la sensualité ou de l'ennui en découleront. réalisateurs inexpérimentés ont souvent l'impression de devoir donner de longues directives fleuries à un acteur pour avoir l' air de savoir ce qu'il fait longues directives fleuries à un acteur pour air de savoir ce qu'il Je comprends tout à fait. J'étais pareil quand j'ai commencé. Je blaguais encore et encore jusqu'à ne plus savoir de quoi je parlais Mais le plus souvent, le réalisateur finit par donner des directives contradictoires et confuses. Tu l'aimes, mais tu es en colère contre elle. Tu n'as jamais été aussi heureuse de ta vie, mais en même temps tu es triste que tes parents ne soient pas là pour le voir. Cela va sérieusement embrouiller un acteur. Tu veux qu'ils soient heureux ou tristes ? Dans la vraie vie, les humains sont complexes et peuvent ressentir une pléthore d' émotions à Mais les acteurs ne peuvent faire qu' une seule chose à la fois. Essayez de définir ce que vous voulez qu'un acteur fasse et assurez-vous que cela n'est pas contradictoire lorsque vous donnez des directives vagues, imprécises ou contradictoires En plus d' être généralement une mauvaise orientation, cela peut aussi être très subjectif. Pour en revenir à notre exemple précédent, dire que vous voulez que quelqu'un fasse peur peut signifier beaucoup de choses. Une personne pourrait penser que c'est effrayant. Le comportement est criant. Une autre personne pourrait penser que le silence absolu fait peur. Ce sont deux interprétations très différentes mais tout aussi valables d'Acting scary. Ainsi, au lieu d'adopter une orientation générale axée sur les résultats, donnez à vos acteurs des mesures concrètes et spécifiques à faire et ayez confiance dans le résultat acteur ne peut pas vraiment mal interpréter quand on lui dit de claquer une porte Bien sûr. Il existe différentes manières de claquer une porte, mais il est beaucoup plus facile de travailler avec un acteur pour obtenir le bon claquement de porte. C'est pour être sur la même longueur d'onde quant à ce que signifie agir en colère. Dans la leçon suivante, nous verrons d'autres moyens d'éviter de donner une orientation axée sur les résultats 4. Donner une direction exploitable: En tant que directeurs, nous voulons éviter de donner une orientation axée sur les résultats. Et la meilleure façon de le faire est d' utiliser ce que l'on appelle les verbes d'action Ce sont des moyens simples, efficaces et directs de transmettre aux acteurs ce que vous voulez qu'ils fassent. Il n'y a aucune confusion lorsque vous dites « claquez la porte ». Slam est un verbe d'action et ce sont tes amis. Les verbes d'action vous permettent d'être aussi clair et succinct que possible Parfois, il suffit de dire un mot à un acteur pour exprimer ce que vous voulez. Si vous demandez à un acteur de blesser quelqu'un dans une scène, je ne pense pas que vous puissiez être plus clair. n'y a aucune raison de dire que tu es en colère contre ta sœur pour ces années de négligence et c' est l'occasion pour toi de te venger ? Non. Dis juste que tu veux la blesser. Le reste est sur la page. Essayez-le et voyez à quel point les verbes d'action peuvent être puissants. En parlant de verbes d'action, voici votre nouvelle Bible Il s'intitule Actions, the actors, Thesaurus de Marina Calderon et Maggie Oui, il est dit que c'est pour les acteurs, mais vous en ferez autant usage qu'eux. Dans une leçon ultérieure, je vais vous montrer comment parcourir votre script et décomposer chaque scène en verbes d'action afin de les avoir à portée de main Les verbes d'action initiaux sont parfaits pour diriger les acteurs, mais que se passerait-il si la scène n'était qu'un tas de dialogues sans action réelle pour les acteurs ? Eh bien, donnez-leur quelque chose à faire. C'est ce que j'aime appeler le business. Si un personnage est censé être anxieux et frustré, demandez-lui de ramasser un tas de spaghettis secs renversés sur le sol pendant la scène où, si un personnage est censé être distrait ou ignorer quelqu'un , faire un jeu de mots croisés Ce type d'activité donne de la texture à une scène et nous ajouterons du dynamisme et de la vie à une performance Les acteurs apprécient d'avoir quelque chose à faire, au lieu de rester là à discuter. Bien entendu, il faut agir. S'il s'agit d'une scène de contre-interrogatoire en salle d'audience, ne demandez pas à l'acteur de jouer au badminton, mais peut-être qu'il peut fléchir avec le fermoir L'action n'a pas besoin d'être importante. Parfois, plus c'est petit, mieux c'est. Une dernière chose que je veux mentionner ici, c'est que peu importe la direction que vous donnez à un acteur, restez concis Ne dis rien en 100 mots. Quand tu peux le dire en dix. En ce qui me concerne, j'essaie généralement de m'en tenir à une phrase. Je sais que si je donne des directives en plusieurs phrases, j'ai tendance à divaguer. Et une fois que vous commencez à faire de la randonnée, vous n'êtes probablement pas clair S'il y a beaucoup de choses que vous souhaitez ajouter ou modifier dans une scène. Faites-le pièce par pièce. Ne le dites pas à un acteur. Déplacez-vous ici et faites-le un peu plus lentement, peu plus vite, et mettez l'accent sur ce mot et sur R4 dans la pièce, puis faufilez-vous, c'est trop et l'acteur s'enlisera et nous travaillerons tellement dur pour tout cocher sur la liste qu'ils ne seront pas vraiment présents Donnez-leur une chose à essayer, comme le gêner lorsqu' il essaie de partir. Si cela vous plaît, dites : « C'était génial ». Essayons à nouveau, mais cette fois, rien. Construis-le pièce par pièce. Dans la leçon suivante, nous allons passer en revue quelques derniers outils de mise en scène qui vous aideront à compléter votre enfant 5. Outils de direction: Parfois, vous travaillez sur une scène avec un acteur et vous êtes perplexe, sa performance ne fonctionne pas et vous ne savez tout simplement pas quoi lui dire de faire ou il vous pose une question dont vous ne connaissez pas la réponse Il y a quelques questions et sujets dont vous pouvez discuter avec eux qui vous aideront à trouver une solution. Regardons une scène d'un de mes films que nous pouvons analyser. Hé, hé, j'ai fait tout ce chemin. Vous pouvez au moins utiliser moi et Macro Room, votre poids. Arrête. Attends une seconde. Ce que tu fais réellement, c'est ce que le gars a dit. Je ne veux pas en parler. Pourquoi ferais-tu ça ? Pourquoi faire pesto comme Tony et le mettre ensuite dans la glacière ici Je ne sais pas Ça me fait me sentir mieux. êtes-vous ? Oui, je vais bien. C'est vraiment très inconfortable pour moi. Alors pouvons-nous simplement arrêter d'en parler ? Oui. D'accord. Amende. Tu as pris le bus pour venir ici ? Oui. Tu veux que je te raccompagne chez toi ? Je vais en fait passer la parole à Joe. Le premier outil qui sera utilisé est celui des faits. Je vais donc créer une catégorie qui renseigne sur les faits. Les faits sont un outil puissant lorsque vous parlez à des acteurs. Et ce qu'il y a de mieux chez eux, c'est que vous n'avez pas à comprendre quoi que ce soit déjà sur la page. Si un acteur vient vous voir et vous dit : pourquoi mon personnage ferait-il ça ? Vous pouvez simplement répondre en leur racontant les faits de la scène. Écrivons donc certains faits de cette scène. Kendra vient de découvrir le secret le plus profond de Beth. Le temps est glacial. Kendra a dû s' habiller et prendre le bus pour aller chercher Beth Kendra va être déposée chez Joseph. Tout cela peut être utilisé pour aider un acteur à comprendre comment jouer la scène, même le simple fait qu'il fait froid peut aider à déterminer la façon dont un acteur pourrait aborder la scène. Ils sont peut-être plus pressés de monter dans la voiture de cette façon. Ce n'est pas non plus quelque chose que j'ai dû inventer. Ce ne sont que des faits du script, ils vont donc soi et peuvent vraiment aider à éclairer une performance La prochaine concerne les questions. C'est un peu la méthode socratique de mise en scène, où vous pouvez aider un acteur ou comprendre la scène simplement en leur posant des questions Ensuite, ils font tout le travail pour vous. Pour en revenir à notre exemple de scène, écrivons quelques questions pour les acteurs. Kendra était-elle en train de faire quelque chose quand Beth a appelé ? Beth a-t-elle déjà vraiment compté sur quelqu'un pour faire quelque chose pour elle ? Vous n'êtes pas obligé d'en faire une tonne, quelques-unes suffiront. Ensuite, si un acteur est bloqué, vous pouvez simplement lui poser l'une de ces questions. Par exemple, si l' acteur qui joue Beth ne réagit pas comme vous l'imaginiez, vous pouvez simplement lui demander si Beth a déjà été aussi vulnérable devant quelqu'un C'est une manière puissante d'entrer dans une scène. Parcourez chaque scène de votre scénario et notez quelques questions que vous pourriez poser à vos acteurs. La suivante concerne les images. C'est à ce moment-là que vous dites à un acteur quelque chose qu'il peut imaginer tout en faisant une scène qui peut aider à éclairer sa performance. en revenir à notre exemple de scène, je pourrais dire à l' acteur qui joue Beth d' imaginer un moment de votre vie où vous avez été le plus humilié. Cela leur donnera une bonne idée de ce que vit le personnage et de la manière de le jouer honnêtement Si vous donnez cette direction à un acteur, ne lui demandez pas ce qu' il a été le plus humilié de sa vie , c'est juste pour qu' trouve personnellement sa place dans la scène C'est quelque chose qu'ils peuvent utiliser en interne. Les images sont des instructions efficaces et ne se résument souvent qu'à une courte phrase. La suivante, c'est ce qui vient de se passer. C'est comme si vous racontiez les faits d'une scène. Expliquer ce qui vient d'arriver à un personnage ou ce qui s'est passé dans la scène précédente peut aider à informer rapidement et efficacement un acteur sur la manière dont il doit jouer une scène. Vous venez de passer un long quart de travail épuisant. Tu es restée debout dans le froid pendant une heure. Tu viens de te disputer au dîner. Ce sont toutes de très bonnes choses que vous pouvez dire à un acteur aider à clarifier comment jouer une certaine scène. Et encore une fois, ce n'est pas quelque chose que vous devez inventer. Le script fait tout le travail pour vous. Le suivant est objectif. C'est l'un des outils utilisés par les acteurs et qui peut sembler un peu hippie à certains cinéastes, mais beaucoup d'acteurs y pensent Vous devez donc au moins être prêt à en parler. L'objectif est ce qu'un personnage veut ou a besoin dans une scène. Parfois, c'est simple et explicité dans un script. Frank veut rompre avec un A par exemple, mais parfois ce n'est pas précisé et vous devrez faire un choix Cela peut être quelque chose d' aussi simple que d'obtenir une validation. Le suivant concerne les verbes d'action. Comme on en a parlé tout à l'heure. verbes d'action sont incroyablement puissants et efficaces à avoir dans votre arsenal Passons en revue la scène et donnons à chaque personnage quelques verbes d'action Donc pour Beth, j'écrirai Evade, Escape, Cower et Hide Et pour Kendra. Très bien, poursuivez, interrogez, explorez et enfin, couvrez-vous Ces directions. Allez au cœur de ce que vous voulez qu'un acteur fasse sans embrouiller les choses ni les embrouiller La prochaine concerne les ajustements. Le dernier outil à ajouter à votre kit est celui des réglages. C'est là que vous demandez à un acteur de jouer une scène comme s'il la jouait comme s'il s'agissait de votre petit neveu Joue-le comme si c'était demain que tu devais le faire avec le doigt. Fais comme si la personne à qui tu parles était vraiment célèbre. Il s'agit d'un autre outil qui peut aider un acteur visualiser la performance que vous recherchez. C'est aussi l'occasion pour vous de faire preuve d'un peu créativité et de sortir des sentiers battus avec votre mise en scène. Pour rappel, voici à nouveau la liste des outils Pour chaque film que je réalise, je passe en revue le script scène par scène et je remplis chacune de ces catégories. Cela m'oblige non seulement à vraiment réfléchir au scénario et à la façon dont je vois le film se dérouler dans ma tête. Mais regardez aussi, il vous donne un aide-mémoire pratique auquel vous pouvez vous référer à tout moment . Grâce à ces outils, vous serez mieux préparé et prêt à répondre à toutes les questions et à répondre à toutes les questions de l'acteur Vous serez étonné de voir à quel point vous vous sentirez mieux préparé une fois que vous aurez créé ce document. Et cela suscitera des tonnes de nouvelles idées et perspectives auxquelles vous n'auriez jamais pensé. Pour cette leçon, votre tâche consiste donc à utiliser cette liste d'outils, à parcourir et à analyser script sur lequel vous travaillez ou que vous prévoyez de tourner. Parcourez scène par scène et décomposez-la, notez quelques questions, des verbes d'action, des ajustements, etc. Si vous n'avez pas de script sur lequel vous travaillez actuellement, téléchargez le script de l'un de vos films préférés et utilisez-le pour vous entraîner La meilleure façon de se familiariser avec ces choses est de les utiliser réellement. Il est donc temps de les mettre en pratique 6. Collaborer sur le plateau: Vous avez donc tous vos canards d'affilée. Vous avez analysé chaque scène de votre script et vous avez créé un document d'analyse détaillé avec des verbes d'action, des ajustements et des images prêts à l'emploi Ensuite, un acteur vient vous voir entre deux prises et a une toute nouvelle idée sur la façon de faire une scène. Ce que vous attendez de moi, c'est annule tout ce que j'ai fait et que j'essaie quelque chose de nouveau. Que faites-vous dans cette situation ? Tu leur dis de faire une randonnée, non ? En fait, non. Cela peut être très effrayant pour les cinéastes, surtout pour les nouveaux, de s'ouvrir aux idées des autres Après tout, nous sommes des génies et nous savons ce qui est le mieux, non ? Parfois, mais je vous encourage vivement à laisser parler votre ego et à laisser les acteurs apporter leurs idées. Les acteurs ont souvent de nouvelles idées incroyables auxquelles vous n'avez peut-être jamais pensé. Après tout, ils ont probablement pensé au script plus que quiconque, même vous. Et si vous ignorez ces idées, vous risquez de rater des occasions de rendre votre film aussi riche et intéressant qu' il pourrait l'être au cours du processus. De plus, vos acteurs leur donneront souvent l'impression que leur contribution n'est pas valorisée, ce qui peut les amener à cesser de s'ouvrir, qui est vraiment le contraire de ce que vous voulez qu'ils fassent. Vous voulez créer un environnement sur le plateau où les acteurs sentiment de pouvoir faire des suggestions et faire part de leurs commentaires. Si quelque chose ne fonctionne pas dans une scène, ou s'ils ont une idée qui pourrait la rendre plus intéressante. Vous voulez qu'ils se sentent en sécurité lorsqu'ils s'adressent à vous pour l'exprimer. Vous avez ce dont vous avez besoin dans la boîte et l'acteur a l'impression que vous l'écoutez réellement. Gagner leur confiance leur permettra de donner les meilleures et les plus honnêtes performances création d'un environnement ouvert et collaboratif a cependant ses limites. Vos acteurs et votre équipe doivent avoir l' impression d'appartenir à une équipe qui contribue et travaille ensemble pour créer quelque chose de merveilleux. Mais je voudrais faire une petite suggestion. Faites savoir à tous les participants que leurs idées sont les bienvenues et que vous les étudierez et les testerez, mais qu'ils devraient vous les communiquer en privé. Cela peut être très difficile pour les acteurs. Si, pendant que vous essayez de comprendre une scène, la personne chargée du son dit : «   Hé, tu devrais essayer ça ». Peut-être, mais si cela va à l'encontre de ce que vous recherchez, cela peut vraiment embrouiller les acteurs. Si votre mère dit que vous pouvez aller dormir chez vous, mais que votre père dit que vous êtes bloquée, vous allez vous sentir tiraillée dans deux directions et vous ne saurez pas quoi faire Vos parents devraient se réunir seuls, déterminer quelle est leur décision, puis vous la présenter. Et il en va de même pour le début 7. Réflexions finales: Les acteurs ne font pas peur. Une fois que vous avez compris comment ils pensent et ce qu'ils attendent de vous, les diriger peut être assez simple et amusant. J'espère que ce cours a un peu démystifié le processus d'acteur et vous a donné les outils dont vous avez besoin pour communiquer efficacement avec les acteurs avec un peu de pratique et Cela peut être incroyablement excitant de collaborer personnellement avec des acteurs C'est la partie que je préfère de tout le processus de réalisation d'un film, et j'espère que ce sera aussi la vôtre à l'avenir . Si vous avez d'autres questions ou suggestions à partager, veuillez les laisser dans la section de discussion en classe. J'adorerais les entendre et m' assurer de partager une copie de l'analyse de votre script que vous avez écrite pour la scène d' exemple Ce serait amusant de voir les idées différentes de chacun. Merci beaucoup d'avoir regardé, et je vous verrai au prochain cours.