Transcription
1. Annuaire: Diriger des publicités, plonger profondément dans l'industrie commerciale haut. Dans ce cours, je veux vous guider un peu à travers les différentes voies de
devenir directeur et comment fonctionne l'ensemble de l'industrie commerciale. Ce sont les sujets abordés par ce cours.
2. Introduction à l'industrie commerciale: On les voit tous partout. Ils sont disponibles dans toutes les tailles et formes, formats, types, publicités ou agences de publicité. Mais qui les fait ? Dans ce cours, je me concentrerai sur le réalisateur et l'industrie du film commercial. Comment une publicité prend vie ? Et quel est le rôle du réalisateur dans la façon d'en devenir un ? Ce cours vous donnera un guide détaillé afin que vous obteniez une vue panoramique plus complète de l'industrie et commencez à comprendre comment réussir dans ce domaine. En outre, je vais vous fournir des conseils matériels et pratiques que vous pouvez appliquer sur vos traitements et emplacements. Avant d'entrer dans les détails, je voudrais expliquer brièvement l'environnement publicitaire et son fonctionnement à l'aide d'un exemple, l'exemple de la façon dont une publicité prend vie. Certaines de ces choses peuvent varier d'un endroit à l'autre. Et un très général, juste pour que nous soyons sur la même page et que tout le monde comprenne de quoi nous parlons. Tout d'abord, il y a un client. Votre client a besoin d'une publicité la plupart du temps dans le cadre d'une campagne entière. Mais maintenant, nous ne parlons que du film commercial. Pour que les clients puissent faire deux choses. Soit chercher directement quelqu'un pour le produire, ce qui serait une relation directe avec le client. La société qui produit le spot est appelée société de
production cinématographique ou simplement société de production. Maintenant, le client peut fournir une idée, un traitement, ou même un scénario final, voire aucun d'entre eux, et laisser toute la création du concept à l'entreprise de production. Je ne vais pas entrer en détail sur le processus de création de concept, mais fondamentalement, il devrait y avoir une équipe qui décide de ce sont
les buts et objectifs marketing de l'entreprise et comment les
atteindre en fonction de cette campagne et est créé dans lequel l'annonce commerciale fait partie. Cette équipe peut être une équipe marketing interne ou une agence publicitaire. Quoi qu'il en soit, et la relation directe avec le client, une
fois qu'ils ont trouvé un concept, l'idée est approuvée par toutes les parties. Les budgets sont convenus de leur directeur et équipe comme suggéré par la société de production. Et si elles sont également approuvées, alors tout le processus de production commence l'autre voie pour que le commercial prenne vie comme par l'intermédiaire d'une agence de publicité. Dans ce cas, le client, pour la plupart des grandes entreprises, commande une campagne et une publicité. L' agence développe le script basé sur des objectifs de marketing et d'autres instructions, qui après beaucoup, beaucoup, beaucoup, beaucoup de réductions, est finalement approuvé. Il est important d'être conscient de la durée et de la lassance d'un processus. Mais j'y reviendrai plus tard. Maintenant, si l'agence de publicité n'a pas ou n'utilise pas de société de production interne, l'agence contactera trois à cinq sociétés de production qui sont sur leur liste de fournisseurs et leur enverra le script, concept ou l'idée avec tous les les informations concernant la campagne et le spot. Maintenant, la société de production et la personne du producteur coûtent au réalisateur, il croit être le mieux adapté au travail et à la détection de l'information. Les sociétés de production ont une liste de réalisateurs et la plupart des cas, chacun avec un style et une spécialisation différents. Sur la base de cette information, le directeur crée le traitement des directeurs, une présentation qui explique l'
approche des directeurs du projet et la vision créative de celui-ci. Comme je l'ai déjà dit, plusieurs sociétés de production reçoivent le mémoire. Cela signifie que chaque société de production
sera représentée par le directeur de son choix. Et ceux-ci rivalisent avec leur traitement et le budget qui est fait par le producteur, un
seul des réalisateurs et donc une société de production gagnera l'offre et pourra diriger la publicité après que cette décision aura été prise. Début de la pré-production, puis de la production et enfin de la post-production. Comme je l'ai dit tout à l'heure, certaines agences ont leur propre société de production. Ils produisent donc eux-mêmes des publicités à leurs clients. Mais fondamentalement, c'est comme ça que ça marche. Récapitulons. Agence représente le client, fournissant
généralement le script. La société de production est en concurrence d'autres sociétés de production pour obtenir le tournage de la publicité avec le client et l'agence. Le réalisateur écrit un traitement pour la vision créative et fait
concurrence à d'autres réalisateurs qui représentent tous la société de production pour laquelle ils travaillent. Maintenant que nous comprenons comment ces joueurs se connectent et quel rôle ils jouent, Reprenons du recul et parlons du réalisateur. D' où vient-il ? Comment devenez-vous un ? Et quel est le travail du directeur de toute façon ?
3. Qui ou ce est le Dierctor: Le réalisateur est la personne qui débute en charge de la direction créative et de la mise en œuvre. Mais son travail commence bien avant le jour du tournage. J' ai déjà mentionné le processus d'appel d'offres et le traitement. Le traitement, que nous discuterons en détail plus tard comme la première étape vers l'idée finale de l'enquête commerciale, le développement, la
conception de la présentation, la présentation,
puis, espérons-le, quand il commence maintenant la phase de pré-production et tous les détails sont discutés et décidés afin que tout puisse être organisé pour la journée de tournage. Cela comprend la garde-robe, le style, les lieux, le théâtre , l'
équipement, l'équipe, et bien d'autres choses que le directeur propose ses choix et ses idées selon sa vision. Et si le client l'aime et qu'il est dans le budget, c'est décidé et ne changera généralement pas par la suite. Maintenant, l'équipe de producteurs va commencer à organiser tous les éléments comme l'emplacement, l'équipe, les accessoires, etc. jour du tournage, le direct et toute l'équipe exécutent ce qui a été prévu à l'avance. Les petites choses peuvent changer, mais rarement les aspects fondamentaux changent. jour du tournage, le réalisateur supervise la production et s'assure d' exécuter comme prévu et de trouver des solutions immédiates pour tout ce qui passe imprévu. jour du tournage, le rôle principal des directeurs est de superviser et assurer sa vision et celle du client et d'être un fabricant de solutions au besoin. Donc, ce n'est pas tellement se soucier de ce que vous avez à dire début, quels mots utiliser et ainsi de suite. Quand j'ai commencé, je demandais aux autres réalisateurs, et comment diriez-vous ? Que dites-vous aux acteurs ? Et la réponse a toujours été quelque chose comme, eh bien, chaque réalisateur a sa propre façon de le faire, ce qui est juste. Mais je pense que ça ne répond pas vraiment à ce que la personne qui demande a vraiment besoin de savoir. Et la réponse est, juste être préparé autant que vous le pouvez. Assurez-vous que vous réfléchissez à chaque coup et seconde d'un spot, assurez-vous de noter d'avant en arrière et de commencer, utilisez
simplement les mots, les gestes ou tout ce dont vous avez besoin pour communiquer cette idée. Voilà, C'est la direction, le
développement de la pousse à l'avance et le rendre clair à tout le monde début. Il vous suffit d'ajuster si nécessaire et communiquer ce dont vous avez besoin pour communiquer de la façon dont vous
pouvez faire le mieux pour que tout le monde soit sur la même page après la journée de tournage, la post-production commence. Post-production signifie l'édition de tous les actifs comme l'image, sons, le mouvement, le graphisme, etc. Selon le projet et peut-être même placer soit vous êtes impliqué dans la post-production ou non. Certains réalisateurs préfèrent même couper leur propre matériel. Maintenant, nous savons ce qu'est le réalisateur et ce qu'il fait, mais comment devenez-vous réalisateur ?
4. Comment vous deviez en de réalisateur: Heureusement, il y a beaucoup de chemins différents pour devenir un réalisateur plutôt qu'une manière exclusive. En fait, il n'y a pas de plan général pour que quelqu'un puisse se lancer dans la mise en scène, seulement des façons plus ou moins traditionnelles. Et c'est très important à comprendre en tant que réalisateur. Je crois qu'en tant que gens créatifs, nous avons tendance à nous comparer aux autres. Et cela peut devenir frustrant. Si vous ne comprenez pas que chaque personne dans l'industrie créative a son propre chemin et son propre rythme et son propre style. Aucune carrière n'est la même. Pourquoi est-ce que je dis ça en étirant autant ? Parce que si vous êtes constamment vous comparer aux autres, il vous fera sentir mal parce qu'il y a toujours gens n'ont pas de plus gros emplois avec une meilleure créativité, avec plus de budget et ainsi de suite. Vous vous demandez comment ils sont arrivés là-bas et demander autour et savoir que ce n'est pas ce que vous attendiez du tout. Ou vous pourriez même penser, ok, c'est comme ça que je dois le faire. Ensuite, vous faites exactement la même chose et rien ne se passe. Pourquoi ? Parce qu'il n'y a pas de plan et ce qui fonctionne pour vous pourrait ne pas fonctionner pour quelqu'un d'autre. Et un autre problème est que vous allez essayer d'imiter et donc de ne pas développer votre propre style, voix et façon de faire vos propres choses. Directeur commercial n'est pas une profession protégée, ce qui signifie que vous pouvez littéralement pas avoir d'éducation formelle et encore devenir un directeur. C' est la théorie et le monde réel. Cela signifie que vous devez absolument vous éduquer, mais vous pouvez choisir comment et ce dans quoi vous voulez vous éduquer. Cela peut signifier que vous pouvez vous inscrire à l'école de cinéma ou à l'université avec des cours indépendants. Vous pouvez apprendre une grande partie de l'artisanat et des connaissances sur la réalisation cinématographique sur Internet. Vous pouvez commencer en tant qu'apprenti dans une société de production, agence ou location de films ou sans formation préalable. Vous pouvez combiner ces choses. Vous avez peut-être appris une compétence particulière qui n'a
rien à voir avec la réalisation cinématographique et encore la transition vers la réalisation cinématographique. Cela nous amène au point suivant, l'école de
cinéma ou non.
5. École de cinéma Ou non ?: Moi, je suis allé à l'université avec le campus des médias. Il y a des gens qui disent que l'école de cinéma est la meilleure façon. Autre, disons que ce n'est pas le meilleur moyen du tout. Je crois que chaque voie a ses avantages et ses inconvénients. Si vous me demandez, je dirais que l'école de cinéma est idéale pour se connecter avec des gens partageant les mêmes idées, pour expérimenter, car c'est un endroit sûr et échouer n'est pas un problème, vous avez accès à l'équipement et aux studios sans frais. Au moins, c'était comme ça dans mon école. Et bien sûr, vous apprenez en pratiquant. Inconvénients de l'école de cinéma n'est pas le rythme réel, rythme et le professionnalisme ne sont pas au même niveau. Vous pouvez apprendre beaucoup de l'artisanat, mais ce n'est pas facile d'être préparé pour la vraie entreprise. En outre, il est absolument possible d'aller à l'école de cinéma et diplôme sans avoir rien appris sur le cinéma du tout. Et c'est parce que l'école de cinéma vous fait une offre, mais décidez ce que vous prenez ou quittez. Et beaucoup de choses importantes pourraient ne pas être enseignées et l'école de cinéma. Il arrive donc que de nombreux étudiants sortent de l'école de cinéma, croient qu'ils sont le prochain Ferentino, Michael Bay ou Dave Meyers. Et ils ne le sont pas encore parce qu'ils n'ont aucune idée de comment les choses fonctionnent. Et aussi ils manquent beaucoup d'expérience, ce qui est crucial et les affaires téléphoniques, bien
sûr, cette expérience ne peut être acquise qu'en travaillant dans ce domaine. Donc, dans tous les cas, je vous recommande de commencer à travailler tôt dans une entreprise de production ou de location juste pour apprendre le métier, l'
équipement, établir des règles, et en même temps, vous observez comment les grands travaillent. Je ne l'ai pas fait pendant mes années d'études, et je le regrette profondément car j'ai dû compenser cela par la suite, je croyais que je serais diplômé. Si quelques spots de spécification, appelez-moi un réalisateur et les emplois viendraient juste. J' avais très tort. Bien sûr. Il y a des cas où une seule entreprise a commencé une carrière énorme, mais ce n'est pas toujours le cas. Je vous encourage donc à faire la longue marche, à
commencer par le bas, aider à la production, par exemple, et à apprendre en faisant. Vous allez adorer travailler dans cet environnement et gagner expérience et le temps volera et vous serez à un tout nouveau niveau pour commencer votre carrière en tant que réalisateur ou tout autre rang sur le plateau. Voici quelques avantages et inconvénients à propos d'aller à l'école de cinéma où vous apprenez à étudier et à faire des mousses. Les pros. Vous pouvez expérimenter en étant exposé à différentes approches de la pensée, de l'observation et de la création. Vous apprenez à analyser et à étudier d'autres entreprises et à en tirer des conclusions. On vous enseigne les compétences et l'artisanat et vous permet de l'exercer, ce qui vous donnera de l'expérience. Vous pouvez choisir parmi différentes écoles avec différentes approches où vous choisissez une certaine piste et le commerce et l'apprendre parfaitement et se spécialiser sur elle. Ou vous pouvez expérimenter et faire un peu de tout. Vous avez donc une compréhension holistique plus anti-héros du cinéma. Vous avez le temps de vous concentrer sur ce que vous voulez faire. Vous êtes dans un environnement structuré où vous pouvez essayer d'apprendre en faisant. Vous êtes accompagné par des professionnels qui guident et corrigent vous êtes peut vous donner des commentaires. À l'école de cinéma, vous établissez d'excellentes connexions qui pourraient vous relier à gens qui travailleront avec vous même pour le reste de votre carrière. Vous créez un réseau qui est très important dans la réalisation de films. Et certaines écoles vous feront même entrer dans l'entreprise grâce à des programmes et à des reconnexions. Et certaines écoles vous permettront même de vous lancer dans l'entreprise grâce à des programmes et à des connexions. De nombreuses écoles vous offrent
une location gratuite où vous pouvez mettre la main sur des caméras, des lumières, du son et d'autres équipements qui vous permettent d'expérimenter ou de produire vos propres trucs, ce qui vous donnera de l'expérience. Vous obtenez un diplôme, un certificat. Dans certaines situations ou cheminements de carrière peuvent devenir importants dans le processus de demande. En vous inscrivant, vous obtenez des statuts d'étudiants, ce qui vous donnera de nombreux avantages même non liés au cinéma. Maintenant les inconvénients, les meilleures écoles sont la plupart du temps très cher. scolarité peuvent être très élevés, Mais en dehors de cela, vos projets sont également financés par vous-même. Vous pouvez obtenir la plupart de l'entrée gratuitement en ligne ou
pour un prix beaucoup plus bas en utilisant des cours en ligne ou des causes. Mais le fait est, pourquoi payer de l'argent si vous pouvez l'obtenir gratuitement. Bien sûr, vous devrez guérir évaluer vos résultats, filtrer ce qui vaut et ce qui ne l'est pas. En outre, vous ne savez peut-être pas ce qu'il faut chercher, mais je crois qu'après avoir enquêté un peu, vous comprendrez plus ou moins ce que vous cherchez spécifiquement. Vous pourriez également devoir déménager, ce qui peut signifier des coûts de vie supplémentaires ou plus élevés. Peut-être que vous n'êtes pas un bon apprenant en matière d'éducation de classe. Peut-être que vous êtes plus le type d'apprendre en le faisant ou le faire vous-même sans limites structurées, vous apprenez ce qu'on vous dit d'apprendre. Vous êtes lié à une certaine façon d'apprendre et à certains contenus. Souvent, vous apprenez simplement de a à Z suivant un certain schéma qui vous apprend seulement à imiter une certaine connaissance, il est plus difficile de développer votre propre façon de penser, exécuter, de style et de voix. Même avec un diplôme, vous n'avez pas la garantie d'obtenir un emploi. Ça peut aider. Mais la vérité est que, surtout dans l'industrie du cinéma commercial, personne
ne s'intéresse à votre diplôme. Il ne leur dit rien. Ils ne sont intéressés que par votre travail. Donc vous décidez, maintenant ayant fréquenté l'école de cinéma ou non, vous vous appelez un réalisateur, veut une publicité directe. Comment êtes-vous arrivé là ? Tu as besoin d'une carte de visite. Et dans votre cas, la carte de visite est votre spectacle réel, réel ou portefeuille.
6. Comment créer votre première Showreel: je vais y faire référence, c' est là où vous mettez en valeur votre travail. Il peut être sur la page d'accueil, vous pouvez mettre vos téléphones sur Vimeo ou YouTube ou simplement les envoyer numériquement. Mais vous devez avoir un moyen de montrer les œuvres que vous avez faites. Ainsi, le client potentiel peut imaginer ce qu'il faut attendre de vous en termes de qualité, standard, de style créatif et de voix. Voici deux exemples du mien pour mettre en valeur votre travail. Comment créer un réel. C' est un cercle vicieux. Parce que pour gagner des emplois, vous devez avoir fait des travaux. Mais que pouvez-vous faire quand vous n'avez rien à montrer ? Soyons réalistes. La plupart du temps, votre premier réel ne sera pas le plus grand, mais vous devez commencer quelque part. Vous pouvez mettre un travail étudiant, peut-être un travail que vous avez fait pour un ami, gratuitement où vous avez obtenu la liberté et l'équipement. Il y a plusieurs façons d'obtenir du matériel sur le rôle réel, mais il y en a une en particulier qui a ouvert de nombreuses portes à beaucoup de gens. Le point de spécification.
7. Le point de spec: Le spot de spécification se réfère généralement à une fausse publicité pour les marques existantes. Faux en ce sens que la publicité n'est pas une œuvre officielle commandée pour la marque, la marque
n'a été impliquée avec elle. L' idée derrière elle est que vous recréez un spot commercial, essayant de produire quelque chose qui pourrait être confondu avec une véritable publicité de cette marque, imitant le style et le ton de la marque. Certaines personnes disent que vous devriez choisir une grande marque. D' autres disent le contraire. Tu devrais opter pour une marque inconnue. Mais en tout cas, c'est vous qui mettez l'argent et crée la place sans le soutien de la marque du tout. Tu fais ça. Ainsi, vous pouvez montrer que vous êtes capable de diriger une publicité à un niveau élevé et de comprendre le métier. Il est crucial que vous enquêtiez sur votre marque afin que vous en fassiez le ton et l'apparence. Vous ne voulez pas que quelqu'un remarque que ce n'est pas une vraie publicité. Cela comprend avoir un bon script et une exécution professionnelle sur des équipements professionnels. Si possible, le script est quelque chose que vous ne devriez pas sous-estimer. Nous nous croyons tous être de grands écrivains, ou beaucoup d'entre nous le font. Mais la réalité est que l'écriture de script comme un métier, pas tout le monde domine et il devrait être laissé aux pros. Un mauvais script peut rendre tous vos efforts sans valeur. L' image la plus épique avec un mauvais script ne gagnera pas l'attention que vous voulez obtenir à moins d'être aussi le directeur de la photographie et de pouvoir utiliser ce matériel pour montrer vos compétences en DP. Mais nous parlons de la mise en scène et le meilleur direct et peut être montré à travers un grand script. Maintenant, si vous réalisez que vos compétences en écriture ne sont pas aussi grandes que vous le pensiez, vous vous demandez, où pourriez-vous obtenir un script à partir d'un bon script ? Voici quelques idées. abord, si vous savez qu'un rédacteur
lui a personnellement demandé si vous pouvez obtenir quelque chose qu'il a écrit et aucune utilité pour elle, mais des choses qui feraient un grand endroit. Numéro 2, demandez autour des agences de publicité, ils ont généralement beaucoup de scripts de dette qui n'ont jamais fait à travers la phase finale, mais toujours une note. Numéro trois, trouver un script sur des plates-formes comme speck bank, qui a un coût. Dans tous les cas, vous devriez penser à quel genre de réalisateur vous voulez être. Quel genre de choses, de style ou de genre voulez-vous tourner ? affaires comme des publicités automobiles, des entreprises de mode, comédie, de la CGI, du style de vie ou de la table. Si vous êtes clair à ce sujet, vous devriez aller dans cette direction et créer un endroit qui vous donne des emplois dans ce domaine. Cela m'amène au point suivant. Mets-toi dans une boîte.
8. Mettez vous en place dans une boîte: Mettez-vous dans une boîte quand une agence ou le client est présenté avec les traitements et les directeurs réels, la
plupart du temps ils veulent voir leur place sur le réel du réalisateur. Qu' est-ce que ça veut dire ? Par exemple, si la marque est sur la nourriture, disons chocolat, l'ajustement parfait pour eux serait un réalisateur qui a déjà fait plusieurs spots, était chocolat et peut le montrer sur son réel, ils veulent sentir que le projet est entre de bonnes mains. Maintenant, si le réalisateur se lance sur la tache de chocolat, mais qu'il a seulement fait apparaître des spots sur Israël, le client pourrait penser que le chocolat n'est pas son expertise. Nourriture en général, en tant que réalisateurs, la
plupart d'entre nous aimeraient faire un travail très diversifié parce que c'est la créativité qui nous motive. Mais dans l'industrie, il est préférable d'être connu pour certaines compétences spécifiques, un thème ou un domaine. Il peut s'agir de vidéos de musique sur table, de sports, coûts de
style de vie, de CGI, d'animation, enfants de style
urbain, ou autre chose. Mais vous devez vous mettre dans une boîte si vous voulez réussir. C' est pourquoi je vous recommande de bien réfléchir au genre de travail que vous voulez faire et de sortir et de faire un point de spécification de tueur. Donc, vous avez quelque chose à montrer et l'autorité pour lancer sur ce sujet. Bien sûr, au début, il est difficile de trouver votre voix et votre style. Je me suis, je suis encore à découvrir, même si vous n'êtes pas si spécifique à quel sujet ou le style que vous possédez, essayé de trouver quelque chose qui relie votre travail et assurez-vous que votre thème, qui peut être le style des caméras, le classement des couleurs, humour, ou comme je l'ai mentionné, un certain sujet. Si vous avez un travail très diversifié, ne montrez pas tout avec chaque terrain. Cela signifie que lorsque vous créez un traitement et qu'ils ont demandé votre vrai chèque, votre travail pour des choses qui, selon vous, pourraient aider à gagner ce travail spécifique. S' il s'agit d'un style comique, n'envoyez que des spots comiques, pas le spot de fondation du cancer sérieux. Si cet endroit a des enfants dedans, cherchez des enfants dans votre travail et sablez cet endroit. De cette façon, vous pouvez vous vendre comme un certain type de réalisateur et leur montrer que vous êtes capable de faire ce qu'ils ont besoin de vous, même si ce n'est pas votre vrai domaine. Cela peut même conduire à une situation dans laquelle une agence une urine connue et réservée comme le directeur des enfants et une agence être euro le directeur de table. Donc, vous voyez, le mieux que vous pouvez faire est de vous faire un nom pour quelque chose de spécifique afin que chaque fois qu'il y a un endroit autour de ce sujet, les gens pensent immédiatement à vous.
9. Comment parvenir à Get à un Job Partie 1: Le directeur est rarement appelé directement par l'agence ou le client. La façon normale, c'est que lorsqu'il y a un projet, l'agence l'envoie à peut-être trois sociétés de production. Ils choisiront un directeur qui fera le traitement. Donc, ce dont vous avez besoin, c'est d'obtenir le radar des sociétés de production ou d'un représentant commercial. Le représentant des ventes peut être une agence personnelle qui représente des créateurs comme des PDs et des réalisateurs, et peut être appelé si une société de production a besoin de trouver un certain type de réalisateur, dans tous les cas, vous aurez besoin de cette LI, qui est la société de production ? Il suffit de chercher une entreprise que vous pensez que votre style correspond à leur travail. Paul, toutes ces sociétés de production et présentez vous et votre travail. se peut qu'ils ne vous inscrivent pas immédiatement sur leur liste, mais lorsque votre travail est suffisant ou qu'ils voient un grand potentiel qui gardera votre nom à l'esprit pour les projets futurs qui pourraient vous convenir. Maintenant, quand cela se produit, vous obtiendrez un deck de planche ou tout ce que les gens pourraient appeler, les documents et informations, les présentations, etc. Tout ce que vous devez savoir sur le projet, probablement avant de commencer à faire le traitement. Il y aura un appel d'agence au cours duquel vous parlez aux créateurs. Ils expliquent en quoi consiste le projet. Et vous pouvez poser des questions afin que vous compreniez mieux le but de l'endroit et ce qui est le plus important pour eux. Cet appel est très important car c'est votre chance de briller. Ils auront un sentiment pour qui vous êtes et comment vous travaillez. Alors écoutez clairement et posez de bonnes questions. Veillez à ne pas entendre ce que vous voulez entendre, mais à écouter attentivement ce qu'ils veulent accomplir. L' heure de l'histoire. Je vais vous raconter une courte histoire de ce qui
m'est arrivé et que je m'assure qu'il ne se reproduira plus jamais. Une fois, j'ai été présenté un bref sur la marque qui normalement n'avait jamais fait quelque chose de comique IPv4. Mais ils voulaient explorer ce nouveau domaine. J' adore la comédie. J' ai donc vu une chance de réaliser mon rêve et d'écouter attentivement. J' ai dit mon rêve. Je me suis tellement concentré sur ce que je voulais sortir de ce projet que j'ai commis l'erreur de n'entendre que ce que je voulais entendre jusqu'à ce jour. Je ne suis pas sûr comment je pouvais même les fournisseurs travailler quand évidemment je ne comprenais pas ou ne prêtais pas attention à ce qu'ils me demandent. J' ai donc commencé à leur présenter un tas
d' idées qui, à mon avis, pourraient potentiellement mentir le script. J' ai donc trouvé les idées et je m'attends à ce qu'elles l'adorent. Et tout ce qu'ils ont dit c'était,
oui , oui, une idée cool, mais ce n'est pas exactement ce qu'on cherche. Reste au script. Ok, donc j'ai réfléchi à nouveau et je suis venu avec de nouvelles idées qu'ils ont rejetées aussi. Et j'étais comme, Hey, tu ne
voulais pas rire ? Faisons rire les gens. Mais j'ai complètement manqué que cette marque, une énorme marque avec beaucoup d'histoire, ne
pouvait pas seulement d'un jour à l'autre changer cette communication. L' un des plus grands concours était connu pour utiliser l'humour et tous leurs projets. Nous avons donc dû tracer une fine ligne entre leur communication et notre mode de communication qui était crucial à comprendre. Et la raison pour laquelle je ne comprenais pas au départ était que j'avais mon propre agenda. Je voulais faire un film pour moi et pas pour le client. Quand si loin que je ne les ai clairement pas écoutés quand ils m'ont dit Nous voulons un seul coup long pour chaque spot car il n'y aurait pas seulement un, mais plusieurs spots. J' ai dit, oui, on peut le faire. Mais que diriez-vous d'essayer des coupes aussi bien, angles
différents et ainsi de suite. Et puis on peut faire un seul coup long. Et à la fin, nous déciderons lequel est le meilleur. Je n'ai même pas lu leurs expressions faciales, ce qui m'aurait dit une fois pour toutes, juste faire ce qu'on veut que tu fasses. Comme je l'ai déjà dit, je n'ai aucune idée de comment je pourrais encore gagner le travail, mais je l'ai fait. Donc, à la fin du tournage, ils sont arrivés et j'ai commencé à faire les choses comme je voulais et on m'a dit. Faisons ça de cette façon, s'il te plaît. Et j'étais genre, Hey, on
n'était pas d'accord pour le faire comme ça ? La vérité est non, nous ne sommes pas d'accord là-dessus. Seulement dans mon esprit parce que j'ai entendu ce que je voulais entendre et tout
interprété d'une manière qui corresponde à ma vision, qui n'était pas la vision du client. Les sons tous dramatiques et d'une certaine manière cela, mais il était aussi beaucoup plus subtil que je peux vous le dire maintenant. Avec le recul, il est très clair ce qui s'est passé, mais à l'époque, c'était plus subtil et logique pour moi puisque j'étais tellement concentré sur ma propre vision. Donc, pour faire une longue histoire sur le plateau, j'ai été confus quant à la raison pour laquelle tout d'un coup ils ont tellement insisté sur le long plan pendant que je me suis concentré sur les différents angles et ainsi de suite. Nous avons réussi à l'obtenir comme ils le voulaient, mais nous avons perdu beaucoup de temps à cause de mon erreur de ne pas écouter clairement depuis le début ce qu'ils voulaient réellement au début. Je vous ai également parlé du long processus de création d'un script. Je vous ai dit que plus tard, j'irai plus dans les détails et je pense que c'est un bon moment de rester à la même histoire.
10. Comment parvenir à Get à un Job Partie 2: Il y avait des points dans le script qui m'ont embrouillé. D' un côté, j'ai compris que c'était de la comédie, mais là encore, il n'y avait pas tant de comédie. C' était très subtil. Donc je pensais que mon travail était de rendre ça plus drôle et d'ajouter des trucs pour que ça me donne plus de sens. J' aurais pu avoir raison d'une certaine façon, mais le client est roi et j'aurais dû prêter attention à ce point important. Quand un script vous est remis,
vous êtes autorisé à le modifier légèrement ou à ajouter quelque chose qui pourrait potentiellement tout le truc sans le changer. Essentiellement, cela est très important à réaliser parce que nous devons comprendre que ce script final qui nous est
donné n'est pas un script qui a été écrit dans un instant et fait. Pour qu'un script reçoive l'approbation finale, il doit passer par de nombreux filtres. Son idée initiale à plusieurs reprises ne peut pas être reconnue avec le script final. Tant de choses ont changé pour de nombreuses raisons différentes. Je crois que cela est également arrivé à ce script particulier. Je crois que c'était un script plein de blagues et d'action, mais en raison de la voix de la marque et de la communication de la marque, il a dû changer. Donc, les choses ont été changées,
enlevées, remplacées par autre chose, et ainsi de suite. Il doit passer par tant d'étapes jusqu'à ce que l'approbation soit donnée. À ce stade, les créateurs sont simplement heureux qu'ils puissent
enfin passer par le processus et obtenir le feu vert. Et maintenant, Thomas vient et veut changer tout ça. Et ce n'est pas ainsi que cela fonctionne. Je sais qu'il y a des exceptions à la règle, mais dans la plupart des cas, tout ce qu'ils ont demandé
à vous, c'est de comprendre ce qu'ils visent et d'
exécuter le script d'une manière qui a été écrite et destinée au numéro 3, donner des entrées et de petits ajouts ou des modifications qui ne changeront pas l'idée, mais en tireront davantage. Ils veulent dire qu'ils peuvent ajouter ce petit détail qui donnera à l'idée plus de pouvoir. Maintenant, qu'est-ce que ça peut être ? Ça peut être n'importe quoi. Le choix des acteurs, une seule ligne que vous ajoutez, la façon dont vous demandez à vos acteurs de faire ou de dire une chose. Cela peut être un accessoire, il peut être même une petite pause et une réaction qui n'était pas dans le script. Eh bien, j'espère que j'ai bien précisé ce point. Voici une autre petite histoire à partir de laquelle j'ai appris et ne répéterai pas cette erreur. Parfois, le client ou l'agence, Je ne suis pas en mesure de communiquer exactement ce qu'ils veulent, ou ils disent quelque chose et vous recevez comme juste un autre commentaire, position
facultative y à eux. C' est crucial. Je travaillais sur un autre projet quand une image très spécifique a été mentionnée. Je ne vais pas entrer dans les détails, mais ils ont dit quelque chose comme Mon
nous, nous pourrions avoir ce détail et le projet ou quelque chose comme ça pour rencontrer Mencius. Une autre option. Et comme ils l'ont dit, ou quelque chose comme ça, je l'ai considéré comme quelque chose sur lequel je pourrais me concentrer sur une étape ultérieure. Le jour du tournage arrive. Je ne suis pas préparé pour ce tir précis. Alors on va essayer de l'improviser. Bien sûr, cela n'a pas fonctionné. Donc, nous avons dû parler au client et négocier s'il était possible d'acheter ce plan spécifique à partir d'une plate-forme d'images stock. Ce n'est pas là le problème. Je crois que si je l'avais planifié à l'avance, j'aurais pu en arriver à la même conclusion
que l'achat de certains stocks nous permettrait d'économiser
beaucoup de temps et d'éviter certains problèmes. Et c'est une pratique courante. Dans mon cas, c'était mauvais parce que d'abord, je ne me suis pas préparé correctement, ce qui conduit au numéro deux, j'ai perdu début de temps. Et troisièmement, elle a engendré des coûts supplémentaires qui n'avaient pas été prévus. Et surtout, numéro 4, ça m'a fait paraître non professionnel d'une part parce que je n'étais préparé et d'autre part parce que ça me
faisait croire que je n'étais pas en mesure d'y parvenir, ce qui est probablement la pire partie de tous. Le projet s'est bien avéré à ce jour. Certaines personnes le voient et me disent à quel point ils ont aimé cette photo spécifique à laquelle je dois admettre que je n'ai même pas fait ce coup, mais plutôt acheté. Si quelque chose est mentionné et que vous n'êtes pas sûr si c'est vraiment important ou non, alors demandez simplement ce qu'ils veulent vraiment dire, ce qu'ils veulent vraiment ? Parce que vous pouvez aussi supposer que tout ce qu'ils disent est tout aussi important ou que ce qu'ils disent est exactement ce qu'ils veulent dire. Écoutez attentivement et puis passez à faire les questions importantes afin qu'à la fin vous êtes sûr à 100% que vous avez compris. Mais pour revenir à mon point initial et résumer, ils veulent que vous exécutiez leur idée pendant que vous y ajoutez quelque chose de plus qui ne changera pas, mais plutôt l'améliorera. Je vous raconte ces histoires pour que vous puissiez apprendre de mes erreurs et ne pas les répéter. Comprenez simplement, en tant que réalisateur, vous travaillez pour quelqu'un et non pour vous ou votre bobine de spectacle.
11. Choix de mots: Parlons du choix des mots. Nous venons de parler de l'importance de la communication et du filtrage. Ce que vous entendez dans ce chapitre, je veux continuer avec un sujet connexe. C' est quelque chose que certains vont peut-être argumenter. Mais d'après mon expérience, j'ai constaté que le choix des mots dans un pitch et dans un traitement ou à n'importe quelle étape du processus est très important. Vous voulez éviter d'utiliser des mots ou des mots répétitifs qui ne
sont pas spécifiques ou des mots qui peuvent signifier quelque chose ou pire, qui peuvent signifier quelque chose pour une personne et quelque chose d'autre pour une autre personne. Fondamentalement, il y a deux choses que vous voulez réaliser, la
fois dans le terrain et dans le traitement, qui font tous deux partie du même processus et objectif. Vous voulez expliquer comment vous exécutez le projet. Vous voulez vous assurer qu'ils comprennent ce que vous prévoyez et comment vous prévoyez d'y parvenir. Cette partie, je dirais, est une partie plus technique. Vous voulez utiliser des mots et des termes pratiques et spécifiques afin que le client et l'agence puissent s'assurer qu'ils sont entre de bonnes mains. Mais à mon avis modeste, il y a une autre partie beaucoup plus importante et cruciale, le ton, la voix ou le sentiment. Vous voulez vous assurer absolument que vous communiquez comment il se sentira et ressembler. Vous voulez créer un sentiment et une image dans l'esprit du client. Il n'est pas si important de savoir comment, d'une
manière technique de parler, vous y arriverez. L' important est que vous êtes en mesure de communiquer et de transmettre vos idées
d'une manière qu'ils sentent qu'ils savent ce qu'ils verront dans le résultat si vous y parvenez, et alors il ne sera pas si important pour eux savoir spécifiquement comment vous allez exécuter chaque détail. Alors maintenant, parlons du traitement.
12. Le traitement partie 1: Le traitement. Si vous regardez ce cours depuis le début, vous vous souviendrez probablement que le traitement dans le cadre du processus de tangage, vous êtes invité par votre société de production à créer un traitement
ou un traitement des directeurs ou une interprétation des réalisateurs, ou comme nous l'appelons dans l'approche de la Colombie. Par conséquent, vous avez accès à certains actifs comme un concept de présentation ou juste l'information qui vous a été fournie et l'appel de l'agence ou du client. Le fait est que quiconque a besoin de repérer vous fournira les informations qu'il a sur ce projet. Maintenant, vous devez créer un traitement dans lequel vous implémentez cette information, mettre en structure et y ajouter votre ton créatif et votre voix. Bien que je vais vous montrer quelques exemples, je dois vous rappeler que chaque traitement est unique et qu'il n'y a pas de façon exacte ou d'approche qui s'applique à chaque projet de la même façon. Cependant, il y a certaines choses que je vais vous montrer qui pourraient vous guider et vous guider afin que vous ayez une meilleure compréhension de la fonction et du but d'un traitement direct. Dans un traitement, je dirais qu'il ya deux ou trois composantes qui sont cruciales pour transmettre dans votre vision, l'information écrite que la conception avec le choix de l'illustration et des références visuelles, si nécessaire aussi, le Audi références en bref, textes, images et sons. Ces trois composantes sont vos outils et ressources pour gagner un emploi. Bien sûr, aussi votre spectacle réel joue un rôle en elle. Alors, quelle est mon approche générale pour écrire un traitement ? Je n'en ai pas. Cela dépend du projet, des informations qui me sont fournies et d'autres facteurs. Mais en général, je soit tout de suite, j'ai un sentiment pour le projet et plus ou moins une direction que je veux poursuivre. Ou je dois d'abord plonger dans le projet et enquêter beaucoup avant d'avoir une direction générale. La partie enquête est cruciale pour toute approche qui sera toujours un travail d'investigation étendu. Mais parfois c'est ce que je commence. D' autres fois, ce n'est pas la première étape. Quoi qu'il en soit, l'enquête n'est pas une seule étape, mais plutôt une partie continue du processus qui est interrompu pour écrire, concevoir ou quoi que ce soit. Mais en aucun cas, c'est une étape que je commence, puis je termine, et ne pas y revenir avant de plonger dans les détails, laissez-moi vous dire quelques choses générales très importantes sur ce qui est important pour le traitement. Sois sur le point. Parfois moins, c'est plus. Les gens ne veulent pas lire un roman. Ils veulent avoir une explication brève et claire sans avoir à filtrer l'information. Sois visuel. Il y a un dicton, une image parle plus de 1000 mots. Essayez d'étudier le ton et la voix, le
style, le langage et l'apparence visuelle de la marque . Tenez-vous au budget. Cela signifie être conscient de vos limites. Vous pouvez écrire des idées incroyables et à la fin, il
n'y a aucun moyen de l'exécuter en raison de la limitation budgétaire. Ainsi, votre garniture et donc votre traitement seront de peu de valeur. N' essayez pas de changer le script, mais augmentez le potentiel à quelque chose de spécial. Donnez-leur ce qu'ils veulent. Nous. Grandes références indépendamment de l'ordre des étapes. Commençons par la partie de l'enquête. Disons qu'on vous a fourni un script avec des images de photos représentatives ou même une vidéo de référence. La plupart du temps, je commence à analyser ce matériel jusqu'à ce
que je sois sûr de comprendre tout ce dont j'ai besoin pour commencer par mon approche du projet. S' il y a quelque chose que je ne suis pas sûr que ce soit clair pour moi ou s'il y a un doute, je contacte mon producteur qui est en charge
du projet et lui demande s'il peut répondre à mes questions et mes doutes. S' il ne peut pas y répondre, il contactera l'agence ou le client et essaiera de résoudre tous mes doutes. En fait, la meilleure option est d'entrer directement en contact avec les créatifs. Bien sûr, cette connexion sera faite par le producteur, si possible, obtenir un appel avec eux afin que vous puissiez leur demander des choses spécifiques ou simplement demander s'ils peuvent expliquer ce qui est important pour eux et s'ils peuvent résoudre certains doutes, cela peut se produisent même sur plusieurs étapes de la création du traitement. Ça pourrait être plusieurs appels. Étant donné que plus vous travaillez sur le traitement, plus vous avez d'idées à filtrer. Parfois, le meilleur filtre est le créatif. Bien sûr, vous ne devriez pas énoncer de façon flagrante des questions comme, préférez-vous que la peinture du mur soit verte ou bleue ? Ce serait quelque chose que vous devriez décider s'ils ne vous ont pas dit quelque chose de spécifique. Peut-être que dans le terrain, ils vont mentionner qu'ils préfèrent une autre couleur. Mais vous pourriez demander quelque chose comme, je vois que le script lit drôle, mais je ne suis pas sûr à quel point vous voulez qu'il
soit drôle puisque votre marque utilise normalement un ton plus sérieux, voulez-vous avoir l'humour de diapositive ou vous voulez être lourdement financement ? Ce serait une question acceptable. Maintenant que j'ai compris et que tout est clair, cela ne signifie pas que maintenant mon approche est claire. Je ne fais que commencer. Je sais ce qu'ils recherchent. Je comprends le scénario, l'histoire, le style, si le ton est sérieux ou drôle, ou inspirant
ou quoi que ce soit. Et maintenant, je dois faire beaucoup de positions. Je suggère de passer de la théorie à la pratique, et je vais vous montrer d'autres sujets que je couvre généralement dans mes traitements. Tout d'abord, mon traitement commence par une brève introduction dans laquelle je suis d'accord dire quelques mots sur le projet et la transition vers les faits durs. Mais d'abord, rappelez-vous, il
n'y a pas d'ordre officiel sont des instructions sur ce qui doit être dedans ou dans quel ordre vous décidez ce que vous pensez être
important d'être mentionné et vous lui donnez un ordre logique. Donc, pour être plus pratique, je vais passer étape par étape à travers un traitement que j'ai fait récemment pour la marque colombienne. Bien que j'ai soulevé toutes les informations sur le client
de l'agence et tout ce qui est confidentiel. Après cela, je vais vous montrer sélectivement quelques pages d'autres traitements où je
parle et je fais référence à d'autres points que je n'ai pas mentionnés dans le premier. C' est parce que chaque projet peut avoir des atouts et des exigences uniques. Par exemple, pour la table, où il y a de la nourriture, vous aurez au moins besoin d'une prise de produit ou de la prise de vue. La plupart du temps dans les deux, mais dans un endroit qui vend le service qui ne sera ni l'un ni l'autre. Alors peut-être dans un traitement, je vais mentionner le produit shot, un autre je ne le ferai pas car il n'y en a pas ou dans l'un il agit. Je vais donc expliquer mon approche à l'égard de l'acteur. Et un autre endroit, il n'y aurait peut-être pas d'acteur du tout. Peut-être qu'ils ne seront même pas des acteurs impliqués. Je pense que vous comprenez l'idée, mais commençons.
13. Le traitement partie 2: Comme vous pouvez le voir, j'utilise Keynote pour concevoir mes traitements. En fait, vous pouvez utiliser n'importe quel programme qui vous convient. Mais je vous suggère de parler à votre producteur ou de vous demander quel est le programme le plus utilisé ? Parce qu'il m'est arrivé que j'ai créé mon traitement dans Keynote. Et puis j'ai dû le transmettre à PowerPoint parce que le client n'avait pas de Mac. Oui. Donc, si vous pouvez demander autour, peut-être que vous obtiendrez une limitation sinon, suffit d'utiliser le programme que vous aimez le plus. Dans mon cas, c'est Keynote. Mes conceptions dépendent de différents facteurs. Parfois, je mets juste quelques photos comme arrière-plan. Parfois, ce sera plus de conception de levier, mais dans ce cas, ce n'est qu'un exemple. Donc, vous devez comprendre que vous pouvez le faire de toutes les manières possibles. Et aussi, cela dépend beaucoup du projet comme les couleurs là-bas, là, il pourrait y avoir des limitations de couleur. Comme le cas où votre marque a le bleu comme couleur principale et leur concurrence a lu. Donc, vous allez essayer de ne pas mettre la couleur rouge autant dans ce traitement parce que ce n'est pas leur couleur. D' accord. Et parfois, ça pourrait être quelque chose de très sérieux. Donc, il aura un ton plus sombre. Peut-être que c'est quelque chose de drôle, alors vous utiliserez plus de couleurs. Ce sont des choses que vous devriez considérer. Ok, donc dans ce cas, mes murs de traitement direct pour une marque colombienne, je ne mentionnerai pas le nom. Je n'y mettrai pas non plus les logos parce que c'est confidentiel. Donc, vous ne trouverez pas ces logos que j'y mets normalement. Dans ce cas, j'avais quelques logos en bas, le logo
de la société de production et le logo des clients. Parfois, j'ai même mis le logo des agences. Cela dépend toujours de plusieurs facteurs. Parfois, je mets plus d'informations sur la première page. Si c'est nécessaire, alors je le ferai. Si ce n'est pas le cas, je le laisse. Donc ce serait le pont. Ensuite, la plupart du temps, je fais une introduction, pas toujours je mets un titre qui dit que l'introduction dépend aussi du projet, mais dans ce cas, je l'ai fait. Alors. Ensuite, j'ai mis un autre sous-titre et puis un petit texte dans lequel je salue les gens qui vont le lire et où je fais comme une déclaration générale. Peut-être que je vais déjà dire une ou deux choses sur le projet. Ou peut-être que je vous remercie beaucoup d'avoir lu ma vision de ce projet. D' accord. Ça dépend de toi, tout ce que tu veux y mettre. Alors aussi, je veux vous dire que ce n'est pas toujours le même ordre. Parfois, il peut y avoir un ordre totalement différent. Donc, ne prenez pas cela comme la seule façon de le faire. Ce n'est qu'un exemple. Ici, nous avons le sous-titre de ton et voix. J' ai mis Geico rencontre les gens marchent. Cela, à mon avis, représentait très bien ce que je visais. Quel genre d'humour, quel genre de ton et de voix. Alors je les ai mis dans le traitement et j'ai expliqué un peu en mots, dans mes propres mots, ce que je voulais. Et plusieurs fois, pas toujours. J' aurai une référence pour ce que je dis. J' ai toujours essayé d'avoir une référence pour tout ce que j'ai expliqué ou ce que je veux essayer d'expliquer. Parce que les références aident tellement. Cela peut être un endroit, qui peut être si scène d'un film qui peut être dans l'image seulement. Alors il y a la référence pour ça. Je ne le montrerai pas. Puis j'ai eu une diapositive dont je parlais, l'humour. Et oui, parce qu'il y a plusieurs Nietzsche
de, d'humour, plusieurs styles. Et tu veux t'assurer que tout le monde est sur la même page. Et dans ce cas, c'était ma suggestion quel genre d'humour je voulais y appliquer. J' avais une autre référence pour ça. Encore une fois, je ne vais pas le montrer complètement. Puis je parlais du rythme, genre d'addition.
J'imaginais que ce n'est pas quelque chose que je mettais toujours là dedans. Mais dans ce cas, j'ai estimé qu'il était important de le mentionner parce qu'il s'agissait de contrastes. Alors j'ai expliqué un peu à quoi je pensais. Et encore une fois, référence à ce point que j'avais trouvé. La diapositive suivante est sur la cinématographie où mettre toutes les informations dont je pense qu'ils ont besoin sur le genre d'image qu'ils peuvent attendre de cet endroit. J' explique le travail de la caméra, j'explique le travail des couleurs , l'
éclairage, tous ces trucs pour qu'ils puissent déjà avoir une image dans leur esprit et prendre des décisions s'ils le veulent ou non. Dans ce cas, je parlais de ce que je voulais une image propre, bien éclairée, des couleurs naturelles et des trucs comme ça. Je ne voulais pas avoir trop de mouvement et ainsi de suite. Encore une fois, faites référence à cela. Et puis je parlais de la façon dont la production devrait être gérée. J' ai parlé de l'équipe. J' ai parlé de la façon dont je voulais essayer
d'avoir une petite équipe parce que nous devions beaucoup bouger pour ce projet. Donc, je voulais vraiment avoir une équipe compacte et aussi de l'équipement. Et j'ai parlé de la façon dont je suggérerais deux jours de tournage et des choses comme ça. Puis j'ai fait une diapositive sur les lieux parce qu'il y avait plusieurs endroits. La plupart d'entre eux étaient extérieurs. Et bien sûr, vous ne savez toujours pas où vous allez tirer quelques-uns quand ce travail. Mais vous devrez proposer quelque chose. Et cela n'a pas besoin d'être déjà un endroit existant. Mais vous cherchez quelque chose qu'ils peuvent être même une image Google juste pour référencer un endroit qui, selon vous, fonctionnerait parfaitement bien pour ce projet. Et puis si vous gagnez le travail, vous essayez de trouver un endroit similaire à ce que vous avez proposé, ou recréez-vous cet emplacement, qui n'est pas aussi facile pour l'extérieur que pour les intérieurs, où vous pouvez même utiliser tout aussi vert et faire quelques effets visuels. Et puis j'ai référencé quelques endroits. J' ai aussi parlé des transitions. Les transitions sont quelque chose dont je parle toujours parce que parfois tu veux juste des coupures et des trucs comme ça. Comme si tu ne voulais pas utiliser quoi que ce soit de fantaisie. Et vous devez dire que si vous avez besoin de transitions, inclure les effets de change ou quelque chose du genre, il est très important que vous le communiquiez à la fois au client et à
votre producteur, car ils doivent savoir ce qu'ils doivent inscrire dans le budget. Donc, dans ce cas, j'ai parlé de transitions à la fois visuellement et sur un niveau sonore. Et puis il y avait quelque chose de très unique au projet sur un chat. Je n'y reviendrai pas car il s'agit d'un projet confidentiel. Je ne parlerai pas d'un chat et de tous les traitements, mais dans ce cas, il était important de le mentionner. Encore une fois, une référence que j'ai ensuite eu une diapositive sur conception
sonore qui comprenait parler du dialogue direct, de la musique et de la voix off. Ensuite, il y avait une diapositive sur le jeu, ce qui était très important de parler parce que tout le projet était très simple. Et la chose la plus importante à l'écran était l'acteur. Ensuite, j'ai expliqué quelques points importants pour moi que je voulais inclure dans le jeu. Je leur ai dit comment je voulais que ce soit naturel. Je voulais créer des contrastes et ainsi de suite. Bien sûr, aussi donc, j'ai trouvé quelques références parce que vous voulez soutenir tout ce que vous dites avec une image ou une vidéo. Et puis j'ai parlé du casting lui-même. expliqué que je cherchais des gens
normaux qui étaient si normaux et ennuyeux que ça te ferait rire. J' ai écrit un peu entrer dans les détails. Et aussi unique à ce projet, les skids et les blagues, parce qu'il était plusieurs, il était plusieurs spots et chacun d'eux avait un propre sketch. Et on m'a fourni le script avec tous ces sketches, mais j'ai essayé de mettre d'autres choses qui les rendront encore plus drôles. Et j'ai parlé de chacun des spots et j'ai mis quelques idées que nous pourrions discuter avec le client. Il est toujours bon d'avoir quelques options à proposer, mais aussi être prêt à ce que toutes vos idées ne soient pas appréciées. Et comme dans ce cas, le produit était une application. Il avait besoin d'une exposition. Ce n'est pas comme un produit où vous faites une photo de produit. Vous devez montrer quelque chose à l'écran. Tu dois montrer quelque chose qui bouge. J' ai donc trouvé quelques idées. Encore une fois, cherchez quelques références qui le soutiendraient, et j'ai fait ma suggestion. Et une autre partie de l'ensemble du projet était des vidéos de démonstration, que je voulais garder très simple. Encore une fois, j'ai écrit un texte expliquant ce que j'imaginais, ce que je pensais être le mieux. J' ai trouvé une belle référence pour cela, que je leur ai montré. Aussi, j'ai parlé des crédits, des titres. Si je voulais une animation ou pas. Ça pourrait être une autre diapositive. S' il y a de l'animation, s'il y a des crédits qui sont très importants, qui ont quelque chose de spécial, vous devriez en parler. Même si c'est une animation très simple, vous devez la communiquer parce que peut-être le client veut autre chose. Et puis je termine par un remerciement. Et les logos que je n'ai pas inclus dans ce traitement. Voyons si nous avons d'autres exemples. Je ne montrerai pas l'ensemble des traitements juste des fractions afin que vous puissiez obtenir quelques idées de ce que vous pourriez mettre dans l'approche. Voici un autre traitement que j'ai fait pour une entreprise colombienne. Comme vous pouvez le voir, le ton était beaucoup plus sombre. C' était aussi de la comédie, mais avec un ton sombre. Et dans ce cas, je me sentais important de parler de la palette de couleurs que j'
utiliserais dans les chambres et les endroits. Le design d'intérieur était très important pour l'histoire, à l'endroit. Donc je me suis assuré de couvrir autant de choses que je pouvais. Dans ce cas. J' ai également joint une sélection de mon spectacle réel parce que c'était une nouvelle agence et ils ne me connaissaient pas. Parfois, je mets même comme un petit texte sur moi, qui je suis, ce que je fais, et une photo de moi, mais ça dépend du traitement. Parfois, je le fais, parfois je ne le fais pas. Et dans ce projet, j'édite une diapositive qui dit, à qui est-ce ? Et puis j'ai expliqué qui était notre cible principale. Et j'ai expliqué pourquoi. Et c'était ma transition pour parler du ton et de la voix afin qu'il y ait une explication pour les choix que j'ai faits. Maintenant, dans ce cas, il y a eu un coup de produit. Alors bien sûr que je devais en parler. Et je fais référence à cela dans ce cas avec une de mes propres œuvres. Et est allé aussi dans le détail parce que ce n'était pas seulement une apparence du produit, mais aussi il y avait une partie consommante. Et là, je voulais expliquer quelque chose d'une expérience. Parfois, je commence même à parler de garde-robe. Si c'est quelque chose de très spécial, si c'est quelque chose de très important pour l'image, alors je le mentionnerai aussi dans le traitement. Eh bien, maintenant vous voyez qu'il y a des approches très différentes. Il y a des sujets que vous couvrez dans l'un mais pas dans un autre traitement. Et vous comprenez que si vous commencez avec un design, vous devriez essayer de le maintenir. J' ai essayé de trouver un design qui représente la marque et le langage et le ton que vous essayez de transmettre. Maintenant, si vous vous demandez pourquoi vous pouvez obtenir ces références de, voici quelques conseils. Il y a beaucoup, beaucoup d'outils sur Internet, mais je ne vous en montrerai que quelques-uns. Et avec ces connaissances, je pense que vous devriez être capable d'enquêter sur d'autres outils. Donc, d'une part, il y a les yeux espots, dot tv. Ils ont beaucoup d'annonces et de publicités et vous pouvez les parcourir. Et je pense qu'ils ont un abonnement payant qui vous permet d'utiliser de nombreux, beaucoup d'autres outils. Mais dans la version gratuite, comme si vous ne vous connectez pas, vous pouvez toujours parcourir différentes publicités. Un autre bon outil est les meilleures annonces sur tv.com. Même principe. Vous pouvez donc les parcourir, mais vous devrez payer pour chaque vidéo que vous téléchargez, ou vous avez un abonnement Pro et ensuite vous pouvez télécharger autant que vous le souhaitez. C' est un outil que j'ai trouvé récemment et je l'aime ici, vous ne trouverez pas de références pour les publicités, mais plutôt pour les films. Il était libre, mais la meilleure version est maintenant terminée. Donc ça va coûter quelque chose, mais je pense que ça en vaut la peine. Donc, vous avez ici beaucoup d'options à parcourir. Vous pouvez rechercher la couleur. C' est rouge. Ensuite, vous pouvez dire à l'intérieur, extérieur, à l'extérieur, et ainsi de suite. Et puis vous pouvez rechercher ces références et les télécharger. Je pense que c'est génial. Et bien sûr, il y a Vimeo. Je vais toujours dans les catégories et choisissez une catégorie qui, je pense, m'aidera à trouver une bonne référence dans ce cas, disons que c'est la mode. Et puis vous pouvez aller parcourir toutes les vidéos et les regarder. Il y a un pourboire que j'aimerais vous donner. Disons que nous allons sur une vidéo et que vous pourriez aimer
tellement cette référence et souhaiter d'autres références qui ressemblent peut-être. Parfois, vous avez de la chance de regarder les collections parce que parfois les gens font leurs propres collections avec des sujets et des vidéos très similaires. Donc il y a ce tuyau de ma part. Ok, je pense qu'avec ces outils, vous devriez être prêt à commencer un traitement et trouver de bonnes références. Bonus, médias sociaux et numérique. Nous vivons dans un temps et agent quel médias sociaux est très important pour les marques. C' est ton moment de briller. La plupart des réalisateurs ne se concentrent que sur le spot lui-même et pourraient poser une double ligne sur la partie numérique, mais ne sous-estiment pas la puissance d'un bon traitement qui inclut pépites d'
or pour les médias sociaux traités comme un partie du traitement. Pensez à ce que vous pouvez sortir du matériel les
jours de tournage qui peut vous donner ce crédit supplémentaire pour gagner le travail. Donc, ce que je suggère vous devriez faire comme consacrer suffisamment de temps et de venir avec des propositions
intéressantes sur la façon d'exploiter la partie numérique du projet.
14. Le itch: La hauteur du terrain vient une fois que vous avez terminé votre traitement. Habituellement, vous avez reçu l'information ou ennuyé, vous obtenez un délai spécifique pour terminer et l'envoyer et un jeu de données pour réunion dans lequel le traitement est présenté par le directeur. Parfois, le client ou l'agence voudra le regarder avant le terrain et d'autres cas, votre terrain est la première fois qu'ils voient le traitement. Dans tous les cas, préparez-vous, passez par là, essayez d'être spécifique et de ne pas vous répéter. Il est important que vous choisissiez vos mots à bon escient. Il peut y avoir deux emplacements. Le premier concerne uniquement les représentants de l'agence. C' est une réunion très importante car ici les créatifs peuvent vous donner un grand aperçu de ce qui est important pour eux et pour le client. Ce que vous pouvez changer ou ce que vous devriez souligner plus, vous devez comprendre que les créatifs sont vos alliés. Ils veulent vendre le projet au client et ils pourraient avoir un favori qu'ils suggéreront à la fin. Mais en fin de compte, c'est le client qui a le dernier mot. Cette étape est à nouveau, un moment dans lequel vous pouvez obtenir un excellent aperçu qui vous aidera à améliorer votre terrain. Lorsque vous devez le présenter au client, prenez le conseil et appliquez-le. Avec cela à l'esprit, parlons de la façon dont se passe le terrain. Cela peut se faire face à face ou à distance par téléconférence. Depuis le début
de la pandémie, les gens travaillent plus à distance ou veulent simplement pratiquer la distanciation sociale. Les principes sont les mêmes. Vous vous saluez, tout le monde est présenté l'un à l'autre. Et après une brève introduction par un producteur, vous en tant que réalisateur, j'ai donné le mot, vous dirigez votre présentation et commencez à parler. Espérons que non seulement la lecture des textes écrits, mais paraphraser et essayer de présenter librement et non les phrases apprises par cœur. Vous ne voulez pas paraître trop mécanicien. Bien sûr, d'une part, vous devez toujours lire les expressions, mais parfois les créatifs et les clients peuvent mettre sur un visage de poker, sembler sérieux. Et cela pourrait vous déranger un peu, mais ne laissez pas cela vous affecter. Sachez que la plupart du temps votre terrain ne doit pas dépasser 30 minutes. J' ai essayé d'être émotionnel, mais aussi précis. Vous ne voulez pas ennuyer personne ne se souvient qu'ils travaillent depuis des mois sur ce projet. Et en outre, ils n'entendront pas seulement un, mais plusieurs lancers sur le même script. Alors essayez d'attirer leur attention à la fois dans la façon dont vous présentez et avec ce que vous
présentez au cas où il y aurait un deuxième pitch maintenant avec le client juste faire la même chose qu'avant, appliquant seulement les changements et suggestions que vous avez entendus dans le premier pitch.
15. Avant la production, la journée de tournage et l'affiche: Pré-production. Ok, tu es la chanceuse cette fois. L' agence et le client ont adoré votre présentation. Ils sont convaincus que vous avez fait la meilleure approche et votre producteur que la magie avec les chiffres, vous voulez le travail. Maintenant, même si vous avez déjà fait un traitement où vous parlez de certaines des choses qui vont se passer à cet endroit. Vous l'avez peut-être fait plus ou moins détaillé. Mais maintenant, il y a un tas de choses qui doivent également être prises en compte. Voici quelques points importants sur la liste des choses à faire. La plupart d'entre eux, vous n'aurez pas à faire vous-même, mais vous devrez donner des instructions à l'autre chef de département. Ils vous feront des propositions après avoir entendu votre vision générale. Ensuite, vous et les chefs de département vérifiez les options, et le directeur prend les décisions finales. Examinons quelques-unes de ces décisions qui doivent être prises. Un casting s'il y a besoin d'acteurs. Mais auras-tu besoin d'acteurs ou d'embrouilles ? Savez-vous déjà quel type de casting vous voulez ? Homme, femme, enfants, grand, petit, jeune, vieux. Définissez cela et commencez à lancer les gens. Maintenant, voulez-vous une coiffure spécifique ? Tu devras en parler. Dépistement de localisation. Si vous n'avez pas encore défini le type d' emplacements exactement dont vous avez besoin, alors les scouter. L' emplacement est extrêmement important. Trouvez le meilleur emplacement de votre budget. Toi. Rappelez-vous que l'emplacement fait partie de l'intégration visuelle. Ça doit nous aider à raconter l'histoire. Conception de l'ensemble, ce que les meubles, ce
qui incite, y a-t-il un tapis ? On a besoin d'un bureau ? Quel genre de bureau ? Ecoutez, quel que soit l'objet dont vous avez besoin. Vous devez également décider lequel c'est exactement, car il y a un million de bureaux différents et chacun est différent d'un autre. Vous devrez prendre cette décision à l'avance, car avant de commencer à obtenir ces articles, le client devra prouver. Et s'il y a quelque chose sur le plateau que le client n'aime pas, vous ne tirerez pas jusqu'à ce qu'il soit corrigé. Liste restreinte. Maintenant que vous savez quel emplacement vous allez utiliser, vous devez décider quels coups, quel angle et quels mouvements vous allez faire. Vous pourriez improviser un petit début quand il
y a une idée géniale qui vient juste de surgir dans votre esprit. Mais dans un monde parfait, vous auriez déjà eu cette idée
parce que vous ne voulez pas travailler sans un plan. Vous voulez que tout soit planifié à 100%. Il y a des exceptions comme et certains clips musicaux, vous pouvez avoir plus de liberté. Mais sur les publicités, tu ferais mieux de savoir ce que tu vas faire. Armoire. Les acteurs peuvent s'ajuster, se
présenter avec n'importe quelle garde-robe. Chaque détail doit être planifié. C' était un gène ou un short. Attends, il est au bureau, donc il devrait porter un costume. Quel genre de costume ? Parlons au chef du département et voyons ce qu'ils peuvent suggérer. Maintenant, nous allons le montrer au client. Il veut plus d'options. C' est le bon. Vérifie. Quelle musique sera utilisée ? Musique d'origine. Si oui, quel genre de musique ? Ils préfèrent une partition originale ? Qu' est-ce qu'ils veulent faire ? Demandez-leur quelques détails ou même une référence. Maintenant, le compositeur va travailler sur la musique. Selon le projet. Cette sélection et cette création peuvent avoir lieu avant ou après la prise de vue. Horaire de tournage. Selon le temps dont vous avez besoin pour obtenir tous les coups, ce qui peut être des heures ou des jours et des semaines. Vous devrez préparer un calendrier calculant combien de temps vous aurez besoin pour préparer l'ensemble des ensembles avec la conception et l'éclairage de l'ensemble. Combien de temps vous avez besoin pour obtenir chaque tir, combien de temps vous avez besoin pour les changements d'équipement lorsque vous utilisez des terres différentes comme par exemple, vous ne créerez pas le calendrier, mais vous devrez fournir au producteur beaucoup d'informations, mais pas seulement vous, aussi les autres ministères. Ces
décisions et beaucoup, beaucoup plus créatives et techniques doivent être prises par vous et être approuvées par le client. Ensuite, vous devez communiquer ces décisions et déléguer les tâches. Aucun chef de département ne lira votre esprit, leur
dira exactement ce que vous voulez. Ils l'auront pour vous. Assurez-vous que chaque détail dont vous avez besoin pour la journée de tournage est pensé et préparé. Et enfin, le jour de la production arrive. Journée de production ou de tournage. Nous avons travaillé si dur et tant de temps pour cela, tout préparé. Tout ce dont vous avez besoin est là. Maintenant, le jour du tournage est arrivé. Chaque département est cité à une heure précise. L' ensemble est préparé, l' éclairage est mis en place. Vous parcourez les scènes avec les acteurs, puis selon le calendrier, vous commencez à tirer et vous n'obtiendrez que le temps prévu pour n'importe quel tir. Nous l'avons déjà mentionné, mais je le répète encore. Il ne s'agit pas tant de savoir exactement comment vous dirigez l'apparition, mais que vous communiquez tout ce que vous avez à communiquer. Si vous voulez montrer à l'acteur comment agir et vous
vous commencez à agir devant eux ou à montrer un visage. C' est très bien. Peut-être que certains acteurs n'aiment pas ça, mais si c'est la meilleure façon de communiquer l'idée, c'est ce
qui compte. D' autres réalisateurs pourraient simplement expliquer en utilisant des mots, quelle expression ils veulent de l'acteur, quelle que soit la façon ou les deux avec lesquels vous utilisez pour diriger. Rappelez-vous qu'il ne s'agit pas non plus de trouver les réponses sur le plateau. Vous devriez déjà connaître les réponses. Si vous avez une reproduction parfaite et pensé à tout. En théorie, vous n'avez même pas besoin d'être créatif. Vous l'avez déjà fait dans la phase de préparation, au
moins vous devriez l'avoir fait. Et maintenant vous exécutez seulement. Bien sûr, quelque chose d'inattendu peut toujours arriver et changer les circonstances. Pestis, si vous passez par tous les scénarios et les problèmes possibles, mais certaines choses arrivent juste. Maintenant, vous ne pouvez pas simplement exécuter parce qu'il y a des obstacles ou des impossibilités. Donc, vous avez deux options, corriger les circonstances et le faire comme prévu ou avoir un plan B et C. Pensez à différentes options. Dans tous les cas, trouvez des solutions rapides et pratiques. Exécution. Et la solution du problème. C' est ton boulot le jour du tournage, la post-production. Selon le projet et l'endroit où vous vous trouvez, vous pourriez être impliqué ou non dans la post-production. Ce n'est pas tant le domaine des réalisateurs, du moins en général, le direct n'est pas activement impliqué dans la post-production, mais il pourrait s'asseoir avec l'éditeur, le compositeur, les artistes de VFX et ainsi de suite et les guider. Dans tous les cas, vous respirez l'équipe de post-production sur la façon dont vous souhaitez éditer. Vous suggérez des coups que vous aimez le plus. Vous leur donnez des références et expliquez le classement des couleurs que vous voulez, et ainsi de suite. Encore une fois, chaque spot et chaque projet est différent et unique. Il en va de même pour
les équipes, ainsi que pour les méthodes d'exécution.
16. Promotion de soi: Auto-promotion. Vous êtes passé du terrain à la journée de
tournage de pré-production jusqu'à la sortie finale du spot. Obtenez la place sur votre main, mettez-la sur votre réel, si c'est bon et promouvez-vous, mettez votre travail dans le meilleur des cas. Vous avez toujours un nouveau travail à montrer. Mettez votre travail sur Facebook, Instagram, ou n'importe quelle plateforme de médias sociaux. L' auto-promotion est très importante. Même si vous êtes sur une liste où ils ont essayé de vous vendre, vous devriez quand même faire votre part, le mot et entrer en contact avec les créateurs des agences quand ils savent qui vous êtes et avoir un bon sentiment sur vous dans votre travail. Cela peut avoir une influence sur la décision le jour où ils reçoivent votre traitement sur leur bureau. Alors n'oubliez pas l'auto-promotion. Ok, tu as traversé tout le parcours. J' espère que cela vous a été très utile. Si vous avez des questions ou des suggestions, vous pouvez laisser un commentaire. Et j'espère vraiment que vous réussirez si vous voulez devenir réalisateur. Merci d'avoir regardé ce cours. Je m'appelle beaucoup Tomas, et je suis réalisateur et rédacteur en chef.
17. PROJET DE CLASSE: Projet de classe. Maintenant que vous savez comment créer un traitement, ce qui devrait être là, et comment trouver de grandes références. Pourquoi ne pas essayer de créer un traitement juste à des fins d'apprentissage ? Imaginez une marque, la marque de votre choix. Avec l'histoire de votre choix, vous n'avez même pas à l'écrire. Imaginez quelque chose et crée un traitement qui
m'en dit un peu plus sur le projet et comment vous allez l'exécuter. Je veux connaître votre vision, votre approche visuelle. Dites-moi tout ce qui se passe dans votre esprit. Je suis curieux. Je m'appelle Thomas a cuve. Merci d'avoir regardé ce cours. J' espère vraiment que cela a été utile.
Thomas Eberhard, Distracted by Creativity
