Réalisation d'un manga - Les bases pour créer le concept d'une histoire courte

1. À propos de ce cours: Avez-vous déjà voulu dessiner votre propre Munger ? Mais vous avez des difficultés quand il s'agit de planifier votre propre projet ? Ou êtes-vous un illustratif qui veut aller dans l'art séquentiel ? Alors ce cours est pour vous. Mon nom est Olga regarde donner du studio yoga. J' ai publié Munger professionnellement, et je suis amoureuse de Munger depuis de nombreuses années. Dans cette partie de mon cours, Siri, je vais vous apprendre à tourner entre les idées dans Ne pas exécuter le concept à base de plantes pour une nouvelle. Une des premières choses que j'ai appris quand je commence à dessiner Munger était l'importance de pouvoir dépeindre une histoire sur la quantité limitée de pages, soit quatre concours ou pour un éditeur, C'est une compétence qui est absolument essentiel. Maintenant. Je voudrais partager mes connaissances avec vous. Prenons cette idée incroyable qui sont toujours coincés dans votre tête sur du papier. Alors commençons 2. Introduction: avez-vous le rêve de niveler, entre autres touches, le cœur des lecteurs. Mais quand il s'asseoir et essayer de penser à un concept, vous pensez probablement à un hors de ces super longues histoires comme l'eau de Javel étroit orteil, Dragon équilibre sur assuré une pose E. Vous pouvez commencer à rouler l'histoire vers le bas, mais la tâche est tellement redoutable, et il est si difficile de suivre tous les personnages et les histoires que le projet finit par être abandonné. Si ça t'est arrivé, tu n'es pas seul. C' est l'une des erreurs les plus courantes que font les débutants, et presque tout le monde l'a fait. C' est vous donner un défi qui est tout simplement trop grand. Tu devrais te rendre compte que le plus souvent ils ne le sont pas. Les gens qui ont créé de si longues histoires n'ont pas commencé avec eux Avant de tenter créer un projet avec 2050 volumes ou plus, ils ont travaillé sur des histoires plus courtes, un court métrage de moins de 50 pages ou un volume d'histoires. Vous devez apprendre à vous adapter avant de tenter quelque chose de grand. Vous devez savoir combien de pages vous aurez besoin pour certaines scènes. Obtenez un aperçu de votre rythme, même expérimentez votre style. Et pour cela, les nouvelles sont parfaites. N' essayez pas d'émuler. Optez longueur Munger. Je veux dire, je comprends. Il a une tonne de réduction. Aussi des personnages, histoires impressionnantes et le développement de personnages, mais sans aide. Et sans qu'un grand éditeur soit votre fortune pour le dessiner, vous êtes assis pour le désastre. Ne commencez pas par quoi que ce soit qui prendra plus d'un an à accomplir quand vous êtes un débutant, généralement le Munger que vous voyez, mais l'Amérique populaire ne l'est pas. Leurs débuts. Le travail commence plus en gain d'expérience. Il y a des chances que vous ne terminiez pas votre premier projet. Vos compétences pourraient s'améliorer tellement qu'à la page 10 ou 20, la qualité de vos premières pages pourrait vous faire peur. Ou vous risquez de perdre de l'intérêt, c'est pourquoi faire des histoires courtes au début est si important. Vous devez obtenir l'expérience de finir quelque chose. En outre, vous devez acquérir de l'expérience en racontant une histoire à petite échelle avant de passer à quelque chose de plus grand. Vous savez, vous pouvez raconter une histoire sur 5 à 8 pages ou 16 ou 20 en fait, une des raisons pour lesquelles les gens ont tendance à commencer par un EP évaluer le projet ISS, parce qu'ils n'ont jamais appris à raconter une histoire à petite échelle et finissent littéralement se dessinant dans un coin et abandonnant leur monstruosité hors histoire parce qu'ils ont perdu la menace ou en ont eu marre. Faire une nouvelle vous apprendra ce qui est essentiel à votre histoire et ce qui peut être omis ou ce qui peut être compressé. Gardez-le simple, gardez-le court et construisez. L' abus tue avec chaque projet, ce sera plus génial. Plus d'une fois, j'ai entendu des éditeurs dire que la plupart des projets Munger réalisés par des débutants doués ne passent pas page 20. Dans ce cas, sont des débutants qui étaient en fait assez verrouillés pour prêter un concert payé avec un éditeur, et ils ont toujours échoué, car ils choisissent l'expérience de la réalité hors d'avoir réellement à créer un Munger pour le s'est jumelé avec la pression hors de ces lignes et la lettre High Attentes sur notre bloc. Leurs histoires ont été abandonnées, les contrats ont été annulés parce qu'ils savaient seulement comment aborder le projet et qu'ils avaient l' expérience en dehors. Après avoir terminé des histoires courtes. Eh bien, vous n'avez pas à subir le même sort dans ce cours. Je veux t'apprendre à créer une nouvelle pour un manga. Quand j'ai commencé un crédit, un certain nombre de nouvelles qu'ils allaient soutenir les éditeurs était pour obtenir leurs opinions. Et j'ai aussi créé des nouvelles pour le concours, ce qui m'a aidé à prêter un concert d'édition. Plus tard pour ce cours, j'ai pensé au défi de créer un concept pour notre Munger de 20 pages. Vous pourriez l'appeler le numéro majeur ou à la cour et le rédacteur en chef, le maudit 20 parce que tant de projets n'ont pas dépassé ce nombre de pages. Cela signifie que le projet a été abandonné avant cela. Et puisque c'est la poubelle, si vous ajoutez la couverture, votre il paginé quand vous le voulez, ne le ravageur. Si vous êtes en mesure de créer un article de 20 pages, vous serez en mesure de créer 180 pages histoire et plus parce que essentiellement le processus désactivé, création d'un projet plus grand. Similaire 3. Quelques choses à considérer: Ne soyez pas perfectionniste. y a de fortes chances que vous attendiez trop de vous-même, que vous attendiez qu'un miracle se produise, que vous soyez perfectionniste, vouliez prêter et devenir un best-seller, vouliez être le meilleur dessinateur, le meilleur pour créer quelque chose similaire à l'une de vos séries préférées. Peut-être essayez-vous d'apprendre tout ce qu'il y a à savoir sur le manga avant de vous lancer dans l'édition. Si vous poursuivez ce cours, il se peut que vous passiez les dix prochaines années à apprendre. Tout ce qu'il y a dans le manga. n'avez toujours pas l' impression d'être prêt. Je connais des gens comme ça. J'ai des amis comme ça. J'ai des amis qui avaient les compétences nécessaires pour réussir dans le monde du manga il y a 18 ans, mais qui n'en ont rien fait parce qu'ils n'arrivaient tout simplement pas à surmonter ce perfectionnisme. Tu n'en as pas besoin. J'ai envie de créer de meilleurs dessins. Je le sais vraiment. Mais en visant la perfection, vous vous retenez délibérément, vous enchaînez les mains et les pieds et demandez pourquoi vous ne progressez pas aussi vite que vous le souhaitez. Alors arrêtez de vous forcer à être parfait. Vous n'avez pas besoin d'avoir acquis toutes les compétences possibles avant de commencer à dessiner des mangas, apprises pendant que vous le faites. Pourquoi ? Parce que dessiner un manga vous montrera où se situent vos forces et vos faiblesses. Les choses sont simples, efficaces, efficaces et simples. Nous construirons le pont qui leur permettra de surmonter leur base de blocs artistiques, de frustration et d'épuisement professionnel. Apprenez ce qui compte réellement pour l'histoire que vous voulez raconter. Vous n'avez pas besoin de savoir dessiner des vaisseaux spatiaux ou un créateur pour dessiner une histoire médiévale. Et vous n'avez pas besoin de savoir dessiner une armure lorsque vous racontez une histoire de vie moderne. Savez-vous combien de temps il s'est écoulé entre le moment où j'ai commencé à dessiner sérieusement et six mois entre ma première soumission à un éditeur, six mois, pourquoi ? Parce que j'ai tout de suite commencé à dessiner des mangas. Ce faisant, j'ai rapidement trouvé ce qui m'a le plus difficile et ce qui m'a le plus difficile qui m'a aidée à rationaliser mon processus d'apprentissage. Lorsque vous connaissez les compétences de votre jambe, vous pouvez aborder les problèmes de front. Bien sûr. Je n'ai pas obtenu de contrat d' édition tout de suite. Il m'a fallu encore quatre ans obtenir mon premier contrat avec l'éditeur. Mais je peux vous dire par expérience que le fait de m'y prendre de cette façon a rendu ma courbe d'apprentissage incroyablement rapide et m'a fait progresser extrêmement rapidement. De plus, cela m'a évité quelques années de frustration inutile. Alors arrêtez de vous préparer à l'échec. Commencez à vous préparer au succès. 4. Secrets d'affaires: Je vais vous révéler quelques secrets dont personne ne parle pour une raison ou une autre. Premièrement, vous n'avez pas besoin de perfection pour les mangas. Vous avez plutôt besoin de rapidité et de cohérence. Permettez-moi de développer. Même lorsque vous travaillez pour un éditeur, ils ne s'attendent pas à ce que vous dessiniez parfaitement, mais ils s'attendent à ce que vous dessiniez assez rapidement pour respecter les délais et maintenir la même qualité globale de vos dessins. Si la qualité augmente, comme c'est parfois le cas avec le temps et l'expérience, tant mieux. Mais si vous avez l'intention de passer plus de 40 heures sur une page de manga, vous feriez peut-être mieux de vous lancer dans l'illustration. Vous n'avez pas besoin d'être un petit monstre pour améliorer vos antécédents, sauf si c'est votre passion. Je veux dire, je comprends. J'adore créer des arrière-plans complexes et détaillés et j'ai failli ruiner ma santé lors de mon premier projet plus long. Donc, si ce n'est pas votre truc, ne vous sentez pas obligée de le faire. Je vais vous parler de deux choses qui, selon mon éditeur, nous tiennent vraiment à cœur. premier concerne les visages du personnage, comme les expressions faciales, l'humeur, les cheveux. Ensuite, l' histoire et les dialogues. À moins que votre lecteur ne soit un mendiant et fétichisé, il passera moins d'une fraction de seconde en arrière-plan. Et je ne dis pas qu'avoir un beau fond d' écran est une mauvaise chose. Cela peut certainement ajouter à l'ambiance et améliorer la qualité de votre manga. Mais le niveau de détail de vos arrière-plans devrait-il être un obstacle entre vous et la publication de votre manga ? Vous pensez que les magnifiques arrière-plans qu'ils voient souvent dans les mangas ont été dessinés par un manga, découpés eux-mêmes. Le plus souvent, ils ont été dessinés à l'aide ou transférés à partir de photos à assistance, ou copiés à partir de livres spéciaux, décalages, de collections de paysages ou même de notre ton d'écran. La 3D est également de plus en plus utilisée grâce à des logiciels tels que clips, ketchup ou blender. Pourquoi ? Parce que les arrière-plans prennent du temps et un diagramme temporel, lorsque vous dessinez un manga, trois références. Certaines personnes pensent que l'utilisation de références est en quelque sorte de la triche. Et ce n'est pas le cas, du moins si vous ne confondez pas cela avec l'adaptation et qu' il y a une différence. Copier, c'est prendre l'œuvre d'une autre personne et recréer ligne par ligne sans y faire référence, même si certains utilisent parfois ce terme dans ce contexte. Il fait référence à la prise d'images et, sur cette base, développement de votre propre contenu, reprenant certaines parties des références et en les modifiant pour les adapter à vos projets. Vous pouvez faire une pause, mais dessinez-la sous un angle différent. Vous pouvez prendre la texture d'une pierre et appliquer vos propres dessins du sol, etc. Vous créez toujours votre propre composition, vous créez toujours votre propre art. Et ce n'est pas de la triche. Cela fonctionne intelligemment. Comme mentionné précédemment, il est assez courant d'utiliser des photos pour les arrière-plans. Souvent, Manga Car envoie son assistance pour prendre des photos d'un certain scénario sous différents angles. Et cela sera ensuite transféré à encre en utilisant une table lumineuse en arrière-plan. Il existe de nombreux ouvrages de référence dont objectif peut différer exactement, non seulement pour le contexte, mais aussi pour les personnages et les poses. Pour les mannequins, oubliez les mannequins en bois. L'artiste d'aujourd'hui utilise le corps, le cône, le corps, Chan, Figma, l'archétype. Et si vous voulez dépenser un peu plus d'argent, tout en ayant plus de fiabilité et de formabilité. honoraires et les honoraires sont essentiellement des poupées spongieuses formables qui sont plus anatomiquement correctes que les archétypes Body Cone et Figma et qui peuvent prendre des poses plus réalistes, par exemple, moyennant des frais et vous pouvez vraiment croiser les bras. Il existe également une application que vous pouvez utiliser comme Easy Pauser. Tout est parfaitement légitime. Clip Studio Paint propose également des modèles 3D que vous pouvez utiliser, tout comme Blender. Tout est parfaitement légitime. Je le répète, utiliser ces mannequins comme référence n'est pas de la triche. En fait, en les posant pour les dessiner, vous apprenez à votre cerveau à penser comme cinq matériaux en 3D. Vous n'avez pas besoin du matériel Non-Plus Ultra pour pouvoir dessiner des mangas. Il existe des fournitures artistiques d'adieu, modérément bon marché, que vous pouvez utiliser. De plus, il existe des logiciels gratuits. Donc, si vous avez un budget limité ou si vous débutez, vous pouvez essayer les solutions suivantes. Tout d'abord, Sakura, micron Fine Liner pour déléguer notre kit de démarrage, trois, le logiciel Medici Bank. Je recommande cependant se procurer du papier de bonne qualité. Cela n'a pas besoin d'être cher. Essayez du papier d'impression de haute qualité. Pour ma part, j'utilise Color Copy Six, mémoire musculaire, le secret pour dessiner plus vite, c'est développer une mémoire musulmane. Avoir une mémoire musculaire, c'est comme si votre main était vivante, comme si elle dessinait simplement ce que vous voulez dessiner. Je sais que ça a l'air effrayant et génial. Vous pouvez développer la mémoire musculaire en dessinant beaucoup pendant une période prolongée. Plus tu le fais, plus ça devient facile pour moi. Après environ deux mois à dessiner plus de 4 h par jour, ma main en arrive au point où je me contente de dessiner sans avoir à réfléchir consciemment à la ligne à suivre. Sept et main instable, avons-nous une main instable ? Il y a une astuce que j'ai développée accidentellement alors que je faisais navette entre mon domicile et mon école d'art il y a toutes ces années. J'ai commencé à dessiner un tableau représentant école d'art il y a toutes ces années des véhicules en mouvement , des véhicules électriques, des trains, des bus , et cela a beaucoup amélioré la stabilité de mon indice , mais attention, vous ne devriez pas dessiner lorsque vous êtes au volant. 5. Le sujet: Déterminez le sujet de l'histoire. Vous pouvez créer une histoire courte sur n'importe quoi. Soyez simplement conscient des limites. Et celles-ci en sont une, puisque le nombre de pages est limité, vous n'avez pas beaucoup d'espace pour le développement des personnages. Et pour faire face aux mêmes limites que celles que vous stockez, il ne peut résoudre qu' un seul gros problème. Supposons que vous vouliez faire 20 pages. C'est le maximum que je recommande pour votre première nouvelle. Dans ce cas, vous avez environ cinq pages pour présenter votre personnage, le lieu de l' histoire et le problème. Ensuite, vous avez dix pages pour aggraver le problème en cinq pages pour le résoudre, terminer l'histoire. Et le problème peut être n'importe quoi. C'est peut-être avouer un accident. Cela peut être de surmonter la peur, ou cela peut être quelque chose de totalement absurde, comme mon expérience de pensée préférée, imaginer un démon ou un monstre kidnappant la mauvaise personne. La raison peut être n'importe quoi, peut-être que Dieu était ivre ou peut-être qu'ils ont perdu cartes à jouer avec des amis Hello Demon. J'aime bien celui-ci car il peut avoir tant d'interprétations et de genres de dépenses, de la comédie au mystère, pour briller dans Shown You Two Horror même la loi de Boyle pour l'amour de Dieu, selon le personnage et l'humeur que vous recherchez. Le principe peut être développé dans toutes sortes de scénarios. Des histoires courtes en particulier, avec un sujet principal ou un conflit. Voici quelques sujets possibles. Premièrement, réaliser des rêves. Votre personnage veut faire partie ce qui le retient, ou il veut avouer son béguin. Que se passe-t-il ? Ou un béguin leur confesse. Que se passe-t-il ? Ils veulent aller au Japon ou dans n'importe quel autre pays, mais ils n'ont pas d'argent. Que vont-ils faire ? Ils veulent entrer dans une certaine école, une université ou une certaine entreprise Y, que feront-ils pour faire face à des cauchemars ? Leur plus grande crainte, c'est X. Et après avoir déménagé dans une nouvelle maison, ils ont découvert que c'était là, comme des araignées, des fantômes , des monstres, ou qu' ils ont une certaine phobie et qu'ils doivent la surmonter pour sauver notre gauche. 13, et s' ils découvraient qu' ils possédaient ce pouvoir spécial ? Qu'est-ce que ce serait et qu'en feront-ils ? Et s'ils gagnaient au loto ou quoi que ce soit d'autre ? Un météore approche ou un tremblement de terre, comment réagiront-ils face au chaos qui les entoure ou quoi qu'ils devraient se permettre d' offrir aux fantômes d'un château abandonné ? 6. Réaliser vos idées: Pour organiser vos idées, voici quelques questions qui peuvent vous aider à organiser l'histoire. Qui agit, quoi, où, quand, pourquoi et dans quel but ? Un qui. Il s'agit d'une histoire courte. Tu te souviens ? personnages n'ont donc pas beaucoup de place pour leur développement, mais vous devez tout de même vous poser les mêmes questions à leur sujet que pour une histoire plus longue. Vous devez au moins avoir une idée claire de qui ils sont. Quels sont leurs traits physiques ? Comme la taille, le culturiste, la posture, la couleur des yeux, des cheveux, de la peau, que s'est-il passé ? Couleur la plus proche du décalage à supporter, créez un nuancier pour les personnages qui vous sera utile lors de vos illustrations. Quels sont leurs traits émotionnels ? Quels sont leurs points forts et leurs points faibles ? Ont-ils des phobies ? Comment gèrent-ils les événements heureux et tristes ? Comment réagiront-ils aux imprévus ? Qu'est-ce qu'ils aiment ? Qu'est-ce qu'ils détestent ? Ils ont certaines motivations, croyances, objectifs. Ont-ils eu un rêve qu' ils ont abandonné ? Et pourquoi ? Qu'est-ce que ces motivations et ces objectifs ont à voir avec l'histoire ? Quels sont leurs traits sociologiques ? Ont-ils grandi dans une grande ville à la campagne ? Qui sont leurs parents et amis ? En quoi croient-ils et comment ont-ils évalué les personnages, le cas échéant ? Où sont-ils allés à l'école maternelle, l'université, s'ils étudient et travaillent ? Et dans quel domaine Que font vos personnages dans votre histoire ? Résumez les événements. Troisièmement, où et où se déroule l'histoire ? Quelle ville ou quel village, quel pays, quel continent ? Ou est-ce la Terre et tout cela ? Peut-être s'agit-il d'un univers alternatif qui permet de savoir quand quelle saison le stockage a-t-il lieu ? Quelle année, quel siècle ? Si cela s'est produit dans le passé ? Nous pouvons utiliser des données historiques pour sauvegarder votre histoire et la rendre plus authentique. L'époque a également des implications ce qui concerne le niveau de technologie, les mœurs et les comportements de clôture. Cinq, pourquoi ? Pourquoi se déroulent les événements de votre histoire ? Est-ce quelque chose que vos personnages ont initié ou est-ce quelque chose qui échappe à leur contrôle ? S'ils l'ont initié ? Quelles sont leurs motivations ? Si ce n'est pas le cas, qu'est-ce qui a provoqué le problème dans votre système de stockage ? Six, quelle fin ? Quel est le résultat de votre histoire ? Idéalement, les événements de l'histoire ont changé quelque chose pour les personnages. 7. EXÉCUTION: Si vous avez 20 pages sur lesquelles travailler, vous pouvez les diviser comme suit. Intro, comportez cinq pages pour présenter votre personnage, le lieu de l' histoire dans le problème. Point médian. Ensuite, vous avez dix pages pour aggraver le problème. Conclusion, cinq pages pour résoudre le problème. J'ai terminé l'histoire. Entrons donc dans les détails. Intro. Votre lecteur doit savoir quand et où se déroule l'histoire, qui est votre personnage, quelles sont ses motivations et quel est l'enjeu de l'histoire. Vous pouvez indiquer où se trouve l' étoile en indiquant sa position dans le premier panneau, vous pouvez ajouter des informations sur l'heure en incluant une zone de texte ou en l' affichant en utilisant des tons verts, ou en ajoutant un panneau supplémentaire qui fournit plus d'informations sur le printemps des cerisiers en fleurs, puis vous présentez le personnage et comment vous le faites. C'est à vous de décider. Vous pouvez montrer une situation ou utiliser un monologue interne ou un mix. Ce qui est vu introduit votre histoire. Vous pouvez utiliser un début dramatique en vous montrant un personnage en difficulté. Si vous ne souhaitez pas utiliser une introduction du personnage par lui-même, vous pouvez utiliser la méthode, les voir afin de donner une première impression au lecteur. Vous pouvez présenter le personnage en demandant à quelqu'un d'en parler. Cela peut être quelqu'un qui les admire, ou quelqu'un qui les déteste dans ces commérages à leur sujet. De cette façon, vous pouvez intégrer de nombreuses informations de base qui nécessiteraient des dizaines de pages, voire des chapitres, à décrire. Après avoir présenté le personnage à votre public, il est temps de présenter le problème. Si ce n'est pas déjà fait, quoi parle votre histoire ? Sont-ils confrontés à un défi ou créent-ils eux-mêmes une situation ? Mais un lecteur de cinq pages doit connaître les faits de base sur le sujet de l'histoire, qui est votre personnage, quand et où se déroule le magasin, et les défis auxquels il est confronté. Vous pouvez utiliser des repères visuels pour transmettre des informations, par exemple, au lieu d'avoir à consacrer des pages à un événement, vous pouvez montrer un journal contenant un article à ce sujet dans un panneau sept, vous donne beaucoup d'espace que vous pouvez utiliser pour résoudre le problème. Voici quelques-unes des premières pages de nouvelles que j'ai écrites dans le passé. Par exemple, dans cette nouvelle, une fille démoniaque veut devenir un ange et fait de son mieux pour atteindre son objectif, même si sa famille n'aime certainement pas ça. Dans cette nouvelle que j'ai écrite pour un concours, un garçon est poursuivi par des intimidateurs. C'est une nouvelle que j'ai écrite pour l'éditeur dans le cadre d' un projet de nouvelle. Dans cette histoire, une fille est soutenue chaque jour dans le bus scolaire par un garçon. C'est une autre histoire que j'ai écrite pour un concours. C'est l'histoire d'une jeune fille qui trouve étrange une lampe magique. Et puis cette histoire, comme vous pouvez le voir, des histoires qui se déroulent dans un monde différent, le point médian, le cœur de l'histoire. C'est là que la tension monte jusqu'à atteindre son paroxysme. Dans un article de 20 pages, je suggère d'y consacrer au moins dix pages. Il se peut que le problème auquel le personnage est confronté devienne grave et que le personnage doive le résoudre d'une manière ou d'une autre. Idéalement, la solution devrait se présenter d'elle-même à la fin de ces dix pages, conclusion sur une feuille d'histoire de 20 pages, au moins cinq pages pour la conclusion, au début de la conclusion selon laquelle la tension est la plus forte, se poursuit jusqu'à la fin, lorsque la situation est résolue. Feuilletez au moins une page pour la fin. Lorsque vous rédigez des pages, je suggère de commencer par la fin plutôt que par le début, puis de faire le point médian. Très souvent, les gens n'ont plus de pages lorsqu' commencent au début puis au milieu, elles s'épuisent souvent à la fin. Surtout lorsque vous travaillez pour des éditeurs et que vous avez un nombre limité de pages, ne pouvez pas vous permettre de manquer de pages. Ainsi, le fait de commencer par la fin garantit que la fin ne soit pas trop étroite au début, puis de s'assurer que les lecteurs sont correctement présentés aux personnages et qu'ils savent qui sont vos personnages. Et puisque tu as déjà terminé la fin, tu sais où va l' histoire. Vous pouvez donc utiliser la préfiguration au début. Bien sûr, vous devez savoir où va l'histoire, car vous devriez vraiment avoir terminé un script avant de commencer à le rédiger. Mais il arrive très souvent que les gens commencent sans plan et qu'ensuite , ils ont tendance à échouer. L'idée originale. 8. Le script: Il est très important d'avoir le script avant de commencer à rédiger des pages, qu'il soit aussi détaillé que nécessaire. Je suggère de l'écrire page par page, panneau par panneau. Décrivez ce que vous souhaitez inclure dans les panneaux, perspective que vous souhaitez utiliser, ce qui est dit et peut-être même écrivez les impressions et les sentiments vous souhaitez évoquer . Le contenu des que vous souhaitez évoquer . Le contenu des panneaux vous aidera lorsque vous commencerez à créer vos pages Vous trouverez des modèles et des pièces jointes que vous pouvez utiliser. 9. Mise en page de base: Format. Au Japon, le manga est généralement inspiré d'un format antérieur qui, selon l' endroit où vous souhaitez publier ou si vous souhaitez vous auto-publier, les mesures peuvent être différentes. Donc, si vous voulez travailler pour un éditeur en particulier, vous devez savoir quel format il utilise. Des informations comme ça. Il se trouve généralement sur leur site Web dans la section des soumissions, ou peut être demandé par e-mail. Par exemple, l' éditeur pour lequel ils ont travaillé utilise des formats et des espacements différents. De même, les imprimeries peuvent utiliser différents formats. Il est généralement moins coûteux d'imprimer dans un format largement utilisé plutôt que dans un format spécial. Ainsi, lorsque vous publiez vous-même, vous souhaiterez peut-être réduire les coûts et utiliser l'un des formats génériques. Vous pouvez généralement trouver des informations concernant formats acceptés sur les sites Web des imprimeurs, y compris des modèles, quel que soit le format que vous utilisez, les termes qui s'appliquent à tous l'espacement peut changer, mais veuillez garder ces termes à l'esprit. Toile. toile fait référence à la feuille de papier ou au fichier sur lequel vous dessinez. est que lorsqu'une page de manga est créée, elle est en fait plus grande que la version imprimée. Non seulement l'original, en fait plus grand d' un facteur 1,5, soit deux fois plus que la version imprimée, mais il est plus grand en termes de dessins, particulier pour les pages de manga. Où les dessins dépassent les limites du manga. Les dessins s'étendent au-delà de la page et pour cause, c'est pour éviter les erreurs d'impression, telles que la découpe des pages. J'en parlerai davantage dans Trim Line and Bleed. Le terme suivant est zone sûre ou zone active. Le terme zone sécurisée ou zone active fait référence au centre de la page. Tous les textes et dessins importants doivent rester à l'intérieur de la zone de la feuille afin qu'ils ne soient pas coupés ou ne disparaissent pas dans la zone de marge de reliure. La marge est la zone située entre la zone de sécurité sur la ligne de découpe. En général, cette zone reste exempte de dessins ou de textes sauf si vous souhaitez délibérément étendre votre panneau au-delà de cette zone pour plus d'effet, pour donner plus d' importance à un panneau ou pour créer une planche dans laquelle les dessins remplissent la page au-delà de la zone imprimée. N'oubliez pas que vous devez absolument éviter placer du texte dans la zone de marge. Ligne de coupe. La ligne de découpe fait référence au bord de la page. C'est la partie où la page est coupée par les imprimantes, tout ce qui se trouve à l'extérieur sera coupé. Saigner. saignement est une zone supplémentaire située en dehors de la ligne de découpe Lorsque vous créez un fichier à imprimer, en particulier lorsque vous retirez un fichier qui dépasse la ligne de découpe, vous devez les dessiner à au moins 3 mm de la page qui se trouve dans la version réduite pour l'impression, ou au moins 6 mm lorsque votre original est deux fois plus grand que la version imprimée. Pourquoi ? Parce que la machine de découpe peut faire une erreur et couper de manière inégale. Donc, si vous ne dessinez pas au-delà de la ligne de découpe dans le saignement, cela se traduira par des bordures blanches. Si vous dessinez dans le saignement, même s'il y a une légère erreur et une coupure, ce ne sera pas aussi évident. Personnellement. Je dessine généralement un centimètre environ dans le saignement, ce qui me permet de travailler davantage avec les pages paires et les pages impaires. Si vous souhaitez travailler pour Sudden Publisher, il est important de vous familiariser avec un système d'impression. Par exemple, certains éditeurs commencent la première page de manga sans inclure les couvertures et les illustrations sur une page impaire, tandis que d'autres commencent la page sur page irrégulière avec une double page. important de savoir ce genre de choses lorsque vous planifiez des spreads. Il est important d'imaginer à quoi ressembleront les pages une fois imprimées, lorsque les lecteurs devront tourner la page pour que vous puissiez adapter la loi de lecture en conséquence C'est pourquoi je travaille généralement avec des planches plutôt que des pages individuelles. étalée ou double page. La planche fait référence à une double page dans les mangas Elles sont généralement dessinées ensemble lorsque vous avez un panneau qui s'étend sur deux pages, mais vous pouvez également l'utiliser pour concevoir des pages normales. Personnellement, j' utilise souvent un trois comme toile et je dessine mes pages sous forme de pages doubles, ce qui me donne un contrôle total sur les panneaux. 10. Types de panneaux: Quels sont les différents types de conception de panneaux ? dépend de l'histoire que vous souhaitez raconter et du ton sur lequel vous souhaitez la raconter. Vous pouvez utiliser un design de panneau différent. Et bien qu'il y ait une différence esthétique entre vous et Sean et le design des panneaux. C'est principalement dans l' espacement entre les pages. Y a-t-il des règles qui restent également applicables, ce n'est pas évident à première vue. Quels sont donc les différents types de panneaux ? Horizontal. Les panneaux horizontaux sont parfaits pour les prises de vue larges. Des plans comportant beaucoup d' arrière-plan horizontal ou de nombreux textes ainsi que des gros plans. Ils sont plus statiques et détendants que les autres panneaux. Verticale. Les panneaux verticaux sont plus dynamiques et conviennent mieux à une scène très haute, comme un bâtiment, une personne de grande taille, ou lorsqu' il y a beaucoup de ciel Les panneaux dynamiques interrompent le mode panneau, les informations et la direction. Ils sont généralement utilisés pour des scènes d'action comme des combats. Se répand. Les planches sont des panneaux qui s'étendent sur une page entière, voire une double page, et qui sont réservés aux scènes ayant beaucoup d'impact et d'importance. 11. Comment faire pour faire un panneau: Lorsque vous débutez, y a-t-il beaucoup de choses à propos des panneaux dont vous n' avez jamais entendu parler. Je vais vous donner un aperçu simple. Espacement. Bien qu'il existe des différences entre les types d'espacement et les mangas, il est préférable que vous décidiez de votre propre instinct. En général, l'espace horizontal entre les panneaux est plus grand que l'espace vertical, mais leur espacement exact en millimètres peut varier. Position dans le sens de lecture japonais. Le premier panneau sur le côté droit est d'abord rouge, mais vous pouvez le souligner en élargissant le panneau vers le haut jusqu'à la marge, afin de placer le panneau supérieur plus haut que élargissant le panneau vers le haut jusqu'à la marge, les panneaux suivants, ce qui obligera le lecteur à le lire en premier, même s'il ne sait pas dans quel sens de lecture vos articles. Vous pouvez ainsi les forcer à reconnaître le sens de lecture japonais en cassant le moule et en écartant les panneaux. Vous pouvez également symboliser le passage du temps ou le changement de lieu ou de situation. Nombre optimal de panneaux. Plus les pénalités sont utilisées, plus votre page est encombrée. En moyenne, l'expérience de lecture la plus détendue est obtenue en utilisant cinq panneaux ou moins. Nous pouvons en utiliser davantage, bien sûr, en disposant de petits panneaux et de blocs de panneaux. Mais si vous avez plus de dix panneaux, il peut être assez difficile pour le lecteur de comprendre comment se lisent vos pages. 12. Flux de lecture: La salle de lecture est l'une des techniques les moins connues et l'erreur la plus fréquente chez les mangas débutants. Alors, que signifie le flux de lecture ? Exactement ce qui est écrit. C'est la façon dont vos lecteurs lisent votre manga, le chemin que j'emprunte Au fur et à mesure qu'ils parcourent la page, vous pouvez leur rendre le voyage difficile ou vous pouvez le faciliter. Plus vous permettez à vos lecteurs de parcourir la page facilement . Moins les lecteurs sont embêtés et confus, plus ils peuvent être inquiets lorsque chaque page est comme une énigme à essayer de déterminer quel panneau est lu dans quel ordre de manière optimale, votre lecteur ne devrait même pas avoir à y penser. Alors, comment influencer le plancher de lecture en installant des panneaux, en plaçant des bulles de dialogue, en déterminant la direction du mouvement, en utilisant des repères visuels et en comprenant ce qui est important pour votre lecteur ? Alors parlons-en étape. Les panneaux, de manière optimale, vos pages ne devraient pas comporter plus de cinq panneaux , sauf si vous les commandez et des blocs panneaux. Plus il y a de panneaux, plus votre lecteur parcourir la page avec de nombreux rebondissements , comme une route de montagne avec le défaut optimal est lorsque l'œil trace un itinéraire en S à travers la page, condition c'est la direction de lecture japonaise. Quand c'est le sens de lecture occidental, c'est un S inversé. Gardez donc à l'esprit que moins vous poursuivez vos lecteurs à travers la page, moins l'expérience est fatigante pour le lecteur de votre manga. Des bulles de dialogue, les personnages parlent beaucoup et réfléchissent beaucoup. Et chaque fois qu'il y a une bulle de dialogue, une bulle de pensée ou une exposition près de l'aérateur, l'IA fait un détour pour la lire Vous pouvez soit placer la bulle le chemin de la salle de lecture qui la soutient, soit induire votre lecteur en erreur sur le chemin de la salle de lecture qui la soutient, soit induire votre lecteur en erreur en l' envoyant à la chasse aux oies. L'une des erreurs les plus courantes commises par les débutants est de ne pas planifier dans les bulles de dialogue, faire d'abord les dessins de la page, puis de décider où placer le dialogue plus tard, à moins d'avoir planifié les bulles en conséquence et d'avoir dessiné les dessins en conséquence. Le plus souvent, bulles de dialogue se retrouvent à l'âge du panneau car vous ne voulez pas vos beaux dessins soient froids, mais le texte et souvent les bulles sont trop petits pour le texte ait l'air exigu dans un endroit bondé. Mon conseil est de planifier les textes et les bulles dès le début. En même temps que vous positionnez votre panneau ou même avant, décidez de ce que vous voulez dire sur cette page et configurez le flux de lecture à l'aide de vos bulles de dialogue et de vos panneaux. Direction du mouvement. La direction du mouvement peut être utilisée pour soutenir le plancher de lecture. Par exemple, direction de lecture en japonais. Tu lis de droite à gauche. Vous pouvez donc soutenir cela en organisant le mouvement du panneau de droite à gauche. Ou s'il s'agit d'un panneau situé à l'extrême gauche de la page. Le panneau suivant commence à l'extrême droite de la page. Vous pouvez déplacer le dernier panneau dans le sens opposé à la direction de lecture, empêchant ainsi le mouvement dans la direction du panneau suivant. Même chose sur le dernier panneau de la page de gauche. Pour accéder au panneau suivant, vous devez tourner la page afin de pouvoir déplacer le dernier panneau dans le sens de la page. Sur la page suivante. Les indices visuels, les indices visuels font référence au dessin sur le panneau lui-même, au beurre de cajou, à l'artiste derrière le bureau, et non au bitume. Et de nombreux autres théoriciens étonnants les utilisent beaucoup. Il utilisait la loi des dessins sur le panneau pour guider le regard d'une bulle de dialogue à l'autre. Comme le formulaire dans la direction de la clôture ou le sens du mouvement du mot clé du caractère dans l'œil dans le panneau suivant, comme une flèche bien ciblée. Qu'est-ce qui est important pour le lecteur ? Imaginons la situation suivante. Vous êtes assis dans un train et vous venez d'acheter le volume d'une histoire que vous aimez tant, vous savez que vous devez descendre du train et vous voulez vraiment savoir ce qui se passe. quoi allons-nous nous concentrer ? En général, les lecteurs se concentrent sur les interfaces textuelles, nous passons le plus clair de notre temps à regarder les visages des personnages à regarder les visages des personnages pour soutenir ou montrer l' émotion qui se cache derrière le texte, moins de temps passé sur le corps, moins qu'il ne s'agisse d'un service AMUSANT et encore moins de temps passé sur les arrière-plans. Et le lecteur moyen passe une fraction de seconde sur un arrière-plan. Et je ne dis pas qu'ils ne sont pas importants, ils le sont. Mais dans l' ensemble d'un article, plupart des lecteurs s'en serviront pour s'orienter, mais ils ne s'en souviennent même pas à moins d'avoir un fétichisme de fond comme moi Ils remarqueront toutefois . Ils remarqueront toutefois que les arrière-plans sont notoirement absents ou mal exécutés. Utilisez donc ces connaissances pour guider le lecteur à travers la page en plaçant phases dans la direction des glandes, tout en la direction des glandes, tout guidant votre lecteur inconsciemment à travers la page sans qu'il ne s'en rende compte. Ce qu'ils sauront, cependant, c'est à quel point notre expérience de lecture est confortable pour nous. Ils n'ont jamais besoin de savoir que vous les avez manipulés. Ce sera donc notre secret. 13. Contenu de panneau: Je veux que tu penses à quelque chose. Qu'est-ce qui est le plus important dans ton histoire ? Quelle scène a le plus d'impact, le plus d'effet de guerre ? avez-vous trouvé ? Ensuite, donnez-lui le plus grand panel ou même une couverture. De même, il y a généralement un grand panneau d'arrière-plan au début d' une histoire qui indique au lecteur où se déroule l'histoire. De telles questions constituent partie importante du processus de planification. Et cela vous aidera à remplir les panneaux et à raconter l'histoire comme vous le souhaitez. Dans cette leçon, je vais vous parler du contenu de base du panneau. Établir des prises de vue. Sur ces photos, vous déterminez votre position et vous fournissez des informations. Où se déroule la scène ? S'agit-il d'une ville ou d'un village forestier ? quelle période de l'année ? C'est un jour. C'est la nuit ? Quel temps fait-il ? Cela vaut-il même la peine d'avoir une autre planète ? Et une autre dimension ? Est-ce le présent, le passé ou le futur, une courte étape qui peut fournir beaucoup d' informations visuelles pour que vous puissiez lire et situer l'histoire. De plus, ce type de prise de vue peut être combiné à une exposition de position. Dans l'exposition, la situation est expliquée avec des oiseaux. Il peut mentionner l'heure, le lieu ou fournir des informations sur l'identité du personnage ou le thème de l'histoire. J'ai essayé de le faire aussi court que possible. Plan large. Il se rapproche des personnages, leur montre, ainsi que leur environnement , ce qui se passe, comment ils interagissent avec le monde. Qui raconte l'histoire de l' accès neuronal au personnage, plus vous pouvez montrer son langage corporel et ses expressions faciales. Action qui imite des panneaux, perspective inclinée, des dessins, des scènes d'action. Non seulement il est recommandé d'utiliser perspectives plus dramatiques, de l'énergie, pauses et des lignes de bits flexibles, mais également d'utiliser des panneaux dynamiques, incliner l'horizon, d'ouvrir des panneaux et de s'étendre. Comment choisir un point de vue. Les angles faibles sont utilisés pour les scènes dramatiques. Les angles élevés vous donnent une vue d'ensemble de l'environnement, mais ils peuvent également être utilisés pour créer une ambiance dramatique. Bien que la plupart des panneaux soient à la hauteur des yeux, évitez la perspective à point unique , les points de fuite se trouvant juste au centre. Une telle perspective ne semble pas naturelle. Mettez les points de fuite légèrement sur le côté. Proportions hiérarchiques et lambris. Les scènes importantes reçoivent des panneaux plus grands que les scènes moins importantes. Vous pouvez même utiliser des planches sur une ou deux pages. Imaginons un scénario, vos personnages lisant un livre dans les bibliothèques. Soudain, notre T-Rex fait irruption dans la pièce votre personnage laisse tomber le livre. quelle scène nous aurons le panneau le plus grand ou peut-être même une diffusion, Dans quelle scène nous aurons le panneau le plus grand ou peut-être même une diffusion, évidemment le T-Rex Pékin, car si la partie où ils ont déposé le livre obtenait le panneau le plus grand, cela embrouillerait le lecteur en accordant trop d'attention au livre, à moins que vous ne vouliez attirer l' attention sur le livre parce qu' il s'agit d'un livre sur l' invocation de dinosaures. Des plans rapprochés. Évitez d'utiliser trop de gros plans. gros plans permettent la caméra d'être très proche du personnage, en particulier pour les gros plans. Utilisez de grands panneaux, utilisez-les pour les scènes les plus importantes et pour les dialogues les plus importants. Panneaux atmosphériques. utilise parfois des panneaux qui ne sont pas essentiels à l'histoire, mais qui créent une atmosphère semblable à celle des photos de la nature. Vous n'êtes pas obligé de dessiner un insecte émiettant notre feuille. Mais si la source a lieu au printemps et en été, elle peut renforcer cette sensation de nature et de hors-saison. Une autre variante consiste à utiliser un plan large au milieu de l'histoire. Non pas parce que vous devez montrer ce qui se passe, mais pour donner une idée de la scène en posant de façon spectaculaire vos personnages et l'environnement avec une perspective et un effet de lumière soigneusement choisis. Les panneaux d'émulsion, les panneaux d'affect ou d'émotion sont utilisés afin de mettre en des choses dites ou pensées. Au lieu de simplement utiliser des textes, des lignes rapides et des tonalités d'écran peuvent être utilisées pour transmettre un sentiment d'urgence ou exprimer un sentiment. Panneaux de dialogue. Ce sont des moments d'une histoire où il y a moins d'action, mais où de nombreuses informations doivent être transmises ou où des limites émotionnelles sont établies En fonction de l'espace dont vous disposez, vous pouvez utiliser de petits panneaux ou la moitié des personnages interagissent avec leur environnement, donnant des indices tacites par le biais de leur langage corporel. Il est important de montrer les réactions à ce qui est mis en place et aux panels. Vous n'êtes pas obligé de limiter vos personnages exclusivement à deux cases. Dans certaines scènes, vous pouvez faire sortir le personnage des sentiers battus. Par exemple, lorsqu'un panneau, simplement un panneau de texte ouvert, apparaît ici pour que les caractères sortent de la boîte pour entrer dans le panneau de texte. Vous pouvez montrer que les pensées appartiennent à ce personnage. Cela peut être fait pour des phases supplémentaires ou pour créer une pause. Quand diffuser et quand ne pas le faire. Utilisez des planches pour les scènes importantes et percutantes, mais ne les utilisez pas uniquement pour augmenter le nombre de pages. Pour donner à votre page un aspect plus dynamique ou pour renforcer le sens de lecture, vous pouvez déplacer les panneaux de haut en bas, les ouvrir ou les agrandir, condition que tous les textes aient un goût dans la zone de sécurité, tout est parfait. Par exemple, vous pouvez agrandir le premier panneau de la page vers le haut. Cela fonctionne bien avec les images des villes où il y a beaucoup de ciel. En agrandissant le panneau vers le haut, vous indiquez qu'il s' agit bien du premier panneau et que le lecteur y est automatiquement attiré. De même, en faisant sortir le dernier panneau de la page de la page. Particulièrement sur la page de gauche dans le sens de lecture japonais, ou sur la page de droite dans le sens de lecture occidental. Cela oblige le lecteur à passer à la page suivante. Il est bon à utiliser dans des situations dramatiques. Dans les situations romantiques, vous pouvez déplacer légèrement le panneau suivant vers le bas afin de lui donner une boucle plus dynamique Incliner l' horizon de quelques degrés peut renforcer encore la dynamique. 14. Gestion de projet à Manga: Soyons honnêtes, en créant entre nous, pas seulement des pages de manga à dessin au tableau , et tous ceux qui l' ont déjà essayé savent qu'il est facile de s'y perdre, même pour une nouvelle. Une compréhension claire de chaque étape que vous devez franchir peut vous aider à dissiper vos peurs et à économiser du temps et des nerfs à long terme. Un projet de manga demande beaucoup de préparation et il est préférable de prendre temps au début plutôt que d'avoir à perdre des mois et des mois de travail parce qu'il s'est égaré et que vous l'avez remarqué trop tard. Je sais que tout le monde veut se lancer directement dans le dessin des pages de manga, mais soyez patient. Votre manga le mérite. Alors pourquoi la gestion de projet est-elle nécessaire dans les mangas ? Parce que dessiner un manga est difficile, surtout quand on est en plein milieu du projet. Le manque de sommeil et l'épuisement peuvent mener à de mauvaises décisions. Croyez-moi, je sais que le fait de vous préparer tôt peut vous aider à rester sur la bonne voie, même dans les moments les plus stressants. Prenez simplement votre temps avec la peinture et plus tard, vous pourrez vous fier aux décisions que vous avez prises alors vous vous disiez encore intéressé. Alors, tu es prête à participer au processus avec moi ? Nous y voilà. 15. Les phases: Essai déjà mentionné La création d'un manga ne se limite pas au dessin. Il y a d'autres choses en jeu. J'aime diviser le processus en plusieurs phases. Ici, je vais donner un bref aperçu , puis développer chaque visage plus tard. Bien que j'aie mentionné ces phases dans un ordre consécutif, cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas revenir aux phases précédentes et modifier des éléments. Bien sûr, tu peux le faire. Phase 1. La planification. Cette phase traite de choses qui concernent le concept du projet lui-même. Phase d'écriture. Cette phase traite de l'aspect rédactionnel de votre projet, qui jette les bases qui suivront plus tard. Troisième phase, la conception. Cette phase vous fournira les visuels votre manga et déterminera le style qu'il vous donnera. Une histoire de foi, pour ainsi dire, phase du manga, cette phase concerne la création proprement dite des pages du manga. phase 5, le package commercial, dessin de mangas ne suffit pas pour inciter les gens à le lire. Tu dois en faire la publicité. De plus, cette phase vous aide à planifier à avance la production de marchandises. Face six, l'édition, cette face traite de la publication du manga. Examinons donc chaque phase d'un peu plus près. 16. La planification: Au cours de cette phase, vous déterminez les informations de base sur vos projets, la chronologie et la carte sociale. Regardons les informations du projet. Voici certains des facteurs qui peuvent faire la réussite ou l'échec d'un projet, en particulier lorsque vous travaillez avec des éditeurs Il est important de savoir combien de temps vous disposez pour dessiner un projet, mais même sans publication, vous devez en tenir compte. Voyons la situation suivante. Il y a une convention l'année prochaine. Je sais, tant que la COVID sévit encore, c'est peu probable, mais parlons hypothétiquement. Supposons qu'il y ait un délai de six mois classique et que vous souhaitiez créer et vendre votre manga lors de la convention, mais plus réaliste, ce serait une solution usée. Et très peu de personnes peuvent franchir toutes les étapes du semestre de création. Vous avez donc votre date de début et votre date limite finale. Mais je ne recommande pas de fixer votre date limite au moment du congrès, vous accorder au moins quelques semaines de temps tampon, ou mieux encore, une période tampon de deux mois Beaucoup de choses peuvent se produire Il est donc très important de calculer le temps supplémentaire. En fait, de nombreux éditeurs calculent désormais le mois de temps tampon ou de poids, mais l'annonce d' un projet jusqu'à ce qu'il soit complètement terminé, il y a tout simplement trop de choses qui peuvent mal tourner et entraîner un retard, voire une constellation. Ensuite, il y a la question de la longueur. À mon avis, c'est l'une des questions les plus importantes, l' une des erreurs les plus courantes des débutants, car ils sont trop ambitieux pour un projet tout simplement trop vaste et qui prend une décennie ou plus à réaliser. Au premier essai, je suggère de commencer par quelque chose de plus petit, quelque chose que vous pouvez gérer. Pensez au nombre de pages, de chapitres ou de volumes que votre projet aura à titre de référence J'ai vu qu'un seul cliché contenant jusqu'à 56 pages de volume peut contenir 160 à 200 pages. En ce qui concerne les volumes, il n'y a pas de limite, mais je ne recommande vraiment pas de parcourir un volume du premier coup, d'après ce que j'ai vu, même un artiste à plein temps a passé au moins un an sur un volume. Mais ils travaillent sans assistance et ces personnes ont de l'expérience et terminent des projets. C'est donc vraiment une question importante à prendre en compte. Combien de temps souhaitez-vous investir dans ce projet ? Et le temps est déterminé par la durée du projet, votre vitesse et, bien sûr, d'autres facteurs tels que votre santé leurs responsabilités et vos objectifs. Viennent ensuite les questions de Rhonda et du public cible. Quel créneau ou quel créneau vous ciblez, et pour qui vous dessinez-vous ? Chaque type de manga nécessite approches différentes en fonction du public, il est important d'y réfléchir. Se pose ensuite la question du format de publication. Le projet sera-t-il imprimé ou sera-t-il mis en ligne ? Il est important de penser, car certains types de publications en ligne ou difficiles à imprimer, à un ajustement soigné. Je parle de formes comme Indless Canvas ou de versions colorées. Lorsque vous imprimez vous-même votre manga, vous devez tenir compte de facteurs tels que les coûts d'impression mangas en couleur sont plus chers à imprimer moins de cibler directement les deux supports et de vous assurer que les pages peuvent être adaptées à la fois pour l'impression sur Internet. La question suivante concerne le médium de création. Travaillez-vous avec des médias traditionnels, numériques ou un mélange des deux ? Si vous travaillez avec des supports traditionnels, vous devez vous assurer de disposer d'un bon scanner. Et surtout lorsque vous travaillez avec des tons verts, vous devez vous assurer que votre scanner peut en supprimer davantage. C'est un schéma que certains scanners suivent. Lorsque le scanner ne reconnaît pas chaque point sur la tonalité de l'écran, cela ressemble à une sorte de motif à carreaux, bien que de nos jours, les utilisateurs utilisent principalement des tonalités d'écran numériques, ce qui permet de réduire le problème. Assurez-vous simplement de ne pas empiler des points et des tons verts les uns sur les autres, car cela peut également donner plus de valeur à un numérique pur. Vient ensuite la question des spécificités de la production. Supposons que vous souhaitiez faire appel à une certaine société d'impression pour votre manga. Ils ont généralement des exigences en matière de mesures et de format sur leurs sites Web, qu'il est préférable de suivre afin problème lorsque vous souhaitez imprimer votre manga. Ils fournissent également des modèles. Différentes imprimeries peuvent avoir des exigences différentes, il est donc important de les garder à l'esprit dès le début. Ou bien, votre éditeur s'attend à ce qu'il livre vos pages avec certaines dimensions et certains formats de fichier. Même histoire, travaillez avec eux dès le début. Cela vous évitera des séances de panique plus tard. Si vous n'avez pas encore d'éditeur, mais que vous prévoyez de contacter des éditeurs, il est bon d'avoir une liste des éditeurs qui ont déjà des projets dans le même créneau que celui que vous ciblez. Souvent, les éditeurs refusent un projet parce qu'ils estiment que le projet ne leur convient pas, parce qu'il ne se situe pas dans le bon créneau. Ils connaissent le public et savent ce que celui-ci attend d'eux. Et comme ils sont généralement réticents au risque, ils optent pour ce qu'ils savent et ce qui se vend pour eux. Si vous avez l'intention de publier votre manga en ligne, sauf si vous le publiez sur votre propre site Web. Il est bon de faire vos devoirs et de vérifier quels sites Web sont ronds et quelles sont leurs exigences. Prenez également le temps de lire les conditions d'utilisation. Vient ensuite la question de la recherche. À moins que ce ne soit quelque chose de fictif ou que vous ne connaissiez, un agitateur nécessite généralement quelques recherches. Cela peut impliquer la recherche d'un lieu géographique, d'une histoire, d'une culture ou d' un sujet spécifique. mettre sur la liste des choses à faire dès le début est une bonne idée. Enfin et surtout, y a la question des langues. Si vous joignez votre projet pour le publier dans plusieurs langues, il est bon de le garder à l'esprit, en particulier s'il s'agit de publications Web qui peuvent impliquer différentes plateformes en ligne. Ces points, ou du moins les points fondamentaux à aborder au début de la planification. Mais il y a d'autres choses à garder à l'esprit, comme la chronologie. Je ne parle pas du temps dont vous avez besoin pour réaliser vos projets. Je parle plutôt de la période dans laquelle se déroule votre histoire. Je suggère de faire cette étape en même temps que le processus d'écriture, qui est la phase deux. Mais tu peux déjà faire des plans. Par exemple, il s'agit d'un système que j'ai utilisé pour garder une vue d'ensemble des scènes, en appuyant sur un certain chapitre et en les rattachant à une période. Supposons que votre histoire ou au moins le premier chapitre se déroule entre mars et juillet 2019. La première scène commence en mai 2019. La scène suivante se déroule de la fin du mois de mai au début du mois de juin. La scène 3 se déroule fin juin, début juillet, tandis que l' on voit un flashback qui traite d'une situation survenue en mars. Cinq naissances continues sur trois se sont interrompues et se poursuivent jusqu'à la mi-juillet. Le moment choisi ici est arbitraire. Vous pouvez ajuster le temps d'un chapitre à l' et le faire en années ou même à certains moments de la journée. C'est juste pour garder une trace des scènes qui se déroulent dans chaque chapitre et même dans chaque volume, je fournirai le modèle ainsi que les autres fichiers sous forme de fichier PowerPoint que vous pourrez ajuster à vos besoins. La prochaine chose à aborder est une carte sociale. Cela implique les relations entre les personnages. Qui est ton personnage principal et quelles relations entretient-il avec les autres personnages ? La relation changera-t-elle l'histoire ? Les amis peuvent-ils devenir des ennemis et les ennemis devenir des amis ? Un héros va-t-il mal tourner ou vice versa ? Surtout dans les histoires impliquant de nombreux personnages, il est bon de vous aider à suivre leurs relations, non seulement avec les personnages principaux, mais aussi avec les personnages secondaires. Les gens sont motivés par différentes motivations personnelles. Et cette motivation personnelle d' un personnage secondaire peut fournir la clé pour résoudre un problème auquel le personnage principal est confronté. Alors pensez-y. Je suggère de dessiner votre carte spéciale pendant que vous écrivez une histoire. 17. L'écriture: Ce visage apparaît à la fois dans la rédaction des biographies des personnages, la rédaction du résumé de l'histoire, puis dans l'histoire décrite dans le scénario. Alors, quelle est la différence entre les résumés, les grandes lignes et le script ? Dans le résumé, vous écrivez une brève description des principaux événements survenus dans l'histoire. Soyez bref et essayez de ne pas dépasser une page. Dans les grandes lignes, vous divisez l' histoire en volumes. Bien sûr, si vous avez des volumes plutôt que des volumes en chapitres, puis des chapitres en scènes, écrivez une brève description de la scène qui peut être un court paragraphe. C'est également une bonne idée de décider du nombre de pages qui seront consultées. Dans ce cas, la chronologie sera utile pour celui-ci. Et c'est une étape cruciale car les modifications peuvent être apportées assez facilement sans perdre beaucoup de temps et sans avoir à redessiner les pages. Prenez donc votre temps pour cette étape. L'étape suivante est le script. Utilisez les informations du plan et de la description page par page et panneau par panneau de ce qui se passe dans l'histoire. Cela passe également par le dialogue. Vous pouvez combiner cette étape avec les étapes de lettrage et de vignettes des panneaux de la phase quatre. Mais tu n'es pas obligée. Mais tant que vous n' avez pas le drone Clean Pages, vous pouvez revenir en arrière et accéder à la crypte de la justice à tout moment. Bien sûr, vous pouvez également le faire après cela, mais c'est juste plus de travail. 18. Le design: Parlons du design. Cette phase implique la création de fiches de personnages, de feuilles d'expression, de feuilles de mode, de lieux et de références. Les étapes facultatives sont des feuilles d'échantillons supplémentaires, des nuanciers, des storyboards, des modèles 3D et des plans de fusion. Commençons donc par les feuilles de personnages. quantité de travail que vous souhaitez y consacrer et niveau de détail que vous souhaitez qu'ils soient dépendent de vous. N'oubliez pas qu'il sera utile de planifier et d'essayer des choses au cours de cette phase. Parce que lorsque vous commencez à écrire les pages, changer de design implique travail supplémentaire et une perte de temps, du moins pour ce qui est du gros plan du personnage sur la face avant ou aux trois quarts. C'est également une bonne idée de créer des feuilles d'expression. quantité de travail que vous souhaitez investir dépend de vous. Pour une histoire courte, vous pouvez utiliser quelques expressions, mais pour une histoire longue, vous pouvez créer plus d'expressions, vous pouvez en faire beaucoup plus pour montrer le visage sous différents angles. Ou vous pouvez devenir fou et créer une ambiance de paire de draps sous différents angles, exemple neutre, heureuse, heureuse les yeux fermés ou en colère. Cela pour chaque personnage. Les draps de mode peuvent également être utiles. De cette façon, vous pouvez créer un guide utile que vous pourrez consulter lorsque vous rédigez votre histoire. Cela aide beaucoup lorsque votre personnage doit porter plus d'une tenue, qu'un même personnage peut émettre des lingettes complètement différentes ou porter des clauses différentes. Alors essayez des choses. Comme dans ce cas, mon personnage, Gabrielle, varie les pertes classiques et a une apparence très différente de celle de ses vêtements de scène. Voici un autre exemple de PATRIC. Voyez ce que je veux dire, même avec la même pose, l'atmosphère autour des personnages varie en fonction des vêtements. Voici un exemple avec les différents vêtements de Marie St. Paul. À ce stade, vous pouvez également essayer à quoi ressemblerait votre design si vous dessinez des tons noir, blanc et vert. Comme dans cet exemple avec Leia, qui, comme vous pouvez le voir dans la dernière série de tenues, adore vraiment les chats. Je trouve également les tableaux de tailles utiles. Cela peut vous aider à vous souvenir de la taille des personnages les uns par rapport aux autres et à leur environnement ? Vous pouvez trouver le modèle dans leurs pièces jointes. J'ai utilisé le système métrique parce que c'est celui utilisé ici, mais vous pouvez l'adapter à vos besoins au cas où nous utiliserions le système impérial. Viennent ensuite les lieux. Nous pouvons inclure des dessins des lieux sous différents angles à cette étape, comme celle-ci, cette salle de sport, ce vestiaire. Vous pouvez également utiliser des images de référence que vous pouvez consulter lorsque vous dessinez vos arrière-plans. Dans ce cas, je retouche les images d'arrière-plan qu'ils ont créées à partir de photos de grandes villes et villages. Si votre magasin a lieu dans la ville dans laquelle vous vivez ou avez déjà vécu. Vous pouvez également ajouter des photos. Les mangas peuvent utiliser des références photographiques à tout moment. Ils ont même envoyé leur assistance pour prendre des photos de différents lieux sous différents angles, qui peuvent ensuite être tracées à l'aide d'une table lumineuse. Parlons maintenant des éléments facultatifs, en particulier pour un stockage plus long. Il serait peut-être judicieux d'accorder la même attention à la portée accordée aux feuilles d'expression, en particulier dans les histoires fantastiques impliquant des armes ou des armures. Et lorsqu'il y avait de nombreux actifs différents, cela impliquait. Pareil pour les nuanciers. Garder à l'esprit la couleur que vous utilisez pour quel personnage peut être d'une grande aide lorsque vous rédigez une histoire plus longue. Mais même une histoire courte peut aider. Surtout lorsque vous optez pour la couleur au lieu de garder le noir et blanc. Les storyboards peuvent également être utiles. Quoique. Je ne parle pas Slack de storyboard détaillé pour les films. Je parle de la création de dessins de scènes importantes. C'est particulièrement utile pour les histoires plus longues. Non seulement cela vous donne objectifs vers lesquels votre histoire peut être orientée, mais cela présente également plusieurs autres avantages. D'une part, cela vous donne la possibilité de créer les scènes que vous voulez vraiment dessiner et qui vous sont restées gravées dans la tête très tôt. Mais en même temps, cela vous aidera plus tard, car vous avez déjà conçu les scènes importantes. Vous pouvez les utiliser directement ou en partie. Autre chose, nos modèles 3D peuvent surprendre, mais de nombreux artistes de manga professionnels les utilisent. Je connais un certain nombre d' artistes qui créent des modèles 3D d'arrière-plans qui apparaissent le plus souvent dans leurs mangas en utilisant Blender ou Sketch up Il est également possible d'importer et de mixer les arrière-plans dans un logiciel tel que Clip Studio Paint qui possède non seulement ses propres arrière-plans 3D, mais également mannequins 3D ou d'autres ressources 3D. Un autre point optionnel est conçu pour les marchandises. C'est quelque chose à considérer. Prenons l'exemple de Clamp, par exemple ils conçoivent leurs personnages de manière à ce qu'il soit très facile de les fusionner, prendre plus de place, par exemple en tant que mascotte et plusieurs de leurs histoires. Mais tu n'es pas obligée d'aller aussi loin. Cela pourrait, par exemple, donner à votre personnage Vera un t-shirt que vous pouvez également mettre sur des t-shirts, des sacs et d'autres objets. Pourquoi ne pas profiter de votre travail ? Et ce, de multiples façons. 19. Le Manga: Enfin, nous en venons à la foi manga, celle qui implique le plus de travail et qui est aussi la plus importante. Si vous avez terminé les autres étapes à ce stade, cela devrait être relativement facile à faire, car vous avez déjà un plan indiquant le nombre de pages que vous souhaitez effectuer, ce qui se trouve sur chaque page et dans chaque panneau, ce qu'il faut dire, à quoi ressemblent les personnages et l'environnement, etc. Vous avez peut-être déjà réalisé quelques storyboards des scènes les plus importantes et travaillé sur les panneaux, les bulles de dialogue et les vignettes, bulles de dialogue et les vignettes, mais si vous ne vous arrêtez pas pour le faire maintenant, commençons par les vignettes des pages, les panneaux et les bulles de dialogue. Alors, que sont les vignettes ? En gros, il s'agit de petites ébauches de vos pages. Ils n'ont pas besoin d'être détaillés. En fait, vous pouvez simplement utiliser Stickman. Il s'agit de lisibilité et de composition de la page. Ne commencez pas encore à les remplir avec les dessins. abord, je vous recommande de commencer par les panneaux et les bulles Lorsque vous dessinez la page, autre chose . La forme des panneaux et la position des bulles de dialogue détermineront dans quelle mesure votre manga sera renouvelable ultérieurement. Mais l'avantage d'autre chose , c'est qu'ils ne demandent pas trop de travail et que vous pouvez les refaire assez facilement, autant plus qu'ils sont très petits. Une fois que vous êtes satisfait des noms des pages, vous pouvez les agrandir au format sur lequel vous souhaitez travailler. Il est généralement deux fois plus grand qu' un format par rapport à la version imprimée finale. Donc, si vous voulez imprimer sur un cinq, vous devez faire votre page, au moins sur A4. Bien que certaines vaches mangas fonctionnent même sur A3, l'important est que les proportions restent les mêmes. Ils sont également appelés format d'image. Mais plus le format est grand, plus il y a de travail. Alors attention, vous pouvez le brûler. dessinant un manga complet sur A3, croyez-moi, je sais que mon premier long projet intitulé Triple Witch Hour, que j'ai pour Tokyo Pop, a été réalisé sur un trois et j'étais épuisé à la fin. J'ai dû faire une pause dans le dessin quatre mois plus tard pour récupérer. Donc, à ce stade, avec un dessin au crayon propre, vous pouvez sortir autant que vous le souhaitez avec les détails. En fonction de votre style d'encrage, vous pouvez créer un plan à suivre à l'encrage ou vous donner des instructions de base. C'est également la phase où il est le mieux à même d'utiliser des effets et des mots sonores. Ensuite vient l'encrage. Lors de l'encrage traditionnel, il existe différentes méthodes. Nous pouvons soit encrer sur la même feuille de papier que le dessin au crayon soit utiliser un crayon bleu que vous n'avez pas à effacer lors de la numérisation. Vous pouvez également conserver le dessin au crayon et l'encre sur différentes feuilles de papier et les transférer sur une table lumineuse. C'est ce que je fais souvent car cela rend inutile l'effacement des traits au crayon. Et je n' ai pas non plus à craindre de faire des erreurs avec l'encre et de ruiner le dessin au crayon, comme si je versais accidentellement de l'encre sur la page. Dans ce cas, je peux simplement utiliser notre nouvelle feuille de papier. Mais selon que vous encrez de manière traditionnelle ou numérique, cela influence l'étape suivante. Si votre encre se trouve traditionnellement sur le même papier que votre dessin au crayon, vous devrez éventuellement les effacer et ne prenez pas cette tâche à la légère. Après avoir effacé les dessins au crayon de tout notre chapitre, mon bras est resté pratiquement inutile pour le reste de la journée. Et puisque vous allez probablement faire le lettrage et appliquer les tons d'écran ou la coloration numériquement. Vous devrez également scanner les pages. Cela impliquera probablement une sorte de nettoyage par la suite. Alors, établissez un calendrier. Viennent ensuite les tonalités de l'écran. Cela peut être fait de manière traditionnelle ou numérique pour ceux qui ne le savent pas Les tonalités d'écran sont ces points et motifs que vous trouvez dans les mangas qui indiquent des ombres, couleurs, des motifs, des textures ou des ambiances. Ce sont même nos tonalités d'écran qui ont un arrière-plan complet. Mais de nos jours, il est rare que des personnes en dehors du Japon les fassent de manière traditionnelle. Étant donné que Xij Japan, il est difficile de trouver des tonnes d'écran principal. Et il s'agissait d'une diapositive logicielle, Clip Studio Paint dotée d'une tonne de tonalités d'écran intégrées. Il est beaucoup moins coûteux de les faire numériquement. Quoique. Il est possible de faire une mangue sans tons verts ni coloration si vous êtes suffisamment encré. La dernière partie, le lettrage, qui signifie ajouter du texte à votre page, également réalisée numériquement de nos jours. Et ne sous-estimez pas le processus. Cela prend un certain temps. Même pour une histoire courte, vous pourriez passer une journée entière à ajouter le texte. Ne présumez donc pas que vous en aurez fini en une heure, mélangez le temps. 20. Le forfait d'affaires: Cette phase est très importante et le plus souvent négligée. Il est préférable de s'y préparer au moins pendant que vous dessinez le manga lui-même. Je suggère d'en tenir compte dans votre calendrier et d'essayer de ne pas le remettre à la fin. Prenons la couverture. Pourquoi est-ce important ? Parce que cela vend le projet. Une armoire à paris peut signifier que le manga n'est pas vendu. Vous ou votre éditeur vous retrouvez donc avec des copies invendues ou des bandes dessinées sur le Web. couvre-lit peut vous permettre de réduire le nombre de clics. Et selon le modèle utilisé pour le site Web, vous le téléchargez, cela peut signifier moins ou pas de revenus du tout. Prenez donc votre temps pour développer une illustration de couverture, puis passez à l'autre illustration. En général, en plus de la couverture, il existe au moins autant d'illustrations de couverture de chapitre. Ce sont des chapitres. Ils sont généralement imprimés en noir et blanc. Souvent, chaque chapitre comporte également une illustration bonus, comme un potelé. Ils sont également généralement imprimés en noir et blanc. Et puis il y a souvent des illustrations supplémentaires qui précèdent les chapitres qui sont imprimés en couleur. plus souvent, les illustrations numérotées de quatre à une page et une double page. Mais il peut y en avoir plus ou moins. C'est juste que vous devez garder à l'esprit que vous devrez au moins avoir autant d' illustrations dans leurs chapitres. Et bien sûr, cela peut également être utilisé pour du matériel promotionnel. Ensuite, les découpes ont été retirées lorsqu'une illustration de votre personnage n' a pas de fond afin qu' elle puisse être utilisée à des fins promotionnelles. Ils peuvent également être utilisés pour la marchandise. Parlons donc du matériel promotionnel. Il s'agit notamment d'illustrations, de brèves descriptions de vos mangas ou de textes de présentation d'autres créateurs. Si vous travaillez avec un éditeur, c'est généralement lui qui s'en charge. C'est la seule demande mais ils ont besoin de votre part, par exemple des illustrations. Mais si vous créez et publiez le manga vous-même, vous devez également vous en occuper . Peu importe la qualité d'un projet, si les gens ne le connaissent pas et s' ils le trouvent souvent pour d'autres, ils ne l'achèteront pas. Essayez donc d'attirer autant d'attention que possible sur votre projet. Ensuite, s'il s'agit du concept de marchandise, ce biais sexiste est un excellent moyen de générer des revenus supplémentaires grâce à votre projet de manga. Il peut s'agir de nombreux objets tels que des affiches, des signets, des autocollants, de la papeterie, par exemple post-it, des stylos, des étuis à crayons, des dossiers, des cahiers. Ou cela peut être des choses comme des t-shirts, des sacs, des porte-clés et bien d'autres choses encore. Bien entendu, cela entraîne des coûts de production supplémentaires. Et tu dois connaître ton public. Si vous avez la possibilité d' avoir un stand lors d'un congrès, essayez de vendre à un marchand pour voir ce qui se vend le mieux. Différents créateurs attirent un public différent. Cela biaise différentes choses. Je suggère de ne pas exagérer au début. Essayez de ne pas avoir plus de 25 pièces de chaque type de fusion au début. Découvrez ce qui se vend le mieux. Et bien entendu, si vous travaillez avec un éditeur, celui-ci s'occupe généralement de la production, coût et de la distribution de la marchandise. En passant, sachez qu'au Japon, plupart de l'argent ne se gagne pas en dessinant un manga, mais en le transformant en ennemi. Pourquoi ? Parce qu'avoir un ennemi signifie généralement que marchandises seront créées et vendues dans le cadre du projet, c'est pourquoi les mangas connus sont riches, sont ceux qui ont de l'animation et des vols de marchandises. Ceux qui n'offrent pas de produits à la demande gagnent généralement à peine assez pour se débrouiller. Je dois avoir un travail régulier et créer de la mangue de ce côté. 21. L'édition: Comme cela dépend de la manière dont vous choisissez toutes les options et la face de publication sont facultatives ici. Alors, lequel prendre ? Si vous voulez simplement créer votre manga et être payé pour cela, la voie de l'éditeur est la solution. Ce n'est cependant pas la solution la plus simple, étant donné que les éditeurs sont assez pointilleux quant aux personnes à inscrire, il coûte beaucoup plus cher pour un éditeur de créer un projet original que de simplement acheter une licence pour un projet déjà existant à l'étranger. Ils ont certaines attentes et nous voudrons également avoir notre mot à dire dans le processus de création. Donc, si vous voulez suivre cette voie, il est préférable de le publier avant la fin du projet et, de manière optimale, dès le premier chapitre. Travailler pour un éditeur présente des avantages, car celui-ci dispose d'un vaste réseau, relations avec des vendeurs, d'une connexion aux médias et de personnes pour toutes sortes de tâches, et de personnes pour toutes sortes de de la production au marketing. Ils organisent également des événements qui font la promotion du manga ou vous amènent , vous et votre manga, à organiser des événements tels que des conventions et des foires du livre. Ils aident également à organiser des séances de dédicace dans les librairies, qui sont généralement payantes. Par exemple , lors de mes séances de dédicace, je recevais 50€ soit environ 60 dollars heure pour signer mon nom et mon Mongo. Ils reçoivent également des demandes de librairies et d'institutions pour des ateliers de dessin et les ateliers de dessin en présentiel sont très bien rémunérés pour une référence. Selon la personne ateliers de dessin en présentiel sont très bien rémunérés pour une référence pour qui j'ai fait l'atelier, m'a offert un salaire 70 à 250€ de l'heure pour faire un atelier. Certains de mes collègues qui ont publié avec éditeurs et qui ont consacré plus d'argent à des tournées promotionnelles ont participé séances de dédicace et à des ateliers de dessin que ce qu'ils avaient initialement reçu du projet lui-même. Et bien sûr, l'éditeur s'occupe également des déplacements, de la nourriture et de l'hébergement lorsque vous devez vous rendre quelque part pour promouvoir votre manga. Dans mon cas, il s'agissait généralement hôtels quatre à cinq étoiles lorsque je devais me rendre à des foires du livre et à des conventions. Quand j'étais à Paris, mon éditeur français m' a simplement donné de l'argent pour acheter de la nourriture à l'hôtel les jours ils ne m'accompagnaient pas au restaurant. Je ne me souviens pas exactement combien c'était, mais je pense que c'était environ 200€. Nos éditeurs allemands nous emmenaient généralement manger dans les restaurants. Mais comme je l'ai dit, il n'est pas facile de s' inscrire auprès d'un éditeur. Général, ça marche comme ça. Vous travaillez sur une base contractuelle pour l'éditeur en tant que créateur indépendant pour créer le manga. Vous n'êtes pas payé par mois. Recevez généralement des frais fixes en fonction de la livraison. Et selon le contrat, cela peut être de 50 % à l'avance lorsque vous signez le contrat. Dans les autres parties, fois que vous avez livré certains lots de vos mangas, certains éditeurs ont accepté de payer la totalité des frais d'avance, bien que ces cas soient très rares et qu'ils ne le font pas pour les créateurs novices. Ils ont eu trop de mauvaises expériences avec des personnes disparues. Certains éditeurs payent lorsque le manga est terminé dans son intégralité. Et cela dépend vraiment de votre contrat et de vos compétences en matière de négociation. Et lorsque le projet est terminé, votre travail prend fin, sauf s'il s' agit d'activités promotionnelles. Mais en général, cela signifie qu'à moins que vous n'ayez signé un nouveau contrat pour un nouveau projet, il n'y a pas d'argent supplémentaire, ce qui peut rendre le temps entre les projets particulièrement stressant. Gardez donc cela à l'esprit. Bien entendu, si vous ne souhaitez pas faire affaire avec des éditeurs, vous pouvez imprimer vous-même votre projet et le vendre lors de conventions ou en ligne. L'impression n'est pas bon marché, mais si votre travail est bon, vous pouvez obtenir un financement participatif, par exemple en utilisant Kickstarter. Vous pouvez également demander à des personnes précommander votre projet si vous avez déjà un public et utiliser les fonds pour l'imprimer à la demande imprimer des copies supplémentaires destinées à la vente lors de conventions. Dans ce cas, vous devez apprendre à commercialiser votre manga et à en faire la publicité en ligne. Apprenez à développer un réseau d'affaires et apprenez les bases du marketing. Encore une fois, si vous n'avez pas d'argent à investir dans l'impression, vous ne voulez pas emprunter la voie politique. Je n'ai pas encore de followers et je veux juste que les gens lisent votre manga. Vous pouvez utiliser des plateformes telles que Web Tunes pour publier votre projet. Je suggère de rechercher la plateforme qui convient le mieux à votre projet. Mais si vous souhaitez vous lancer dans l' édition ou le financement participatif, il est préférable de développer un argumentaire, comme dans le cas du financement participatif, recherchant simplement des campagnes réussies pour publications de manga sur Kickstarter et de voir comment ils s'y sont pris. Cependant, en général, si vous avez suivi les phases présentées dans ce cours, vous disposez de tout le matériel dont vous avez besoin pour présenter votre travail à l'éditeur. 22. Projet du cours: Pour le projet de classe, je veux que vous développiez le concept d'une histoire de 20 pages. Je veux que tu fasses les choses suivantes. Premièrement, trouvez l' idée d'une nouvelle, écrivez les scènes qui se dérouleront l'histoire et attribuez-leur des pages en fonction du système de début et de mi-conclusion, troisièmement, notez les dialogues et les descriptions des panneaux. Que va-t-il se passer dans les pages ? Pour des descriptions de personnages développées qui correspondent à l'histoire. 23. Conclusion: C'est une compétence essentielle pour pouvoir créer un manga, pour pouvoir mettre une histoire sur un nombre limité de pages. Si vous pouvez raconter une histoire en 1816 ou 20 pages, et c'est possible, alors vous pourrez raconter une histoire en 180, 500 ou 1 000 pages. Il vous apprendra également à sélectionner les thèmes les plus essentiels et à compresser les informations afin que vous puissiez utiliser l'espace pour les scènes qui comptent vraiment pour l'histoire. J'espère vraiment que ce cours vous aidera à faire un pas de plus vers la réalisation de vos rêves. N'hésitez pas à nous contacter s' il y a quelque chose que vous ne comprenez pas ou pour lequel ils peuvent vous aider ? Si vous souhaitez en savoir plus sur un certain sujet, faites-le moi savoir. Bonne chance.