Production musicale : basse (synthé et échantillonné)

1. Intro: Passons à la base de discussion. Bienvenue dans mon cours sur la production musicale, en particulier sur la base, à la fois sur la basse de synthé et sur la base samplée avoir une base bien insérée dans Il peut être assez difficile d'avoir une base bien insérée dans votre mix. Et surtout si l'on considère le système audio avec lequel vous travaillez et type de pièce dans laquelle vous travaillez, ces fréquences de base peuvent parfois être très gênantes Nous allons donc parler de la manière dont vous pouvez aborder la production de base sous différents angles pour vous assurer que votre base s'intègre bien dans le mix et que vous utilisez le bon type de base pour le style que vous produisez. Maintenant, une grande partie de ce dont nous allons parler dans ce cours sera simplement de savoir comment créer le bon type de base de référence dans le domaine de la production musicale. Quel type d'intervalles devons-nous travailler comment ma basse devrait-elle sonner en fonction de la complexité des autres instruments, etc. Nous discuterons également des paramètres ADSR pour la base de synthé. Nous allons parler du groove et manière de nous assurer que vous appliquez le bon groove, et nous allons également parler de la compression des basses, je pense une chose que beaucoup de gens se trompent, Nous allons donc vraiment nous concentrer sur cette classe. Octaves disco, accords slash, portamento et pitch bends, nous allons aborder tout cela afin que vous puissiez vous améliorer en tant que producteur et affiner votre propre style Il y aura un projet de classe dans le cadre de ce cours. Cela vous permettra d'utiliser quelques-unes des techniques disponibles dans l' une de vos propres productions. Tous ces détails seront abordés dans le cadre du cours, en particulier dans le cadre du projet de classe. Assurez-vous donc de consulter ce cours pour obtenir tous ces détails avant de le soumettre. J'espère vous proposer un large éventail de techniques que vous pourrez appliquer à votre propre production de base afin que, que vous souhaitiez les utiliser directement , elles vous aideront à vous améliorer en tant que producteur et, en fin dissiper le brouillard qui entoure toute confusion que vous pourriez ressentir à l'égard de la production de base Ce cours est vraiment conçu pour s'intégrer parfaitement à certains des cours de production de batterie que j'ai donnés, car je crois que le fait d'avoir une base solide pour votre section rythmique, particulier pour la batterie et la basse, va orienter le reste de votre production dans la bonne direction. Donc, si l' orientation de ce cours vous plaît, je vous recommande également de consulter certains de mes cours sur la production de batterie afin de pouvoir les associer et améliorer votre section rythmique au sein de vos productions. J'espère que vous êtes prêt à discuter de nombreuses techniques de base, car nous sommes sur le point de passer à l'action. Je te retrouverai au premier cours. 2. Projet de classe: Ce projet s'adresse vraiment aux étudiants qui travaillent déjà sur des productions actives. Ce que je veux, c'est que vous preniez le point de référence d'une de vos productions et que vous ajoutiez au moins deux des techniques proposées dans ce cours. Maintenant, assurez-vous de bien choisir les techniques que vous aimez le plus, peut-être simplement en vous inspirant de l' un des cours, ou peut-être que vous avez essayé de toutes les appliquer, et certaines d'entre elles vous ont vraiment plu Cependant, si vous trouvez vos favoris, je veux que vous les preniez et que vous les appliquiez à cette base de référence. Tu vas me montrer l'avant et l'après. Exportez donc la ligne de base d'origine, exportez la ligne de base modifiée en utilisant deux de ces techniques. Si vous voulez le faire en solo et simplement me montrer la ligne de base ou la ligne de base de la production complète, les deux sont parfaitement acceptables , mais je pourrais vous recommander de fournir celle de la production complète afin que j' idée plus globale du style avec lequel vous travaillez et de la manière dont cette ligne de base fonctionne dans cette zone. Vous allez le soumettre sous forme de soumission audio sous forme de lien public, auquel je peux facilement accéder. Vous pouvez le faire via SoundCloud ou Google Drive, mais assurez-vous de me fournir un lien pour que je puisse consulter le contenu Dans la description du cours, vous allez également expliquer pourquoi vous avez choisi ces techniques particulières. J'espère qu'en décrivant ce que vous avez apprécié dans ces techniques, vous pourrez commencer à mieux comprendre votre approche stylistique en tant que producteur En fin de compte , les techniques de production que j'aime le plus, je les utilise encore et encore. Maintenant, ce sont des techniques utilisées par d'autres musiciens qui m'ont influencée au point que je souhaite recréer ce son particulier dans mes propres productions Vous adoptez une approche de basse d'un artiste, une approche de batterie d' un autre, ainsi de suite. Finalement, vous fusionnez votre propre style. Ainsi, au lieu de suivre les conseils d'un artiste, vous allez utiliser dans ce cours vos techniques préférées et les appliquer à votre base de référence. Maintenant, prenez vraiment votre temps avec ce projet. Il ne s'agit pas de s'y précipiter. Et si vous avez des questions en cours de route, hésitez pas à nous contacter et à les poser. J'espère que ce projet de cours vous amusera, et je vous retrouverai au prochain cours. 3. Ajuster le groove du genre: Le ballon. R. Bien, commençons par expliquer comment choisir le bon type de son de basse en fonction du style que vous produisez Devriez-vous travailler avec des basses samplées ? Devriez-vous travailler avec une base de synthé ? C'est ce dont nous parlons dans ce cours. Plongeons-nous dans le vif du sujet. Donc, tout d'abord, en général, si vous travaillez dans des genres électroniques, vous travaillerez avec des basses de synthé, parfois des basses samplées, et si vous travaillez dans des genres plus acoustiques, vous travaillerez avec une base d'échantillons, mais parfois avec une base de synthé En d'autres termes, ces deux types de basses vont s'immiscer dans l'univers de chacun Pensez à des groupes de rock moderne comme le groupe Muse. Ils utilisent très souvent la synthèse dans un décor rocheux. Bien qu'ils jouent davantage un genre acoustique, vous trouverez tout de même beaucoup de synthé, dans ce cas, de la basse de synthé dans ce De même, si vous vous intéressez à certains types de hip hop principalement électroniques, vous entendrez encore souvent des kits acoustiques et samples de basse acoustique, même dans la version la plus électronique de ce genre. Donc, dès le départ, vous devriez peut-être vous demander par qui je suis influencé. Si c'est quelqu'un comme Danger Mouse, par exemple, alors qu'il produit de la musique électronique, mais d'une manière qui sonne acoustique. Ou si vous êtes influencé par quelqu'un comme Dead Mouse, par exemple, vous voudrez peut-être vraiment vous concentrer sur la compréhension de la synthèse et de l' aspect électronique des choses. Donc, en termes simples, demandez-vous quel style je veux produire ? Qui est-ce que je considère le plus dans ce genre comme une grande influence, et comment ont-ils abordé leur utilisation du synth ou de la base samplée Maintenant, avant de continuer à en parler davantage, je voudrais vous montrer à quoi cela je voudrais vous montrer à quoi cela ressemble au niveau le plus élémentaire. J'ai donc ici deux bases de samples différentes et deux basses de synthé différentes En termes simples, je les ai simplement introduites, puis ShiftCliq Control G me permet de les regrouper afin que vous puissiez voir que j' ai à la fois des bases échantillonnées dans ce groupe et les deux bases Synth dans ce groupe et les deux bases Synth Ableton, si tu achètes leur pack de guitare et de basse. Donc, si je passe aux PAC ici, donc si je tape simplement bass ici dans la recherche, vous verrez si je fais défiler la page un peu vers le bas, nous passons à cette catégorie ou à ce pack de guitares et basses, et il y aura principalement des sons de guitare, mais il y aura quelques sons de basse Et la base intrépide n'a pas l'air terrible. C'est un bon point de départ si vous ne possédez pas quelque chose comme un contact ou un échantillonneur de haut niveau Cela étant dit, le fretless base finit par sonner C'est passable. Gardez donc à l'esprit qu'avec quelque chose comme une basse samplée ou n'importe quel instrument samplé, fait , quelqu'un amène un instrumentiste à jouer chaque note de son instrument à peu près à tous les volumes, et il enregistre également de petites nuances, comme si je joue légèrement, par exemple , je ne sais pas si vous pouvez Augmentez un peu si vous ne pouvez pas. Il y a ce son assourdissant qui se produit simplement en tapant sur la corde Et aussi, quand je lâche une ficelle. Il y a un petit bruit. C'est difficile à entendre, mais vous pouvez également voir qu' il y a des paramètres ici pour cette basse. Vous aimez le pitch ? Mmm, hum. Je recommanderais probablement de le garder à zéro. Vélocité de la note morte. Si je le lance, écoutez ce qui se passe lorsque je joue légèrement. C'est intense. C'est donc le son que j'émettais avant ce son très léger. Vous pouvez contrôler le volume de ce petit morceau de corde Remarque sur le volume. C'est ce que je voulais te montrer. Si je lance ça Écoutez ce qui se passe quand je lâche prise. Tu entends ça ? Oh. Ce sont donc toutes les choses qu'ils enregistrent pour rendre un échantillon sonore authentique. Ils veulent que les notes de base soient jouées à des volumes différents. Ils veulent avoir l'impression de lâcher cette note. Et ils veulent aussi des sons légèrement atténués pour des parties plus funky, des notes fantômes, ce genre Maintenant, vous vous demandez peut-être pourquoi ne pas simplement enregistrer chaque note à un volume moyen, puis vous pouvez le baisser ou l'augmenter, et vous aurez des versions silencieuses et fortes de cette note. Eh bien, réfléchis à ça. Si je joue de la basse très légèrement, son est très doux et arrondi. Mais si je claque vraiment cette corde, elle se déforme un peu, et quelque chose comme ça va vraiment influencer le son de ce qui est échantillonné La création de ces bibliothèques d' exemples demande donc beaucoup de travail . Et il y a un échantillonneur en particulier que tout le monde utilise ici, c'est le contact Et il existe une version gratuite de contact. N'hésitez pas à consulter Contact Player. En ce moment, je suis sur Contact Seven. Le contact 8 est sorti. Il est parfois difficile de suivre ce genre de choses . Ça n' arrête pas de sortir. Mais c'est le Contact 7, très similaire au Contact 8. Et voici le Scarbi amplifié à la basse. L'une de mes basses préférées parce qu'elle possède des réglages croustillants et gras qui vous donneront un son rock amusant ou simplement un son un peu plus tranchant à votre Alors que notre basse Ableton sonnait comme ça. Un peu Seinfeld Dean. C'est un peu un son old school. Contact va plutôt donner l' impression que c'est le legato qui m'attire. Ces petits détails liés aux diapositives et à l'audition des frettes autant de détails contenus dans ces sachets d'échantillons pour vous donner un son vraiment professionnel. Bref, c'est un peu ce que sera une basse samplée Tu vas le jouer sur ton clavier, mais tu joues les sons d'un vrai joueur. Et s'ils ne capturent pas toutes les petites nuances, comme sons morts ou le son d' une corde qui se détache, cela ne sera pas convaincant. Vous voulez donc utiliser une assez bonne bibliothèque d'échantillons. À moins que vous ne choisissiez quelque chose qui va intentionnellement sonner un peu rétro , c'est de votre faute. Mais c'est, en résumé, ce qu'est une base d'échantillons. Et une synthase va essentiellement créer ces sons graves de la même manière qu' ils se trouvent dans le territoire de basse d'une guitare basse, mais elle va utiliser des sons synthétisés pour le faire En d'autres termes, il va utiliser ces oscillateurs électriques pour capter quelque chose comme une onde sinusoïdale ou une onde carrée, répéter très, très rapidement afin de créer un bourdonnement Et lorsque nous entendons ce bourdonnement, c'est essentiellement nous qui entendons la synthèse. Donc, même quelque chose de simple comme ce son, vous pouvez entendre qu'il sonne beaucoup plus rétro, beaucoup plus électronique. C'est du domaine d'une basse de synthé très simple. Donc, si j'ouvre quelque chose comme sérum, vous entendrez, sous les préréglages de base, par exemple, que même les premiers préréglages que je choisis ont un son beaucoup plus moderne Des tonnes de sous-informations, un son très bien traité dans la mesure où de nombreux effets différents créent la complexité de ce que nous entendons dans ce son synthétisé Ainsi, vous obtenez la base sonore la plus réelle, qui est échantillonnée, vous obtenez la base de sondage la plus électronique, Ce que vous voulez vous demander, c'est quel style vous créez et quel type de base pourrait fonctionner le mieux. Maintenant, piste par piste, vous voudrez peut-être même sauter un peu, et vous pourriez même envisager d'essayer de superposer des sons. Que toutes les sous-informations sont effectuées à l'aide d'une base de synthé, mais que les informations supérieures utilisent une base d'échantillons Vous avez donc cette sorte de base d' échantillons au son hyper réaliste avec toutes les basses fréquences que l'on peut attendre d'un synthétiseur Assurez-vous donc que vous vous adaptez au genre en fonction ce que vous choisissez et assurez-vous que vous vous adaptez au groove. Vous voulez écouter différentes choses dans les parties de basse. Sont-ils simples ou sont-ils occupés ? Est-ce qu'ils se baladent sur une note, dans le style ACDC, ou se déplacent-ils un peu comme une walking bass sur un modèle de base de jazz ? Les notes de basse glissent entre elles en utilisant quelque chose comme le portamento ou le glide, dont nous parlerons plus tard, ou sont-elles très staccato, courtes et séparées, créant un peu plus une partie en utilisant quelque chose comme le portamento ou le glide, dont nous parlerons plus tard, ou sont-elles très staccato, courtes et séparées, de basse chaotique, presque arpégée De plus, la partie basse est-elle droite ? Un, deux et trois, quatre extrémités ou balancées, un et deux, trois et quatre Ce sont toutes des choses très importantes à noter, mais tout commence par une écoute active, en profitant de l'influence que vous avez, écoutant très profondément et vous assurant que vous prenez des notes . Qu'est-ce que j'essaie de recréer pour obtenir ce son ? Parfois, il s' agit d'écouter une base de synthé très complexe, et vous ne savez pas comment recréer le Tout d'abord, je dirais qu'il faut explorer l'expérience. Même si vous vous en rapprochez et que vous vous appropriez le son, c'est sans doute encore mieux parce que vous vous rapprochez de votre influence tout en faisant ce que vous voulez avec ce son. Il existe également des didacticiels en ligne pour créer sons de base très spécifiques créés par des artistes très spécifiques, et il existe même des synthés IA plus récents, tels que Syn Plant two, dans lesquels vous pouvez introduire un son Il va analyser le son en fonction de la façon dont il a été conçu, et il va créer de nombreuses variations de ce son Vous en prévisualisez différentes jusqu'à ce que vous en trouviez une proche, puis vous pouvez commencer par cela, puis vous pouvez même modifier la synthèse à partir de ce point. Ce que je veux dire, c'est que vous devez vous assurer écouter attentivement et essayer d'avoir un plan de jeu pour pouvoir recréer soit la conception sonore ce son de base en particulier, soit simplement le groove associé à cette basse en particulier Je voulais donc vous montrer les bases de ce qu' est une base samplée, ce qu'est une base de synthé, et vous aider à vraiment commencer à écouter attentivement vos influences afin créer des parties de basse similaires Que vous utilisiez une base de synthé ou une base samplée, vous devez bien comprendre ce que vous préférez, puis affiner lentement votre Voilà pour ce cours. Dans le prochain cours, nous expliquerons pourquoi nous utilisons autant les octaves et les quintes dans les parties de base. Je t'y verrai. 4. Octaves et quintes: Fais. Voyons maintenant pourquoi nous utilisons autant les quintes et les octaves dans les parties de basse, qu'il s' agisse de la sécurité du son, de leur facilité de jeu ou calculs mathématiques qui leur donnent du sens. Décomposons un peu les choses. Tout d'abord, il est important de mentionner que lorsqu'un son est émis, une vibration traverse l'air et oscille vers le haut et vers le bas à différentes fréquences En d'autres termes, s'agit-il d'un ralentissement à la hausse et à la descente ? S'agit-il d'une oscillation rapide, d'une augmentation rapide ? C'est ce que nous appelons fréquence, et elle est représentée en hertz. En d'autres termes, des cycles par seconde. En 1 seconde, y a-t-il une oscillation vers le haut et vers le bas, une oscillation, ou y en a-t-il 1 000 ? Une oscillation équivaudrait à un t, 1 000 oscillations par seconde à un kilohert C'est ainsi que nous parlons du spectre des fréquences Qu'il s'agisse de réfléchir à la manière d' accorder un piano ou de travailler avec un égaliseur et de comprendre visuellement où se situent certains repères de fréquence, il est important de comprendre en quoi consiste la fréquence Maintenant, comme vous le savez peut-être ou non, la guitare basse n'est pas connue pour jouer des accords Si vous commencez à jouer des accords sur n'importe quel instrument, fur et à mesure que vous vous déplacez de plus en plus bas, le conflit entre les notes augmente Pensez aux notes comme à des faisceaux de lumière. Au fur et à mesure que vous descendez, les faisceaux de lumière s'épaississent. Maintenant, nous ne voulons pas superposer les faisceaux de lumière, mais nous ne voulons pas non plus nécessairement d'énormes écarts entre eux lorsque nous jouons des accords. Donc, si vous pensez à un accord qui se trouve vraiment très haut sur le piano, il est très fin et fragile C'est comme trois lasers séparés les uns des autres. Il ne semble tout simplement pas tout à fait connecté en termes de lumière. Sur le piano, tu joues un accord. Ça a l'air grognon. Tous ces gros faisceaux laser se chevauchent Mais vous jouez vers le milieu du piano, et vous recevez ces faisceaux de lumière d'une épaisseur moyenne qui finissent en quelque sorte se toucher le bord l'un de l'autre, c'est en quelque sorte le point idéal de l'harmonie. Mais encore une fois, lorsque nous descendons assez bas, tout se chevauche en quelque sorte Les sons s'intimident les uns les autres et il se passe trop de choses dans un même espace. Donc, en général, nous ne jouons pas vraiment d'accords sur les bases. Mais quand on pense au fonctionnement des mathématiques des fréquences, si je joue, par exemple, cette note ici, qui est un A, puis que je joue un A une octave plus haut, j'ai le double de la fréquence Disons que ce A est un 440 440 cycles par seconde. Si je descends d'une octave jusqu' à un A en dessous, j'ai maintenant un A 220 C'est la moitié de la fréquence de 440. Et si je monte d'une octave, cela fonctionne de la même manière. Maintenant, j'ai A, qui est la note, 880 ou 880 hertz. Donc, si les octaves sont indulgentes sur les bases, c'est en partie parce que vous pouvez jouer deux A ensemble Ils sont suffisamment séparés pour que les sons ne se chevauchent pas et ne soient pas contradictoires, et le calcul fonctionne très bien Mais en dehors des calculs, honnêtement , vous n'avez pas l'habitude de jouer un octa de façon harmonique, comme en même temps à la C'est juste un coffre-fort, il n'y a pas d'autre choix. Si l'accord est un accord en do majeur , jouer un do est sans danger. Donc, jouer à n'importe quel autre C sera généralement sûr. Maintenant, je dis « prudent » en termes de note, cela sonnera bien, mais il faut aussi tenir compte du rôle de la basse. Dois-je jouer un do puis un do trois octaves plus haut à la basse ? Eh bien, non, maintenant j'empiète sur le territoire des chanteurs et autres Mais en général, si vous restez dans cette gamme basse, jouer des octaves Ce qui est cool, c'est qu'une fois que vous avez l'idée de voici ma note A et de voici un A une octave plus haut, vous pouvez simplement jouer avec rythmes en utilisant ces deux notes Il ne s'agit que de deux notes, mais dès que vous introduisez cette deuxième note, vous pouvez commencer à en introduire beaucoup plus en termes de groove et de motifs différents. Donc, je dirais que si une progression d'accords passe en ré mineur, sol mineur A, essayez de jouer un grand nombre de D , de G et de A seuls, puis essayez les D comme octaves, les G comme octaves et les A comme octaves Cela pourrait ressembler à ceci. Je suis donc ici sur ce D, peut-être qu'il y a juste un G vers le haut. Comme une sorte de morceau de gros morceau de rock où nous avons, faire, faire Comme une sorte de morceau de gros , faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire, faire Mais si je commence à jouer des octaves, j'ai maintenant des sons comme. Maintenant, je commence à créer beaucoup plus de groove, ne serait-ce qu'en introduisant cette deuxième note. Le calcul fonctionne donc très bien. Ils sont simples en termes de modèles de jeu. Mais il y a une autre note qui est vraiment importante. Et encore une fois, vous remarquez que lorsque nous jouons une note, ne pouvons pas faire grand-chose avec le rythme. Je veux dire, une vraie base sur un véritable instrument avec toutes les nuances qu'ils peuvent apporter, nous pouvons vous dire que je peux faire plein de choses avec une seule note. Mais lorsque nous travaillons sur les touches et que nous créons ces parties, il est généralement agréable d' avoir plus d'une note disponible par accord Donc, sur un accord en ré mineur, je ne veux pas être obligé de ne jouer qu' un seul D. Mais cette octave, oui, c'est important Il y a cependant une autre remarque que nous pouvons introduire. Et encore une fois, cela ouvre considérablement les modèles stylistiques que nous pouvons jouer Et c'est la cinquième, quelle que soit la touche dans laquelle vous vous trouvez, quelle que soit la gamme dans laquelle vous jouez. La cinquième note, donc si nous sommes en ré mineur DEF GA, un, deux, trois, quatre, cinq, ce A est une note très importante car non seulement il fera partie de cet accord en ré mineur, mais il reliera également en quelque sorte cette octave D à D représente une très grande distance. Et si nous avions une note qui pourrait en quelque sorte nous aider à faire le pont entre ces D ? Eh bien, dans ce cas, le cinquième A est un choix super solide. Maintenant, en termes de fréquence, vous remarquerez que je joue deux D ensemble. Cela ressemble presque à une note. Cela ressemble simplement à une version plus épaisse de D. Voici le bas D. Voici le haut D. Voici les deux. Cela ressemble juste à une version épaisse. Si je joue maintenant au D puis au Cinquième A et que je les joue ensemble, vous verrez que ça sonne toujours assez bien. Voici D. Voici A. Les voici ensemble. Il y a une sorte de vacillement un peu dissonant, mais dans l'ensemble, cela semble assez consonant Ça a l'air plutôt bien. Si je l'élève d'une octave, ça sonne encore mieux son va donc être un peu plus épais qu' une octave car les notes sont plus proches les unes des autres Et pour ce qui est des calculs, en gros, vous obtenez un ratio de deux pour trois. Alors que ce D inférieur oscille deux fois, ce A oscillera trois fois dans le même laps de temps Mathématiquement, cela semble un peu problématique, mais ce n'est vraiment pas Deux et trois fonctionnent plutôt bien mathématiquement. Ils sont tous deux divisibles par six. Nous travaillons beaucoup à deux en musique et trois, uniquement en termes de signature temporelle. Mais ce qui est intéressant, c'est que si vous ralentissez la vibration des deux et que vous entendez suffisamment un rythme. Et cette expérience a été faite en sens inverse par Jacob Collier, où il jouait une sorte de rythme. Disons que je le tape sur ma poitrine. C'est un rythme à deux contre trois. Et si vous l'accélérez suffisamment, vous finirez par entendre cet intervalle d'un cinquième. Je ne peux donc pas aller assez vite à ce rythme parce que je suis humain, mais si vous le faites vraiment, très rapidement, vous commencez à entendre cette cinquième forme. Donc, même en ce qui concerne le rythme de base, les battements qui créent ces notes, c'est très fondamental. Donc, notre cinquième D à A, dans ce cas, et notre octave D à D, intervalles très importants à utiliser à la basse J'ai joué avec suffisamment de bases pour savoir que même les débutants commencent souvent par ce genre de jeu parce que c'est sûr. Quels accords joues-tu à la guitare ? Mineur, mi mineur ? OK, je vais jouer A et E. Maintenant, je suis un peu plus aventureux. Essayons des octaves, plus de A et plus de E. Et maintenant, ce cinquième peut m'aider à faire le pont entre ces domaines. Et c'est aussi une note de sécurité que vous allez trouver dans l'accord Maintenant, quand je dis que vous le trouverez dans l'accord, je parle d'accords de base Si l'accord est appelé mineur sept bémol cinq ou quelque chose comme ça Maintenant qu'ils ont changé ce cinquième, il faut donc faire attention. Je ne veux pas trop approfondir la théorie à ce stade, car tout peut commencer à se croiser très rapidement Mais l'idée concerne la plupart des accords majeurs, les accords mineurs, les accords dominants de septième, les accords de septième majeur et de septième mineur, la racine de cinquième octave, des racine de cinquième octave Maintenant que ce cinquième est disponible, voyons comment cela pourrait modifier un peu la partie basse. Cela pourrait ressembler à ceci. Maintenant, il y a toutes ces notes qui dansent un peu partout, mais nous sommes un peu coincés dans ces modèles de racine de cinquième octave, racine de cinquième octave, et nous nous baladons dans ces positions, en jouant généralement la racine grave en premier, puis en expérimentant ces notes baladons dans ces positions, en jouant généralement la racine grave en premier, jouant généralement la racine grave en premier, puis en expérimentant mais nous sommes un peu coincés dans ces modèles de racine cinquième octave, racine de cinquième octave, racine de cinquième octave, et nous nous baladons dans ces positions, en jouant généralement la racine grave en premier, puis en expérimentant ces notes supérieures de façon rythmique. L'autre chose à mentionner est qu' un accord majeur ou mineur a une racine, une troisième et une cinquième Nous jouons à la racine et au cinquième, mais nous ne jouons pas vraiment au troisième. Comme je l'ai mentionné, cela s'explique en partie c' est trop proche de la racine et que c' est trop proche de la racine et du cinquième. Si vous finissez par jouer des notes ensemble, cela semble simplement boueux, mais parties de basse dansent généralement un peu sur la tonalité En d'autres termes, la guitare le piano et le chanteur aideront à définir le caractère majeur ou mineur de la chanson, sans doute plus que le Ainsi, la cinquième octave fondamentale ne touche pas réellement la partie de l'accord qui le fait sonner majeur ou la partie de l'accord qui le fait sonner Nous sommes en quelque sorte en train de danser territoire neutre et de créer vraiment une base solide. Si une couleur majeure ou mineure colore le son, nous voulons penser à cela comme à une maison. La basse est comme la base de votre maison. Dans quelle mesure voulez-vous que les fondations de votre maison soient élégantes ? Tu n'en as pas besoin pour être chic. fait, vous avez juste besoin que ce soit fondamental et qu'il vous soutienne vraiment, et c'est généralement le rôle d'un bassiste Maintenant, au fur et à mesure que les bassistes progressent dans leur carrière, ils peuvent avoir un rôle plus important à jouer dès le départ Quelqu'un comme Victor Wooten ne compose pas toujours les parties de basse les plus simples Il peut jouer des mélodies, des accords. Mais ce n'est généralement pas le rôle de la basse, et il faut être très nuancé dans la façon d'aborder quelque chose comme ça Et pour être clair, j'ai parlé du calcul selon lequel une octave correspond au double de la fréquence et cinquième au double de la fréquence et une quinte correspond à un rapport de deux à trois, un triton inférieur d'une note à la Ainsi, un demi-ton de six demi-tons par rapport à la première note donne un ratio de 1,414 Mathématiquement, c'est un cauchemar. Et tu peux entendre ce son. Cela ressemble un peu à un cauchemar. Il est donc très important de faire le calcul entre les notes, de savoir à quelle vitesse elles vibrent et comment ces vibrations interagissent entre elles Et même si la base ne joue pas toujours des accords, elle garde toujours à l'esprit cette relation entre les notes Ce que je ne dis pas, c'est qu' une base ne peut jamais jouer le tiers d'un accord Je pense que comme point de départ, nous voulons avoir des racines, puis des octaves, puis des quintes comme base solide, puis nous pouvons commencer à jouer un peu plus en introduisant des tiers Dans notre prochain cours, nous allons parler de des tiers dans nos éléments de base Passons donc à l'étape et ajoutons quelques notes supplémentaires avec lesquelles nous pouvons jouer pour aider le reste du groupe définir la majeure ou la mineure de la chanson. En d'autres termes, la tonalité. Je te retrouverai dans le prochain cours. 5. Concevoir les tiers: Fais. Vous avez donc des racines, des octaves et des quintes plus basses. Que pouvons-nous ajouter à nos pièces de base ? Ensuite, je vous recommande de commencer à chercher à définir les tiers de votre mouvement dans vos parties de base Il suffit de parler de ce que sont les tiers et de la façon dont vous pouvez les placer dans vos bases de référence Ainsi, lorsque nous avons un accord comme, par exemple, C, E et G. Il s'agit de la racine, troisième et du cinquième d' un accord en do majeur. La racine ressemble à un arbre. C'est là que les choses sont ancrées. C'est là que l' on se sent comme chez soi. La cinquième est la cinquième note de la gamme dont elle provient, et la troisième est la troisième note de la gamme d'où elle provient. Maintenant, nous n'allons pas toujours jouer le premier accord d'une gamme Comme dans une gamme de do majeur, je ne vais pas toujours jouer un accord de do majeur Donc, quand je dis que ce sont les troisième et cinquième d'une gamme, ce que je veux dire c'est que quelle que soit la note que vous jouez dans cette gamme, disons que nous sommes en do majeur et que je joue la quatrième note, vous allez passer deux notes à partir de là et deux autres notes à partir de là. Vous trouvez donc un point, vous passez à la troisième note à partir de ce point ou à la cinquième note à partir de point, quelle que soit la touche dans laquelle vous jouez. Bref, monter un saut, monter un saut. Cela crée un accord. La note du bas est root, un saut vers le haut est le troisième, un saut vers le haut est le cinquième. Ce troisième va donc décrire la tonalité. Si je joue juste un root dans un cinquième, ça sonne bien. Ça a l'air puissant. Nous avons ce genre de son chuggy metal power cord Mais quand j'ajoute le troisième, vous entendrez très bas. Tout d'abord, ça sonne vraiment mal. Vous devez donc faire attention lorsque vous en ajoutez des tiers. Ne le faites pas de façon harmonique lorsque vous jouez bas sur l'instrument En d'autres termes, ne le jouez pas avec ces autres notes. Mais pour l'instant, je vais en parler en octave. Voici donc le cinquième. Et quand j'ajoute le troisième, vous pouvez entendre que ça sonne fort maintenant. Ou le cinquième, quand j'ajoute un trois bémol ou le troisième d'une version mineure de la gamme, j'ai maintenant un son mineur. Maintenant, en tant que bassiste, tu as beaucoup de contrôle. Si les pianistes jouent un accord en do majeur et que vous jouez un do, vous créez vraiment une base solide en dessous Si vous jouez le cinquième, vous laissez une sorte de fin ouverte. Ce n'est pas tout à fait irrésolu, mais ce n'est pas complètement résolu si je joue au troisième Cela donne un peu plus de luminosité à ce son majeur, ou peut-être s'il est mineur. Cela penche un peu plus sur cette tonalité mineure. C'est ce qu'on appelle des accords slash. Je joue un accord en do majeur, puis la base joue un mi, donc c' est en do e que nous notons l'accord Mais en général, je dirais que pour le moment, environ 90 % du temps, vous devez vous concentrer sur la racine de l'accord Si l'accord est en ré mineur, concentrez-vous sur le fait de jouer le D. Maintenant, comme je l'ai dit, vous pourriez rester sur le troisième fa et changer en quelque sorte le son du reste du groupe Mais dans ce cours, ce que je voulais aborder un peu plus, c'est simplement l'idée de passer à cette troisième étape. Nous avons donc parlé de la racine, de D et de la cinquième. A, et si je passais par le F ? OK, je pourrais même revenir à ce F en redescendant vers le D. Maintenant, j' ai ce genre de son. peu comme une ligne de basse sca ou même une sorte de walking bass dans une partie de jazz Mais vous pouvez entendre maintenant que la différence, c'est que je peux accéder à une partie de la tonalité de ma partie de basse En d'autres termes, cela semble mineur. Ce que je joue n'a pas seulement un son fondamental avec des racines et des poings, mais ce tiers aide vraiment à définir ce son mineur ou majeur Maintenant, si vous êtes bassiste de blues, vous le savez peut-être déjà Il est très important que la première partie du son soit composée de root, de troisième, de cinquième, tout de suite, puis généralement en haut, un six et peut-être même d'un sept plat, cette sorte de ligne de basse classique Mais même les trois premières notes. Cela vous donne en quelque sorte un son op des années 50, et cela peut aussi se prêter au blues. Certains styles utilisent donc une plus grande partie de leurs tiers dans la ligne de base. Mais encore une fois, c'est une question d'écoute active. Écoutez les parties de basse que vous souhaitez recréer, essayez de les comprendre au piano ou faites simplement quelques recherches secondaires basées sur ce genre pour voir si recherches secondaires basées sur ce genre pour voir elles utilisent des racines et des quintes Mais très probablement, dans quelle mesure utilisent-ils des tiers ? Il va être important de faire attention à cela. Encore une fois, pour rappel amical, ne jouez pas aux tiers en bas. Comme l'idée de D à F en bas, cela semble désordonné. Vous pourriez augmenter le fa d'une octave, vous ayez le ré jusqu'à F. Et que vous ayez le ré jusqu'à F. Et c'est un son assez courant sorte que vous ayez le ré jusqu'à F. Et c'est un son assez courant pour séparer les notes, comme une voix ouverte au piano, mais simplement pour séparer les notes de l'accord Vous avez donc toujours la racine en bas, mais la cinquième ou la troisième peut être jouée Voilà, ce n'est pas notre cours le plus long, mais nous ajoutons simplement cette idée du troisième en tant entité distincte pour vous rappeler qu' il est souvent utilisé stylistiquement dans certains genres, stylistiquement dans certains genres, et qu'il va permettre de mieux définir la tonalité, le majeur ou le mineur de l'accord joué De plus, si vous voulez expérimenter un peu d'harmonie, essayez de jouer le troisième ou le cinquième sous l'accord en cours de jeu Votre guitariste joue en do majeur, et au lieu de jouer en do majeur, vous tenez le mi, le troisième, ou vous tenez le sol, le cinquième Cela va changer le son. Je ne recommanderais pas de le faire si vous jouez des reprises, mais si vous composez quelque chose avec votre groupe et que vous souhaitez jouer avec les choses de manière harmonieuse, alors c'est peut-être un excellent choix. Cela étant dit, si vous reprenez de la musique et la base initiale était d' utiliser ces accords slash, alors, bien sûr, n' hésitez pas à les utiliser C'est tout pour ce cours sur le dessin des tiers. Dans le prochain cours, nous parlerons du dia et des notes de passe chromatiques Maintenant, nous ouvrons vraiment beaucoup plus de choix de notes, et j'ai hâte de vous expliquer de quoi il s' agira dans le prochain cours. Je t'y verrai. 6. Notes de passage diatoniques et chromatiques es: Lâchez. Parlons de la principale raison pour laquelle vous connaissez les gammes en tant que bassiste, producteur de lignes de base, de notes de passe diatoniques, et nous parlerons éventuellement de notes de passe nous parlerons éventuellement Elles sont très importantes. Plongeons-nous dans le vif du sujet. Alors, tout d'abord, qu' est-ce qu'une note de passage ? Revenons à notre exemple d'accord en ré mineur. D, la racine, F, la troisième et A, la cinquième. Mais qu'en est-il du E et du G que nous avons omis, non ? D a sauté le E à F, puis F a sauté le G à A. Nous avons donc ignoré ces notes Et si je devais les traverser ? D, E en route pour F, G en route pour A. Ce sont des notes de passage. Nous passons par des tonalités autres que les accords pour atteindre la tonalité d'accord suivante Nous pouvons donc le faire de manière ascendante. Nous pouvons le faire par ordre décroissant, et dans certains cas, il peut même y avoir une double note de passage Donc D, par exemple, si je monte à F, je passe par une note. Je vais maintenant passer à la cinquième note. Mais le D suivant passe par deux notes parce qu'un accord, bien qu'il soit composé de tous les sauts, une fois l'octave ajoutée, il y en a une quatrième en haut de cet D passe à F, saute à A, puis passe d'un quart au D suivant. Ce quatrième peut donc nécessiter deux notes de passage On les appelle notes de passage diatoniques, car diatoniques signifie essentiellement qu'elles sont fidèles à une gamme Nous traversons un E en direction de F. Je ne suis pas en train de passer par un E bémol. Parce que cela ne fait pas partie de ma gamme de ré mineur. Cependant, il peut arriver que vous souhaitiez jouer des notes qui ne sont pas comprises dans la gamme. Et ce seraient des notes de passage chromatiques. Supposons donc que j'ai un accord en ré mineur qui passe à un accord en sol mineur dans la chanson que nous jouons Je voudrais peut-être jouer juste les notes de mon accord deux, trois ou quatre en ré mineur , mais ce que je pourrais aussi faire c'est qu'après le troisième temps, réfléchissons à quelque chose Une, deux, trois, voilà mes trois notes pour mon accord en ré mineur Mon accord suivant est G. Et si je devais passer de ce A à la bémol, cela me tirerait tellement bien vers ce Un bémol ne figure pas dans ma gamme de ré mineur, mais j'ai un A comme note de rythme à trois notes. Et au quatrième temps, je fais une passe chromatique en route vers le demi-ton suivant, qui m'amène à la racine de l'accord En d'autres termes, une note de passage chromatique va passer d'une note vers le haut d' un ton ou vers le bas d'un ton par le demi-ton intermédiaire. Il se déplace en demi-tons ou vers une note qui ne se trouve pas dans notre clavier Donc ensemble, ça ressemble à ça. C'est très important dans les lignes de basse du jazz walking, non ? J'ai un ton d'accord qui sonne bien. Ensuite, je passe à mon accord de sol. Mais si je joue ce genre de ton de passe chromatique, ça commence à avoir un son un peu tordu et un peu jazzy Donc, ce que je recommande, c'est que lorsque vous passez d' un accord à l'autre, si vous remarquez qu'il vous reste un temps et que vous devez combler la distance d'un ton ou d'un ton entier, utilisez simplement le demi-ton entre les deux pour relier ces deux accords si vous remarquez qu'il vous reste un temps et que vous devez combler la distance d'un ton ou d'un ton entier, utilisez simplement le demi-ton entre les deux pour relier ces Mais cela peut aussi fonctionner si je ne parle que d'un seul accord. Disons qu'il n'y a pas d'accord en sol mineur et que je joue juste en ré mineur pendant un moment Je pourrais peut-être jouer quelque chose comme root, qui est stable, third, qui est stable, fourth, qui est stable, sharp four est une tonalité de passe chromatique. Aux cinq. Maintenant, remarquez que je ne suis pas en train de jouer une note pour ensuite utiliser une tonalité de passe chromatique pour sauter quelque part. Il doit se connecter. La distance que vous essayez de combler est un ton. Maintenant, vous commencez à saisir de nombreuses tonalités chromatiques, mais à un moment donné, vous perdez toute objectivité quant à la tonalité dans laquelle je me trouve, à ce qui ressemble à un point de départ ce qui ressemble à un point de départ et aux notes de ma gamme Mais ajouter l'étrange peut être très efficace. Voici une petite expérience avec laquelle vous pouvez jouer. Prenez une gamme de do majeur et essayez-la sur les touches. Toutes les notes blanches, C à C. Maintenant, rejouez-le une fois de plus, mais passez de la première note à la deuxième note, puis augmentez le reste de la gamme. Passez maintenant de la deuxième note à la troisième note. Ainsi, D passe à E avec une tonalité de passage chromatique, puis augmente le reste de l'échelle Maintenant, quatre à cinq, cinq à six et six à sept. Donc, si vous n'avez pas compris de quoi je parle, quand je dis quatre à cinq, je veux dire que la quatrième note de la gamme comporte une note de passage chromatique allant jusqu'à la cinquième Vous devriez donc essayer cela avec toutes les tonalités de la gamme. Le C à D est un ton, essaie de le remplir. D à E est un ton, essaie de le remplir. en va de même pour F vers G, G vers A et A vers B. Une fois que vous aurez entendu toutes ces options, il se peut que certaines d'entre elles vous plaisent davantage. Mais vous allez commencer à remarquer que la raison pour laquelle, une fois ce remplissage effectué, je vais simplement augmenter le reste de l' échelle habituelle, c'est parce que vous voulez vous assurer que le rapport entre les tons de passe chromatiques et les notes diatoniques, les notes dans la tonalité ne sont pas trop éclipsés Vous ne voulez pas des tonnes de ces tons chromatiques qui passent. Ils devraient être comme une petite épice que vous ajoutez à vos lignes de basse Considérez donc les passants diatoniques comme étant un peu plus sûrs et les tons de croisement chromatiques un peu plus audacieux Ainsi, qu'il s'agisse de lignes de basse sûres ou de lignes basse colorées et aventureuses, nous avons joué du roots uniquement avec des octaves, des racines, des octaves et des quintes, des racines, des octaves, des quintes et des tiers, puis en ajoutant des passants diatoniques nous avons joué du roots uniquement avec des octaves, des racines, des octaves , des racines, des octaves, des quintes et , puis en ajoutant de basse colorées et aventureuses, nous avons joué du roots uniquement avec des octaves, des racines, des octaves et des quintes, des racines, des octaves, des quintes et des tiers, puis en ajoutant des passants diatoniques, puis en ajoutant des passants chromatiques. Une fois que vous avez atteint les tons de transition chromatiques, vous êtes passé d' ligne de basse centrée sur une note à la fois à une mise à disposition de chaque note Maintenant que nous avons vraiment ouvert les choix de notes qui s'offrent à vous pour vos lignes de base, jouons un peu stylistiquement avec les notes longues et les notes courtes Je joue au legato, au staccato. Cela fait une énorme différence en termes de groove de vos lignes de basse Parlons donc des longs et des shorts. Je te verrai au prochain cours. 7. Courts et longs: Parlons des shorts et des longs compris dans vos valeurs de référence Quel est le son si je joue des notes plus courtes ? Et quel est le son si je joue des notes plus longues ? Que vous jouiez un rôle de synthé ou un sample de basse, vous obtiendrez des résultats très similaires Alors commençons à en parler, et allons-y. L'un des meilleurs moyens pour nous de le démontrer est simplement d' établir une base de référence. Je vais jouer quelque chose de relativement simple, et nous allons commencer par des notes plus longues. Maintenant, je tiens à mentionner dès le départ que le résumé de ce cours sera le suivant : les notes longues sont meilleures pour les ballades et les notes courtes sont meilleures pour les parties plus funky Mais les meilleures bases de référence vont souvent fusionner les deux. Il y a donc des longs et des shorts dans cette base de référence. Ce que je ne dis pas, c'est que les lignes de base avec de longues notes doivent être jouées uniquement dans ballades et que les lignes de base avec notes courtes ne doivent être jouées que dans des morceaux Mais ça a juste tendance à fonctionner de cette façon. Mais en fin de compte, la plupart des styles sont une fusion de lignes de base décontractées et de lignes de basse groovy. Encore une fois, il est très important de combiner les longs et les shorts et de les maîtriser . Essayons donc une base de référence. Je vais trouver quelque chose de simple. Nous sommes à 125 battements par minute. Je ne sais pas à quoi je vais jouer, mais trouvons un truc. Allons-y. Essayons-le. Moi, un, deux, trois, quatre. Voici donc notre base de référence. Écoutons-le, et je vais juste le quantifier un peu Mm. OK, donc tout de suite, vous pouvez entendre que ce n'est pas une base de référence exagérée . De plus, ce dont je parlais sont des notes très anciennes comme celle-ci. Ce genre d'idée. Mais nous pouvons même créer un certain groove simplement en assurant que la densité de nos notes quatre temps soit assez dense. Vous remarquerez donc une, deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit, neuf, dix, un, deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit, dix notes en huit temps. Je veux dire, c'est un peu un endroit idéal où il n'y a pas trop de corps mais pas trop ennuyeux Notre base de référence est donc en quelque sorte un passe-partout pour commencer. Écoutez ce qui se passe lorsque je les sélectionne et que je réduis beaucoup les notes. Je vais le faire pour chaque note. Certains d'entre eux étaient plus longs que d'autres, donc je dois m'assurer revenir en arrière et de raccourcir certains d'entre eux. Maintenant, ça ressemble à ça. OK, pas vraiment super sympa. Ce que je pourrais peut-être envisager de faire, c'est de doubler chaque note Ça devient un peu plus drôle. Tu pourrais essayer les triples À un moment donné, c'est exagéré, mais l'idée est que vous pouvez entendre que cette ligne de base ne fait que crier dessus pour contenir de longues notes Commençons par une longue note, peut-être quelques notes longues. Un peu mi-long pour ceux-là. Je veux dire, cette ligne de basse nécessite quelques notes plus longues que des notes plus courtes, mais vous pouvez voir que l'ajout de quelques-unes de ces notes courtes ces petites sortes d'accents de staccato, staccato étant les notes courtes, aide à ajouter un peu plus de groove ou ce que nous pourrions appeler des notes fantômes, ces notes presque inexistantes Et encore une fois, gardez à l'esprit que le sample bass, si je le joue légèrement, j'obtiens ce genre de cordes assombries Vous pourriez donc prendre ces brèves notes. Diminuez la vélocité. Si nous regardons en bas, je prends cette vélocité, et je l'augmente ou je la baisse pour que vous puissiez voir. Cela ajoute juste un peu de rythme à cette ligne de base. Maintenant, c'était en quelque sorte une base de référence standard pour commencer Par exemple, si je joue juste de longues notes, cela peut être un peu ennuyeux, mais le reste du groupe a beaucoup de place pour jouer en plus de cette simple ligne de basse En même temps, je pourrais faire quelque chose comme ça, jouer et devenir vraiment remarquée, tout étant beaucoup plus courte avec ces notes Cela nous rapproche un peu plus d'une sorte de référence groovy ou funky Donc, en fait, c'est ce dont je parlais lors ce premier cours où vous écoutez quelques lignes de base et vous vous demandez quoi ressemble le groove Et comment puis-je recréer ce son et ce groove sur ma partie de basse samplée ou synthétisée Il n'est pas rare que je crée une partie de basse et que je joue ensuite avec la longueur des notes. Juste pour voir si je peux relier un peu plus certaines parties de la ligne de basse à des notes plus longues ou créer un notes plus longues ou créer groove de séparation en raccourcissant certaines de ces Maintenant, gardez à l'esprit que les termes pour notes fluides et connectées seraient legato, et que les notes courtes et détachées seraient staccato Il y a une fonctionnalité amusante dans Ableton que je voudrais vous montrer. Si je joue une ligne de basse dans Ableton avec principalement des notes courtes, quelque chose comme Something like that, c' est vraiment très simple Ce que je peux faire, c'est tout sélectionner. Je vais le faire avec un contrôle A pour Tout sélectionner, comme vous le remarquerez sur le côté gauche, et cela se trouve dans les catégories pitch et time. Je vais juste redimensionner les choses pour que vous puissiez le voir un peu mieux Mais vous verrez que c'est la catégorie pitch et T ici. Et ce que je fais, c'est regarder le bouton Legato en bas Quand je clique dessus, tant qu' ils sont tous sélectionnés, regardez ce qui se passe. Boom, tout est désormais connecté. Donc, si nous y rejouons, donc si vous n'êtes pas doué pour jouer connecté, mais que vous êtes plutôt doué pour fouiller, vous pouvez essayer cette fonction legato par la suite, vous pouvez essayer cette fonction legato par la suite, et elle vous facilitera la tâche En plus de cela, un contrôle rapide que vous me permettrez de quantifier pour que tout se passe un peu plus dans le temps Cela ressemble un peu à de beaux rêves à ce stade, mais je pense que ma quantification devrait être réglée sur les 16e notes et non sur les huitième notes Si on fait juste une boucle pendant une seconde. Maintenant, prenons quelques notes et raccourcissons-les. Mmm. Ça devient un peu plus cool, non ? C'est donc de cela que je parle de jouer avec le raccourcissement de certaines notes Vous pourriez commencer par tout ce qui est beau et legato et simplement raccourcir un peu certaines de ces notes Certaines de ces notes basses étaient déjà assez courtes, comme à peu près cette longueur, je sais qu' elles fonctionneront très bien en tant que notes fantômes parce que ces notes basses ont tendance à vouloir tenir, et si elles ne tiennent pas très longtemps, vous pourriez aussi bien les rendre assez courtes, et bien souvent cela vous donnera une jolie sorte de petite note fantôme ou une sorte de accent conforme à votre base de référence. Il n'y a rien de mal à les tenir à l'écart. Je dis simplement que cela pourrait être un bon point de départ pour ce qui est de ce qu'il faut raccourcir. De plus, lorsqu'une note se répète, essayez de prendre la première et de la raccourcir, essayez de prendre la seconde et de la raccourcir Habituellement, une formule longue et courte peut être une bonne formule à utiliser pour ces notes répétées. Le point important ici est que chaque style traitera différemment ces notes longues et courtes. Jouez-vous dans trois, quatre, six, huit, 44 ? Est-ce que ta chanson est rapide ? Votre chanson est-elle lente ? Tout cela va faire une grande différence. Mais en fin de compte, je dirais qu'il faut écouter ce que joue votre groupe. S'ils jouent quelque chose frénétique et partout, alors ce serait une bonne idée pour vous de choisir une ligne de basse plus simple Mais s'ils jouent quelque chose d'assez simple, cela vous laissera peut-être un peu plus de place pour explorer quelques notes supplémentaires. Il ne faut pas aller trop loin dans les extrêmes. S'ils jouent une ballade, vous ne voulez pas jouer du metal fusion par dessus S'ils jouent du metal fusion, vous ne voulez pas vous contenter d'une seule note en permanence. En général, il va falloir trouver milieu pour ce qui fonctionne, juste milieu pour ce qui fonctionne, mais gardez à l'esprit que c'est difficile quand tout le monde dans un groupe essaie de jouer quelque chose de complexe. Cela peut être ennuyeux lorsque tous les membres d'un groupe essaient de jouer quelque chose de simple. Il est donc très important de créer une partie de basse qui complète ce autres musiciens ou les autres instruments que font les autres musiciens ou les autres instruments. Dans notre prochain cours, nous allons parler de la fonction des différentes formes d'onde. En d'autres termes, la fonction des différents types d'oscillateurs au sein d'un Syth Intéressons-nous un peu à quelques notions de base de la synthèse Je te verrai au prochain cours. 8. Fonction et formes d'onde à suivre: Très bien, parlons de la fonction des différentes formes d'onde dans une base Synth. Quand je parle de formes d'onde, je parle d'ondes sinusoïdales, d'ondes carrées et d'ondes en dents de scie, principalement dans le domaine de la synthèse soustractive, c'est ce que je vais vous montrer En même temps, nous voulons tenir compte du fait que ces formes d'onde oscillent encore et encore Ils peuvent donc également être appelés oscillateurs. C'est un peu la même chose. Passons à la discussion et parlons de ces différents types de formes d'onde Donc, ce que vous allez faire, c'est vous rendre dans la section de vos instruments d'Ableton, et nous allons chercher quelque chose appelé analogique comme syth Vous allez le prendre et le faire glisser dans canal MIDI ouvert ou même, dans ce cas, dans n' importe quelle zone inférieure où il est écrit « Déposez les fichiers et les appareils ici ». Nous avons donc cette instance analogique, et nous voulons considérer cette ligne supérieure ici et cette ligne inférieure comme étant fondamentalement la même chose. Vous pouvez voir que nous avons un ampli deux, un filtre un, un filtre deux, un oscillateur un, un oscillateur Pour l'instant, nous allons désactiver Oscillator Two car l'idée ici est que vous pouvez avoir deux types de sons et les fusionner de différentes manières Pour l'instant, je veux simplement vous montrer les bases de ces formes d'onde afin que vous puissiez comprendre comment elles peuvent fonctionner dans le cadre de vos lignes de référence Nous allons donc désactiver l'oscillateur 2. Donc, le seul bouton jaune de l'oscillateur que nous avons est celui-ci, Oscillator One Maintenant, directement à la porte, c'est de cette forme que nous parlons des différents types de formes d'onde. Nous avons donc une onde sinusoïdale qui signifie « sans » en latin. Il n'y a pas d'harmoniques sur cette vague. Elle est très pure. Nous avons une vague en dents de scie Comme vous pouvez le constater, si vous zoomez une scie, sur une petite dent sur cette scie sur une scie, sur une petite dent sur cette scie et sur une onde carrée qui porte bien son nom, tout est quadrillé et fonctionne de cette manière très angulaire Il y a aussi du bruit ici. ne nous inquiète pas trop, mais il convient de noter que le bruit est présent dans ce synthé, principalement utilisé pour la superposition C'est donc à ce moment que vous voulez vous assurer que vous utilisez casque ou un bon ensemble de haut-parleurs. Nous allons écouter une onde sinusoïdale, et ce sont des sons très purs, surtout lorsqu' ils sont très faibles. Ils diffusent très bien les haut-parleurs. Il n'y a aucune distorsion du son. Ils fonctionnent très bien comme base sous les parties de basse. Donc, si nous écoutons, c'est assez bas, et je peux aller encore plus bas si vous écoutez ici. C'est dans cette plage d'environ 30 hertz. Vous ne pourrez peut-être pas entendre cela du tout, mais encore une fois, si vous avez de bons écouteurs ou si vous avez de bons écouteurs ou de gros haut-parleurs, vous pourrez l'entendre. Je vais passer de ce D note à la fois. Voyons quand tu pourras l'entendre. Je pense que maintenant, vous devriez être capable d'entendre, n'est-ce pas ? Écoutez simplement à quel point ce son est doux. C'est un très bon son de base. Donc, une chose que vous pouvez faire est de créer une base de référence sur une base d'échantillon, par exemple, donc un, deux, trois, quatre. Quelque chose de simple. Si je le prends maintenant et que je le duplique sur le synthétiseur que j'ai, si je l'écoute tout seul, je vais prendre cette onde sinusoïdale et ramener toutes ces notes, donc Ctrl A pour sélectionner, passer à Ils sont maintenant descendus d'une octave. Ça va être très dur à entendre. Mais encore une fois, si vous avez bons écouteurs ou de bons haut-parleurs, vous pourrez l'entendre. Mais ce que nous allons faire, c'est prendre le spectre nos effets audio et l' acheminer vers notre bus principal ou une sorte de bus principal, et nous allons juste regarder ce qui se passe lorsque je ne joue que l'onde sinusoïdale. Nous sommes donc très attachés à ce sous-territoire, en particulier sur ces notes plus basses. Nous arrivons à une base basse d'environ 80 hertz. Mais tout ce qui se trouve en dessous, comme 60 hertz, nous sommes dans ce sous-territoire où vous sentez la base plus que vous ne l'entendez. Donc, si nous examinons maintenant la base échantillonnée dont nous disposons, examinons ce territoire Les notes les plus basses se situent autour de 70 à 80 hertz, mais elles augmentent généralement autour de un ou 200 hertz. Donc, si je garde le contrôle, je peux maintenant jouer aux deux en même temps. Jetons un coup d'œil. Cette onde sinusoïdale nous donne des tonnes de sous-fondations sous cette partie de base échantillonnée Maintenant, je vous recommande, par exemple, passer aux effets audio, et vous allez simplement passer à Eight. Donc, sur votre base échantillonnée, vous allez tout réduire d' environ 100 hertz et le filtrer. Ensuite, sur la base Synth, je vais faire le contraire Je veux juste entendre des choses en dessous de ces 100 hertz, ce qui est déjà le cas, qui est déjà le cas, mais nous sommes simplement très prudents de cette façon. Voici la base Synth en elle-même. Voici les échantillons. Un peu aminci, mais ensemble, nous avons une base vraiment solide pour cette base en utilisant l'onde sinusoïdale Tout cela pour dire que l'onde sinusoïdale est très fluide et fonctionne très bien comme sous-base sous une partie basse Elle est assez souvent utilisée comme une sorte de couche sur ces parties basses. Ensuite, nous allons découvrir le Sawtooth, mon préféré Celui-ci va être un peu plus graveleux, et j'aime vraiment déformer Je vais vous le montrer sous sa forme de base, puis nous essaierons de le déformer un peu Encore une fois, très rapidement, si je reviens à l' onde sinusoïdale et que je joue une note grave, vous verrez qu'il n'y a pas d'harmoniques, peut-être un tout petit peu, mais c'est vraiment la note fondamentale Si je passe à Sawtooth, regarde toutes ces harmoniques Nous entendons très haut dans le spectre des fréquences. La distorsion a donc plus de points à saisir et à déformer en termes de fréquences supérieures Maintenant, ce avec quoi je joue en ce moment, si je joue une touche rapidement, Mmm. Ça s'estompe en quelque sorte. Je veux juste que ce soit allumé lorsque j'appuie sur la touche. Quand je lâche prise, c'est éteint. Donc, ce que j'ai en ce moment, c'est que si je joue une touche rapidement, vous verrez qu'elle a une queue. Il sort en quelque sorte au fil du temps. Si je passe dans ce synthé en particulier à cette section, où le niveau est représenté, je vais extraire ce sustain vers le haut, ajouter le release, pour obtenir une belle forme carrée. Je vais également faire de même pour la section des filtres. Il ne s'agit pas d'une plongée approfondie dans la synthèse soustractive, mais si vous suivez simplement cette étape, jetez-y un coup d'œil Mmm, hum. Maintenant, c'est très actif et éteint. J'ai dit : « Cela sonne bien avec une certaine distorsion. Essayons d'abord quelque chose comme Raw, qui émule la pédale de distorsion Rat C'est en fait la seule pédale de guitare que j'ai. C'est fantastique. Cela a été influencé par le fait d' écouter beaucoup d'at attat et leur bassiste l' utilise beaucoup J'adore leur son de bassiste. Je recommande d' étudier cette question. Mais cela étant dit, UAD a sa propre version appelée Rah Vous pouvez voir que le nom est très similaire. C'est un clin d'œil à cette pédale de distorsion très simple. Si je joue maintenant un peu un rôle de basse, vous pouvez en fait augmenter une bonne partie de ces hautes fréquences à mesure que vous augmentez cette distorsion Vous ne voudriez donc pas en faire trop dans le filtre. Vous permet d' ouvrir une partie du sien ou de le traiter plutôt comme une partie de basse en atténuant ces hautes fréquences à l'aide du filtre . Ça a l'air plutôt sympa. Mais nous pouvons aller encore plus avec quelque chose comme les déchets. Et je m'en sers beaucoup. C'est en fait l'un de ces pétales de distorsion où je vais devoir baisser un peu le volume car certains de ces préréglages sont assez forts Donc, pour vous montrer, si je prends quelque chose comme, passons à la catégorie agressive, comme box in. J'aime vraiment celui-ci. Passons à une onde sinusoïdale et voyons en quoi elle est différente à cause de la distorsion. C'est cool. Il a un peu de cran, mais pas beaucoup Il est toujours très arrondi et produit une sorte de son non affecté La distorsion n'a donc pas ces hautes fréquences avec lesquelles jouer, et c'est là que nous allons entendre la majeure partie de notre distorsion. Donc, en travaillant avec cet air de scie , nous avons maintenant des tonnes de ces harmoniques supérieures avec lesquelles jouer Maintenant, quelque chose à mentionner, c'est qu'une fois que j'ai déformé le son de la scie, si je devais, par exemple, passer sur ma chaîne principale et simplement écouter les basses fréquences, encore une fois, avec de gros haut-parleurs, des écouteurs, assurez-vous que vous écoutez sur un appareil où vous pouvez entendre cela, jetez-y un coup d'œil. Si je prends cette distorsion et que je l'augmente vraiment, je vais en quelque sorte commencer à me réduire dans ces basses fréquences En d'autres termes, les fréquences de base sont très affectées. Tu as entendu cette différence ? Et une partie de cette combinaison de ces sous-fréquences très basses fera en sorte que votre base de référence ne se traduira pas aussi bien sur grands clubs ou des systèmes des grandes voitures, par exemple Je recommanderais donc de faire le même truc qu'auparavant. Utilisez une onde sinusoïdale comme extrémité basse agréable, lisse et sûre de votre partie de base, puis balayez l'extrémité inférieure sur cette partie la plus déformée, avons fait sur la base échantillonnée afin que ce soit la partie la plus texturée de la ligne de Et les sons graves, par exemple, cette onde sinusoïdale constitueront la base la plus solide. Donc très rapidement, il semblerait que je vais dupliquer cette partie de base d' Ableton Je vais l'avoir en version sinusoïdale, en supprimant toutes les hautes fréquences. Et dans ce cas, ce sera le contraire. Cela va supprimer les basses fréquences. C'est la dent de scie. Et quand je joue ensemble, maintenant mon onde sinusoïdale est basse. Et mon onde en dents de scie au-dessus, quelque chose qui mérite d'être mentionné, et j'ai oublié de le faire, est sur l'onde sinusoïdale, diminuant l'octave d' une octave, Cela va le placer davantage dans le sous-territoire. Maintenant, quand je joue, vous pouvez voir ces fréquences très basses, comme 20, 30 ou 40 fréquences. Quand je ne l'avais pas activé, si nous y repensons encore une fois, tout tournait autour de 80, monsieur, 68 hertz et plus sur ce bas D. Encore une fois, notre onde sinusoïdale a pour but de nous aider à améliorer le bas de gamme du sous-marin. Donc, en le réduisant d'une octave, vous obtiendrez une très large gamme de basses fréquences Notre sub est pris en charge en bas, puis en haut, nous avons ce son déformé. Et ce qui est cool, c'est que si vous placez un égaliseur avant la distorsion, toutes ces bosses affecteront le type de ton ou de la texture de la Donc, quand je parle de bosses, je parle ces bosses d'égalisation paramétriques, regardez ceci Juste là, on entend un petit grognement, ce qui semble plutôt sympa Ensuite, vous pouvez en quelque sorte niveler les choses à partir de là. Ainsi, l'onde sinusoïdale, la sous-onde et la partie supérieure déformée de la base sont nivelées l'une par rapport à l'autre Quoi qu'il en soit, avant que je ne plonge trop profondément dans ce vortex, encore une fois, l'onde en dents de scie produira une sorte de son très grave, surtout une fois déformée l'onde en dents de scie produira une sorte de son très grave, surtout une surtout Il a en lui-même un peu un son de jeu vidéo. Mais pour passer au type d'oscillateur ou de forme d'onde suivant, l'onde carrée, jetez un œil à celui-ci. Nous sommes dans une sorte de territoire où Supermio doit se battre. On est comme à l'époque de la NES SNES. C'est une base de synthé pour jeux vidéo au son vraiment old school synthé pour jeux vidéo Si je le baisse en octave, tu entends. C'est juste très vidéoludique, très sérieux. Et ce que vous entendez, c'est une sorte de « on off », « on off ». Et cela crée ces petits scintillements ou presque une sorte de flou dans ce son d'oscillation C'est l'idée selon laquelle l'onde carrée est activée, désactivée. Et si vous décollez et que vous oscillez assez vite, vous obtenez ce son graveleux Si je le réduis encore plus, c'est une octave très basse Vous pouvez entendre chacune de ces cases s'allumer et s'éteindre. Mais au fur et à mesure que je monte plus haut, cela ressemble à un son solide. C'est donc quelque chose de vraiment cool dans la vague carrée, et vous pouvez également l'entendre un peu dans les ondes de scie. Mais au fur et à mesure que vous vous déplacez plus bas, vous entendrez plus grande séparation entre ceux qui sont activés et ceux qui sont désactivés. Donc pour l'instant, je dirais de l'utiliser seul si vous faites quelque chose comme Chip Tune ou de la vieille musique de jeu vidéo. Mais si vous essayez de l' utiliser dans un environnement plus moderne, essayez la même onde sinusoïdale ci-dessous, afin d'avoir une base solide. Notez que je l'ai fait avec une base d'échantillonnage, dents de scie et des ondes carrées J'aime vraiment m'assurer que mon onde sinusoïdale est en baisse dans ce sous-territoire Mon caisson de basses produit donc quelque chose de très fluide et j' ai beaucoup de bases qui se trouvent en dessous de mon mix Cela vous donnera tout ce bas de gamme, mais les jeux vidéo n' en offraient pas à l'époque. Donc, si vous essayez vraiment de créer un rétrosund, il suffit de vous en tenir à l'onde carrée Encore une fois, si je reviens, par exemple, à l'attaque, au décadence, au sustain release, et que je joue avec une forme qui ressemble à celle avec laquelle nous avons commencé, cela fonctionne également très bien pour ce vieux son de jeu vidéo, qui quelque sorte à se balader sur Jouez donc avec un tas de paramètres, mais vous avez maintenant une bonne idée de la fonction d'une onde sinusoïdale, d' une onde en dents de scie et d'une onde carrée Bien entendu, nous avons parlé de l'utilisation l'onde sinusoïdale pour les couches inférieures. C'est aussi parfois très amusant de superposer un peu de bruit au-dessus. Donc, pendant que j'ai cette onde carrée, je peux ajouter un peu de ce bruit blanc. Je dois avouer que c'est plus qu'un petit peu. Vous devriez donc baisser le volume ici à l'aide de ce bouton oscillateur Réduisons-le, peut-être 6 décibels , peut-être un peu plus Et maintenant, nous avons complété un peu plus les fréquences les plus élevées. Vous avez donc votre oscillateur de base. C'est bien d'associer une onde sinusoïdale en bas pour un peu de base, mais c'est aussi une bonne idée de prendre un autre oscillateur, comme une onde en dents de scie, et de l'augmenter d'une octave. Il suffit d'utiliser ce petit bouton d' octave ici faire monter Vous pouvez donc le refaire si vous le souhaitez, augmenter d'une seconde octave, mais vous pouvez voir comment nous avons obtenu notre type de partie de base de base Alors voulons-nous ajouter sous-informations généralement avec une onde sinusoïdale, ou voulons-nous ajouter du bruit ou un oscillateur plus élevé en haut Une autre chose que je vais mentionner est que cet analogue de Syth, disponible nativement dans Ableton, n'a pas Les ondes triangulaires fonctionnent un peu comme les ondes sinusoïdales. Ils sont un peu plus épais en termes de structure harmonique. Donc, ce que je dirais, c'est que si vous avez accès à des ondes triangulaires, n'hésitez pas à les inscrire également dans le sous-territoire Mais en général, pour l'instant, en ce qui concerne les informations de sous-base, je m'en tiendrais au sinus et au triangle. Pour les informations de base, vous avez à peu près tous les oscillateurs ou formes d'onde en option Et pour plus d'informations, encore une fois, ils sont tous disponibles. En général, je n'utiliserais pas d'onde sinusoïdale parce qu'elle est tellement perçante et que vous pouvez aussi utiliser un peu de bruit en haut Nous en avons beaucoup parlé là-bas. En résumé, l'onde sinusoïdale est douce, sonne bien, faible. Croustillant en dents de scie, bon son, déformé. Square Wave, assez rétro, sonne vraiment bien pour le chip tune et les vieilles musiques de jeux vidéo. Et si vous avez accès à une onde triangulaire, essayez-la également à basse altitude. Elle sera un peu plus épaisse qu'une onde sinusoïdale, et elle pourrait très bien servir de base à vos parties de basse. C'est donc tout pour cette classe qui parle de la fonction des différentes formes d'onde dans Synth base. Dans ce cours, nous avons abordé l'ADSR, truc avec lequel je jouais ici Dans notre prochain cours, nous allons approfondir les paramètres de l'ADSR : attaque, désintégration, maintien et libération Parlons-en. Je t'y verrai ensuite. 9. Paramètres ADSR: Très bien, parlons d'ADSR, d' attaque, de décadence , de sustain et de release Dans le cadre de la synthèse soustractive et d'autres types de synthèse, il est très important bien comprendre ces fonctions d' enveloppe de base L'enveloppe étant du genre, imaginez que vous avez un buzz particulier et que vous voulez l'emballer manière à ce qu'il soit nécessaire de la jouer. Alors peut-être qu'il s'estompe lentement, puis qu'il sort lentement en cascade. Peut-être que le son démarre instantanément, maintient le volume maximal, puis s'arrête instantanément. C'est dans cela que vous enveloppez vos petits bourdonnements électriques ou oscillateurs C'est votre enveloppe, c'est de l' ADSR. Commençons par en parler. Nous sommes donc de retour ici avec l'analogique , et voici le son que nous avons. Donc, la section principale que nous allons examiner en ce moment est celle de l'amplitude, et nous allons jouer avec l'enveloppe du niveau. En d'autres termes, l'attaque, le déclin et la libération prolongée n' affecteront que le volume. Donc, cette petite sorte de schéma ici, c'est notre ADSR. Vous pouvez maintenant le voir écrit Attack, Decay, Sustain, Sustain Time, puis relâcher. moment, nous ne nous préoccupons que de l'attaque, désintégration, du maintien et de la libération. Bien que ces quatre chiffres soient importants, nous pouvons faire les choses de manière très visuelle ici. Commencez par le faire dans cette section de niveau, puis vous pouvez également modifier des éléments dans la section de fréquence juste à côté. Donc, ce que je vais faire d' abord, c'est faire la section des fréquences soit très carrée pour le moment, afin que nous n'entendions que l'effet du niveau ou de l'amplitude et de son enveloppe Tout d'abord, attaque. Si je joue une note, ce moment, vous pouvez voir que l' attaque est très abrupte Je commence donc à déclencher le son à zéro milliseconde, et au bout de cinq millisecondes, nous entendons le son. Ensuite, il diminuera en 227 millisecondes pour atteindre un volume particulier qui restera en place jusqu' à ce que je relâche la touche, puis c'est l' Combien de temps faut-il pour que le son redescende à zéro une fois que j'ai relâché la touche ? Pour le moment, notre attaque est instantanée, mais je pourrais la ralentir en annulant l'attaque. Je pourrais y aller encore plus. Et maintenant, nous sommes en train de nous imprégner du son. Mm. Cela peut donc être idéal pour les parties de basse plus douces. Mais en général, en ce qui concerne les buts, nous aimons avoir un peu d'attaque. Nous allons donc poursuivre cette attaque. Ce que vous remarquerez, c'est qu'il y a une sorte de punch dans le son, puis que le volume baisse légèrement. C'est un peu plus difficile à remarquer, mais voyez si vous pouvez remarquer le type d'impact du son C'est comme « boum, bow ». C'est très subtil. Mais ce que vous remarquerez, c'est que si je tire cette direction vers le bas, nous pouvons maintenant vraiment entendre la différence entre cet impact et le volume de ce qui se passe. C'est donc votre décadence et votre persévérance à travailler ensemble. Quelle est la durée de cette première bosse ? Si c'est long, vous avez un long temps de décomposition. S'il est court, le temps de désintégration est court. Et à quel point le son est-il fort quand il tient ? Cela sera déterminé par le volume soutenu. Donc, si je tire cette direction vers la droite et que je reste bas, cette décadence mettra une éternité à se calmer. Et puis à un moment donné, il se maintiendra à ce volume plus faible. Si je l'insère très près du moment de l'attaque, maintenant, j'ai un son très rapide ma décadence est probablement préférable, quelque part entre les deux. Ensuite, vous pouvez utiliser votre sustain pour déterminer le volume de la partie maintenue de cette enveloppe Mais encore une fois, quand je lâche prise, écoute. Me voilà en train de lâcher prise. Écoutez la durée de cette version. Il faut un certain temps pour revenir à zéro ou à aucun volume. Donc, bien souvent, ça fait 3 secondes complètes. Très souvent, je fais en sorte que ma sortie soit aussi courte que possible. Je veux m'assurer que lorsque je lâche prise, le son s'arrête. C'est normal d'avoir une petite sortie. Cela semble tout à fait naturel, mais je dirais qu' en général, vous n'aurez pas envie d'opter pour une sortie massive. À moins que le problème ne soit que, pour une raison ou une autre, disons, je dois jouer une note de basse puis passer à autre touche, je peux faire en sorte que cette note et se dégrade lentement au fil du temps, en se basant sur le fait que je viens d' appuyer à nouveau sur une touche, c' est-à-dire que je touche simplement une touche Maintenant, je peux jouer un autre rôle. Donc, pour quelque chose comme le live looping, il peut être judicieux d' avoir une version très longue, dans ce cas, 15 secondes, assez longue Mais en général, une version assez courte (entre cinq millisecondes et 300 400 millisecondes) est probablement un bon point 300 400 millisecondes est probablement un Maintenant, si nous passons à un autre synthétiseur, par exemple quelque chose de moderne comme le sérum, nous remarquerons qu' il y a une section d' enveloppe, les enveloppes un, deux et trois Maintenant, dans ce préréglage particulier, de ce son de base. En regardant autour de moi, vous remarquerez que ce filtre de coupure bouge un peu Et si vous regardez pendant que je fais défiler la page, vous verrez la deuxième enveloppe et la macro un. C'est ce qui affecte ce bouton. Enveloppe 2, cette forme affecte le fonctionnement de ce filtre. Et je peux aussi le faire avec le volume. Supposons donc que le filtre soit désactivé. Voilà notre son. Faisons glisser l'enveloppe 2 vers notre bouton de niveau Le niveau est complètement bas, mais cette plage de ce bouton bleu indique dans quelle mesure l'enveloppe va affecter ce bouton en particulier Vous le verrez donc très différemment au fur et à mesure que je le tire de haut en bas. C'est donc ce qui a été inscrit sur la ligne de démarcation auparavant. Je vais juste m'en débarrasser. Nous allons supprimer le modulateur 2. Et au fur et à mesure que je joue avec ça, vous verrez que c'est pareil. Lorsque je tire vers la droite, nous pouvons influencer l'enflure de ce filtre et la façon dont il est utilisé. Très bien, attaque si grosse, attaque lente. Voici notre décadence et notre pérennité. Donc, si je veux que ça tienne, j'ai ce sustain vers le haut, mais si je veux que ça ressemble plus à une pince, j'ai le sustain vers le bas. Vous pouvez donc voir que même avec ce son de base, l'attaque lente fonctionne toujours très bien. Attaque rapide ? C'est assez percutant attaque lente peut très bien fonctionner comme une sorte de base de batterie et de basse. Le fait est que dans la plupart des synthétiseurs, vous pouvez utiliser une enveloppe, une attaque, une désintégration, un sustain, une libération pour affecter plusieurs choses Je dirais qu'il faut commencer par comprendre comment cela affecte le volume, puis comprendre que cela peut faire la même chose pour un filtre. Le volume augmente-t-il progressivement ou augmente-t-il soudainement ? C'est ton attaque. Est-ce que le son progressivement étouffé comme ça ? Ou est-ce que cela se produit très rapidement ? Ce serait une attaque lente ou rapide contre votre filtre. Mais encore une fois, vous pouvez également appliquer ces paramètres à d'autres choses, comme le désaccordage, le panoramique, etc. Enfin, passons en revue quelques préréglages de sérum différents et jouons avec les enveloppes pour voir dans quelle mesure vous pouvez modifier un préréglage de base et le personnaliser assez rapidement en jouant avec ces paramètres d'enveloppe Voici donc notre prochain son. Et tout de suite, vous pouvez voir qu'il se passe pas mal de choses Il y a du mouvement ici, il y a du mouvement ici, il y a du mouvement ici et ici. Mais encore une fois, en faisant défiler la souris sur la coupure de notre filtre, nous verrons que la deuxième enveloppe est l'une des choses qui affectent ce filtre. Passons donc à l'enveloppe 2 et jouons un peu avec cette enveloppe. Nous conservons donc la même texture tonale, mais nous changeons réellement la forme de développement du son. Notre son suivant est assez basique. C'est une base d'onde carrée de base. Il n'y a vraiment pas beaucoup de modulation. Encore une fois, vous verrez qu'il y a une légère baisse pour cette version. Si c'est absolument soudain, cela semble un peu plus artificiel, trop long, et vous risquez d'avoir un certain chevauchement entre les notes. Mettons donc fin à cette décadence. Et encore une fois, nous obtenons plutôt un son arraché. Passons à la suivante. Nous commençons donc par un son arraché Et. Essayons de le maintenir et de le maintenir. Un type de son très différent, non ? En termes de fonctionnalité, si vous l'avez dans une chanson, il y a beaucoup de place pour d'autres instruments. Il y a beaucoup d' espace entre ces sons. Cependant, si vous commencez à l'afficher. Désormais, il englobe beaucoup plus et occupe plus de place dans votre mix Pour notre dernier point, essayons de jouer avec l'enveloppe sur quelques autres paramètres. Voici notre son initial. Encore une fois, c'est plutôt courageux Je vais supprimer le délai pour le moment dans cette section sur les effets. Et nous allons jouer un petit peu avec l'enveloppe. Encore une fois, durable, rapide et courageux. Allons quelque part entre les deux. Prenons cette enveloppe et déplaçons-la pour la désyntoniser. Nous commençons donc par être très désaccordés, puis nous nous tournons vers un son plus pur Cela donne un peu plus de cran dès le départ. Maintenant, si nous jouons avec différents types de formes d'onde et que je déplace la position de la table d' ondes, vous verrez que ce bouton modifie le son au fil du temps formes d'onde et que je déplace la position de la table d' ondes, vous verrez que ce bouton modifie . Ça a l'air vraiment cool. Dans ce point de vue. Tout ce que vous avez à faire est de cliquer sur cette image, et vous verrez qu'elle ne bouge pas pour le moment, mais si je place la deuxième enveloppe sur la position de la table des vagues, nous pouvons la faire défiler à travers différentes formes d'onde ou différentes parties de cette modification de forme d'onde Ici, il y a donc une certaine différence de texture dans cette petite section de la forme d'onde Encore une fois, vous pouvez vraiment commencer à expérimenter et explorer l'endroit où vous appliquez vos enveloppes. Et dans quelque chose comme le sérum, vous pouvez avoir une forme d' enveloppe particulière, une deuxième forme d'enveloppe et une troisième et appliquer ces différentes formes à différents boutons C'est ainsi que lorsque vous parcourez des packs de préréglages, vous entendez tous ces sons très détaillés. Il s'agit essentiellement d'un ensemble de ces formes, qui sont actuellement des enveloppes, mais il y a aussi le séquençage par étapes et les LFO, dont nous n'avons pas parlé en dehors du contexte de ce cours, mais ces formes qui modifient ces différents boutons et affectent différents Si je tourne ce bouton et que cela rend le son plus croustillant, quelles formes puis-je appliquer à ce bouton pour modifier la façon dont ce craquement est joué rythmiquement ou peut-être appliquer à ce bouton pour modifier façon dont ce craquement est joué au fil du temps Donc, ce que je veux vraiment dire, c'est lorsque vous trouvez des préréglages de base que vous aimez, n'hésitez pas à jouer avec l'attaque, le decay, le sustain, le release Vous pouvez le rendre plus ou moins courageux. Vous pouvez le rendre plus ou moins agressif, et cela vous donne vraiment de nombreuses opportunités de lancer ces enveloppes sur des boutons presque aléatoires et de voir les résultats que vous obtenez. Finalement, lorsque vous avez un son qui vous plaît, vous l'avez créé vous-même, vous n'avez qu' à commencer par un préréglage pour vous aider Pour l'instant, ce sont les bases de l'attaque, de la désintégration, du sustain, de la libération, de vos paramètres ADSR Attaque, à quelle vitesse le son est-il introduit ? Decay, est-ce qu'il baisse un peu après le premier coup de poing ? Soutenir. Est-ce qu'il tient une fois qu'il est descendu ? Et si oui, à quel volume ? Relâchez lorsque je relâche la touche, combien de temps faut-il pour que le son s'éteigne ? Jouez avec ces paramètres de volume et filtres pour commencer, puis essayez d'explorer, en les appliquant à d'autres boutons, qu'il s'agisse du désaccordage, de la position de la table d' ondes ou tout autre bouton de modification du son auquel Voilà pour ce cours. Dans notre prochain cours, nous allons parler de l'application d'un sillon sur votre base par le biais du pool de rainures. Je t'y verrai. 10. Ajouter un groove: Haut. Très bien, parlons de l' ajout de rainures à votre ligne de base En utilisant le pool Groove d'Ableton, allons-y. Donc, pour cette vidéo, je vais en fait bloquer l'endroit où se trouve le pool de groove avec ma vidéo. Donc, ce que je vais faire, c'est étendre un peu cette section. Oui, ça encombre cette partie supérieure, mais ça va. Cela vous permet de voir le pool de rainures. Vous pouvez voir ici que le nom du groove est indiqué, et le groove que vous sélectionnez comportera certaines qualités . Dès le départ, vous n'aurez pas vraiment besoin de faire beaucoup d'ajustements, à moins que vous ne recherchiez vraiment un groove très spécifique. Mais il y en a tellement à Ableton que vous allez pouvoir trouver quelque chose qui vous plaira dès le départ . Alors, qu'est-ce qu'un groove ? Un sillon consiste essentiellement à appliquer du swing, mais il peut aussi faire d'autres choses. Donc, si j'ai un modèle de chapeau haut qui va de un à deux, trois à quatre, je peux utiliser un algorithme de rainure, pour obtenir un, deux, trois et quatre bouts. Mais cela peut être plus complexe que cela. Peut-être que c'est un et deux, trois, quatre et un, où c'est un peu bégayé, un peu comme le son de batterie bourrée de Jdilla, cela dépend du groove que batterie bourrée de Jdilla, cela dépend du groove cela dépend Mais dès le départ, je vous recommande d'opter pour les rainures MPC dans la catégorie swing. Cela vous donnera un aperçu de base pour commencer. Et ce que j'ai fait, c'est que j'ai créé un rythme de batterie ici, et nous allons y appliquer un peu de swing. Maintenant, vous remarquerez qu'ici, il y a cette petite section de rainures, et pour le moment elle est réglée sur Aucune parce qu'aucune rainure n'est disponible. Ici, sur le côté gauche. Maintenant, il s'agit d'Ableton 12, mais je sais que dès Ableton 10, par exemple, vous pouviez cliquer avec le bouton droit de la souris sur la zone du pool de rainures et sélectionner Ajouter un groove ou quelque chose comme ça, puis cela remplirait la zone du pool de rainures et sélectionner Ajouter un groove ou quelque chose comme ça, puis cela remplirait un tas de rainures parmi lesquelles vous pourrez Mais maintenant, il y a cette catégorie de rainures au-dessus de cette voie. Nous allons donc sélectionner des grooves, et vous devez vous demander : que je joue sur un huitième sans grille ou un 16e sans grille ? Est-ce que c'est Teta, Tata. Qu'est-ce que Ena deux e anda, trois et quatre anda, ou est-ce tet Tet teta, un, deux et trois, et quatre extrémités J'ai créé ici un rythme qui contient le deuxième exemple, la huitième note pour les chapeaux hauts. Nous allons donc voir ce que je peux faire avec un peu plus d'espace sur l'écran. Dans ce swing MPC 3 000 huitième, vous verrez différents chiffres Il s'agit essentiellement d' un pourcentage de la force avec laquelle il oscille. Donc 71 plutôt balancés, 57, un peu plus subtils Donc, si je prends, par exemple, 57, je peux le faire glisser vers le bas dans la zone de la piscine à rainures ici et vous verrez qu'il est peuplé dans cette zone ici Vous pouvez donc les prévisualiser en cliquant dessus. Et lorsque vous en trouvez une qui vous plaît, vous pouvez soit la faire glisser vers le bas dans la sorte de piscine, qui se trouve autour de cette zone, soit nous pouvons la faire glisser directement vers le bas dans les rainures situées ici. Je pourrais donc le faire glisser ici. Supposons que je prenne 64, par exemple, un deuxième algorithme de swing, et que je le présente ici. Ce que vous remarquerez, c'est qu'ils sont tous deux renseignés ici et qu'ils sont tous deux renseignés ici dans cette liste. Écoutons 57 et 64, un peu plus affectés, à la batterie, puis nous verrons comment les transférer à la base. Maintenant, avant de vous montrer la balançoire, la voici droite. Une sorte de beat rock assez classique avec des sons chromo amusants Nous avons 57 comme algorithme de swing le plus léger. On entend déjà le swing, et en voici 64. C'est donc assez important une fois que vous avez atteint le 64, mais gardons-le sélectionné pour le moment, juste pour que tout soit un peu exagéré et facile à entendre Maintenant, disons que je trouve une base de référence et que je vais commencer par enlever le swing de la batterie. Disons que tout se joue correctement pour le moment. Mmm. Je vais donc procéder et enregistrer une base de référence droite. Cela ressemblerait à ceci. Bend Quelque chose d'assez simple. Alors peut-être que nous faisons juste la moitié de la longueur des tambours. C'est juste la même chose qui se répète. Quoi qu'il en soit, si je devais le réécouter, je vais d'abord le quantifier, donc contrôler A pour sélectionner A dans cette zone midi, Control U pour quantifier Nous allons donc d'abord examiner ce groove, sans balancer la batterie ou la base. Dépendre. Maintenant, allons-y, montons à la batterie, appliquons le swing 64, et nous allons descendre jusqu'à la base et appliquer la même chose. Et écoutons-le maintenant. Did Everything est oscillant parce que je l'ai appliqué à la batterie et à la basse J'ai donc vu des étudiants appliquer le swing à la batterie, mais ils ne l'envisageaient pas sur d'autres instruments. C'est très important, et je veux m' assurer que si vous appliquez du swing à certains instruments, le groupe se balancera ensemble, sorte que tous les instruments devraient avoir des occurrences du swing s'ils jouent sur cette grille de huitième note Maintenant, un autre exemple qui est vraiment cool ici est que nous pourrions aller de l'avant et créer une sorte de boucle de batterie. Allons donc dans une discothèque. Voyons ce que nous trouverons ici. Ça me fait du bien. Il y a un peu de swing là-dedans, alors nous allons simplement le faire glisser vers bas et nous allons cliquer avec le bouton droit de la souris, nous allons extraire les rainures. C'est vraiment puissant dans Ableton. Nous allons continuer et sélectionner Extract Grooves. Et ce qu'il fait, c'est lire les informations de cette boucle de batterie pour voir quel est le swing appliqué à ce stade des choses. Par exemple, quel type de swing possède la boucle ? Et ce que vous remarquerez, c'est que sur le côté gauche, nous avons cette balançoire qui est maintenant disponible. Je vais donc couper le son de la batterie. Quand je sélectionnerai la base, je dois être clair je vais désactiver ces meilleures batteries, les batteries midi, mais nous allons continuer à jouer la boucle midi et à jouer la partie basse Mais maintenant, pour ce qui est de la basse, je vais appliquer le swing de cette boucle pour que les batteries aient un algorithme de swing similaire à celui de la boucle, et qu'elles s'accrochent assez bien. Écoutons la base sans aucun algorithme de swing avec ces tambours en boucle, puis nous appliquerons l'algorithme pour les entendre ensemble. Alors, on y va. Va faire. Ça a l'air juste. Appliquons cette balançoire et voyons comment elle sonne. Bien, et moi, ça a l' air plus enfermé. C'est peut-être comme un effet placebo. Voyons voir si nous pouvons trouver une boucle de batterie qui a un swing très évident, un peu plus de swing et essayer refaire le même processus une fois de plus. Alors prenons celui-ci ici. Refaisons-le donc, en insérant notre boucle de batterie. Nous allons cliquer avec le bouton droit de la souris et extraire Groove. Vous remarquerez qu'à droite, il n'y a aucun raccourci pour extraire les rainures. Womp womp, mais tu n' en utiliseras pas beaucoup. Il vous suffit d' extraire le sillon et de l' appliquer à d'autres instruments. Laissons-le faire son travail. OK, nous revenons donc à la basse, et nous allons à nouveau appliquer une version directe de l'algorithme du swing. En d'autres termes, pas de balançoire. Écoutons-le avec le rythme. Écoutons-le avec la balançoire. Cela ressemble à quelque chose comme ça. Je pense donc que ce que je remarque ici, c'est que nous n'en entendons pas vraiment trop. Pour moi, cela semble plus enfermé, mais il pourrait s'agir simplement d'un placebo. Je pense que c'est parce que les batteries sont hijack, chick, cha, chick, ce sont Donc, ce que nous pouvons faire, c'est prendre la partie basse. Nous allons le diviser par deux et le multiplier. Maintenant, c'est sur une grille de 16e note. Maintenant, nous l'entendons, non ? Donc si je n'en opte pour aucun, Teca tack ta, ta, ta ta ta. Si je l'utilise avec ce nouvel algorithme , maintenant c'est un peu plus lié à la batterie. C'est un peu bizarre sur cette partie, mais vous pouvez entendre le swing dans cette partie avant. C'est assez facile à entendre. Et puis il se passe quelque chose ici. Encore une fois, ces algorithmes ne sont pas parfaits. Ils apportent de petites nuances au rythme en dehors du swing de base S'il y a quelques petites incohérences, cela va s'accentuer. Mais ça sonne plutôt bien. Ça sonne enfermé dans les tambours. Encore une fois. Ça ressemble à ça. C'est cher. N'oubliez donc pas que vous utilisiez un groove Ableton et appliquiez à tous vos instruments avec un tas d'informations MIDI, ou que vous souhaitiez prendre le groove une forme d'onde telle qu'une boucle de batterie, vous êtes capable de le faire La dernière chose que je vais mentionner, c'est que vous pouvez également prendre ce groove et l'appliquer à une autre boucle de batterie. Supposons que nous ayons quelque chose qui n'a pas de swing, eh bien, nous pouvons maintenant ajouter du swing à cette boucle. Ce que je vais vous mettre en garde c'est que s'il y a une boucle qui a du swing, vous extrayez le groove, et qu'il y en a une autre qui a un swing différent et que vous appliquez le swing de la première boucle à la seconde, vous allez obtenir des résultats bancaux C'est vraiment pour passer d'un rythme droit à un swung ou à un swung à Ne travaillez pas dans ce genre d'environnement de swing à swing. Ça va devenir vraiment dingue, croyez-moi. Prenons donc quelque chose comme cette boucle de batterie , qui est assez directe. Ça ressemble à ça. Et nous allons y appliquer un peu de swing. Prenons l'un des algorithmes de swing de l'une des dernières boucles. Essayons celui-ci ici. Maintenant, c'est sur une grille de huitième note. Donc en fait, cet algorithme de swing ne fonctionnera pas parce que la boucle dont nous avons tiré l' algorithme de swing était Chick, Jack, chek haka cheek cha, un Eenda, deux EN, trois, EN, quatre eenda, 16e notes Il s'agit plutôt d'une huitième note, nous pourrions donc appliquer une seule des fluctuations de base du MPC Mais la même philosophie s'applique. Vous pouvez entendre que nous avons ajouté du swing à cette boucle audio. Donc, que vous changiez des boucles contenant des informations audio ou MIDI, tout est possible dans Ableton, puis vous le prenez et vous appliquez à n'importe quelle partie de votre basse Vous commencez par jouer une simple partie de basse qui se trouve sur la grille, puis vous appliquez le swing. De même, si vous avez joué un rôle de basse ou si quelqu'un d'autre a joué un rôle de basse et qu'il contient un swing particulier, puis que vous créez votre rythme de batterie, pourquoi ne pas créer le battement droit sur un rythme droit, puis extraire le groove de la basse et le transférer à la batterie. Maintenant, disons que je joue quelque chose comme ça, et je réponds : Donc c'est très balancé un et deux anda Je peux extraire le groove à partir des informations MIDI, ou je peux le réduire au son, puis faire la même chose pour extraire le groove de la boucle audio Tout cela pour dire qu' Ableton possède des rainures, mais vous pouvez également extraire des rainures de boucles préexistantes ou du MIDI Vous pouvez ensuite l'appliquer à d'autres boucles ou au MIDI. Mais encore une fois, faites attention à ne pas appliquer un algorithme de swing à un autre échantillon déjà balancé C'est tout pour ce cours sur le groove pool. Je sais qu'une grande partie de ce que je vous montrais portait sur le contexte de la batterie, mais les batteries vont fournir ce groove, qui va être repassé et réappliqué sur la base , vous pouvez également faire de l'ingénierie inverse Comme je l'ai mentionné, vous pouvez également faire de l'ingénierie inverse, commencer par une partie de basse groovy, extraire le groove et l'appliquer à un rythme de batterie droit afin que la batterie ait le même groove que la Cela dit, pour comprendre comment appliquer le sillon aux tambours et à la base, les deux doivent être intégrés. Il est donc très important que nous ayons parlé des deux. Voilà pour ce cours sur ajout d'un peu de groove à votre base. Dans notre prochain cours, nous parlerons de la compression. Comment comprimer une base ? quoi la compression parallèle sur les basses différente de la compression parallèle sur les batteries ? Nous allons aborder la compression de la base dans le prochain cours. Je t'y verrai. 11. Compresser la basse: Lâchez, déposez. Bien, parlons de la compression de base. Dans ce cours, je n' utiliserai pas Synth ou Sampled Base Je vais enregistrer une base brute. Ce n'est pas vraiment le but de ce cours. Plus précisément, nous travaillons avec une base d'échantillons et une base de synthé Mais ce que je dois vous dire, c'est que plupart des bases Synth n'ont pas vraiment trop de problèmes de compression, même que de nombreuses bases échantillonnées Ils sont déjà en quelque sorte préfabriqués. Je voulais donc vous donner quelque chose de vraiment brut que nous pourrions ensuite compresser, juste pour vous montrer comment vous y prendre si vous rencontrez des problèmes avec la compression de votre base. Maintenant, pour un bref aperçu, compression est l'idée selon laquelle, lorsque des changements de volume se produisent, nous ne voulons pas autant changer de volume et nous voulons en quelque sorte étouffer cette différence de volume Nous voulons compresser la plage dynamique. Nous voulons que les sons doux soient un peu plus forts, les sons un peu plus doux fait, ce que nous faisons, c' est atténuer les sons puis augmenter l'ensemble du signal de manière à ce que, encore une fois, les sons soient plus doux et les sons plus doux plus forts. La compression de la base présente ses propres difficultés car pour un compresseur, ces basses fréquences produisent plus d'énergie et déclenchent la compression, de sorte qu'une partie de l' extrémité supérieure de la base, et d'autres choses qui se produisent, c'est que le contenu le plus noté est surcompressé. Nous voulons donc nous assurer que nous pouvons soit entrer dans notre compresseur avec un signal assez équilibré afin que les basses fréquences ne déclenchent pas trop de compression, soit utiliser ce que l'on appelle la compression parallèle. Parlons des deux et allons-y. Maintenant, ce que j'ai remarqué sur mon interface c'est que lorsque j' enregistre dans la base, ce micro ne fonctionne pas, et c'est une configuration relativement complexe. Donc, ce que je vais faire, c'est enregistrer une partie de base. Je ne parlerai pas pendant cette période afin qu'Ableton puisse enregistrer dans la base Ensuite, nous verrons comment compresser cette base. OK, c'est donc une très bonne partie de basse avec laquelle nous pouvons travailler car elle n'est pas parfaite en termes de volume et de cohérence. Et j'ai essayé d'explorer différentes gammes de basse en passant par les quatre cordes. Voici ma petite partie de basse plutôt désordonnée. Ça ressemble à ça. Mm. Donc, les notes les plus hautes, par accident, je n'ai pas joué aussi fort. Je ne suis pas un bassiste aguerri. Je peux jouer des parties de basse passables pour des raisons de composition, mais je ne m'entraîne pas deux ou quatre heures par jour, ce genre d'idée C'est donc bien que je n' aie pas le rôle parfait, car et si c'était ce que nous ont les musiciens en fin de compte, notre sampler, notre synthé ? peut qu'il y ait de subtiles différences volume à mesure que vous Quoi qu'il en soit, vous pouvez même voir visuellement que cela veut être compressé. Il y a plus d' énergie ici, moins d'énergie ici, et ce n'était pas intentionnel. Alors, comment pouvons-nous arranger les choses ? Tout d'abord, nous pourrions simplement mettre une sorte de compresseur sur la partie basse Disons que j'utilise simplement le compresseur d' Ableton. Il y en a certains, comme le 11 76 et le LA two A, où ils sont en quelque sorte des compresseurs de prédilection pour les basses, les voix et ce genre de choses Nous utilisons simplement les plug-ins d' origine d'Ableton autant que possible. Alors écoutons-le. Nous examinons la ligne de basse. Nous allons lui donner une boucle. Mm. Vous pouvez donc voir si je baisse le seuil ici, cela va compresser les premières notes, et cela ne touchera pas le reste. Et c'est un point important à aborder dans la mesure où, bien souvent, la compression des céréales, ce pas le type de céréales que vous consommez, mais le SERIAL est très important. fait d'avoir un compresseur permet en quelque sorte d'apprivoiser certains des pics , puis d'utiliser un deuxième compresseur pour aplanir les choses. Donc, cela peut sembler, c'est que ces paramètres me semblent déjà intéressants, tout comme un réglage d'attaque assez rapide à une milliseconde avec lequel vous pouvez jouer Je vais juste le maintenir à 30, ce qui est relativement rapide. Et je préfère en quelque sorte ce point de vue ici. Nous allons donc simplement le retirer. Maman, hum. Et nous pouvons constater que la réduction du gain a effet bien plus important sur les premières notes. Maintenant, ce que je vais faire avec ce deuxième compresseur c'est créer une nouvelle piste audio. Je vais régler l' entrée sur le rééchantillonnage. Et ce que cela va permettre, c'est que si je joue cette partie de basse en solo et que j'arme cette partie de base ici, nous serons en mesure d' enregistrer sur un nouveau morceau et voir les différences compression avec lesquelles nous jouons. abord, si je devais régler ce deuxième compresseur sur une attaque et un relâchement automatique d'une dizaine de millisecondes, vous allez voir les choses se compliquer un peu Jetez-y un coup d'œil au fur et à mesure. Faisons un enregistrement de la baisse. Je veux dire, j'aimerais probablement l' enregistrer en Mono, mais le point est toujours d'actualité. Voyez-vous tous ces petits pics qui se produisent en comparaison Découvrons-le un peu. C'est notre temps d'attaque de dix millisecondes, ce qui nous donne un peu plus Mais regardez ensuite tous les contrôles. Par exemple, si vous regardez cette queue par rapport à cette queue, c'est peut-être 15 % différent. Regardez cette queue par rapport à cette queue. C'est comme si c'était 80 % différent. À partir de là, vous pouvez choisir d'arranger les choses. Si vous ne voulez pas que cela soit aussi percutant avec ces gros transitoires, vous pouvez réduire le temps d'attaque et voir comment cela le modifie H. Tout semble plutôt fluide. Passons à zéro attaque et zéro attaque et voyons ce que cela signifie. Donc, même dans ce cas, nous allons assister à une petite attaque contre ces notes. Nous voulons une attaque. Et je pense que cela est dû en partie au genou, au fait que le compresseur ajoute lentement cette réduction de gain au fil du temps. Je ne vais pas entrer dans les détails ce qu'est un genou et de tous les différents éléments d'un compresseur. Pour le moment, nous ne parlons que des bases, principalement du ratio, de l'attaque et du release. Remarquez comment le ratio a été fixé à quatre pour un. C'est très courant pour la basse et pour le chant. J'ai tendance à ne pas trop y toucher, mais vous pouvez parfois aller jusqu'à dix contre un si vous voulez avoir un peu plus de contrôle sur ces pics, comme je pense que le premier pourrait bien fonctionner avec un ratio de dix pour un. Mais pour la douceur du beurre que nous recherchons pour le deuxième compresseur, je me limiterais à quatre pour un Nous allons donc le maintenir à une milliseconde, puis celui-ci ici, nous allons le régler à régler à Nous y retournerons pour ce type de son plus percutant . Ça ressemble à ça. OK. Et maintenant, à partir de là, les choses sont faciles à contrôler parce que vous pouvez voir que si je me débarrassais de ces petits pics, vous verrez que tout semble vraiment lissé Vous pourriez même aller plus loin et vous pourriez apporter quelque chose comme une tondeuse Et dans ce cas, je vais utiliser, je ne sais pas, je veux probablement utiliser clip standard ou quelque chose d'un peu moins gourmand en processeur, et réduire notre clip, afin d'éliminer certains de ces petits pics. Vous pouvez voir que le rouge représente la réduction. Et nous ne les supprimons pas, la partie principale du son, juste l' attaque initiale Vous ne voulez pas découper les fréquences de base, mais lorsque ce sont ces petits transitoires qui se produisent, vous pouvez les découper et examiner le degré de contrôle que nous avons actuellement sur ce signal final Au revoir, Spikes. Nous avons juste un peu de transition supplémentaire dès le départ, ce qui est assez courant pour la base Si nous écoutons, ces notes aiguës ne sonnent vraiment pas aussi silencieusement par rapport aux premières notes basses qu'auparavant par rapport aux premières notes basses. Ce serait donc comme une compression en série. Apprivoisez des sommets sauvages. Ensuite, vous pouvez également choisir de créer le punch que vous souhaitez sur le second. Vous êtes en quelque sorte en train de façonner le ton. Et puis s'il y a trop de punch, mais que ça sonne bien, mais que la vague est trop pointue, il suffit d'en couper un peu et tout ira bien Maintenant, la façon dont je compresse habituellement basses est la compression parallèle. Et cela est différent de la compression parallèle sur des tambours. Avec la compression parallèle à la batterie, vous obtenez votre grosse forme de vague originale, puis vous l'écrasez sur une piste parallèle Vous le dupliquez donc ou vous l' envoyez dans un bus ou comme vous voulez travailler. Vous le dupliquez dans une certaine mesure, et vous écrasez vraiment tous les éléments transitoires. Ce n'est donc qu'un blob Ensuite, vous prenez ce blob et vous montez lentement le niveau Maintenant, ce qui se passe, c'est que vous avez la version pointue avec de nombreuses attaques, la version blob qui est super compressée, et vous trouvez une sorte de juste milieu entre les deux Il fait ressortir la queue, la longue partie allongée de cette caisse claire, par exemple Cela peut donner aux chapeaux hauts un son agréable et les compresser. Il colle simplement les tambours. Vous avez donc une version pointue, une version non pointue, mélangez les deux concerne la base, notre principale préoccupation est que ces basses fréquences déclenchent plus de compression que les hautes fréquences. La quantité de compression change donc vraiment en fonction de la plage de fréquences utilisée dans la base. Alors pourquoi ne pas isoler le plus de fréquences de base de la base pour ensuite affecter les fréquences les plus élevées séparément ? C'est ainsi que nous allons effectuer notre compression parallèle. Donc, en repartant à zéro, nous allons passer à nos effets audio. Nous allons installer un compresseur. Et je vais faire un Control G, qui créera un petit groupe pour ceux-ci. Je vais ouvrir cette liste, qui se trouve dans cette zone, qui se trouve dans cette zone, et qui me permet de cliquer avec le bouton droit de la souris et de créer une deuxième chaîne. Il s'agit donc de notre base compressée normale, puis ici, nous avons une autre version de notre base compressée normale. Maintenant, c'est ici que se produit la sauce secrète. Ce que nous allons faire, c'est obtenir un égaliseur, un égaliseur huit, dans ce cas, et nous allons nous hisser au sommet Disons une base basse, et appelons celle-ci. Base haute. Donc, pour ce qui est de la partie basse, avant même de passer au compresseur, je veux m'assurer que les seules choses compresser sont les basses fréquences. Je vais donc régler ce paramètre à, disons, environ 170. Vous pouvez aller jusqu'à environ 300 ou peut-être aussi bas que 100. 170 a tendance à être un bon point. Si je prends la base haute ici , que je la désactive puis que je laisse la base basse allumée, voici ce que nous entendons Et je vais désactiver la compression pour que vous n'entendiez que les basses fréquences, sans compression. Voici comment ça sonne. OK, donc c'est le signal que nous rencontrons dans le compresseur. Encore une fois, avec ces basses fréquences, vous devez avoir une attaque relativement rapide, et bien souvent, je mets en place un déclencheur automatique ou je vais simplement le sentir un peu et regarder comment ce seuil se rétablit. Ainsi, lorsque vous regardez ce genre de petits visuels, vous pouvez écouter, regarder et voir ce qui fonctionne pour vous Mais j'aime bien le régler sur automatique pour cette compression à basse fréquence, nous allons donc régler le déclenchement sur automatique. Il y a une attaque. Le ratio à quatre, encore une fois, fonctionne très bien. Ce n'est pas trop lourd, mais cela ne va pas à peine atténuer la compression Il va y avoir une compression notable. Encore une fois, je vais inverser les points de vue. C'est ce que je préfère ici. Donc, comme d'habitude, comme avant, nous assistons à une plus grande compression sur ces hauteurs basses, mais c'est en quelque sorte ce que nous voulons pour le moment cette version isolée afin que ces trois tonalités soient plus compressées. Ils sont un peu plus calmes. Ils ne sont même pas compressés du tout, puis une compression très légère sur les deux va déjà commencer à prendre la dynamique et à la rapprocher légèrement. Comme nous l'avons fait auparavant, nous pourrions simplement regarder, avec les basses fréquences, uniquement ce qui se passe dans les coulisses. Vous pouvez donc constater que nous avons encore un signal un peu plus faible sur ces notes de tête, mais nous n'en sommes encore qu' une partie du processus. Mais encore une fois, en regardant cela, par rapport à cela, nous sommes déjà beaucoup plus proches. Ce n'était pas non plus une très bonne prise de basse. Je ne suis pas un excellent bassiste. C'est pourquoi il est également important d'enregistrer un bon joueur. Mais, encore une fois, nous essayons en quelque sorte de sauvegarder le mix. Je pourrais automatiser ces informations bas de gamme pour qu' elles soient un peu plus fortes ou je pourrais même les compresser une deuxième fois Les différentes options disponibles dépendent vraiment de votre flux de travail. Mais vous pouvez voir que nous commençons à nous en rapprocher. Nous revenons donc à ce domaine où notre bas de gamme est compressé. Encore une fois, vous devriez peut-être installer un deuxième compresseur pour égaliser un peu plus les choses. Mais pour l'instant, je vais compresser les hautes fréquences séparément. Écoutons-les. Nous devons à nouveau introduire un égaliseur, et cette fois le régler de telle sorte que tout ce qui est supérieur à 170 soit ce que nous entendons Alors maintenant, écoutons simplement les informations haut de gamme. Mmm hm a du cran. Vous pouvez voir que la plupart des notes sont assez élevées à ce stade. Certaines notes sont un peu plus calmes. Abaissons notre seuil afin affecter certaines de ces notes les plus élevées. Je veux un peu plus de ce punch pour me faire passer. Vous pourriez avoir besoin d'environ cinq, dix, 15 millisecondes, voire plus de 20 ou 30, selon la quantité de bouchée que Je vais aller manger une petite bouchée. Nous allons passer à cinq millisecondes. Encore une fois, nous allons simplement régler la version sur Auto, mais vous pouvez faire quelques calculs pour déterminer votre heure de sortie. Vous pouvez faire quelques recherches pour déterminer l'heure de votre sortie. C'est finalement l'une des choses les plus difficiles à expliquer exactement Donc, si vous êtes bloqué, si vous êtes confus ou pour faciliter la lecture de cette vidéo, réglez-la simplement sur Auto. Donc, ça ressemble à ça. Je vais ramener le ratio à trois. Je ne veux pas trop insister sur cette compression, mais je vais abaisser un peu plus le seuil. Parlons un peu de cette attaque. Essayons 15. Mm. Ça a un peu plus de mordant. Ça sonne plutôt bien. Mais l'autre point, c' est que d'habitude, j'utilise la saturation en haut pour vraiment laisser chanter ces harmoniques supérieures Pensez à la saturation comme à la fusion de la distorsion et de la compression de la lumière. Dans ce cas, nous allons les saturer pour les gélifier légèrement , puis les faire passer dans notre compresseur Nous avons le réglage du ruban adhésif chaud, tirez-le un peu vers le haut. OK, nous avons donc un signal relativement équilibré si nous réintroduisons le bas de gamme. Le problème ici est donc que les notes basses, celles-ci ici, sonnent encore un peu trop basses. Ce que je ferais probablement pour y remédier, c' est que si j'étais vraiment bloqué, j' automatiserais simplement certains changements de volume ici, mais je préférerais ne pas le faire. Nous allons donc jouer avec un deuxième compresseur, peut-être sur ces deux parties basses et hautes, mais je vais commencer par les parties hautes, et voyons comment cela sonne. donc à la base haute, encore une fois, nous sélectionnons simplement le haut-parleur pour la base haute mais installons un autre compresseur. Pour l'instant, je vais simplement garder les mêmes paramètres, même si je pourrais réduire l'attaque à environ cinq, juste pour avoir un peu plus de contrôle. Et en fait, nous allons porter le ratio à quatre. Celui-ci doit être un peu plus contrôlé. Nous essayons de nous assurer que les objets se rapprochent de la même taille ou du même volume. Nous allons avoir un peu plus de ces pics transitoires. Maintenant, je veux juste ajouter un peu plus de détails. Encore une fois, écoutons-le. Notre seuil est assez bas. Nous récupérons un peu de tout ici, qui est une bonne chose. Le volume est resté calme. Promis, nous allons le récupérer. Et voyons à quoi ressemble notre nouveau signal. Il y a beaucoup de contrôle. Et sur cette note, j'ai en quelque sorte accroché un peu plus à la corde. Nous contrôlons donc une partie de la dynamique. Mais si vous regardez la fin de chacune de ces notes, elles sont maintenant très proches. À partir de là, vous pouvez ajouter un peu d' égalisation dynamique pour faciliter un peu les choses Mais vous pouvez voir que nous sommes dans une bien meilleure situation. Augmentez votre gain, de sorte que vous voyiez un signal agréable et sain. C'est ainsi que je recommanderais compresser la base si elle a besoin d'une compression. Beaucoup de bases échantillonnées, nombreuses bases de synthé n'ont pas besoin de compression car une compression est déjà appliquée Donc, si vous utilisez du sérum, par exemple, assurez-vous de consulter la section des effets. Si je passe à un préréglage aléatoire en ce moment, nous ouvrirons le sérum. Disons que je passe à l'avant. Je ne connais pas le son d'emblée. Si je passe aux effets, regardez-le. Il y a un compresseur. Si je passe au suivant, il n'y aura aucun effet. Intéressant Le suivant. Vous regardez, il y a un compresseur, non ? Vous pouvez donc voir qu'il y a déjà une compression sur bon nombre de ces préréglages Et ces bases échantillonnées, parfois, lorsque quelqu'un joue une basse en studio à sampler, passent par toute une série de pédales ou d' amplis de guitare ou quoi que ce soit d'autre qui applique déjà une compression Utilisez donc vos oreilles et assurez-vous de vous demander, subjectivement, si certaines notes sortent trop fort. Si tel est le cas, la compression est un excellent point de départ, mais équilibrez cela avec votre égaliseur L'autre chose que je voulais mentionner est qu' un égaliseur est censé faire exactement cela égaliser la balance tonale ou le Alors écoutez le morceau de base. S'il y a de la boue, si vous avez l'impression qu'il y a beaucoup de bruit dans le bas de gamme, ces petits problèmes avec l'égaliseur ou l'égaliseur dynamique avant de heurter votre la même manière, nous avons mis la saturation avant la compression pour lisser un peu plus les choses. Vous devez vous assurer que votre compresseur fonctionne avec un signal sain afin qu'il puisse fonctionner au mieux pour vous donner un signal encore plus sain de l'autre côté. Il existe donc de nombreux cas d'utilisation différents éclatante et une base entre une base éclatante et une base déformée en gros métal, mais je voulais vous montrer que la principale différence est que lorsque vous voulez compresser la base et garder le bas de gamme bien lisse et beurré et le haut avec un peu plus de contrôle tonal, essayez cette technique de compression parallèle, essayez cette technique de compression parallèle entre une base éclatante et une base déformée en gros métal, mais je voulais vous montrer que la principale différence est que lorsque vous voulez compresser la base et garder le bas de gamme bien lisse et beurré et le haut avec un peu plus de contrôle tonal, essayez cette technique de compression parallèle, en particulier sur une base déformée. Pense à ça. Lorsque vous commencez à déformer de plus en plus la base, vous perdez en fait un peu du contenu bas de gamme Beaucoup d' ingénieurs enregistreront donc la base de deux manières : directement dans une base lisse, propre et non affectée et une seconde avec l'ampli Ensuite, vous exécuteriez votre compression de manière relativement similaire. Supprimez le bas de la version déformée et éliminez haut de la version épurée Maintenant, vous avez presque cette onde sinusoïdale dont nous parlions tout à l'heure grâce à la synthèse, une belle tonalité douce et arrondie pour le bas de gamme, et vous pouvez déformer cette extrémité supérieure autant que vous souhaitez sans affecter le signal bas de gamme Donc, pour moi, environ 170, c'est le point de croisement idéal le bas de gamme fluide et haut de gamme isolé, que vous pouvez désormais équilibrer comme vous le souhaitez Si votre signal de base entrant est déjà relativement équilibré en termes d'égalisation, vous pouvez peut-être utiliser une base ou peut-être une compression série, un ou deux compresseurs dos à dos sur le signal global, mais je recommande vivement de travailler avec cette technique de compression parallèle car, pour moi, je l' utilise à chaque fois exemple, je n'ai aucune raison d'aller dans l'autre sens parce que j'ai plus de contrôle et je comprends comment utiliser ce contrôle grâce à cette technique. Voilà pour ce qui est de la compression de base. Dans le prochain cours, nous allons parler des bases if. Je t'y verrai. 12. Des riffs de basse: À Kentucky. Ensuite, parlons de bass if. Qu'est-ce qu'une basse si et comment créer de délicieux riffs de basse Parlons-en. Allons-y. Une basse est donc très similaire à un ostinato. Et le mot « if » est un peu vague. Mais si nous pensons au rock and roll et aux parties de guitare qui sont souvent créées, des exemples de « si ». Il peut y avoir une durée de quatre à 16 battements. Ils sont souvent répétés mot pour mot, il se peut donc qu'ils ne changent pas du tout ou qu'ils changent un peu, en particulier en ce qui concerne la première note ou la note la plus basse des riffs de basse Donc, par exemple, si j'ai une basse, je pourrais finir par faire quelque chose comme Juste de petites variations au fur et à mesure que je déplace les notes. Mais je n'en ai même pas besoin. En fait, même si les accords bougent, je n'ai pas nécessairement besoin de changer de base J'ai créé une petite partie du clavier qui ressemble à ceci. Et jouons une ligne de base qui ne change pas les accords. Sol mineur neuf, mi bémol majeur sept et do mineur sept. Ce sont les trois accords, mais je n'ai pas peur que le sol en ut bémol soit mes racines Je vais juste jouer une base si c'est tout le temps. Donc quelque chose comme ça. Un, deux, trois, quatre. C'est donc juste une partie très simple. Les cordons ne bougent pas, ce qui crée une sorte de base statique. Donc, que vous déplaciez ces notes inférieures ou non, vous avez cette option. Et une fois que vous avez un rif de base, par exemple, je sais que mes accords s'inspirent principalement de GE flat do Je pourrais donc prendre cette note inférieure de ma base si déplace vers un mi bémol, puis ici, si je la déplace vers un C. C'est légèrement différent, mais maintenant ça sonne en solo comme ça OK. Et vous voudrez peut-être même modifier légèrement la dernière note. Par exemple, tu as quelques options. Il n'est pas nécessaire que ce soit une répétition exacte. Jouez avec ce qui sonne bien. voici avec la dernière note changée en do, puisque mon dernier accord est un do mineur Avec le reste des instruments, ça ressemble à ça. C'est donc l'idée de base. Une base qui n'a pas besoin d'être complexe. Ils peuvent être relativement courts, environ quatre temps. Ils peuvent être plus longs à environ 16 battements. Mais je pense qu'il y a une gamme que vous voudrez utiliser et qui vous aidera vraiment à déterminer vos bases, et c'est la gamme de blues mineur ou la gamme pentatonique mineure Si nous prenons une gamme mineure, jetez un œil à mon petit mini-clavier juste en dessous, ABCDEF GA Il existe une gamme mineure de base pour nous. Si nous nous débarrassons de la deuxième note, A va passer directement à C. Nous allons passer à D, nous allons passer à E. Nous allons sauter la sixième note F, donc jusqu'à G, jusqu'à A. C'est une pentatonique mineure Cinq notes individuelles avant d'atteindre notre octave. Et si on place ce ré dièse entre la quatrième et la cinquième note, j'obtiens ma gamme de blues mineur. Mais pour des raisons de faille de basse, je dirais qu'il suffit de se concentrer sur la pentatonique mineure Cette nouvelle note que nous avons ajoutée à la gamme du blues a pour fonction spécifique d' attirer les notes voisines. Elle est utilisée, je dirais, plus souvent mélodiquement, mais n'hésitez pas à jouer avec Je vais vous recommander de jouer avec la pentatonique mineure Si vous ramenez l'une de ces deux notes éliminées, la deuxième et la sixième, je dirais qu'il faut apporter la seconde. Second or the 9th est un son vraiment amusant à utiliser. C'est un peu plus jazzy, un peu plus soul, un peu plus coloré, et c'est un excellent ajout à apporter une fois que vous serez vraiment à l' aise avec votre pentatonique mineure Donc, si je prends cette progression d' accords et que je l'augmente de deux notes, pour que ce soit en la mineur, nous allons créer une nouvelle basse en utilisant cette gamme pentatonique en la mineur Écoutons-le. Ça ressemble à ça. Un, deux, trois, quatre. Je n'utilisais que les notes de cette pentatonique mineure. Et vous remarquerez assez souvent que j'ai, comme un A qui monte à un A, et j'utilise assez souvent cette septième note, connue sous le nom de sept plats , pour atteindre cette note. Si vous venez de Tam et Paula, vous pourriez choisir la neuvième dont nous avons parlé Ce genre d'idée. Il n'est donc pas toujours nécessaire d' aller directement à cette racine lorsque vous montez l'octave Mais encore une fois, ce que nous avons maintenant, quantifions-le, ressemble à ceci Maman, hum. Enfin, pourquoi ne pas ajouter un peu de groove à la ligne de basse maintenant qu'elle a été quantifiée, ainsi qu'à cette partie de batterie Donc, si je devais passer au groove encore une fois, ajoutons un swing MPC pour passer à la huitième note Nous allons chercher un swing MPC huitième, qui est en hausse 64 fonctionne comme avant. Nous allons l'appliquer à cela. Nous pouvons l'appliquer aux touches. Il ne se passe vraiment pas grand-chose avec les touches, donc nous n'allons pas l' entendre, je ne pense pas, de toute façon. Et nous allons également nous en occuper. À faire, à faire, à faire, à faire, à faire, à papa. Mec D Je pense que ce chevauchement doit être consolidé. Maintenant, ça ressemble à ça. Cette note supplémentaire était donc un peu gênante, mais nous nous en sommes débarrassés et nous avons en gros une version dupliquée Encore une fois, on passe d'un sol à un mi bémol, donc maintenant c'est de A à F, en utilisant une image relative. Ensuite, il ne nous reste plus qu'à D pour ce troisième type d'accord. La dernière chose que je vais mentionner c'est que cette balançoire est trop forte. Nous voudrions probablement opter pour quelque chose de plus léger. Donc, ce que vous pouvez réellement faire, c'est prendre quelque chose comme 57. Tirez-le sur 64, et il remplacera n'importe lequel de ces 60 quatre par 57. Ainsi, vous n'avez pas à le faire sur chaque instrument. Il suffit de le replacer directement dans le pool de rainures superposant à cette partie en particulier Donc, si visuellement, vous ne voyez pas ce qui se passe, je parle de prendre l' un d'entre eux et de le faire glisser directement dans cette ancienne rainure pour le remplacer Maintenant, avec le nouveau groove, ça ressemble à ça. Très bien, que vous vouliez jouer le groove ou que vous vouliez le jouer droit et le garder droit ou que vous vouliez le jouer droit puis appliquer un groove, sont toutes des options très viables. Jouez donc avec cette gamme pentatonique mineure. N'hésitez pas à laisser le riff de base inchangé, même si les accords changent. Essayez-le, voyez s' il sonne bien. S'il faut le changer, n'est pas nécessaire de transposer l'ensemble de la base et de le jouer plus haut sur la basse ou sur les touches Vous pouvez simplement essayer de changer le type de notes basses. Un, deux, trois, quatre, un. Chaque fois que vous tapez un beat, n'hésitez pas à déplacer la première note C' est donc la racine de l'accord joué à ce moment-là C'est donc tout pour cette classe sur Base Rifs. fait, il s' agit d'explorer, expérimenter et de s' amuser Vous n'êtes pas obligé d'utiliser l' échelle que j'ai recommandée, mais je dirais qu'il faut essayer de commencer par elle. C'est une échelle assez indulgente, et c'est tout pour ce cours Ensuite, un concept plus simple. Nous allons parler des octaves disco sur la base. Je t'y verrai. 13. Octaves disco: Très bien, parlons des octaves disco à la basse Il s'agit d'un concept simple, d'une classe simple. Je vais vous donner un petit bonus supplémentaire pour créer des parties de basse géniales. Allons-y. Bien, nous allons donc reprendre là où nous nous sommes arrêtés avec ce battement de batterie et ces trois accords de clavier, et nous allons ajouter une petite partie de basse à octave disco Dans leur forme la plus simple, les octaves disco ne sont que des octaves qui se déplacent d'avant en arrière Cette sorte de G jusqu'à G, à G jusqu'à G. Mais si vous doublez chacun d'entre eux, cela sonne un peu plus disco wee. Jetez-y un coup d'œil. Ce n'est pas juste pour le disco. J'ai entendu le bassiste des RedHot Chili Peppers, Flea faire ce genre de ligne de basse dans leur funk rock Mais c'est vraiment un excellent point de départ. Si vous essayez d'opter pour quelque chose de disco ou d'influencé par le disco, jetons un coup d'œil à l'autre partie que nous avons lue tout à l'heure. Maintenant, je dois mentionner que je vais enlever le swing de la batterie, mais ça finit par sonner comme ça Vous pouvez donc voir que pendant que les accords bougeaient, je maintenais les mêmes octaves, mais je changeais les notes au fur et à mesure que les accords changeaient A F D. Vous pouvez quantifier cela. Vous pouvez appliquer le groove comme nous l'avons fait par le passé. Je pense que la quantification et le maintien du rythme fonctionnent très bien dans le disco Le disco n'est généralement pas un genre très branché, même s'il est très groovy Mais quantifié, cela ressemble à ceci. C'est ça. Ce sont tes octaves disco Mais le nombre de fois où cela vous permettra de vous sortir du pétrin si vous êtes coincé sur les lignes de basse, c'est une sorte de partie de basse vraiment universelle qui vous donnera toujours un peu de groove, un peu de mouvement. Il va définir l'harmonie, et c'est un plan de sauvegarde sûr et solide. Maintenant, j'ai dit que j'allais également donner un petit conseil sur la façon de créer des lignes de basse géniales, et cela a un rapport avec les octaves disco En particulier, ce premier petit dodo, les deux premières notes de la ligne, mais en laissant ensuite beaucoup d'espace Dans la musique funk, il existe une technique appelée Hock. Et ce qu'est un hockey, c'est que je joue quelques notes, puis le saxo joue quelques notes, puis la guitare joue quelques notes, et tout cela donne l'impression d'être une mélodie générale, et tout cela donne un ostinato, un riff, quel que soit le nom Un peu comme du dub step. Même idée. Woohoo D DJ Do l'a fait. Woo. Et puis ça se répète. Mais finalement, vous pouvez vous retrouver à dire : OK, c'est en fait assez accrocheur maintenant que je sais comment toutes les pièces s'assemblent Donc, en jouant quelques notes dès le départ, puis en laissant un peu d'espace et jouant, en particulier pentatonique mineure, vous finissez par obtenir quelque chose qui ressemble Mmm, hum. Donc, encore une fois, regardez combien d'espace il y a au départ. Je ne savais pas à quoi j' allais jouer. Ce n'est pas une ligne de basse parfaite, mais c'est vrai. Fais, fais-le. Fais, fais-le, fais-le. Mmm, hum. Donc, pour donner un exemple, vous laissez de la place à d'autres instruments. Disons que c'est quelque chose comme un, deux, trois, quatre. Mmm, hum. Comme vous pouvez le voir, j'ai cette petite partie du clavier. Ce sont peut-être des coups de klaxon ou quelque chose comme ça. Mais vous pouvez voir que cela commence à tout rassembler. Nous avons beaucoup d'espace avec ce Dodot. Ensuite, vous pouvez vous tenir à ces notes courtes si vous le souhaitez, mais en général, vous entendrez une partie de basse plus allongée, Dodoo Joli chien Dry D Dog. Mais peut-être quelques petits plans supplémentaires vers la fin. Voici une autre petite chose amusante que vous pouvez essayer dès la fin, ce sont ces petits doubles. Je vais juste reproduire ce que j'avais ici. Je crois qu'il serait là. Et ici, nous obtenons quelque chose comme. Mm. Maman, hum. Mais vous pouvez voir, c'est vraiment génial, et cela vient de ce genre de portion initiale de ces octaves disco avec beaucoup d'espace, incorporant un petit riff de basse ou des notes plus longues, puis un peu plus de ces petites notes du Donc, si vous êtes bassiste, assurez-vous de vous sentir vraiment à l'aise avec ces octaves disco, et vous pourrez également les intégrer à vos parties funky Sur les touches, quand je joue du sampled ou du synth face, je me dis littéralement « Do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do ». Il vous suffit donc de taper sur votre table. Habituez-vous à cette sensation et vous serez prêt à jouer des octaves disco Ils sont très simples, très indulgents. Voilà pour ce cours sur le disco Octaves on the base et une petite partie de basse très amusante que vous pouvez essayer En fin de compte, cette technique repose sur le principe « moins c'est plus ». Laisse de la place, mais inspirez-vous de quelques autres types de techniques de base. Voilà pour ce cours. Et le prochain, nous allons parler des accords slash. J'en ai parlé dans l'un des cours précédents, mais nous allons vous donner un peu plus de détails utilisation réelle de ces accords slash Parlons-en, et je te retrouverai au prochain cours. 14. Accords slash: Très bien, parlons des accords slash. Ce dont je parle, c'est que lorsque votre guitariste ou pianiste joue un accord, vous n'êtes pas toujours obligé de jouer la racine Donc, si votre guitariste joue en sol mineur, bien sûr, le sol est un jeu sûr, pas le choix Mais les notes d' un accord en sol mineur, sol, bémol et ré, le si bémol et le ré sont d'autres options solides, et je vous recommande de les essayer On les appelle accords slash parce qu'ils sont notés en sol mineur en si bémol ou en sol mineur bémol ou en sol mineur D. Quelle que soit la note que vous mettez dans cette partie de base, c'est celle qui vient après Donc, le sol mineur est votre accord, ré est la note de base fondamentale Cela supprime une partie de la stabilité mais ajoute un peu d'intrigue pour compenser. Commençons par en parler. Allons-y. Nous continuons donc avec la même partie de basse et les mêmes accords de clavier qu'avant Commençons par jouer les racines de chaque accord comme simple élément de base. Allons-y. Ça pourrait ressembler à ça dans trois ou quatre. Je lance un peu de ce genre de doubles à la fin de cette section influencée par le disco base. Sympa. Nous avons donc une partie de basse de base pour commencer ici. Je décrit assez bien les accords où il y a un A solide pour commencer, un F solide ici et quelques D Mais que se passerait-il si sur l'accord F, quelles sont les notes F, A et C, et si je jouais As ? Et si j'allais voir ce A ici, et ce A ici ? Maintenant, c'est comme si je jouais un A et que je maintenais juste ce A dans le deuxième accord Écoutons comment cela change l'ensemble. M en fait, l' accord en ré mineur a aussi un A. C'est donc l'occasion d'utiliser le drone A comme note principale pendant que les accords dansent. Voici les principaux types de notes soulignées étant des A. Allons y jeter un œil. Et cela fonctionne. On a l'impression qu'il y a suffisamment de tension pour que l'on veuille évoluer un peu plus tard, mais c'est un bon point de départ. fa majeur en tant qu'accord, il y a aussi des C, et ces C peuvent très bien fonctionner pour nous mener à ces D juste après. Je vais peut-être en parler. Vous pouvez donc voir que c'est également très fonctionnel. Il s'agirait donc de A mineur, F, C et D mineur, C parce que nous avons mis C dans la partie de base. Mais écoutez ce qui se passe si je ne commence pas par la racine pour le premier accord. Il est recommandé de le faire car cela donne une certaine stabilité à la ligne de base dans ce type de changement harmonique qui nuit un peu à la stabilité. En d'autres termes, la moitié arrière, les éléments que nous avons modifiés ici, nuisent un peu à la solidité ou à la stabilité de la ligne de base Faisons donc au moins en sorte que cette première partie soit ancrée. Un mineur a un C dedans. Mettons C dans la base. Ça n'a pas l'air génial. Peut-être que le E sonne un peu mieux, mais ça va quand même sembler assez troublé Jetez-y un coup d'œil. Donc, en général, vous devez vous assurer que vous avez cette racine juste sur ce battement, juste sur le premier temps, mais dans la dernière moitié des progressions, essayez d' explorer et d' expérimenter en jouant d'autres notes qui se trouvent dans l'accord et qui ne sont pas accord en do majeur est CE G, donc la plupart des bassistes jouent un do, mais s'ils veulent expérimenter, ils peuvent jouer le mi ou le G. Maintenant, pour info, vous n'êtes pas lié aux trois notes d'un accord ou, dans certains cas, aux quatre notes de l' Un bon exemple serait, par exemple, lorsque nous jouons un accord à quatre accords en do majeur Le quatrième accord en do majeur est donc en fa majeur. CDE F, on obtient un accord en fa majeur. Il est assez courant que la base joue un sol, et c'est ce qu'on appelle un accord Los Angeles Five Le sol joue donc sur cet accord en fa majeur. Vous pourriez même voir les choses dans l'autre sens , où le sol est la note principale et où l'harmonie devient un peu plus créative que le G. Mais quelle que soit la direction dans laquelle vous voulez l'inverser, l'essentiel est toujours d'actualité. Il n'y a pas du tout de sol en fa majeur, mais avec un sol en sol à la base et cet accord en fa majeur, tout peut bien sonner À titre d'exemple, j'ai recréé la partie Wurlitzer. Ne lis pas ça. C'est écrit Syth. C'est vraiment un clavier électrique. Même idée. Si on l'écoute, les accords sonnent comme ça. Nous dirions qu'il s'agit d' une progression d'un accord à 64, en commençant par C, qui est un, jusqu'à la mineur, qui est le six, jusqu'à F, qui est le quatre Mais sur les quatre, nous allons jouer G dans la base, c' est-à-dire les cinq. Allons y jeter un œil. Ça ressemble à ça. Mes notes principales sont CA, puis G au lieu de F, deux, trois, quatre. Il y a donc une certaine tension vers la fin. Mais ça sonne toujours bien. Nous sommes dans un moment de tension qui va revenir à la normale. Tant que vous prenez ces moments de tension et que vous vous rendez là où le public peut s'attendre à là où le public peut s'attendre un certain soulagement de cette tension, vous serez en mesure de vous en sortir avec pas mal de choses. Le but était donc de vous montrer que vous n'êtes pas obligé de jouer l'une des trois notes de votre accord La racine vous donnera de la stabilité. Le troisième définira la tonalité, fera sonner un peu plus majeur ou mineur On peut dire que les cinq vont flotter un peu plus, et vous pouvez jouer avec d'autres notes, mais je dirais simplement de jouer avec les notes provenant de la tonalité Si vous choisissez simplement des notes au hasard, vous obtiendrez des résultats vraiment aléatoires, mais vous pouvez jouer avec d'autres notes issues de cette touche ou de cette gamme, quel que soit le nom que vous voulez. Encore une fois, il s'agissait en quelque sorte d'un cours faisant suite à un concept dont nous avons parlé plus tôt dans le cours, mais je voulais vous donner quelques exemples de la façon dont ces notes sonnent lorsqu'elles sont placées avec des accords afin que vous puissiez vraiment voir comment fonctionnent ces accords slash Pour notre prochain cours, nous allons parler du tang-bending et du portamento, parfois appelé glide Je vous verrai donc dans le prochain cours 15. Les inclinaisons d'intensité, portamento, MPE: Très bien, voyons comment vous pouvez faire pencher la balance entre les notes de votre ligne de base Vous pouvez vous pencher sur des plages extrêmes ou garder les choses plus subtiles, et nous pouvons aborder cela de nombreuses manières différentes. Nous allons donc parler du pitch bending, portamento glide et du MPE. Allons-y. Je voulais donc d'abord parler de deux manières dont vous pouvez passer d'un terrain à l'autre dans le cadre de votre style de jeu sur les touches. Et cela reviendrait à utiliser la molette Pitch Bend sur le côté gauche de votre clavier ou à utiliser Portamento Slash Glide Commençons par la roue Pitch Bend. C'est généralement ce que la plupart des gens connaissent le mieux. Donc, la première chose que je tiens à mentionner c'est que la flexion de la hauteur sur une base samplée ne sonne pas aussi bien que la flexion sur un synthé s'explique en partie par le fait qu'avec les synthés, nous pouvons nous pencher lentement, nous pouvons nous pencher rapidement, nous pouvons avoir des virages grands ou petits, et tout cela correspond à ce que nous avons l'habitude d'entendre sur ce type de basse Mais sur une vraie guitare basse, une flexion de la corde se produit assez rapidement, et ce n'est pas une gamme très large. Il ne s'agit pas d'augmenter d'une octave, par exemple. Donc, si j'ai une ligne de basse et que je veux prendre une note comme A et la plier, si je vais vraiment lentement, je ne dis pas que les basses ne peuvent pas se plier lentement, mais elles ne se prêtent pas vraiment bien à la ligne de basse. Si je joue quelque chose comme lorsque je me penche légèrement et lentement, cela ne sonne pas très bien, mais si je fais ça , monter et descendre aussi vite peut sonner très bien. Maintenant, je sais aussi que je courbe deux demi-tons, ce qui est le cas par défaut pour de nombreux synthés et samplers en ce qui concerne la gamme de molettes Pitch Bend ce qui est le cas par défaut pour de nombreux synthés et samplers en ce qui concerne la gamme de samplers en ce qui concerne Je me demande donc quelle note de ma gamme comporte une note, un ton au-dessus ou un ton en dessous ? Et ce seront les notes que je prononcerai vers le haut ou vers le bas. Vous pouvez également étendre cette gamme. La plupart des échantillonneurs sont un peu plus difficiles à trouver, mais sur un produit comme le sérum, vous pourrez voir dans le coin inférieur gauche qu' il existe une plage ascendante et une plage descendante pour cette molette de tangage. Si j'en parle, disons, de sept demi-tons, soit un cinquième , ou de cinq demi-tons en moins, soit un quatrième, j'aurais maintenant quelque chose qui j'aurais maintenant quelque chose qui D en hausse d'un cinquième. Quatre de moins. D'accord, donc je ne dis pas que ce ne sont pas nécessairement les intervalles que vous souhaiteriez lorsque vous effectuez ces virages, mais vous avez beaucoup de contrôle Et ce qui est vraiment cool, c'est que tu n'étais pas capable de faire ça avant. Donc, si je veux, à un moment donné d'une ligne de base, modifier un ton, puis en augmenter un quatrième , je peux changer cela grâce à l'automatisation. quoi cela pourrait ressembler en tant qu' exemple très basique est quelque chose comme ceci. Et je vais suivre notre voie en solo ici. Disons que c'est un, deux, trois, quatre. OK, donc il se plie deux fois, et c'est la même quantité les deux fois. Mais je pourrais prendre les paramètres de flexion et faire en sorte qu'il soit augmenté, par exemple, d'une octave pour la deuxième fois, 12 demi-notes Vous pouvez donc tout changer. Et c'est excellent si vous essayez de relier les notes unes aux autres ou si vous vous assurez vraiment de déformer les montants exacts, tout en modifiant le montant exact. Je pense que le MPE le fait mieux, mais nous n'en sommes pas encore là. Vous pouvez donc voir que vous pouvez automatiser la plage de réglage du tangage. De plus, si vous double-cliquez sur les informations MIDI et que vous allez dans l'enveloppe, coin inférieur gauche, vous allez accéder au contrôle MIDI. Et puis si le pitch bend n'est pas déjà sélectionné, vous monterez. C'est tout en haut. Vous pouvez également saisir les informations relatives à votre pitch bend. Je pourrais donc avoir quelque chose comme cette note dès le départ, courbée jusqu' au sommet de cette fourchette La deuxième fois, il se plie complètement vers le bas. Maintenant, nous avons So, ce pas idéal pour les lignes de base en particulier, mais si vous voulez écrire des choses au crayon et que vous n'êtes pas à l' aise avec les touches, vous pouvez évidemment prendre quelques notes dans cette vue ici, puis vous pouvez passer d'une vous pouvez évidemment prendre quelques notes dans cette vue ici, puis vous pouvez passer d'une note à l'autre comme bon vous semble Maintenant, pour ce qui est des virages, ce que vous pouvez faire avec le sérum Et j'aime aussi le silence. Je l'aime encore plus, mais nous en reparlerons dans un instant. Dans le sérum, il y a cette section en bas à droite, et il y a Porta qui est portamento Et il y a différentes choses auxquelles vous pouvez jouer pour le moment Je dirais que les plus importantes sont le mono, le legato, le Always et le portamento Vous vous assurez toujours de toujours passer d'une note à l'autre Vous pouvez voir combien de millisecondes il faut pour glisser, disons environ 100 millisecondes Mono, c'est que vous ne pouvez jouer qu'une seule note à la fois. Donc, si je ne l'ai pas activé, je peux jouer jusqu'à Poly Eight. Donc polyphonique jusqu'à huit notes à la fois. Ce genre de son, vous pouvez entendre le glissement si je vais beaucoup plus loin. Il peut y avoir des sons plutôt sympas dans les applications, mais dans la plupart des cas, pour les lignes de base, vous devez être monophonique Vous ne voulez pas que ces notes se chevauchent et créent des accords Cela semble être un gâchis en ce moment parce que ce temps de portamento est si long Mais si je le réduis un peu. Mmm. Donc ce bouton toujours, si je l'ai activé, lorsque je touche une note, il se plie toujours entre les différentes notes. Si je ne l'ai pas activé, si je sépare les notes, je peux jouer la note distincte sans flexion. C'était donc boop boop, pop, pop pop pop p. Et je le tiens enfoncé pendant que je joue la note suivante Donc, pour les styles de jeu, pour les performances en direct, c'est génial. Et j'adore le portamento. C'est vraiment amusant de jouer. vrai, vous pouvez donc obtenir des notes courbées et d'autres dont la tonalité est plus claire et plus définie. Bien que ce soient les principaux paramètres avec lesquels vous aurez envie de jouer, nous pourrions également apporter quelque chose comme sinth, nous pourrions également apporter quelque chose comme sinth, un autre synthé que j'aime beaucoup C'est un peu plus compliqué, je pense, en termes de programmation de patchs, mais le son analogique est vraiment amusant. Maintenant, dans ce même coin inférieur droit, nous avons affaire à quelque chose de très similaire. Portamento, combien de temps le portamento veut-il durer entre les notes ? Est-ce que ça va être court ? Est-ce que ça va être le cas, vous ne pouvez presque même pas le remarquer quand c'est vraiment court. Mais quand c'est un peu plus long, c'est assez substantiel. Donc, quelque part au milieu, dix, c'est amusant. Mono legato est plutôt amusant. Si vous avez un portanto très court ou même un no portamento, cela vous permet de jouer une note Et puis quand je touche une autre note, elle passe à cette note, comme en mono. Et puis quand je lâcherai prise, tant que je maintiens la première note, la première note se déclenchera à nouveau. Disons que je joue en C, puis j'ajoute un G. Quand je lâche le G, le C joue parce que je le tiens toujours Vous pouvez vous faire des émulations de tapes de guitare vraiment amusantes , ce genre d'idée Mono Legato peut donc être très amusant. À l'heure actuelle, dans les deux modes, N vous permettra de séparer les niches. Et jouez-les exactement, comme sur du sérum si je superpose les allumettes. Nous avons maintenant cette diapositive. Pour exagérer un peu plus, voici ce qui est séparé Mm. Voilà, c'est terminé. Si je le mets sur S, il y aura toujours une bonne déchirure même si je sépare ces notes Nous avons donc la possibilité de jouer des lancers individuels, CGA ou de passer en fonction du style de jeu que nous choisissons sur les touches Enfin, je dois dire qu'à partir d'Ableton 11, ce que l'on appelle le MPE est devenu compatible agit d'une nouvelle version du MIDI qui nous permet de faire des choses comme appuyer sur une touche pour activer le vibrato, tirer un doigt vers le haut sur une note déterminer le volume peu comme le clavier Roly me vient à l' esprit, qui ressemble à un clavier en mousse doté de toutes ces nouvelles fonctionnalités MIDI Dans Ableton, le synthétiseur Wave Table possède une capacité MPE va de même pour le sérum et d'autres synthés VST, mais je voulais vous montrer quelque chose qui est originaire J'ai donc un son ici, qui ressemble à ceci. Je l'ai créé. C'est super simple. Le sous-marin est allumé. Je l'ai réglé sur une onde PW pulsée. J'ai légèrement abaissé le filtre et j'ai légèrement modifié les paramètres de l' ADSR, mais c'est une partie de base très simple Maintenant, si je passe à ces informations MIDI pour cette simple partie de basse que j'ai enregistrée, vous verrez que nous n'avons que trois hauteurs maintenues. Voilà notre partie de basse très simple. En haut, nous avons des notes, des enveloppes et du MPE. Quand je l'ai réglé sur PE, maintenant, lorsque je clique sur une note, vous remarquerez qu'il y a cette petite ligne qui indique zéro demi-ton. Disons qu'à peu près à mi-chemin de cette note, je crée un nœud, et à la fin de cette note, je veux que cela corresponde à ce C ici. Maintenir la touche Alt me permet de passer d'un lancer à un autre. C'est donc une augmentation d'une octave. Pour ce qui est de la deuxième note, je voudrais peut-être passer à la troisième note, F. Ainsi, au fil du temps, nous pouvons voir exactement jusqu'où elle glisse vers le bas. Vous pouvez également maintenir la touche Alt enfoncée pour infléchir les tonalités différemment. Cela ne ressemble pas à un angle de 45 degrés, ce qui vous permet de terminer et de recommencer une partie du tangage dès le départ , puis de le rendre plus progressif ou commencer plus progressivement, puis accélérer ce virage vers la fin. Cette pièce de base devrait maintenant ressembler à ceci. Ce n'est pas une partie de basse que j'utiliserais dans une chanson, mais en fin de compte, c'est à vous faire preuve de créativité avec ces informations. Donc, que vous vouliez vous pencher vers le haut ou vers le bas, que ce soit progressivement ou tout à coup, vous remarquerez également que lorsque je passe le curseur juste au bon endroit, devient bleu aqua Maintenant, quand je retirerai cette note, je peux dire que je veux que vous partiez d'une tonalité inférieure de 12 demi-tons et que vous vous retrouviez dans cette note Il existe donc de nombreuses possibilités en termes de tangage entre les notes, mais il est important de noter que tout cela est très personnalisable, et vous pouvez utiliser le clavier Mi où vous vous penchez pour, plutôt que sur la molette de tangage, plutôt que sur la molette de tangage en comprenant : OK, je suis en hausse de trois demi-tons ou de sept demi-tons ou quoi que ce soit d'autre. Donc, si vous souhaitez adapter le pitch à votre style de jeu, je vous recommande la molette Pitch Bend et j'envisage de l'automatiser si, au fil du temps, vous devez effectuer différents réglages de tangage ou mon portamento ou glisse préféré Cela vous permettra de jouer votre rôle comme d'habitude, mais de simplement superposer certaines notes lorsque vous souhaitez effectuer jouer votre rôle comme d'habitude, mais de simplement superposer certaines notes des virages de hauteur Maintenant, si vous êtes un producteur qui aime écrire un peu plus de choses au crayon, MPE sera votre meilleur ami car vous pourrez voir par où vous commencez vos virages, où ils vont et comment ils évoluent au fil Ce qui est cool aussi, c'est que vous pouvez prendre un accord et plier les trois notes en trois autres notes pour former un accord différent. Un peu comme le thème de THX, mais il part d'une seule tonalité et se transforme en un accord complet C'est donc, bien sûr, une question de base, mais vous pouvez aussi le faire avec harmonie. Maintenant, je dois aussi mentionner brièvement si vous aimez écrire des objets au crayon, si vous entrez dans des enveloppes puis, dans le coin inférieur gauche, assurez-vous que vous êtes configuré avec contrôle MIDI et le pitch bend Le contrôle MIDI est facile à trouver. Pitch Bend est facile à trouver. liste est longue, mais Pitch Bend se trouve juste en haut, vous devez donc la sélectionner. Vous pouvez ensuite automatiser les informations relatives au tangage comme bon vous semble. Il ne s'agit plus des informations MPE. Vous pouvez voir que tout est réinitialisé. Revenons donc aux enveloppes. Donc, si vous aimez écrire des objets au crayon, le faire avec la molette automatique Pitch Bend vous pouvez le faire avec la molette automatique Pitch Bend intégrée aux enveloppes Mais encore une fois, je vous recommande d'explorer le MPE. Voilà pour ce cours sur façon de plier en tangage vos pièces de base. Il existe de nombreuses façons de procéder. Que vous souhaitiez vous faire opérer, vous pouvez faire les choses de cette façon. Que vous souhaitiez vraiment vous plonger dans les détails avec votre souris et vous assurer que tout est exact en termes de timing et de fonctionnement du pitch bend. Mais si vous voulez simplement pouvoir jouer manière expressive et modifier certaines notes au fur et à mesure, c'est également disponible. Voilà pour ce cours. Nous sommes sur le point de conclure, mais je voulais juste vous remercier. J'espère que vous avez passé un bon moment dans ce cours. Je vous retrouverai dans la vidéo de synthèse. Je t'y verrai. 16. Outro: Merci d'avoir suivi ce cours de production musicale sur base de samplés et de synthés J'espère que, que vous soyez un producteur débutant ou un producteur de niveau intermédiaire, j'ai pu partager avec vous certaines techniques que vous ne connaissiez peut-être pas encore, ou peut-être que je vous ai aidé à les voir sous ou peut-être que je vous ai aidé à les voir un nouvel angle pour vous aider à améliorer votre compréhension. Maintenant, que vous souhaitiez appliquer une base de synthé, base d' échantillons ou un hybride des deux, je pense que c'est un point de départ vraiment solide, vous pouvez avoir une base de synthé plus numérique à votre disposition, mais aussi comprendre comment travailler avec une base échantillonnée pour éventuellement enregistrer sur votre propre base La plupart des techniques basées sur des échantillons s' appliqueront directement à l'enregistrement dans votre propre base. Encore une fois, la plupart de ces techniques sont censées être assez répandues et universelles, et j'espère que vous pourrez les utiliser et les appliquer au style ou au genre que vous souhaitez produire. s'agisse de jouer le bon rôle , de trouver le bon rythme, compresser correctement des éléments ou synthétiser le son de base que vous entendez dans votre tête, il s'agisse de jouer le bon rôle , de trouver le bon rythme, de compresser correctement des éléments ou de synthétiser le son de base que vous entendez dans votre tête, je vous ai donné une grande variété de techniques, et j'espère vraiment que vous serez capable de les et de les fusionner pour créer votre propre style Je pense qu'en fin de compte, c'est là que nous avons l'avantage sur quelque chose comme l'IA. Explore de nouvelles façons de produire de la musique qui n'ont jamais été faites auparavant. Et comment y parvenir ? Nous commençons par les fondamentaux, nous les augmentons, les permutons et faisons preuve de créativité pour nous les approprier et faisons preuve de créativité pour nous les approprier Maintenant, n'oubliez pas d'appliquer souvent ces techniques dans le cadre de vos propres productions, car le fait de les répéter encore et encore vous aidera à créer de la mémoire musculaire. Cela vous aidera à améliorer votre flux de travail et, en fin de compte, vous n'aurez pas à réfléchir à deux fois à la façon dont vous allez travailler avec ces parties de basse. Si vous suivez des cours particuliers de production musicale, je vous recommande vivement d'intégrer le contenu ce cours à vos leçons afin que votre professeur puisse soit vous aider à améliorer le matériel que j'ai fourni en fonction votre style d'apprentissage, soit peut-être comprendre le matériel un nouvel angle en fonction de ce dans quoi votre professeur est spécialisé. Encore une fois, merci d'avoir ce cours, et si vous l'avez apprécié, n' hésitez pas à explorer certains des autres cours que j'ai proposés sur la production musicale, car ils sont vraiment conçus pour combinés afin que vous puissiez aborder des domaines d'intérêt spécifiques, les fusionner, afin de mieux faire la lumière sur ces domaines et de mieux comprendre ces techniques. N'hésitez pas à nous contacter si vous avez des questions ou des suggestions pour les prochains cours. Et, bien entendu, toute bonne note attribuée à mes cours m'aide vraiment à étendre la portée de mon matériel afin de toucher de mon matériel afin nouveaux étudiants et, espérons-le leur apporter des avantages afin qu'ils puissent devenir de meilleurs musiciens et producteurs. N'hésitez donc pas à parcourir les cours que j'ai créés, voir si d'autres vous intéressent, puis à améliorer progressivement éléments de base qui vous aideront à vous démarquer en tant que musicien Alors, une dernière fois, félicitations pour avoir suivi ce cours. Merci encore de l'avoir prise. J'ai hâte de vous voir au prochain cours, et je vous y verrai.