Production, mixage et mastering ultimes de musique électronique dans FL Studio

1. Bande-annonce et aperçu: Vous avez donc le désir de produire des pistes d'EDM à sonorité professionnelle. Peut-être que vous êtes aux prises avec un problème particulier qui ne cesse de se produire. Peut-être que vous avez l'impression que votre piste manque quelque chose, mais vous ne pouvez pas tout à fait mettre votre doigt dessus. Ou peut-être que vous êtes déjà un expert qui cherche juste à apprendre de nouveaux conseils et techniques. Que vous soyez un producteur débutant, intermédiaire ou expert. Ce cours vous fournira des techniques de production et des secrets inestimables pour faire passer vos pistes EDM au niveau supérieur. Bonjour, je m'appelle Ben et je produis de la musique depuis plus de dix ans. Pendant ce temps, j'ai pu sortir d'innombrables titres avec des labels de disques, musique composée pour les jeux et la télévision, même du design et du son mixte pour le cinéma. Qu' est-ce qui fait de moi le meilleur instructeur pour toi ? Eh bien, dans ce cours, nous apprendrons la production musicale d'un vrai producteur de musique. Vous voyez, je comprends les luttes typiques qui peuvent empêcher les producteurs d'atteindre leur plein potentiel. Et je veux rectifier cela en enseignant tout ce que j'ai appris au fil des ans en tant que producteur de musique. Si vous terminez ce cours, vous serez en mesure de structurer votre piste efficacement, construit des modèles de tambour de couche qui ont trouvé fast-food. Vous saurez tous les deux comment modifier les synthétiseurs pour les faire sonner comme vous l'avez aimé ou même créer vos propres sons à partir de zéro. Vous comprendrez comment fonctionne un vocodeur, comment utiliser la saturation de compression de l'égaliseur, et même trouver et corriger les problèmes de phase dans votre piste. Je vais vous guider tout au long du processus de proposer chaque élément individuel, conseils pour l'agencement et la structure de piste, le mixage et le mastering. Il y a aussi quelques projets en cours de route. Donc, je peux bien, vous comprenez les concepts et il y a même une occasion d'interagir avec et de recevoir des commentaires de collègues qui ont également suivi des cours. Mao pour les formalités. L' étudiant idéal pour ce cours disposera d'un poste de travail audio numérique. Donc FL Studio, Ableton Logic, ou tout autre logiciel que vous pouvez utiliser pour créer de la musique. Vous devrez savoir comment utiliser le logiciel afin que vous puissiez répliquer les conseils et les techniques que j'ai discuté un démontre. Vous devez aussi avoir une compréhension très fondamentale de la théorie de la musique. Et quand je dis basique, je veux dire comprendre la différence entre mineur et majeur, et savoir quelle est la cinquième note de l'échelle. Si vous pensez que vous avez ces exigences sous votre ceinture, alors ce cours est certainement pour vous. Quoi qu'il en soit, je ne veux pas perdre ton temps avec des légumes fantaisistes, ce sont les deux mots. Je veux que vous appreniez et développiez vos compétences de producteurs au niveau le plus élevé possible. Alors, qu'est-ce que tu attends ? Ajoutez ce cours à la caisse de vos paires et obtenez votre main sur cette théorie de la musique électronique complète et complète et les coûts de production. Salut et bienvenue à ce cours de théorie de la musique électronique et de production. Mon nom est Ben, et mon but est de vous apprendre tout ce que je sais et tout ce que vous devez savoir sur la création d'une piste EDM professionnelle. J' ai fait de mon mieux pour essayer de structurer ce cours et un format logique et facile à suivre. Mais si cela commence à devenir déroutant, s'il vous plaît laissez-moi savoir et je ferai quelques mises à jour dès que possible. Je vous conseille d'obtenir des écouteurs ou des haut-parleurs pour la durée de ce cours, il y a des exemples et des démonstrations tout au long que vous devez pouvoir entendre. Un haut-parleur de téléphone ou d'ordinateur portable ne sera pas aussi précis qu' une paire d'écouteurs et vous risquez de manquer quelque chose d'important. Alors assurez-vous de vous procurer quelques bons écouteurs et de les brancher au fur et à mesure que vous progressez dans le cours, assurez-vous de rejoindre le groupe B sur la musique et le son Facebook. C' est juste une petite communauté où nous pouvons tous nous réunir, discuter, partager des idées et des projets, et se poser des questions. Je publierai également des mises à jour pour les futurs cours dans ce groupe. Donc, si vous avez apprécié ce cours, assurez-vous de rejoindre ce groupe Facebook à, pour recevoir des mises à jour sur mes futurs cours. Et enfin, n'oubliez pas d'évaluer le cours et de laisser un avis. J' aimerais entendre parler de votre expérience et vos commentaires sont importants pour que je puisse améliorer ce cours et d'autres cours. Il aide également d'autres étudiants à la recherche de cours. Donc, si vous pensez qu'un certain cours est bénéfique, votre avis peut en fait aider un autre étudiant à choisir le cours qui lui convient. Jetons maintenant un coup d'œil à la vue d'ensemble du cours et à ce que vous pouvez vous attendre à trouver au fur et à mesure que vous progressez dans le cours. Donc, à la fin du cours, vous saurez exactement comment composer la structure et produire une piste EDM complète. Vous connaîtrez également la théorie qui sous-tend le fonctionnement de ces pistes et exactement comment construire chaque élément de votre piste. En fait, je vous donne d'abord les éléments individuels de votre piste. Donc c'est juste tout ce que vous devez savoir avant de commencer à organiser une piste complète. Des choses comme comment automatiser, comment construire de la batterie et comment couper le chant seront abordées avant que nous commencions réellement à arranger quoi que ce soit. Essentiellement, au fur et à mesure que vous progressez dans le cours, vous pratiquerez diverses techniques de composition de musique électronique. Et puis, lorsque vous arriverez à l'étape de l'arrangement, vous utiliserez ces techniques et méthodes que vous avez appris pour créer une piste complète à partir de zéro. Après cela, nous allons jeter un coup d'œil aux techniques de mixage essentielles et comment vous pouvez utiliser différents plugins pour vraiment façonner et mélanger votre piste ensemble. Nous allons également regarder un peu de mastering pour que votre piste puisse être bruyante et résister à d'autres pistes que vous comparez. Il y a aussi quelques projets en cours de route pour que je puisse voir quel point votre compréhension du matériel et aussi pour vous de pratiquer vos nouvelles compétences. Ou vous pouvez simplement montrer votre talent à moi et à d'autres étudiants en publiant ces projets dans le groupe Facebook. Nous allons donc entrer dans le cours dès maintenant et commencer à apprendre à créer une piste EDM professionnelle. J' ai hâte de voir ce que tu trouves. 2. Caractéristiques de l'EDM: Examinons quelques-unes des caractéristiques de l'EDM. Il est important d'être conscient de la façon dont un genre particulier de musique est reconnu afin que vous puissiez être sûr que vos fichiers de piste sont sous le bon titre. La première caractéristique de l'EDM est qu'il a un tempo élevé et stable. Tempo est juste un mot de fantaisie pour la rapidité d'un morceau de musique. Donc, si nous regardons notre tempo mètre ici, nous pouvons voir qu'il est réglé à 126 battements par minute. Battements par minute, ou BPM, est juste un autre mot pour tempo, mais c'est une lecture plus scientifique. 126 bpm signifie qu'il y a 126 battements musicaux par minute de musique. Tout ce qui est au-dessus d'environ 115 BPM peut être considéré comme élevé. Plus le BPM est élevé, plus votre piste sonnera frénétique et énergique. Alors gardez cela à l'esprit lorsque vous choisissez le BPM pour votre piste. Parce que l'EDM a un tempo stable, nous faisons ce qu'on appelle un set et oublions avec le compteur BPM. que l'EDM progresse, le tempo doit rester le même. D' autres genres comme le classique changeront le tempo tout au long de la pièce. Mais dans EDM, nous ne faisons généralement pas cela sauf si c'est pour un but très, très spécifique. Alors réglez votre tempo et oubliez-le pour le reste de votre piste. Une autre caractéristique à prendre en compte est qu'il existe deux subdivisions distinctes de l'EDM. Il y en a quatre sur le sol et il y a un break beat. Cela fait simplement référence au style de motif de tambour que chacune de ces subdivisions contient. À l'étranger le plancher, le tambour de kick est stable et uniforme tout au long et il tombe sur les quatre battements de la barre. C' est le modèle de batterie le plus courant utilisé dans la musique électronique. Et c'est idéal pour les boîtes de nuit car il permet au public de sauter de haut en bas jusqu'au rythme. Écoutons un étranger, le modèle de sol. L' autre subdivision est alors connue sous le nom de break beat. Dans cette subdivision, le tambour n'est pas stable et uniforme et peut tomber avant ou après les quatre battements d'une barre. Dans cet exemple, certains échantillons de coups de pied tombent avant le rythme de la barre. Et cela donne au rythme un champ légèrement plus funkable. Écoutons maintenant l'exemple de break beat. C' est vraiment à vous de décider quelle subdivision vous voulez créer. Certaines pistes, même combiner les deux ensemble. Mais il est important de savoir qu'ils existent avant de commencer à organiser votre piste. Edm est toujours réglé dans 44 temps. À l'extérieur, nous utiliserons le paramètre par défaut, mais il est important de ne pas le changer à quelque chose comme 34 fois. Si vous faites l'EDM, 44 temps signifie simplement que vous pouvez compter quatre battements distincts dans chaque acheteur. La raison pour laquelle nous gardons l'EDM en 44 temps est parce qu'il est conçu pour que les auditeurs puissent facilement danser sur la musique. 44 temps a le moins complexe de rythmes de toutes les autres signatures temporelles, ce qui signifie que moins de concentration est nécessaire pour danser au rythme. Cela signifie également que les DJ peuvent facilement jouer ou suivre leurs sets. Comme 44 temps est facile à mélanger dans d'autres pistes de temps 44. Edm est de nature très répétitive et vous constaterez que vous répétez souvent les choses. Il y a quelques conseils que je vais vous donner plus tard dans le cours qui vous aideront à attirer à son moins répétitif et à couler beaucoup mieux. Mais pour l'instant, tu n'as pas besoin de t'en soucier. Dans la prochaine conférence, nous examinerons comment l'EDM est structuré afin que vous puissiez construire votre piste sur une base solide. 3. Définition de la structure EDM (partie 1): Dans cette conférence, nous allons décomposer la structure de l' EDM afin que nous puissions construire notre piste avec une base solide. structure des pores est l'un des signes les plus évidents qui attirent a été mal produit et ce n'est pas tout ce que difficile à comprendre. Donc, nous allons rester coincés dans le contenu et structure attire correctement dès le début. La première section d'une piste EDM s'appelle l'introduction ou l'introduction. Maintenant, l'intro ne sert à rien d'autre que d'être important pour les DJ de pouvoir mélanger votre morceau dans d'autres pistes. Cependant, étant donné que l'EDM est conçu avec son but à l'esprit, nous devons inclure une introduction et nos pistes. Une introduction dure généralement de huit à 24 bars, mais elle peut être plus longue si vous souhaitez attirer l'attention sur votre piste plus lentement. L' introduction devrait également faire allusion à certains éléments principaux de votre piste. Donc, par exemple, si vous êtes une panne a un motif d'accord de piano cool, alors vous devriez probablement faire allusion à ce modèle de piano dans votre introduction. Peut-être en l'estompant lentement au fur et à mesure que l'introduction progresse. En fait, il est très important d'inclure ces conseils dans votre introduction car cela permet au public de reconnaître immédiatement votre piste dès qu'un DJ place. L' introduction devrait également s'intégrer légèrement dans la ventilation. Ce que cela signifie, c'est qu'au fur et à mesure que votre intro joue, il devrait y avoir de plus en plus d'éléments en cours d'introduction. Une introduction commence généralement assez vide et se termine par un soupçon complet de ce qui va se passer lors de la panne ou de la chute de votre piste. Alors écoutons cet exemple d'intro. Écoutez comment le modèle de la cour devient beaucoup plus fort dans la seconde moitié de l'introduction et comment le producteur apporte de nouveaux tambours au fur et à mesure que l'introduction progresse. Dans cet exemple d'introduction, vous pouvez également entendre comment il y avait des cours d'eau et des risers vers la fin que nous construisons des tensions à mesure que la panne approche. Ensuite, nous allons jeter un oeil à la section de répartition. C' est là que la tension de l'intro est soulagée et l'énergie est à son plus bas. Nous sommes littéralement en train de décomposer la piste en ses plus petits éléments avant de la reconstruire. La panne est également l'endroit où vous pouvez trouver la hulk principale d'une piste. Et il a souvent très peu ou pas de tambours. C' est de sorte qu'il sonne beaucoup plus lisse et libre que les autres sections de la piste. Une panne peut être de huit à 32 bars de long. Écoutons la ventilation de notre exemple de piste. Remarquez comment il introduit le motif d'accord principal qui a été évoqué dans l'introduction. Et aussi comment il est très vide avec un rythme lisse et libre. Jetons un coup d'oeil maintenant à la section de construction dans EDM et comment elle est utilisée en termes d'arrangement. L' accumulation est donc l'une des sections les plus importantes d'une piste EDM. Faites trop et vous pouvez tuer la goutte. Mais sous les faiseurs et la goutte peut sembler hors de propos. Je parlerai de quelque chose qu'on appelle le graphique d'intensité dans la section de l'arrangement. Et nous pouvons l'utiliser pour nous assurer que nous n'exagérons pas ou n'annulons pas l'accumulation. Mais pour l'instant, prenez simplement note de ce que l'accumulation devrait faire. Construire est conçu pour dire à l'auditeur que quelque chose de grand arrive, qui est la goutte. Il est utilisé pour construire la tension de sorte que lorsque la libération de la goutte arrive enfin, il se sent beaucoup plus intense. Une accumulation typique est de huit à 16 bars de long, avec 16 barres étant assez longues pour une accumulation. Voyons ce que notre exemple a suivi ceux pour l'accumulation. Donc, lors de cette accumulation, certains tambours ont été réintroduits et le motif d'accord était en fait à moitié plusieurs reprises au fur et à mesure que l'accumulation s'est déroulée. Cette technique est très courante et crée plus de suspense pour l'auditeur. Ils s'attendent à entendre le schéma complet. Mais au lieu de cela, en raccourcissant est encore et encore, vous taquiner efficacement l'auditeur. Donc, quand vous leur donnez enfin ce modèle de flux, cela peut vraiment avoir beaucoup plus d'impact. Écoutons encore une fois. Après l'accumulation, nous avons la goutte. Cette section soulage toutes les tensions qui ont été construites jusqu' à présent et est le point culminant de toute voie EDM. Tu veux vraiment que la goutte fasse bouger les gens. C' est donc souvent plus fort et plus plein que n'importe quelle autre section. Une bonne baisse est généralement de 24 bars de long, avec les huit derniers acheteurs introduisant quelque chose nouveau qui n'a pas été dans la chute jusqu'à présent. Écoutons un court extrait de notre exemple de pistes drop. Dans cette chute, le kick drum est réintroduit et les instruments changent pour un son plus agressif. L' idée mélodique reste cependant la même, et donc la chute sonne comme une version plus intense de la panne. Après la chute, une deuxième ventilation est établie. La deuxième ventilation est simplement un développement de la première. Parfois, il peut s'agir d'une version plus longue ou peut-être d'une version avec de nouveaux instruments ou de l'ajout de batterie. Cependant, vous ne pouvez pas simplement copier et coller votre première ventilation. La deuxième panne doit transporter plus d'énergie que la première, sinon, votre piste ne coule pas correctement. C' est en fait une autre utilisation pour ce concept de graphique d'intensité que j'ai mentionné plus tôt. La deuxième panne peut également introduire quelque chose de complètement nouveau, comme une nouvelle mélodie sur un nouvel instrument. Cependant, pour que cela fonctionne, vous devez revenir à l'idée originale avant la fin de la piste. Écoutons voir ce que nos exemples d'attracteurs dans la deuxième répartition. Donc, dans cette piste, nous pouvons clairement entendre que la deuxième répartition est très similaire à la première. Cependant, c'est beaucoup plus long et il y a l'ajout de tambours vers la fin. Cela permet à la tension de construire encore plus que la première panne. Dans la deuxième accumulation, nous devons à nouveau signifier qu'un grand point culminant arrive. Habituellement, la deuxième accumulation sera presque identique à la première accumulation. Il peut y avoir un ajout de batterie ou un nouvel instrument, mais cela semble généralement très similaire. Le public sait déjà ce qui se passe, il n'est donc pas nécessaire d'essayer de réimaginer une nouvelle accumulation. La deuxième accumulation peut également être plus longue que la première. Cela peut aider à créer un suspense supplémentaire. Écoutons notre exemple de piste et nez comment ils ont ajouté un symbole de course dans la première moitié. Ils ont également ajouté une caisse claire supplémentaire dans la seconde moitié. Ne vous inquiétez pas si vous ne savez pas ce que ce sont, sera à la recherche de tambours et détaillé très prochainement. Alors écoutons maintenant. Qu' est-ce qui vient après la deuxième accumulation ? C' est bien sûr la deuxième goutte. Beaucoup de pistes ont tendance à copier et coller la première goutte pour cette section, et c'est très bien, mais cela ne donne vraiment rien d'intéressant à l'auditeur. Pour votre deuxième goutte, vous devriez ajouter quelque chose de nouveau, peut-être un nouvel instrument, des tambours supplémentaires, ou même changer légèrement le motif. Cela permettra à votre auditeur d'apprécier votre piste tout au long du parcours et de ne pas s'ennuyer lors de la deuxième goutte. Dans notre exemple de piste, la deuxième goutte introduit un instrument complètement nouveau et change légèrement le motif. Il ramène ensuite la première chute. Mais à cause de la nouvelle idée qui vient de jouer, elle ne se sent pas aussi répétitive. Écoutons. La dernière section d'une piste de SMA s'appelle l'outro. Cela sert le même but que l'intro, sauf que c'est pour les DJ de se mélanger dans d'autres pistes. Le but de l'outro est de diminuer régulièrement l'énergie de la piste de sorte que lorsque la piste se termine, le public ressent un sentiment de fermeture complet. Si vous arrêtez brusquement la piste, l'auditeur risque de devenir confus car il s'attendait à plus de choses à venir. Un bon outro supprime généralement les éléments de la piste progressivement jusqu'à ce qu'il ne reste que quelques instruments et tambours. L' outro peut être de huit à 24 bars de long. Écoutons notre exemple. Outro. 4. Définition de la structure EDM (partie 2): Je vais utiliser cette conférence pour parler de quelques autres structures que vous pouvez utiliser et aussi deux autres parties importantes sur la structuration dans la piste EDM. Donc, la structure dont nous venons de parler lors de la dernière conférence s'appelle la structure standard. C' est la structure la plus commune et la plus solide là-bas. Cependant, vous pouvez changer la structure autour pour des résultats intéressants. Une structure de ventilation retardée, la première ventilation vient en fait après la chute. Dans ce cas, la piste allait de l'intro directement à l'accumulation, puis à la chute avec la panne venant ensuite. Et une autre structure que vous pouvez utiliser est la structure sans ventilation. Avec cela, il n'y a pas de panne dans la piste. Donc, au fur et à mesure que votre piste progresse, il irait quelque chose comme une chute d'accumulation d'intro. Et puis un développement de l'intro suivrait la chute. Vous pouvez également ajouter quelques éléments supplémentaires pour embellir la deuxième introduction avant la deuxième accumulation et la deuxième goutte. Aucune structure n'est sertie en pierre. Vous pouvez jouer avec la structure de votre piste, mais vous devez garder à l'esprit qu'il doit avoir un bon flux. Parlons du phrasé binaire. Ça ressemble à un grand concept compliqué, mais ce n'est vraiment pas le cas. Autrement dit, le phrasé binaire pour EDM signifie que quelque chose change toutes les huit barres. Cela peut être un changement mineur, comme l'ajout d'un nouveau son de batterie. Ou il peut s'agir d'un changement majeur, comme l'introduction d'une nouvelle section. En musique, une phrase est une idée musicale sur quatre barres de long, et binaire signifie deux. Donc, l'idée est que si vous avez une section de 24 bars de long, disons simplement que c'est la deuxième répartition, par exemple. Ensuite, cela signifie que votre deuxième répartition est à 24 bar phrase. Avec le phrasé binaire, cette phrase de 24 barres est en fait divisée en trois phrases de huit barres plus petites. Et chacune de ces phrases plus petites sont légèrement différentes les unes des autres. Ne vous inquiétez pas si tout cela semble déroutant. Mais la partie principale que vous devriez prendre loin de cela est que toutes les huit barres, vous devriez faire une sorte de changement afin que la piste progresse ainsi que d'un endroit. La réponse des colonnes est souvent utilisée dans l'EDM, mais négligée par tant de producteurs. Ou de nombreux producteurs ne savent même pas qu'ils le font avec une réponse en colonne, un élément de la piste appellera et un autre répondra. Imaginez que vous ayez une mélodie antérieure. Eh bien, si vous définissez un piano pour jouer les quatre premières barres, et un synthétiseur pour jouer les quatre secondes, alors ce serait une réponse apaisante. Il peut également être utilisé avec des voix, où un mot ou une phrase est répété avec des effets différents. Écoutons un exemple de réponse de colonne instrumentale, puis un exemple de réponse de colonne vocale. La dernière chose dont je veux parler dans cette conférence est l'énergie. Tout EDM est basé sur ce concept d'énergie, de construction et de libération au fur et à mesure que le Trek progresse. La principale façon de créer cette énergie est de taquiner l'auditeur avant de lui donner le paquet complet. Je pense que je l'ai déjà dit avant de toute façon, mais je veux le répéter ici parce que si vous êtes suivi n'a pas d'énergie que cela ne fonctionnera vraiment pas comme une piste EDM. Nous regarderons à nouveau l'énergie quand nous viendrons arranger notre piste. Mais pour l'instant, vous devez savoir que ce concept est la raison pour laquelle tant de producteurs d'EDM finissent par manquer la marque avec leur musique. Alors assurez-vous de taquiner l'auditeur dans votre morceau. 5. Configurer votre projet: Dans cette conférence, se concentrera sur la mise en place d'un projet afin que vous puissiez travailler sur une piste avec 0s. Maintenant que nous savons comment l'EDM est structuré, nous pouvons réellement l'utiliser à notre avantage lors de la mise en place de notre projet. Avec tout, nous pouvons ajouter ce qu'on appelle un marqueur. Donc, avec FL Studio, si vous appuyez sur Command et t contrôlez t, si vous êtes sur un Windows, il va tomber dans ce petit marqueur ici. Nous pouvons ensuite cliquer avec le bouton droit et nous renommer. Donc je vais appeler ça une intro. Et nous pouvons ensuite le déplacer partout où nous avions besoin d'être. Donc, ces petits marqueurs sont géniaux parce que nous pouvons planifier la structure d'une piste avant même de commencer à arranger quoi que ce soit. Cela nous permettra de rester concentrés et cela nous permettra également de travailler dans une sorte de cadre garanti lorsque nous créons la piste. Une autre façon de créer des marqueurs avec FL Studio est de venir ici sur le côté gauche de la fenêtre de la liste de lecture. Cliquez sur cette petite liste déroulante, survolez les marqueurs temporels et sélectionnez Ajouter un, donnez-lui un nom. Donc je vais nommer cette panne. Et encore une fois, vous pouvez le déplacer là où vous en avez besoin. Disons que je veux 16 bars d'intro. Je vais juste déplacer ce marqueur de panne au 16, un peu 16 par l'Amérique. Et maintenant, je vois tout de suite que j'ai 16 bars d'intro ici. Donc c'est utile quand je suis en train d'arranger et que je mets de la batterie, des accords et des trucs que je peux voir, n'est-ce pas ? J' ai besoin d'être à la section de dépannage avant que j'atteigne ce bar. En outre, une autre partie importante de la planification de votre structure est qu'il est important d'arriver au point afin que les auditeurs ne ennuient pas d'ICI en fait juré par cette règle et presque toutes ses pistes atteindraient la section de dépôt avant la une minute. Essayez donc de ne pas rincer la piste plus que nécessaire. Vous devez arriver rapidement à l'idée principale pour que les auditeurs n'en aient pas marre quand ils écoutent. Vous ne voulez pas deux minutes d'introduction parce que les auditeurs s'ennuieraient. Donc, l'étape suivante et la configuration de votre projet est de définir votre bpm. Maintenant, cela va probablement changer au fur et à mesure que vous faites la piste, mais il est bon de définir une sorte de tempo rude pour l'endroit où vous pensez que vous voulez que votre piste soit. Donc, comme je l'ai dit, un tempo très élevé aura une piste à haute énergie, et le faible tempo sera un contrôle à faible énergie ou plus doux. Si vous n'êtes pas sûr de choisir un tempo de 128 BPM est en fait un polyvalent parfait. Quand un 128 est en fait considéré comme un nombre magique dans la science musicale parce que c'est un nombre où le timing, la structure et le tempo, ils se croisent tous. Donc, pour le timing, huit barres et 60 secondes vont tous se croiser lorsque ce BPM est réglé. Donc, si vous réglez votre tempo à 128, la barre de 30 secondes ici, cela marquera exactement une minute sur l'horloge. Donc, si vous ne savez pas à quoi vous voulez définir votre BPM, oui, définissez-le à 128. En fait, je vais quitter le mien à 128 parce que je ne sais pas avec quel tempo je veux travailler encore. Donc la prochaine chose qu'on va faire, c'est qu'on va mettre en place une syntaxe. Il s'agit d'un processus simple qui peut vraiment aider votre flux de travail à mesure que vous progressez dans la piste. Donc centré sur les États-Unis fait ce qu'il dit sur la boîte. Si vous avez plusieurs pistes auxquelles vous voulez appliquer le même effet, nous pouvons simplement envoyer toutes ces pistes à 0,01$ piste. Cela nous évite d'avoir à ouvrir des tas d'effets à la place, puis essayé de copier et coller les paramètres sur chaque piste individuelle. Donc, le processus de configuration des centroïdes et votre point sera probablement différent. Et je pense en fait qu'Ableton a des pistes 2N déjà disponibles par défaut. Mais avec FL Studio, nous pouvons réellement utiliser n'importe lequel de ces micros sont des pistes centrées sur les États-Unis. Tout ce que vous avez à faire est de sélectionner la piste que vous souhaitez envoyer. Et puis descendez ici sur cette petite flèche et cliquez sur la flèche sous la piste que vous voulez envoyer cette piste aussi. Donc, disons que je veux envoyer la piste pour la piste 11. Je vais juste cliquer sur la petite flèche sous Piste 11. Et maintenant, il y a une sorte de fil entre ces deux pistes. Et je sais que cette piste a été envoyée sur cette piste. Mais si nous voulions avoir l'air propre et bien rangé et en quelque sorte organisé pour que nous puissions travailler rapidement. La chose la plus simple est de cliquer avec le bouton droit de la souris sur votre piste de parfum. Donc, la piste à laquelle vous avez envoyé vos différents éléments, cliquez avec le bouton droit de la souris, descendez ici à ce petit d2 puis cliquez à gauche ou à droite en fonction de ce que vous préférez. Maintenant, je préfère que ma syntaxe soit à la hausse. Donc je vais ancrer cette piste vers la droite. Et comme vous pouvez le voir, il vient ici à droite. Et c'est une petite section d'envoi où nous pouvons en quelque sorte la déplacer hors du chemin si nous, si nous en avons besoin, ou si nous pouvons la ramener en cliquant sur ce petit, je ne sais même pas quelle est cette forme. Cliquez dessus et il va faire glisser cette petite action envoie. Donc si on regarde était une piste pour, ouais, on peut voir quelle piste pour ça. Le fil est en train de sortir et il est envoyé sur cette piste ici. Donc maintenant, nous avons fait une petite bande son bien rangée sur le côté droit que nous pouvons utiliser et nous pouvons envoyer n'importe quelle piste. Donc piste 6, on peut envoyer la piste 9. Toujours faire est juste de cliquer sur cette petite flèche ici et elle ne bougera jamais. Même si je fais défiler le long de la piste de mixage, il sera toujours jour ici sur le côté droit. C' est pourquoi il est pratique de l'ancrer sur le côté. Que si vous avez 100 pistes différentes que vous utilisez, vous pouvez toujours les envoyer assez facilement et assez rapidement. Donc, cela aide vraiment votre flux de travail. Donc, dans la prochaine conférence, nous allons parler de l'utilisation des pistes de référence et comment optimiser les paramètres de votre père pour une performance optimale. 6. Optimiser votre DAW: Alors, que sont les pistes de référence ? Eh bien, les pistes de référence, les pistes que vous téléchargez et utilisez comme référence lorsque vous créez votre piste. Idéalement, vous devriez choisir une piste de référence dans le même genre que la piste sur laquelle vous travaillez. Maintenant, nous ne copions pas la piste de référence, nous l'utilisons simplement comme guide pour que nous puissions être sûrs que notre piste progresse bien. Donc, si vous écoutez votre piste de référence et que vous remarquez qu' à mi-chemin de l'introduction et que votre instrument est introduit, vous pouvez réellement prendre cette idée et introduire un nouvel instrument dans votre piste également. J' ai donc un exemple de piste de référence ici pour Tech House. Je pense que c'est le Jonah que je voulais faire. J' ai donc téléchargé une piste dans le même genre. Alors écoutons quelques secondes et le nom ou tout ce que nous pouvons remarquer sur l'intro et tout ce que nous pourrions utiliser pour notre propre piste aussi. Donc j'entends qu'il y a une sorte de bloc de béton dans les tambours. Les tambours doivent être beaucoup plus lourds là-bas. Et il y a des accords qui s'estompent dedans pour que la ligne de base vient d'être introduite. Et j'entends aussi le bruit d'une foule. Et il y a une certaine concentration qui est filtrée aussi. Nous pouvons donc utiliser toutes ces idées pour notre piste. Nous pouvons, je peux dire, si je veux que ma chanson ait un gros kick drum à mi-chemin de l'introduction, et je veux que ma base vienne ici aussi, et que je veux introduire le chant au fur et à mesure que mon intro se poursuit, nous pouvons utiliser tous ces idées. C' est donc l'importance d'avoir une piste de référence. Nous pouvons l'utiliser comme guide. Optimisons maintenant nos paramètres DAW pour créer EDM. Donc, dans FL Studio, nous arrivons ici à cette petite section d'options, cliquez dessus et revenons aux paramètres audio. Et vous verrez cette petite fenêtre s'afficher si vous êtes dans un DAW différent. Cette fenêtre peut être trouvée sous Préférences et audio, ou matériel audio ou quelque chose comme ça. Et la mise en page sera un peu différente, mais les paramètres sont toujours les mêmes. Donc, la première chose que vous remarquerez est cette liste déroulante de l'appareil où nous pouvons changer l'appareil que nous voulons traiter l'audio. Donc, si vous voulez que votre son engage vos écouteurs, si vous voulez que le son sort de vos haut-parleurs, si vous utilisez une interface audio et que vous voulez que le son en sorte, vous pouvez sélectionner ceci ici. Le mien est réglé sur un appareil de sortie multiple, ce qui est juste un réglage que j'ai mis en place pour que mon logiciel d'enregistrement enregistre le son de ma voix pendant que je joue le son de mon DAW. C' est juste pour faire ce cours parce que j'aurais généralement cet ensemble sur mon interface audio parce que c'est ce que j'aime utiliser lorsque je crée de la musique. Le paramètre suivant que nous avons alors est le réglage de la fréquence d'échantillonnage. Donc, le taux d'échantillonnage devrait être d'un minimum de 44.110100, qui est ce que moins statue ici. Pour la musique électronique, la fréquence d'échantillonnage n'est pas aussi importante que pour la musique acoustique. Si vous enregistrez des instruments comme peut-être votre voix ou une guitare ou quelque chose, vous devriez probablement définir comme un peu plus haut, peut-être 48 mille ou même 8,888,2 mille est vraiment élevé. Et puis jusqu'à 192 000, c'est juste ridiculement haut. Et comme, à moins que vous ayez une sorte de super ordinateur, vous n'avez pas besoin de définir le taux d'échantillonnage est 44,1 mille est absolument parfait pour tous les genres de musique. C' est en fait les normes de l'industrie. Donc l'étiquette d'enregistrement, si vous leur envoyez un maîtrisé, une piste maîtrisée terminée, ils vous demanderont réellement un, pour votre piste à maîtriser à 44.1. Donc, vous pourriez aussi bien le laisser à 44.1, mais vous pouvez le définir un peu plus haut si vous avez la puissance de traitement pour le faire. Ensuite, nous descendons et nous voyons cette longueur de tampon ou dans votre DAW, cela pourrait être appelé taille de tampon. Donc, pour cela, vous devriez mettre cela aussi haut que possible. Pour créer EDM. En fait, nous travaillons avec des plugins et des instruments virtuels afin qu'ils aient besoin de plus de puissance de traitement. Donc un statut aussi élevé que cela va pour consacrer plus de puissance de traitement à ces instruments. Si vous enregistrez des instruments, vous pouvez en fait, vous pouvez réduire cela. Mais on parle de musique électronique ici. Donc je ne peux pas imaginer que tu enregistrerais plus de deux instruments à la fois. Alors mettez ça aussi haut qu'il va et laissez-le là. En outre, les chiffres que vous obtenez ici dépendront de l'appareil que vous avez sélectionné ici et aussi de la quantité de CPU que vous avez dans votre ordinateur. Mais quel que soit le nombre que cela apparaît ici, définissez cette petite barre aussi haut qu'elle va, et cela devrait rendre votre expérience d'arrangement un peu meilleure. Maintenant, cette section suivante ne s'applique qu'à FL Studio, mais nous avons ce petit bouton de surcharge de sécurité. Assurez-vous que cette lumière est allumée. Cela empêche simplement l'interface de se geler si elle rencontre des problèmes. Il rend juste l'arrangement qui un peu plus facile pour vous. Assurez-vous donc que cela est activé. Assurez-vous également que ce poux désactivé smack est activé. Ce qui est marqué désactiver, c'est qu'il désactive les plugins que vous n'utilisez pas. Donc, vous savez, s'il y a puissance de traitement inutile qui va à un plugin que vous n'utilisez pas. Ceci, nous allons l'éteindre automatiquement afin qu'il puisse libérer le CPU pour d'autres choses que vous faites. Vous pouvez également venir ici pour les outils, les macros, et le commutateur smack désactivé pour tous les smart commuté, désactiver pour tous les plugins. Cela va juste dire au logiciel de rafraîchir ce réglage au cas où votre chien coule dans une jambe. Ensuite, nous avons cette petite qualité de rééchantillonnage ici. Vous pouvez maintenant définir ce paramètre sur la qualité d'échantillonnage que vous préférez. 512 est élevé et cela ralentira votre ordinateur portable. Et il y a deux décors ici. C' est vraiment de mauvaise qualité, donc ça va accélérer votre ordinateur portable, mais ça ne sonne pas aussi bien. Ainsi, plus vous définissez cette qualité de rééchantillonnage, plus votre ordinateur traitera le son lentement. Et plus vous avez dit, plus vite votre ordinateur traitera le son, mais le son ne sera pas aussi bon quand il est réglé à ce niveau bas. J' aime garder mon entre-deux au milieu parce que c'est une sorte de médium heureux entre le plus bas et le plus haut. Et ça ne me dérange pas si je perds toute qualité audio pendant que je mixe. Un dernier paramètre que nous pouvons faire est que nous pouvons entrer dans cet onglet général ici et descendre vers les animations proposées vers le bas. Donc, si vous définissez ceci pour ne pas me distraire, Cela va désactiver toutes les animations que le logiciel fait pour que votre CPU n'essaie pas de traiter les visuels inutiles, ainsi que l'audio. Maintenant, j'aime vraiment les animations et mon ordinateur est assez rapide pour les exécuter. Donc j'aime nous mener sur les deux. Vous pouvez l'éteindre si vous rencontrez des problèmes ou si vous voulez simplement libérer de la puissance CPU supplémentaire. C' est donc tout ce que nous devons savoir pour optimiser notre DAW. Passons à la section suivante où nous allons apprendre à construire des tambours pour EDM. 7. Utiliser Using: Donc la première chose que nous allons regarder dans cette section de tambour de bâtiment est d'utiliser swing. Qu' est-ce que le swing et comment pouvons-nous l'utiliser pour nos pistes ? Nous allons en fait utiliser ce hélas, pas seulement sur la batterie, mais sur presque tous les éléments de notre piste. Swing est un tour assez difficile à définir, mais je pense que c'est beaucoup plus facile à comprendre une fois que vous l'entendez. Donc si on regarde ces deux battements de batterie, l' un d'eux n'a pas de swing, et l'autre a un swing. Donc le premier que je vais jouer est le rythme qui n'a pas de balancement. Et puis je jouerai le rythme qui n'a pas de swing. Alors écoutons maintenant. Maintenant, il n'y a pas trop de différence entre ces deux battements, mais l'un d'eux a un meilleur groupe que l'autre. Et c'est à cause de la balançoire. Swing comme une arme secrète que tous les producteurs d'EDM devraient connaître. Jetons un coup d'oeil à cette pièce ici. Le rythme qui n'a pas de swing. Et on verra comment on devrait appliquer le swing. Donc, la première chose que nous remarquons est que le coup de pied est sur le premier, deuxième, troisième, quatrième temps de la barre. Le clap est sur le deuxième et le quatrième b à l'acheteur. Mais le hass et cette précaution et cet échantillon de précaution, ils ne sont pas sur le rythme de la barre là en fait entre chaque battement de l'acheteur. Donc, ces petites sections entre les battements de la barre, ce sont appelées étapes. Donc, pour appliquer le swing, nous devons prendre tout ce qui est sur la deuxième ou la quatrième étape, nous devons le retarder d'un quart de pas. Maintenant, je sais qu'il y a beaucoup de maths en jeu, mais il n'y en a pas. Donc, si nous arrivons ici à ce petit menu déroulant accroché à la grille, si nous cliquons dessus et nous voyons, nous voyons un quart d'étape ici. Nous savons donc que nous voulons retarder l'échantillonnage d'un quart de pas. Je vais donc choisir un quart d'étape. Et ce que cela fait, c'est qu'il divise les étapes en quatre étapes plus petites. Donc, si je fais un zoom ici, je peux voir que j'ai beaucoup plus de petits pas à jouer. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va retarder l'échantillon qui était à la quatrième étape. On va le retarder d'un quart de pas, en le faisant glisser vers la droite. Une fois. On va faire la même chose pour cet échantillon ici, qui est aussi à la quatrième étape. Alors retournez sur le quart de pas, faites-le glisser vers la droite une fois, et cela retarde d'un quart de timbre. Donc, si nous écoutons cette petite section que nous venons de faire, cette petite section éditée, entendra que le swing a été appliqué. Mais si je joue le reste de la, cette même boucle de batterie que nous n'avons pas fait d'édition. Nous verrons que le swing n'est pas appliqué. Maintenant, il y avait un autre moyen rapide de créer swing dans FL Studio. Et c'est si vous venez ici à cette petite section de motifs. Et si vous construisez votre modèle de batterie ici, au lieu de la playlist, nous pouvons créer swing beaucoup plus facilement. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais construire un modèle de batterie rapide en ajoutant le kick drum chaque battement. Donc c'est un étranger. Le sol b. Je vais ajouter les applaudissements sur le deuxième, quatrième temps. Je vais mettre le chapeau ouvert entre les deux. Donc, au milieu, je vais mettre ça là. Et puis je vais mettre la précaution sur la quatrième étape. Peut-être la troisième étape, la même que le chapeau. Peut-être la deuxième étape, et la quatrième étape encore. Ainsi, le logiciel sait quelle étape appliquer la balançoire aussi. Donc ce petit paramètre ici, c'est ce qu'on appelle le swing principal. Et si nous mettons cela en place, cela appliquera vraiment swing pour nous. Donc je vais jouer les B et comme l'avion des beats, je vais augmenter ça lentement et nous allons écouter comment le logiciel va pour appliquer le swing. Et vous pouvez remarquer que sans balançoire appliqué, cela semble vraiment très, très robotique. Donc, vous devriez certainement essayer d'utiliser swing dans vos pistes. Mais pour d'autres, vous devrez utiliser cette méthode d'accrochage à la grille en changeant l'accrochage en grille à la subdivision que vous voulez, puis en déplaçant l'échantillon lui-même, en le retardant. Maintenant, je crois que je l'ai expliqué. D' accord. Mais si vous êtes confus, faites-le moi savoir et je vous aiderai du mieux que je peux. Dans la prochaine conférence, nous examinons les principaux éléments qui composent les tambours EDM. 8. Les éléments principaux de l'EDM: Donc, pour les prochaines minutes, nous allons examiner tous les éléments principaux qui composent un modèle de tambour EDM. Maintenant, le premier élément qui compose un motif de tambour EDM est le tambour de kick. C' est la base de toutes les betteraves. Et un bon kick drum peut vraiment faire vos patrons sur le flux. Après le kick drum, nous avons le clap ou la caisse claire. Un club est beaucoup plus commun dans EDM, mais vous pouvez utiliser une caisse claire à la place de la pince. Donc, ce étroit les claps devrait produire un son aigu et va souvent jouer sur le deuxième quatrième b à l'acheteur. Écoutons. Ensuite, nous avons un chapeau décalé proéminent. Un chapeau décalé ira toujours à la troisième étape du rythme, ou exactement entre deux battements. Ce chapeau est tout aussi important que le kicker, la pince, et vous devriez certainement l'inclure dans vos battements. Nous avons également ce chapeau, qui est appelé le chapeau de compteur, et appelé un chapeau de compteur parce qu'il joue le compteur de la piste. Ou plus simplement, il joue sur les quatre battements de la barre. Tu pourrais appeler ça un quatre sur le chapeau de sol si tu veux. Écoutons ce que cela ressemble dans les modèles de l'air. Après le chapeau du mètre, nous avons ce peu de sucre de fond. Le shaker de fond est souvent négligé, mais il peut vraiment remplir un espace vide et un motif de tambour. J' ai appliqué le swing à mes chapeaux d'arrière-plan car certains des échantillons sont sur les deuxième et troisième étapes du rythme. Donc, si vous utilisez le printemps, vous devrez appliquer swing à ces chapeaux. Écoutons ce qu'ils ressemblent dans le modèle. Après cela, nous avons le chapeau de remplissage. Ce ne sont donc que des chapeaux extra hauts que vous ajoutez pour un effet rythmique. Ils sont en quelque sorte utilisés de la même manière que la précaution, mais on utiliserait un chapeau au lieu d'un son de précaution. Maintenant, les chapeaux fedora, ils ne sont pas nécessaires, mais ils font un motif de batterie un peu plus professionnel. Voyons voir à quoi ils ressemblent dans le modèle connu. Nous avons donc aussi ces petits éléments de percussion rythmique. précaution rythmique est quelque chose que vous pouvez ajouter si vous voulez, mais vous pouvez l'oublier si vous ne l'aimez pas ou si vous n'en avez pas besoin. Précaution qui utilise swing peut vraiment ajouter à la rainure de votre piste. Si vous sentez que vous avez besoin d'ajouter plus de rainure que d'ajouter un peu de swing Percussion peut aider. Ma précaution est d'utiliser swing et je pense qu'il ajoute vraiment à la rainure sur la piste. Écoutons. Enfin, nous avons cette percussion en pente. Donc, la précaution de la hauteur est un peu différente parce qu'elle a une hauteur ou une note audible. Si nous pouvons nuire à la même note que la précaution, alors c'est piqué. Donc bungalows, tablettes ou cloches à vaches, ils req res comme percussions inclinées. J' utilise un son de cloche. Voyons donc à quoi cela ressemble dans le contexte du modèle de batterie. Donc, ce sont les principaux éléments qui composent un motif de tambour. Il y a des choses supplémentaires que nous pouvons faire pour vraiment faire un motif de batterie bien. Un livre, on en parlera quand on arrivera à construire le modèle de tambour. Pour l'instant, nous allons passer à la prochaine conférence et en apprendre davantage sur la superposition et sur la façon de choisir vos échantillons de batterie. 9. Trouver des échantillons de tasse utiles: Ok, donc dans cette conférence, nous allons parler de la superposition de batterie et de la façon dont vous pouvez trouver ces couches à utiliser dans vos propres modèles de batterie. Donc si on regarde ici, j'ai deux modèles. Maintenant, ce modèle est le même modèle de batterie que j'ai utilisé dans la dernière conférence. Mais ce modèle de tambour ici, c'est légèrement différent en raison de l'ajout de quelques couches supplémentaires. Ok, donc si nous zoomons et regardons ce modèle de batterie, dans le modèle de batterie original, je n'ai utilisé que ce clap, mais dans ce modèle de batterie, j'ai un clap supplémentaire, et j'ai aussi une caisse claire ici, et ils sont tous superposés pour faire un son beaucoup plus grand. Alors nous allons zoomer maintenant et écoutons le motif original du tambour. Et puis nous aurons une écoute du modèle de tambour de couche, voir les différences entre les deux. Maintenant, ce n'est pas une différence majeure, mais vous pouvez entendre que ce modèle est un peu plus complet et qu'il semble un peu plus professionnel parce que celui-ci semble très vide et c' est, c'est un visible, c'est un chose perceptible quand un producteur ne couche pas. Donc, vous devriez certainement essayer de superposer vos sons dans votre piste. Maintenant, on va aller de l'avant et chercher quelques couches. Donc, je vais entrer dans ce petit pack d'échantillons ici pour que vous puissiez télécharger des échantillons sur Internet gratuitement ou pour payer, pour de l'argent, ou tout ce que vous préférez. Mais quand vous les chargez assez bien dans votre logiciel ou votre studio de toute façon, ils viennent ici et je pense que c'est le même activé quelque part sur le côté gauche, ils, ils apparaissent. Mais je suis, je vais entrer dans cet exemple de mode d'entraînement audio. Cela vient en fait avec FL Studio. Donc, si vous téléchargez la version gratuite de FL Studio, vous obtiendrez ce pack d'échantillons et vous serez en mesure de parcourir tous ces sons ici et de les utiliser pour construire votre propre batterie. Donc la première chose que je vais dire à propos de la superposition est de ne jamais mettre ton coup de pied, ok ? Des coups de pied que vous obtenez dans des packs d'échantillons. Ils sont déjà superposés parce que les gens qui ont sorti les paquets d'échantillons, ils ne veulent pas, ils veulent vous vendre le meilleur genre de choses qu'ils peuvent faire. Donc, ils couches déjà des choses pour vous. Donc, avec le coup de pied parce que c'est un instrument de base, vous ne voulez pas superposer cela à moins que vous ne sachiez exactement ce que vous faites. Mais je vous recommande de choisir un coup de pied que vous aimez. Donc, hors de ce paquet de ces charges ici, dans le genre par défaut de truc FL Studio, mais il y a des charges ici. Et je vous recommande de ne pas caler vos coups de pied. Ok. Alors choisissez simplement un exemple que vous aimez et faites-le glisser ici et commencez à construire votre modèle. Cependant, nous pouvons superposer ou d'autres choses comme les claps. Jetons un coup d'oeil aux claps maintenant. Donc, quand vous êtes à la recherche de couches de clap, vous devriez chercher un clap court et un long clap. Donc, un court clap est relativement net et une sorte de snappy, ou un autre mot pour cela est transitoire. Ok, donc les transitoires sont, c'est cette petite explosion d'énergie qui se produit au début de n'importe quel son. Vous pourriez donc entendre des producteurs dire que le son est très transitoire. Eh bien, nous cherchons des claps transitoires ou courts. Donc si nous passons par ces pinces et nous voyons si nous pouvons trouver des claps courts et alors nous verrons si nous pouvons trouver de longs claps. Et écoutons. Donc tout ça semble un peu court ? Oui, certains d'entre eux que l'on est un peu long et en fait il y a une queue sur et vous pouvez le voir là-bas. Allons ici dans ces maisons. La génération claque. Oui. Ce sont, ce sont de gros claps bruyants. D' accord. Celui-ci est cool afin que vous puissiez superposer ce long clap avec l'un de ces claps plus courts apparaissent. Et quand les deux se réuniront, ils feront un clap beaucoup plus complet. Et c'est un secret que beaucoup de producteurs d'EDM ne veulent pas que vous sachiez, c'est que vous devez superposer vos tambours, vos instruments, vous devez tout superposer. Vous pouvez également poser ou d'autres choses avec les claps. Vous pouvez ajouter quelques pièges juste pour un peu de gaspillage, ou vous pouvez également superposer quelques percussions. Maintenant, la graisse de chameau fait ça beaucoup. Ils utilisent la percussion comme couche au lieu d'un piège. Donc ils auront leur Schrock applaudir sur leur long clap et ce sont des couches avec une de ces précautions de sonde cool. Et cela pourrait donner à votre modèle de batterie quelque chose de très unique et intéressant. Donc, si vous voulez essayer ça quand vous construisez un modèle de batterie, allez-y. Et maintenant, nous allons passer aux hi-chapeaux va jeter un oeil à la haute casquette. Donc, de même que les claps avec les chapeaux hauts étaient à la recherche d'un chapeau court et le long du chapeau, ou en d'autres termes, un chapeau fermé ou une journée portes ouvertes. Maintenant, le fermé et ouvert qui vient juste d'un kit de batterie où quand vous avez le chapeau haut sur le côté gauche du batteur, il peut soit le fermer ou l'ouvrir quand vous le plus proche, il semble très court et accrocheur. Et si vous l'ouvrez, c'est un peu plus long et un peu plus d'histoire. Donc, ce que nous cherchons est un chapeau fermé et une journée portes ouvertes, ou en d'autres termes, un raccourci et un chapeau long. Donc en fait parce que je peux voir ici qu'il y a o chapeaux, ce que je suppose signifie ouvrir à. Donc, tout cela est assez long. Donc tu utiliseras ça comme ton long chapeau. Et puis ce chapeau c peut être votre chapeau fermé ou votre chapeau court. Ils sont ouverts et c'est fait comme un O, mais on regarde la mer, fermée, fermée. Celui-ci est fermé. Donc votre couche, le chapeau court avec le chapeau de poumon, et vous obtiendrez un très beau son de salut-chapeau. Aussi quand on parle de chapeaux, ton autre côté, du chapeau de compteur et du chapeau de remplissage. Vous voulez utiliser des raccourcis pour eux. Parce que si vous utilisez des chapeaux longs, ça va commencer à chevaucher les autres échantillons et ça va sembler un peu désordonné. Alors assurez-vous que vous utilisez des chapeaux courts pour le chapeau du compteur, qui est l'étranger que le sol avait, je pense que nous l'appelons. Et vous utilisez un raccourci pour les chapeaux de remplissage supplémentaires que vous avez utilisés à la place de la précaution ? Assurez-vous que ces chapeaux utilisent des échantillons courts et courts comme celui-ci. Ok, donc pour votre shaker d'arrière-plan et que vous avez dans le fond du motif de tambour pour remplir de l'espace. Tu devrais utiliser un shaker, d'accord ? Vous pouvez, vous pouvez certainement utiliser un chapeau salut. Mais le seul problème est avec l'utilisation d'un chapeau salué si c'est pour une sorte de clicky. Comme si c'était très bien. Mais celui-ci, si c'est le cas, si vous utilisez celui-ci en arrière-plan, c'est deux clics et cela finira par distraire l'auditeur. Je vous ai conseillé de venir ici dans les shakers, le dossier Shakers et de chercher un échantillon de shaker. Une sorte de court quand vous êtes à la recherche de court parce que encore une fois, vous ne voulez pas qu'ils chevauchent trop longtemps les autres échantillons. Là. C' est une belle. C' est une belle. Donc, nous pouvons utiliser tous ces shakers en arrière-plan comme shaker d'arrière-plan. Ou vous pouvez faire le vôtre, vous savez, vous pouvez enregistrer le vôtre dans votre microphone si vous obtenez du riz et le mettre dans un carton de lait vide ou quelque chose, vous pouvez faire le vôtre. Tu peux être créatif. Et je pense que si vous faites vos propres échantillons, si vous faites vos propres sons, vous apportez quelque chose d'unique à la table et quelque chose de différent que beaucoup d'étiquettes de disques auraient pu entendre auparavant. Donc, si vous pouvez faire votre propre shaker, si vous vous sentez créatif, comme si vous pourriez mettre quelque chose de différent, peut-être des clous ou quelque chose dans une boîte de peinture ou quelque chose, vous pouvez faire un shaker assez cool qui sonne différent des autres shakers qui sont là-bas. Ensuite, nous regardons la percussion. Nous avons donc deux types de précaution. Nous avons la percussion rythmique et la percussion inclinée. Dans ça. Parfois, vous les obtenez séparément, comme avec certains packs de vengeance, ça va dire des percussions et des percussions. Et les instruments de percussion seront ceux qui sont lancés. Mais ici, il semble tous être dans le même genre de dossier. Mais c'est bon. Nous pouvons simplement passer en revue certains d'entre eux et écouter quel genre de paragraphe. Et c'est définitivement lancé. Je peux, je peux Homer. Là, je vais lancer des sons. Elle aussi, ceux-ci semblent être lancés là. Ce sera un, un untuned peut gagner sur l'échantillon pitched que vous pouvez utiliser. Assurez-vous simplement que les échantillons de percussion que vous utilisez sont assez courts parce que vous les utilisez pour un effet rythmique. D' habitude. Donc, vous voulez, vous voulez ajouter à la rainure avec eux. Donc, s'ils sont trop longs, à emporter de la rainure et ça finira par sembler trop lisse. Ainsi, plus l'échantillon est court, plus vous avez de rainure et gardez réellement ce point à l'esprit pour les autres échantillons. Plus cela est court, plus ils sont courts, plus votre motif aura de rainure. Maintenant que nous savons comment superposer et trouver des couches, nous sommes prêts à construire un motif de batterie. Je vais également vous donner quelques conseils supplémentaires que je n'ai pas mentionné jusqu' présent qui va vraiment vous aider à construire un modèle de tambour sonore professionnel. Alors assurez-vous de regarder la prochaine conférence complète à travers tout le chemin afin que vous ne manquez aucun conseil. 10. Créer un motif de batterie: Maintenant que nous connaissons tous les éléments qui entrent dans la construction d'un motif de batterie, nous savons ce qu'est la superposition, nous savons comment superposer et nous savons aussi comment trouver vos couches. Nous sommes enfin prêts à construire notre propre modèle de batterie. Maintenant, j'ai dit que j'allais vous donner quelques conseils dans cette conférence sur la fabrication d'un modèle de tambour de zonage vraiment professionnel. Ce que je vais faire, c'est que je vais vous donner ces conseils d'abord. Ensuite, nous allons passer à autre chose et utiliser les packs d'échantillons ici pour créer notre propre modèle de batterie. Le premier conseil que je voulais vous donner, c'était ici. Et cette astuce est l'endroit où vous ajoutez une boucle de batterie supplémentaire que vous pouvez trouver dans packs d'échantillons sous la forme d'une couche au-dessus de votre propre motif de batterie. Donc je vais juste jouer la boucle tout seul et on verra à quoi ça ressemble. Donc cette boucle n'est rien de fantaisie. C' est juste un peu de hatsune, des applaudissements. Et maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais jouer les couches que j'ai ajoutées sans les boucles et voir à quoi ça ressemble. Donc, nous avons en fait un ajout dans beaucoup de seulement ajouté dans un coup de pied, un chapeau de mètre et un chapeau hors battant. J' ai un appli inversé ici et nous allons jeter un coup d'oeil sur la façon de le faire dans une conférence à venir. J' ai aussi ce long clap, des percussions lancées. Il y a un élément de percussion et nommé pas. Nous allons également jeter un coup d'oeil à ce qu'est un point de notoriété dans certaines conférences à venir. Mais pour le moment, juste pas comme ça. J' ai ajouté dans quelques couches supplémentaires sur le dessus de cette boucle, ces chapeaux et claps. Alors écoutons tout le motif du tambour avec la boucle et nous verrons à quoi ça ressemble. Maintenant, il est important d'ajouter vous-même ces types d'échantillons supplémentaires, ces couches supplémentaires. Parce que si on écoute la boucle de batterie tout seul avec ce kick drum, ça va aussi sonner très, très vide. Alors écoutons ce que ça ressemble avec le kick drum. Et ça a l'air bien. Mais il est important d'ajouter vos couches supplémentaires parce que lorsque vous ajoutez les couches supplémentaires, cela semble beaucoup plus complet et professionnel. Reprenons donc une écoute avec tous les calques ajoutés. Donc l'autre conseil que je voulais vous donner était ce pourboire ici. Maintenant, cette astuce est très similaire. C' est encore une fois, c'est une autre boucle qui est ajoutée en tant que calque, mais cette fois, elle s'appelle une boucle de verbe de masse. Qu' est-ce que le verbe amass, c'est une sorte de fin de queue d'un effet de réverbération. Et elle a été bouclée. Mais ça ressemble un peu au vent ou à l'air. Donc ce que ça fait, c'est qu'il remplit juste l'espace vide qui est laissé par les modèles de batterie. Donc, si nous écoutons le modèle de batterie, Amazon. Donc, il y a en fait beaucoup d'espace vide entre les échantillons de l'annonce dans cette boucle de verbes de masse, il va remplir cet espace et c'est vraiment subtil, mais c'est une chose assez intelligente à faire si vous sentez que votre modèle de batterie est un peu vide ou il a besoin de quelque chose de plus. Alors écoutons le motif entier avec la boucle de verbe de masse ajoutée. Et maintenant, si je prends cette boucle de verbe de masse, et maintenant beaucoup de backend. Ok, donc maintenant nous sommes prêts à construire notre propre modèle de batterie. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais supprimer et ça pour qu'ils ne se gênent pas. Modifier, supprimer. Et puis je vais faire défiler ici pour que ces morceaux colorés ne nous distrayent pas. Donc on va commencer par le coup de pied. Et je vais utiliser le pack d'échantillons audio mode ici pour que si vous téléchargez la version gratuite de FL Studio, vous puissiez travailler avec vous et moi. Et vous aurez aussi les mêmes échantillons et j' utilise donc vous pouvez suivre exactement ce que je fais. Alors commençons à chercher un coup de pied et allons cliquer sur le premier ici. Et ce que nous pouvons faire avec FL Studio c'est que nous pouvons, nous pouvons auditionner les coups de pied en utilisant notre touche fléchée. Donc, nous pouvons faire défiler très rapidement et écouter tous. Donc, je vais juste faire défiler très rapidement et écouté tous les coups de pied et trouver un coup de pied que j'aime le son de leur 13. J' aime bien le son de ça. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais le faire glisser dans la liste de lecture juste ici. Je vais juste zoomer dessus pour qu'on puisse voir ce qu'on fait. Retourne sur les pistes, et puis on va coller ce kick drum sur les quatre battements à l'arrière. Donc je vais juste copier ça à nouveau pour qu'on ait une sorte de modèle à deux barres. Maintenant, je ne vais pas mettre mes coups de pied parce que ces coups de pied pour moi, ils ont déjà l'air superposés. Ils sont assez pleins et gros et il n'y a vraiment pas besoin d'ajouter un éblouissement supplémentaire parce que je ne veux pas gâcher le bas de mes pistes, donc je vais laisser le coup de pied tel qu'il est. Et on va venir ici et jeter un oeil aux applaudissements. Donc, comme nous le savons, applaudissons, nous cherchons un court clap et un long clap. Alors regardons et écouterons les applaudissements de quelqu'un et nous trouverons un joli raccourci à utiliser dans notre modèle. Celle-ci a l'air sympa, donc je vais le faire entrer. Je vais donc le placer sur le deuxième temps de la barre et aussi sur le quatrième temps de la barre. Et puis il va copier ça dans la seconde moitié des modèles. Voyons à quoi ça ressemble maintenant. Donc ce que je vais faire, c'est d'abord, je vais les ajouter à la piste de mixage en appuyant sur ce petit bouton de piste ici. Et en utilisant ça, je peux refuser ça. Maintenant, je ne sais pas pourquoi le coup de pied et le clap se sont si éloignés, mais ça n'a pas d'importance pour le moment. Nous les refusons juste pour que ça ne nous blesse pas les oreilles. Alors écoutons à nouveau. Maintenant, on va chercher un coup de poumon. Pour autant que je me souvienne, ces générations de maisons applaudissent. Ils étaient assez longs. Oui. J'aime vraiment le son de celui-ci, donc je vais glisser celui-ci et le placer sur les mêmes rythmes que le court clap. Et je vais aussi baisser ça dans la piste de mixage, juste pour que ça ne nous blesse pas les oreilles. Écoutons. Maintenant, si je sors ce labo de requins et si je l'ajoute, c'est une différence subtile, mais ça fait une différence. Alors passons ici maintenant et nous allons jeter un coup d'oeil à ajouter un piège sont précautions. Pour que nous puissions mettre dans un piège avec nos claps pour que ça sonne un peu plus gros ou morpho. Mais je vais essayer d'ajouter des sons de percussion comme le camouflage, CO2 et leur musique. Donc je vais passer par le, certains de ces échantillons et juste écouter et en trouver un qui, je pense, pourrait fonctionner. Celui-ci a l'air cool. Je vais mettre ça avec mon appli. Donc je vais le glisser et le placer sur les mêmes battements que tous les autres claps. Et nous allons écouter ce que ce modèle ressemble maintenant dans une minute, juste, je vais refuser ça et nous allons écouter à quoi ressemble ce modèle. Maintenant, cette couche de précaution ajoute une texture vraiment cool dans les motifs. Donc je vais le laisser dedans. La prochaine chose que nous pouvons regarder, c'est nos chapeaux. Encore une fois, avec les chapeaux, comme les claps, Nous cherchons un chapeau court et le long du chapeau. Donc, si je me souviens bien, ces chapeaux d'attaque étaient assez courts. Donc en fait ce 15 et peut-être pas. Écoutez juste certains d'entre eux. 25. J' aimerais envoyer un 25. Donc je vais glisser ça dedans et je vais le placer au milieu. Donc, à la troisième étape, je vais zoomer ici, la troisième étape du rythme. Alors plaçons ça sur toutes les marches à travers le motif entier. Copiez tous ces éléments. Et ce que je vais faire, c'est les baisser dans la table de mixage et ensuite nous écouterons ce qu'ils ressemblent dans le modèle. Prenons un auditeur. Maintenant, on va chercher un chapeau de poumon ou le chapeau ouvert. Donc on va faire défiler ici et on va essayer d'en trouver un. En fait, comme le son de ça. Celui-ci est plutôt cool. Alors traînons ça dans notre modèle. Mettez-le sur les mêmes étapes ou battements que d chapeau court. Et encore une fois, amenant dans le mélangeur juste pour le baisser un peu. Et nous écouterons ce que ça ressemble. Le motif a semblé assez bon jusqu'à présent, mais nous avons encore quelques éléments à ajouter. Donc l'élément suivant que nous allons ajouter est le chapeau de remplissage. Donc ce chapeau de remplissage doit être à nouveau un raccourci. On va chercher un de ces chapeaux fermés. Et nous verrons lequel sonne bien que nous pourrions ajouter. J' aime le son de celui-ci, donc je vais l'ajouter. Je vais le placer sur peut-être la quatrième étape et peut-être la deuxième étape. Copions ça sur tout le modèle. Ici. Je crois qu'un de plus ici. Donc maintenant, parce qu'il s'agit de la quatrième et de la deuxième étape, nous devons appliquer le swing. Mais nous n'avons pas à le faire, mais je le veux, donc je vais activer ce quart de pas et les déplacer d'un quart de pas. Et maintenant, nous allons écouter ce que le modèle sonne dès que j'aurai éteint ça dans la piste de mixage. Alors écoutons maintenant. Donc ça semble plutôt bien jusqu'à présent. L' élément suivant que nous allons jeter un coup d'oeil est le shaker de fond. Donc on va venir ici, fermer les hauts chapeaux Fuller et descendre ici le dossier Shakers et écouter certains de ces shakers qu'on pourrait ajouter. Maintenant, je pense que je me souviens que ces shakers avaient l'air assez bien. Oui, j'aime le son de l'attaque secouer ou 10. Donc, je vais traîner ça dedans. Ce que je vais faire, c'est que je vais le placer à chaque pas du rythme. Donc, si nous zoomons ici, c'est la première étape. Placez-le sur la deuxième étape, placez-le sur la troisième étape, et placera également sur la quatrième étape. Maintenant, je les ai mis sur le fond parce qu'il est plus facile pour moi d'appliquer swing parce que encore une fois, ceux-ci sont sur la deuxième et la quatrième étape. Et comme nous avons déjà établi le printemps dans notre modèle, nous devons appliquer Swing Time à tout ce que nous ajoutons. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais les compenser d'un quart de pas. Donc maintenant c'est appliqué swing à ce petit modèle mini, ce petit modèle mini là. Donc ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons copier ça sur tout le modèle. Et puis nous pouvons voir à quoi cela ressemble dans le contexte du battement de batterie. Alors nous allons baisser ça sur la piste de mixage et ensuite nous écouterons rapidement, euh, l'attaque secoue ou sonne comme dans le modèle. Donc j'aime le son de ça. Et la prochaine chose que nous allons regarder, c'est la percussion. Donc, si nous venons ici et nous examinons quelques précautions que nous pourrions ajouter. Je ne sais pas quel type de progression je vais ajouter, donc je vais juste auditionner certaines d'entre elles et nous verrons à quoi elles ressemblent. J' aime ça. J' aime le son de cette précaution pour. Donc, ajoutons par précaution pour et nous allons l'ajouter sur peut-être la quatrième étape. Et nous allons l'ajouter et la troisième étape de la barre suivante, du prochain temps. Donc, c'est en fait un modèle très commun, est de l'ajouter à la quatrième étape, puis à la troisième étape. Et réservez parce que nous avons, nous avons ajouté à la quatrième étape, nous devons appliquer swing à cela, à cet échantillon. Et puis nous pouvons copier ce petit modèle sur tout notre modèle de batterie. Alors faisons ça très vite. Et encore une fois, juste pour le baisser afin que ce n'est pas moyen de charger. Et il faudra écouter le modèle complet de batterie que nous venons de construire et nous verrons à quoi ça ressemble. C' est comme ça que tu vas construire ton modèle de batterie. Tu vas venir et tu vas chercher des coups de pied. Et puis les claps et les pièges sont précautions à enfiler. Puis votre court, votre chapeau de poumon, un chapeau de remplissage, un shaker de fond. Et enfin, vous pouvez ajouter un peu de précaution si vous voulez aussi. Donc, dans la prochaine conférence, nous allons regarder un peu de panoramique et ensuite nous allons jeter un coup d'oeil à une certaine automatisation par la suite. Et comment nous pouvons automatiser le panoramique et le volume pour rendre ce motif de batterie encore meilleur. 11. Utiliser du panoramique: Dans cette conférence, nous allons jeter un coup d'œil au panoramique et à la planification et à la façon dont vous pouvez l'utiliser dans vos traces. Le panoramique est donc un concept relativement simple à comprendre. Il prend simplement un échantillon d'instrument ou de tambour ou une sorte de n'importe quel élément que vous avez dans votre piste. Et il place est soit à gauche ou à droite. Donc, si vous avez un piano dans votre piste et que vous avez des pandas 20% à droite. Ensuite, quand un auditeur écoute votre attirance, ce piano sonnera comme s'il venait de la droite de cet auditeur. Le panoramique est en fait très important pour le son global de votre piste car il peut le rendre un peu plus large et à son tour, un peu plus professionnel. Nous allons donc appliquer le panoramique à beaucoup de choses tout au long de ce cours. Non seulement les tambours, mais j'ai ouvert un modèle de batterie que nous avions dans les principaux éléments de la conférence EDM batterie. Et nous allons juste jeter un oeil sur la façon dont nous pouvons appliquer le panoramique à ce motif de batterie et rendre le motif un peu plus professionnel. Donc, le premier élément que nous avons dans ce modèle est le kick drum. Ok, alors écoutons le kick drum. Et la première chose que je voulais dire à propos du panoramique, c'est que tu n'as jamais tourné ton tambour. D' accord ? Le kick drum avec la basse, est comme la base de votre attraction. Donc, vous ne voulez pas déplacer le kick drum ou votre base, parce que ce qui se passe est que la piste sonnera un peu déséquilibrée. Et vous voulez vraiment, vraiment un noyau fort pour votre attirance. Vous voulez une base solide. Donc nous ne le faisons pas, nous n'avons jamais monté le tambour. Donc on va juste laisser le tambour comme il est, parce qu'il sort du centre. Passons maintenant à cet élément suivant, qui me ressemble à un chapeau décalé. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais double-cliquer dessus et ensuite je vais venir ici à la piste de mixage. Et quand je double-clique dessus, il suffit de mettre en évidence où cet élément est dans la piste de mixage. Donc, je peux voir maintenant que ce hachage particulier, Il sort de la chaîne numéro quatre. Donc nous pouvons venir ici maintenant sur cette petite roue et c'est la roue panoramique. Donc si je, donc si je ramène tout cela à gauche, le son sortira sur le côté gauche. Et si j'amène tout ça à droite, alors le son sortira du côté droit. Et cela s'appelle dur gauche et dur à droite. Donc, quand vous faites un pan à 100% à gauche, ça s'appelle dur à gauche. Et quand vous faites un plat, un droit à 100%, ça s'appelle Hérode. Maintenant, généralement dans EDM, nous ne panoramique pas les choses dur à gauche et dur à droite, sauf si vous êtes après un résultat très spécifique. Mais ce que je vais dire, c'est que si vous prévoyez de faire un peu de panoramique, juste peut-être le garder à environ 90% de riz au maximum. Juste parce que si vous, si vous finissez par parcourir tous ces différents éléments, complètement dur à gauche et dur à droite. Vous gâchez le son général de votre piste. Donc l'insuline les réinitialise à nouveau et nous allons jeter un coup d'oeil à la planification de ce chapeau décalé. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais lentement déplacer vers la gauche jusqu'à ce que j'aime où ça sonne. Donc j'aime le son de ce décalé a panné. Et c'est à 50%. Vous pouvez vraiment regarder ici. Dans ce petit panneau et FL Studio, et il vous dira à quelle valeur vous avez défini le paramètre à. Donc ça me dit en fait que j'ai fixé ça à 50%. Passons maintenant au prochain chapeau et nous écouterons ce que ça ressemble. Ok, donc je vais ouvrir la piste de mixage. Et en fait tout d'abord, je vais double-cliquer dessus juste pour qu'il puisse être mis en évidence pour que je puisse voir où il est et c'est tout le chemin ici sur le numéro dix. Donc ce qu'on va faire c'est qu'on va faire en solo et écouter cet échantillon tout seul. Et pendant qu'il joue, je vais voir le panneau vers la droite. Donc je vais le laisser à 50% aussi. Donc le même genre de valeur que l'autre chapeau qui joue en même temps. Parce que lorsque nous ajoutons les deux ensemble, le son global devrait se sentir plus équilibré parce qu'ils sont tous les deux planifiés à la même valeur. Donc, si nous prenons une écoute maintenant, ces deux échantillons ensemble devraient être équilibrés, mais aussi bien répartis sur le champ stéréo. Alors écoutons. Donc, quand vous faites un tour de choses, vous pouvez réellement choisir les éléments individuels un peu mieux. Donc quand ils étaient collés ensemble au centre, ça sonnait comme ça. Mais si nous les séparons maintenant en planifiant l' un à gauche et l'autre à droite. Ça sonne comme ça. Et c'est juste une expérience plus agréable pour l'auditeur. Alors passons très vite à travers tous les échantillons ici et nous allons les parcourir. Donc c'est le clap pulmonaire. Donc je vais venir ici et je pense que je vais faire un tour, ça peut être 20% vers la droite. Écoutons. Et puis je viendrai ici et j'ouvrirai cette pince. Et parce que ce sont deux claps de la pièce en même temps, je vais planter celui-ci dans environ le même 20% à gauche. Écoutons ce que ces contrairement ensemble. Alors je descends ici à ce chapeau de remplissage. Et je vais double-cliquer dessus. Et ça va mettre en évidence que c'est sur la voie 6. Et avec le chapeau filtrant, je pense que je vais être un peu plus extrême. Je vais faire un tour sur 85% vers la droite. Alors écoutons ce que cela ressemble quand il sort, surtout de la bonne chaîne. D' accord ? Et l'élément suivant que nous avons ici est le chapeau du compteur. Donc je pense qu'avec le hachage du compteur, je vais juste sur la planète légèrement à gauche. Juste pour avoir une belle sorte d'image stéréo. Et aussi sur un vrai baiser de tambour, les chapeaux sont en quelque sorte en position sur le côté gauche du batteur. Donc je vais juste imiter ça en utilisant ce chapeau de compteur. Donc, écoutons le compteur a quand il sort légèrement de la gauche. Maintenant, écoutons ce shaker de fond. Et je vais l'ouvrir ici dans la piste de mixage. Donc c'est sur le canal 2. Donc, en général, avec la roue de panoramique pour les shakers de fond, nous avons réellement automatisé. Donc, je ne vais pas la toucher maintenant, mais nous allons jeter un oeil à l'automatisation cette roue panoramique dans la conférence sur l'automatisation qui va venir. Donc je vais juste laisser cette roue de panoramique pour le shaker de fond seul. Je ne vais pas y toucher maintenant parce que nous en parlerons lors de la prochaine conférence. Donc je vais passer à ça, qui est un son de percussion. Alors venons ici et c'est sur la voie 7 comme on peut le voir. Donc je vais faire un tour de précaution à droite parce que sur un vrai tambour, les enfants de Tom Villes sont en quelque sorte à droite. Alors, nous allons faire un tour, peut-être 60%, non ? Voyons voir à quoi ça ressemble. Et puis on passera aux éléments suivants qu'on va, on va faire un tour et ce n'est pas suivi huit. Alors écoutons ce que c'est. Donc c'est notre percussion. Maintenant, nous pouvons faire un tour à gauche ou à droite, mais je vais le déplacer vers la gauche juste pour équilibrer parce que j'ai placé l'autre élément de précaution vers la droite. Alors faisons un tour à 55%, n'est-ce pas ? Et écoutez ce que ça ressemble. D'accord ? Maintenant écoutons ce que c'est et je pense que c'est le piège. Oui. Ok, donc par souci d'équilibre, je vais laisser la caisse claire sortir du centre parce que la caisse claire joue en même temps que ces claps. Et nous avons déjà lancé les claps. Nous avons tracé l'un d'eux à gauche et l'autre à droite, ce qui est équilibré. Donc, je ne veux pas bouleverser l'équilibre en tournant ce genre de vers la gauche, vers la droite, car alors nous aurons deux éléments sortant à gauche et un à droite. Et si je le déplace à droite, nous aurions deux éléments sortant à droite et un à gauche. Donc je vais le laisser au centre pour qu'on en ait une qui arrive au centre, une qui sort à gauche, et une qui sort à droite. Voyons donc ce que ce sont satellite avec la caisse claire et le centre. Et pendant qu'il joue là, je vais juste faire un tour de la caisse claire soit à gauche de la droite et soit à gauche de la droite et écouter et voir ce que ça ressemble à toi-même. Et vous aimerez peut-être le son de ça, et c'est tout à fait bien. Si vous voulez tourner votre caisse claire à gauche ou à droite, vous pouvez, c'est à vous de décider, mais je préfère le son de la caisse claire qui vient au centre juste pour l'équilibre. Donc je vais le laisser et nous allons passer à ce dernier élément, qui, je pense, est un autre son de Percussion. Pourtant. Donc, c'est en fait une couche avec un son disproportion ici. Maintenant, nous avons deux options. On peut panoramique ce son de Percussion sort de 12. Oui. Maintenant, nous avons deux options. Nous pouvons déplacer ce son de Percussion vers la droite pour qu'ils sortent tous les deux du bon canal. Ou nous pouvons faire ce que nous avons fait jusqu'à présent et le déplacer vers la gauche pour qu'il soit équilibré. Maintenant, l'une de ces options est absolument acceptable et c'est à vous de décider, ce que vous voulez faire. Mais je vais passer le mien au riz parce que je pense qu'il crée un peu plus d'un son intéressant. Et aussi, comme je l'ai déjà dit, je voulais en quelque sorte imiter le son d' un vrai kit de batterie comme si l'auditeur était assis en position de batteur. Donc je vais garder cette précaution et l'autre précaution qui sortent du bon canal. Alors écoutons l'ensemble du modèle maintenant avec tous les éléments prévus. Donc j'espère que vous pouvez entendre que le modèle semble un peu plus professionnel maintenant. Et aussi que les bios séparant les différents éléments qui composent le motif, nous créons un son plus intéressant pour l'auditeur. Donc, comme je l'ai déjà dit, nous allons passer à la prochaine conférence maintenant où nous allons jeter un coup d'oeil à l'automatisation et nous allons également jeter un coup d'oeil à l'automatisation du shaker de fond dans un motif de batterie. 12. Automatiser les paramètres: Nous allons donc utiliser cette conférence pour parler de l'automatisation. L' automatisation est un élément important dans l'organisation de n'importe quelle piste car elle peut empêcher la piste de paraître trop robotisée. Maintenant, si vous voulez que quelque chose change au cours de la piste, nous pouvons dire au logiciel de le faire pour nous. Et c'est ce qu'est l'automatisation. Chaque obscurité et faire l'automatisation. Mais la méthode de le faire est un peu différente. Vous pouvez trouver assez rapidement comment automatiser un point plus récent si vous le recherchez simplement sur Internet. Mais dans FL Studio, c'est relativement simple. Nous avons juste un clic droit sur le paramètre que nous voulons automatiser. Donc, si je viens dans la table de mixage ici et que je clique avec le bouton droit sur le paramètre de panoramique. Je peux voir ici il ouvre cette petite boîte et je peux cliquer créer un clip d'automatisation. Je peux également créer un clip d'automatisation à ce sujet. Et je peux créer un clip d'animation à ce sujet. Vous pouvez ainsi créer des clips d'animation sur tout ce que vous voulez. Nous allons donc automatiser le panoramique pour le shaker d'attaque de nos tambours pour le rendre un peu plus intéressant. Donc, je vais cliquer avec le bouton droit sur le panoramique et je vais dire créer un clip d'automatisation. Ça va créer ce petit clip ici. Et puis je vais faire glisser ça jusqu'au bas et nous pourrons jeter un oeil à la façon dont nous l'utilisons. Ainsi, un clip d'automatisation comporte deux points d'ancrage lorsque vous le créez. Au début, il a une à gauche et une à droite. Et ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons déplacer ces points d'ancrage où nous voulons. Donc je peux déplacer ça vers la gauche, et je peux déplacer ça vers la droite. Et ce que cela signifie, c'est que la planification passe maintenant de gauche à droite. Alors écoutons le modèle et nous entendrons que le shaker va de gauche à droite progressivement comme lieu de motif. C' est donc un effet cool, mais je vais vous montrer que c'est une technique très courante que les producteurs font avec leurs shakers de fond. Et il peut vraiment permettre à votre image stéréo de sonner professionnel. Alors voyons ce que j'ai fait là c'est que j'étais, je viens de provoquer le clip d'automatisation à la première BCE parce que je ne veux que nous pour cette section du modèle. Et ce que je vais faire, c'est que je vais faire un tour dans les shakers de gauche à droite. Donc chaque, chaque deuxième shaker serait placé vers la droite. Donc, je fais un clic droit. Vous pouvez également ajouter dans votre propre ancre, points d' ancrage aux clips d'automatisation. Et FL Studio, vous avez juste un clic droit, mais vous pouvez essayer dans vos propres formes. Je suis donc dessiné dans ces formes d'étape de haut en bas. Quand les Shakers joueront, ils joueront de gauche à droite. Regardons ceci et écoutons les jouer de gauche à droite. Donc, ce que nous pouvons faire c'est avec le clip d'automatisation, le petit mini, nous pouvons le coller sur tout le motif. Et puis nous pouvons écouter à quoi ressemble le motif entier avec les Shakers qui sont déplacés de gauche à droite. Maintenant, parce que nous pouvons aussi automatiser toute autre chose que je pense que je vais automatiser le volume. Donc, avec vos shakers d'arrière-plan, vous devriez certainement automatiser le volume car en faisant cela, il peut ajouter beaucoup plus de rainure et je vais vous montrer comment ajouter dans ce groupe en utilisant le volume. Je viens de cliquer avec le bouton droit de la souris et je vais créer notre clip d'animation. Je vais venir ici et fermer ça. Et puis je vais faire glisser le clip d'automatisation vers le bas et je vais faire la même chose. Je vais cliquer sur cet outil de rasoir et je vais couper le premier temps, supprimer le second, la partie indésirable du clip d'automatisation. Et je vais dessiner, et je vais dessiner dans la forme que je veux et ce clip d'animation, d'accord. Ce que nous faisons, c'est que nous rendons le premier vérificateur très silencieux. Ok, donc je fais un clic droit de nouveau pour le sécher, pour ajouter ces points d'ancrage supplémentaires. Ensuite, nous rendons le deuxième shaker un peu plus fort. Et puis nous faisons le troisième, le troisième shaker, très fort. Et puis le dernier shaker, on fait le même bruit que le second vérificateur. Et puis si nous dessinons ce clip d'automatisation sur tout le motif, cela fera sonner le shaker comme ça. Donc, cela semble un peu plus réaliste et moins comme un ordinateur le joue. Maintenant, si nous ajoutons également l'automatisation de panoramique, cela sonnera comme ça. Et maintenant, si nous ajoutons le motif entier, nous verrons quelle différence les clips d'automatisation font avec le son global du motif. Maintenant, si je supprime l'automatisation, ça ressemble à ceci. Et vous aimeriez peut-être le son de ça, mais j'ai tendance à préférer le son du panoramique quand il est ajouté dans les shakers. Donc je vais laisser la planification dans mon modèle et nous écouterons plus jamais. Une autre chose que vous pouvez faire est que je pense que le panoramique ici, cette automatisation de panoramique est un peu trop extrême. Donc je vais tourner, je vais faire glisser ces points d'ancrage un peu vers le haut pour qu'ils ne soient pas aussi extrêmes qu'ils l'étaient en premier lieu. Donc je vais juste faire glisser celui-ci vers le bas, faire glisser ceci vers le haut pour que ce ne soit pas aussi extrême. Et puis faites glisser celui-ci aussi vers le bas. Cela pourrait sembler un peu plus réaliste. Écoutons. Ouais, ça s'est débarrassé de ce genre de bruit qui se passait parce que nous avions ces panés. Ça s'appelle dur à gauche et dur à droite. Donc, si je panoramique complètement à gauche, ça s'appelle dur gauche. Et si je le fais bien, ça s'appelle Hérode, non ? Mais en général, nous ne faisons pas ça. quelque sorte, nous pourrions planter 85-90 pour cent à droite ou 90% à gauche, mais généralement nous ne tournons pas dur à gauche ou à droite moins que nous ne recherchions un résultat spécifique. Mais pour vos shakers, ne les balancez pas complètement à gauche et à droite, laissez-les juste moins extrêmes comme ça. Maintenant, dans FL Studio, nous pouvons panoramique n'importe quoi, nous pouvons planifier nos instruments qui apparaissent dans la section des motifs, ou nous pouvons panoramique nos effets ou tout ce que vous voulez. On peut, en fait, je vais ouvrir un effet ici et j'ouvrirai cet effet de retard, et on viendra ici et on va jeter un coup d'oeil. Donc, si je clique avec le bouton droit sur l'un de ces paramètres, le volume, le décalage, le temps, l'un de ces paramètres. Ça va créer un clip d'automatisation pour moi. Et je peux aussi créer un clip d'animation sur n'importe quel effet de tiers qui ne vient pas avec le logiciel. Donc, si j'ouvre cet effet de phasor de Dieu, c'est un plugin tiers que vous pouvez acheter, mais nous pouvons aussi automatiser n'importe quel paramètre sur un plugin tiers. Maintenant, la méthode d'automatisation des paramètres sur un plugin tiers est un peu différente, mais je vais juste vous montrer comment le faire très rapidement. Donc, si on prend ce taux de LFO, je ne peux pas faire un clic droit dessus. Si je fais un clic droit, cela fait apparaître cela parce que les plug-ins tiers ont leur propre système d'utilisation. Donc, lorsque vous faites un clic droit sur quelque chose dans un plugin tiers, Il ne va pas faire apparaître cette petite fenêtre qui dit créer un clip d'automatisation. Mais ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons cliquer et déplacer le paramètre que vous voulez automatiser légèrement, puis venir ici à des outils, vers le bas jusqu' à la dernière modification, puis créer un clip d'automatisation. Et ce que cela fait, c'est qu'il va créer le clip d'automatisation dans la fenêtre de la liste de lecture pour environ je me déplaçais là, qui est le taux de LFO. Donc, comme vous pouvez le voir ici, Dieu phasor, taux LFO. Et maintenant, je peux automatiser ça pour aller de bas en bas. Et en fait, je vais laisser cela ouvert pour que vous puissiez voir ce que le clip d'automatisation fait sur le bouton. Donc en bas il est à gauche et en haut c'est à droite. Donc, nous verrons comme le, le modèle joue que ce NADH se déplace de gauche à droite. Écoutons. C' est ainsi que vous utilisez l'automatisation dans vos pistes. Mais ce n'est vraiment pas si difficile à comprendre. C' est juste quelque chose que nous utilisons quand nous voulons que le logiciel change quelque chose pour nous pendant que la piste est en train de jouer. Au cours de la prochaine conférence, nous allons essayer de régler nos échantillons de batterie pour pouvoir les coller un peu plus ensemble. 13. Aligner des échantillons de batterie: Donc, dans cette conférence, nous allons examiner le réglage de nos échantillons de batterie. réglage de vos échantillons de batterie est donc très important pour le son global de votre piste car il peut rendre l'arrangement et le son mixte beaucoup plus propres. Il peut également aider à coller les différents éléments que vous utilisez pour construire votre modèle de tambour. Cela peut aider à les coller ensemble et à les faire sentir comme s'il y avait plus de membres de la même famille. Encore une fois, comme tout ce dont nous avons parlé, chaque DAW a une façon différente de le faire, mais chaque obscurité et le faire. Ok, donc si on passe à la chaîne principale, je vais ouvrir un plug-in dans FL Studio appelé Edison, qui est ici. Alors Edison, quand tu ouvres, ça ressemble à ça. Et, et c'est un plugin vraiment puissant. Mais l'une de ses principales utilisations est qu'il peut vous dire ce que la hauteur de n'importe quel échantillon, ou tambour ou vocal ou tout ce que vous mettez dedans peut vous dire la hauteur. Alors ouvrons ce tambour ici et on voit la fenêtre d'échantillonnage s'afficher. Donc je vais cliquer sur cette forme d'onde et Dragon dans Edison ici. Et si je clique avec le bouton droit de la souris et Edison sur la forme d'onde et je clique sur les régions. Et puis je viens ici et je dis de détecter les régions de pitch. On peut voir qu'Edison l'a scanné et il dit qu'il est en D-Sharp. Ok, donc prenez toujours la première région de pitch qu'il vous donne, donc D-Sharp trois. Donc je vais accorder le reste de ma batterie à D-Sharp 3. Maintenant, si la clé de ma piste change, si je change la clé de ma piste en e, disons que je fais quelques accords et mi mineur. Eh bien, je vais devoir changer les échantillons de tambour pour correspondre à ça. Je vais devoir lancer les tambours sont à l'écoute pour qu'ils soient également à l'écoute de E. Mais pour instant je vais juste accorder le reste des éléments au kick drum parce que je n'ai pas encore de piste ici. Donc le tambour n'est pas D-dièse 3. Allons donc régler le reste des échantillons à D-Sharp 3. Donc, je vais juste me refermer au coin ici, donc ça rend ça un peu plus propre. Et je vais passer en revue chacun de ces échantillons. Je vais donc double-cliquer sur l'échantillon de clip et à nouveau sur le canal maître, ouvrir Edison, le faire glisser. Et voyons ce que les emplacements. Donc c'est déjà réglé sur D-Sharp, donc c'est parfait. On n'a pas besoin de le toucher. Ouvrons l'échantillon suivant. Donc, il y a le prochain échantillon est le long clap. Allons charger. Cliquons sur le canal maître et ouvrons à nouveau Edison. Et on va traîner dans l'appli pulmonaire et on verra ce que ça a. Encore une fois, faites défiler jusqu'aux régions, détectez les régions de hauteur. Et nous pouvons voir, si nous zoomons ici, ça dit un, un quatre, donc c'est un a. Donc maintenant, nous avons deux options que nous pouvons accorder, nous pouvons accorder cet échantillon à la racine, qui est d tranchant. Ou on peut l'accorder au troisième ou au cinquième de l'accord. D' accord ? Et c'était l'une des exigences dont vous aviez besoin pour le début du cours parce que je ne vais pas expliquer la théorie musicale. Mais si vous savez ce que le troisième et le cinquième est pour D-Sharp, vous saurez que la chose la plus proche d'un est le cinquième du pointu, qui est en fait un pointu. Donc, si nous cliquons sur ce petit bouton de pas ici, nous pouvons le déplacer vers le bas ou vers le haut, OK, nous allons le ramasser et le descendre ou le lancer vers le bas. Donc, je vais lancer des lancements vers le bas à je vais mettre en place, désolé, d'un aux applications Asie, Je vais mettre en place par $0.100 sur $0.100 dans le coin ici encore, Je vais juste vous montrer une image de retour vers le bas. Si vous regardez la cornée ici, ça vous dira combien vous lancez en traînant vers le haut et ça dit 0.100$ sur 0.100$ signifie un demi-ton. Ok. Alors que les médicaments qui le piège d'un à un pointu. Donc je vais juste le réinitialiser et nous écoutons le clap. Et puis si on le met en place. Donc maintenant, si nous écoutons ces deux applaudissons et le coup de pied ensemble, ils devraient sembler un peu plus liés l'un à l'autre. Maintenant, je vais juste sur les terrains pour qu'on puisse voir à quoi ça ressemble avant. C' est une différence très subtile, mais ça le rend beaucoup plus propre. Ok, alors laissez-nous encore. Et ce que vous ferez, c'est que vous passerez à travers tous vos tambours et que vous les lancerez soit à la note racine, qui est en D , soit à la cinquième, ce qui sera un choc. Ou en fonction de la clé de votre piste, vous accordez votre batterie de manière appropriée, accorderez également d'autres éléments au fur et à mesure que nous traversons le cours, tels que les voix et les boucles externes. Et vous savez, certains des effets et des trucs que nous examinerons plus tard. Mais pour l'instant, avec vos modèles de batterie, allez régler les échantillons de batterie les uns sur les autres et voir si cela fait une différence avec le son global. 14. Manipulation de vos échantillons de batterie: Dans cette conférence, nous allons examiner la manipulation de vos échantillons de batterie. Donc on peut faire des choses plutôt cool comme inverser un échantillon. Et je vous l'ai montré avant dans une des dernières conférences où j'ai inversé un échantillon de clap. Et on recommencera ici et je vous montrerai comment le faire. Mais d'abord, prenons ce kick drum ici et nous allons juste boucler cette petite section pour que nous puissions l'entendre comme un endroit. Ok, maintenant je vais ouvrir la fenêtre des échantillons et nous allons jeter un oeil à tout ce qu'on peut faire. Donc, tout d'abord, nous savons déjà à partir de la dernière conférence que nous pouvons manipuler le terrain. Pour que je puisse mettre tout ça en haut. Je peux le faire jusqu'au bout. Et on réinitialise ça. Nous avons également ce réglage qui est une multiplication ou un bouton d'étirement temporel. Donc, si nous faisons glisser cela vers le bas, donc si nous faisons glisser ceci vers le bas et que nous raccourcissons réellement la forme d'onde, et si nous la faisons glisser tout le chemin vers la droite, cela allonge la forme d'onde. Maintenant, cela peut être un effet cool quand vous faites équipe avec le bouton de pas, si nous avons mis ça jusqu'à $0.600. Vous pouvez ajouter ce son avec un autre kick drum et il peut faire une sorte vraiment cool de son techno. Prenons très vite un kick drum ici, comme celui-ci. Et nous écouterons à quoi ils ressemblent ensemble. Regarde ça, sauve-le. Et vous voyez si nous l'avions fait, si nous refusons un peu ça, ça pourrait sembler un peu mieux. Ça sonnera comme ça. C' est donc un effet assez cool que vous pouvez faire avec l'échantillonneur ici. Et ça va réinitialiser ces petits paramètres à nouveau et supprimer le tambour que j'avais. Il suffit de réinitialiser cette sauvegarde où qu'elle soit. Donc, une autre chose que vous pouvez faire dans la fenêtre d'exemple est que vous pouvez étirer le temps. Et avec ce paramètre, il étire le temps beaucoup plus que le multiplicateur ou le fait, si nous étirons celui de cet écrivain, comme vous pouvez le voir, l'échantillon devient ridiculement long. Mais encore une fois, en utilisant ce bouton, vous pouvez faire des effets cool et le superposer avec un autre kick drum pour faire une sorte de texture de kick intéressante. On a réglé ça. Donc si nous venons ici à ces effets précalculés, nous pouvons voir ici qu'il y a un petit bouton à inverser, et c'est ce que j'ai fait quand j'inversais l'appli. J' ai juste fait cliquer sur ce bouton et il inverse l'échantillon pour nous. Et quand nous éteignons la lumière, cela rend l'échantillon de coup normal. Jetons donc un coup d'oeil à inverser un échantillon de clap. notre modèle de batterie. Ok, donc on va juste boucler le modèle de batterie et on va venir ici et on cherche un clap. Vous pouvez utiliser un raccourci ou un long clap ou n'importe quel type de crap que vous aimez. Mais je vais utiliser juste un de ces courts claps ici. Je vais traîner ça dedans. Et ce que nous faisons, c'est d'inverser le clap chaque fois qu'on voit un clap jouer ici. Donc il y a l'attaque Lab 16. Nous mettons le revers immédiatement devant lui. Alors inversons ce son. Et comme vous pouvez le voir, c'est tout de suite, je vais le faire glisser vers le haut. Il est immédiatement en face du clap original. Alors regardons cela et voyons à quoi ça ressemble avec un clap inverse. Je vais juste faire vivre la boucle plus longtemps. D' accord ? Maintenant ce qu'on peut faire, c'est avec ce Clap, on peut le faire passer à tous les autres effondrements comme ça. Et le dernier clap. Et si nous l'avons joué, et maintenant si nous jouons toute la boucle et que nous écoutons le clap inversé à côté des claps originaux, ça sonnera comme ça. Et si vous utilisez un clap inverse, ce que vous feriez c'est que vous viendrez dans le mélangeur et que vous feriez le clap inverse un peu plus silencieux que les autres claps. Donc l'autre clap semblait être ici quelque part. Donc je vais faire tomber ça et on va écouter maintenant. Donc, une autre façon de manipuler vos sons est de venir ici et de les regarder dans les paramètres d'une heure. Maintenant, j'utilise beaucoup le paramètre out, surtout pour les goûts de ce shaker. Donc, ce shaker, c'est un son assez rapide, mais vous pouvez voir la queue du son continue bien au-delà de tous les autres shakers. Donc, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons déplacer ce paramètre vers le haut, et en fait il s'estompe le son de l'échantillon beaucoup plus rapidement. Comme vous pouvez le voir ici, le son est passé d'ici à ici. Et si nous regardons ici aussi, si nous regardons dans une playlist que ce qu'il fait, c'est en fait de se débarrasser de ce conte que je ne veux pas. Alors maintenant, laissez-nous entrer dans l'échantillon. C' est un paramètre pratique pour si vous faites glisser un échantillon et qu'il est un peu trop long, mais vous aimez vraiment le son de ceci. Nous pouvons en fait, nous pouvons réellement prendre ce son et réduit en utilisant le paramètre out. Comme ça. Prends ce long clap. Réduisez-le en utilisant la sortie. Réduisez-le encore plus. Donc maintenant, ça ressemble à ça. Et ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez avoir deux versions. Donc, vous pourriez avoir ce genre de clap court comme une couche. Et puis, lorsque vous arrivez à votre section de dépôt, vous pouvez avoir un second clap qui n'a pas le paramètre de sortie activé. Et ça ressemble à ça alors. Jetons un coup d'oeil à faire ça. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais rendre cet échantillon unique pour que les modifications que j'apporte à l'échantillon n'affectent pas les autres. Donc, comme vous pouvez le voir maintenant, c'est passé au numéro deux. Donc cet échantillon est maintenant complètement différent des échantillons ici. Et je vais le faire, je vais supprimer celui-ci et je vais copier cet échantillon numéro deux. Et je vais les appliquer. Donc, je vais monter le paramètre de sortie tout le chemin vers le haut. Et vous pouvez voir que ça n'affecte pas ceux-ci, ça n'affecte que le numéro deux. Alors écoutons maintenant pour voir à quoi ressemble le modèle avec le clap court d'abord, puis le clap pulmonaire après. C' est donc une technique vraiment intéressante que vous pouvez faire dans vos pistes pour créer une progression. Donc les pistes grandissent en quelque sorte au fur et à mesure qu'il se joue. Je vais vous montrer une chose de plus que vous pouvez faire avec votre kick drum et de le manipuler. Donc, si nous retournons dans cette fenêtre d'exemple, nous pouvons venir, si nous cliquons sur ceci, c'est juste appelé cible d'effets. Mais on peut venir ici pour aller chercher. D' accord ? Maintenant, ce que Pogo fait c'est qu'il change en quelque sorte la forme de votre enveloppe de désintégration. Tu ne sais même pas ce que ça veut dire. Tout ce que vous devez savoir, c'est que lorsque vous le faites glisser vers la gauche, il pousse la forme d'onde vers le haut contre elle-même, c' est un peu l'écrase contre ce mur. Et si vous le dites dans l'autre sens, il fait la même chose, mais avec une courbe différente. D' accord, mais les deux côtés ont l'air différent. Alors écoutons ce que ça ressemble sur le côté droit. Voici à quoi ça ressemblerait si on ne l'appliquait pas. Et voici à quoi ça ressemble, complètement à gauche. Donc, ce que vous pouvez faire avec le pogo, c'est si vous avez un coup de pied que vous voulez ajouter plus transitoire ou si vous voulez le rendre plus cliqué. On peut faire glisser le pogo un peu vers la gauche et ça rendra le son plus cliqueux. Vous pouvez également le faire glisser vers la droite pour rendre le son un peu plus doux. C' est donc juste un autre outil pratique que vous pouvez utiliser pour manipuler vos échantillons de batterie. Dans la section suivante, nous allons examiner la construction de modèles d'accords et comment vous pouvez choisir des instruments qui sonnent bien pour vos disques. 15. Créer des motifs d'accords: Donc, cette conférence est tout sur la construction de modèles de cartes pour EDM. Maintenant, vous ne pouvez jamais utiliser de modèles d'accords dans vos pistes, ou vous pouvez toujours utiliser des modèles d'accords dans vos pistes, mais il est important de comprendre comment construire un modèle d'accords. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va venir ici et on va commencer par un simple instrument polyphonique. Donc je vais choisir les clés FL. Polyphonique signifie que l'instrument peut jouer plus d'une note en même temps. Donc un piano. Nous savons ce que le piano que nous pouvons jouer, accords que nous pouvons jouer plus d'un noeud en même temps. Si vous avez un instrument qui ne peut pas jouer plus d'une note en même temps, alors cela serait considéré comme un instrument monophonique. Donc, des instruments comme la grippe ou l'enregistreur là-bas, monophoniques car ils ne peuvent jouer qu'une seule note en même temps. Mais je vais rester avec ce piano, parce que je sais que c'est un instrument polyphonique, et je vais faire un clic droit sur le petit instrument ici. Et je vais prendre un rouleau de piano pour nous amener là où on peut commencer à entrer des notes pour notre cour. Donc, la première chose que nous avons remarqué est que cela semble un peu différent de la fenêtre de playlist, mais cela fonctionne sur le même principal. Ok, donc on a bar 1, bar 2, bar 3, bar 4 ici, et on a aussi nos beats. C' est donc le premier temps, le deuxième temps, le troisième temps, le quatrième temps. Et puis entre ces perles, nous avons nos pas. Un, étape, deux, étape trois, étape quatre. Donc, il fonctionne exactement de la même manière que la playlist. Donc je vais commencer par mettre un rien ici à C. Je vais jouer avec certaines des notes que je pourrais ajouter. Je pourrais en ajouter un ici à la troisième étape, puis j'en ajouterai une. Et la deuxième étape, peut-être la quatrième étape, puis la troisième étape encore ici. Alors voyons à quoi ça ressemble jusqu'à présent. Et je pense que c'est un peu plus rapide. Je vais ramener le BPM à 128, notre médium heureux. Et je vais encore écouter. Donc, lorsque vous créez des motifs de cordon, une chose que vous vouliez vous assurer est que vos notes ne se touchent pas. Parce que lorsque les nœuds se touchent les uns les autres, ça peut sembler un peu amateur S'il ne le fait pas encore à ce modèle. Et maintenant je vais raccourcir la nonce qui se touchent. Donc je vais raccourcir ça pas pour que ça ne touche pas celui-là. Et je vais raccourcir cette note. Ça ne touche pas celui-là. Et je vais aussi raccourcir celui-ci parce que quand il bouclera, quand la tête de lecture tourne autour, cette note touche en fait ce pas donc je vais le raccourcir ici, et c'est nous dans le modèle. Maintenant. Lorsque vous utilisez des notes plus courtes, cela crée réellement une rainure Marvel. Et groove est très important pour EDM parce que c'est ce qui fait monter les gens sur leurs honoraires et danser. Vous ne voulez pas que votre modèle d'accord sonne trop lisse. Vous vouliez avoir l'impression que c'est une sorte de poignarder l'auditeur avec ces courts, ces notes sont appelées staccato. C' est juste le terme musical pour le court et le genre d'accrocheur. Écoutons à nouveau ces notes staccato dans le motif. Donc ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais dupliquer ça. Et je vais faire glisser les nœuds dupliqués jusqu'au cinquième de l'accord de C, qui est G. Donc écoutons maintenant ce que cela ressemble quand nous jouons le nœud racine et la cinquième note en même temps. Et encore une fois, je vais le dupliquer et je vais faire glisser les nœuds dupliqués jusqu'au tiers de C, et je vais le rendre mineur. Donc, en do mineur, on a D. Sharp. Alors écoutons ce petit modèle d'accords maintenant. Avec les notes courtes, les petites notes staccato ajoutent à la rainure. Écoutons. Maintenant, je voulais ajouter du swing à ce modèle. Donc une chose que je pourrais faire est que je pourrais sortir du modèle et que je pourrais utiliser le balancement ici pour que je puisse monter ça. Si nous, si nous allumons le métronome, qui va jouer le compteur, nous pouvons entendre parler du motif sonnera comme quand il y a des tambours en train de jouer. Alors allumons le métronome et écoutons le compteur de la piste pendant que le motif est en train de jouer. Maintenant, je vais revenir dans ce rouleau de piano en cliquant dessus. Une chose intéressante à faire à vos modèles d'accords est de dupliquer les notes de tête. Encore une fois, amenez-les peut-être à l'octave. Donc c'est un autre noeud de C. Donc nous avons C5 ici et ensuite nous avons C7 ici. Et ce que nous pouvons faire, c'est si nous changeons certains de ces nœuds. Donc je suis, j'amène ça à un D, et j'amène ce C à un D-Sharp, alors je pourrais ramener ce C à un autre noeud de l'échelle, un tranchant. Et je pourrais ne pas le ramener à G, qui est le cinquième. Et je laisserai celui-là sur C. Voyons à quoi ressemble ce modèle. Maintenant. Je vais éteindre le métronome et je vais en fait appuyer sur commande et appuyer sur la flèche vers le bas, ce qui va déplacer les notes vers le bas d'une octave afin qu'elles ne soient pas aussi élevées. Donc maintenant, si nous voulons raccourcir tous ces nœuds en même temps, ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons tous les mettre en évidence et nous pouvons essayer de traîner. Mais ce que vous remarquerez, c'est que la glissière ne fonctionne pas si elle ne les rend pas plus courts. Et c'est parce que ces notes ici sont aussi courtes que possible. Mais si nous arrivons ici à notre accrochage à la grille, abandonnons à nouveau et que nous disons, nous voulons rendre les étapes plus intelligentes. Alors, choisissez à nouveau un quart d'étape. Et maintenant, vous pouvez voir qu'il divise les étapes en quatre étapes plus petites. Et nous pouvons maintenant raccourcir tous les nœuds en même temps. Plus les nœuds sont courts, plus votre motif a de rainure. Écoutons ces naughts plus courts dans le modèle. Reprenons le métronome. Maintenant, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons copier tout ce modèle et nous pouvons à nouveau dupliquer et le coller ici. Et si vous voulez, vous pouvez changer la racine nulle, qui est C. Donc c'est un accord de C. Nous pouvons changer le noeud racine en un autre noeud de l'échelle. Donc je vais faire glisser ça vers le bas jusqu'à G pointu, qui est le sixième d'une échelle mineure. Et je vais voir à quoi ça ressemble maintenant. Donc j'entends quelque chose se heurter et c'est ce G. Donc ce G est en conflit avec ce G Sharp. Donc je vais vraiment mettre ça en scène que c'est aussi un « G Sharp ». Donc maintenant, nous avons G pointu et D pointu, qui est le cinquième de G dièse. Et nous avons C, qui est le troisième. Donc, ces nœuds font tous partie du même accord. Donc ça devrait sembler bon. Et vous pouvez avoir votre modèle beaucoup plus vide. On pourrait sortir ce noeud ici, ces notes, et on les sortira du même endroit dans la seconde moitié du modèle. Et nous pourrions enlever, désolé, nous pouvons enlever ces noeuds aussi. Retirez-les dans la même partie de la seconde moitié. Et plus votre motif d'accord est vide, plus les autres éléments de votre piste brilleront. Et nous allons jeter un coup d'oeil à ce que lorsque nous arriverons à l'étape de l'arrangement du cours, quand nous examinerons les éléments de conduite et les éléments de votre piste, cela devrait être un peu au centre de la scène. Mais pour l'instant, sachez juste que vous pouvez avoir vos accords aussi clairsemés ou aussi pleins que vous le souhaitez. Donc je vais juste les supprimer maintenant à nouveau et recommencer à zéro parce qu'il y a quelque chose dont je veux parler, qui est la syncopation, ok ? Si vous avez déjà étudié la théorie de la musique, vous savez peut-être ce qu'est la syncopation. Mais si vous ne savez pas, syncopation est l'endroit où votre nez ou vos coups de tambour tombent en dehors des battements principaux de la barre. Donc nous savons que nous avons ce battement un, battu deux, battu trois, et battu quatre. Donc, ces notes pour le moment ne sont pas syncopées. Et quand vous n'utilisez pas la syncopation, vos cartes peuvent commencer à sembler très ennuyeux. Comme si je devais coller dans un, un autre noeud ici, mi-chemin à travers ce noeud ici comme non syncopé parce que c'est exactement à mi-chemin entre les deux battements. Donc ça ne va pas être syncopé non plus. Et je peux coller une autre note ici à mi-chemin de ces deux-là. Et il sera, ça sonnera aussi ennuyeux que le premier sur le motif syncopé. Écoutons. Cependant, si je devais déplacer ces noeuds, Faust et déplacer cela vers la droite, qui sera sur la quatrième étape. Et si je devais peut-être déplacer celui-ci vers la gauche, qui serait à la deuxième étape. Cela va créer une syncopation. Encore une fois, nous ne devrions pas avoir ces nœuds en contact. Donc, je vais utiliser un demi-pas ici juste pour les rendre plus courts. Et si nous écoutons à nouveau. Donc, ce modèle a maintenant un peu de syncopation. Mais si vous voulez vraiment faire de bons modèles de cordon, vous devriez essayer d'éviter d'avoir des notes sur les quatre battements à l'acheteur. Alors voir ici j'ai une note sur le premier temps et j'ai une note dans la deuxième perle. Et j'ai une note sur le troisième temps et j'ai une note sur le quatrième temps. Ce que vous devriez faire, c'est que vous devriez essayer d'éviter cela. Alors passons cette note à la troisième, troisième étape, et c'est le disque déplacé sait, peut-être à la deuxième étape. Maintenant, ce modèle sera vraiment syncopé et ça sonnera beaucoup plus Groovy. Et encore une fois, nous pouvons dupliquer cela et nous pouvons le faire glisser jusqu'au cinquième, et nous pouvons le faire glisser jusqu'au troisième dans le mineur. Et le modèle était, j'aime ça. Donc, je ne peux pas vous montrer étape par étape exactement comment construire un modèle d'accord parce que tout le monde a idées différentes dans sa tête et que tout le monde a des idées différentes sur ce qui semble bon. Omar ne semble pas bon. Mais ce que je peux faire, c'est que je peux vous donner ce genre de conseils et de directives que vous pouvez utiliser lorsque vous créez vos motifs de base afin que les cordons et votre piste ne semblent pas ennuyeux un robotique. Écoutons à nouveau ce modèle avec la syncopation que nous venons d'ajouter. Dans la prochaine conférence, nous allons envisager de choisir différents instruments pour vos modèles de cartes. 16. Choisir des instruments pour les accords: Dans cette conférence, nous allons parler du choix des instruments pour les tribunaux. Maintenant, c'est absolument la partie la plus importante pour faire de la musique électronique. Vous n'avez pas besoin de savoir comment concevoir votre propre sens de fantaisie parce que si vous concevez des sons qui ne s'adaptent pas bien, alors c'est juste une perte de temps. Donc, je pense qu'il est important de regarder comment choisir des presets, tout d' abord, qui s'intègrent avant de faire nos propres sons. Donc, ce que j'ai ici, c'est un petit motif de cordon que j'ai créé sur le piano. Et c'est assez simple. C' est juste que ça a commencé avec la grossièreté syncopée et que j'ai dupliqué la cinquième. Et puis je le duplique à nouveau jusqu'au troisième en mineur. Et puis je n'ai rien changé. Je l'ai ramené à D, et j'ai ramené ce nœud à D. Donc c'est vraiment simple. Puis j'ai collé ce motif, collé ce mini motif à travers. Et puis je change le nœud racine jusqu'à D-Sharp, ai changé en G-Sharp, puis de nouveau en G-Sharp. Mais la partie supérieure de l'accord reste la même. C' est pareil tout le long du chemin. Alors écoutons ce modèle d'accord sur le piano coincé FL Studio. Écoutons. Maintenant, la première chose que je vais dire sur le choix de vos sons est certainement ne pas choisir le son du piano d'origine. Tous ceux qui font de la musique connaissent le son des pianos d'origine de Hertz. Donc, si vous avez l'intention d'envoyer vos morceaux à des étiquettes d'enregistrement qui rejettent le tout de suite parce qu'ils connaissent le son du piano d'origine. Donc, vous pouvez télécharger. Il y a littéralement des millions de plug-ins gratuits sur Internet que vous pouvez télécharger des nouvelles. Donc, je vous suggère de télécharger un gratuit et d'utiliser cela à la place. Ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici et je vais le remplacer par un plug-in piano, piano que j'ai, qui s'appelle piano V2. Voyons donc à quoi ressemble ce modèle avec le nouveau son du piano. Maintenant, beaucoup d'EDM utilise un son de piano comme base. Donc, si vous voulez rester avec un piano, vous pouvez, ou vous pouvez le changer et le transformer en un synthétiseur. Ce que je vais faire, c'est que je vais garder ce son de piano pour l'instant, et ensuite je reviendrai le changer plus tard. Donc, comme nos échantillons de batterie, nous devons couches sont des accords. Donc je vais venir ici pour ajouter, et je vais ajouter un synthétiseur à la couche avec le piano. Donc, je vais calquer un de ces presets à partir de ds. Ds Darn est juste le synthétiseur tiers que j'ai. Mais vous pouvez télécharger beaucoup de synthétiseurs tiers sur Internet, les combiner aussi bien. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici à la section prédéfinie et que je vais descendre pour diriger parce que c'est là que la plume sonne là. Et ce sont les types de sons que nous recherchons sont des accords. Donc, nous cherchons des pinces et nous allons jeter un oeil à ce que sont les blocs et un peu plus de détails quand nous allons faire nos propres sons. Mais pour l'instant, si vous choisissez vos presets, assurez-vous de rechercher ces sons de troupeau et selon le synthétiseur que vous utilisez, le mot pluck peut être PRK ou peut-être PLC, ou une abréviation du mot, mais vous sont à la recherche d'un sons de plume. Donc je vais commencer ici avec cette plume d'automne. Et je vais voir à quoi ça ressemble avec mon piano. Donc je vais venir au piano et je vais copier, éditer, copier le motif. Et puis je vais entrer dans ma règle de piano synthétiseurs. Et je vais éditer, coller cette tasse, ce modèle. Voyons maintenant à quoi ressemble le synthétiseur avec le piano comme calque. J' aime bien le son de ce synthétiseur avec le piano. Je vais juste couper le piano pour voir à quoi ressemble le synthétiseur. Amazon. Donc la première chose que je remarque est que le synthétiseur est un peu fort, donc je vais l'ouvrir et je vais frapper cette roue de paramètres que je puisse l'affecter à une piste de mixage. Et je peux le baisser alors juste pour entendre le piano un peu mieux. La raison pour laquelle je refuse le synthétiseur est parce que évidemment le synthétiseur est une couche. Et nous voulons que les couches se fondent et sonnent comme un gros instrument. Nous ne voulons pas pouvoir choisir les différents sons. Nous voulons que tous les sons se combinent pour créer un gros son. Alors écoutons encore et voyons si on a un gros son. Maintenant, nous pouvons ouvrir ce synthétiseur et nous pouvons changer le son et voir si nous pouvons trouver des sons qui ne correspondent pas. Will instantanément, j'entends que ce son ne correspond pas parce qu'il est en quelque sorte Louder et qu'il prend le relais du piano. Donc je vais le faire, je vais continuer et je ne vais pas choisir ça. Je n'aime pas le son de ça. Rebaissons-le, donc ça ne domine pas le piano. Ça a l'air sympa. J' aime vraiment le son de ces presets croustillants, donc je vais laisser ça là-dedans. Donc, lorsque vous superposez vos motifs d'accords, une bonne façon de calquer serait de penser à l'instrument final que vous voulez créer. Donc, si nous refusons tout cela, nous savons que le piano est l'instrument principal. Donc nous ne voulons pas, nous ne voulons pas distraire du piano, mais nous voulons ajouter au piano. Alors amenons ce petit instrument ici. Maintenant, je peux entendre que cet instrument a beaucoup de hautes fréquences. On dirait qu'il siffle. Donc, nous savons maintenant que nous avons un instrument principal et une sorte d'instrument de haute hauteur. Avec ces couches, il nous manque un instrument qui peut donner un peu de gaspillage au motif. Donc, si nous écoutons à nouveau, le motif semble bien, mais il manque les déchets dont il a besoin. Donc, je vais dupliquer ce plugin déchiré en descendant ici et en cliquant sur clone. Et puis je vais aussi revenir dans le rouleau de piano et copier le motif de piano dans notre nouveau synthétiseur pour que nous puissions l'entendre. Donc, appuyez sur Modifier, puis collez. Et puis je vais lancer ça sur une octave. Ok, alors j'ai appuyé sur commande et la flèche vers le bas pour qu'elle soit assez abaissée. Et nous pouvons voir ici, ce sont les notes fantômes des autres modèles. Donc nous pouvons voir que les autres modèles sont en fait sur cette octave. Et le modèle arabe est maintenant sur l'octave ci-dessous. Alors écoutons à quoi cela ressemble avec le même préréglage que l'autre synthétiseur. Donc, ce que vous ne voulez pas faire, c'est que vous ne voulez pas avoir les mêmes sons en couches avec les mêmes sons. Donc ce préréglage est le même préréglage que j'ai utilisé dans ce synthétiseur. Donc ce qu'on veut faire, c'est qu'on va changer ça. Alors changeons ça. Voyons à quoi ressemble le prochain préréglage. Et en fait ce que je vais faire, c'est que je vais juste assigner à un lien différent attirer parce qu'il est affecté au même ici, c'est aussi sur un. Alors, nous allons baisser celui-ci. Je n'aime pas le son de ça, mais j'aime le son de ça, ce synthétiseur est très, très bon avec les deux autres centres, avec le synthétiseur et le piano superposés. Et nous allons entendre à quoi cela ressemble avec le motif complet. Donc ce synthétiseur supplémentaire que nous venons d'ajouter, qui ajoute du gaspillage au modèle. Donc, si je remonte le synthétiseur original que nous avions, ça sonne bien et aéré. Mais si nous voulions ajouter un peu plus de façons, nous pouvons ajouter un autre calque qui a mis une octave vers le bas, et cela ressemble à ceci. Donc je pense que ces couches vers le bas assez bien. Je pense qu'ils sont combinés ensemble pour ressembler à un gros instrument. Et c'est ce que vous voulez faire avec vos couches aussi. Vous pouvez avoir vingt-cinq couches différentes tant qu'elles se combinent pour ressembler à un instrument plus grand, alors vous savez que vous êtes en superposition correctement. Vous devez également écouter de manière critique et vous assurer que les préréglages que vous choisissez s'intègrent bien. Dans la prochaine conférence, nous allons apprendre à modifier ces presets et les manipuler pour qu'ils puissent sonner exactement comme nous le voulons. 17. Introduction à la synthèse: Donc, dans cette section, on va regarder la synthèse sonore. La synthèse est un sujet énorme, donc nous allons seulement couvrir les bases ici. Mais si vous êtes intéressé par la synthèse et la conception sonore, assurez-vous de rejoindre ce groupe Facebook dont je parlais tout à l'heure. Comme je vais publier un cours sur la synthèse et le design sonore à l'avenir. Et j'utiliserai ce groupe pour annoncer quand il sera sorti. Donc, disons que vous avez un modèle ici, mais certains des synthétiseurs ne sonnent pas exactement comme vous le souhaitez. Donc, disons que ce synthétiseur inférieur ici, le synthétiseur final soit ajouté dans la dernière conférence. Disons que vous n'aimez pas le son de ceci et que vous voulez le changer légèrement. Donc nous pouvons entrer dans cette incisive et nous pouvons réellement modifier différentes choses comme les oscillateurs ici. Nous pouvons modifier les enveloppes, modifier les filtres, et activer et désactiver les effets. Et nous pouvons faire tout ce genre de choses pour rendre le son différent. Par exemple, si je devais changer le son de l'oscillateur ici de la dent de scie. Donc c'est à ça que ça ressemble avec la dent de scie. Et si je change cette synthèse, cette, désolé, cet oscillateur en post numéro 4, ça sonnera comme ça. Les composants que vous trouverez sur ce synthétiseur seront les mêmes sur n'importe quel synthétiseur. Vous aurez des oscillateurs et des enveloppes d'ampli et des filtres et auto. Alors ne vous inquiétez pas si vous avez peur que votre synthétiseur soit différent parce qu'ils fonctionnent tous de la même manière. Passons donc maintenant au genre de première conférence dans cette section de synthèse, où nous avons appris sur les composants du synthétiseur et leurs fonctions. 18. Composants de synthétiseur: Donc, dans ces diapositives, nous allons couvrir les bases mêmes de la synthèse sonore afin que vous puissiez prendre des décisions éclairées lors de l'ajustement, de la création ou des sons. Il existe différents composants qui se combinent pour faire un synthétiseur. Et ils ont tous leur propre but spécifique. Voyons donc ce qu'ils sont et comment nous pouvons les utiliser pour nos pistes EDM. Donc le premier sujet dont je vais parler est polyphonique contre synthétiseurs monophoniques. Maintenant, nous l'avons déjà mentionné brièvement quand nous construisions un modèle d'accord. Mais je vais revenir en arrière ici, juste pour que vous puissiez être sûr de ce que ça veut dire. Donc, un synthétiseur monophonique, ou un synthétiseur mono, est un synthétiseur qui ne peut produire qu'une seule note à un moment donné. Donc, si vous voulez utiliser un synthétiseur monophonique pour les accords, cela ne fonctionnera pas en fait. Cependant, la plupart des synthétiseurs modernes ou polyphoniques, ce qui signifie qu'ils peuvent jouer plus d'une note à la fois. Cela les rend parfaits pour les sons d'accords et les pads. Ces synthétiseurs modernes peuvent également fonctionner comme un synthétiseur monophonique si vous souhaitez l'utiliser de cette façon. y avait qu'un seul avantage réel d'utiliser un synthé monophonique ou de configurer votre synthé pour fonctionner comme monophonique. Et c'est qu'ils sont plus expressifs qu'un polyphonique envoyé. La raison en est que les synthétiseurs polyphoniques sacrifient un petit morceau du design sonore afin de pouvoir jouer plus d'une note à la fois. Donc, si vous n'avez pas besoin de jouer plus d'une note à la fois, par exemple, lignes de base ou des mélodies de plomb, alors vous devriez probablement juste définir votre plugin de synthétiseur sur monophonique si cela vous donne cette option. Jetons un coup d'oeil à Voices maintenant. Une voix en physique n'est qu'un médium résonnant. Donc, si on prend une guitare, par exemple, eh bien, chaque corde de la guitare est une voix parce que ce sont chacun des médiums qui résonnent séparément. En théorie, une guitare aurait six voix. Eh bien, dans un synthétiseur, les voix sont juste les petits chemins de signal que votre synthétiseur utilise pour créer le son. Ces voix sont directement liées au concept polyphonique dont nous avons parlé dans la diapositive précédente. Donc, si vous avez quatre voix actives, vous ne pouvez jouer que quatre notes en même temps. Mais si vous avez 16 voix actives, vous pouvez jouer 16 notes en même temps, mais à un niveau plus avancé, voix peuvent fournir une texture supplémentaire dans le son que vous essayez de créer. Si vous définissez votre synthétiseur en mode unisson , le plug-in commence à traiter toutes ces voix séparément. Vous pouvez ensuite détoner chacune de ces voix différemment pour faire un son beaucoup plus gros. Maintenant, très peu de synthétiseurs vous permettent de modifier manuellement chaque voix. Mais on nous donne généralement un bouton d'unisson et un bouton D2 avec lequel nous pouvons jouer, plus nous mettons de voix pour détourner le ticker que le sable aura. Donc, si nous avons un coup d'oeil à l'exemple ici sur l'écran en bas à gauche, c'est juste une capture d'écran d'un plugin appelé Spire. Mais l'image dans le coin inférieur gauche est des voix où nous pouvons définir le nombre de nœuds que nous voulons pouvoir jouer en même temps. Donc, dans ce cas, nous ne pouvons jouer que quatre notes en même temps. Et si nous regardons un petit exemple à droite, nous pouvons voir que c'est la section unison où on nous donne un bouton détoné et un bouton de densité. Ou nous pouvons dire à quel point nous voulons que le son soit dense. Et en dessous, nous avons la section Voix où nous pouvons dire combien de voix nous voulions détourner se déplaçant sur des oscillateurs. Ce sont les sons réels avec lesquels le synthétiseur travaille. Il existe quatre principaux types d'oscillateurs, et ceux-ci sont sinusoïdaux, carrés, dents de scie et triangle. Je ne vais pas expliquer pourquoi ils sont façonnés comme ils sont. Mais tout ce que vous devez savoir, c'est comment chacun d'eux sonne. Alors écoutons chacun maintenant. Je dirai qu'avant nous, vous voudrez peut-être baisser votre volume ou enlever vos écouteurs parce que ces sons peuvent être assez percants quand ils sont dans leur forme la plus pure. Ok, alors écoutons maintenant. Le premier exemple ici est l'onde sinusoïdale. Le deuxième exemple que nous avons ici est la vague carrée. Le troisième exemple est une vague triangulaire. Et le dernier exemple que nous avons ici est une onde en dents de scie. Voici donc ce que les synthétiseurs utilisent pour créer le son que vous entendez. Il est ensuite acheminé par d'autres composants tels que l'ADSR et le filtre pour transformer fondamentalement le son en quelque chose de nouveau. Certains synthétiseurs vous donneront beaucoup plus d'oscillateurs que ces quatre ici. Mais c'est parce qu'ils ont été façonnés par une façon de shaper ou à cause de la modulation de fréquence ou de pitch. Donc, si on vous donne une autre forme d'oscillateur à utiliser, elle est en fait basée sur l'une de ces quatre formes. Si vous jouez avec les différentes options d'oscillateur sur votre synthétiseur, vous serez en mesure d'entendre les différents sons qu'ils produisent. Ensuite, nous examinerons le composant ADSR. Donc avec ça, il y a en fait deux types. Il y a un filtre ADS ou puis un ampli ADSR. Le filtre ADSR contrôle le filtre et rend le son plus ou moins lumineux. L' ampli ADSR contrôle le volume et il rend le son plus ou moins fort. Pour ce cours, nous ne sommes concernés que par l'AMP ADSR. Mais il est bon d'être conscient que l'autre type existe. Adsr est synonyme d'attaque, désintégration, de sustain et de libération. Et vous pouvez voir ce que le graphique ici sur le côté droit, comment il fonctionne. Donc, l'attaque est combien de temps il faut le son pour atteindre son niveau le plus fort. Vous pouvez donc régler cela assez longtemps pour faire un son de pad cool et balayant. La désintégration est le temps que prend le son pour atteindre le niveau de sustain. Donc, soutenir quelque chose signifie le tenir. Si vous deviez garder votre doigt sur la note du synthétiseur, ce serait le niveau de sustain. Rendre le niveau de sustain un peu plus silencieux que le niveau de désintégration crée un son plus naturel. Et enfin, la sortie est le temps qu'il faut pour que le son atteigne moins l'infini ou 0 après la sortie de la note. Donc, si vous enlevez votre doigt de cette note, combien de temps la bande sonore va s'estomper, pour faire taire. Tout dans l'ADSR est une mesure du temps, sauf pour le sustain, qui est une mesure du volume. Et les sons typiques que vous trouvez sur un synthétiseur dépendent des paramètres ADSR. Un son de plume est court et a peu ou pas de niveau de sustain. Donc, si vous gardez votre doigt sur le nez, le son s'estompera toujours au silence. Le son de basse est similaire à un son de bloc, mais le niveau de sustain est un peu plus élevé, sorte que lorsque vous tenez la note, le son de la basse tient également. Ceci est important parce que beaucoup d'EDM utilise juste une ligne de base nulle de pédale. Et nous verrons ce que c'est quand nous arriverons à construire des patrons de basses. Un sable de plomb est alors conçu pour jouer des mélodies de plomb. Ainsi, le niveau de sustain est souvent très élevé de sorte que la mélodie complète peut être blessée. Et puis vous avez aussi un son pad, et ce ne sont que de longs sons de balayage conçus pour la musique ambiante. Ainsi, vous constaterez souvent que le temps d'attaque est très long et que le temps de sortie est très long, le niveau de sustain sera également élevé. Mais lorsque nous examinons la modification de nos synthétiseurs, nous avons appris que nous pouvons les ajuster pour qu'ils s'adaptent mieux à nos pistes. Maintenant, regardons le filtre. Cette partie du synthétiseur est la plus responsable de façonner les sons que nous en sortons. Ou pour le dire brièvement, le filtre bloque simplement une partie du son et laisse passer le reste du son. Il existe différentes formes de filtre que vous pouvez utiliser, telles que le passe-bas ou un passe-bande. Et je vais inclure un article que vous pouvez lire qui expliquera chacun de ceux-ci. forme la plus courante utilisée est le filtre passe-bas. Et il fait exactement ce qu'il dit sur la boîte. Il laisse passer les basses fréquences et bloque les hautes fréquences. Ou en d'autres termes, il laisse la partie de base de votre son à travers un noir. Plus les bruits sifflants. Le point où le filtre bloque le son est appelé la fréquence de coupure. Par exemple, vous pouvez bloquer beaucoup des histones sont, vous ne pouvez bloquer qu'une petite quantité du son sifflement. Vous utiliseriez le paramètre de coupure à la justice. Vous pouvez également automatiser le paramètre de coupure pour un son très intéressant. Écoutons cet exemple d'un modèle d'accord où le filtre est coupé. La fréquence a été automatisée pour permettre lentement des sons plus élevés. Ceci est également appelé ouverture du filtre. Écoutons maintenant. L' ouverture du filtre est une technique courante utilisée dans l'EDM car elle crée une tension. Le son taquine l'auditeur car il reçoit lentement de plus en plus de son complet. Quand ils obtiennent enfin le son complet avec d'autres éléments tels que la batterie et le chant, cela peut vraiment rendre l'expérience beaucoup plus intense avec le filtre. Il y a aussi un paramètre de résonance dont je voulais parler avant de passer à autre chose. Parce que c'est particulièrement bon pour les sons techno et acides. Lorsque vous montez cela, cela accentue vraiment la fréquence de coupure. Donc, comme vous ouvrez le filtre au son est beaucoup plus accentué un dans votre visage. Écoutons un exemple d'ouverture du filtre avec la résonance refusée. Et puis un exemple d'ouverture du filtre avec la résonance est apparu. Passons au LFO. Cela signifie la modulation basse fréquence et un peu comme l'automatisation, sauf qu'elle est conservée dans le synthétiseur. L' équivalent d'utiliser un LFO serait si vous deviez déplacer un curseur de volume vers le haut et vers le bas une certaine quantité de fois par seconde. Le nombre de fois qu'il se déplace est contrôlé par la fréquence. Donc, si nous définissons la fréquence à trois hertz, il va effectivement déplacer le curseur vers le haut et vers le bas trois fois par seconde. Le LFO est la façon dont nous pouvons créer des effets vibrato ou trémolo avec le synthétiseur. Donc, ceux-ci font juste le genre de bruit de vacille entre différents volumes sont des hauteurs. Donc le son qui vacille entre les volumes est appelé vibrato, et un son qui vacille entre les hauteurs est appelé tremolo. Un LFO peut être utilisé pour presque tout en dubstep. Un LFO est utilisé pour contrôler le filtre de coupure, ce qui crée le son basé sur le Web qui est si célèbre. Nous pouvons également changer la forme du LFO pour l'une des quatre formes d'oscillateur que nous avons déjà examinées. Mais c'est assez facile à comprendre. Si vous pouvez imaginer le curseur se déplaçant dans la même forme qu'une onde sinusoïdale, alors il se déplacera assez doucement parce que la forme d'une onde sinusoïdale est lisse. Mais si vous imaginez une vague carrée contrôlant le curseur, alors il va réellement sauter de haut en bas, exactement la même que l'onde carrée est en forme. Ainsi, la forme contrôle simplement la vitesse à laquelle le curseur se déplace de haut en bas. Ensuite, nous avons Portmanteau. C' est un paramètre simple mais vraiment amusant pour jouer avec les forces mentales de Puerto. Le son à glisser vers le haut ou vers le bas vers les notes. Il est très couramment utilisé dans le genre maison électorale russe, qui a été rendu célèbre par la piste astronomique par Tony Ag. Alors prenons une écoute que les astronautes par mélodie sans porta mental et puis un exemple avec le parlement qui a appliqué. Plus vous mettez le portmanteau plus agressivement, ce sont des diapositives. Vous pouvez également contrôler le temps de glisser vers le haut et vers le bas si votre synthétiseur le permet. Mais si vous mettez l'ornemental trop haut, vous pourriez finir par masquer certaines des notes. Assurez-vous donc que tous les nœuds sont clairement audibles lorsque vous utilisez portmanteau. Le composant suivant regardera est le mélangeur. Ce mélangeur, il fonctionne de la même manière que n'importe quel autre mélangeur. Il est utilisé pour faire des sons dans d'autres sons. Ainsi, avec un synthétiseur, vous pouvez avoir plus d'un oscillateur en même temps. Vous pouvez définir tous ces oscillateurs différemment, puis les mélanger les uns dans les autres sous forme de couches. C' est un peu comme superposer nos instruments, sauf qu'on superpose les sons individuels qui composent un instrument. Donc, la plupart des préréglages de synthé que vous trouverez utiliseront plus d'un oscillateur parce qu'il rend le son beaucoup plus complet et intéressant pour l'oreille si vous faites vos propres sons, essayez d'utiliser plus d'un oscillateur et de les mélanger ensemble. Ensuite, nous avons la section d'effet où nous pouvons appliquer des effets standard comme la réverbération ou la distorsion. Cela peut être utilisé de manière créative ou pour un résultat intéressant. Il peut également être utilisé pratiquement pour faire un effet particulier, tel que low-fi. Mais ces effets peuvent être appliqués lorsque vous mélangez en utilisant également des plug-ins. Donc, c'est à vous de décider si vous voulez les utiliser maintenant ou quand vous mélangez. Enfin, nous avons la partie la plus déroutante de toute cette conférence. Si vous étiez confus jusqu'à présent, vous serez certainement confus par cette partie. Il y a des millions de synthétiseurs différents et tous ont l'air complètement différent. Donc, lorsque vous ouvrez un synthétiseur, il faut un peu de comprendre comment l'utiliser. Vous pouvez toujours rechercher des tutoriels ou des articles qui vous diront comment les utiliser. Mais où est le plaisir ? Restez coincé et découvrez comment ils fonctionnent. En le découvrant vous-même, vous apprendrez le design sonore dans le processus. Maintenant, nous sommes prêts à modifier certains presets et à concevoir nos propres sons. Retournons dans l'obscurité pour la prochaine conférence et jetons un coup d'oeil à cela maintenant. 19. Tweaking Synthesiser: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la modification des synthétiseurs afin que nous puissions changer les presets pour qu'ils correspondent au son que nous voulons. Donc, ce que j'ai ici, c'est que j'ai ce modèle d'accords que j'ai inventé très rapidement, juste pour que nous puissions entendre ce que nous faisons. Et j'ai aussi ce plug-in appelé spire, qui est en fait le plugin que nous utilisions dans images d'exemple de la conférence précédente lorsque nous étions en train de passer par les diapositives. Donc ce que j'ai fait, c'est que j'ai chargé ce préréglage de la plume. Donc p ok, qui est une abréviation de plumer, et ça s'appelle blanche. Maintenant, j'ai choisi celui-ci parce que je n'aime pas le son du tout. Et c'est vraiment perçant et c'est juste que ça ne sonne pas si bien. Mais ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons modifier les paramètres sur tout ce synthétiseur et fondamentalement le rendre meilleur son. Donc, nous allons juste prendre une écoute du son comme il est maintenant avec le motif que j'ai fait plus tôt Jouer. D' accord ? Maintenant, si nous regardons ici, nous pouvons voir que le temps de sortie est vraiment, vraiment long parce qu'il a fallu beaucoup de temps pour que le son atteigne le silence. Donc la première chose que je vais faire est de venir ici à la sortie et à l'ADSR. Et je vais refuser ça. Et pendant que je refuse, je vais écouter le modèle juste pour entendre ce que je fais. Ok, alors écoutons le modèle et puis réduisons ce temps de sortie pendant qu'il est en train de jouer. Ok, donc je préfère beaucoup le son de ce temps de sortie plutôt que le temps de sortie quand il était vraiment haut. Donc je vais le laisser quelque part en bas. Ensuite, ce que je vais faire, c'est que je vais désactiver les effets ici. Donc c'est notre section Effets et je vais juste muse pour retarder. Je vais couper le son de la réverbération. Et je vais aussi utiliser cette saturation ou une sorte d'effet de distorsion. Voyons donc à quoi ça ressemble maintenant sans les effets en sourdine. Une autre chose que nous pouvons faire est que nous pouvons venir ici à la section de mixage de ce synthétiseur et nous pouvons changer le mélange des deux oscillateurs qui fonctionnent en même temps. Donc l'oscillateur trois n'est qu'un oscillateur de bruit. Et le bruit est le genre de son statique que vous obtenez sur ces vieux téléviseurs quand il vous montre le type d'écran noir et blanc. C' est ce qu'on appelle statique ou bruit. Voyons donc à quoi ressemble le bruit. Et ce bruit est superposé avec cet oscillateur à, qui est juste cet oscillateur ici. Et ça s'appelle piano a2. Et ce que vous remarquerez sur la forme de cet oscillateur, c'est que ce n'est pas l'une des formes que nous regardions, mais il est composé de ces quatre formes que nous examinons. Donc quelque part ici il y a des triangles et des carrés, et il y a des vagues de scie et ils se combinent tous ensemble pour créer cette puce. D' accord ? Donc, ce qu'on peut faire, c'est retourner sur cet oscillateur trois, et on peut vraiment venir ici et changer le son de l'oscillateur. Donc si je clique sur piano a2 et que j'ai changé ça Peut-être un sinus. Et on verra à quoi ça ressemble quand c'est une onde sinusoïdale. Et je peux le changer dans l'une de ces formes que ce plugin particulier vient avec. Donc, on en a un. Voyons voir à quoi ça ressemble. Voyons voir qu'on est un violon. Et juste pour la démonstration, voyons ce qui a envoyé trois sons. Ok, et pendant que je jouais, je ne suis pas sûr que j'ai aimé le son du bruit blanc jouant en même temps. Donc je vais couper l'oscillateur parce que je n'aime pas ça. Et je vais juste laisser le son principal, qui est l'oscillateur deux. Je vais laisser ça allumé. Alors écoutons ce que ça ressemble maintenant. Je peux aussi venir ici et je peux ajuster le temps d'attaque pour qu'il prenne plus de temps pour que le son atteigne le temps de désintégration. Donc c'est juste l'attaque et voir quelle différence cela fait. Donc, une sorte de sons comme le volume est en train de balayer jusqu'au niveau de désintégration. Réglons la désintégration maintenant et voyons ce qui se passe. Donc vous remarquerez que rien ne s'est réellement passé là quand j'ai ajusté le niveau de désintégration. Et c'est parce que la décomposition est en fait une mesure du temps, pas du volume, mais le sustain, si on s'en souvient, est une mesure du volume. Donc, si je tourne ce curseur de volume de sustain vers le bas, alors nous devrions entendre une différence. Donc je vais juste indiquer m. Je préfère le son de ces deux curseurs, donc je vais les laisser en place. Nous pouvons également venir ici à la section du filtre et nous pouvons ajuster la fréquence de coupure. Alors écoutons le modèle que nous changeons la fréquence de coupure du filtre. Donc je pense que je préfère le son comme celui-ci avec la fréquence de coupure réduite, juste parce qu'il sonne un peu plus doux et moins intense. Nous pouvons également faire monter la résonance du filtre. Alors écoutons le son et ajustons la résonance. Donc je préfère aussi le son de la résonance, donc je vais le laisser tomber. Jetons un coup d'oeil à la section de l'unisson où nous parlions de voix. Donc ce que je vais faire, c'est, tout d'abord, montons ici et nous pouvons voir qu'avec ce réglage particulier, on peut jouer huit nœuds en même temps. Maintenant, nous pouvons changer cela jusqu'à 16 nœuds en même temps. Ou nous pouvons l'avoir vers le bas à un nœud en même temps. Et si je le laisse enfoncé à un nœud en même temps, vous remarquerez que les cordons ne joueront pas correctement parce que le synthétiseur n'est capable de jouer qu'une seule note à la fois. Écoutons ce que ça ressemble. Donc je vais revenir à quatre. Et pour faire des accords, je vais juste mettre ça aussi haut que ça va, juste au cas où on ajouterait des notes supplémentaires. Je ne veux pas du synthétiseur. Je ne veux pas que le synthétiseur priorise certains nœuds sur d'autres nœuds. Donc, je vais juste mettre cela aussi haut qu'il va au cas où nous ajouterons des notes supplémentaires plus tard. En revenant maintenant à la section de l'unisson, je vais changer la quantité de voix. Donc, pour le moment est seulement réglé sur un. Je vais porter ça à cinq. Et rappelez-vous, plus le son de Ticker D aura de voix. Alors écoutons ce que ça ressemble à cinq voix. Et si je le remets à un, et essayons tout le long à neuf voix. Donc avec neuf voix, je pense que ça sonne un peu à cocher. Donc je vais le ramener à cinq voix, je pense que c'est là que nous avions. Et pendant qu'il joue à nouveau, je vais juste ajuster la détonation et la densité juste pour voir ce que font ces boutons. Ok, alors écoutons. Et enfin, nous avons la section LFO. Alors venons ici à l'endroit où il est dit LFO un. Et on va passer à ça. Donc ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons cartographier le LFO à quelque chose. Donc, si je clique sur ce et je le mappe au filtre, et je le mappe au filtre est coupé un. Alors ce qui va se passer, c'est que le synthétiseur joue, ce LFO affectera la coupure sur le filtre. Nous pouvons également définir le timing pour être libre, ou un peu plus rapide ou plus court selon ce que vous sélectionnez ici, mais je vais le laisser libre. Nous pouvons également changer la forme comme nous parlions auparavant. Maintenant, Spire vous donne toutes ces différentes formes à choisir. Mais si nous remarquons que nous avons triangle sinusoïdal et carré. Alors passons à carré juste pour des raisons de cohérence parce que nous avons regardé les vagues carrées dans la dernière conférence. D' accord ? Donc, si je viens ici et que je monte la quantité de LFO et moi si je retourne tout ça, écoutons juste à quoi ça ressemble. Et si je monte le taux, vous ajusterez la coupure beaucoup plus rapidement. Donc vous pouvez entendre que tous ces changements sont très soudains et c'est parce que nous utilisons une vague carrée. Revenons ici maintenant et nous allons choisir une onde de sinus, ce qui est beaucoup plus lisse. La forme est beaucoup plus lisse comme vous pouvez le voir, le son que nous obtenons maintenant ne devrait pas être aussi nerveux que la vague carrée. Écoutons. Et si nous ne voulons pas que ce soit aussi extrême, nous pouvons venir ici et refuser le montant. Et aussi si vous voulez synchroniser le type LFO du taux par défaut à votre BPM, lequel mien est réglé sur 140. En ce moment, si on appuie sur le bouton de synchronisation, ça va couler. Comme vous pouvez le voir, il coule à un quart de note ou à une béquille en quelque sorte de termes britanniques. Et nous pouvons voir qu'il est maintenant en train de couler dans le BPM de la piste. Alors écoutons le son maintenant avec ce LFO succinct. Il y a donc les paramètres que vous pouvez modifier dans votre synthétiseur pour faire en sorte que le son s'adapte un peu mieux à votre piste. Dans la prochaine conférence, nous regarderons à partir de zéro et à faire notre propre son de synthé. 20. Faire des sons de syntheses: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à faire nos propres préréglages de synthé. Ce n'est pas un cours de design sonore, donc ça va être très bref. Je m'en tiendrais peut-être à peaufiner les presets pour l'instant, mais je veux vous montrer que vous pouvez faire le vôtre si vous le souhaitez. Donc la première chose que je vais dire est que chaque synthétiseur a une interface et une configuration différentes. Donc, vous devrez peut-être expérimenter un peu pour comprendre comment vos centres particuliers se configurent. Parce que je ne peux pas passer par tous les synthétiseurs et comment les utiliser. Mais si nous appliquons les connaissances que nous avons apprises jusqu'à présent, nous serions en mesure de comprendre la plupart des synthétiseurs simplement en expérimentant. Donc, ce que je vais faire est que je vais juste cliquer sur ce bouton initialisé ici juste pour que nous puissions nous assurer que tous les paramètres sont remis à la valeur par défaut. Et ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici à l'oscillateur et que je vais commencer à essayer de faire des sons. Donc, la première chose que vous remarquerez est que l'onde est réglée sur Sinewave, mais l'image que ce synthétiseur nous donne ne ressemble pas à une onde sinusoïdale. Et c'est à cause du type de synthétiseur que Spire est. Ok, donc Spire est un synthétiseur de table à ondes. On ne va pas entrer dans les détails sur ce que c'est. Juste la chose principale à savoir est que si vous avez flèche pour obtenir la forme réelle de l'onde sinusoïdale, vous devez tourner ce WT mélangé et cela signifie des micros de table d'onde. Donc on va juste tourner ça complètement et ensuite on va commencer à jouer avec les différents sons. Voyons donc à quoi ressemble l'onde sinusoïdale avec le modèle que nous avons eu dans la dernière conférence. Ok, donc je n'aime pas le son de tout de suite, donc je vais juste changer ça en quelque chose d'autre peut-être essayons d'envoyer à. Ok, donc je pense que nous avons une bonne base maintenant pour commencer à façonner notre son. Donc je vais revenir à la section de l'enveloppe, et je vais commencer à ajuster l'ADSR juste pour que ça sonne comme je veux. Donc je pense que je veux que ce soit un son un peu pincé, donc je vais monter la désintégration. Et puis je vais refuser le soutenu pour que ce soit plus un son de plume. Et puis je laisserai peut-être l'agresseur. Et la sortie sera en quelque sorte courte parce que c'est une réponse pincées qui est ici et voir si nous avons fait un flux Arna. Ok, donc ça arrive, mais je pense qu'il y a trop de libération, donc je vais finir la sortie. Ok, voyons à quoi ça ressemble si on se tourne pour soutenir complètement. Ok, donc j'ai juste abaissé le niveau de désintégration juste parce que je voulais atteindre le niveau de sustain beaucoup plus vite que quand j'étais ici. Ça prenait trop de temps. Mais nous voulions être très rapides et maladroits. Donc, je vais ramener la pourriture à nouveau. D' accord ? Maintenant, c'est à deux blocs E. Alors je vais, on y va. La prochaine chose que je vais faire, c'est que je viendrai au mode unison et que je vais rendre le son un peu plus gros. Alors je vais allumer trois voix. Et je vais voir à quoi ça ressemble. Mit accorder un peu plus et peut-être le rendre un peu plus dense. Ok, donc j'aime le son de ça jusqu'à présent. Ensuite, je vais venir ici à la section des filtres. Et pour activer le filtre inspire, nous devons d'abord le définir sur le type de filtre que nous voulons utiliser. Maintenant, le type de filtre le plus commun est ce parfait ou donc je vais juste le laisser ici sur ce préfacteur et je vais le mettre à basse-bas 4. Donc, nous avons un pass de bande passe-bas, passe-haut. Et puis nous Vr pic ou un filtre d'encoche. Mais je vais le laisser sur le passe-bas 4. Je vais ajuster la fréquence de coupure et je vais entendre ce que ça ressemble en tant qu'endroit. Et maintenant, voyons à quoi ça ressemble si nous ajustons la résonance. Donc j'aime le son de la résonance ici. C' est une sorte d'ajouter un peu de haut de gamme aux designs. Donc je vais laisser la résonance là-haut, et je vais aussi laisser la fréquence de coupure ici parce que j'aime le son de ça. La prochaine chose que je vais faire est d'ajouter un autre oscillateur qui l'a éteint. Je devais juste le montrer. Cela l'allume. J' ai donc aimé le son de cet oscillateur, mais je pense que le son a besoin d'un peu plus pour fonctionner comme un bon synthétiseur moderne. Donc je vais monter ce second oscillateur. Peut-être que vous êtes au sommet aussi. Et nous allons cliquer ici en cliquant sur l'oscillateur 2. Et encore une fois, on va monter ce mélange de table à vagues. Et là, nous allons ajouter un autre type de son en plus de nos autres oscillateurs. Alors essayons ce piano et voyons à quoi ça ressemble ensemble. Donc je vais le refuser pour voir à quoi ça ressemble sans ça. Et je vais le monter pour voir à quoi ça ressemble. Maintenant, pour cet oscillateur, je pense que je veux changer l'octave et beaucoup de synthétiseurs vous laisseront faire ça. Ils auront une petite sorte de bouton de changement d'octave. Donc je vais changer ça d'octave. Donc vous pouvez voir ici qu'il est parti pour plus un. Et cela rendra cet oscillateur plus élevé que l'autre oscillateur. Alors écoutons ce que ça ressemble maintenant. Peut-être que si je le ramène à nouveau. Donc je vais le remettre en place parce que j'aime le, j'aime le son de l'extrémité supérieure de ça. Le deuxième oscillateur est en train de s'ajouter. Je vais aussi le dérégler en ajoutant trois voix à nouveau. Voyons voir à quoi ça ressemble. Et avec spire, nous avons également une option pour déplacer l'oscillateur. Donc je peux déplacer tout ça à droite, ou je peux le déplacer complètement à gauche. Et cela est utile si je voulais déplacer, disons, oscillateur deux à gauche et puis peut-être oscillateur un ou désolé, oscillateur à droite et puis oscillateur un à gauche. Voyons voir à quoi ça ressemble. Je pense que je vais juste les remettre au centre. Et ce que je vais faire, c'est plutôt, je vais utiliser cette large option que nous donne la spirale. Et cela rend juste le son un peu plus large. Donc je vais appliquer ça à l'oscillateur 2 dans lequel nous sommes maintenant. Et je vais juste écouter pendant que ça se passe, juste pour voir ce que je fais. J' aime donc le son de l'odeur quand le réglage de l'élargissement est réglé ici. Et pourrait aussi monter cet oscillateur juste des sortes de peu plus fort. J' aime le son de ça. Et ce que je vais faire, c'est en fait que je vais ajouter un troisième oscillateur juste pour un peu de poids. Encore une fois, montez, n'appuyez pas sur l'oscillateur T 3, ça l'éteint, mais je vais l'allumer ici. Et je vais cliquer sur l'oscillateur 3, et je vais le mettre sur une octave. Immédiatement. Encore une fois, montez le mélange de table à vagues et nous allons appliquer un de ces supports. Donc je vais essayer le T2 en laiton et voir à quoi ça ressemble. Je l'ai un peu tourné. Ok, je vais le remonter. Je ne pense pas que c'est trop bas en ce moment. Ok, donc ce son particulier ne semble pas faire beaucoup de différence et je vais essayer un autre mai 1er être oregon. Essayons avec cela ressemble pour je puisse entendre ce son particulier, mais il ajoute un peu de poids. Donc, je vais peut-être refuser ça juste ici, donc c'est plus fort que le reste. Et encore une fois, je vais appliquer un peu de blancheur juste pour voir à quoi ça ressemble. Donc, nous allons écouter le paramètre de largeur que les modèles de jeu. Ok, donc ça ne fait pas beaucoup de différence. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais revenir dans l'oscillateur 1 et peut-être l'élargir pour voir à quoi ça ressemble. Alors écoutons encore une fois. Mais comme je l'ai peaufiné, j'ai remarqué que c'était en fait un peu pincé. C' est à plucky pour ce que je veux que le son soit. Donc je vais revenir à l'ADSR et je vais augmenter un peu le niveau de sustain. Et on va avoir écouté à quoi ça ressemble. Ok, donc j'aime le son du niveau de sustain quand il est quelque part par ici. Ensuite, nous allons juste jeter un coup d'oeil à la section des effets. Donc le premier est en quelque sorte, C'est un plug-in de saturation et nous allons regarder ça quand nous faisons le mixage. Mais je vais juste mettre ça en ce moment, juste pour tromper. Et je vais monter le lecteur un petit peu. Je vais écouter pendant que je vais bien, je suis en train d'affecter, désolé. Avant de faire des ajustements sur les plugins, vous devez allumer le sec, humide, sec où paramètre et sec signifie AF et humide sur. Donc à cette façon serait un 100% sur, et c'est un 100% de réduction. Donc je vais tourner ça quelque part au milieu. Et nous allons le faire à nouveau, va prendre une écoute et puis ajuster le réglage du lecteur. Et je vais baisser la sieste sèche et humide. Donc, j'aime le petit peu de pénis Ras que cet effet de saturation ajoute dans. Je vais venir ici au choeur, et je vais tourner ça quelque part autour de la même zone, peut-être un peu plus. Et je vais juste voir à quoi ça ressemble. Donc je n'aime pas du tout le son du chœur, donc je ne vais pas l'utiliser. Donc ça vient ici pour le retard. Et encore une fois, nous montons le Dry Wet et nous écouterons ce que ça ressemble. Donc, avec cet effet, nous pouvons réellement faire le retard sur la droite sont différents du retard sur la gauche. Donc, je vais tourner un peu le retard sur la gauche vers le bas. Et puis je vais tourner le délai à droite d'un peu. Alors voyons à quoi ça ressemble. Donc je pense que le retard est un peu trop fort, donc je vais juste le refuser juste pour que ce soit un peu subtil. Un x, on a juste un coup d'oeil à la réverbération. Et encore une fois, on va le montrer et on verra à quoi ça ressemble. Donc, pour le moment, je vais en fait laisser la réverbération et le délai éteint parce que je peux appliquer ces effets Using quand on vient au mixage. Donc je vais juste les laisser pour l'instant. Mais je suis, je viens jeter un coup d'oeil à ce genre de section d'égalisation. Et je pourrais juste booster un peu le haut de gamme. C' était juste une sorte de sons mieux. Je pense que nous devons l'activer en utilisant ce bouton EQ. Je vais juste booster le haut de gamme et peut-être sortir certains des mids. Juste pour que ça sonne un peu plus agréable à l'année. Maintenant, c'est tout ce qu'on peut faire. Et quand nous mélangeons de toute façon et il sera toujours appliquer l'égaliseur en plus de cela. Mais pour le moment, je veux entendre ce que ça ressemble avec ce genre de paramètres d'égalisation. Alors écoutons. Et je viens de remarquer en écoutant à nouveau que je pense que la résonance est un peu trop élevée. Donc, en fait, je vais éteindre complètement la résonance et je vais m'assurer que c'est éteint sur tous ces oscillateurs et voir que la résonance faisait ce genre de tweet comme un oiseau. Donc je vais juste refuser ça parce que je pense que c'était trop perçant au niveau qu'il était. Alors écoutons ça maintenant. Et c'est le processus de donner votre sens. Tu sais, tu viens ici, tu vas changer quelque chose et tu réalises que quelque chose ici doit être changé à nouveau. Et quand vous changez ça, vous réalisez que ça affecte quelque chose ici que vous devez changer. Donc, tout le processus de fabrication de vos propres sons et design sonore est une sorte d'aller-retour entre les différents paramètres. Et vous êtes juste en train de peaufiner différentes choses jusqu'à ce que vous obteniez le résultat souhaité. Maintenant, je sais que j'ai traversé ça rapidement et je ne vais pas en profondeur avec certains des paramètres qui sont sur le plug-in. Mais vous n'avez pas besoin de savoir ce que font les différents paramètres pour créer un son. Donc, je pense que la meilleure chose à faire pour vous serait d'aller dans votre plug-in et de comprendre comment cela fonctionne. Vous savez, ajustez certains paramètres. Cbo sorte de son qu'il fait et voir quel genre de son vous pouvez en sortir. Cette méthode d'expérimentation est en fait beaucoup mieux pour la conception sonore. Ensuite, vous savez, en quelque sorte me regarder le faire et expliquer ce que font chacun de ces différents paramètres. Mais comme je l'ai dit, j'aurai un cours de design sonore à l'avenir. Alors assurez-vous de rejoindre ce groupe Facebook et juste pour que vous ne manquez aucune annonce sur nous, mais c'est tout ce que nous devons savoir pour le moment. Passons donc à la section suivante où nous allons jeter un oeil à la base du bâtiment. 21. Les éléments principaux de l'EDM: Examinons donc les principaux éléments d'une ligne de base EDM. Eh bien, tout d'abord, la base est utilisée pour établir une sorte de base harmonique pour votre piste. Donc, si vous avez une progression d'accords qui va peut-être C, G, F et C, eh bien votre ligne de base suivra probablement cela en allant C, G, F, C. Maintenant, beaucoup de pistes EDM, ils n'utilisent pas réellement les progressions d'accords. C' est juste un accord tout au long du chemin. Et dans ce cas, votre ligne de base sera également centrée autour cet accord ou que l'on sait qui s'appelle le nœud racine. Maintenant, il existe différents types de modèles que vous pouvez avoir avec les bases EDM. Il y a des lignes de base roulantes, des lignes de base sauteuses, notes de pétales, une sorte de ligne de base techno. Il y a des lignes de base de soupir. Il y a tous ces types de lignes de base que vous pouvez créer en quelque sorte. Mais certaines des caractéristiques seront les mêmes pour tous. Examinons donc quelques-unes des caractéristiques les plus importantes d'une ligne de base EDM. Et quand nous reviendrons à la prochaine conférence où nous examinons la construction d'un modèle de base, nous allons entrer plus en détail avec ce que sont ces différents types de modèles. Donc, l'une des principales caractéristiques d'une ligne de base EDM est qu'elle utilise un motif court. Maintenant, ce modèle ici que j'ai est en fait deux barres long parce que cette moitié du motif est différente de la seconde moitié. Donc c'est en fait, il se combine pour créer motif à 2 barres et généralement une réponse en utilisant une progression d'accord. Et puis votre modèle de base pourrait être, il pourrait être de 32 bars de long. Mais si vous n'utilisez qu'un accord dans votre piste, votre ligne de base ne devrait jamais dépasser deux barres, d'accord ? chose de plus que deux acheteurs, ça commencera à devenir trop compliqué et ce ne sera pas facile pour l'auditeur de danser s'il a jamais joué dans une boîte de nuit ou quoi que ce soit du genre. Assurez-vous donc que vous utilisez des modèles courts et précis et que vous le répétez tout au long du chemin. Une autre caractéristique est que les lignes de base EDM, elles sont centrées autour du nœud racine. Donc dans ce cas, je vais juste jouer cet exemple pour vous et ensuite nous allons examiner ce qui se passe avec la base. Alors écoutons. Ok, donc cela serait considéré comme une base de référence mobile, mais nous le regarderons à nouveau dans la prochaine conférence. Mais nous allons cliquer sur le pionnier et nous allons juste jeter un oeil à ce qui se passe avec les notes. Donc, le nœud racine de cette piste est e. Et nous pouvons voir que la ligne de base est en quelque sorte centrée autour de E, mais elle intègre également les autres notes de l'accord ii dans. Donc ça va de E à G à B, à G à E, puis de retour à G, puis de retour à B. Donc ce sont tous des nœuds de l'accord de E-Minor. Maintenant, avec une ligne de base EDM, vous la trouverez rarement en utilisant d'autres notes qui sont en dehors de l'accord. Donc, par exemple, si c'était peut-être un D et peut-être un C, vous le trouverez rarement parce que le modèle est si court et la piste est seulement centrée, celui-ci le sait. Vous y trouverez rarement d'autres notes qui sont à l'extérieur de la cour, sauf si elle utilise de l'ornementation et nous en parlerons dans une minute. Mais écoutons à quoi ressemble ce modèle maintenant que j'ai déplacé certaines des notes. Donc, comme vous pouvez le voir, ça jette le son entier. Donc je vais juste ramener ça à B et je vais remonter à E. Donc si vous construisez un mélange de base, vous vous centrez autour d'une note ou vous vous centrez autour d'une cour. Et parlons rapidement de l'ornementation. Ok, donc les nœuds supplémentaires ici et ici, ceux-ci seront considérés comme une sorte d'ornementation pas si je les retire, les motifs sonne comme ça. Et ce que les décorations font, c'est qu'elles laissent couler la ligne de base, numéro un naturellement entre le E et le B, ce grand saut. Mais ils remplissent aussi l'espace qui reste entre cette troisième étape de la seconde BCE et cette quatrième étape ici. Cette quatrième étape ici de la première page. Maintenant, quel est l'ornementation ? Eh bien, si vous pensez à un ornement, vous savez, si vous avez un ornement dans votre maison, et pourquoi placeriez-vous un ornement, disons sur la cheminée au-dessus de votre feu. Eh bien, vous le placeriez là à des fins esthétiques. Tu sais, c'est parce que c'est agréable à regarder. C' est la même chose en musique. ornementation est l'endroit où nous plaçons des notes en elle, des sons ou quelque chose, et nous les plaçons à des fins esthétiques. Alors écoutons à nouveau ce motif avec les notes ornées dans, et nous verrons à quoi ça ressemble. Une autre caractéristique de ces notes ornées est qu' elles sont souvent plus courtes que les autres nœuds. Maintenant, si j'allonge ces nœuds ornementés qu'ils ne sauraient pas être là. Pour l'ornementation. En fait, Dell a l'impression qu'ils font partie du modèle principal et cela va ébranler tout le son du modèle. Écoutons. Et peut-être que tu aimes le son de ça et c'est bien parce que tout ça est objectif. Mais pour moi, j'aime beaucoup quand ces notes sont assez courtes, je pense qu'elles ajoutent à la rainure et ça me ressemble plus à de l'ornementation. Donc je vais les laisser courts. Ok, alors maintenant qu'on a éclairci ce qu'est l'ornementation et qu'on a quelque sorte clarifié les caractéristiques d'une base d'EDM. Nous sommes prêts à aller de l'avant et à construire notre propre base de référence. Nous allons donc jeter un oeil aux différents types de lignes de base qu'il existe. Et nous allons créer quelques modèles que vous pourriez utiliser dans vos morceaux. 22. Créer des motifs de bass: Ok, alors commençons à construire un modèle de base. Donc, le premier modèle que nous allons examiner est une ligne de base mobile et c'est là que dénote une sorte de roulis vers le haut et vers le bas l'un vers l'autre. Donc si je, si je mets dans une note ici de E et puis B sur le deuxième temps, puis peut-être e à nouveau sur le troisième temps, et puis peut-être être à nouveau sur le quatrième temps. Ce qui se passe est avec une ligne de base mobile, donc juste raccourcie ceux-ci et note passera entre les deux qui permet à la ligne de base de rouler en quelque sorte vers le haut et vers le bas. Ok, peut-être qu'on en mettra un ici. Mettez un sur l'étape dissuadée, puis à nouveau sur la quatrième étape. Et cela serait considéré comme une base de référence mobile. Et écoutons. Ok, donc ça ne semble pas très bon parce que rappelez-vous cette chose dont on a parlé avant, qui est la syncopation. Et donc la première partie de ce modèle est tout en jouant, sur des battements syncopés. Alors passons juste ce G à syncopé plus. On va passer à la quatrième étape. Et puis on a déplacé ça, peut-être qu'on l'enlève sur la deuxième étape ou quelque chose pour synchroniser plus. Et encore une fois, nous n'avons pas de toucher. Nous allons donc raccourcir ce nœud de sorte qu'aucun des nœuds ne touche. Alors écoutons. Vous pouvez allonger ce nœud car il y a beaucoup d'espace vide après lui. Alors allongeons peut-être celle-là et voyons à quoi ça ressemble. Ceci est donc considéré comme une ligne de base mobile car les notes sont montées et descendantes les unes par rapport aux autres. Donc supprimons ceci maintenant. Et nous allons jeter un coup d'oeil à une seule note de base. Et c'est une ligne de base qui est généralement utilisée avec la maison. Donc, si nous restons avec notre E comme le Nord que nous utilisons, une ligne de base unique ne fera qu'incorporer les naufrages de E. Donc peut-être, encore une fois, en pensant à la syncopation, nous pourrions allonger ceci ou il n'y a pas d'espace vide et ensuite les garder courts. Peut-être qu'on va mettre un mot ici. Alors peut-être encore, allongez ça. Peut-être obtenir cela dans un peu plus court juste pour garder les choses sonnant un peu bobine. Et puis nous ajouterons une autre note ici. Et encore une fois, peut-être sur la quatrième étape et la troisième étape du prochain B. Donc nous allons juste allonger le DES comme ça. Voyons donc à quoi ressemble ce modèle maintenant. Et c'est la ligne de base de note unique. Ok, alors écoutons. Ok, donc supprimons à nouveau et nous allons jeter un oeil à un autre type de ligne de base, qui est une ligne de base de saut. Et c'est là que dénote sauter ouvert l'un à l'autre. Donc, si je colle à nouveau R, E, et disons qu'il saute jusqu'à cela. Octave, E apparaissent en octave ci-dessus. Donc nous allons rendre ça très court parce que c'est une sorte d'ornementation ou c'est un peu de saut. Et puis je vais jouer comme une seconde moitié du modèle. Et cette pièce, peut-être comme ça. Et encore une fois, on va utiliser cet e. et peut-être qu'on va sauter pendant toute la seconde autour de la troisième étape de cette betterave. On pourrait faire cette note un peu plus longue que celle-ci. Et encore une fois, on va coller ce E et peut-être ce Shirky ici. D' accord ? Maintenant, nous pouvons voir que la ligne de base est en train de sauter de haut en bas. Alors voyons à quoi ça ressemble. Et vous pouvez réellement transformer cela en une ligne de base mobile si vous simplement raccourcir ces notes et ajouter notes supplémentaires qui ont permis à la ligne de base de rouler puis de revenir vers le bas. Donc, si on colle dans un G dans le relief avec un E. Donc maintenant ce genre de modèle ici, ça roule. Ok, alors supprimons ça. Et encore une fois, nous allons commencer à partir de zéro, supprimer. Et je viens d'éteindre cette boucle. Et puis nous allons jeter un coup d'oeil à une ligne de base techno commune. Et l'une des choses les plus courantes à faire avec la base technique est de simplement placer une note de basse et une sorte de nœud racine de la piste. Et puis avoir, faire jouer cette basse note pour toute la BCE du premier temps. Et puis encore pour la deuxième pièce, encore une fois pour le troisième battements de base et encore pour le quatrième temps. Et c'est communément utilisé en fait dans le style de grande pièce, qui a été rendu célèbre par les réalisateurs Martin et ses animaux de piste. Mais écoutons ce genre de point de départ technol de grande salle. Donc avec ça, vous l'auriez en fait superposé avec un tambour de kick. Donc, si je viens ici et qu'on la couche très rapidement avec la boucle de kick drum, cette section juste pour voir à quoi ça ressemble. Et ce serait pour sonner quand il est superposé avec le kick drum. Viens là-dedans. Et une autre chose que vous pouvez faire avec la technologie est transformée en ligne de base de style MSI. Donc, avec de la musique psi, vous laissez la première étape vide, puis vous collez la ligne de base sur toutes les autres étapes de l'acheteur, ok, comme ça. Alors voyons à quoi ça ressemble avec le kick drum. Et vous pouvez prendre ces notes. Vous pouvez faire ces notes plus longues, juste pour qu'elles ne sonnent pas aussi pincées qu'ici. Donc je vais juste allumer le réglage du quart et les rendre un peu plus longs. Voyons voir à quoi ça ressemble. Et enfin, si je supprime cela et redémarre à partir de zéro pour la dernière fois, nous avons une ligne de base nulle de pédale. Donc, une ligne de base de note de pédale est où si vous avez des accords, alors disons, je pense que l'exemple que j'ai donné avant que ce soit CGF et voir, donc vous auriez juste votre ligne de base jouer sous les accords. Donc, ce serait une note de pédale parce qu'elle est maintenue pendant la durée de la barre D. Alors vous colleriez un sur g vous collez le rongé sur F, puis vous colleriez le noeud vers le bas sur C. Et c'est ce à quoi ressemblerait une ligne de base de pédale nulle. Alors écoutons ça. Donc c'est une pédale, pas de ligne de base. Ok, donc je vais le supprimer à nouveau. Et je vais vous donner un dernier conseil avant d'aller faire vos propres modèles de base. Et c'est pour permettre un battement de la barre pour respirer. Disons que j'ai une ligne de base qui va E, G, B, et peut-être comme ça, ok ? Et je colle ça quand il y a pièces parce que chaque sorte de rythme de la barre est remplie, il n'y a pas de place pour respirer. Alors écoutons ce modèle. Ça va sembler très, très répétitif et comme si nous n'avions pas d'espace pour respirer. Donc, nous allons juste ne l'est pas. Ce que vous voulez faire, c'est si vous avez une ligne de base comme celle-ci, si vous avez une sorte de modèle qui joue sur les quatre battements de la barre. Et puis c'est juste boucler comme ça tout le temps que vous voulez laisser de l'espace pour respirer. Supprimons donc ces noeuds. Donc soulager le dernier battement de la barre pour un souffle. Et puis nous allons étendre ce nœud. Donc, c'est comme si il y avait un peu d'espace ici maintenant pour que la ligne de base reprenne son souffle avant qu'elle ne remonte et qu'elle recommence à rouler de haut en bas. C' est donc un changement subtil, mais cela peut vraiment faire une différence dans votre musique. Si vous utilisez une ligne de base de roulement et qu'elle peut briser la répétitivité de la piste. Alors écoutons ça maintenant. Alors gardez simplement ces points à l'esprit lorsque vous faites votre ligne de base. Essayez de laisser de la place pour respirer et gardez à l'esprit qu'il y a des notes d'ornementation et il y a différents styles de lignes de base que vous pouvez appliquer. Et lors de la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil sur le choix des presets pour vos lignes de base. 23. Choisir des instruments de basse: Donc, quand vous choisissez votre base, puisque comme je l'ai déjà dit, la partie la plus importante de la musique électronique est de choisir vos sons. Donc ce n'est pas différent avec la base, ok ? Vous devez vous assurer que votre son de basse correspond au reste de vos pistes. Donc si vous avez des instruments comme j'ai ici, j'ai deux couches d'accords, et j'ai aussi une mélodie. Et vous devez vous assurer que la ligne de base correspond au son de l'accord. Donc, pour le moment, je pense que la ligne de base sonne OK, écoutons. Et ce que la ligne de base fait dans ce genre de modèle c' est qu'elle joue juste le même motif que les accords, mais c'est juste dans la base et ce sont les mêmes notes qui jouent. Un spectacle vous. d, b, c, et g. Si nous arrivons à la ligne de base, c'est D, B, C, et G. Et la raison pour laquelle j'ai pris ça plutôt que vers le bas, c'est parce qu'avec quelques bases, quand vous copiez le modèle et que vous avez ce genre de notes basses. Parfois, les nœuds peuvent en fait être trop bas. Alors écoutons ce que ça ressemble ici avec ces notes. quelque sorte, vraiment bas, ok ? Et cela dépend du son de synthé que vous choisissez. Donc, pour ce son d'envoi particulier, ces nœuds doivent être plus élevés afin que le, vous savez, le son de la basse ne soit pas perdu. Ok, allons dans le synthétiseur ici et nous allons écouter certains des différents préréglages de base qu'il y a, et nous allons essayer de trouver ceux qui fonctionnent et qui ne fonctionnent pas. D' accord ? Donc on sait déjà, je vais juste cliquer dessus. Nous savons déjà que ce son convient. D' accord, je vais devoir choisir ça pour que ça disparaisse. Mais nous savons déjà que ce préréglage, cette base progressive s'adapte. D' accord ? Trouvons donc, passons par les presets et trouvions un qui ne convient pas. Ce que nous ferons en fait, c'est que nous jouons le modèle en même temps que nous écoutons. Mais évidemment, ce préréglage de base ne correspond certainement pas. Ok, c'est complètement distrayant par rapport au reste du modèle. Écoutons tout seul. Et même si ce préréglage particulier semble cool en soi, il semble vraiment imaginatif. Et s'il jouait seul et sur la piste, peut-être que ça marcherait. Mais parce qu'il joue avec d'autres instruments, faut penser à tout ce qui est en jeu. Donc je ne peux pas choisir ce bassin particulier parce que c'est trop distrayant et ça semble méchant avec tous les autres instruments ajoutés. Disons que vous tombez sur un préréglage de base. Et il n'a pas beaucoup de bas de gamme. Maintenant, cette base particulière a beaucoup de bas de gamme. Mais ce que je vais faire, c'est que je vais entrer dans la table de mixage très vite ici. Et je vais juste charger un égaliseur et je vais couper une partie du bas de gamme. D' accord ? Ne vous inquiétez pas de ce que je fais ici. Nous regarderions l'égaliseur en détail quand nous entrons dans la section de mixage. Ok, donc ne vous inquiétez pas ce que je fais. Sachez juste que je suis en train de couper le bas de gamme juste pour que je puisse entendre ce que ça ressemble si nous avons trouvé une base qui n'avait pas de bas de gamme, mais nous avons vraiment aimé le son du haut de gamme de la base. Ok, alors écoutons ce que ça ressemble maintenant. Peut-être pas si extrême. Peut-être qu'il suffit de le baisser un peu. D'accord. Ok, donc maintenant nous avons une ligne de base dont nous avons aimé le son, mais malheureusement ça ne semble pas très basique. Eh bien, ce qu'on peut faire, c'est qu'on peut le recouvrir. Et je sais que je parle toujours de couches, mais vous avez vraiment, vraiment besoin de couches dans la musique électronique. Donc nous venons ici pour ajouter, et je vais ajouter dans FL Studio, un des sens les plus basiques qu'il y a, qui est les trois oscillateurs. Et votre cadran sera livré avec un synthétiseur très, très basique aussi. Et je pense que capable d'analogique, je pense que ça s'appelle, et fondamentalement c'est le sens le plus basique. Ça vous donne un oscillateur ici. Donc ce sont les formes que je peux choisir. Et puis il n'y a pas grand-chose d'autre que nous pouvons ajuster pour façonner le son. Mais c'est correct pour cette couche particulière, nous n'avons pas besoin de pouvoir modifier les autres paramètres. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais baisser le deuxième oscillateur et que je vais baisser le troisième oscillateur juste pour qu'il n'interfère pas avec le premier ici. Et je vais laisser ça à Sinewave. Donc ce que nous créons en ce moment, ça s'appelle un sous-espace. Et ce type de base a beaucoup de bas de gamme et beaucoup de poids à elle. Ok, pour qu'on puisse superposer ça. Donc basé sur notre base originale qui n'a pas beaucoup de bas de gamme. Et nous pouvons les mélanger ensemble pour faire la largeur de base. Aucun bas de gamme ont basé avec bas de gamme parce que nous utilisons le bas de gamme de ce synthétiseur. Donc, quand vous créez une base si, choisissez toujours une onde sinusoïdale parce qu'une onde sinusoïdale est l'onde la plus propre qu'il y ait là-bas. Et quand vous êtes en superposition dans une sous-basse, vous voulez le son le plus propre que vous pouvez obtenir. Ok, donc je vais le laisser sur Sinewave et je vais fermer tout ça. Ok, donc les synthétiseurs viennent ici. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais copier ce modèle en appuyant sur commande et voir. Et je vais descendre dans le rouleau de piano de ce synthétiseur et je vais appuyer sur Commande et V. Alors voyons à quoi ça ressemble maintenant. En tant que couche avec la ligne de base que nous avons trouvée qui n'a pas beaucoup de poids à elle. D'accord ? Donc on peut entendre que cette sous-base est trop haute, donc je vais la mettre en bas. Et je vais le remonter. Et ce que nous pouvons faire est alors nous pouvons l'ajouter à la piste de mixage en appuyant sur la roue Paramètres et ensuite suivre. Et nous allons juste le baisser pour qu'il sonne couche Monica. Donc c'est juste une petite technique que vous pouvez faire. Si vous tombez sur une base dont vous aimez vraiment le son. Mais il n'a pas beaucoup de façons sont bas de gamme aussi est que vous pouvez venir ici et vous pouvez superposer une onde sinusoïdale propre comme une sous-basse en dessous, et il ajoutera ce poids que la base originale manquait. Mais si vous avez trouvé un son de basse que vous aimez et qu'il y a assez bas de gamme dessus. Eh bien, nous n'avons pas besoin de couches dans cette base supplémentaire donc. Si vous superposez votre base. Je vous conseille de ne pas trop couches. Reste avec ce son d'homme et ce sous-marin. Et si vous n'avez pas besoin de la sous-basse, alors ne l'ajoutez pas. D' accord ? Vous savez, si vous n'avez qu'une seule couche de base, c'est absolument bien parce que la base fait partie du bas de gamme, elle fait partie de la fondation de la piste. Et comme je l'ai dit tant de fois auparavant, vous ne voulez pas gâcher les fondements de votre piste. Donc, si vous avez un préréglage que vous aimez et qu'il a assez de poids pour lui. Laisse-le et utilise-le tel qu'il est. Ou si vous avez sous préréglage que vous aimez. Mais il n'y a pas assez de poids, alors nous pouvons descendre et nous pouvons ajouter une sous-base supplémentaire. Donc, pour ce son de basse particulier que j'ai trouvé ici, il y a assez bas de gamme. Donc je n'ai pas besoin de ce sous-espace supplémentaire, donc je vais juste éteindre ça. Et la base que j'ai maintenant, juste avec cette seule couche est complètement suffisante pour l'EDM, ok ? Maintenant, si vous avez une piste, disons que cela n'a pas, qui n'a pas de cartes et c'est juste une sorte de ligne de base pilotée. Ce qui devrait ressembler à ça. Eh bien, le Sam de base que vous choisissez, il n'a pas besoin d'adapter les autres instruments de votre piste. Mais ce qu'il a à faire, c'est qu'il doit adapter les autres éléments de votre piste comme la batterie et le chant. En outre, le préréglage que vous utilisez fera différents types de modèles de base différence sonore. Donc, pour le moment, ce préréglage particulier que nous avons des fils, vous savez, il semble est correct avec ce modèle. Mais si j'ai supprimé cela et je change cela en un modèle de base mobile. Alors peut-être que j'ajoute quelques notes plus courtes comme ça. D' accord ? Peut-être comme ça. Et puis si nous écoutons ce modèle avec la ligne de base, cela pourrait ne pas sembler aussi bon. Donc, c'est un autre point à garder à l'esprit est que le modèle que vous utilisez peut sonner mieux sur différents préréglages de base que sur d'autres préréglages de base. Encore une fois, comme choisir vos sons d'accords. Vous devez écouter de manière critique et vous devez écouter la ligne de base dans le contexte de votre piste. Disons que je suis venu ici et que j'avais la ligne de base, un coup de pied et des tambours déjà faits. Eh bien, vous devez que je devrais écouter cette ligne de base et voir ça marche avec les sons de batterie que j'ai choisis ? Donc, pour le moment, je pense que non, je pense que ce modèle de base ne fonctionne pas. Donc, je vais écouter pendant que je change pour que je puisse identifier le préréglage correct que j'aime. Alors écoutons. Maintenant, j'adore le son de cette ligne de base avec les tambours que je suis, que j'utilise ici. Ok. Il est donc important d'auditionner les sons que vous utilisez dans le contexte de la piste que vous avez construite autour d'elle. Ensuite, nous allons jeter un coup d'oeil sur la fabrication de nos propres bassins. 24. Faire des sons de fond: Jetons un coup d'oeil maintenant à faire un parfum de base. Et faire un sous-sol n'est pas différent de faire un autre Cent, vous allez modifier le même genre de paramètres, les oscillateurs, les enveloppes. Tu vas venir ici au filtre. Vous allez faire la même chose que vous feriez avec les autres instruments, mais vous gardez le fait que vous essayez de faire une base à l'esprit. Maintenant, essentiellement, surtout pour la musique house, une base est juste une plume envoyée avec une base de sous-couches en dessous. Maintenant, je pense qu'on sait déjà comment envoyer un bloc. Donc, faisons juste un, puis transformons-la en une base en superposant dans une sous-base. Donc j'ai juste ce genre de roulement, je suis basé mélodie, mais c'est un peu mélangé avec une seule mélodie basée sur une seule note. Mais c'est assez simple. Écoutons simplement ce que cela ressemble avec le préréglage par défaut avec spire, le plug-in que nous avons utilisé jusqu'à présent. Ok, donc c'est juste une mélodie simple et simple. Et maintenant on va aller jeter un coup d'oeil à faire envoyer une base. Donc encore avec spire, la première chose que je vais faire est d'obtenir la forme de l'onde sinusoïdale. Je vais vous montrer ce prochain. Et maintenant, nous pouvons voir que nous avons notre onde sinusoïdale ici. Ce que je vais faire, c'est que je vais changer ça pour, testons certains des différents sons ici. Essayons la base pour voir à quoi ça ressemble. Je vais essayer peut-être le violon trois. Ok, donc j'aime le son, violon. Donc je vais venir ici au mode unisson, et je vais le changer d' une voix à trois voix et voir à quoi ça ressemble. Écoutons. Donc je pourrais augmenter un peu la Detune et juste voir à quoi ça ressemble. Ok, alors je vais venir ici à la section du filtre et je vais le changer pour perfectionner le type de réglage du filtre que nous avons regardé jusqu'à présent. Et puis laisse la coupure parce que je veux qu'elle soit maigre. Si je monte ça, ça ne paraîtra pas très maladroit. Et c'est très bien quand on veut ouvrir le filtre, mais je veux que le son de basse soit en ce moment délicate. Donc je vais laisser ça bas, vers la gauche. Je vais voir à quoi ça ressemble maintenant si je monte la désintégration, je ne pense pas que ça ferait beaucoup de différence, mais je verrai peut-être si je refuse le sustain. Donc je préfère que le son avec la désintégration soit ici. Voyons ce que c'est si on monte l'attaque. Maintenant, je préfère ce son maudit, donc je vais laisser tomber l'attaque. Donc la prochaine chose que je vais faire, c'est que je vais entrer dans le deuxième oscillateur et je vais monter et nous allons l'utiliser comme une couche. Ok, donc encore une fois, montez le WT mix the wave table micros, et nous allons écouter certains des presets ici, et je n'utilise pas encore de sinus. Je vais l'utiliser peut-être avec un oscillateur de turd comme sous-couche de base. Mais pour le moment, je voulais trouver une autre sorte de couche principale à regrouper avec notre premier oscillateur. Essayons peut-être un laiton. Voyons voir à quoi ça ressemble. Je vais juste le remonter un peu pour mieux l'entendre. Essayons un autre réglage. On descend ici, peut-être Dianne, un de ceux-ci par N1. Ok, donc j'entends que ça ajoute une sorte de bruit de maison particulièrement sympa. Donc je vais le laisser avec ce réglage de buyin et je vais revenir ici à notre section de l'unisson, et je vais le mettre à trois voix aussi. Voyons voir à quoi ça ressemble. C'est dérégler un peu plus. Et maintenant, nous allons utiliser ce paramètre large pour rendre cette deuxième couche plus blanche que la première couche. Ok, donc je vais tourner tout le chemin à environ 3 heures par ici. Écoutons. Et donc je pense que je voulais paraître un peu plus épais, donc je vais ajouter une autre voix à l'unisson. Ok, alors ajoutons peut-être cinq lyses. Alors ajoutons deux autres voix à nos trois déjà. Et voyons à quoi ça ressemble. Et oui, ça semble déjà beaucoup plus épais. Ok, et maintenant ce qu'on va faire, c'est qu'on va venir ici au troisième oscillateur, et on va mettre ça en sous-basse. Donc, je vais en fait laisser tomber ça pour le moment et juste le transformer en une onde sinusoïdale. Et alors que les mélodies jouent, je vais progressivement augmenter cela jusqu'à ce que nous atteignions une sorte de sous-niveau de base désiré. Ok, alors écoutons. Et alors écoutons et augmentons cet oscillateur trois. J' aime donc où la sous-basse est assise en ce moment par rapport aux autres oscillateurs. Je vais juste ouvrir un peu le filtre pour voir à quoi ça ressemble. Très. Et la dernière chose que je pourrais faire ici, c'est que je pourrais revenir à l'oscillateur un et voir à quoi ça ressemble si je lui donne une octave. Ok, alors voyons à quoi ça ressemble sans l'oscillateur. Et maintenant, si j'ai monté cet oscillateur, rendons ça un peu plus large. Ok, donc j'aime le son de cette base, donc fait. Donc, ce que nous pourrions faire maintenant, c'est que nous pourrions venir à la section des effets ici et ajouter quelques effets comme une saturation et d'autres choses. Mais je pense qu'ils vont laisser ça pour la section de mixage. Mais ce que je vais faire est que je vais juste façonner le son un peu en utilisant ce réglage d'égalisation ici. Maintenant, si vous êtes un synthétiseur n'a pas de réglage EQ intégré, vous pouvez simplement ouvrir la piste de mixage et vous pouvez en quelque sorte charger un réglage EQ sur cette fente et façonner votre son avant de commencer à faire n'importe quel mixage. Mais pour l'instant, parce que Spire a l'égaliseur intégré, je vais juste utiliser cet égaliseur ici pour façonner le son. Je vais donc l'allumer en appuyant sur le bouton EQ. Et je vais écouter ce que ça ressemble si je booste une partie du haut de gamme. Ok, alors écoutons le modèle et ensuite j'augmenterai ça au fur et à mesure qu'il joue. Jetons un coup d'oeil à l'ajustement de la section milieu de gamme. Donc je pense que ce son de basse est beaucoup plus agressif maintenant avec le genre de mise en forme que nous avons fait avec l'égaliseur. Mais je pense que je pourrais changer le son de cet oscillateur parce que je pense que c'est un peu trop doux pour le son que nous allons chercher. Donc je vais venir ici et je vais changer, je suis désolé, je vais d'abord couper ces oscillateurs et ensuite je vais venir ici et je vais changer le son de cet oscillateur, qui est l'oscillateur un. Alors écoutons le motif et changera la forme de l'oscillateur au fur et à mesure qu'il joue. Et peut-être qu'on va essayer une de ces cuivres. Les cuivres à OK. Maintenant, je préfère le son de laiton un, donc je vais le laisser sur laiton un. Alors revenons sur les autres oscillateurs et voyons à quoi cela ressemble Now comme une sorte complète de basses superposées. C' est donc tout ce que vous avez à faire lorsque vous créez votre base. Entrez et mettez un oscillateur. Vous pouvez en quelque sorte modifier l'unisson, gâcher avec une partie de la planification et les paramètres blancs. Puis ajustez votre filtre pour qu'il soit plus ouvert ou fermé en fonction du son que vous recherchez. Et n'oubliez pas d'ajouter d'autres oscillateurs pour obtenir un son plus gros. Donc si je joue juste l'oscillateur 1, ça sonne un peu dix. Mais si j'ajoute le deuxième oscillateur, alors comme une autre couche, ça ressemble à ceci. Et puis si j'ajoute le troisième oscillateur, qui est juste la sous-basse. Et c'est juste créer ce genre de gaspillage que le synthétiseur manque. Ça sonne comme ça. Vous pouvez donc appliquer ce même processus à n'importe quel synthétiseur avec lequel vous travaillez. Il suffit de jouer avec les différents paramètres, de voir quel genre de différence cela fait, puis de créer votre parfum de base. Dans la section suivante, nous allons jeter un oeil à la construction de motifs de leed. 25. Les éléments principaux des éléments d'EDM: Quels sont donc les principaux éléments d'une piste EDM ? Eh bien, tout d'abord, nous devons regarder ce qu'est une piste. Une piste est une sorte de mélodie principale que vous ajoutez sur les autres éléments de votre piste. Maintenant, parce que vous l'ajoutez au-dessus de ces éléments, une mélodie de plomb sera généralement plus élevée que le reste de vos instruments. Donc, selon le genre que vous faites, votre piste sera soit très simpliste avec un motif court ou elle sera très complexe avec un motif long. Mais je pense que cela dépend aussi de votre style personnel et de votre goût personnel. Donc, si vous avez l'intention de n'utiliser qu'une sorte d'accord sur toute votre piste, je dirai, gardez vos mélodies courtes et plutôt simplistes. Donc pas plus de trois ou quatre, peut-être cinq notes au maximum. Vous ne voulez pas qu'il soit trop complexe parce que le reste de votre piste est peu clairsemé car il n'a qu'un accord tout au long du parcours. Donc avoir une mélodie vraiment complexe n'aurait tout simplement pas de sens dans le contexte de votre piste. Cependant, si vous avez une piste comme j'ai ici où il y a beaucoup de cordons qui se passent et qu'ils sont une sorte de grande progression, alors votre mélodie de plomb pourrait être un peu plus complexe, et il aura certainement un motif plus long comme vous peut voir ici. Maintenant, je viens de remarquer que j'épeautre mélodie sonnent. Mais c'est bon, ça n'affectera pas ce qu'on apprend ici. Donc, si vous avez une longue progression d'accords, alors votre mélodie incorporera des notes de cette progression d'accords. Donc, si nous avons juste un coup d'oeil aux accords que j'utilise dans cette piste. On verra que j'utilise. Si nous faisons défiler ici jusqu'aux nœuds racine, nous verrons que c'est une sorte de F, D pointu, un pointu. F pointu, un pointu. Ok, donc c'est juste une sorte de répétition de ce motif de quatre accords ici, qui est F, D pointu, japonais. Et si on vient ici à la mélodie, et qu'on regarde ce que fait la mélodie. Tout d'abord, vous remarquerez qu'il est en fait beaucoup plus haut et le pitch sont des accords. Nous sommes ici quelque part et je dois faire défiler vers le haut pour arriver à la mélodie parce que la mélodie devrait être assise sur le reste des éléments de votre piste. Mais si nous remarquons ici, la première note est C, et dans notre modèle de cour, le premier accord est F, donc c est le cinquième de F, donc il incorpore des notes de l'accord. Il a aussi un peu f ici aussi. La prochaine cour, je crois, était D-Sharp. Et si nous utilisions un pointu, qui est le cinquième de D-Sharp, parce que nous aurions du D-Sharp, et de l'Asie. La prochaine sorte de longue note que nous utilisons est un GI, qui est, pour autant que je me souvienne, c'était aussi une sorte d'accord D-Sharp. Donc, nous utilisons maintenant le troisième de D-Sharp. Ainsi, votre mélodie incorporera toujours les notes de l'accord. D' accord ? Maintenant, j'ai ce genre de noeuds d'ornementation, qui sont les plus petits. Et ceux-ci ne peuvent pas utiliser les notes de l'accord, mais c'est bon parce qu'ils sont plus courts et qu'ils sont juste là à des fins esthétiques comme nous l'avons appris quand nous construisions notre base. Donc, nous n'avons pas vraiment besoin de nous soucier des notes d'ornementation. Nous avons juste besoin de regarder le type principal de longues notes qui utilisaient. Et vous avez juste besoin de vous assurer que ces longues notes tombent dans les notes de l'accord que votre progression d'accord joue. Maintenant, certains besoins peuvent être très, très simplistes. Je veux dire, si vous faites une sorte de musique techno, vous pourriez avoir une piste qui n'a qu'un noeud, et c'est peut-être un peu différent, un modèle différent avec la note F. Et c'est tout un modèle différent avec la note F. . Ce n'est que deux barres de long, et il y a quelques répétitions de la note F, et c'est votre piste. Mais la chose qui en fait une piste est le fait qu'il est assis au-dessus de la Terre plus haut en hauteur que le reste de vos instruments. Alors écoutons simplement ce modèle de plomb avec les cartes en arrière-plan. Et après ça, nous sauterons directement dans la construction d'un modèle de plomb. Ok, écoutons maintenant. Ok, alors passons maintenant à la section de construction des patrons de plomb où nous apprenons sur les différents types de pistes que nous pouvons utiliser dans notre piste. 26. Créer un motif a: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la construction de modèles de plomb. Maintenant, j'ai juste créé deux modèles très rapides ici, un avec un coup de pied et un décalage simple basé sur OneNote. Donc c'est juste jouer sur la troisième étape de chaque battement et ça sonne comme ça. Et puis ici, j'ai un deuxième modèle où je viens de prendre la base décalée et j'ai ajouté quelques accords. Donc, au lieu de simplement jouer un écho AFC et où regarder à construire des modèles de plomb pour les pistes avec un seul accord. Et nous allons jeter un oeil à la construction de patrons de plomb pour les pistes avec plus d'un garde. Voici donc à quoi ressemble le modèle avec plus d'un accord. Ok, donc c'est une progression d'accord assez simple. C' est probablement l'une des progressions d'accords les plus courantes jamais utilisées, mais c'est bon. On cherche juste à construire des pistes et à les adapter aux tribunaux. Il y a donc quelques types de leads différents que nous pouvons créer. Ok, donc je vais entrer dans mon patron ici, et je vais ouvrir le rouleau de piano. Et le premier type dont nous allons parler est le genre de piste technique très clairsemée. Et c'est là que vous pouvez utiliser un maximum de deux ou trois minutes sur OneNote. Donc, les attracteurs dans la clé d'un je vais juste placer dans une note ici sur le premier, le premier temps de la barre. Et puis je vais replacer dans un noeud sur le quatrième temps. Et c'est tout. C' est notre piste. Juste deux notes sur le nœud racine de la piste. Et je vais coller ça à travers. Et c'est un type de plomb que nous pouvons utiliser. Donc ça ne fait pas ce que ça ressemble. Maintenant, pour des raisons de syncopation, nous pourrions compenser cela un peu et peut-être le mettre sur la troisième étape du dernier temps et voir à quoi ça ressemble. Donc ce genre de plomb est très courant en techno parce que techno elle-même en tant que genre est assez vide. Vous pourriez avoir un coup de pied, une base, une piste, et peut-être des sons de batterie supplémentaires. Et c'est tout ce qui va entrer dans une piste technique. Il est donc logique de garder vos leads simples. Si la piste sur laquelle vous travaillez est simple. Maintenant, vous pouvez développer cette idée et la transformer en une maison plus, sorte de plomb de base. Et parce que les maisons, un genre très syncopé devra ajouter sorte de notes supplémentaires ici sur la quatrième étape et peut-être la deuxième étape. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici au cinquième de notre RootNode a. Donc c'est E. va ajouter une brève note ici. Peut-être que nous allons revenir à un , et ensuite j'en aurai un autre ici sur la troisième étape. Et puis peut-être, peut-être que nous allons mettre un c ici sur la quatrième étape. Et nous allons juste copier ce modèle à travers. Et peut-être que ce sera notre genre de plomb de la maison. Ce que je vais faire, c'est que je vais appliquer Swing très rapidement. Voyons donc à quoi cela ressemble dans le modèle. Maintenant je pense qu'il y a un peu trop de choses qui se passent. Donc je vais juste écouter et prendre des notes qui ne devraient pas être là-dedans. Alors peut-être qu'on va sortir ce caramel. Et peut-être que nous changeons juste le modèle de ce n bits afin qu'il lui donne un, un peu d'espace pour respirer. Même chose que notre modèle de base. Nous voulons permettre aux motifs de l'espace de respirer. Nous ne voulons pas copier le nous ne voulons pas que la même chose se passe tout au long du chemin. Alors voyons à quoi ça ressemble maintenant. Et maintenant, voyons à quoi ça ressemble dans le modèle. Donc le type de plomb que vous allez créer dépend vraiment de votre style. Et aussi le type de piste sur lequel vous travaillez. Je vais juste te montrer très vite une autre sorte de plomb. Et c'est le plomb du stator. Et le plomb du stator est beaucoup utilisé dans le genre Melbourne rebond. Donc, c'est là que, disons que vous collez dans certaines notes qui sont sur la note racine de l'accord. Et je vais les placer au hasard ici. Comme ça. Et ce que fait le stator, c'est qu'il bégaie entre ces notes. Donc, ce que vous faites est que vous ajoutez une note supplémentaire juste avant un autre nœud et que vous court aussi court que cela peut aller comme ça. Et puis peut-être que tu en ajouteras un autre. Je vais juste éteindre ce quart de pas pour voir les bons rythmes du bar. Alors peut-être que tu en rajoutes un ici encore. Et vous pourriez en ajouter un en face de cette note ici. Et peut-être encore ici. Et c'est à ça que sonne le plomb. Maintenant, si c'est bégaiement entre ces nœuds. Et c'est parce que ces notes supplémentaires sont vraiment, vraiment courtes. C' est pour ça qu'on dirait que c'est bégaiement. Si elles étaient plus longues que ça ne sonnerait pas autant que ça bégaierait. Ça sonnerait un peu à lisser. Allons entendre ça. Donc, vous voulez vous assurer que ces nœuds sont en quelque sorte courts pour qu'il sonne comme le modèle bégaiement. Alors écoutons juste ce que cela ressemble dans le modèle principal ici. Je vais fermer cette section d'histoire. Voyons donc à quoi cela ressemble maintenant dans le modèle principal. Une autre chose que vous devriez vous assurer est que votre modèle de plomb joue avec d'autres modèles. Vous devrez donc écouter le son de la piste dans le contexte de tous les autres motifs de votre piste. Et vous devez vous assurer que ce son de plomb que vous avez conduit la mélodie que vous avez faite, vous devez vous assurer qu'il correspond au son des autres modèles. Parce qu'il est vraiment facile de rendre le son de plomb vraiment complexe avec des tas de notes différentes et d'autres choses. Mais si cela ne fonctionne pas, le son général de votre piste et tous les autres éléments que vous utilisez, alors le plomb de votre piste ne fonctionnera pas. Vous devez donc écouter tous les éléments de votre piste et vous assurer que votre plomb s'intègre bien avec le reste des éléments. Enfin, je veux juste venir ici et parler d'une sorte de piste basée sur les tribunaux. Donc, comme je l'ai déjà dit, les accords que nous utilisons ici, R, A, F, C, et G. Ok, alors gardons ça à l'esprit quand nous construisons notre modèle de plomb. Donc c'est un, F, C, et G. Donc ça arrive maintenant au piano roll. Et je sais maintenant que les cordons sont un pour la première barre, f pour la deuxième barre, c pour la troisième, et G pour la quatrième barre. Donc, ce que je vais faire est de me rappeler que je vais juste placer dans une courte note ici sur un, F, C, et G. Maintenant, quand vous créez un motif de plomb pour les cordons, vous devez vous assurer que vous utilisez une longue note qui sont également des notes que la cour alors disons que nous prenons ce C ici et nous plaçons un long nez ici. Et on place un autre long nez, peut-être sur un bas. Laissez-moi regarder f. Je vais placer une des notes de l'islam tout le chemin vers le haut sur c à nouveau. Et peut-être que nous allons placer, allons encore au même endroit, jouons un ici. Le suivant est C. Alors regardons, nous allons placer un c à nouveau juste pour des raisons de cohérence. Et peut-être que nous allons changer le second en G pour qu'il corresponde à l'accord de C, qui est C, E, G. Et regardons le g, m. Nous pourrions choisir peut-être un, B, et ensuite peut-être que nous allons sauter ici à un D. Et ce que nous peut faire est alors nous pouvons utiliser les notes plus courtes pour remplir l'espace entre les deux. Maintenant, je peux décider que je veux marcher de l'a à la C. Donc je vais ajouter une courte, sorte de courte note ici qui sorte de nous promène d'un jusqu'à c comme ça. Et puis je pourrais ajouter une autre petite note, peut-être sur le D, juste pour voir à quoi ça ressemble. Alors je l'ai laissé entrer. Un plus court sait. Ce genre de nous amène au F. Donc j'ajouterai ça sur le battement ici. Puis peut-être à nouveau, J'ai ajouté une courte note sur le a, et je vais ajouter une courte note ici sur le B à nouveau, sorte qu'il nous amène vers le bas. Et puis je laisserai ce genre de seconde moitié du deuxième bar tranquille juste pour un peu d'espace de respiration. Et puis nous allons jeter un coup d'oeil à ajouter peut-être un G ici pour qu'il saute sur eux, remonter à nouveau. Et puis peut-être qu'on va, peut-être qu'on va faire un grand saut, peut-être sauter jusqu'à un E, et on va sauter jusqu'à un G. Et là on pourrait ajouter un peu un autre G, et on peut ajouter ça ici et le faire court au lieu de ne pas toucher l'autre note. Et encore une fois, nous pourrions marcher du G au B en ajoutant un, un, un, un, un vraiment court a. Et puis nous pourrions peut-être ajouter un autre noeud ici. Ajoutons un G juste pour nous amener entre le B et le grand saut vers le D. Ok, alors écoutons ce modèle maintenant tout seul. Et maintenant, écoutons ce que ça ressemble dans le modèle ici. D' accord ? Je vais juste supprimer ceux-ci parce qu' il y a des restes de l'autre modèle que nous recherchions. Et écoutons ce que ça ressemble maintenant dans ce modèle, d'accord. Et j'ai encore Swing Left. Et donc je pourrais éteindre ça parce que je ne pense pas aimer le son de la balançoire dans ce modèle particulier. Voyons ce que ça ressemble sans le dire. Donc, c'est une façon de construire des modèles de plomb autour des accords est de s'assurer que vous utilisez des notes longues qui sont également des notes de l'accord. Et puis remplissez l'espace autour ces notes avec une autre sorte de notes d'ornementation. Et un dernier conseil que je veux vous donner est une piste où vous utilisez une application, ok, donc ce type de plomb est beaucoup mieux pour les accords, mais c'est là que vous basez votre avance sur un arpège. Donc un arpège était très simple à comprendre. Si nous jetons un oeil à la clé de, si nous regardons le noeud d'un ici, et arpège serait simplement marcher les notes de l'accord comme ceci, puis revenir vers le bas. Et c'est tout. Il se répète encore et encore contre. Donc ce serait un arpège pour la Cour d'un accord. Et vous pouvez changer ces notes autour. Tu pourrais peut-être mettre ça à un A, et ça serait toujours un arpège parce que c'est un peu comme une cour cassée. D' accord ? Donc, si vous aviez l'accord d'un, vous pourriez avoir dans un, un autre a et un e là-dedans. Mais parce que vous l'avez brisé entre ces mini notes, ça s'appelle un arpège ou un accord brisé. Alors écoutons à quoi ça ressemble. Mais ce qu'on peut faire, c'est allonger cette corde cassée et en faire une piste. Donc ce que je vais faire est que je vais apporter sont un jusqu'à ce noeud. Et puis je suivrai le même modèle. Sautons jusqu'à l'image a, sautons vers le bas à l'e, puis revenons à l'a, puis revenons à l'a à nouveau, peut-être. D' accord. Maintenant, c'est une sorte de motif arpège. Alors voyons à quoi ça ressemble. Et puis pour la deuxième barre changera légèrement le motif. Ok, donc je sais que ça change déjà parce que nous avons un changement d'accords. Nous sommes passés au F. Ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons changer le rythme de ce modèle pour le rendre un peu différent. Et puis on répétera ce tableau de bord, tout, ensemble, en face. Donc, je vais juste changer le rythme légèrement. Alors ajoutons un C et nous allons le rendre un peu plus court. Donc à Londres un c qui peut parce que c'est le F jusqu'à la mer et peut-être jusqu'à l'a. Copions ça à travers. Et cela peut être notre modèle complet. Donc, je vais copier ceci puis à travers l'ensemble du modèle et nous allons juste changer les notes de sorte que si cela s'est produit. Donc nous savons ici que nous regardons un accord C. Donc je vais juste déplacer ces deux par g Willie avec 0 parce que ça correspond à la courtoisie. Limit, ceci à un G. Et puis l'accord final et le modèle est un G. Donc nous allons juste déplacer ces mers de deux par D pour qu'elles correspondent à l'accord. Et on a déplacé ce F à G pour qu'il s'adapte. Emily a déménagé comme un, peut-être jusqu'à un b. Donc maintenant cette piste est construite à partir de deux applications différentes. Nous avons cet Arabe ici, cet arpège, et ce second arpège ici. Voyons donc à quoi ressemble le motif tout seul. Et le plomb de l'arpège peut sonner vraiment, vraiment bon dans certains genres, en particulier ce genre qui ressemble un peu à am base sur ou quelque chose comme ça. Mais écoutons le motif de plomb arpéggio dans le modèle complet ici, écoutons. Et nous pourrions également appliquer swing à ce modèle d'application pour le rendre un peu plus, pour lui donner un peu plus d'un groove. Écoutons ça. Il est donc difficile de vous dire exactement comment construire un modèle de plomb, car encore une fois, la musique est objective. Donc ce que vous pensez sonne bien les autres pourraient aimer, et ce que vous n'aimez pas les autres pourrait aimer. Donc, c'est vraiment à vous de décider ce que vous aimez, mais gardez simplement ces points à l'esprit lorsque vous créez vos modèles de plomb. Donc, si vous n'avez qu'un seul accord, gardez les leads courts et simples. Et si vous avez plus d'un accord, vous pouvez utiliser cette technique ou vous pouvez utiliser ce type de noeud pulmonaire basé sur les notes de la technique de l'accord. Si vous avez la capacité de chanter une mélodie, essayez aussi. Et vous pourriez être capable de faire votre propre mélodie pendant que vous chantez en quelque sorte sur la piste. Mais regardez certainement essayer ces différentes options et voyez laquelle fonctionne le mieux pour vous. Ensuite, nous passons au choix des instruments de plomb, où nous allons jeter un coup d'œil au choix de certains préréglages pour nos sons de plomb. 27. Choisir des instruments de plomb: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur le choix de nos instruments principaux. Maintenant, la seule chose que je vais dire avant de commencer est que vous devez vous assurer que vos pistes se démarquent du reste des éléments de votre piste. Ok, alors essayez de choisir un son différent du reste. S' il ne fait pas cet exemple d'une sorte de piste de style Vici que j'ai ici. Et nous remarquerons que le plomb, l'instrument que j'ai choisi, est complètement différent et se distingue du reste des éléments de la piste. Donc, quand on ajoute cette mélodie de plomb, elle brille vraiment et prend une sorte de place au centre de la scène. Donc c'est écouter la section complète du genre de dépôt ici. Ensuite, nous allons jeter un coup d'oeil à changer le son de plomb et à modifier certains paramètres de l'odeur. Regardons nous maintenant. Le modèle de plomb est donc relativement simple. Il est en fait composé de deux modèles plus petits. Nous avons ce modèle ici au début, et il est basé sur le modèle OneNote dont nous parlions auparavant, sauf que je viens de modifier certaines des notes. C' était donc ça a commencé avec g tout le chemin de l'autre côté, puis j'ai juste déplacé certaines des notes de haut en bas. Mais en fait, je déplace juste ces nœuds vers le haut. Et puis j'ai aussi déplacé ces notes ici. Et puis la seconde moitié du motif est exactement le même rythme. Mais j'ai juste changé les notes pour qu'elles correspondent aux accords. Et nous avons également examiné cela lors de la dernière conférence où nous reproduisons en quelque sorte le modèle et modifions les notes pour qu'elles correspondent aux tribunaux. Donc, écoutons le modèle sur son propre très rapidement. Maintenant, la raison pour laquelle j'ai choisi un son de plomb comme celui-ci est parce qu'il imite un, une sorte de plomb de style Vici qu'il utilisait. Et parce que les sons de piste varient, VGS, j'ai choisi élite qui correspondrait à son style, mais venons ici maintenant au plugin et nous allons jeter un oeil à changer ces sons de leads et les ajuster si nous en avons besoin. Donc, nous allons juste travailler en arrière ici. Appuyons sur ce bouton à gauche et nous verrons à quoi ressemble ce preset, ce rush. Voyons voir à quoi ça ressemble. Maintenant, ce type de son est connu comme un son acide. Et la musique techno utilise beaucoup ce son. Et ce qu'ils font, c'est qu'ils ont fermé le filtre et qu'ils l' ouvriraient lentement au fur et à mesure que la piste progresse. Et peut-être que cela sonnerait bon dans le modèle. Écoutons le modèle, tu sais, en gardant à l'esprit. Nous devons toujours écouter dans des contextes. Nous devons toujours écouter la tête en jouant avec tous les autres éléments. Donc, je vais avoir écouté ce que cela ressemble dans le modèle de goutte. Donc ça a l'air bien, mais je ne pense pas que ça brille vraiment. Je ne pense pas qu'il soit vraiment assis sur les autres éléments ainsi que sur les autres pistes, donc je vais le changer et nous en trouverons un autre. Voyons donc à quoi ressemble ce routeur tout d'abord, avec juste ajuster certains des paramètres ici. Donc, je viens d'ouvrir un peu le filtre. Donc, il est genre de sorte ajoute dans un peu plus haut de gamme. Alors, écoutons-le dans son contexte. Je n'aime pas ce son du tout. Je pense que c'est un peu trop dur sur l'oreille, donc je vais le changer à nouveau et écouter ce que ce répéteur sonne. Et c'est le même genre de son que sont les derniers presets. Donc je vais juste l'ignorer. Voyons à quoi ressemblent les raisons. Ok, donc j'aime vraiment le son de ça juste en écoutant seul. Je vais juste filtrer ici et voir ce que je peux faire. D' accord ? Donc, parce que j'aime une partie de cela, je vais écouter en contexte et voir si j'aime le son du motif ou si j'aime le son de l'instrument avec le motif de chute. Alors voyons. Ok, donc ça a l'air sympa, mais je pense que ça pourrait être mis en place juste parce que ça semble un peu bas. Alors passons le chercher et voyons à quoi ça ressemble. Maintenant, j'appuie juste sur la commande et là-haut juste pour la déplacer vers l'octave. Allons entendre à quoi ça ressemble maintenant. Alors maintenant, j'ai trouvé un son de plomb que j'aime vraiment. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais cloner le plug-in pour que nous puissions commencer à couches. Ok. Donc j'aime le son de cette piste. Alors maintenant, je vais aller sur le dessus. Donc c'est nos principales pistes sur lesquelles nous allons utiliser. Et maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici et que je vais commander et copier ce modèle. Et je vais le coller dans le modèle de calque. Et je vais commencer à changer certains préréglages pour voir à quoi ils ressemblent ensemble. Essayons donc ce préréglage radieux en tant que couche. Et en fait, la première chose que je vais faire c'est que je vais le baisser dans la piste de mixage juste pour que ça ne nous blesse pas les oreilles. Écoutons encore une fois. Donc, je ne pense pas que ce préréglage particulier ajoute quoi que ce soit au son global, alors changeons-le quand même dans ce préréglage pyro. Maintenant, j'aime le son de ça. Je pense que c'est ajouter une texture assez cool et on dirait que c'est une sorte de cris. Et je pense que c'est vraiment cool. Je pense que ça pourrait marcher sur la piste. Alors écoutons maintenant le motif de chute avec ce genre de cris, ça sonnait comme si ce n'était pas le cas. Et vous savez, à la seconde écoute, je pense que je vais fermer un peu le filtre parce que je pense que c'est un peu trop crier. Donc, nous allons voir si ce préréglage, Nous allons juste fermer le filtre. Allons l'écouter tout seul. Ok, donc avec ce préréglage particulier, ils n'ont pas vraiment configuré le filtre. Donc, en fait, je vais juste sauter parce que je ne suis pas un fan complet du son quand c'est dans le contexte de la chute. Alors écoutons ce preset poussoir avec, avec l'autre préréglage. Maintenant, je pense que c'est en fait ajouter quelque chose de gentil. Écoutons encore une fois, je vais gâcher avec le filtre. Et maintenant écoutons cela dans le contexte du modèle de goutte. Donc, je pense en fait que ce préréglage sonne beaucoup mieux que le dernier préréglage que nous utilisions. Et comme tout le reste, choisir les sons de votre instrument va être subjectif. C' est une sorte de ce que vous aimez et ce que vous pensez correspond le mieux à votre piste. Mais vous devez vous assurer que votre leader se démarque du reste des éléments parce qu'il est conçu pour s'asseoir sur le dessus et il est destiné à attirer l'attention de l'auditeur. Assurez-vous donc de choisir un son de piste qui se démarque du reste des éléments, puis de le superposer avec d'autres préréglages qui ajoutent en quelque sorte à ce son d'origine. Maintenant, passons à autre chose et nous allons jeter un coup d'oeil à la fabrication de certains instruments de viande. 28. Faire des instruments de plomb: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à faire nos propres sons Lead. Maintenant, nous allons rester avec le même plugin que nous avons regardé jusqu'à présent, juste pour des raisons de cohérence et pour empêcher que vous soyez confus. Mais le processus est à nouveau le même sur tous les synthétiseurs que vous utilisez. Alors commençons ici avec l'oscillateur un en tournant les micros de table d'onde. Et puis nous irons ici et nous allons vérifier certains des différents types de sons que nous pourrions utiliser. Essayons de violon, essayons ce inter un. Ok, donc j'aime envoyer ça en un seul. Donc je vais ajouter une voix unison pour le rendre un peu plus épais. Ajoutons donc quatre voix, et déréglons un peu plus que le type de réglage par défaut. Maintenant, je vais monter la version juste pour voir à quoi ça ressemble. Et puis peut-être que nous allons monter la désintégration et voyons à quoi ça ressemble si nous montons l'attaque dessus. Ok, donc maintenant je veux rester avec ce genre de bruit pincé. Et ce que je vais faire avec cet instrument principal, c'est que je vais utiliser le panoramique au lieu des réglages larges. Donc je vais faire le tour du premier oscillateur, peut-être en quelque sorte jusqu'au réglage de sept heures, peut-être huit heures avec ce genre de roue. Et puis je vais ajouter le deuxième oscillateur. Ce que je vais faire tout de suite avec ce second oscillateur, c'est que je vais juste punir du côté opposé, qui serait quatre, peut-être cinq heures. Juste le contraire de l'oscillateur un. Pour que nous soyons en train de créer une belle diffusion à travers le spectre stéréo. Alors écoutons à quoi ça ressemble maintenant. Encore une fois, nous montons nos micros de table d'onde et nous allons changer certains sons. Voyons donc à quoi ressemble le piano A1. Essayons de le faire tomber un peu. Donc je pense qu'avec ce second pas d'oscillateur vers le bas, je pense que ça sonne un peu plus plein. Donc je vais m'en tenir à ça et je vais essayer certains de ces différents types de sons. Essayons vocal six. Ok, donc j'aime ça et la voix six. Donc je vais commencer à jouer avec le réglage de l'unisson. Peut-être le dérégler un peu plus. Maintenant parce que c'est une piste. Je vais allumer ce parfait oh, Filter. Et je vais en fait ouvrir complètement le filtre que nous obtenions, parce que quand il est fermé, c'est plus un son pincé, qui peut être refroidi pour la progression de votre piste. Mais je veux que le filtre soit ouvert parce que c' est la section de chute et c'est là que le plomb devrait être à son maximum et son plus fort et en quelque sorte prendre le centre de la scène sur le reste des instruments. Laissons ce filtre ouvert. Et puis par souci d'équilibre, je vais ajouter un troisième oscillateur, et je vais laisser cet oscillateur au centre. Mais je pourrais juste y ajouter un peu de blancheur juste pour le bien de ce genre moderne de son large. Et encore une fois, mettez notre mélange de table à vagues. Et écoutons à quoi ressemble l'onde sinusoïdale. Mettons-le vers le bas. Donc je l'ai repoussé et je vais écouter peut-être certains de ces paramètres ici. Peut-être cette guitare. Peut-être le mettre à nouveau, voir à quoi ça ressemble. Et nous allons essayer de le lancer une fois de plus pour créer une sorte de propagation. Ok, donc maintenant c'est trop bas, donc je vais juste laisser un renfort à cette octave minuscule. Donc, je l'ai remonté à nouveau. Mais je n'aime pas le son de cette sorte de forme de vague de guitare. Je vais le changer en laiton pour faire les sons comme OK. Donc, vous pouvez voir ici maintenant à mon compteur CPU qu'il commence à provoquer une latence. Et nous avons examiné cela lorsque nous avons mis en place notre projet. Une façon de rafraîchir le logiciel et de lui dire que vous vouliez fermer le plugin inutile. Donc, je vais venir ici pour les outils, jusqu' à Macros et cliquez sur Switch smart disable si Rob se connecte et si vous regardez le compteur CPU ici, il devrait sauter de 6766 vers le bas parce que je n'utilise que ce plug in pour le moment. Alors, appuyez sur ce bouton. Et comme vous pouvez le voir, il est passé de 67 à 42. Et cela nous a libéré beaucoup plus d'espace CPU pour être en mesure de faire notre centre et nous pouvons réellement entendre clairement. Donc il ne devrait pas y avoir plus de saut ou de retard. Écoutons. Ok, donc j'aime que le son de cette cuivre-là agite des formes quand je vais ajouter des voix supplémentaires. Et je vais le dérégler un peu. Et écoutons à quoi ça ressemble. Fermons un peu le filtre et voyons à quoi cela ressemble avec un filtre fermé. Peut-être ouvrir un peu plus. Donc maintenant je pense que je vais juste nous laisser complètement ouverts et nous avons le plein, quelque sorte, le mur du son qui vient de ce synthétiseur. Je pourrais refuser la sortie un peu parce que je pense que c'est un peu trop long. Et je pense que les notes se croisent en quelque sorte. Alors on y va. Ça sonne un peu mieux. Essayons d'ajouter une partie de cette saturation. Montons le Dry Wet Anobit et va monter le lecteur. Donc vous obtenez le son déformé de Marv Martha. Maintenant, nous pouvons utiliser ce locus. Réglage pour se débarrasser d'une partie de la faible distorsion qui est, et qui provoque, un, un, un, un, un son indésirable dans l'ensemble du son de l'instrument. Alors montons ça un peu et voyons à quoi ça ressemble. Il a refusé le Dry, Humide et les objets. Donc, ce n'est qu'un effet subtil. Donc maintenant c'est, maintenant ça fournit une sorte de distorsion subtile. Et si on le muette maintenant, ça sonnera comme ça. Et laissez-moi l'ajouter à nouveau. Il ajoute à ce son de distorsion subtil. Écoutons. Et enfin, comme nous l'avons fait avec tout notre sens que nous faisons jusqu'à présent, nous allons activer cette section égaliseur et simplement booster un peu le haut de gamme. Et en fait, je vais faire cuire les bas, je pense un petit peu. Et c'est une forme très courante qui est utilisée dans le mélange. Et c'est à cause de quelque chose appelé Fletcher et Munson Curve. Mais nous y verrons quand nous arriverons à la phase de mixage. Mais c'est juste une raison scientifique pour laquelle nous semblons préférer ce genre de forme sur l'égaliseur. Mais écoutons ce que ça ressemble maintenant. Et maintenant, voyons à quoi ça ressemble dans le modèle de goutte de poulain. Maintenant, vous remarquerez que c'est beaucoup plus calme. Donc je vais juste communiquer la table de mixage et monter cette piste qui, que, cette piste est allumée. Et écoutons à nouveau. Beaucoup de choses que vous pouvez faire alors est que vous pouvez entrer et vous pouvez cloner ceci et vous pouvez le superposer avec des préréglages comme nous l'avons fait ici. Ou vous pouvez créer votre propre type de préréglages pour superposer avec elle. Mais encore une fois, comme tous les autres instruments que nous devons superposer sont des pistes. Donc, si vous avez une sorte majeure de son principal principal, qui peut être ceci, vous pourriez alors cloner ceci et faire une autre sorte de calque, peut-être avec un peu de clic. Ou comme nous l'avons dit précédemment, transitoires et pour en quelque sorte ajouter dans le clic est que cela semble manquer. Maintenant, cette couche particulière ici fournit en fait cette délicatesse qui nous manque avec celle-ci. Donc, ce que je peux faire, c'est que je peux entrer dans la piste de mixage et juste baisser ça. Donc les deux, les deux sons s'assemblent un peu mieux. Écoutons à quoi ressemble le calque que nous avons créé avec le calque que nous utilisons comme préréglage. Et si nous enlevons la couche que nous avons faite, et maintenant si nous sortons la couche c'est un préréglage. Ainsi, vous pouvez voir que les deux couches se complètent mutuellement. Eh bien, ce calque est un préréglage et c' sorte de clics et ce calque est un calque que nous avons créé, mais ce n'est pas Kikee. Donc, les deux se combinent pour faire une belle piste cliquante et aérée. Écoutons ceci et le motif complet et voyons à quoi ça ressemble. Donc c'est tout ce que vous devez savoir sur la création de vos sons de plomb. Ce n'est pas très différent de faire un autre instrument. La seule différence est que vous pensez au genre de résultat fini. Et vous vous assurez que ça ressemble plus à une piste qu'à une pince ou à une base. Il suffit de penser au produit fini chaque fois que vous créez vos propres sons. Alors passons maintenant et nous allons jeter un oeil à la construction de pads et de cordes pour EDM. 29. Pads et cordes.: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à quelques pads, et ensuite nous allons jeter un oeil rapide à quelques cordes. Maintenant, dans le modèle EDM, chaînes ne sont pas si communes. Et s'ils sont utilisés, ils sont généralement utilisés dans les transitions sont comme remplissage en arrière-plan. Nous regarderions le remplissage et les transitions dans les prochaines sections. Mais pour l'instant, je vais juste vous montrer une instance où vous pourriez utiliser un pad ou vous pourriez utiliser une chaîne. Et c'est comme un accompagnement pour une voix. Donc, vous pouvez utiliser votre pad comme une sorte de modèle d'accord, sauf que l'accord D rien à l'accord est maintenu pendant une longue période et c'est ce que fait un PAD. C' est ce genre de poumon qui balaie le son. Et mais il tient la note et il la tiendra aussi longtemps que vous le voulez, exactement comme une corde le ferait dans un orchestre. Et c'est pourquoi les cordes et les coussinets sont en quelque sorte entrelacés. Mais nous pouvons utiliser nos pads pour jouer la progression des accords de la piste. Ensuite, nous pouvons calquer ça sous nos voix et créer une sorte de son typique de maison commerciale. Donc si je viens de voir ce bloc ici, ça ressemble à ça. Et vous voyez quand vous apportez la voix, alors vous obtenez ce genre de musique house commerciale typique. Alors écoutons ça avec la voix superposée en moi. Maintenant, la différence entre un pad et une corde est qu' une corde est évidemment un instrument acoustique et ça sonne comme ça. Donc, résolvons juste ce modèle de chaîne ici. Maintenant, les cordes sont un peu plus expressives. Le son du pad est très dans votre visage et il vous frappe dès qu'il commence. Comme dès que ce modèle a commencé te frappe au visage. Alors que si vous prenez une écoute des chaînes, l'attaque sur une chaîne est beaucoup plus lente et c'est une sorte de flux entre chaque note. Et ça s'appelle le Gatto en musique, mais on n'a pas besoin, on n'a pas besoin de s'en soucier. Tout ce que vous devez savoir, c'est que les cordes sont un peu plus expressives. Donc, si vous voulez ajouter une expression ou une tristesse dans votre piste, vous pouvez ajouter des chaînes. Et écoutons maintenant avec le chant superposé. Maintenant parce que c'est tout ce qu'il y a pour breveter les chaînes. C' est simplement un accompagnement que vous pourriez utiliser ou vous l'utiliseriez comme remplissage ou transition. Je vais juste entrer dans ce modèle ici et vous donner un coup d'oeil à deux sortes d'options que vous pourriez utiliser. Maintenant, la première option est évidemment d'avoir toutes ces notes sur le premier battement de chaque sac comme ça, ok, et puis le motif sonnerait comme ça. Si j'allume le métronome, ça sonnerait comme ça. Donc, si vous ajoutez cela dans votre morceau avec le chant, cela donnera en fait une sorte d'ambiance différente. Alors la technique que je vais vous montrer. Alors écoutons ce modèle dans la piste lorsque tous les nœuds sont sur le premier temps de la barre. Ok, écoutons pour éteindre le métronome. Venez me montrer quoi. Cette prochaine technique que je vais vous montrer est quelque chose que Daft Punk utilise tout le temps. Et je suis, je nous surprends le timing d'accord Daft Punk parce qu'ils l'utilisent si souvent et en fait, ça crée un peu de groove dans votre piste. Ce que nous faisons, c'est de prendre tous les accords qui ne sont pas au premier temps et de les compenser. Nous les présentons par une, deux, trois ou quatre étapes ou quoi que ce soit, vous les faites avancer. Je vais donc les amener sur la troisième marche du front stérile. Et puis je vais les raccourcir pour qu'ils ne se touchent pas ou qu'ils ne se chevauchent pas. Et ça s'appelle. Mais il n'est pas appelé, mais je l'ai surnommé le timing Daft Punk parce qu'ils le font si souvent et il crée un peu de groove dans les pistes d'un allongé ceux-ci ici. Allons allumer le métronome et nous allons écouter ce que ça ressemble maintenant quand les accords tombent avant le rythme de la barre. Et si vous associez cette technique particulière avec des éléments de batterie comme nous avons ici, j'ai un échantillon de clap ici. Et il peut prendre un modèle de son très amateur qui tombe sur le premier temps de chaque acheteur et le transformer en un modèle de son plus professionnel qui a un peu plus pensé à lui et un peu plus de groove. Alors écoutons maintenant ce motif, quand il est décalé en amenant les notes de l'accord vers l'avant dans le front stérile. Ok, alors écoutons maintenant. Montre-moi. On pourrait éteindre ce clap ici juste pour arrêter la latence. Et encore une fois, je vais venir à Macros et changer smack disabler pour nos plug-ins. Maintenant, la raison pour laquelle cette piste est si mal sauté est parce que c'est en fait un arrangement complet que j'ai fait. Et j'ai, j'ai des effets sur tous ces différents instruments ici. J' ai le Mastering en cours aussi. Donc le logiciel essaie d'exécuter toutes ces choses en même temps, mais je voulais juste vous montrer cette piste particulière très rapidement parce qu'il utilise ce genre de timing d'accord Daft Punk. Alors écoutons à nouveau et espérons que la latence moins que revenir. Donc évidemment, les pads et les cordes donnent des sons très différents. Mais c'est à vous de décider quel son vous voulez utiliser dans votre piste. Les cordes sont un peu plus expressives et tristes. Et les pads sont un peu plus dans votre visage et une sorte de sonorité électronique. Et ils ont ce champ commercial. Passons maintenant à la conférence Choisir des instruments de pad. Et je vais vous montrer le plus gros mal de tête quand il s'agit de choisir vos préréglages de pad. 30. Choisir des sons Pad: Ok, donc dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur le choix de nos instruments. Maintenant, la seule chose que je vais dire à propos des instruments de pad est qu'ils sont généralement fades et non distrayants parce que nous utilisons ces types d'instruments en arrière-plan ou en quelque sorte comme un élément de remplissage. Nous ne voulons pas distraire les principaux éléments de la piste. Donc, si vous trouvez un préréglage avec beaucoup de sorte de LFO et de modulation complexes et d'autres choses comme ça, cela pourrait distraire l'auditeur. Nous allons modifier les paramètres pour les désactiver. Nous voulions garder le son aussi simple et aussi fade que possible. J' ai donc le début d'un arrangement ici, et ça commence par ces accords ici. Et puis il saute dans cette section vocale. Et puis il entre dans cette section où il y a un motif d'accords arpéggiés. Mais je pense que cet arpège laisse beaucoup à désirer. Je pense qu'il y a beaucoup d'espace derrière chacun des nœuds. Donc je pense que je vais remplir cet espace avec le son du pad. Écoutons la piste, peut-être jusqu'ici, et essayons de remarquer comment la piste se sent un peu plus vide quand elle atteint cette première section. Ok, écoutons maintenant. Ok, alors on va ajouter nos instruments. Donc la première chose que je vais faire est que je vais entrer dans le modèle d'accord. Et ce ne sont que les accords principaux et ils jouent à chaque rythme de la barre et ils sont maintenus pour ce rythme complet. Et je vais juste le copier en appuyant sur commande et voir. Et puis je vais venir ici et je vais créer un nouveau modèle appelé pad. Ok, allons dans ce modèle et nous allons utiliser ce faisant trois plug-in que j'ai déjà chargé en bas ici. Alors on va dans le rouleau de piano et on va coller ce modèle d'accord. Et nous allons le lancer aussi bien parce que je pense que je veux ce son de pad soit un peu plus haut dans la zone, puis l'application qui joue en même temps. Alors sortons de cela et revenons dans le plug-in. Et nous ouvrirons la section banque de sons et nous chargerons peut-être ce volume de collection essentiel 3 et nous chargerons le sous-dossier de pads. Donc je vais juste déplacer ça et nous allons écouter à quoi ressemble ce premier préréglage d'Arun et de pad. Je dois changer de modèle. Désolé. Écoutons encore. Et je ne suis pas sûr que vous puissiez remarquer cet oiseau, le temps de sortie de ce son particulier est toujours en cours. D'accord ? Et j'ai dit que j'avais mentionné le genre de mal de tête que nous avons avec les préréglages de pad. Et c'est là que vous les chargez. Les temps d'attaque sont ridiculement élevés et les temps de sortie sont ridiculement élevés. Et la raison en est que les pads sont conçus pour la musique ambiante. Je veux dire, ce style de musique, ils ont ces très longues progressions d'accords. C' est pourquoi les pads peuvent fonctionner très bien dans ces styles de musique. Mais pour nous, ces temps d'attaque et de libération ne fonctionnent pas. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va baisser le dôme d'attaque pour que le son commence beaucoup plus tôt. Et nous allons refuser cette heure de publication pour que les notes se chevauchent. Je vais aussi entrer et désactiver certains des effets, comme le retard dans la réverbération juste pour que nous puissions entendre le son principal un peu plus clair. Je veux dire, écoutez plus jamais. Ajoutons ceci à la piste de mixage. Je vais le baisser légèrement, juste pour ne pas dominer le son de la pomme. Moi, rajoute-le. Et maintenant, nous allons voir à quoi ça ressemble avec le demi-plan au-dessus. J' aime donc le son de ce pad, mais revenons simplement dans le plug-in et changeons-le juste pour le bien de ce tutoriel. Et nous allons changer ça peut être pour cette croyance prédéfinie. Voyons donc à quoi ressemble cette croyance prédéfinie en soi. Maintenant, je n'aime pas vraiment le son de ça, alors passons à la suivante qui est le blizzard. Repassons à Bobby. Donc j'aime vraiment le son de Bobby. Je pense qu'il y a le préréglage de Bobby est assez subtil et distrayant. Mais encore une fois, le temps d'attaque et le temps de sortie sont très, très longs. Donc je vais juste les baisser pour que le son commence avec un peu plus tôt et l'heure de sortie pour que le son ne se chevauche pas. Les autres notes vont entrer et désactiver la réverbération. Et puis je pourrais, je pourrais ajuster cette fréquence de coupure pendant qu'elle joue juste pour voir quel genre de sons on peut sortir de cette fréquence de coupure. On va, ok, alors écoutons. Donc je préfère beaucoup le son à ce préréglage avec la roue de coupure un peu ouverte. Revenons à l'arrangement et nous écouterions l'Arabe pendant qu'il joue avec le pad. Allons le baisser juste pour qu'il soit en arrière-plan et ne pas distraire de l'application principale. Et maintenant, en l'écoutant dans l'arrangement, je pense en fait que la roue de coupure est deux. Il est trop ouvert, il semble trop lumineux et deux Airy, donc je vais en fait le refuser et le rendre un peu plus subtil. Écoutons encore. Nous fermons juste ce plug-in et écoutons ensuite. Peut-être le monter légèrement. Mais j'aime vraiment le son de ça jusqu'à présent. Et écoutons maintenant le résultat final avec notre pad ajusté avec l'application. C' est donc tout ce que vous devez être conscient lorsque vous choisissez vos sons de pad. Sachez simplement que vous l'utilisez comme instrument de fond. Et vous ne voulez pas qu'il soit distrayant par rapport aux autres éléments principaux de votre piste. Ensuite, nous allons jeter un coup d'oeil sur la fabrication de quelques instruments Pat. 31. Faire des sons de tampons: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un coup d'oeil à la fabrication d'un instrument de pad. Ok, donc ce que j'ai ici, c'est que j' une très longue progression d'accords cinématographiques. Et c'est littéralement juste pour écouter le pad. Alors venons ici et sortons au plugin et nous allons jeter un coup d'oeil. Nous allons juste initialiser ceci et nous avons un coup d'oeil à créer nos propres pads. Alors écoutons une partie du modèle MAINTENANT avec ce paramètre initialisé. Ok, donc peut-être qu'on va monter ce mélange de table à vagues pour obtenir la forme finale de l'oscillateur. Et puis nous pourrions essayer certaines de ces différentes formes d'oscillateur. Essayons le violon trois. Voyons voir à quoi ça ressemble. Ok, j'aime le violon sonore. Voyons à quoi ça ressemble avec un laiton. Rejouons-le. Et essayons maintenant avec peut-être qu'il y a para loin. Voyons voir à quoi ça ressemble. Ok, donc j'ai vraiment aimé le son de cuivres un quand on jouait là-bas. Donc, je vais sélectionner ça à nouveau. Et comme d'habitude, je vais venir et je vais modifier les voix de l'unisson. Maintenant, c'est un son de pad, donc je voulais être assez coche. Donc je vais choisir peut-être ces six voix ici. Et nous allons juste monter la détonation juste pour le rendre un peu plus épais. Alors voyons à quoi ça ressemble maintenant. Et maintenant, voyons comment on peut ajuster l'attaque ? Ok, tournons l'attaque de, et peut-être que nous allons nous tourner vers la désintégration aussi. Et voyons ce qui se passe quand on fait ça. D' accord ? Maintenant, je pense que cette attaque est un peu trop longue, alors refusons-la un peu et nous verrons à quoi ça ressemble maintenant. Et je ne suis pas sûr que vous l'ayez remarqué quand vous écoutez, mais il y a en fait un son cliquetis qui se passe comme un petit pop ou un clic qui se passe, juste au moment où le nord commence dans le modèle d'accord. Et la raison en est que lorsque nous parlions de synthétiseurs, rappelez-vous que nous disions combien de voix sont synthétiseur peut jouer en même temps. Maintenant, ce modèle d'accord particulier a beaucoup de choses sur elle comme 12345, peut-être six. Six ou sept notes différentes jouées en même temps. Et si nous venons ici et nous regardons combien de voix nous avons mis en place pour permettre de jouer en même temps, nous verrons qu'il est en fait réglé à quatre. D' accord ? Il faut donc que nous trouvions ça. Et la raison pour laquelle le son clicky se produit est parce que le synthétiseur essaie de déterminer quels nœuds devraient avoir joué. S' il y en a sept qui se passe, quelles trois notes ne vont pas jouer dans lesquelles les étrangers joueraient, et cela provoque un son cliqué. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va tourner les voix jusqu'à 16, juste pour sauver les problèmes. Et nous allons écouter à nouveau le modèle et nous verrons s'il y a des sons cliquants cette fois. Donc, comme vous pouvez le voir, ce simple réglage, juste en tournant les voix à 16 a supprimé le son cliché qui se produisait auparavant. La prochaine chose que je vais faire, c'est que je vais allumer le filtre au réglage parfait. Et je vais ramener la fréquence de coupure tout de suite et écouter ce que ça ressemble. Je vais le balayer pendant qu'il joue, juste pour entendre, pour trouver un point, désolé de trouver un point sur la roue que j'aime où se trouve le son. Ok, alors écoutons le modèle et je vais commencer à ajuster ça. Et nous trouverons un point que nous aimons. Montons la version pour qu'elle sonne un peu plus expressive afin que les nœuds ne s'arrêtent pas aussi soudainement qu'ils le sont. Et je vais recommencer à ajuster cette fréquence de coupure. Donc j'aime la fréquence de coupure définie ici. J' aime comme ça sonne doux et ce n'est pas trop dans ton visage. Donc ce que je vais faire avec ce son de pad ne va pas ajouter un second oscillateur, ok ? Et je vais faire le tour du premier oscillateur, peut-être l'été sur la région de huit heures à gauche. Et je vais tourner le deuxième oscillateur quelque part à huit heures, ou désolé, la région de quatre heures sur la droite. D' accord. Donc maintenant, nous allons avoir deux sons différents sortant de chaque côté. Nous allons avoir l'oscillateur un sortant de la gauche et l'oscillateur deux venant de la droite. Ok. Écoutons ce que cela ressemble maintenant avec juste le genre de son oscillateur par défaut. Montons ce mix de comprimés d'ondes pour obtenir le son complet de l'oscillateur. Et peut-être qu'on va essayer le violon trois. Ok, donc j'aimerais envoyer un violon. Donc je vais entrer dans la section de l'unisson et je vais monter les voix, peut-être à cinq. En fait, je l'ai tourné à six, ce qui est le même que l'oscillateur un. Et juste en haut de la Detune un peu. Ok, donc j'aime ce son, mais je pense que par souci d'équilibre, je vais juste baisser un peu l'oscillateur. Je pense que c'est trop fort. Écoutons encore une fois. Ouais, je pense que ça sonne un peu mieux. Et amenons un troisième oscillateur ici juste pour rendre le son un peu plus intéressant. Donc nous allons entrer dans l'oscillateur 3 ici. Et nous allons remonter les micros de la table des vagues juste pour obtenir la forme. Et ce que je vais faire, c'est que je vais le changer en piano a3. Et écoutons le modèle maintenant avec ce troisième oscillateur ajouté, peut-être tourner légèrement vers le haut. Et maintenant je pense que pour cet oscillateur, je pense que le piano A3 sonne très, très similaire à certains des autres paramètres que nous avons utilisés. Donc, je vais essayer de trouver une forme d'oscillateur qui sonne différente des autres formes que nous avons utilisées. Alors essayons ce buyin un. Je vais juste couper les deux autres oscillateurs juste pour entendre exactement à quoi ressemble l'oscillateur trois. Essaie le sitar. Et ramassons l'octave. Ok, et ajoutons à nouveau les autres oscillateurs. Ok, donc j'aime le son de ça. Je vais le dérégler pas autant que les deux premiers, peut-être seulement de moitié, ce qui est trois parce qu'on détonne les autres par six. Donc c'est enseigner ça, cet oscillateur par trois. Encore une fois le détuned juste légèrement. Et ce que je vais faire, c'est que je vais élargir ce son particulier. Donc, je ne vais pas trop élargir. Peut-être qu'il suffit de le laisser à 12 heures. Et voyons à quoi ça ressemble. Maintenant, je vais venir quelque part au milieu du modèle juste pour avoir une idée complète de ce qui se passe. Ok, donc c'est un peu bruyant, alors je vais le faire tomber. Réglons la fréquence de coupure parce que je pense qu' il y a trop de haute fréquence. Alors écoutons. Je pense que je pourrais élargir ce troisième oscillateur encore plus que je ne l'avais. Ok, donc j'aime le son de ça jusqu'à présent. Je vais venir ici à la section EQ, allumer et je vais faire le contraire de ce que nous avons fait jusqu'à présent. Je vais prendre certaines de ces notes élevées, d'accord ? Et puis je vais booster certains des médiums, juste un peu comme ça. Et ce genre de réglages, je pense, rendra le son un peu moins dur. Faisons une autre leçon. Et encore une fois avec les pads, nous pouvons ajouter quelques effets supplémentaires comme la distorsion. Voyons à quoi ça ressemble avec la distorsion dessus. En général, je ne pense pas que la distorsion soit un bon son pour avoir un iPad, mais vous pouvez l'essayer si vous voulez. On a des phaseurs. phasors peuvent sonner vraiment bon sur les pads sur et jeter un oeil à nouveau aux phaseurs, laissez-moi venir à la phase de mixage, mais écoutons ici rapidement ce phaseur comme tout ce que j'ai fait a été tourné vers le haut le bouton sec humide et nous allons voir ce qu'il On dirait. La fréquence a éteint la course. Donc, j'ai juste juste ajusté ces boutons au hasard, mais je pense que le son qu'il me donne, c'est en fait assez sympa. Je pense qu'il y a une sorte d'impression dans les années 80. Donc je vais vraiment le laisser tel qu'il est. J' aime en quelque sorte des sons hors de airs. Ouais, tu vois que ça sonne un peu AUTO-TUNE. On dirait que c'est tout droit sorti de Stranger Things, mais ajoutons de la réverbération très rapidement juste pour entendre ce que ça ressemblerait si c'était dans une pièce avec d'autres instruments. Peut-être le pré-délai. Peut-être pas tant que ça. Je n'ai pas fait quelques désagréments pour que la queue continue plus longtemps. Vous pouvez également ajouter un cours, désolé, vous pouvez également ajouter un effet de chorus au son ainsi pour le rendre un peu plus épais. Et nous regardons, bien sûr encore une fois du bois faisant du mélange, mais je vais juste laisser ça dehors pour l'instant. Donc je pense que ce son de pad est assez agréable. Ce n'est que trois oscillateurs et c'est relativement simple. Mais je pense que le son global que nous avons obtenu est subtil. Mais nous allons ajouter une sorte de texture agréable et faire n'importe quelle piste. Écoutons à nouveau rapidement avant de terminer cette conférence. Et je pourrais utiliser ce phasor hors de l'air juste pour voir à quoi ça ressemble sans. Et c'est juste que d pourrait offrir. Vous pouvez voir. Et on peut l'ouvrir. Donc, dans la prochaine conférence, nous allons garder le même modèle. Et nous chercherons à changer l'instrument en cordes. 32. Choisir des instruments String: Alors regardons maintenant le même modèle que la dernière conférence, mais changera l'instrument à quelques cordes. Ok, donc j'ai chargé ce plug-in Mellotron 5 que j'ai de Corée. Et je l'ai déjà défini sur cette section de chaîne ici. Et il y a quelques préréglages de chaîne ici. Et ce sont tous des échantillons vivants de vrais instruments à cordes. Alors commençons par le haut, le premier. Et nous allons entendre ce que cela ressemble avec le modèle que nous utilisions lors de la dernière conférence. Avant de le faire, je veux juste dire que les cordes sont des cordes. D' accord ? Donc, si vous voulez utiliser des sons de chaîne dans votre piste, vous pouvez utiliser n'importe quel type de préréglage de chaîne que vous avez parce que le son des cordes tel que réellement échantillonné à partir d'instruments à cordes réels, la seule chose que vous devez être conscient est que le son de ces cordes fonctionne avec vos traces. Donc, il existe différents types de chaînes. Vous savez, certains d'entre eux sonnent tous ou certains semblent plus tristes que d'autres. Et tout ce que vous avez à faire est de penser de manière critique, les écouter dans votre morceau, et de penser à quelle sorte de précision de corde sonne mieux dans le contexte de votre arrangement. Alors passons à travers ces préréglages de chaîne, pourquoi le modèle est en train de jouer. Et puis je vais mentionner quelques autres points importants à la fin de la conférence. Ok, alors passons en revue ces maintenant. Voyons donc à quoi ressemble le prochain préréglage, qui s'appelle les chaînes. Et avec Mellotron, nous pouvons, au moment où nous sommes sur ce violons M K23, mais nous pouvons tourner ça, nous pouvons le changer de a à b, et nous pouvons le changer de B à C. Ou nous pouvons tous les faire passer au même temps. Si on le met ici à tous. Je vais le laisser allumer pour le moment. Je pense que j'aime le son de ça. Voyons à quoi ressemble le prochain préréglage. C' est ce bloc électrique acoustique. Voyons à quoi ressemble le prochain préréglage. Cordes d'âge. Donc, ce son de chaîne particulier est assez lourd, donc cela pourrait ne pas fonctionner en arrière-plan de votre piste parce qu'il est très plein. Et au son très lourd, continuons et voyons quels autres préréglages à avoir. Voyons à quoi ressemble le prochain préréglage. Cordes de chambre. Donc, comme vous pouvez le voir ici, il y a plein de différents sons de cordes. Et je veux dire, je viens juste de faire une petite bosse. Je l'ai seulement traversé, je pense que cinq ou six ici, mais il y a des charges à passer ici dans ce plugin particulier. Et cela m'amène aux derniers points dont je veux parler dans ce genre de courte conférence. Et c'est les différents types de sons de chaîne que vous pouvez trouver et que vous pouvez utiliser. Alors ce que ce plugin est, ce Mellotron cinq, c'est un échantillonneur, ok, donc tous ces différents éléments ici. Donc ça, si je fais tomber ça pour voir que ce son est un violoncelle. D' accord ? Mais cela a été échantillonné à partir d'un vrai violoncelle. Il y a donc de vraies notes qui ont été enregistrées sur un violoncelle et qui ont été mappées à ces petites touches blanches. Donc, quand j'appuie sur cette touche, elle joue en fait. Maintenant, vous pouvez le voir là où il s'allume sur le violoncelle. Ils ont donc différentes instances de notes de violoncelle qu'ils ont enregistrées. Et ils correspondent à ces notes ici. Donc, quand je joue cette note, elle correspond à cette note qu'ils ont enregistrée. Et si j'ai joué cette note, ça correspond à cette note qu'ils ont enregistrée. Et ce sont des échantillonneurs, d'accord, parce que ce sont des échantillons d'un instrument, ils ont aussi des échantillons de violon ici. Ce n'est pas ce qu'ils ont enregistré. Et ce n'est pas ce qu'ils ont enregistré. Donc, il y a plein d'échantillonneurs là-bas que vous pouvez trouver. Il y a plein de libres. Il y a en fait un F31 qui vient avec FL Studio, et ça s'appelle vague directe. C' est ici dans la section échantillonneur de l'onglet Ajout d'instruments. C' est un outil très utile pour essayer d'émuler des sons de la vie réelle comme des guitares, des cordes, des cornes, vous savez, l' un de ces sons d'orchestre. Ainsi, vous pouvez utiliser le gratuit fourni avec FL Studio, ou vous pouvez télécharger un gratuit sur Internet. Il y a aussi des échantillonneurs payants qui sont extrêmement bons comme contact. Juste par Native Instruments. Vous pouvez jeter un oeil à cela aussi si vous voulez. Mais j'ai cette version 5 de Mellotron, ok ? Donc, si vous voulez utiliser un échantillonneur comme celui-ci, tout ce que vous avez à faire est de télécharger un échantillonneur ou d'utiliser le F31 et FL Studio, puis de télécharger des échantillons pour y brancher. Ainsi, vous pouvez rechercher sur Internet des échantillons de chaînes ou des packs d'échantillons et des choses comme ça. Et vous pouvez les télécharger, puis les brancher dans votre échantillonneur. Une autre façon d'émuler des sons réels comme des cordes, est d'obtenir quelque chose appelé une police sonore. Et c'est juste un genre de chose de format de fichier qui utilise la synthèse basée sur l'échantillon. Maintenant, vous n'avez pas besoin de savoir ce que cela signifie, mais tout ce que vous devez savoir, c'est que si vous recherchez des polices sonores de chaîne, vous pourrez les télécharger et les utiliser dans vos morceaux. Il y a aussi des choses comme des plugins de chaîne et il y a même des chaînes synthétisées. Donc ce sont des sons de chaîne qui sont faits avec un synthétiseur. Ils n'ont pas l'air réel du tout, mais ils ont leurs propres usages, donc nous les regarderons lors de la prochaine conférence. Mais c'est tout ce que vous devez savoir pour le moment sur la recherche de vos sons de cordes. Passons maintenant à la prochaine conférence où nous allons jeter un oeil aux chaînes synthétisées. 33. Les chaînes Synthesised: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un coup d'oeil très, très rapide à certaines chaînes synthétisées. Maintenant, j'ai réellement chargé un plug-in natif à FL Studio, qui s'appelle Citrus. Vous pouvez le trouver ici. Sous les esprits classiques péchés ici. Vous êtes comme peut-être par ici en fonction du nombre de plugins que vous avez. Mais ce plugin est livré avec toutes les versions de FL Studio. Donc, si vous voulez utiliser certaines de ces chaînes synthétisées sons de comme vous le pouvez. Ok, donc ce qu'on va faire c'est qu'on va entrer dans le plugin et je vais cliquer avec le bouton droit de la souris sur cette option de presets. Et ça va ouvrir cette énorme fenêtre avec tous ces presets. Et je vais descendre pour envoyer la chaîne. Et je vais cliquer dessus. Et nous allons juste parcourir certains de ces sons de cordes synthétisés. Si vous utilisez une chaîne d'envoi, encore une fois, je vous conseille juste de l'utiliser délibérément. N' essayez pas de l'utiliser à la place d'une vraie chaîne parce que cela ne sonnera pas la même chose. Est-ce qu'ils ne sonnent pas aussi bien que les cordes de la vraie vie ? Donc, si vous cherchez un vrai son de chaîne, peut-être téléchargez un échantillonneur ou l'une de ces polices sonores dont je parlais dans la dernière conférence. Mais écoutons ces maintenant. Je vais jouer le modèle et c'est le même modèle que nous avons eu pour les deux dernières conférences, mais on joue juste et on va écouter certains de ces presets. Essayons la suivante. Et la suivante. Ok, donc il y a plein de chaînes d'envoi et ça, il y a des charges, regardez, il y a des lois dans ce plug-in. Je vais essayer cette phase vous chaîne ce que cela ressemble très rapidement. Donc, ils ne semblent pas vraiment réels, mais ils donnent leur propre ambiance et genre d'effet. Donc, si vous les utilisez dans vos traces, assurez-vous de les utiliser très, très délibérément. Donc c'est tout ce qu'il y a. Vous avez juste à trouver une belle sorte de son de cordes synthétisées. Je ne vais pas vous montrer comment faire une chaîne synthétisée parce que le processus est exactement le même que faire un pad. Vous pouvez simplement ouvrir le filtre un peu plus pour ajouter peu plus de ces hautes fréquences. Mais je vous conseille si vous, si vous voulez utiliser une chaîne synthétisée, il y a beaucoup de plugins gratuits que vous pouvez télécharger avec des sons de chaînes synthétisées. C' est donc la dernière conférence dans cette section. Nous allons passer maintenant à regarder les boucles et quelles boucles externes sont des boucles internes et comment nous pouvons en quelque sorte ajouter de la variation et des choses à eux. Passons maintenant à la section suivante. 34. Boucles d'intérieur et externes: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur les boucles internes par rapport aux boucles externes. D' accord ? Donc, une boucle est juste un motif musical qui est destiné à être répété au fil du temps. Jusqu' à présent, nous avons fait des modèles pour la batterie, les accords, les pistes, etc. Mais un motif est juste un mot fantaisie pour une boucle. Et la principale différence entre les boucles internes et les boucles externes est que les boucles internes sont les boucles que vous créez vous-même dans l'obscurité, soit en les enregistrant, soit en utilisant les données pour les créer réellement. Donc un exemple de boucle interne serait ce son de synthé que j'ai fait ici. Parce que je l'ai fait moi-même. Donc je l'ai fait à l'intérieur, en interne dans le logiciel. D' accord. Et puis une boucle externe serait ceci un regard que j'ai obtenu de l'extérieur de la DAW ou en d'autres termes, il n'a pas été fait en interne ici par moi. D' accord. D' accord, donc c'est juste un son de remplissage que j'ai bouclé au cours de la piste. Une autre grande différence est que vous pouvez réellement changer les boucles internes très, très facilement. Donc si je revenais dans ce sens qu'on regardait il y a deux secondes, je vais juste zoomer sur les noeuds. Et je peux très, très facilement, je peux changer cette note. Et je peux changer ça en C-dièse si je veux. Et c'est très facile pour moi de le faire. D' accord ? Mais le problème est que si on regarde la boucle externe, je ne peux pas le faire. Je peux cliquer sur un chevalier, je ne peux pas changer, disons ce genre de zone de pointe ici. Je ne peux pas changer ça. D' accord ? Maintenant, nous pouvons faire quelques choses avec nos compétences de montage et d'autres choses. Mais si on écoute le son de ce tambour particulier, Phil, je ne peux pas changer le son de ces caisses claires qui réutilisent. Je ne peux pas y aller et disons que je n'aime pas le son de la caisse claire que cette boucle utilise. Je ne peux pas changer ça. Et c'est parce que c'est une boucle externe. Mais la grande chose est qu'il y a des boucles externes pour absolument tout. Donc si vous en trouvez un qui vous plaît, mais il y a quelque chose de petit que vous n'aimez pas. Ça ne vous prendra pas longtemps pour en trouver un autre dont vous aimeriez tout. Maintenant, la chose est avec des boucles externes aussi. Il peut être très tentant de les utiliser seuls. Ok, donc, tu sais, il y a, il y a des boucles pour tout. Ainsi, vous pouvez télécharger des boucles de kick, vous pouvez télécharger des boucles de synthé, vous pouvez télécharger des boucles de base. Vous pouvez télécharger des boucles de batterie, vous pouvez chaque élément de cette piste, vous pouvez simplement télécharger une boucle externe pour et le faire glisser et créer votre piste hors de boucles externes. Et ça peut être très tentant. Mais il n'y a rien d'original dans la piste. Parce que, parce que vous n'avez rien fait vous-même, tout ce que vous avez fait est juste collé dans des boucles que quelqu'un d'autre a faites, alors cette piste n'est pas très originale. Donc, la façon dont nous sommes supposés utiliser les boucles externes est comme une couche ou en plus des autres boucles internes que nous avons créées dans notre piste, les boucles externes les plus courantes que vous utiliserez probablement. Nos boucles de batterie sont des boucles de précaution comme celle-ci. Juste pour remplir un peu d'espace supplémentaire dans la batterie. Si je, juste, si je suis juste en solo, désolé si j'ai juste fait la section de batterie ici, comme ça. Et peut-être ceux-là. Et je vais juste jouer la boucle de batterie sans cette couche supplémentaire dedans. Et maintenant, si j'ajoute dans cette boucle externe, désolé, il y a un Filter1 c'est que je rallume ça pour que nous puissions l'entendre correctement. Donc maintenant, si j'ajoute à nouveau dans cette boucle externe, et si je la reprends. Donc, ce que je fais, c'est que j'utilise cette boucle externe en plus de ma propre boucle interne, qui est la batterie. Et juste une autre raison pour laquelle nous ajouterions nos propres boucles sur les boucles externes est que si nous utilisions seulement cette boucle particulière tout au long, la piste entière deviendrait très répétitive. D' accord ? Donc, nous ajoutons nos propres bits supplémentaires afin que nous puissions créer des variations. Et puis peut-être que vous pourriez ajouter ce morceau quand une sorte d'introduction se termine peut-être. Ensuite, vous pouvez ajouter des bits supplémentaires au fur et à mesure que la piste s'exécute. Donc, cela maintient la piste progresse, par opposition à si vous utilisez simplement cette boucle et la collé tout le long, il n'y a rien qui change réellement tout le temps que cela joue. Et ça peut devenir très, très ennuyeux pour l'auditeur. Assurez-vous donc d'ajouter vos propres boucles internes et vos propres éléments au-dessus des boucles externes. Alors écoutons simplement ceci, peut-être jusqu'ici, peut-être jusqu'ici, ce genre de section d'une piste technique où j'ai inclus quelques boucles externes. Et celui-ci ici, qui est le verbe de masse et l'effet que nous regardions avant. Mais j'ai utilisé ces derniers pour remplir de l'espace et ajouter à mon propre arrangement où j'ai utilisé des boucles internes comme ce synthé, la base, et où j'ai fait mes propres sons de batterie. Alors écoutons maintenant et après nous passons à la prochaine conférence, qui utilise des boucles externes. J' espère donc que vous pouvez entendre la différence que les boucles externes font cette piste. Passons maintenant à la prochaine conférence où nous envisageons d'utiliser des boucles externes. 35. Utiliser des boules externes: Donc, dans cette conférence, nous allons utiliser des boucles externes. Donc, lorsque nous utilisons des boucles externes, nous l'utilisons comme un ajout ou une couche à nos propres idées. Donc j'ai déjà le principal type de fondation d'une piste ici. Mais on va passer par là et on va ajouter des boucles externes supplémentaires. Ok, donc je vais juste jouer la piste peut être jusqu'à la chute par ici. Et après, nous irons dans les packs d'échantillons ici, je vais voir comment ajouter des boucles externes à la piste qui écoute la piste maintenant. Ok, donc j'ai déjà ajouté quelques boucles externes. J' ai ceci qui est un remplissage de tambour. Et j'ai fait boucler ce tambour ici. Cela crée juste une intensité supplémentaire au fur et à mesure que l'accumulation progresse. Et si je le retirais, ça sonnerait comme ça. Ok. Donc, lorsque vous utilisez ceci, cette boucle externe en tant que couche, elle peut vraiment ajouter à l'intensité de votre piste. La même chose ici, j'ai une autre de ces boucles de verbes de masse que nous regardions avant. Et c'est juste pour remplir l'espace vide en arrière-plan de la goutte. Alors allons dans les packs d'échantillons maintenant et nous allons écouter certaines des boucles externes qu'ils ont ici. Et puis nous ajouterons certains d'entre eux à notre arrangement. Ok, donc je vais venir dans ce pack d'échantillons de technologie Hyper Deep Dub et ouvrir la section Wave. Et ici, nous voyons que nous avons tous ces différents types de boucles que nous pouvons utiliser. Donc j'ouvre les boucles de batterie et allons chercher des boucles de chapeau et de haut ou quelques chapeaux supplémentaires que nous pourrions peut-être ajouter ici. Alors écoutons certains d'entre eux. Ok, donc j'aime le son de cette bêtise, ou bêtises ou quoi que ce soit. J' aime dire que cette boucle. Donc, je vais le faire glisser et le remplacer ici parce que je pense que cette partie de l'arrangement est un peu vide. Et comme vous pouvez le voir avec cette boucle, elle s'étend en fait au-delà de cette petite phrase de 4 barres. D' accord ? Et la raison en est que lorsque vous faites glisser dans une boucle externe pour ne pas toujours être lié à votre BPMN. Donc, comme vous pouvez le voir ici, cette boucle que nous venons de choisir est fixée à 120 fiv BPM, mais notre piste est fixée à 138. Donc, ce que je dois faire maintenant, c'est que je dois cliquer sur cette petite forme d'onde dans le coin supérieur gauche du clip. Et puis je dois venir ici pour m'adapter au tempo, d'accord ? Et ça ouvrira cette petite fenêtre. Et généralement l'estimation est assez précise, mais parfois elle peut être désactivée et vous devrez peut-être taper vous-même en cliquant, en tapant BPM. Mais si vous ne savez pas et que l'estimation semble être loin, vous pouvez en fait lui dire de scanner ces différents afin de faire une estimation et vous devinez ce que vous pensez que cela pourrait être ? Ça aurait été de 50 à 100 ou de 100 à 200 BPM ? Et le logiciel, on va scanner le clip et finir ton temple. Mais dans ce cas, le 125 qu'il estime est en fait bang sur. Donc je vais cliquer dessus. Et maintenant, vous pouvez voir que la boucle s'intègre dans notre phrase à 4 barres. Donc, vous pourriez devoir le faire avec vos boucles externes ou peut-être dans un logiciel différent, je pense que capable de le synchroniser automatiquement et des trucs comme ça. Mais, mais FL Studio suffit de cliquer sur cette petite forme d'onde, puis de frapper Fit a temple. Alors écoutons à quoi ressemble cette boucle dans l'arrangement dès le début. Ok, donc j'aime le genre de texture que ces chapeaux externes supplémentaires ou ajouter dans. Donc, allons les coller ici dans la section de dépôt juste pour remplir un espace vide ici. Et peut-être allons-y et nous verrons peut-être ajouter une boucle de percussion. Alors écoutons certains d'entre eux. Ok, donc j'aime le son de celui-ci, ce bijou du parc donc je vais le faire entrer et je vais voir à quoi ça ressemble ici dans la section de dépôt avec tout le reste. Et encore une fois, vous remarquerez que la boucle comme étendue au-delà de la phrase de 4 barres. J' ai oublié de le faire à ce moment-là, mais nous devons adapter le tempo, un 125. L' estimation est bang sur. Et maintenant, il s'étend jusqu'à notre BPM. Écoutons encore une fois, et cette fois à temps. Donc, nous allons simplement baisser cela sur la piste de mixage parce que c'est un peu fort et rejouons à nouveau. Ainsi, vous pouvez voir l'importance d'ajouter ces petites boucles externes supplémentaires au-dessus de votre propre type de boucles internes que vous avez construites. Allons et écoutons juste une petite écoute que peut-être certaines des boucles de musique que nous pourrions ajouter. Ok, donc traînons dans cette boucle particulière. J' aime le son de ça. Mettez-le là. Encore une fois. On doit s'adapter au tempo. Et un 125, il semble le reconnaître, donc nous allons juste cliquer dessus. Maintenant, si nous écoutons cette boucle de musique que nous venons d'ajouter. Et puis nous nous associons à l'une des boucles musicales que nous avons déjà. D' accord ? Vous avez probablement remarqué que ça a l'air horrible et c'est parce qu'ils sont tous les deux dans des clés différentes. Ce clip a une clé définie et il est en fait différent de la boucle interne que nous avons inventée ici. Donc, non seulement nous devons étirer les boucles musicales dans le temps, mais nous devons aussi les mettre à la clé de notre piste. Et ce processus n'est pas différent de régler nos échantillons de tambour. Donc, si vous vous souvenez de cette section, nous double-cliquez dessus. Ajoutez l'échantillon ou la chose que vous souhaitez ajouter à la piste de mixage. Ouvrez le plugin Edison, qui est par ici. Et puis, ce que nous faisons, c'est que nous entrons dans la fenêtre des échantillons. Laisse-moi faire glisser ce son dans Edison. Cliquez avec le bouton droit sur les régions en surbrillance, puis venez ici pour détecter les régions de hauteur. Et ce que cela fait, c'est qu'il nous montre la hauteur de ce clip particulier. Et je peux voir F Sharp E, Donc il semble être centré autour ie. Et si nous regardons le terrain de, si nous regardons la clé de notre piste, nous pouvons voir que Attract est centré autour de G. Ouais, donc il est centré autour de G. Donc nous devons corriger ça à G. Donc en utilisant le terrain, nous allons entendre. Et rappelez-vous, chaque fois que vous voyez 0.100$ ici, c'est un demi-ton. Donc on va ramasser ça à E. Un $0.100 serait f, autre, un $0.100 serait F tranchant, puis un autre $0.100 serait G. Donc maintenant ce clip est envoyé à G. Donc si on écoute, si on écoute à nouveau, notre propre modèle de boucle interne et le modèle de boucle externe, il devrait sonner mieux et il devrait sonner dans la clé. Voyons donc à quoi ressemble cette section entière de dépôt maintenant avec les boucles externes supplémentaires. Il y a donc une boucle de musique, une boucle de percussion, et une boucle de chapeau en conjonction avec nos propres boucles internes. Donc le kick drum que nous avons ajouté, les instruments, nous avons ajouté la base, l'autre instrument ici. Ok, voyons à quoi ça ressemble maintenant. Ainsi, vous pouvez télécharger des boucles externes sur Internet et vous les trouverez dans ces exemples de packs. Ok, donc vous pouvez télécharger des exemples de faits et ils viennent avec tous ces types de boucles externes que vous pouvez utiliser. Mais je veux juste vraiment, vraiment rapidement parler d'un site Web où vous pouvez aller, qui est appelé surmen. D' accord ? Et quand vous vous connectez à Superman, vous pouvez littéralement rechercher n'importe quelle sorte de boucle du tout, comme n'importe quel genre de genre. Et c'est une sorte de mot clé. Vous pouvez taper des chaînes, vous pouvez taper le kick drum, et cela va lancer des tas de boucles que vous pouvez utiliser. Donc j'ai des boucles ici dans différents genres que j'ai cherché, couteau, boucles de guitare. Et toutes ces boucles sont gratuites à télécharger et à utiliser. Ok, allons dans certains d'entre eux. D' accord ? Donc, ce que vous pouvez faire est que vous pouvez vous connecter à hommes looper et vous pouvez télécharger vos propres boucles externes gratuites à utiliser dans vos pistes. Dans la prochaine conférence, nous examinerons l'ajout de variations à nos boucles internes. Nous commençons donc à entrer dans la section de l'arrangement où nous commençons à construire la piste et à nous concentrer sur la façon dont la piste progresse. Alors passons à cette conférence maintenant. 36. Ajouter une variation aux boules d'intérieur: Donc, cette conférence est tout sur l'ajout de variation aux boucles internes. Nous avons donc fait des tas de boucles internes ou de faits. Maintenant, il est temps d'y ajouter quelques variations. Parce que l'EDM est un genre répétitif, variation ne se produit pas autant que d'autres styles de musique. Et quand cela arrive, la variation ne s'éloigne jamais trop de la boucle d'origine. Nous ne modifions donc que le rythme ou les notes. Légèrement. La variation peut être ajoutée lorsque vous avez l'impression que le motif a duré trop longtemps et que vous avez besoin de quelque chose de nouveau pour briser la monotonie. Quelques grands endroits pour ajouter la zone de variation dans des transitions similaires ou la seconde moitié de la chute, peut-être la deuxième ventilation ou la deuxième baisse. Partout où vous avez besoin d'ajouter une bouffée d'air frais. Ou peut-être que vous voulez juste faire une pause de la boucle principale pendant quelques secondes avant de sauter tout droit. Donc, si vous regardez les modèles de batterie, nous n'ajoutons pas de variation à la boucle elle-même. Nous supprimons uniquement des éléments ou nous ajoutons des éléments dans. Donc, pour regarder ce modèle de batterie ici, je vais juste mettre en évidence les différents éléments que nous avons. Et comme vous pouvez le voir, ça commence par le kick drum et ce clap. Et puis j'ajoute ce chapeau ouvert. Et au fur et à mesure, j'ai ajouté un autre chapeau fermé. J' ajoute dans ce chapeau de remplissage, et j'ajoute dans un autre chapeau ouvert à nouveau comme une couche. Nous ajoutons donc des éléments au fur et à mesure que la boucle progresse. Donc si je joue ça pour toi très vite, tu entends que ça commence avec le coup de pied, le clap et ce mini chapeau. Et puis au fur et à mesure que ça continue, en ajoutant plus d'éléments, OK, donc je vais juste le démarrer ici juste que ce ne soit pas suffisant pour le poumon. Ok, écoutons maintenant. Un autre niveau fondamental, cette boucle est exactement la même. Je veux dire, c'est toujours le même genre d'épine dorsale. D' accord, donc c'est le jeu, mais nous ajoutons simplement des éléments supplémentaires et cela crée une variation. Alors rappelez-vous au début du cours quand nous avons regardé le phrasé binaire, c'est le moment d'utiliser cette connaissance. Donc, quand nous construisons nos boucles de batterie, nous ajoutons un nouvel élément toutes les huit barres. Ou si vous essayez de diminuer la tension, comme disons l'outro, on enlèverait un élément toutes les huit barres. Donc ce que nous essayons de faire, c'est d'essayer de faire aller l'auditeur, vous savez, oh, quelque chose a changé là-bas. Ils doivent remarquer que quelque chose a changé dans la piste et cela empêche la piste de devenir trop répétitive. Jetons donc un coup d'oeil maintenant aux éléments instrumentaux. J' ai donc ce modèle d'accord et ce genre de ligne de base. Et la ligne de base est juste en train de jouer exactement le même motif rythmique que les accords. Donc, il est littéralement juste copier et coller le genre de notes de bas du modèle d'accord. Alors écoutons à quoi ça ressemble. Ok, et comme vous pouvez le voir à travers toute la goutte, c'est le même modèle. C' est cet arbre à motifs et il traverse tout le chemin. Et ce peintre, au lieu du piano, ce peintre, et cela va à travers toute la goutte aussi. Et cette base numéro deux, elle traverse tout le chemin. C' est donc très, très répétitif. Donc, ce que je pourrais faire est dans ce genre de huit dernières barres de la goutte, je pourrais ajouter quelques variations aux modèles. Donc si nous venons ici pour le modèle 3, et nous allons juste le solo pour que nous puissions écouter ce que ça ressemble. Ok, donc une façon d'ajouter une variation serait d'ajouter quelques notes supplémentaires ci-dessus. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais copier les modèles afin que le rythme des modèles ou qui ne changent pas en quelque sorte l'idée globale. Et maintenant ce que je vais faire , c'est que je vais entrer et que je vais changer une partie du Nord. Donc je vais faire une petite mélodie sur le dessus. Donc je pourrais laisser ces deux-là être un saut en G parce que c'est l'accord de mi mineur. Et puis peut-être sauter jusqu'à G à nouveau pour ce nœud. Et puis cette prochaine sorte de modèle rythmique et la deuxième barre. Maintenant, c'est en fait notre clé parce qu'on peut voir qu'on utilise un accord de B. Donc on doit être un, un D et un F. Ok, donc je vais présenter ça. Et j'ai dit que ça pourrait être à la hauteur de B. Et oups, je pourrais changer cette note en D pour imiter celle-ci ici. Et je pourrais changer cette note en F pointu pour imiter ce pointeur F ici. Alors je pourrais faire la même chose avec des motifs de discorde. Donc je vais déplacer ça peut-être vers un G pour imiter ce noeud ici. Et puis je pourrais élever la hauteur de ce noeud pour être, pour imiter cela pas ici. Ensuite, j'abaisse cette hauteur. Donc je copie le même genre d'idée que j'ai fait ici. Et peut-être qu'il y avait celui-là jusqu'à un D. Ok. Et la raison pour laquelle je baisse celui-ci au lieu d'embaucher, parce que la barre suivante, la phrase suivante est en fait à un pH plus bas. Donc si on louait ça, si on mettait ça à un B, ça n'aurait pas de sens pour la mélodie de sorte que le contour de la mélodie sauterait en quelque sorte vers le bas. Et jusqu'à présent, ce que nous avons fait c'est que nous avons été un peu doux. On s'est intensifié, on a démissionné. Il est donc important de garder le contour de votre mélodie le même. Donc je vais déplacer ça vers le bas. Et puis avec cette section encore, je vais juste changer certaines des notes. Donc nous avons un C pointu, mais nous sommes en fait dans la cour de C. Donc je vais passer ça à un C. Et ensuite je vais déplacer ce mot vers un E. Et puis peut-être que nous allons aller vers le nord jusqu'à un D. mais nous sommes en fait dans la cour de C. Donc je vais passer ça à un C. Et ensuite je vais déplacer ce mot vers un E. Et puis peut-être que nous allons aller vers le nord jusqu'à un D. juste voir à quoi ça ressemble. C' est donc une sorte de variation du modèle original. Il ne va pas sonner différemment rythmiquement, mais il va sonner différemment harmonieusement. Ok, écoutons. Et si nous copions ce motif entier et nous l'apportons dans ce piano ou PAN R3. Et nous supprimons ceci. Et en fait, je vais mettre ça dans l'octave parce que je pense que le motif original était dans l'octave et son son comme ça. Et puis si nous écoutons ça dans la seconde moitié de la goutte, ça sonne comme ça. Ok, donc une autre façon d'ajouter de la variation serait de supprimer ce genre de mélodie que nous avons créé. Modifiez, supprimez, puis supprimez le CNO Stan supplémentaire ici. Donc, une autre façon d'ajouter de la variation serait de supprimer certaines des notes du motif. Alors retirons, peut-être qu'il n'y en a pas, et peut-être que ce n'est pas le cas. D' accord. Et c'est à travers la même chose ici qui a supprimé les premières notes sur le second temps. Et peut-être les mêmes notes encore, ceci sur le troisième temps, c'est la troisième étape. Ok, faisons vite la même chose ici. Certainement ces, ouops, supprimez ces et peut-être les supprimer. Alors. Peut-être que vous pourriez supprimer ce milieu ici. Et puis nous pourrions supprimer ce long ici. D' accord ? Donc maintenant, le motif a changé rythmiquement, mais il va toujours ressembler fondamentalement aux mêmes motifs originaux. Alors écoutons ce que ça ressemble. Et ce que cela fait, c'est qu'il vous ouvre à utiliser d'autres modèles puis au-dessus de lui. Donc vous pourriez ajouter une piste, désolé, je vais juste coller le et dans cet instrument juste pour que nous ayons la cohérence. Mais je suis, vous pouvez ensuite ajouter un, un autre élément ici parce que vous avez créé de l'espace, mais en menant certains des nœuds, vous avez créé un espace supplémentaire pour ajouter un autre élément. Et on regarde ça à nouveau, laissez-moi venir à la conduite des éléments quand on parle d'arrangement, d'accord ? Parce que les éléments de conduite sont très, très importants pour avoir une bonne structure dans votre piste. Mais pour le moment, remarquez simplement comment la variation que nous avons ajoutée, nous avons seulement pris quelques notes, donc le motif semble un peu différent, mais l'idée fondamentale est toujours là. Ok, écoutons. Et enfin, alors que nous sommes sur le sujet de l'ajout de variation, l'endroit le plus important pour ajouter de la variation est dans votre transition. Donc, cette petite section ici, c'est une transition de divers. D' accord ? Nous passons du verset à la goutte. D' accord ? Et comme vous pouvez le voir, que cette transition approchait, tout d'abord, ce sursaut ridiculement fort signalait que quelque chose arrivait. Mais le point principal ici est la transition proprement dite. Donc, ce qui s'est passé dans la transition, c'est que ces éléments de batterie ont été enlevés. Il y a une boucle de remplissage ajoutée. Ok. Donc, ce que fait la variation dans cette section de transition est qu'elle nous sort en quelque sorte de l'idée principale juste pour une fraction de seconde. Et puis ça nous plonge à nouveau. Quand la goutte arrive. Nous regarderons les transitions correctement dans un peu de temps. Mais il est bon d'être conscient que l'ajout de variations à vos boucles internes dans les sections de transition est important pour le flux global de votre piste. Et dans la section suivante, nous allons jeter un coup d'œil sur les effets EDM et nous allons apprendre pourquoi ce voleur à l'étalage vraiment, très fort était utilisé dans la piste. 37. Les éléments principaux des effets d'EDM: Les effets sont donc un aspect très important de la musique électronique. Et ce qu'ils font, c'est qu'ils signifient quand quelque chose dans la piste est sur le point de changer. Ils peuvent également signifier quand quelque chose dans la piste a changé. Donc, un exemple serait de montrer qu'une nouvelle section est à venir. Comme ici. Nous passons de l'introduction à la section de répartition et nous utilisons cet effet pour montrer qu'il arrive. J' utilise cet effet pour montrer que le changement est arrivé. Ok, alors écoutons ce upsweep tout seul. Et maintenant, écoutons cet effet de tambour de réverbération tout seul. Ok, alors écoutons ça dans leur contexte maintenant. Donc, ce upsweep va nous amener de la section d'introduction. Et cet effet de réverbération de gâteau va nous amener dans la section de répartition. D' accord ? Il y a donc tellement de types différents d'effets à travers nos effets pulmonaires. Il y a des effets courts. Il y a des balayages vers le bas, des ascenseurs vers le bas, des impacts. Il y a des symboles inversés, il y a des symboles d'influence. Il y a tellement d'effets différents que nous pouvons utiliser dans nos pistes. Alors passons à la prochaine conférence où nous examinerons les effets dans contexte et nous examinerons comment les utiliser dans vos pistes EDM. 38. Choisir des échantillons d'effet: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur le choix des effets. Maintenant, ce que j'ai fait c'est que j'ai pris le même genre d'arrangement que nous avions lors de la dernière conférence, et je viens de supprimer les effets que j'avais ajoutés. Donc, nous commençons avec un modèle vide à ajouter dans nos propres effets. Donc, si nous venons ici à mes packs d'échantillons et je vais juste faire défiler vers l'endroit où je garde mes effets, comme choisir ici les effets. Et la première chose que vous remarquerez est le nombre de différentes sous-catégories d'effets qu'il y a réellement. Maintenant, cela peut sembler écrasant, mais je vais en fait simplifier un peu pour vous ici. D' accord ? Donc il n'y a en fait que trois types d'effets, ok ? Et ce sont des effets qui vous disent que quelque chose arrive. Des effets qui vous disent que quelque chose est arrivé. Et puis divers effets qui ne rentrent pas dans l'une ou l'autre de ces deux catégories. Donc ces dérives d'arcade ici, ce serait divers. D' accord. Ce ne sont que des effets qui ne nous disent pas que quelque chose est arrivé et ils ne nous disent pas non plus que quelque chose a changé. D' accord, un autre type d'effet divers serait, regardons ici. Voyons peut-être vos effets rayants. Et aussi peut-être que certains effets d'alarme apparaissent. C' est fini, écoutez certains d'entre eux. C' est très fort. C'est en fait un effet commun qui est utilisé dans la section de ventilation. Mais de toute façon, regardons maintenant les effets qui nous disent que quelque chose va arriver. Donc ce sont les jambes si vous êtes des élévateurs. D' accord. Et puis il y a des faits qui nous disent que quelque chose a changé. Donc, ce sont les semblables de tes leveuses en duvet. Donc, nous allons écouter rapidement à travers l'arrangement peut être jusqu'à la goutte ici. Et prenons note des différents types d'effets que nous devrions utiliser. Et tout au long des différentes sections et de la piste. Ok, donc c'est la section d'introduction. Nous pourrions utiliser un effet ici pour nous dire que la panne est à venir. Donc, pour nous dire que quelque chose est sur le point de changer, nous utiliserons ici un effet pour nous dire que ce changement est arrivé. Ici encore, vous pourriez utiliser un effet qui nous dit qu' une autre section est à venir, qui est l'accumulation. Et puis un effet qui nous dit que ce changement est arrivé. Et enfin encore ici, vous pourriez utiliser un effet pour nous dire qu'un autre changement est à venir, qui serait la baisse. Donc, c'est relativement simple. Ce n'est que trois catégories principales. Mais toutes ces sous-catégories sont réparties entre ces trois catégories principales. D' accord ? Alors passons à travers et commençons à ajouter quelques effets. Donc je pense que je vais ajouter un balayage et cela signifierait qu'un changement est à venir. Donc je vais utiliser le balayage pour ce premier endroit où nous avons noté que nous avions besoin d'un effet pour signifier que quelque chose allait arriver. Alors testons certains de ces balayages. Ok, donc j'ai aimé le son de balayage jusqu'à 28, donc je vais le traîner dans notre arrangement. Je vais le laisser tomber là-dedans, et ensuite on le déplacera ici juste pour qu'il corresponde à l' arrangement général de la piste parce que la section de panne vient ici. Donc nous voulons que cet effet s'arrête avant la, vous savez, la section qu'il pointe réellement, nous voulons que l'effet s'arrête avant que cette section ne soit arrivée. D' accord. Donc je vais juste le baisser dans la piste de mixage. En fait, c'est déjà sur une piste de mixage, alors ok, la raison et la raison pour laquelle cet effet est déjà dans une piste de mixage est parce que c'est l'effet que j'ai utilisé en premier lieu. Donc, évidemment, j'aime le son de ce balayage de 28. Je vais juste le laisser là pour l'instant parce que le fait est que la même chose, ok, donc cet effet est en train de se répandre et il nous dit que quelque chose arrive, qu'un changement est sur le point donc cet effet est en train de se répandre et il nous dit que quelque chose arrive, de se produire. Ensuite, nous devons envisager d'insérer un effet pour nous dire que ce changement s'est produit. Nous pouvons donc utiliser différents types d'effets. On peut utiliser des balayages vers le bas, on peut utiliser des impacts, des effets de symboles, et on l'utilise, euh, son son inexploré. Ok, ils sont très populaires pour les sections de dépannage de toute façon. Alors écoutons ces haine et exploser sens. Ok, alors utilisons ce coup non explosé 24. On va traîner ça dans notre arrangement et on va le déposer là. Donc ils vont le laisser tomber au premier temps de la section ou de la panne. Désolé. Et je vais juste entrer et baisser ça dans la piste de mixage pour que ce ne soit pas extrêmement bruyant. D' accord. Alors écoutons ce que cela ressemble jusqu'à présent, juste avec le balayage vers le haut et puis ce Hazen explose et ok, donc ensuite nous allons ajouter un, un autre effet ici qui signifiera que quelque chose va arriver. Et c'est la section d'accumulation qui est ici. Donc nous pouvons entrer et nous pouvons utiliser un autre type de upsweep ou un autre type d'effet cette fois peut-être nous pourrions utiliser un soulèvement. Et la différence entre un soulèvement ou un sursaut, c'est qu'un sursaut est une sorte de bruit. C' est une sorte d'air et un soulèvement ou en fait a un terrain. Donc, il a une sorte de sait que vous pouvez nuire. Mais ce n'est pas vraiment important parce qu'ils sont tous sous le même titre et qu'ils font tous la même chose. Donc, je vais utiliser en fait d'abord nous allons avoir une écoute à certains des sons. Alors écoutons ce soulèvement ou vingt huit. Vingt-neuf, trente. Trouvez-en un qui nous ressemble. Ok, utilisons ce 36 et j'aime le son de ça, donc je vais le faire glisser et le déposer dans la liste de lecture. Et puis nous allons le faire correspondre à notre arrangement. Maintenant, si nous zoomons, nous verrons que c'est en fait la forme d'onde réelle se termine avant la barre, avant la première barre de l'accumulation. Encore une fois, comme avec toute sorte de boucle externe ou tout type d'échantillon que nous utilisons, nous devons l'adapter à notre tempo. Donc, dans ce cas, je vais juste utiliser la version estimée parce que comme je l'ai dit précédemment, c'est généralement assez précis. Alors allons juste frapper ça. Et on y va. Il le ramène à ce rythme et nous pouvons le faire glisser vers l'avant. Et maintenant, il devrait s'aligner exactement avec le premier temps de notre section d'accumulation. Il est ouvert dans la piste de mixage et nous allons juste la baisser pour ne pas dominer tout le reste. Et puis nous verrons à ajouter un élévateur vers le bas. Ouais, donc un autre type. Donc la dernière fois que nous avons utilisé un hit et exploré le son, utilisons un down levé cette fois. Donc j'aime le son de ce bas à gauche ou numéro 39. Donc je vais faire glisser ça dans la liste de lecture. Et je vais juste le laisser tomber là. Et parce que le genre de queue de cet échantillon n'a pas vraiment d'importance parce que, vous savez, l'extrémité queue du clip est complètement silencieuse. Nous n'avons pas besoin de l'adapter au tempo parce que peu importe où cela finit que cela compte est pour ce type d'échantillon où le type d'effet, désolé, est l'endroit où il commence. Et chaque fois qu'on glisse dans un clip, il va toujours l'aligner sur la grille. C' est juste la fin de l'effet que vous devez vous inquiéter, mais dans ce cas, c'est absolument bien. Alors, nous allons à nouveau zoomer. Et je vais baisser ça dans la piste de mixage. Alors, baissez ça. Et maintenant, nous écouterons jamais ces deux effets. Je voulais donc dire que l'accumulation est à venir et que celle-ci signifie que l'accumulation est venue. Et je vais venir ici rapidement et activer Smart Disable pour nos plug-ins juste avant d'appuyer sur Play au cas où nous rencontrons des problèmes de décalage. Ok, alors écoutons maintenant. Ok, donc finalement, nous allons envisager d'ajouter le genre d'effet final pour montrer que la chute arrive. Et puis un autre effet pour montrer que la chute est venue. Ok, pour qu'on revienne dans notre section Effets. Et cette fois, je vais vous montrer un petit truc que nous pouvons faire avec nos effets. Et c'est que nous pouvons inverser le son d'eux. Donc, si nous aimons le son de, disons que nous avons aimé le son de l'un de ces effets de balayage vers le bas. D' accord ? Donc ce qu'on peut faire, c'est dire que c'est le numéro dix, non ? Je dis que nous avons aimé le son de ça. Donc, quand nous faisons glisser ceci et que nous aimerions le son de ce balayage vers le bas, mais nous ne voulons pas qu'il balaie vers le bas dans cette section, nous voulions vraiment balayer pour nous dire que la goutte arrive. Donc, ce qu'on peut faire, c'est comme nos échantillons de tambour. On peut venir ici et ouvrir la fenêtre des échantillons. Et on peut appuyer sur ce bouton inversé. Et ça renverse juste l'échantillon autour. Et maintenant, il est passé d'un balayage vers le bas en un balayage vers le haut. Donc, encore une fois, nous sommes préoccupés par la fin de cela ici. Nous devons donc nous assurer que la fin de tout ça s'alignera. Et comme vous pouvez le voir, il est en fait un peu derrière le virus. En fait, je vais juste le faire glisser très rapidement et juste une sorte de aligner manuellement. Mais vous pouvez également cliquer ici et le tempo ajusté si vous le souhaitez. Alors, nous allons à nouveau zoomer. Et maintenant, ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons ajouter ça à la piste de mixage et la baisser juste pour qu'elle ne surprenne rien d'autre. Et enfin, nous allons ajouter un autre type d'effet pour les gouttelettes dans un effet cymbale. Et nous allons essayer l'un d'entre eux peut être 24. Ok, donc c'est juste jeter dans Cymbal Effect 27 juste pour le bien de ça. D' accord ? Maintenant, évidemment, parce que nous sommes seulement concernés par le début de cet effet, nous n'avons pas besoin de faire un ajustement au tempo. Et enfin, je vais juste double-cliquer dessus et ajouter à la piste de mélange comme nous l'avons fait avec les effets de repos, le baisser. Et puis nous aurions une écoute maintenant à la, Nous aurions écouté cette section de flux. Donc, à partir d'une sorte de mi-chemin de la panne, jusqu'à l'accumulation, puis dans la goutte. Ok, écoutons maintenant. Maintenant, avec certains de ces effets, ils ne s'adaptent pas très bien. Et je le traversais très vite. Mais vous devrez vous assurer que le son de vos effets correspond au son de vos pistes. Donc, les goûts de cet effet ici, il y a beaucoup de grondement bas de gamme et je ne pense pas qu'il corresponde au son global de la piste. Alors faites attention à ce que lorsque vous choisissez vos effets, vous savez, assurez-vous que vous choisissez des effets qui correspondent au son global de votre piste, comme vous le feriez avec vos instruments, vos tambours. Tu dois t'assurer que tout dans tes traces sonne comme si ça faisait partie de la même famille. Si vous voulez un plus grand type d'effet sons. Donc, disons que dans l'accumulation ici, vous voulez ceci, ceci, ce genre d'effet de balayage. Vous voulez qu'il soit beaucoup plus grand que le son unique que cela donne. Vous pouvez, bien sûr, calquer dans d'autres effets, vous pourriez avoir cinq ou six effets différents en couches ici. Et ils contribuent tous à un son plus grand effet qui dit à l'auditeur quelque chose de grand arrive. Et vous devez aussi y penser de cette façon. Tu sais, la goutte est une grande section. Donc, vous allez probablement utiliser des effets de son plus gros. Mais comme la panne, une introduction ici que vous pourriez utiliser, vous n'allez pas utiliser six ou sept effets différents ici parce que la panne a la plus faible énergie de votre piste entière. Donc, vous ne pouvez utiliser qu'une sorte d'effet court ici ou peut-être un effet très, très subtil. Alors pensez à cela de cette façon de penser au flux global de votre piste et assurez-vous que tout sorte de correspond et laissez vos effets et dire à l'auditeur que quelque chose de grand arrive quand quelque chose de petit comme réellement venir. Assurez-vous donc que les effets correspondent au genre de sections qu'ils pointent. Ensuite, nous allons juste jeter un coup d'oeil sur la façon dont nous pouvons faire certains de nos propres effets. 39. Faire des sons d'effet: Donc, dans cette conférence, nous allons regarder faire nos propres sons d'impact. Donc, l'effet le plus facile à faire est le upsweep. Et ce que nous faisons, c'est que nous prenons un synthétiseur très, très basique. Donc j'ai littéraire pris D3 fois oscillateur ou l'arbre XOR c ou quoi que vous l'appelez, c' est littéralement juste trois oscillateurs, exactement le même oscillateur. Et ce que nous pouvons faire avec cela, c'est que nous pouvons régler les oscillateurs pour produire du bruit. Ok, donc je vais baisser complètement le deuxième oscillateur et je vais baisser complètement le troisième juste pour qu'ils n'interférent pas avec le son. Donc nous n'utilisons que cet oscillateur et il est réglé sur ce réglage de bruit. D' accord ? Maintenant, vous pouvez utiliser n'importe quel synthétiseur pour créer du bruit, mais je vais utiliser l'oscillateur 3x juste parce que c'est vraiment, vraiment simpliste et cela économise le CPU. Alors fermons ça. Et ce qu'on va faire, c'est dessiner un bruit de huit bars. Donc c'est quatre barres comme on peut le voir. Alors amène tout le chemin à 8 bars ici. Et nous allons coller ce modèle puis dans la fenêtre de la playlist. Alors maintenant, le bruit sonne comme ça. Et si ce n'est pas très agréable à écouter, mais ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons automatiser le volume. Et donc c'est le réglage du volume ici ou désolé, non, c'est le panoramique. C' est le volume ici à droite. Et, mais ce que nous faisons c'est que nous cliquons avec le bouton droit de la souris pour nous rappeler et créer notre clip d'automatisation Nous pouvons donc simplement faire glisser les points d'ancrage gauche vers le bas pour qu'il soit silencieux au début. Et au fur et à mesure que le motif se joue, il devient lentement de plus en plus fort. Nous pouvons également ajuster la forme de la courbe en faisant glisser ce bit du milieu ici. Donc je vais juste le traîner vers le bas. Ce n'est donc pas aussi linéaire et une sorte d' augmente progressivement avec cette courbe exponentielle. Et écoutons ce que ça ressemble maintenant. Et si vous voulez améliorer le son de ce balayage, nous pouvons appliquer un filtre. Allons ici maintenant au plugin et nous allons l'assigner à une piste de mixage comme celle-ci. Donc maintenant c'est sur la première voie et je vais ouvrir un filtre. Donc, je vais choisir le filtre fruité aimé standard. Et ça va s'ouvrir. Et ce que nous avons ici avec le filtre n'est pas différent du filtre sur un synthétiseur sera regarder les filtres dans un peu plus en détail. Laissez-moi venir au mixage, mais pour l'instant, je suis sûr que vous reconnaissez la coupure et les paramètres de résonance ici. Donc je vais juste baisser complètement la résonance et nous allons automatiser le son de la coupure. Donc, nous allons faire un clic droit et dire créer un clip d'automatisation. Fermez le plug-in de filtre. Et puis nous descendrons ici jusqu'aux points d'ancrage et nous allons faire glisser le point d'ancrage droit vers le haut pour que le filtre s'ouvre au fur et à mesure que le motif est en cours de lecture. Alors écoutons à quoi ça ressemble maintenant. Donc c'est juste un moyen vraiment basique de faire votre propre bruit blanc sorte de upsweep. Donc je vais supprimer ces modèles maintenant et nous allons juste jeter un oeil à peut-être faire des effets de symboles. Donc si nous venons ici et nos packs d'échantillons, et je vais entrer dans mon pack d'échantillons de batterie et je vais ajouter juste une sorte de bruit de crash simple. Trouvons un. Ok, utilisons-nous celui-là. Parce que celui-ci n'a pas d'effet sur elle déjà. Et c'est juste faire une boucle à cette section pour qu'elle ne continue pas à boucler. On va écouter d'autres centriques. Maintenant, ce que nous pouvons faire avec c'est que nous pouvons l'ajouter à la piste de mixage. Et nous pouvons appliquer différents types d'effets. Donc, disons que nous appliquons un effet de réverbération. Maintenant, je vais juste choisir un préréglage pour l'instant, mais nous allons passer en revue tous ces paramètres et ce qu'ils signifient quand nous viendrons réverbérer ce mélange. Mais pour l'instant, nous allons juste choisir un préréglage peut-être grande salle. Et ouvrons un effet de retard. Donc je vais utiliser la banque de retard fruitée. Et encore une fois, nous allons regarder ce que le délai fait et la section de mélange. Mais pour l'instant, nous allons juste choisir une sorte de son de retard amusant. Cliquez sur ce ping-pong classique. Et si nous écoutons le son de la cymbale maintenant, avec tous ces effets appliqués, ça sonne comme ça. Ok, donc supprimons ceci maintenant et nous allons jeter un oeil à faire un effet sonore de riser ou un soulèvement ou alors je vais venir ici et je vais revenir à tout pour que je puisse voir tout ce qui est en quelque sorte chargé sur le modèle palette. Et je vais remplacer cet oscillateur 3x par spire parce que nous l'avons utilisé jusqu'à présent. Ok, alors remplacons ça par Spire. Et avec chaque synthétiseur que vous utilisez, il sera livré avec cette roue de virage. Et c'est là qu'on peut glisser de haut en bas entre différents emplacements. D' accord ? Donc ce que je vais faire, c'est que je vais mettre la roue de tangage pour se pencher 12 demi-tons parce que 12 demi-tons sont une octave. D' accord ? Maintenant je sais que vous avez peut-être entendu dire que l'âge est un acte d'AES, des notes blanches, ou huit tons complets est une octave, mais 12 demi-tons constituent une octave. Donc je vais juste cliquer sur ce 12 pour que quand je me penche habituel, ça se plie par une octave pleine. Ok, alors fermons ça maintenant. Peu importe le préréglage que nous utilisons. Et nous collons dans le, coller dans le même motif, ce qui est juste une sorte de longue note. D' accord ? Et si nous bougeons ce pas, plions la roue et ensuite venir ici pour les outils, la dernière modification. Puis cliquez sur Créer un clip d'automatisation. Il, créez un clip d'animation sur la fenêtre de playlist. Et nous pouvons faire glisser le point d'ancrage droit haut de sorte que la roue de flexion de tangage se déplace vers le haut comme lieu de motif. Écoutons le modèle et nous allons regarder la roue de pliage de hauteur pendant qu'elle joue. Et si vous voulez que cela se plie encore plus, vous pouvez régler la roue de flexion de tangage pour qu'elle se plie plus haut. Ou vous pouvez régler la roue de flexion de tangage pour qu'elle se penche de 12. Et puis nous pouvons faire glisser ces points d'ancrage gauche vers le bas, sorte que ça monte un actif complet au moment où il atteint le milieu, et puis il monte un autre plein actif au moment où il atteint ce point d'ancrage droit ici. Donc je remarque quand on écoute là-bas que c'était un peu calme et c'est parce que j'ai encore ce filtre allumé. Donc c'est juste éteindre ça et nous allons écouter ce modèle maintenant. Et je vais ouvrir la flèche pour qu'on puisse voir ce qui se passe avec le Pitch Bend. On le fera, d'accord. Alors regardons ça comme le lieu de motif. Vous pouvez donc utiliser cette roue de virage et une sorte de technique d'automatisation sur n'importe quel synthétiseur de votre piste. Donc, si vous voulez l'automatiser pour que le type principal de mélodie de votre piste se plie lentement et tangage au fur et à mesure que l'accumulation est en cours de lecture. Tu peux le faire aussi. Ce ne sont donc que des effets de base que nous pouvons créer nous-mêmes. Mais il n'est vraiment pas nécessaire de créer nos propres effets quand il y a source ou beaucoup d'effets que vous pouvez télécharger ici. Et vous pouvez les utiliser dans vos traces. Donc il n'y a pas, il n'y a pas vraiment besoin de créer la vôtre sauf pour cette technique de flexion de hauteur, qui peut sembler vraiment bon lorsque vous utilisez les éléments que vous avez déjà ajoutés à votre piste. Mais à part ça, nous n'avons pas besoin de créer le nôtre. Nous pouvons simplement utiliser certains des effets qui viennent dans ces échantillons de dos. Passons maintenant à la section suivante et nous allons jeter un oeil à la voix. 40. Introduction au vocal pour les EDMs: Donc, dans cette section, nous allons tout apprendre sur l'utilisation de voix pour EDM. Maintenant, les pistes EDM utilisent souvent des phrases vocales, des crochets vocaux, des boucles, des côtelettes, des échantillons, etc. Mais que sont toutes ces choses et comment les utilisons-nous ? C' est ce que nous allons apprendre dans cette section. Avant de passer à la majeure partie des conférences, je voulais juste vous donner quelques exemples de chacun de ces types vocaux. Commençons ici au début avec une phrase vocale, allons la ramener. Et je le rejouerai. Je vais ramener. Le suivant, c'est un hameçon vocal. Voyons à quoi ça ressemble. parle à moi-même. Impossible d'avoir un aperçu. Tu t'aimes juste. C' est un fait que tu ne parle à elle-même. Impossible d'avoir un aperçu. Tu t'aimes juste. C' est un fait que tu fais. Regardons maintenant une boucle vocale. Droit ? D'accord. D' accord, d'accord. Jetons maintenant un coup d'oeil aux côtelettes vocales. Et maintenant, jetons un coup d'œil à un échantillon vocal. Paru l'a probablement maintenant il me l'a montré et ils les ont mis sur le sol est commencer coups de coups de couteau dans son dos et vous savez quoi, sur la Syrie. Vivant quand on est arrivés ici. Ok, donc c'est à ça que ressemble chacun de ces types vocaux. Passons maintenant à la première conférence de cette section où nous allons jeter un oeil aux phrases vocales en détail. 41. Phrases vocales: Ok, alors que sont les phrases vocales ? Eh bien, les phrases vocales et la musique électronique se réfèrent simplement à phrases très courtes ou des phrases qui ajoutent au personnage. Donc, ceux typiques, vous savez, 123 saut. Ces cris qui peuvent être entendus avant la chute, leurs phrases vocales. Ainsi, une phrase vocale peut être utilisée n'importe où sur la piste. Leur travail particulièrement bien avant la chute et dans les pannes car il donne à l'auditeur quelque chose de familier à s'accrocher, à savoir le langage. Vous ne voulez certainement pas trop utiliser les phrases vocales. Donc, si vous les utilisez, il suffit de choisir un ou deux, puis de construire un modèle à partir d'eux. Et la raison en est que si vous utilisez trop de phrases aléatoires, votre piste et votre son désordre et amateur, chaque élément de votre piste doit sonner comme s'il faisait partie de la même famille et vos phrases vocales ne sont pas différentes. Assurez-vous donc que vous n'utilisez pas trop et qu'ils s'intègrent bien. Vous pouvez trouver des phrases vocales dans des packs d'échantillons, ou si vous vous sentez créatif, vous pouvez enregistrer les vôtres. Je vais vous donner un exemple de phrases vocales et de contexte. Ok, donc il y a trois types différents de phrases vocales utilisées. Il y a cette phrase en direct, écoutons. Ok. Et puis j'ai fait équipe avec cette phrase, qui est la même femme. Donc c'est la même personne qui parle. Donc, il colle toutes ces phrases séparées ensemble. Écoutons cette phrase au fond de mon âme. Et quand nous venons ici pour une sorte de section de choeur de la panne, nous avons cette phrase vocale, qui est encore la même femme qui parle et ça ressemble à ça. Mais quand on les combine tous ensemble, ils sonnent comme ça. Ok, je vais juste jouer à partir d'ici pour que nous ne soyons pas aussi dans les deux écoutions juste celle-là et ensuite nous écouterons celle-là. Et je déplace cet échantillon comme il se passerait, laissez-nous maintenant au fond, ce n'est pas si profond. Ainsi, vous pouvez voir que ce modèle vocal particulier est construit à partir de trois phrases vocales distinctes. Alors écoutons la piste complète, peut-être jusqu'à ici. Et puis nous entrerons dans le pack d'échantillons et nous allons essayer de faire correspondre quelques phrases vocales ensemble. Écoutons maintenant. Au fond de mon âme, fond de ma scie. Ok, alors venons ici dans les packs d'échantillons et faites défiler jusqu'à l'endroit où je garde ma voix. Et je vais juste à ce pack vocal 5. Et nous ajouterons ici aux phrases vocales. Ok, alors écoutons ces phrases. Commençons par 18 ici. Ok. Essayons 17. Stress 16151413, plateau. Ok, donc vous pouvez combiner tous ces éléments ensemble pour construire une sorte de modèle vocal complet. Alors venons ici très vite et je vais solo cette piste, peut-être deux ou trois d'entre eux, et nous allons juste glisser dans cet échantillon, ce, désolé, cette phrase vocale, Mileva, écoutez-le. Bon, maintenant essayons d'associer cette phrase vocale à d'autres phrases vocales. Écoutons huit LBJ, lâchez, gardez, est-ce que je suis vivant. Ok, donc cette voix particulière ici, cela sonne très, très similaire à cette phrase que nous avons ici. Donc je vais traîner cette phrase. Et comme toutes nos boucles externes, nous devons aussi adapter ces phrases vocales à notre tempo, Ok, donc nous sommes mis à 128 apparaissent. Donc je vais faire l'habituel et je vais cliquer sur Ajuster au tempo. Et je vais juste cliquer sur l'estimation parce que je ne sais pas ce que ces phrases vocales particulières ont défini. Donc je vais laisser le logiciel à deviner pour moi. Et je vais faire la même chose ici avec celui-ci. Et il estime environ 150. Alors maintenant écoutons ces deux ensemble. Key, pourquoi vivre, ne pas le faire. Nous pourrions donc utiliser ces deux phrases vocales comme un modèle vocal. Donc si je duplique ça et que je fais glisser le second ici dans ce bar, et je reviendrai juste et je solo la partie musique en musique. Et nous allons juste écouter à quoi ressemblent ces phrases vocales avec cette base de données et ce kick drum. Ok. Écoutons pourquoi Belive ne le fais pas. Gardez le ybelive, ne le fais pas. Et vous pouvez ajouter plus de phrases vocales ou encore moins vocales en fonction du son de votre piste. Mais gardez à l'esprit que vous ne devriez pas ajouter trop de phrases vocales. Sinon, le son global de votre piste deviendra un peu brouillé. Donc, mon conseil est peut-être de rester avec deux ou trois, puis de les utiliser pour construire un petit modèle vocal que vous pouvez répéter sur la piste. Donc, je vais juste supprimer ces phrases que nous avons glissées et nous allons passer maintenant à la prochaine conférence, qui est en train de regarder les hameçons vocaux. 42. Croches vocales: Donc, dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur les hameçons vocaux. Donc nous allons accrocher est juste un mot de fantaisie pour une idée musicale qui attire l'attention du public. Et comme musique mémorable et électronique, un crochet est comme un extrait de vers, un chœur, et plus long qu'une phrase et une boucle, vous pouvez essentiellement le considérer comme un mini fils. Maintenant, un crochet fonctionnerait mieux dans la panne, mais ils peuvent également bien fonctionner et la goutte, vous pouvez trouver ces crochets dans des packs d'échantillons ou vous pouvez enregistrer le vôtre. Mais la seule chose que je dirai avec ceci est que si vous prenez Hawks dans un pack d'échantillons, vous devez vous assurer que le pack d'échantillons est libre de redevances. Et ce que cela signifie, c'est que si vous êtes suivi monte sur plateformes de streaming commerciales comme Spotify ou YouTube ou quelque chose comme ça. Où tu gagnes de l'argent de nous. Si vous utilisez un crochet qui n'est pas libre de droits, vous devrez réellement à la personne qui a fait ce crochet un pourcentage de vos gains. Il est donc beaucoup plus facile de vérifier la description du pack d'échantillons que vous téléchargez et de vous assurer qu'il est dit libre de droits. Vous ne pouvez pas non plus prendre un câlin dans une autre chanson car cela causerait des problèmes de copyright. Si vous voulez vraiment utiliser un câlin d'une chanson, vous devez en fait contacter l'artiste. Disons que je voulais utiliser un câlin vocal d'une des chansons de Katy Perry. Je devrais contacter Katy Perry et lui demander la permission d'utiliser ce crochet dans ma piste. Si vous avez la permission, alors c'est normal d'utiliser ce crochet dans votre piste. Mais sans permission, vous pourriez rencontrer toutes sortes de problèmes de copyright, swayed vous conseiller de ne pas utiliser crochet de quelqu'un d'autre dans votre piste sauf si vous avez la permission de le faire. Mais si vous enregistrez le vôtre, alors vous ne rencontrerez aucun de ces problèmes parce que ce crochet est 100% original et 100% vous appartient. Cela étant dit, écoutons simplement cet exemple de crochet vocal que j'ai ici, et nous l'avons écouté dans le contexte d'un arrangement. Donc ici, j'ai une sorte de section de ventilation et puis il se déplace dans une goutte. Et vous pouvez voir ici que le crochet vocal continue au-delà de la goutte. Alors écoutons ce que ça ressemble. Et puis nous entrerons ici pour les packs d'échantillons et nous verrons comment ajouter des crochets vocaux à nos morceaux. Ok, alors écoutons maintenant. C' est ce à quoi un hub vocal pourrait ressembler dans une piste. Allons maintenant aux packs d'échantillons et nous allons juste trouver quelques crochets vocaux pour utiliser une piste aérienne. Donc, je vais juste faire défiler vers le bas et je vais utiliser celui-ci qui est déjà mis en évidence, qui est les maîtres de boucle. Crochets vocaux sauvages de Kate. Acapella a le volume 3. Ok, donc je vais venir ici à la section Wave Loop. Et comme vous pouvez le voir, il ouvre tous ces petits sous-dossiers. Et les packs de crochet vocal sont super parce que 90% du temps ils vous donnent le BPM, ils vous donnent la clé, puis ils vous donnent le nom de la somme. Donc je sais que ma piste est de 127 BPM. Et je sais aussi que la clé de ma piste est en C Sharp, ok ? Donc, je vais essayer de trouver un crochet vocal qui correspond à ces deux choses aussi près que possible. Maintenant, je vois ici que j'ai un à deux, et un ré mineur. Et D serait assez proche de C. Sharp. Mais le seul problème, c'est que ma piste n'est pas mineure, d'accord ? Le mien est majeur. D' accord, donc on a l'accord de C-Sharp, E, F et G pointu. Et c'est la cour du dièse majeur. Donc, si je devais traîner dans ce ré mineur et ensuite le faire descendre au point fort. Il jouerait en do dièse mineur, nazi dièse majeur. Donc, si vous n'êtes pas sûr de vos balances, de vos clés et autres choses, vous pouvez simplement fermer ceci et aller trouver un autre pack d'échantillons qui n'est pas en C-dièse majeur. Ou une autre option serait de prendre en compte que c'est en ré mineur, puis changer votre piste pour que votre piste soit en ré mineur. Mais si vous êtes comme moi et que vous avez déjà commencé l'arrangement, ça peut être un peu laborieux. Donc ce que je vais faire à la place, c'est que je vais utiliser mes connaissances des balances et des clés, ok ? Donc, je sais qu'avec le dièse majeur, le mineur relatif de ce serait un mineur pointu. D' accord ? Et ce qu'on a ici, c'est qu'on a un mineur, donc a-mineur est assez proche d'un mineur pointu. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais prendre une chanson mineure. Et il est également fixé à 110 BPM, ce qui est plus proche de un à sept. Alors 97 est. Donc je vais prendre celui-ci et je vais auditionner certains des crochets vocaux dans ce dossier pour glisser dans ma piste. Maintenant, si vous n'êtes pas sûr du majeur relatif et des mineurs relatifs et des trucs comme ça. C' est bon si vous prenez la clé de votre piste. Donc disons que vous êtes une piste est en ré majeur. Si vous venez de Google, quel est le mineur relatif de ré majeur, alors Google va effectivement répondre à cela pour vous vraiment, vraiment rapidement et vous découvrirez qu'il est si mineur. Mais je sais déjà que pour ma piste, un mineur pointu va marcher. Donc je vais traîner dans cette partie pour diriger. Oui. J'aime que le son de cette meute mène. Donc je vais traîner ça dans ma piste. Et je vais le placer là. Et je vais juste supprimer les crochets vocaux que nous avions déjà pour que nous puissions commencer avec une ardoise vierge. Et puis je vais déplacer ce crochet vocal que je viens de traîner jusqu' au début de mes arrangements, au début de la panne ici, ok ? La première chose que je vais faire avec ça, c'est que je vais l' étirer pour qu'il corresponde à mon tempo. Et nous pouvons voir ici que le logiciel l'a scanné et qu'il a estimé qu'il était d'environ 110 BPM. Et si nous venons ici, nous pouvons voir que le logiciel est en fait bang. Ok, donc je vais cliquer sur ça et ça va l'étirer pour moi. Et ce que je vais faire, c'est que je vais le présenter. D' accord ? Donc je sais que ce crochet vocal particulier est mineur. Et je sais que je dois le transposer pour qu'il joue réellement dans une mineure pointue. D' accord ? Donc je vais juste le faire monter de 0.100$. Et si nous nous souvenons d'avant que 0.100$ soit un demi-ton, alors nous saurons que le lancer de 0.100$, nous allons en fait le monter d'un demi-ton, ce qui va l'amener à un mineur pointu. Ok, alors maintenant c'est tendu et tendu. Nous pouvons fermer l'échantillonneur et nous pouvons écouter ce que cela ressemble dans notre piste. Écoutons maintenant. C' est donc une sorte de processus que vous devriez utiliser lorsque vous ajoutez des crochets vocaux à votre piste. Mais à la fin de la journée, il s'agit vraiment de ce qui sonne mieux. Donc techniquement, si vous êtes vocal crochet est loin de la clé. Si cela sonne vraiment bien, alors cela n'a pas d'importance car tous les auditeurs seront ici la version finale de votre piste. Donc, si ça sonne bien, c'est bon. 43. Boucles vocales: Donc, dans cette conférence, nous allons nous concentrer sur les boucles vocales. Donc, la boucle vocale peut être n'importe quelle sorte de voix que vous avez l'intention de boucle au fil du temps. Ils n'ont pas forcément à dire quoi que ce soit tant qu'il est basé sur la voix et qu'il y a une sorte d'élément rythmique. boucles vocales fonctionnent pâturent à la fois dans la chute et dans la panne. Cependant, vous ne devriez pas les utiliser sur toute la piste. Il vaut mieux peut-être s'évanouir pendant la panne. Laissez-le prendre le relais pendant la goutte et ensuite avoir une section sans voix. Ça aide juste à le briser. Tu ne veux pas ennuyer l'auditeur. Encore une fois, les boucles vocales peuvent être trouvées dans des packs d'échantillons ou vous pouvez faire les vôtres en bouclant différents mots et en ajoutant des effets sympas. Écoutons cet exemple d'une boucle vocale que j'utilise dans ma piste. Ok, donc c'est vraiment, vraiment courte boucle. Mais je l'ai répété beaucoup de fois tout au long la panne et de l'accumulation et à venir à la goutte. Ok, alors écoutons ce que ça ressemble dans le contexte. Et puis comme les autres conférences viendront ici à nos échantillons de dos et nous verrons comment nous devrions ajouter des boucles vocales à notre piste. Ok, écoutons maintenant une boucle vocale dans son contexte. Et dire vraiment, vous voyez vraiment le, vraiment, vraiment dire. La même chose pour les cerveaux sont vraiment bons mots. Ok, donc c'est ce à quoi ressemblerait une boucle vocale si vous l'utilisez dans votre piste. Allons dans la section arrière de l'échantillon et nous allons faire défiler vers le bas dans mon dossier de voix. Mileva, écoutez les boucles vocales que j'ai. Donc, comme vous pouvez le voir, ils sont en quelque sorte divisés en deux PPM différents. Le premier étant 140, et le second étant de un à huit. Souvenez-vous que nous avons déjà dit qu'un à huit est un médium heureux. Eh bien, c'est pourquoi ces boucles vocales sont réglées sur 12z, parce que c'est en supposant que lorsque vous essayez d'adapter ces boucles vocales à votre tempo, en utilisant un BPM qui est assez proche de 128. Les boucles vocales qui sont réglées à 140 sont donc conçues pour des pistes un peu plus rapides, comme le dubstep, la batterie et la basse. Je vais venir ici pour le 128 BPM, parce que ma piste est fixée à 128, c'est juste une question de trouver quel BPM est le plus proche de celui que vous avez dit dans votre piste. Ok, alors venons dans ce dossier 128 BPM et nous allons écouter certaines des boucles ici. Alors prenons cette maison boucles 34 et écoutons ce que cela ressemble. Essayons 36. Maintenant essayons peut-être 391 de plus. On va essayer 40. Voyez à quoi ça ressemble. La musique que j'ai trouvée. Ok, donc prenons House Loops 40, et nous allons le faire glisser dans notre projet. Et nous sommes chargés ici. Ok, maintenant je vais juste supprimer les boucles vocales que j'utilisais déjà, juste pour que nous commencions en quelque sorte à partir d'un modèle vide. Et la première chose que je vais faire est de m'assurer qu'elle correspond à notre propriété du temple. Maintenant, je sais que ça dit déjà 128 BPM, mais je vais juste m'assurer qu'il correspond exactement en appuyant sur le bouton d'estimation. Maintenant, évidemment, si votre estimation est quelque part loin, si ça dit comme 75, ne cliquetez pas. Mais parce qu'il semble assez proche de 120 jours, je vais supposer que le logiciel sait mieux que moi, et je vais cliquer dessus. Maintenant que le tempo de la boucle correspond au tempo de notre piste, nous allons maintenant trouver la clé de notre piste et transposer ou mettre cette boucle vocale pour qu'elle corresponde à la clé de notre piste. Ok. Donc je vais cliquer ici sur notre rouleau de piano et je vais vérifier la piste est prête et je peux voir ici qu'elle réside en quelque sorte autour de F. Ok. Donc, si je reviens dans la liste de lecture et que je double-clique sur la boucle, cela fait apparaître la fenêtre d'exemple. Et ce que je peux faire, c'est que je peux l'ajouter à une piste de mixage. Et encore une fois, nous ferons le même processus. Nous ajoutons un plugin appelé Edison. Et puis on fait glisser la forme d'onde dans la musique, puis on la place dans Edison. Pour mon âme. J'ai trouvé. D' accord. Ensuite, nous faisons un clic droit, puis descendons vers les régions, puis descendons vers le bas et cliquez sur détecter les régions de hauteur. Et ce que cela fait, c'est qu'il scanne le fichier et il nous indique quelle clé il définit. Donc je peux voir ici que c'est quelque part autour de D-Sharp, peut-être D, C. Donc, je vais supposer que le premier est correct, et je vais l'utiliser comme base pour lancer la boucle vocale. Ok, alors fermons Edison venant ici à la boucle vocale. Donc je sais que la boucle vocale n'est pas D-Sharp et que ma piste est un F, donc je vais devoir mettre ça un demi-ton à E et un demi-ton de plus à F. Alors maintenant, voyons si cela, oups, Voyons maintenant si la clé de cette boucle vocale correspond à notre trek. Ok, donc je pense que ça a l'air assez bien. Je pense que cette boucle vocale a l'air d'être dans la clé de la piste. Donc, une fois que vous avez votre boucle vocale dans la clé et dans le temps, nous pouvons ensuite la coller sur toute la section que vous vouliez dans. Donc, je voulais dans une partie de ma panne, puis dans l'accumulation. Et puis nous pouvons écouter ce que la piste sonne avec cette boucle vocale dedans. Je vais juste le baisser parce qu'il est vraiment fort et il a été refusé correspond à la piste. Maintenant, je viens de remarquer qu'il y a un peu de bruit à la fin. Et c'est parce qu'il y a un peu de silence entre chaque boucle vocale. D'accord ? Donc, si je viens ici et que je regarde juste la forme d'onde, je peux voir que la forme d'onde commence quelque part ici, mais notre bar commence ici. Donc, c'est un peu hors du temps. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais mettre en évidence celui-ci. Je vais venir ici et je vais cliquer sur Stretch. Et cela tourne sur étirement. Et puis chaque fois que je déplace cela, va effectivement étirer la forme de vague. Donc je vais l'étirer de sorte que le début de ce genre de pic de la forme de vague commence au tout début de notre Barnett, quelque part là-bas. Donc maintenant je peux voir que l'acheteur correspond à ce genre de pic de la forme de vague. Et je vais venir, je vais faire un zoom arrière et je vais voir à quoi ça ressemble maintenant. Alors écoutons. Donc je pense que la boucle sonne bien maintenant. Donc, je vais désactiver l'étirement à nouveau afin que chaque fois que je fais glisser une autre forme d'onde, il ne l'étire pas, il tire juste ce genre de partie supplémentaire. Ok, ensuite, on va jeter un oeil aux côtelettes vocales. 44. Chops vocales: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil aux côtelettes vocales. Donc, une côtelette vocale est quand vous prenez un crochet existant, puis le hacher en petits morceaux. Ces pièces sont ensuite mélangées et peut-être que d'autres pièces sont supprimées. Et vous utilisez les pièces restantes pour créer un rythme intéressant mais rapide. côtelettes vocales fonctionnent très bien si vous ne voulez pas utiliser un crochet ou si vous ne pouvez pas trouver un crochet libre de redevances. Donc, la raison en est que vous pouvez utiliser un crochet de n'importe quelle chanson, puis des chapitres au-delà de la reconnaissance à utiliser dans vos pistes. Vous pouvez également enregistrer votre propre crochet pour hacher, ou vous pouvez simplement en trouver un dans un échantillon de retour. Voici un chapitre vocal que j'ai fait tout à l'heure. Et ça a commencé la vie comme ce crochet vocal. Écoutons comment ça sonnait avant qu'il ne soit haché. Prends-le comme un seul. C'est ce que tu ne me fais pas. Parfois, ce sont les choses que tu m'as données. J' ai vu que je m'annonce, je suis tout acheté le chemin. Retardez-moi. D' accord. Et maintenant, écoutons ce que ça ressemble après que j'ai fait un peu de hachage. Un DOM, maintenant, gardant un DOM, maintenant encombrant. J' ai pris des petits morceaux de partout dans ce crochet vocal. Et puis je les ai réarrangés et j'ai fait ce rythme. Écoutons ce que ça ressemble dans le contexte. Ok, donc j'ai ce genre de panne de house music. Donc, à chaque fois que la leçon 2 au mec vocal sonne comme avec ces cartes et les pads et tout ça. D' accord. Laissez-nous et maintenant signifiant un dom. Dom. Dom. Ok. Donc, je suis sûr que vous en avez l'idée générale. Donc ce que nous allons faire maintenant, c'est nous allons entrer dans mes packs d'échantillons et nous allons jeter un coup d'oeil à couper notre propre voix. Donc je vais fermer ce dossier de boucles de maison que nous avons regardé lors de la dernière conférence. Et je vais ouvrir un jarret vocal. Donc je vais venir ici à l'un de mes packs vocaux complets et je choisirai peut-être celui-là. Il y a des sessions vocales du maître de production Alexandra. Ok, revenons ici et nous pouvons voir à nouveau, nous avons tous ces sous-dossiers avec différents Sachs. Maintenant, pour les hameçons vocaux, ce n'est pas aussi important de trouver un BPM qui est étroitement lié au vôtre parce que nous sommes en train de découper complètement le tout et ensuite de réorganiser toutes les pièces. Donc, peu importe lequel d'entre eux vous choisissez. Donc je vais choisir, disons que le 100 bpm, qui est à environ 25 battements par minute de mon projet est mis en place, mais c'est bon. On n'a pas besoin d'être près de 125. Donc je vais traîner dans un de ces crochets ici. Peut-être qu'on va traîner dans ce verset. Je vais le mettre dans la liste de lecture. Et ce que je vais faire, c'est que je supprime les côtelettes que j'avais faites plus tôt. Et je vais faire ça en solo pour qu'on puisse appliquer des gars. Donc il y a deux façons d'appliquer des côtelettes, ok ? Vous pouvez venir ici et vous pouvez choisir un outil de rasoir et vous pouvez passer par vous-même et en quelque sorte couper ces petits morceaux comme ça. Ou je vais juste annuler tous ces et juste revenir dans la vue de l'exemple. Ok, donc, vous pouvez le couper vous-même ou vous pouvez monter à cette petite forme d'onde comme nous le faisons quand nous essayons d'adapter quelque chose à notre tempo. Cliquez dessus, puis descendez ici pour couper. Et vous pouvez laisser le logiciel faire le hachage pour vous. Ok, donc tu peux choisir toutes ces sortes de rythmes ici, mais je vais utiliser la tranchure automatique pour que je puisse faire mon propre rythme. Si vous choisissez l'un d'entre eux, il le réorganise réellement pour vous. Alors peut-être juste pour démontrer, choisissons cette boucle 112 et nous verrons que toutes les pièces que j'ai maintenant renversé. Écoutons ce que ça ressemble. Bbbb. Ok, donc ça semble un peu robotique, mais on peut choisir d'essayer peut-être un autre réglage très rapidement juste avant de le faire nous-mêmes. Allons choisir peut-être le démarreur à. Essayons ça. Ok. Donc je vais juste annuler ça à nouveau. Maintenant, je préfère beaucoup réorganiser moi-même toutes les petites pièces parce que j'ai juste plus de contrôle sur elle et j'ai plus de contrôle sur le rythme et la façon dont le mec général sonne. Mais n'hésitez pas à utiliser l'un de ces types de paramètres générés automatiquement si vous le souhaitez. Mais je vais sélectionner ici tranchante auto tranchante. D' accord ? Et la différence entre DO moyen et pointu est que forte était une sorte de regarder chacun de ces pics et creux et ramollir il va couper très, très précisément. Alors qu'avec les doubles autos lysing, les côtelettes que vous obtenez sont moins précises. Donc, ce qui va se passer est avec le tranchage automatique pointu, vous aurez beaucoup de petites côtelettes pour gâcher et retirer le tranchage du loto. Tu auras plein de petites tranches à gâcher. Je préfère que ma tranche soit plus petite. Donc, je vais sélectionner gercé. Et comme vous pouvez le voir, c'est une sorte d'analyser la forme d'onde et les chapitres en fonction de l'endroit où se trouvent les différents sommets et creux. Ok, alors commençons à réorganiser certaines de ces pièces. Donc je pourrais faire glisser ce morceau et je pourrais commencer un ici. Et je vais juste en solo les côtelettes sur lesquelles je travaille. Donc je voulais entendre ce que je faisais avec les côtelettes, ok ? Et je vais devoir zoomer ici et m'assurer que c'est le, oups, je vais mettre ça sur zéro, juste pour avoir le contrôle sur où il va, exactement où il va. Et je vais le faire, je vais le coller ici. Donc c'est exactement sur le premier temps de la barre. D' accord. Ensuite, je vais revenir à notre voix hachée à nouveau. Et je vais juste zoomer un peu pour voir ce que je fais. Et je vais choisir peut-être des segments différents. Donc peut-être ce petit segment ici et faites glisser ça dessus. Et on pourrait le placer, disons le suivant. Le prochain temps, nous le plaçons au début et ensuite nous utiliserons un autre segment court, peut-être ce peu. Et nous allons faire glisser ça et commencer à l'étape suivante. Utilisons un autre segment pour peut-être ici, choisissons celui-ci, faites glisser ceci et commencé sur cette étape. Et puis peut-être essayons celle-là et nous allons le faire glisser et le mettre dessus. Ok, alors voyons comment ça sonne jusqu'à présent. Et si nous l'aimons, nous le garderons. Et si nous n'aimons pas certains bits, nous pouvons couper et changer et les supprimer et commencer à ajouter différents bits dans. Allons entendre ce que ça ressemble jusqu'à présent. Ok, donc ça ne semble pas trop terrible. Alors je vais continuer. Je vais ajouter peut-être ce morceau ici. Allons chercher quelque chose de la fin. Peut-être que cette pièce, en fait, c'est trop grosse. Je peux laisser ça pour une autre enchère, mais je prendrai peut-être ce petit morceau parce que j'ai beaucoup de gros morceaux dans mes côtelettes en ce moment, je veux juste utiliser quelques morceaux plus petits. Utilisons ce morceau et on va le mettre ici. Utilisons ce petit morceau et on le met peut-être ici. Et enfin, on utilisera ce gros morceau qu'on avait. D' accord ? Et ça nous amène à le laisser là. Ok, voyons à quoi ça ressemble maintenant. D' accord. Ce que je vais faire, c'est que je vais juste couper la queue de ça pour que quand je lupus, ils s'emboîtent un peu mieux, d'accord, comme ça. Ok, alors nous allons zoomer et je vais revenir sur mon réglage de la grille et double-cliquer dessus pour me débarrasser de la boucle. Et puis quand unsolo ceci, et nous supprimerons le crochet vocal original du dessus. Je suis tombé ici et supprime ça. Et puis je vais juste coller ce modèle sur toute la section de ventilation, ok ? Comme ça. Maintenant, avant de procéder à l'écoute, nous devons présenter ceci pour nous assurer qu'il est dans la clé. Donc, je vais double-cliquer sur l'un des échantillons ajoutés à la table de mixage, carrière et ouvrir Edison. Et puis on le traînera comme ça. Alors bébé me tient près. Ensuite, nous allons double-cliquer sur les régions, détecter les régions de hauteur. Et voyons quelle sorte de clé nous regardons. D'accord ? Donc je peux voir ici que nous regardons C, B, C pointu, D pointu, F pointu. Ou en fait au lieu de cette méthode, parce que nous avons utilisé un crochet vocal en premier lieu, nous pouvons juste regarder et voir ici walkie, c'est, et donc c'est en si majeur. Donc je vais vérifier la clé de ma piste, qui est, je pense que G dièse mineur. Pour faire défiler ici. Oui, le dièse mineur. D' accord. Encore une fois, nous avons un major et un mineur, une sorte d'affrontement. Donc nous allons devoir regarder les majors relatifs ici. Donc ma piste est dans la clé du sol dièse mineur. Et le majeur relatif du mineur G Sharp se trouve en fait être majeur. Donc, on va bien. On n'a pas besoin de lancer du tout. Alors écoutons maintenant la panne avec nos côtelettes vocales là-dedans et voyons à quoi ça ressemble. Je pourrais les baisser dans la piste de mixage pour nous juste de tout simplement n'était pas surprenante. Écoutons. Ok, alors maintenant, quand vous faites vos côtelettes vocales, vous pourriez rendre le motif un peu plus long. Maintenant sont notre modèle était très court. Ce n'était qu'un seul acheteur, et puis nous avons regardé cela tout le long de l'autre côté. Mais vous pourriez faire un 4 bar, vous pourriez faire un huit bar, vous pourriez même faire un 16 bar long vocal haché. Tout est différent tout au long du parcours et cela créerait beaucoup d'intérêt pour l'auditeur. J' ai fait un motif de quatre barres ici rapidement, juste pour le but de cette conférence. Mais lorsque vous créez vos pistes, vous pouvez étendre ce modèle à peut-être quatre barres ou APR ou, comme je l'ai dit, encore plus longtemps. Ok, dans la section suivante, nous allons examiner le dernier type de voix, qui est des échantillons vocaux. 45. Échantillons de voix: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil aux échantillons vocaux. Donc, un exemple est quand vous prenez un morceau d'audio d'un morceau de travail existant, puis vous utilisez cet audio dans vos propres pistes. Maintenant, parce que nous prenons l'audio du travail d'autres personnes, nous devons être très prudents avec les droits d'auteur. Vous devrez donc demander la permission d'utiliser le travail de quelqu'un d'autre sur votre piste. Cependant, il y a quelque chose qui s'appelle le domaine public. Et le domaine public est essentiellement un endroit où vous pouvez trouver quelles œuvres d'art et d'histoire. En fait, j'ai dépassé leur date de copyright. Ainsi, des mélodies comme la chanson traditionnelle Happy Birthday étaient autrefois protégées par des droits d'auteur. Mais maintenant, parce que cette chanson est si ancienne, le droit d'auteur pour elle a effectivement disparu. Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez utiliser le domaine public pour savoir quelles œuvres d' art sont exemptes de droits d'auteur que vous pouvez utiliser sur vos pistes. Ainsi, par exemple, les films américains avant 1964 sont autorisés à utiliser. Et les films étrangers avant 1923 sont autorisés à utiliser. Séries télé avant 1970. Sung a quelque chose avant 1924 va bien. Vous pouvez également simplement Google ce que vous cherchez, suivi du mot domaine public et vous le trouverez. Ainsi, par exemple, les chansons folkloriques, Domaine public. Il va lancer une liste de chansons folkloriques qui n'ont plus le droit d'auteur appliqué. Beaucoup de morceaux de musique house échantillonnent en fait vieille musique soul, puis utilisent cela pour former un crochet. Donc, dans cet exemple de piste ici, j'utilise en fait des échantillons vocaux d'un pack que j'ai téléchargé, qui est appelé voix lo-fi. Et dans ce pack, il y a des centaines de différents types d'échantillons vocaux ont très court les phrases vocales. Mais encore une fois, nous pouvons utiliser ces phrases pour construire une sorte de voix plus longue pour notre piste, ok. Mais toutes ces phrases de faible fiction ont été échantillonnées. Donc, à l'intérieur de ces facteurs, des phrases des systèmes de navigation satellite, des discours que les présidents ont donnés au fil des ans, émissions de télévision, de tous les documentaires et toutes les émissions de radio et tout ce genre de choses que nous pouvons goûter. Écoutons à quoi ressemblent certaines de ces phrases de faible fiction. Nutritionnel devrait à la maison, l'église, l'homme, non malade, Moody. Qui ? Donc ceux-ci sont en allemand et je ne parle pas allemand, donc je vais passer à autre chose parce que je ne comprends pas ce qu'ils disent. Essayons ces phrases. Un à cinq. Contenu intellectuel, radieux. Contrairement à ces prophéties, semblent stupides. Mais je ne pense pas entrer dans l'Internet dix histoires High Street parce qu'il dit les vérités humaines olympiennes de dans Internet garantie et nouvelle frontière. Tous ces éléments ont donc été échantillonnés à partir d'un travail qui existe déjà. Alors écoutons l'exemple Track où j'ai utilisé certains de ces échantillons vocaux low-fi. Et nous verrons à quoi cela ressemble dans le contexte d'une piste de rebond de Melbourne. Donc le son est régi par le nombre exact. Mais c'est ici que la masse faite à partir de deux expériences sur lesquelles notre monde visuel est la base. Et maintenant, nous avons pleinement frappé ce noyau et cette influence asiatique. Donc, je ne vais pas vous montrer le processus de recherche de ces échantillons vocaux parce que c'est vraiment, vraiment simple. Si vous cherchez simplement quelque chose sur Internet, comme peut-être une vieille émission de télévision ou une vieille émission de radio, discours préféré que vous pourriez avoir. Et puis si vous téléchargez simplement ce morceau d'audio et le faites glisser dans vos pistes, qui serait assemblé vocal, nous utilisons des voix échantillonnées de la même manière que nous utilisions des phrases vocales ou des crochets vocaux. Vous allez appliquer le même genre d'effets et les mêmes principes. Bon, passons maintenant à la section suivante où nous allons apprendre à manipuler ces voix. 46. Introduction à la manipules: Donc, dans cette section, nous allons apprendre quelques techniques différentes que nous pouvons faire pour manipuler le son de nos voix. Peut-être que vous voulez qu'ils sonnent plus haut ou plus bas, ou peut-être que vous voulez juste que le tristement célèbre son vocal synthétisé Daft Punk va jeter un oeil à des choses comme le changement de contremaître, vocodeurs et le doublement vocal. Avant d'entrer, je vais vous donner un exemple rapide de ces choses que vous sachiez à quoi vous attendre dans cette section. Donc ici, j'ai cette voix originale. C' est donc à quoi ressemble la voix sans aucune de ces techniques de manipulation vocale appliquée. Écoutons ce que ça ressemble. Un jour plus vieux, regardant tous ces trois, il y en a neuf. Un jour, quand plus vieux, nous trouverons une magie meurt. Maintenant, écoutons ce que le contremaître change fait à ces voix. Oui. Oui. Oui. Oui. Maintenant écoutons ce qu'un vocodeur fait. Et enfin, écoutons ce que le doublement vocal fait à ces voix. Un jour, quand plus vieux, regardant en arrière, un jour, nous trouverons ça. Alors maintenant que nous savons à quoi ressemblent chacune de ces techniques, allons entrer dans la première conférence, qui est le changement de formateur. 47. Défiler en formant: Donc, pour cette conférence, nous allons jeter un oeil à la forme et au changement. Maintenant, c'est une technique extrêmement courante qui est utilisée dans la maison, technologie, la house, la techno, et beaucoup d'autres genres d'EDM. Il est principalement utilisé sur le chant et peut être utilisé sur une voix principale ou même sur une voix de soutien comme calque. Donc, avant d'examiner la façon de faire de la ferme et de déplacer, il est important de comprendre ce que c'est réellement. Nous devons donc nous demander, qu'est-ce qu'un formateur ? Eh bien, pour le dire simplement, un formateur est la forme que vous faites en bouche quand il essaie de créer un son de voyelle. Ok, Donc en anglais nous les connaissons communément sous le nom d'AEIOU, mais il y a en fait beaucoup, beaucoup plus de formes que ces cinq. D' accord ? Nous avons des formes comme Ooo, notre air, notre huile. Tous ces éléments forment des formes. Donc, ce que la forme et le déplacement nous permettent de faire, c'est cela nous permet de manipuler ces formats. Nous pouvons les utiliser pour déplacer doucement le son de la voix. Ou nous pouvons être beaucoup plus extrêmes et créer une sorte de démon ou de chipmunk. Le processus de formation du déplacement est vraiment, vraiment facile et nous le faisons en utilisant des plugins. Donc, avant de venir ici pour les packs d'échantillons et former et déplacer nos propres voix. Nous allons juste écouter cette forme et la voix décalée dans le contexte, et nous verrons à quoi cela ressemble dans l'arrangement. Alors maintenant, nous allons trouver une voix et appliquerons forum et décalage. Donc je vais venir ici pour mes échantillons. Et encore une fois, je vais faire défiler vers le bas jusqu'à ce que je vienne dans mon dossier vocal , me concentrer cinq, et nous allons choisir n'importe lequel de ces que vous pouvez appliquer formulaire et passer à n'importe quel type de voix. Donc je vais entrer dans ces boucles vocales et je vais juste choisir une de ces boucles très, très rapidement. D' accord. Défilons un peu vers le bas. Des lieux. Fête. Ok, utilisons cette boucle vocale 77. Ok, je vais traîner ça dedans. Et je vais le placer dans mon arrangement. Et je vais juste supprimer la voix que j' avais déjà là où j'ai déjà appliqué une forme et un décalage. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va faire en solo ça et qu'on va appliquer une forme et changer de cap. Alors voici ce que ça ressemble maintenant avant d'appliquer la ferme et le déplacement de l'accessoire, de l'accessoire. Donc, pour appliquer cette technique, nous double-cliquez dessus. Nous l'avons ouvert dans la piste de mixage et nous allons charger un plugin de décalage de hauteur. Alors je vais le faire en solo. Et nous pouvons venir ici maintenant vous pouvez charger n'importe quelle sorte de plugin de pitching comme le nectar isotope. Il y a en fait des plug-ins qui sont dédiés à ce formulaire et le déplacement. Et ils sonnent bien mieux que ce qu'on peut faire ici. Mais pour le moment, je vais utiliser un plugin très standard qui vient avec FL Studio et il s'appelle lanceur, ok. Donc image est en fait un plug-in de réglage automatique, donc il est conçu pour les voix junior auto, prop, prop, mais maintenant je n'ai pas le réglage automatique activé, mais c'est correct parce que nous ne sommes pas concernés par AUTO-TUNE. Ce qui nous préoccupe, c'est cette petite section de contremaître ici. D' accord ? Donc ce que je vais faire, c'est que je vais l'allumer en appuyant sur cette petite lumière. Maintenant, vous pouvez voir que la lumière est allumée et cela signifie que le forum et le déplacement sont appliqués. Et l'interface de ce plugin le rend très simple. Ils disent que si on met la flèche ici à droite, vos voix sonneront plus comme une femme ou un écureuil. Et si nous mettons le chant ici à gauche, il semble plus comme un homme ou comme une sorte de démon guttural profond. Ok, donc je vais laisser ça au Centre pour le moment. Et je vais boucler l'échantillon que nous avons. Donc, cette boucle vocale, ok, et puis regardez ça pour qu'il continue à jouer. Et puis je vais appliquer le formulaire et changer comme lieu vocal pour qu'on puisse entendre ce qu'il fait en temps réel. OK, alors appuyez sur Play et je vais commencer à ajuster ce petit périmètre. Maintenant, ce plugin particulier peut ne pas sembler très bon, mais vous pouvez télécharger beaucoup qui font ce forum et déplacer beaucoup mieux. Mais c'est à quel point la forme et le déplacement peuvent être simples. Et laissez-moi l'équipe avec un changement de pitch. Ça peut sembler encore mieux. Donc si je montre le genre ici, accord, désolé, j'ai tourné le genre vers la droite ici, donc ça ressemble plus à une femme. Mais si j'ai aussi Pitch Shift S et je me suis déplacé complètement, je me suis déplacé tout le chemin vers le haut aussi haut que possible. Et maintenant, il est associé à cette forme et le changement. La boucle finale sonnera comme ça. On peut aussi voir à quoi ça ressemble. Si on retourne le genre à un homme. Ou on pourrait essayer de décaler la boucle entière vers le bas, puis changer la forme et passer au réglage féminin. Et maintenant nous allons voir à quoi ça ressemble quand nous tournons le réglage vers le réglage masculin. Ok, donc je vais réinitialiser ce terrain à l'endroit où il était. Et je vais juste charger un autre plug-in juste pour vous montrer que vous pouvez en obtenir meilleurs parce que le plugin photo par défaut FL Studio, ce n'est pas génial, mais il fait le travail qu'il est en quelque sorte conçu pour faire. Ce que je vais faire, c'est que je vais te montrer un plugin plus cher, qui est le nectar isotope. Et nous allons utiliser ça pour appliquer le forum et changer à la place. Ok, donc je vais fermer cette fenêtre prédéfinie. Je vais venir ici pour un aperçu et je vais juste éteindre l'égaliseur et les compresseurs. Et je vais venir directement ici pour lancer, appuyer sur la lumière pour l'allumer. Et ensuite on va venir ici aussi. Format. D'accord ? Nous utilisons donc ce paramètre de décalage pour déplacer le contremaître vers le bas ou vers le haut. Ok, donc ce que je vais faire c'est comme nous l'avons fait avec l'effet lanceur, je vais jouer la boucle et écouterai jamais ce que ça ressemble quand j'ajuste ce paramètre, écoutons maintenant. Et si nous essayons simplement la technique de changement de hauteur que nous regardions plus tôt, si nous utilisons ce plugin plus cher, cela sonnera probablement un peu mieux. Donc, nous allons simplement booster pour lancer jusqu'à un son aigu. D'accord. Donc, c'est à ça que ça ressemble avant la ferme et le changement. Et maintenant, si nous formons un décalé tout le chemin vers le haut, ça sonnera comme ça. Et si on forme un décalé tout le chemin vers le bas, ça sonnera comme ça. Et maintenant, si nous tournons la page vers le bas, puis nous tournons le formulaire et nous déplaçons tout le chemin vers le haut. Ça ressemble à cet accessoire, accessoire. Et maintenant, si nous tournons la forme et nous déplaçons tout le chemin vers le bas, ça sonne comme ça. Donc, c'est vraiment à vous de déterminer quel genre d'effet vous cherchez. Mais le changement de vitesse du contremaître est une technique très courante utilisée en EDM. Il est donc important d'en être conscient. Écoutons à nouveau très vite ce que ça ressemble quand nous laissons la hauteur normale et que nous formons et le déplaçons tout le long. Je fermerai ça et on écoutera. Maintenant. Dans la prochaine conférence, nous examinerons les vocodeurs et comment vous pouvez les utiliser pour vos pistes. 48. Vocodeurs: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil aux vocodeurs. Ainsi, un vocodeur peut être utilisé sur des voix pour les faire sonner comme un robot ou pour transformer le chant en cour. Nous le faisons avec un plugin vocoder. La plupart des logiciels seront livrés avec un gratuitement, mais vous ne pouvez pas télécharger de meilleurs logiciels sur Internet. Un vocodeur fonctionne à l'aide d'un modulateur et d'un porteur. Donc, le modulateur est le genre d'élément que vous voulez appliquer l'effet aussi. Et le porteur est l'élément sur lequel le Vocoder base le son de l'effet. D' accord ? Ou pour le dire simplement, le modulateur est votre voix et le porteur est votre instrument. Et le modèle d'accords. L' instrument que vous choisissez réellement comme support aura une incidence sur le son final du vocodeur. Alors assurez-vous de changer l'instrument quelques fois et de voir quel genre de sons vous pouvez sortir de votre vocodeur. Écoutons simplement un exemple d'un vocodeur utilisé dans une piste EDM. Ensuite, nous allons passer à autre chose et nous apprendrons à appliquer un vocodeur à nos propres voix. Alors écoutons maintenant. Maintenant que nous savons à quoi ressemble un vocodeur dans une piste EDM. Nous pouvons aller de l'avant et supprimer le transporteur. Et nous pouvons supprimer le modulateur, et nous pouvons commencer à partir de zéro pour faire notre propre vocodeur. La première chose dont nous avons besoin, c'est de la voix. Alors passons à nos packs d'échantillons. Et je vais juste faire défiler ici et nous choisirons un des dossiers vocaux. Peut-être que ces ultra profond foyer ok, viendra dans ce. Et nous verrons qui ont été accueillis avec toute une gamme de différents types de focalisation que nous pouvons choisir, et ils sont tous dans des clés différentes. Maintenant, la beauté des vocodeurs est que nous n'avons pas besoin de nous soucier de la clé dans laquelle le vocodeur va changer cela pour nous, tout ce dont nous avons besoin est le son réel de la voix elle-même. Alors écoutons à quoi ressemble cette maison vocal sept. Non. Mon cœur est brisé. D' accord. Je n'aime pas le son de ça. Voyons à quoi ressemble vocal six. Robin loi et voler haut, nous pouvons atteindre Manille. Ok, donc j'aime le son de ces voix maison six. Alors traînons ça dans l'arrangement et nous les plaçons ici. Et encore une fois avec tout, nous devons nous assurer qu'il correspond à notre tempo. Donc, le logiciel a recommandé un 120. Voyons voir à quoi ça ressemble. Donc je vais juste prendre une petite leçon. En volant haut. On peut les rejoindre. La vie moderne, reviens. Alors quand même, allez. Ça me semble plutôt bien. Donc, ce que nous allons faire est de l'ajouter à la piste de mixage en cliquant sur ce bouton de piste. Et je vais le baisser légèrement pour que ça ne nous domine pas. D' accord ? L' étape suivante consiste à créer un motif porteur. Et je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir Find Next vide. Et je vais taper le transporteur. Et ouvrons simplement la fenêtre de motif pour voir à quoi cela ressemble. La prochaine chose que nous devons faire est d'ajouter un instrument à utiliser comme support. Donc je vais venir ici et je vais ajouter un instrument très simple, qui est l'oscillateur 3x. Cliquons sur ça. Et comme vous pouvez le voir, il vient ici sous un autre oscillateur 3x que nous utilisons sur la piste. Maintenant, nous devons mettre quelques notes dans notre transporteur. Ok, donc je vais juste copier le modèle d'accord de piano ici. Donc je vais juste copier ces accords haut de gamme. Et puis je vais les coller dans notre transporteur. En bas. Cliquez avec le bouton droit, dites rouleau de piano, puis collez. Ok, écoutons ce que ça ressemble. Donc c'est juste une onde sinusoïdale pure. Ce n'est rien de trop extrême. Mais ce que je vais faire, c'est que je vais baisser ce second oscillateur et baisser ce troisième oscillateur parce que nous n'avons pas besoin d'eux pour cette démonstration particulière. Maintenant, je vais aussi changer la mienne à une vague carrée. Et la raison en est qu' une onde sinusoïdale pure ne semble pas vraiment bien avec le Vocoder, mais une onde carrée le fait. Donc, c'est juste à des fins de démonstration. Voyons à quoi ressemble cette vague carrée avec le motif. Et comme vous pouvez le voir, c'est très perçant parce que ces formes d'ondes dans leur forme la plus pure, elles peuvent être assez percantes. Je vais aussi dire ça parce que je pense que c'est un peu trop haut. Allons l'entendre encore. Ok, donc maintenant que je suis heureux avec modèle et que je suis heureux avec le genre d'octave dans laquelle il est assis. Et je suis aussi content du genre de son que j'ai choisi. Je vais ajouter ceci à la piste de mixage. Et comme vous pouvez le voir, il arrive maintenant sur la piste 29. Donc je vais juste le refuser pour que ce ne soit pas aussi perçant. Et notre prochaine étape est d'enchaîner le support au modulateur. Ok, et nous le faisons dans FL Studio, comme j'ai expliqué la section de la chaîne latérale, nous avons juste cliqué dessus et nous cliquons sur l'une de ces options de chaîne latérale. Maintenant, je vais cliquer sur la chaîne latérale de cette piste seulement parce que je veux seulement que le son sort de cette piste. Ok, je ne veux pas que le son du transporteur joue du tout. Je veux seulement que le son du transporteur passe directement à travers le vocodeur, que nous allons mettre ici. D' accord ? Donc, notre prochaine étape est de charger ce vocodeur. Alors, nous allons charger un plugin vocoder. Et on va utiliser des codecs Voc. Et ce plugin est livré avec FL Studio. Vous pouvez donc utiliser ce plug-in dans vos pistes également. Ensuite, nous devons dire au vocodeur que nous voulions prendre commentaires de notre transporteur ici. Donc nous allons revenir à ce genre de porte-bagages briquet. Et nous allons définir la valeur au-dessus de cela à un. Et puis nous allons venir ici sur ce curseur modulateur. Et nous allons en fait mettre ça à 0. Parce que si c'est réglé sur un. Le son porteur sera transmis sur le modulateur. Et nous ne voulons pas cela parce que le modulateur n'est réservé qu'aux voix. Donc, lorsque vous ouvrez le plug-in, il dira 10. Et ce que nous faisons alors c'est que nous venons et nous l'échangeons pour qu'il soit dit 01. La dernière étape de la configuration du vocodeur consiste à revenir dans la liste de lecture, puis coller le motif porteur sous les voix que vous souhaitez appliquer l'effet également. Alors écoutons ce que cela ressemble jusqu'à présent avec le vocodeur défini dans son genre de paramètres par défaut. Donc ça semble plutôt bon. Mais nous pouvons venir maintenant et nous pouvons réellement modifier certains de ces paramètres et le rendre encore meilleur. Donc, la première chose que nous pouvons modifier est ce paramètre de bande passante. Et ce que cela fait, c'est que les bandes du vocodeur sont plus grandes ou plus petites. Maintenant, si tu regardes ici, tu pourras voir ces groupes. Et pendant qu'il joue et qu'il y a, et vous devriez être capable de voir que les groupes en bas deviennent plus larges et plus épais. D' accord ? Alors regardons et voyons ce qui se passe lorsque j'augmente ce paramètre. Donc, je suis sûr que vous pouvez entendre que selon l'endroit où nous définissons ce paramètre, le son change radicalement. Maintenant, il s'agit juste de trouver ce type de réglage que vous préférez et qui, selon vous, fonctionne pour votre piste. Je vais juste réinitialiser le mien pour le moment et nous passerons au paramètre suivant. Le paramètre suivant est que nous pouvons ajuster est ceci, et c'est le multiplicateur de largeur de bande modulateur. D' accord ? Et c'est un gros titre déroutant, mais si nous le simplifions, quand vous définissez ce paramètre ici à gauche, vous êtes étonné sera plus résonnant. Et si vous définissez ce paramètre ici à droite, le son sera plus framboise ou respirante. D' accord. Donc encore une fois, je vais le réinitialiser et ensuite nous passerons au paramètre suivant. Donc, ce paramètre est en fait comme un changement de vitesse de contremaître pour le vocodeur. Donc, quand vous déplacez ceci vers la droite, vous pouvez voir ce petit symbole ici. Cela peut faire paraître féminin. Et si nous sommes décalés vers la gauche, selon ce symbole, ça fera sonner comme un mâle. Écoutez à quoi ça ressemble très rapidement. Ok, donc je vais le réinitialiser à nouveau. Un autre paramètre que nous pouvons modifier pour changer le son est le suivant. Et c'est le modulateur unison shift. Et ce que cela fait est fondamentalement une défaite à l'unisson. D' accord ? Laisse-moi mettre ça à gauche. y aura pas de détone et ça sonnera très mince ou comme une seule voix. Et si on met ça sur la droite. Ça sonnera beaucoup plus chatoyant ou plus d'une voix. Maintenant, pour que ce paramètre fonctionne réellement, nous devons mettre un numéro dans cette petite boîte et nous le faisons en faisant glisser vers le haut. Donc je vais mettre un numéro ici. Disons deux. Et maintenant, nous avions déjà écouté ce que ça sonne sur le réglage le plus bas. Et puis nous écouterons ce que ça ressemble sur le réglage le plus élevé. D' accord ? Alors écoutons maintenant, c'est le réglage bas. Et maintenant, augmentons cela et nous allons entendre ce que cela ressemble sur le réglage le plus élevé. Et si nous venons ici et que nous augmentons la quantité de voix que l'unisson utilise, verra que cela sonne comme ça. Réduisons le réglage et voyons ce qui se passe. La prochaine chose que nous pouvons modifier est la quantité réelle de bandes que le vocodeur utilise. Pour que vous puissiez voir les groupes ici. Je parlais d'eux avant. Donc si je mets ça vraiment, vraiment bas, vous serez en mesure de voir clairement chaque bande à travers ce genre de spectrogramme. Jetons un coup d'oeil au vocodeur quand il sera réglé à cinq groupes. Et maintenant, si nous augmentons le nombre de groupes jusqu'au sommet, ce qui est à mon avis 100. Oui, on verra qu'il y aura 100 bandes à travers ce spectrogramme. Jetons un coup d'oeil. Et comme on peut s'y attendre, plus il y a de groupes qui utilisaient, plus le son est clair. Et c'est parce qu'il y a plus d'instantanés de la voix prise. C' est comme utiliser un appareil photo de cinq mégapixels contre un appareil photo de 100 mégapixels. Évidemment, la caméra de 100 mégapixels va pouvoir capturer beaucoup plus de détails. D' accord ? Donc, encore une fois, ce paramètre, ça dépend en quelque sorte du son que vous préférez et du son que vous pensez fonctionner pour votre piste. Nous pouvons également modifier cet ordre Mise en place ici. Maintenant, ces paramètres de commande, nous n'avons pas besoin de savoir ce qu'ils font réellement parce que c'est un peu déroutant. C' est trié la pente de la fréquence de coupure de toutes ces différentes bandes. Mais tout ce que vous devez savoir, c'est qu'il y a des paramètres forestiers. Et vous pouvez choisir n'importe lequel d'entre eux et celui qui sonne mieux, est meilleur, ok, alors écoutons chacun d'eux. Commençons par le numéro un. Écoutons deux. Écoutons trois. Maintenant. Écoutons quatre. Vous pouvez donc utiliser tous ces paramètres pour façonner le son final que vous obtenez. Donc je vais juste mettre un peu au hasard ici. Je vais peut-être augmenter ça, diminuer ça nous a transformés en un environnement féminin. Et puis peut-être augmentons ça jusqu'à mi-chemin. Et nous allons réduire les groupes à environ 50. Ok, donc c'est complètement aléatoire. Mais vous verrez que le son qui sort du vocodeur est maintenant complètement différent. C' est ainsi qu'un vocodeur fonctionne et comment vous pouvez modifier les paramètres pour obtenir le son que vous voulez. La dernière chose rapide que je voulais mentionner dans cette conférence est juste sur les instruments porteurs que vous choisissez. Ok, donc je vais revenir dans notre porteur ici, qui est cet oscillateur 3x. Et ce que je vais faire, c'est que je vais changer la forme de la forme d' onde au fur et à mesure que les voix jouent, d'accord ? Et vous verrez que cela change radicalement le son de l'ordre Voc. Ok, donc il est important de trouver un bon instrument porteur à utiliser. Écoutons à quoi ressemblent certaines de ces formes d'onde pendant que les voix sont jouées. D' accord, donc différents instruments sonneront mieux en tant que porteur. Il s'agit juste de trouver ces instruments, puis de peaufiner le plugin vocoder pour s'assurer que tous les paramètres correspondent au porteur. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil au doublement vocal. 49. Doublement vocal: Que se passe-t-il si vous avez décidé de ne pas utiliser les effets que nous avons examinés jusqu'à présent ? Et vous voulez garder votre voix propre. Eh bien, il y a quelques trucs importants que nous pouvons faire pour que votre voix sonne propre, mais professionnelle, parce que le chant peut vraiment vous laisser attirer vers le bas. C' est toujours quelque chose sur lequel l'auditeur se concentrera. Et s'ils avaient été en quelque sorte traités amateur tôt, il peut faire glisser le son global de votre suivi vers le bas. Donc on va jeter un oeil à l'une de ces astuces, qui est en train de doubler. Donc, le doublement vocal est idéal lorsque vous ne voulez pas utiliser beaucoup d'effets, mais vous voulez toujours ce son large moderne. Si nous l'utilisons, les voix sonneront plus propres et plus concentrées. Quand tu doubles. Il ne s'agit pas seulement de dupliquer la piste. Vous devez également ajuster le timing, la hauteur, ou les deux. Et la raison en est à cause de la façon dont nous entendons les choses. Ok, donc la piste des Doublets doit être légèrement différente pour que nos oreilles la perçoivent comme étant plus légère. Quand le son qui arrive dans votre oreille gauche est différent du son qui vient dans votre oreille droite. Nous avons perçu cela comme étant blanc. C' est le principe principal sur lequel le panoramique est également basé. Lorsque vous déplacez certains éléments vers la gauche et d'autres vers la droite. Rendez votre champ de piste plus large car le son qui pénètre dans votre oreille gauche est différent du son qui va dans votre droite. Vous pouvez également utiliser un plug-in pour faire le doublement pour vous. Je vais jeter un coup d'oeil à ça dans un instant. Mais pour l'instant, écoutons cet exemple d'une piste vocale doublée dans un arrangement EDM. Maintenant que nous savons ce que cela devrait ressembler, passons aux packs d'échantillons ici et nous commencerons dès le début. La première chose qu'il nous faut, c'est une piste vocale. Donc je vais juste entrer dans ce maître de production Alexandra sessions vocales parce que c'est le premier que j'ai vu. Et on peut voir ici encore, on nous donne tous ces sous-dossiers de Sung. Maintenant, la piste particulière sur laquelle je travaille est une piste piégée et elle est réglée à 150 Fiv BPM. Donc, je vais utiliser un BPM qui est proche de cela, et je pourrais juste choisir ceci, rembobiner à 150 VPN. Alors ouvrons ce dossier et nous écouterons certains de ces chants. Ok, écoutons ce cours. Sec. Remboîter. Il échoue. Essayons ce sec pour prendre soin de tout le monde. Sentez-vous. Essayons peut-être ce v2. Voyons voir à quoi ça ressemble. Le rythme prend le dessus. On peut, d'accord, donc j'aime le son de ce V2, donc je vais faire glisser ça dans notre playlist. Et je vais le plop ici. Je vais juste supprimer les voix que j'utilisais déjà. Donc on peut commencer à partir de zéro. Et je vais revenir à la nouvelle voix que nous venons d'ajouter. Et je vais m'assurer qu'ils sont adaptés au rythme avec lequel nous travaillons. Ok, donc je vais sélectionner Ajuster au tempo. Et l'estimation de cette fois-ci est un peu dépassée. On estime environ 160, mais dans l'échantillon, on dit 150. Donc je vais juste faire confiance à l'échantillon. Je vais taper 150. Et comme vous pouvez le voir, il est étiré et nous avons maintenant une voix qui est le poumon des ancêtres. J' ai aussi besoin de vérifier que ces voix ou dans la même touche que notre piste. Donc je vais venir ici sur notre piste et je vais trouver dans quelle clé il est. Donc je clique juste sur ce modèle de pad et je vais juste regarder la clé. Et je vois que la clé de la piste est un e. Et si nous regardons ici à la chance que la voix est dans, nous pouvons le voir aussi en mi mineur, donc je ne devrais pas avoir à faire de tangage. Écoutons pour voir à quoi ressemble la voix dans l'arrangement. On a trouvé une fermeture. Ok, donc ça semble plutôt bien, mais les voix sonnent aussi un peu dix. Nous allons donc utiliser la technique de doublement pour les rendre un peu plus modernes et professionnels. La première chose que nous allons faire est d'ajouter ces voix à la piste de mixage. Donc, je vais frapper la piste. Et les voix ont maintenant été ajoutées à la piste 41. Et ce que je vais faire, c'est que je vais les dupliquer. Donc, je vais traîner une deuxième version ici. Et puis je vais rendre cette seconde voix unique. Donc si on laisse les voix comme ça, ils ne vont pas doubler. En fait, ils vont juste sonner plus fort. Ok, écoutons. Il prend soin de par supprimé. Maintenant, si je l'ajoute à nouveau. Et la raison pour laquelle il ne semble pas doublé, c'est parce que nous n'avons pas vraiment apporté de changements à la seconde voix. Oui. Nous devons affecter soit le timing, le terrain, soit les deux. D' accord. Donc, pour affecter le timing, nous pouvons zoomer vers le haut et je peux désactiver mon alignement sur la grille. Et je vais juste bouger la deuxième voix très, très légèrement. Peut-être à ce sujet, de sorte que la deuxième voix est maintenant en quelque sorte retardée derrière la première voix. Et si on écoute à quoi ça ressemble maintenant, ça sonnera un peu plus large. Donc, si vous aimez le son de ceci tel qu'il est, ce que vous pouvez faire est vous pouvez ajouter la deuxième voix à la piste de mixage. Donc, je vais juste cliquer sur la piste et l'affecter à une nouvelle piste. Et puis, ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons déplacer l'un vers la droite et que nous pouvons déplacer l'autre vers la gauche. Et cela donnera au chant un son large et propre. Écoutons. Donc maintenant ces deux voix ont été doublées. Mais il y a une chose supplémentaire que nous pouvons faire pour les rendre un peu plus épais. Et c'est si nous entrons dans la fenêtre d'échantillonnage et que nous ajustons la hauteur très, très, très légèrement, ok, parce que vous ne voulez pas le faire sonner hors de l'air. Si j'ajuste trop la hauteur de 0.100$, ça va sembler terrible. Ok, mais ce qu'on peut faire, c'est qu'on peut l'ajuster d'un très petit montant, comme 0,10$, peut-être 0,15$. Jamais ajusté, je dirais un maximum de 30. D' accord. Donc les golfeurs quelque part en dessous de 30 et je dirai peut-être 0,15$. D' accord ? Donc maintenant, c'est très, très, très légèrement démêlé. Et cela fera la technologie du son vocal. Écoutons. Et évidemment, juste pour le rendre mieux adapté à la combinaison de celui-ci, nous allons juste les refuser afin qu'ils ne soient pas dominants nébuleuse correctement écouter ce qu'ils ressemblent dans le contexte complet de l'arrangement. Écoutons peut-être en bas. Ok, écoutons. Et si nous voyons rapidement ce que cela ressemblerait sans le doublement vocal appliqué. Si le chant avait été laissé seul. Et si tu n'avais pas fait la technique du doublement, ce que je vais faire, c'est que je vais rendre celle-ci unique. Écoutons. Et maintenant, si nous activons l'effet de doublement. Ainsi, comme vous pouvez le voir, l'effet de doublement fait une très grande différence sur le son global de la piste. Les voix semblent toujours propres, mais elles sonnent aussi beaucoup plus professionnelles. Supprimons le doublement vocal que nous avons fait. Et nous allons jeter un oeil à ce troisième ici qui n'a pas de voix doublant les honneurs. Nous pouvons également appliquer le doublement à l'aide d'un plug-in. Ok, alors écoutons la voix telle qu'elle est. La perle prend plus de soin. On en a trouvé un peu plus près. Et si je viens dans la piste de mixage, et si je charge un plug-in doublant sur cette voix, alors je vais charger le nectar isotope pour éteindre l'égaliseur et le compresseur. Il suffit de monter à la fenêtre de Pitch. Ou désolé, pas de lancer, c'est de l'harmonie, désolé, de venir à la fenêtre has_many. Et nous allons changer les voix de bas à l'unisson et jusqu'à l'unisson. D' accord ? Donc, ce que fait le module d'harmonie, c'est qu'il crée une harmonie artificielle. Je vais vous montrer très vite à quoi ressemble l'harmonie vers le bas et vers le haut sur la voix que prend la perle. En outre, Pouvons-nous voir pour que l'harmonie fonctionne réellement, vous devrez changer la clé ici, donc c'est en mineur et c'est aussi en E. Donc l'algorithme sait maintenant à quel genre de clé pour lancer les harmonies. Écoutons. La perle prend plus de soin. On a trouvé des oreillers ou plus, on peste et on dit qu'ils. Mais ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons utiliser ce module pour créer un effet de doublement. Donc, si je mets ces deux unisson et puis je fais glisser le gain et la casserole d'un. Et je fais glisser le gain et le pan de deux. Ça sonnera comme ça. Le saignement prend le relais. Pouvons-nous coups sont plus de blé. Et disons, si j'éteins le module, nous serons à moi, notre réduction naturelle sur. Si vous n'avez pas de nectar isotope, c'est tout à fait correct. Il y a un plugin gratuit qui vient avec FL Studio et il est appelé shaper stéréo. Et ce que cela fait, c'est qu'il s'applique en quelque sorte ce qu' on appelle l'effet haas chaque fois que l'on regarde ce que c'est quand mon mélange. Mais pour le moment, si vous tordez ce Tulane, ça fera doubler le chant. Ok, écoutons. La perle s'occupe. Nous avons trouvé un peu de temps sera plus. Donc avec le nectar isotope, il applique une sorte de timing et PITCHSHIFT. Mais avec le shaper stéréo, ça n'affecte que le timing. Mais c'est bon parce que les deux sont basés sur le principe du doublement. Alors écoutons à nouveau, juste avec la forme stéréo ou solo Mileva Lesson Deux à ce genre de plug-in doublé sons vocaux comme arrangement indie. C' est donc le processus que vous utiliseriez si vous appliquiez le doublement vocal. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à une technique différente que vous pouvez faire pour obtenir ce large son vocal moderne. 50. 12.5 couches de voix: Dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur les couches vocales. Les couches vocales sont donc particulièrement utiles lors l'établissement d'un chœur ou d'un point focal d'une piste. Ils peuvent également être utiles pour la progression d' une piste parce que lorsque vous ajoutez un calque supplémentaire, il peut garder le son intéressant s'ils sont en boucle continue. Maintenant, la plupart des chansons vont réellement faire cette variété avec Sam tin. Et puis pour le choeur ou le plaisir du HUC en plusieurs couches pour le rendre beaucoup plus rapide et plus complet. Donc, pour ajouter des couches vocales, nous pouvons dupliquer la ligne vocale principale , puis ajouter quelques effets comme Chorus et distorsion. Nous pouvons ensuite déplacer ces voix dupliquées, gauche ou à droite pour les rendre plus larges. Et maintenant, dans cet exemple particulier, j'ai enregistré moi-même toutes ces voix. Et j'ai enregistré le même genre de ligne vocale encore et encore. Et je les ai construits les uns sur les autres pour créer des couches. Il y a aussi une certaine harmonie utilisée dans ces couches. Alors écoutons cet exemple de piste. Ok, donc c'est une piste de maison moelleuse et prête une attention particulière quand on arrive à cette section de choeur. Et il y a ces cinq couches de voix. Ok, alors écoutons. Je ne suis pas encore prêt au dernier tour. Alors. Ça peut juste l'être. D' accord. Donc toutes ces couches vocales se combinent pour donner une sorte de son de chorus complet. Donc, si on déplace la tête de jeu juste avant que ces voix commencent, et on peut résoudre pour eux dans la piste de mixage pour entendre ce qui se passe. Donc, la première voix est le chant principal. Donc, ce calque vocal sonne propre et il n'a pas beaucoup d'effets appliqués à lui. Écoutons. Si on solo le calque vocal suivant, on peut entendre que celui-ci a un effet chorus appliqué. Voyons à quoi ressemble cet effet de chœur. Passons maintenant au calque vocal suivant. Et cette couche vocale est une couche d'harmonie, et elle a été déplacée autour de 90% vers la droite. Il y a aussi un effet de chorus sur cette voix pour le rendre un peu plus épais, écoutons. Si nous écoutons la prochaine voix, nous pouvons voir qu'il s'agit d'un autre calque has_many et qu'il est placé dans la direction opposée autour de 90% vers la gauche. Et ce calque vocal a également un effet chorus appliqué. Écoutons. Et la dernière couche vocale est alors celle-ci. Et cette couche vocale a été laissée au centre. Et il a un amplificateur dessus pour le faire sonner un peu déformé. Et un effet de phaseur, et nous allons jeter un oeil à tous ces effets dans la section de mixage. Mais pour l'instant, écoutons ce que cette couche vocale sonne comme sans ornement. Et quand nous ajoutons toutes ces couches vocales ensemble, le résultat final est un son beaucoup plus épais et beaucoup plus complet. Écoutons tous ces calques en même temps. C' est ainsi que vous pouvez utiliser des calques vocaux dans votre piste. Vous pouvez faire glisser la voix principale à partir d'un pack d'échantillons ici. Et vous pouvez le dupliquer comme ceci et lui appliquer différents effets. Ou si vous enregistrez vos propres voix, vous pouvez enregistrer la même ligne vocale encore et encore, peut-être avec quelques harmonies, puis appliquer des effets différents à chacun des calques séparément. Donc, je vais vraiment, très rapidement juste vous montrer comment appliquer des couches vocales à une voix qui va glisser dans l'un de ces packs d'échantillons. Et j'utiliserai cette voix profonde parce qu'elle est juste en face de moi. Et je choisirai n'importe lequel d'entre eux. Ce sera juste une démonstration rapide. On traîne cette voix et on la déplace vers peut-être ici. Et écoutons ce que cela ressemble à tout seul. Maintenant, je vais juste désactiver les effets sur la chaîne principale parce que nous ne pouvons pas vraiment entendre la voix correctement. Voyons à quoi ça ressemble maintenant. D'accord. Éteignez vite ça. D' accord. Voyons ce que cette voix sonne maintenant tout seul. Plutôt que la loi et voler haut, nous pouvons atteindre la lumière du matin. Allez bébé, tu devrais prendre. Donc, pour appliquer une couche vocale à cette focale, ce que nous ferions c'est que nous le dupliquons comme ceci. Et nous ajouterions la piste dupliquée à la table de mixage. Et on lui appliquerait une sorte d'effet différent. Ok, donc si nous essayons de descendre et que nous ajoutons très, très rapidement, j'ajouterai un effet de chorus. Et je vais juste en choisir un ici, peut-être super gros, je ne sais pas. Et voyons juste à quoi ça ressemble quand il est superposé avec cette voix principale Here. Nous pouvons les atteindre plus. Donc, parce que nous l'utilisons comme un calque, nous pourrions le baisser un peu plus, juste pour que le son du chœur soit un peu plus subtil. Écoutons. Ok, donc j'ai fait une erreur ici. J' ai oublié de rendre la seconde voix unique. Et c'est ce qui arrive quand on ne rend pas la seconde voix unique. Vous finissez par appliquer le même effet aux deux. Ok, donc je vais très vite rendre la deuxième voix unique. Et puis je vais changer la piste de mixage en une piste de mixage différente afin qu'elle n'ait aucun effet appliqué. Et maintenant, ça sonnera comme ça. Plutôt que de la loi et de voler haut, nous montons le choeur. Allez. Allez. Et voyons à quoi ressemble la voix sans l'effet de chœur. Plutôt que la loi et voler haut, nous pouvons atteindre le matin. Reviens en arrière. Et ajoutons un backend. Ne perdez jamais. Allez. Pour que vous puissiez utiliser des couches vocales dans vos pistes pour obtenir un son beaucoup plus complet et moderne. Dans la section suivante, nous allons jeter un oeil sur les points du Nord. 51. Points de note: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à des points de non. Nous allons voir quels sont les points de note et comment ils devraient être utilisés dans votre piste. Donc, lorsque vous créez EDM, il est important de ne pas tomber dans un état de stagnation. Et cela signifie qu'au fur et à mesure que le genre de sections progresse, nous ne voulons pas ennuyer l'auditeur. Ce que nous faisons, c'est d'introduire un point de note tous les quatre à huit barres. Donc, un point de note est quelque chose qui sort le public de la piste pendant une fraction de seconde et casse la répétition des boucles. Donc, pour cette raison, un point de nœuds doit être court. Le point de note le plus couramment utilisé est le symbole. Ok, donc un symbole de crash sera utilisé tous les quatre à huit acheteurs pour sortir le public de la piste. Mais vous pouvez également utiliser des claps. Les instruments sont des effets sonores courts. Essentiellement, un point de nœud peut être quelque chose de court qui ne fait pas partie de la boucle d'origine. Si votre piste commence à se sentir un peu répétitif, point de nœud peut aider à sortir le public des tendances, puis à actualiser la piste. Écoutons ces points de note ici dans cet exemple de piste technique. Wow, toutes ces distorsions se produisent. Maintenant que nous savons à quoi ressemblent les points de note dans leur contexte, supprimons ceux-ci ici, et nous allons entrer dans nos packs d'échantillons ici, et nous allons ajouter nos propres points de note. Donc, dans cette piste, les points de note que nous utilisions, nous sommes des effets de symboles. Donc je vais venir ici pour mes effets, mon dossier Effets. Et je vais essayer de trouver des effets différents à utiliser. À noter, essayons peut-être ce dossier et écoutons certains de ces effets. Alors essayons peut-être de faire glisser ce point de note. Et on le placera ici au début du deuxième bar. Double-cliquez dessus et ajoutez-le à la piste de mixage afin que nous puissions la baisser. Et nous écouterons ce que cela ressemble dans l'arrangement. Donc, ça sonne bien, fermons ce dossier et trouvons quelques effets différents à ajouter. À noter. Revenons peut-être au fond ici et nous allons jeter un oeil à ces effets sons. Ok, alors écoutons certains d'entre eux. Ok, donc c'est assez court et on peut l'utiliser comme un point de note. Maintenant, ça peut ne pas sembler très bon, mais je voulais juste démontrer que vous pouvez utiliser n'importe quelle sorte de son pour sortir le public de la piste une seconde. Ok, alors glissons ça dans la barre suivante où nous voulions ajouter un point de note, et nous verrons à quoi ça ressemble. Essayons peut-être un de ces sons d'effet de plus. Allons faire défiler un peu vers le bas et nous allons essayer peut-être 66. Je les ai écoutés très vite. Ok, alors essayons ça. Affecte les sons vieillissement. Et nous allons le faire glisser dans la barrière suivante où nous voulons ajouter le point de note. Et je l'ai juste éteint la piste de mixage avant de la jouer parce que ce sera très fort et nous écouterons à quoi ça ressemble dans l'arrangement. Donc je ne pense pas que ce point de note particulier ou celui-ci ou celui-ci, pour être honnête, je ne pense pas qu'ils correspondent vraiment au son de la piste, mais je suis juste en train de montrer comment vous pouvez utiliser différents types de sons comme point de note. Comme tout le reste de la piste, vous devez vous assurer qu'ils ont l'air d'appartenir, accord, donc ils devraient avoir l'impression qu'ils font tous partie de la même famille. Et une autre chose très rapide à mentionner est que vous aurez besoin de les présenter. Ok, donc le même processus avant d'ouvrir la piste de mixage, on a ouvert Edison, on glissé ça et on détecte les zones de tangage. Et puis ce que nous faisons c'est que nous ajustons la hauteur en utilisant la hauteur nous devons nous assurer que le son correspond à la hauteur de la piste. Et tu n'as pas à faire ça non plus. Vous n'avez pas besoin d'utiliser différents points de sons de note. Vous pouvez utiliser le même encore et encore tout au long de la piste, tant qu'il casse la répétition des boucles. Ok, alors nous allons, venons par ici. Je pense que c'est la section de dépôt. Alors écoutons la chute sans les points de nœuds. Ok, eh bien, peut-être qu'on a juste écouté ici. Et puis nous les ajouterons et nous verrons ce que ça fait la différence, discours dans ce pays. Ok, et maintenant si j'ajoute ces points de note et nous allons reprendre une leçon. Cette partie, cette partie. Tu vois ça. Dans la section suivante, nous allons jeter un oeil aux transitions. 52. Transitions pour l'EDM: Donc, cette section est tout sur les transitions. Maintenant, les transitions dans EDM sont très, très importantes. Leur fonction est de nous sortir d' une section puis de nous faire passer dans la section suivante. Et il est très important de ne pas perturber le flux global de la piste. Vos transitions ont besoin d'un son naturel et lisse. Alors écoutons rapidement cette piste EDM, qui est une sorte de fusion entre country et house. Et pendant que la piste est en train de jouer, je vais mettre en évidence les différentes sections où il y a des transitions qui se produisent, ok, afin que vous puissiez écouter chacune et comprendre son rôle dans la piste. Ok, alors jouons à travers la piste maintenant. Et je vais mettre en évidence toutes les transitions que vous devez écouter. Cela ne nous a pas donné une bonne idée, en particulier des valeurs de données plus petites. Oui. Maintenant que nous connaissons le rôle des transitions jouant l'EDM, passons à la première conférence de cette section où nous allons jeter un oeil sur la transition la plus facile que vous pouvez faire. 53. La transition la plus simple: Jetons donc un coup d'oeil à la transition la plus facile que vous pouvez faire. Maintenant, pour cette piste ici que j'ai, qui est une piste technique, je veux passer de ce genre de section ici où tout cela se passe. Et je veux passer dans cette section où il y a plus de choses qui se passent. J' ai donc déjà mis en deux points de note que je veux en quelque sorte sortir l'auditeur de la piste pendant une seconde avant de laisser tomber le backend. Mais j'ai toujours l'impression qu'il a besoin de quelque chose de plus pour nous faire passer dans cette section. Prenons juste une écoute à cette partie de l'arrangement tel qu'il est. Ensuite, nous appliquerons une transition vraiment simple mais efficace que vous pouvez utiliser. Alors écoutons à quoi ça ressemble maintenant. Donc, je ne suis pas sûr si vous avez remarqué, mais autour de cette section de la piste, cela semble très robotique car il est en transition vers la nouvelle section. Ce que nous devons faire, c'est d'ajouter une transition. Et la transition la plus facile que vous pouvez faire est de sortir quelque chose, d' accord, avant que quelque chose de nouveau n'arrive. Donc, si on écoute ce que ça ressemble maintenant, je viens de sortir le tambour et ce genre de couche de kick drum. Ok, écoutons ce que ça ressemble maintenant que je viens de sortir ces deux éléments ici. Pour la première, pour deux barrières juste avant le début de la nouvelle section. Écoutons. Maintenant, vous pouvez en sortir plus si vous voulez, ou vous pouvez en sortir moins en fonction du son de votre piste, je vais voir à quoi ça ressemble si je prends plus d'éléments. Et maintenant, voyons à quoi ça ressemble si j'ai pris moins d'éléments. Alors ajoutons ces deux coups de pied. Et peut-être que nous allons juste enlever cet échantillon de chapeau. Ok, voyons à quoi ça ressemble maintenant, quand on n'a enlevé qu'un petit élément. C' est donc la transition la plus facile que vous pouvez jamais faire. C' est aussi simple que de sortir quelque chose avant l'arrivée de quelque chose de nouveau. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation des champs de batterie comme une transition. 54. remplissages du teu comme transitions: Utilisons un drone. Ne pas nous faire passer de cette section à cette section. Donc, la largeur du tambour remplit, vous pouvez soit les faire vous-même, soit vous pouvez utiliser un échantillon de remplissage de tambour. Donc d'abord, je vais entrer dans mes packs d'échantillons ici, et je vais entrer dans le dossier de remplissage de batterie. Maintenant, j'ai organisé tous les remplissages de batterie dans un dossier que vous pourriez avoir à trouver tous séparément dans vos échantillons de dos. Écoutons à quoi ressemble un remplissage de batterie. Donc, si je fais glisser ce remplissage de tambour particulier dans lequel son tambour remplit 25, si je le fais glisser dans ma piste et que je le place ici, vous pouvez voir que c'est une transition assez longue et ça se passe pour deux barres. Maintenant, comme tous les échantillons que nous traînons, nous devons nous assurer qu'il correspond à notre tempo. Je vais donc cliquer sur cette petite forme de vague et sélectionner Ajuster au tempo. Et le logiciel a estimé que ce remplissage de tambour est à 128. Maintenant, l'échantillon ne me dit pas le contraire, donc je vais devoir aller avec cette estimation. Cliquez dessus maintenant. Et comme vous pouvez le voir, ce remplissage de tambour a maintenant été ajusté à exactement deux barres de longueur. Ok, écoutons ce que ça ressemble dans le contexte de notre piste techno. Lorsque vous utilisez un remplissage de tambour, vous pouvez également le combiner avec la transition la plus simple que nous avons examinée lors de la dernière conférence, qui consiste à retirer un élément avant qu'un nouvel élément ne soit entré. Donc, nous allons à nouveau supprimer certains de ces 6x. Donc je vais juste enlever le genre de seconde moitié du filtre à tambour de la seconde moitié ici. Je vais les enlever et on verra à quoi ça ressemble maintenant. Maintenant, si vous voulez, vous pouvez également faire vos propres remplissages de tambour. Donc, si nous venons à notre pack d'échantillons de batterie, et ici dans des tambours, et nous allons juste ajouter très, très rapidement un échantillon de caisse claire. Alors peut-être que celui-là fera l'affaire. Laissons ça dedans et nous allons essayer rapidement de construire nos propres remplissages de tambour. Donc je vais juste copier ça et peut-être en placer un ici. Peut-être ici, comme ça. Maintenant, vous allez passer beaucoup plus de temps à faire un remplissage de tambour. Vous devriez généralement utiliser plus d'un échantillon ici, juste plus que celui-ci caisse claire. Mais je vous montre juste dans le but de la démonstration que nous pouvons aussi faire nos propres remplissages de tambour. Ok, alors écoutons à quoi ressemble ce remplissage de batterie que nous avons fait dans le contexte de l'arrangement. Quand je fais de la musique, je préfère utiliser les échantillons de remplissage de batterie que je vous montrais déjà parce qu'ils sont déjà faits pour moi et je pense qu'ils sonnent déjà assez bien. Mais c'est à vous de décider si vous voulez utiliser un remplissage de tambour préfabriqué ou un remplissage de tambour que vous fabriquez vous-même. Ensuite, nous allons jeter un oeil à utiliser un cri vocal comme une transition. 55. Shouts vocales: Dans cette conférence, nous allons utiliser un cri vocal comme une transition. Donc, un cri vocal est quand vous utilisez une phrase vocale, une boucle vocale ou un échantillon vocal comme pause ou remplissage. Comme une pause, ou remplir comme une pause ou un remplissage. Dans EDM, les cris vocaux sont utilisés le plus souvent juste avant la chute. Jetons un coup d'oeil à utiliser un cri vocal dans cette piste technol sur laquelle nous avons travaillé. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est nous pouvons entrer dans notre pack de voix et nous pouvons peut-être utiliser une phrase vocale. Je vais juste en choisir un dans ce pack de phrases vocales. Et nous allons auditionner Certains d'entre eux ont donné sur Sandy de Dan ne peut pas laisser la clé de base. Laissez la clé de base. D' accord, nous allons peut-être utiliser cette phrase vocale 36. Ok. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais faire glisser ça dans la liste de lecture juste ici. Je ne vais pas le placer juste avant le début de la nouvelle section. Et encore une fois, comme chaque échantillon que nous faisons glisser, nous devons nous assurer qu'il s'adapte attire tempo. Je vais donc sélectionner Fit tempo. Et je vais utiliser l'estimation ici parce que l'échantillon ne me dit pas le contraire. Écoutons ce que ce cri vocal sonne maintenant comme une transition. Nous pouvons également la combiner avec la transition la plus facile que nous avons examinée. Et nous pouvons supprimer certains des éléments ici. Donc je vais enlever le coup de pied et peut-être la basse. Et nous allons écouter à quoi ressemble ce cri de concentration maintenant avec les éléments supprimés comme une transition. C' est ainsi que vous pouvez utiliser un cri vocal comme une transition. Dans la prochaine conférence, nous examinerons les transitions instrumentales. 56. Transitions instrumentales: Jetons un coup d'oeil à l'utilisation des transitions instrumentales. J' ai donc ce genre de section instrumentale dans la piste technique que nous avons regardée, où il y a de la mélodie principale entre en jeu. Je vous présente également quelques nouveaux éléments de batterie ici. Alors écoutons cette petite section. Peut-être, peut-être un bar avant que la mélodie principale arrive. Et puis juste un bar après cette mélodie de plomb arrive. Ok, alors écoutons ce que ça ressemble sans transition. Donc, comme vous pouvez le voir, j'ai déjà ce point de note ici pour sortir le public de la piste pendant une minute avant de laisser tomber le backend. Mais j'ai aussi l'impression que nous devons faire quelque chose pour introduire cette nouvelle mélodie de plomb. Ce que nous pouvons faire, c'est faire une transition instrumentale. Donc, si on entre dans le modèle mélodique et qu'on regarde juste les notes de mélodie ici. Ok, donc il y a le genre de six médecins, et ils jouent un F. Écoutons rapidement. D' accord. Maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais dupliquer ce modèle en cliquant avec le bouton droit de la souris, puis en sélectionnant clone. Donc maintenant cela est passé de mélodie à, à Melody tree. Et ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici et que je vais vraiment supprimer toutes les notes de mélodie. Donc, éditez, supprimez. Et puis nous allons créer ce qu'on appelle une Anna Crucis ou une optimiste. Alors quand Anna Cruises est un peu comme quand une mélodie commence avant la section qu'elle joue. Par exemple, si on prend juste une barre ici et qu'on crée une Anna Crucis à neuf, ou si le premier noeud de la mélodie est F. Donc je vais placer une longue note sur C, OK ? Parce que C est le cinquième de f, et ça sonnera bien quand C sorte de pas jusqu'à F. Ok, alors revenons dans la playlist maintenant et placera ce genre d'Anna Crucis juste avant la mélodie. Et nous écouterons ce que ça sonne maintenant. Donc ce modèle va introduire la nouvelle mélodie de plomb, et il va aussi nous aider à passer de la section sans mélodie, cette section avec une mélodie. Maintenant, c'était juste un peu silencieux parce que je dois faire glisser cette automatisation gardée en arrière parce que le filtre de coupure de l'instrument principal est en fait fermé jusqu'à ce qu'il y ait un clip d'automatisation réellement démarré. Donc, je vais juste le faire glisser pour que le filtre de coupure s'ouvre plus tôt. Donc on peut entendre ça, cette petite note optimiste. D' accord ? Écoutons encore une fois. Ok, et tu peux faire cette note, tu peux faire cette petite Anna Crucis. Vous pouvez le raccourcir. Essayons peut-être un demi-bar, donc seulement deux battements. Écoutons ce que ça ressemble. Et encore une fois, si nous la combinons avec la toute première transition que nous avons examinée, qui est la transition la plus facile. Et nous retirons quelques éléments. On pourrait sortir ces accords. Et peut-être qu'on sortira ce genre de, peut-être qu'on sortira, tu sais, on sortira tous les instruments. Ok, alors sortons tous ces apparaissent. Écoutons ce que la transition instrumentale sonne maintenant sans certains des autres instruments de la piste. Maintenant, vous pouvez faire de cette croisière Anna aussi développé que vous le souhaitez. Maintenant, je peux ajouter plus de notes si je veux. Donc, disons que nous marchons peut-être jusqu' au néant de F. Alors peut-être qu'on va de E et qu'on tient ça. Alors disons que c'est notre Anna Crucis. Écoutons ce que cela ressemble avec une sorte de développé notre nécrose. Donc, tout ce dont vous avez besoin, c'est une sorte d'instruments qui va nous présenter à la prochaine section de la piste. Ok, dans la prochaine conférence, nous verrons comment utiliser le silence comme une transition. 57. Le silence comme transition: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur l'utilisation du silence comme une transition. Parfois, laisser vos transitions totalement silencieuses peut vraiment fonctionner pour votre piste. Et ce que vous faites dans ce cas, c'est que vous laissez le son des sections précédentes s' essouffler avant que la section suivante ne vienne. Donc, si nous revoyons cette piste technique, j'ai une section d'accumulation ici, ok, qui se transforme en une section de dépôt. Mais je sais que je veux utiliser une sorte de transition qui va nous amener de l'accumulation à la goutte. Alors écoutons l'arrangement tel qu'il est en ce moment. Ok, alors ajoutons un peu de silence comme une transition. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va zoomer et qu'on va jeter un oeil à la barre juste avant que la section de dépôt commence. Et je vais juste supprimer essentiellement tout, toutes sortes d'éléments qui sont dans cet acheteur. Donc, je viens juste de provoquer cette boucle de vocodeur et la moitié. Je vais supprimer tous ces éléments de caisse claire. Je vais supprimer tous ces éléments de batterie ici. Je vais supprimer ça. Et je vais faire reculer ça, et je vais faire reculer ça. Et maintenant, nous n'avons pas d'éléments audio dans cette barre complète avant la chute. Ok, alors écoutons à quoi ça ressemble. Ce genre de transition de silence. Ok, donc j'aime vraiment le son de ce silence comme une transition. Mais j'ai toujours l'impression de vouloir avoir plus d'impact quand la drogue arrive réellement. Donc ce qu'on peut faire, on peut prolonger ce silence par r, et on l'étendra à deux barres. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici à mon outil de rasoir et que je vais tout causer au début de cette goutte. Ok, donc je vais juste dessiner tout le chemin en bas. Et je vais aussi couper ce clip d'automatisation. Et puis on va venir ici. On va zoomer tout le long de la sortie. Et je vais juste mettre en évidence tout ce qui se cache derrière ce premier acheteur de la section de dépôt. Ce qu'on a fait, c'est qu'on a divisé la piste en deux. Et nous avons tout mis en évidence à droite de la goutte. Et je vais simplement faire glisser tout vers la droite par un acheteur. Et cela est ajouté dans un autre acheteur de silence ici. Ok, alors revenons à l'accumulation et nous allons écouter ce que ces deux barres de silence sonnent comme maintenant. D' accord ? C' est ainsi que vous pouvez utiliser le silence dans vos pistes pour créer une sorte de transition. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'oeil à l'utilisation du gros succès. 58. The Big hit: Jetons donc un coup d'oeil à l'utilisation des grands succès comme une transition. Ok, donc nous sommes de retour à cette section de construction de notre piste technique et nous n'avons pas de transition pour nous amener de l'accumulation à la goutte. Prenons une écoute rapide pour nous rappeler à quoi cela ressemble. Ce que la transition de gros succès est, c'est où vous utilisez un gros clap de réverbération ou une caisse claire ou une sorte de son d'effet. Et vous placez ça juste en face de la section abandonnée, le genre. Big room house a fait cela pendant des années avec quelque chose appelé la caisse claire inverse. Et j'ai en fait un dossier de pièges inversés ici tout au long de soi-disant gouttes pièges. Et ils sonnent comme ça. Donc, ce que vous pouvez faire avec ce genre de pièges inversés, c'est que vous pouvez les glisser dans votre arrangement et les placer juste avant d'être déposé contre. Ok, encore une fois, on va devoir l'adapter au tempo parce que ça s'étend au-delà de ce rythme. Tellement apte au tempo. Et maintenant qu'il est adapté au tempo de notre piste, nous pouvons écouter ce que cela ressemble dans l'arrangement. Maintenant, je pourrais étirer ce son juste pour le rendre un peu plus court. Donc, au lieu de l'avoir sur deux battements et d'aller l'étirer pour ne l'avoir que sur un seul. Et éteignez à nouveau mon outil d'étirement. Et nous nivelons n'est pas ce que ça ressemble. Si nous combinons cela avec la première transition que nous avons apprise, qui consiste à supprimer certains des éléments avant qu'un autre élément n'entre en jeu. Nous pouvons enlever certains des éléments qui jouent en même temps que ce piège, peut-être cet instrument aussi. Et peut-être ça, d'accord. Et nous quitterons le reste et nous verrons à quoi ça ressemble. Pour ce gros son. Vous pouvez également utiliser d'autres types de sons comme un clap peut-être écoutons un clap que nous pourrions utiliser. Maintenant, pour cela, vous voulez une sorte particulièrement bruyante et dans votre visage applaudir. Peut-être que celui-ci, ceux-là sont un peu trop courts et accrocheurs. On veut un gros clap. Alors utilisons-nous celui-ci. Et on le placera là-dedans comme ça. Je veux dire, j'ai écouté à quoi ça ressemble. Ok, donc ça a l'air un peu déformé. Et la raison en est parce qu'il a été étiré. Et si jamais vous rencontrez ce genre de son dans vos projets FL Studio, ouvrez simplement cette fenêtre d'exemple et vous voyez ce paramètre temporel que nous examinions auparavant. Si vous cliquez simplement sur ceci et le tirez vers le bas, parce que ce qui se passe est qu'il a été étiré. Donc si on l'enlève autant que possible et qu'on le ramène à sa taille normale. Écoutons encore une fois. Vous pouvez aussi dupliquer cela et peut-être qu'au lieu d'avoir un gros succès, nous pouvons avoir deux gros succès juste après l'autre. Voyons à quoi ça ressemble. Ou vous pouvez faire n'importe quelle sorte de rythme que vous aimez. Peut-être qu'on pourrait compenser ça un peu pour que ça sonne un peu syncopé. Écoutons ça. Vous pouvez utiliser la transition de gros succès de n'importe quelle façon que vous le souhaitez. Dans la prochaine conférence, nous examinerons l'utilisation des sons d'effet comme transitions. 59. Effets comme transitions: Jetons donc un coup d'oeil à l'utilisation des sons d'effet comme une transition. Si intéressant, les effets sonores utilisés comme transitions peuvent vraiment faire briller votre piste. Par exemple, si vous avez un crochet vocal dans votre piste et que vous chantez peut-être, je ne sais pas, appeler une fille au téléphone. D' accord. Et votre effet sonore de transition, c'était le son d'un téléphone qui sonne ou c'était le son du téléphone étant diode ou quelque chose comme ça. Cela peut vraiment ajouter une saveur intéressante à votre arrangement. Donc, encore une fois, nous regardons ce genre de section d'accumulation où elle passe dans la section de dépôt. Et encore une fois, nous cherchons à ajouter une sorte de transition pour nous amener d'une section à l'autre. Donc, je vais entrer dans mes packs d'échantillons et je vais revenir à endroit où je garde mes sons d'effets ici et les effets. Et nous allons juste écouter certains de ces effets que nous pouvons lancer comme une transition. Ok, alors nous allons peut-être dans ce dossier qui s'appelle Fx. Et nous écouterons certains d'entre eux. Maintenant, je pense que cet effet particulier pourrait sembler cool comme une transition. Alors faisons glisser ça et on le placera peut-être une barre avant le feu, avant que la section de dépôt ne commence. Et je vais juste avoir cette boucle de vocodeur. En fait d'abord, nous allons juste entendre ce que ça ressemble avec tout ce qui est ajouté. Ok, donc nous allons voir à quoi ressemble cet effet ici comme une transition pour nous amener dans la goutte. Voyons à quoi ça ressemble. Maintenant, je pense que ça arrive un peu tôt, donc je pourrais le déplacer ici jusqu'au dernier rythme de la barre avant que la section de dépôt ne commence. Voyons voir à quoi ça ressemble. Maintenant, je pense toujours que le son, le genre de point principal du son est en fait là. Mais notre bar commence ici. Donc, je vais éteindre la grille et je vais le faire glisser vers l'avant jusqu'à ce que je pense que le son principal est un peu apparié avec la barre r. Et je pense que ça va le faire. Alors écoutons encore une fois. Quand nous avons fait correspondre le son principal de cet échantillon avec notre dernier b à l'acheteur. Et si nous associons ce son particulier, si nous faisons équipe avec l'équipe avec la transition que nous regardions auparavant, où nous supprimons des éléments. Alors peut-être qu'on a cette boucle et qu'on sort des caisses caisse claire. On les enlève. Et puis peut-être qu'on s'en débarrasse. Et nous le laissons à ça. Ok, voyons à quoi ça ressemble. Ok. Et nous pouvons également utiliser d'autres types d'effets sonores comme peut-être nous utilisons ce dossier d'alarme. Écoutons celui de quelqu'un. Ok. Utilisons cet âge d'alarme am effets comme une transition. Et c'est assez long. Donc je vais faire peut-être une transition à deux barres. Et je vais juste adapter ça à notre rythme. Utilisé l'estimation. Et puis je vais m'étirer pour qu'il soit beaucoup plus court et je vais l'étirer pour qu'il soit beaucoup plus court et qu'il rentre en deux barres. C' est que tu devrais bouger ça. On devrait le déplacer à nouveau pour qu'il commence sur le bar. On éteint ça. Écoutons ce que cette sorte d'effet sonore d'alarme ressemble à une transition. Et si nous l'équipe est, encore une fois avec la première conférence, nous avons regardé où nous prenons quelques éléments. Nous allons retirer certains de ces éléments qui jouent en même temps et écouter ce que cela ressemble. C' est ainsi que vous pouvez utiliser les sons d'effet comme une transition dans vos pistes. Au cours de la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'œil à la mise en commun de toutes ces transitions pour faire une transition sonore beaucoup plus professionnelle. 60. La transition de combinaison: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation d'une transition de combinaison. Donc, les transitions les plus professionnelles utiliseront une combinaison de toutes ces sortes de mini transitions que nous avons étudiées jusqu'à présent. Peut-être que vous avez un effet superposé avec un cri vocal, superposé avec un gros succès. Ou peut-être avez-vous une transition instrumentale combinée à une transition de silence. Et aussi la transition la plus facile que nous regardions auparavant. Dans cet exemple particulier, nous allons de nouveau de l'accumulation à la goutte, d'accord, et la transition que j'ai utilisée a combiné un remplissage de batterie, son de gros succès, une sorte de cri vocal. Et aussi la transition la plus facile que nous regardions avant, parce que j'ai également supprimé certains des éléments. Écoutons à quoi ressemble cette transition plus professionnelle. Donc, lorsque vous utilisez des transitions dans votre piste, essayez de combiner toutes les transitions que nous avons étudiées et de créer une transition sonore plus complète et plus intéressante. Dans la section suivante, nous allons jeter un oeil à l'utilisation d'éléments de remplissage et d'extras. 61. Utiliser des remplissants et supplémentaires: Jetons un coup d'oeil maintenant à l'utilisation de remplissage et d'extras dans EDM. Donc, les éléments de remplissage sont tout élément qui est utilisé pour remplir l'espace vide sans distraire de l'idée de piste principale. Un exemple peut être le bruit du vent en arrière-plan comme lieu principal de votre instrument. Les éléments de remplissage sont importants car ils empêchent votre piste de sonner trop vide. extras sont alors une sorte d'éléments courts ou ponctuels que vous ajoutez au-dessus de l'idée principale pour accéder à différentes parties de la piste. C' est peut-être comme une mélodie de synthé qui joue au-dessus de la mélodie principale, ou peut-être un court effet sonore qui peut prendre le relais pendant quelques secondes, comme une sirène de police. Devant nous, j'ai cet arrangement pour une piste de maison russe. Et j'ai en quelque sorte mis en évidence tous les éléments de remplissage et les éléments supplémentaires que j'utilise tout au long de la piste. Donc, ce que nous allons faire est que nous écouterons, peut-être entendre, d'accord, ce qui est d'environ une minute et demie, juste pour que nous puissions avoir une idée de ce remplissage de tonalité, ce synthé supplémentaire que nous utilisons, cet effet sonore supplémentaire et ce boucle externe étant utilisée comme charge. Alors écoutons maintenant et puis nous allons sauter directement dans la première conférence, qui utilise des boucles externes comme remplissage et extras. D' accord ? D' accord. Ok, allons entrer dans la première conférence. 62. Boucles d'extérieur comme remplisseur et extra: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de boucles externes comme remplissage et extras. Donc, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons faire glisser dans une boucle externe pour ajouter à notre piste. Et puis on peut le rendre vraiment, vraiment calme pour qu'il joue derrière les autres éléments et remplisse un peu d'espace vide. Donc je vais juste jouer à ce petit arrangement que j'ai trouvé. Et je ne sais pas vraiment quel genre de genre ça va être encore. Mais je sais que je veux ajouter une sorte d'élément de remplissage à peut-être ici dans la piste. Ok, alors écoutons ce que ça ressemble jusqu'à présent. Et puis nous allons entrer dans les packs d'échantillons et nous allons faire glisser quelques boucles externes. Pas moyen. Ok, alors venons dans nos échantillons de dos et trouverons quelques boucles externes à utiliser dans cette section de la piste. Donc, le premier type de boucle externe que je pourrais essayer est une boucle de percussion. Donc je vais entrer là où je garde certaines de mes boucles de percussion ici. Et nous allons essayer ces boucles de percussion diverses. Voyons à quoi ressemblent certains d'entre eux. Ok, donc je pense que j'ai aimé le son de celui-ci ici. Donc ce qu'on va faire, c'est faire glisser ça dans la liste de lecture et les endroits dans la section que nous voulons, l'élément filtre. Et je vais zoomer et m'assurer que ce clip correspond à notre tempo. Alors écoutons ce que ça ressemble maintenant. Je vais juste le coller pour qu'il joue sur toute la section. Ok, donc je ne pense pas que ça sonne trop mal, mais ce qu'on va faire, c'est qu'on va l'ajouter à la piste de mixage. Et puis on va le refuser. D' accord ? Parce que c'est un élément de remplissage. Ceci est juste utilisé pour remplir l'espace. Nous ne voulons pas que ce soit distrayant et nous ne voulons pas que le public se concentre nécessairement sur elle, ok, donc nous voulons garder le silence et écouter ce que cela ressemble maintenant que c'est en quelque sorte de remplir l'espace vide. Peut-être le rendre un peu plus fort. Ok, donc c'est à ça que ça ressemblerait si on utilisait une boucle de percussion externe comme élément de remplissage. Nous pouvons également utiliser différents types de boucles. Ok, alors nous allons peut-être descendre et essayer une boucle vocale de vocodeur. Ok, donc je vais venir chez Vocoder. Non, en fait, donc je vais entrer dans les boucles vocales et je vais cliquer sur les boucles de vocodeur. Et on va tester le son de quelqu'un. Et puis on en fera glisser un et on l'utilisera comme élément de remplissage. Ok, utilisons cette boucle de vocodeur, qui est 27. Et on va traîner ça. Et la première chose que nous ferons est de nous assurer qu'il correspond à notre tempo. Donc ça correspond à notre tempo maintenant, donc je vais coller cette boucle de vocodeur sur toute la section. Je vais l'ajouter à la piste de mixage. Et maintenant je dois m'assurer que la boucle Vocoder est dans la bonne touche. Donc je vais ouvrir Edison, qui est par ici. Et je vais ouvrir la fenêtre des échantillons. Et nous allons glisser dans la boucle de vocodeur, va amener Edison à détecter les régions de pitch. Et nous pouvons voir que c'est en C. Et si je viens dans ma piste ici, je peux voir que ma piste est dans la clé de B. Donc je vais transposer cette boucle de 0.100$ pour la ramener de C à B. Et maintenant c'est dans la clé de notre piste. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons le refuser pour que cela ne distraire pas l'auditeur. Et nous aurions une oreille à ce que cette boucle de vocodeur sonne comme remplissage. Peut-être le monter un petit peu. Et si vous le vouliez, vous pourriez continuer cette petite boucle Vocoder dans le genre de section d'accumulation. Juste par souci de cohérence. Allons entendre à quoi ça ressemble. Maintenant, si nous retirons cet élément de remplissage, nous remarquerons à quel point la section sonne vide sans nous. Maintenant, je l'ai repensé. C' est ainsi que vous pouvez utiliser des boucles externes pour remplir l'espace vide dans différentes sections de votre arrangement. Ensuite, nous allons jeter un coup d'oeil sur les blasters déposés et déposer. 63. Tone et effleurements: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un coup d'oeil aux foudroyeurs et aux tonalités de chute. Le plâtre tombé est ce son énorme qui vous gifle à travers le visage. Chaque fois que la goutte commence. Ils peuvent sonner très bien sur la technologie house et les pistes techniques. blasters lâchés ont récemment été rendus populaires par Fisher avec son relâchement de piste. D' autre part, la tonalité tombée est comme une seule note de pétale qui place au-dessus de l'idée principale de la piste. Il est presque toujours très élevé en hauteur, et c'est généralement un son de corde, mais il peut aussi s'agir d'un son de pad. Écoutons à la fois le bluster drop et le ton drop en action. Maintenant, nous allons descendre encore plus loin. Donc, si nous arrivons à la baisse l'année dernière une seconde et nous avons un coup d'oeil à ce qui se passe. Nous pouvons voir qu'il y a une note qui joue le nœud racine principal de la piste. Et une autre note qui joue la troisième sorte de note mineure de la piste. Maintenant, vous pouvez ajouter plus de notes si vous le souhaitez. Donc je pourrais ajouter une note ici sur F et peut-être une note ici sur un pointu à nouveau. Et on verra à quoi ça ressemble. Si on ajoute ça à notre goutte, ça sonnera comme ça. Mais vous pouvez aussi prendre certaines de ces notes et le dépouiller à ce genre d'éléments nus, ce qui serait la racine nulle, ok, et nous pouvons le laisser avec juste ce nœud ici. Alors voyons à quoi ça ressemble dans le piège. Quand vous choisissez le son du maître des gouttelettes, vous devez vous assurer que c'est un son dur, d' accord, donc ça veut dire que c'est fort. Et dans votre visage, le préréglage que j'ai choisi ici amélioré est assez fort et dans votre visage. Mais si nous choisissons un, mais si nous choisissons un son plus subtil comme peut-être juste plumer son. Et nous avons une écoute à ça. D'accord ? Ce son est un peu plus doux. Donc, si nous écoutons à quoi ressemble le son doux dans la goutte, ça sonnera comme ça. Donc, il se sent en fait comme un peu d'anti-point culminant. Donc, vous devez vous assurer que le son que vous choisissez pour votre, votre, votre goutte de plâtre est fort et dans votre visage. Et nous pouvons choisir, écoutons une autre sorte de son de plomb et voyons quoi, voir à quoi ça ressemble. Ok, donc c'est assez bruyant, dans votre visage. Donc, nous pourrions utiliser ce son aussi, et cela sonnerait aussi bien dans la goutte. D' un autre côté, on a ce ton, ok ? Et le ton de goutte est fondamentalement le contraire complet du plâtre de goutte. Avec le ton de chute, vous voulez choisir un son doux comme celui-ci. Et c'est pourquoi les sons de cordes sont parfaits pour ton de chute parce que les cordes sont douces et expressives. La tonalité tombée sera également très élevée en hauteur parce que si elle était en peu de hauteur, elle distrait les principaux éléments de la piste. Et ça aurait l'air plus brouillé si on avait une sorte de faible hauteur sur le son. Vous devez donc vous assurer que la tonalité de chute que vous utilisez est à un pas élevé. esprits ici à huit, ce qui est un pas très élevé. Vous pouvez également utiliser un son de synthétiseur pour votre ton de chute. Donc si je viens ici et que j'ai choisi peut-être, peut-être ce doux son de Jupiter et on verra à quoi ça ressemble. Je vais le montrer et nous écouterons ce que ça ressemble, la goutte. Peut-être que c'est un peu trop haut. Vous aimeriez peut-être le son de ça et c'est bon, mais je vais juste mettre la mienne en bas une musique d'octave, mais ça ressemble à ça. Mais si nous devions utiliser un son, c'est beaucoup plus dans votre visage. Disons qu'on a utilisé ce bluster, la sangle dure ton instrument, et qu'on a essayé de l'utiliser comme ton. Ok, donc ce que je vais faire, c'est que je vais le faire jusqu'à six. Ok, donc c'est aigu et étirez-le donc c'est la même longueur que le ton de chute. Mais si on écoute ça et cette explosion ou cet instrument maintenant, ça sonnera comme ça. Ok, et ça semble hors de propos. C' est une sorte de distraire par rapport à la base principale ici. Donc, nous allons juste annuler tout ça et nous remettons tout à la normale, juste là où nous avons laissé tomber. Et nous prendrons une dernière leçon à l'accumulation et à la goutte avec le plâtre et le piégé. D'accord. Ce que nous faisons dans la prochaine conférence, nous allons examiner l'utilisation d'un motif de synthétiseur comme remplissage. 64. Synths comme remplisseur et extra: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à Saint Filler et envoyer des extras. Donc, un centime supplémentaire serait une sorte supplémentaire d' élément envoyé qui joue sur le dessus de l'idée principale. Donc, cela pourrait être une sorte de coups RootNode ou peut-être alterner des notes ou quelque chose comme ça. Ce qui est très, très simple. Mais un joue sur le dessus de l'idée principale. Depuis remplissage que ce serait un élément qui sorte de joue derrière l'idée principale. Donc, cela pourrait être peut-être un motif arpégié en arrière-plan, ou cela pourrait être comme le ton de chute, sauf que nous l'utilisons dans une section différente. Alors écoutons cet exemple d' un centime supplémentaire que j'utilise dans cette piste techno. Ensuite, nous apprendrons comment transformer ces centimes supplémentaires en un centime de remplissage. Alors écoutons maintenant. Laissez regarder le club. Donc, si nous cliquons sur le motif de centime supplémentaire, nous pouvons voir que si je zoome ici, nous pouvons voir que c'est en fait un motif beaucoup plus petit qui a été collé à chaque battement de la barre. Donc si je viens en solo, ce modèle aura écouté. Ok, maintenant on pourrait changer les notes si on le voulait. On pourrait peut-être changer cette note jusqu'à un F pointu et peut-être celle-ci jusqu'au B inférieur et nous ferons la même chose ici dans la seconde moitié du modèle. Et ça sonnerait comme ça. D'accord ? Et si nous écoutons ce que cela ressemble dans le modèle, ça sonnerait comme ça. Ou nous pourrions changer complètement ce modèle et supprimerons simplement. Et nous pourrions peut-être ajouter un b et peut-être juste faire quelques notes en alternance. Donc peut-être de B jusqu'au haut B et redescendre comme ça. Et puis nous allons copier ça sur tout le modèle. Donc comme ça et quoi que ce soit, écoute. Ok, en fait, ça ressemble à quelque chose de Mario. Mais si jamais nous écoutons ce que ça sonne dans la goutte, ça sonnerait comme ça. Donc, vous pouvez voir l'idée que nous allons chercher. Ok, donc c'est un modèle très, très court. L' arbre de syntaxe a un très, très court modèles, donc il sera généralement juste un poumon battement. Alors faites votre modèle dans ce temps. Et puis quel que soit votre modèle, peut-être que c'est, ajoutons cette liaison. Peut-être que c'est ton modèle, ok. Faites-le en un temps, puis copiez-le sur l'ensemble du motif. Donc peut-être à travers le modèle d'une barre comme ça. Et puis tu vas ajouter ce modèle à ta section de dépôt, d'accord ? Et ce modèle sonnerait comme ça. Donc, l'idée avec ce son supplémentaire de synthé est qu'il est peu court et répétitif sur toute la section. Maintenant, si nous devions transformer ce synthé supplémentaire en un remplisseur de synthé, tout ce que nous ferions c'est que nous choisissions dans la piste de mixage et que nous le réduisons. Donc c'est un peu subtil. Donc c'est moins, c'est moins évident. Donc c'est en quelque sorte remplir l'espace vide. Je l'ai éteint un petit peu. Donc, ce son acide, c'est toujours le principal, c'est toujours l'objectif principal. D' accord ? Et quand nous utilisons ce remplisseur envoyé, c'est juste remplir ce genre d'espace vide qui est laissé derrière ce modèle. D' accord ? Mais si nous le montons, il se transformera en un supplément de synthé. Parce que maintenant il est en fait assis au-dessus de cette idée principale. Maintenant, on pourrait transformer ça en une sorte de son arpégé. Et on pourrait l'utiliser comme un remplisseur de synthé. Donc, nous allons juste créer un arpège rapide pour si mineur, qui pourrait être comme ça. Et nous allons juste copier ça sur tout le modèle. Mais comme vous pouvez le voir à nouveau, ce motif complet d'une barre n'est que des répétitions du modèle qui est dans celui-ci, BCE. Alors écoutons ce que ça ressemble tout seul. On pourrait changer l'instrument un peu plus clair. Peut-être que celui-là et le remplacer ici. Et ce que nous ferons, c'est que nous allons le refuser pour qu'il soit un peu subtil dans le mélange. Et c'est juste remplir de l'espace vide. C' est peut-être le refouler un peu plus. Et je vais juste désactiver cet effet de flexion de pitch que j'ai eu dessus parce qu' il est en fait en train de le faire sonner hors de l'air. Alors écoutons à quoi ça ressemble maintenant. Et encore une fois, pour transformer cela en un centime de plus, Nous allons juste tourner ce curseur afin qu'il soit assis au-dessus du type principal de l'idée de plomb. D' accord. Donc ça dépend vraiment de ce que vous essayez de faire. Essayez-vous de remplir l'espace vide laissé par votre idée principale ? Ou est-ce que vous essayez d'ajouter à votre idée principale en faisant envoyer ce genre d'ajout là. D' accord ? Et c'est fondamentalement la différence entre un remplisseur de synthé, qui remplit de l'espace et un centime de plus, ce qui est comme un son supplémentaire. En outre, il n'y a pas de ligne directrice sur le type d'instrument que vous devez choisir comme remplisseur d'odeur ou votre centime supplémentaire. Mais vous devez vous assurer, comme nous le faisons avec tous les autres éléments, qu'il s'intègre dans le son de votre piste. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation des effets pour le remplissage et les extras. 65. Effets comme remplisseur et supplémentaire: Dans cette conférence, nous allons parler de l'utilisation d'effets sonores comme remplissage et extras. J' ai donc un exemple de piste ici où il vient en quelque sorte de l'introduction dans cette panne de huit BR. Et puis il y a une goutte. Ok, mais le modèle qui est dans la panne laisse beaucoup d'espace vide. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va ajouter des effets pour remplir l'espace vide. Écoutons ce que la piste sonne maintenant, sans aucun de ces effets ajoutés. Ok, donc on peut ajouter différents types d'effets. On peut ajouter une sorte de son ambiant comme un film pour mettre en quelque sorte la scène de la piste sont reconnus dans d'autres types d'effets pour raconter une histoire comme des sirènes de police. Je suis une alarme de bombe, peut-être un téléphone sonne ou une horloge à tic-tac. Je vais ajouter une ambiance d'emplacement et voir ce que cela fait sur le son global de la piste. Donc je vais entrer dans l'endroit où je garde mon ambiance de localisation, qui est ici dans l'ambiance ambiante. Et je vais faire défiler jusqu'aux différents endroits que nous pouvons utiliser maintenant nous pouvons utiliser, nous pourrions utiliser un peut-être nu, ou nous pourrions utiliser une grande rue de la ville. Essayons, voyons à quoi ressemble cette grande rue de la ville. Ok, essayons peut-être le chantier de construction. D' accord. J'aime le son du chantier. Glissons ceci et voyons à quoi cela ressemble quand il est en quelque sorte superposé avec la section de ventilation. Donc je vais juste le déplacer à un point qui a l'air assez occupé, peut-être ici. Et je ne veux pas m'étirer car je vais désactiver l'étirement et je vais juste le couper pour qu'il ne remplisse que la section de ventilation, qui est D zeitgebers. Donc je vais étendre ce passé là. Et je vais utiliser le rasoir pour peut-être le couper à la fin de ce modèle d'accord. Ok, nous allons zoomer. Maintenant, parce que nous utilisons cet effet comme un son de remplissage, je vais entrer dans la piste de mixage et je vais juste le baisser un peu pour que ça ne domine pas les tribunaux. Ok. Alors écoutons à quoi ressemble cet effet. Dans la section de répartition. Voyons à quoi ça ressemble si on le change une de ces boucles de foule d'acheteurs, peut-être. Choisissons cette boucle numéro trois. Et ce que je vais faire, c'est que j'ai, j'ai évidemment coupé la forme d'onde. C'est bien par ici. Donc je vais juste y revenir et on le placera sur le premier temps. Je vais désactiver mon accrochage à la grille pour pouvoir le déplacer manuellement. Et encore avec l'autre extrémité, je vais peut-être en faire une boucle. Alors, oups, Mansi, Curtis, peut-être ici dans ce bar. Et on va en faire une boucle. Donc, nous allons faire une boucle sur toute la section de répartition comme ceci. D' accord ? Et je vais juste retirer ça pour que ce soit même avec les tribunaux. Écoutons ce que cet arrière-plan sonne quand le motif est en train de jouer. Ok, je pourrais juste le baisser très vite. Ainsi, comme vous pouvez le voir, l'utilisation de l'ambiance ressemble à ce genre de définit la scène de la piste. Donc, si vous avez l'intention de raconter une histoire tout au long de votre piste, vous pouvez utiliser ces sons ambiants pour définir la scène. Okay, donc maintenant regardons l'utilisation d'un autre type d'effet, ce qui est un peu comme un effet sonore foley. Donc peut-être qu'on utiliserait une horloge à tic-tac ou une sorte d'alarme de bombe. Ce que je vais faire, c'est que je vais entrer dans mon genre de dossier d'effets ici. Et essayons un de ces effets d'alarme. Ok, donc je pense qu'il pourrait y avoir une bombe Avertissement sonore ici. Donc celui-ci le fera, utilisons-le et nous remplacons cet effet sonore de la barre par cet effet sonore d'alarme. Maintenant, parce que cet effet d'alarme a vraiment un rythme à elle. Il y a en quelque sorte quatre barres. Nous avons besoin de ça pour nous synchroniser avec le tempo de nos pistes. Donc, je vais juste cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner Ajuster au tempo. Voyons ce que font les différences. Oh, c'est juste en solo. Ok, et maintenant écoutons ça. Dans le contexte de la ventilation. On pourrait le rendre un peu plus silencieux juste parce que c'est censé être un élément de remplissage et qu'il est censé être subtil et en arrière-plan. Écoutons encore une fois. Essayons un de ces autres effets d'alarme. Peut-être. Et on y va. Il y a le son d'avertissement de bombe. Ok, alors ajoutons ce bruit d'avertissement de bombe dans notre piste. Donc je vais juste le faire. Révélez le reste de la forme d'onde. Et où que vous soyez écouté ce que cela ressemble quand il est en quelque sorte de remplir de l'espace à côté de ce motif d'accords. Et l'utilisation de ce genre de son d'alarme est en fait très, très commun dans l'EDM. Voyons juste voir très rapidement si nous pouvons trouver le son d'une horloge à tic-tac, je pense qu'il pourrait y en avoir une dans cela affecte les boucles, mais je ne suis pas sûr. Je ne trouve pas vite, je vais passer à autre chose. Eh bien, je veux dire, nous pourrions utiliser ces boucles d'effets comme remplisseur de toute façon. Donc, glissons dans ce son et voyons à quoi cela ressemble si nous utilisons ceci comme remplissage. Maintenant, nous devons aussi nous assurer qu'il est adapté à notre tempo parce qu'il a un rythme à lui. Et il est écrit ici 127 BPMN. Donc je vais taper un à sept. Et ce qu'on va faire, c'est que je vais couper la queue et ensuite on pourra la boucler tout au long de la panne. Alors voyons à quoi ça ressemble. Je vais le monter pour qu'on puisse entendre un peu mieux. Et peut-être essayons une autre de ces boucles d'effets. Utilisons celui-là. Faites glisser cela, et voyons à quoi cela ressemble dans le contexte de la panne. Ainsi, comme vous pouvez le voir, vous pouvez utiliser différents types d' effets pour remplir l'espace vide dans l'une de vos sections. Maintenant, encore une fois, comme le filtre de synthé, si nous devions utiliser cet effet comme un extra, ce que nous ferions c'est que nous le mettions juste en haut pour qu'il soit assis au-dessus des cartes principales comme ça. Donc, cela dépend vraiment de la façon dont vous voulez utiliser un Voulez-vous l'utiliser comme une sorte de remplissage subtil ? Ou voulez-vous l'utiliser comme une sorte de supplément Louder ? Ensuite, nous allons jeter un oeil à la houle de la réverbération. Et c'est la dernière conférence avant de commencer la première affectation sont le premier type de projet. Alors allons de l'avant et sautons là-dedans maintenant. 66. L'histoire de réverb: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la houle de la réverbération et comment nous pouvons l'utiliser dans nos pistes. Ainsi, la houle de réverbération est une technique extrêmement courante qui est utilisée dans les accumulations ou pour passer d'une section à l'autre. Et ce qui se passe, c'est que la piste semble s' éloigner lentement de plus en plus avant de sauter soudainement en arrière et de vous gifler dans le visage avec la section suivante. Avant de sauter soudainement en arrière et en quelque sorte de le gifler dans le visage avec la section suivante. Alors écoutons cet exemple d'accumulation, puis une petite partie de la goutte. Maintenant, je n'ai pas la houle de réverbération appliquée, mais nous apprenons comment le faire après. Écoutons maintenant. Ok, alors commençons à appliquer la réverbération aussi. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va monter à la piste de mixage. Et on va passer à la chaîne principale. Et ce qu'on va faire, c'est ajouter une réverbération, un plugin de réverbération. Alors ajoutons simplement la réverbération fruitée standard aussi. Et nous écouterons ce que ça ressemble maintenant sur les canaux maîtres. Donc, le canal principal est le canal par lequel toutes ces différentes pistes passent. Donc, tout, chaque élément de votre piste passe par le canal maître. Écoutons. Et si on monte le niveau humide, ok, alors ce qu'on peut faire c'est qu'on peut charger un préréglage ici, peut-être, peut-être, ce grand préréglage de salle, et on verra à quoi ça ressemble. Ça a l'air bien. Maintenant, nous allons entrer dans la fenêtre de la playlist et nous allons mettre en évidence la zone où nous voulons créer le clip d'automatisation parce que nous allons automatiser ce niveau sec humide. Je vais donc cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner Créer une automatisation. Et puis je vais faire glisser ce point d'ancrage vers la gauche pour que la réverbération soit désactivée et qu'elle s'allume lentement au fur et à mesure que la goutte progresse. Ensuite, je vais ajouter un autre point d'ancrage en cliquant avec le bouton droit de la souris. Et je vais mettre ça au sommet. Et je dessine ce point d'ancrage en ligne avec l'endroit où commence la transition. Et puis, puis je vais revenir au clip d'automatisation et je vais faire glisser le point d'ancrage droit tout le long vers le bas pour qu'il s'éteigne au moment où cette perte de statistiques. D' accord. Donc, ce qui va se passer, c'est que la piste va en quelque sorte gonfler avec cet effet de réverbération. Et puis dans ce genre de transition silencieuse que nous avons, l'effet de réverbération diminuera et sera ensuite dans la section de dépôt. Ok, alors sortons de ça et on va écouter ce que ça ressemble. Vous pouvez maintenant ajuster la forme du clip d'automatisation pour le rendre un peu plus agressif. Ça peut rendre la pente un peu plus raide. Et voyons à quoi ça ressemble. Et pour rendre ce son encore plus professionnel, ce que nous allons faire c'est que nous allons revenir dans le canal maître et nous allons nous débarrasser de tout le bas de gamme à mesure que cet effet de réverbération gonfle. Ok, donc on va ouvrir un plug-in d'égaliseur au-dessus de ce plug-in de réverbération. Utilisons simplement l'égaliseur paramétrique fruité standard pour. Et il s'ouvrira comme ça. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va cliquer avec le bouton droit sur ce premier groupe et on va dire type. Et nous voulons une passe haute. Et ce que cela fait, c'est qu'il laisse passer toutes les hautes fréquences. Mais comme vous pouvez le voir, ça coupe ces basses fréquences. Nous allons donc automatiser le niveau de fréquence afin que ce plugin découpe de plus en plus de hautes fréquences à mesure qu'une houle de réverbération se joue. Ok, alors ramenons ça à quelque part normal, peut-être juste 60 hertz. Et ce que nous allons faire est, nous allons cliquer avec le bouton droit sur ce paramètre de fréquence. Et en fait, désolé, nous devons d'abord mettre en évidence la zone dans laquelle nous voulons le conseil d'automatisation en raison d'une sorte de chute dans. Et nous allons cliquer avec le bouton droit sur ce paramètre de fréquence et nous dirons créer un clip d'automatisation. Maintenant, ne vous inquiétez pas des paramètres sur l'égaliseur encore parce que nous regarderions les égaliseurs et beaucoup plus de détails quand nous venons à mélanger. Pour l'instant, sachez simplement que vous devez automatiser le paramètre de fréquence. D' accord ? Alors fermons ça. Et ce qu'on va faire, c'est prendre le point d'ancrage sur la droite. Et oups, désolé. Nous allons le faire pour que les basses fréquences soient prises en compte alors que le son de réverbération est enflé. Et ce que nous allons faire, c'est que nous allons juste nous assurer que toutes les basses fréquences sont autorisées à s'allumer lorsque cette section de dépôt démarre. D' accord ? Et peut-être que nous allons juste baisser un peu ce point d'ancrage ne pas couper toutes les basses fréquences. On veut seulement en découper certains. Ok, écoutons ce que ça ressemble maintenant. Donc, je pense que cet effet commence en fait un peu trop tôt. Donc je vais déplacer ça là où il est conforme à la fin des accords. Et je pense aussi que c'est un peu trop. Donc je vais le baisser et peut-être que nous allons ajuster la pente pour qu'elle ne soit pas aussi agressive et nous allons entendre à quoi ça ressemble maintenant. Donc, ce processus est comment vous allez appliquer une houle de réverbération à vos pistes. 67. Introduction à l'arrangement: Nous sommes donc presque prêts à commencer à organiser la voie EDM complète par nous-mêmes. Il y a quelques conseils et directives supplémentaires que je veux vous donner dans cette section. Ensuite, nous pouvons passer à la phase de mixage de ce cours EDM Production. Nous allons juste passer par ces diapositives très rapidement avant de commencer cette section Conseils d'arrangement. Maintenant que vous connaissez tous les éléments qui composent une piste EDM, vous pouvez les utiliser pour créer votre propre arrangement. Vous pouvez utiliser certains des modèles que vous avez déjà créés, ou vous pouvez commencer à partir de zéro et créer une piste complètement nouvelle. Je ne vais pas organiser une piste pour vous dans ce cours. Et la raison en est que tout le monde le fait différemment. Il peut en fait être un processus tout à fait non structuré. Vous savez, vous pourriez construire votre modèle de batterie en morceaux, ou vous pourriez même finir par changer tous les instruments à mi-chemin. Mais tout cela va bien si nous nous en tenons à la théorie que nous avons appris jusqu'à présent sera capable de produire un arrangement professionnel. Donc, comme je l'ai dit, tout le monde a son propre processus d'organisation et si je devais le faire devant vous, mon processus serait complètement différent de votre processus. Donc tu n'apprendrais rien d'autre que la façon dont j'organise une piste. Donc, à cause de ce fait, j'ai fourni une liste de contrôle à utiliser à la fin de cette section. Et sur cette liste de vérification, vous trouverez tous les conseils et les directives que je vous ai données jusqu'à présent sur la création d'un arrangement de sondage professionnel. Il y a un projet à la toute fin de ce cours où vous devrez fournir une piste EDM complète pour que je puisse écouter. Assurez-vous donc de télécharger cette liste de contrôle et de faire de votre piste le meilleur qu'il puisse être. 68. Éléments d'entraînement: Donc la première astuce d'arrangement que nous allons examiner est des éléments de conduite. Et c'est probablement la règle d'arrangement la plus importante. Donc, dans toutes les formes de production musicale, il devrait toujours y avoir une chose à l'attention de l'auditeur, ok ? Ils ont besoin de quelque chose à écouter. Sinon, leur cerveau essaiera de se concentrer sur trop à la fois et toute l'expérience devient agréable. Et nous pouvons nous assurer que cela ne se produise pas si nous utilisons des éléments moteurs. Imaginez que votre piste soit comme un patron, d'accord ? Et les gens dans ce bus sont les éléments qui sont sur votre piste ? Il ne peut y avoir qu'un seul chauffeur de bus, d'accord, il n'y a qu'une seule personne qui conduit le patron qui contrôle vraiment où va le bus. Et c'est exactement la même chose en musique. Vous ne pouvez pas avoir plus d'un conducteur à tout moment. Bien sûr, dans ce bus, ce conducteur peut descendre et un autre conducteur peut monter. Et ce conducteur peut descendre et le même conducteur d'avant peut revenir. Et la même chose peut arriver en musique. Vous pouvez avoir un élément moteur qui joue à travers la panne, puis un nouvel élément moteur qui joue à travers la chute. Et puis vous pouvez réintroduire cet élément moteur précédent à partir de la première panne. Donc, en pratique, c'est un peu comme si vous avez une sorte d'instrument occupé sur lequel vous voulez que les gens se concentrent, alors vous devriez garder tous les autres éléments simples. Comme la ligne de base devrait être simple et vos éléments principaux devraient être simples. Ou si vous avez une ligne de base occupée, alors vous devriez garder les instruments simples. D'accord ? Peut-être que vous utilisez un crochet vocal. Eh bien, dans ce cas, vous devriez utiliser des instruments simples et une ligne de base simple. Donc, il y a plus que probablement des sons un peu confus, mais je pense que ça aura plus de sens si j'ai joué à travers ces exemples pour vous. Ok, donc, ce premier exemple ici est d'une piste pilotée par percussion. Ok, donc ce modèle de cloche, c'est l'élément principal de la piste. C' est donc l'élément principal sur lequel je veux que mes auditeurs se concentrent dans cette piste. Et parce que c'est l'élément principal, ma ligne de base est incroyablement simple. Ok, ce n'est que deux notes. Alors écoutons à quoi ressemble cette piste pilotée par percussion. Jetons maintenant un coup d'oeil à cette piste pilotée par la ligne de base. Donc, dans cette piste, la principale chose sur laquelle je veux que les auditeurs se concentrent, c'est cette ligne de base, OK ? Alors je vais le faire en solo pour toi. D' accord ? Mais ce que vous remarquerez, c'est la précaution d'avant que je l'ai effectivement prise parce que si j'avais laissé cela dans, alors il y aurait effectivement des éléments de conduite en même temps et cela semblerait très déroutant. Écoutons à quoi ressemble la piste pilotée par la ligne de base. Maintenant, si je devais ajouter ces cloches à vache, on va écouter ce que ça ressemblerait maintenant avec ces deux éléments de conduite qui essayent de se battre pour l'espace, d'accord ? Donc tous les deux essaient de se battre pour votre attention. Et vous remarquerez que vous flottez entre sorte de prêter attention aux deux et toute l'expérience d'essayer de le faire n'est pas très agréable pour l'auditeur. Alors écoutons ce que ça ressemble maintenant avec ces deux éléments de conduite. Donc, je suis sûr que vous pouvez remarquer que le son global est très brouillé et que vous essayez de vous concentrer sur votre flottant entre l'un et puis vous écoutez un autre et puis vous revenez à celui-ci dans le revenez à celui-ci et vous essayez de vous concentrer sur les deux en même temps. Donc on ne fait pas ça. Nous choisissons un élément principal sur lequel nous voulons que l'auditeur se concentre et nous développons la piste autour de cela. Ok, dans ce cas, nous avons une piste pilotée par instrument. Donc, l'instrument est celui-ci. Ok, c'est juste un simple motif de piano. Et parce que l'instrument est en train de piloter la piste, ma ligne de base est très simple. Et en fait, la ligne de base est de copier le rythme exact du piano. Donc, si nous prenons une écoute à quoi ressemble cette piste complète pilotée par instrument, et regardons ce qui se passe si je prends ce genre de ligne de base simple et que j'ajoute cette ligne de base plus compliquée que j'avais dans ma piste pilotée par la ligne de base. Et nous allons juste écouter à quoi ressemble la ligne de base quand il essaie de se battre pour l'espace avec le piano. Donc encore une fois, vous remarquerez probablement qu'il est très difficile de simplement se concentrer sur un élément. Et cela empêchera l'auditeur de s'engager pleinement avec votre piste. Alors s'il vous plaît assurez-vous dans vos pistes que vous pensez à ces éléments de conduite et que vous êtes seulement donné à l'auditeur gagné maintenir quelque sorte de tenir leur main et de les prendre à travers la piste. 69. Le graphique de la ligne d'intensité: Ok, on va parler du graphique linéaire d'intensité pour la production musicale. Rappelez-vous cela de tout le chemin du retour dans la conférence sur la structure EDM ? Eh bien, on va découvrir ce que c'est maintenant. De plus, ce concept de ligne d'intensité ne s'applique pas seulement à l'EDM, il s'applique en fait à tous les genres de musique. C' est donc un outil utile que tous les producteurs devraient avoir sous leur ceinture. Intensité par rapport au temps, d'accord ? C' est ainsi que ce graphique est mis en place. Comment l'énergie de votre piste augmente-t-elle et diminue-t-elle au fur et à mesure qu'elle progresse dans l'arrangement ? Donc, cela est en quelque sorte basé sur un sentiment comme comment votre piste se sent réellement ? Et ce que vous remarquerez, c'est que l'introduction est souvent l'intensité de construction. La panne diminue alors l'intensité très faible et il recommence à construire une sauvegarde. Et puis l'accumulation pousse l'intensité de plus en plus haut jusqu'à ce que les gencives tombent, qui est la section la plus intense d'une piste EDM. Et vous remarquerez également que dans la deuxième panne, l'intensité tombe rarement aussi faible que la première panne. Et c'est parce que les niveaux d'intensité, ils ne devraient pas sauter partout. Donc, si vous passez soudainement de la section la plus intense, qui est la chute, dans la section la plus basse intensité, qui est la panne, alors toute votre piste mourra juste à ce moment même. Vous devez penser aux auditeurs qui sont sur la piste de danse. Ils sautent de haut en bas. Ils passent un bon moment pendant la chute. Et quand il s'agit de la deuxième panne, ils ne veulent pas arrêter de bouger et doivent s'asseoir jusqu'à la prochaine goutte. Ainsi, la deuxième ventilation aura souvent une intensité plus élevée que la première ventilation. Et c'est un concept théorique, donc il n'y a pas de formule pour le faire à chaque fois. Vous avez juste à écouter critique et vraiment essayer de sentir l'énergie de votre piste. Il devrait augmenter et tomber modérément, pas drastiquement. En bas à droite de cette diapositive, vous pouvez voir un graphique linéaire d'intensité pour les animaux de piste des galaxies Martin. Et j'ai également inclus une vidéo où je viens de jouer à travers la piste et de révéler comment cette ligne d'intensité ressemble à sa place. Ainsi, vous pouvez trouver cela dans la prochaine conférence si vous êtes confus quant à la façon de dessiner un graphique linéaire d'intensité pour votre piste. C' est juste un outil très simple que nous pouvons utiliser pour nous assurer que l'énergie de notre piste circule bien et que le contour de la ligne ne saute pas de, vous savez, de l'extrême à l'extrême. J' espère que vous comprenez comment fonctionne ce concept de ligne d'intensité. Et j'aimerais vraiment que vous écoutiez peut-être une ou deux pistes et que vous dessiniez la ligne d'intensité pour chacune. Maintenant, vous pouvez le faire dans votre propre temps. Je n'ai pas besoin de voir les graphiques finis, mais si vous tracez une ligne d'intensité pour de nombreuses pistes différentes, vous commencerez à remarquer quelque chose à leur sujet. Et ce que vous remarquerez, c'est qu'ils ont tous l'air très similaire comme dans la forme du graphique et comment l'intensité augmente et tombe dans attirer sera très similaire. Si vous allez faire cela pour vous-même, vous apprendrez à quoi une ligne d'intensité de pistes devrait idéalement ressembler. Et puis vous pouvez l'utiliser pour vos propres pistes pour vous assurer que votre ligne d'intensité est la même. Et c'est tout ce qu'il y a. C' est juste un graphique simple où vous tracez l'intensité ou l'énergie d'une piste par rapport au temps. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à quelques éléments que vous pouvez utiliser pour générer une nouvelle idée de piste. 70. Formation de l'idée principale: Jetons un coup d'oeil maintenant à quelques choses que nous pouvons utiliser pour générer une nouvelle idée de piste. Vous avez peut-être déjà une idée dans votre tête que vous voulez développer. Ou vous pouvez utiliser certaines des boucles et des motifs que nous avons faits jusqu'à présent dans ce cours. Mais si vous avez du mal à trouver une idée de piste, ces conseils pourraient simplement vous aider à démarrer la partie créative de votre cerveau. Donc le premier conseil ici, c'est Supermen. Et ce site est incroyable. Vous pouvez trouver des millions de boucles gratuites et des échantillons gratuits que vous pouvez utiliser dans vos morceaux. Et toutes ces boucles et échantillons sont entièrement libres de droits d'auteur et de redevances raison d'une clause qui est en fait sur la page Conditions d'utilisation de Looper mins. C' est donc vraiment une ressource brillante à utiliser dans vos projets, ce soit pour générer des idées ou juste pour quelques boucles externes supplémentaires. Maintenant, je vais dire très rapidement qu'il y a une page acapella où vous pouvez télécharger des voix, mais celles-ci ne sont pas libres de droits d'auteur, ok, donc vous devrez contacter la personne qui a téléchargé les voix si vous souhaitez les utiliser dans vos traces. En dehors de cela, c'est vraiment une ressource fantastique pour nous producteurs de musique à utiliser. Ensuite, nous avons ceci, qui est en fait l'écoute pour attirer et l'utiliser pour des idées. Donc, c'est fondamentalement la même chose que l'utilisation d'une piste de référence. Donc, vous trouvez une piste que vous aimez, et vous copiez la structure et les idées dans la piste. Et encore une fois, ne signifie pas que vous copiez la piste exactement. Mais par exemple, si vous écoutez la piste et à mi-chemin de l'intro, un élément piano entre en jeu, alors vous pouvez l'utiliser et introduire un élément piano à mi-chemin de votre intro également. Mais le modèle que vous utilisez dans votre piste doit être différent. Donc, vous ne prenez que la coquille de l'autre morceau et ensuite la remplissez avec votre propre musique originale. Enfin, nous avons cette astuce, qui est d'utiliser des plug-ins, d'accord, donc il y a beaucoup, beaucoup de plug-ins là-bas qui peuvent vraiment vous aider à générer une nouvelle idée. L' un d'eux est le générateur de rave, dont vous pouvez voir une image en haut à gauche. Et un autre exemple est ce paquet arcade complet par sortie. Maintenant, ceux-ci en particulier sont incroyables et peuvent instantanément donner à vos pistes un son professionnel en appuyant sur un seul bouton. Donc, regardez certainement dans l'investissement dans certains de ces plug-ins arcade. Ce n'était qu'une conférence très, très rapide. Si vous êtes coincé pour des idées. Et j'espère que vous pourrez prendre certains de ces conseils à bord et commencer à générer une nouvelle piste. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la dernière astuce de ce type de section d'arrangement, qui est par où commencer lors de l'organisation d'une piste EDM complète. 71. Où commencer: Cette conférence est un autre diaporama très rapide, et je veux juste vous aider à comprendre par où commencer avec votre piste si vous êtes coincé. Certains producteurs, ils commencent par l'intro ou d'autres jours, ils commencent par faire la batterie. Mais si vous êtes comme moi et que vous commencez par former l'idée principale de la piste, alors il y a un endroit où vous devriez commencer. Et c'est la panne. Alors ne commencez pas par l'introduction, commencez par la panne et je vous expliquerai pourquoi. Donc, l'idée principale de votre piste va être le type principal d'élément moteur. Et l'élément moteur principal est presque toujours introduit complètement dans la panne. C' est donc vraiment, vraiment facile de faire circuler une piste. Eh bien, si vous commencez par la panne et ensuite vous construisez la piste à partir de là, vous devriez en fait faire l'intro Last, ok, parce que l'intro est conçu pour préfigurer ou une sorte d'indice à l'idée principale de votre piste. Mais si vous n'avez pas encore de piste majeure, comment pouvez-vous dire ce qui va être dedans ? Et cet aspect suggérant est très important car, comme je l'ai déjà dit, il permet au public de reconnaître immédiatement votre morceau dès qu'il est joué. Donc définitivement, vous savez, si vous ne prenez rien d'autre de cette conférence, prenez ceci et c'est de faire l'intro Last. Mais cela dit, vous savez maintenant tout ce dont vous avez besoin pour commencer à organiser une piste EDM professionnelle. Dans la section suivante, nous allons voir ce que nous devrions faire une fois l'arrangement terminé et nous serons prêts à commencer à mélanger. 72. Préparer le mélange: Donc, cette section n'a qu'une seule conférence et tout est sur la préparation pour mixage sur. Donc, quand vous arrivez à la fin de votre arrangement, vous savez, quand vous avez fini et que vous pensez être prêt à commencer à mélanger, il y a encore quelques choses que nous devrions faire pour rendre le processus de mélange beaucoup plus facile. Donc la première chose que nous allons faire est que nous allons créer une nouvelle sauvegarde sous, d'accord, et la raison pour laquelle nous faisons ça est parce que tous les changements que nous faisons au cas où nous n'aimons pas le mélange final que nous avons sorti avec. Nous pouvons toujours revenir au fichier d'origine et recommencer facilement à zéro. Donc je vais venir ici au dossier et je vais cliquer sur Enregistrer comme nous allons juste renommer ça. Maintenant ce morceau particulier s'appelle Goos pour le moment, donc je vais le renommer Goos pour en mélanger un, ok ? Et je vais frapper Save. Et maintenant ce projet particulier est complètement séparé de l'autre type de projet original. La prochaine chose que nous devons faire est de nous assurer que tout ce qui est dans cet arrangement arrive sur la piste de mixage. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais jouer de cet instrument. Et je vois que ça arrive ici sur Channel 9. Je vais jouer le prochain instrument. Et je vois que ça arrive ici sur cette chaîne 6. On peut vérifier la voix vers laquelle ils sont sur la bonne voie. On peut vérifier ça, c'est non suivi 21. Ce que vous ferez, c'est que vous vérifierez tout dans votre arrangement et vous vous assurerez qu'ils arrivent tous dans la piste de mixage et qu'ils sont tous affectés à différents canaux de mixage. Donc, comme vous pouvez le voir, tout se passe. Ils sont dans différents canaux de mixage indifférents. D' accord ? Donc la prochaine chose que nous allons faire, c'est que nous allons nous assurer que tous les effets inutiles sont désactivés sur les plugins d'instruments. Donc je sais que si on clique sur ce son particulier ici, ok ? Et si nous le jouons, il y a un effet de retard sur ce plugin particulier. Si on écoute à nouveau, quand je m'arrête, le son continue et c'est du retard. Et ça sonne bien pour l'arrangement. Ce genre d'aide à fonctionner parce que vous avez une idée de ce que la version finale pourrait ressembler. Mais pour mélanger, nous devons désactiver tous ces effets inutiles. Ok, donc si je viens dans le plug-in ici et que je viens dans les effets les deux qui sont déjà ouverts. Nous pouvons voir que le plug-in de retard est activé. D' accord ? Donc ce que je vais faire, c'est éteindre ça. Et je vais aussi venir ici à l'égaliseur. Et je vais éteindre ça. Parce que lorsque nous mixons en EDM, nous voulons travailler avec ce genre de son puriste, le son quand il est le plus brut. D' accord ? Maintenant, il y a aussi ce plug-in de distorsion actif, ok. Et si je l'éteins, ça ressemble à ça. Et je vais le rallumer. Donc je ne pense pas que cela fasse beaucoup de différence pour le son. Donc je vais juste laisser tomber ça parce que je ne veux pas que ça interfère avec quoi que ce soit que nous ferons plus tard. J' ai donc désactivé tous les effets sur ce préréglage particulier, et nous sommes prêts à passer à l'instrument suivant et désactiver tous les effets sur celui-ci également. D'accord. Donc, par exemple, si nous prenons juste ce premier modèle, ce premier modèle, ça ressemble à ceci. Ok, ce que nous allons faire, c'est nous allons entrer dans le plugin et nous allons descendre à la section Effets. Et comme vous pouvez le voir par cette lumière, les effets sont allumés, ok ? Et il y a des effets sur un, sur le canal un et sur le canal deux. Et il n'y a rien sur la chaîne 3. Donc, il y a une réverbération et indésirable, il y a un retard, et des oups. Et ce que nous allons faire c'est que nous allons juste refuser le mélange d'un et nous allons refuser le mélange de deux que ce genre d'effets de plug-in ne traverse pas dans le son. Ok, écoutons le son maintenant. D' accord. Et si j'avais tourné ces renforts là où ils étaient, ça sonnerait comme ça. Ok. Donc je veux le genre de, je veux le son le plus pur, le plus brut que je puisse obtenir. Ok, donc tu vas passer par tous tes instruments dans ton arrangement et tu vas juste éteindre tous les effets inutiles. Et ce que je veux dire par inutile, c'est parfois vous rencontrerez un plug-in et il y aura peut-être une distorsion active ou un phaseur ou quelque chose comme ça. Et pour ces effets particuliers, vous voulez garder le son d'eux. Si vous voulez garder le phaseur et que vous voulez garder la distorsion, vous voulez garder cela dans votre arrangement. D' accord ? Donc, dans ce cas, vous pouvez quitter l'homme, mais des choses comme le délai de réverbération, l'égaliseur sur un plug-in, la compression sur un plugin. Nous allons les désactiver parce que nous allons faire notre propre retard de réverbération, un égaliseur, et la compression appliquera tous ces plug-ins nous-mêmes de toute façon, donc nous les éteignons sur l'instrument. On va aussi s'assurer qu'il n'y a pas d'effets sur la chaîne principale. Et j'ai un effet ici, mais j'ai désactivé. Ok, donc juste si vous n'avez pas d'effet chargé sur le canal maître, assurez-vous de l'éteindre en appuyant sur ces lumières ou comme vous le faites dans votre DAW. Nous ne voulons pas qu'un plug-in affecte le son que nous entendons quand nous essayons de mélanger. Désactivez donc tous les plugins que vous avez chargés sur votre canal maître. Et je sais que lorsque vous ouvrez FL Studio pour la première fois et que vous vérifiez le canal maître, il charge en fait un limiteur ici sur la fente inférieure par défaut. Donc ce que vous devriez faire, c'est que si vous avez le limiteur là-bas, je suis sur le canal maître. Éteignez-le, d'accord. Maintenant, si vous avez des canaux d'envoi, ok, rappelez-vous que nous avons regardé les canaux de sable et comment les faire si vous avez des effets sur vos canaux de sable, comme si vous utilisez la réverbération ou le delay ou quelque chose par ici, il suffit d'éteindre le plugin comme ceci. Donc, si vous aviez un retard sur la fente pour, vous venez de l'éteindre comme ça. Parce que, encore une fois, ce genre d'effets va interférer avec le son global que vous entendez. Et puis après, quand nous aurons fini de mélanger, tous ces éléments reviendront et nous reviendrons sur ces plug-ins comme ça. Mais quand nous mélangeons, nous voulons vraiment que les plugins d'envoi soient éteints. Cette partie est facultative, d'accord ? Et ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez installer des bus. Et un patron est fondamentalement, si vous pensez à un patron, il transporte beaucoup de gens, tandis que la musique de Boston contient beaucoup d'instruments. Donc ce que tu peux faire, c'est renommer cette chaîne, peut-être renommons en boss, ok ? Et ce que tu ferais, c'est que tu prendrais ta caisse claire et que tu le ferais dans le bus à tambour. Tu prends ton appli, tu le fais passer à travers le patron du tambour, prends ton autre caisse claire, quelles que soient les couches. Mettez tous vos tambours à travers ce canal de bus, d'accord, et alors ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez mélanger tous ces types d'éléments séparément. Et puis vous pouvez tous les tourner vers le haut ou vers le bas comme ceci avec un seul curseur. Donc, au lieu d'avoir à monter la précaution séparément, puis monter la caisse claire, puis monter le clap. Tu viens voir ce patron de batterie et tu fais monter les tambours. Et puis vous pouvez simplement monter les instruments et faire monter le chant. J' aimerais laisser tous les miens séparés parce que je suis un monstre de contrôle et j'ai juste un peu plus de contrôle. Mais si tu veux installer Bose, tu peux le faire aussi. Et une fois que vous aurez fait toutes ces choses, nous serons prêts à commencer à mélanger, d'accord ? Nous allons apprendre tout sur le mixage et tout sur les différents plugins que vous pouvez utiliser et sorte de ce qu'ils font pour façonner le son de votre piste. Donc, si vous êtes prêt à commencer le mélange va sauter dans la première conférence maintenant. 73. Introduction au mélange: Nous sommes sur le point de commencer la phase de mixage de ce cours. mixage est le processus d'équilibrage de tout le son individuel de votre piste afin qu'il sonne bien sur n'importe quel système de lecture. Des choses comme les écouteurs, les écouteurs, le haut-parleur de voiture et le haut-parleur de votre téléphone. Le mélange est un sujet énorme et il pourrait former son propre cours, probablement à peu près la même longueur que celui-ci. Ce que j'ai fait, c'est que je t'ai donné autant que possible sans entrer dans les détails inutiles. Vous n'avez pas besoin de plug-ins fantaisie pour obtenir un bon mix. Tout vient avec beaucoup de grands plugins que vous pouvez utiliser. Certains d'entre eux, des artistes célèbres jurent. Même décontracté Luke aime utiliser les plugins stock FL Studio dans ses mixes. Donc, avant de sauter dans l'égalisation, je veux juste vous montrer un exemple rapide de ce qu' une piste mixte ressemble à vs et non mixte. Ok, donc c'est juste pour vous montrer l'importance du mélange. Voici à quoi ressemblerait une piste si elle était mélangée. Et puis nous écouterons ce genre de segments exacts s'ils n'avaient pas été mélangés. Ok, écoutons. Et voici la version non mixée. Et je vais juste très rapidement sorte de AB les deux. Alors pendant qu'il joue, je sauterai entre les deux pour que vous puissiez entendre les différents côte à côte. Alors maintenant que vous pouvez voir l'importance du mélange, passons à la section de l'égalisation. 74. EQ pour le mélange: Dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur l'égalisation pour le mélange. C' est aussi communément appelé égaliseur. Alors, qu'est-ce que l'égaliseur ? Eh bien, l'égaliseur est le processus de façonnage d'un son soit en augmentant ou en coupant différentes fréquences. Vous pouvez cibler une partie très spécifique du son, puis éliminer ou boosters. Par exemple, si vous êtes un piano, ça sonne bien, mais pensez-vous que c'est un peu trop maladroit ou peut-être qu'il est trop lourd pour la piste. Vous pouvez utiliser l'égaliseur pour éliminer les basses fréquences et laisser les hautes fréquences dans son essentiellement la version audio de rognage d'une image. D' accord ? Vous voulez découper votre petite amie de, vous êtes le prochain post Instagram ou autre chose. Tout comme nous voulons découper les fréquences de base du son du piano. Maintenant que ce cours a continué, je ne cesse de mentionner la fréquence des mots. Alors, qu'est-ce qu'une fréquence ? C' est juste un terme scientifique que nous utilisons pour décrire combien de fois quelque chose se produit par seconde. Et dans ce cas, c'est une mesure du nombre de fois qu'une onde sonore se répète chaque seconde. Vous voyez pour que tout fasse un son, il doit vibrer. Ainsi, vous pouvez penser à la fréquence comme étant, combien de fois par seconde les haut-parleurs dois-je vibrer pour produire un son particulier. Et pour cette raison, la fréquence est en fait directement liée au pitch. Donc, si vous avez un effet de colonne montante dans votre piste qui monte en hauteur comme un endroit, alors cette colonne montante augmente également en fréquence. Vos haut-parleurs devront vibrer plus vite et plus vite pour qu'il sonne comme si la hauteur montait. Une sorte d'analogie facile pour cela serait de penser à une mouche, d'accord ? Une petite mouche a de petites ailes, donc il doit déplacer ces ailes plusieurs fois par seconde afin de pouvoir réellement voler. Et cela produit un son aigu. Mais une grosse mouche qui était de grandes ailes, il peut déplacer ses ailes moins de fois par seconde, ce qui produira un pas plus bas. Maintenant, la fréquence est mesurée en hertz, et nous pouvons utiliser ces blessures pour cibler différentes hauteurs du son et les supprimer ou les booster. Un humain peut seulement ici entre 20 hertz et 20 000 hertz, ou en d'autres termes, 20 vibrations par seconde, 20 mille vibrations par seconde. Ainsi, vous trouverez souvent qu'un plugin EQ est limité à l'intérieur de cette plage. Cependant, pour d'autres animaux, cela peut être différent. Vous savez, les chiens peuvent entendre jusqu'à 30 000 hertz. Et les baleines peuvent en fait ici jusqu'à 120 000 hertz, mais nous ne faisons pas d'EDM pour les baleines. Donc, restons juste avec la gamme de 20 à 20 000. Alors, quels sont quelques-uns des principaux paramètres que vous pouvez trouver sur votre plugin EQ. Eh bien, il y a un paramètre de fréquence, il y a un paramètre de gain, et il y a un paramètre Q, ok ? Le paramètre de fréquence indique à l'égaliseur quelle partie du son que vous souhaitez ajuster. Donc, si vous réglez la fréquence à environ 100, ce serait une basse fréquence. Et tout changement que vous apportez n'aura d'effet qu'autour de cette partie du son. Mais si vous réglez la fréquence à environ 15 000, eh bien, ce serait une fréquence élevée. Et tout changement que vous apportez n'aura d'effet qu'autour de cette partie du son. Le paramètre de file d'attente indique à l'égaliseur quelle précision vous voulez être. Donc, voulez-vous affecter ce domaine très spécifique ? Ou voulez-vous être moins précis et simplement stimuler ce domaine en général ? Et Q étroit affectera une zone spécifique, tandis qu'une file d'attente plus large affectera une zone plus générale. Le paramètre gain indique ensuite à l'égaliseur la quantité d'un coup de pouce ou d'un tribunal à appliquer. Donc, si vous définissez le gain Salut, cela rendra la zone affectée beaucoup plus fort que le reste. Et si vous réglez le gain bas, cela rendra la zone affectée beaucoup plus calme que le reste. Et quand nous utilisons ces trois outils ensemble, nous pouvons vraiment façonner un son et le rendre mieux adapté à une piste. Il y a d'autres ajustements que vous pouvez faire où vous pouvez réellement changer la forme de la courbe. D' accord ? Il y a donc quatre types principaux de courbes. Et ce sont une courbe de cloche, une étagère, une coupe basse et un coût élevé. Une courbe de cloche ressemblera à une cloche et c'est là qu'elle obtient le nom. Il peut aussi être appelé un pic ou une encoche, la courbe de plateau alors nous allons réellement ressembler à une sorte de colline plate. Le faible courant descendra complètement vers la gauche. Et cela peut aussi être appelé un passe-haut. Et puis une cour supérieure déposera complètement à droite. Et cela peut aussi être appelé un passe-bas. Maintenant, si vous regardez l'image de cette diapositive, vous pouvez voir certaines de ces formes en action. La forme de Locard est sur la gauche où la ligne tombe complètement. Si nous regardons maintenant où est le numéro un, vous savez, où la ligne descend vers le bas et puis remonte à nouveau. Cette courbe particulière est appelée une encoche parce qu'elle est une sorte de couper une encoche hors du son. La courbe au numéro trois, où le type de ligne monte puis redescend. Eh bien, ça s'appelle un pic ou une ceinture. Et enfin la forme de la courbe au numéro six, où la ligne monte et reste ensuite au niveau. C' est ce qu'on appelle une étagère. Il ressemble aussi un peu à une étagère sur laquelle vous pouvez mettre les choses. Si tu veux y penser de cette façon. Nous reviendrions sur toutes ces choses à nouveau dans la prochaine conférence et en fait en utilisant un égaliseur. Donc, ça pourrait avoir un peu plus de sens alors. Mais pour l'instant, c'est toute la théorie que nous devons connaître. Alors passons dans cette conférence maintenant. 75. Comment utiliser EQ: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre à utiliser l'égaliseur lorsque nous mélangeons. Donc la première que je veux faire est que tu devrais égaliser en une seule fois, ok ? Ce n'est pas un processus nécessaire, mais c'est beaucoup plus facile de se souvenir de ce que vous avez fait à d'autres instruments, ok, et ce que je veux dire par là c'est, disons que nous avons ceci, ce genre de modèle ici. D' accord ? Et si j'applique une sorte de boost haute fréquence à cet élément. Et puis quand je regarde l'autre type d'instrument qui est superposé avec celui-ci. Ok, je ne veux pas aussi appliquer le même type de boost haute fréquence à cet instrument parce que les deux sont censés se compléter bien, donc si cet instrument a un boost haute fréquence, alors je suis plus que probable va supprimer les mêmes fréquences de cet instrument. Donc, pour cette raison, c'est beaucoup plus facile si nous faisons tout l'égaliseur en une seule fois. Donc, nous faisons tout l'égaliseur pour ce plug-in, puis nous passons au suivant. Et puis nous faisons tout l'égaliseur pour celui-ci, et ensuite nous faisons tout l'égaliseur pour cela et tout l'égaliseur pour cela et c'est l'égaliseur pour cela et ainsi de suite. Ok, alors revenons à ce genre de modèle principal sur la piste 9 et nous écouterons à nouveau ce que ça ressemble tout seul. Ok, donc la première chose que je vais faire est que je vais ouvrir un plugin EQ. Et je vais en fait utiliser le genre d'égaliseur par défaut fourni avec FL Studio afin que vous puissiez utiliser le même plug-in dans votre piste. Ok, donc on va ouvrir ce plugin et ça ressemble à ça. Maintenant, chacun de ces nombres ici, ils sont appelés bandes de fréquences. Et ce que cela signifie simplement, c'est combien de fois pouvez-vous affecter certaines zones, ok, donc avec ce plugin, nous n'avons que sept. Donc, nous ne pouvons faire que des ajustements comme ça. On ne peut le faire que sept fois. Certains autres plug-ins vous permettent de dessiner dans vos propres bandes et vous pouvez en ajouter autant que vous le souhaitez. Certains autres plugins ont moins et d'autres plugins en ont plus. Cela dépend simplement du plug-in que vous utilisez. Ok, donc je vais remettre ça à la valeur par défaut, donc nous le regardons quand il était à nouveau plat. Donc on le regarde quand c'est Flash. Et maintenant, je vais juste expliquer le processus d'application de l'égaliseur. D' accord ? Donc, pour appliquer un égaliseur, tu prends un de ces groupes, ok ? Et ce que tu vas faire c'est ton gain, une sorte de paramètre de gain. Donc, vous allez augmenter le gain aussi haut qu'il va. Et puis vous allez resserrer la file d'attente. Ok, donc c'est seulement une sorte d'effet, donc ça n'affecte qu'une très petite zone. Et alors que le son est en train de jouer, vous allez venir ici au paramètre de fréquence et vous allez le déplacer vers le haut ou vers le bas. D' accord ? Donc tu vas voir que tu vas commencer par le bas. Et tu vas bouger ça pendant que le son est en train de jouer. Et vous allez trouver des fréquences que vous n'aimez pas, accord, toutes les fréquences qui font un son méchant. Ok, alors faisons-le très vite pour ce son. Maintenant, vous pouvez entendre que cette fréquence particulière, il y a une sorte de résonance. Il y a un peu, une maison qui se passe si on écoute à nouveau. Ok, et maintenant ce qu'on va faire, c'est réduire ça parce qu'on a trouvé la méchante fréquence. Et maintenant, on va juste l'enlever. On ne veut pas de cette méchante fréquence et du son final. Et on va faire la même chose avec ces autres groupes ici. Donc on va augmenter en haut, rendre la file d'attente très étroite comme ça. Et puis on va passer à travers et trouver une autre méchante fréquence. J' ai trouvé une autre méchante fréquence que je n'aime pas. Encore une fois, je vais couper ça. D' accord ? Et tu vas le faire avec peut-être tous ces groupes ou peut-être moins de ces groupes en fonction du nombre de fréquences méchantes que tu as dans ton son. Et ne vous enlisez pas trop avec ce Roni à la recherche des fréquences très, très spécifiques. Alors, trouvez où ils sont et découpez-les du son. Une fois que vous avez attrapé toutes les méchants fréquences, alors ce que nous faisons est de charger un deuxième plugin EQ. Et nous utilisons ce second plugin pour façonner le son. Ok, donc le premier est de faire sortir toutes les méchants fréquences. Et maintenant, nous utilisons celui-ci pour booster toutes les belles parties du son. Donc avec ces groupes, tu vas les booster, d'accord, comme nous l'avons fait avant. Mais vous allez laisser la file d'attente autorisée plus large. Ok, donc on utilisait un Q étroit avec le dernier plugin. Eh bien, avec celui-ci, nous allons utiliser un Q OK beaucoup plus large. Et je vais balayer les fréquences et je vais trouver une fréquence que j'aime. Ok, j'aime un peu le son de cette fréquence. Donc, je vais venir ici au paramètre de gain et je vais le refuser un peu. Donc, ce n'est pas une sorte d'accablant. Mais maintenant que nous avons trouvé la fréquence, je vais jouer le son et ajuster ceci pour trouver le réglage de gain où il sonne le mieux. Ok, alors écoutons. Donc, je pense que les paramètres de gain sonne bien ici. Nous pouvons également utiliser cet égaliseur pour supprimer des parties du son que nous n'aimons pas. Ok, donc si je prends ce troisième paramètre et que j'amplifie ce flux vers le haut. Et encore une fois, on va garder la file d'attente assez large. Et je vais passer à travers et je vais trouver une fréquence que je n'aime pas. Ok, écoutons. Donc je n'aime pas cette partie particulière du son. Ok, donc ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici. Et encore une fois, je vais le baisser à plat. Et puis je vais écouter et je vais couper le son jusqu'à ce que je trouve un bon niveau pour le paramètre de gain o, jusqu'à ce que je trouve un bon niveau pour le paramètre de gain. Ok, écoutons. Donc maintenant, si nous écoutons ce son sans le second égaliseur allumé, ça sonne comme ça. Et si nous le rallumons, et encore une fois l'éteindre. Donc, vous pouvez voir qu'il y a un deuxième égaliseur rend le son un peu plus lumineux et un peu plus dans votre visage. Donc, ce que nous faisons est de réutiliser l'égaliseur supérieur pour trouver le spécifique et les découper. Et puis nous utilisons l'égaliseur inférieur pour trouver le général. D' accord ? Ce que vous ferez, c'est que lorsque vous aurez tout cela fait, vous passerez à un autre instrument. Donc, dans ce cas, je vais utiliser le calque qui joue en même temps. D' accord ? Et nous ferons la même chose, ok, donc quand vous arriverez ici, votre premier égaliseur que vous chargez sera pour le général. Donc encore une fois, si nous prenons ça et nous en quelque sorte, nous aurons une file d'attente étroite et balayerons le son. Je vais juste le faire vraiment, très vite ici. Je vais agrandir la coudée. Ok, je n'aime pas cette fréquence. Faisons-le avec le numéro trois. Le qx, oops, rend la file d'attente si elle est plus étroite. Cours de Mileva. Ok, il y a une méchante fréquence ici aussi. Donc, je vais couper ça. Et vous le ferez encore avec tous les groupes. Et puis vous chargez votre deuxième égaliseur. Et encore une fois avec cet égaliseur, nous essayons de façonner le son, mais la seule différence est que nous essayons de le façonner pour qu'il corresponde à cet instrument. Ok, on pourrait, pour qu'on puisse écouter cette chanson tout seul. Et on pourrait trouver les belles fréquences. D' accord ? Et nous pourrions, nous pourrions peut-être, je pense que ça sonne bien là-bas, et nous pourrions finir par augmenter ça autour de 2 000 hertz. D' accord ? Mais si nous vérifions l'autre instrument, nous pouvons voir que cela est également augmenté près de 2 mille hertz. Il est porté à 1.51000. D' accord ? Et si on jouait ces deux-là en même temps, on dirait qu'ils se battent pour l'espace. Donc, ce que nous devrions faire en fait, c'est que nous devrions les écouter en même temps. D' accord ? Donc, nous allons écouter cet instrument pendant que celui que nous avons juste un cube joue pour que nous puissions nous assurer que cet instrument est bien adapté à celui-ci. Alors écoutons et nous allons trouver les fréquences où cet instrument, il est en conflit avec l'autre. Et puis nous allons trouver les fréquences où ces instruments complimente celui-ci. D' accord ? Alors faisons ça et écoutons certaines des fréquences de conflit. Ok, donc ces deux fréquences se battent maintenant pour l'espace. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais sortir ça de cet instrument, ok ? Et ça peut sembler terrible quand on le joue seul. Mais la chose est tout au long de cette piste, il ne joue jamais seul. Il est utilisé comme une couche. Nous devons donc nous assurer que cet instrument complète celui-ci. Maintenant, si on écoute ce que ça ressemble, ça sonne comme ça. Et maintenant, trouvons une fréquence qui complète peut-être l'autre instrumental. Ok, alors écoutons maintenant. Donc peut-être par ici, il y a une sorte de 450 hertz. Et par souci de démonstration, faisons-en une autre. Essayons peut-être de trouver une fréquence plus élevée. Ça a l'air bien. Bon, maintenant ces deux instruments, quand ils jouent ensemble, ils vont s'emboîter comme une scie sauteuse. Ok, alors écoutons les deux jouer en même temps. Et puis j'éteindrai ce second égaliseur et on verra à quoi ça ressemble. C' est avant EQ. Et si on rallume l'égaliseur, éteint, allumé , éteint. Donc, je suis sûr que vous pouvez entendre combien de différence que égaliseur fait réellement pour façonner le son. Nous allons passer maintenant à la prochaine conférence où nous établirons davantage nos connaissances et nous apprenons sur les présences sur 76. La zone de présence: Dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur la présence sur. Ainsi, la zone de présence est située entre environ 1,5 mille hertz, jusqu'à environ 5 mille hertz. D'accord. Et cela s'appelle la présence sur, parce que c'est la zone où l'oreille humaine est la plus sensible à l'audition. Donc, si vous booster quelque chose dans ce domaine, donc entre 1,5 000 ou 5 000, si vous booster quelque chose ici, ça sonnera beaucoup plus clair et beaucoup plus lumineux. Ok, donc je vais juste réinitialiser ça. Et ce que nous ferons, c'est que nous écouterons ces voix pour réinitialiser ça. Nous écouterions ces voix et augmenterons la zone de présence. Et nous verrons quel genre de différence cela fait. Si je ne compte pas ça, reviens. Donc, je suis sûr que vous pouvez remarquer que votre oreille est assez sensible à certaines de ces fréquences. Vous savez, pendant que nous étions en train de balayer, certaines des fréquences sonnaient assez dures. Et c'est parce que nos oreilles sont les plus sensibles à ce genre de gamme de fréquences. Si je devais augmenter une fréquence ici, peut-être en 370, ça ne sera pas aussi dur. Mais si je viens ici à la présence sur pour que vous puissiez voir l'avantage d'utiliser la présence sur, ok ? Et en général, tout ce que vous booster dans cette zone va sonner bien. Et je vais juste vous donner un autre exemple ici. Si nous prenons ce genre de touches déformées et que j'entre dans le modèle, je vais juste éteindre la boucle et nous avons une écoute à quoi elles ressemblent. Ils doivent donc être éteints. On va vérifier avec l'air. Piste dix. Donc, il y a dans la piste dix. Alors résolvons ce MOOC, à quoi ils ressemblent. Ok, maintenant si je charge un plugin EQ et puis j'ai essayé de booster la présence sur peut peut-être être des arcs ici. Et si je l'éteins, puis reviens. Ok, donc vous pouvez entendre que ça sonne mieux instantanément. Patron. D' accord, et c'est un énorme buisson. C' est ça le problème. D' accord ? Le problème, c'est que tout semble bien quand il est boosté ici. Mais quand vous mélangez, si vous booster tout dans ce genre de gamme de fréquences, alors tout va se heurter les uns aux autres. Et nous avons examiné cela brièvement dans la conférence précédente où nous avons augmenté le genre de fréquences sur deux instruments différents. Si nous faisons ça dans notre mix, si nous stimulons, vous savez, toutes ces pistes différentes en présence sur, elles vont tous se battre. Voici donc la règle numéro un d'utilisation de la présence sur. Vous ne devriez vraiment que renforcer les principaux éléments de votre piste, d'accord ? Des choses comme la voix, peut-être un instrument principal, et peut-être des accords, et c'est tout, ok ? Vous devez être très, très prudent quand vous l'utilisez que tous les éléments sont en quelque sorte en train de se heurter et de se battre pour l'espace. Donc, si par exemple, je viens à mon arrangement ici et disons que je vais juste lui monter. Disons que je booste mon double-clic ce chant. Disons que je booste ma voix dans la zone actuelle. Ok, eh bien ça veut dire qu'avec ces accords ici, je ne vais pas les booster en présence aussi. D' accord. Voyons où ils sont, la table de mixage et on va les allumer. Ok, maintenant si j'ouvre un égaliseur et que j' écoute la zone actuelle de cet instrument particulier. Vous remarquerez que, encore une fois, ça sonne très bien, mais si nous jouons ces deux choses en même temps, ça ne semble pas aussi bon. Donc, ce que nous faisons, c'est que nous prenons cette présence et nous la coupons. Ok, parce que quelque chose d'autre qui joue en même temps est en quelque sorte d'occuper cet espace. Donc nous ne voulons pas que cet instrument occupe cet espace, alors nous l'avons découpé et ensuite nous trouvons peut-être une fréquence différente qui fonctionne. Peut-être pas celle-là, peut-être certaines de ces fréquences. Et vous pouvez voir aussi en faisant cela, que les voix deviennent beaucoup plus claires si nous écoutons cet instrument sans l'égaliseur. Portez une attention particulière aux voix et à leur clarté lorsque nous réactivons cet égaliseur. Donc, je suis sûr que vous avez remarqué que lorsque nous nous tournons vers l'égaliseur, le chant semble devenir plus fort et c'est parce que nous avons créé de l'espace pour eux. Donc, l'utilisation de la zone actuelle est un outil très puissant pour attirer l'attention sur certains éléments de votre piste. Mais vous devez vraiment faire attention à l'utiliser trop, surtout quand de sorte d'éléments jouent en même temps. Il suffit de choisir un élément principal qui sonne le mieux avec la zone actuelle, puis de supprimer la présence sur, de certains des autres éléments. Dans la prochaine conférence, nous apprendrons comment appliquer l'égaliseur aux instruments. 77. EQ pour les instruments (PARTIE 1): Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'égaliseur pour les instruments. J' ai donc quelques instruments dans ce genre de section d'accumulation. Si on écoute juste, je vais couper le son. Ok, je vais encore allumer ces chaînes. Donc je vais juste commencer par le haut ici avec ce modèle. Ok, donc c'est cet instrument. D' accord ? Et c'est sur la piste 9. Donc, si nous entrons dans le mixeur ici et nous pouvons voir qu'il est déjà mis en évidence neuf non suivi. Donc, je vais en solo et je vais charger le premier plugin EQ. Et avec celui-ci, si vous vous souvenez, nous cherchons toutes les méchants fréquences de son. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais laisser le modèle jouer. Et pendant qu'il joue, je vais ajuster certains de ces paramètres juste pour que nous puissions éliminer certaines des méchants fréquences. Ok, alors écoutons le modèle et je vais commencer à peaufiner certains des paramètres d'égalisation. Ok, donc on commence par deux ici. Je vais augmenter le gain et je vais réduire la file d'attente. Et puis je vais balayer un jamais écouté toutes les différentes fréquences. Ok, donc il y a une méchante fréquence ici, je pense que c'est ce 211 hertz. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais baisser le gain comme ça et couper cette fréquence. Ensuite, nous allons écouter à nouveau et nous allons essayer avec ce troisième groupe. Donc encore une fois, je vais augmenter le gain et un étroit le q. Ok, et partons de cette position parce que nous avons déjà balayé ces fréquences ici. Alors écoutons. Ok, donc il y a clairement une résonance, sorte de méchante fréquence quelque part par ici. Donc, je vais couper ça. Ok, et nous ferons encore la même chose avec ce quatrième groupe. Augmentez le gain, affinez le Q. Et encore une fois, écoutez. Ok, donc c'est déjà un peu dit que c'est un quartier méchant, donc je vais en retirer un peu. Et encore une fois, avec le cinquième groupe, on va le booster, resserrer la file d'attente. Et j'ai écouté certaines des méchants fréquences. Je pourrais juste rendre la queue un peu plus blanche. Et ici quand 1424, on va faire la même chose et on va couper cette fréquence. D' accord ? Donc maintenant, le son sonne comme ça. Et si nous éteignons cet égaliseur, vous avez remarqué que le son devient beaucoup plus désordonné. Donc je vais l'éteindre et nous vivons une leçon. Et puis pendant qu'il joue, je vais juste rallumer ça et vous entendrez le genre de différence dans le son. Donc, cet égaliseur fait une énorme différence. Et je ne savais pas combien de fréquences méchantes étaient en fait dans ce son jusqu'à ce qu'on arrive et qu'on fasse cet égaliseur. Maintenant que nous sommes satisfaits de ces paramètres d'égalisation, nous sommes prêts à passer au second égaliseur. Et cet égaliseur est de façonner le son. Ok, donc on va trouver les bonnes fréquences et on va les booster. Et puis nous allons trouver certaines des fréquences pas si belles et nous allons juste les découper avec une sorte de courbe plus générale. Ok, donc recommençons avec ce second groupe. Et je vais le booster et je vais faire un balayage et trouver de belles fréquences. Ok, donc je pense que le genre de partie principale du son, le genre de présence de ce son est quelque part ici, soit 771 hertz. Et donc je vais quitter le, je vais laisser ce groupe ici. Et je vais le refuser un peu parce que je pense que c'est un peu trop. Et je pense que nous pourrions rendre la queue un peu plus étroite, juste pour qu'elle soit un peu plus concentrée. Et encore une fois, nous allons utiliser ce groupe goudronné ici et nous allons passer à travers et vous trouverez de belles fréquences, ou peut-être même des fréquences méchantes. Alors écoutons le son. Mais je n'aime pas ce domaine particulier. Je pense que c'est un peu boueux et un peu encombrant, donc je vais baisser le gain ici. Et pas trop, je ne suis pas, je n'essaie pas de faire un son vraiment agressif. Je voulais que ce soit transparent. Et encore une fois, il suffit de rétrécir légèrement le Q, donc c'est un peu plus concentré. Essayons donc de trouver quelques fréquences ici pour booster ou une sorte de coût. D' accord ? Donc je vais prendre ce groupe de six et peut-être que maintenant le Q est un petit pari. Et on va juste écouter. Donc, cette zone semble un peu dure ici. D'accord ? Donc ce que je vais faire, c'est que je vais baisser le gain juste un petit peu. D' accord ? Je ne veux pas enlever trop de ces fréquences parce que c'est dans la zone actuelle et c'est là que nos oreilles sont les plus sensibles. Mais en même temps, ce son est un peu dur dans ce domaine. Donc je vais juste enlever ces fréquences et ensuite je vais élargir la file d'attente. Juste des sortes d'un peu plus genre de généralisé. Et je pourrais juste redonner un coup de pouce, même plus que ça. Je voulais juste être un peu subtil. D' accord. Écoutons. Allons entendre ce que le son, désolé. Écoutons ce que le synthétiseur sonne maintenant sans cet effet d'égalisation sur. Et je vais le rallumer. Donc je pense que le son est un peu plus concentré maintenant, je pense que nous avons en quelque sorte capturé la zone principale de cet instrument particulier. La dernière chose à faire est de faire des coupes basses et élevées. Ok, donc c'est pour ça que j'ai laissé ce groupe de 17 personnes seul. Ok, parce que nous allons les utiliser pour faire un coût élevé et faible. Donc, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner le type. Et je vais changer la forme de la courbe en un col haut, d'accord ? Ou en d'autres termes, un faible coût. Donc on ne laisse passer que les hautes fréquences. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va traîner ça jusqu' à ce qu'on tue la base de ce son. Ok, on ne veut aucune des fréquences de base en quelque sorte, eh bien, tout ce qui n'est pas le coup de pied et ce n'est pas la base. Ok, donc les fréquences de base ici sont réservées pour le coup de pied dans la base. Alors que vos instruments, vous devez supprimer ces basses fréquences. Ok, alors écoutons à nouveau le son, et je vais en quelque sorte déplacer ça de haut en bas jusqu'à ce que les fréquences de base aient été supprimées. D' accord ? Ok, donc je pense que quelque part par ici, je ne peux pas vraiment le voir, mais je pense que c'est quelque part autour de 200 hertz. Je pense que c'est une sorte de zone D où les fréquences de base sont éliminées de ce son, mais nous conservons toujours la partie principale du son. Ok, ensuite, pour les hautes fréquences ici, je vais changer ça pour une étagère, ok ? Et en fait, il est déjà placé sur une étagère haute. Et la raison, OK, accrochez-vous. Il y a deux types d'étagère. Il y a une étagère basse et une étagère haute. Et ce qu'est une étagère haute, c'est quand l'étagère monte et qu'elle va à droite ici. Ok. Donc, quand vous tirez vers le bas, le genre de ligne que vous changez sera toujours sur la droite. Maintenant, si je change cela à une étagère basse, ce qui va se passer est au lieu d'affecter cette ligne à droite, sera en fait affecter tout à la, à gauche. D' accord. Donc je vais juste le changer en étagère basse quand on verra ce qui se passe. Bon, maintenant j'affecte tout à gauche de ce groupe. Et vous pouvez le voir là-bas avec la ligne bleue et la courbe exacte de l'étagère. Donc je vais remettre ça sur une étagère haute parce que je veux seulement affecter les hautes fréquences. Et je vais juste en sortir certains parce que je ne pense pas qu'ils soient nécessaires pour ce son particulier. Savez-vous qu'il y a beaucoup de fréquences hachées là-haut dont nous n'avons pas besoin dans le son. Donc, je vais sortir ça. Tout d'un coup, pas trop. Et maintenant, nous allons écouter ce son sans aucun égaliseur allumé. Ensuite, nous allons les rallumer et écouter ce que ça ressemble avec les ajustements que nous avons faits. Ok, donc je pense que cet instrument a l'air bien. Ça a l'air assez propre. Et je pense qu'on peut passer à un autre instrumental. 78. EQ pour les instruments (PARTIE 2): Donc, parce que j'ai un peu appliqué l'égaliseur à ce modèle, je vais commencer à retirer tout ce qui joue en même temps. Donc, je vais baser tout l'égaliseur que je fais avec d'autres éléments. Je vais le baser sur l'égaliseur que nous avons fait avec cet élément. D' accord ? Donc, si nous prenons ce modèle de fluorophore et nous trouvons où c'est sur le mélangeur. On peut voir que c'est sur le canal 6. Donc si je solo ça, ça sonne comme ça. Ok, donc la première chose que nous devons faire est de résoudre cela et nous devons charger le premier égaliseur. Et c'est juste pour couper n'importe quelle fréquence méchante. Donc je vais le faire vraiment, très rapidement juste pour que nous puissions passer à la prochaine partie de la conférence. Ok, donc je vais juste jouer le son et très, très vite passer à travers et trouver des fréquences méchantes. Je pense que ces fréquences sont assez bien, mais je vais juste les sortir très, très subtilement parce que je pense qu'elles sont un peu plus élevées, alors ok, écoutons le son sans l'égaliseur et ensuite je vais allumez-le pendant que le motif est en cours de lecture. Ok, donc je remarque que cet égaliseur fait du bon travail. C' est en quelque sorte nettoyer le son et le rendre un peu plus clair. Maintenant, nous pouvons passer au deuxième égaliseur. Et ce qu'on va faire avec cet égaliseur, c'est qu'on va écouter l'autre instrument que nous avons déjà appliqué, le dq2, d'accord, qui est cet Icarus. Oups, c'est ce plug-in Icarus, ok. Et la raison pour laquelle nous allons écouter ces deux jeux même temps, c'est parce que j'ai déjà fait la queue du son. Donc je veux m'assurer que ce son, Il convient bien avec ce son, d'accord, parce que si je l'égalisais seul et que je n'écoute pas vraiment l'autre instrument, alors je le fais aveuglément. Alors qu'au moins si j'ai cet autre instrument sur, je peux ici quelles fréquences complètent l'autre instrument ? D' accord ? Donc la première chose que je vais faire est que je vais appliquer une coupe basse juste pour me débarrasser de certaines des fréquences de basse indésirables. Donc je vais laisser les instruments en solo pour l'instant. Et je pourrais juste rendre la file d'attente un peu plus raide. Et si on passe aux hautes fréquences et on écoute ce qui se passe ici. Je pourrais les sortir très, très soudainement, très doucement. Juste pour se débarrasser de ce genre de bruit sifflant, ça ressemble à un peu statique. Mais même déplacer cela un peu vers la droite juste pour que ce soit juste un très, très haut de l'égaliseur ici. D' accord ? Maintenant, nous sommes prêts à revenir dans la liste de lecture et à écouter ces deux instruments en même temps. Et sera égalisateur, les deux instruments genre de côte à côte. Ok, écoutons. Donc je vais commencer à stimuler les choses. Je vais essayer de booster cela pour ma baisse juste un petit peu. Et n'a jamais écouté certaines de ces fréquences. La première chose que je remarque, c'est que ce genre de fréquence est en conflit avec cet instrument. Donc les deux, ces deux instruments se battent pour l'espace autour de cette fréquence. Donc je vais provoquer cette fréquence afin qu' elle laisse à cet instrument un peu plus d'espace pour respirer. Et je pourrais juste réduire le Q, donc c'est un peu plus concentré et sortir un peu plus. Et maintenant va stimuler ce groupe de trois et Mileva, écouter le modèle comme un lieu. Donc j'aime le son ici. Maintenant, je ne suis pas un grand fan de ça, mais je pense que ça ajoute quelque chose aux autres instruments, donc je vais augmenter ça jamais, jamais aussi légèrement. Ok. Voici donc le paramètre par défaut. Je suis, je vais juste stimuler ça très, très doucement, comme ça. Et je vais écouter ces deux instruments à nouveau. Et je vais juste ajuster quelque chose dans le haut de gamme ici. Je pourrais ajouter un peu de haut ou je pourrais en découper un peu. Je ne sais pas encore. Alors écoutons les instruments. Ok, donc je pourrais ajouter certaines de ces hautes fréquences ici parce que je pense que ce son manque certaines de ces hautes fréquences que ce son pourrait lui donner. D' accord ? Donc, ce qu'on va faire, c'est réduire ce genre de groupe de six. Et nous écoutons les deux instruments qui jouent ensemble. Et puis je boosterai ce groupe de six. Ok, écoutons. Je ne veux pas ajouter trop de choses parce que je pense que ça devient un peu dur, mais nous ajoutons juste un petit peu. Ok, alors jouons le modèle et nous aimons écouter ce que ça ressemble sans égaliseur. Et puis en jouant, j'ajouterai ces égaliseurs et nous verrons quel genre de différence ils font. Ok, donc à la deuxième écoute, je pense que nous avons vraiment attrapé un peu trop de son ici dans ce plugin. Donc, et je pense que ça vient de ça, ce groupe de quatre. Donc je vais juste booster ça. Encore une fois. Pas de folie, mais juste un peu plus, juste pour que nous ayons un peu plus de ce genre de fréquence dans le son. Écoutons encore une fois. Ouais, je pense que ça sonne beaucoup mieux maintenant. C' est donc le processus que vous allez utiliser lorsque votre égaliseur dans vos pistes. Ok. Et à partir de là, on continuerait et on égaliserait tous les autres instruments. Et nous écouterions tous les instruments que nous avons déjà QI, quand nous mettrons en file d'attente le nouveau. D' accord. Donc, ce que je veux dire par là, c'est dans ce cas particulier nous écoutions ce mondain pendant que cet Icare jouait pour que nous puissions ici quel genre de fréquences se complétant. Et si nous devions ensuite aller égaliser ce plug-in Spire, nous égaliserions le plug-in spire pendant Icarus et la rejouation précoce. Ok, et si on devait aller égaliser ce piano ici, on égaliserait le piano pendant que Spire, Icare et le monde que tu jouais. Et vous le faites tout le long jusqu'à ce que vous arriviez à vos instruments finaux. Et à ce moment-là, fondamentalement, tous les instruments sont allumés. Alors assurez-vous d'utiliser le genre de deux techniques d'égalisation, d'accord, le premier à couper les mauvais sons et à rendre le son global un peu plus propre. Et puis le second pour booster les belles fréquences et le genre de forme de chacun des instruments et les rendre ensemble comme une scie sauteuse. N' oubliez pas non plus de provoquer les basses fréquences de vos instruments, ok, parce que les basses fréquences sont en quelque sorte réservées au coup de pied dans la base. Donc vos instruments n'ont pas besoin ces basses fréquences parce que quand ils sont ajoutés dans le mix et que vous apportez la base et la base remplira ce genre d'espace vide vers le bas. Ok, donc dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'égaliseur pour la base. 79. EQ pour la basse: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'égaliseur pour la base. J' ai déjà chargé la base dans notre table de mixage. Et ça ressemble à ça. Je vais suivre exactement le même processus que celui qu'on a fait avec les instruments. Nous allons donc charger le premier égaliseur. Et puis nous allons sélectionner ce second groupe. Une sorte de pli boosté. Amener la file d'attente étroite. Pas trop étroit, mais juste un peu d'obtenir un ish étroit. Ensuite, nous allons écouter le son pendant qu'il joue et balayer à travers. Alors faisons ça maintenant. Ok, donc juste une sorte de fréquence de résonance quelque part par ici, soit 87. Je ne peux pas vraiment le voir, mais c'est bon. On va juste refuser ça. Et j'ai écouté le son maintenant. Ok, et on va prendre cette bande de turd et encore faire le même processus, affiner la file d'attente. Et nous allons balayer un peu à partir d'ici, parce que nous avons juste balayé à travers ces fréquences sont prêtes. Alors écoutons. D' accord. Donc c'est une fréquence vraiment, vraiment résonante là-bas. Donc on va sortir ça beaucoup, un peu plus que l'autre fréquence. Ok. Allons entendre à quoi ressemble la basse maintenant. Ok, et on va faire la même chose. Encore une fois. On va booster ce quatrième groupe, on va réduire la file d'attente. Et on va écouter. Et encore une fois, c'est, en fait, il est ouvert sur une sorte de terribles, méchantes fréquences. Donc je vais sortir ça. Nous le referons pour la cinquième jusqu'à ce que nous manquions de mauvaises fréquences ou que nous manquions de groupes. Ok, écoutons. Ok, donc cette fréquence particulière, ce n'est pas très , très dur, mais c' est quand même pas très agréable à écouter. Donc je vais le retirer. Et, mais pas autant que certains des autres, sorte des autres groupes que nous avons retirés. Essayons. Ce sixième groupe. Oups, je suis après avoir refusé le Q pour la cinquième et essayons ce sixième événement. Donc ceux-là sont terribles. Il y en a peut-être un quelque part ici. Oh, ouais. On vient de sortir ça. Pas autant que les autres. Juste une sorte d'ajustement subtil. Et maintenant écoutons la basse. En fait, nous allons d'abord écouter la basse sans l'égaliseur, puis je vais l'ajouter comme base de jeu. Maintenant, avec la base, ce que nous devons aussi faire est de couper une partie du haut. Donc, comme le contraire de ce que nous faisions avec les instruments. Là où nous étions en train de couper les fréquences de base instruments allaient couper les hautes fréquences hors de la base. Alors passons cela à un passe-bas pour laisser sortir des basses fréquences et une sorte de glissement à travers. Et puis nous allons juste en quelque sorte ajuster la file d'attente pour qu'il soit un peu plus raide. Et puis nous allons passer à travers et nous trouverons un point où cette coupe basse sonne bien. Ok, quelque part par ici, c'est bon. C' est un peu se débarrasser de ce sifflement inutile. Et nous conservons toujours la majeure partie du son de la basse. D' accord ? Et encore une fois, nous allons charger notre deuxième égaliseur. Et cette fois, je vais écouter les autres instruments pendant que la basse joue. Donc à ce stade, vous auriez EQTL vos instruments. Et maintenant, vous pouvez écouter la base pendant que les instruments jouent. Donc je pourrais juste le baisser légèrement pour que ce ne soit pas accablant. Alors montons ici et on va commencer à déplacer ces groupes. Donc, je vais stimuler le deuxième groupe et je vais un peu balayer à travers et trouver un endroit où la, où la base sonne bien avec les instruments D jouer. Je pense donc que ce genre de domaine vient compléter le son des instruments. Eh bien, ce que je vais faire, c'est que je vais laisser ça boosté, mais je veux vraiment le booster de trop, ok ? Parce que les fréquences de base sont très, très lourdes. Donc, quand on fait n'importe quelle sorte d'ajustement, on va juste le rendre très, très subtil. D'accord ? Donc c'est juste une petite sorte de contour et nous allons écouter ce que ça ressemble maintenant. Et j'ai aussi remarqué que quand je dormais à travers cette somme des fréquences ici sont en fait en conflit avec les instruments. Alors je vais écouter et les trouver et les sortir. D' accord ? Oui. Donc je pense que c'est quelque part par ici, donc je vais vraiment sortir ces fréquences. Et cela devrait libérer un peu plus d'espace pour les instruments. Maintenant que nous avons mis en file d'attente les instruments et nous avons aussi une base en cubes. Il est temps de passer à autre chose et nous commencerons à faire la queue des tambours. Et on va commencer à faire la queue des tambours. 80. EQ pour la batterie: Dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur l'égaliseur pour batterie. Quand on fait la queue des tambours, on doit être au courant de quelque chose appelé la zone de boue et quelque chose appelé le cri, ainsi de suite. Ainsi, la zone de boue est principalement en coups de pied. Ok, si je viens de vendre mon kick drum solo, c'est ici dans la liste de lecture. D' accord. Donc on trouve juste le coup de pied. Ici, c'est. Et on a vu ça. Ok, quand on égalisera ça, il y a quelque chose qui s'appelle la zone de boue et je te montrerai que c'est habituellement entre cent et deux cents. Donc quelque part par ici, il y aura un son horrible et boueux. Si je rétrécit le q. Ok, quelque part par ici. Et il semble juste que le son du kick drum est un peu boueux, sont encombrés. Ok, donc on va sortir ça. Pas trop vraiment comme une sorte de vers subtilement parce que nous ne voulons pas nous débarrasser des fréquences de base. Tu sais, si on sort trop ça, perdra toute cette belle base. Mais en même temps, cette fréquence rend le son boueux. Donc on va le sortir juste un peu. Et nous écouterons les sons du kick drum comme maintenant. Et avec le kick drum, Nous allons aussi essayer de trouver où est l'attaque ou où est le genre de bruit transitoire ou cliqué. D'accord ? Donc, je vais stimuler cela et un peu rétrécir le q et juste trouver où est l'attaque du son. Ok. Il semble être quelque part ici, donc je vais baisser ça. Donc c'est un peu plus subtil. Mais ce que cela fait, c'est qu'il crée un peu plus d' un coup de poing ou un son d'attaque pour ce kick drum, écoutons le kick drum sans le plugin EQ et puis nous le rallumerons comme le kick drum est clair. Je pense que ce groupe ici est un peu trop fort, donc je vais juste le refuser un peu, juste pour que ce soit vraiment, vraiment subtil. Et nous écoutons à nouveau. Alors écoutons tout le motif du tambour. Ok, donc je vais posséder le coup de pied en solo, et on va juste écouter ce que la batterie ressemble quand ils jouent tous ensemble. Et je vais juste zoomer pour qu'on puisse tout voir. Ok, écoutons maintenant. Ok, donc il y a quelques couches qui se passent. Il y a certains des chapeaux sont superposés et certains des claps ou en couches. Ok, donc nous reviendrons dans la table de mixage et nous commencerons à égaliser ce modèle de batterie. Donc si on commence par ici avec cette ouverture que j'avais, et je vais le faire en solo. D' accord ? Et nous allons charger un plugin EQ. Et avec la batterie, ce n'est pas aussi nécessaire de faire le genre de ça, vous savez, le genre de fréquence hachée de tirer les mauvais parce que l'échantillon joue pendant si peu de temps. Et, mais bien sûr, par tous les moyens, vous pouvez le faire, d'accord ? Et il le fera, ça rendra votre mélange un peu plus propre. Mais ce n'est pas une étape nécessaire à franchir avec votre batterie. Donc, je vais juste baisser ça. Et je vais plutôt juste augmenter les belles fréquences et un peu attrapé certaines des fréquences les plus difficiles. Ok, alors écoutons ce chapeau et on va en quelque sorte balayer et on trouvera de belles fréquences. Ok, je vais rétrécir le Cuba. Donc j'ai vraiment aimé la façon dont il y a eu des sons autour de ce 7 500 max. Donc je vais essayer de comprendre un peu plus subtil. Et puis je vais peut-être prendre ce groupe de deux et je vais chercher des fréquences que je n'aime pas. Ok, alors écoutons. Ok, donc je n'aime pas ces fréquences ici, ces deux mille, trois mille. D'accord. Alors sortons certains d'entre eux. Et je vais juste élargir l'accusé ou nous allons en quelque sorte enlever plus de cette zone. Et écoutons le chapeau maintenant sans l'égaliseur, puis avec l'UE. Donc je pense que cet égaliseur rend le chapeau un peu plus lumineux et un peu plus agréable à l'oreille. Ok, donc la prochaine chose que je vais faire est que je vais trouver une couche, ok, et je vais, je voulais voir s'il y a une couche qui joue à côté de ce chapeau, parce que je vais égaliser les deux couches côte à côte. Et je pense que peut-être que nous sommes en train de regarder est celle-là, ce qui veut dire que c'est ici, ok, ce chapeau est aussi une couche sur la piste 26. Allons donc allumer ça. Et ce que nous allons faire, c'est que nous allons charger un plugin EQ à nouveau. Et nous allons voir à quoi ressemble le son. Ok, donc tout est en quelque sorte concentré dans ce domaine. Ce qu'on va faire, c'est écouter les deux chapeaux jouer en même temps. Et puis nous allons en quelque sorte balayer et trouver où les deux sons se complètent. Je pourrais juste refuser ça un peu pour que je puisse entendre les deux clairement. D' accord. Je vais juste le refuser un petit peu. D' accord. Donc je pense que quelque part par ici, je pense que c'est cent, quatre cents, ça vient compléter les autres chapeaux. Donc je vais juste le baisser très, très légèrement et réduire la file d'attente. Et je vais aussi, je pense, attraper certaines des fréquences ici parce que pendant que j'écoutais, je remarque qu'il y a une sorte de conflit. Certainement, définitivement là-haut. On n'a pas besoin de ce genre de fréquence, donc je vais les couper. Et parce que tout le son de cette sorte de concentré dans cette moitié de l'égaliseur et va appliquer une coupe basse. Juste pour se débarrasser de tout ce livre qui était la mauvaise forme, désolé, un passe-haut. Et je vais me débarrasser de tout le bas de gamme dont on n'a pas besoin. Et je vais revenir à l'autre ici et faire la même chose parce que je sais que j'ai oublié de le faire la dernière fois, donc je vais juste appliquer un passe-haut. Et encore une fois, faites glisser ceci comme ça pour que nous éliminions en quelque sorte toutes les fréquences inutiles qui remplissent un peu d'espace quand elles n'en ont pas besoin. Donc juste pour revenir au début de la conférence à nouveau, où je parlais de la zone de cris et de ce genre de fréquence que j'ai sorti. D' accord. Si on a vu ça et qu'on l'écoute. Tu entends le genre de cris qui sort de toutes ces hautes fréquences, c'est la zone du cri. D'accord ? Et en général, on n'augmenterait pas trop ça. Mais on pourrait finir par couper une partie juste pour se débarrasser de ce genre de bruit criant. Maintenant, évidemment, ne tirez pas trop parce que beaucoup de la casquette haute est haute, haute fréquence et c'est un son qui a besoin de conserver beaucoup de ces hautes fréquences. Euh, mais tu sais, ce n'est pas très agréable à écouter. Donc on pourrait les découper si légèrement, juste subtilement. Juste pour rendre le son global un peu plus propre. Et nous pouvons utiliser l'autre couche alors qui n'a pas le même bruit criant. Ok, donc cet échantillon particulier que nous utilisons, il ne semble pas très criant. Si je prends ce numéro cinq ici et qu'on augmente, ça ne ressemble pas à des créatures, donc on peut vraiment booster cette zone. Et nous pouvons utiliser les deux couches pour se complimenter. Donc, ce calque est maintenant ajouté à la plus haute que ce calque est manquant. Donc, si vous supprimez, si nous avons supprimé celui-ci, vous pouvez voir qu'ils se complètent tous les deux. Eh bien, vous pouvez voir qu'ils se complètent bien les deux. Enfin, lorsque vous faites votre batterie, vous devrez également écouter les couches contre les instruments. D' accord ? Donc les instruments que vous avez déjà mis en file d'attente, vous allez écouter la batterie que vous avez IQ, vous allez bien, donc dans ce cas nous avons EQ ces deux chapeaux, ces deux couches. Nous allons donc écouter ce que ces deux sons quand ils jouent aux côtés de ces deux instruments que nous avons déjà mis en file d'attente. Ok, écoutons ce que ça ressemble et ferons les ajustements nécessaires. Donc je pense que ça sonne bien. Je ne pense pas qu'il soit nécessaire de faire des ajustements. D' accord ? C'est donc le processus que vous allez utiliser lorsque vous mélangez vos tambours. Et vous allez passer par les différents éléments, puis les différentes couches, les vérifier les uns contre les autres, les égaliser les uns contre les autres, puis les vérifier avec le reste des éléments de votre piste pour vous assurer que que tout est en quelque sorte bien ensemble. Lors de la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'égaliseur pour la voix. 81. EQ pour les vocations: Donc, dans cette conférence, nous allons regarder EQ pour la voix. J' ai donc deux types de voix dans cette piste. Ok, j'ai la voix principale, qui est celle-là. Et j'ai aussi un vocodeur vocal, ok, donc c'est ça ici. Et je dois aussi tourner le vocodeur, qui est ceci. Eh bien, j'ai écouté ça. Et écoutons avec voix. Et donc nous devons faire en sorte que ça sonne bien ensemble. Et nous devons aussi les faire sonner bien dans le contexte de tout le reste. Ok, alors commençons par cette voix principale et nous allons charger un plugin EQ. Et encore une fois, parce que c'est une sorte de son principal, nous allons faire la découpe des fréquences Harish. Donc je vais affiner la file d'attente et écouter le son et couper toutes les fréquences que je ne l'aime pas. Ok, donc je pense que ces fréquences particulières que ce sera boomy. Donc je vais couper ça. Augmentons le numéro trois et écoutons à nouveau le son. Ok, il y a une fréquence horrible là-bas. Je vais couper ça tout de suite. Et avec quatre encore, récit Q et nous aimons écouter. Je vais lui demander. D' accord. Il y a une méchante fréquence là-dedans. Ce n'est pas aussi bruyant que l'autre à trois heures, donc je ne vais pas le couper autant. Essayons le groupe cinq ici et nous allons juste balayer l'AMA. Ok, donc il y a une fréquence ici qui est, encore une fois, ce n'est pas aussi fort que la fréquence qui est en quatre. Mais je veux toujours l'enlever. Donc je vais juste faire tomber ça un peu moins de quatre. Et nous avions déjà écouté les sons vocaux comme Now avec ce premier réglage d'égalisation appliqué. Et si on l'éteint, j'ai joué avec l'effet allumé, et puis je l'éteindrai peut-être à mi-chemin. Donc, vous pouvez entendre que ce plugin EQ a réellement nettoyé le son beaucoup. Très bien, et maintenant nous sommes prêts à appliquer la deuxième queue, qui est de façonner le son. Alors déplacons ça au centre. Et encore une fois, nous allons trouver des fréquences qui sonnent bien et les stimuler. Amal comme lui. Je suis, je suis , je vais bien. J' aime ces fréquences autour de 5 000. Donc je vais faire des magasins comme ça. Affinez les sortes QGIS de marque de banc et un concentré. Et puis nous écoutons à nouveau et essayons de trouver peut-être de belles fréquences ou peut-être des fréquences que nous voulons sortir. Ok. Et donc je n'aime vraiment pas ces fréquences ici, donc je vais les couper et peut-être juste réduire la QoS Babette. Et puis nous écoutons à nouveau avec ce quatrième groupe. Donc j'aime quelque chose qui se passe ici autour de cent, dix cents Mac. Mais je ne veux pas, il y a beaucoup de choses que je n'aime pas ici et il y a des choses que je n'aime pas ici, donc je vais affiner le Q. Donc c'est une sorte de cadre beaucoup plus ciblé. Et je vais juste augmenter ça encore si légèrement. Peut-être pas tant que ça, juste l'odeur mauvaise. Et c'est un peu élargir le Q un peu. Frappez OK. Et maintenant, nous allons cosh, et certaines des fréquences ici au milieu. Ok, donc je vais affiner le Q de ce groupe de six. Et je vais juste attraper très doucement certaines fréquences hors d'ici. D' accord. Et je pense que je vais élargir le q petit vétérinaire. Et je pense que je pourrais augmenter un peu plus ces deux bandes et élargir la file d'attente est étouffée plus grande, apportant un peu plus de ces fréquences plus élevées. Et on avait déjà écouté ça ressemble à maintenant. Mon je vais lui demander, éteignons le plug-in. Donc, il rend juste le son un peu plus lumineux et il ajoute un peu d'air, une belle sorte de clarté. Ensuite, nous allons vérifier cette voix par rapport à certains des instruments que nous avons des égaliseurs. Et on va le vérifier par rapport à certains des tambours qu'on a des égaliseurs. Je pense que nous exécutons ceci, 112 et je pense 26. Nous allons donc avoir une leçon maintenant pour ajouter le son vocal comme avec les autres éléments auxquels nous avons appliqué EQ . Et si on l'éteint. Donc je pense que cela fait une sorte de différence drastique et je pense que ça sonne beaucoup mieux avec ces plugins EQ sur. Ensuite, nous allons EQ dévoué et voix. Alors écoutons celui-là. Je dois allumer le, le modulateur porteur va jouer, rappelez-vous que de la section vocodeur. Alors écoutons ce que cette voix sonne. Et j'ai déjà un égaliseur ici juste pour découper certaines des basses fréquences dont je n'ai pas besoin dans le son. Donc je vais laisser cet égaliseur ouvert. Et ce que nous allons faire, c'est que je vais juste le déplacer pour que nous puissions ajouter quelques plug-ins ci-dessous. Et nous allons ajouter notre premier égaliseur que nous allons utiliser, qui est de couper certaines des méchants fréquences. Donc je vais jouer le son et je juste balayer et trouver certaines des méchants fréquences. Donc il n'y a qu'une seule sorte de problème et c'est ici à 790. Donc je vais juste découper ça. Et nous n'avons plus besoin de le faire parce que je n'ai pas trouvé d'autres méchants fréquences que je n'aimais pas. Alors maintenant, nous allons ajouter l'égaliseur de shaper, qui est celui-ci. Et ce que nous allons faire, c'est que nous devrons écouter cette autre voix même temps pour que nous puissions trouver où ces deux sons se complètent. Ok, alors réduisons cette file d'attente et écoutons. Mais je peux entendre ça par ici. Ces deux-là, ces deux sons se battent pour l'espace. Donc je vais couper ça. Pas trop, je ne veux pas ruiner le son, mais je voulais juste éclaircir un peu d'espace pour la voix principale. C' est donc un peu plus clair et le public peut mieux l'entendre. Et essayons d'augmenter maintenant certaines de ces autres fréquences. Alors écoutons. Donc j'aime ce genre de zone. Donc, je vais juste faire tomber ça un peu et utiliser un coup de pouce subtil. Je pourrais même élargir la file d'attente juste pour apporter une sorte de toutes ces fréquences ici parce qu'elles sonnent toutes bien quand elles sont associées à cette voix principale. Alors écoutons ces deux maintenant en même temps. Et puis vous appliqueriez le même processus à cette autre voix. Donc, vous avez des solistes et aussi solide le porteur. Et ce que tu fais est énorme. Vous vérifiez le son pour ajouter votre, votre, votre, premier égaliseur, d'accord, trouver des fréquences méchantes. Donc je vais le faire vraiment, très vite. Ok, donc ça ne semble pas très sympa. Sortons ça et nous essayons à nouveau très vite. Ok, peut-être quelque chose ici. Il suffit de sortir ça. Et encore une fois avec des modeleurs. Et quand nous sommes en train de façonner En ce moment, nous allons écouter ce que cela ressemble côté de toutes ces voix que nous avons déjà appliquées. E q2. Ok, écoutons. Abaissez simplement le volume pour que vous puissiez entendre les deux côte à côte. Peut-être quelque part par ici. Ça sonne bien. Donc je vais juste augmenter ça un peu comme ça. Et on en tire un autre et on va écouter. Maintenant, je pense que cette zone est en train d'ajouter quelque chose de très, très agréable. Ça ajoute un peu de gaspillage dans le son. Donc je vais ajouter certaines de ces fréquences, d'accord ? Et je pourrais réduire légèrement le Q de cette troisième bande afin que ce ne soit pas une sorte de chevauchement. Et puis nous pourrions couper certaines des hautes fréquences parce que je sais déjà que ça va entrer en conflit avec le son. Et encore une fois, nous devons nous assurer que tous ces sons bien avec les autres éléments. Donc je vais allumer les instruments que nous avons mis en file et je vais allumer les échantillons de batterie que nous avons mis en file d'attente. D' accord ? Et Mileva a écouté tout trié ensemble et assurez-vous que tout va bien ensemble. Et si vous avez plus de couches vocales, vous appliquerez le même processus. Vous savez, vous venez à cet air vocal et ouvrez les deux égaliseurs, puis écoutez tous les voix jouées en même temps pendant que vous appliquez un peu d'égalisation à cette autre voix. D' accord ? Dans la prochaine conférence, nous examinerons l'utilisation du plugin EQ comme un effet. 82. L'EQ en tant qu'effet: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre comment nous pouvons utiliser un plugin EQ pour l'effet. Ainsi, vous pouvez également faire sonner des éléments comme s'ils se trouvaient dans un certain espace ou s'ils provenaient d'un certain appareil. Des choses comme un effet radio ou téléphone et peut-être un effet en dehors du club. On peut faire tout ça avec un égaliseur. Donc on va jeter un coup d'oeil à ça, OK. Donc nous allons jeter un oeil à ces deux choses maintenant. Et nous allons les appliquer à cette voix. Et la première chose que nous allons jeter un coup d'oeil est l'effet radio ou téléphone. Nous devons donc ouvrir un plugin EQ et il s'ouvre comme ça. Donc la première chose qu'on va faire, c'est d'appliquer une sorte de coupe basse ou de passe-haut. Ok, donc nous allons laisser passer toutes les hautes fréquences, et nous allons couper beaucoup de ce bas de gamme. Donc je vais rendre la file d'attente beaucoup plus raide. Et je vais faire glisser ça jusqu'à ce qu'on se débarrasse de beaucoup de basses fréquences, même plus que ça. Donc peut-être par ici, qui est 600. Et puis avec le haut de gamme, nous allons appliquer un filtre passe-bas ou un filtre haut de gamme. D' accord ? Ce que nous faisons, c'est là, encore une fois, nous allons rendre le signal un peu plus raide. Et on va traîner ça jusqu'à ce qu'on se débarrasse de beaucoup des hautes fréquences. Ok, donc peut-être ici environ trois mille, trois mille, quatre cent trente-cinq. J' aime le son de ce genre d'égaliseur. Maintenant, je pense que ça ressemble un peu à un téléphone. Ensuite, nous allons prendre un de ces groupes intermédiaires et nous allons le booster ok, donc nous allons augmenter les moyennes gammes et nous allons le faire assez durement. Et tu vas trouver un endroit qui ressemble à un téléphone. Donc je pense ici, il y a une sorte de 1000, c'est bas, milieu de gamme. Je pense que ça ressemble à un téléphone. Et en fait, je vais utiliser la bande de six pour découper certaines des fréquences moyennes supérieures comme ça. D' accord. Je vais juste rendre ça un peu plus large. Et nous allons écouter cet effet maintenant. Donc maintenant, cette voix semble passer par un téléphone. Et la raison pour laquelle ce réglage particulier ressemble à un téléphone est parce que quand ils inventaient des téléphones et qu'ils devaient trouver une sorte de transfert de votre voix vers l'autre côté. Mais parce qu'il y avait tellement d'informations de 20 Hertz jusqu'à 20 mille. Ils n'avaient pas assez de puissance de feu , disons, pour transférer toutes ces fréquences. Ok, ça aurait été, il y aurait eu un gros retard et tout le concept du téléphone n'aurait pas fonctionné. Ce qu'ils ont fait, c'est qu'ils ont mené une étude pour déterminer quelles étaient les fréquences les plus importantes. Alors peut-on se débarrasser de certaines des fréquences inutiles ? Et ils ont découvert que les humains sont très sensibles à ces fréquences de milieu de gamme. Mais nous ne sommes pas aussi sensibles au genre de basses fréquences et de hautes fréquences. Alors, ce qu'ils ont fait avec le téléphone, c'est qu'ils débarrassés de ces hautes fréquences et de ces basses fréquences. Donc, quand ils transféraient votre voix en bas de la ligne, ils pouvaient la transférer beaucoup plus rapidement parce qu'ils n'envoyaient qu' une certaine partie du genre de spectre de fréquences entier. D' accord ? Donc c'est juste la théorie derrière pourquoi, vous savez, pourquoi cette forme particulière. Fonctionne et pourquoi cela ressemble à un téléphone. Maintenant, si vous voulez le faire sonner encore plus comme un téléphone, vous pouvez charger un plug-in de distorsion. Donc si je viens ici et que j'ouvre peut-être cette overdrive sanguine, et si on monte le préampli, on verra que le son se déforme et qu'il sonnera encore plus comme s'il venait d'un téléphone. Maintenant, c'est incroyablement fort. Donc, nous allons juste le refuser en utilisant ce gain de poste. Peut-être boosté un peu plus. Donc maintenant, le surentraînement sanguin, c'est en quelque sorte ajouter ça, ce petit élément de distorsion que vous obtenez avec un téléphone. Écoutons encore une fois. Et alors que la piste est en train de jouer, vous pouvez en quelque sorte les éteindre. Et comme disons que c'est, c'est votre première section. Ensuite, il entre dans vos sections de choeur. Donc, vous éteignez les plugins. Ainsi, vous pouvez l'utiliser comme une sorte de technique d'arrangement intéressante. Maintenant, je vais juste supprimer ces plug-ins à nouveau et nous allons jeter un coup d'oeil à faire le son vocal comme si c'était à l'extérieur d'une boîte de nuit. D' accord ? Donc je vais les rallumer à nouveau. Et encore une fois, nous allons ouvrir un plugin EQ. Et pour ça, on va appliquer un passe-bas très dur, d'accord ? Ou un filtre haute coupe. Et je vais juste augmenter le Q bit, donc c'est un peu plus raide. Et je vais faire glisser ça vers le bas. Malala. Malala. Alors maintenant, vous pouvez voir que les voix sonnent un peu étouffées. Et puis, ce que nous faisons, c'est d'augmenter certaines de ces fréquences moyennes basses. Ok, alors écoutons et augmenterons certaines de ces fréquences. Ramallah, Ramallah. Donc, cet effet fonctionne vraiment vraiment, vraiment bien quand il est sur le canal maître. Et c'est quelque chose que vous pouvez appliquer à la section d'accumulation juste avant la goutte. Ok, donc on va y jeter un coup d'oeil très vite maintenant. Donc je vais juste éteindre ce plug-in pour qu'il n'affecte pas la voix. Et je reviendrai sur tous les plugins. Et ce que nous ferons, c'est que nous commanderons sur le canal maître, et nous ouvrirons l'égaliseur et nous appliquerons les mêmes paramètres. Donc un hachage passe-bas qui monte la file d'attente, ramène ça droit vers le bas, puis booste environ 200. D' accord ? Et si vous avez écouté ça, tout le son sans piste est comme si c'était à l'extérieur du club. Peut-être qu'on va enlever les hautes fréquences de Marty. Et si vous appliquez ceci à votre section de construction et que l'accumulation est en train de jouer, vous automatisez ce groupe de sept pour qu'il soit ouvert, disons à une sorte d'augmentation au fur et à mesure que l'accumulation est en train de jouer. Alors je vais le faire maintenant. Je vais mettre en évidence l'accumulation. Et puis je vais faire un clic droit et dire, je vais cliquer avec le bouton droit sur la bande de fréquences, ok, pour que ce genre d'ouverture s'ouvre vers le bas. Donc, je fais un clic droit sur ce point et sélectionnez Créer un clip d'automatisation Et puis si nous en venons à savoir si le clip d'automatisation est et nous pouvons tourner le point d'ancrage droit jusqu' au sommet de sorte qu'il s'ouvre en quelque sorte au fur et à mesure que l'accumulation est en train de jouer. Et vous verrez que l'accumulation semble être à l'extérieur du club et ensuite il devient beaucoup plus lumineux et plus lumineux jusqu'à ce que nous entrons dans la section de dépôt où toutes les fréquences ou backend. J'ai une leçon. Donc, ce, cet égaliseur effets, c'est essentiellement taquiner l'auditeur. Tu sais, on ne leur donne que le genre de la partie inférieure des fréquences. Et comme il commence à s'ouvrir, l'auditeur entend de plus en plus ce son complet et ils sont excités, vous savez, ils sont, ils anticipent la chute quand il vient avec la chute de la fréquences. Tu sais ce que je veux dire ? Maintenant, cela en dehors de l'effet club sonne beaucoup mieux si vous l'associez avec un plugin de réverbération. Donc, nous allons jeter un coup d'oeil à ça très vite. Je vais ouvrir la réverbération et je vais charger peut-être un de ces presets, peut-être un grand hall. Et on va juste écouter ce que ça ressemble. Je vais refuser le gain de pluie autant. Et en fait, je vais juste refuser la pourriture juste pour que ce ne soit pas autant. La Chine mouillée et mouillée à nouveau. Essayons de mettre cela au-dessus de l'égaliseur et de voir ce qui se passe. Si nous commençons à refuser cela aussi. Si nous commençons à automatiser le type de ce bouton de volume pour l'égaliseur. Ainsi, l'égaliseur commence lentement à s'estomper. Nous allons jeter un coup d'oeil à faire cela maintenant aussi. Donc, dans l'accumulation, disons que l'égaliseur s'estompe au fur et à mesure que l'accumulation se joue. Et puis quand nous arrivons à la section de dépôt, il n'y a pas d'égaliseur du tout. Écoutons ce que ça ressemble. On a l'air comme si l'auditeur était en quelque sorte à l'extérieur du club, debout dans la queue, attendant d'entrer. Et puis ils marchent en quelque sorte et ils se rapprochent de l'endroit où se trouve la piste de danse, disons. Et puis dès que la goutte arrive sur la piste de danse et pourtant ils ont ce poulain, ce son complet des fréquences et il n'y a plus de réverbération. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'œil sur une technique avancée d'égalisation, qui est l'égaliseur médian. 83. EQ en milieu ou face: Donc, dans cette conférence, on va jeter un coup d'oeil sur l'égaliseur médian, ok ? Et l'égaliseur médian est l'endroit où vous égalisez le signal mono et le signal stéréo séparément. Et ce type de technique est idéal pour faire des sons plus grands et plus larges, et c'est très simple. Vous utilisez efficacement les mêmes techniques que l'égaliseur irrégulier, mais vous façonnez en fait le son du signal Mano d'abord, puis le signal stéréo après. Et le principe qui fonctionne est le concept nous parlions auparavant où je disais que si l'information entrant dans votre oreille gauche est différente de celle qui vient dans votre oreille droite, alors le son aura l'impression que c'est beaucoup plus large. Maintenant, l'égaliseur médian est une sorte de technique de mélange avancée. Et si vous ne l'utilisez jamais, votre piste sonnera toujours parfaitement bien. Mais il est bon d'être conscient qu'il existe si vous voulez l'utiliser. Ok, donc ça a ouvert un plugin EQ, ok ? Et la première chose que je vais dire, c'est que tous les égaliseurs ne vous permettront pas de le faire, surtout le genre de plug-ins stock parce que c'est une technique avancée. Donc, vous aurez besoin de trouver un autre égaliseur qui vous permet de le faire correctement. Et j'en ai un ici qui est le filtre FAB procure. Donc si j'ouvre ça et qu'on l'utilise, je vais juste le rendre un peu plus grand pour qu'on puisse le voir. D' accord ? Et si nous regardons ça, la première chose que vous remarquerez probablement, c'est qu'il n'y a pas d'interdiction. Ok. Je me souviens dans l'autre plug-in, nous avions une sorte de 1-2-3, 4-5-6, sept. Eh bien, sauf si nous n'en avons pas et c'est parce que nous pouvons ajouter le nôtre et nous pouvons ajouter autant de ces groupes que nous le voulons et autant que nous, que nous en avons besoin. Ok, donc je vais juste remettre ça à la valeur par défaut et nous recommencerons sans groupe. Donc le son que nous allons affiner est cet instrument principal. Ok, et le processus est le même. On va trouver les méchants fréquences et les découper. Et puis nous allons trouver les belles fréquences et façonner le son. D'accord ? Mais la différence est que lorsque nous découpons les fréquences de hachage, nous allons utiliser le milieu. Et quand on façonne le son, on va utiliser le site, d'accord ? Et la façon dont nous le faisons est d'ajouter le point. Maintenant, certains autres plug-ins peuvent avoir un bouton quelque part autour de l'interface qui dit qu'ils peuvent changer les différents modes de traitement de, vous savez, de stéréo vers le milieu. Mais avec ce plugin particulier, il suffit de cliquer ici et nous changeons cette bande de stéréo à milieu. Ok, alors maintenant, allons trouver quelques fréquences méchantes et je vais rendre le signal un peu plus étroit. D' accord ? Et c'est bien, les méchants fréquences et en quelque sorte les découper. Ok, donc il y a une sorte de méchante fréquence quelque part par ici. Donc je vais faire baisser le gain et nous allons juste retirer ça de là. Peut-être pas beaucoup, peut-être seulement par six dB. D'accord ? Et encore une fois, nous allons ajouter un autre groupe et il est déjà prêt à faire. Donc nous allons éteindre la file d'attente et nous aurions une écoute à certaines des méchants fréquences. Ok, donc il y a une autre méchante fréquence par ici. Donc je vais retirer ça en faisant glisser le bouton de gain vers le bas. Et nous allons essayer de trouver de l'art et des fréquences méchantes. Ok, il y a une autre fréquence et ici je n'aime pas, je vais sortir ça comme ça. Et on y repartira. Donc encore une fois, nous allons éteindre la file d'attente et ensuite nous allons balayer les fréquences et voir ce que nous pouvons trouver. Ok, juste une fréquence de hachage de plus par ici. Donc je vais sortir ça comme ça. Ok, alors écoutons le son maintenant. Et jouons un peu et nous allons éteindre le plug-in, puis le rallumer et nous verrons quel genre de différence cela fait. Ok, donc on va jouer avec elle et je l'allumerai à mi-chemin. Ok, Donc maintenant qu'on s'est débarrassé de certaines des méchants fréquences, il est temps de façonner le son. Ok, donc on va ajouter un autre groupe juste ici pour une seconde. Et on va changer le mode de traitement de milieu pour citer. D' accord ? Et maintenant, ce groupe ne va affecter que les signaux stéréo. Donc ces bandes intermédiaires affectent le signal mono. Et cette bande latérale va affecter le signal stéréo. Donc, ce que nous allons faire est que nous allons utiliser ceci pour balayer et trouver les belles fréquences et ensuite les booster. D' accord ? Donc, tout d'abord, nous devons changer la forme de celui-ci. Et vous pouvez le changer ici à partir d'une étagère basse aussi. Je veux une cloche. Ok. Et je vais juste soulever le Q et un balayage à travers et trouver de belles fréquences. Ok, j'aime que la fréquence soit par ici, donc je vais juste descendre, je vais réduire le gain, une petite base. Donc, ce n'est pas aussi agressif. Et je pourrais réduire la file d'attente juste un petit peu. Et avec un autre groupe. Et encore une fois, je vais devoir changer d'étagère basse à Bell et réduire la file d'attente. Et puis on va parcourir et trouver d'autres belles fréquences, peut-être pas si étroites. Ok. Allons nous en sortir. Ok, donc je n'ai pas trouvé de fréquences que j'aime, mais j'ai trouvé quelques fréquences que je n'aime pas. Et l'un d'eux est ça, donc je vais sortir ça, ok. Et encore. Je sais qu'il y a un ou deux autres domaines que je n'aime pas. Donc je vais les trouver et les retirer aussi. Encore une fois, nous devons changer la forme. C' est juste quelque chose qui se produit lorsque vous ajoutez une bande trop près du bord. Il suppose que vous vouliez ajouter un certain type de forme. Mais je veux revenir à Bell. Alors écoutons encore une fois. Donc je n'aime vraiment pas ces fréquences ici, ce genre de médiums bas. Ok, donc je vais les retirer. Et encore une fois, je pense qu'il y a une autre sorte de zone de fréquence que je n'aime pas. Donc, je vais retirer ça aussi. D'accord. Donc, balayons à travers et trouvons que peut-être avec un moins étroit est venu quelque part par ici. Oui, je vais retirer cette fréquence. Donc c'est l'égaliseur du milieu. D'accord ? Et si on regarde les bandes vertes, ce sont tous les médiums. Et si on regarde tous ces groupes, ce sont les égaliseurs latéraux. Et maintenant je pense que ce groupe est en stéréo, donc je dois changer ça de côté. Et encore une fois, il y a un jaune ici et il devrait être bleu. Donc je dois changer ça de côté. J' ai oublié de le faire en premier lieu, mais si nous écoutons à nouveau maintenant avec les réglages du milieu, ça ressemble à ceci. Et si nous éteignons le plugin sorte de mi-chemin à travers le modèle, remarquera la différence que l'égaliseur médian fait. Non seulement pour façonner le son, mais aussi pour le faire sentir un peu plus large et un peu plus plein. Ok, alors gardez ça à l'esprit quand vous écoutez. Donc je vais l'éteindre et ensuite je vais le rallumer pendant qu'il joue. Et la raison pour laquelle cela semble plus large est parce que nous avons fait l'égaliseur, donc nous avons façonné le son stéréo, stéréo. Nous avons façonné cela différemment du son moyen. Donc les deux fréquences. Donc, disons qu'il y a une forme d'onde pour le signal mono et qu'il y a une autre forme d'onde pour le signal stéréo. Et là où ces deux étaient les mêmes avant. Maintenant ils sont différents parce qu'on a changé la forme de cet égaliseur, ok ? Et c'est pourquoi le son est plus plein et il se sent un peu plus large. Enfin, comme les instruments Oliver, nous devons découper certaines des basses fréquences dont nous n'avons pas besoin. Donc je vais ajouter un autre groupe ici, et cette fois nous allons le garder en stéréo. Ok, donc nous affectons à la fois les fréquences moyennes et latérales parce que nous ne voulons pas de bas de gamme dans ce son du tout. Ok, alors écoutons le son et nous allons parcourir et trouver le point où il perd la plupart des basses fréquences dont nous n'avons pas besoin. Si je bouge ça, c'est vraiment une sorte de boost stat donc je vais juste laisser ça là où il est. Et vous pouvez également changer la pente. Ainsi, vous pouvez changer à quel point il est raide avec ce 12 db par octave. Et ce que cela signifie, c'est pour chaque octave, cette ligne baisse de 12 décibels. Donc, si je mets ça à 24, ça va baisser deux fois, deux fois le niveau de volume et par sorte d'octave sur ce, cet égaliseur. Ok, donc si je mets ça à 24, ça rendra la ligne beaucoup plus raide. Donc, comme vous pouvez le voir, c'est devenu une pente beaucoup plus raide. Donc, plus vous définissez cela, la pente sera raide et plus vous avez dit que plus le type de pente progressive sera grand. D' accord. Alors écoutons et nous trouverons l'endroit où les basses fréquences sont éliminées. Ok, donc je pense que ça a l'air assez bien. Donc je vais clore ça et nous sommes prêts à l'appliquer. Un peu de compression. 84. Introduction aux compresseurs: Dans ces quelques diapositives, nous allons tout apprendre sur compression et pourquoi nous l'utilisons lorsque nous mélangeons. Il peut être un outil très puissant lorsqu'il est utilisé correctement, mais aussi un outil très destructeur s'il est utilisé de la mauvaise manière. Il est donc important de comprendre ce qu'il fait et comment l'utiliser. Alors, qu'est-ce que la compression ? Alors qu'un compresseur prend la plage dynamique d'un son et la réduit efficacement, il pousse les parties les plus bruyantes du signal vers le bas en volume, mais laisse les parties silencieuses en quelque sorte intactes ou au volume d'origine. Ensuite, lorsque vous booster le son global, les parties beaucoup plus silencieuses sonnent maintenant beaucoup plus fort. Et le résultat final est une plage dynamique bien inférieure à la plage dynamique d'origine. Alors, qu'est-ce que la plage dynamique ? Eh bien, c'est très simple. C' est juste la différence de volume entre les parties les plus bruyantes du son et les parties les plus silencieuses du son. Donc, si vous avez un morceau de musique qui est très fort dans le chœur, mais alors c'est très calme dans le verset. Ensuite, cela aurait une grande plage dynamique. Si vous regardez les images à droite, alors vous pouvez voir ces deux formes d'onde, d'accord ? La forme d'onde sur le dessus a une large plage dynamique. Le type de signal sonore sur la gauche, est nettement plus grand que le signal sonore qui est à droite. Alors que si vous regardez la forme d'onde en bas, cette forme d'onde a une petite plage dynamique car tous les signaux sonores différents semblent être de la même taille ou du même volume. Et ce principe de plage dynamique est le fonctionnement de la compression. L' image en haut serait une forme d'onde avant compression, et l'image en bas serait une forme d'onde après compression. Alors regardons ce que certains des principaux paramètres sont et comment vous pouvez les utiliser. Si nous partons de la gauche et travaillons notre chemin dans, le premier paramètre est le seuil. Cela indique au compresseur quand il doit s'allumer et commencer à compresser. Donc, si vous voulez compresser tout le son, vous feriez baisser le seuil. Mais si vous vouliez seulement comprimer une zone très spécifique comme, vous savez, les parties les plus bruyantes du son. Vous utiliseriez le seuil pour trouver ce point. De cette façon, le compresseur sait ne pas s' allumer à moins que l'audio atteigne un niveau de volume particulier. Si l'audio dépasse ce seuil, le compresseur s'allume et commence à la compression. Le paramètre suivant est l'attaque, ce qui indique au compresseur à quelle vitesse il doit s'allumer. Ceci est utile pour les sons comme la batterie, où vous voulez toujours que ce transitoire initial soit fort. Si vous abaissez l'attaque, le compresseur s'allume immédiatement et comprime tout le son. Mais si vous réglez les attaques de sorte que le compresseur évolue après quelques millisecondes, alors vous pouvez laisser cette première transitoire, ou disons la partie cliquante d'un son pour qu'il ne soit pas compressé. Parfois, si votre réglage d'attaque est trop bas, le son aura l'impression d'être écrasé. Donc, si votre son se sent un peu écrasé, lancez l'attaque et ça devrait le rendre un peu plus naturel. Ensuite, on a le ratio, d'accord ? Et c'est là que nous définissons la quantité de compression que nous voulons appliquer. Vous savez, voulons-nous que le compresseur pousse aussi fort que possible, ou veut-on qu'il pousse plus doucement et soit plus subtil ? Vous devriez définir ce ratio entre 110, ok, si vous le dites plus de dix, ce n'est plus la compression et nous allons jeter un oeil à ce que c'est dans quelques conférences. Mais si vous utilisez la compression, gardez le rapport inférieur à dix. Maintenant, vous pouvez voir avec ce compresseur dans l'image, il ne vous permettra pas de définir le rapport plus de dix. Donc, avec ce compresseur particulier, vous ne ferez pas l'erreur de mettre le rapport trop élevé. Relâcher alors est l'opposé de l'attaque. À quelle vitesse souhaitons-nous que le compresseur s'éteigne ? Si vous définissez ce niveau très bas, il peut se sentir très robotique et les auditeurs seront en mesure d'entendre le compresseur dans votre piste. Si vous définissez la version plus élevée, ce ne sera pas aussi évident, mais vous pourriez finir par compresser certaines parties du son que vous ne vouliez pas. Par exemple, avec les voix sont temps de sortie élevé peut sembler très naturel et très agréable à l'auditeur. Mais avec les tambours, un temps de libération élevé peut en quelque sorte se chevaucher avec certains éléments de batterie et vous pourriez finir écraser certains des transitoires que vous ne vouliez pas. Et la raison en est que le compresseur est toujours allumé à partir du tambour précédent a et il attrape accidentellement le début de la prochaine tête de tambour. Donc, pour les tambours, un temps de sortie plus faible peut fonctionner mieux à la fin de la journée, tout dépend de la façon dont cela sonne. Donc, si ça sonne bien, c'est bon. Enfin, nous avons le gain de maquillage, et ceci est conçu pour compenser n'importe quel volume que vous avez perdu lors de la compression. Donc, parce que le compresseur réduit les parties les plus bruyantes d'un son, il va également réduire le volume global. Donc, nous pouvons utiliser ce gain de maquillage pour ramener le volume à l'endroit où il était en premier lieu. Maintenant, nous pouvons aussi utiliser ce paramètre de gain pour pousser le volume encore plus fort qu'avant, ok ? Mais attention à ne pas utiliser trop cela, sinon le son sera déformé. Alors, quels sont d'autres réglages que nous pouvons utiliser avec un compresseur ? Eh bien, sur certains compresseurs, vous trouverez un paramètre pour changer la forme du genou. Et le genou est un peu comme l'attaque, mais il y a une légère différence. Alors rappelez-vous avec l'attaque, nous réglons la vitesse à laquelle le compresseur s'allume. Eh bien, avec le genou étaient réglés à quel point le compresseur s'allume ? Est-ce qu'un allumage s'allume immédiatement et, vous savez, commence instantanément à compresser le son ? Ou s'échauffe-t-il et commence-t-il progressivement à compresser le son ? Le genou est idéal pour rendre le compresseur un peu moins évident. Il fonctionne également très bien sur le chant, les pianos, ainsi que sur les chaînes de boss. Nous allons en fait regarder la NEA à nouveau lorsque nous utilisons quelque chose appelé compression de colle. Nous avons également des compresseurs multibande. D' accord ? Et si vous vous souvenez de la section EQ, nous avions sept bandes sur notre plugin EQ. Et nous pouvons les déplacer vers une sorte de concentration sur différentes fréquences. C' est la même chose avec un compresseur. Nous pouvons effectivement compresser les basses fréquences différentes de la façon dont nous compactons les hautes fréquences. Et c'est vraiment utile parce que parfois le bas de gamme peut être très fort, mais le haut de gamme peut être très silencieux. Et si nous devions utiliser un compresseur normal, cela réduirait simplement le volume des deux. Mais si nous utilisons un compresseur multibande, nous pourrions appliquer la compression uniquement au bas de gamme, ce qui rendrait le son beaucoup plus lumineux et permettrait aux hautes fréquences de passer. Donc c'est toute la théorie que nous devons connaître. Maintenant, nous pouvons sauter et commencer à utiliser un compresseur pour nos pistes. 85. Déterminer quand utiliser la compression: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre quand appliquer la compression. Nous allons donc voir comment vous savez quand la compression est nécessaire. Ok, alors faisons le solo de la voix ici. D' accord ? Je vais juste les solo et nous les regarderons. Et en fait, je les ai vus dans la piste de mixage, mais nous allons jeter un oeil à leurs niveaux de volume. Ok, donc je regarde cette piste vocale maintenant. Et je peux voir ici le compteur de niveau. Ok, donc ça me montre une sorte de mises à jour en direct à tous les différents niveaux de volume et le son. Donc on peut voir, on peut voir ici avec ça, voir ce morceau qui tombe, ok ? C' est ici. Et puis il tombe. C' est vos compteurs de pointe. Donc, cela nous indique le niveau de la partie la plus forte du signal. Et on peut voir avec cette voix, c'est autour de neuf, ok, autour de neuf décibels, quelque part entre 96. Donc je ne sais pas, peut-être sept. D' accord. Alors il était assis autour de sept décibels. Mais si nous regardons le reste du signal ici, nous pouvons voir que c'est là que le signal est en quelque sorte une moyenne de et ce pic est là où les parties les plus bruyantes. Donc, nous pouvons voir que la différence entre les parties les plus bruyantes et les plus silencieuses du signal est énorme. D' accord ? Et c'est la plage dynamique. Et nous pouvons voir qu'il y a une énorme gamme dynamique avec ce son particulier. Donc, parce que ce son a une large plage dynamique, alors nous devons utiliser la compression pour une sorte de réduction. D' accord ? Donc, ce que nous faisons c'est que nous venons et nous chargeons notre plug-in compresseur et nous passons par tous les réglages jusqu'à ce que la plage dynamique soit en quelque sorte réduite. Donc peut-être que ce serait là-haut et que la partie la plus silencieuse serait ici. Ça ne sera plus ici. D' accord. Mais de l'autre côté, si nous arrivons à quelque chose comme le son d'orgue que j'ai quelque part ici, je le trouverai dans la playlist. Ok, voilà, le 29. Donc si je solo ça et que nous avons une écoute, eh bien vous pouvez voir que le pic, le son est là. Mais le genre de moyenne est ici. Ok, donc il n'y a pas vraiment de différence entre les parties les plus bruyantes et les plus silencieuses du son. Donc, avec ce son particulier, nous pourrions même ne pas utiliser de compression du tout. D' accord ? Maintenant, nous pourrions utiliser un compresseur très, très soudainement sont très doucement parce qu'il en fait, il n'a pas besoin de compression tel qu'il est. Parce que, comme vous pouvez le voir, la partie la plus forte du signal est très, très proche de la partie la plus silencieuse du signal. Et c'est le moyen le plus simple de déterminer si un son a besoin de compression ou non. Ok, si nous venons à d'autres instruments, mais jetez un oeil au piano. Donc on peut voir que le pic du son est là-haut et la moyenne est quelque part en bas. D' accord ? Ce type de son aurait donc besoin compression parce que la plage dynamique est très grande. Jetons un coup d'oeil à un autre son, peut-être à cet instrument de synthétiseur. Ok. Et encore une fois, la plage dynamique est assez modérée. D' accord, donc le pic est là-haut et la moyenne est quelque part en bas. Nous pourrions donc appliquer une compression à cela, mais avec un réglage beaucoup plus doux. Jetons un coup d'oeil à un autre type de son. Peut-être ce piano électrique. Voyons voir à quoi ça ressemble. Ok, donc ça a encore une gamme dynamique énorme. Donc c'est un peu le pic du son est ici, et la moyenne est en bas. Donc, ce son particulier bénéficierait des utilisations de la compression. Et encore une fois, si nous regardons ce prochain instrument, qui, je pense, est un autre synthétiseur. La plage dynamique n'est pas ça, ce n'est pas si grand, ok, vous pouvez voir que le pic est ici et la moyenne est quelque part en bas. Donc, le pic et la moyenne sont très proches ensemble. qui signifie que ce son particulier a une petite plage dynamique et que nous pourrions même ne pas appliquer de compression du tout. D' accord ? Et si nous le faisons, ce serait très, très subtil. Donc, avec tout cela étant dit, passons maintenant à la prochaine conférence où nous allons jeter un oeil sur la façon d'utiliser la compression. 86. Comment utiliser la compression: Dans cette conférence, nous allons apprendre les techniques que vous allez appliquer lorsque vous utilisez la compression. Ok, passons à ces éléments de synthétiseur et nous allons juste écouter à quoi ça ressemble. Ok, et je vois qu'il est sur la piste 9 dans le mélangeur. Donc je vais le trouver et c'est déjà mis en évidence pour nous. Donc, la première chose que nous devons faire est de déterminer si ce son a réellement besoin de compression. Ok, donc si nous venons ici à ce niveau et nous verrons ce que le son fait tel qu'il est. Donc je peux voir que le pic est quelque part par ici, et ensuite le genre de moyenne du son est par ici. Très bien, donc ce n'est pas une plage dynamique énorme, mais nous allons toujours appliquer la compression juste pour démontrer comment nous utiliser. Donc, si nous venons ici à nos emplacements d'effets et rechargeons un plugin compresseur. Donc je vais utiliser ce compresseur électronique. Et quand elle s'ouvre, on peut voir que l'interface est assez ancienne, l'interface est assez ancienne, mais c'est bon parce que nous avons toujours tous les paramètres dont nous avons besoin. Nous avons le rapport de seuil, l'attaque, la libération, et le gain de maquillage. C' est ce qu'on appelle ici l'atténuation. Et ça nous montre quand le compresseur s'allume, ok ? Et vous verrez cela en action lorsque nous appliquons les paramètres de compression. Ok, donc la première étape que nous allons faire est d'ajuster le ratio. Donc, je vais tourner ça à peut-être, disons juste peut-être 3.5, ok. Et on pourrait changer ça après en fonction de la façon dont ça sonne, mais je vais juste le laisser à 3,5 pour le moment. Et puis on va ajuster ce seuil, d'accord ? Comme le son est en train de jouer. Et nous veillerons ici quand le compresseur s'allume. Et tu pourras voir ça, tu sais, le compresseur. Plus nous descendons ce seuil, plus le compresseur travaillera pour vraiment pousser le son. Ok, alors ajustons ce seuil et nous regardons ce qui se passe sur le compteur d'atténuation. Ok, alors maintenant quand nous ajustons le seuil, nous devons trouver un point qui sonne bien, mais qui n'est pas trop compressé parce que vous ne voulez pas que ça sonne très évident. Donc généralement quelque part entre le genre de six et entre 06 dB est bon pour la compression. Ok, donc ce qu'on va faire, c'est avoir une leçon, une justice jusqu'à ce que ça sonne bien. Et puis nous le laisserons à ce niveau. D' accord ? Donc, nous pouvons voir que la moyenne de l'atténuation est environ de trois et le pic est quelque part entre 69. D' accord ? Le prochain paramètre que nous devons ajuster est l'attaque, ok ? Et c'est ce qui cause ça. Je ne sais pas si vous pouvez l'entendre, mais une sorte de son cliqué et déformé au tout début des notes, n'est-ce pas ? Ça ne semble pas très agréable. Mais à mesure que nous augmentons cette attaque, vous remarquerez que, que, ce son clicky a disparu. D' accord ? Et la raison pour laquelle le son cliquetis est que le compresseur s'allume immédiatement et qu'il comprime tout le son. Et ça ne semble pas très naturel pour nos oreilles. Ok, alors jouons le modèle et on ajustera cette attaque jusqu'aux données. Ce son cliquetis a disparu. Ok, peut-être quelque part par ici, le son cliquetis a fait et pourrait même l'augmenter un peu plus. Ensuite, nous devons ajuster le paramètre de libération. Nous allons donc l'augmenter à nouveau jusqu'à ce que nous trouvions un point où ça sonne bien. Et maintenant, c'est une sorte de paramètre subtil, ou vous pourriez être capable de l'entendre très bien. Mais j'écoute vraiment le son et trouve un point où vous pensez que le compresseur sonne bien. Ok, donc si je tourne cette écriture, c'est en fait, comme vous pouvez le voir ici, c'est attrayant, tout le son attrape le début de la prochaine note. Alors que si je baisse ça, ça s'éteint très vite. Donc c'est à vous de choisir, si vous voulez capturer tout le son, ou voulez-vous seulement attraper une partie du son ? Maintenant, j'aime un peu le son quand les sorties se sont transformées en pi. Je pense que ça a l'air lisse et c'est un peu semblable à des graphismes beurrés. Je pense que ça sonne très bien avec les paramètres. On va le laisser là. Ensuite, on doit ajuster le gain de maquillage, d'accord ? Et nous pouvons voir ici combien de réduction de gain se passe. Donc c'est quelque part entre six décibels et neuf décibels. Donc je vais ajuster mon gain de maquillage deux autour de ça, autour de 60 V. Ça pourrait être un peu de charge. Si nous écoutons, si nous jouons jusqu'à 60 B, vous pouvez voir que c'est vraiment, vraiment bruyant. Donc, peut-être ne pas mettre ça jusqu'à six dB et nous allons juste ajustés comme nous écoutons et Missy trouvera un point qui sonne bon pour le gain de maquillage. Donc peut-être par là, peut-être autour de 1,7. Et votre compresseur pourrait être complètement différent. Je sais avec la plupart des compresseurs, quand on tourne ça à la même valeur que l'on atténue. Ça peut sembler bon. Mais quel que soit l'algorithme utilisé par ce compresseur, il semble être beaucoup plus fort. Donc, cela dépend vraiment juste du plugin compresseur que vous utilisez. Mais tu dois utiliser tes oreilles, ok ? Pas vos yeux. Donc, vous devez vraiment écouter le son et trouver un point où ça sonne bien, pas, pas regarder les paramètres et voir ce qui semble bon, ok, parce que ça n'a pas vraiment d'importance. C' est comme ça que ça sonne. Alors écoutons rapidement le modèle sans compression et ensuite nous allons tourner le compresseur à mi-chemin. Et si je veux que ce compresseur soit un peu plus agressif, je peux augmenter le rapport, donc je peux l'ajuster de 3,5 à sept. Ou je peux le tourner jusqu'à dix. Mais je remarque qu'un petit peu de distorsion arrive ici quand il est fixé à dix. Donc je vais remettre ça en bas et peut-être qu'on le laissera là où on nous a eu à 3.5. parce que j'ai aimé le son de ça. Dans la prochaine conférence, nous examinerons la compression des instruments. Et nous pourrions utiliser des plug-ins de compresseur différents pour voir les différentes interfaces que vous pourriez avoir à gérer. 87. Compression pour les instruments: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de la compression pour les instruments. Ok, alors nous allons dans un de ces modèles d'instruments que nous n'avons pas regardés lors de la dernière conférence, qui est celle-là. Et je peux voir que c'est, je peux voir que c'est sur la voie 6 et la table de mixage. Ok, donc le voilà. Ce que nous ferons, c'est que nous examinerons le niveau et déterminerons si ce son nécessite ou non une compression. Donc je peux voir que le pic est là vers 15 ans. Et le genre de moyenne du son est ici. Ok, donc ça a une sorte de plage dynamique modérée. Ce son pourrait donc bénéficier de la compression. allons donc charger un compresseur et nous allons utiliser un compresseur différent pour la dernière fois. Donc la dernière fois que nous avons utilisé ce compresseur E, cette fois nous utiliserons peut-être une dynamique solide. Et vous pouvez voir que ce compresseur a l'air complètement différent de l'autre compresseur, mais nous avons toujours tous les mêmes paramètres. D' accord ? Nous avons un seuil, nous avons un ratio, nous avons la libération. Nous avons un bouton pour basculer entre une attaque rapide et une attaque lente. Et nous avons aussi un genou ici. Donc, c'est une sorte de genou progressif. Et c'est un besoin très agressif, tourne juste très soudainement. Et nous avons aussi le gain de maquillage ici. Et puis au milieu, nous avons ces compteurs d'atténuation. Donc, cela va nous dire combien de compression le compresseur applique réellement. D' accord ? Donc, allons d'abord ajuster le paramètre de ratio, ok ? Et on peut le tourner, je pense entre un et là-haut, six ou l'infini. D' accord ? Donc, je vais juste le laisser à 3,5 heures à nouveau. On va le laisser ici. Et nous pourrions changer cette valeur après si le son est un peu plus hors de contrôle. D' accord ? La prochaine chose qu'on va faire est de ramener ce seuil à 0. D' accord ? Et puis on va écouter le son. Et nous allons le monter jusqu'à ce que nous trouvions le point où l'atténuation est en train de lire sur ce compteur d'atténuation. Et aussi, ça sonne bien à nos oreilles. Ok, alors ramenons ça à 0 et on écoutera le son. Et j'ajusterai ce seuil au fur et à mesure que le son est en train de jouer et nous trouverons ce point. Donc je peux voir que c'est la mesure là-bas sur le compteur d'atténuation. Je vais le pousser un peu plus. Ok, peut-être 17,1. Et maintenant je pense que je vais vraiment augmenter le ratio un peu. Ok, je vais le transformer en peut-être, essayons le 4.2. Allons entendre à quoi ça ressemble. Ok, et on peut passer d'une attaque rapide à une attaque lente. Voyons à quoi ressemble une attaque lente. Et nous allons éteindre ça. Donc après avoir écouté ça, je pense que c'est l'inverse. Je pense que quand cela est refusé, c'est une attaque rapide. Donc c'est en quelque sorte d'attraper le son immédiatement. Il l'attrape dès qu'il commence. Et si on éteint ça, c'est une attaque lente. Et c'est une sorte de laisser la première partie de ce son à travers son seul type attrayant de la seconde moitié de ces nœuds. Maintenant, je préfère le son avec l'attaque lente, donc je vais quitter le réglage. Je vais laisser le réglage leur prochain que nous devons ajuster la sortie. Alors écoutons à nouveau le modèle. Et nous avons désactivé cette version jusqu'à ce que nous trouvions un point qui nous plaît. Et si nous ne trouvons pas un point, nous sommes comme si nous le laissons en quelque sorte au paramètre par défaut, ce qui est très, très court, OK ? Donc je pense que c'est vraiment le réglage est trop. Donc je vais faire tomber ça. Et peut-être qu'on le laissera quelque part environ 15 millisecondes. Ok, et maintenant essayons les différents réglages des genoux. Donc, pour le moment, il est réglé sur un d10 doux. Ok, mais essayons à quoi ça ressemble quand on passe à un durcissement. Ok, alors passons un peu à mi-chemin dans le modèle. Et vous pouvez entendre instantanément qu'il semble beaucoup plus agressif avec ce durcissement sélectionné. Donc je vais le laisser sur l'argent doux parce que je préfère le son du genre de compression subtile. D' accord ? Maintenant, nous allons ajuster le gain de maquillage. Et je peux voir avec le compteur d'atténuation que c'est environ 36. Ok, donc c'est la sixième lumière qui s'allume parfois, mais les trois lumières sont toujours allumées. Ok, donc je vais ajuster ce gain de maquillage entre peut-être 36 db. Alors écoutons et ajustons cela. Mais si ça commence à devenir trop chargé comme lors de la dernière conférence, nous le ferons, nous allons le refuser et nous trouverons un point où ça sonne bien. Donc peut-être 4,5 dB. Et nous avons aussi ce paramètre sec, d'accord ? Et le paramètre sec est pour la compression parallèle. Donc, ce que cela fait, c'est qu'il se mélange dans le signal d'origine. Ok, donc le signal sans compression, qui sonne comme ça, il mélange ça dans le signal qui a une compression. D' accord ? Et si on utilise ça, on peut vraiment rendre le son un peu plus complet, d'accord ? Parce que ce qu'il fait, c'est qu'il prend toutes les bonnes parties de la plage dynamique du signal d'origine. Et cela ajoute aussi cela au genre de son de commande du compresseur. Et vous obtenez le meilleur des deux mondes. Il peut aussi rendre le son un peu plus punchy. Donc, ce type de réglage de compression parallèle, cela fonctionne bien pour les tambours. Donc, nous avons jamais écouté le motif et pendant qu'il est jouer va ajuster ce paramètre sec, qui ajoutera une compression parallèle. Ok, alors écoutons. Et si nous poussons ça, ça va augmenter le volume parce que nous mélangeons deux sortes de signaux ensemble. Alors faites attention à ne pas mettre cela en haut et recommencer. Donc, gardons peut-être autour de 28 ans ici. On veut juste être subtils avec ça. Je ne veux pas que ce son soit punchy. Alors écoutons le son avant la compression, et puis nous aurons une écoute du son après compression. Et nous allons très rapidement choisir un autre modèle d'instrument et nous allons simplement appliquer une compression très, très rapide. Alors peut-être que ça, quoi que ce soit, ces Keyczar déformé. Et je pense que c'est peut-être le piano électrique. Donc c'est sur la piste 10010, qui est ici. D' accord. Donc, quand on regarde les mètres de niveau, on peut voir que le pic est ici et que la moyenne est quelque part en bas. Donc, ce son pourrait certainement utiliser la compression. Ok, donc je vais charger un compresseur. Et encore une fois, essayons juste un compresseur différent pour des raisons de démonstration, essayons ce VC 2A. Et vous pouvez le voir encore, l'interface a l'air complètement différente, ok ? Et en fait, nous n'avons pas autant de paramètres. Nous avons seulement ce paramètre de réduction maximale, qui est le seuil, ok ? Nous n'avons pas la possibilité de modifier le ratio. Nous n'avons pas la possibilité de changer l'attaque. Nous n'avons pas la possibilité de modifier la version. D' accord ? Et c'est parce que ce plugin particulier a tous ces types de paramètres intégrés. Ok, donc quel que soit l'algorithme, les Native Instruments, donc quel que soit l'algorithme qu'ils ont construit, ils pensent que ça sonne parfaitement bien. Et tout ce dont vous avez besoin pour pouvoir utiliser ça, d'accord ? Et vous obtiendrez cela, vous obtiendrez des compresseurs qui ont plus de paramètres et vous obtiendrez des compresseurs qui ont moins de paramètres. Ce qu'ils nous ont donné à la place, c'est ce gain d'entrée, ok ? Donc, nous montons le gain d'entrée pour dire au compresseur combien de son de compression nous voulons obtenir. Ok, donc je vais jouer le son. Et je vais ajuster ça. Je vais désactiver le gain d'entrée. Ok, donc je ne reçois aucun son de mon logiciel. Donc, je dois venir ici pour les paramètres audio et juste une sorte de mouvement entre ces deux périphériques de sortie différents. Et il devrait le réinitialiser. Ok, donc les sons quand nous nous sommes assis et nous allons ajuster ce gain d'entrée et écouterons jamais ce que fait le compresseur. Donc, nous allons trouver un point où ce gain d'entrée sonne bien. Ok, peut-être pas trop, peut-être un peu plus que ça. Et la prochaine chose que nous ferons, c'est d'ajuster le seuil. Alors que le son est en train de jouer, j'ajusterai le seuil et nous garderons un œil sur ces compteurs d'atténuation. Donc, cela va bouger de cette façon pour nous dire quand le compresseur est en train de se comprimer. Ok, écoutons. Ok, donc ça bouge maintenant. Je vais le pousser un peu plus. Et peut-être un peu plus que ça. Ok, je pense que c'est trop. Allons-le en arrière. Ok, donc je pense que ça sonne mieux. On a aussi ce bouton sec ici où on peut faire une compression parallèle, mais je ne vais pas faire de compression parallèle pour ce son particulier. Il suffit d'écouter ce que le motif sonne avant la compression. Et puis nous écouterons ce que ça ressemble après compression. Donc c'est avant la compression. Et c'est après compression. C' est donc le processus que vous allez utiliser lorsque vous compresser vos instruments. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la compression pour la base. 88. Compression pour les basses: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la compression pour la base. Maintenant, nous allons utiliser exactement le même processus que toutes les autres compressions que nous appliquons. Mais la seule différence est avec la base, nous allons utiliser un ratio beaucoup plus élevé. D' accord ? Donc on va utiliser un rapport entre six et 110 est pour un. Ok, alors venons dans ce modèle de base ici et écoutons ce que ça ressemble. Ok, et on va l'ouvrir sur le mélangeur pour que je puisse voir qu'il est sur la voie 8. Donc si on clique ici, c'est l'instrument de base, d'accord ? Et nous allons jeter un oeil à nouveau sur les niveaux. Et je vois qu'il atteint un sommet au-dessus de 15 ans et que la moyenne est quelque part en bas. Ok, donc ce n'est pas une plage dynamique massive, mais nous allons toujours appliquer la compression parce que c'est un instrument de basse et les fréquences de base sont très, très lourdes, donc nous ne voulons pas qu'elles soient hors de contrôle. Passons ici à nos fentes d'effet et nous allons charger un plug-in compresseur. Ok, chargeons un autre. Et puis ce que nous avons utilisé jusqu'à présent, choisissons peut-être ce compresseur liquide deux. Et encore une fois, quand il s'ouvre, nous pouvons voir que l'interface est complètement différente, mais nous avons toujours les mêmes paramètres. Nous avons un seuil, nous avons un ratio, nous avons un temps d'attaque. Je libère l'heure. Nous avons une option pour changer le genou entre dur et doux. Et nous avons aussi un paramètre Maquillage Gain ici où nous pouvons ajuster le gain de maquillage, ok, et réinitialiser ça. Nous avons également un compteur de réduction de gain, qui est également le compteur d'atténuation. Nous allons nous montrer quand le compresseur est en train de faire de la compression. D' accord ? Donc la première chose qu'on va faire avec la basse, c'est qu'on va établir le ratio assez élevé. Ok, donc je vais tourner tout le chemin jusqu'à environ huit. Ok, donc 8.3 c'est à un. Et nous écouterons jamais ce que ça sonne maintenant. D' accord ? Et ça ne fera aucune différence tant qu'on n'aura pas changé le seuil. Donc ce qu'on va faire, c'est réduire le seuil, le baisser jusqu'à ce que le compteur de réduction de gain nous dise que le compresseur fait une certaine compression. Alors écoutons le son et nous allons ajuster ce paramètre de seuil. Donc, je peux voir maintenant que le compteur de réduction de gain est en quelque sorte un pic et il nous montre combien de compression le compresseur applique réellement. Donc c'est quelque part en bas. Je ne vois pas vraiment ça. Mais je pense que c'est entre 15, alors peut-être trois. Ok, donc on pourrait ajuster le seuil un peu plus. Mais maintenant, je peux entendre que c'est en fait, cela fait une grande différence pour le son global de la basse. Donc je vais apporter ce renfort, d'accord ? Parce qu'ils n'aiment pas le son quand il est en quelque sorte réglé à 20. Je ne pense pas que ça sonne aussi naturel. Ramenons ça à Bill, en fait, 19.1, ça sonne bien. Ensuite, nous allons ajuster le temps d'attaque. Voulons-nous que le compresseur s'allume très rapidement et attrape toutes les notes. Ou si nous voulions allumer lentement et laisser certains des nœuds passer. Eh bien, quand le temps d'attaque est assez rapide, on perd des fréquences de basse. Donc, je pense que ça sonne mieux quand le temps d'attaque est assez lent. Donc, je vais ramener ça à peut-être 28,5 millisecondes. Ensuite, nous allons ajuster l'heure de sortie. Alors amenons tout ça jusqu'au bout. Et on l'amène tout le chemin. Donc je préfère le son de ce temps de sortie assez lent, ok, je pense que ça sonne, si vous, si vous écoutez la basse, il semble très lisse apparaître quand, lorsque le temps de sortie est très élevé. Mais je n'aime pas ça. Je veux que la base sonne plus agressive et plus punchy. Ok, donc maintenant la grosse caisse et pas la grosse caisse, désolé, la base. Donc maintenant, la base ressemble à une sorte de poinçonnage. Enfin, nous allons ajuster le gain de maquillage. Donc, nous regardons le compteur de réduction de gain. , ça ne fait pas grand-chose. Alors peut-être que nous ne nous rendrons que par une ou deux bases de données. Ok. Et ce compresseur nous donne deux types de niveaux que nous pouvons surveiller. On peut surveiller ce qui arrive, c'est ça. Et le signal qui sort du compresseur est le suivant. Écoutons ce que le motif de base sonne sans compression. Et puis on l'allumera à mi-chemin du modèle. D' accord ? Donc, pour la base, vous allez appliquer la compression dans le même type de processus que nous faisions pour les instruments. Et ce que vous allez définir le ratio beaucoup plus élevé, ok, quelque part entre 610. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la compression des tambours. 89. Compression pour la tambour: Dans cette conférence, nous allons examiner la compression des tambours. Et ce n'est pas exactement ce que tu penses. Et la raison pour laquelle ce n'est pas exactement ce que vous pensez est parce que lorsque vous faites glisser un échantillon de batterie dans votre, dans votre arrangement, il est déjà comprimé. Ok, ce son ici, c'est déjà compressé. Rappelez-vous que je disais avant que les sons que vous obtenez dans les packs d'échantillons sont déjà en couches pour vous et ils sonnent déjà bien. Eh bien, une partie de la raison pour laquelle ils ont déjà l'air bien, c'est parce qu'ils sont compressés pour toi, d'accord ? Et la façon dont nous pouvons savoir si un échantillon a déjà été compressé pour nous est de l'ajouter à la piste de mixage comme ceci, et nous réinitialisons le curseur à 0. Et si nous regardons ce niveau, si l'échantillon atteint 0 ici, 0 dB, alors ce son particulier, cet échantillon particulier a déjà été compressé, même si nous désactivons tous ces plug-ins ici. Donc, si nous regardons tous les plugins sont éteints, le volume est de retour à une sorte de paramètre par défaut. Et si on regarde le compteur de niveau, il atteindra 0 ici. D' accord ? Donc, ce son est déjà compressé. Nous n'avons pas besoin d'appliquer de compression à ce son particulier car il est déjà compressé. Et encore une fois, si je charge l'un de ces échantillons de tambour, ils sont tous compressés parce que lorsque vous les retirez du pack d'échantillons à travers déjà compressé pour vous. Donc encore une fois, je vais retourner ce retour à 0. Il suffit d'éteindre le compresseur et l'égaliseur. Et puis nous allons jeter un coup d'oeil à ce niveau et nous verrons que l'échantillon, d'accord, il atteint 0. Donc, il n'y a pas besoin d'aller compresser ça à nouveau. Et encore. Si nous regardons ceci, qui est ce genre de tâche fermée clicky, encore une fois, si nous réinitialisons cela à 0, éteignez les plugins et nous avons un coup d'oeil au compteur de niveau. Il frappe 0. D' accord ? Et le truc, c'est que si vous allez appliquer un compresseur sur ces sons déjà compressés, vous finirez par faire en sorte que votre batterie sonne vraiment, vraiment écrasée. Bon, donc fondamentalement, mon conseil de cette conférence et qui est la compression pour batterie, est de ne pas compresser vos tambours. Ok, n'appliquez pas de compression à vos échantillons de tambour car ils sont déjà compressés pour vous. Et la même chose s'applique aux boucles de batterie, d'accord, si je viens dans mon pack d'échantillons et qu'on va simplement glisser dans une boucle de batterie. Alors je viendrai ici à mes boucles très, très vite. Trouve juste une boucle Dragon, qui est peut-être celle-là. Prenons ça, traînez-le ici. Et je vais faire une boucle pour qu'on puisse entendre jouer encore et encore. Oui, si j'ajoute ça à la piste de mixage. Et d'abord, avant même qu'on l'ait joué, je peux voir que ces échantillons ici, quoi que ce soit, ça frappe le haut et ça frappe le bas. Donc, cette boucle est déjà compressée. Donc, il n'y a pas d'effets. Le volume est défini en quelque sorte par défaut. Et si on regarde le niveau, il atteint 0. D' accord ? Donc, cette boucle n'a pas besoin d'être compressée. C' est déjà compressé pour nous. Je vais en fait développer sur ce point à la toute, toute fin de cette section de compression. Et, mais pour l'instant, vous devez être conscient que vos échantillons de batterie individuels, comme le coup de pied ou le clap ou le hachage, ou même votre boucle de batterie ici. Ceux-ci n'ont pas besoin d'être compressés car lorsque vous les retirez de l'échantillon, ils sont déjà compressés. Donc, quand vous venez compresser vos échantillons de batterie, faites ce que j'ai fait. Désactivez tous les plugins, réinitialisez le volume à la valeur par défaut, puis jetez un oeil au compteur de niveau. Et si le son atteint déjà 0, il n'est pas nécessaire de compresser cet échantillon de batterie particulier ou cette boucle externe. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la compression pour les voix. 90. Compression pour les voix: Donc dans cette conférence, on va jeter un oeil à appliquer deux voix de compression, d'accord ? Et le processus de ceci n'est pas différent d'appliquer la compression à n'importe quel autre élément comme vos instruments. Alors allons-y et ouvrons les voix dans la piste de mixage, et nous allons juste écouter ce qu'ils ressemblent par eux-mêmes. Et si nous avons un coup d'oeil au niveau et que nous avons déterminé si ce son a besoin de compression ou non. On peut voir que le pic du son est en quelque sorte ici autour de neuf, entre 69. Et la moyenne du signal est quelque part en bas, c'est près du bas. Donc, ce son particulier, cela pourrait certainement utiliser la compression. Alors passons ici à nos fentes et nous ajouterons un compresseur. Ajoutons un compresseur différent cette fois, ajoutons peut-être la FAA 770, ce compresseur BT. Ou en fait, je pense qu'on l'utilise quand je suis prêt. Remplaçons simplement cela par peut-être le CPS. D' accord. On va essayer celui-là. Ok, c'est un autre. Donc, encore une fois, vous pouvez voir que l'interface est différente. Je voulais juste passer par différents compresseurs et montrer comment les interfaces sont différentes. Réservez le type de paramètres que vous pouvez modifier sont les mêmes. Ok, donc on doit faire un seuil. Nous avons l'attaque, nous avons un ratio, et nous avons une libération. Et là, nous avons aussi le gain de maquillage. D' accord ? Alors allons de l'avant et réglons le ratio à peut-être un peu plus élevé. Je vais le mettre en place à 4,5. Et je peux voir le genre de lecture ici, la valeur de ce que le ratio est configuré. Et puis je vais ajuster le seuil au fur et à mesure que les voix sont en train de jouer. Et le genre de trouver un point où cette mesure d'atténuation est une sorte de lecture et aussi où elle sonne bien. Ok, alors écoutons maintenant. Ok, donc ce compteur est clairement en train de lire. Nous pouvons voir que l'aiguille se déplace de la position 0 juste après sept dB. Donc ce compresseur fait beaucoup de réduction de gain et je ne veux pas qu'il fasse autant de réduction de gain. Je veux que le compresseur soit subtil sur le chant. Donc, réduisons réellement ce seuil. Juste pour que ce soit plus subtil. Ok, donc maintenant, ça ne fait qu'attraper les parties très bruyantes du signal et c'est en quelque sorte laisser passer les parties les plus silencieuses. Ok, ensuite, on pourra lancer notre attaque. Donc je vais écouter la voix comme un endroit. Et je vais remettre cela jusqu'à la plus petite valeur et je vais balayer et écouter à quoi ressemble chaque valeur. Les bords peuvent à nouveau. Ok, et je pense que quand le temps d'attaque est très bas et ça semble un peu étrange. Je peux, je peux entendre la compression quand le temps d'attaque est vraiment faible, surtout parce que c'est une voix. Nous, en tant qu'humains, sommes très habiles à écouter la voix. Bon, donc, même si votre auditeur n'a absolument aucune idée de la production musicale, il peut toujours entendre le compresseur sur le chant. Ou pire, encore un peu de nez qu'il y a quelque chose qui ne va pas et, mais ils ne savent pas ce que c'est, mais ils savent qu'ils n'ont pas aimé le son. Je vais donc régler ce temps d'attaque un peu plus haut. Peut-être jusqu'à environ 30 millisecondes, peut-être même un petit peu Mar. Et ensuite, nous allons définir l'heure de sortie. Ok, donc encore une fois, traînez-le vers le bas et nous avions jamais écouté chaque sorte de valeur et ce que cela fait au son du chant. Donc je pense que j'aime un peu le son de la sortie quand il était quelque part autour de la marque 300 à 500. Donc je vais le laisser quelque part entre les deux. Et maintenant, nous allons venir à notre gain de maquillage. Et nous pouvons voir que le compresseur réduit le signal d'environ sept décibels. Et je ne vais pas pousser autant le gain de maquillage. Je pourrais le pousser de quatre ou cinq décibels et on verra ce qui se passe. Ok. Donc, ça fait 5,2 décimales. On pourrait le pousser un peu plus, peut-être jusqu'à 6.626. Alors maintenant écoutons la voix sans compression. Et puis comme il joue compresseur alternatif et nous pouvons voir quel genre de différence faire des plis est mauvais, ne pas les bords. Et si on écoute à quoi ça ressemble dans le mix, ça ressemble à ça. Ok, et ensuite on va devoir appliquer compression à ce genre de voix, ce chant. Ok, donc ils sont ici dans le genre de section chorus. Et si je viens de voir ça et que je devrai en solo le porteur, ils sonnent comme ça. Et si on regarde le compteur de niveau, et on peut voir que le pic est en quelque sorte là autour du neuf. Et la moyenne est peut-être quelque part autour de 15. Ok, donc ce n'est pas une plage dynamique énorme, mais nous allons toujours appliquer le compresseur. Et on va mettre le compresseur après le vocodeur ici parce qu' on veut aussi compresser le son du vocodeur. Et nous ne voulons pas que le son comprimé entre dans le Vocoder. Je veux compresser tout ce son comme une sorte de son total. Ok, alors on va charger un autre compresseur et on va peut-être essayer ce très comp. Et comme vous pouvez le voir, ce compresseur a à nouveau une interface différente, mais nous avons un bouton d'entrée. Nous avons une sortie et nous avons ce seuil, d'accord ? Nous avons aussi l'attaque et la récupération ici. C' est votre libération, d'accord, alors à quelle vitesse une sorte de récupérer ? Donc, l'entrée est à nouveau la quantité de son que nous allons sortir du compresseur. Et la sortie est votre gain de maquillage. Et puis tous les autres paramètres sont les mêmes que ce que nous avons examiné auparavant. Nous avons aussi la sorte d'aiguille d'atténuation ici et ça nous montrera combien le compresseur est en train de se comprimer. Nous n'avons pas d'option pour changer le ratio. Et c'est parce que ce plugin a cette valeur de ratio intégrée. Ok, alors écoutons le son de ce vocodeur. Et je vais réinitialiser ces paramètres à 0. Réglez cette valeur à 0. Et maintenant, nous pouvons recommencer à modifier cette entrée. Allons juste de l'alcool comme boosté légèrement par peut-être 3,8 décibels. Et puis nous arriverons au seuil et ajusterons cela au fur et à mesure que le son est en train de jouer. Maintenant je peux voir ce que c'est l'aiguille, c'est en quelque sorte réduire le son de deux décimales. Donc je vais juste pousser un peu plus ça. Ok, donc après avoir écouté ce plug-in, je pense en fait que ce seuil est un peu le contraire. Je pense que cette façon est un peu plus de compression. Si nous regardons ici et de cette façon est moins de compression. Ok, donc je vais, en fait, je vais l'ajuster dans la direction opposée. D' accord. Donc, c'est un peu culminant jusqu'à maintenant. Et je vais juste le pousser un peu plus loin. D' accord. Et on peut voir que c'est un peu entre 24, ce que je suppose c'est trois. Et ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons augmenter le gain de maquillage d'environ 3dB. Essayons et peut-être 2.51. D' accord. Je pense que c'est assez fort. Je ne pense pas qu'on ait besoin d'aller plus loin. Et jetons un oeil à l'attaque. Voyons ce qui se passe si nous augmentons l'attaque jusqu'à un temps d'attaque rapide. Et essayons une attaque lente maintenant. Maintenant parce que ce sont des voix de soutien, parce qu'ils jouent en même temps que la voix principale. Je ne veux pas qu'ils soient hors de contrôle, donc je vais quitter le temps d'attaque rapidement et je sais que cela semble un peu plus dynamique quand l'attaque est réglée à vraiment ralentir. Mais je pense que ça sonne mieux dans le but de ce qu'ils font, qui est de soutenir le chant. Je pense qu'il vaut mieux laisser l'attaque trop vite. Revenons à la récupération, qui est aussi la libération. Et nous allons essayer de peaufiner ce paramètre. Donc je pense que ça sonne un peu mieux avec le temps de sortie un peu plus lent. Et je crois que j'ai déjà dit ça avant de toute façon à propos de la voix. temps de sortie plus élevés genre de son mieux sur une voix. Un peu le rend un peu plus lisse. Alors voyons à quoi cela ressemble avec l'autre voix. On pourrait le refuser comme morbide. Et voyons à quoi ça ressemble dans le mix, ok ? Mais une partie, et je vais juste couper le son de cet orgue parce que l'AMP fait du bruit. D' accord ? C'est donc un peu le processus que vous utiliserez lorsque vous utilisez la compression pour vos voix. La seule chose que vous devez savoir, c'est que les différents compresseurs ont des interfaces différentes et des paramètres différents qu'ils vous donneront, d'accord ? Et parfois, vous devrez jouer avec ces paramètres pour comprendre comment ils fonctionnent. Vous savez, le tord vers la droite pour l'éteindre, ou le tord vers la gauche pour l'éteindre. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la compression pour les bus. Et cela est également connu sous le nom de compression de colle. 91. Compression de colle: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la compression pour les bus, qui est aussi connu sous le nom de compression bleue. Et ça s'appelle la compression de la colle parce qu'elle est utilisée pour coller différents sons ensemble. C' est un très léger sont forme subtile de compression, souvent utilisé sur les deux canaux pour bleuir les éléments individuels ensemble et les faire paraître un peu plus liés. Donc, parce que c'est une forme subtile de compression, Ronnie va appliquer un petit rapport de moins de 3,5. J' ai donc cette configuration de canal de bus et il y a quatre sons différents qui jouent un modèle très similaire. D' accord ? Et je veux utiliser ce canal de bus. Je veux utiliser ceci pour coller tous ces sons individuels un peu plus ensemble. Alors venons ici à ces effets lattes et nous allons charger un plug-in compresseur. Maintenant, il y a des compresseurs qui sont délibérément faits pour cela, comme ce genre de camps de bus assez solides. Donc, ce compresseur est conçu pour coller différents éléments ensemble, mais nous allons le faire avec un compresseur différent et nous allons utiliser juste un compresseur normal, peut-être ce Vec1 60. Et je peux voir maintenant avec ce compresseur, d'accord, il n'y a pas de paramètre de rapport, ok ? Et nous avons besoin d'un paramètre de ratio pour pouvoir effectuer correctement la compression du bus. Donc, je vais remplacer cela par un compresseur différent qui a un paramètre de ratio. Donc, utilisons, alors utilisons ce CPS. Je sais qu'on l'a déjà utilisé, mais je veux juste utiliser un compresseur qui a un rapport maintenant. Mais parce que le rapport est important pour la compression de colle, nous allons utiliser un rapport de rien au-dessus de 3,5. Donc on va laisser ça peut être en bas deux. D' accord ? Et maintenant, nous allons écouter ces quatre couches jouant ensemble. Et je trouverai un beau seuil. Et encore une fois, nous voulons seulement que l'atténuation soit, qu'elle soit très douce. Ok, on ne veut pas que cette aiguille saute sur toute l'interface. Ok, alors jouons le modèle et on s'ajustera comme seuil. Donc, comme vous pouvez le voir, l'aiguille ne bouge que très légèrement. Et parce que la compression de colle doit être subtile, nous allons nous assurer que le temps d'attaque est très élevé. D' accord ? Et nous allons aussi nous assurer que le temps de sortie est très élevé. Peut-être que cinq cent trente deux apparaissent. Et le gain de maquillage, parce que nous ne faisons pas beaucoup de réduction, je vais seulement l'augmenter d'une très petite quantité. Peut-être 1.6 même cela pourrait être trop. Peut-être autour, oups, peut-être autour d'un. Écoutons. Et éteignons ce plug-in et puis nous l'allumerons à nouveau, peu à mi-chemin dans le modèle. D'accord. Écoutons. Donc, je ne suis pas sûr que tu puisses le remarquer. D' accord. Je ne suis pas sûr si vous pouvez entendre comment il très, très subtilement sorte de colle le son ensemble et vous ne l'entendrez certainement pas à moins que vous êtes sur un casque sont un peu de bons haut-parleurs. Mais la compression, je peux entendre que c'est en fait, ça fait quelque chose de très, très doucement et très subtilement pour juste faire de ces sons un peu mieux. Écoutons encore une fois. Et je vais éteindre un peu à mi-chemin à travers le modèle et puis recommencer. Donc la compression de colle est pâturée pour s'appliquer à vos canaux de boss, ok ? Et vous aurez déjà, comme vous le ferez, vous allez toujours appliquer la compression à ces instruments, ok, le compresseur et la dynamique solide. J' ai des compresseurs sont prêts sur ces instruments, mais la compression de colle est juste utilisée pour mélanger ces sons un peu mieux ensemble. Donc, donc certainement si vous utilisez ces canaux de boss et appliquez cette technique de compression bleue, car cela rendra tous les éléments mieux assemblés. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la compression multibande. 92. Compression multiband: Donc, dans cette conférence, on va jeter un oeil à la compression multibande, ok ? Et un compresseur multibande fonctionne de la même manière que n'importe quel autre compresseur. On va appliquer les mêmes techniques. La seule différence est que c'est comme avoir trois compresseurs différents dans un seul plug-in. Alors, nous allons charger un compresseur multibande vers le haut dans notre Ladd affecte. Ok, donc je vais choisir cette dynamique de l'ozone sept. Et nous pouvons voir quand il se charge qu'il semble complètement différent de n'importe quel autre type d'interface que nous avons examiné auparavant. Mais c'est bon parce que nous avons encore une fois l'attaque de ratio, libération et le RNB. Et nous avons aussi un seuil ici. Et par ici, on a le gain de maquillage, ok ? Et la seule différence est que c'est le compresseur rose qui correspond à cette bande de fréquence. Donc, une fois que je l'ai réglé, tout avant 417, donc de cette façon, on comprime tout ça. Et dans ce compresseur bleu, il est entre 4172 000 compriment cela. Et avec le jaune, nous compactons ceci et avec le rouge où la compression de ceci. D' accord ? Donc, ce genre de bandes ici, sont la seule différence entre un compresseur multibande et un compresseur normal. Et on va l'appliquer à ce son de piano que j'ai. Mais la première chose que nous devons faire avant même d'appliquer une compression est que nous devons régler ces bandes. Nous devons donc nous assurer que ces groupes sont réglés correctement pour le son que nous écoutons. Donc je vais faire le solo de la bande basse et on va trouver les basses fréquences du piano. Donc, nous voulons juste faire avec les basses fréquences. Ensuite, nous écouterons ce groupe de milieu de gamme. D' accord ? Peut-être le déplacer un peu vers le bas. Et puis nous avons écouté les médiums élevés et nous verrons si cette gamme est correcte ? Je pense que c'est trop haut de gamme. Ok, et enfin, on va écouter ce très haut groupe ici. Bon, maintenant ces groupes sont réglés correctement pour le son que nous voulons compresser. Nous sommes prêts à commencer à compresser. Alors, faisons en solo cette basse fréquence ici. Et je vais réinitialiser le seuil. Donc la première chose qu'on va faire est de fixer le ratio. Et parce que c'est une basse fréquence, je veux régler ça un peu plus haut. Peut-être 5.2. Nous allons abaisser le seuil. D' accord. Peut-être pas tant que ça. Et nous pouvons voir ici avec le rouge, sorte de compteur rouge que c'est l'atténuation. C' est donc la quantité de compression appliquée. Ensuite, nous allons mettre l'attaque. Et si vous réglez cela sur bas, surtout avec le piano, vous obtiendrez un son déformé. Je ne sais pas si tu peux l'entendre. Donc on va mettre l'attaque un peu plus haut. Peut-être une fête. Ensuite, nous avons réglé la sortie, ok, et encore avec le piano, je voulais un peu paraître lisse. Donc, je vais régler la sortie un peu plus haut. Peut-être autour de 200, ou peut-être même en tant que mère Moore. Et je vais juste venir et changer smack disable pour mes plug-ins, juste pour que je puisse donner plus de puissance de traitement à ce plugin particulier. Oups. Où est-ce que ça est allé ? Ici le fait. D' accord. Ensuite, nous verrons à peaufiner ce compresseur bleu. D' accord ? Encore une fois, montez un seuil et nous allons soliste pour entendre ce que nous faisons. Et je vais régler le ratio un peu plus de deux, peut-être 3,5. J'ai refusé le seuil. Maintenant, je pense que c'est un peu trop. Je pense qu'on coupe une partie du son du piano. Herbert, en quelque sorte couper l'attaque du piano, le genre de son agressif. Et je voulais garder ça dedans. Donc je pense que c'est un bon cadre. Passons maintenant à l'attaque. Et encore une fois, je vais mettre ça à la même chose que la première. Alors peut-être autour de 30 ans. Et encore une fois avec cela jusqu'à environ 400 comme nous avions dans le premier, le premier compresseur. Alors écoutons ce que ça ressemble. Ok, et on va compresser le prochain groupe, qui est ce groupe jaune. Encore une fois, définissez le seuil jusqu'au sommet. Et nous allons changer ce ratio peut-être pas autant que le dernier, peut-être autour de trois. Et on gardera l'attaque la même que la dernière fois, et on gardera la sortie la même que la dernière fois. Comme ça, peut-être 393, c'est bon. Et nous allons abaisser le seuil pendant que le son est en train de jouer. Et je mets trop le son du piano là-bas. Ok, donc je pense que ça sonne mieux. Et nous passerons au dernier compresseur, qui est aussi élevé, ces hautes fréquences. Et nous allons laisser le rapport R 2, peut-être même le réduire un peu parce que nous ne voulons pas compresser autant que les hautes fréquences, parce que les hautes fréquences d'un piano, elles sonnent assez bien. Un piano sonne bien quand il est brillant. Ok, donc encore une fois, on va garder l'attaque la même, peut-être autour de 30 ans et garder la sortie la même chose. Et puis nous allons abaisser ce seuil au fur et à mesure que le son se joue. Ok, alors écoutons tous les groupes ensemble en même temps. Maintenant, nous pouvons retourner dans tous ces groupes et appliquer le gain de maquillage. Donc avec ce groupe particulier, nous perdons vraiment une sorte de décibels d'environ quatre. Ok, donc je vais augmenter ça de quatre. Alors je vais faire le solo de ce groupe. Et nous allons voir où se situe la réduction du gain avec celui-ci. Encore une fois, c'est autour de 4.8. Donc, je vais augmenter cela d'environ 4,8. Tu montes peut-être 4,6, et tu viendras dans le prochain groupe et le solo. Et nous pouvons voir que la réduction du gain est d'environ 2,8 à 0,9. Donc nous allons faire ressortir le gain, le gain de maquillage d'environ 2, peut-être, 2,7. Et puis viendra dans ce groupe final ici. Et nous allons jeter un oeil à la réduction du gain. Et c'est peut-être un décibels ou on en parlera d'environ un, peut-être 1,5. Alors maintenant écoutons le genre de son complet du compresseur. Et si j'éteins le compresseur ici. Ainsi, vous pouvez voir que le compresseur rend le son un peu plus complet. Je vais juste, je vais jouer à nouveau et je vais l' allumer un peu à mi-chemin et vous pouvez avoir une écoute vous-même. compression multibande est donc utile pour cela. C' est utile pour faire un son un peu plus complet. Et, mais c'est aussi utile lorsque certaines fréquences du son n'ont pas besoin d'être compressées. Donc, ce que vous pouvez faire est que vous pouvez compresser peut-être le bas, et vous pouvez laisser le haut non comprimé. Dans la prochaine conférence, nous allons voir ce qu'est un limiteur. 93. Limites: Voyons ce qu'est un limiteur et comment nous pouvons les utiliser dans nos pistes. Donc, un limiteur est exactement le même que le compresseur, sauf que le rapport doit être réglé au-dessus de dix. Maintenant, 99,9 % du temps, vous n'utiliserez pas de limiteur dans votre mix. D' accord ? C' est plus quelque chose que nous mettons sur le canal maître quand nous arrivons à maîtriser. Mais nous pouvons l'utiliser pour des instruments particulièrement incontrôlables. Vous n'aurez donc jamais besoin d'utiliser un limiteur sur vos instruments comme celui-ci. Vous n'aurez pas besoin d'utiliser un limiteur sur ces instruments ou autre chose, vraiment, d'ailleurs, la seule chose pour laquelle vous pourriez utiliser un limiteur serait une base. D' accord ? Juste solide la base. Ok, et peut-être si nous venons à ce genre de section où la base a de longues notes. C' est le seul cas où vous pouvez utiliser un limiteur. D' accord ? Donc, tout d'abord, si nous devions prendre un compresseur ici, comme celui-ci, et si nous devions augmenter le rapport aussi haut qu'il va, et dans ce cas, il va jusqu'à 20. Ce sera limitatif. Donc, tout ce qui dépasse dix est limitatif. D' accord ? Donc, si je tourne cela jusqu'à 20, étaient maintenant limiter le son. Et si j'abaisse un peu le seuil, on peut entendre que tout l'instrument est sous contrôle. D' accord ? Maintenant, si nous devions charger un plugin limiteur réel, qui garder à l'esprit, est juste un compresseur avec un ratio élevé. Et vous pouvez également obtenir un paramètre comme celui-ci, qui dit plafond. Mais ce n'est que le seuil. D' accord ? Donc si je bats ce seuil, comme vous pouvez le voir, ça bloque le son qui va au-dessus de ça. Et là où un compresseur, il pousserait le son vers le bas et c'est plutôt, c'est plus doux. Un limiteur est très agressif et tout ce qui dépasse cette ligne verte est juste coupé. Donc nous l'utilisons seulement pour contrôler des fréquences très hors contrôle. Peut-être que nous voulons nous débarrasser de ces petits sons pincés en haut il vous pouvez voir la, vous pouvez voir là-bas dans le violet. Et la façon dont la forme d'onde commence ici, puis elle descend et se met à niveau. Donc si on voulait enlever ce genre de pincettes, on laisserait le plafond ici. Et vous pouvez voir le résultat final alors est juste tout en dessous. Donc, c'est un peu un son de niveau. Mais comme je l'ai dit, vous utiliserez rarement un limiteur, ok ? Même si vos bases ont raison, vous n'utiliserez pas de limiteur. Vous utiliserez simplement un compresseur avec les rapports assez élevés à environ huit. D' accord ? Et nous regarderons à nouveau les limiteurs quand nous maîtrisons et nous allons en charger un sur le canal principal ici. Mais pour l'instant, il est bon d'être conscient qu'ils existent. Et tout ce qu'ils sont, c'est juste un compresseur avec un rapport très élevé. Ensuite, nous allons jeter un oeil à la vérité mal interprétée avec la compression pour EDM. 94. La vérité comprise avec la compression pour l'EDM: Ok, donc si vous avez déjà cherché quelque chose sur la production musicale, alors cette conférence va probablement contredire tout ce que vous avez appris de ça jusqu'à présent. Mais s'il vous plaît écoutez-moi et essayez de comprendre la théorie qui sous-tend la confusion au sein de la communauté EDM. abord, nous devons examiner où nous apprenons toutes nos informations sur le mixage. Pour la plupart d'entre nous, c'est probablement hors YouTube et il y a beaucoup de tutoriels incroyables sur YouTube qui expliquent comment utiliser la compression. Et ce que nous entendons le plus souvent, c'est que vous devez utiliser compression et chaque instrument que vous utilisez a besoin de compression. Et le problème est que cela est probablement vrai pour cette personne en particulier sur cette vidéo YouTube en particulier. Mais ce n'est pas vrai pour nous dans EDM. Et la raison pour laquelle ce n'est pas vrai pour nous, c'est parce que cette personne sur YouTube mélange probablement des groupes. Donc, des instruments en direct qui sont joués par un humain où chaque note sonne différemment et a une sorte de niveaux de volume différents. Et cet instrument en direct qu'un humain joue est en train de jouer pour toute la chanson de quatre minutes. Donc, la compression est certainement nécessaire. Mais nous ne jouons pas de nos instruments. Nos sons sont faits à l'aide d'un ordinateur et les notes seront exactement identiques chaque fois que l'ordinateur les lit. Et ce qui est de plus, c'est que nous construisons des pistes à partir de boucles vraiment courtes. Ce qui m'amène à mon prochain point. Dans EDM, il n'y a pratiquement aucune plage dynamique du tout. Les résultats, donc très peu ou même pas de variation entre chaque note quand elle est jouée. Mais si nous regardons M. YouTube dans son studio, il ne mélange probablement pas et piste EDM, c'est pourquoi il nous dit que nous devons utiliser la compression. Et oui, si vous mélangez un groupe, vous devrez utiliser la compression sur tout. Mais avec EDM, la compression n'est pas nécessaire. Et si vous regardez à nouveau le genre de théorie qui sous-tend le fonctionnement d'un compresseur, alors vous vous rendrez compte que cela ne s'applique pas réellement. Un compresseur réduit les parties les plus bruyantes du signal, et il nous permet d'entendre le silence ou les parties du signal un peu mieux. Mais dans EDM, il n'y a pas exactement de pièces calmes. La plage dynamique de l'EDM n'est tout simplement pas assez grande pour justifier l'utilisation d'un compresseur. Et cela m'amène au dernier point. D' accord ? Je ne dis pas que tu ne devrais pas utiliser un compresseur. Il y a des moments où il est applicable, comme les voix sont de longues boucles externes ou même certains des modèles d'instruments que vous créez pourraient bénéficier de la compression. Tout ce que je dis, c'est que la compression n'est pas nécessaire. D' accord ? Vous pouvez mélanger dans la piste EDM parfaitement bien sans utiliser de compression du tout. Et en fait, j'ai fait ça. Et de plus, cette piste a été signée sur un label. Donc, ce que vous devriez prendre de cette conférence, c'est de ne pas utiliser la compression pour notre bien. Ou n'utilisez pas de compression parce que vous avez entendu dire que vous devriez l'utiliser sur tout. Vous ne devriez utiliser la compression que si vous pensez que le son pourrait bénéficier de nous. Et soyez très critique avec cela si vous appliquez la compression et après, cela sonne un peu écrasé. Éteignez-le. Parce que c'est le problème numéro un auquel les producteurs d' EDM sont confrontés et qu'il essaie d'éviter un son écrasé. Mais cela peut être très facile à éviter si vous n' appliquez pas de compression à des choses qui n'ont pas besoin de compression. Et pour EDM, c'est essentiellement tout sauf pour les voix et les boucles très longues. Vous pouvez utiliser la compression, mais s'il vous plaît soyez prudent et assurez-vous qu'il fait quelque chose de bien au son parce qu'il est très, très facile de Rouen une piste en surcompression. Donc c'est juste quelque chose que vous pouvez prendre à bord si vous utilisez YouTube comme une sorte de ressource supplémentaire, ok ? Les techniques que vous pouvez apprendre de quelqu'un sur YouTube peuvent uniquement être correctes lorsque vous travaillez avec un certain type de musique. Alors s'il vous plaît, quand vous apprenez de quelqu'un ce genre de travail en dehors de votre genre, en dehors de votre style de musique. S' il vous plaît soyez vigilant et ne finissez pas par ruiner vos traces avec de la désinformation. 95. Saturation pour le mélange: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la saturation pour le mélange. Et cela est lié à la dernière conférence de la section de compression que nous examinions. Je vous ai dit que la compression pour EDM n'est pas nécessaire. Eh bien, l'une des raisons pour lesquelles quelqu'un prétend que ce n'est pas nécessaire est parce que tout le monde veut un son gras ou une sorte de son professionnel complet. Eh bien, la saturation, c'est marcher et faire ça pour vous. Pas de compression. compression rend les choses plus fort, mais la saturation rend les choses plus grosses. Alors, quelle est cette durée ? Ces plugins ajoutent une distorsion harmonique dans votre son. Donc, au lieu de déformer le son initial, il sorte d'annonces dans certaines harmoniques déformées, puis les mélange avec, avec ce son initial. Vous pouvez utiliser ces plugins pour rendre vos lignes de base plus audibles et plus grosses. Vous pouvez également les utiliser pour rendre vos tambours plus agressifs. Ou vous pouvez même les utiliser pour réduire certaines des hautes fréquences les plus difficiles. Donc, si un plugin de saturation ajoute des harmoniques déformées, que sont exactement les harmoniques ? En termes simples, ce ne sont que des fréquences qui sont des multiples de la fréquence de la route. Donc, si vous avez une fréquence de 500 hertz, alors 11000 hertz serait un harmonique comme le bois, 1500 hertz, 700 hertz ne serait pas un harmonique parce que ce n'est pas un multiple de 500 hertz. Maintenant, il y a des choses qui sont appelées harmoniques et harmoniques de savon. Mais nous n'avons pas besoin d'en savoir plus pour ce cours. Tout ce que nous devons savoir, c'est qu'un plugin saturé va ajouter une distorsion harmonique aux multiples du nœud racine. Et ce type particulier de distorsion crée un effet différent. Et cela semble beaucoup plus propre et beaucoup plus excité que la distorsion régulière, ce qui semble juste agressif. Quels sont les principaux paramètres d'un plug-in de saturation ? Eh bien, il n'y a que trois paramètres standard et ceux-ci sont à l'entrée, au lecteur et à la sortie. Vous pouvez également obtenir une couleur ou une tonalité, ou peut-être un paramètre de caractère. Mais en dehors de cela, vous allez réellement trouver toute une gamme de paramètres différents sur différents plugins. Commençons donc par l'entrée. Contrairement à la compression, si nous montons cela, nous obtenons plus du son de saturation du plugin, surtout si nous réduisons la sortie. Ces deux-là vont de pair. Si vous définissez l'entrée basse et la sortie élevée, vous n'obtiendrez pas beaucoup de l'effet de saturation sur le son. Mais si vous définissez l'entrée haute et la sortie basse, vous obtiendrez un son plus saturé du plugin. Le paramètre Dr est tout simplement combien de distorsion Voulez-vous appliquer au son ? Faites attention à ne pas tourner cela au point qu'il semble vraiment incroyablement déformé. Le son final devrait être propre, mais aussi beaucoup plus gros. Vous pouvez également obtenir ce paramètre de couleur dont nous parlions. Et cela change juste le son réel de la saturation. Voulez-vous un son chaud et floue ou voulez-vous un son lumineux et gritty ? Donc, essentiellement, il forme juste le son que vous sortez du plug-in. Après ces paramètres principaux, vous trouverez de nombreux paramètres différents sur de nombreux plugins différents. Donc, vous devrez expérimenter avec eux et voir quel genre de son vous pouvez obtenir. Maintenant, parce que tous ces plug-ins de saturation ont tous des paramètres différents. Il n'y a pas beaucoup d'autres ajustements que nous pouvons faire. Cependant, je veux vous faire prendre conscience de ces deux autres types de saturés. Il y a donc un type de plug-in appelé shaper d'onde, et c'est un plugin de distorsion qui ajoute également une distorsion harmonique dans le son. Maintenant, vous pouvez l'utiliser pour dessiner différentes formes sur la vague, puis créer votre propre son déformé unique. Nous pouvons les utiliser pour créer un son de distorsion analogique ou numérique. Les façonneurs d'onde peuvent être très puissants, mais ils peuvent aussi être très destructeurs. Assurez-vous donc que le son final que vous entendez est agréable à l'oreille. Enfin, nous avons des excitateurs harmoniques, et ceux-ci sont très similaires à la saturation ordinaire, sauf qu'ils ne sont concentrés que sur les hautes fréquences. Donc, ils ne rendront pas vos lignes de base plus grosses, mais ils les rendront plus brillants. Donc, n'utilisez un exciter que si vous voulez déformer les fréquences supérieures du son. Maintenant que nous avons toutes ces informations, passons à autre chose et commençons à appliquer la saturation à nos pistes. 96. Comment utiliser la saturation: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur le processus que vous allez appliquer lorsque vous utilisez la saturation. Alors ouvrons ce modèle de touches déformées. D' accord ? Et si je joue ça dans la vue des motifs, ça sonne comme ça. Et si on trouve ça dans la table de mixage, c'est ici sur la voie 10. D' accord ? Maintenant, je vais passer par les trois principaux types de saturés dont nous parlions. Nous avons donc parlé de saturé normal ou de plugins. Et puis nous avons jeté un coup d'oeil sur les formes d'onde, et nous avons regardé les excitateurs harmoniques. Ok, alors allons d'abord, je vais juste allumer cette diapositive et ouvrons un plugin de saturation normal. J' en ai un ici et ça s'appelle Supercharge ton GT. Et c'est un très bon plugin pour obtenir un son plus gros. Donc très rapidement si nous avons juste un coup d'oeil à l'interface, nous avons cette entrée, ok, donc c'est juste le paramètre d'entrée. Nous avons un paramètre de chaîne latérale, mais c'est seulement pour le compresseur et nous ne toucherons pas le compresseur ou la chaîne latérale. Dans cette conférence, nous avons un plugin de saturation. Donc c'est le lecteur, d'accord, combien de saturation voulons-nous appliquer ? Et quel genre d'agressivité voulons-nous que ça sonne ? Voulons-nous être doux, modéré ou chaud ? Nous allons sauter toute cette section du compresseur et nous allons revenir à la saturation. Et c'est le personnage, d'accord ? Et c'est, encore une fois, que nous pouvons façonner le son qui sort et nous pouvons le rendre rapide, chaud ou lumineux. Nous pouvons également mélanger dans un signal sec, qui est similaire à la compression parallèle, sauf que ce serait comme une saturation parallèle. Encore une fois, cela est en quelque sorte lié à la section compresseur, mais nous pouvons aussi l'utiliser pour la saturation. Et enfin, nous avons ce paramètre de sortie, qui a juste à quel point le son est fort quand il sort du plugin. Chaque fois que j'utilise ce plug-in, les seuls paramètres que j'ai jamais besoin de toucher sont la saturation. Et le personnage va monter l'entrée dans le but de cette démonstration juste pour en obtenir un meilleur son. Donc, je vais juste booster l'entrée. D' accord ? Et nous pouvons voir ici qu'il y a un peu de lumière et le plus léger qui vous dit quand vous avez le type de niveau d'entrée parfait. Ok, donc pour le moment, c'est parfait. Et puis ça dit, j'ai besoin de pousser un peu, mais plus c'est ce que je vais faire. Je vais le pousser très, très légèrement. Et comme vous pouvez le voir, nous avons un peu la lumière verte allumée pour la plupart du son. Alors maintenant, nous sommes prêts à appliquer une certaine saturation. Alors écoutons le son et va booster ce bouton, le couloir et nous verrons quel genre de son il fait en voyageant autour. D'accord. D' accord. Et nous pouvons passer de légère à modérée. Très bien, trop chaud. Mais alors, si nous réduisons cette saturation, nous voulons moins de ce son cœur. On peut obtenir une très belle sorte de son de distorsion harmonique. Ok, peut-être un peu moins. Ensuite, nous allons sauter cette section du compresseur parce que je ne veux pas compresser le son. Et nous allons entrer dans ce personnage où nous pouvons en quelque sorte façonner le son qui sort du plugin. Donc je pense que pour ce son particulier, je veux un réglage chaud parce que je pense que le son est plutôt chaud de toute façon. Gênes a un peu de gentil, sorte de bas de gamme et c'est, c'est un son assez chaud. Donc, je vais garder le réglage chaud. Et je vais ajuster ce paramètre pendant que nous écoutons. Maintenant, je peux le pousser jusqu'à la fin. Je vais l'essayer avec un réglage de graisse. Et nous allons essayer avec un cadre lumineux. Donc, je pense en fait que le réglage lumineux sonne le mieux après avoir écouté. Donc je vais refuser ça un peu parce que je pense qu'il y a trop d'effet qui se passe. Mais je vais le baisser à une sorte de niveau optimal. Et peut-être que nous pourrions refuser la saturation juste un peu pour que ce ne soit pas une sorte de, de sorte que ce n'est pas un peu aussi déformé qu'il en avait l'air. Et on peut changer ça, on peut revenir à modérée. Si nous n'aimons pas le son du chaud et chaud. Je pense toujours que je préfère le son du cœur. Donc je vais laisser ces paramètres ici et nous allons écouter à quoi ressemblait le signal avant la saturation. Et puis nous écouterons ce que ça ressemble. Alternez sur pendant que le motif est en cours de lecture. Et si on écoute rapidement ça dans le mix réel, d'accord ? Mais écoutez ce que ça sonne ici. D' abord sans la saturation, puis je vais l'allumer. Je vais juste baisser ces voix un peu. Ainsi, vous pouvez entendre que la saturation ajoute un peu de graisse au son. Ça rend le son un peu plus épais. Et c'est vraiment la beauté d'utiliser ces plug-ins de saturation. Maintenant, regardons une forme de vague ou ok. Et il y a une forme de vague ou un plugin qui est en fait gratuit avec FL Studio. Et c'est là-haut, un shaper à vagues fruitées. Et on peut charger ça. Et ça ressemble à ça. Et si nous touchons cette roue Settings ici, il ouvrira une sorte de section de réglage où nous pouvons ajuster la pré ou l'entrée. Et nous pouvons ajuster le mélange, ce qui serait le genre de saturation parallèle où nous mélangeons dans un signal sec. Et puis nous avons ce post qui est la sortie. Donc, utilisons la forme de vague ou pour créer une forme d'écrêtage souple, ok ? Et c'est là que le son est légèrement déformé. D' accord ? Donc, une tondeuse douce ressemble à ceci, où la ligne et le shaper des vagues remontent un peu comme ça. Et puis c'est arrondi vers le haut. Écoutons ce que ça ressemble. Je vais juste solo le piano électrique. Et si je l'éteins, et qu' on peut déplacer ça, accord, on peut déplacer ça un peu vers le bas et cette section vers le bas pour la rendre encore plus déformée. Écoutons. Et je vais l'éteindre à mi-chemin. Maintenant, on peut aussi plier ça, ce genre de moitié inférieure de la tondeuse souple et on peut obtenir un son plus agressif. On pourrait le pousser même un peu, un peu plus. Et si je l'éteins. Et nous pouvons également utiliser cette forme d'onde ou plugin pour déformer complètement le son. Et si nous, si nous tracions une ligne comme celle-ci, cela déformerait vraiment le son. Donc, nous devons aussi en ajouter un comme ça. Si nous, si nous plions désolé, le plugin n'est pas et je me demandais pourquoi je n'obtenais pas une sorte de sondeur à ça. Je vais juste les supprimer à nouveau et nous allons commencer à partir de zéro. Ok. Donc, si nous ajoutons un autre type de point d'ancrage ici, et nous le faisons glisser vers la gauche, aura un son plus déformé. D' accord ? Maintenant, nous pouvons également supprimer tous ces éléments comme ceci. Et si vous voulez juste obtenir un peu plus de volume du son, quand il s'ouvre. Ça va s'ouvrir comme ça. Et si tu pousses ça comme ça, tu auras un son propre et plus gros. D' accord ? Peut même pousser comme modèle que plus. Et c'est un peu la façon la plus simple d'utiliser un shaper d'onde est juste de simplement plier la pente. D' accord ? Alors écoutons maintenant cette forme de pente de lit dans le mélange. Et puis je l'éteindrai un peu à mi-chemin. Désolé, je dois allumer tous les autres instruments aussi. D' accord. Donc, vous pouvez voir à quel point d'un outil ce genre de plugin bloqué est réellement. Et c'est vraiment génial quand vous commencez à vous familiariser avec la façon de vraiment façonner le son, vous savez comment utiliser ce genre de distorsion à votre avantage. Alors maintenant, éteignons ça et nous allons jeter un oeil à un excitateur, un exciter harmonique. Ok, donc si tu viens ici pour des arcs sur l'exciter de 7. Et avec cela, c'est un peu comme une sorte de plugin de saturation multibande. Mais ce qu'on peut faire, c'est qu'on peut pousser ce montant, d'accord ? Et cela dit juste combien de saturation Voulez-vous ajouter en quelque sorte ? Donc, généralement avec ceux-ci, nous n'ajoutons pas autant de son dans les fréquences de base. Nous pourrions ajouter un peu plus dans les moyennes gammes. Ensuite, nous ajouterions un peu plus dans le milieu de gamme élevé. Et enfin, nous ajouterions un peu dans les hautes fréquences. Écoutons ce que ça ressemble. Et si je l'éteins et je le rallume. Le son d'un exciter est donc beaucoup plus subtil que les deux. Alors ce genre de, ce plugin de saturation approprié et cette forme d'onde ou plug-in, le son d'un exciter est un peu plus subtil, mais il rend le son plus lumineux. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'application de certains de ces plug-ins de saturation aux instruments. 97. Saturation pour les instruments: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur l'application de la saturation à certains instruments. Donc si nous arrivons dans ce top pattern ici et nous avons une écoute l'instrument et un peu de ce qu'il a l'air. Ok, donc c'est ce genre de son synthétiseur. Donc je vais trouver ça sur la table de mixage et je vois que c'est sur la piste 9. Donc, je vais faire apparaître la piste neuf, va venir à ces fentes d'effets ici et nous chargeons un plugin de saturation. Donc je vais en charger un autre cette fois. Et je vais choisir ce chauffe-ruban à tube E. Et encore une fois avec cette interface de plug-in saturée semble complètement différente, mais le concept est toujours le même. Ok, donc nous avons ces a et b où nous pouvons choisir combien de voiture nous voulons sortir de ces différents tubes. Donc nous avons tube a et B et puis nous avons aussi ce paramètre de tonalité, qui est la même chose que la couleur ou le caractère. Allons donc allumer le tube a et nous allons écouter ce que cela ressemble lorsque nous appliquons un peu de saturation. Donc, nous allons trouver une sorte de point optimal entre, vous savez, le son le plus déformé et ensuite une sorte de pas déformé du tout. On va trouver une bonne sorte de médium heureux. Ok, donc je pense que quelque part par ici, qui est 6.9, je pense que ça a l'air bien. Maintenant, nous pourrions aussi tourner 2B B à 6.9, et nous avons juste une écoute à ce que cela ressemble au lieu du tube a. Donc, qu'est-ce que le jus être Sandec va l'augmenter, peut-être juste avoir une bonne leçon. D'accord. Et nous pouvons aussi mélanger les deux ensemble pour que nous puissions avoir 2A et 2B en même temps. Donc peut-être que vous voulez juste refuser le pour être juste un peu pour que ce soit un peu de mélange de mieux. Et on va l'éteindre et voir à quoi ça ressemble sans, puis on recommence. Donc je pense que ça sonne plutôt bien avec ces deux tubes. Je pense qu'aujourd'hui c'est en quelque sorte ajouter un moucheté et ensuite 2B ajoute un petit peu de déchets dans le genre de basses fréquences. Nous pouvons également utiliser ce paramètre de tonalité pour façonner le son que nous sortons. Donc nous pouvons augmenter les hautes fréquences ou nous pouvons augmenter les basses fréquences. Ok, alors jouons le son et Mileva écoutons ce genre de son extrême. Donc j'aime le son quand c'est plus le bas de gamme. Je pense que c'est juste ajouter un peu de poids au son. Alors écoutons ce que ça ressemble. Sans le plug-in de saturation, puis nous le rallumerons au fur et à mesure que le modèle est en cours de lecture. Donc, vous pouvez voir que ce plugin est en fait une sorte de donner vie à cet instrument. Ça fait qu'il se sent plus vivant, plus plein et plus gras. Maintenant, regardons peut-être un instrument différent comme celui-ci. Ok, et on saura où c'est dans la piste de mixage en arrivant ici et on verra que c'est sur la voie 6. Et on peut le résoudre. D' accord ? Et ce que je vais faire, c'est charger un plug-in de saturation. Chargons un autre cette fois. Chargons peut-être le super tragique GT. Et voyons à quoi cela ressemble sur cet instrument particulier. Donc, je vais l'écouter en mode modèle. D' accord ? On va augmenter l'apport jusqu'à ce que nous obtenions ça. Ça nous dit de le refuser. D' accord ? Et maintenant, nous sommes au niveau optimal. Maintenant, nous pouvons commencer à appliquer une certaine saturation. Essayons de modérer. Et je voulais juste être un peu subtil. Je ne veux pas que ce soit très évident avec la distorsion supplémentaire. Peut-être un peu moins que ça. Et maintenant, nous allons passer au personnage. On va, et on va en quelque sorte tordre ça et voir à quoi ça ressemble avec le réglage de la graisse. Ensuite, nous allons essayer certains de ces autres paramètres. Essayons chaud et lumineux. Mais revenez à la graisse. Donc j'aime le son de la graisse. Je vais juste trouver une sorte de milieu de la route et une sorte de médium heureux. Et peut-être que je reviendrai et que ce réglage revienne à doux. Et je vais en quelque sorte stimuler ça juste l'odeur que plus, un peu moins. Et maintenant, si nous avons une écoute de l'instrument sonne comme avant la saturation, et alors je vais l'allumer un peu à mi-chemin. Donc, vous pouvez voir qu'avec ces paramètres particuliers, c'est assez subtil, mais cela fait une belle différence pour le son. Enfin, nous pourrions jeter un coup d'oeil à un autre instrument. Donc, nous viendrons peut-être ici dans l'arrangement et nous prendrons juste une de ces cordes peut-être ces cordes pour voir à quoi ça ressemble. Oh, je dois le résoudre dans la table de mixage pour qu'on sache où il est. C'est fait 31. Et je vais trouver et quand un solaire que. Ok, donc ça ressemble à ça. Alors maintenant, nous allons charger notre plugin de saturation. Et je vais charger une forme de vague ou cette fois. Et nous allons utiliser ce plug-in de saturation maintenant pour façonner le son. Ok, donc je vais frapper les réglages. Nous allons je vais monter le petit peu pré pour obtenir plus de son du plugin. Donc maintenant je vais dessiner dans une courbe qui ressemble à ça. Et je vais jouer le modèle pendant que je le déplace pour trouver une sorte de position optimale. On peut le pousser encore plus. Et si je l'éteins et puis de nouveau. Et maintenant, nous pouvons également changer la forme de cela peut être de transformer en une sorte de son d'écrêtage doux. Encore plus. Et nous pouvons aussi changer le genre de courbe de ceci. On peut le booster. Ou on peut, on peut aller dans le sens inverse avec ça et créer une sorte de son très écrasé et déformé. Mais je vais le laisser en quelque sorte ici. Peut-être juste pousser un petit mais plus. Et nous pouvons aussi déplacer ce point peut-être ici pour voir à quoi ça ressemble. Et si nous faisons glisser ce point d'ancrage vers le bas, créera encore plus d'un son déformé. Et je peux le faire glisser vers le bas. Et en déplaçant ça vers le bas. Et puis bouger ça. Et encore une fois, si on descend, voir ce que ça sonne. Donc c'est vraiment une question d' expérimentation avec le genre de son ou le shaper d'onde. Et juste en quelque sorte de dessiner quelques types différents de courbes et de voir quoi, voir ce que vous aimez. Mon essai de flexion. Donc j'aime le son de cette saturation maintenant je pense que ça rend le son beaucoup plus complet. Éteignez-le, puis nous le rallumerons. Et maintenant, parce que le son est une sorte de saut et de volume, je vais juste le baisser ici dans la table de mixage. Donc c'est au même volume qu'avant, mais ça sent beaucoup plus de graisse. C' est tout ce que vous ferez lorsque vous appliquez la saturation à vos instruments. Vous savez, vous allez charger le plug-in de saturation. Il suffit de jouer avec les différents paramètres et de voir quel genre de son vous pouvez obtenir. Et si vous le souhaitez, est de garder ces paramètres, puis passer à l'instrument suivant. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à la saturation pour la base. 98. Saturation pour les basses: Voyons maintenant comment appliquer la saturation à un instrument de basse. Ok, donc j'ai ma base chargée ici pour cette piste, et ça ressemble à ça. Ok, et si on ouvre la piste de mixage et qu'on charge le plug-in de saturation, va d'abord charger le super chargeur. Et ensuite, nous allons jeter un coup d'oeil à faire la même chose avec la forme d'onde ou ok. Alors, nous allons savoir le super chargeur. Et nous allons jouer le son et nous nous assurons que l'entrée est au bon niveau. Donc, il dit, baisse-le. Et maintenant, nous sommes au niveau optimal pour commencer à appliquer une certaine saturation. Donc va augmenter cette saturation légère et voir à quoi cela ressemble. Et peut-être qu'on va essayer modérée. Et puis chaud. Maintenant je pense, je pense que ce réglage sur chaud comme un peu trop, mais si nous le refusons, nous pourrions obtenir un mélange parfait et être un peu moins que ça. Je pense que je préfère le son du réglage modéré, donc je vais revenir à cela et peut-être juste boosté étouffé jusqu'à environ 6,7. Ok, et maintenant on va changer le personnage, ok, donc avec la basse, je reste généralement avec le réglage rapide , parce que je veux un gros son pour une base. Donc, ça se sent un peu techno. Mais nous pouvons aussi essayer et peut-être le chaud. Et puis on pourra essayer le brillant. Mais je pense que c'est un peu un mélange des deux. Je pense que la graisse est un mélange de chaud et lumineux ensemble. Donc je pense que c'est le meilleur des deux mondes. Et ça va le baisser un peu, ce n'est pas aussi agressif. Et puis on peut augmenter la production parce que je pense que c'est un peu plus calme. Donc nous sommes juste boostés de 1,5 dB, peut-être un peu plus. Il suffit de le pousser. Ok. Et maintenant je pense qu'on obtient une sorte de son gritty de ce super chargeur sur l'instrument de basse. Si on écoute ce que ça ressemble sans, et alors je vais l'éteindre à mi-chemin et puis m'en retirer. Et si nous avons une écoute à quoi ça ressemble dans le mix. Donc, dans l'arrangement, je viendrai ici et nous allons juste jouer ça et ensuite je vais l'allumer ou allumer le plug-in de saturation un peu quand nous arriverons à mi-chemin. Donc, comme vous pouvez le voir, c'est en quelque sorte donner la piste un peu plus bas et un peu plus de poids. Maintenant, jetons un coup d'oeil à faire la même chose avec le shaper d'onde. Donc nous allons éteindre ce super chargeur et nous allons descendre et nous charger un shaper de vagues. Donc, c'est là. Chargez ça. Et on avait déjà écouté ce que ça sonne. Ça ne va pas sembler différent parce qu'on n'a pas changé la forme, d'accord ? Ou nous n'avons pas affecté ce genre de paramètres pré et post. Donc, je vais booster le PRI un petit peu juste pour obtenir peu de son supplémentaire sorte de hors du plugin. Et nous allons juste stimuler ça et voir ce qui se passe. Ok, alors maintenant que nous poussons le volume, essayons de créer un son plus grossier. Ok, donc je vais ajouter un point d'ancrage ici. Et puis peut-être juste glisser ça un peu vers la gauche et voir ce qui se passe. Si nous stimulons cela encore plus. Et on a une sorte de grilles dans le son. Ok, et je peux garder ce genre d'étrange. On contraint ça à perdre ce volume. Donc je pourrais juste pousser ça un petit peu. Et autant que nous l'avions. Et nous pouvons même, nous pouvons même déplacer ça en petits lots parce que je pense qu'il y a trop de grain. Alors éteignons ce shaper d'onde et voyons à quoi ça ressemble. Et puis on le rallume. Et puis ce que nous allons faire est de comparer le son de la forme d'onde ou le son de ce super bavardage GET OK. Donc ce que je vais faire est à mi-chemin, je vais éteindre la forme de la vague, non ? Et je vais allumer le super bavardage. Donc, je pense que avec la forme de vague ou nous avons un peu plus agressif, le super chargeur. Et vous aimerez peut-être ça, ou vous ne pouvez pas. Mais si vous voulez répliquer l'autre plug-in, vous le rapporteriez. Donc ce n'est pas comme, pas aussi grossier. Et il s'agit de jouer avec la forme de la vague. Maintenant, en fait, je préférais le son quand il était en quelque sorte apparaissant à, j'aime cette prise en main. Alors écoutons la basse et le mix sans le shaper wave. Et puis on l'allumera en quelque sorte à mi-chemin. Ok, donc je vais allumer tous ces autres plug-ins. Donc, je suis sûr que vous pouvez remarquer à quel point ces plugins de saturation ère pour EDM. D' accord ? Il ne s' agit pas de compression, mais de saturation. Et il y a beaucoup, beaucoup de producteurs d'EDM qui n' utilisent pas la compression et n'utilisent que la saturation. Donc c'est à vous de décider du son que vous préférez. Vous pouvez utiliser l'un ou l'autre, ou vous pouvez utiliser les deux. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'œil à l'ajout de saturation à nos tambours. 99. Saturation pour les batteries: Donc maintenant, je pense que vous auriez réalisé à quel point la saturation est importante pour les producteurs d'EDM. Et c'est presque comme une arme secrète pour obtenir ce gros son moderne. Donc j'ai déjà dit que nous n'ajoutons pas de compression à nos échantillons de tambour parce qu'ils sont déjà compressés pour nous. Ok, mais ce qu'on peut ajouter à nos échantillons de batterie pour les faire briller, c'est la saturation. Alors prenons cet échantillon de clap et on va l'ouvrir dans la table de mixage et juste le solo. D' accord. Et comme vous pouvez le voir, je n'ai pas de compression parce qu'il n'a pas besoin de compression, mais nous allons ouvrir un plug-in de saturation Maintenant mon plugin de saturation préféré à utiliser avec des tambours est en fait cette overdrive de sang, et cela vient gratuit avec FL Studio. Donc je vais charger ça. Et nous allons juste écouter ce que cela ressemble dans cet état par défaut. Ok. Maintenant, ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons stimuler ça. Peut-être qu'il y a prévention. D' accord ? Et si nous changeons ce préampli et que nous commençons à en ajouter, c'est le lecteur, ok, alors nous commençons à ajouter une distorsion. D' accord ? Ça pourrait être un peu trop. Mais avec ces deux sortes de petits réglages que nous avons fait avec un plug-in de stock. On peut transformer le clap d'un son comme ça en un son comme ça. Ok, et si on ajoute peut-être juste un chapeau, juste pour voir à quoi ça ressemble avec d'autres tambours. Et on va l'éteindre. Et j'ajoute en fait ce plugin d'overdrive sanguin. J' ajoute cela à tout chapeaux aussi bien. Ok, donc je vais ajouter l'overdrive de sang à cet échantillon de chapeau. Et encore une fois, on va pousser leur prévention. Je vais juste jouer le chapeau en solo. Ok, donc on veut obtenir un peu plus de son du plug-in et ensuite je vais régler le lecteur. Et maintenant, ce sang Overdrive ajoute une sorte d' harmoniques supplémentaires et il fait vraiment éclater le son du chapeau. Passons une écoute sans et ensuite la largeur. Donc on a peut-être un peu trop là-dessus. Donc je vais juste ramener ça. Et rajoutons dans ce clap. Maintenant, essayons peut-être un plugin de saturation différent. Donc, je vais utiliser ce RPC. Ok, donc ça ressemble à ça. Ok. Alors, nous allons charger peut-être le shaper d'onde et viendra à l'interface. Nous allons jeter un coup d'oeil à ajouter des déformations subtiles et des étincelles subtiles. Donc, je vais ajouter un point d'ancrage assez près de ça. Et je vais le traîner ici pendant que l'échantillon est en train de jouer. Je vais juste le suivre dans la piste de mixage. Ok, et on peut peut-être changer la courbe de ça. Et si jamais nous écoutons sans le plug-in, puis je le rallume. Et maintenant écoutons les autres tambours auxquels nous avons appliqué une sorte de saturation. Uniquement à des fins de démonstration. Irlande, je vais allumer certains de ces instruments. Ok, donc peut-être celle-là et celle-là. Et ceux-ci sont en fait liés à un instrument envoyé ici. Donc je dois allumer ça pour obtenir le son d'eux. Et on va vraiment se concentrer sur la batterie. Donc ce que je vais faire, c'est désactiver la saturation sur tous ceux auxquels nous l'avons appliquée. Et nous aurons une leçon, puis nous écouterons à nouveau et je les remettrai. Ok. Et maintenant, nous allons les rallumer. Et nous écouterons à nouveau. Et si nous apportons peut-être le sucre et le gâteau juste pour, juste pour une sorte de réalisme supplémentaire. D' accord, mais si j'éteins à nouveau les plug-ins de saturation, ça sonnerait comme ça. Donc, utiliser la saturation sur vos tambours est un excellent moyen de les faire sortir dans le mélange. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de la saturation pour les voix. 100. Saturation pour les voix: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de la saturation sur nos voix. Maintenant, en utilisant la saturation sur vos voix est un outil brillant pour les obtenir sonnant tique. J' ai donc le chant de cette chanson en solo. D' accord ? Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va charger un plug-in de saturation ici. Et je vais choisir le super chargeur, ok ? Et ce que nous allons faire, c'est d'obtenir le niveau d'entrée correct. Donc ça semble déjà aller. Nous pouvons donc commencer à appliquer une certaine saturation. Ok, et on peut essayer modérée. Alors faites attention maintenant en utilisant des paramètres extrêmes avec la saturation et le chant. Parce qu'on est humains et qu'on s'adapte tellement à l'écoute du chant. Donc, si vous faites trop de saturation comme j'ai ici, pour qu'ils puissent sembler très, très évidents. Mais si tu refuses ça et que tu obtiens une sorte de mélange parfait, Zach, retourne en arrière. Et puis nous pouvons façonner la couleur à trois s. Essayons chaud. Essayons donc lumineux. Plié. Ok, donc j'aime le son du cadre lumineux. Donc je vais baisser ce plus petit à un dossier. Et puis nous pouvons augmenter la sortie juste un petit meilleur juste pour obtenir une sorte de volume supplémentaire. Et si je l'éteins à mi-chemin, le chant joue est mauvais. Ainsi, vous pouvez entendre que les voix sont beaucoup plus dans votre visage lorsque nous utilisons ce plug-in de saturation. Prenons une écoute et le chant dans le mix sans la saturation. Et puis on le rallume. Et s'ils ne le font pas, comme l'exemple en ville, les bords peuvent à nouveau influencer la transplantation. Ok, alors maintenant essayons d'utiliser la forme de vague ou de faire la même chose. On ouvrirait le shaper des vagues. Et ce que nous allons faire, c'est que nous allons juste monter l'entrée petit peu. Ce civil. Et cela va commencer à façonner le son. Donc je vais ajouter peut-être un point d'ancrage ici. Je vais baisser un peu ça pour créer une sorte de son d'écrêtage doux. Trois tau, je vais booster. Cette courbe est mauvaise. D'accord ? Maintenant, nous pouvons aussi ajouter une sorte d'harmoniques excitées en faisant glisser un autre point d'ancrage ici vers le bas, et je le fais glisser vers la gauche. Donc nous renforçons cela, nous perdrons ce genre de volume. Donc, mais je n'aime pas vraiment le son de ce genre de distorsion. Donc je vais juste l'enlever et peut-être augmenter le volume à nouveau. Donc trois. Et si on écoute sans le shaper des vagues, c'est mauvais, ok ? Bords k encore. Et peut-être que c'est un peu trop fort pour que nous puissions réduire ce, post, ce genre de gain de sortie. Peut-être, mais je n'y retourne pas. Les bords peuvent à nouveau. Encore une fois, l'utilisation de la saturation est comme une arme secrète que tous les producteurs d'EDM devraient connaître. Surtout parce que beaucoup de fonctions que la compression peut fournir et ce n'est pas vraiment applicable à EDM. Donc, ce que les producteurs d'EDM utilisent à la place est la saturation. Nous allons passer de cette section et nous allons jeter un oeil à l'application de la réverbération à nos pistes. 101. Réverb pour le mélange: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à la réverbération et comment nous pouvons l'utiliser pour l'EDM. Reverb est un plug-in qui donnera votre piste la profondeur et il peut placer dans un espace très spécifique. Par exemple, un son de réverbération très courant dans la maison de technologie est d'émuler le son d'un club. Vous trouverez donc souvent des réverbérations de chambre très courtes sur une piste tech house. Alors qu'est-ce que la réverbération ? Eh bien, les plugins de réverbération sont basés sur le principe scientifique de la réverbération. Et cela signifie simplement qu'un son rebondit sur des objets dans une pièce. Il pourrait s'agir des murs ou d'autres objets dans la pièce parce que le son rebondit si vite. Très bien, voici ne peut pas distinguer chaque son individuel, donc ils sont mélangés ensemble pour former ce phénomène que nous appelons la réverbération. Lorsque vous utilisez un plug-in de réverbération, il essaie essentiellement d'imiter le son naturel de la réverbération en physique. Ainsi, le plug-in fait cela en dupliquant le son plusieurs fois , puis en répétant trop rapidement pour que nos oreilles puissent être distinguées. Et cela imposera le son de la réverbération que nous entendons chaque jour dans le monde réel. Tu peux penser que le son est comme une balle de ping-pong, ok ? Si vous le rebondissez sur une surface dure, il rebondit très fort et très loin. Mais si vous le rebondissez, disons une surface douce comme un lit, alors elle ne rebondit pas très loin du tout. Et c'est pourquoi certaines pièces, disons qu'une salle de bain a beaucoup de réverbération parce qu'il y a beaucoup de surfaces dures dans cet espace. Mais une garde-robe ou un placard, par exemple, a beaucoup moins de réverbération parce qu'il y a trop de surfaces douces qui empêchent le son de rebondir. C' est également pour cette raison que les studios d'enregistrement présentent des murs souples et de la moquette. C' est pour garder le son aussi pur et brut que possible. Jetons donc un coup d'oeil à quelques différents types de réverbération. Il existe de nombreux types différents et certains d'entre eux comprennent le lieu, pièce, le hall, la chambre, le ressort et la convolution. Et je sais que ça peut sembler beaucoup, mais ce n'est pas parce qu'on peut les décomposer et les classer dans des catégories distinctes. Si on prend de la place, Hall, et les réverbères de chambre, ils essaient tous d'imiter un certain espace, d'accord ? Ce sont donc des réverbérations spatiales. réverbération de la chambre sonnera comme dans une petite pièce. Une réverbération de salle sonnera comme si c'était dans une salle de gym, ou peut-être dans une église. Et une réverbération de chambre est quelque part entre ces deux-là, peu comme un médium heureux. Après ces réverbérations spatiales, nous avons placé et les réverbères printanières, ok. Et ceux-ci imitent exactement ce qu'ils disent. Vous vous souvenez de ces jouets que vous aviez probablement quand vous avez parlé à travers un mégaphone en plastique ou un microphone et votre voix sonnerait comme si c'était dans une grotte ou une église ? Eh bien, c'est la réverbération printanière parce qu'à l'intérieur de ce petit jouet en plastique, il y a un ressort physique, et quand vous parlez, il vibre. Ensuite, lorsque vous arrêtez de parler, le ressort continue de vibrer et ces vibrations rebondissent à l'intérieur du jouet pour créer un effet de réverbération. plugins de réverbération de printemps vont essayer d'émuler le son et ils peuvent sonner très métallique et dur. D' autre part, la réverbération de plaque est similaire sauf qu'au lieu d'un ressort vibrant, une grosse plaque métallique vibre et crée l'effet de réverbération. C' est un peu comme comment un symbole vibre quand un batteur nous frappe. Nous avons donc des réverbérations spatiales, des réverbérations de printemps et des réverbérations de plaque. Et les réverbères à convolution ? Ce ne sont que des réverbérations qui ont été enregistrées à un certain endroit. Ainsi, par exemple, vous pouvez utiliser une réverbération à convolution pour faire votre son vocal comme s'ils étaient réellement enregistrés dans l'Opéra de Sydney. Maintenant, parce que ces réverbérations sont basées sur des endroits spécifiques, il n'y a pas beaucoup de réglages que vous pouvez faire car cela va loger le son de l'espace. Mais ils sont assez cool à utiliser quand vous voulez entendre à quoi ressemblerait quelque chose si c'était peut-être à l'intérieur de la cathédrale Saint-Paul ou même du Taj Mahal. Donc maintenant, nous connaissons les principaux types de réverbération. Eh bien, quels sont quelques-uns des principaux paramètres que nous pouvons modifier ? Le premier paramètre mentionné est pre-delay. Et cela indique à la réverbération combien de temps attendre avant d'appliquer le son de réverbération. Il peut être utilisé pour rendre les espaces plus grands. Dans une petite pièce, le son rebondit très rapidement car les surfaces sont proches. Dans un immense théâtre, le son prendra beaucoup plus de temps à rebondir. Nous pouvons donc l'utiliser à notre avantage et augmenter la taille de l'espace. Le pré-délai peut aussi rendre un espace plus vide parce que le son n'a rien à rebondir avant qu'il ne frappe ce genre de mur imaginaire à l'arrière de la pièce, alors nous avons le temps de désintégration. Combien de temps dure la queue de réverbération ? Quatre. Dans une grande église, le temps de désintégration serait très long et le son peut rebondir pendant cinq ou six secondes. Mais dans une petite pièce, le temps de désintégration est beaucoup plus court parce qu'il rebondit si rapidement que l'énergie sonore s'estompe plus vite qu'un grand espace ouvert. Ou vous pouvez même le considérer comme le son se fatiguant, plus il doit rebondir sur les surfaces. Le paramètre de taille augmente la taille réelle de la pièce. Et il le fait en ajustant les volumes des réflexions. Si vous êtes dans une petite pièce, les reflets qui rebondissent seront beaucoup plus forts que si vous étiez dans un immense espace. Parce que le son a moins de distance à parcourir et perd donc moins d'énergie au fur et à mesure qu'il voyage. La largeur rend juste la réverbération plus large, mais elle peut être utilisée en même temps que le paramètre size pour aider l'espace à se sentir plus réaliste. Une petite pièce ne va pas avoir un son de réverbération large. Nous utiliserons donc ce paramètre pour rendre l'espace plus étroit. Les paramètres d'égalisation peuvent également être appelés amortissement et tout cela est de façonner la réverbération réelle elle-même. Vous pouvez rendre la réverbération étouffée, ce qui donnera à l'espace l'impression qu'il est plein plutôt que vide. Cela s'appellerait aussi un espace amorti. Avec ce paramètre d'égalisation sur cette réverbération, vous définissez la plage de réverbération. Donc, il est actuellement réglé entre cent, dix cents hertz et dix mille hertz. Mais nous pouvons ajuster cela pour concentrer la réverbération sur une certaine plage de fréquences. Vous pouvez également obtenir un paramètre de diffusion, et c'est assez commun sur les plugins de réverbération. La diffusion est le nombre de réflexions qu'il y a réellement. Ou en d'autres termes, combien de surfaces dures sont dans la pièce pour rebondir. Il peut également être utilisé pour façonner réellement la pièce. Par exemple, une pièce carrée avec quatre murs parallèles produira une réverbération qui ressemble un peu à un twang. Alors qu'une pièce avec peut-être huit murs qui ne sont pas parallèles produira une réverbération beaucoup plus luxuriante et agréable. Vous pouvez essayer cela en tapant vos mains dans votre chambre. La réverbération ne sonne probablement pas très bien. Mais si vous applaudissez vos mains dans la cuisine à la place, vous pourriez trouver que le son de réverbération est beaucoup plus agréable car il y a beaucoup plus de surfaces qui ne sont pas parallèles. Il y a aussi un paramètre de modulation avec cette réverbération, mais ce paramètre n'est pas très commun sur les plugins de réverbération normaux. La modulation fera simplement vaciller le son de la réverbération. Et vous pouvez faire des effets cool avec cela. Mais nous ne le regarderons pas dans ce cours parce que ce n'est pas un paramètre très standard que vous trouverez. Et en continuant à peaufiner, il n'y a vraiment pas grand-chose que je peux dire ici parce qu'il y a tellement de paramètres différents que vous allez rencontrer, il vous suffit de les tester et de voir quel genre de son vous pouvez obtenir. Finissons avec le diaporama et revenons dans le DAR, où nous avons regardé comment utiliser un plugin de réverbération. 102. Comment utiliser Reverb: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre à utiliser la réverbération pour EDM. Et la première chose que je vais dire est que nous allons utiliser pour les réverbérations, ok, nous allons utiliser une réverbération courte et une longue réverbération. Et la réverbération courte est en quelque sorte conçue pour donner un sens de l'espace. Et la longue réverbération. Ensuite, nous l'utilisons pour l'air, ou juste une sorte de son agréable. Alors allons dans un de ces instruments ici, et je vais en choisir un que nous n'avons pas écouté auparavant, qui est ce genre de sinth cuivres. Ok, et si je clique peut-être sur la section de dépôt, cela pourrait ouvrir le filtre. D' accord. Et je vais éteindre cette maison ennuyeuse qui sort du son de l'orgue. On va écouter cet instrument. Ok, donc la première chose que nous devons faire est de trouver où c'est sur la piste de mixage. Donc, je vais frapper le jeu et je vais scanner et trouver la piste qu'il traverse. Et je vois que c'est sur la voie 22. D' accord. Maintenant, ce que nous devons faire, c'est que nous devons ouvrir là où se trouvent nos pistes sensorielles. Et nous devons envoyer une partie de ce signal pour descendre les pistes. Alors appliquons une partie du signal au premier centré. Et puis nous voyons que ce son arrive aussi sur la même piste. Ok. Ensuite, nous allons ouvrir un plugin de réverbération sur la bande son. Et on descendra ici et on utilisera peut-être cette chambre NXP. Ok, parce que nous voulons le, parce que nous voulons utiliser la réverbération courte pour mettre la piste dans un espace. Donc on va choisir une de ces réverbères spatiales, qui est de la place. D' accord ? Donc, tout d'abord, avec tous les plugins de réverbération, il y a des presets, donc nous pouvons cliquer sur certains d'entre eux et j'ai écouté ce qu'ils ressemblent. On peut peut-être essayer ce grand restaurant. Mais si nous venons juste par le type de paramètres principaux ici, je dois savoir ce qu'ils font, d'accord, parce que le premier est avant délai et nous l'avons regardé avant. Et ce genre de indique à la réverbération combien de temps avant d'activer réellement le son de la réverbération. Ok, donc vous pouvez entendre que 500 millisecondes, c'est assez long. Et on peut l'utiliser pour faire sonner la pièce Mt. Ensuite, nous avons le temps de réverbération. C' est donc le même temps que le temps de désintégration, et cela indique simplement à la réverbération combien de temps il faut jouer la réverbération. D' accord ? Après ça, on a ce paramètre de roll-off, ok ? Et c'est la même chose que l'amortissement. Ainsi, nous pouvons rendre la réverbération plus lumineuse en tournant tout cela vers le haut. Ou on peut faire une sorte de plus étouffé si on le refuse. Ensuite, nous avons la diffusion, qui est une sorte de, encore une fois, combien de réflexions il y a réellement. Si nous avons cet ensemble très haut, il y aura beaucoup de réflexions. Et si on le met bas, il y aura moins de réflexions. Maintenant, ce prochain paramètre qui est ou T, high cost, ok, ceci, vous ne trouverez que, OK, vous ne trouverez ceci que sur certains plugins de réverbération. Et ce que cela signifie, c'est toute fréquence qui est au-dessus de la fréquence que vous définissez, elle disparaîtra plus rapidement. D' accord ? Donc si on met ça très bas, et tout ça, toutes les fréquences au-dessus de 140 hertz, ils mourront beaucoup plus vite que 140 hertz. Et si nous fixons cela beaucoup plus haut. Donc ce que vous pouvez faire avec ça, c'est que vous pouvez l'utiliser pour régler la fréquence de résonance de la pièce, ok ? Et nous n'avons pas besoin de savoir ce que cela signifie pour ce cours. Tout ce qu'on a besoin de savoir, c'est quelle que soit la valeur que tu as assise ici. Les valeurs ci-dessus disparaîtront beaucoup plus vite. Et encore une fois, je vais le mettre bas parce que je pense que c'est vraiment évident quand tu mets bas contre haut. Enfin, nous avons le paramètre mix, et c'est le même que le paramètre sec humide ou le genre de la quantité de son de réverbération souhaitez-vous ? D' accord. Donc si je pose ça, vous commencerez à entendre davantage le signal sec, qui est le signal original. Et la réverbération sonnera beaucoup plus silencieuse. Mais quand nous utilisons une réverbération comme piste ascensive, nous devrions régler ce mix ou le bouton sec humide à 100%. Et nous utilisons le niveau Send pour contrôler la quantité de réverbération que nous recevons réellement. Donc on utilise ce bouton et a dit, OK. Donc, une fois que vous avez fait URM votre réverbération courte, alors nous pouvons passer à autre chose et faire une longue réverbération sur un autre centré. Donc nous allons envoyer le signal de cet instrument dans la seconde réverbération aussi. Et sur celui-ci, nous allons charger une réverbération beaucoup plus longue. Aussi parce que la réverbération courte est utilisée pour établir l'espace. Ok, donc nous utilisons une réverbération spatiale pour la réverbération courte. Nous n'allons pas utiliser une réverbération spatiale pour la longue réverbération. Donc, je vais descendre et je vais choisir l'un de ces, peut-être une variable de Platyrrhini k. Donc ce plugin de réverbération de plaque ressemble au plug-in de réverbération de chambre, mais l'algorithme qu'il utilise pour traiter le son est différent. Ok, donc si nous avons une écoute, écoutez juste la réverbération de la plaque tout seul, verra que ça sonne comme ça. Et c'est beaucoup plus long et beaucoup plus lumineux. On peut régler ce temps de réverbération jusqu'à 40 secondes. Sur ce son. Cela prendra 40 secondes pour que ce genre de son de réverbération disparaisse. Ok, sauf si on s'est ajustés. Donc encore une fois, nous pouvons regarder l'avant-retard et nous pouvons en quelque sorte monter ça si nous le voulons. Mais avec Plate Reverb, généralement, ce pré-délai est réglé sur 0. D' accord ? Ensuite, nous avons le temps de réverbération. Et parce que c'est la réverbération longue, nous allons utiliser un temps de réverbération plus long que la réverbération courte, peut-être environ 1,7 seconde. Donc, la réverbération courte utilisait un temps de réverbération de 0,93 seconde. Et dans celui-ci, nous utilisons un temps de réverbération de 1,7 secondes. Alors écoutons à quoi ressemble cette réverbération de plaque maintenant avec la réverbération 1.72, le temps. Encore une fois avec le roll-off, nous pouvons le faire amortisseur sonore. Mais en général, nous essayons d'ajouter de l'air ou de grésiller. Ok, donc je vais tourner tout ça comme ça parce que je veux que ces, ces sortes de fréquences hautes brillent en quelque sorte avec cette réverbération particulière. Je pense aussi que je veux un temps de diffusion plus élevé juste parce que ça semble plus agréable. C' est plus agréable aux Urgences lorsque le temps de diffusion est assez élevé. Avec cette Haute Cour ou T, je vais aussi mettre ça haut, parce que je veux garder ces hautes fréquences là aussi longtemps que possible, aussi longtemps que possible. Donc, si nous avons une nouvelle écoute, peut-être pas beaucoup, peut-être pas autant de sortes de hautes fréquences. Écoutons ce que ça ressemble. Ouais, ça sonne mieux à mon oreille. D' accord. Et encore une fois, avec tous les plugins de réverbération , vous pouvez changer le préréglage, mais nous avons juste fait notre propre genre de réglages ici, donc je vais le laisser. Et une fois les deux réverbérations faites, il est temps de définir le niveau de réverbération pour cet instrument. Ok, donc d'abord nous allons appliquer la réverbération courte pour mettre cet instrument dans un espace donc. Pendant qu'il joue, je vais augmenter ce genre de niveau d'envoi. Et puis nous trouverons le niveau optimal quand cet instrument sonne bien dans un espace, d'accord ? Ok, donc j'aime le son de cette réverbération quand elle est réglée à ce niveau. Maintenant, il est temps de se fondre dans une partie de la longue réverbération, ok, donc nous allons commencer à partir de 0 et comme il est en jeu va augmenter, ce niveau de sable. Peut être un peu moins. C' est donc le processus que vous utilisez pour appliquer la réverbération à vos instruments, ok. Et puis, au fur que vous allez faire le même genre de processus avec peut-être cet instrument. Vous allez définir votre réverbération courte, puis le long de la réverbération. Et encore une fois avec cet instrument, vous allez définir votre réverbération courte et en quelque sorte la mettre dans un espace. Ensuite, vous définirez votre longue réverbération pour lui donner une belle sorte d'air ou de sizzle son. Ok, et nous n'avons pas besoin de changer les paramètres la réverbération courte et longue parce que nous les avons bien définis. Et ils sont sur des canaux de sable et nous devons nous assurer que tout est dans le même espace. Vous venez de configurer ça une fois, vous avez mis en place votre petite rivière une fois et votre longue réverbération une fois. Et puis vous passez par toutes vos différentes pistes et vous les ajoutez. Ajustez le niveau pour qu'ils aient un court et un long, ok ? La seule chose que je dirai, c'est que vos tambours. Ok, donc comme ça, nous n'utiliserons pas la longue réverbération. Nous n'utiliserons que la réverbération courte sur la batterie. Et c'est juste parce que ça semble plus propre. Ok, donc quand vous appliquez la réverbération à votre batterie, vous n'utiliserez que la réverbération courte. Et la dernière chose que je dirai, c'est que vous n'appliquez pas de réverbération à votre tambour. Pas même la réverbération courte. On laisse le tambour et la base, ok ? Si vous utilisez une sous-base, êtes une sorte d'instrument basé, soyez très prudent, certainement n'appliquez pas de réverbération longue. Et si vous appliquez une réverbération courte, assurez-vous d'appliquer seulement une très petite quantité, ok, et je vais vous montrer à quoi ça ressemble. Maintenant, je vais juste double-cliquer sur ça très rapidement et nous aurons une leçon. Nous voulons seulement que le son de la réverbération soit subtil. Ok, donc je peux commencer à l'entendre là-bas. Et c'est probablement plus que suffisant. Et la raison pour laquelle nous n'appliquons pas de réverbération aux basses fréquences, comme votre base dans votre kick drum, c'est parce que les basses fréquences peuvent être très, très problématiques pour le mélange global d'une piste. Nous avons donc tendance à les garder aussi propres que possible. Ok, donc je pourrais même pas appliquer de réverbération à cette base du tout. Et je n'ai pas besoin d'appliquer la réverbération aux instruments qui jouent en même temps. Peut-être ça, cet instrument de synthétiseur. D' accord ? Mettez-le dans un espace comme celui-ci avec la réverbération courte. Et puis utilisez la longue réverbération pour ajouter un peu d'air. Même chose avec vos voix. Alors faisons le solo de la piste vocale. Réverbération courte pour l'ajouter à un espace. Et puis la longue réverbération pour lui donner un peu d'air. Ok, et si nous retournons sur l'un des autres instruments qui utilisent la réverbération. Il y a probablement trop de choses là-dessus. Désolé, je dois aussi allumer cette piste d'instrument juste pour obtenir le bon son de l'instrument. Vous entendrez que ces deux instruments, donc ces instruments, désolé, et le chant, ils sonnent comme s'ils étaient dans le même espace. Et vous remarquerez aussi que lorsque les deux ont cessé de jouer, la réverbération pour les deux se désintègre de la même façon, accord, parce qu'elle est traitée par le même plugin. Et c'est vraiment important pour garder tous les éléments de votre piste dans le même espace, ok, nous devons toujours nous assurer que les sons que nous utilisons s'accordent bien. Dans la section suivante, nous allons examiner ce qu' est le délai et comment nous pouvons utiliser le délai pour nos pistes. 103. Délais pour mélanger: Dans cette conférence, nous allons découvrir ce que les couches et comment nous pouvons l'utiliser pour l'EDM, c'est plus un plug-in esthétique et ne sert pas vraiment un but pratique autre que de bien paraître. Mais comme nous le disons toujours, si quelque chose sonne bien, alors c'est bon. Alors, qu'est-ce que le retard ? Le délai est très similaire à la réverbération en ce sens qu'il est basé sur la réflexion du son, mais lorsque la réverbération est basée sur des réverbérations, delay est basé sur des échos. Donc, quand vous criez votre nom au sommet d' une falaise et que le son vient vous crier quelques secondes plus tard. Eh bien, c'est du retard. Ce qui se passe ici, c'est que l'espace est tellement ridiculement énorme que nous pouvons entendre chaque réflexion du son séparément. Et c'est exactement ce que fait le plug-in pour recréer cet effet. Il duplique le son, puis le répète assez lentement pour que nos oreilles puissent distinguer chaque réflexion. Donc, tout comme la réverbération, il existe différents types de retard. Avec un retard stéréo, le son se sentira blanc et semblera se répéter exactement en même temps dans vos deux oreilles. Avec le délai mono ne sera pas large. Mais encore une fois, le son semble se répéter dans vos deux oreilles en même temps. Les retards de mano peuvent se sentir dix et très dépassés, alors soyez prudent de ne l'utiliser que pour un effet spécifique. Le délai de gifle arrière est quand vous n'avez qu' une ou deux réflexions très rapides, puis l'écho s'arrête. Il est généralement utilisé pour imiter le son d'une pièce et était un effet très populaire utilisé avec la musique des années soixante. En fait, il était souvent utilisé sur la voix de Paul McCartney. Et vous pouvez entendre cela en action si vous écoutez la piste EDM hors de vue par les racines sanglantes de betterave. retard de ping-pong est l'endroit où les réflexions changent entre la gauche et la droite. Donc, il aura l'impression que le son rebondit entre chacune de vos oreilles gauche et droite. Quels sont quelques-uns des principaux paramètres que nous pouvons utiliser pour retarder ? Tout d'abord, nous avons le paramètre de délai réel lui-même. Alors, combien de temps se passe entre chaque réflexion ? Si vous définissez cela vraiment haut à, disons, cinq secondes, alors chaque réflexion sera jouée toutes les cinq secondes. Vous pouvez obtenir deux paramètres pour cette fonction de retard, gauche et droite. Si c'est le cas, vous pouvez définir le délai sur la gauche différemment du délai sur la droite. Cela créera un effet stéréo agréable pour l'auditeur. Et je vais vous montrer ce que je veux dire quand nous utilisons réellement ce plugin parce que nous pouvons changer le mode de traitement et devoir retarder les paramètres. Ensuite, nous avons le paramètre spread. Maintenant, cela ne s'applique qu'à ce plugin particulier, et il n'apparaît que lorsqu'il est défini dans un certain mode. Mais nous allons juste le mentionner ici très vite. D' accord ? Donc, cela ajoute juste une légère différence de temps entre les retards réels eux-mêmes. Donc, si vous définissez ceci à 0, il sonnera comme s'il n'y avait qu'une seule réflexion rebondissant autour. Mais si vous le définissez au-dessus de 0, il semblera que cette réflexion est un peu bégaiement ou comme s'il y en avait, il y a plus d'une réflexion. C' est un peu similaire au paramètre de diffusion sur une réverbération. Alors on a le paramètre de feedback, d'accord ? Et cela contrôle essentiellement combien de retard il y a réellement. Donc, si vous définissez ce niveau bas, il n'y aura qu'un ou deux types de retards calmes. Et si vous mettez ce haut, il y aura beaucoup de retards. C' est le même que le paramètre de désintégration sur la réverbération. Tu sais, combien de temps veut-on que les retards continuent avant qu'ils ne s'estompent ? Maintenant, vous devez également savoir que si vous définissez le paramètre de rétroaction au-dessus de 100%, les retards ne se termineront jamais. Et ils vont en fait devenir de plus en plus fort jusqu'à ce qu'un cri vraiment horrible puisse être entendu. Donc, je vous conseille de peut-être garder les commentaires en dessous de 100%. Vous pouvez créer un film d'horreur intéressant genre d'effets sonores si vous le définissez au-dessus de 100%. Mais cela ne semble généralement pas bon en musique. Ensuite, nous avons la largeur. Vous trouverez quelque chose comme ça sur la plupart des plugins de retard et ajuster la largeur de l'effet de retard réel sonne. Donc, si vous le définissez sur 0, les retards sonneront mince et Mano. Mais si vous le définissez sur 100, les retards sonneront larges et pleins. Lorsque votre équipe avec le paramètre Spread, vous pouvez vraiment rendre les retards plus intéressants pour l'auditeur. Nous avons également cette section de couleur, et ici nous pouvons simplement ajouter une certaine distorsion aux retards pour un effet supplémentaire. Maintenant, ce n'est pas exactement standard, et nous allons réellement le faire nous-mêmes en utilisant différents plugins dans quelques conférences. Donc, nous pouvons ignorer cela pour l'instant, mais il est bon de savoir que nous pouvons l'utiliser si un plug-in de retard l'a disponible, et c'est une sorte de cela pour les paramètres principaux. Votre plugin de retard viendra probablement avec beaucoup plus qui sont uniques à ce plug-in particulier. Tout comme celui que nous avons sur cette image. Il a également une modulation de diffusion et une section EQ où nous pouvons changer le son, mais ceux-ci sont un peu uniques à ce plug-in de retard. J' ai donc essayé de couvrir les principaux paramètres que vous trouverez, mais je peux presque garantir que votre plugin aura beaucoup plus avec des noms différents. Et cela m'amène à la dernière diapositive. Ok, donc, les retards sont similaires aux réverbérations en ce sens que les plugins sont tous complètement différents. Mis à part la rétroaction et le délai réel, les paramètres que vous trouverez peuvent être complètement différents. Alors assurez-vous que vous jouez avec chacun pour comprendre ce qu'il fait, alors vous pouvez vraiment commencer à faire vos propres sons de retards uniques. 104. Comment utiliser le délai: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre à utiliser le délai. délai peut être utilisé pour ajouter une largeur stéréo ou comme un effet amusant et rythmique. Vous devrez vous assurer que votre plug-in est lié à votre tempo, d'accord ? Parce que si ce n'est pas le cas, alors le genre de réflexions de retard sera hors du temps. Maintenant, vous pouvez les définir manuellement si vous utilisez un convertisseur BPMN de deux millisecondes. Ok, donc vous allez juste en ligne et vous cherchez BPM milliseconde convertisseur et vous tapez votre BPM, qui est 95. Et puis il vous donnera une sorte de liste de toutes les millisecondes qui correspondront à votre bpm. Alors prenons cette boucle de batterie ici et nous allons regarder ajouter un peu de retard. Ok, donc la première chose qu'on va faire, c'est qu'on va entrer et qu'on va ajouter ça à la piste de mixage. Et puis nous allons l'envoyer sur une de nos bandes sonores. Donc je vais l'envoyer pour en suivre un. Et je vais commander sur cette bande son et ouvrir un plug-in de retard. Maintenant, je vais utiliser le même délai que nous regardions dans les diapositives. Juste pour la cohérence, je vais venir ici à ce retard de Valhalla, d'accord ? Et quand il s'ouvre par défaut, cela ressemble à ceci. Maintenant, vous avez probablement remarqué que les réflexions sont un peu hors du temps. Et c'est parce que ce genre de, ce délai de milliseconde n'est pas synchronisé avec le BPM. Donc, cela dans l'ensemble comme un effet, il semble un peu désordonné. Mais avec ce plug-in, nous pouvons changer cela pour qu'il soit lié à notre BPM en cliquant sur cette option de note. Et maintenant, nous pouvons voir que nous pouvons définir selon les connaissances de notre BPMN. Donc si on le met à une 16e note, ça ressemble à ça. Ok, et peut-être un huitième mot pour un quart de note. Donc, si nous commençons ici à gauche, était que avec le mix, et c'est la même chose que la réverbération. Si nous définissons ceci à 0, il n'y aura aucun effet de retard là-dedans. D' accord ? Et comme nous augmentons, va lentement ajouter dans l'effet de retard. Maintenant, si nous mettons cela à 100, ce que cela fait est que c'est 100% cet effet de retard. Donc on n'entend pas vraiment ce battement de batterie. Tout ce que nous entendons, c'est le retard. D' accord ? Maintenant, si nous ajoutons à ce genre de boucle de batterie d'origine. Maintenant, si nous venons au paramètre de style, cela change juste le type de mode de simple à double double double, désolé, ping-pong et tout cela est dans le rapport ici aussi bien et silencieux, ok, donc avec single Nous obtenons ce paramètre spread. Mais si on change ça en jhu, on en aura deux. Ok, donc on peut changer celui-là pour noter aussi. Et nous pouvons le régler différemment sur le canal gauche. Ensuite, nous pouvons synchroniser ce type de paramètre avec le BPM. Et nous pouvons aussi le rendre différent du genre de gauche. Donc, si nous les avons mis le genre de même. Ça sonne comme ça. Mais si on l'a dit différemment, ça peut être un peu plus intéressant pour l'auditeur, ok, donc je vais le définir différemment maintenant. Peut-être même plus d'un quart de note, une demi-note. Donc, avec ce plugin, nous avons aussi ce genre de mode ratio. Et c'est là que nous pouvons fixer le ratio des retards. Ok, donc ce qui se passe, c'est avec ça que les réflexions sont une sorte de vitesse en fonction du rapport que vous avez dit ici. D' accord ? Et si je mets ça plus haut, quelque sorte ralentit les retards et la rosette est plus basse. Et peut-être que nous allons changer ce paramètre de délai et voir comment ça sonne. Ok, et puis nous avons aussi cette boîte modale de ping-pong, et la plupart des retards auront ça. Et c'est là que le genre de réflexions rebondit de gauche à droite dans vos oreilles. D' accord, mais si on met ça de la même façon, peut-être qu'on met les deux à un quart de note. Ça sonnera comme ça. Ok, alors voyez comment ça rebondit de gauche à droite. Si je les rends plus vite, ce sera beaucoup plus évident. Donc, le retard de ping-pong est probablement le style de retard le plus courant qui est utilisé. Donc prochaine viendra et nous allons jeter un oeil au paramètre de feedback, ok, et c'est la même chose que la désintégration sur une réverbération. Donc si on réduit ça, il y aura moins, moins de réflexion, désolé. Ok, et si on met ça plus haut, il y en aura plus. D' accord ? Et ces réflexions se poursuivront plus longtemps que si elles étaient en quelque sorte fixées ici à 26 ans. Ok, vous pouvez voir comment ça se termine très vite. Et si nous établissons cet empire, ils prendront un peu plus de temps pour s'évanouir au silence. Ok, alors nous avons le paramètre width où nous pouvons changer ceci de Mano, qui sera 0. D'accord ? Et puis nous pouvons lentement augmenter la largeur. Et nous pouvons aussi le faire paraître un peu différent en tournant dans la direction opposée. Et c'est juste une sorte de basé sur ce principe que nous avons regardé avant où nous retardons le timing de l'assemblage pour créer une sorte d'effet de doublement stéréo. Et donc quand on tourne vers la droite, ça retarde le canal gauche. Et quand on tourne à gauche, ça va retarder le bon canal, d'accord ? C' est à vous de décider quel type de réglage vous préférez le son de droite ou de gauche. Et encore une fois, c'est là que se terminent les paramètres standard. Ok, maintenant nous avons ce paramètre de couleur où nous pouvons rendre le son de retard plutôt déformé. Ok, on peut aussi ajouter une petite quantité de réverbération au son lui-même. Ok, change la taille de ça, rend la pièce plus petite. Et puis nous pouvons changer cet égaliseur de sorte qu'il n'y ait peut-être qu'une sorte de hautes fréquences, d'être entendu et de réflexions. Ou peut-être que nous voulons que les basses fréquences entendues les réflexions. Peut-être même moins que ça si on le ramène à un genre de 500. Vous avez aussi la modulation où vous pouvez contrôler la profondeur, d'accord ? Et nous avons juste un peu fouillé avec ça pour voir quel genre de sons différents nous pouvons obtenir parce que ces paramètres, et ils ne sont pas standard. Ok, donc vous ne trouverez probablement pas cela sur d'autres plugins de retard, mais il est important de gâcher avec les différents paramètres et de voir quel genre de son vous pouvez obtenir. D' accord ? Et puis, enfin, nous avons ce mode ici où nous pouvons changer le mode de bande à Hi-Fi pour tous ces différents types de sons. Ok, donc le son numérique est différent. Et ça sonnera différent du fantôme. L' un de mes favoris à utiliser est cette inversion. Je pense que c'est vraiment cool. Écoutons cela et l'action. Si j'augmente l'égaliseur, peut-être moins de commentaires. Et nous allons les rendre un peu plus longs. Donc, cela peut être refroidi pour ce genre de batterie de break funky beat. Et enfin, je veux juste dire comme la réverbération, nous ne tirons pas de retard sur aucune des basses fréquences, comme votre grosse caisse ou votre coup de pied, ok, parce que ça va devenir un nuage jusqu' au bas de gamme et ça vraiment détruire le mélange de votre piste. Votre piste finira par sembler très désordonnée. De plus, vous ne voulez pas exagérer le retard, d'accord, parce que c'est très, très facile de mettre en nuage votre piste et de gâcher le son global. Ça peut devenir très désordonné. Donc, avec cela, même le mélange de ceci est un peu trop. Donc nous venions ici et nous allons ajuster ça de sorte que c'est un peu plus subtil. Parce que si vous l'avez mis en place très haut, c'est cool quand vous utilisez ça, peut-être ce rythme seul. D' accord, mais si on se souvient des éléments de conduite, si vous avez ce genre d'effet sur vos tambours, ça va distraire les éléments principaux de vos pistes. Donc, nous gardons ce genre d'effets subtils. Juste pour remplir un peu d'espace vide. Dans la prochaine conférence, nous allons apprendre à faire l'effet de retard de gifle arrière. 105. Délais du Slapback: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre à faire un retard de gifle. Nous pouvons donc utiliser un délai de slap back pour créer un effet stéréo et faire sonner vos éléments comme s'ils étaient plus dans la pièce. Ce type d'effet de retard sonne également très bien sur le chanteur et nous allons jeter un oeil à la piste vocale que nous utilisons dans cette piste d'EDM. Maintenant, pour faire un retard de gifle, c'est très, très simple. Nous allons utiliser un temps de retard très court et un niveau de rétroaction très court. Vous devez également vous assurer que le délai est réglé sur un réglage stéréo. Ok, alors on clique sur cette piste vocale et on va écouter ce que ça ressemble si on le solo. Ok, donc c'est à ça que ça ressemble maintenant. Donc nous allons venir ici à ce troisième canal d'envoi et nous allons envoyer un peu du signal dedans. Ok, alors montons ça et nous allons jeter un coup d'oeil et voir que le signal passe par. Ok, ouais, je peux voir le signal passer. Donc maintenant, nous pouvons charger un plug-in de retard. Donc je vais charger le retard que nous avons regardé avant, qui est ce retard de Valhalla. D' accord. Et ça s'ouvre comme ça. Et laissez-moi l'ouvrir. Ça sonne comme ça. Ok, et très simplement pour créer un effet de retard, nous allons refuser ce genre de chose de milliseconde jusqu'à ce que ce soit très, très court. D' accord ? Et puis nous allons refuser les commentaires. Très, très court aussi. Donc peut-être même moins que ça si c'est mauvais sur ce tableau. D' accord ? Et c'est tout. C' est ainsi que vous créez un délai de gifle arrière. D' accord. Et si nous l'éteignons et la voix, puis le rallumer, remarquera la différence. Ok, écoutons. Si c'est mauvais. Ok, alors quel genre de crée une sorte d'effet stéréo ? Et ça fait sonner les éléments comme s'il s'agissait d'une pièce vide. Alors écoutons ce que cela ressemble dans tout le mix et le genre alternatif de off au début. Et puis je vais l'allumer comme on est en quelque sorte à mi-chemin. C' est donc un outil subtil que nous pouvons utiliser, mais il crée aussi beaucoup plus d'un son intéressant pour l'auditeur. Maintenant, nous pouvons également appliquer le délai de gifle arrière. On peut appliquer ça aux instruments à, ok, alors jetons un coup d'oeil à en appliquer un à ce synthétiseur. Mais moins que ça. Désolé. Maintenant, il ne semble pas particulièrement bon sur cet instrument parce que les notes, si jamais vous cherchez pas très syncopées, ok, c'est un peu très robotique. Mais si on regarde quelque chose qui est peut-être syncopé comme ça, peut-être ce SAM, ce genre de sinth cuivres ici. Je dois faire ça en solo dans le trek de mixage. Trouvez-le ici, c'est. D'accord. Je vais le ramener, amener la tête de lecture pour que le filtre soit ouvert. Parce que dans l'arrangement le filtre est en quelque sorte fermé quand la tête de jeu est de retour ici. Donc nous allons déplacer la tête de jeu pour que le filtre s'ouvre. Et nous allons appliquer cet effet de retard de slap back à ce son. Ok, donc cela résume à peu près le retard de gifle et vous pouvez le créer avec n'importe quel plug-in de retard. Je vais ouvrir très rapidement l'un des delays.com avec FL Studio. Oups, cette banque de retard va ouvrir ça. Et si on écoute cet instrument, désolé, je dois ouvrir le filtre. Ok, donc encore une fois, nous allons réduire le temps de rétroaction. Ok, et avec ce plugin particulier, c'est un peu mis en mono. Donc, si nous, si nous tournons ce délai vers la gauche, et alors nous allons copier la valeur de ceci. Et nous allons charger un second délai ici, et nous l'ajoutons complètement à droite. Ensuite, nous allons coller cette valeur sur le temps de rétroaction. On aura un bon effet de slapback stéréo. Écoutons. Et si nous ajoutons peut-être un peu plus de volume à cet instrument particulier, salsa plus sorte de niveau d'envoi. Oups, ça pourrait sembler un peu mieux. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'œil à l'ajout effets intéressants au son de delay. 106. Ajouter des effets pour le délai: Dans cette conférence, nous allons jeter un coup d'oeil à l'ajout d'effets supplémentaires intéressants au son de retard. D' accord ? Nous pouvons ajouter des choses comme l'égalisation et la distorsion pour créer des effets vraiment cool, comme un délai radio ou une faible fidélité. Alors ouvrons cette voix dans la piste de mixage. Ok, et je vais changer le retard par rapport à la gifle qu'on avait avant. Je vais peut-être changer cela pour noter jusqu'à environ 1 huitième et je vais afficher les commentaires et nous allons juste le laisser là. Donc, juste pour que nous puissions entendre le son du retardé mais mieux. Ok. Peut-être un quart de note. Ok, alors faisons d'abord un délai radio. Donc ce qu'on fait c'est qu'on charge un égaliseur et qu'on cherchait avant comment créer un effet téléphonique avec un E donne on va le faire encore ici. On va utiliser un passe-haut, en élevant un peu le genre de milieu de gamme élevé. Ensuite, nous allons créer un passe-bas et le ramener au milieu de gamme élevé. Ok, donc quelque part par ici. Et puis on va booster peut-être quelque chose dans cette région. Ok, je vais juste changer ça en huitième note pour qu'on puisse l'entendre un peu mieux. Écoutons encore une fois. Peut-être même un peu plus d'une poussée. C' est haut passer un peu. Et puis si nous ajoutons une certaine distorsion à cet égaliseur, alors viendra dans le shaper d'onde. Et nous allons ajouter de la distorsion. La façon simple de savoir ce qui est de créer un point d'ancrage ici, de faire glisser ça, et peut-être de faire une sorte de forme comme ce gars, peut-être pas autant. Baissez le. Ok, donc c'est un effet de retard radio. Nous pouvons aussi changer cela en ping-pong. Donc c'est un peu rebondir entre la gauche et la droite juste pour un effet intéressant. Et changera également cela à une huitième note. Et nous verrons ce qui se passe. Maintenant. Nous pouvons les désactiver et nous pouvons ajouter d'autres plug-ins amusants, comme j'ai un octet appelé apparaître, ok, et cela crée un effet low-fi. Donc, si je charge cela sous la connexion retardée, cela affectera le son des retards. Et nous pouvons venir ici pour ces presets et peut-être que nous allons essayer quelques octets. Voyons voir à quoi ça ressemble. Ok, peut-être pas celui qui essaie l'un des autres presets. Essayons peut-être l'une des distorsions. Voyons voir à quoi ça ressemble. Ok, et ce qu'on peut faire c'est qu'on peut refuser juste pour que ce soit plus subtil. Donc vous pouvez charger des effets intéressants comme ça maintenant, pour créer une lo-fi avec FL Studio, si vous venez à ce plug-in effecteur, et si nous chargeons ça, ça ressemble à quelque chose qu'un DJ aurait sur son bureau de mixage, mais on peut venir ici à Lo-Fi. Et si on attrape ces cheveux jaunes, on peut en quelque sorte déplacer ça pour le soutenir. Ça a l'air bien. Donc si je mets ça juste pour qu'on l'entende mieux si c'est mauvais, d'accord ? Ok, et nous pouvons aussi l'utiliser pour ajouter d'autres effets différents, comme peut-être un modulateur en anneau. Ok, et on peut aussi essayer peut-être un bord de flanger. Ainsi, comme vous pouvez le voir, lorsque vous ajoutez des effets supplémentaires au son de retard, vous pouvez créer un délai de son beaucoup plus intéressant. Nous allons passer maintenant des retards, et nous allons jeter un oeil à l'imagerie stéréo. Nous pouvons l'utiliser pour vraiment rendre nos pistes blanches, complètes et plus professionnelles. 107. Imagerie stéréo pour le mélange: Un aspect majeur du mélange de musique électronique est l'imagerie stéréo. Cela peut directement provoquer votre morceau à son amateur quand il pourrait très facilement sonner professionnel. pistes EDM professionnelles modernes son très complet et large. Et c'est le résultat de quelques grandes techniques d'imagerie stéréo. Nous pouvons utiliser ces techniques pour créer de la largeur, mais aussi de la profondeur dans un mélange. La musique produite par des professionnels aura toujours l'impression d'être dans un espace particulier. Et c'est ce que nous allons essayer de réaliser avec cette section. Alors, qu'est-ce que l'imagerie stéréo ? Eh bien, cela se réfère simplement à l'endroit où exactement les éléments sont placés dans le champ stéréo. Et le champ stéréo est tout simplement comme un demi-cercle 2D devant votre tête. Alors les éléments sonnent-ils comme s'ils venaient du côté gauche ou ont-ils l'air de venir du côté droit ? Peut-être que certains de ces éléments viennent du centre. Aussi. À quelle distance sont ces éléments ? Sont-ils plus profonds dans l'espace ou sont-ils plus proches de vous ? Maintenant, si vous deviez transformer ce demi-cercle 2D en 3D où le son peut être au-dessus ou au-dessous de vous. Ce serait un son surround. Nous pouvons également utiliser le son surround pour placer des objets derrière vous, mais la musique n'est jamais produite en son surround. Il y a aussi une chose comme l'audio 8D ou maintenant vous recharger, ok, mais si vous avez déjà écouté ces pistes sur YouTube, vous êtes en fait trompé parce que YouTube convertit tout en ce demi-cercle stéréo 2D de toute façon. Donc, vous n'obtenez pas vraiment la vraie expérience de 80 audio. Cependant, si nous revenons à ce demi-cercle 2D, eh bien, nous pouvons utiliser ce concept pour nous aider à mixer de la musique. Apprenons les différentes façons de créer de la largeur et de la profondeur dans une piste. Tout d'abord, nous avons le panoramique. Maintenant. Nous savons déjà que nous faisons le panoramique est juste, juste en plaçant quelque chose à gauche ou à droite de l'auditeur. Nous pouvons l'utiliser pour agrandir un champ de piste parce que nous pouvons vraiment pousser les éléments jusqu'au bord même du champ stéréo. Il y a aussi quelque chose appelé l'effet haas, et nous l'avons déjà fait sans le savoir. Il peut parfois être appelé l'effet de priorité. Et cela signifie simplement que si un son joue légèrement derrière un autre, pour nous, les humains le perçoivent comme un son. réverbères sont également basées sur ce principe où les réflexions jouent trop vite pour que nous puissions entendre chaque réflexion individuelle. Avec l'effet haas, nous dupliquons et retardons simplement un son de moins de 40 millisecondes. Est-ce que ça a l'air familier ? Nous l'avons déjà fait quand nous apprenions à doubler la voix. Nous allons jeter un coup d'oeil à l'effet Haas dans cette section. Et nous allons également regarder un plugin pratique que FL Studio est livré gratuitement qui fait cette astuce stéréo facile avec le tour d'un paramètre. Ensuite, nous avons un micro changement de vitesse. J' aime utiliser de grands mots, mais nous l'avons déjà fait aussi. Encore une fois, quand nous regardons le doublement vocal, nous avons ajusté le timing et la hauteur de la voix dupliquée. Eh bien, le réglage du timing était l'effet haas et le réglage de la hauteur était un micro décalage. Nous allons donc y jeter un coup d'oeil dans cette section, mais il devrait être assez familier et facile à faire. Nous pouvons également utiliser des réverbérations et des retards pour créer de la profondeur. Donc, si nous augmentons le son de la réverbération de la pièce, cela poussera cet élément vers l'arrière dans la pièce. Si vous pouvez imaginer debout à l'arrière de la salle lorsque le DJ joue une piste. Eh bien, la source de ce son est très, très loin. Donc, tout ce que vous pouvez entendre, ce sont les reflets des murs. Mais à mesure que vous marchez de plus en plus près du DJ, la source du son devient plus forte et vous commencez à entendre moins de réflexions sur le mur. Ensuite, quand vous êtes debout juste à côté du DJ, Vous pouvez entendre la musique très clairement et la source du son est très proche. Eh bien, nous pouvons utiliser des réverbérations et des retards pour imiter cet effet et créer un sentiment de profondeur dans nos pistes. Faites attention à ne pas exagérer cela et les éléments complètement noyés dans la réverbération. Nous voulons le pousser en arrière juste un petit peu, pas le pousser complètement à l'arrière de la pièce. Enfin, nous pouvons utiliser un plug-in d'imagerie stéréo pour nous aider à atteindre la blancheur que nous désirons. Donc, si vous n'avez pas envie de faire toutes ces choses, vous pouvez simplement utiliser un plug-in qui fera tout pour vous. Revenons dans le point et nous allons apprendre à utiliser l'imagerie stéréo dans nos pistes EDM. 108. Utiliser le anning pour des mélanges plus: Donc, dans cette conférence, nous allons utiliser le panoramique pour placer les éléments à gauche ou à droite de l'auditeur. Maintenant, cette technique est souvent négligée ou considérée comme sans importance, mais cela ne pouvait pas être plus loin de la vérité. Je dirai aussi que tu dois t'assurer de te balancer avec tes oreilles et pas avec tes yeux. Ok, ne regarde pas les paramètres de panoramique et décide, tu sais, tu as fait un tour, ça peut être trop à droite, ok. Parce que si ça ne semble pas, c'est trop pander à droite. Ce n'est probablement pas trop pander. D' accord. Je tiens aussi à répéter que nous ne faisons pas de panoramique sont des basses fréquences, ok, donc nous ne tournons pas la base, et nous ne tournons pas le kick drum. Et en général, nous gardons aussi la voix au centre, ok, donc nous ne faisons pas le tour de la voix principale. Vous pouvez panoramique les voix de soutien pour faire une sorte de sons vocaux intéressants, mais nous ne faisons pas de panoramique sur la voix principale. Donc, avec tout cela dit, commençons à parcourir certains des éléments de cette piste. Allons donc dans la table de mixage et nous écouterons peut-être certains de ces instruments. Ok, alors écoutons ce top qui est le modèle 1, qui est sur la bonne voie, désolé, piste 9. Et nous pouvons peut-être des pandas, laissez-nous, n'allons pas trop extrême, peut-être juste 20%. Voyons voir à quoi ça ressemble. Juste très, très subtilement. Et je vais déplacer le calque de la manière opposée, très subtilement aussi juste pour créer une légère sorte de son plus large. Ensuite, si nous entrons dans ce genre de section d'accumulation, je peux voir que j'ai un piano électrique superposé avec un piano normal. Donc je vais les ajouter un peu plus extrêmement. Alors prenons le piano électrique, c'est ça. D' accord ? Et je pourrais décider de tourner ça à gauche, d'accord. Et puis nous pouvons prendre le piano et peut-être paniquer beaucoup à droite. Et si nous écoutons à nouveau avec les autres éléments, maintenant, je peux aussi pan certains des éléments de batterie qui sont ici. Donc je pense que ce n'est qu'un shaker qui est là en ce moment. Si je mets juste en évidence ceci. Ok, je peux faire un tour si je veux, mais je pense que je vais garder le shaker au centre. Et peut-être que je vais faire un tour sur cet élément de batterie. Peut-être que nous allons le faire légèrement à gauche. D' accord ? Et nous allons trouver d'autres éléments qui vont jouer. Passons ici à ce genre de section plus complète. Et nous allons jeter un coup d'oeil à un autre élément peut-être. Voyons ce que c'est. C' est, c'est le son de l'orgue. Donc, nous pouvons le faire légèrement ou nous le composons agressivement. Mais je n'aime pas le son quand il est assez agressif. Donc je vais juste garder ça un peu dans l'une de ces directions. D' accord. Et si nous regardons peut-être cet élément de batterie qui est aussi ici, c'est sur la piste 12. Et ça va couper l'Oregon parce qu'il a un son d'AMP ennuyeux. Ici sur la piste 12 s'il ne fait pas ça. Ok, on pourrait le faire un peu à gauche aussi. Tout comme ce serait sur un kit de batterie normal. Ensuite, je vais aussi jeter un coup d'oeil au genre de voix qui sont ici aussi. Ce sont des voix vocales. Donc j'ai besoin d'allumer le transporteur, ce qui est ceci. D' accord ? Et nous allons ajouter ces peut-être dur à gauche et dur à droite pour créer un son très, très large. Donc, quand ceux-ci sont superposés avec le chant principal, cela ressemble à ceci. Ok, écoutons tous ces éléments jouant avec le panoramique que nous avons appliqué. Ok, et quand la drogue entrera, et je vais éteindre le son de cet organe quand la drogue entrera. Et il y a un piano qui est superposé, et un synthétiseur qui est superposé avec l'Oregon. D' accord. Donc je pourrais décider de faire un tour sur ce synthétiseur, qui est, je vais juste vérifier quelle piste il est sur. Alors on arrive ici, c'est sur 22. Donc, si nous venons sur la piste 22 et je mon pan cela beaucoup à gauche pour refléter en quelque sorte les instruments qui jouent en même temps. Donc c'est un synthétiseur superposé avec un piano, superposé avec l'Oregon, ok. Et le piano était très à droite et l'organisation un peu à droite aussi. Donc, pour créer un équilibre, je vais déplacer ce synthétiseur vers la gauche. Ok, écoutons ce que ça ressemble. Ok, jetons un coup d'oeil à la panoplie peut-être certains de ces éléments de batterie supplémentaires. Donc nous allons venir ici et nous écouterons ce que les autres tambours là-bas. Ok, donc il y a cette journée portes ouvertes qui joue même temps que l'autre chapeau ici à 12 heures. Ok. Donc celui-ci est pan à gauche. Passez celui-ci à droite pour l'équilibre. Ok, jetons un coup d'oeil. Ce son de Percussion. Maintenant, je pourrais décider que je vais faire un tour à gauche. Ok, et on va jeter un coup d'oeil à l'un des claps. Si on entre dans l'arrangement et qu'on découvre que l'un de ces pinces sont, c'est un clap encore, donc il est suivi 37. Et nous allons résoudre ça. Et on pourrait décider qu'on va l'ajouter à droite. Et si nous regardons et voyons si nous pouvons trouver la couche de clap qui joue en même temps, ce qui est ici, ok. Nous pourrions déplacer celui-ci beaucoup vers la gauche pour créer un équilibre. D' accord ? Alors écoutons ce que cela nous permet écouter ce que tous les instruments sonnent comme une intersection. Et encore une fois, je vais éteindre ce son d'orgue parce que c'est un peu ennuyeux. Donc je suis sûr que vous pouvez entendre que le panoramique est une partie importante de n'importe quel mélange. Ok, maintenant, j'ai appliqué le panoramique très, très vite ici. Mais quand vous écoutez, vous devrez écouter de manière critique et vous assurer qu'il y a un équilibre dans votre piste. Ok, donc si nous venons ici au Maître, le canal Master. Je peux voir ici avec ces gauche et c'est la droite. Ok. Donc je peux voir avec ceux-ci, en utilisant ces deux types de paramètres de pointe, je peux voir s'il y a trop de choses à gauche ou à droite. Et en général, ceux-ci devraient être en quelque sorte même comme le lieu de piste. Donc si je retourne en arrière et peut-être que je vais aller de l'avant un peu, je vais juste passer à peut-être cette section ici. Si nous regardons les pics gauche et droit sur le canal maître, Nous verrons si notre piste est équilibrée. Ok, donc pour le moment, ça a l'air un peu lourd sur le côté gauche. D' accord. Alors peut-être que nous avons quelques éléments qui sont trop pannés à gauche. Passons à une autre section et voyons à quoi cela ressemble. Maintenant, cela pourrait aussi être causé par quelque chose qui est trop fort sur le côté gauche, peut-être que cela a laissé les chanteurs à voix haute. Nous pouvons refuser ça, mais vous devez vous assurer que vous êtes toute la piste est un peu équilibrée tout au long. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de l'effet haas. 109. Utiliser l'effet Haas (l'effet de (Precedence: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de l'effet haas pour les mélanges larges. Ok, et si tu te souviens d'avant quand on faisait le doublement vocal et ce qu'on fait c'est on dupliquerait l'audio comme ça. Et nous zoomons vers le haut et puis nous entrons cette section de grille et retarder la voix dupliquée très, très légèrement, ok, comme ça. Et cela créerait ce genre de son doublé si jamais on n'écoutait que le chant. Ok, et si nous devions tourner celui-ci à gauche, alors tournez celui-ci tout le chemin vers la droite. Et désolé, je dois rendre ça unique. Je vais juste rendre le second unique comme ça. Et puis si nous dépendons de cette seconde à droite, cela créerait un effet stéréo très cool. C' est ainsi que vous créez l'effet haas avec l'audio. Ok, je vais juste réinitialiser toutes ces choses. Et nous pouvons être sûrs que cela est de retour accroché sur la grille. Maintenant va jeter un oeil à l'application de l'effet haas à un instrument. Ok, donc si nous entrons dans la vue de modèle comme ça, ok. Donc cet instrument ressemble à ça pour le moment, mais ce qu'on va faire, c'est qu'on va le cloner. Ok, donc encore une fois, on va dupliquer et on va sortir de ça et copier en quelque sorte le modèle dans l'autre instrument dupliqué qui est ici. Et puis nous allons en faire un tout le chemin vers la gauche et l'autre tout le chemin vers la droite. Et pour créer à nouveau cette différence de synchronisation, nous allons zoomer vers le haut, désactiver l'alignement sur la grille, et simplement déplacer le cadre de notes un peu comme ça. Mavletova, écoute les autres. On dirait peut-être même moins que ça. Juste pour que ce soit très subtil. Tribu plus en arrière. Ok, et si on compare ça à ce que ça sonnerait sans ça ça ressemblerait à ça. Ok, et revenez. C'est à quel point l'effet haas est facile. D' accord ? Vous venez de dupliquer l'instrument, puis en panoramique un vers la gauche et un vers la droite. Et vous retardez légèrement le modèle midi. Ok, je vais les réinitialiser. Et nous allons juste jeter un oeil à l'utilisation d'un plug-in facteur de tracas. Ok, donc si je réinitialise ce pan, et ce qu'on va faire, c'est qu'on va charger un plugin Shaper stéréo, qui est celui-là. Et ici, avec ce retard, cela crée l'effet haas pour nous. Et encore une fois, si on le tourne vers la droite, on retarde le canal gauche. Et si on le tourne vers la gauche, on retarde le bon canal. Nous pouvons également utiliser ce shaper stéréo sur les voix. Et on peut l'utiliser sur n'importe quoi vraiment. Alors jouons-le du chant. Et nous chargeons une forme stéréo, notre plugin, qui est ici. Et encore une fois, nous allons juste déplacer ce bouton pour appliquer l'effet haas. Ok, comme vous pouvez le voir, vous pouvez utiliser l'effet haas pour créer un son vraiment, vraiment large dans votre mix. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de micro shifting. 110. Microshifting: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de micro shifting pour des mélanges larges. Ok, donc avant quand on utilisait l'effet haas, on dupliquait le, l'audio et on retarderait le timing. D' accord ? Mais cette fois, nous allons dupliquer l'audio. Et je vais le rendre unique juste pour que les changements que nous faisons n'affectent pas l'autre voix. Et maintenant, au lieu de changer le timing, accord, on va changer le terrain. Encore une fois, nous allons devoir déplacer l' un vers la droite et l'autre vers la gauche. D' accord ? Mais avec le second, nous allons modifier le terrain très, très légèrement. Ok, donc on va peut-être le déplacer d'environ 0,20$. Voyons voir à quoi ça ressemble. Ok, et si on éteint ce PITCHSHIFT, ça ressemble à ça. Donc, comme vous pouvez le voir, ça sonne exactement comme si on avait rendu le chant plus fort. Donc, d'accord, si je sors ça et que j'avais un backend. D' accord, donc en modifiant la hauteur, nous créons une différence entre le côté gauche et le côté droit du champ stéréo. Et parce qu'il y a une différence, parce que le signal entrant dans la gauche est différent du signal entrant dans le riz. Cela le rend plus large. Maintenant encore une fois, nous pouvons également associer cela avec l'effet haas comme celui-ci et faire un son encore plus large. Maintenant, supprimons ça et nous allons jeter un coup d'oeil à l' application de la technique du micro décalage à un instrument. Ok, donc les voix sont de retour à l'air normal. Et nous allons entrer dans ces accords ici, ce modèle d'accords, et nous allons voir comment appliquer le micro shift ici. Donc, si je passe au modèle View et que je vais en solo dans la piste de mixage. Donc, il n'y a pas 27 tout le chemin par ici à droite. Écoutons ce que ça ressemble. Ok, allons peut-être dans une autre partie de la chanson où, dans cet instrument particulier, le filtre est ouvert juste pour que nous puissions l'entendre un peu mieux. Écoutons. Donc ce qu'on va faire, c'est on va dupliquer ça ou Colonus, OK. Et il va charger l'instrument. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va dupliquer le modèle d'accord. Donc, nous copions le modèle exact de l'accord. Et on va coller ça dans le second rouleau de piano comme ça. Et puis nous allons faire un tour à gauche, l'autre à la montée. Et puis dans le second va créer une différence dans la hauteur en venant sur cette roue de tangage ici. Et nous allons juste le changer de, encore une fois, pas trop, peut-être 0,20$. Ok, écoutons ce que ça ressemble. Et encore une fois, je vais juste ouvrir ce dos. Et encore une fois, si nous devions désactiver ce PITCHSHIFT, cela ne ferait pas beaucoup de différence. Ok, alors appliquons encore un changement de hauteur. Et nous pourrions même pousser ce changement de hauteur parce qu'avec les instruments, c'est juste appelé detune et cela peut vraiment sembler bon sur un instrument. Ok, et encore une fois, on va l'éteindre. Et nous allons appliquer le changement de hauteur à nouveau. J'ai été à ce point. Donc, je suis sûr que vous pouvez entendre qu'en utilisant ce micro shift, l'instrument sonne plus large mais aussi un peu plus plein et prendre, ok, et c'est une technique très utile que nous pouvons faire dans nos pistes EDM pour obtenir un son large et complet. Ok, si nous avons écouté ce que ça ressemble, peut-être que dans le mix va allumer tous les autres instruments. Et si nous, peut-être qu'il passera à cette section ici. D' accord. Et je vais éteindre l'Oregon juste parce que ça fait du bruit. Donc, le micro shift est juste une autre technique que vous pouvez utiliser pour obtenir un mélange large et complet. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de la réverbération et du délai pour la profondeur. 111. Utiliser Reverb et le délai pour la profondeur: Ok, donc maintenant on va utiliser la réverbération et délai pour pousser les instruments dans le mélange, ok, pour créer un sens de la profondeur. Ok, donc je vais venir à ce piano et nous allons juste en quelque sorte en entrant dans la vue des motifs. D' accord. Maintenant, comme je disais, disons que ce piano jouait à l' arrière de la salle. Ok, disons, disons que vous êtes dans une pièce. Et ce piano qui est ici, joue juste à l'arrière. Eh bien, tu vas entendre plus de réflexions, ok. Comme ça. Et au fur et à mesure que vous approchez, vous commencez à entendre de plus en plus le signal source qu'il s'appelle. Et quand tu seras juste à côté du piano, ça sonnera comme ça. Parce que vous en êtes si proche que le son source, qui est celui-ci, accentue les réflexions qui sont ici. Mais plus vous êtes loin, les réflexions domineront le signal source. Et c'est aussi facile que de créer de la profondeur. Si nous voulons repousser ce piano dans le mix, nous avons juste augmenté la réverbération de la pièce. Alors ajoutons peut-être les voix juste pour voir à quoi ça ressemble avec une autre sorte d'élément. Donc, je vais les solo. Nous pouvons le faire avancer en ramenant ce niveau de réverbération vers le bas. Mais vous pouvez voir qu'avec ces deux types d'éléments dans le même espace ou dans la même profondeur, ce genre de combats dans ce genre de zone. Donc je vais repousser le piano pour qu'il soit assis derrière cette voix. Lui. Je peux le pousser droit, juste en arrière. Et peut-être essayons de repousser un autre instrument. Repoussons ce synthétiseur. Ok, je dois, désolé, je dois aussi faire le solo du bus d'instruments. Ok, et c'est par ici. Retournons ça dans la pièce. Je disais avant de faire attention à ne pas exagérer et c'est plutôt exagéré, d'accord ? Ceci, cela n'a pas besoin d'être si loin dans le mix, surtout parce que c'est un élément moteur. C' est en quelque sorte conduire le rythme et les accords. D' accord ? Pour que je puisse repousser ça aussi loin qu'avec le piano. Nous pourrions même garder ça droit à l'avant et nous pourrions repousser le chant en utilisant la réverbération. Mais en général, nous gardons le chant droit à l'avant et pouvons en quelque sorte repousser les autres éléments. Et une fois que vous pouvez faire avec le retard, vous pouvez utiliser l'effet de gifle arrière pour créer encore plus sorte de profondeur. Donc, là où cet instrument est assis dans la pièce maintenant, il est assez loin. Mais si nous associons ça avec le retard que j'ai chargé ici, nous pouvons le faire asseoir encore plus loin qu'il ne l'est maintenant. En augmentant cela. Donc maintenant, maintenant on dirait que vous obtenez un peu des reflets slapback du mur dans la pièce aussi. On dirait que cet instrument n'est même pas dans la même pièce que toi. Alors que si je refuse ce retard, maintenant on dirait qu'on est plus proches. On est plus près de cet instrument. Nous pouvons donc utiliser les retards pour repousser les choses. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'œil à quelques plug-ins d'imagerie stéréo que nous pouvons charger et les utiliser pour un large mélange. 112. Utiliser des plugins en améliorant des Stereo: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation quelques plug-ins d'imagerie stéréo pour créer de l'élargissement de nos pistes. Jetons un coup d'oeil à ce clavier électrique et nous allons écouter ce que ça ressemble. Ok, je vais le trouver dans la piste de mixage et je vais m'assurer que ce n'est pas à gauche ou à droite, mais au centre. Et ce qu'on va faire, c'est ouvrir un plugin d'imagerie stéréo. Alors je vais entrer dans mes effets. Et d'abord, je vais utiliser juste l'amplificateur stéréo fruité standard, OK ? Et très facilement, si jamais nous avons écouté le piano électrique, nous pouvons utiliser ce bouton pour le rendre plus large. Ou on peut l'utiliser maintenant pour le rendre plus mince. Donc si je veux que le son soit un peu plus large, je tournerais ça, de cette façon vers le plus. Donc, cet amplificateur stéréo est livré gratuitement avec FL Studio et c'est vraiment, vraiment bon. J' aime le son, surtout sur les pianos électriques et les pianos. Maintenant, je peux désactiver ça et nous pouvons jeter un oeil à un autre, comme peut-être cet imageur stéréo produit par nomade. D' accord ? Et encore une fois, nous pouvons le tourner de mono en utilisant ce curseur Mano. Ce serait normal. Et puis nous pouvons vraiment pousser la largeur en faisant glisser le curseur vers la droite. D' accord ? Maintenant, c'est un peu extrême. Mais cet entier particulier est en fait très, très bon. Ok, et si on revient sur les modèles météorologiques, ok, je vais fermer ça, et je vais aussi essayer l'un des plus populaires imageurs stéréo, qui est l'ozone. Imageur Ozone 7, d'accord ? Et cela vient avec l'ozone isotope plug-in. Donc, je vais ouvrir ceci et juste fermer la fenêtre des presets. Et nous pouvons voir que c'est un imageur stéréo, mais c'est multibande, donc nous pouvons ajuster l'image stéréo pour les lois. Les médiums de la loi, les médiums hauts et les hauts. Il a aussi une portée vectorielle, ok ? Et c'est juste ce demi-cercle dont nous parlions avant. Donc cette lumière ici, c'est u, OK. Et comme vous pouvez le voir quand le genre de lumière que nous montrons, il nous montrait la gauche et la droite. Et il nous montre un peu où les éléments sont placés dans le champ stéréo. Donc, nous pouvons voir que c'est un peu vacillant d'avant en arrière de gauche à droite. D' accord ? Donc une chose vraiment cool que nous pouvons faire avec l'ozone sept est que nous pouvons dire aux groupes d'apprendre pour que je puisse jouer le son et qu'ils s'ajustent automatiquement. Donc, si je clique sur le bouton Apprendre et que j'appuie sur le bouton de lecture, vous pouvez voir qu'ils commencent à bouger. Et c'est un peu de savoir où exactement ces petits groupes qui devraient être placés. Alors, quand je désactive apprendre ou désolé, dois-je le mettre en pause et ensuite l'éteindre ? Et une fois que je l'éteins, les groupes sont réglés. Ensuite, nous pouvons descendre et ajuster chacune des bandes séparément. Donc, je vais garder les basses fréquences Mano en faisant glisser ça vers le bas et nous allons jeter un oeil à cela dans la prochaine conférence. Mais je vais traîner ça vers le bas. Et comme vous pouvez le voir ici avec les petits symboles, je suis Mano est un peu un et stéréo vous devez, donc plus vous faites glisser ça, plus il se sentira large. Maintenant, si nous regardons où le genre de proportion principale du son est selon l'algorithme d'apprentissage. C' est dans ce genre de folie cette loi à milieu de gamme. Donc, je vais le faire glisser un peu les médiums bas vers le haut. Ok, peut-être environ 36. Je vais faire glisser les médiums élevés d'un peu moins, puis je vais faire glisser les hauts pas autant et je n'écouterai jamais ce que cela sonne maintenant. Ok, et la beauté avec l'ozone est qu'on peut ajouter à ce genre d'effet stéréo sage. Et c'est littéralement juste l'effet haas que nous regardions avant. Donc si on fait glisser ça jusqu'à un et qu' écoute ce que ça ressemble, ça sonnera comme ça. Mais alors que nous commençons à augmenter cette écriture, nous pouvons voir même avec cela que le son est beaucoup plus excité. C' est beaucoup plus répandu sur le champ stéréo. Maintenant 17.3, c'est beaucoup. Donc je vais laisser ça quelque part en bas. Je pense que sept est généralement un endroit assez agréable pour le laisser. Ok, et laissons, Éteignons ce plug-in pendant que le modèle est en train de jouer et nous entendrons, vous entendrez la différence qu'il fait. Ok. C' est ainsi que vous pouvez utiliser certains de ces plug-ins d'amélioration stéréo ou d'imagerie stéréo pour vraiment pousser vos pistes et les faire sonner en blanc. Dans la prochaine conférence, nous allons apprendre à utiliser l'imagerie stéréo pour les basses fréquences. 113. Imaging stéréo pour basses fréquences: Dans cette conférence, nous avons appris à utiliser l'imagerie stéréo pour les basses fréquences. Donc j'ai parlé de ce son de basse ici, et c'est la base que nous utilisons dans la piste. Alors écoutons. Ok, donc ça ressemble à ça. Et la première chose qu'on va faire, c'est d'entrer dans ce plugin d'ozone. Et nous allons vérifier, est-ce que ce son est en mono ou en stéréo ? D' accord. Et je saurai si c'est en mono parce que Mano va juste montrer une ligne au milieu ici. Mais si ce son est stéréo, que le genre de, la forme qui sort sera en quelque sorte étalée sur ce demi-cercle. Alors jetons un coup d'oeil. Donc je peux voir que le spectre, désolé, la portée vectorielle, ça nous montre que le son est en stéréo parce qu'il est étalé sur le demi-cercle. D' accord ? Maintenant, si vous n'avez pas ce plugin, vous pouvez l'éteindre et vous pouvez vérifier ici en mettant la piste dans Mano, Ok. Et nous allons apprendre ce que ce paramètre particulier fait dans le mélangeur. Et quand on arrive à mélanger les niveaux de fader. Mais pour l'instant, sachez juste que lorsque vous le tournez vers la droite, il tourne le son mono. Et en quelque sorte quand vous le tournez vers la gauche, ça le rend plus stéréo. Mais nous allons vous montrer comment les utilisateurs quand nous appliquons la touche finale au mélange. Et pour l'instant, je vais juste le vérifier en mono. D'accord ? Et ce qui va se passer, c'est quand je réinitialise ça, si j'entends une différence dans le son, si le son devient plus large quand je le réinitialise, alors je saurai que ce n'était pas du mano au début. Ok, alors écoutons le son maintenant en mono, et puis je le réinitialiserai au fur et à mesure qu'il joue. Et nous saurons si le son n'a pas été modélisé au début ou non. Ok, donc j'entends que le son n'était pas en mono pour commencer. Parce que quand je réinitialise ça aux changements sonores et devient plus large quand tu mixes, ok, on veut garder les basses fréquences de Mano, Ok. Et si nous les gardons en mono, c'est parce que dans une boîte de nuit, les systèmes de haut-parleurs que les DJ utilisent sont un système mono. Donc, en gardant la base en mono, nous pouvons nous assurer qu'elle sonne toujours bien quand elle est jouée dans une boîte de nuit. D' accord ? Et comme nous le savons tous, la base et le coup de pied ou le genre des parties les plus importantes d'une piste EDM. Donc nous gardons la base et le coup de pied en mono. Maintenant, je pourrais juste venir ici et tourner en quelque sorte ce optimal, accord, et faire une base mono et ce serait, ce serait bien. Cela garantirait que cette base particulière est en mono. Mais j'aime le son de la large base, accord, ce genre de hautes fréquences qui sont larges. Donc je vais utiliser l'ozone pour rendre les basses fréquences mono. Mais le reste des fréquences ici, je vais les garder blanches. D' accord ? Donc, si nous arrivons à cette bande inférieure et que nous la résolvons, nous pouvons alors la déplacer et trouver où sont les basses fréquences. Ok, donc j'écoute maintenant. Et si je le mets ici, maintenant j'inclue à beaucoup de fréquences plus élevées. Donc je vais le faire descendre jusqu'à ce qu'on ait ce genre de savon. Le poids principal de la base. D' accord ? Et je vais faire ce mono. Donc, vous pouvez voir ici avec la portée vectorielle avant que ça ressemble à ça et c'était partout. Mais maintenant c'est le modèle. Et puis nous pouvons ajouter dans ces autres groupes, et ceux-ci sont toujours blancs. Mais nous avons juste veillé à ce que les basses fréquences soient en mono. Et cela signifie que lorsque cette base est jouée dans une boîte de nuit, elle sonnera toujours aussi bien qu'en stéréo. Et on peut faire la même chose avec un coup de pied. Ok, on peut venir ici et jouer le tambour. Et nous pourrions entrer et charger de l'ozone et juste ajuster les basses fréquences et garder les hautes fréquences en sorte de ne pas modéliser. Mais il n'y a pas vraiment une sorte de son à haute fréquence avec ce kick drum particulier que je voulais garder en stéréo. Donc je vais juste utiliser ça pour le mettre en mono. Donc maintenant je peux être sûr que ce kick drum est en mono et ça sonnera bien quand il sera joué dans une boîte de nuit. Donc c'est tout ce que vous devez savoir sur l'application de l'imagerie stéréo aux basses fréquences, ok, nous devons nous assurer que les basses fréquences sont mono. En dehors de cela, vous pouvez faire l'un de ces instruments ou l'un de ces autres éléments aussi large que vous le souhaitez. Dans la prochaine conférence, nous allons apprendre sur la phase et comment vous pouvez corriger les problèmes de phase que vous avez dans votre piste. 114. Phase pour le mélange: Dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur la phase et comment nous pouvons la corriger dans nos pistes. Pour moi, c'était l'une des techniques les plus importantes que j'ai jamais apprises sur le mélange. Et c'est un processus si simple pour résoudre les problèmes de phase sont comme ces parasites qui peuvent se remuer dans votre piste et empêcher qu'elle ne sonne jamais bien. Cela peut faire perdre votre largeur stéréo, perdre de belles fréquences de basses, perdre du volume, gagner du volume indésirable, et même créer une horrible égalité d'eau lorsqu'elle est jouée sur certains haut-parleurs. Nous avons donc vraiment besoin de savoir comment corriger tous les problèmes de phase. Tout d'abord, qu'est-ce que la phase ? C' est essentiellement quand vous avez deux signaux audio qui jouent en même temps, où sont les pics et les creux les uns par rapport aux autres ? Donc, si on regarde cette image sur la diapositive, on peut voir deux tendons. L' un est noir et l'autre orange. Vous pouvez voir que l'onde sinusoïdale noire est un peu derrière l'onde orange. Donc, quand le sommet de l'onde sinusoïdale orange est en train de jouer ou que le pic est en train de jouer. L' onde sinusoïdale noire ne fait que commencer et n'a pas encore atteint son sommet. Et ce que cela signifie, c'est que ces deux signaux sont hors phase. Ce qui se passe, c'est que si nous devions rendre ce fichier audio tel qu'il est maintenant, nous allons combiner ces deux signaux audio en une version finale. Mais quand ces deux signaux se combinent, ils vont se battre l'un avec l'autre. Et l'onde sinusoïdale noire rendra l'onde sinusoïdale orange plus silencieuse. Maintenant, je sais que c'est un peu trop de théorie, mais il est vraiment facile de localiser les problèmes et de les résoudre. Ne vous inquiétez pas si vous ne comprenez pas ce que cela signifie. Alors, comment pouvons-nous localiser et corriger ces problèmes ? Eh bien, tout d'abord, je veux dire qu'un EDM, rien ne sera jamais parfaitement en phase. Cependant, nous pouvons améliorer la phase en appliquant un processus très facile. Alors, comment corrigeons-nous les problèmes de phase ? Eh bien, nous trouvons juste les deux signaux qui sont hors de phase l' un avec l'autre et puis inversons l'un d'eux. Et cela renverse la forme d'onde à l'envers. Donc, au lieu de s'annuler, ils se complètent en fait. Facile, non ? Eh bien, comment pouvons-nous trouver ces problèmes en premier lieu ? Si vous jouez simplement deux éléments en même temps, puis inversez la phase d'un élément. Le son perdra des fréquences basées ou gagnerait des fréquences basses. Si le son gagne des basses fréquences qu'il était hors phase et est maintenant en phase. Mais si le son perd les fréquences des basses, alors il était déjà en phase et est maintenant en phase. Vous pouvez également remarquer que le son devient un peu plus large ou plus plein. Et ce serait une autre indication que le son est maintenant en phase. Tout fait peut le faire par défaut parce que c'est un problème très important mais pas largement connu. Si vous faites une recherche rapide sur la façon d'inverser la phase dans votre DAW, vous le découvrirez assez rapidement. Et c'est probablement un petit bouton que vous ne saviez même pas qu'il existait. Maintenant, nous savons comment localiser et corriger les problèmes de phase. Retournons dans l'obscurité et mettons-nous notre piste en phase. 115. Localiser et corriger les problèmes de phase: Ok, donc dans cette conférence, nous allons trouver quelques problèmes de phase et ensuite appliquer le processus pour les corriger. Donc, la première chose que nous devons faire est de trouver deux instruments qui jouent même temps et l'endroit le plus facile pour commencer serait vos couches. Ok, donc je vais commencer avec ces deux couches ici, qui est ce genre de modèle principal d' accords et puis un autre calque qui joue à côté d'elle. D' accord ? Maintenant studio NFL, c'est vraiment, vraiment facile d'inverser la phase et on clique juste sur ce petit bouton ici sur la piste de mixage. Et cela inverse la polarité. Ça dit ici, et ça veut dire la même chose que l'inversion de la phase. D' accord ? Ce que nous allons faire, c'est écouter les deux éléments jouer en même temps. Et puis nous allons inverser la phase pendant qu'elle joue et nous verrons quel réglage a plus de fréquences de basses sont en quelque sorte plus de largeur stéréo. Ok, écoutons. Ok, et si vous rencontrez un élément qui est un peu difficile à voir ici comme celui-ci. C' est un peu difficile de remarquer lequel, quel genre de réglage est le meilleur. Ce que vous pouvez faire, c'est vous pouvez accéder à la vue de la liste de lecture et à la boucle. Un nœud particulier comme celui-ci. D' accord ? Donc tout ce que nous entendons, c'est ce nez et c'est très facile à remarquer et les problèmes de phase. Ok, alors écoutons encore une fois. Ok, donc je remarque une très, très légère différence, ok, quand cette phase est inversée et je pense que ça sonne mieux quand les phases, et donc je vais la laisser allumée, ok, je vais laisser cette phase inversée donc ces deux éléments sonnent en quelque sorte bien ensemble. D'accord ? Maintenant que nous avons ces deux choses en phase, ce que nous devons faire, c'est d'obtenir d' autres éléments et d'autres phases. D' accord ? Donc ce qu'on va faire, c'est peut-être qu'on va faire la même chose. Ok, donc nous allons mettre en évidence un noeud comme celui-ci. Oups, je vais juste zoomer un peu plus pour que la boucle soit plus courte. D' accord ? Et je vais couper celui-ci, et je vais allumer l'autre instrument avec l'Allemand pour vérifier la phase de laquelle est celle-ci. Ok, je vais le montrer juste que je peux l'entendre mais ici pour aller mieux. Et maintenant, nous allons vérifier la phase de cet instrument en retournant la phase comme un lieu, une Mileva écoute quel genre de réglages sonne mieux. Donc, je ne suis pas sûr que vous remarquiez ça non plus, mais quand cette phase est inversée. Le son devient un peu plus complet et un peu plus large. Ok, donc maintenant cet élément, ok, c'est en phase avec ça, et c'est en phase avec ça. Cela signifie donc que cela doit être en phase avec cela aussi. Ok, ensuite, on va vérifier d'autres éléments. Alors passons peut-être au piano, qui joue en même temps que les clés électriques que nous venons d'avoir l'interface. Alors, regardons peut-être tout le modèle. Écoute juste. Et je vais en solo les clés et permettre toutes sortes de piano. Ok, et retournons la phase pendant que le modèle est en train de jouer et on verra si on remarque une différence. Encore une fois, c'est difficile à entendre. Donc, je vais rendre le modèle plus petit en faisant glisser cette alarme. Donc maintenant, nous écoutons cela et va inverser la phase comme, comme jouer et jamais écouter toutes les différences. Donc encore une fois, quand la phase de ceci est inversée, je pense que ça sonne un peu plus complet et plus large quand on joue à côté de ça. Donc maintenant, cela est en phase avec cela, et cela est en phase avec cela. Et parce que cela est en phase avec cela, cela signifie que tous ces quatre éléments sont tous en phase ensemble. Et c'est le processus que vous utiliserez lorsque vous aurez vos instruments et votre phase. Ok, vérifions un de plus et peut-être l'instrument principal qui vient en quelque sorte ici. On avait déjà écouté ça. Si on met juste en évidence ce genre de zone. Ok, et nous sommes en solo, peut-être que c'est et nous allons solo l'instrument du chef de file, c'est ça. Ok. Et maintenant, si nous inversons la phase pendant qu'elle joue, et nous allons déterminer quel paramètre est en phase. Ok, donc avec cet instrument, je ne pense pas que ça fasse une différence. Donc je vais nous laisser prêts à il est parce que je ne veux rien gâcher juste au cas où, juste au cas où si je me renverse, ça gâche la phase de tout le reste. Et je pense que ça sonne bien comme il est ici avec la phase normale. Ok. Jetons un coup d'oeil à l'obtention de la batterie et de la phase. Donc, nous allons trier, nous allons mettre en évidence certains des échantillons sont joués en même temps. Donc peut-être ces chapeaux, ok, et allons les résoudre. Donc c'est celui-là et il joue en même temps que celui-ci. D' accord. Et je vais refuser ça juste pour qu'on puisse entendre les deux. Et va inverser la phase de celui-ci car il joue aux côtés de celui-ci. Et nous verrons quels paramètres sonne mieux. Ok, écoutons. Ok, c'est une différence très subtile, mais j'entends que la phase, quand elle est inversée, ça sonne mieux que quand la phase n'est pas inversée. Ok, essayons un des échantillons de clap. Donc, nous allons obtenir ces deux claps le jeu en même temps, qui est celui-ci ici sur la piste 24. Et c'est celui-là qui joue sur la piste 37. Ok, mettons-en évidence ces deux. Et je vais rendre celui-ci un peu plus calme. Maintenant, nous pouvons entendre les deux jouer en même temps. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va inverser la phase pendant qu'ils jouent et on trouvera le meilleur réglage. Encore une fois, c'est une différence subtile, mais je pense que lorsque cela est inversé, nous avons un peu plus de fréquences et le son s'élargit un peu tout à coup. D'accord ? Donc je pense que cela sonne mieux quand la phase est inversée. Et enfin, on va vérifier le tambour contre la base. D' accord ? Et c'est probablement la partie la plus importante de l'application de la correction de phase. Vérifiez votre tambour de kick contre la base. Ok, donc si on met en évidence le kick drum, qui est là, et qu'on joue la basse en même temps. Peut-être rendre ça un peu plus long. Non, en fait, ramenons-le. Bon, maintenant on peut entendre les deux jouer en même temps. Je vais juste rendre ça un peu plus fort. Alors retournons la phase de la base pendant que le kick drum est en train de jouer. Et nous allons déterminer quel réglage ajoute plus de fréquences de basses. Écoutons. Ok, donc quand la phase de la base est retournée, elle devient un peu plus large. Donc, je sais maintenant que le, que le réglage correct est lorsque la phase est inversée. D' accord. Vérifions un instrument de plus, peut-être vérifions ce pad. Son contre le piano. Ok, donc je vais mettre en évidence le piano qui est ici. Et puis je vais mettre en évidence le pad qui joue ici. Mettons-les juste un peu dans un volume similaire. Bon, et retournons la phase et voyons ce qui se passe. Encore une fois, je remarque que cela semble un peu plus large lorsque la phase est retournée. Donc je vais laisser la phase inversée. Vérifions ce bloc contre cet Oregon. Et nous allons refuser ça. Retournons la phase. Ok, je pense que ce réglage sonne bien. Je pense que quand ils sont tous les deux retournés comme ça. Mais l'inversion de phase sur, je pense que ça sonne bien. Maintenant, vous pouvez faire une piste où il y a une sorte de petits problèmes de vase comme celui-ci. D' accord. Et il se trouve que quand je renverse la phase, y a pas beaucoup de choses qui se passent. Et c'est difficile d'entendre le genre de différences subtiles. Mais tu dois vérifier ta phase, d'accord ? Parce qu'il y a des moments dans votre piste où vous ne savez même pas ce qui se passe. Et puis dès que vous retournez la phase, tout d'un coup le son devient beaucoup plus complet et beaucoup plus large et assez lumineux et il sonne bien mieux. D' accord. Parfois, cela peut faire une différence subtile, et d'autres fois cela peut faire une énorme différence, ok, alors assurez-vous de vérifier la phase de votre piste et de corriger tous les problèmes. Dans la section suivante, nous allons en apprendre davantage sur chaîne latérale et tous les avantages qui nous accompagnent. 116. Questions de phase : Suivi: Ok, donc juste pour faire le suivi de cette dernière conférence, d'accord, où j'ai dit que certains éléments feront une différence subtile, ok ? Et tu ne pourras peut-être même pas l'entendre du tout. Et d'autres éléments comme ceux-ci feront une énorme différence. Ok, alors écoutons seulement deux. Ce sont des voix de soutien et ça, contrairement à ça, c'est une sorte de voix, ce Vocal, mais quand je renverse la phase, ok, ça fait une énorme différence. Ok, alors écoutons ce que ça ressemble. Comme je renverse la phase. C, vous remarquerez quand ces deux types de paramètres de phase sont désactivés, cela semble beaucoup plus complet et large. Écoutons. Et si je devais retourner ça, nous créons des problèmes de phase parce que ce signal se bat maintenant en quelque sorte avec celui-ci. Alors écoutons à nouveau rapidement et nous passons à la section de la chaîne latérale. Ok, passons à la chaîne latérale maintenant. 117. Sidechain pour le mélange: Dans cette conférence, nous avons appris à propos de la chaîne latérale et de ce que nous pouvons utiliser dans nos pistes EDM, chaînage latéral est extrêmement commun et il y a une forme de chaîne latérale que vous devez absolument utiliser pour que vos pistes soient propres et professionnel. Donc, la chaîne latérale est lorsque vous utilisez un signal audio pour contrôler un certain paramètre dans l'obscurité. Vous pourriez peut-être utiliser le signal audio des voix pour faire baisser la réverbération afin qu'ils sonnent beaucoup plus propre et à l'avance. Cela peut vous permettre d'utiliser une énorme quantité de réverbération car les voix seront toujours propres à chaque fois qu'elles jouent. Fondamentalement, si vous voulez que quelque chose arrive, chaque fois qu'un élément joue, nous pouvons utiliser la chaîne latérale. Alors, quels sont les moyens les plus courants pour utiliser la chaîne latérale ? Eh bien, tout d'abord, il y a la technique célèbre et absolument essentielle de compression de la chaîne latérale. Et cela forcera tous les éléments à une sorte de plongeon ou de canard en volume chaque fois qu'ils se placent. Si vous n'utilisez pas ce type de chaîne latérale votre piste sera très robotique et amateur. Nous pouvons également utiliser la chaîne latérale pour contrôler les volumes. Alors peut-être que votre instrument principal distrait du chant chaque fois qu'ils jouent ensemble. Ainsi, vous pouvez utiliser le signal des voix pour baisser la piste chaque fois qu'elles jouent en même temps. Vous pouvez également utiliser la chaîne latérale pour contrôler les effets. Ainsi, nous pouvons rendre le son du délai plus silencieux chaque fois qu'un élément est en train de jouer. Maintenant, avec FL Studio, on peut aussi faire quelque chose qu'on appelle le contrôle des pics, ok ? Et c'est une forme de chaîne latérale qui nous permet de contrôler absolument tout ce que nous voulons, mais les autres chiens ne peuvent pas le faire. Donc, quand nous venons à cette conférence, vous pouvez simplement l'ignorer si cela ne s'applique pas à vous. Alors, nous allons dans l'obscurité et commençons à utiliser la chaîne latérale pour nos pistes. 118. Utiliser la compression Sidechain pour le contrôle du volume: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre le processus que nous utilisons quand nous appliquons la compression de la chaîne latérale, ok ? Et c'est très simple. C' est un peu, ça implique juste de prendre deux éléments. Donc, l'élément que vous voulez côté chaîne et l'élément que vous voulez contrôler la chaîne latérale. Disons que je veux cette voix. Chaque fois que cette voix joue. Oups. Donc chaque fois que ça joue, je voulais baisser peut-être cet instrument. Je dois allumer ça dans le bus Instrument. D' accord. Écoutons encore une fois. Donc à chaque fois que ce lieu central, je voulais baisser le volume de cet instrument. Donc c'est le signal que nous allons utiliser pour contrôler l'autre élément ici. D' accord ? Donc je vais prendre ça et je vais le lier à cette piste. Et je vais faire un clic droit et dire chaîne latérale à cette piste. Ok. Donc maintenant le signal de ceci arrive ici et il ne va pas faire de bruit parce que le signal de chaîne latérale est silencieux et c'est juste une sorte de lecture de ce qui se passe ici et de l'utiliser pour déterminer quand et quand ne pas baisser le volume de cette. Donc, si nous chargeons un compresseur sur l'élément que nous voulons en quelque sorte baisser. Et je vais charger le limiteur fruité. D' accord. Parce que c'est comme ça que vous citez Jane et FL Studio. Vous entrez dans le limiteur et vous entrez dans cette section de compression ici. Et puis j'ai changé la valeur de la chaîne latérale à un. Donc maintenant, il prend le signal de ça. Et si j'ajuste à nouveau le rapport, c'est la même chose que les autres compresseurs. Alors, à quel point je veux que le volume baisse ? Je vais mettre ça à 4.5. Ensuite, nous abaissons le seuil et vous verrez que le volume commencera à diminuer au fur et à mesure que les voix sont jouées. D' accord ? Donc vous pouvez voir que chaque fois que les voix cessent de chanter, le volume augmente, d'accord ? Et chaque fois que les voix chantent, le volume diminue. Écoutons encore une fois. Donc c'est probablement un peu trop agressif. Donc, nous pourrions refuser le ratio et nous pourrions aussi relever un petit peu le seuil juste pour que ce ne soit pas aussi évident. Donc, c'est juste un peu subtilement rendre les choses plus propres. Donc c'est le processus que vous utilisez, OK. Vous prenez l'élément que vous voulez contrôler, la chaîne latérale, puis vous le liez à l'élément sur lequel vous voulez que la chaîne latérale se produise. D' accord ? Ensuite, sur l'élément sur lequel vous voulez que la chaîne latérale se produise, vous chargez un compresseur, d'accord, et à Ableton, je pense que c'est le compresseur de colle et, et vous le mettrez pour prendre une entrée de chaîne latérale, ok ? Et puis vous allez faire le même genre d'ajustements de compression. Nous pouvons aussi ajuster l'attaque. Quelle est la rapidité de la chaîne latérale ? La sortie, vous savez, comment, à quelle vitesse la chaîne latérale s'éteint à nouveau et toutes ces choses différentes. Et c'est comme utiliser un compresseur normal, sauf que cette fois vous prenez le signal de ce genre d'élément de contrôle. Donc, cette conférence a couvert comment utiliser un élément pour contrôler le volume d' un autre pour baisser le volume chaque fois que cela est en cours de lecture. Dans la prochaine conférence, nous allons examiner l'utilisation d'un élément pour contrôler le volume d'un effet. 119. Utiliser la compression Sidechain pour le contrôle des effets: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre à utiliser le signal d'un élément pour contrôler le volume d'un effet. Ok, donc si on prend cette voix ici, d'accord. Ça sonne comme ça. Maintenant, disons que j'aime vraiment le son de la voix Quand j'ai beaucoup de réverbération dessus. Et ça a l'air bien. Mais quand on le rajoute dans le mix, ça ressemble à ça. D' accord. Si je le déplace un peu vers le bas, je vais juste les déplacer. D' accord ? Donc, un complètement ne correspond pas. Il y a trop de réverbération sur cet animal. Et donc ce que nous pouvons faire est que nous pouvons utiliser le signal de ceci pour contrôler le volume de la réverbération. Et c'est vraiment simple et FL Studio si vous utilisez des canaux de sable comme celui-ci, et la chaîne latérale est déjà configuré vue. Donc, je vais charger un limiteur et je vais le régler sur le réglage de compression. Et puis je vais dire au limiteur de prendre l'entrée de la chaîne latérale de la piste. Donc, changeons cette entrée à deux. Et maintenant, il prend un signal de chaîne latérale de cette piste. Et on peut faire la même chose. Nous pouvons ajuster le ratio, donc peut-être jusqu'à environ 3,6, et ensuite nous pouvons faire baisser le seuil. Donc, nous affectons le volume de la réverbération avec cette voix. Et vous pouvez voir que ça commence à se produire là-bas avec le violet. D' accord ? Maintenant, c'est très évident là-bas. Donc, si je solo la voix pendant une seconde et que je m'écoute. Ok, donc c'est en quelque sorte rendre la voix plus propre, mais laisser la belle histoire de la réverbération continuer. Donc maintenant je peux remarquer quand, entre les mots 123, la réverbération saute en quelque sorte de haut en bas. Et je n'aime pas le son de ça. Donc je vais augmenter la libération de sorte que la chaîne latérale ne s'éteint pas aussi vite. Donc, si nous augmentons cela, cela devrait empêcher ce bruit particulier de se produire. D' accord ? Et maintenant, nous résolvons le problème. Maintenant, nous pourrions faire le seuil un peu plus, ajouter un peu plus de son de réverbération. Écoutons encore une fois. Et nous pouvons peut-être juste diminuer la diminution à un petit pari et nous aurions une écoute à ce que ça ressemble maintenant, mélange de fautes indépendantes. Alors écoutons. C' est donc le processus simple que vous pouvez utiliser pour contrôler le volume d'un effet. Maintenant, si vous n'utilisez pas ces bandes sonores et que vous utilisez peut-être comme un canal boss ou quelque chose pour votre réverbération, vous avez la réverbération ici. Ce que vous pouvez faire est de prendre la voix ou sont les éléments que vous voulez contrôler la chaîne latérale. Et puis vous venez de lier il est donc dire chaîne latérale à cette piste. Et encore une fois, la même chose. Ouvrez le limiteur et ajustez les paramètres. D' accord ? Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil sur le type de chaîne latérale le plus important pour EDM. 120. Utiliser la compression Sidechain pour le Sidechain: Dans cette conférence, nous allons examiner la forme la plus importante de la chaîne latérale que vous pouvez utiliser dans votre piste. Et c'est si important que si vous ne l'utilisez pas comme étiquette de disque, rejetterez totalement votre piste. Donc, vous devez vraiment vous rappeler d'utiliser cette technique de chaîne latérale pour masquer les éléments derrière le tambour de kick. Donc, si je mets juste en surbrillance le kick drum dans la piste de mixage, il est donc non suivi 16. Et je vais mettre en évidence ça ou soliste. D' accord ? Et maintenant, si on joue un des instruments qui jouent en même temps, peut-être celui-là. Maintenant, pour le moment, ce n'est pas le côté enchaîné. Et quand vous faites des éléments de chaîne latérale au tambour de kick, cela fait une énorme différence. Ce qu'on va faire, c'est relier ce kick drum à cette piste d'instruments en cliquant avec le bouton droit de la souris et en disant que le site change cette piste. Ensuite, le même processus que nous allons ouvrir le limiteur, d'accord, entrer dans la section de compression et lui dire de prendre l'entrée de la chaîne latérale de cette première chaîne latérale que nous avons assignée à cette piste. Donc, la chaîne latérale un et puis peut-être ajuster le rapport. Je trouve que pour la chaîne latérale, un rapport de plus de quatre fonctionne mieux. Et j'utilise généralement environ cinq heures, d'accord ? Donc un taux de compression de 5, je pouvais le voir là-haut. Et comme il joue, va ajuster ce seuil et trouver un point optimal pour la chaîne latérale. Écoutons. D'accord ? Maintenant, si j'éteins ça, ça ressemble à ça. Et je vais le rallumer pendant qu'il joue. Ok, donc ce qu'il fait, c'est de réduire le volume de cet élément à chaque fois que le gamin joue. Et c'est vraiment, vraiment important d'avoir un bon groove dans votre piste. Ok, donc je pense que je le faisais un peu trop agressivement. Donc j'ai juste ajusté le seuil. Ça tourne un peu vers le haut. Ok, et maintenant on va faire ça à chaque instrument qui joue en même temps. D' accord ? Alors prenons l'entrée de la chaîne latérale du tambour de kick et relions-la à cet instrument principal. D' accord ? D' accord. Maintenant, nous allons ouvrir le limiteur, venir à la section de compression et sélectionner la chaîne latérale un, ajuster le rapport de sorte que ce soit le même que les premiers instruments ou autour de cinq comme mai 4.9 soit 5.1. C' est très bien. Et nous allons faire glisser ce seuil jusqu'à ce que nous trouvions un point optimal. D' accord ? Et on va recommencer pour cet instrument ici. Prenons donc l'entrée de la chaîne latérale en cliquant avec le bouton droit de la souris et en disant que le site a changé à cette piste. Ensuite, nous allons ouvrir le limiteur, entrer dans la section de compression de la chaîne latérale un. Ratio jusqu'à environ cinq, ok ? Et le seuil le fera baisser pendant qu'il joue. Ok, donc ça ne semble pas marcher. Donc, je vais essayer l'entrée de la deuxième chaîne latérale. Ok, et maintenant ça marche, je vois que ça marche là. Donc je vais les déjouer en solo juste pour que je puisse entendre cet instrument un peu mieux. D' accord ? Alors nous allons trouver un point optimal. Ok, et ça a l'air et l'air bien. Alors retournons sur ces instruments et gardons l'homme de caractère. Et je m'assurerai d'allumer la piste d'instruments. Et puis nous aurons une sorte de leçon comme l'accumulation, comme jouer et ensuite dans la goutte. Ok, donc vous pouvez voir l'importance d'utiliser psi j. Maintenant, si j'éteins et que toute cette chaîne latérale est éteinte et que nous aurons une nouvelle écoute, ok. D' accord. Et si je le rallume. Donc tel a terminé sa chaîne latérale de piste à cette piste. Et encore une chaîne latérale à cette piste. Donc, quand je suis enchaîné sur site, quand je fais cet effet d'amarrage, je vais enchaîner tous ces instruments, ok, la base et ces instruments, ces instruments, je pourrais même enchaîner latéralement ce genre de vérification d'arrière-plan pour le faire avoir une meilleure rainure. Maintenant, si on regarde juste les éléments du tambour, d'accord ? On n'enchaîne pas les D. Ok, donc comme les chapeaux et les applaudissements individuels, nous n'avons pas besoin de citer Jane Doors, mais si vous utilisez une boucle externe comme couche, nous ferions la chaîne latérale. Ok, donc je vais juste traîner quand très vite. Glissons juste une boucle externe. Je m'en occuperai très vite. Donc peut-être que celui-là, on va juste traîner ça dedans. Adapté au tempo pour qu'il joue à temps. Et si nous avons une écoute juste le kick drum et cet élément ou cette couche. Ok, donc ce que je ferais avec ça, c'est que je l'enchaînerais aussi. Donc, si nous prenons l'entrée de kick drum et puis nous allons à la chaîne latérale pour distraire en cliquant avec le bouton droit et en disant chaîne latérale. Ensuite, on ouvrira le limiteur. Comme ça. Venez à la section de compression. Prenez l'entrée d'un, il juste le rapport, donc jusqu'à environ cinq, puis abaissez le seuil comme un endroit. Et cela fera juste que cette boucle particulière s'adapte mieux à votre piste. Je vais juste ajouter certains, certains des autres éléments de batterie que nous utilisons. Peut-être que certains d'entre eux, ce chapeau et nous garderons les instruments. Et puis nous allons juste tout non solo et nous écouterons l'effet d'amarrage sur tout. Ok, donc assurez-vous d'utiliser cette technique d'amarrage à chaîne latérale dans votre piste, ok ? C' est absolument essentiel et c'est l'une des techniques fondamentales que l'on fait dans l'EDM, d'accord ? Et dans votre DAW, le processus sera différent. Je connais un Ableton, vous ouvrez juste le compresseur de colle et je pense que vous prenez l'entrée de, vous attribuez l'entrée à la piste que vous voulez contrôler la chaîne latérale. Mais dans votre point, ce processus peut être différent. Assurez-vous donc de comprendre comment utiliser la chaîne latérale et votre DAW et certainement commencer à l'utiliser dans vos pistes. 121. Contrôle des pics: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à quelque chose qui est unique à FL Studio et c' est le contrôle des pics. D'accord ? Nous pouvons donc utiliser l'un de ces éléments pour contrôler n'importe quel paramètre dans le DOD. Ok, donc si je prends ces cours et qu'on aura une leçon, je peux ouvrir un contrôleur de pointe sur cette piste. Et ce que cela fait, c'est qu'il mappe l'entrée. Il cartographie donc les pics et les creux de cet élément particulier. Ok, donc vous pouvez voir que ça se passe là-bas. Et nous pouvons utiliser ce genre de carte pour contrôler tout ce que nous voulons. Ok, disons que je veux que ce modèle d'accord contrôle peut-être la panoplie des voix, d'accord ? Ok, ce que je peux faire, c'est que je peux entrer au chant, clic droit sur le panoramique et sélectionner le lien vers le contrôleur. Et cela fera apparaître cette petite fenêtre où nous pourrons sélectionner ce contrôleur. Ok, on peut, on peut descendre et on peut choisir, Désolé, c'est en haut. Nous pouvons sélectionner le contrôleur de crête fragile pour cet instrument particulier. Donc, nous sélectionnons pic. Et puis si nous avons juste eu sauf, vous devriez voir que quand cet endroit et il commence à ajuster le panoramique, les voix. D' accord ? Donc, vous pouvez voir que ça se passe là-bas. Et si vous avez écouté ce que cela ressemble dans le mix, va juste entrer et peut-être cliquer sur cette partie. Mileva écoute. Ok, donc on peut utiliser le contrôleur PI pour contrôler n'importe quel élément dans l'obscurité. Dans la section suivante, nous allons voir quelques effets supplémentaires que vous pouvez utiliser pour vos pistes EDM. 122. Effets supplémentaires pour EDM: Dans ces quelques diapositives, nous allons examiner certains des effets supplémentaires que vous pouvez utiliser pour vos productions EDM. Il y a littéralement des millions d'effets intéressants que vous pouvez télécharger et utiliser pour ajouter une texture fraîche à votre piste. Nous allons juste couvrir certains des basiques ici. Et nous nous concentrerons uniquement sur les presets car ils ne sont pas une partie essentielle du mixage et l'utilisation des presets pour votre piste sera absolument correcte. Alors, quels sont les principaux effets supplémentaires que nous pouvons utiliser ? Il y a des phasors, des Flandres, des chœurs et des filtres. Rappelez-vous quand nous avons regardé la phase avant et nous avons dit que si les éléments sont hors phase, cela peut rendre le son audio différent. Eh bien, un phaseur va réellement jouer avec la phase des éléments pour créer un son intéressant et agréable. Parce que la phase est constamment en mouvement, nous pouvons créer un mouvement dans la piste en utilisant ces phaseurs. brides sont alors extrêmement similaires aux phaseurs car elles jouent aussi avec la phase d'un son. Un flanger sonnera beaucoup plus extrême en raison de la façon dont il traite l'audio plutôt qu'un phaseur. Les deux peuvent créer des résultats très uniques et intéressants. Ensuite, nous avons un chœur et cela a juste dupliqué le son plusieurs fois et donne l'impression qu'il y a beaucoup de même élément qui joue. Par exemple, vous pouvez faire un son vocal comme une foule pleine chante avec un chœur. Ils fonctionnent également très bien sur les instruments pour les rendre plus épais et plus pleins. Enfin, nous avons des filtres, et ceux-ci appliquent simplement différentes formes d'égalisation au son. Un filtre passe-haut est exactement le même qu'un passe-haut sur un plugin EQ. Sauf avec le filtre, nous pouvons appliquer l'automatisation de sorte qu'il s'ouvre comme place de piste. Sautons dans l'obscurité et commençons à ajouter quelques effets supplémentaires. 123. Phasers: Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil sur les phaseurs et comment nous pouvons utiliser un phasor dans notre piste. Donc, ces sons particulièrement bon sur les instruments. Ok, alors ouvrons ce piano électrique et nous écouterons ce que ça ressemble. Je dois le solo dans la piste de mixage. Ok, et ouvrons un plugin phasor. Donc, si nous arrivons ici et que nous pouvons être ouverts, peut-être ouvrons le phaseur par défaut, qui vient avec FL Studio. Je veux dire, j'ai écouté ce que ça fait au son global. Ok, essayons un autre préréglage. Essayons peut-être ce poisson profond. Essayons peut-être ce phaseur qui parle. Donc ce préréglage sonne comme ça. D'accord ? Donc, il y a, il y a très intéressant, ils peuvent ajouter un son intéressant à vos attirances. D' accord ? Et si nous essayons peut-être une phase ou que vous devez payer pour une sorte de phasor de meilleure qualité. Vous pouvez obtenir des sons vraiment, vraiment sympas. Ok, et essayons peut-être d'autres presets. Essayons de combattre et d'accord, essayons peut-être la navigation de fréquence. Et peut-être essayons de phase, essayons ça. Ok, donc ils peuvent sembler très intéressants dans vos morceaux. Et vous pouvez les utiliser sur n'importe quel élément que vous voulez, ok ? Ainsi, vous pouvez les utiliser sur des voix, vous pouvez les utiliser sur vos échantillons de batterie, ou vous pouvez même les utiliser sur des boucles externes. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'oeil sur un flanger. 124. Flanges: Dans cette conférence, on va jeter un oeil à la Flandre, d'accord ? Et les brides peuvent sonner bien sur le chant. Ils peuvent également sonner bien sur la batterie, et ils peuvent également sonner bien sur les instruments. Donc, ils peuvent sembler bon sur n'importe quel type d'élément auquel vous les appliquez. Ok, alors ouvrons ces voix dans la piste de mixage et on les fera en solo. Je vais juste détacher la poussière de la manette que nous avions liée à dans une conférence précédente et réinitialiser le panoramique. Et nous avions déjà écouté ce que la voix sonne comme Amazon. Et si nous notons le plug-in Flanger, Ok, donc nous allons utiliser le stock flanger avec Fl Solist et nous entendrons à quoi ça ressemble. Essayons donc certains de ces presets. Flanger rapide. Essayons peut-être la modulation. Essayons l'ultra-mince. Ok. Et très rapidement avec juste essayer peut-être flanger classique. Donc, ceux-ci peuvent faire des sons vraiment intéressants dans votre mix. Et si nous chargeons un autre plug-in, peut-être un qui ne vient pas avec fl. Ok, essayons ce plug-in flare et nous verrons à quoi cela ressemble. Si j'appuie sur Play. Donc, nous allons essayer certains des presets. Peut-être que tout ce dont tu as besoin est mauvais. Essayons. Peut-être un tourbillon boxy. Et juste un de plus juste pour des raisons de démonstration, essayons ce jet tranchant bords. Ok, donc c'est à ça qu'un flanger peut ressembler quand il est sur votre piste. Et tout comme les phaseurs, ils peuvent ajouter un élément vraiment intéressant à votre piste. Alors passons maintenant à partir d'ici, je vais jeter un coup d'oeil sur le cours. 125. Chorus: Donc, dans cette conférence, on va jeter un oeil au choeur, d'accord ? Et le choeur peut sonner bien sur le chant, ou il peut aussi sonner bien sur les instruments. Ok, alors ouvrons cette piste vocale et on y ajoutera un effet de chœur. Donc je vais faire ça en solo et éteindre ça. Ok, donc je vais éteindre le flanger et on va charger un choeur. Donc je vais tout d'abord charger le choeur fruité, qui est le choeur par défaut qui vient avec FL. qui est le choeur par défaut qui vient avec FL. Et nous n'écoutons jamais ce que ça ressemble. D' accord ? Et si nous choisissons une sorte de version plus grosse, peut-être ce fait propre ou non. On va essayer de choisir 50 déconcertés. Essayons ça. Ouais, d'accord. Donc, c'est assez épais si vous écoutez la voix de leur propre chef. Donc, ils ont l'air très mince et vous pouvez dire qu'une seule personne chante. Mais si nous ajoutons dans ce cours affecte, soudain il semble qu'il y ait plus de chanteurs chantant la ligne vocale. Donc maintenant, si on remplace ça par peut-être un meilleur chœur, donc un EM, un qui n'est pas libre avec FL. Ok, on va essayer cet effet corail. Je vais bien et si nous essayons peut-être d'autres presets, alors essayons Deep White. Ok, donc ça concernait Grace quand ils sont utilisés comme une sorte de chant en tant que calque. Ok, donc si je viens à 2 h du matin, peut-être ici, où j'ai des voix qui jouent en même temps. J' ai juste un coup d'oeil et je les trouve. Et, oups. Essayons peut-être sur l'un d'eux. D' accord. Donc avec solaire le chant et Mazola, un de ces chants de soutien. Et c'est celui-là. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais réinitialiser le pan et que je vais éteindre le vocodeur juste pour la démonstration et qu'on charge un effet chorus. Ok, ouvrir peut être le même que profond, large. Et quand vous écoutez. Ok, donc ça sonne bien quand il est superposé avec ça, en quelque sorte, avec ces voix principales. D' accord ? Maintenant, le choeur peut aussi sonner bien sur les instruments. Ok, donc essayons peut-être encore le piano électrique, nous aimons regarder ça à propos de, hum, si c'est juste une sorte de truc dans la piste de mixage, qui est là, OK, éteignez le phaseur qui était déjà dessus et nous allons essayer un plugin chorus. Alors essayons peut-être un préréglage différent. Essayons intenses. D' accord. Et si j'éteins ça, ça sonne comme ça. Quand on rajoute ce son de chœur, ça ressemble à ça. Et vous pouvez ensuite ajuster le volume de cela de sorte que ce n'est qu'un effet subtil. Encore une fois, le choeur peut ajouter une sorte de texture intéressante dans votre morceau. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un coup d'œil sur les filtres. 126. Filtres: Donc, dans cette conférence, on va jeter un oeil aux filtres. Et le filtre peut vraiment être utilisé pour piloter la progression de votre piste. Ok, si on entre dans cet instrument de piano, ok, si on ajoute un filtre à ça, alors on va charger un des instruments libres qui vient. J' ai juste aimé le filtre. Et ce que nous pouvons faire avec ça, c'est que nous pouvons ajuster la coupure. D' accord ? Rappelez-vous cela de la section synthétiseur où nous ajustions la coupure. C' est la même chose, mais on peut l'appliquer à des instruments de la vie réelle comme le piano. Pouvez-vous un peu automatiser et créer des effets cool comme celui-ci. Si vous deviez automatiser le filtre de coupure. Ou vous pouvez l'automatiser de sorte que le filtre s'ouvre lentement comme le, comme la piste placée. Donc, dans ce cas, ce serait là où le piano entre en jeu. Nous garderions le filtre fermé puis ouvert au fur et à mesure que la goutte arrive. C' est ainsi que vous pouvez utiliser un filtre pour une sorte de progression de votre piste. Maintenant, vous pouvez également utiliser certains des préréglages qui viennent avec. Jetons un coup d'oeil à certains d'entre eux. Et si nous avons un coup d'oeil à ce qu'un groupe mélodique pasteurs, ça sonnera comme ça. Ok, donc c'est une sorte d'ajouter des résonances, une sorte de fréquences de résonance pendant que le filtre est en train de jouer. D' accord ? Mais nous pouvons aussi utiliser ces choses gays pour créer une sorte de son automatisé cool. Pouvez-vous voir comment le son est en quelque sorte coupé ? Si nous essayons l'un de ceux-ci, peut-être cette barrière de bruit entraînée par le niveau ou un regard séquencé. Et nous le faisons en dessinant une sorte de forme sur le LFO. Ok, mais je ne vais pas te montrer comment faire ça dans ce cours, ok ? Mais pour l'instant, essayez juste certains de ces presets. Ok, essayons de mutiler. Donc, vous pouvez, vous pouvez créer des effets vraiment, vraiment cool. Et vous pouvez faire équipe avec peut-être l'un des autres que nous regardions. Alors faisons équipe avec un phaseur. Ok, donc vous pouvez utiliser tout cela comme un effet supplémentaire dans votre piste pour créer un son intéressant pour l'auditeur. Vous pouvez ensuite les associer ensemble comme je l'ai fait ici pour créer votre propre genre de son unique. Mais comme je l'ai dit, il y a des millions de ce genre de plugins créatifs que vous pouvez télécharger et utiliser dans vos pistes. N' ayez donc pas peur de télécharger quelques-uns et de les essayer et de voir ce qu'ils font. Ou même juste coller avec ces plugins stock que vous avez dans votre porte parce que la plupart du temps, ils sont en fait assez bons. Dans la section suivante, nous allons apprendre à mélanger une piste en utilisant les faders. 127. Utiliser le Mixeur pour la séparation stéréo (FL Studio exclusivement !): Donc, cette conférence est tout sur l'utilisation ces paramètres de séparation stéréo pour vraiment pousser l'élargissement d'ATRAC. Maintenant, cette technique ne s'applique qu'à FOR studio. Donc, si vous n'avez pas FL Studio, vous pouvez aller de l'avant et passer à la prochaine conférence. Mais si vous avez l'intention de mélanger vos morceaux, NFL, nous pouvons utiliser ces paramètres de séparation stéréo pour vraiment, vraiment, vraiment pousser la blancheur et le genre de la plénitude d'ATRAC. D' accord ? Donc, si nous commençons par le début et que nous pouvons voir que nous sommes sur cette piste vocale. Ok, alors voyons à quoi ça ressemble. Je vais juste le solo. Maintenant, cela est également lié à cela. Donc je vais posséder des liens et nous avons désactivé le métabolisme. Alors rappelez-vous avant que je disais que vous pouvez le faire Mano en tournant ce paramètre vers la droite. Eh bien, vous pouvez aussi pousser un peu, vous pouvez pousser l'image stéréo en la tournant vers la gauche. Et si on recommence. Donc, en général, je ne ferais pas ces deux voix. J' aime les laisser aussi propres que possible. D' accord ? Mais on peut pousser des choses comme des instruments, donc si on essaie ces clés électriques, on peut utiliser ça pour vraiment étirer l'image stéréo. Maintenant, je passais rarement à la position de 9 heures. Ok. Parce qu'après cela, votre son sans piste trop large ou un peu artificiel. Je vais donc choisir un point optimal et le laisser là. Essayons cet instrument. D' accord ? Et encore une fois, on va élargir. Même chose avec ça. D' accord ? Et nous pouvons faire ça à tout ce que nous voulons élargir. Ça sonnera bien. Et le piano, parce que le piano était déjà un instrument stéréo. Donc, si on solo le piano et qu'on trouve ça dans le mix. Donc je vais le solo maintenant. Alors poussons cette image stéréo. Et maintenant peut-être, poussons peut-être le son de l'orgue. Ok, donc ça arrive ici. Et puis, si nous écoutons tous ces éléments ensemble, ça ressemble à ça. Donc le son de basse est un peu fort. Et on peut aussi pousser l'instrument principal qui joue. Donc ça ressemble à ça. Si je solo ça. Et quand on arrive à la goutte, ça ressemble à ça. Ok, donc c'est séparé et faire une sorte de plus large, accord, et si nous ajoutons tout le reste dans. Ok, donc vous pouvez utiliser ce paramètre de séparation stéréo pour rendre les choses plus larges ou rendre le monel, ok, assurez-vous juste que vous ne poussez pas trop les choses, sinon votre piste sonnera trop large et en quelque sorte artificielle. Lors de la prochaine conférence, nous avons appris le bon processus à utiliser lorsque nous ajustons ces niveaux de fader pour un mix final. 128. Comment mélanger une piste à l'aide des How: Donc, dans cette conférence, nous allons apprendre le processus réel de mélange attirer en utilisant ces faders. Donc, la première chose que vous devez faire lorsque vous venez de mélanger votre piste est que vous devez baisser le volume. Donc on va baisser le volume jusqu'à ce qu'on nous entende à peine. Ok. Passons peut-être dans une section plus occupée comme la goutte. D' accord ? Maintenant, nous sommes au niveau de mélange optimal. Vous vous demandez probablement pourquoi on baisserait le volume ? Et la raison est en quelque sorte basée sur la façon scientifique que nous percevons le son comme un humain. Quand vous écoutez de la musique, plus quelque chose est fort, mieux il sonnera. Et le problème est que si vous mélangez votre morceau à un niveau très fort, cela va sonner bien. Mais dès que vous le baissez et que vous écoutez à un niveau calme, tout le mélange s'effondrera complètement. Donc, ce que nous faisons c'est plutôt que nous mélangeons à un niveau calme. Alors, quand ça sonne bien, on sait que quand on le ramène, ça sonnera encore mieux. Assurez-vous donc de baisser le volume, soit avec le colorant lui-même, d'accord, le son réel de votre ordinateur ou de vos haut-parleurs. Certainement ne baissez pas le volume avec ce fader maître, ok, parce que cela fera quelque chose de différent et ça ne sonnera pas mieux. Ensuite, si vous utilisez ce curseur de volume. Donc, si vous êtes NFL, assurez-vous d'utiliser celui-ci ici, ou vous abaissez le son réel sur vos haut-parleurs eux-mêmes. Ensuite, ce qu'on fait c'est qu'on commence avec l'élément principal et on mélange tout autour de ça, ok ? Parce que nous avons un genre d'élément que nous voulons que le public écoute. Donc, nous allons commencer par cela et nous assurer que tout sorte de compléter cet élément. Donc pour moi, c'est ce son de plomb. C' est en fait dans une autre section de la piste est par ici. Alors écoutons. Ok, donc ce que je vais faire, c'est que je vais baisser le niveau de fader. Et on va en parler jusqu'à ce que je frappe environ 90 B. Eh bien, je remarque déjà que neuf dB est assez bruyant. Ok, donc ça semble un peu trop fort. Donc je vais le mélanger jusqu'à ce que je pense que ça sonne bien. Quelque part par ici. D' accord. Et la seule raison pour laquelle je ne l'ai pas poussé plus loin, c'était parce qu'il serait trop fort et qu'il commencerait à sonner bien et que je ne mélangerais pas avec précision. Donc, je dois m'assurer qu'il est assez silencieux pour que je puisse entendre est mais pas trop fort, que le volume est une sorte de prendre le relais du son réel lui-même. On va ensuite mélanger les éléments qui l'entourent. Alors commençons peut-être par cet instrument ici. D' accord ? Donc j'ai besoin de solo cette piste d'instruments. D'accord ? Et la façon dont nous le faisons, c'est de commencer par le bas et ensuite vous mélangez jusqu'à ce que vous puissiez juste parler des auditeurs et ensuite nous le laissons là. D' accord. Alors écoutons. Ok, je peux juste ici ça, mais je vais le pousser un peu parce que je voulais compléter cet élément. Ensuite, nous allons essayer cet instrument ici, parce qu'il joue en même temps. Encore une fois, nous allons le baisser à 0 et le mélanger au fur et à mesure que nous écoutons. Ok, donc maintenant je peux juste ici ça, et je pense que c'est en quelque sorte compléter les deux autres instruments. Eh bien, maintenant l'instrument joue ici est la base, accord, mais on ne va pas mélanger la base avant la fin. Et c'est juste parce que nous allons apporter le son de basse pour réchauffer la piste entière. On ne veut pas le mélanger tôt. Sinon, votre piste peut être lourde de deux basses et le son de ceci, quand il joue, nous jetterons tout le reste. Ok, donc nous quitterons la base pour durer. Essayons un autre instrument, peut-être ce piano. Ok. Donc je vais commencer à partir de 0 et le mélanger. D' accord ? Je pense que c'est là un niveau optimal. Essayons un autre instrument. Peut-être ça. Ok, donc c'est trop fort pour le moment. Nous allons commencer à partir de 0 et le mélanger à nouveau. Et enfin, nous allons essayer le son de l'orgue, ce qui semble être le moment, beaucoup trop fort, mais nous allons commencer à partir de 0 et le mélanger à nouveau. Ok, alors quand nous tournons ces instruments, toute cette piste remonte à nouveau. Donc je vais réinitialiser ça. Et parce qu'ils sonnaient déjà bien quand on écoutait le signal silencieux, je sais maintenant que quand c'est arrivé, ils vont encore mieux sonner. Écoutons. Ok, donc maintenant on peut refuser ça à nouveau et on peut mélanger dans la base, accord, parce que la base est le dernier instrument qu'on a besoin de mélanger. Alors écoutons et mélangeons cette base. Ok, commence à partir de 0. Et je l'utilise juste pour réchauffer le son global. Peut-être un petit mais plus que ça. Et je pense que c'est un peu trop, alors je vais le retirer. Maintenant, on peut commencer à ajouter des tambours, ok, donc je vais quitter cette pièce. Je vais commencer à ajouter des sons de batterie. Ok, commencez par le bas. Mélangez-le jusqu'à ce que vous puissiez à peu près heres. D' accord ? Le suivant, le genre de, l'élément suivant est celui-ci. Et c'est un bruit clicky. Nous allons commencer à partir de 0 et le mélanger à nouveau. Ok, essayons. Nous laissons le tambour de kick dehors jusqu'à la fin. Essayons ce shaker. Ok, trop fort pour le moment, mais on va le mélanger à partir de 0. Ok. Donc c'est un peu subtil pour le moment, mais il complète les autres éléments. Bon, d'accord, essayons certains de ces autres sons de batterie. Nous l'avons fait. Où vont-ils devoir, désolé, je vais devoir passer un peu à l'endroit où ils jouent, ce qui est là. Alors mélangons-nous dans ce clap. D'accord ? Ok, mélangeons ce son de Percussion. Mélangons aussi ce son de chapeau ouvert. D' accord ? Ok, et essayons le dernier clap, mais que nous avons dans le modèle de batterie. Donc maintenant je sais que quand je monte le volume, le son global sonnera bon métabolisme. Et maintenant on peut ajouter le tambour. Donc je vais baisser ça et on va passer au kick drum, qui est là. Ok, et on va mélanger ça jusqu'à ce qu'on aime le genre de son du kick drum dans le mix. Donc quelque part par ici. Peut-être un peu plus. Non, peut-être un peu moins. Ok, donc je pense que ça a l'air bien. Maintenant, revenons et mélangeons peut-être le chant. Donc je sais que beaucoup des éléments que je viens de mélanger jouent ici. Ok, donc on peut mélanger le son vocal pour s'assurer que les voix sont bien dans le mix. Donc si on écoute maintenant, on peut entendre qu'il y a beaucoup trop de bruit, mais on va commencer à partir de 0 et les mélanger, ok ? Ok, donc peut-être quelque part par ici. Mélangeons-les, ces voix de soutien. Donc, nous allons commencer par celui sur la droite. Mettons-le à 0 et mélangons-le. Oh, je dois allumer le porteur parce que c'est une voix ce son. Alors refaisons-le. Ok, et essayons l'autre voix. Vocal. Ok, donc maintenant je sais que quand je l'aurai, ça va sonner bien avec le chant dedans. C' est donc le processus que vous allez utiliser lorsque vous mélangez votre piste, d'accord, baissez le volume et commencez avec votre élément principal, puis mélangez la piste autour de cet élément principal. Assurez-vous de laisser votre base et votre kick drum pour durer, juste pour réchauffer le son général de la piste. Et une fois que vous aurez tout mélangé, vous serez prêt à commencer à maîtriser. 129. Introduction à la maîtrise essentielle: Dans cette conférence, nous avons appris à maîtriser nos pistes afin qu'elles puissent résister à d'autres pistes produites par des professionnels. Maintenant, Mastering ne réparera pas votre mix, il est donc important de faire en sorte que votre mix sonne bien. Avant de commencer cette étape, j'entends tant de producteurs laisser des problèmes et dire, oh, nous allons régler ça en mastering. Mais le problème est que le mastering ne réparera pas votre mix. Maîtriser, c'est comme le paquet dans lequel tu mets ton produit, d'accord ? Vous pouvez rendre l'emballage aussi chic que vous le souhaitez. Mettez le produit à l'intérieur est ce qui compte vraiment. Ou en d'autres termes, vous ne pouvez pas polir prononcé. Alors, qu'est-ce que le mastering ? C' est la dernière étape de la production audio, où nous mettons quelques touches finales sur la piste. Nous devons nous assurer que notre piste est assez fort et nous allons lire sur n'importe quel système audio sans endommager est le mastering rend également votre piste plus fort, ce qui est cool parce que Lauder sonne toujours mieux. Alors, comment faire pour appliquer le mastering ? On utiliserait un égaliseur pour mettre une forme finale sur la piste. Peut-être réchauffez-le un peu et supprimez toutes les fréquences difficiles qui ne sonnent pas bien. Ensuite, nous utilisons un peu de compression pour coller tous les éléments ensemble. Et nous pouvons aussi pousser le gain ici pour obtenir un peu plus de bruit hors de la piste. Ensuite, nous utilisons l'imagerie stéréo pour rendre la piste plus large et plus complète. Et puis nous utilisons un limiteur pour couper tous les sons qui vont au-dessus de 0 db. Cela empêche simplement la piste de se déformer lors de la lecture sur certains systèmes audio. Enfin, nous devons vérifier les niveaux pour nous assurer que tout est bien de sorte que lorsqu'un étiqueté télécharge et teste votre piste, les numéros qu'ils voient à l'écran les rendront heureux. Revenons donc dans l'obscurité et apprenons à appliquer le mastering à nos pistes. 130. EQ pour la maîtrise pour la maîtrise: Dans cette conférence, nous allons apprendre à utiliser l'égaliseur pour le mastering, OK, et avant même de commencer à appliquer des effets et le canal maître, nous devons nous assurer que tout d'abord, le canal maître est un peu défini par défaut, donc il n'y a pas déjà d'effets là-dessus. Allons donc au dossier à la faute. Et vous devez aussi trouver la partie la plus forte de votre piste. Ok, donc la partie de votre piste qui a le plus de choses, nous allons trouver ce point. Et j'ai déjà écouté et je pense que c'est quelque part par ici. Et on va le boucler. Ok, donc on va écouter la partie la plus forte de la piste pendant qu'on fait le mastering. Et quand nous aurons fini de maîtriser, nous pourrons écouter à nouveau la piste entière et nous assurer que tous nos niveaux vont bien. Donc le premier effet que nous allons charger est un égaliseur, ok ? Et je vais utiliser ce filtre à graisse vous a cassé juste parce que je peux ajouter autant de groupes que je le veux. Alors qu'avec l'autre égaliseur que nous regardions, je ne pouvais utiliser que sept bandes. Donc, la première étape avec ceci est d'appliquer une coupe basse quelque part autour de 30 hertz. Ok, donc je vais faire glisser ce groupe jusqu'à environ 30. Disons peut-être 28, d'accord ? Et nous pouvons ajuster la file d'attente pour essayer de garder autant de fréquences que possible. Et encore une fois, peut-être que nous pourrions changer la pente de la ligne, alors est-ce que je le double à 24 ? Et encore une fois, je vais changer le QGIS pour que nous regardions une ligne plate, une ligne plate et la déplacer légèrement vers le bas, peut-être jusqu'à 27. D'accord ? La raison pour laquelle nous faisons ça c'est parce que toutes ces fréquences ici, les humains, nous ne pouvons pas vraiment les entendre. Nous plus, donc nous les ressentons plus que nous les entendons. D' accord. Quelque chose en dessous de 20 hertz ? On ne peut pas vraiment ici. Donc c'est juste une sorte de créer un genre de mode inutile ou de désordre dans votre mix alors qu'ils ne sont pas vraiment des fréquences qu'on peut, même ici, ok ? Et le truc, c'est des haut-parleurs, des écouteurs et d'autres choses. Ils sont toujours coupés à 20 hertz. Vous verrez, vous verrez si vous avez déjà lu la boîte pour haut-parleurs ou écouteurs ou quelque chose comme ça. Il vous donnera comme une gamme de réponse de fréquence d'autres haut-parleurs, et il est généralement, eh bien, toujours entre 2020 mille, ok, parce que ce sont les fréquences que nous entendons. Nous ne pouvons pas entendre plus de 20 000 et nous ne pouvons pas ici en dessous de 20, nous ne pouvons que sentir ces fréquences. Il est donc logique de couper certaines de ces basses fréquences inutiles et de garder le Master final propre. La deuxième étape avant de faire quoi que ce soit est de rouler certaines de ces hautes fréquences. Ok, donc je vais rouler les fréquences au-dessus. Peut-être allons-y pour 18 000. Et je ne veux pas que la pente soit aussi agressive. Je veux vraiment une sorte de pente subtile qui va comme ça, juste pour rouler certaines de ces hautes fréquences. Donc, je vais choisir six dB. Et je vais même remonter ça juste pour qu'on se débarrasse de certaines des méchants fréquences hachées qu' on ne peut pas entendre. Ils n'ajoutent rien au genre de son harmonique de la piste, ok. Alors écoutons ce que ça ressemble jusqu'à présent. Ok, donc maintenant on va utiliser cet égaliseur pour façonner la piste. Ok, donc on va commencer à trouver de belles fréquences à booster et à trouver des fréquences méchantes à couper, OK. Et quand vous le faites, vous allez utiliser une sorte de Q. Vous voyez ici comme il est plutôt concentré. Mais nous avons fait juste le cube pour le rendre un peu plus large. Donc, c'est en quelque sorte d'apporter un peu plus de ces types de fréquences. Nous voulons que ce soit subtil. Nous voulons donc utiliser autant de fréquences que possible pour masquer le fait que nous augmentons réellement les fréquences. Si vous utilisez une file d'attente comme celle-ci, il va sembler très, très évident que vous avez augmenté ces fréquences. Mais si vous utilisez une file d'attente plus large comme celle-ci, il sera plus subtil et un peu plus difficile pour l'auditeur réaliser que vous avez effectivement appliqué l'égaliseur. Et c'est tout le but du mastering est de garder les choses aussi transparentes que possible. Et nous écoutons la piste. Et puis nous allons commencer à booster et trouver quelques belles fréquences qui sont là dedans. Ok, donc pour cette partie, je vais réinitialiser le Q juste pour que je puisse entendre chaque fréquence correctement. Et puis nous trouverons les gentils et les stimulerons. D'accord ? Donc, j'aime un peu le son du bas de gamme ici. Donc, je vais faire baisser le gain. Donc c'est beaucoup plus subtil. Peut-être ne jamais vraiment dépasser 3dB. Je dirais que c'est, ce serait trop. Donc, nous allons boosté par peut-être deux dB, et encore une fois répandre ce Q sur. Donc, cela semble beaucoup moins évident. Écoutons maintenant. Maintenant, nous allons trouver d'autres fréquences sympas que nous pouvons augmenter. Peut-être quelques fréquences ici dans le haut de gamme. Ajoutons donc un autre point et nous allons ajuster la file d'attente afin que nous puissions entendre chaque type de fréquence clairement. C' est un Alyson. Donc je pense que quelque part ici a l'air bien. Donc, je vais ramener le gain à nouveau, et je vais étaler ce Q, pas beaucoup. Mais peut-être comme ça et je vais bouger ça juste une touche. D' accord ? Donc maintenant on peut voir que le contour des lignes est un peu monté et qu'ils remontent. C' est un contour assez commun qui semble vraiment agréable à l'oreille, d'accord, pour un peu booster bas, booster les hauts, puis laisser les médiums une sorte de découpe. Mais ce qu'on va faire, c'est qu'on va être encore plus précis et qu'on va ajouter un autre point, d'accord ? Et augmenter la file d'attente. Et nous trouverons d'autres fréquences que nous n'aimons pas. Et on va les découper des médiums. Ok, écoutons. Donc vous pouvez entendre que ces fréquences sont une sorte de Honky, ok ? Comme un, comme un tonk honky. Écoutons encore une fois. Ils n'ont pas l'air très gentil. Encore une fois, je vais les couper comme ça, et je vais répandre ça. Q. Très bien. Je ne veux pas les couper trop. Je ne veux pas être trop évident avec cet égaliseur, mais je veux prendre ce genre de fréquences Honky. Ok, et enfin nous allons ajouter un point de plus. Et nous allons appliquer une sorte d'agressif. Donc avec un Q pointu comme ça, on va découper 10000500 hertz, ok ? Et ça, cette valeur exactement cent cinq cents quelque part là-bas. Je ne sais pas pourquoi. Mais quand on découpe une sorte de courbe profonde ici, ça sonne beaucoup, beaucoup plus propre et beaucoup, beaucoup mieux. Donc on va couper ça maintenant de trop. Peut-être seulement quand quatre dB, mais certainement plus profond que ce genre de plongeon que nous avons ici. D'accord ? Ok, donc si on écoute la piste maintenant, et que j'éteins l'égaliseur pendant qu'il joue, et ensuite on la rallume. Et vous pouvez entendre le genre de différence subtile mais importante qu'elle fait. Écoutons. Alors maintenant, quand on jouait, j'ai remarqué que certains de ces médiums, ces hautes fréquences sont en quelque sorte en train de créer des sons méchants. Je vais déplacer ça, d'accord, et je vais ajuster l'accusé ou non, y compris ces hautes fréquences. D' accord. Écoutons encore une fois. Ok, donc c'est comme ça que vous appliquez l'égaliseur quand vous maîtrisez, vous découpez les très basses fréquences dont vous n'avez pas besoin. Vous roulez certaines des hautes fréquences dont vous n'avez pas besoin. Et puis vous allez un peu façonner la piste. Mais assurez-vous de garder sa subtile. Vous voulez juste que l'égaliseur réchauffe un peu la piste. Vous ne voulez pas modifier complètement le son global de la piste. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation compression multibande pour le mastering. Pour le mastering. 131. Compression pour la maîtrise: Donc, dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à l'utilisation de la compression multibande pour le mastering, OK. Et FL Studio a un très bon compresseur multibande qui vient gratuitement avec le logiciel, ok, et ça s'appelle maximise. Nous allons donc utiliser maximise pour appliquer la compression multibande pour notre maître. Ok. Vous pouvez donc me suivre en utilisant ces paramètres aussi bien. Donc la première chose que nous devons faire est de définir où les lois, les médiums et les hauts sont sur notre voie. Ok, et nous le faisons en cliquant sur ce bouton de bandes. Et puis on peut faire en sorte que le groupe se concentre sur les fréquences spécifiques de notre piste. Donc je vais appuyer sur ce bouton solo. Pour que nous puissions écouter les lois. Et nous allons trouver le point dans la piste où les lois se transforment en mids et ensuite nous allons le laisser là. D' accord. Donc, évidemment, ce serait trop. Donc je vais faire baisser ces lois. D' accord ? Peut-être par ici. Je ne peux qu'entendre le coup de pied dans la base. Ok, ensuite, on va définir les médiums. Donc on va prendre ces médicaments ici et on va trouver où le point de coupure pour les médiums se transformant en aigus est correct. Écoutons. J' ai l'air d'être écouté le plus haut maintenant, mais c'est bon. On trouvera juste où le plus haut se transforme en milieu. D' accord. Peut-être quelque part par ici. Écoutons les médiums. Oui. Donc les médiums sont généralement, vous savez, vous êtes un peu correct quand vous ne pouvez pas entendre les chapeaux hauts. D' accord. Donc peut-être même un peu moins que ça. D' accord. Je n'entends pas les hauts chapeaux au milieu du moment, mais je les entends quand je clique sur ces hauteurs. Donc c'est généralement la zone où vous voulez aller quand vous trouvez que vous êtes à toutes les fréquences, général, vous voulez seulement entendre le coup de pied et la base, ok ? Mais si vous commencez à entendre le piège ici, le clapet, son de percussion, vous êtes probablement un peu trop haut, alors vous devriez ramener vos lois. Maintenant, nous allons ajuster le gain d'entrée pour chacun de ces canaux. D' accord ? Donc, nous allons utiliser ce paramètre pré. Et on va juste booster ça. Et vous verrez ici qu'il déplace le groupe vers le haut. Et si on fait défiler un peu, on peut voir que c'est autour de trois, peut-être quatre dB. Donc je vais réinitialiser ceci et ensuite nous allons augmenter cette fréquence d'entrée jusqu'à ce que le genre de coups de pied les sons de basse à un niveau optimal agréable. Ok, écoutons. Peut-être quelque part ici. Faisons la même chose pour les médiums. Et maintenant faisons la même chose pour les hauts. Ok, donc maintenant nous avons le paramètre prédéfini pour toutes ces fréquences. Maintenant, nous pouvons commencer à appliquer la compression et nous le faisons en dessinant un point d'ancrage et en déplaçant ce genre de greffage. Ok, donc je vais supprimer ce point d'ancrage que j'ai ajouté. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va trouver un peu, tu vois comment c'est le pic ici. Vous pouvez voir où il y a du kick drum ou où les basses fréquences regardent en quelque sorte. D' accord ? Et vous pouvez voir ici, les basses fréquences sont en quelque sorte assis par ici. Comme ceci est la moyenne, disons de la, des basses fréquences. Eh bien, on va choisir quelque part entre les deux. On va choisir ce point médian ici. Et puis nous allons traîner ce point d'ancrage jusqu' à ce que nous ayons l'impression d'avoir assez compressé le bas de gamme. Donc, ce serait votre ratio. Ok, donc si tu fais ça très agressivement, ce serait comme dix à 181621, ce genre de chose. On va écouter les basses fréquences. Et puis on va déplacer ce point d'ancrage jusqu'à ce qu' on ait assez compressé le son, d' accord, jusqu'à ce que la basse et le kick drum, ou une sorte de contrôle de l'Andhra. Alors écoutons. Peut-être quelque part par ici. Ok, ensuite, passons aux médiums, OK. Et nous ferons la même chose. On va trouver le pic et on va trouver la moyenne. Et on va trouver quelque part entre les deux. Donc c'est quelque part par ici, peut-être un peu plus haut. Et déplacez ça vers le haut. Et nous allons traîner vers le bas ce point d'ancrage jusqu'à ce que nous ayons assez compressé le son. Peut déplacer légèrement ce point d'ancrage vers le bas. Ok, et je vais déplacer cette sauvegarde ou petite, mais je pense que c'est trop compressé. Essayons peut-être à nouveau, voyons à quoi ça ressemble. Et je peux l'utiliser pour régler le genou afin que je puisse mettre le compresseur en marche beaucoup plus progressivement. Ok, donc je vais le faire. Je vais juste une sorte de courbe ça un petit peu. Ce qui n'est pas aussi évident comme ça. Ok, et je vais remonter ce point d'ancrage vers le bas, et je vais déplacer celui-ci vers le bas. Donc maintenant on voit que nous façonnons ce son. Ok, ensuite, nous allons jeter un oeil aux hautes fréquences. D' accord, on va faire exactement la même chose. Trouver le genre de pic, la moyenne, et aller quelque part entre les deux. Et puis nous allons traîner vers le bas ce point d'ancrage. Maintenant, avec le plus haut, vous ne voulez pas trop les compresser parce que la musique semble mieux sonner quand nous avons beaucoup de hautes fréquences. Donc je ne vais pas le compresser avec autant de rapport que disons que les médiums sont les lois, ok ? Peut-être juste quelque chose de subtil comme ça. Ensuite, nous allons entrer dans cette section principale et nous allons compresser ça pour aller, mais nous n'allons pas utiliser le même genre de technique. Donc je peux voir que les pics sont quelque part par ici et que la moyenne est peut-être quelque part par ici. Mais je ne veux pas être aussi agressif avec ça. Je veux être plus subtile. Donc, je vais juste rouler en quelque sorte. C' est un peu top, désolé, ce genre de pic au son. Ok, va rouler ça en le compressant juste très, très légèrement. C' est juste une sorte de colle ces sortes de fréquences ensemble encore plus qu'ils ne le sont déjà, ok, est élargi. Et maintenant ce que nous allons faire, c'est que nous allons revenir à travers toutes ces fréquences et trouver combien nous avons en quelque sorte de les compresser, puis augmenterons le gain de post, donc le gain de sortie de ce même montant. Donc, si nous regardons les basses fréquences, je peux voir que je les comprime peut-être d' environ 3dB parce que je pense que c'est la ligne 0. Et je peux voir ici à trois heures. Donc, quand le kick drum est en train de jouer et que les choses étaient en quelque sorte de couper 3dB à chaque fois. Donc, je vais augmenter le gain, le côté gain de sortie de trois dB. D' accord ? Et je vais être plus précis avec ça, avec le Maître. Avec le maître à nouveau. Ok. Je veux m'assurer que ça sonne naturel et subtil. Ok, faisons la même chose pour les médiums. D' accord ? Donc je vais aller quelque part entre trois ou un. 3 mai soit autour de 2.3 parce que je peux voir que les coupes profondes sont autour de 3dB, mais il y a quelques coupes plus petites, peut-être autour d'une db. Ok, donc je vais aller pour une sorte de médium heureux. Et encore avec le plus haut, on va faire la même chose. Et ce n'est pas près de trois dB. C' est peut-être 1,52 dB. Essayons donc de le booster de 1,7. D' accord ? Et encore une fois avec le maître fera la même chose parce que nous compresser ces deux. Donc, je peux voir que cela a été un peu compressé par peut-être deux dB, mais ne vont pas pousser autant le maître. Ok, je ne veux pas que les choses soient déformées. Donc peut-être que quelque chose autour de moi était 0.9 là-haut. Oui. On pourrait le pousser pour étouffer Mar peut-être jusqu'à 1,5. Ok, alors maintenant favorise écouter sans le compresseur. Et puis nous remettrons le compresseur en marche pendant que la piste joue joue la musique. Ok, donc je pense que ça a l'air un peu trop compressé. Donc je vais revenir, peut-être que ça va un peu plus juste pour ouvrir ce compresseur. Et puis peut-être changer la courbe pour que le genou soit un peu plus subtil ici. D' accord. Et je pense que ça sonne beaucoup mieux maintenant ce n'est pas aussi une saison compressée. Maintenant, à ce plugin particulier, nous avons aussi des DES, ce genre de roman de séparation stéréo K. Donc, nous pouvons pousser cela dans les mids genre d'explosions. Et encore une fois avec le micro le plus élevé et poussez-le un peu plus juste pour obtenir ce genre de son large haut. Écoutons. Désolé, on doit écouter le maître parce que j'ai ça en solo. Écoutons et CC, et c'est vrai. Maintenant, si vous n'avez pas de maximiser, vous ne pourrez pas utiliser ces pieds de séparation stéréo. Ok, donc dans ce cas, vous utiliseriez un vrai plug-in d'imagerie stéréo. Ok, nous allons voir comment utiliser ces plugins pour votre maître dans la prochaine conférence. 132. Améliorations de Stereo pour la maîtrise: Dans cette conférence, nous allons en apprendre davantage sur l'imagerie stéréo pour le mastering. Et la première chose que je dirai est que ce doivent être des images stéréo multibande, ok, parce que nous ne voulons pas élargir la piste entière parce que nous finirons par élargir les basses fréquences aussi. Et comme vous le savez, les basses fréquences devraient être maintenues en mono. Ou l'amélioration stéréo n'est pas une partie essentielle du mastering, mais elle fait vraiment mieux les pistes. Si vous n'avez pas d'imageur stéréo multibande. Et si vous n'avez pas Maximus pour pouvoir utiliser ces séparateurs stéréo. Alors je vous suggérerais juste de sauter cette conférence. Ensuite, je suggère alors, puis je suggère, puis je suggère, alors je suggère que vous alors je voudrais alors je suggère que je suggère alors je, puis je suggère que vous venez de sauter cette conférence, ok, parce que si vous utilisez une autre imagerie stéréo, comme peut-être cet amplificateur stéréo, vous ne pouvez pas contrôler quel type de bande, donc quel type de fréquence vous regardez. Alors quand tu élargis ça, ton élargissement de tout, ok ? Et nous ne voulons pas faire ça. On veut seulement élargir certaines fréquences, d'accord ? Donc, à cause de cela, je vais remplacer ça par un imageur multibande. Et l'ozone isotope en a une grande. Donc je vais charger ceci et nous pouvons voir le genre de fréquences qui commencent à apparaître ici sur la portée vectorielle. D' accord ? Encore une fois, on va devoir mettre les groupes. Mais on peut utiliser l'isotope pour apprendre. Donc, je vais le mettre en mode apprentissage et ensuite je vais jouer la piste pour que l'algorithme puisse quelque sorte définir la formation des bandes est correct. Je dois le régler pour apprendre à nouveau. D' accord ? Donc, il a ajusté les bandes. Et je vois ici que les lois sont ici. Prenons une écoute pour vérifier et s'assurer que toutes ces fréquences sont correctes. Donc je pourrais faire tomber ça aussi, mais vérifions le bas médium solidus. Ça sonne bien, essayons les médiums par ici. Je pourrais les reprendre un peu. Ok, je pense que ça a foiré là-haut. Et maintenant, essayons les hautes fréquences ici. Voyons si le son est correct. Ok, donc maintenant tous ces groupes sont prêts pour ma piste. Donc je vais rendre les basses fréquences monel, d'accord ? Et puis je vais peut-être élargir les médiums bas. Ok. Pas trop, peut-être juste autour de 16 ans. Ensuite, je vais élargir les médiums un peu plus, peut-être 21, et ensuite nous élargissons les hauts beaucoup plus, jusqu'à peut-être 26. Ok. Écoutons ce que ça ressemble. C' est la même chose que le C. Et encore une fois, on peut utiliser ce type stéréo de bouton stérilisé. Et je vais régler ça à sept. Ce qu'on avait c'est réglé avant, d'accord, donc peut-être 7.1. Et éteignons ça et nous écouterons. Et pendant qu'il joue, je vais rallumer le plugin. C' est l'espacement de la CSU. Donc, vous pouvez voir que ce plugin d'imagerie est en quelque sorte de rendre le son global un peu plus complet et un peu plus large. Dans la prochaine conférence, nous utiliserons un limiteur pour nous assurer qu' aucun volume ne dépasse la marque 0 dB. 133. Limites pour la maîtrise: Donc, dans cette conférence, nous allons utiliser un limiteur pour obtenir une sorte de poussée finale d'un volume et nous assurer que rien ne va au-dessus de 0 db. Chargons donc un plug-in limiteur. Ok, je vais charger un limiteur fruité. Et ça s'ouvrira comme ça. Et si nous frappons, le jeu sera en mesure de voir le signal passer. Ok, jetons un coup d'oeil. Il y a donc le signal qui passe dans ce plug-in limiteur. D'accord ? Et on va juste l'utiliser pour pousser ces pics jusqu'à 0. Et puis on va fixer le plafond pour les couper. Donc, actuellement, le plafond est fixé à 0 dB, et je peux le déplacer vers le bas si je veux. Maintenant, généralement, nous ne définissons pas, va fixer le plafond entre le type de 0 et moins 0,2. D' accord ? Mais pour EDM, je vais le garder à 0 pour garder autant de bruit que je peux là-dedans. Maintenant, redonnons un coup de pouce, d'accord, donc je peux voir que nous sommes assez proches de 0 et c'est bien. Ok, on ne veut pas trop augmenter le gain du limiteur. Si vous êtes en quelque sorte, si vous augmentez le limiteur de trop, vous devez revenir en arrière et remixer votre piste ou utiliser le compresseur pour en obtenir un peu de volume. D' accord, mais on est près de 0 tel qu'il est. Donc je vais augmenter ça juste pour obtenir cette dernière poussée pour qu'on puisse se lever et atteindre 0. D' accord ? Le très légèrement à divi. Et maintenant, je vois qu'on frappe 0. Ok, et c'est tout ce qu'il nous faut. Ok. On a juste besoin de toucher 0. On n'a pas besoin d'être à zéro tout le temps. Comme les choses étaient de retour en 2012, quand nous traversions ce qu'on appelait la guerre de l'intensité sonore. Et tout le monde essayait d'être plus fort l'un que l'autre. De nos jours, les sites de streaming vont soit baisser votre piste , soit ils vont l'afficher en fonction de l'endroit où vous définissez votre maître. Donc, il n'a vraiment pas d'importance où même si votre maître frappe l'arbre, les sites de streaming, nous allons le monter pour qu'il atteigne 0. D' accord ? Mais si vous prévoyez d'être signé par une étiquette d'enregistrement, vous devrez frapper ce Mac 0. Et ma piste en ce moment va bien, je peux voir qu'elle frappe 0. Et tout ce que j'ai fait a été poussé à nouveau très, très légèrement. Et c'est limitatif pour le mastering en un mot. D' accord ? Vous allez juste l'utiliser pour pousser le dernier morceau de volume dont vous avez besoin. Réglez votre plafond n'importe où entre moins 0,20 et laissez-le là. Dans la prochaine conférence, nous allons vérifier les niveaux de pistes pour nous assurer que lorsque les étiquettes d'enregistrement téléchargent et testent votre piste, que les chiffres qu'ils voient à l'écran les rendront heureux. 134. Vérification des niveaux de la piste: Alors maintenant que notre piste est mélangée et maîtrisée, Nous devons nous assurer que ses niveaux sont acceptables. Donc pour ça, on a besoin d'un mètre loft, ok ? Et les amours ne sont qu'une mesure de la de votre piste sur toute la longueur de la piste. Ok, donc ça prend le bruit moyen de toute la piste. Maintenant, vous pouvez les télécharger gratuitement ou vous pouvez acheter un paquet qui a quelques autres niveaux différents, mètres de niveau intégrés. D' accord. Donc je vais utiliser les niveaux en maîtrisant le mix, ok ? Et c'est en bas. Et nous allons passer à la section des licenciements parce que nous voulons mesurer les amours de la piste. Donc, pour ce faire, nous allons devoir écouter toute la piste. Nous allons donc devoir écouter et regarder ces amours, puis revenir à la fin et voir ce que sont les amours intégrés ou les amours moyens. Maintenant, les lofts sont comment ces sites de streaming genre d'une mesure de votre piste, ok, donc YouTube, Je pense qu'il tourne jusqu'à peut-être moins 13. Et puis Spotify a peut-être moins 14 et ensuite je ne sais pas, le désert pourrait être moins neuf. Ils ont tous leur propre niveau de licenciement qu'ils recherchent. Donc vos rires devraient être entre moins 14 et moins neuf. Ok, c'est le genre de gamme que nous recherchons. Si vous êtes en dessous de moins neuf, ces sites de streaming vont baisser votre piste et il peut arriver qu'elle sonne un peu trop trop trop compressée. En raison de la course de compression que YouTube ou Spotify ou D sont utilisés. Et si vous êtes en quelque sorte, disons au-dessus moins 14, alors peut-être que votre piste est à moins 18. Ces sites de streaming vont essayer de booster votre piste. Et ce qui pourrait arriver, c'est qu'il pourrait devenir déformé ou qu'il pourrait finir par perdre de la qualité. Donc, à cause de cela, assurez-vous que vos amours lisent quelque part entre moins neuf et moins 14. Donc maintenant, on va juste écouter toute la piste, ok, tout le long du chemin. Et à la toute fin, nous allons vérifier ce que lit ce lux mètre. D' accord ? Je vais juste étendre ça pour qu'il ne se retourne pas sur lui-même. Et nous pouvons nous mettre en pause lorsque la piste se termine. Ok, alors on va jouer et on va regarder ça aime changer de compteur. Et puis pour utiliser un terme technique. Et vous voyez encore et encore. Donc, on va à l'entrée. Et c'est une famille. Donc, si vous vous adaptez. Donc, pour déterminer l'anthère, la première est une très, très élevée, une grande quantité. Ok, donc si on regarde le compteur de niveau, on peut voir que les grumeaux sont autour de moins 10,4. Et c'est bon parce que nous sommes entre moins neuf et moins 13. D' accord ? Donc moins dix, c'est un peu à l'extérieur. Et puis moins 13 serait un peu au-delà du côté plus calme d'un maître moderne. Maintenant, vous remarquerez ce genre de au début de la piste là-bas, ce champ stéréo quand rouge. Et c'est parce qu'on a une sorte de pantalon d'éléments. Ainsi, lorsque les pistes démarrent, cet élément est placé vers la droite. Donc, ce qui se passe, c'est que le champ stéréo est une sorte de lecture que la piste sonne un peu de décalage vers la droite. Mais c'est un ordinateur, ok, et je pense que la piste sonne bien comme dans, en termes de blancheur et en termes d'équilibre. Donc je vais ignorer ça. Et c'est rouge parce que ce sont des unités de sonie. Ok, alors quel genre de mesure la différence de volume entre le calme comme perroquet sur la partie la plus forte de votre piste. Et ça me dit juste qu'il y a un grand écart entre les parties tranquilles et les parties autorisées de ma piste. Mais c'est la même chose que la plage dynamique, d'accord ? Et c'est un peu à vous de décider à nouveau, c'est un ordinateur et j'aime bien que la piste commence tranquillement et ensuite se développe à ce genre de section forte. Donc je vais ignorer cet avertissement aussi. Mais par tous les moyens, si vous voulez que votre piste soit une sorte de couloir fort vrai, alors vous voudrez garder un œil sur ce genre de lecture aussi pour vous assurer qu'il n'y a pas trop d'écart entre les parties les plus silencieuses et les plus bruyantes de votre piste. Dans la prochaine conférence, nous allons jeter un oeil à l'exportation de la piste. Ok, donc quels sont les meilleurs paramètres lorsque vous avez terminé votre piste et que vous êtes prêt à le rendre dans un fichier WAV final. 135. Rendre la piste finale: Donc, maintenant, nous avons composé, arrangé, mixé et maîtrisé notre piste EDM. La dernière étape de ce processus de production musicale est de rendre une exportation de la piste. Donc je vais venir ici pour déposer et exporter, d'accord ? Et nous allons exporter un fichier wav. Un fichier mp3 n'est pas assez bonne qualité. Et la norme de l'industrie pour les étiquettes de disques et le genre de toute l'industrie audio de toute façon, est un fichier WAV. Donc on va exporter ça et on va lui donner un nom. Donc, disons qu'on appelle ça l'oie pour peut-être le dernier maître, d'accord ? Et puis on va frapper sauver. Et puis ça fait apparaître cette petite fenêtre. Ok, donc nous pouvons choisir si nous voulons exporter un motif ou un coulé complet. Maintenant, je veux les chansons complètes, donc je vais le laisser sur le plein chanté. Pour la queue, vous voulez sélectionner laisser le reste ou envelopper le reste. Certainement, ne sélectionnez pas le reste capturé. Et cela décide juste comment le type réel de fin de queue des effets sont traités. Ok, alors disons qu'à la fin de votre piste, vous avez aussi une sorte de grosse réverbération. Et vous voulez que le son de la réverbération s'essouffle quand la piste se termine. Eh bien, vous devriez sélectionner laisser le reste, ok. Si vous sélectionnez wrapper Mender, ce que cela fait est qu'il faut cette queue de réverbération et il nous déplace vers l'avant de sorte que si vous créez des boucles et des choses, la réverbération de la fin sera à l'avant de sorte que toute la boucle va se fondre plus facilement, d'accord ? Et couper le reste juste une sorte de coupures qui sonnent, ok ? Et tu ne veux pas que ça arrive. Donc certainement soit choisir, laisser un rap, mais si vous êtes une sorte de rendre le plein soleil, définitivement sélectionner congé, reste. Ensuite, nous allons nous assurer que la piste est sur vague. Et je peux voir que c'est le cas. Nous allons définir la profondeur du bit, ok, donc partout au-dessus de 24, c'est bien. 16 bits est un peu trop bas, ok, c'est un peu remonter dans le temps à l'époque des CD. Donc, certainement pour une musique moderne, vous voulez définir la profondeur de bit n'importe où sorte de au-dessus de 24. Ok, je vais mettre le mien un flotteur 32 bits. Et cela signifie juste que 32 bits n'existe pas encore vraiment, mais le logiciel va essayer d'émuler ce son. Ensuite, nous pouvons choisir soit stéréo, mono fusionné Mano gauche seulement, ou mono écriture seule. Donc, pour une version master finale, on va choisir stéréo, ok, ré-échantillonnage. Nous voulons que cela soit aussi élevé que possible. Nous voulons la plus haute qualité que nous pouvons obtenir, HQ pour tous les plugins. Donc de haute qualité pour nos plug-ins et désactiver la polyphonie maximale. Donc, si vous utilisez peut-être comme un son de piano d'origine et une sorte de a un maximum de touches que vous pouvez jouer en même temps. Et disons que c'est cinq. Cela va juste désactiver cela de sorte que si vous avez un modèle avec comme dix touches jouant en même temps, permettre le rendu dans ce maître final. Ensuite, nous allons désactiver ces marqueurs de playlists enregistrés. Et ce que cela fait, c'est quand vous effectuez le rendu sur la piste finale, si vous avez Intro panne déposer ici, cela va réellement rendre dans le fichier audio. Donc, votre fichier audio aura ces petits marqueurs jaunes, mais nous ne voulons pas cela dans la version finale. Donc, nous allons désactiver cela et nous assurer que les pistes de mixage divisées sont désactivées. Ok, si c'est activé, ce qui se passe, c'est que le logiciel rendra chaque piste séparément. Donc tu finiras avec des tiges, d'accord, donc tu finiras avec le tambour et une zone. Tu finiras avec le chant de leur propre chef. Tu finiras avec les clés électriques tout seul. Assurez-vous donc que cela est désactivé afin que vous vous retrouviez avec un fichier audio à la fin. C' est une sorte de version fusionnée de tous ces éléments séparés. D' accord ? Assurez-vous de couper les silences PDC, ok, parce que NFO Studio, ce qui se passe est pendant que vous mélangez, disons que le logiciel va essayer de combattre la latence. Donc, si vous utilisez une sorte de plug-in lourd, cela pourrait en quelque sorte faire entrer cet élément au mauvais moment. Donc, ce que FL Studio fait, c'est qu'il ajoute silence à certains éléments afin que tout joue en même temps. Mais quand on fait le maître final, on ne veut pas ce silence là au cas où une sorte de gâcher le timing de notre piste. Assurez-vous donc que couper PDC, CG-Islands est activé. Ensuite, vous vous assurez simplement que vos effets d'insertion sont activés. Ce sont donc ceux que vous utilisez lorsque vous mélangez et assurez-vous que votre effecteur maître est activé. C' est donc le genre de, donc ce ne sont que les effets que nous avons sur le canal maître que nous utilisons pour le mastering. Ok, ensuite on va descendre et on va frapper Start. Et le logiciel commencera à rendre votre dernière piste EDM maîtrisée. 136. BONUS l'envoi de votre piste vers des étiquettes: Vous êtes donc assis sur une piste que vous voulez vraiment envoyer aux étiquettes d'enregistrement. Comment avons-nous fait cela et quel est le format correct ? Eh bien, en fait, c'est assez simple. Tout d'abord, téléchargez votre titre sur un site Web de flux. Soundcloud fonctionne le mieux pour ce processus. Donc, je vous conseille d'utiliser cela pour votre flux privé du lien. Et cela m'amène à mon prochain point, qui est que vous devez toujours rendre votre piste téléchargée privée. D' accord ? Les étiquettes ne sortiront pas, attireront que quelqu'un peut avoir entendu auparavant. Assurez-vous donc que votre démo est téléchargée en tant que privée. Vous devez également activer les téléchargements afin que l'étiquette puisse facilement télécharger votre piste et tester pour vous assurer que tous les niveaux sont bons. Faites quelques recherches et trouvez une étiquette appropriée pour envoyer votre titre. Le label doit libérer votre genre de musique. Donc tu sais, n'envoie pas de piste maison à l'étiquette dubstep. Maintenant, si vous êtes un tout petit artiste, essayez de trouver des étiquettes plus petites pour sortir votre musique. Un grand label ne signe généralement pas un petit artiste, mais les plus petites étiquettes peuvent parfois être peu admissions Demos, et le vôtre aura plus de chances d'être choisi si c'est assez bon. De plus, à partir d'ici, vous pouvez vraiment monter l'échelle des étiquettes. La plupart des étiquettes d'enregistrement parlent entre elles et vous avez plus de chances d'être découvert si vous êtes connecté à une étiquette plutôt que si vous êtes indépendant. C' est un peu comme être un joueur de foot. Si vous êtes inscrit à un club plus petit, les grands clubs seront à la recherche de talents inconnus afin que vous puissiez venir jouer au sein de leur équipe. Une fois que vous avez trouvé l'étiquette à laquelle vous souhaitez envoyer votre démo, nous sommes prêts à écrire l'e-mail. Alors gardez ce court et doux. D' accord, présentez-vous comme un artiste. Quel genre de musique que vous faites, et quelques références pertinentes à tous les labels que vous avez déjà signés deux ans, ou à tout autre artiste qui vous soutient et votre musique, alors donnez-leur une brève description de la piste. S' agit-il d'une piste électrique à haute énergie ? Ou est-ce une piste souterraine groovy deep house ? Faites-leur connaître l'ambiance avant même qu'ils n'écoutent. Enfin, il suffit d'insérer le lien vers votre démo privée et de signer avec un remerciement et votre nom. Maintenant, vous pouvez utiliser le nom de votre artiste ou votre vrai nom ici. Ça n'a vraiment pas d'importance. Je ne recommande pas d'envoyer votre démo à plus d'une étiquette à la fois. D' accord ? Parce que si cinq étiquettes répondent et qu'elles signent toutes votre piste, il peut être particulièrement maladroit d'avoir à expliquer à quatre d'entre elles que vous allez avec une étiquette différente. Et cela peut réellement ennuyer certaines étiquettes et vous pouvez finir par obtenir votre nom liste noire par eux ou toutes les étiquettes auxquelles ils sont associés. Alors gardez-le à un à la fois et profitez du processus. J' espère que ce conseil a aidé et je vous souhaite la meilleure chasse à l'étiquette mature. Il y a un lien vers un site très utile attaché à cette conférence bonus où vous pouvez continuer et rechercher des étiquettes dans votre genre. Vous pouvez également les organiser facilement par les adeptes de SoundCloud ou les goûts Facebook. Donc, si vous êtes à la recherche d'une étiquette plus petite, ou peut-être que vous cherchez une plus grande étiquette. Vous pouvez les trouver facilement sur ce site Web. Bonne chance, et j'espère que tu seras signé à ton label de rêve. 137. La valediction: Donc c'est la diction valide, ou en d'autres termes, le grand adieu. Vous avez atteint la fin du cours et savez maintenant tout ce dont vous aurez besoin pour créer une piste EDM professionnelle. J' espère vraiment que vous apprenez quelque chose en cours de route et apprécié les conférences et les tutoriels tout au long. Maintenant, si vous ne l'avez pas fait ou si vous pensez que je pourrais améliorer quelque chose, n' hésitez pas à me le faire savoir afin que je puisse corriger cela et apporter des améliorations à mes futurs cours. En outre, je suis vraiment excité d'entendre chacune de vos pistes EDM finales et de voir jusqu'où vous êtes allé depuis le tout premier projet. Alors, qu'est-ce qui vous attend après ce cours ? Eh bien, à partir d'ici, vous pouvez continuer à créer des pistes EDM, en savoir plus et vraiment poussé à devenir le meilleur que vous pouvez être. Assurez-vous de rejoindre mon groupe Facebook, BL musique et son pour entrer dans une communauté de producteurs de musique qui, comme vous, veulent apprendre et améliorer leur son. Vous pouvez également télécharger n'importe quel type de projets futurs sur lesquels vous travaillez et les partager avec d'autres étudiants qui ont suivi mes cours. Vous pouvez alors demander des commentaires constructifs au groupe pour vraiment affiner votre son. Rappelez-vous, beaucoup de paires d'oreilles sont meilleures qu'une. Aussi, n'oubliez pas de laisser un commentaire. Si vous avez apprécié le cours et appris quelque chose de nouveau, assurez-vous de le soulever afin que d'autres producteurs de musique puissent nous trouver et apprendre certaines des mêmes choses que vous avez faites. Enfin, je voulais juste vous remercier d'avoir pris le temps de terminer le cours, et j'espère vraiment vous revoir sur certains cours futurs. Prenez soin de vous et de produire heureux.