Beatmaking dans FL Studio : Masterclass sur la production musicale - Créer des beats, mixer de la musique et masteriser

1. Introduction du cours: Vous passez des heures dans FL Studio pour vous retrouver avec ça ? Maman, hum. C'est bon C'est bon Nous y sommes tous déjà allés. Mais et si je vous disais que vous pouvez en faire des beats qui claquent, vendent et se démarquent ? Eh bien, ce cours n'est que cela. C'est votre guide ultime pour créer des beats qui sonnent comme des professionnels. Même si vous n'êtes qu'un débutant, voici comment cela fonctionne. Étape par étape, je vous guide à chaque étape du processus. Nous commençons par créer des tambours qui rebondissent. Ensuite, nous créons des mélodies et des accords qui vous restent gravés dans la tête et huit sur huit pour faire trembler les haut-parleurs Nous transformons les samples comme un pro, transformons les boucles en chansons complètes et apprenons à mixer et à masteriser pour que tout soit propre et professionnel Je pense que vous avez besoin d'un équipement sophistiqué, non. Vous pensez avoir besoin d' une sorte de magie pour créer des rythmes sur lesquels les artistes ont vraiment envie de rapper ? Tout ce dont vous avez besoin, c'est de FL Studio et d'un plan, et je vous donnerai les deux. À la fin, vous aurez un parcours entièrement peaufiné et adapté à l' industrie et les compétences nécessaires pour le faire encore et encore. Vous passerez du statut d'amateur à faiseur de succès et vous serez peut-être même payé en cours de route Alors, arrêtez de vous battre avec les boucles, rejoignez le cours et commencez à créer des morceaux qui vous intéressent. 2. Utiliser FL Studio comme un PRO: Découvrons l' essentiel de FL Studio. Je vais vous guider étape par étape, décomposant le tout en morceaux faciles à digérer Alors suivez-nous pendant que nous explorons les outils de base et les techniques de flux de travail qui feront de vous un pro. il ne s'agit pas d'un cours axé sur FL Studio, je ne vais pas aborder en profondeur des sujets tels que les menus et certains outils obscurs que vous pourriez utiliser si souvent. Je me concentre sur l' essentiel et ce dont vous avez besoin pour créer des rythmes professionnels. Donc, la première chose à faire lorsque le logiciel s'ouvre est de s'assurer que vous avez sélectionné le bon pilote audio dans les options et les paramètres audio. Les options sont donc en haut à gauche. Réglages audio. Je vais regarder ici le pilote ou le périphérique, et je vais m' assurer qu'il est sélectionné comme je veux qu'il soit sélectionné. Donc, si vous utilisez vos écouteurs externes , les haut-parleurs de votre ordinateur portable une interface audio ou autre, vous devez configurer le pilote audio FL Studio le périphérique que vous utilisez. Donc, pour moi, c'est le flux quantique JBL. Ensuite, assurez-vous simplement que votre fréquence d'échantillonnage est de 44,1, 44100 ou 48 000 Maintenant, je recommande d'en utiliser 48 000, mais la version 44.1 fonctionnera tout aussi bien La fréquence d'échantillonnage est essentiellement similaire à la fréquence d'images dans les jeux vidéo ou au cinéma et à la télévision, où le convertisseur numérique prend , je suppose, des images ou des échantillons comme on les appelle, du son. Et plus la fréquence d'échantillonnage est élevée, plus il faut d'échantillons ou de côtelettes Comme vous pouvez l'imaginer, si vous la comparez à une fréquence d'images, plus vous augmentez, plus vous êtes fluide et de haute qualité, et plus vous baissez, moins vous êtes fluide et moins la qualité est élevée. Cependant, ne vous contentez pas de le configurer au maximum, car tout d'abord, votre processeur va vraiment avoir du mal. Et deuxièmement, aucun des packs d'échantillons que vous achetez ne sera à cette fréquence d'échantillonnage. Cela signifie que le logiciel doit ensuite essayer de convertir les échantillons que vous avez à cette fréquence d'échantillonnage élevée que vous avez définie. La norme industrielle actuelle est donc de 48 kilohertz, mais la plupart des échantillons que vous trouverez en ligne se situent à 44,1 Donc, l'un ou l'autre de ces deux est parfait. Enfin, avec la longueur de la mémoire tampon ici, assurez-vous simplement qu'elle est configurée aussi haut que possible. En ce qui concerne l'enregistrement, nous allons le régler un peu plus bas. Mais il est certain que lorsque nous travaillons avec des plugins et que nous essayons de traiter du son dans le logiciel, la longueur de la mémoire tampon doit être réglée aussi haut que possible. Maintenant, le vôtre n'ira peut-être pas aussi haut, 4 096 échantillons. Cela dépend simplement du pilote ou de l'interface audio que vous utilisez ici. Et pour le moment, c'est tout ce dont nous avons besoin pour nous inquiéter. La prochaine chose que vous pourriez faire est peut-être de définir le BPM de votre projet. Maintenant, le problème avec les rythmes, c' est qu'il existe une très grande gamme de BPM que vous pouvez choisir La plupart des battements se situent entre 70 et 140 BPM, donc c'est une très grande plage Donc, idéalement, vous devriez regarder quel type de sous-genre vous souhaitez produire, puis quel est le tempo moyen pour ce genre Donc, par exemple, si nous créons de la musique trap, elle se situera probablement autour de 140. Bien, examinons maintenant l'interface. Donc, sur le côté gauche, nous avons la fenêtre du navigateur. Il s'agit d'un panneau de FL Studio où vous pouvez accéder à vos exemples, vos plugins, à vos clips d'automatisation, à vos fichiers de projet, etc. Considérez-le comme une bibliothèque de création de rythmes. Ainsi, à partir de là, par exemple, nous pouvons trouver un échantillon. Trouvons-en un, un coup de tambour, peut-être un clap. Et nous pouvons entendre les applaudissements que nous aimons en utilisant les flèches Sur le clavier, disons que j'aime bien celui-ci, nous pouvons le faire glisser dans notre rack de chaînes. Vous pouvez également faire glisser le pointeur depuis votre navigateur directement dans la liste de lecture pour des éléments tels que des effets, des boucles plus longues, des voix, etc. Ensuite, nous examinerons le rack de chaînes. Vous pouvez le considérer comme le centre de contrôle de vos instruments, vos échantillons de batterie et de vos patterns. Donc, pour le moment, le mien est réglé sur audio. Je vais simplement revenir sur ce point afin de voir tout ce que j'ai sur le projet, et je vais simplement le passer en revue brièvement. Donc, sur le côté gauche, nous avons un bouton panoramique. Eh bien, tout d'abord, nous avons un bouton de sourdine et de réactivation, que je n'utilise pas vraiment ici J'utilise principalement le mode muet et le mixeur, mais il est là si vous Ensuite, nous avons le bouton de panoramique, nous permet de déplacer l'instrument de gauche à droite Nous avons également un bouton de volume ou de gain. Le chiffre indiqué ici indique le canal utilisé par l'instrument. Donc dans ce cas, c'est le coup de pied droit. Il indique à quel canal cet instrument est lié dans la console de mixage. Donc, pour le moment, eight oh eight kick est sur Insérer un, car il est lié à Channel One, comme vous pouvez le voir. Mais cet exemple que j'ai fait glisser plus tôt n' a pas de canal de mixage Donc, juste pour vous montrer, si j'attire quelques coups de pied, vous le verrez s'enregistrer sur Channel One Mais si je reçois quelques applaudissements, cela ne s'enregistrera que sur le master Chaque ligne est donc un canal, et c'est un son différent, un échantillon différent, un instrument différent ou instrument différent ou différent que vous avez fait glisser Ainsi, vous pouvez cliquer sur ces petites lumières ici. C'est ce que l'on appelle des étapes. Et chaque couleur est différente, donc nous avons le gris et le rouge. Ils représentent un battement dans une barre. Comme vous pouvez le voir ici, il y en a quatre. Il y a du gris, du rouge, du gris-rouge, soit quatre temps, ce qui signifie que ce rack de chaînes est actuellement configuré pour lire 1 barre. Donc, si vous souhaitez étendre cela, vous pouvez simplement faire glisser le rack de chaînes vers l'extérieur. Maintenant, c'est 2 barres parce que j'en ai ajouté quatre supplémentaires, donc ça fait huit, et vous pouvez recommencer si vous en voulez 12 ou 16 et ainsi de suite. Vous pouvez également cliquer sur ces étapes pour créer des motifs de batterie. Donc, si je veux que mon coup de pied de huit ou huit joue ici au premier battement de la barre et peut-être à mi-chemin du troisième temps, je le mettrais là. Et vous pouvez dessiner un rythme simple et basique comme celui-ci. Cliquez ensuite avec le bouton droit de la souris pour supprimer ce que vous avez déjà dessiné. Pour ajouter des synthétiseurs, des VST ou des instruments, ici sur la gauche et cliquez sur Ajouter. La liste de ce que vous avez installé et de tous les instruments standard de FL Studio s' liste de ce que vous avez installé et de affichera Donc, par exemple, si j'apporte, je ne sais pas, des FLK ici, cela les chargera, et comme vous pouvez le voir, ils ont été ajoutés ici au bas du rack de chaînes Donc, avec les FLK, cela ne fonctionne pas vraiment de simplement dessiner ces petits pas, car tout va se jouer sur une seule note Donc, pour modifier la tonalité, cliquez avec le bouton droit sur l'instrument, puis ouvrez le rouleau de piano. Maintenant, nous sommes d'un point de vue différent. C'est ici que vous pouvez créer et modifier des mélodies, des accords et des rythmes avancés Donc très facilement, il suffit de cliquer pour ajouter une note. Tu peux le faire glisser. Et comme vous pouvez le voir, si je zoome ici, ces lignes correspondent aux couleurs que nous recherchions précédemment. Donc, si je montre les deux en même temps, nous avons ces lignes plus épaisses qui représentent un battement, et nous avons ces lignes plus petites qui représentent un pas. Nous avons donc quatre pas dans le premier temps, et encore une fois, ici, nous avons un, deux, trois ou quatre pas dans le premier temps. Les numéros de barre sont affichés ici en haut. Donc, si vous vouliez 4 barres, vous devez faire en sorte que votre patron soit aussi long que cinq. Et c'est simplement parce que la première barre est là, deuxième barre est là, la troisième barre, puis la quatrième barre, et elle revient en boucle. Voici donc votre boucle à quatre barres. Et puis, par exemple, si nous dessinons ici, je ne sais pas, une mélodie aléatoire. Comme ça. Si vous maintenez la touche Commande enfoncée sur Mac ou Ctrl sur Windows, vous pouvez en quelque sorte effacer toutes les notes que vous avez dessinées, et vous pouvez les dupliquer en maintenant la touche Shift Je les ai juste dupliqués, dupliqués à nouveau, dupliqués à nouveau, et puis je ne sais pas, vous pouvez faire de petits ajustements pour créer une boucle à quatre barres Vous pouvez ensuite effectuer d'autres contrôles comme ajuster la vélocité, la force avec laquelle les notes sont jouées, quelque chose comme ça. C'est peut-être un peu extrême ou peu musical, mais c'est juste pour le démontrer Et avec ce type de section de contrôle, vous pouvez également contrôler des éléments tels que le panoramique et le pitch. Dans la section des accords et des mélodies, je vais vous montrer quelques autres choses intéressantes que vous pouvez faire au piano roll Mais pour l'instant, je pense que c'est suffisant pour avoir une idée de base de la façon de dessiner et de modifier des notes. Ainsi, une fois que vous avez créé votre pattern ou votre boucle ici, nous pouvons l'afficher dans la fenêtre de la playlist. Oups. C'est donc ici que vous sélectionnez le motif que vous souhaitez coller dans la playlist. Le modèle 1 est donc juste celui que nous utilisions par défaut, mais nous pouvons le renommer si nous voulons, je ne sais pas, jouer du piano Ensuite, nous pouvons le coller dans notre playlist. Et à partir de là, vous pouvez le dessiner autant de fois que vous le souhaitez, vous savez, pour obtenir un morceau complet arrangé. Donc, par exemple, si nous devions quitter le piano comme ça et peut-être en créer un nouveau, alors trouvez le prochain schéma de batterie vide. Je vais ouvrir le champ vide, et nous pouvons dessiner le même schéma qu'avant. Je pense que c'était quelque chose comme ça. Mettez quelques chapeaux supplémentaires à la fin ou quelque chose comme ça. Maintenant, nous pouvons faire un petit arrangement. Et si vous ne l'avez pas déjà remarqué, vos motifs apparaissent également ici sur le côté gauche Je peux donc les coller rapidement dans un tambour ou dans un piano simplement en passant d'un modèle à l'autre que vous aurez accumulés ici sur le côté gauche Et puis d'autres choses que vous pouvez faire dans la vue playlist sont de créer des clips d'automatisation. Supposons donc que je voulais que ce piano rebondisse de gauche à droite au fur et à mesure que le morceau avançait Je ferais un clic droit sur le bouton de panoramique. Vous pouvez donc cliquer avec le bouton droit sur la plupart des éléments de FL Studio, vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur. Vous ne pouvez pas utiliser certains plugins tiers, mais je vais vous montrer comment créer clips d'automatisation dans ceux-ci au fur et à mesure du cours. Mais pour le moment, si vous cliquez avec le bouton droit sur paramètre dans le logiciel FL Studio ou dans les plugins d'origine, ce menu s'ouvre et vous pouvez cliquer sur Create Automation Clip pour le dessiner, puis nous pouvons dessiner peu de panoramique pour faire rebondir le piano de gauche à droite Alors je pourrais le trancher parce que je me suis fait une petite boucle, trancher ça. Et encore une fois, je peux simplement intégrer cela à l'ensemble de l'arrangement. Enfin, pour un montage rapide, vous pouvez double-cliquer sur un clip ouvrir le contenu de ce clip. Cela vous évite donc d'avoir à, vous savez, cliquer avec le bouton droit de la souris ici et essayer de trouver ce que vous recherchez n'importe où dans la vue Playiss Supposons que nous ayons nos batteries ici, nous pouvons simplement double-cliquer dessus, cela l'ouvrira immédiatement et nous pourrons les modifier très rapidement. Disons que je n' aime pas ces bonnets, et je veux juste que ce soit un peu plus simple, nous pouvons le faire de cette façon aussi. En ce qui concerne le type d' outils de dessin et autres outils de ce genre, les seuls que j'utilise réellement sont l'outil de peinture et la tranche. C'est à peu près tout. Parce qu'avec cet outil de sélection, vous pouvez simplement maintenir la touche Commande ou Contrôle enfoncée comme vous le feriez dans un piano roll, et le reste sont des outils spécialisés que je n'utilise pas vraiment. Mais par tous les moyens, si vous cherchez à faire quelque chose en particulier que je n'ai pas abordé ici, envoyez-moi simplement un message, et je serai en mesure expliquer comment faire ce que vous voulez faire. Maintenant, disons que je trouve que la batterie est un peu forte et que le piano est un peu silencieux. Ce que nous pouvons faire, c'est les ajouter au mixeur et ajuster le niveau de leur fader Donc, par défaut, FL Studio propose un kick and clap à huit ou huit, un chapeau haut et un snare, et ils sont déjà affectés à différentes pistes de mixage Mais ce que nous avons ajouté, c'est que les FLKYs n'ont pas de piste de mixage. Vous pouvez donc soit utiliser ce type de molette pour dessiner le numéro de la piste de mixage à laquelle vous souhaitez l'attribuer, soit ouvrir le plug-in, cliquer sur cette petite molette de réglage, puis cliquer sur cette petite molette de réglage, puis l'attribuer à la piste vide suivante. Donc, dans ce cas, il va l'attribuer au canal six. Et voilà. De même, par exemple, si vous avez, je ne sais pas, voyons si nous avons une sorte de boucle ici, une atmosphère. Disons que ça joue en arrière-plan, un peu fort. Si vous souhaitez l'ajouter au mixeur, vous pouvez double-cliquer dessus. Et encore une fois, cette petite fenêtre apparaîtra et il suffira de sélectionner la piste, et elle l'attribuera à la prochaine piste de mixage vide. À partir de là, nous pouvons faire des choses en solo ou en sourdine Et nous pouvons également régler le volume. Donc, comme je le disais, les tambours sont peut-être un peu forts. Je peux tous baisser le volume . Peut-être que je peux aussi baisser le volume de l'atmosphère et écouter. Et avec le mixeur, nous pouvons également ajouter nos effets. Donc, ce que vous voulez faire, c'est cliquer sur ce à quoi vous voulez ajouter un effet. Dans ce cas, les FLkeys se trouvent ici dans les différents emplacements d' effets, ouvrent l'un d'entre eux, et il affichera tous les effets que vous avez et tous les effets FL Studio d' Ainsi, par exemple, peut-être voulons-nous ajouter un flanger à ce piano, et nous pouvons simplement utiliser une distorsion mobile prédéfinie aléatoire et voir à quoi cela ressemble Pour des choses comme la réverbération, nous pouvons cliquer avec le bouton droit sur n'importe quel type de piste de mixage vierge Par exemple, je sais que Insérer dix, ici est vide, donc je peux cliquer dessus avec le bouton droit de la souris et je peux dire Doc deux à gauche ou à droite, selon votre préférence, préférez le mien sur le côté droit. Alors maintenant, cela va rester sur le côté droit, peu importe où je fais défiler la page. Et avec celui-ci, je peux créer quelque chose comme une réverbération ou un delay Peut-être allons-nous ouvrir un délai. À partir de là, par exemple, si je veux que plusieurs instruments utilisent le même délai, je peux simplement cliquer sur ce que je veux envoyer au délai, et je l'enverrai ici avec cette petite flèche, et je pourrai ajuster la quantité de cet instrument envoyée au délai. Donc, par exemple, peut-être les FLK. Je pense que l'insertion deux est le clap. Pour autant que je me souvienne, nous allons le mettre et peut-être les chapeaux hauts juste un peu Nous verrons à quoi cela ressemble. L'utilisation de cette méthode d' envoi de pistes est donc bien meilleure pour des choses comme la réverbération et le delay, où vous allez probablement envoyer de nombreux instruments différents vers envoyer de nombreux instruments différents vers le même effet de prise Vous ne voulez pas ouvrir cette réverbération sur chaque canal individuel car cela consommerait votre processeur Ainsi, par exemple, si vous chargez une réverbération sur les FLC, puis que vous chargez la même sur le clap et la même sur le chapeau haut de gamme, cela représente trois instances de la réverbération, alors que vous pouvez simplement l'ouvrir une fois ici sur une piste et y envoyer les instruments individuels Enfin, vous pouvez également régler le panoramique vers la gauche ou vers la droite. Et vous pouvez ajouter des effets à votre master lorsqu'il s'agit de masteriser le morceau Encore une fois, nous nous y intéresserons un peu plus tout au long du cours. Mais pour l'instant, il ne s'agit que d'un aperçu de base de la façon de l'utiliser si vous ne l'avez pas encore fait. Enfin, je vais juste vous donner un petit conseil de pro. C'est-à-dire, si vous découvrez que vous utilisez de nombreux instruments et de nombreux effets différents et que votre logiciel commence à se heurter à ce que l'on appelle des underruns, c' est-à-dire des crépitements et des bégaiements parce que votre processeur ne peut pas suivre le rythme de ce que Vous pouvez venir ici pour les outils. Je continue de le faire. Vous pouvez accéder ici aux outils et aux macros, qui se trouvent ici. Et au milieu de cette liste déroulante, il y a quelque chose appelé Switch Smart Disable pour tous les plug-ins Si vous trouvez que votre processeur passe dans le rouge ici, essayez de le faire. Cela désactivera essentiellement les plug-ins que vous n' utilisez pas à ce moment-là et essaiera d' économiser un peu de processeur supplémentaire. Mais pour l'instant, je pense que nous avons une idée de base du fonctionnement du logiciel, et vous devriez en savoir assez maintenant pour savoir que si vous me suivez tout au long du cours, vous saurez ce que je fais et vous devriez être capable de suivre. 3. L'état d'esprit des producteurs: Dans cette conférence, nous allons aborder l'un des les plus importants mais souvent aspects les plus importants mais souvent négligés de la production musicale, l'état d'esprit d'un producteur. Il s'agit de développer vos goûts, de maîtriser la sélection sonore et de vous forger une identité unique en tant que producteur, en particulier dans des genres tels que le trap, le hip hop, le drill et le beatmaking en général Si vous vous êtes déjà demandé ce qui distingue les bons producteurs des meilleurs, ce ne sont pas seulement les compétences techniques, mais aussi leur état d'esprit et la façon dont ils abordent leur métier. Alors allons-y. Brièvement. Pourquoi votre état d'esprit est-il important ? Tout d'abord, c'est votre goût qui définit votre son. Le type de rythme qui vous attire et les artistes que vous admirez, vous savez, les sons que vous trouvez inspirants façonnent tous votre identité musicale Développer vos goûts est la première étape créer une musique qui vous semble authentique. La sélection du son peut faire ou défaire une piste. Un rythme bien conçu avec les mauvais sons peut tomber à plat, tandis que même une simple boucle avec les bons sons peut frapper fort. Une bonne sélection sonore représente environ 80 % du processus, et votre identité vous distingue. Les producteurs les plus populaires pensent que Metro Boomin Southside ou Boy Wonda sont immédiatement reconnaissables Ce n'est pas parce qu'ils suivent les tendances, mais parce qu'ils construisent leur son autour de leur propre identité. L'état d'esprit est à la base tout ce que nous allons apprendre dans ce cours. Alors maintenant, approfondissons-les un peu plus et explorons comment vous pouvez développer les vôtres. Pour développer vos goûts en tant que producteur, il faut d'abord comprendre ce qui vous tient à cœur sur le plan musical Voici donc comment vous pouvez affiner cela. Écoutez attentivement. Ne vous contentez pas d'écouter un style ou un genre. Vous aimez peut-être le trap ou le drill, mais explorer l'ORMB jazz ou même l'EDM peut vous faire découvrir nouvelles idées et de nouvelles techniques que vous pouvez intégrer à vos rythmes. Étudiez les grilles. Décrivez les rythmes de vos producteurs préférés et demandez-vous ce qui distingue leurs mélodies Comment structurent-ils leurs tambours ? Quel rôle jouent les effets et le mixage dans leur son ? Gardez une trace des sons, des instruments et des effets que vous aimez. Cela peut être un huit sur huit, un piano plein d'âme ou des pads atmosphériques, mais commencez à créer une bibliothèque incontournable. Ensuite, le dernier point est d'entraîner votre oreille à reconnaître ce qui fonctionne dans un mix. Cela signifie qu'il faut prêter attention aux petits détails, comme le ton d'un chapeau haut ou le son d'une réverbération Maintenant, développer vos goûts peut prendre du temps, mais chaque battement que vous faites vous permettra de mieux comprendre vos préférences uniques. Ensuite, nous avons la maîtrise de la sélection des sons. La sélection sonore est l'une des compétences les plus importantes que vous développerez en tant que producteur. Il ne s'agit pas d'avoir le plus de sons possible. Il s'agit de choisir les bons. Concentrez-vous donc sur la qualité plutôt que sur la quantité. Ne vous laissez pas submerger par ces immenses bibliothèques de sons et concentrez-vous plutôt sur la recherche de sons de haute qualité qui vous inspirent. Il vaut mieux avoir quelques bons kits de batterie que 1 000 kits de médiocres. Ensuite, il y a le contexte. Réfléchissez donc à la façon dont les sons fonctionnent ensemble. Par exemple, un huit sur huit déformé entrera probablement en conflit avec un kiktem déformé chapeaux hauts aux couleurs vives et scintillantes peuvent ne pas convenir à une mélodie sombre et atmosphérique De plus, chaque genre possède, vous savez, des sons distinctifs. Comme, par exemple, un piège a souvent des coups huit sur huit, des collets accrocheurs et des chapeaux hauts. Drill propose huit sur huit, vous savez, mélodies sombres et inquiétantes et des percussions clairsemées, et Bomba aura des coups de pied graveleux, des textures vinyles des mélodies sombres et inquiétantes et des percussions clairsemées, et Bomba aura des coups de pied graveleux, des textures vinyles et des samples découpés. Apprenez les produits de base, les ingrédients, puis expérimentez-les à votre rythme. m' amène à mon dernier point , qui est de ne jamais cesser d'expérimenter, sons en trois couches, d' ajouter des effets inattendus ou de retourner des échantillons de manière étrange et Certains des rythmes les plus cool proviennent d'heureux accidents. Lorsque votre sélection sonore est précise, vos rythmes ressortiront avant même que vous ne commenciez à mixer. Et puis il y a ce qui vous distingue en tant que producteur, votre identité. Trouvez votre signature. Votre signature peut être n'importe quoi. Vous savez, une progression d' accords spécifique, une façon unique de traiter vos huit heures et même un tag de producteur ou une coupe vocale spécifique que vous utilisez sur chaque morceau Trouvez simplement une sorte de thème commun que vous pouvez inclure dans tous vos rythmes. Ensuite, il faut rester constant. La plupart des producteurs lèvent les yeux au ciel lorsqu' ils entendent celui-ci, mais honnêtement, la cohérence est essentielle pour créer un son reconnaissable. Cela ne veut pas dire que chaque rythme doit sonner de la même manière, mais qu'il doit simplement y avoir un fil conducteur ou, comme je l'ai dit, un thème qui lie en quelque sorte votre musique entre elles. Mais si vous pratiquez activement ce que nous avons abordé dans les deux dernières diapositives, cela se fera naturellement. Ensuite, vous devez accepter vos influences. N'ayez pas peur de laisser vos influences essayer d'être différentes, mais ne les copiez pas non plus. Utilisez-les comme base pour créer quelque chose qui vous ressemble vraiment. Et cela ne doit pas nécessairement se situer dans le monde du beatmaking. Je veux dire, votre influence pourrait être, je ne sais pas, la musique classique comme Chikovski ou peut-être un groupe de heavy metal comme Rien ne vous empêche de vous inspirer de ces influences pour ensuite essayer de les intégrer à votre propre son. Il y a aussi d'autres influences, comme les influences culturelles. Vous savez, pour moi, il s'agirait probablement de musique irlandaise, d'instrumentation irlandaise et du type de signatures temporelles utilisées dans la musique irlandaise. Je pourrais utiliser beaucoup de ces idées et techniques et essayer de les intégrer à mes rythmes pour créer un son unique. Autre exemple, je suis actuellement en Australie, alors je pourrais peut-être intégrer un digerid comme une sorte de pad atmosphérique sous la musique Enfin, c'est expérimenter et évoluer. Rester constant ne signifie pas rester stagnant, d'accord ? Continuez donc à repousser vos limites, intégrer de nouvelles techniques et à essayer de faire évoluer votre son. C'est votre identité qui donnera envie aux artistes de travailler avec vous, et c'est ce qui incitera les auditeurs à revenir à votre rythme. Examinons donc quelques exercices pratiques pour essayer d'aiguiser votre état d'esprit Le premier est donc le beat breakdowns. Choisissez un morceau que vous aimez et essayez de le recréer. C'est un outil incroyable. Vous en apprendrez vraiment sur la sélection, l' arrangement et le mixage des sons en procédant ainsi. Ensuite, essayez de vous limiter. Vous savez, mettez-vous au défi de créer un rythme avec seulement cinq sons. Cela vous obligera à vous concentrer sur la qualité et la créativité. Un autre exercice pratiqué par de nombreux producteurs consiste à créer un beat par jour, même s'il ne s'agit que de 16 mesures. Cette cohérence vous aidera à affiner vos goûts dans votre flux de travail, et elle constitue également un très bon contenu pour les réseaux sociaux. La prochaine étape consiste à demander des commentaires. Partagez vos rythmes avec des personnes que vous connaissez. commentaires vrais et honnêtes peuvent vraiment révéler les domaines dans lesquels vous devez vous améliorer. Enfin, l'une des choses les plus puissantes que je fais moi-même est de créer une playlist de titres qui vous inspirent vraiment. Ensuite, lorsque vous ne vous sentez pas motivé ou que vous ne savez pas vraiment où vos rythmes sont censés aller, vous pouvez vous en servir pour orienter votre son et mesurer vos progrès Personnellement, ma playlist de référence est pleine d'artistes aléatoires, de chansons, de pièces classiques, genres différents et de sons mélangés entre eux. Parfois, ce n'est même pas la chanson que j'aime, mais la progression des accords, ou peut-être que j'aime simplement le son du synthétiseur, ou j'aime simplement le son de la batterie Mais quoi que ce soit de ce genre, je l'ajoute simplement à la playlist. Plus votre état d'esprit est intentionnel, plus vous évoluerez en tant que producteur. Donc, juste avant de terminer, je vais récapituler. Vos goûts définissent votre voix unique. Votre sélection sonore montre l'attention que vous portez aux détails, et c'est grâce à votre identité que les gens reconnaissent et retiennent votre musique. Continuez à peaufiner et à travailler sur ces éléments, et non seulement vous créerez de meilleurs rythmes, mais vous pourrez également vous forger une réputation de grand producteur. 4. Ne commencez pas par la batterie: Bienvenue donc à la première conférence la section de programmation de batterie. Et je voulais placer cette conférence ici parce que je pensais qu'elle avait le plus d'impact. première leçon de la section de programmation des batteries consiste donc en fait à ne pas commencer par les batteries. Cela peut être l'une des plus grosses erreurs de création et de production de rythmes. Maintenant, je comprends. batterie est le cœur de la plupart des morceaux, en particulier dans des genres tels que le trap, le hip hop et le drill Mais en réalité, commencer par la batterie peut vraiment vous enfermer. Il est facile de tomber dans le piège de rester coincé dans un rythme prévisible, surtout si vous ne vous sentez pas inspiré ou si vous copiez simplement ce que vous avez vu dans les didacticiels d'autres personnes. Alors pourquoi ne pas commencer par la batterie ? Eh bien, tout d'abord, vous vous retrouvez dans un schéma prévisible. Lorsque vous commencez avec la batterie, il est facile de tomber dans le piège qui consiste à utiliser, vous savez, les mêmes modèles à huit ou huit, un rôle de chapeau haut classique ou un autre type de boucles génériques. Commencer par la batterie peut confiner votre créativité dans une structure rythmique bien précise et limiter Vous vous retrouvez également avec un manque de contexte musical. Les batteries jouent un rôle extrêmement important dans le rythme et l'énergie, mais elles ne fournissent pas de contexte harmonique ou mélodique Donc, si vous commencez par les tambours, vous mettez essentiellement la charrue avant les boeufs. Vous n'aurez pas de direction claire pour le reste des éléments de votre morceau, et la batterie finira par se sentir un peu déconnectée des autres parties de la chanson. Enfin, cela vous rend beaucoup moins flexible. Lorsque vous commencez par une mélodie, progression d' accords ou un sample, vous avez beaucoup plus de place pour expérimenter avec les autres éléments du morceau Vous n'êtes pas enfermé dans ce rythme et vous êtes libre d'explorer différentes directions qui complètent l'idée musicale sur laquelle vous travaillez. C'est pourquoi je recommande de commencer par une idée. Si vous partez d'une idée, vous pouvez créer l'ambiance instantanément. Quel que soit le sample, la progression d'accords ou la mélodie par laquelle vous commencez, cela créera immédiatement l'ambiance du morceau Que ce soit sombre triste, énergique ou plein d'âme, votre idée donnera le ton, puis la batterie vous emboîtera le Sans cette base solide, votre batterie pourrait finir par se sentir mal à sa place. Cela vous permet également de créer un crochet solide. Votre idée de départ finit souvent par être le fil conducteur de la piste. Pensez donc à vos chansons préférées. Ce qui vous tient à cœur. Il s'agit souvent de la mélodie ou du sample Ce n'est pas la batterie en vous concentrant d'abord sur l'idée, vous vous assurez que le cœur de votre morceau soit mémorable et percutant. L'idée peut alors inspirer la façon dont les tambours devraient sonner. Commencer par l'idée ne signifie donc pas ignorer les tambours. Cela signifie simplement que les batteries seront inspirées par les bases musicales. Ainsi, une fois que vous aurez obtenu votre progression d' accords votre sample ou tout ce que vous utilisez, la batterie suivra le rythme et l'ambiance naturels de cette idée Ils compléteront donc l'ambiance du morceau au lieu de la dicter Et cela vous aidera à vous démarquer de la foule. De nombreux tutoriels et producteurs commenceront par la batterie. Et même si cette approche peut fonctionner dans certains cas, elle conduit souvent à des rythmes sonores génériques En inversant l'ordre et en commençant par quelque chose de musical, vous vous distinguerez naturellement ainsi que votre son, des morceaux classiques que vous pourriez entendre sur tous les autres beat stores et playlists Donc, si nous ne commençons pas par la batterie, par quoi commence-t-on ? Passons donc en revue certaines des meilleures options. Tout d'abord, nous avons des échantillons. un excellent moyen de stimuler votre créativité, qu'il s'agisse d'une touche vocale, d' une boucle tirée d'une vieille chanson ou d'un son aléatoire qui attire votre attention. Un échantillon peut offrir des possibilités infinies. L'avantage de commencer par un sample, c'est qu' il possède souvent son propre rythme et sa propre ambiance, ce qui constitue un excellent point de départ Donc, avec cela, vous recherchez une résonance émotionnelle. Donc, vous savez, comme une voix vintage ou un riff de guitare accrocheur, quelque chose qui vous touche émotionnellement Ensuite, vous pouvez le couper et le transformer en quelque chose de nouveau. Donc, ne vous contentez pas de l'intégrer à votre projet, de le découper, vous savez, de changer le ton, de l'inverser, ajouter des effets et de vraiment vous l'approprier. Et quel est le meilleur endroit pour trouver des échantillons ? Eh bien, je recommande vraiment Lupermen. Il s'agit d'une plate-forme gratuite avec une collection massive de boucles et d'échantillons téléchargés gratuitement par les utilisateurs. Vous pouvez y trouver de tout boucles hip hop aux synthés, en passant par les freins à tambour, la musique classique toutes sortes de samples différents C'est vraiment une mine d'or pour les échantillons gratuits. À part ça, vous avez des choses comme Splice pour, vous savez, des échantillons de qualité supérieure, Track Lib s'agit d'un service qui vous permet d'échantillonner légalement la musique directement à partir de pistes originales NOIIZ est une autre plateforme par abonnement qui fournit des échantillons de haute qualité Ensuite, pour les idées, nous avons les accords. Commencer par les accords est donc un excellent moyen de donner à votre morceau une base harmonique solide Les cordes définissent l'ambiance émotionnelle et orientent le reste de vos éléments. Donc, si vous commencez par les accords, vous savez, commencez simplement Ne compliquez pas trop les choses. Une simple progression comme, vous savez, CG, A minor F peut donner beaucoup d'espace pour expérimenter Les inversions et les doublages, nous allons aborder cela dans le cours, mais ne vous contentez pas d'utiliser des accords ouverts de base, essayez inversions Et puis il y a aussi la possibilité d'utiliser des packs MIDI. Donc, si vous ne jouez pas du piano, packs d'accords midi peuvent être un excellent raccourci. Cependant, chaque fois que je les utilise, je m'assure toujours de les ajuster en fonction de la piste. Enfin, nous avons des mélodies. C'est la force motrice de votre circuit. Il agit souvent comme le crochet principal ou le thème principal. Lorsque vous commencez par une mélodie, celle-ci fournit une direction pour l'ensemble du morceau Cela peut être une simple ligne de piano, vous savez, une mélodie vocale ou simplement un solo d'instrument Encore une fois, vous allez commencer par une idée simple. Tu sais, complexe ne veut pas toujours dire mieux. Commencez par des idées courtes et accrocheuses, puis développez-les. Vous pouvez même fredonner ou chanter une idée de mélodie avant de toucher le clavier, ce qui vous permet de vous concentrer sur la musicalité sans vous laisser emporter par les aspects techniques et de vous souvenir des répétitions et des variations mélodies qui se répètent ont donc tendance à rester dans la tête des gens, mais assurez-vous simplement d'ajouter des variations pour qu'elles ne deviennent pas monotones En gros, tout cela signifie que vous commencez simplement par un crochet. Et pensez-y. Quelle est la première chose qui attire ton attention dans une chanson ? Ce n'est pas la batterie. C'est probablement la mélodie entraînante, le sample intéressant ou la mémorable progression d'accords C'est presque toujours l'hameçon. Dans la production musicale, le hook signifie la partie la plus mémorable de la chanson. Il peut donc s'agir d'une ligne vocale, d'un sample, d'une mélodie instrumentale Mais en commençant par le crochet, vous vous assurez d'avoir créé quelque chose convaincant et d'unique à partir du G. Commencer par un crochet donnera souvent une identité à votre morceau. Cela définit l'ambiance, l'ambiance et la sensation de la chanson Et une fois que vous avez établi ce crochet, vous pouvez commencer à réfléchir à la manière dont les tambours le compléteront. Le rythme et l'énergie des tambours seront guidés par le toucher du crochet. De plus, les pistes dotées crochets puissants sont immédiatement reconnaissables. Essayez de le rendre simple mais accrocheur. Maintenant, je vais juste le répéter. J'ai vu de nombreux tutoriels en ligne où les producteurs commencent par la batterie ou vous recommandent de commencer par la batterie, mais je pense sincèrement que vous vous préparez à l'échec. Les tambours ne dictent jamais la direction du morceau. Ils complètent toujours le rythme. Si vous créez d'abord les tambours, ils peuvent entrer en conflit avec les éléments musicaux. Ils sont un outil rythmique. Ils ne sont pas le cœur de la chanson. Ils devraient favoriser la sensation de la piste, et non la déterminer. Voici donc comment vous pouvez appliquer l'approche « Start with a idea ». Donc, tout d'abord, vous pourriez créer une base musicale. Vous avez donc trouvé un extrait une mélodie ou une progression d'accords qui vous Vous avez créé cette idée de base. Utilisez maintenant votre créativité pour l' étendre et ajoutez-y des harmonies, des textures et des contre-mélodies Ensuite, une fois que votre idée vous semble solide, faites appel à la batterie. C'est là que la magie va opérer. Vos batteries seront désormais inspirées par les idées musicales que vous avez déjà définies. Maintenant que votre batterie est en forme, concentrez-vous sur l'ajout de lignes de basse, instruments supplémentaires et de voix. Utilisez votre égaliseur, vos effets et votre automatisation pour affiner vos sons et vous assurer que tout fonctionne bien. Lorsque vous commencez par une idée musicale, le reste de la production se déroule naturellement et vous avez la liberté d' explorer différents rythmes, différents domaines et différents rythmes sans être limité par un schéma de batterie prédéfini Enfin, je veux juste dire qu'il ne faut pas trop y réfléchir. Si quelque chose vous convient, c'est qu'il fonctionne. Même si vous avez d'abord commencé par la batterie et que cela sonne bien, cela fonctionne. Fais confiance à ton instinct. N'ayez pas non plus peur d'essayer de nouvelles choses. Si une progression d'accords vous semble trop familière, essayez de l'inverser ou peut-être de changer le rythme C'est votre espace créatif, alors explorez-le. Commencer par une idée ne signifie pas la compliquer à outrance. Parfois, moins c'est plus. Une simple progression d'accords et une mélodie peuvent être le point de départ idéal Enfin, je veux juste dire qu'il ne faut pas avoir peur de recommencer à zéro. Si l'idée ne vous vient pas à l'esprit au bout d'un moment, n' hésitez pas à l'abandonner et à recommencer. Plus vous expérimentez, meilleur sera votre instinct. 5. Programmation de base : Coups de pied, applaudissements et rebond de base ré: Dans cette conférence, nous allons donc aborder les éléments fondamentaux d'une section rythmique solide. Le cœur de tout bon beat commence par le coup de pied, le chapeau et le clap Je vais vous montrer comment les programmer pour un rebond parfait à chaque fois. Cette conférence se concentrera sur la programmation rythmique et vous aidera à vous familiariser avec les outils dont vous avez besoin pour créer rythmes rythmiques serrés dans FL Studio. Avant de passer à la programmation, parlons simplement des éléments de base qui constituent un rythme standard dans le hip hop et le trap modernes. Ils sont donc le point fort. Le kickdrum est la base. Il fournit le battement qui fait avancer le rythme. Le clap, essentiel pour accent sur le backbeat, est souvent placé sur les deuxième et quatrième temps sur une mesure de 44 Les chapeaux qui jouent en quelque sorte entre ces deux éléments et donnent le rythme et le rythme. Et puis nous avons quelque chose de conceptuel, à savoir le rebond. Maintenant, le rebond est le groove ou le rythme qui donne au rythme sensation d'énergie, de funky ou C'est ce qui donne envie aux gens de suivre votre voie. Donc normalement, à ce stade, je dirais aux gens de définir un BPM et, vous savez, de commencer à programmer quelque chose Mais lors de la dernière conférence, j'ai vraiment insisté sur l'importance de partir d'une idée. Donc, comme il s'agit d'une master class et que nous allons créer un morceau tout au long, c'est exactement ce que je vais faire. J'ai donc choisi Luperman et je cherchais différents genres, différents types d'instruments, différentes boucles que je pourrais utiliser Et je suis tombée sur cette boucle vraiment cool et intéressante qu' une fille avait mise en place où on dirait qu'elle chante dans le micro de son téléphone. un peu de mauvaise qualité, et c'est un peu déformé, mais je pense que cela lui donne vraiment du caractère. Donc, ce que je vais faire, c'est simplement ajouter cela parce que c'est notre idée de base, l'idée qui marque le début du morceau. Je vais juste le jouer très rapidement pour que vous puissiez l'écouter. Je peux vraiment entendre le morceau partir ce genre d' idée de piètre qualité, puis prendre cette mélodie et la transformer en quelque chose beaucoup plus haute qualité et l'utiliser comme base du morceau Donc, tout d'abord, lorsque j'étais sur Luperman, l'artiste qui l' a créé m'a dit que c'était 100 Je vais donc régler mon Da tempo ou mon BPM à 100, juste pour correspondre Et puis aussi, quand je fredonnais cette mélodie dans ma tête, le Da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, j'entends la première note qu'elle se trouve au premier battement de la première mesure Donc, si je zoome simplement ici, je peux voir que l'échantillon semble commencer au deuxième battement de la première barre. Mais je voulais vraiment commencer dès le premier temps, donc je vais juste ajuster ça pour le moment. Et je vais mettre le bout qui nous manque depuis le début à la fin de l' échantillon, juste pour le terminer. Comme ça, puis je vais le trancher. Et maintenant, nous devrions avoir une boucle complète qui commence sur le premier bourrelet de la barre. Je vais donc allumer un métronome et nous écoutons. Maintenant, avec cette idée comme idée, je vais commencer à ajouter des samples de batterie que nous pouvons utiliser pour construire notre rythme. Je vais donc chercher un sample de kick drum serré et accrocheur Essayons peut-être ce pack de poulpes noirs . Et nous verrons ce qu'il y a dedans. Coups de pied. Non, ils n'ont pas raison. Je sais que j'ai un pack d' échantillons de pièges quelque part, donc je pourrais l'utiliser à la place. Ça y est. Un seul coup. Des tambours ? Coups de pied. OK. Auditionnons certains d'entre eux et voyons à quoi ils ressemblent. Ce coup de pied lourd sonne plutôt bien, et je pense qu'il correspond à l' ambiance du sample lo-fi déformé que nous avons introduit. Alors introduisons-le et remplaçons le coup de pied. Ensuite, nous allons trouver un échantillon de piège ou de clap. Je vais donc juste regarder dans ce dossier clair pendant une seconde. Trouvons-en un. Celui-ci est en fait plutôt sympa, donc je vais le faire glisser et remplacer notre applaudissement Ensuite, je vais chercher un chapeau haut. Nous allons donc chercher un chapeau haut fermé ou un chapeau assez court et accrocheur Je crois que j'ai aimé le son du feu ici. Oui, c'est un peu étouffé, et ça colle à l'ambiance lo-fi que nous avons avec cet extrait Je vais donc l'ajouter et remplacer le chapeau haut. Et maintenant, ce que je vais faire, c'est coller mon schéma de batterie vierge. Oups. Motif 1. J'ai envie de le coller Je veux y coller mon motif de batterie vierge afin de pouvoir le créer au fur et à mesure que le sample joue, et je puisse utiliser le sample pour influencer le rythme de la batterie. Donc évidemment, tout d'abord, nous allons commencer par un coup de pied dès le premier temps. Mmm, hum. Et ce que je pourrais faire, c'est l'attribuer à une piste de mixage et le baisser un peu pour que nous puissions entendre ce que nous faisons avec la batterie. Maman, hum. Ajoutons donc peut-être un piège. Hmm je vais l'étendre un peu pour que je puisse continuer à construire mon modèle Je n'aime pas ce double , alors je pourrais essayer quelque chose comme ça. Je vais peut-être répéter le schéma et oups. Maintenant, je pense que c'est un peu rapide. Je vais donc réduire le rythme à 80, peut-être que nous essaierons. Et comme je l'ai fait, je dois maintenant m' assurer que je l' adapte à mon rythme. C'était donc 100 à l'origine, et j'ai fixé le rythme de mon projet à 100. Mais maintenant que j'ai changé de tempo, je dois étirer cet échantillon et m'assurer qu' il correspond à mon tempo. Je vais donc le faire maintenant en cliquant sur cette petite forme d'onde, puis en sélectionnant Ajuster au tempo et en saisissant le BPM correspondant, qui était de 100, qui était de 100 étirer jusqu' au BPM Peut-être que nous irons un peu plus vite. Et maintenant, nous allons juste essayer d' ajouter des chapeaux hauts. Encore une fois, je vais juste commencer à écouter et à expérimenter Peut-être quelque chose comme ça. Et peut-être un de plus à la fin, juste pour maintenir le rythme. Maintenant, à ce stade, nous pouvons expérimenter des choses comme le swing. Nous pourrions donc utiliser ce bouton oscillant ici, qui ajoute, vous savez, subtiles différences de timing qui peuvent rendre votre rythme un peu plus organique En général, vous souhaitez le régler entre 30 et 50 % environ. Voyons donc si un groove de 30 % fonctionne avec cet échantillon. Maintenant, je trouve que ça a l'air cool, mais lorsque nous nous appuyons dessus et que nous développons sur le morceau, il se peut que je le change. Et en fait, il se peut que je change complètement le schéma de batterie. Mais pour le moment, vous pouvez voir que j'ai construit le rythme de ma batterie autour du rythme du crochet. Plus loin dans cette section, nous ajouterons des éléments tels que des percussions et des couches supplémentaires pour que les chapeaux et les claps soient vraiment épais et pleins Pour l'instant, je vais coller mon pattern de batterie sur l'ensemble du sample, et nous allons l'affiner , le modifier et le développer au fil du cours. 6. Superposer les sons de la batterie et ajouter des percussions: Dans cette conférence, nous allons donc approfondir l' art de superposer les sons de batterie Ensuite, nous ajouterons également un peu de percussion pour augmenter le rythme superposition et les percussions sont des techniques clés pour créer des rythmes plus pleins et plus dynamiques Que vous travailliez sur le trap, hip hop, la house ou tout autre genre, ces compétences sont essentielles pour que votre batterie se démarque et soit plus vivante. La superposition consiste donc essentiellement à combiner plusieurs sons pour créer un hit de batterie plus riche et plus complexe Et la raison pour laquelle nous le faisons serait pour augmenter la graisse. Vous savez, la combinaison de différents échantillons ajoute de la profondeur et de la plénitude. Peut-être que nous voulons que la batterie ait du caractère. La superposition vous permet de mélanger les tambres et les textures, donnant ainsi à vos sons de batterie un caractère unique Par exemple, dans ce battement de batterie que nous avons créé, j'ai vraiment l'impression que le fait de superposer un son clair plus lourd avec le dernier son clair du motif pourrait donner un peu d'impact au rythme Donc, ce que je vais faire, c'est chercher ce que je vais sortir de ce pack d'échantillons, et je vais chercher un échantillon de caisse claire plus lourd Alors essayons peut-être quelque chose ici. Ce sont tous des percussions. Je vais donc juste me balader et essayer de trouver des dossiers dans lesquels je pourrais avoir des sons clairs plus forts Des collets. Essayons certains d'entre eux. Peut-être que nous utiliserons ce piège 11. Je vais donc l'ajouter, mettre dans notre rack, et je vais le superposer au son clair que nous avons déjà Par tutto. Et je pense aussi que le son de caisse claire en général pourrait avoir un peu plus d' éclat ou de haut de gamme C'est un peu étouffé, alors je vais essayer d'y ajouter un clap Je cherche un type de clap plus court que celui-ci. Peut-être un extrait de ce dossier commercial de Deep House lequel j'ai des coups de batterie, voyons voir Oui, c'est bien mieux. Ouais. Donc, si nous ajoutons ce coup de sept à cette caisse claire que nous avons, nous obtenons le son de la batterie comme ça Mmm, hum. Maman, hum. Maintenant, je vais jouer le pattern, et je vais désactiver ces deux claps juste pour que vous puissiez voir qu'ils se combinent pour créer une nouvelle texture et un son de gros clap Nous pourrions même ajouter des chapeaux supplémentaires. Alors, jetons-y un coup d'œil. Oups, pouvons-nous trouver des chapeaux hauts ? Peut-être que celui-ci, aussi long , pourrait être cool, un peu décalé, alors peut-être ici Ou peut-être même ici. R. Et encore une fois, nous pourrions améliorer la texture de ce chapeau en superposant simplement un autre type de chapeau court, peut-être celui-ci, juste pour lui donner un peu plus de style. Nous allons donc simplement dessiner exactement le même schéma. Il suffit de superposer ce nouveau chapeau sous l'ancien que nous avions Écoutons-le maintenant dans le contexte de notre échantillon. Je vais passer en mode chanson pour que la tête de lecture soit jouée dans la vue playlist Enfin, nous pourrions aller de l'avant et ajouter quelques percussions. Je vais donc trouver une belle sorte de son de percussion vif. Peut-être ceci. Je pense que cela correspond en quelque sorte à l'ambiance de notre batterie. Je vais l'ajouter et remplacer le piège, nous n'en avons plus besoin Ensuite, je vais écouter, et j'essaierai différents types de placement pour les percussions. Alors peut-être quelque chose de très simple avec ce genre de percussions. Encore une fois, cela va probablement changer au fur et à mesure que nous construirons la piste, mais pour le moment, je pense que c'est une bonne base. Maintenant, quelque chose de cool que vous pourriez faire est de superposer à votre batterie des sons naturels ou des sons insensés Je pense donc que j'ai des sons stupides quelque part. Je pense qu'ils sont peut-être dans ce piège. Peut-être que nous allons essayer Effex. Non, peut-être. Oui, ce sont des sons plutôt réalistes. On dirait une bouteille. On dirait que l'on met des clés dans un bol. Donc, si vous deviez superposer ces types de textures intéressantes, vous pourriez créer des battements de batterie vraiment intéressants. Oh 7. Sorcellerie Hi-Hat: Au cours de cette conférence, nous allons découvrir les secrets de la programmation haut de gamme et découvrir comment passer d'une programmation simple à une programmation professionnelle. Les chapeaux hauts sont l'un des éléments les plus essentiels de tout rythme, car fournissent de l'énergie, du groove et du rythme. Nous allons explorer ici des techniques avancées telles que les règles, les triplés, manipulation de la vélocité et le changement de hauteur pour donner à vos rythmes une touche de magie supplémentaire Le chapeau donne souvent le rythme de la piste, et il fournit un rythme constant tout en aidant à dynamiser le rythme. La façon dont les chapeaux sont programmés peut ajouter un swing ou un rebond contagieux à votre rythme Et ils peuvent également être utilisés pour accentuer certaines parties du accentuant les rythmes décalés ou en créant une syncope Ajoutons donc quelques petits pains à chapeau. La première chose que je vais faire est de désactiver la fonction Swing. Il est beaucoup plus facile de programmer hi at rolls lorsque les chapeaux sont un peu statiques comme ça. La prochaine chose que nous devons faire est d' ouvrir nos chapeaux hauts dans le piano. Donc je vais juste le faire maintenant. Comme vous pouvez le voir, voici les chapeaux hauts du piano. Maintenant, le vôtre ne ressemblera probablement pas à ça. Le vôtre ressemblera probablement à ça, d'accord ? Chaque battement ne comporte que quatre étapes, mais nous devons en ajouter d'autres si nous voulons créer un véritable hit roll. Si vous arrivez ici dans la liste déroulante de capture de grille, elle est généralement définie sur une ligne par défaut, mais je vais définir la mienne sur un quart d'étape Et maintenant, nous pouvons commencer à fabriquer un Hi Hat Roll. Écoutons donc le schéma et voyons où un Hi Hat Roll peut sonner bien. Je pense donc que le premier pourrait être quelque part ici, alors je vais zoomer dessus. Et nous le faisons généralement en deux. Donc, si nous examinons ces deux notes de bonjour, je vais en ajouter une nouvelle à mi-chemin. Et puis, encore une fois, je vais partager ces trois nouvelles notes que nous venons de prendre. Je vais donc en ajouter un à mi-chemin et à mi-chemin. Voyons à quoi cela ressemble. Et peut-être que dans le deuxième bar ici, nous pourrions ajouter un rouleau de chapeaux au même endroit. C'est donc à mi-chemin du deuxième battement de la première mesure. Passons donc au deuxième battement de la deuxième mesure, et nous ferons de même. Nous allons nous séparer. Nous allons diviser les notes déjà présentes et voir à quoi cela ressemble. Et peut-être que pour faire bonne mesure, nous pouvons mettre un autre petit rouleau à chapeau ici à la fin du patron. Maintenant, regardons les triplés. Les triplés peuvent donc donner à vos modèles de chapeaux hauts une ambiance plus swing ou plus jazzy, sorte C'est un rythme essentiel, utilisé dans des genres tels que hip hop trap et la drum and bass. Un triplet divise le rythme en trois parties égales au lieu des deux habituelles Et en signature à quatre ou quatre fois, cela peut créer une sorte d'effet de bégaiement ou de trébuchement Donc, tout d'abord, je vais écouter et trouver un endroit où je pense qu' un triplet pourrait fonctionner H. D'accord, alors peut-être qu'à la fin de la première mesure, un triplet pourrait très bien fonctionner Pour cela, nous devons régler notre quadrillage à un tiers d'étape. Et je sais que cette première note de chapeau remonte à la moitié du beat. Donc, ce que je vais faire, c'est supprimer le second. Et nous allons diviser cette seconde moitié du beat en trois mesures égales, d'accord ? Donc, si je compte chaque étape individuelle, nous avons un, deux, trois, quatre, cinq, six, d'accord ? Et 6/3 c'est deux. Je sais donc que je dois mettre un chapeau tous les deux. Et cela devrait maintenant créer un triplet. Écoutons donc et voyons si cela crée ce genre de bégaiement ou de trébuchement sur lui-même Et ce que je vais faire, c'est juste me le chapeau sur lequel nous travaillons . J'ai oublié que nous en avions superposé un autre, donc nous ne pouvons pas vraiment entendre ce que nous faisons correctement. Mais écoutons-le encore une fois. Ensuite, nous allons voir comment modifier les vitesses de ces notes Dans le piano roll, chacune de ces notes possède une barre de vélocité en dessous, et elles sont assez simples. Vous les faites simplement glisser vers le haut pour les rendre plus forts ou vous les faites glisser vers le bas pour les rendre plus silencieux. En gros, tout ce que nous allons faire, c'est faire varier les vitesses de toutes ces notes pour essayer de les rendre un peu plus naturelles et moins statiques ou Ce que je pourrais faire, c'est peut-être quelque chose comme ça. Et juste pendant que je fais ça, je vais parler de bounce pendant une seconde Le rebond est donc essentiel pour créer une sorte de groove rythmique qui donne aux auditeurs impression de pouvoir passer à Et le rebond provient d'une programmation légèrement décalée. Donc, placez des chapeaux hauts sur le rythme ou utilisez le swing comme nous le faisions tout à l'heure Mais pour le moment, tout en examinant les vitesses, essayons de les utiliser pour accentuer le décalage Et le terme « décalé » signifie littéralement ce qu'il dit. Donc, vous savez, le début de chaque battement ici se ferait sur le rythme comme celui-ci. Ils sont tous sur le rythme. Et puis tout ce qui se trouve entre les deux est hors du commun. Le décalage le plus courant se situe exactement à mi-chemin. Donc celui-ci ici, c'est pourquoi je l'ai en quelque sorte accentué dans la vélocité Continuons donc à modifier nos vitesses. Je dois le décliquer. Quelque chose comme ça, peut-être. Nous allons donner un petit coup de pouce à celui-ci. Et peut-être qu'avec le triplet, ça devrait commencer doucement et devenir un peu plus fort Et alors celles-ci peuvent tout simplement l'être. Et puis ça peut être un peu silencieux. Peut-être que nous allons faire en sorte que le prochain hit augmente la vélocité. Et ce type est décalé, donc nous pourrions l'accentuer un peu, puis nous pourrions accentuer celui-ci et laisser le reste à un volume assez faible Voyons à quoi cela ressemble. D. Je pense que ça sonne bien. Je vais peut-être renforcer un peu cette philosophie, et je n'en suis pas un grand fan, alors je vais juste faire en sorte que les choses aillent dans le sens inverse, c'est-à-dire qu'elles deviennent plus calmes D. La dernière chose que nous pourrions faire est de varier le ton des parties accentuées du chapeau, vous savez, des choses comme le rôle ou les triplés Donc, ce que nous pouvons faire ici, c'est zoomer. Et disons que c'est un hit que le rôle se présente tel qu'il joue. Donc, ce que je vais faire, c'est souligner cette note. Et en utilisant les touches Shift et les flèches, je peux modifier sa tonalité. Je vais donc le présenter, et je vais faire de même pour le suivant. Posez-le, peut-être là, et le dernier peut-être là. Voyons à quoi cela ressemble. Oups. Faisons donc la même chose avec ce porte-chapeau. Oh, désolée, c'est faux. Comme ça. Et nous allons également le déplacer vers le bas. Alors maintenant, tous nos rouleaux Hi At sont lancés pendant qu'ils jouent Et juste à des fins de démonstration, nous pourrions faire en sorte que les triplés présents prennent la parole. C'est probablement un peu exagéré, mais j'essaie juste de montrer toutes les techniques Prenons donc la première note et faisons simplement un petit pitch up subtil pour les triplés OK, écoutons-le maintenant. Et ce que nous pouvons faire maintenant, c'est copier cela. Soulignons donc cela. Commande C ou Contrôle C si vous êtes sous Windows. Nous allons ramener notre autre chapeau, ouvrir le rouleau de piano. Et ce que je vais faire, c'est le supprimer, le modifier, le supprimer. Ensuite, je vais coller notre nouveau modèle de chapeau haut avec le pitch shift, les rouleaux , les variations de vélocité et tout ça. Écoutons maintenant avec les deux couches de chapeaux hauts qui jouent le même nouveau schéma. Enfin, il y a une autre chose dont je voudrais parler dans cette conférence, les chapeaux hauts décalés Donc, pour vraiment apporter un peu de rebond ou, vous savez, pour apporter une touche hip hop, nous allons ajouter un chapeau haut ouvert, et ça va jouer sur un ton décalé N'oubliez donc pas que le décalage correspond à la moitié d'un battement. Alors allons-y et cherchons maintenant un bon son de chapeau haut ouvert. Je vais donc essayer mon dossier Ultimate Warehouse Techno. Nous allons essayer certains de ces chapeaux. Elles sont un peu courtes. Tu cherches quelque chose d'un peu plus long que ça. OK, oui, c'est un chapeau ouvert, à peu près de la longueur de celui-ci avec le chapeau 12. Donc je vais l'ajouter. Et je ne vais pas en abuser Je pourrais juste le mettre une fois ici au début. Écoutons-le. Peut-être ici aussi. Maintenant, cela ne donne pas l'effet que je recherchais, donc je vais juste voir si je peux trouver un autre échantillon. Peut-être que celui-ci va juste l'essayer. Je veux juste vous montrer l' originalité du bounce . Alors écoutons-le. Et maintenant, bien sûr, si vous aimez le son, vous pouvez le mettre sur tous les rythmes décalés pour créer une sorte de son hip hop ou house Mais je n'en suis pas un grand fan, donc je vais juste m'en tenir à ce qu' il n'y en ait qu'un au début du patron. Et écoutons ceci dans le contexte de notre extrait original que nous utilisons pour le crochet de notre trek. 8. Théorie moderne du groove : placement de la partie charnée et du clou: Très bien, examinons très rapidement un concept simple, placement des coups de pied et des pièges C'est la pierre angulaire de la production de rythmes, qu'il s'agisse de trap, de hip hop, de house rythmes expérimentaux. La maîtrise de ces éléments est essentielle pour créer des pistes sonores professionnelles Donc ce que je vais faire, c'est le réduire à l'essentiel, d'accord ? Je vais donc donner le coup de pied à un et trois, et je vais applaudir à deux et quatre J'ai déjà chargé un modèle de chapeau de huitième note ici, juste pour donner un peu de contexte au rythme. Ce ne sont donc que les bases d'un rythme, et cela va sembler très basique et très robotique. Donc, une façon d'agrémenter les choses serait de doubler le coup de pied. Vous pouvez donc simplement ajouter un coup de pied supplémentaire avant ou après un beat. Ainsi, par exemple, plaçons un nouveau coup de pied juste avant le troisième battement. Ou on peut le placer juste avant le quatrième beat. Et encore une fois, à des fins de démonstration, placons-le peut-être après. Plaçons donc le double coup de pied un pas après le quatrième temps. Vous pouvez également créer des rainures vraiment intéressantes en déplaçant légèrement le collet Donc, si nous faisions avancer cette deuxième caisse claire et mettions plutôt sur le décalage, cela ressemblerait Le groove est donc une question d' attente et de surprise. Rompre avec un schéma rigide peut créer de l'excitation et du mouvement. Ainsi, par exemple, en plus de cette idée de double coup de pied que nous avons, ajoutons simplement un autre double coup de pied ici. Nous pouvons également placer des coups de pied en mode décalé. Donc, par exemple, donnons un coup de peut-être ici, dès le premier décalage. Ensuite, nous pouvons utiliser des éléments tels que des coups de jante , des percussions ou, par exemple, la caisse claire pour ajouter des notes fantômes beaucoup plus subtiles sur des rythmes décalés Les notes fantômes sont donc généralement syncopées. Elles apparaissent rarement au premier battement. Donc, par exemple, peut-être pourrions-nous utiliser cette caisse claire comme note fantôme pour doubler nos applaudissements Alors doublons-le ici et peut-être ici. Et avec les notes fantômes, elles sont censées être assez subtiles. Donc, ce que je vais faire, c'est baisser le volume juste pour que ce soit un peu subtil. Vous pouvez même utiliser les barres de vélocité que nous avons examinées lors la dernière conférence pour créer des notes fantômes dans d'autres samples, comme le kick. Ainsi, par exemple, si nous lançons le coup de pied dans un rouleau de piano et que nous prenons l'un de ces doubles coups de pied, nous pouvons faire en sorte que le double coup devienne une note fantôme en baissant simplement le volume Ajoutons-en un autre à des fins de démonstration. Oups Donc, tout ce que je veux vraiment souligner cette conférence, c'est de ne pas tomber dans le piège qui consiste à placer vos samples de manière rigide sur le rythme Utilisez des moyens tels que doubler vos coups de pied, placer le coup de pied sur le décalage, doubler vos applaudissements et votre caisse claire, et utiliser des notes fantômes à faible vélocité placer le coup de pied sur le décalage, doubler vos applaudissements et votre caisse claire, et utiliser des notes fantômes à faible vélocité. 9. Les bases des mélodies: Nous allons maintenant nous concentrer sur l'écriture mélodies mémorables sans avoir besoin plonger dans la théorie musicale Alors, qu'est-ce qu'une bonne mélodie ? Eh bien, tout d'abord, c'est accrocheur, donc ça reste dans la tête de l' auditeur Cela peut être émotionnel là où cela crée une ambiance, vous savez, sombre, mélancolique, édifiante Mais les meilleures mélodies pour créer des rythmes sont simples. Ils laissent de la place à la batterie et au chant. Une bonne mélodie provient souvent du bon rythme et de la bonne forme, pas seulement des notes elles-mêmes La mélodie dépend autant du moment où les notes frappent que des notes Donc, ce que nous allons faire, c'est commencer par un rythme simple. Je vais donc créer un nouveau modèle appelé mélodie. Et nous allons ajouter un plugin amusant, peut-être un sérum. Et je vais essayer de créer une sorte de son « soft lead ». Peut-être quelque chose provenant de cette banque de sons Deep House commerciale . Voyons voir ici. OK, restons-en à cet univers prédéfini pour le moment. Alors maintenant, je vais réfléchir de façon rythmique. Je vais ouvrir le rouleau de piano, et je vais juste dessiner un rythme. Et je pourrais simplement le déplacer d' une octave en augmentant la commande ou en la contrôlant. Donc, ce que vous recherchez ici, c'est un rythme court et répétitif syncopé Maintenant, pour ceux d'entre vous qui comprennent le solfège, c'est un excellent point de départ. Vous savez, si vous êtes en do mineur, vous pouvez commencer à déplacer ces notes vers les différentes notes en do mineur, et vous pouvez créer une belle sorte de mélodie Quelque chose comme ça. Mais je comprends que beaucoup de créateurs de rythmes ne sont pas issus de la théorie musicale. Donc, avec FL Studio, je vais vous montrer une astuce. Ce que je vais faire, c'est revenir dans mon rack à chaînes. Je vais charger un échantillon aléatoire, et je vais le désactiver Ensuite, je vais l'ouvrir dans le rouleau de piano. Je vais monter ici dans ce petit menu déroulant, et je vais descendre pour tamponner. Donc, pour les mélodies, ce qui nous intéresse ici, ce sont les gammes Je suis sûr que vous avez tous entendu parler des gammes mineures et majeures, mais il existe également de nombreuses autres gammes issues de différentes cultures du monde entier. Et il y a aussi ces choses appelées modes. Et un mode est essentiellement ce qui se passe lorsque vous jouez la forme d'une échelle dans une touche différente. Ainsi, par exemple, la clé de do majeur. Oups, j'ai besoin d'un instrument mélodique. Donc, avec la tonalité de do majeur, ce sont toutes les notes blanches. OK ? Je parlerais donc simplement de forme. Ainsi, par exemple, nous avons un ton, un demi-ton, un ton, un ton, un ton, un demi-ton Tu n'as pas à t'inquiéter à ce sujet. Concentrez-vous simplement sur le fait que la touche de do utilise toutes les notes blanches. Si je devais le réduire à A, ne jouant que les notes blanches. Vous obtenez maintenant la clé de A mineur , également connue sous le nom de mode éolien OK ? Nous avons donc pris toutes les touches blanches de la touche C, et nous les avons simplement déplacées vers A. Nous avons joué toutes les notes blanches depuis A. Donc, si nous reprenons la même idée de ne jouer que des notes blanches, en ré, nous allons obtenir une nouvelle gamme ou un nouveau mode appelé Dorian Dorian peut sembler mélancolique et obsédant. Si nous faisons la même chose maintenant pour E, nous obtiendrons un mode appelé phrygien Et ainsi de suite. Il existe des modes pour toutes ces notes, notamment Lydian, Mixolydian et Locrian Quoi qu'il en soit, tout cela n'a aucune importance. Je voulais juste montrer la différence entre les différents modes. Mais si nous revenons à la casquette haute que nous utilisions et que nous arrivons à la flèche, nous pouvons activer certains de ces modes. Donc, par exemple, peut-être qu'avec le mode Dorian, ajoutons-le Je vais faire glisser les notes sur l'ensemble de ma barre. Ensuite, je vais revenir à la mélodie sur laquelle je travaillais N'oubliez pas que c'est en sourdine. Et quand nous revenons ici, il y a une fonction dans FL Studio où vous pouvez voir d'autres notes dans le motif, d'accord ? Je crois que je l'ai déjà fait, mais si ce n'est pas le cas, le raccourci est l'option V ou l'option Victor sur un Mac ou Alt V Alt Victor sur Windows. Maintenant, c'est juste une octave trop haut, donc je vais revenir en arrière et le déplacer vers le bas. Et je vais réinitialiser notre mélodie. Et maintenant, j'ai essentiellement un plan pour le mode Dorian. Donc, si je veux créer une mélodie cool et intéressante en mode Dorian, il me suffit de déplacer les notes du rythme que j'ai créé plus tôt sur l' une de ces Donc, par exemple, jetons ça là-haut , peut-être là-haut. Et nous verrons à quoi cela ressemble. Et vous pouvez expérimenter différents placements de notes. Et vous pouvez voir instantanément que cela nous a donné cette ambiance vraiment cool et intéressante, et il serait très facile maintenant de poursuivre sur cette lancée À titre de démonstration, faisons-en une autre. Je vais donc les supprimer. Je vais le tamponner. Optons pour quelque chose de aléatoire. Optons peut-être pour cette échelle hongroise. OK, c'est intéressant. Voyons à quoi cela ressemble lorsque nous modifierons notre mélodie pour l'adapter à la gamme hongroise J'ai juste besoin d'étirer ces notes. Alors faisons-les simplement glisser. Et nous verrons à quoi cela ressemble. Je ne suis pas un grand fan de cette note, donc je pourrais simplement passer à la vitesse supérieure. C'est un peu sombre et inquiétant légèrement dissonant et Mais très rapidement, encore une fois, j'ai créé une ambiance complètement différente Maintenant, la prochaine chose dont je vais parler est le contour. contour est essentiellement la forme de votre mélodie, que les notes montent, descendent ou restent stables En gros, avec cela, si vous pouvez imaginer tracer une ligne entre les notes de votre mélodie, il ne devrait pas y avoir de sauts extrêmes OK ? Cela devrait être assez fluide, donc nous montons, nous tombons, nous redescendons, nous redescendons, redescendons, nous descendons un petit pas, nous sautons puis nous redescendons. Donc, en gros, tout ce que vous avez à faire est de garder le contour de votre mélodie cohérent Donc ce que vous ne voulez pas, c'est, vous savez, un grand saut comme celui-ci, un grand saut vers le bas, un autre saut. Peut-être que nous garderons ça et que nous sautons ici. Cela va sonner un peu partout, mais pas ensemble. Je veux dire, c'est cool. C'est intéressant C'est différent. Et encore une fois, la musique, il n'y a pas de bonne façon de faire les choses, mais le contour de la mélodie est très important Donc, une façon de résoudre ce problème pourrait être de conserver ce saut au début. Mais au lieu de redescendre, nous pourrions simplement redescendre un peu, puis peut-être que nous continuerons à nous rabattre sur cette note ici. Et puis, comme nous avons un grand saut ici, peut-être que nous essaierons de le dissocier en ajoutant cette note ici. Et puis c'est encore une fois un grand saut. Alors peut-être que je vais juste placer cette note ici. Et vous devriez voir maintenant qu'il y a une belle sorte de contour lisse entre toutes les notes. Maintenant, sans tenir compte du fait que cette gamme est assez dissonante, étrange et effrayante en elle-même, si vous parvenez à surmonter ce fait, vous pourriez entendre que la mélodie est un peu plus cohérente et qu'elle est un peu plus fluide parce que le contour Et je veux dire, c'est une sorte de mélodie plutôt nerveuse. Toutes les notes sont courtes. Mais si vous voulez l'allonger, faites-en peut-être 2 barres Ce que nous pourrions faire, c'est que je vais simplement changer cette échelle parce que je n'en suis pas un grand fan Je vais donc revenir à Dorian Nous allons le charger. Je vais dessiner en travers pour les 2 barres. Et très rapidement, créons simplement un nouveau rythme. C'est un peu plus lent. Oups. Peut-être quelque chose de simple comme ça. Et ce que nous pouvons faire, c'est allonger les notes. Oups. Quelque chose comme ça. Et maintenant, nous pouvons les faire glisser vers ce genre de notes surlignées, d'accord ? Encore une fois, en gardant l'idée de contour. Cela m'amène à mon point suivant, à l'utilisation de notes fantômes dans les mélodies Nous avons donc déjà examiné les notes fantômes, et en gros, tout ce que nous allons faire, c'est peut-être ajouter de petites notes. Comme ça. Oups, comme ça Cela pourrait être un peu plus discret pour rompre la monotonie de ces notes plus longues Peut-être que nous allons ajouter une petite étape ici et nous verrons ce que cela signifie. Donc, en gros, si vous ne connaissez pas la théorie musicale, FL Studio regorge outils lorsqu'il s'agit de créer des mélodies Si vous comprenez la théorie musicale, je suppose que vous pouvez fredonner des mélodies dans votre tête et, vous savez, vous savez ce que vous regardez et vous savez ce que vous recherchez Mais pour ceux d'entre vous qui ne le comprennent pas vraiment, c' est ainsi que je procéderais. 10. L'émotion dans l'harmonie : créer des accords: Bien, nous allons maintenant nous concentrer sur la façon de créer des accords qui améliorent votre mélodie et fonctionnent rythmiquement Oubliez donc la théorie musicale rigide, nous allons nous concentrer sur des techniques pratiques basées sur les sensations en utilisant outils et les approches créatives de FL Studios. Les accords utilisés dans le beat making constituent donc la base du morceau Il soutient la mélodie et donne le ton émotionnel. De bons accords peuvent compléter votre mélodie, ajouter de la richesse et de la profondeur et rythmer le rythme de votre batterie Je suis donc de retour à mon projet ici. Et ce que j'ai fait, c'est essayer de copier la mélodie de cet extrait vocal J'ai essayé de le faire avec un synthétiseur. Et j'ai juste ajouté un petit fondu rapide à la fin du sample, afin qu'il puisse s'estomper au fur et à mesure que la mélodie du synthé s'estompe, puis il se transformera en quelque sorte vers ce type de section de refrain Donc, honnêtement, sans recourir à la théorie musicale, le moyen le plus simple de trouver tonalité d'une mélodie est de demander à ChatBT Donc je l'ai déjà ouvert. Oups. Puis-je ouvrir les deux en même temps ? Je ne sais pas Peut-être que si je le fais, oui. OK, donc j'ai ouvert Chachi PT, et je vais juste le demander. Voyons voir. Dans quelle tonalité se trouve cette mélodie ? Maintenant, je vais lui dire quelles notes nous utilisons. Nous avons donc E, F, c'est écrit sur la note, G A F, F, A F. 1 barre est probablement suffisante pour en donner une idée. Disons-le donc. Cha CIBT pense donc que cette mélodie est en fa majeur. Je vais donc revenir à mon projet, et je vais juste jouer la mélodie, et je vais jouer la note de fa et do Est-ce que cela me convient Oui, ça a probablement l' air juste. Cependant, dans la plupart des genres de beat making, ils sont généralement écrits dans une tonalité mineure. Chachi BT a donc déclaré que nous étions en majeure partie ici. Cela indique que nous sommes en fa majeur, mais la bonne nouvelle, c'est que nous pouvons utiliser la relative mineure de fa majeur, et cela sonnera toujours aussi bien. Donc, pour les besoins de l'argumentation, vous avez peut-être créé une mélodie vous-même et Chachi BT a dit qu'elle était dans une tonalité mineure. C'est parfaitement bien. Tu peux juste y aller. Mais si Chachi BT indique que votre mélodie est probablement en majeur, alors nous pouvons utiliser le mineur relatif Donc, si vous ne savez pas ce que c'est, encore une fois, une petite recherche rapide sur Google vous dira exactement de quoi il s'agit. Mais je n'ai pas besoin de le faire parce que je sais que la version relativement mineure du fa majeur est le ré mineur. Voyons maintenant quand je tiens le nœud D. Est-ce que ça sonne aussi bien que F ? Oui, ça me semble tout aussi bien, mais le ton est un peu plus sombre parce que maintenant nous sommes dans une tonalité mineure. Maintenant que nous savons que nous sommes dans la tonalité de ré mineur, allons-y et ajoutons cette gamme à nos notes fantômes de fond . Tampon, l'un d'eux soit mélodique mineur, soit mineur naturel Personnellement, je préfère les sons mineurs mélodiques, donc je vais juste les tamponner moi-même Et sortons ces notes. Ensuite, nous allons créer un nouveau modèle appelé accords. Et peut-être que nous allons simplement ajouter une sorte de piano. Maintenant que j'ai adopté un modèle différent, j'ai en fait perdu mes notes fantômes Je vais donc les tamponner à nouveau et tamponner le mineur sur le ré . Ensuite, nous allons retourner au piano. Et nous pouvons commencer à créer nos accords. Donc, ce que je vais faire, c'est coller les accords sous la mélodie comme nous le faisions auparavant, et je vais simplement supprimer ces notes parce que nous n' en avons pas vraiment besoin Je vais jouer la mélodie en solo en cliquant avec le bouton droit sur ce voyant vert Ensuite, je vais également activer mes accords en cliquant simplement sur ce voyant vert Et puis, si j'arrive ici aux numéros de barre, je peux cliquer avec le bouton droit de la souris et faire glisser le pointeur pour créer une boucle. Alors maintenant, quand je clique sur Play en mode Song, je vais continuer à parcourir cette section en boucle pour que je puisse écouter ma mélodie et jouer avec différents accords Donc pour le moment, oups, je devrais être dans mes cordes Donc pour le moment, tout ce que nous avons à faire est peut-être d'essayer d'ajouter des notes de basse qui, selon nous, pourraient fonctionner. Voyons voir, nous sommes un peu trop hauts. Je vais juste les déposer. Peut-être que nous allons redescendre. Oui, maintenant nous sommes dans la partie basse du piano. Donc, en utilisant nos notes fantômes, je vais d'abord mettre la note fondamentale, qui est le ré, et nous verrons où se trouve la mélodie, nous voulons ajouter un nouvel accord Peut-être pourrions-nous ajouter un autre type d'accord ici à mi-chemin de la première mesure. Donc, si je le raccourcis, et que nous choisissions simplement l'une de ces notes fantômes, peut-être que nous essaierons celle-ci. Hum, peut-être que nous allons essayer celui-ci. Et celui-ci ? Et parce que nous sommes dans la gamme, parce que nous avons estampillé dans notre gamme mineure, nous devrions pouvoir placer n'importe quel type de note, et cela devrait fonctionner 90 % du temps. Essayons ça. Et il n'est pas toujours nécessaire de commencer par le début. Vous pouvez commencer sur une note différente, peut-être celle-ci, mais vous devez vous assurer que vous avez toujours la note fondamentale quelque part. OK ? Donc, pour le moment, nous n'avons pas F, A, E et G, et D est notre nœud racine. Nous n'avons pas de D. Cela va donner l'impression qu'ils n'ont pas de maison. Ils n'ont nulle part où aller. Il a toujours envie de revenir à cette note fondamentale. Et cette note fondamentale peut être n'importe où. Cela peut arriver à la fin. Peut-être que nous allons essayer quelque chose comme je ne sais pas. Pour le moment, je vais simplement ajouter les accords qui, selon moi , sonnent le mieux avec cette mélodie, et ils sont ici en sonnent le mieux avec cette mélodie, si bémol ou en la dièse, comme le dit FL Studio, en do, D, et je pense à sol sol ou non, peut-être A. Et je veux qu'ils soient en quelque sorte à la hauteur de cette note fondamentale Oui, c'est le genre d'accords que je recherche pour cette mélodie Maintenant, la raison pour laquelle je choisis ces accords, c'est parce que, gros, lorsque la mélodie jouait, je fredonnais ces accords en même Et c'est quelque chose que tu peux faire aussi. Si vous êtes capable de fredonner en même temps que la mélodie, vous pouvez alors fredonner votre ligne de base et ensuite trouver quelles notes correspondent à la ligne de quelles notes correspondent à base que vous De plus, grâce à mes années d'expérience, je sais quels accords fonctionnent pour certaines touches quels accords j'aime et quels accords je finis toujours par revenir Donc, pour vous, vous en êtes peut-être déjà au stade où vous produisez depuis un certain temps et vous pouvez également choisir les accords que vous aimez en fonction de votre expérience Mais certains d'entre vous sont peut-être débutants, et si vous êtes débutant, je vous recommande cette méthode avec la balance. Et maintenant, nous allons utiliser à nouveau la magie de FL Studios. Nous allons revenir à la fonction d'estampage, et nous allons tamponner les accords. Maintenant, il existe deux types principaux de tonalité avec les accords Il y a une tonalité majeure et une tonalité mineure. Donc, si vous venez et que vous tapez un accord ici, disons que nous remplaçons ce cordon pointu par un cordon pointu en A, peut-être que ça ne sonne pas trop bien Je veux dire, ça sonne vraiment mal parce que c'est conflictuel. Mais en jouant ici avec la gamme, vous savez que le A dièse, qui est aussi cette note, est dans la tonalité. Peut-être que ce que nous avons choisi, qui était un accord mineur, n'est tout simplement pas le bon type de tonalité Donc, ce que je vais faire, c'est revenir à mon tampon. Et, d'accord, donc Minor ne fonctionne pas. L'autre type de tonalité est majeur. Essayons donc plutôt un accord majeur. OK, je vais juste tout changer d'une seconde juste pour vraiment le souligner. Voici donc à quoi ressemble le major. Mais par exemple, encore une fois, je vais simplement revenir à l'estampage dans cette tonalité mineure Encore une fois, l'accord mineur entre en conflit alors l'accord majeur n' est pas une autre façon d'être sûr de vérifier si les notes du cordon que vous venez d'estampiller correspondent également aux notes de la gamme OK ? Donc, un pointu ici, nous pouvons encore le voir, qui correspond. En revanche, est-ce que c'est une note qui ne figure pas dans la gamme, d'accord ? C'est donc probablement de là vient cette sorte de dissonance conflictuelle Donc je sais, d'accord, cela ne fonctionne évidemment pas. Nous allons donc plutôt recommencer à estampiller ce cordon principal. Et nous allons essayer la même chose avec le C. Donc, venons ici et inscrivons, par exemple, peut-être un neuvième mineur, et nous l'ajouterons au C. Donc c'est une grosse corde jazzy Mais voyons si nous pensons que cela pourrait convenir. Nous avons donc un C, qui est oui dans notre échelle. Nous avons un ré dièse, ce qui n' est pas dans notre échelle, d'accord ? Nous avons un G, qui est un A dièse, et un D qui est Ce ré dièse n'est pas dans notre échelle. Je ne pense donc pas que ce cordon sonnera trop bien. Remplaçons-le contre un accord majeur. Revenons donc à notre timbre. Et nous en avions inscrit un neuvième mineur. Essayons donc la septième majeure, et nous la mettrons sur le C. Encore une fois, cela ne sonne pas très bien parce que la note de si ci-dessus n'est pas dans notre gamme. Alors peut-être que tout cela est trop chic pour cet accord en particulier et que nous devrions revenir au bon vieux major Encore une fois, essayons avec le D. Nous inscrirons peut-être un septième mineur. Est-ce que ça va aller ? Eh bien, vérifions-le. Nous avons un D. Nous avons un F. Oui. Nous avons un A. Oui. Et nous avons un C. Oui. OK, donc ce cordon va probablement bien sonner. Oui, ça me semble normal. Et puis pour ce dernier mot, pourquoi ne pas essayer le même ? Nous allons essayer une septième mineure parce que cela sonnait très bien sur le D. Donc, ajoutons une septième mineure ici sur notre fa mineur, et je vais juste la baisser pour que nous puissions y jeter un coup d'œil. Y a-t-il une note ici qui ne figure pas dans notre échelle ? Eh bien, il y en a. Il y en a deux, en fait. Il y a G sharp ici. Ce n'est pas dans notre échelle, et il y a un D aigu ici, ce qui n'est pas dans notre échelle. Je ne pense donc pas que ce cordon sonnera très bien. Mais je sais que le nœud de F sonne bien, donc je vais m'en tenir au nœud de F. Je vais tamponner dans la tonalité opposée d'un mineur, qui est un majeur Passons donc à une septième place majeure sur ce F. Voyons voir. Pensons-nous que cela fonctionnera ? Nous avons un F, un A, un C et un E. Eh bien, nous avons un F, oui, un A. Oui, un C. Oui, c'est dans notre échelle et un E. Oui, c'est dans notre échelle aussi. Je pense donc que cet accord va bien sonner. Oh, la prochaine chose que nous allons examiner ici, ce sont les inversions Et l'inversion n'est qu' une façon sophistiquée de dire : répartissons les notes de cet accord Donc, pour le moment, vous pouvez voir que lorsque je surligne l'une des notes, elles s'allument toutes. Et c'est parce qu'ils sont groupés, ils le sont parce que nous les avons estampillés. Mais si nous voulons les dissocier, nous pouvons mettre en évidence ce maillon, puis le désactiver. Nous devrions donc maintenant être en mesure de modifier chacune de ces notes individuellement, ce qui est le cas. Donc, ce que je vais faire pour créer une inversion, c'est peut-être prendre le D, et je vais le déplacer vers le D ici. Peut-être que je vais prendre le E, et je ferai la même chose. Et je suppose que nous allons continuer comme nous le faisons Nous allons donc prendre la deuxième note de l'accord et la déplacer vers son équivalent le plus aigu Déplaçons donc ce F vers ce F, puis nous déplacerons ce A, peut-être jusqu'à ce A. Et les inversions sont un excellent moyen d'obtenir un son vraiment très grand et ouvert, d'accord ? Donc, avant que toutes les notes fusent ici, les cordes sonnaient un peu serrées et compactes. Mais en déplaçant toutes ces notes vers leurs homologues les plus aigus, nous pouvons rendre les accords beaucoup plus ouverts et pleins Et le dernier aspect de la construction d'accords consiste à essayer de les adapter à la batterie Je vais donc souligner tous ces accords que nous venons de créer, et je vais les rendre tous vraiment courts afin que nous puissions trouver un bon rythme Donc, si je reviens dans affichage de ma playlist et que je désactive la mélodie cette fois, pour que seule la batterie joue avec les accords Ce que je vais faire maintenant, c'est simplement dessiner un rythme avec les accords qui, selon moi, correspondent à la batterie Alors écoutons-le un peu. Donc, comme le coup de pied arrive assez tôt, je pense que nous devrions changer les accords pour qu'ils je pense que nous devrions changer les correspondent au coup de pied, et je vais juste vous montrer ce que je veux dire Donc, dans le schéma de la batterie, le coup de pied tombe avant le battement de la barre. Et cela se produit également ici. Les deux coups de pied atterrissent avant le battement de la barre. Techniquement, ces coups de pied devraient se faire sur le rythme, ce qui semblerait être le cas Mais n'oubliez pas qu'avant de construire des batteries, nous pouvions déplacer ces coups de pied ensemble pour créer des doubles coups Et si nous les éloignons également du premier rythme, nous pouvons créer une bonne impression de groove ou de rebond Mais à cause de cela, je pense que ces cordes devraient être déplacées vers l'avant pour atterrir également lorsque ces deux doubles coups de pied atterrissent Ce sont donc ces deux gars ici. Maintenant, cette étape devient la nouvelle étape pour nos nouveaux accords, le nouveau type d'endroit où ces accords sont censés commencer Essayons donc maintenant de leur trouver un rythme. Peut-être quelque chose comme ça, et nous allons simplement copier ces autres notes pour créer des accords complets comme celui-ci Ensuite, nous pouvons quelque sorte combler l'espace entre les deux en faisant simplement glisser les notes vers l'extérieur comme ceci Frank, celui-ci aussi. Et ce que je fais ici en laissant un peu d'espace entre les notes les plus courtes, j'ai oublié cet accord Mais oui, laisser un peu d'espace après ces accords plus courts créera un peu de rebond supplémentaire , car vous utilisez ce silence comme une sorte d'effet de bégaiement ou de trébuchement . Écoutons-le maintenant. Et par tous les moyens, peut-être que tu n'aimes pas le son de ça. Vous voulez donc simplement les resserrer toutes. C'est parfaitement bien aussi. Tout ce qui sonne bien est bon. Apportons également notre mélodie. O. rapidement Pour mettre rapidement en évidence d'autres techniques que vous pouvez utiliser, disons, par exemple, votre accord est dédoublé, votre schéma d'accords est doublé comme ceci Il y a une autre copie des accords. Pour susciter un peu d' intérêt, vous pouvez peut-être modifier l'un de ces accords pour qu' il soit ces accords pour qu' légèrement différent de celui de la première moitié, ou vous pouvez réorganiser certains d'entre Donc, par exemple, peut-être que nous allons prendre cet accord en fa et le réorganiser avec ce Dcord Et il va falloir trouver le rythme. Oups. Je veux juste le souligner. Et il vient ici, Ops, à mi-chemin. Et celui-ci doit être raccourci. Alors maintenant, le rythme de tout cela correspond à celui de ceux-ci. Mais l'ordre, donc D et F, est échangé autour de F et D. Et encore une fois, vous pourriez apporter quelques ajustements supplémentaires, c'est-à-dire ajuster la vélocité ici, rendre les cordons un peu plus naturels en leur attribuant simplement différents types de vitesses Et si vous voulez vraiment obtenir des détails, vous pouvez commencer à ajuster, vous pouvez commencer à régler la vélocité de chaque note individuelle dans le cordon comme ceci Vous pouvez également ajouter des éléments tels que des accords de passe. Ainsi, par exemple, là où notre schéma d'accords commence à se réinitialiser, il redescend de fa à A dièse Nous pourrions simplement ajouter un petit accord d'un pas vers le bas, par exemple si nous voulons réutiliser ce D, nous copierons cet accord en ré Et nous allons faire en sorte que ce soit un peu plus discret, comme dans les notes des fantômes. Et maintenant, vous avez ajouté un mot de passe où le F rapidement à D, puis redescend au A dièse. C'est peut-être un peu trop rapide. Oups, c'est tout. Il suffit de le faire glisser ici. 11. Remplir l'espace avec des arpes et des coussinets: Nous allons donc maintenant nous plonger dans les arpèges et les pads. Ce sont des outils essentiels pour combler l'espace dans vos rythmes tout en préservant la clarté. Ces éléments apportent de la profondeur, du mouvement et de l'atmosphère à vos morceaux sans surcharger le mixage. Les arps peuvent donc ajouter du rythme et des mouvements complexes, quelque sorte s'imbriquer dans le rythme, tandis que les pads peuvent créer une toile de fond luxuriante et atmosphérique qui remplit l'espace sonore Le but ici est de combler intentionnellement les lacunes sans concurrencer la mélodie principale ou la batterie Je vais donc venir ici et créer un nouveau modèle, et nous allons renommer ce modèle Rp. Ensuite, je vais charger un synthétiseur, donc nous allons prendre du sérum Et nous recherchons des sons ou des connecteurs courts. Peut-être trouverons-nous quelque chose dans ce dossier de techno mélodique. OK, prenons l' un de ces bouchons. Essayons de nettoyer cette prise. Donc, la première façon de créer un arp est d'ouvrir le rouleau de piano, et à partir de là, nous pouvons tamponner les accords que nous avions auparavant Maintenant, si nous nous souvenons, ils étaient d'un ton aigu dans une tonalité majeure en do majeur . Je dois y retourner et obtenir mon timbre majeur Nous allons donc tamponner en do dans une tonalité majeure. Ensuite, nous avons eu la note fondamentale, qui était le ré, et je sais que c'est une tonalité mineure parce que nous sommes dans la tonalité de ré mineur Nous allons nous y atteler. Et puis je crois que c' était Fa dans une tonalité majeure Ouais, ça a l'air juste. Maintenant, je vais juste vérifier le rythme parce que je me souviens d' avant que nous ne changions le rythme ici. Et comme vous pouvez le voir, avec les accords de piano, ils arrivent en fait avant nos accords d'arpe Nous devons donc régler ce problème. Nous devons nous assurer que tout est aligné. Déplaçons donc les accords d'arp pour qu'ils correspondent aux accords de piano Ensuite, nous rentrerons et jetterons un coup d'œil. Oui, ça me semble juste. Et puis, si vous vous souvenez d'avant, nous avons également inversé les deux derniers accords. Donc, refaisons-le pour que notre arpe corresponde à nos accords de piano Donc très rapidement, inversons les choses. Et nous y voilà. Alors maintenant, avant d' aller plus loin, je voudrais juste parler de ce qu'est réellement un arp ou un arpège Un arpège ou une arpe n'est donc qu'un mot fantaisiste pour désigner une Donc, en gros, vous prendriez votre cordon ici. Et ce que vous feriez, c'est le diviser en petites notes individuelles qui montent et descendent. Ce serait un RP. Cependant, FL Studio regorge de petites surprises magiques. Donc, si nous soulignons toutes ces notes, oups. Permettez-moi d'en venir ici aux outils. Vous pouvez voir qu' à mi-chemin de ce menu trouve un outil appelé arpeggiate Et cela fait apparaître cette fenêtre ici. Et avec ça, il y a plusieurs options différentes, d'accord ? Il y a un schéma ici en haut, qui ouvre essentiellement un dossier, et il vous permet de choisir parmi les différents arpèges prédéfinis fournis avec le logiciel Vous pouvez utiliser ce menu déroulant ici pour inverser les notes ou les alterner d'avant en arrière. Ici, avec la multiplication par le temps, vous pouvez étirer les notes pour créer des rythmes intéressants ou des arps vraiment rapides Vous pouvez définir la hauteur à laquelle vous souhaitez que les arps aillent. Vous pouvez utiliser la fonction de synchronisation pour changer moment où la boucle de l'arpégiateur Ensuite, vous pouvez jouer avec des éléments tels que la vélocité, le panoramique et le relâchement et tout ce genre de choses. Mais pour le moment, voyons comment cela sonne. Annulons cela et examinons un autre type de modèle que nous pourrions utiliser. Nous allons donc passer à l' arpégiateur, puis peut-être que nous chercherons un préréglage amusant fourni avec le Essayons peut-être l'une de ces trois notes. Donnons-lui plus de portée. Disons peut-être deux octaves. Voyons à quoi cela ressemble. Donc, avec les arps, vous allez probablement les utiliser parcimonie comme une sorte d'élément d' arrière-plan Ils sont utilisés pour ajouter du rythme sans détourner l'attention de la mélodie principale Donc, là où je les ai ici cela ne marchera probablement pas parce qu'ils jouent en même temps que l'idée principale ou la mélodie principale du morceau Donc, si nous le jouons maintenant, cela va probablement sembler un peu désordonné et un peu désorganisé Mm. Ces deux éléments, la mélodie et l'arpe, se disputent donc la mélodie et l'arpe, se disputent votre attention Mais d'après ce que j'imagine, ce morceau sera une sorte de section de refrain Nous allons donc avoir notre petite introduction avec le sample sur lequel nous travaillons La mélodie principale va en quelque sorte s'estomper. Nous allons nous laisser tenter par un refrain bien construit pour ces 4 mesures, puis nous nous dirigerons vers une sorte de section de couplets Donc je pense que pour moi, l'arpe devrait probablement être quelque part par ici Ensuite, nous allons créer un tampon pour la profondeur et l'atmosphère. Encore une fois, remontons en haut, et nous allons trouver le suivant vide et créer un nouveau modèle de pad. Donc, encore une fois, nous allons charger un synthétiseur. Et avec cela, nous recherchons quelque chose de doux et d'ambiant. Essayons de trouver un son de pad agréable. Je pense donc qu'il y avait beaucoup de pads dans ce dossier de techno mélodique Jetons donc un coup d'œil ici. OK, et ce que nous allons faire avec les pads, c'est insérer les cordes de notre morceau. Nous avons donc A sharp jusqu'à la dernière étape du deuxième beat. Et pour le moment, nous avons C. Ensuite, nous avons notre root no D, jusqu'à la dernière étape du deuxième temps. Et puis nous avons F. Oups Donc, avec ça, je vais peut-être en tirer quelques cinquièmes. Et si vous voulez trouver rapidement le cinquième, comptez jusqu'à sept notes. Nous en avons donc un, deux, trois, quatre, cinq, six, sept. Il y en aurait donc notre cinquième. Et à partir de là, je pourrais faire quelque chose d'un peu intéressant. Je pense donc que je peux alterner entre ces deux notes ici, puis revenir sur celle-ci à la fin du schéma. Donc, si je l' insère, ça ressemble à ça. Et tous les autres accords ont trois notes. Je vais donc le copier et le baisser d'une octave pour donner également trois notes à ce cordon Ensuite, nous pouvons remettre ces pads notre arrangement ici, les superposer dans notre arrangement ici, les superposer et voir comment cela sonne. Maintenant, idéalement, dans le mix, ils seraient en fait beaucoup plus silencieux Ils sont donc juste censés occuper un peu d'espace en arrière-plan. Et j'ai oublié que je devais dessiner dans la deuxième partie du schéma où nous retournons ces deux cordons. Ce sont des pads d'accords, mais il existe une autre astuce que vous pourriez faire pour que les pads ne suivent pas du tout les cordes Ainsi, par exemple, avec cette petite idée de nœud alternatif que j'ai eue auparavant, nous pourrions supprimer les cordons et conserver cette idée de petit nœud alternatif. Découvrez comment il remplit subtilement l'espace en arrière-plan. Ou vous pouvez faire ce que l'on appelle une note de pédale, où si nous entrons dans nos blocs-notes, nous supprimons toutes les notes et maintenons simplement la note racine. La note fondamentale de ce morceau est donc ré parce que nous sommes dans la tonalité de ré mineur. Ensuite, vous laisserez simplement votre bloc-notes tenir cette note en arrière-plan. Mais pour moi, je pense que j'ai préféré l'idée des notes alternées. 12. Contre-mélodies: Ok, regardons les contre-mélodies. C'est une technique sympa pour rendre vos rythmes plus pleins, plus dynamiques et plus intéressants Une contre-mélodie est une mélodie secondaire qui complète et interagit avec la mélodie qui complète et interagit avec la Il ne domine pas la mélodie principale, mais l'améliore, créant une texture musicale plus complexe et plus engageante Ainsi, certaines des principales caractéristiques d' une bonne contre-mélodie incluent le support Cela ajoute donc de la profondeur, mais il ne prend pas le dessus sur la piste. Il est rythmiquement complémentaire, il peut donc remplir des espaces vides ou peut-être que si votre mélodie est assez chargée, il copie simplement le Il doit également fonctionner en harmonie avec la mélodie principale, utilisant souvent la même gamme ou la même tonalité Mais elle est suffisamment différente de la mélodie principale pour susciter l'intérêt, mais elle n'est pas si contrastée qu' elle ne semble pas à sa place Donc, pour créer une contre-mélodie, je vais ouvrir ma mélodie originale, et je vais cloner ce motif Ensuite, je vais ouvrir un nouveau synthétiseur. Et je pourrais juste choisir une sorte de culot. Voyons voir. Je vais juste en choisir un au hasard. Donc, ce que je vais faire, tout d'abord, c'est copier la mélodie originale, et je vais l'intégrer dans mon nouveau synthétiseur Ensuite, comme il s'agit d'une contre-mélodie, je vais en fait la placer au-dessus de la mélodie principale Maintenant, dans ce morceau, le rythme de ma mélodie est assez chargé. Il se passe beaucoup de choses. Je pense donc que pour ma contre-mélodie, je vais simplement imiter le même rythme Et encore une fois, je vais avoir besoin de mon tampon pour voir dans quelle touche je suis en train de taper et quelles notes je dois utiliser. Je vais donc passer à mon instrument muet afin pouvoir y apposer quelques notes fantômes pour la gamme Nous sommes donc en ré mineur. Et je vais tamponner ces notes là-dedans, puis nous pourrons revenir à notre nouvel instrument de contre-mélodie, et nous pourrons utiliser ces notes de la gamme pour dessiner une contre-mélodie Commençons par le faire. Faisons glisser ces notes vers différentes positions. Cependant, nous devons tout de même nous souvenir du contour, afin que la contremode ne puisse pas sauter de partout Il doit toujours avoir un contour lisse. Nous allons peut-être modifier cette note. Commençons par lancer la contre-mélodie maintenant. Et puis peut-être que nous ferons quelque chose comme ça. Et voyons à quoi cela ressemble. Je pourrais le déposer juste pour que nous puissions mieux l'entendre. Et si nous mettons cela en contexte, serait probablement dans la seconde moitié de ce refrain lorsque la mélodie originale est jouée à quelques reprises, vous savez, les gens l'ont entendue Ils s'y sont habitués, puis nous pourrons apporter quelque chose de nouveau. 13. Choisir et superposer les sons: Nous allons maintenant examiner l'un des aspects les plus cruciaux de la production musicale, choix et la superposition des sons donc essentiel de comprendre comment sélectionner les bons sons et est donc essentiel de comprendre comment sélectionner les bons sons et les superposer correctement pour créer une bande sonore riche, dynamique et professionnelle La raison pour laquelle vous souhaiterez peut-être superposer des couches est donc pour des raisons de texture et de profondeur. Vous savez, la superposition crée un son plus complet et plus complexe qui engage l'auditeur et ajoute beaucoup de profondeur ou de gras à votre morceau. Cela donne également un peu de variété à votre morceau et garantit qu'il ne soit pas trop répétitif et qu'il soit toujours frais. Ainsi, lorsque vous choisissez le son adapté à votre morceau, vous devez d'abord tenir compte de l'ambiance et du genre. Ainsi, chaque genre et chaque morceau auront une ambiance ou un type d'ambiance spécifique, et votre choix de son doit en tenir compte Ainsi, par exemple, dans un rythme trap sombre et atmosphérique, vous pouvez choisir des pads profonds et étranges et peut-être des touches programmables Mais pour un morceau mélodique plus optimiste, peut-être comme celui sur lequel nous travaillons actuellement, vous pourriez opter pour des sons plus vifs et une odeur plus large L'une des meilleures choses que vous puissiez faire est d'écouter des morceaux de référence dans votre genre. Cela vous aidera donc à comprendre quel type de son fonctionne le mieux dans ce contexte. Vous devez également réfléchir à la place de la couche dans le spectre de fréquences. Est-ce qu'il a principalement des basses fréquences ? S'agit-il principalement d'un instrument de milieu ou est-il davantage composé de hautes fréquences ? Vous voulez éviter d'avoir trop de sons dans la même gamme de fréquences. Ainsi, par exemple, lorsque nous allons superposer nos accords de piano ici, je vais probablement choisir une couche qui complète le piano, qui serait probablement une sorte d'instrument à basses et moyennes, puis je pourrais en choisir un qui possède plus de hautes fréquences pour arrondir le son et lui donner une sensation beaucoup plus complète Ensuite, un aspect très important est la texture et le ton. Le tambre ou la qualité sonore d' un son peuvent donc jouer un rôle important dans la façon dont il s' intègre dans l'ensemble de la piste Ainsi, l'utilisation d'une sorte de pad de synthétiseur chaud en tant que couche créera une texture de fond lisse, tandis que l'utilisation d' une pointe pointue peut créer un peu de contraste et faire ressortir l'instrument En fin de compte, il suffit de passer en revue et de voir ce qui sonne le mieux. Commençons donc par superposer ces accords ici. Pour le moment, je vais d'abord jouer le morceau , juste pour entendre à quoi il ressemble au préalable. Donc, pour le moment, c'est assez rare. Nous n'avons qu'un seul instrument qui joue la mélodie et un seul instrument qui joue les accords Le morceau ne va pas sonner si plein. Je vais donc me mettre au travail en superposant ces accords. Donc, ce que je veux faire, c'est apporter un nouveau synthétiseur, et celui-ci deviendra notre première couche Je vais également tout de suite copier ces accords et les coller dans notre nouveau synthétiseur, car nous intéresse pas . Nous l'avons déjà fait. Maintenant, nous pouvons l'écouter. Donc, comme le modèle de piano que nous utilisons est légèrement jazzy, je pense que je vais opter pour des touches chaudes au son jazzy Je vais donc chercher une banque de sons que j'ai qui pourrait fonctionner. Hum, peut-être que ce pack de clés Somatics serait bon. Alors chargeons simplement le premier, et nous allons le parcourir à vélo. Nous allons écouter ce à quoi cela ressemble superposé sur le dessus du piano. OK, donc instantanément c'est un peu trop fort. Sobod va baisser le son pour que nous puissions entendre les deux se mélanger Maintenant, ce serait un son assez aigu. Il y a une touche passagère au début de chaque note Cela fait donc ressortir un peu plus les touches. Cela leur donne un peu plus d'impact. Continuons à pédaler et écoutons simplement les différents préréglages. Ce préréglage en particulier, je ne pense pas qu'il fonctionne du tout avec le piano. Je trouve que c'est un peu distrayant, et cela n'ajoute rien à la texture ou au son de piano d'origine que nous avons . Alors continuons. Encore une fois, je ne suis pas un grand fan de ça. Je cherche quelque chose de chaud à porter en dessous. Peut-être ceci. C'est plutôt sympa. Là-bas. Je trouve ça très agréable. Ce préréglage se superpose donc au piano. Cela n'en enlève rien, mais cela ajoute vraiment quelque chose de chaleureux. Cela ajoute vraiment une texture supplémentaire que nous n'obtiendrions pas avec le piano seul. Maintenant, les deux ensemble sont assez doux. Le piano que nous avons conçu ici ne fournit pas beaucoup d'informations sur les hautes fréquences . Et ce son en particulier est en quelque sorte principalement focalisé sur les basses et moyennes. Je pense donc que nous devrions ajouter une autre couche plus axée sur hautes fréquences afin qu'elle complète cette couche et, espérons-le, également le piano. Alors allons-y une seconde, clonons simplement ceci. Et je vais faire la même chose, copier le patron. Mais collez-le dedans, et nous écouterons, nous verrons quelle troisième couche nous pouvons superposer avec notre piano et notre autre synthétiseur et voir laquelle sonne le mieux Maintenant, c'est sympa. Il y a des hautes fréquences, mais c'est un peu trop net. Je recherche des sons plus doux et chauds. C'est plutôt cool pour l'impact, mais encore une fois, ce n'est pas ce que je recherche. C'est trop excité. Je cherche plus de douceur. Alors maintenant, je pense que ce son en particulier ajoute les hautes fréquences qui manquaient, mais il ne prend pas le dessus et ne le rend pas trop excitant ou trop percutant. le moment, je veux juste que les accords soient un peu plus doux et plus calmes en arrière-plan Peut-être qu'au moment d' arranger le morceau, il y aura une section où je voudrais être vraiment enthousiaste, et je pourrais ajouter un autre synthétiseur plus excitant , comme une supersa ou quelque chose comme ça pour lui donner un peu plus Mais pour le moment, c'est exactement ce que je recherche avec mes clés. Écoutons-le en contexte avec le morceau. Et je vais simplement désactiver les couches pendant que nous jouons pour que vous puissiez entendre la différence Oups. J'espère donc que vous pouvez voir que toutes ces trois couches, y compris le piano, se combinent pour créer un instrument qui semble avoir de nombreuses textures différentes et est très intéressant et agréable à écouter. Cela ajoute également une bonne dose de profondeur au piano. Cela le rend plus épais et il semble plus plein. Ainsi, nous pouvons faire la même chose avec notre mélodie. Alors prenons-le et écoutons-le. Et encore une fois, je vais juste cloner l'une d' elles et copier ma mélodie dans un nouveau synthétiseur Et comme je cherche des sons principaux cette fois, je vais changer de banque de sons. Peut-être que nous allons nous en tenir au même pack de somatiques et simplement utiliser quelques sons principaux ici Voyons à quoi ils ressemblent, combinés à notre mélodie originale Bon, maintenant, je pense vraiment que le premier que nous avons sélectionné était plutôt sympa. Je vais donc le charger de nouveau. Je pourrais donc le tester à différentes octaves, donc je vais le baisser et voir à quoi ça ressemble ici Non, je crois que je l'ai préféré à l'octave d'origine. Donc, oui, je pense que ces deux sons se marient vraiment bien pour créer un instrument principal plein et épais. Encore une fois, écoutons-le dans le contexte de notre morceau. Oups, je dois passer en mode Song. Maintenant, une dernière chose rapide dont je voudrais parler concerne vos couches. Ainsi, par exemple, avec ces couches de cordon. Vous pouvez les déplacer vers la gauche et vers la droite pour essayer de créer une sorte de diffusion stéréo ou pour essayer d'élargir un peu le son des cordons. Donc, par exemple, je vais appuyer sur Play, et je vais déplacer les instruments un peu vers la gauche et vers la droite, et j'espère que cela donnera l' impression qu'ils s'élargissent un peu. Et si cela semble plus large c'est parce que vous avez maintenant créé une différence entre le côté gauche et le côté droit. Donc, comme il y a plus de cet instrument sur le côté gauche et plus de cet instrument sur le côté droit, ces deux sons différents font vos oreilles perçoivent le son comme étant plus large. Écoutons donc à nouveau dans le contexte du morceau, et ensuite je pense que nous pourrons passer à autre chose. 14. Le b.a.-ba: Regardons la base droite sur la base droite. C'est la pierre angulaire de la production musicale moderne, en particulier dans des genres tels que le trap, le hip hop et le drill. Maîtriser les eight oh eight signifie non seulement comprendre comment les faire sonner bien, mais aussi comment les faire bouger, chanter et se démarquer sur votre morceau Maintenant, quand je parle de huit ou huit, je parle en fait du kick et de la basse en même temps. Traditionnellement, le huit sur huit est en fait un kickdrum. Mais dans la musique moderne, il est utilisé pour faire référence à ce trap kick et à cette base classiques. Maintenant, vous pouvez télécharger huit ou huit packs composés d'un mélange de base et de base, et vous pouvez les intégrer à votre schéma et évidemment créer votre morceau de cette façon. Je pense que FL Studio en a même quelques-uns qui sont gratuits. Laisse-moi juste vérifier. Ce ne sont que des coups de pied Voilà, ce coup de pied dans le collider serait probablement un huit ou huit. Donc, comme vous pouvez l'entendre, il y a un mélange entre un coup de pied et une basse. Mais si vous voulez vraiment que vos morceaux sonnent bien, professionnels et uniques, vous allez créer les vôtres. Pour cela, nous allons passer à notre schéma de batterie. Donc, ce que je vais faire, c'est ajouter une autre instance de sérum. Et pour cela, nous recherchons des sons de base. Je vais donc voir si l'une de mes banques de sons convient au type de base que nous recherchons ici, qui comportera beaucoup de sous-marins. Alors voyons voir. La basse future est probablement une très bonne option, car les sons de basse de ce genre correspondent généralement assez bien à ce que nous faisons ici. Oups ce que je fais toujours. OK, commençons ici une seconde. Donc, avant de faire quoi que ce soit, nous devons être conscients de ce que fait réellement la basse huit sur huit. Donc, dans ce genre de musique, le huit ou huit suit généralement le coup de pied. cause de cela, pour moi, je vais juste venir ici et je vais copier le motif du kick, et je vais le coller sur mon instrument de basse. Ensuite, je vais allonger les notes. Comme ça. Et j'ai l'habitude de laisser un espace entre chaque note juste pour donner un peu de rebond à la base, mais nous pouvons ajuster cela par la suite Mais pour l'instant, laissons un petit vide. Je vais ensuite remettre mes vitesses à zéro environ. Et nous allons juste voir à quoi cela ressemble maintenant. Oups. OK, c'est peut-être un peu haut, donc je vais le déposer. Mmm, hum. D'accord, je ne suis pas un grand fan du son des basses, mais il reste encore quelques ajustements à apporter à la mélodie de basse ou au pattern de basse Donc, si vous vous souvenez d'avant, la tonalité de notre morceau est en fait en ré mineur. Je vais donc amplifier les notes jusqu'à D. Et aussi, comme nous avons des accords dans notre morceau, la base devra suivre ces accords Donc, si nous examinons les notes fondamentales des cordes, nous avons le A aigu, le do, le D et le F. Revenons donc à notre base, qui se trouve dans notre schéma de batterie Je pourrais juste le renommer maintenant, en fait, pour que nous sachions ce que nous cherchons . Tambours. Oups. Des miettes. OK. Et nous nous dirigerons vers notre base. Et ce que je vais faire, c'est donner la tonalité de base aux notes fondamentales des accords. Nous avons donc A Sharp. Nous avons C. Ce D est bon, puis nous avons F. Ensuite, nous allons créer une diapositive de huit sur huit. Ils peuvent donc ajouter du drame et de l'expressivité à vos rythmes. Avec un plug-in tiers, comme un sérum. Il s'agit donc d'un plugin qui n'est pas créé par FL Studio lui-même. Vous devrez activer ce qu'on appelle le portamento. C'est donc ici pour le sérum, donc je vais juste m' assurer qu'il est activé. Et vous devez également vous assurer qu'il est réglé sur mono avec le sérum. Mais avec la plupart des synthétiseurs, la fonction Porta est parfaite Voyons donc si nous pouvons maintenant créer une diapositive. Je vais placer une autre note dans l'octave ici et voir ce que cela donne Et peut-être un autre ici. Nous avons donc un D supérieur à l'octave. Quelque part là-bas. Du houblon pointu Mmmmmm Maintenant, nous avons créé deux diapositives dans notre patron, et j'aime le son et l' endroit où elles sont placées Ce que je veux faire maintenant, c'est créer une ligne de base à huit contre huit plus mélodique Rien de trop radical, juste quelque chose pour créer un peu de mouvement dans les basses. Ainsi, par exemple, si nous considérons notre base comme une mélodie, nous pouvons revenir à notre concept de contour Nous savons donc que la basse commence ici, puis qu'elle remonte jusqu'à cette note ici. Et puis la note suivante qu'il joue est encore une fois ici. Je pense donc qu'un meilleur contour serait de sauter vers le haut. J'aime bien le toboggan, mais ensuite, je dois me retirer. Que nous puissions passer à cette note fondamentale principale pour notre prochain accord Pour cela, je vais retourner à mes cordons, voir quelles notes sont utilisées dans ce cordon et puis-je les utiliser dans la base. Nous utilisons donc déjà un poinçon A et nous glissons vers le haut jusqu'à ce poinçon A dans la base, donc je pourrais utiliser D, ou F. D'accord ? Essayons D et F dans notre base et voyons à quoi cela ressemble. Déplaçons donc cette note jusqu'à D et voyons comment cela sonne. Mm. D. Et maintenant, essayons S. Ed. J'aime bien le son du F ici, et je pense aussi que le contour est meilleur. Je pense que sauter de ce A à un point A pointu puis redescendre en D juste pour descendre en C est un peu extrême pour le contour. J'aime bien la façon dont nous sautons, puis nous descendons vers le F et le C. Je vais donc faire la même chose ici. Nous sommes dans la corde sensible de D. Revenons en arrière. Voyons quelles notes nous pourrions être en mesure d'utiliser. Donc, dans notre D, nous pouvons utiliser A ou F ou nous pouvons essayer un C. Revenons donc à notre base, et nous allons essayer certaines de ces notes. Eh bien, nous ne pouvons pas utiliser D parce que nous sommes déjà sur D. Nous ne pouvons probablement pas utiliser F parce que le prochain accord sera F, donc ça va juste bégayer sur la même note, alors que je voulais me retirer Essayons donc ce C. Mm . Et maintenant, nous pouvons essayer cela avec différents sons de basse. Donc, comme je l'ai déjà dit, je ne suis pas un grand fan de ce son de base. Voyons à quoi cela ressemble avec d'autres sons de base. Maintenant, tout va bien, mais si vous utilisez FL Studio comme outil principal, il est livré avec un plugin très utile qui possède un grand nombre de bonnes huit ou huit bases fournies avec le plugin Et pour être honnête, lorsque je crée des rythmes, c'est ce que j'utilise le plus pour mes poids à huit ohms. Je vais donc remplacer le plug in Serum par quelque chose appelé Flex. Et ici, dans Flex, il existe un pack appelé Mobile Tuned Eight Eight Base. Ils sont vraiment très bons. Écoutons-le. Cependant, lorsque vous utilisez des plugins FL Stock tels que Flex, ou si vous utilisez un échantillon de huit ou huit, pour créer des diapositives, et c'est bien mieux en fait, c' est de remplacer la note vers laquelle vous souhaitez glisser vers le haut par une note de diapositive. Nous allons donc activer la fonction de diapositive. C'est donc mis en évidence. Et nous allons ajouter notre nouvelle note, qui se trouve ici. Et plus la note est longue, plus le glissement vers le haut sera long, tandis que plus la note est courte, plus elle glissera rapidement vers le haut. Voyons donc à quoi cela ressemble. OK. Maintenant, c'est un peu trop lent pour moi, alors je vais juste le raccourcir d'un demi-pas. Personnellement, je pense que cette petite section aurait besoin d' un peu plus de mouvement, juste pour rendre la base un peu plus intéressante. Je pense donc que je vais utiliser la base pour alterner entre deux notes différentes, puis revenir au C. Je peux donc, bien sûr, simplement utiliser le do ci-dessus. Comme ça. Oups, je ne veux pas que ce soient des diaporamas. Je ne veux pas que ça glisse vers le haut. Je voulais juste jouer les notes. Cela ajoute maintenant un peu de mouvement juste pour briser la monotonie de ces notes, vous savez, tenues depuis très longtemps, en particulier lorsque le motif se répète dans la deuxième mesure À partir de là, j'aime bien ma mélodie de base, ma mélodie de huit ou huit basses Et ce que je vais faire, c'est l'étendre parce que si vous vous souvenez d'avant, nous avons échangé les deux derniers accords du pattern Donc je vais venir ici et je vais les échanger. Pour ce faire, je veux essentiellement déplacer ce D vers un F et ce F vers le bas vers un D. Le F devrait maintenant glisser vers un autre F. Donc, il glisse actuellement vers le haut vers un D. Passons à un autre F. Et notre note de C ici semble fonctionner parce que nous glissons vers le haut et ensuite nous descendons toujours vers le bas. Mais je vais juste vérifier et m' assurer que le do correspond à l'accord de fa Je vais donc passer à mon autre schéma d'accords. C'est l'avant-dernier accord du pattern, et c'est F. Alors, puis-je utiliser un C ? Oui, je peux. Revenons donc en arrière et voyons comment cela sonne maintenant. Une fois que ma ligne de basse est construite, que j'ai utilisé et j'ai utilisé le pattern de batterie pour influencer le rythme de la basse, je vais le prendre, je vais le couper Ce n'est donc plus dans mon pattern de batterie, et maintenant je vais créer un nouveau pattern appelé base. Et je vais juste le coller dedans. Maintenant, je peux l'ajouter à mon arrangement. 15. Conception de basse avancée: Très bien, nous avons donc construit notre base. Parlons maintenant de quelques techniques avancées pour le rendre encore plus professionnel. Nous allons donc utiliser des éléments tels que distorsion et les couches supérieures. Donc, tout d'abord, une chose très simple que nous pouvons faire est de prendre la base que nous avons conçue. Nous pouvons l'attribuer à une piste de mixage. Et maintenant, nous pouvons utiliser une forte saturation ou distorsion pour essayer de le faire ressortir. Donc, si j'utilise un shaper appelé wave shaper, je peux ajouter un peu de grain au son en dessinant une sorte de scie C'est donc ça avant. Et après. C' est peut-être un peu trop. Et comme vous pouvez le constater, vous pouvez jouer avec ces différentes formes du waveshaper et créer des sons intéressants Cependant, si vous voulez que cela sonne beaucoup plus propre, nous pouvons créer une couche supérieure. C'est donc une sorte de concept simple. Nous revenons simplement à nos techniques de superposition où nous superposons un autre son de basse à celui-ci Donc, pour le moment, ça ressemble à ça. C'est plutôt épuré, mais comme ce genre est fortement axé sur la base huit sur huit, créer votre propre type de son de basse caractéristique avec des couches ou des effets peut vraiment vous permettre de vous démarquer Ajoutons donc du sérum. Je vais copier notre mélodie de base. Je vais le coller dans notre plug in pour sérum. Et je dois juste m'assurer que notes de diapositives ne fonctionnent pas sur des plug-ins tiers Je vais donc devoir remplacer cette note par une note normale. Et il en va de même pour celui-ci. Et il en va de même pour celui-ci. Oh, et celui-ci aussi. OK. Alors maintenant, trouvons un bon son de basse. Je vais faire défiler la page vers le bas pour voir si j'ai quelque chose qui pourrait fonctionner. Oh, peut-être quelque chose dans ce tremblement de terre de base. J'aime bien le son de ça. Il y a peut-être quelque chose d' intéressant ici que nous pouvons superposer à nos autres basses. Whoa, d'accord. Ce n'est pas le genre que nous recherchons. Un dub step bouleversant. Non, merci. Nous cherchons simplement une couche granuleuse que nous pouvons ajouter à nos autres sons de basse clairs Essayons quelque chose dans le volume 1 de The Stranger Sounds. Il s'agit donc évidemment d'un pack basé sur les sons de Stranger Things. Ajoutons cela et voyons comment cela sonne avec notre son de baie original. Cela pourrait donc être une couche plutôt cool pour notre base. Donc, ce que je vais faire maintenant, c' est l'influencer. Pour le moment, c'est un peu trop propre, mais je pense que cela peut sembler assez graveleux Donc, ce que je veux faire, et cette première étape est très importante , c'est utiliser un égaliseur et créer un low cut Donc, avec notre premier groupe ici, nous allons changer de type en high pass. Ou filtre Low Cut. High pass et low cut signifient exactement la même chose. De plus, nous allons passer en revue l'égalisation dans la section de mixage de ce cours, afin que vous n'ayez pas à vous soucier de quoi que ce soit d'autre pour le moment Sachez simplement que vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur la première bande pour la remplacer par une bande passe-haut, ce qui supprimera les fréquences de base nous n'avons pas besoin dans le second son de base. Et je vais juste les porter à environ 150. Et la raison en est que vous ne voulez pas que deux sons de base différents occupent la même plage de fréquences. Rappelez-vous donc qu'avant de superposer les cordons, j'ai parlé de la façon dont vous souhaitez prendre des décisions en fonction de la plage de fréquences Donc, par exemple, notre huit ou huit ici est assez profond. C'est assez basique. Il prend ces fréquences de base. Cette couche que nous avons ajoutée est également assez basique, et elle contient également de nombreuses informations de base que nous ne voulons pas contredire avec notre son de base original que nous avons aimé C'est pourquoi j'ai utilisé l'égaliseur ici pour couper les fréquences de base de notre couche Alors j'espère que cela semble un peu plus propre maintenant. Voici à quoi cela ressemble maintenant tout seul. Avant ? Et après. Maintenant, avec cette couche, nous pouvons vraiment essayer de faire des choses amusantes pour créer un son intéressant. Peut-être utiliserons-nous ce waveshaper que nous avons examiné auparavant pour créer un peu de Peut-être utiliserons-nous un peu de distorsion. Peut-être utiliserons-nous quelque chose comme, je ne sais pas, du hardcore fruité, qui est un effet ampli. Mais avant cela, cela va probablement être assez fort car un amplificateur amplifie littéralement le son Je vais donc refuser , au cas où j'abîmerais mes oreilles et les vôtres. Je ne suis pas un grand fan de ce son. Échangeons-le contre peut-être une overdose de sang. Et puis peut-être que pour un peu de blancheur stéréo, nous pouvons y ajouter un effet de chorus Écoutons-le dans le contexte de notre morceau. Vous n'avez pas non plus besoin d'utiliser un son de basse. Vous pouvez donc également utiliser un instrument principal pour quelque chose d' intéressant. Ajoutons donc une piste, et il se peut que nous devions la proposer. Oups. Je veux juste le faire en solo. C'est. Et essayons cela avec certains des effets que nous avons eus. Peut-être pas le refrain. 16. Chaîne de signal: Une autre chose que je n'ai pas mentionnée est l'ordre de ces plug-ins. Donc, à l'origine , ces plugins étaient comme ça. Nous avons eu le Waveshaper, l'overdrive sanguin et le frucorus J'ai également modifié le préréglage que nous utilisons pour cela. Désolé, à l'origine, ça aurait sonné comme ça. Le son passe par ces effets de haut en bas. Il passe donc par le E Q, puis ce signal est envoyé au waveshaper, puis ce signal est envoyé à l'overdrive, puis il est envoyé au chorus Cela signifie donc que je déforme le son, puis j'ajoute un refrain Mais je pense que ce serait cool de déformer le refrain. Je vais donc déplacer le refrain vers le haut et voir comment cela sonne Et si nous échangeons les deux distorsions, cela peut également modifier le son Assurez-vous donc vraiment de jouer avec les différents sons des couches, et de jouer avec les différents effets et l' ordre différent des effets. Parce que tu peux vraiment créer des sons sympas. 17. Bases de la conception sonore et réglage des préréglages: Examinons maintenant les principes fondamentaux de la conception sonore en mettant l'accent sur la personnalisation des préréglages L'utilisation de préréglages peut vraiment vous faire gagner du temps, mais savoir comment les modifier peut vous permettre de créer sons uniques adaptés à votre morceau En ajustant vos sons pour qu'ils correspondent à l'ambiance de votre morceau, vous vous assurez qu'ils correspondent au mix Donc, même si nous n'allons pas en apprendre davantage sur conception sonore ni sur la création de préréglages de synthétiseurs, nous allons apprendre à les manipuler pour les adapter à notre morceau Pour ce faire, je pourrais simplement regarder notre préréglage de base avec lequel nous avons travaillé lors de la dernière conférence. Je vais donc désactiver tous les effets que nous avons utilisés. Je vais le réactiver, et je vais désactiver le son de base d'origine Voici donc à quoi ressemble et sonne le préréglage en lui-même. Mais si nous voulons le modifier, il y a quelques points généraux que nous devrions examiner Et ce sont les oscillateurs. Donc, dans ce cas, il y en a deux. Il y a l'oscillateur A et l'oscillateur B. C'est la source du Ceux-ci génèrent les formes d'onde brutes telles que le sinus, carré, la scie, le triangle, etc. Ainsi, par exemple, pour ce son en particulier, deux oscillateurs sont utilisés en même temps Jouons donc le son et écoutons le son de chacun d'eux, puis peut-être que je les éteindrai tous les deux, et il ne restera plus qu'une couche de bruit. Maintenant, pour modifier cela, nous pouvons changer la forme de l'oscillateur en saisissant peut-être autre chose, une Et comme vous pouvez le constater, cela a changé la forme de la forme d'onde Cela aura donc changé le son fondamental. Et nous pouvons également faire d'autres choses ici, comme désaccordage et l'utilisation de l'unisson Unison duplique donc le signal, puis le bouton de désaccordage utilise ce que l'on appelle le microshift pour régler ces doublons légèrement différemment et rendre le son un peu plus épais et un peu plus gros peu Mm. Mmm. Un autre aspect d' un synthétiseur qui peut être ajusté est cette section de filtre Ainsi, avec le sérum, vous pouvez modifier la forme du filtre. Alors, par exemple, optons pour le low pass 12. Et c'est essentiellement comme un égaliseur. La passe basse est donc littéralement une passe basse. Cela ne fait que laisser entendre les basses fréquences et coupe toutes les hautes fréquences. Mm. Mmm. Oups, je ne savais pas que le bouton de découpe était en fait lié à l'une des enveloppes, alors ignorez-le pendant 2 secondes OK, alors maintenant nous ne devrions entendre que les basses fréquences. Et si nous augmentons la résonance, vous pouvez voir que cela ajoute un petit cran. Et ça va rendre les choses un peu grinçantes. Désormais, tous les préréglages ne seront pas liés. Ainsi, par exemple, si j'en choisis un autre, celui-ci est naturellement réglé sur un filtre passe-bas. Ainsi, par exemple, avec un filtre passe-bas et une roue de coupure, vous pouvez créer ce type classique d'accumulation de musique électronique Ou vous pouvez modifier la forme pour obtenir des sons vraiment intéressants. W Et la prochaine chose dont je veux parler, ce sont les enveloppes ADS Ou, dans ce cas, nous avons ADS, H et/ou ou. A fait donc référence à l'attaque, et il s'agit de la rapidité avec laquelle le son peut atteindre son plein volume. Beaucoup de pads utilisent souvent ce temps d'attaque pour créer une sorte d'effet de houle. Ensuite, il y a le déclin et le maintien. Maintenant, ils sont en quelque sorte liés entre eux. Le sustain est donc essentiellement le niveau de volume maintenu lorsque la note est maintenue. Ensuite, la décroissance est le temps nécessaire pour que le son atteigne le niveau de sustain. Donc, pour le moment, vous n'allez pas vraiment assister à parce que le sustain est réglé à un niveau si élevé. Mais si je le réduis, vous pouvez voir la dégradation ici maintenant. Donc, si j'ajuste le temps de décadence maintenant, vous pouvez voir que le temps qu'il faudra pour que la note atteigne le niveau de sustain s'étire . Appuyons donc sur Play et voyons ce que font réellement ces deux boutons en action Je vais juste mettre fin à l'attaque. Ensuite, je vais juste réactiver ce sustain. La libération correspond au temps qu'il faut au son pour s'estomper fois que vous avez retiré votre doigt la note ou que la note est littéralement relâchée. Donc, en regardant cette enveloppe, nous pouvons voir que la sortie est assez rapide. Vous savez, la note atteint son plein volume très rapidement. Elle reste à ce volume, puis lorsque vous lâchez la note, elle redescend très rapidement. Mais si nous prolongeons la sortie, vous entendrez que les notes commencent à se superposer Je ne suis donc pas sûr que vous puissiez bien l'entendre. Je vais juste prendre un autre préréglage qui sera peut-être plus facile à entendre. Peut-être pas celui-là. Et en fait, pour mieux illustrer ce point, cela serait beaucoup plus facile à entendre dans un arp où les notes sont courtes H Enfin, l'autre type d' élément de base que je peaufine souvent se trouve ici dans la section des effets La plupart des préréglages auront donc leurs propres effets. Ils sont souvent accompagnés de facteurs tels que le delay et la réverbération. Et généralement, la plupart auront un égaliseur et une sorte de compresseur Mais, par exemple, peut-être que vous trouvez une prise et que vous aimez vraiment le son, mais qu'elle a trop de réverbération. Vous pouvez simplement le désactiver. Et donc général, avec les préréglages, je ne touche pas vraiment aux oscillateurs, peut-être très rarement Ce sont surtout des filtres que je vais faire , ainsi que l' ADSR ici. Mais n'ayez pas peur de jouer avec l'un de ces boutons que vous avez sur votre synthétiseur car ils font tous quelque chose et vous pourriez découvrir quelque chose de cool par hasard. Maintenant, si quelqu'un souhaite suivre un cours complet de design sonore, où nous passerons peut-être par du sérum ou d'autres synthétiseurs, je suis tout à fait en mesure de le faire. Fais-moi juste savoir. Et juste au cas où vous pensiez que, vous savez, cela ne s'applique qu'au sérum, je vais charger un autre synthétiseur Peut-être que nous allons essayer Vital. Alors maintenant, ce synthétiseur a l'air complètement différent. Prenons donc un préréglage rapide, peut-être qu'une sorte de touche sonne super bien. Et ce que je vais faire, c'est très rapidement, je vais simplement prendre ça et le transformer en vital à la place. Et il ne l'a pas collé au début. Je ne sais pas pourquoi. OK. Et si je reviens à notre vision générale, nous pouvons voir ici que nous avons l'oscillateur OK, oscillateur 1. Nous avons notre attaque, notre déclin est terminé, notre soutien et notre libération. Donc, par exemple, modifions-en quelques-unes. Et nous pouvons également modifier certains éléments de l'oscillateur, afin de rendre l'ensemble du son fondamentalement différent Maintenant, je ne pense pas qu' aucun des filtres soit activé ici, mais si nous le voulons, nous le pouvons, nous pouvons donc activer un filtre. Et maintenant, nous avons notre filtre passe-haut classique. Et on peut changer la forme. Ainsi, avec ces trois éléments, avec l'oscillateur, l'enveloppe ADSR et le filtre, vous pouvez vraiment modifier le son général du préréglage Et les principales raisons pour lesquelles je le ferais sont, vous savez, si le préréglage est un peu trop clair ou trop sombre, ou s'il sonne parfaitement, mais, vous savez, certaines notes sont un peu trop longues ou elles ne sont pas coupées aussi vite que je le souhaite. Je peux régler l'ADSR, le changer et le modifier comme je le souhaite 18. Digital Crate Digging : qu'est-ce que l'échantillonnage ?: échantillonnage est le processus qui consiste à prendre un morceau de son existant, puis à l' intégrer à votre musique. Il peut s'agir d'une mélodie d'un vieux disque de jazz d' un extrait vocal d'une vidéo TikTok ou même de sons provenant vidéo TikTok ou de l' Le sampling est omniprésent dans le beat making moderne, en particulier dans des genres tels que le trap, le drill et le hip hop. L'objectif du sampling n'est pas simplement de copier-coller, il s'agit de transformer les sons en quelque chose de nouveau et de personnel. Des rythmes emblématiques de Ja Dilla et Kanye West aux classiques du trap moderne de Metro Boman, le sampling a toujours été une question Alors pourquoi le sampling est-il essentiel pour les beat makers ? Eh bien, tout d'abord, cela peut vous donner une inspiration instantanée. Un extrait peut donner naissance à une idée ou créer l' ambiance qui vous convient, en particulier lorsque vous commencez avec une toile vierge. Vous pouvez également utiliser des échantillons pour créer des textures uniques. Qu'il s'agisse d'une touche vocale pleine d'âme ou d'une étrange boucle de synthé, samples vous permettent d'introduire textures uniques dans L'échantillonnage peut également vous donner instantanément des harmonies, des rythmes et des tambres complexes rythmes et des tambres Pas besoin de tout créer à partir de zéro. Enfin, l'échantillonnage vous permet de relier vos rythmes à l' histoire globale de la musique. C'est une façon de rendre hommage au passé tout en créant quelque chose de frais et de nouveau Quels sont donc les meilleurs endroits pour trouver des échantillons ? Le creusement de caisses numériques consiste à trouver les échantillons parfaits. Et grâce à Internet, vous n'avez pas besoin d'une pile de disques vinyles pour trouver de l'or. Donc, Luperman, je l'ai déjà mentionné deux ou trois fois pendant le cours, et il s'agit d'une énorme bibliothèque de boucles et de samples libres Vous pouvez filtrer par genre, par clé, par BPM et trouver exactement ce dont vous avez besoin En fait, les quatre exemples audio de la diapositive précédente proviennent tous de Luperman Ensuite, nous avons les plateformes de réseaux sociaux comme TikTok, YouTube et Instagram TikTok propose de nombreux clips audio originaux qui peuvent être utilisés pour Vous pouvez télécharger ou même enregistrer le son sur écran , puis le transformer à l'aide d'effets, décalage de hauteur ou de découpage. Il en va de même pour YouTube, où vous pouvez rechercher performances en direct étranges, des chansons audacieuses oubliées ou même des éléments aléatoires, comme ambiance de forêt ou des sons de cascade Utilise de la ruche. mai. La moitié. Poidepshalp. Oui, c'est fait. Ensuite, vous avez des plateformes payantes et des packs d'échantillons. Des plateformes comme Splice, sounds.com et Somatics proposent des échantillons sélectionnés de haute qualité Ou vous pouvez acheter des échantillons auprès de sociétés comme Ghost Hack ou autre. Ils peuvent être parfaits pour les producteurs de trappes et de foreuses à la recherche de sons modernes. Et puis il y a le domaine public. Ainsi, des sites comme archive.org ou le Public Domain Review offrent un accès à des enregistrements audio, des compositions classiques, Tout ce qui appartient au domaine public est libre d'utilisation sans droit d'auteur. Recherchez donc des enregistrements plus anciens ou des pièces classiques pour ajouter une touche vintage à vos rythmes Le domaine public inclut toute œuvre créée avant une certaine date, actuellement 1928, ou tout titre publié dans le domaine public. Au bord de la mer, au bord de la mer. Au bord de la mer magnifique, toi et moi, toi et moi. Voici quelques bonnes pratiques pour transformer vos échantillons en beats de qualité professionnelle. Sois original. Ne vous contentez pas de boucler l' échantillon tel quel, de le retourner, étirer ou de le découper jusqu'à ce qu' il ressemble à une création de votre part. Incorporez les samples à votre rythme. Utilisez donc l'égalisation, la réverbération, compression, pour que l'échantillon s'adapte naturellement au rythme Restez organisé, et celui-ci est important. Étiquetez vos échantillons par clé et par BPM pour gagner du temps lors de votre flux Si vous passez une journée à télécharger de nombreux échantillons différents et que vous les organisez dans un seul dossier, vous ne vous souviendrez plus dans vous ne vous souviendrez plus dans dix semaines BPM et de la clé dans laquelle se trouvaient ces échantillons Passez donc le temps, lorsque vous les téléchargez à les marquer par clé et par BPM Assurez-vous d'expérimenter. Les meilleurs rythmes proviennent souvent combinaisons inattendues ou d'heureux accidents. Mais veillez toujours à respecter le droit d'auteur. Vérifiez toujours la licence de vos échantillons. sources relevant du domaine public et libres Les sources relevant du domaine public et libres de droits sont les options les plus sûres si vous envisagez de les commercialiser 19. Échantillons de jeté un volant: Dans cette conférence, nous allons explorer des échantillons inversés, où nous prenons du son existant et transformons en quelque chose de totalement unique Je sais donc que nous avons déjà une sorte d'extrait vocal dans notre morceau. Mais je pense que je vais ajouter un autre échantillon, juste pour démontrer les techniques. Ensuite, nous pouvons prendre une ou deux de ces techniques et les appliquer à l'échantillon vocal que nous avons déjà dans notre morceau. De plus, je pense qu' une boucle de piano est un peu plus facile à écouter seule qu' un simple extrait vocal. Je vais donc placer le piano, sample dans une partie vide du morceau et je vais juste vous montrer à quoi cela ressemble. Une fois qu'il est dans la playlist, nous devons adapter le tempo du sample à notre tempo. Maintenant, je n'ai pas à m' inquiéter à ce sujet, car lorsque vous téléchargez un extrait de Luperman, il vous indique le tempo Donc, sur Luperman, la personne qui l' téléchargé a dit que l'échantillon était Je vais donc taper 140 et voir comment cela affecte le son. Maintenant, pour moi, on dirait que c'est après l' avoir étiré un peu. Cela me semble bien. Mais si vous voulez raccourcir cela, vous pouvez utiliser cette fonction d' étirement, et vous pouvez soit, je suppose, étirer le son à mi-chemin. Ou une autre façon de le faire serait adapter l' échantillon à votre tempo Au lieu de taper 140, nous opterions pour 70. Alors maintenant, la première technique que nous allons examiner consiste à découper l'échantillon. Et je pense que la meilleure façon de le faire dans FL Studio est d'utiliser un plugin appelé SliceX Je vais donc ajouter cela à un nouveau modèle. Et ce que vous voulez en faire, c' est faire glisser le son d'origine. En gros, il divise votre échantillon en différents marqueurs qui sont ensuite mappés sur différentes touches du Et tu peux utiliser tes rouleaux de piano ici, si je les supprime. Vous pouvez utiliser votre rouleau de piano pour jouer différentes parties du sample. Donc, ce que vous pourriez faire alors, c'est peut-être utiliser ces exemples de tranches pour créer quelque chose de nouveau. Peut-être quelque chose de rapide comme ça. Ou vous pouvez faire des choses amusantes, comme lorsque nous utilisons l' outil d'estampage d'avant, nous pouvons tamponner sur une échelle aléatoire ici, juste pour mettre en évidence certaines notes spécifiques. Et puis peut-être qu'on les traîne autour de quelque chose comme ça. Ensuite, nous pouvons les prendre, utiliser l'outil arpégiateur et voir si nous pouvons créer quelque chose de nouveau Et puis, évidemment, vous pouvez le prendre et le coller à nouveau dans votre arrangement, peut-être y ajouter votre batterie ou autre, et vous obtenez un rythme cool, une sorte de rythme samplé Maintenant, SlicX fonctionne également très bien avec les voix où vous pouvez créer des côtelettes vocales vraiment sympas Une autre technique simple que nous pouvons essayer consiste à inverser l'échantillon Donc, dans FL Studio, c'est assez simple. Il suffit d'ouvrir le clip audio et de cliquer sur ce verso. Mais pour le peaufiner et conserver la progression initiale du cordon, nous pourrions simplement découper facilement ce clip audio en cordons individuels Ensuite, nous les réorganiserons dans notre arrangement. Donc, comme c'est à l'envers, je vais juste les réorganiser comme ça en partant de l' arrière vers l'avant Maintenant, nous conservons la progression initiale des cordes, mais toutes les cordes sont en fait inversées. Ou nous pouvons le rendre plus créatif et peut-être inverser certaines d'entre elles, en modifiant l'ordre et en créant quelque chose complètement nouveau à partir de ce que nous avions déjà. De plus, je vais vous montrer très rapidement une technique très cool. Je suis donc en train d'annuler ce que nous avons fait jusqu'à ce que le sample revienne à son état inverse, où nous avons conservé la progression des accords d'origine Ensuite, ce que je peux faire, c'est le dupliquer. Pour ce faire, vous devez utiliser ce petit symbole de forme d'onde en haut à gauche du clip Cliquez ensuite sur Rendre unique. Cela en fera un clip totalement nouveau. Je peux donc annuler l'inversion. Oups, je ne voulais pas l'étirer. Je peux donc annuler l'inversion. Ensuite, je peux superposer le type de clip de piano original sur la version inversée. Et comme la version inversée joue les mêmes accords que la version originale, nous obtiendrons un son d'accord inversé cool et envoûtant Ce serait probablement plus facile à entendre si je devais l'étendre. Je vais le faire très rapidement, juste pour donner un exemple. Je vais peut-être étirer juste les deux premiers accords. Ou peut-être que je pourrai le construire pendant qu'il joue. Ensuite, nous pouvons également le découper ici dans la playlist. Vous m'avez donc vu le découper manuellement, mais FL Studio peut en fait découper les sons automatiquement. Si on va ici pour hacher. Vous pouvez le découper automatiquement en fonction des pics et des transitoires du son, ou vous pouvez utiliser des modèles de découpage prédéfinis Donc, par exemple, passons à cette section complexe et nous y ajouterons quelque chose comme, je ne sais pas, le bégaiement trois Ensuite, vous pouvez prendre vous-même ces tranches individuelles et les réorganiser pour en faire quelque chose de nouveau Vous pouvez donc en prendre des parties complètement aléatoires. Et cela fonctionne très bien pour le chant. Donc, si vous découpez un extrait vocal comme celui-ci et que vous en prenez quelques parties au hasard, vous pouvez créer des côtelettes celui-ci et que vous en prenez quelques parties au hasard, vocales rythmiques vraiment sympas Essayons quelque chose très rapidement. Alors peut-être que tu peux faire une petite boucle comme celle-ci. H Ensuite, il y a d'autres choses simples que nous pouvons faire, comme changer complètement le ton. L L Ou en se déplaçant complètement vers le bas. Et peut-être pourrions-nous même essayer d'inverser ce que nous avons tout en conservant le pitch shift tout en coupant les échantillons A A Je vais donc simplement remettre l'échantillon dans son état d'origine. Et je vais juste l'étirer à peu près à mi-chemin pour l'accélérer. Nous devrions donc maintenant revenir au son original du piano. Oh, non, c'est toujours en train d'être inversé. Ajoutons-le maintenant à un mixeur trek. Dans FL Studio, il existe un plugin de manipulation basé sur le temps vraiment cool appelé Gross Beat. Ouvrons-le maintenant pendant une seconde sur notre échantillon de piano. En gros, Gross Beat utilisera un modèle prédéfini pour découper et manipuler votre échantillon. Oh. Et puis vous pouvez également les superposer. Je vais juste définir ce paramètre sur Complexe 2 pendant une seconde. Vous pouvez le superposer avec une manipulation basée sur le volume. Laissons-le donc à Transcate 4. Nous pourrions peut-être utiliser le complexe 5 ici, puis nous inverserons l'échantillon original et le réduirons. Maintenant, cela va sonner complètement différent du son de piano original que nous avions auparavant. Et puis, bien sûr, vous pouvez ajouter à cela d'autres effets, peut-être un flangus fruité, et nous ajouterons également un peu d' overdrive Je vais juste baisser le son au cas où c'est très bruyant. Retourner des échantillons , c' est allier créativité et compétences techniques Des côtelettes SlicX aux techniques avancées comme, vous savez, le rythme brut et l'utilisation d' effets amusants Vous pouvez vraiment prendre un échantillon de n'importe quoi et le transformer en quelque chose de différent. 20. Légalité de l'échantillonnage: Dans cette conférence, nous allons examiner l'échantillonnage légal. Ce qui est sûr contre ce qui est risqué. Alors pourquoi devriez-vous vous assurer de prélever des échantillons légalement ? échantillonnage est l'un des outils les plus créatifs de l'arsenal d'un producteur. Mais un grand pouvoir s'accompagne d' une grande responsabilité, d'une responsabilité légale. Et voici pourquoi l'échantillonnage légal est essentiel. Premièrement, vous pouvez éviter les poursuites. L'utilisation de matériel protégé par le droit d'auteur sans autorisation peut vous causer des problèmes juridiques. Deuxièmement, vous pouvez également protéger votre réputation. Les litiges juridiques peuvent donc nuire votre crédibilité et à vos relations dans l'industrie de la musique. En échantillonnant légalement, vous pouvez éviter le premier, c'est-à-dire les poursuites judiciaires, qui à leur tour évitent le numéro deux, ce qui nuit à votre réputation Enfin, les deux premiers sont assez rares sauf si vous faites partie des 100 meilleurs artistes de billboard Mais le numéro trois s' applique certainement à tout le monde, et c'est la liberté de monétiser votre travail Ainsi, le fait d'effacer vos échantillons pour les utiliser ou d'utiliser simplement du matériel libre de droits relevant du domaine public vous permet de monétiser votre musique Regardons donc cela un peu plus en détail. Qu'est-ce qui est sûr et qu'est-ce qui est risqué ? Eh bien, tout d'abord, dans la catégorie sûre, nous avons des échantillons libres Les échantillons étiquetés comme libres de droits peuvent être utilisés dans votre musique sans payer de redevances continues Vous les trouverez sur des sites Web tels que Luperman ou Splice ou dans des packs d'échantillons payants libres Ensuite, nous avons le domaine public. Le matériel appartenant au domaine public est libre d' utilisation sans autorisation légale ni redevance œuvres créées avant 1928 à 1930 sont généralement dans le domaine public. Certaines chansons plus récentes ont été publiées dans le domaine public pour être utilisées. Mais si vous les utilisez, soyez prudent avec les enregistrements. Ainsi, certains enregistrements modernes d' anciennes compositions du domaine public peuvent en fait toujours être protégés par des droits d'auteur Ce n'est pas la chanson qu'ils ont protégée, mais l'enregistrement. Ensuite, j'ai ajouté des vidéos comme Tik Tok et YouTube, mais j'ai vraiment insisté sur le mot original ici. Ainsi, par exemple, les TikToks et les vidéos virales peuvent être des sources d'échantillonnage passionnantes et uniques Mais pour rester en sécurité, vous devez échantillonner le contenu viral généré par les utilisateurs. Ce seraient donc ces vidéos, vous savez, qui ressemblent à de la vigne sur TikTok si le créateur les rendait entièrement originales Par exemple, une phrase amusante ou un effet sonore unique créé par la personne qui a mis en ligne la vidéo en ligne. Vous pouvez capter des sons provenant de leur environnement, comme le klaxon d'un train ou des applaudissements, condition qu'ils les aient capturés eux-mêmes Le risque est lié au contenu dérivé. Ainsi, les vidéos contenant de la musique de fond protégée par des droits d'auteur des extraits de films et de séries télévisées ou peut-être des remixes d'autres œuvres ne peuvent pas être légalement échantillonnées Le meilleur scénario serait de demander l'autorisation du créateur. Passons maintenant à ce qui est risqué. Tout d'abord, qu'est-ce que le droit d'auteur ? Eh bien, le droit d'auteur protège le droit du créateur sur son œuvre, y compris les chansons, enregistrements et même les effets sonores. En musique, la composition, c'est-à-dire la mélodie, les paroles et l' enregistrement sont généralement protégés séparément par le droit d'auteur Ainsi, un exemple serait de sampler le morceau d' un artiste célèbre sans son autorisation, en utilisant de la musique tirée de films, d'émissions de télévision ou peut-être de publicités sans autorisation. Et certaines idées fausses courantes concernant l'échantillonnage incluent, vous savez, si je n'utilise que 5 secondes, c'est bon Il n'y a pas de durée minimale pour une violation du droit d'auteur. Même une seule note reconnaissable peut entraîner des problèmes. Ensuite, je l'ai découpé de manière méconnaissable, donc je suis en sécurité. Eh bien, si l'œuvre originale peut toujours être identifiée, elle pourrait tout de même être considérée comme une contrefaçon. Supposons donc que vous soyez déterminé à utiliser un échantillon en particulier et que vous souhaitiez l'effacer. Tout d'abord, vous aurez besoin de l'autorisation du propriétaire de la composition à la fois. Il s'agit généralement des éditeurs, et vous aurez également besoin de l'autorisation du propriétaire de l'enregistrement, qui est généralement le label. Une fois que vous aurez obtenu leur autorisation, vous pourrez commencer à négocier les conditions. Les contrats types impliquent généralement un paiement initial ou redevances sur la vente de votre Enfin, si vous empruntez cette voie, sachez simplement que, comme cela implique la loi, vous devez tout documenter. Assurez-vous donc d'obtenir des accords écrits décrivant les conditions d'utilisation Quelles sont donc les meilleures pratiques pour prélever des échantillons en toute sécurité ? Privilégiez les sources libres de droits. Commencez par des plateformes comme Lupermin ou Splice pour un échantillonnage sans tracas Transformez vos échantillons, donc manipulez-les de manière significative. Coupez-le, décalez le pitch, inversez-le et superposez-le pour créer quelque chose complètement méconnaissable par rapport à l'original Effacez vos échantillons si nécessaire. Si vous avez absolument besoin d' un échantillon protégé par des droits d'auteur, suivez les étapes appropriées pour l' effacer. Connaissez la loi. Familiarisez-vous avec les règles relatives aux droits d'auteur en vigueur dans votre région. Des termes tels que l'utilisation équitable peuvent interprétés différemment selon l' endroit où vous vivez. Tenez des registres. Enregistrez la documentation de chaque échantillon, y compris l'endroit où vous l'avez trouvé et ses conditions de licence. Et pour être ultra sûr, créez votre propre contenu, enregistrez ou concevez vos propres sons, puis intégrez-les à vos morceaux pour bénéficier liberté créative et juridique ultime. Enfin, voici quelques ressources utiles. Donc, pour effacer les échantillons, je recommande d'utiliser tracklib Le processus proprement dit de nettoyage d'un échantillon est très long et peut être assez coûteux Je recommande donc simplement d'utiliser Tracklib pour la musique prédéfinie à des fins d'échantillonnage Pour des échantillons gratuits et libres de droits, utilisez lubrien, splice, somatics Qu'en est-il de Ghost Tack, du vandalisme, de tous ces packs d'échantillons que vous pouvez payer et qui sont fournis avec une licence libre de droits Ensuite, pour le domaine public, utilisez des sites Web tels que archive.org, USupen et DP info ou public Domain info 21. Structure de l'arrangement: Avant de passer à l' arrangement final du rythme, il est important de connaître chaque partie d'un morceau. Chaque morceau est composé de différentes sections qui aident à raconter une histoire et à garder l'auditeur engagé Alors décomposons-les. Donc, tout d'abord, nous avons l'intro. L'intro se trouve au tout début de votre morceau, et c'est comme la première impression L'intro présente l'ambiance, l'ambiance et donne à l'auditeur un avant-goût de ce qui va arriver L'intro est donc généralement assez courte. C'est environ 4 à 16 bars. Il peut avoir une mélodie, atmosphère ou simplement un rythme pour donner le ton, et très souvent, il n'y a pas batterie ou d'arrangement complet ici Cela ne fait que renforcer l'anticipation. Le but de l' intro est d'attirer l' attention et de préparer l' auditeur à ce qui va arriver Très souvent, les intros ne présentent pas les éléments principaux de la chanson, mais elles y font allusion ou introduisent un élément clé du son, comme une mélodie principale ou une progression d'accords principaux Alors que nous examinons la structure des chansons, j'ai inclus un exemple d'étude de cas. C'est un titre que j'ai fait il y a des années avec un petit rappeur indépendant qui voulait entendre ses paroles sur un rythme Cela n'a rien d'extraordinaire, mais cela donne une idée de la structure des chansons. Un peu de soie juste ici. Le pouvoir du rêve, mesdames et messieurs. Il a tagué Dream Chaser. G. Ensuite, nous avons le couplet. est donc dans le couplet que les principales idées ou thèmes de votre morceau sont introduits. Dans les chansons avec paroles, c'est là que l'artiste commence à chanter ou à rapper à propos de l'histoire ou du message. Ainsi, le couplet peut être court ou long, souvent de huit à 32 mesures. Habituellement, cela vient après l'intro. Il y a un peu plus de développement musical que l'intro, avec peut-être de la batterie et de la basse et plus d' instruments impliqués, et la mélodie développe souvent le thème du Son but est de donner un contexte à la chanson, jetant les bases avant que la partie accrocheuse n'arrive, que ce soit le refrain ou le hook Dans un rythme instrumental, c'est ici que vous allez établir le rythme, la texture et l'ambiance Demain noir. Propre comme du cristal, plongez dehors, asseyez-vous sur cette pente. Imaginez l'inquiétude, comme Charlie Sheep. C'est le pouvoir du rêve dans ton manoir, Scarface. Comme la torche, tu veux la place. Mon sac, je n'ai aucune détresse. Je remercie le père pour sa tombe ce soir-là. C'est du Sya Northwest Mayo. J'essaie vite dans ce polo. En criant. Yolo sur le banc en train de fumer. Je pensais que tu étais le patron avec ce sweat à capuche. Est-ce que quelqu'un m'aimait en criant ? Non, ils n'ont aucune pitié et à bientôt, nous avons le refrain, le crochet ou la partie accrocheuse Le refrain ou ce que l'on appelle parfois le hook est une partie du morceau qui se répète plusieurs fois et qui est généralement la plus mémorable C'est la partie avec laquelle les auditeurs peuvent facilement chanter ou rester coincés dans leur tête C'est donc généralement la même longueur ou moins que les versets, soit environ huit à 16 mesures. Il est généralement plus fort, plus énergique et comporte une mélodie mémorable ou une sorte de phrase lyrique C'est souvent la partie de la chanson qui est répétée, mot ou avec des variations mineures Si vous entendez une partie de la chanson qui semble être le point principal du morceau, c'est probablement le refrain Le refrain rend votre chanson ou votre beat mémorables et apporte de l'énergie Il est souvent utilisé pour résumer le message de la chanson afin qu'il soit accrocheur et percutant P.O. TD. P.O., T.D. PO. TD. Pouvoir. Du rêve. G pour avoir le pouvoir du rêve. Whoo. C'est bien rassasiant, bébé. Quoi ? Le verset deux est donc la deuxième itération de votre couplet. Son rôle est de poursuivre l'histoire, le thème ou le rythme introduit dans le premier couplet, mais avec quelques variations. Cela permet à la piste d' avancer et d'éviter qu'elle ne soit statique. Donc, dans le sens de la longueur, il est généralement la même longueur ou plus court que le premier, environ 8 à 32 barres Il a généralement la même idée musicale que le premier couplet, mais plus d'éléments pour le garder intéressant. Alors peut-être que vous ajoutez une variation mélodique. Vous pouvez modifier la mélodie ou le rythme du deuxième couplet pour rendre les choses plus intéressantes Il y a presque toujours des changements lyriques. Donc, si votre morceau contient des paroles, couplet deux apporte souvent de nouvelles paroles pour faire avancer le récit ou ajouter de la profondeur. Parfois, il y a des changements instrumentaux. Vous pouvez varier l'instrumentation en introduisant de nouveaux éléments, par exemple en changeant l'instrument principal, en modifiant l'arrangement ou en modifiant les effets. L'idée est que le verset deux devrait vous sembler familier, mais qu'il devrait également offrir quelque chose nouveau et d'évolué par rapport au verset 1. De la pâte à fumer, comme sur les plages de Navita, dans la piscine Fille, je veux voir. Naviguez plus loin à bord de ce Roy. C'est Phantom, oui. Des vêtements dorés. Gooch. Tu es une fille. Smoogy SmookjImagine ta vie. Comme si c'était un film. Réalisateur, Malcolm Dee. Flies et Jess. Las Vegas. La musique devient célèbre, ce style de vie. Ça devient dangereux. Mais ces rêves sont contagieux. Suis tes rêves, tes ambitions. Poursuivez-les. Mission. Frappe-les fort. Collision. Je les déteste. Détermination. Tu te vois. Ensuite, nous avons aussi le refrain. Le deuxième refrain est donc la deuxième itération de votre premier refrain ou Encore une fois, c'est la partie la plus accrocheuse de la piste. Le but d' un deuxième refrain est de renforcer le message central ou l'ambiance de votre chanson Donc, 90 % du temps, c'est généralement la même longueur ou plus long que le premier. Donc huit à 32 bars. Et c'est simplement parce que parfois c'est vers le deuxième refrain que l'ensemble du morceau se dirige, car il s'agit généralement du dernier refrain du Parfois, le chœur 2 est un copier-coller littéral du refrain 1, ou il peut s'agir du même type d' idée musicale mais plus enthousiaste et plus complète Vous voulez que le second refrain frappe aussi fort que le premier Assurez-vous donc que la mélodie et le rythme restent reconnaissables Ajoutez de la variation. Pensez donc légères variations dans le second chœur, comme l'ajout de couches supplémentaires, introduction de nouveaux instruments ou l'utilisation d'harmonies pour rendre le second chœur beaucoup plus grand et beaucoup plus Le premier refrain est subtil ou plutôt tamisé, puis le deuxième peut souvent être l'occasion d' apporter plus d'énergie biais de choix de production ou Le deuxième refrain est important pour souligner le thème principal de votre morceau et le rendre plus mémorable pour l'auditeur BO T D. BOT, D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. Nous avons le pont. Le pont est une courte section qui contraste avec le reste de la piste. Cela se produit généralement après quelques couplets et refrains pour donner à l'auditeur quelque chose de différent avant de revenir aux parties familières Cela peut sembler différent des couplets et des refrains en termes de rythme, de mélodie ou Il est généralement court, entre 8 et 16 bars. Cela peut sembler différent des couplets et des refrains en termes de rythme, de mélodie et d'instrumentation Cela vient généralement après quelques refrains et donne une impression de changement ou d'accumulation L'idée d'un bridge est de garder les choses fraîches et intéressantes et d' éviter que le morceau répétitif. Vous pouvez ajouter de l'émotion ou de la tension avant de reprendre les parties principales de la chanson. Parfois, le pont peut être remplacé par un troisième couplet, comme dans cet exemple. chaud. Tu veux un noir. Voir les choses en grand. Tu veux. Ces rêves te donnent une chance. Une brosse à eau Woo. C'est une lampe. À LA Boga. Deuxième s. Mahony Mes rêves Une boutique de pneus remplie de mouches nues dans le tissu. Boeuf Voyons voir ce qui suit. De bons grands rêves. Allons-y Sois moi. Mais de rêves. Là-dedans. Et puis il y a l'outro. C'est la fin de la piste. Il englobe tout et donne à l'auditeur un sentiment de C'est généralement assez court, de 8 à 16 mesures. Mais dans d'autres genres, comme la drum and bass et le trap, il peut être plus long autour de 32 mesures. Mais c'est généralement juste pour permettre aux dejas d'avoir le temps de mixer ce morceau en un autre Il s'agit souvent d'une lente disparition ou d'une réduction du nombre d'instruments. L'outro peut reprendre certaines des parties précédentes, comme le crochet ou une version simplifiée du couplet, et c'est la section finale qui donne à l' auditeur un sentiment de finalité On peut avoir l'impression que la chanson s' arrête doucement ou qu'elle passe au second plan . Dans le morceau que je vais jouer, les paroles originales du premier couplet sont réutilisées pour donner une impression de familiarité et de clôture Black Marvel, d'une propreté cristalline. Job Jar sirote une feuille. Imaginez-vous rugissant comme Charlie Sheep. C'est le pouvoir du rêve. Qui Donc, avant de revenir à la Daw, je voulais juste donner quelques exemples de modèles de structure Cette structure de base convient donc à la plupart des chansons et à la plupart des rythmes, y compris le trap, le hip hop, drill et de nombreux autres genres. Cela commence par une intro, qui lance le morceau et crée l' ambiance Ensuite, nous avons un couplet développant le thème musical et laissant place au rythme et à la mélodie, un refrain ou un hook, la partie la plus mémorable et la plus entraînante du morceau, un autre couplet qui poursuit le développement, autre couplet qui poursuit le développement, puis un autre refrain ou crochet pour renforcer le cœur du morceau et un outtro qui met fin au morceau en s' estompant ou en amenant les choses à un fermer. Ensuite, nous avons une double structure, ce qui est bien pour une chanson qui nécessite plus de couplets, comme une chanson de rap ou un beat avec beaucoup de contenu lyrique Cela commence par une intro. Il comportera deux itérations d'un couplet, puis un refrain, puis deux itérations d'un couplet, un autre refrain Mais la structure n'est pas vraiment si compliquée. Si vous suivez simplement ces trois règles simples, vous pouvez faire ce que vous voulez. La première règle est de toujours utiliser une sorte d'intro. Même s'il ne s'agit que d'une ou deux barres d'une sorte de symbole inversé ou quelque chose comme ça, assurez-vous simplement que quelque chose introduit le morceau. Ayez toujours au moins un refrain. Vous n'avez donc pas besoin de deux ou trois refrains, mais vous devez avoir quelque chose vers lequel le morceau s'oriente. Vous pouvez avoir un morceau de 10 minutes alors que 9 minutes suffisent à accumuler un seul gros refrain à la fin Enfin, essayez de ne pas répéter les sections plus de deux fois. Ainsi, par exemple, n' ayez pas quelque chose comme intro, un couplet, un couplet, refrain, un couplet, un refrain, un refrain, un couplet, , un refrain outtro Limitez-le à un maximum de deux. Donc intro, couplet, chœur, premier couplet, chœur Il n'est pas non plus toujours nécessaire de terminer sur un outtro. Certaines chansons se terminent après le refrain final, et votre intro ne doit pas toujours se terminer par un Certaines intros entrent directement dans le refrain. Et parfois, l' intro est le refrain, juste une version très épurée de celui-ci 22. Syndrome du personnage principal (l'astuce de l'élément principal): Examinons l'une des techniques les plus efficaces pour créer des rythmes qui restent gravés dans l'esprit de vos auditeurs, l'astuce principale Cette approche consiste à identifier et à construire l'ensemble de votre morceau autour d'un son ou d'une idée unique Qu'il s'agisse d'un sample, d'une mélodie ou même d'un groove rythmique, cet élément principal devient le point d'ancrage qui unit le tout À la fin de la conférence, vous comprendrez non seulement comment trouver et mettre en valeur votre élément principal, mais aussi comment structurer ensemble de votre rythme autour de celui-ci pour un impact maximal. Alors, quel est l' élément principal de l'astuce ? Eh bien, c'est simple mais incroyablement puissant, et c'est l'idée de concentrer votre morceau autour d'un son ou d'une idée musicale qui définit le son. Cela ne signifie pas que les autres parties de votre rythme ne sont pas importantes. Ils le sont, mais l'élément principal est la vedette de la série. Par exemple, votre élément principal peut être un refrain vocal qui attire l'oreille, mélodie envoûtante, peut-être une ambiance ou un rythme dynamique qui maintient le rythme Ce concept est essentiel pour rendre vos rythmes mémorables, cohérents et faciles à suivre pour les auditeurs. C'est ce qui donne l'identité de votre piste. Voyons donc pourquoi cela fonctionne si bien. Dans un monde où les auditeurs sont inondés de musique, la simplicité se démarque. Un seul élément puissant rend votre rythme immédiatement reconnaissable. Pensez aux pistes les plus emblématiques que vous connaissez. Il y a de fortes chances qu'ils aient une caractéristique déterminante. Par exemple, l'extrait vocal de Daft Punk dans Stronger de Kanye West ou la mélodie de piano et la ligne de basse De plus, en vous concentrant sur une idée centrale, vous pouvez créer une piste complète plus rapidement et avec moins de risques de trop compliquer les choses fait d'avoir un élément remarquable vous permet d' évoluer et de manipuler tout au long d'une piste, tout en préservant sa fraîcheur sans avoir à réinventer le volant toutes les quelques barres C'est ce que nous avons toujours fait. Nous avons commencé avec l'échantillon, et cet échantillon est devenu notre élément principal. Ensuite, nous avons construit la batterie autour d'elle, nous avons construit une mélodie autour d'elle, et cette mélodie a attiré l'attention et a ensuite dicté le rythme Et comme nous avons utilisé la mélodie pour construire les accords, nous avons également fini par construire les accords autour de cet échantillon Tout ce que j'essaie de faire maintenant, c'est de donner un nom au processus et affiner afin que vous puissiez l'utiliser consciemment à chaque battement que vous créez. La maîtrise de ce concept rendra vos morceaux plus intentionnels, plus cohérents et plus percutants Donc, pour identifier votre élément principal, commencez par ce qui ressort. attention lorsque vous expérimentez son qui attire votre C'est souvent votre élément principal. Faites également confiance à votre instinct. Si quelque chose vous semble excitant ou mémorable, cela pourrait peut-être être l'élément principal. Par exemple, si vous deviez décrire votre rythme à quelqu'un, quelle est la première chose que vous mentionneriez ? Tout ce que vous mentionnez est probablement votre élément principal. Il peut s'agir d'une mélodie que vous jouez, d'un son que vous modifiez dans un synthétiseur ou même de quelque chose d'inattendu, ou même de quelque chose d'inattendu comme un extrait aléatoire Une fois que vous avez identifié l'élément principal, l'étape suivante consiste à créer le rythme autour de celui-ci. Ajoutez des éléments qui complètent l'élément principal sans l' éclipser Par exemple, si votre élément principal est un échantillon vocal, utilisez des percussions légères ou des accords doux pour le soutenir Utilisez ensuite des sections telles qu'un couplet épuré ou un découpage pour donner un peu plus d'impact à l'élément principal lorsqu' il revient enfin. Utilisez la réverbération, le delay ou même des filtres créatifs pour faire ressortir encore plus vos principaux éléments, et assurez-vous de toujours revenir à votre élément principal aux moments clés, mais, vous savez, ajoutez de petites variations pour qu'il reste frais Même avec une astuce aussi simple, il y a des erreurs à surveiller. Donc, tout d'abord, ne laissez pas les autres sons éclipser votre élément principal Cela devrait toujours être au centre des préoccupations. Mais avec cela, vous voulez varier la répétition. Donc, si votre élément principal reste le même tout au long de la piste, cela peut devenir ennuyeux. Ajoutez des modifications subtiles pour le faire évoluer au fil du temps. La simplicité est essentielle ici, alors laissez votre élément principal briller sans trop d' encombrement autour de lui Et assurez-vous de créer de la tension et de la relâcher en faisant varier la présence de l' élément principal dans les différentes sections. Regardons donc un petit exemple tiré d'un autre morceau que j'ai fait avec le rappeur dont je parlais tout autre morceau que j'ai fait avec à l'heure, où l' élément principal est un piano. Il est répété avec quelques légères variations tout au long, et les autres éléments sont construits autour de lui plutôt que de se battre pour attirer l'attention. J'ai presque peur de monter dans cette couronne OssoyCegold. Vous avez dit que vous ressembliez à Rome jusqu'aux quais, bonnes chaînes brillaient sur les bateaux, que vous aviez l' impression que votre argent coulait pour réaliser des rêves Va perdre. C'est un tapis, le plus grand boss. Vous portez cette croix en or diamanté et vous vous sentez comme la version irlandaise de Rick Rose. Je ne dois pas faire ça à voix haute. Crowl crie. Attends d'entendre ta voix. Tu as le sentiment d'avoir fait le bon choix. Plein d'enthousiasme. Grâce aux joies Avec dévouement, vous ne tomberez jamais Block A, déteste-nous comme le bâtisseur de Trump Ball suit les buts. Tenez-vous debout. Poursuis leurs rêves. Gagnez plus. Une tétine dorée sur les lieux dans cette tour, toute crème C'est le pouvoir du rêve. C'est ce que vous appelez le rêve millionnaire. Par exemple , si vous le remplissez. exemple , si vous le remplissez. Maintenant, vous les faites comme un n dans le tissu avec les honnêtes, vous leur donnez l' impression d'être un cheek, pas comme chez Sortez de cette voiture dans ce costume noir. 23. Arrangement de base avec des marqueurs: Maintenant que nous savons comment un morceau doit être structuré, nous allons structurer ce rythme à l'aide de marqueurs dans FL Studio. Les marqueurs sont parfaits pour organiser vos idées, créer des transitions et fluidifier votre parcours. Donc, pour le moment, il ne s'agit que d'une idée de base direction que je veux prendre pour le morceau. Il s'agit principalement de visualiser la structure du rythme afin de pouvoir planifier les transitions et construire autour de l'arrangement. Écoutons donc rapidement ce que nous avons jusqu'à présent, puis nous inscrirons quelques marqueurs pour avoir une idée générale de l' arrangement du rythme. J'aime donc l' arrangement général jusqu'à présent. J'aime bien le fait que nous utilisions le sample dans l'intro, et je veux qu'il disparaisse au fur et à mesure que la mélodie principale arrive Ensuite, je voudrais passer à cette section instrumentale ou peut-être à cette section chorale Et puis je sais que je veux le couplet vienne après cela. Ajoutons donc d'abord ces trois marqueurs. Ainsi, sur un Mac, si vous appuyez sur Commande et T, vous devez d' abord déplacer votre tête de lecture à l'endroit où vous souhaitez placer le marqueur Je veux donc un marqueur au début de la playlist. Sur un Mac, je vais appuyer sur Command et T ou sur Windows, il se peut que ce soit LdT ou Control, je ne suis pas sûr Mais l'un d'entre eux suffira probablement. Et si nous double-cliquons dessus, la section entière sera mise en évidence pour que vous puissiez la parcourir en boucle. Maintenant, pour le moment, je n' ai aucune autre section, donc je pense que je veux mettre la chanson en boucle. Mais je vous le montrerai à nouveau lorsque nous aurons plus de marqueurs. Donc pour l'instant, renommons-le simplement en cliquant dessus avec le bouton droit de la souris, et nous pouvons le renommer en Intro Ensuite, nous ajouterons un autre marqueur. Alors voilà, et nous l' appellerons Hook. Et puis l'autre marqueur que je voudrais ajouter en ce moment est un couplet. Premier couplet. Encore une fois, par exemple, si je double-clique sur Hook ici, cela mettra en évidence le Hook pour moi afin que je puisse le boucler et le modifier facilement. Je vais donc maintenant planifier une structure de base pour la piste. Donc je sais que je veux que ce soit un couplet. Donc, ce que je vais faire, c'est étendre cela. Peut-être 16 bars. Un bar dans FL Studio, c'est juste ces deux lignes épaisses. Mais vous reconnaîtrez généralement une barre grâce à ces deux couleurs différentes. Nous avons donc un gris clair et un gris foncé. Et dans chacune de ces couleurs, il y aura 4 barres. Nous avons donc 1 bar, 2 bars, 3 bars, 4 bars, 1 bar, deux bars, 3 bars, 4 bars, et quatre par quatre, ça fait 16. Donc, quatre de ces couleurs différentes, nous vous donnerons 16 barres. Donc, si nous écoutons ce couplet pendant une seconde, je voudrais juste parler de quelque chose pendant qu'il est joué. Donc, généralement, toutes les 8 barres, quelque chose de différent se produit. Donc, pour le moment, c'est exactement la même chose. Et ça devient vraiment très répétitif. Si ce schéma ne se répétait que pendant 16 barres, il deviendrait vraiment très stagnant. Donc, en gros, je cherche à faire quelque chose de différent à partir de maintenant. Je cherche soit à ajouter quelque chose, soit à le rendre un peu plus intéressant. Et ce que je pense faire c'est parce que nous allons revenir dans une section de crochets après notre couplet, je sais que la mélodie principale revient, et je sais que la mélodie principale est basée sur cet extrait Je pense donc que si je copiez-collez simplement cet extrait, cela donnera un aperçu de la mélodie principale avant de nous y remettre Donc, pour cette partie, je ne veux pas vraiment qu'elle disparaisse. Je vais donc me débarrasser de la décoloration. Et puis cette section sera un autre crochet. Je vais donc simplement le copier-coller . Voyons ce que cela signifie. Donc, après ce deuxième crochet, nous pouvons ajouter un autre couplet. Ajoutons donc Oups. Ajoutons-le d'abord. À. Et ce que nous pouvons faire à nouveau, c'est peut-être copier-coller ce que nous avons pour le premier. Mais généralement, avec le verset deux, nous ajoutons quelque chose, créons quelque chose ou changeons quelque chose pour le rendre un peu différent. Nous ne voulons pas un véritable copier-coller, mais pour le moment cela ne nous inquiète pas. Nous avons juste peur de mettre en place un premier type de structure sur la piste. Et puis, une fois que nous savons comment le morceau est censé être arrangé, comment le morceau est censé être arrangé, nous pouvons commencer à vraiment regarder, vous savez, choses comme les transitions et peut-être ajouter des éléments, en retirer des éléments, rendre ce deuxième crochet un peu plus complet que le premier, puis, vous savez, en variant le couplet deux. Donc, pour les besoins de l'argumentation, dans le verset deux, nous pourrions introduire cette arpe que nous faisions auparavant Je l'ai juste supprimé parce que je n'étais pas un grand fan, mais nous pouvons l'ajouter juste pour montrer que nous voulons quelque chose de différent dans le couplet deux. Et puis, bien sûr, cela va probablement entrer dans une autre section Hook, donc je vais juste en ajouter une très rapidement. Vous pouvez également cliquer avec le bouton droit sur la chronologie du marqueur pour ajouter un autre marqueur. Et peut-être parce que c' est le troisième hook, cette application pourrait continuer. Maintenant, pour être honnête, je pense que l'arpe entre en conflit avec la mélodie Vous savez, cette astuce à un élément que nous avons étudiée tout à l'heure. Je pense que l'arp nous éloigne un peu de notre élément principal ici, qui est la mélodie Je ne vais donc pas avoir d'arp dans la version finale. Je le sais. Et je vais probablement finir par changer d'arp au couplet deux Je ne l'utiliserai peut-être même pas du tout. Je pourrais juste utiliser quelque chose de différent. Mais je tiens juste à souligner pour moi et pour vous, les gars, que quelque chose de différent devrait se passer dans le verset deux, et que ce troisième crochet est censé être un peu plus plein que les deux autres crochets. Section de pont. Donc, par exemple, ajoutons un pont. Et ici, nous pouvons simplement utiliser la batterie pour le moment, et nous ne ferons que 8 mesures de long, juste quelque chose de court. Mais cette section sera totalement différente, vous savez, la mélodie et de l'idée qui circulent depuis tout ce temps, juste pour nous donner une pause, car nous la répétons pas mal Et puis, une fois que nous aurons fait notre petite pause de huit barres ici sur notre pont, nous retournerons à un autre hameçon. Et ce crochet servira de crochet final de la piste. Je vais donc apporter tous mes éléments pour montrer que c'est un hook, mais je veux aussi utiliser cet arp ou quelque chose comme ça juste pour le rendre un peu plus complet Et je pense aussi que, comme c'est le dernier hook, nous pourrions peut-être ajouter cet extrait vocal par-dessus tout le reste parce que cela ressemble à ce que le morceau est en train de construire pour atteindre ce dernier hook où le sample revient. Ensuite, nous aurons un outtro. Et encore une fois, cela pourrait être quelque chose de simple, peut-être de la batterie et de la basse. Et puis on finit. Voyons donc ce que cela signifie. Peut-être d'ici. Et tu sais quoi ? En fait, je ne suis très fan d'avoir un Outro Je pense que c'est peut-être un peu trop répétitif. Tu sais, nous avons en quelque sorte la batterie et la basse pendant toute la chanson. Je vais donc simplement le supprimer, et nous utiliserons ce dernier hook comme Outro Je vais donc m'étendre un peu nous donner un petit clip vierge pour l'Otro, afin que FL Studio ne le fasse pas tourner en boucle, et cela nous donne un peu une histoire de réverbération comme l' Nous avons donc maintenant très clairement un arrangement de base. Nous avons notre intro qui n'en est qu'un extrait. La mélodie arrive au fur et à mesure que les samples s'estompent. Ensuite, nous sommes frappés par le premier crochet. Ensuite, nous passons à une section de couplets où il n'y a que, vous savez, de la batterie et de la basse et quelques pads. L'échantillon revient sous la forme d'une accumulation vers un autre crochet, qui arrive ici Après ce crochet, nous avons le verset deux, et dans le verset deux, quelque chose de différent va se produire. Mais il suit le même type de structure que celui où l' échantillon entre : pour indiquer le crochet, le crochet revient. Mais cette fois, c'est un peu plus compliqué. Cela semble un peu plus complet. D'autres éléments ont été ajoutés. Ensuite, nous avons un pont censé être différent pour nous sortir de la répétition qui se produisait auparavant, puis nous passons à notre dernier crochet pour renforcer l' idée principale de la piste, puis la piste se termine. Évidemment, comme je l'ai déjà dit, nous allons développer cela. Nous allons ajouter des transitions et des effets, des éléments de remplissage et juste, vous savez, d'autres éléments qui peuvent vraiment enrichir ce morceau Mais pour le moment, je pense que c' est un bon arrangement de base. Ce que je vais faire maintenant, c'est que pour tous ceux qui sont intéressés, je vais juste jouer le tout. Vous pouvez donc entendre à quoi peut ressembler un arrangement très basique et brut. Mais il n'y a rien d'autre dans le reste de cette conférence, juste une pièce de théâtre. Donc, si cela ne vous intéresse pas, vous pouvez passer à l'étape suivante. D'accord , maman. 24. Variations de boucle: Dans cette conférence, nous allons donc nous concentrer sur la création de variations dynamiques d'une boucle pour que vos morceaux restent captivants. Nous allons créer trois versions distinctes : less, medium et more. Et nous ajusterons la complexité et l'énergie en fonction des différentes parties de l'arrangement. La raison pour laquelle vous devez créer différentes variantes est qu' une boucle statique peut rapidement devenir ennuyeuse. Cela permet également à l'énergie de la piste de s'accumuler et de se décomposer naturellement. Et à tout le moins, vous pouvez aux besoins en matière d'arrangements. Donc des sections différentes, tu sais, l'intro de Hook. Ils ont besoin de différents niveaux d'énergie. Alors, d'accord, voyons comment créer différentes variantes de la batterie. Donc, pour le moment, nos batteries sonnent comme ça. Ils sont assez costauds et ils sont assez énergiques. Donc, ce que je vais faire, c'est les prendre et les cloner, et je vais le renommer Drums Less Donc, pour cela, je vais définitivement supprimer la couche de clap Je pense qu'un petit claquement donnera à ce motif l' impression qu'il contient moins d'énergie Cela signifie donc également supprimer ces deux couches. Je vais également me débarrasser de notre casquette haute. Je ne pense pas que nous en ayons besoin pour la version simplifiée. Voyons à quoi cela ressemble. Et je pourrais également supprimer ces chapeaux ouverts au début du patron. Il ne nous reste plus que l'essentiel  : la batterie, un simple clap ou une caisse claire, un simple modèle de chapeau haut et juste quelques Donc, par exemple, je pense que cela pourrait bien fonctionner dans les sections de vers. Allons-y et remplaçons-les simplement. Et ensuite pour créer une version moyenne. Et si je crée un médium, c'est parce que je pense que ce pattern est en quelque sorte notre pattern de batterie complet. Ce type contient tout ce dont nous avons besoin. Il y a toutes les couches, toutes les percussions supplémentaires, les chapeaux ouverts et tout ça. Je pense donc que c'est notre version complète ou plus. Je vais donc le cloner à nouveau et le renommer Drums Moyen. Pour cela, nous ajoutons des éléments supplémentaires. Je vais peut-être me débarrasser de la couche principale de clap, mais je garderai les touches, le son foley, le son naturel que nous avions intégré au premier et au dernier clap Et peut-être que je vais aussi me débarrasser de cette couche de chapeau haut. Alors maintenant, cela pourrait être notre modèle de batterie moyen. Cela pourrait donc fonctionner dans, vous savez, des sections d'accumulation comme celle-ci et peut-être ici Donc, pour faire de même avec peut-être les cordons, jetons-y un coup d'œil. Je pense que ces mots seraient la version moyenne. Donc, oups, je n'ai jamais renommé les tambours. Donc c'est plutôt de la batterie. Mais pour en revenir aux cordons, je vais maintenant les renommer Cords medium Ensuite, je vais les cloner. Et il peut s'agir de câbles en moins. Et ce que je vais faire, c'est juste me débarrasser de ces deux couches. Il ne nous reste plus que le piano original. Et cela peut fonctionner quelque part, peut-être dans la deuxième accumulation, de sorte que cela fait allusion aux cordons ou au motif du cordon qui apparaît dans le crochet Mais vous remarquerez qu'il n'est pas aussi plein que les cordons que nous utilisons pour le crochet, qui sont des cordons de taille moyenne. Ensuite, pour créer une autre version, je vais cloner à nouveau nos cordons de taille moyenne, et je les renommerai en cordons Et ce que je vais faire, c'est copier notre schéma de cordon. Je vais ajouter un nouveau synthétiseur, et je vais les coller pour créer une nouvelle couche Et cette couche sera quelque chose comme un super sau, quelque chose de vraiment plein d' énergie et plein Non. Non, je ne suis fan d'aucune d'entre elles. Peut-être que nous essaierons quelque chose de techno mélodique. Voyons ce que nous avons ici. Ce serait donc l'idée parfaite que je recherche, mais il y a un LFO en cours d'automatisation, donc il y a un peu trop de monde pour ce que je recherche. Donc je vais continuer. D'accord. Alors peut-être quelque chose comme ça pour ajouter un peu plus d' enthousiasme et un peu plus haut de gamme, et peut-être que je vais mettre ça dans notre deuxième crochet et notre troisième crochet. Enfin, comme dernier exemple, ce que nous pouvons faire avec la mélodie pour créer une version allégée, laissez-moi simplement la cloner et nous la renommerons si cela Renommez Melody Less. Ce que nous pouvons faire, c'est tout d' abord supprimer notre couche. Mais nous pouvons aussi intervenir et peut-être modifier un peu la mélodie Nous pourrions donc prendre quelque chose comme toutes les notes longues et nous débarrasser de toutes les notes courtes pour voir à quoi cela ressemble. Peut-être quelque chose comme ça, juste pour donner une idée de la mélodie principale Et, vous savez, encore une fois, vous pouvez en quelque sorte l'utiliser dans une section de construction, peut-être quelque part dans le pont menant au dernier crochet. Personnellement, il y a quelques sons dans le morceau qui ne me plaisent pas. Et l'une d'elles est la couche d'accords que nous venons d' ajouter dans cette conférence Je suis donc consciente du fait que je passe trop de temps à chercher différents préréglages J'ai donc tendance à en choisir un, mais je vais y retourner et modifier certains préréglages, je peux l' Et je vais probablement aussi changer certains sons de batterie. Mais le cœur de la piste est toujours là. Je vais juste changer les préréglages. Comme vous pouvez le constater, créer différentes variations de vos boucles originales est un excellent moyen de laisser l'énergie du morceau circuler naturellement. 25. Soustraire et remplissages (transitions Partie 1): Dans cette conférence, nous nous concentrerons sur la manière de créer des transitions fluides et percutantes. Une technique de transition assez fondamentale et basique serait donc technique de transition assez fondamentale et basique serait d'ajouter du silence avant le drop. Et en gros, cela signifie enlever quelque chose avant d'ajouter quelque chose. Par exemple, ici, avant d'ajouter notre sample et la couche d'accords, nous pouvons retirer une partie de la batterie, et peut-être même une partie de l'arpe . Et il s'agit en soi d'une transition simple. Ou nous pouvons varier les tambours ici pour créer un remplissage de tambour. Donc, si je rends ce modèle unique, il le clonera. Et maintenant, nous pouvons entrer dans le vif du sujet. Il s'agit maintenant d'un schéma différent de celui de ces trois tambours, et nous pouvons faire une sorte de remplissage à la fin. Peut-être que nous allons remplir un T bar. Peut-être quelque chose comme ça. À. Ou nous pouvons faire quelque chose de vraiment cool, qui consiste à remplacer le haut chapeau par un kick roll. Je vais donc simplement supprimer les applaudissements pendant une seconde, et je vais ajouter quelques coups de pied supplémentaires Nous allons l'ouvrir dans notre rouleau de piano. Et peut-être que juste pour la dernière section, nous allons créer un petit coup de pouce. Je vais ajuster ma capture de grille à un demi-pas. J'ai également remarqué que certaines vitesses sont un peu différentes Je vais donc simplement souligner tous ces coups de pied, et cela devrait être un Nous pourrions même aller un peu plus loin ici à la fin et peut-être les dupliquer à nouveau en les réduisant encore plus. Je vais donc le régler sur un quart d'étape, et nous les dupliquerons. Donc ça ressemble à ça. Mais cela fonctionne vraiment bien si vous faites la même chose dans la base. OK ? Ouvrons donc à nouveau notre kitum. C'est par ici. Nous allons copier ces derniers kickrolls, les mettre dans la base. Et à la fin, là où c'est sur la note de D, je vais coller mes kickrolls. Nous allons les faire venir ici. Je vais supprimer le D, et nous le remplacerons par notre kickroll. Et je dois faire de même dans la couche, qui est ici. Et je vais juste supprimer les pads pour que tu puisses vraiment l'entendre. Mais vous pouvez également utiliser des outils tels que des remplissages de fûts dédiés. Certains packs d'échantillons sont donc livrés avec des tambours dédiés, ou vous pouvez créer les vôtres. Essayons juste de créer le nôtre ici avec une boucle de batterie. Donc, même si nous n'en prenions que la première partie, nous devrons peut-être l'adapter à notre rythme. Et nous verrons à quoi cela ressemble. Cela semble être un peu rapide. Non, c'est bon. Vous pouvez donc utiliser quelque chose de simple comme celui-ci comme remplissage. Et essayons-en un autre à des fins de démonstration. Et avec cela, par exemple, vous pouvez l'ouvrir dans votre table de mixage et le manipuler pour qu'il ressemble davantage à une transition. Pour ce faire, nous pouvons supprimer certaines de ces basses fréquences pour qu'elles sonnent un peu plus loin ou qu'elles aient moins d'énergie. Peut-être pouvons-nous également nous débarrasser de certains aigus pour essayer de créer un effet radio Quelque chose comme ça. Et puis peut-être qu'on y a mis, je ne sais pas, un refrain, un flanger ou peut-être un phaser ou quelque chose Essayons juste un flanger. Et je vais choisir quelque chose que je ne sais pas, le déménageur. Voyons voir. Peut-être quelque chose de plus que ça. Non, je n'en suis pas un grand fan. Je pourrais le remplacer très rapidement l'effet chorus. Oui, peut-être quelque chose comme ça, et on pourrait ajouter juste un peu de réverbération Maintenant, ça ne sonne pas très bien. Cela semble un peu déplacé, mais l'idée est que vous puissiez créer un drum fill l'aide de boucles de batterie ou de packs d'échantillons dédiés contenant des drum fills, puis vous pouvez le prendre et le manipuler d'une manière ou d' une autre pour effectuer une transition intéressante et différente . Nous reviendrons sur les transitions lors la prochaine conférence et de la conférence suivante. Techniquement , il s'agit donc de la première partie, qui consiste à effectuer quelques transitions de base. Mais avec un peu plus de techniques et de connaissances, nous pouvons vraiment créer des transitions sonores intéressantes 26. Effets de composition (transitions Partie 2): cette conférence, nous allons examiner les downlifters, les impacts et Vous pouvez les utiliser de manière créative pour créer des transitions fluides, ajouter de la tension et créer des gains mémorables Ainsi, par exemple, nous sommes ici à la fin du verset deux. Oui, entrer dans le piège. Et je viens de créer une transition assez importante en retirant la plupart des éléments avant qu'ils n'entrent en jeu. Et j'ai également ajouté un remplissage de tambour ici, un remplissage de tambour approprié que j'avais dans un pack d'échantillons. Je vais donc juste y jouer pendant une seconde. Nous cherchons donc à créer un peu plus de tension avant cette transition, puis à atténuer cette tension lorsque nous arrivons à la baisse. donc deux moyens de soulager la tension lors d' une chute : utiliser des impacts et des downlifters Jetons donc un coup d'œil à certains d'entre eux. Alors peut-être que nous allons juste en prendre un, par exemple, et je vais le rendre un peu silencieux, pour que l'effet soit subtil. Mais je veux que ça disparaisse un peu plus vite. je veux que ça disparaisse un peu plus vite. Et puis peut-être pourrions-nous ajouter à cela un impact ou un sous-boom. Alors peut-être que ce tremblement de terre aura un impact important. Et maintenant, ajoutons une colonne montante pour préparer cette transition Nous allons donc d'abord utiliser l'une de ces contremarches. Peut-être quelque chose comme ça. Et lorsque vous utilisez des contremarches, le meilleur endroit pour qu'elles puissent terminer ou monter en quelque sorte est le début de votre transition, non le début de la descente Et je vais juste vous montrer pourquoi dans une seconde. Mais d'abord, je vais l'adapter à notre rythme, puis le faire glisser, et nous verrons comment cela sonne. Ainsi, en mettant fin à la colonne montante au moment de la transition, vous ajoutez en fait un niveau de tension supplémentaire ai donc l' impression que tout retient son souffle, attendant que cette goutte arrive. Si vous maintenez la colonne montante pendant la transition, vous perdrez l'effet de retenir votre souffle C'est donc toujours une bonne idée de laisser espace entre la colonne montante et la chute Je veux dire, vous pourriez même faire monter la colonne montante jusqu'à ce tambour rempli et utiliser le remplissage du tambour pour retenir votre souffle. Mais en ce qui me concerne, je pense que je préfère un endroit par ici où toute cette transition où tous les éléments disparaissent, crée un peu plus de tension. Ensuite, pour tirer parti de cette colonne montante, nous pouvons utiliser ce que l'on appelle les inverses tonaux, qui ressemblent à des effets de réverbération inversés Ils ont une touche, comme vous pouvez le voir, nous sommes donc dans la tonalité de ré mineur. Nous en avons donc un qui dit D, mais je ne sais pas si c'est en ré majeur ou en ré mineur. Je vais donc choisir celui-ci et voir à quoi il ressemble. Vous pouvez donc les utiliser pour créer un niveau de tension supplémentaire. Ou ce que nous pourrions faire, c'est créer le nôtre. Donc, si vous remarquez que cela semble plutôt cool, mais vu sa texture, elle semble un peu symphonique Cela ne correspond pas vraiment au son général de la piste. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est créer l'une d'entre elles nous-mêmes, appelée réverbération inversée Donc, ce que je vais faire, c'est prendre en charge tout ce qui a précédé la transition. Peut-être juste ces éléments, et je vais les faire ressortir au milieu de nulle part, là où il y a beaucoup d'espace derrière eux. Ensuite, je veux juste m'assurer que cela s'arrête là où la transition est censée commencer. Et je veux aussi m'assurer que FL Studio, lorsqu'il joue, se coupe ici et revient en boucle, mais je veux créer une longue queue de réverbération Donc, ce que je vais faire, c'est prendre l'un de ces éléments, peut-être les blocs-notes, et je vais juste les y mettre. Maintenant, FL Studio ne va pas revenir en boucle lorsque cette finition est jouée. Nous pouvons donc créer une belle queue de réverbération. Alors allons-y, entrons dans notre master et chargeons une énorme réverbération Je vais donc augmenter complètement le signal mouillé ou affecté, et je vais activer le signal sec, qui est le premier type de signal sans réverbération Je vais le baisser parce que je veux un son de réverbération humide vraiment exagéré Je pourrais alors augmenter la taille de ce type d'espace dans lequel nous travaillons. Ainsi, au lieu d'avoir une petite pièce, elle semble beaucoup plus grande et plus large. Et la vraie magie vient de cette période de décadence. Cela revient donc essentiellement à dire à la réverbération. Pour le moment, il est configuré ici, vous pouvez voir 1,5 seconde. Ainsi, après 1,5 seconde, la réverbération redeviendra complètement silencieuse. Je veux donc que cela soit assez long et exagéré. Et je pourrais juste me débarrasser des tambours. Je pense que je ne veux que des éléments mélodiques. Peut-être aussi la basse. Et nous allons régler le problème. Et maintenant, ce que nous allons faire, c'est mettre en évidence peut-être par ici, juste assez pour intégrer cette transition. Je vais donner 8 mesures pour que la réverbération s'éteigne en quelque sorte. Ensuite, ce que je peux faire, c'est ouvrir et exporter un fichier wave. Et je vais simplement appeler cela, par exemple, réverbération inversée. Maintenant, je peux les supprimer à nouveau parce que je n'en ai pas besoin. Je peux me débarrasser de cette réverbération, et nous pouvons importer le son que nous venons d'exporter OK, donc je l'ai maintenant importé. C'est assez simple à importer. Il vous suffit d'ouvrir la fenêtre du Finder ou vos documents ou l'endroit où vous les avez rendus et de les faire glisser. Mais je n'ai pas pu le trouver pendant quelques minutes, alors je suis juste passé ici où nous l'avons traîné Bref, ce sont bien nos réverbérations. Mais la vraie magie, c'est aussi de le couper. Donc, si nous nous souvenons, nos instruments jouaient ici, puis c'est là qu'ils se sont interrompus et que le conte de réverbération commence Nous voulons donc supprimer l'endroit où jouent les instruments, puis nous voulons prendre le conte de réverbération et l'inverser Oups, c'est après avoir réajouté notre mélodie. Supprimons donc simplement certains d'entre eux. Et maintenant, nous avons une belle vague de réverbération inversée. Donc c'est plutôt cool. Mais une autre chose que j'ai déjà faite, c'est de le mettre ici et de le raccourcir, peut-être pas si court, peut-être à peu près à ce sujet. Nous allons le faire disparaître. Nous avons donc encore du mal à retenir notre souffle, mais cela ne fait que nous mener à la goutte. Et ce que j'ai fait auparavant, c'est que j'ai déformé tout cela. Alors déformons-le pendant une seconde. Et j'espère que cela ne semble pas trop mal. C'est vraiment trop. Et une dernière chose à aborder, ce sont les élévateurs. Nous avons donc des downlifters. Maintenant, ce pack ne semble pas en avoir à moins qu'ils ne soient là. Mm. En quelque sorte. Cela pourrait en fait mieux fonctionner en tant que son d'impact. Je vais donc peut-être remplacer notre impact par celui-ci. Mais oui, il existe aussi ce que l' on appelle des uplifters Nous avons donc des downlifters, qui sont comme des balais à bruit blanc qui balaient sol pour réduire la tension Mais si nous prenons l'un d'entre eux et que nous l' inversons, nous devrions être en mesure de créer un élévateur, qui est essentiellement un élévateur descendant Essayons donc de l'ajouter à. Et maintenant, ce n'est plus synchronisé avec la ligne de mes barres. Je vais juste m'adapter au rythme très rapidement. Alors maintenant, nous avons superposé une colonne montante avec un élévateur. Nous entrons maintenant dans une section de transition où nous avons retiré certains éléments, puis nous avons utilisé le remplissage du tambour pour nous amener à l'hameçon. En plus de cette vague de réverbération, nous avons un impact et un downlifter OK, donc cette conférence portait sur, vous savez, les downlifters, les élévateurs, les risers, toutes sortes d'effets de type transition. sur, vous savez, les downlifters, les élévateurs, les risers, toutes sortes d'effets de type transition. Il s'agissait donc essentiellement de la deuxième partie des transitions. Dans la prochaine conférence, nous aborderons l'automatisation. Et grâce à l'automatisation, nous pouvons encore améliorer cette transition. 27. Automatisation (transitions partie 3): L'automatisation est un ingrédient secret qui donne à vos morceaux une sensation de dynamisme et de vie. Nous allons nous concentrer sur la création mouvements, l'évolution des effets et les transitions fluides en utilisant l'automatisation pour élever votre musique au niveau supérieur Alors, qu'est-ce que l'automatisation ? Eh bien, l'automatisation contrôle la façon dont un paramètre, comme votre volume ou votre panoramique, change fil du temps ou tout au long de la piste Nous pouvons donc l'utiliser pour ajouter de la dynamique et de la variation. Nous pouvons créer des transitions sonores fluides et professionnelles, et nous pouvons les utiliser pour automatiser les effets afin d'activer et de désactiver des effets sur différents instruments ou pour augmenter ou diminuer au fil du temps Ainsi, par exemple, au tout début, lorsque je supprime le sample principal et que la mélodie arrive, la mélodie commence tout de suite, mais j'aimerais qu'elle s'estompe Donc, si j'ouvre ma piste mélodique et que je tombe sur le bouton de volume, cliquez avec le bouton droit sur Créer un clip automatique Maintenant, un clip automatique a été ajouté à la liste de lecture. Donc, si nous zoomons vers le haut, vous pouvez voir qu'il y a un keynote ici. Et si vous souhaitez ajouter d' autres keynotes, il vous suffit de cliquer avec le bouton droit Un keynote est donc essentiellement ce petit cercle sur le clip d'automatisation situé au-dessus de la souris Et il y a les parties que vous pouvez faire glisser vers le haut ou vers le bas. Donc, pour le moment, si nous regardons en haut à gauche, cela nous indiquera sur quoi il est réglé, donc il est réglé à 41 %. Nous allons donc également régler celui-ci à environ 41. Ensuite, si nous faisons glisser le côté gauche vers le bas, le volume de cet instrument augmentera au fil du temps. Maintenant, comme il y a deux couches dans cette mélodie, je dois également automatiser le deuxième instrument Alors faisons-le maintenant. Cliquez avec le bouton droit sur Créer un clip d'automatisation. Sur quoi est-il réglé ? Il est réglé sur 24, 23, 25, 24. Et maintenant, notre mélodie devrait s'estomper au fur et à mesure que le sample s'estompe. Et je pense que ça s'estompe un peu trop vite, alors je vais ajuster la courbe Vous pouvez donc voir ici que si j'augmente la courbe vers le haut, elle s'estompera plus rapidement, mais je veux qu'elle s' estompe plus lentement, donc je vais inverser la courbe vers le bas. Et pareil pour celui-ci. Vous pouvez également automatiser des éléments tels que les effets. Ainsi, par exemple, il est configuré pour suivre six. Nous allons donc simplement charger un effet rapide ici. Je vais peut-être m'en tenir aux effets d'origine de FL Studio pour le moment. Donc, si nous chargeons un filtre Fruity Love, qui n'est en fait qu' un filtre passe-haut, je vais complètement désactiver le filtre et l'automatiser Maintenant, dans notre petite section d'accumulation où l'échantillon entre dans l'hameçon, nous pouvons ajouter une note principale, ajouter une autre ici pour faire disparaître toutes les hautes fréquences , et nous le filtrerons dans les prochaines le crochet. Voici comment c'est un peu étouffé. Cela deviendra plus clair au fil du temps. Donc, là où l'automatisation des transitions est vraiment utile, disons, nous allons effectuer la transition sur laquelle nous travaillons. Nous avons un piano qui y mène, donc je vais assigner le piano à une piste de mixage. Je n'ai pas besoin de savoir tout ça. Ici, alors maintenant c'est la piste 13. Je peux donc ajouter, par exemple, ce plug de rythme dégoûtant que nous recherchions tout à l'heure pour créer une sorte de bégaiement Laisse-moi juste le faire en solo. R. Peut-être quelque chose comme ça. Et ce que nous pouvons faire, c'est parce que c'est toujours activé, cela affectera toujours les touches. Mais ce n'est pas ce que nous voulons. Nous voulons qu'il ne s'active que pour cette petite section de transition afin de pouvoir automatiser l'activation/désactivation. Donc, complètement debout signifie que c'est allumé. Nous voulons donc l'éteindre , uniquement pour qu'il revienne ici et qu'il s'éteigne à nouveau lorsque nous serons accrochés. Ou, par exemple, nous pouvons le remplacer par quelque chose de bizarre, comme, je ne sais pas, un destructeur Comme vous pouvez le constater, vous pouvez utiliser l' automatisation, l'activation, la désactivation ou même le volume de différents effets pour créer des transitions vraiment cool et intéressantes Et puis, par exemple, vous pouvez également aller un peu plus loin. Supposons donc que je doive ajouter un effet phaseur. Si je veux que ce paramètre fasse la même chose qu' un autre que j'ai déjà automatisé, je n'ai pas besoin de créer un autre clip d'automatisation. Je peux simplement cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner Lier au contrôleur. Et ici, dans ce panneau de commande interne, je veux sélectionner le rythme brut car c'est pour cela que j' avais automatisé la sourdine, l'interrupteur marche/arrêt, comme auparavant Ensuite, je veux cliquer. Oh, oui, je voudrais cliquer sur Supprimer les conflits. Cela pourrait donc être activé automatiquement pour vous. Si vous faites cela, cela désactivera cette automatisation d'origine que vous aviez, mais vous voulez essentiellement lier cette automatisation à l'automatisation d'origine. Nous devons donc nous assurer que la suppression des conflits est désactivée, puis nous appuyons sur Accepter. Alors maintenant, les deux vont suivre la même automatisation. Vous pouvez donc voir que les deux sont automatiquement désactivés pour le moment, car c'est notre clip d'automatisation. Et là, ils sont tous les deux réactivés. Maintenant, je voudrais également parler de l'automatisation des paramètres au sein des synthétiseurs eux-mêmes Donc, si nous prenons ce Rp, par exemple, et que nous ouvrons le synthétiseur, nous pouvons automatiser n'importe quel type de paramètre ici que nous voulons Donc, par exemple, pas le déclin, peut-être le maintien. Nous pourrions automatiser cela pour ouvrir le son au fil du temps. Cependant, vous ne pouvez pas simplement cliquer avec le bouton droit de la souris, puis sélectionner Créer un clip d'automatisation, car vous ne travaillez plus avec les plug-ins standard de FL Studio. Maintenant, nous travaillons avec une tierce partie. Vital est un plug-in tiers. Donc, ce que vous pouvez faire, c' est simplement le remuer un peu, modifier le paramètre que vous souhaitez appliquer Venez ici pour découvrir les derniers outils mis au point. Et ici, vous verrez un menu très similaire, et nous allons créer un clip d'automatisation. Nous pouvons donc maintenant automatiser le sustain pour peut-être l' ouvrir au fil du temps, puis peut-être le couper à nouveau. Donc, avec notre transition, je vais m'en débarrasser pendant une seconde parce que je n'aime pas ça. Je pourrais simplement supprimer le structeur et nous le garderons avec le phaseur Nous avons donc maintenant un élévateur, un élévateur, une automatisation pour que le son du piano soit différent dans cette section, avant de revenir à Nous avons une petite réverbération inversée un downlifter et Et peut-être que ce serait plus facile à entendre sans cette arpe. Vous pouvez donc automatiser tous les paramètres de votre choix. Vous pouvez automatiser la mise en sourdine, vous pouvez automatiser le volume, vous pouvez automatiser cela Tout ce que vous pouvez toucher et contrôler, vous pouvez l'automatiser. Cela en fait un outil très créatif pour introduire des changements dynamiques au cours de la piste. H, 28. Éléments d'arrière-plan pour le remplissage et la texture: Ici, nous allons nous plonger dans le concept des éléments de remplissage Ce ne sont que de petites touches supplémentaires qui mettent en valeur le cœur de la piste. Les éléments de remplissage agissent comme des overdubs dans la musique traditionnelle pour donner à votre morceau professionnelle et raffinée Donc, par exemple, pour moi, lorsque nous créions le moins de variations possible de la mélodie principale, voici ce type Je pensais en fait que l'idée des deux notes pourrait être un overdub Donc, par exemple, si je me débarrasse de cette note et de cette note, et que nous gardions cette idée d' alternance de deux notes en mi et fa. Nous avons repris cette idée d'alternance de deux notes et l'avons intégrée un instrument peut-être différent pour créer un overdub ou un élément de remplissage Alors faisons-le maintenant. Nous allons le copier-coller dans un nouvel instrument appelé peut-être OD pour overdub Et je vais apporter un nouveau synthétiseur. Et pour cela, je pense que je cherche une sorte de son plomb épais et gras. Oh, je veux me débarrasser des notes plus longues et garder l'idée d' alterner les deux notes. Voyons donc si nous pouvons trouver quelque chose qui pourrait fonctionner pour cela. Peut-être quelque chose dans une future discothèque. Cherchons ici un son principal qui pourrait fonctionner. LD, qui signifie plomb. Je cherche à ce que ce soit un peu plus profond, donc je pense que je vais le présenter. Peut-être quelque chose de cool comme ça. Cela pourrait être une texture intéressante à ajouter. Ainsi, par exemple, nous pourrions peut-être ajouter cela dans le dernier crochet. Et si je me contente de mettre en solo cette mélodie et la mélodie originale, vous pourrez entendre ce que les overdubs ajoutent à la Peut-être pourriez-vous même les transformer en accords en positionnant les notes et en les superposant à la progression d'accords que nous utilisons Ainsi, par exemple, les accords sont A dièse, do, D et F. Donc, si nous les superposions, comme ceci Je pense que ça passe en C ici. Ce serait D, et ce serait F. Maintenant, je ne peux pas les entendre parce que le plugin est réglé sur mono. Donc je dois juste m' assurer de le désactiver. Maintenant que je l'ai fait, j' aime vraiment le son. Je pourrais donc même manipuler les accords pour les adapter au même rythme, de sorte que cela devienne le principal type d'idée d'accord même rythme, de sorte que cela . Mais je ne vais pas le faire simplement parce que pour le moment, nous avons affaire à des overdubs Ce n'est donc qu'un exemple d'overdub que vous pourriez faire C'est une sorte d'idée mélodique simple tirée de l'idée originale, mais elle ajoute une touche supplémentaire. Cela ajoute de l' épaisseur, cela le rend plus plein et plus intéressant. Une autre technique de remplissage qui est en fait très importante, consiste à utiliser des atmosphères ou des effets en arrière-plan de la piste Donc, par exemple, je pense qu' il y a de bonnes ambiances ici il y a de bonnes ambiances Oui, ils sont déjà ouverts. Nous sommes donc dans la tonalité de D. Donc, oui, c'est parfait. Oups. C'est une sorte de découpage vocal très simple avec réverbération que nous pouvons superposer en arrière-plan de manière très subtile, d'accord ? Adaptons donc cela au rythme au cas où ce ne serait pas à notre rythme. Et nous verrons à quoi cela ressemble. Oui, c'est bon. Maintenant, c'est un peu trop fort, mais l'idée est que ce serait vraiment très subtil. Vous le remarquez à peine si vous ne l'écoutez pas, ce que vous êtes, bien sûr, les gars. Mais, par exemple, je vais d'abord le jouer sans effet, puis il arrivera ici et j'espère que vous pourrez entendre la différence. Il s'agit donc simplement de voir tous ces écarts entre les samples de batterie et les écarts entre les basses ici. Et je sais qu'il n'y a pas vraiment d'espace entre les blocs-notes. Techniquement, le pad ajoute donc à cela ce type d'élément d'arrière-plan. Mais vous verrez que cela remplit l'espace de manière très subtile. Allons-y depuis le début. Donc, idéalement, vous devriez l' avoir dans la section entière du couplet simplement superposée en arrière-plan. Ce n'est probablement pas nécessaire dans les crochets et les refrains parce qu' il se passe tellement de Je pense que tout cet espace est à peu près rempli. Mais s'il y a des zones de votre circuit où il y a un peu d'espace vide, c'est une excellente façon de remplir cet espace. Et il n'est même pas nécessaire que ce soit quelque chose de ton comme ça. Voyons si j'ai quelque chose d'atonal. Donc pour cela, je vais probablement me tourner vers des samples techno, des effets sonores peut-être Non. Je cherche juste quelques éléments de fond. Des boucles de bruit, peut-être ? Oui, c'est parfait. Donc, ce genre de chose, ajoutons-y l'un d'entre eux . Adapté au rythme. Il a donc été réglé à 150, 75 c'est la moitié de 150, donc je vais juste voir ce que fait FL Studio. Oups. Oui, c'est bon. C'est peut-être un peu trop rapide. Nous allons juste l'étirer. C'est probablement un peu trop rythmé pour ce que nous recherchons, mais un bon exemple serait des bruits de pluie ou peut-être même des voix parlant très doucement avec de la réverbération, etc. bruits de pluie ou peut-être même des voix parlant très pour donner au morceau une sensation de tristesse et de vide Mais je recommande vivement d'utiliser quelque chose comme les effets d'atmosphère que nous avons examinés auparavant. Ces. Et vous n'avez pas besoin d'un pack d'échantillons. Je veux dire, vous pouvez créer vous-même ces petits effets d' atmosphère en arrière-plan. Je vais donc revenir à celui que nous utilisions Ensuite, un autre type d'élément de remplissage consiste à introduire quelque chose de court et nouveau, juste dans les zones de nouveau, juste dans les zones où le rythme semble un peu répétitif Donc, par exemple, peut-être ici ou peut-être même ici juste pour rompre le tout ou pour mettre fin à la boucle. Je vais donc vous en montrer un exemple. Je vais juste l'appeler overdub break . Et nous allons faire venir. Utilisons Flex cette fois, car nous ne l'avons utilisé que pour les sons de base. Essayons-le donc avec un synthétiseur et nous ajouterons quelque chose de très simple : une note racine jusqu'à une autre note racine et jusqu'à une autre note racine Quelque chose de similaire à ce que fait la base. Et trouvons un bon préréglage. Oui, peut-être cette queue fractale. Et on va juste mettre ça dedans. Et c'est probablement un peu bruyant. Nous pouvons le désactiver juste pour donner l'idée qu'il devrait être un peu en arrière-plan, juste pour ajouter un peu de texture ou pour remplir un peu d'espace. 29. Mise en sourdine stratégique : savoir quand il faut se retirer Back: muting stratégique est une technique puissante mais souvent négligée dans la production musicale Savoir quand prendre du recul peut créer de l'espace, de la tension et de la concentration dans votre morceau, ce qui donne beaucoup plus d'impact aux moments où , vous savez, tous les éléments reviennent en Cette conférence vous apprendra comment et quand désactiver des éléments de manière stratégique , afin d'améliorer la dynamique, rythme et le rendement émotionnel. Donc, un exemple instantané de cela est ce que nous faisions ici lorsque nous travaillions sur la transition. Donc, en désactivant la batterie, la basse et les pads, nous avons créé une belle transition Si nous ne l'avions pas fait, voici à quoi cela ressemblerait. Ainsi, en désactivant les éléments avant la chute ou ce que l'on appelle un silence avant la chute, vous pouvez vraiment augmenter la tension Et à tout le moins, vous voulez couper le son de la batterie et de la basse Le reste est un peu ambigu. C'est à vous de décider, mais je mettrais certainement sourdine au moins la batterie et au moins la basse Mais je pense que nous avions également désactivé les pads. Ensuite, par exemple, nous pouvons désactiver le son dans les pistes pour créer de l'intérêt et des variations dynamiques Donc, par exemple, peut-être qu' ici, dans ce pattern de batterie, je vais juste le cloner pour le rendre unique, afin de ne pas affecter tous les autres. Nous pourrions peut-être désactiver les coups de pied au début, peut-être certains chapeaux Et peut-être ces deux chapeaux. Il ne nous reste donc plus qu'un coup de poing en deux temps. Ensuite, vous pouvez faire des choses comme mettre en sourdine pour un impact émotionnel en retirant peut-être la batterie et la basse pendant une ou deux mesures. Oups, ce sont les blocs-notes. Je voulais couper le son de la basse. Cela pourrait donc créer une sorte de baisse plus émotionnelle et fausse. Nous pourrions également faire ce que l' on appelle un appel et une réponse avec sourdine ou antiphonie si vous adoptez une perspective classique Mais l'appel et la réponse sont essentiellement l'endroit où un élément appelle et un autre répond. Donc, par exemple, désactivons l'arp jusqu'à ce point. Ensuite, nous allons désactiver la mélodie lorsque l' arpe joue. Ensuite, nous laisserons la mélodie jouer à nouveau, puis nous la mettrons en sourdine ici Ensuite, ils pourront tous revenir ensemble pour cette section ici. Et en raison de la nature de notre mélodie, du fait que le deuxième et le quatrième accord sont légèrement en avance sur le rythme, nous pouvons ajuster la mélodie et l'arp Cela semblerait donc un peu plus cohérent. Et bien sûr, si vous vouliez être vraiment créatif, vous pouvez alterner l'instrument. Alors peut-être que celui-ci est l'instrument normal, et peut-être que pour la deuxième fois, c'est un instrument complètement différent, et cette arpe est totalement différente de cette arp Et peut-être, vous savez, peut-être que vous y ajoutez un rythme brut et un phaser et que vous y appliquez très forte distorsion pour créer quelque chose de vraiment intéressant sur le plan sonore. Ensuite, comme je crois que nous l' avons déjà vu, nous avons des transitions soustractives où vous pouvez simplement désactiver un ou deux éléments pour un rythme, ce qui peut indiquer qu'un changement est en train de se produire dans Ainsi, par exemple, nous allons sortir la batterie de la basse au bout du crochet. Et puis il y a des choses comme des mises sourdes soudaines pour mettre l'accent. Peut-être qu'au milieu de cette section de crochets, nous pourrions désactiver le premier battement de la barre 63. Essayons donc de désactiver le son, alors essayons de le désactiver. Je ne voulais pas prolonger celui-ci. Ensuite, je vais avoir besoin de mon outil Slice. Par exemple, nous pourrions couper le tous les instruments et ne laisser que la batterie jouer pendant un battement pour reprendre notre souffle Ou nous pouvons tout désactiver pour mettre l'accent soudainement. Et je viens de le remarquer, je ne sais pas si je l'ai expliqué, mais lorsque vous utilisez l'outil de découpe, un clic normal permet simplement de découper l'instrument. Et si vous cliquez avec le bouton droit de la souris et découpez, la plus petite section sera découpée puis supprimée. Donc, dans ce cas, ce sera tout ce qui se trouve à droite de la ligne rouge. en sourdine stratégique est donc l'un des moyens les plus efficaces de créer de la dynamique et de vous concentrer sur votre parcours Vous pouvez attirer l'attention de l' auditeur. Vous pouvez mettre l'accent sur les éléments clés et vous pouvez maintenir l'intérêt de votre arrangement. Vous savez, de petits changements comme celui-ci interrompent vraiment la répétition du morceau. 30. REGARDER : Faire un montage en temps réel: Ce sera une longue vidéo dans laquelle je vais apporter quelques modifications au morceau. Je ne suis pas satisfait de certains sons de synthétiseur ou de batterie que nous utilisons, et je voudrais en ajouter d'autres à l'arrangement ou peut-être même modifier certains motifs Comme je créais le morceau au fur et à mesure, j'étais consciente qu'il fallait essayer de ne pas prendre trop de temps tout en démontrant les techniques. Donc, à cause de cela, il y a certaines choses que je ne suis pas totalement heureuse. Je ne voulais pas revenir tout d'un coup avec des tas de changements aléatoires, même si j'aurai un cours plus court après celui-ci, simplement en revue les principaux changements que j'ai apportés. Donc, si ça vous intéresse de me voir jouer avec différentes choses et essayer d'affiner le morceau, continuez à regarder. Sinon, sautez cette conférence, et je vous montrerai dans la prochaine quels ont été les principaux changements que j'ai apportés. Il n'y aura plus de discussion dans cette conférence. C'est juste une sorte de guide, mais toutes les techniques que vous allez me voir utiliser sont celles que nous venons d'aborder. Donc oui, je vais commencer à m'amuser avec le morceau maintenant Mais si cela ne vous intéresse pas , vous pouvez sauter. Je suis d' accord. H. Hmm . Mm. Merci Merci Merci Merci M.M.B M.M.B . 31. MISE À JOUR : changements apportés au rythme: Cette conférence ne sera qu' un bref aperçu de certains des changements que j'ai apportés. Si vous n'avez pas regardé la dernière conférence où vous pouviez voir ce que je changeais en temps réel, je vais le parcourir rapidement ici. Si vous avez regardé la dernière conférence, vous n'avez probablement pas besoin de regarder celle-ci. Et si ce n'est pas le cas, vous n'avez pas vraiment besoin de le regarder non plus. Il n'y a aucune nouvelle information ou quoi que ce soit d'enseigné ici. C'est juste que j'ai changé certains sons, et j'ai ajouté beaucoup plus de transitions et de micro-interrupteurs. Je vais juste vous parler rapidement de ce que j'ai fait. Je vais le laisser jouer, puis nous pourrons passer à autre chose et apprendre d' autres choses. Je pense donc que la première chose que j'ai faite a été changer la mélodie principale juste pour qu'elle corresponde un peu plus au sample J'ai juste dû déplacer une ou deux notes. J'ai pris les élévateurs et les downlifters que nous utilisions auparavant, et je les ai en quelque sorte éparpillés sur la piste aux endroits où je pensais qu' Et j'ai également ajouté cet effet de symbole de collision, auquel je crois avoir ajouté de la réverbération Ouais Ensuite, il y a quelques endroits où il y a un peu de sourdine stratégique Il y a de nouveaux échantillons de remplissage. J'ai ajouté un son d'impact différent parce que je n'étais pas un grand fan du premier. J'ai remplacé le son de l'arpe par celui-ci. Le premier était un peu trop pointu pour moi. Ça ne m'a pas vraiment plu. Et puis vers la fin, je viens de le compléter. J'ai simplement rendu ce hook plus complet en ajoutant un autre son de mélodie à la mélodie d' overdub Donc ça ressemble à ça. Et puis l'essentiel pour moi a été de changer les sons de batterie. Je ne les ai pas vraiment aimées, donc je pense que j'ai changé la plupart d'entre elles. Voici donc à quoi cela ressemble maintenant. Et c'est à peu près tout. Je vais donc laisser le morceau jouer maintenant, et quand il sera terminé, nous passerons à la prochaine conférence. 32. Moins, c'est plus (laisser de la place pour l'artiste) ): Les producteurs cherchent souvent à faire en sorte que leurs rythmes soient pleins. Mais lorsque vous travaillez avec des chanteurs rappeurs ou tout autre artiste, il est tout aussi important de créer un espace pour cet artiste que de créer un excellent instrument Cette conférence se concentre sur la façon d'appliquer la philosophie « moins c'est plus » à votre production, en veillant à ce que votre rythme soutienne artiste au lieu de l'éclipser Le rythme que vous créez ressemble plus à une toile. Ce n'est pas le tableau final. Artistes, chanteurs, rappeurs, ils ajoutent la touche supérieure à la créativité, aux paroles, à l'émotion et à la performance Si vous surchargez le rythme, il peut finir par concurrencer l'artiste, rendant le morceau final écrasant ou même boueux Ainsi, par exemple, dans notre morceau, nous avons une mélodie assez chargée. Cela ne fonctionnera probablement que si l'artiste ou la personne qui chante ou rappe sur ce morceau chante la même mélodie, peu comme le sample que nous avons utilisé Donc, par exemple, si nous pouvons imaginer que cet extrait est composé de paroles et que l'artiste chante la même mélodie, cela fonctionnerait Mais si l'artiste chantait une autre mélodie, je supprimerais probablement la nôtre Ce serait donc notre hameçon maintenant. Vous devez donc toujours vous demander cet élément est nécessaire ou s'il ne fait que remplir de l'espace. Parce que parfois, lorsque vous concevez un morceau instrumental, vous essayez de le concevoir de manière à ce qu'il y ait de l'espace, puis vous finissez par remplir accidentellement cet espace avec des éléments inutiles. Il existe donc plusieurs façons vérifier s'il reste suffisamment d'espace. Idéalement, votre morceau se concentrera uniquement sur le groove principal. Ce sont donc les éléments fondamentaux tels que le coup de pied, la caisse claire, le chapeau haut, la basse, et peut-être une idée mélodique Pendant les versets, vous devez le retirer tout de suite. Désactivez toutes les couches non essentielles et supprimez les mélodies complexes ou les percussions supplémentaires Ainsi, par exemple, peut-être que votre couplet est juste une batterie, basse et un simple pad. Donc, pour nous ici, je pense que nos vers sont bons. Ils sont assez rares. Et même ce couplet convient probablement car cet arp n'est qu' un élément de fond Mais en ce qui concerne notre crochet, cette mélodie est peut-être trop forte. Mais en fin de compte, cela dépend de l'artiste. Donc, si vous créez des beats pour, vous savez, les mettre sur YouTube et les vendre, je vous recommande de suivre cette voie où moins c'est plus et où vous essayez d' éviter les mélodies encombrées qui peuvent rendre le morceau difficile à rapper Mais si vous collaborez avec un artiste ou si vous écrivez une chanson vous-même, vous pourriez probablement garder cette mélodie dedans , car vous pourriez ensuite l'utiliser et essayer de chanter la même mélodie dans le crochet Mais tout ce que je voulais souligner dans cette conférence, c'est que moins c'est plus. Laissez de la place dans vos productions. Si vous parvenez à maîtriser cette approche, vos rythmes ressembleront à de véritables collaborations, vos rythmes ressembleront à de véritables collaborations, et non à de simples vitrines instrumentales O. 33. Enregistrement simple dans FL Studio: Très bien, examinons deux méthodes simples pour enregistrer de l'audio dans FL Studio. C'est pour tous ceux qui souhaitent enregistrer leur propre chanson à leur rythme. Donc, tout d'abord, nous allons configurer notre interface audio, donc dans les paramètres audio, et vous pouvez voir votre entrée sortie ici. Le mien est réglé sur mon micro, donc tout va bien. Le vôtre devra peut-être être réglé sur le microphone que vous utilisez ou sur votre interface audio. Deuxièmement, le plus important est de réduire la longueur de votre mémoire tampon. Nous allons donc réduire cela à environ 25 ou six. Si vous ne le faites pas, votre voix retentira dans vos oreilles, un peu plus lentement que vous ne le chantez réellement, et c'est vraiment difficile de chanter quand cela se produit. Assurez-vous donc de définir la longueur de votre tampon à environ 512 ou moins. Cependant, 256 est généralement le plus recommandé. De plus, lorsque vous faites cela, vous constaterez peut-être que votre logiciel commence à prendre du retard ou à sauter, et c'est assez normal. Donc, ce que je fais habituellement, c'est de surligner l'ensemble du morceau et de l'exporter sous forme de fichier wave. Ensuite, je ramènerai ce fichier wave, ce que j'ai déjà fait en tant que nouvelle piste. Et je vais m'assurer que c'est en solo. Si vous cliquez avec le bouton droit sur le voyant vert, ce menu s'affichera, et vous pourrez jouer en solo ou en solo J'ai donc joué le rythme rendu en solo, et ça ressemble à ça Amusant. Et je peux supprimer des éléments ici parce que cela n'a rien à voir avec ce qui se passe ici dans la piste rendue. Donc, en gros, tout cela est redondant pour le moment, et nous travaillons simplement à partir de cette piste rendue Ensuite, nous allons ouvrir le mixeur, utiliser un canal vide et l'attribuer à l'entrée de votre microphone. Je vais donc choisir le canal 18 ici et je vais le renommer en vocal Je pourrais juste lui donner une couleur pour qu' il ressorte. Ensuite, si vous arrivez ici dans votre section de saisie, vous pouvez choisir quelle entrée sur votre interface audio. Votre interface doit donc être répertoriée ici, et vous pouvez avoir une entrée deux, quatre ou huit, quel que soit le nombre d'entrées que vous avez sur votre interface. Le mien n'en a qu'un pour le moment. Et une fois cela fait, vous devriez pouvoir voir votre voix entrer dans le logiciel. Ensuite, vous devez parler ou jouer de votre instrument, chanter ou quoi que ce soit vous essayez d'enregistrer et regarder les niveaux sur la piste de mixage ici. Vous visez à ce que le signal soit compris entre -12 et moins six Donc, pour le moment, moins beaucoup trop élevé, il se situe entre moins six et zéro, mais je ne peux pas vraiment l'ajuster parce que c'est également lié à OBS, qui enregistre le son du cours. Et je ne veux pas vraiment influencer cela. Mais ce que vous feriez en théorie c'est qu'avec le bouton de gain de votre interface audio, vous le baissez jusqu'à ce que le niveau audio soit compris entre moins six et -12 Vous devez également utiliser des écouteurs pour cela. Sinon, vous rencontrerez un problème appelé feedback : en gros, si vous utilisez un haut-parleur, le haut-parleur de votre ordinateur portable ou quelque chose comme ça, le son qui sort du haut-parleur est renvoyé dans le microphone, dans le logiciel, puis le logiciel le renvoie aux haut-parleurs, qui le diffusent dans la pièce, puis le microphone le capte encore une fois, le renvoie au logiciel, aux haut-parleurs, au microphone, et vous créez une boucle de rétroaction. De plus, l'utilisation d'un casque est beaucoup plus silencieuse, ce qui vous permet d'enregistrer un son isolé, comme une voix ou un instrument Si vous ne voulez pas vous entendre, nous pouvons désactiver cette chaîne Et c'est comme ça que je le fais habituellement. Je n'aime pas trop m'entendre lorsque je chante, alors je m'assure de désactiver la chaîne La première méthode consiste donc à utiliser Edison. Je vais donc introduire le plugin Edison, qui se trouve ici. Et ici, c'est très simple. Normalement, je le configure pour enregistrer maintenant et pendant peut-être cinq à dix minutes. Ma chanson dure 3,5 minutes, donc 5 minutes, c'est parfait. En gros, dès que vous appuyez sur le bouton rouge, l'enregistrement commence. Mais, bien sûr, il va falloir que le morceau joue en arrière-plan, et je l' ai oublié parce que je n'ai pas vraiment l' intention de chanter Je vais donc réinitialiser Edison par défaut. Enregistrer. Maintenant, 5 minutes, c'est bien. Nous allons appuyer sur Play. Peut-être que, par exemple, vous êtes en train d'enregistrer quelque chose ici et que nous allons enregistrer. Maintenant, j'enregistre ma voix. La lala la, la, la. Parfait. Une fois l'audio enregistré, vous pouvez simplement glisser-déposer directement dans votre playlist. Et tu peux m'écouter en retour. Je ne sais pas si j'en ai vraiment envie, mais par souci de démonstration, je suis en train d'enregistrer ma voix. L.L. Perf. Et comme pour tout autre extrait ou piste que vous faites glisser, vous pouvez ensuite l'attribuer à une piste de mixage et commencer le mixage. L'autre façon d' enregistrer de l'audio dans FL Studio n'est pas d'utiliser Edison, mais plutôt de l'enregistrer directement dans l'une de ces playlists, comme vous le feriez avec n'importe quel autre logiciel Donc, la première chose à faire est de vous assurer que le canal auquel votre microphone est attribué est activé pour enregistrer, c'est-à-dire attribué est activé pour enregistrer, ce bouton rouge en bas. Ou dans le cas d'une autre piste, ce serait ce bouton blanc. Maintenant, ce morceau est également armé pour être enregistré. Ensuite, nous reviendrons à notre arrangement, peut-être quelque part dans le hook et nous utiliserons le bouton d' enregistrement ici. Il va nous demander si nous voulons l'enregistrer dans Edison ou dans la playlist sous forme de clip audio, et si nous voulons l'enregistrer dans la playlist sous forme de clip audio Sélectionnons-le donc. OK, nous devons donc évidemment attribuer l'une de ces pistes d' arrangement au canal vocal. Nous allons cliquer ici avec le bouton droit sur le morceau 13, puis nous pourrons choisir notre voix. Et maintenant, nous pouvons ajouter un enregistrement à la playlist. Nous allons compter un peu. Maintenant, nous enregistrons notre voix ici, et vous pouvez voir la forme d'onde entrer L, non, non, non, non, non, non, non, non, non. Ensuite, nous pouvons désarmer FL Studio et appuyer sur Play. Désolé, j'ai oublié que nous avions désactivé Channel 18. Permettez-moi de le désactiver. Maintenant, nous enregistrons notre voix ici, et vous pouvez voir la forme d'onde entrer Non, non, non, non, non, non. Donc, ici sur le métronome, si tu cliques dessus avec le bouton droit, tu peux changer le son Et puis ici, nous avons le décompte ou le pré-roll. Vous pouvez donc régler cela sur une ou deux barres. Vous pouvez l'activer ou le désactiver. Et vous pouvez également activer ou désactiver le métronome si vous souhaitez qu'il joue tout le temps pendant que Mais nous n'en avions pas besoin cette fois-là parce que nous avons le rythme du tambour Comme vous pouvez le constater, l'enregistrement audio dans FL Studio est en fait assez simple. 34. Accorder des échantillons de batterie pour réduire la boue: Le réglage de la batterie est l'un des aspects les plus négligés mais essentiels de la création d'un rythme sonore cohérent et professionnel tambours correctement réglés évitent toute confusion lors du mixage . Ouvrons donc notre schéma de batterie. Et nous savons à quoi cela ressemble, mais je vais rejouer juste pour nous rafraîchir la mémoire. OK, donc les samples les plus importants que vous voulez régler sont votre coup de pied et votre clap Idéalement, vous les réglerez tous, mais à tout le moins, vous devriez certainement régler votre coup de pied et vos applaudissements Donc, pour régler la batterie dans FL Studio, nous allons à nouveau utiliser Edison, le même plugin que celui que nous utilisions pour notre enregistrement vocal Je vais juste en ouvrir une instance sur le master. Et avec cela, nous allons transférer nos échantillons individuels dans Edison Cliquez avec le bouton droit de la souris, accédez aux régions, puis sélectionnez Détecter les régions de tonalité. Donc, notre coup de pied est réglé sur F, non ? Et F n'est pas la clé de notre piste. D est la clé de notre piste. Nous voulons donc ajuster l'échantillon du kick de F à D. Nous voulons donc obtenir un demi-ton, deux demi-tons, trois demi-tons plus bas F à D. Nous voulons donc obtenir un demi-ton, deux demi-tons, trois demi-tons plus OK ? Pour ce faire, nous ouvrons de nouveau l'échantillon de kick-sample, et nous arrivons ici au bouton de pitch Et vous verrez dans le coin supérieur gauche une valeur appelée sens, n'est-ce pas ? Et le sens se traduit simplement par un demi-ton. Donc, 100 cents, c'est un demi-ton, et nous voulons le réduire de trois, nous avons 300 demi-tons devraient donc tonaliser notre échantillon de batterie de fa à D. Maintenant, notre échantillon de batterie est adapté à la note fondamentale du morceau, et je sais qu'il est réglé en D. Mais dans FL Studio, C cinq est la valeur de l'échantillon par défaut Donc, comme nous avons réglé l'échantillon pour qu'il soit réglé sur D dans le piano roll, C cinq est celui qui joue notre échantillon par défaut. Dans ce cas, C cinq est en fait D. Si vous vouliez que votre rouleau de piano soit identique, vous pouvez très facilement saisir vos notes de batterie, les amplifier d' un ou deux demi-tons, puis revenir ici et faire le contraire Diminuez cela d' un ou deux demi-tons. Et maintenant, la note de D est la note de D. Donc maintenant, nous en sommes à 90 % . Notre sample de batterie est réglé sur la note fondamentale du morceau, ce qui signifie qu' il sonnera probablement en accord avec tout ce qui se passe. Cependant, parce que notre basse et notre kick sont étroitement liés. Je vais donc juste jouer la batterie en solo pendant une seconde. Et sur quel instrument joue notre basse ? Je vais aussi le faire en solo. Celui-ci, ici, et celui-ci. Oups. Je ne voulais pas les mettre totalement en solo. Je voulais juste les activer aussi. Activons-les donc tous les deux, et nous activerons également le kick Notre schéma de basse joue le même rythme que le coup de pied. Ainsi, chaque fois que le coup de pied frappe, la basse atteint également deux points. Et comme ces deux instruments se situent dans la même gamme de fréquences, une autre chose à faire pour vraiment éliminer cette confusion serait de lancer la batterie sur les mêmes notes que celles de la basse Donc, dans notre basse, nous jouons le A dièse, do, le D et le F. Souvenons-nous de cela. Entrez dans notre kitrum in the piano roll. Et si nous nous souvenons, ces deux premières notes jouent en A dièse. Mmm, hum. Ces deux notes jouent C. Elles jouent D, et les deux à la fin jouent F. Maintenant, voici à quoi cela ressemble en soi. Quand on ajoute ça à la basse, c'est comme ça. Je vais juste tout dévoiler et nous l'entendrons dans son contexte. J'irais même jusqu'à dire que c'est obligatoire dans la musique trap hip hop, le drill ou quoi que ce soit d'autre. Absolument, accordez définitivement le kick drum aux notes de la basse. Non seulement cela réduit la boue, mais ce n'est pas si visible De plus, vous remarquerez peut-être que certaines batteries sonnent légèrement différemment des autres, ce qui ajoute une touche d' humanisation ou une sorte de différence dynamique, de sorte que le rythme ne sonne pas aussi robotique et que les batteries sonnent plus comme si elles avaient été jouées en direct que programmées dans FL Studio Ensuite, nous allons simplement régler quelque chose qui n'a pas besoin d'être présenté Donc, par exemple, le clap ici. Le clap se joue juste à chaque deuxième et quatrième battement. Il n'est donc pas nécessaire de le lancer sur un instrument. Il suffit de le lancer sur la touche de la piste. Voyons donc sur quelle touche ce clap est joué par défaut Il joue dans la clé des régions, détecte les régions de tonalité, fa vif. Donc, ce que nous pouvons faire avec cela, c'est si vous savez si vous connaissez l'accord triadique de base de la note racine dans laquelle se trouve votre morceau Donc, par exemple, nous sommes dans la tonalité de ré mineur, d'accord ? Donc, si je vais ici sur mes cordons et que j' appose un simple accord mineur, je vais le tamponner sur D. Cela me montrera les trois notes sur lesquelles je peux tonaliser OK ? Je peux donc tonaliser en ré, la note fondamentale, je peux tonaliser en fa ou je peux tonaliser jusqu'à A. Donc, idéalement, avec vos samples, vous devriez opter pour ce qui se rapproche Donc, pour nous, avec nos applaudissements, parce que c'est en fa dièse, c'est le cas, et parce que nous pouvons tonaliser en fa ou en A, tonaliser ce clap en F. Et de cette façon, allons tonaliser ce clap en F. Et de cette façon, ce sera dans la tonalité du morceau sans que cela ne déforme le son d'origine parce que le son d'origine est Si nous le présentons trop, cela le change, et si nous le présentons trop, cela le change également. Mais si nous ne le lançons que d'un demi-ton, c'est à peine perceptible Il suffit donc de le réduire de 100 cents ou d'un demi-ton, et maintenant notre coup de pied et nos applaudissements ont été lancés sur la piste Et peut-être que nous en réglerons un autre ici. Nous allons régler le sample de caisse claire que nous utilisons comme percussion. Ouvrons donc Edison. Voici notre échantillon de piège, glissez-le dedans, détectez les régions de tonalité Et encore une fois, nous sommes en fa dièse 4. Donc, pendant que le pattern est joué, je vais ajuster la tonalité juste pour que vous puissiez voir que les samples de batterie désaccordés ne sonnent pas aussi cohérents que les samples accordés, d'accord ? Je vais donc appuyer sur Play, et je vais commencer à modifier le pitch de cet échantillon. Je vais juste l'augmenter pour que tu puisses l'entendre. Maintenant, à mon avis, c'est complètement déréglé. Cela semble vraiment dissonant Et si vous vous souvenez, à l'origine, il était réglé en fa dièse. Donc, en le réduisant de 100 cents, nous le mettons dans la clé du circuit. Cela devrait donc sonner bien. J'espère donc que vous avez pu entendre à quel point d'autres tonalités peuvent être un peu dissonantes jusqu'à ce que vous mettiez correctement le sample dans la tonalité du morceau 35. Voix : Autotune et Vocoders: OK, donc pour ceux d'entre vous qui travaillent avec artistes ou qui chantent ou rappent eux-mêmes, dans cette conférence, nous allons examiner le réglage automatique et un autre effet vocal appelé vocodeur Si vous n'êtes pas un artiste et que vous ne travaillez pas avec un artiste, vous pouvez trouver des a capellas dans, vous savez, des packs d'échantillons Il existe de nombreux packs d'échantillons Acapella, ou vous pouvez utiliser certaines des ressources dont nous avons parlé précédemment, comme Lupermen, Splice, Somatics, YouTube et TikTok Il y a pas mal de personnes qui publient leurs propres paroles et leurs propres Acapellas Et puis d' autres sites, comme les forums de producteurs sur peut-être, vous savez, Red It ou Slash we are the music makers, proposent souvent des ressources vocales gratuites partagées par les membres Donc, tout d'abord, je vais faire semblant de travailler avec un artiste, et c'est une fille. Elle chante sur ce morceau, et je vais m'y attarder. Essayons peut-être l'un de ces A capellas. Do majeur. Nous ne cherchons pas de major. Nous sommes dans une tonalité mineure. Mi mineur. Cela pourrait nous aider. Faisons-le glisser. Et il est fixé à 135. Je vais donc m'adapter au rythme. Mais comme nous sommes à 87 ans, je pense que ça va ralentir un peu . Oui, probablement. Saint. Oui, donc je vais juste réajuster cela à la moitié de 13 567,5 Maintenant, cela devrait être en phase avec notre piste. Oh, il avait sa voiture. Oui, le truc a disparu. Nous avons tellement de temps. Ne restons pas seuls. OK, et je pense que je voulais commencer par le premier beat du Bar. Très bien, maintenant nous avons un faux chanteur que nous avons enregistré, et maintenant ils chantent sur ce morceau Réglons les problèmes de terrain. Nous allons donc l' attribuer à une piste de mixage, ce qui est déjà le cas. Et nous allons d'abord examiner la forme la plus naturelle de réglage automatique que nous pouvons faire dans FL Studio, qui utilise un plugin appelé Newton. Et Newton est fondamentalement la même chose que Melodynee ou Waves Il analyse la forme d'onde puis la place sur des notes visibles Mais tu verras ce que je veux dire dans une seconde. Faisons donc glisser notre échantillon vocal dans Newton. Oh, nous avons ce ballon. Dans Newton. Et nous pouvons le fermer à nouveau. Je vais juste l'agrandir pour que nous puissions voir ce que nous faisons. Vous pouvez donc voir ici que c'est notre voix. La ligne orange représente le contour et le ton. Donc, par exemple, ici, elle chante la note de mi, un peu bancale, mais c'est bon parce que la ligne orange me semble ne jamais vraiment quitter la gamme de cette note de E. Cependant, ici, nous avons ce qui ressemble à du vibrato quitter la gamme de cette note de E. Cependant, ici, nous avons ce qui ressemble à Elle oscille donc entre deux tonalités différentes. Ensuite, par exemple, ici, vous pouvez voir que la ligne est sur la note de mi, mais qu'elle repart un peu à plat vers la fin, et que la ligne se situe quelque part entre ces deux notes. Elle ne chante donc pas vraiment une note ici. Elle chante quelque part entre les deux, juste un peu bémol en sol et un peu aigu en fa dièse. Donc, si nous écoutons ça, nous devrions entendre un peu de vibrato ici, et nous devrions peut-être l'entendre parler un peu à plat Oh, nous l'avons maintenant. Oh. Oui, c'est un document OK, donc à première vue, c' est en fait une note différente. Mais ce qui s' est passé, c'est qu'elle n'a pas vraiment pris la bonne note. Elle n'a pas chanté assez profondément pour atteindre cette note. Newton ne reconnaît donc pas qu' il s'agit d'une nouvelle note. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est le découper en tranches pour le séparer. Nous avons maintenant deux notes distinctes, que nous pouvons faire glisser et manipuler séparément. Donc, avec Newton, nous utiliserons deux principaux types de paramètres , à le bouton central et le bouton de variation Le bouton central fera donc simplement glisser ces notes plates ou nettes, comme par exemple, celle-ci ici, vous pouvez voir que c'est le centre de la forme d'onde blanche Donc, toute cette forme d'onde ici, le centre de celle-ci est ici Ce n'est pas sur le nœud de A, et ce n'est pas non plus sur le nœud de A flat. C'est quelque part entre les deux. Euh, le bouton central ici le fera simplement glisser vers le centre de l'une de ces deux notes, celle dont cette section est la plus proche Alors faisons-le maintenant pour l'ensemble de la voix. Vous verrez toutes les formes d'onde se déplacer pour être centrées sur une note Oh, nous l'avons maintenant. Oui, c'est parti. Donc, pour moi, cette note est fausse. C'est un peu trop haut. Je pense que c'était censé être cette note, et je dois probablement aussi la faire glisser vers le bas. Waouh. Oui, c'est parti. Et puis, encore une fois, je pense qu'elle était censée démissionner. Ici. Comme ça. Oui, à TG. Ensuite, à partir de là, nous pouvons ajuster ampleur de la variation sur ces lignes. Maintenant, nous regardons la ligne orange. D'accord ? Donc, par exemple, le vibrato ici, nous pouvons en quelque sorte le réduire et le rendre moins extrême Ou, par exemple, trouvons un autre endroit où elle aurait pu être un peu plate. Peut-être ce genre de choses ici. Ainsi, lorsque la ligne orange est une sorte de courbe, en ajustant la variation, nous pouvons la rendre un peu plus droite, pour donner l'impression qu'elle tient cette note. Peut-être quelque chose comme ça. C'est très subtil pour qu'elle reste sur le terrain. Oh, nous avons sa neige. Oui, le jour C, il nous reste tant de choses à faire. Donc, avec ces deux boutons et le fait que vous pouvez faire glisser chaque note individuellement et les séparer. Ainsi, par exemple, une autre zone que vous pourriez séparer se trouve ici, car je pense qu' elles ressemblent deux notes distinctes que le logiciel n'a pas reconnues. Nous pourrions donc le découper, et maintenant nous pouvons les présenter séparément. Vous avez beaucoup plus de contrôle sur le ton de la voix. Cette méthode demande également beaucoup de travail pour bien faire les choses et pour qu'elles aient un son naturel Donc, par exemple, au début, cela ne semble pas très naturel. Oh. Cela semble assez automatique. Oh, j'ai. Cela aurait donc probablement besoin d'un petit ajustement pour essayer de le rendre un peu plus naturel. Oh. Oh. Oh. Personnellement, je ne pense pas que Newton soit incroyable. C'est parfait pour ce genre de choses, mais il faut beaucoup plus de travail pour obtenir un son naturel qu'un plugin comme Melodynee ou Waves Et je pense que je ne suis pas sûr à 100 %. Ne me citez pas là-dessus, mais je pense qu' ils ont tous les deux une version gratuite ou une version allégée dans laquelle vous pouvez modifier votre voix Vous ne pouvez pas vraiment aller plus loin, mais il existe des alternatives moins chères et gratuites. Disons maintenant que nous avons passé, je ne sais pas, 3 heures à travailler sur cette voix. Nous en avons fini avec ça. Nous sommes prêts à le réimporter afin de pouvoir utiliser cet outil pour le faire glisser à nouveau dans notre échantillon. Cela va le remettre dans son calendrier initial, nous devons donc l' ajuster à nouveau. Je crois que c'était 67,5. Maintenant que l' échantillon vocal est en mi mineur, nous pouvons utiliser le bouton de hauteur pour le réduire deux demi-tons en ré majeur. Et maintenant, il devrait être dans la tonalité. Cela devrait sembler un peu moins plat, et cela devrait également arriver à temps. Oh, nous avons le sien maintenant. Hier est passé. Nous avions tellement de temps. Ne restons pas seuls. Maintenant, bien sûr, je n'ai pas vraiment lu le chant, donc il y a des endroits où Newton le met sur la mauvaise note Mais je vais la remplacer par la version originale qui n'a pas été affectée. C'est toujours lancé. Je dois juste l'étirer à nouveau. Et nous allons examiner un autre plugin dans FL Studio appelé Pitcher Et le lanceur est idéal pour créer ce type de son classique à réglage automatique Celui-ci est donc très simple à utiliser. Une fois que votre échantillon vocal a été adapté à la tonalité de votre chanson, ou, par exemple, si vous l'avez enregistré vous-même, vous n'avez pas besoin d'ajuster la hauteur globale Quoi qu'il en soit, vous allez le faire passer par une piste de mixage et vous allez charger le plugin appelé pitcher Et avec cela, c'est assez simple à utiliser. Tu as ta tonalité mineure majeure. Pentatonic n'est qu' une gamme de cinq notes. Nous n'avons pas vraiment à nous soucier de cela toutes les notes ou d' une seule note. Ensuite, nous pouvons ajuster la touche dans laquelle nous nous trouvons. Donc, pour nous, nous sommes en ré mineur. Le réglage minimum en Hertz indique à la prise dans quelle mesure vous êtes prêt à laisser le billet vaciller lorsqu'elle le tient Ainsi, par exemple, si elle tient la note de fa, elle peut être un peu bancale sur son ton, et elle peut osciller beaucoup ou légèrement Et il s'agit essentiellement de votre bouton de variation. Vous dites donc à la prise dans quelle mesure vous allez autoriser ces petites oscillations 25 Hertz est une petite valeur. Donc vous dites que je ne veux pas trop de vacillements. Je veux que tu écrases le billet et que tu le maintiennes. Et puis avec 220, ce serait beaucoup plus naturel. Cela va permettre beaucoup plus de vibrato et beaucoup plus de oscillations entre les tonalités d'une note. Laissez-le donc réglé sur 110 pendant une minute, puis nous examinerons la vitesse. La vitesse est littéralement la vitesse à laquelle le lanceur entre en action Donc, plus la vitesse est élevée, plus le réglage automatique s'enclenche rapidement, et cela donnera un son plus robotique, comme TPne ou Cane West Et puis, plus le son est lent, plus le son sera naturel et plus vous pourrez en quelque sorte préserver cette performance naturelle Alors écoutons-le maintenant en action. Essayons de régler automatiquement cet extrait vocal. Oh, nous avons sa voiture. Oui, c'est parti. Nous avons tellement de temps. Ne restons pas seuls. Seul. Non, Shop be on the Bone Alone. Il y a de la lumière après les magasins lourds. Je sais, tu ferais mieux déplacer, pas d'attendre, de trouver quelqu'un Pas d'abeilles à ne pas attendre. Non, peut-être que quelque chose comme ça semble assez naturel pour cette voix. Nous autorisons très peu de variations, mais nous réglons la vitesse sur moyenne. La première partie de la note est donc en quelque sorte préservée. Et puis ce n'est que la dernière partie du billet où elle le tient peut-être. C'est la seule partie qui est réglée automatiquement. Passons donc à la voix en solo et nous l' écouterons avec le lanceur allumé et le lanceur éteint Oh, nous avons le sien maintenant. Oui, les T y vont. Nous avons tellement de temps. Ne restons pas seuls. Seul. Non, elle sera au téléphone. Al. Il y a des lumières éteintes dans tous les magasins. Laisse-le aller. Tu dois aller de l'avant. Mais tu es vivant. Pas le temps de payer. C'est bien pour vous, quelqu'un. J'adore ne pas payer. Et, par exemple, si vous essayiez d'obtenir effet vocal du type Tepin, il vous suffit de le monter et de baisser le minimum Oh, j'ai le sien maintenant. Oui, mais Sc. Nous avons tellement de temps. Restons seuls J'ai également mentionné qu'avec Newtone, les plugins les plus avancés et les plus payants seraient Melodynee et Avec le plug-in photo, la version la plus avancée et la plus conforme aux normes de l'industrie serait Antares Auto Tune ou le plugin Nectar d'Itu. Ces deux-là sont géniaux. Ce sont de merveilleux plugins fournis gratuitement avec le logiciel. Cependant, si vous travaillez dans le traitement vocal, je vous recommande également de prendre l'un des deux autres Pour moi, la meilleure combinaison est Melodynee au lieu de Newton, puis l' autotune d'Antares autotune D'accord, nous allons examiner les vocodeurs maintenant. Nous avons donc notre voix ici et nous allons charger un plugin appelé Voca Dex Je veux juste m'assurer qu'ils sont en sourdine. Donc, avec cela, cela va donner au son vocal une sorte de robotique. Donc je vais juste y jouer. Allons-y Et il existe également quelques préréglages différents que vous pouvez utiliser. Bonjour Bonjour. Pas de shopping. C'est une émission de cinéma. Maintenant, c'est cool et intéressant. Mais là où cela devient vraiment intéressant, c'est lorsque nous y ajoutons un synthétiseur porteur J'ai donc déjà mis en place un modèle pour cela. Ce n'est qu'un schéma vide pour le moment. Je vais ajouter un synthétiseur, un vieux sérum fidèle Ensuite, nous allons peut-être tirer les ficelles de la piste. Je vais donc les apposer très rapidement. Je me souviens donc que nous avions un dièse majeur pendant presque deux temps entiers, sauf qu'il est coupé juste avant, puis il passe en do majeur, timbre majeur C. Ensuite, nous avons le ré mineur. Et puis il y a le fa majeur. Alors maintenant, ça ressemble à ça. Je vais le lancer. Je pense que c'est trop bas. Ensuite, nous allons assigner ce synthétiseur à une piste de mixage Il y est donc affecté à la piste 21. Nous allons coller le synthétiseur porteur du vocodeur sous notre voix, peut-être ici aussi, juste pour reprendre notre souffle Et pour ce qui est de la piste de mixage avec cette chaîne surlignée, je vais simplement la renommer pour que nous sachions de quoi nous parlons , le transporteur Foca Ensuite, nous allons cliquer avec le bouton droit sur cette petite flèche et indiquer chaîne latérale uniquement pour cette piste. Ensuite, dans notre vocodeur, nous allons changer le numéro du mod à zéro et le numéro du transporteur à un Maintenant, vous pouvez avoir plus de chiffres ici en fonction nombre de canaux que vous avez envoyés à ce canal vocal. Mais pour nous, il n'en est qu' un pour le moment. Donc, dans notre vocodeur, nous n'avons qu'une seule option Et maintenant, notre voix devrait sonner comme celle d'un robot, mais aussi jouer ces accords. Oh, Happi c'est maintenant. Oui et ça fait des jours. Et nous pouvons jouer avec différents préréglages et voir ce qui se passe Non Suis. Pas d'achats par téléphone. Cette lampe est-elle une lourde pierre ? Jambe Oui, ça l'est. Oh, c'est maintenant. Oui, c'est parti. Nous avons du ch down. Mettons-nous debout maintenant. Glissez jusqu'à chaque pierre. L. Et ça peut être vraiment cool si tu le superposes à ta voix originale. Donc, par exemple, assignons-le à une autre piste. Alors maintenant celui-ci n'a pas de vocodeur, et celui-ci en a un Et maintenant, nous pouvons jouer avec un mélange des deux. Oh, nous avons le sien maintenant. Oh. Hier C. J'ai juste fait une erreur très simple et j'ai fini par changer les deux samples vocaux. Je vais donc simplement le ramener à la chaîne 18. Il est donc de retour sur notre chaîne Vocoder. Et avec celui-ci, je dois le rendre unique afin qu'il soit distinct de celui-ci. Assignons maintenant celle-ci à une nouvelle piste de mixage, et nous pourrons obtenir un mélange des deux. Oh, nous avons le sien maintenant. Hier est passé. Nous avons tant de choses à faire. Ne restons pas seuls. Aloès. Maintenant, faites vos achats sur le pouce. Toute cette lumière à cause d'une forte tempête. Laisse-le partir. Maintenant, ça a l'air plutôt cool. Mais comme vous utilisez un synthétiseur porteur, en modifiant le préréglage, vous modifierez le son du vocodeur Il existe donc d'autres options avec lesquelles nous pouvons jouer en modifiant le son du synthétiseur Donc, par exemple, nous allons entrer ici. Nous allons juste prendre peut-être quelques clés, peut-être ces clés d'éléments. Maintenant, si j'appuie sur Play dans la playlist, je passe en revue certains préréglages du synthétiseur et vous entendrez le son du vocodeur Oui Effrayé. Ne le faisons pas. Dans. Laisse-le aller. Et, bien sûr, comme pour tout le reste, vous pouvez ajouter un traitement supplémentaire au cours duquel nous ajouterons peut-être un peu de grain à l'aide du Wave Shaper Oh, je l'ai maintenant. Oui, ils y vont. Nous avions tellement de temps. Ne restons pas trop longtemps à A. Maintenant, je fais des achats par téléphone. Une telle lampe pour Emmy Stone. Laisse-moi partir Oh, tu n'en as pas. Oui, c'est fini. Nous avions tellement de temps. Ne restons pas dedans. 36. Aperçu des effets créatifs: Les effets créatifs sont essentiels pour transformer les sons simples en un son dynamique riche et texturé Cela peut inclure des éléments tels que des broyeurs de bits, amplis d' armoire, des chœurs, des filtres, des flangers, processeurs granulaires, des phaseurs, des effets rotatifs et peut-être une modulation LFO et Donc, ce que je vais faire ici, c'est faire une démonstration de certains de mes effets sympas et créatifs. Je vais expliquer ce qu'ils sont et ce qu'ils font. Nous allons passer en revue quelques préréglages afin que vous puissiez entendre ce que fait le plug-in Et j'espère que vous connaissez peut-être quelques plugins créatifs dont vous aimez le son et que vous voudrez peut-être acquérir à l'avenir. Ce n'est pas, oh, regardez tous les plugins sympas que j'ai. Je voudrais simplement que certains d'entre vous connaissent le nom de certains plug-ins et leur rôle afin qu'à l'avenir, si vous recherchez un type de plug-in ou un type d'effet en particulier, vous sachiez quoi rechercher. Si vous êtes déjà un intermédiaire ou un expert en production musicale, il est fort probable que vous ayez déjà rencontré ces plugins . Mais si vous êtes débutant, vous n'en avez peut-être entendu parler, et il pourrait être utile de voir ce qu'ils sont et ce qu'ils font. Donc pour cela, je vais juste faire une boucle ici à la fin avec le chant. Et nous allons le faire en solo, et nous allons simplement passer revue certains de ces effets sur notre voix ici. Voici donc comment notre voix sonne sans aucun effet créatif. Mm. Et le premier que nous allons ajouter est un broyeur de bits. J'ai donc cet été ici. Maintenant, ce plugin Bt fun est en fait gratuit. Il fait partie du pack d'effets gratuits MelderProduction. Donc, si cela vous intéresse, jetez peut-être un œil à cela. Vous pouvez obtenir des choses comme un analyseur, un autopan, un réglage automatique, ce plug-in de concasseur de bits, un peu de réverbération, un compresseur, un retardateur, tout De plus, il existe un très bon site Web appelé KV OR et il possède une énorme base de données de plugins Mais plus important encore, ils disposent d'une énorme base de données de plugins gratuits. Vous pouvez obtenir des plugins vraiment sympas et vraiment intéressants sur le site Web de KVR audio Mais pour l'instant, revenons-en à ce concasseur de bits. Ainsi, un concasseur de bits ajoute essentiellement une qualité graveleuse numérique à faible intensité en réduisant la profondeur de bits ou la Écoutons donc comment cela sonne, et nous allons passer en revue quelques préréglages. Ensuite, nous avons un ampli d'armoire. Ils imitent le son des amplis de guitare ou des enceintes pour apporter chaleur et résonance Essayons donc certains d'entre eux. Mmm, hum. Ensuite, nous avons les effets de chorus, sont généralement fournis gratuitement avec la plupart des logiciels, mais je vais vous en montrer un que j' ai ici de Ils peuvent créer de la largeur et de la profondeur en dupliquant un son, puis en désaccordant ou en retardant légèrement les copies, le Ensuite, nous allons examiner un bouchon de filtre. Un bouchon filtrant façonne le contenu fréquentiel d'un son en accentuant ou en coupant des plages de fréquences spécifiques. C'est essentiellement comme un égaliseur automatique. Écoutons-le. Voilà Vous pouvez réellement voir ce qui se passe avec l'égaliseur à l'écran Ensuite, nous allons jeter un coup d'œil à un flanger. Encore une fois, ce flanger en particulier fait également partie du bundle d'effets M free C'est vrai. Un flanger peut ajouter un mouvement métallique et tourbillonnant en retardant puis en Ensuite, nous en avons un très amusant appelé granulizer. Un granulateur décompose le son en petits morceaux appelés grains, puis il les réassemble de manière créative . Donc, avec cela, vous pouvez obtenir des textures vraiment atmosphériques et étranges, ou vous pouvez obtenir des sortes d'effets de glitch Ensuite, nous avons un phaseur. Ouvrons donc simplement un plugin de phaseur. Et encore une fois, je tiens juste à souligner que M phaser fait partie du pack d' effets gratuits de Melda Un phaseur ajoute une sorte de mouvement de balayage en modulant la phase de différentes fréquences Ensuite, nous avons des plugins rotatifs. Ils imitent le son d'un haut-parleur qui tourne. Il est le plus souvent utilisé avec des claviers ou des orgues électriques, mais c'est un effet vraiment cool à mettre sur des voix, des synthétiseurs ou même des basses Mmm, hum. Oh , alors nous avons les plug-ins Unison Et nous nous sommes penchés très rapidement sur Unison auparavant lorsque nous modifiions les paramètres du synthé. Mais ici, il fait la même chose. Il divise donc un son en plusieurs types de voix du même son, puis ajoute une mélodie en D pour l' épaissir et l'élargir J'adore ce plugin. C'est génial pour produire des sons gras et pleins. Et la prochaine chose à examiner serait la modulation LFO, ou dans ce cas, c'est ce qu'on appelle un wobbler Maintenant, il a également un filtre intégré, et je pense qu'il a d'autres effets, comme des phaseurs, des flangers, etc. Mais rien ne vous empêche de créer le vôtre en vous procurant quelque chose comme outil LFO, puis en utilisant un filtre, puis peut-être un peu de distorsion, et vous pouvez créer votre propre type d'effet d'oscillation Et à première vue , le wobbler possède également un panoramique automatique intégré, qui est juste un effet qui automatise en quelque sorte le panoramique de gauche à s'agissait donc simplement d'une démonstration de certains des plugins créatifs amusants qui existent et que vous voudrez peut-être télécharger ou acheter à l'avenir. 37. Chaînes à effets: Dans cette conférence, nous allons examiner les chaînes d'effets, et c'est ici que vous pouvez empiler différents effets les uns sur autres dans ces emplacements individuels. Donc, tout d'abord, nous devons comprendre l'ordre d'une chaîne de signaux ici, et c'est assez simple. Le son arrive au début, puis il descend. Ainsi, quel que soit l'ordre dans lequel vous empilez les plugins, c'est l'ordre dans lequel le son sera traité. Donc, ici, notre audio arrive en newtons, puis il est envoyé à l'image. Et ce sont deux plug-ins de réglage automatique. À partir de là, nous envoyons notre signal réglé automatiquement dans le filtre d'amour, puis nous envoyons le signal réglé et filtré automatiquement dans le wobbler Il s'agit donc d'un simple aperçu de la chaîne de signaux dans FL Studio. Mais ce que je veux faire, c'est peut-être essayer d'utiliser les plug-ins d' origine de FL Studio et nous les superposons pour essayer de créer une sorte d' effet intéressant similaire à ce wobbler Il me semble donc que le Wobbler ajoute un stylo automatique Le son rebondit donc de gauche à droite, comme ça. Comme ça. Et on dirait qu'il y a une sorte de filtre, peut-être un peu de distorsion et je ne sais pas, peut-être un effet de chorus pour ajouter un témoin stéréo Essayons donc de créer quelque chose de très similaire au créer quelque chose de très similaire au wobbler en utilisant des plugins d' origine. Donc, tout d'abord, je vais commencer par le filtre Fruity Love. Et jouons-le pendant que nous écoutons certains des préréglages. OK, c'est un effet plutôt cool. Alors maintenant, allons-y et déformons cet effet. Nous prenons donc ce signal de processus, et maintenant nous y ajoutons une distorsion. Ici. Ensuite, pour le faire rebondir de gauche à droite, nous allons ajouter un autopan, qui est une panomatique fruitée Ensuite, peut-être pourrions-nous ajouter quelque chose comme un refrain pour lui donner un peu d'épaisseur et de largeur Ces quatre effets superposés ont donc créé quelque chose de vraiment cool, et cela ressemble à quelque chose le wobbler aurait l'habitude Voyons très rapidement ce qui se passe lorsque nous inversons l'ordre de ces plugins. Donc, pour le moment, nous filtrons le son. Ensuite, nous déformons le son filtré. Ensuite, nous ajoutons un peu de panoramique, un peu de panoramique au son filtré déformé, puis nous ajoutons du refrain à tout cela Mais, par exemple, au lieu de déformer le son filtré, nous pourrions filtrer le son déformé Ou au lieu d'ajouter un refrain à l'ensemble, nous pourrions également effectuer un panoramique automatique du refrain Ou nous pourrions filtrer le refrain. Ou on pourrait déformer le refrain. Comme vous pouvez le constater, vous pouvez superposer des effets pour créer un design sonore vraiment cool. Et si vous comprenez le flux du signal, vous pouvez placer ces effets dans l'ordre dans lequel vous souhaitez qu' ils traitent le son. 38. Mise en place de gain et marge de tête: La mise en scène du gain et la marge de manœuvre sont des concepts fondamentaux du mixage et du mastering Une mise en scène de gain appropriée garantit un mixage clair et dynamique. Dans cette conférence, nous expliquerons comment monter en scène dans FL Studio. La raison pour laquelle nous gagnons du terrain est principalement pour éviter l' écrêtage lors du mélange écrêtage est un type de distorsion numérique qui se produit lorsque vos signaux dépassent zéro DB Par exemple, si nous ne sommes pas montés sur scène, vous savez, quel que soit le contenu d'Insert 90, par exemple, prenons le chant. Si nous ne parvenions pas à monter en scène correctement, la voix atteindrait peut-être un pic d'environ moins deux dB Ensuite, nous ajoutons des éléments tels que l'égalisation, nous augmentons de cinq dB dans le milieu de gamme, puis nous ajoutons de la compression, de la saturation et un peu de distorsion Le signal audio sera alors bien supérieur à zéro dB. Et c'est parce que tu n'avais aucune marge de manœuvre. marge de manœuvre est donc la différence entre le niveau maximal du signal audio, qui dans ce cas, nous disions être de -2,5 et zéro cas, la marge de manœuvre n' est donc que de 2,5 décibels, mais nous devrions atteindre moins six décibels Maintenant, ce qui nous intéresse, c'est le signal audio entrant dans la piste. Ce niveau de fader contrôle donc le son sortant. Le son entre donc, il est traité ici avec tous les effets. Il passe par le panoramique l'inversion de phase, la séparation stéréo et tous ces boutons, puis il atteint le fader Et ce fader contrôle le niveau de volume pour toutes les options ci-dessus Donc, si nous devions augmenter le niveau de la mélodie, nous utiliserions le volume de chaque canal, car cela contrôle le gain d'entrée Cela permet de contrôler le niveau audio envoyé au mixeur. Donc, si je joue ce schéma pendant une seconde. Voici donc nos deux instruments mélodiques. Ce que nous devons faire, c'est nous assurer que le fader principal est réglé sur zéro et que les niveaux du fader de ce que vous voulez mettre en scène sont également définis sur Désactivez tous les effets que vous avez activés et réinitialisez les modifications de panoramique ou de volume de canal que vous avez déjà apportées Nous avons donc apporté quelques modifications au volume des chaînes ici, je vais donc simplement les réinitialiser. Et celui-ci aussi. Et passons au premier en solo. Et ce que nous recherchons lorsque nous appuyons sur Play, c'est que le signal ne dépasse pas moins six. Et idéalement, il ne descend pas en dessous de -18 non plus. C'est donc le type de gamme que nous recherchons. Maintenant, pour moi, c'est parfait. Jetons un coup d'œil à l'autre instrument. OK, donc cet instrument dépasse moins six d'environ deux ou trois DV Alors, diminuons cette option. Et maintenant, nous avons des gains échelonnés sur l'instrument sur le canal 16 pour ne pas dépasser moins six. Donc, si vous ne l'avez pas encore compris, c'est à ce stade que vous devez vous assurer que chaque instrument et chaque élément que vous utilisez sont inclus dans votre arrangement. Donc, tous ces accords, les trois couches d' accords que nous utilisons, les deux couches mélodiques, toutes les batteries, la basse, tous ces effets et ces sons supplémentaires que nous avons ajoutés, ainsi que les voix, doivent tous être assignés à une piste de mixage afin que nous puissions surveiller les niveaux audio entrant dans cette piste nous puissions surveiller les niveaux audio de mixage, et nous pouvons Encore une fois, peut-être allons-nous gagner la base ici. Nous avons donc deux instruments. Nous sommes sur Channel Eight et Channel Nine. Je dois également réinitialiser le volume de leurs chaînes. Et je vais m'assurer que ces niveaux de fader sont réinitialisés Ils ont l'air réinitialisés, mais ils ne le sont peut-être pas. Ensuite, nous allons appuyer sur Play. Et nous allons regarder les niveaux audio à venir. Donc, pour notre base huit sur huit, le niveau audio est un peu élevé. Abaissons ça. Et il en va de même pour l' autre instrument, la couche de basse supérieure. Il fait un peu trop chaud aussi. Alors maintenant, ces deux valeurs semblent se situer entre moins six et -18, et aucune d'entre elles ne dépasse moins six Regardons peut-être un autre modèle maintenant. Les tambours adopteront simplement ce schéma de batterie en moins. Donc, à première vue, notre coup de pied est vraiment bon. Le piège est également correct. Les chapeaux sont également corrects. Et cet instrument doit être réinitialisé. Celui-ci est sur le point d'aller bien. C'est juste un peu au-dessus mise en scène des gains et de la marge de manœuvre appropriés sont essentiels pour un mix professionnel et épuré Maîtrisez ces concepts et votre morceau sera prêt à briller dans n'importe quel environnement. 39. Égaliser sans tuer l'ambiance: L'EQ est l'un des outils les plus puissants de la production musicale. Il façonne votre mix, équilibre les fréquences et garantit la clarté. Cependant, un égaliseur agressif ou mal planifié peut gâcher votre circuit Dans cette conférence, nous verrons comment utiliser efficacement l'égaliseur pour améliorer votre mix sans pour autant détruire l'ambiance Alors, tout d'abord, qu'est-ce que l'EQ ? Eh bien, l'égalisation ou égalisation est le processus qui consiste ajuster l'équilibre des différentes fréquences de votre audio Nous pouvons donc nettoyer le mixage en supprimant les fréquences indésirables ou sévères que nous n'aimons pas, puis nous pouvons les amplifier. Nous pouvons mettre en évidence des éléments importants pour s'adapter à l'espace Sonic. Vous pouvez également l' utiliser pour apporter du vernis afin d'améliorer le caractère du morceau. Je vais donc simplement ouvrir un plugin EQ pendant une seconde sur notre échantillon vocal que nous avons introduit au début du cours Et j'ouvre Fruity Parametric EQ Two. J'essaie de conserver la plupart des effets que j'utilise pour m'en tenir aux plugins Fruity Stock, juste pour que tout le monde puisse suivre. Quoi qu'il en soit, avec EQ, nous allons nous concentrer sur deux types de règles principales, supprimer pour les corriger et les améliorer pour ajouter du caractère La découpe peut donc résoudre des problèmes tels que la formation de boue ou de carie. Nous y reviendrons dans une seconde. Ensuite, l'amplification permet de mettre en valeur des éléments ou des fréquences clés qui ajoutent un peu de clarté ou peut-être de chaleur au son. Pendant que nous sommes ici, nous allons simplement jeter un coup d'œil aux différentes fréquences et ce qui est associé à chaque plage de fréquences. Donc, à partir du bas, 20 à environ 60 hertz, nous avons la sous-région de base. Et vous le ressentez plus que vous ne l'entendez, mais c'est crucial pour les bas de gamme d'énergie. Donc, ce que vous cherchez à couper de cette plage, c'est peut-être supprimer, eh bien, je suppose, supprimer toute cette gamme de fréquences de tout ce qui n'est pas un élément de base, c'est-à-dire une base de frappe ou tout type de pad que vous avez absorbe ces basses fréquences. Mais au contraire, vous allez conserver ces fréquences dans des éléments tels que votre base ou votre coup de pied. Ensuite, nous avons d'environ 60 hertz à 250 hertz. Cette gamme est simplement connue sous le nom de base. Il définit le type de poids et le punch de la piste. Donc, dans cette gamme, vous pouvez couper des objets tels que la boue, qui se trouve généralement entre 1:50 et 250, mais je trouve généralement qu'elle se situe entre 170 et 170 vous suffit donc de ramener votre paramètre à environ 170 et de le retirer pour réduire la confusion Mais si votre son n'est pas vraiment boueux, cette gamme est idéale pour ajouter du punch, particulier à la batterie et à la basse Ensuite, il y a les médiums bas. Ils vont donc de 250 à environ 500. Cette gamme peut apporter de la chaleur, mais elle peut être un peu boueuse ou un peu carrée Le terme boxiness est donc généralement associé à environ 400 à 500 hertz Donc c'est en quelque sorte juste là. Et si je clique sur Play, je pourrais peut-être vous montrer un exemple de ce à quoi ressemble la boxe Donc, si je prends juste mon paramètre et que j' augmente d'environ 400 à 500 ? Vous pouvez entendre que la voix sonne comme si elle chantait dans une boîte. C'est un peu étouffé. Et ce n'est tout simplement pas très clair. Mm. Ensuite, nous avons des MD allant d'environ 500 à deux K ou 2 kilohertz Cette gamme est généralement associée à un terme connu sous le nom de honky Donc, si je saisis simplement le paramètre et que je l'augmente dans cette plage, j'espère que vous pourrez entendre le type d'onomatopée décrit dans cette description C'est un peu comme un klaxon ou, si vous pouvez imaginer le nez d'un clown Si tu essayais de chanter cette forme toi-même, tu produirais beaucoup de sons. C'est plutôt honky. Cependant, dans cette gamme, vous pouvez trouver une certaine présence dans des domaines tels que le chant et les leads Cela dépend donc vraiment du son et de ce que vous avez dans votre mix. Ensuite, nous avons les médiums supérieurs d'environ deux K, jusqu'à six K, ce qui se trouve probablement quelque part ici C'est là que résident la clarté et la définition. Mais aussi, dans cette gamme, vous pouvez trouver des fréquences assez dures dans les chapeaux hauts ou peut-être dans certains sons de synthé Mais très souvent, cela est associé à une sorte de clarté et de présence dans le chant. Par exemple, je vais simplement augmenter le type de zone de clarté ou la zone actuelle, qui est d'environ cinq K dans l'échantillon vocal que nous avons, et vous pourrez entendre espoir que l' échantillon vocal devient un peu plus clair. C'est ajouter un peu de découpage ou un peu de cadeaux. Ce n'est pas aussi simple que la légèreté ou la clarté que nous voudrions atteindre ici Mais juste un peu de découpe et quelques cadeaux. Maintenant, également dans cette fourchette à environ 2,5, alors peut-être que quelque part il y a une sorte de qualité nasale. Donc, si je le joue et que je l'amplifie , vous pouvez entendre que le son devient assez nasal. Et c'est particulièrement vrai au niveau du chant. Maman, hum. Donc, en général, une coupure environ 2,5 K dans une voix sonne plutôt bien. Mais encore une fois, pas toujours. Tout dépend de votre voix et de votre mix. Ensuite, nous avons des sommets allant de 6 K à 20 K ici au sommet C'est votre air, votre brillance, scintillement, votre grésillement et votre sensation d' ouverture Ainsi, vous pouvez l'utiliser pour réduire un peu la dureté des symboles ou des effets, mais cela peut également ajouter une touche d' éclat aux symboles ou aux effets Cela dépend simplement de ce que vous cherchez à faire. Mais dans des choses comme le chant, les pads ou peut-être les mélodies, cela peut ajouter un peu d'air ou de brillance Donc, dans notre voix, si j'augmente simplement cette gamme de fréquences d'environ six K et plus, nous devrions apporter une touche de légèreté ou d'éclat à la Mmm, hum. Ensuite, si nous devions égaliser cette voix, nous examinerions les deux principes dont j'ai parlé avant le cut and boost Ou en d'autres termes, nous examinons l' égalisation soustractive et additive Donc, avec quelque chose comme celui-ci qui ne pas beaucoup d' informations de base, je vais en supprimer la majeure partie parce que nous n'en avons pas besoin. Je vais donc baisser le niveau le plus bas à environ 150. Et cela permettra de se débarrasser de ce genre de poids. C'est un poids à vide, vraiment. Ce n'est pas du poids dont nous avons besoin, et cela ne fera qu'entrer en conflit avec le coup de pied et la basse. Je vais donc m'en débarrasser pour le chant et, en fait, pour tout le reste, vous savez, les accords, les mélodies, tout ce qui n'est pas un peu trop grave, ce qui, dans ce morceau, ne serait probablement que le kick et la basse qui, dans ce morceau, ne serait probablement que le kick et la Donc, pour l'instant, nous allons nous concentrer sur les plus bas. Et désolé, je viens en cliquant avec le bouton droit de la souris sur le paramètre. Modification de la forme Vous pouvez donc modifier la forme de ces bandes individuelles. J'ai donc choisi un passe-haut, qui laisse littéralement passer toutes les hautes fréquences. Mais l'autre type de terme serait un « low cut ». Nous avons également d'autres formes, évidemment, comme, vous savez, un sommet, qui est votre type de courbe en cloche ou en encoche, et une étagère, laquelle cette bande à sept bandes est placée, où vous pouvez voir le type d'endroit où la forme de l'EQ remonte en quelque sorte à ce qui ressemble à une colline ou à une Ce serait donc une forme d'étagère. Mais nous recherchons une coupure basse ou une passe haute pour éliminer les basses fréquences situées à la fin. Je vais donc le remettre à 150 livres. Et vous devriez entendre que le poids à vide de cette voix a été éliminé. Ensuite, nous allons prendre une autre bande, et nous allons ajuster le Q ou la bande passante. Nous savons donc maintenant qu'on les appelle des bandes, et que la bande passante est exactement ce à quoi elle ressemble. C'est la largeur de ce type de courbe. Nous pouvons donc régler cela avec le petit bouton situé sous notre bouton de fréquence Donc, si je me contente de le resserrer, nous avons l'air d'être un peu chirurgicaux avec ça. Nous cherchons en quelque sorte à trouver des fréquences que nous n' aimons pas, puis à les extraire. Il s'agit de notre étape soustractive ou coupante de l'EQ. Passons donc en revue cette voix. Et trouvez des fréquences que nous n'aimons pas et retirez-les. Donc, tout de suite, j'ai une sorte de boîte, de boue. C'est un peu sourd, je n' aime pas trop ça, alors je vais le retirer. J'espère que la voix sera un peu plus légère. Et puis, encore une fois, nous pouvons prendre un autre groupe, ajuster le signal pour qu'il soit un peu plus serré, et nous allons recommencer. Maintenant, il y a une sorte de résonance là-dedans dont je ne suis pas un grand fan. Donc je vais le retirer aussi. Nous ne cherchons pas encore à façonner le son. Cela vient ensuite. Donc je sais qu'il y avait quelque chose ici qui ne sonnait pas très bien, mais c'était plutôt une sensation générale de honky boxy. Ça ne m'a pas vraiment plu. Mais plus précisément, il y avait ici une sorte de résonance autour de cette fourchette. Et puis, ici, c'était un peu étouffé. Je vais donc peut-être continuer avec le troisième groupe, ajuster ça et nous allons passer au crible Oh. Peut-être que quelque chose ici est un peu sifflant, je ne sais pas, c'est dur C'est un peu douloureux, je suppose, dans mes oreilles. Donc je vais le retirer aussi. Et si nous avons un B maintenant, nous devrions avoir une voix beaucoup plus claire Nous nous sommes donc débarrassés de ce genre de sensation d'étouffement. Et nous l'avons rendu un peu plus clair et un peu plus léger. Ensuite, nous allons faire un peu d'égalisation additive. Nous allons donc ouvrir un autre égaliseur. Et cette fois, nous utilisons une large bande passante ou un large signal. Nous ne sommes donc pas chirurgicaux, maintenant nous sommes plutôt généraux, et nous cherchons simplement à façonner le son. Nous allons donc augmenter les fréquences qui sonnent bien et nous allons en quelque sorte en supprimer certaines qui, selon nous, n'ajoutent rien de plaisant au s'agit donc pas d'être chirurgical et supprimer les fréquences spécifiques à l'origine des problèmes. Il s'agit simplement de façonner le son. Voici donc un petit bonky. Je n'en suis pas un grand fan. Je vais donc y apporter une touche. Mais vous pouvez voir que nous utilisons un signal ou une bande passante beaucoup plus large . Continuons donc. Maintenant, il y a quelque chose là-haut qui est un peu dur. Cela ne ressemble pas à une vraie forme de légèreté. C'est un peu parce que je suppose que l'échantillon est de faible fidélité ou de faible précision, on dirait que nous sommes simplement en train d'augmenter ce faible taux d'échantillonnage ou la faible profondeur de bits. Je pourrais donc simplement réduire un peu les hauteurs supérieures ici. Donc, si nous nous souvenons des hautes fréquences de 6 K à 20 K, je vais les supprimer un peu. Mais alors je pourrais augmenter la zone de présence de cette voix. Et nous pourrions encore une fois le balayer et simplement éliminer une partie de cette sensation nasale. Peut-être par ici. Et maintenant, allons-y. Nous allons prendre les deux. Je vais donc désactiver les deux, et nous les activerons pendant que la voix joue. Le premier est donc notre égaliseur soustractif Nous ajoutons simplement un peu de cadeaux ou un peu d' air et nous façonnons le son avec ce Maintenant, pendant une seconde, si on trouve quelque chose comme la base, oups Je ne cherche donc celui-ci que pour le moment. Alors, égalisons ça. Nous allons ouvrir notre égaliseur paramétrique Et comme il s' agit d'un élément de base, ces fréquences sont bonnes. Nous voulons qu'ils restent dans le son. Nous voulons ces fréquences parce qu'elles ajoutent du poids, du punch et elles ne font que réchauffer le morceau. C'est dans cette plage de fréquences que la base est généralement censée se trouver. C'est ce qu'on appelle littéralement base. Nous ne nous concentrons donc pas sur la suppression de ces éléments. Cependant, il se peut qu' y ait des informations inutiles là-haut. Donc, comme vous pouvez le voir, je suis en train de renforcer. Les hauts et rien ne se passe vraiment. Cela ajoute en fait un petit clic, ce qui n'est pas du tout agréable à entendre. Je vais donc changer la forme à l'opposé d'une passe haute, qui est une passe basse, sinon ce serait parfois une coupe haute. Mais nous n'avons besoin de rien de tout ça ici. Je vais atteindre les sommets. Nous ne voulons pas tuer tous les aigus, mais juste le genre de clics inutiles dont je ne suis pas un grand fan Et puis, encore une fois, nous allons suivre le même processus. Réduisons donc notre file d'attente. Donc instantanément, cette zone est en fait assez boueuse. Je vais en supprimer une partie. Repartons avec Band Three. Rien d'autre n'est à l' origine de problèmes chirurgicaux Je vais donc passer maintenant à mon égaliseur additif Nous allons donc charger un autre égaliseur. Et dans ce cas, nous cherchons simplement à façonner le son avec une largeur. M Donc c'est un peu honky. Je pourrais juste le rétrécir légèrement et en retirer certains. Et peut-être que parce que c'est une base, nous pourrions lui donner un petit coup de pouce dans ce type de zone de basses fréquences. Alors, abaissons-le. Alors, comme c' est ma sous-base, elle pourrait entrer en conflit avec ma batterie. Je vais donc maintenant égaliser ma base contre mon kickdrum. Je vais donc lancer le coup de pied en solo, et je vais lancer la base en solo. Et encore une fois, nous allons suivre le même processus. Ainsi, avec votre kickdrum, vous allez ouvrir un égaliseur paramétrique Vous allez faire de l'eQing chirurgical, en extrayant quelques fréquences que vous n'aimez pas avec une bande passante étroite Mais je vais juste sauter cette étape pendant une seconde, donc nous ferons semblant de l'avoir fait. Mais nous allons maintenant essayer de faire correspondre la basse et le kick. Nous allons donc jouer les deux en même temps, et nous allons parcourir zones où le coup de pied pourrait entrer en conflit avec la basse, puis essayer d' utiliser l'égaliseur pour que les deux sons lourds de basse se complètent. Alors écoutons-le. Oups, j'ai besoin de regarder la chanson. Je pense donc que c'est quelque part ici qu'ils commencent à s'affronter. Ils occupent en quelque sorte la même gamme de fréquences maintenant. Donc, si je réduis touche et que j'en retire un peu du coup de pied, je pourrais augmenter l'énergie réelle du bas de gamme ici dans le Kitrm Donne-lui un petit coup de pouce. Et si je me souviens bien de ce que j'ai fait ici, j'ai augmenté ce chiffre d' environ 75 Hertz, et j'en ai réduit 135 pour revenir à ma base Je peux voir, tout d'abord, je n'augmente rien en dessous de 75, part ça, mais je peux peut-être retirer une partie de que je n'augmente rien en dessous de 75, à part ça, mais je peux peut-être en retirer une partie de la base pour faire de la place au kitrum Ensuite, je pourrais peut-être prendre un autre groupe et en obtenir un peu 135 quelque part par ici. Je vais juste réduire un peu la file d'attente. Maintenant, nous avons façonné la base contre le kickdrum et les deux devraient s'emboîter parfaitement et se compléter. Ensuite, vous utiliseriez le même type d'idée dans le reste de votre morceau. Nous avons donc déjà sélectionné ici notre extrait vocal que nous avions apporté au début du cours Oups, je veux mettre ça en boucle. Peut-être y faire une boucle. Nous l' avons donc déjà assimilé Alors maintenant, ce que vous voudriez faire, c'est égaliser les autres éléments. Prenons donc, par exemple, le piano. Nous voudrions égaliser le piano par rapport à la voix pour l'adapter. Ensuite, nous avons pu égaliser le rôle principal avec le piano et le chant et les faire correspondre Ensuite, nous retirons la couche de plomb. Ainsi, lorsque vous travaillez avec des couches, traitez chaque couche comme une partie d'un instrument. Idéalement, comme ça, nous dirions notre plomb et la couche de plomb en solo, et nous le ferons en une seconde, et nous les égaliserons ensemble. Ensuite, nous les comparions aux autres éléments du reste du morceau, comme votre voix ou votre piano Commençons donc rapidement par examiner les principaux instruments ici. Oups, c'est la basse. Où est mon prospect ? Ici. OK, donc j'ai deux instruments principaux sur le 15 et le 16. Nous allons donc les mettre en solo pendant une seconde. Et encore une fois, je vais en jouer un seul en solo. Et très rapidement maintenant, je vais faire notre type d'égaliseur soustractif Encore une fois, il ne s'agit pas d'un son de base. Je ne veux pas qu'il y ait trop d'informations ici, alors je vais me contenter du bas de gamme. Nous allons faire une petite opération. Il y a quelque chose d'un peu sifflant là-dedans ou qui résonne. Je vais m'y attarder un peu, et nous reprendrons avec Band Five. Peut-être qu'il y a quelque chose là-bas. Et je pense qu'il y en avait un autre quelque part ici. Un peu sifflant. Oui, peut-être là-bas. Maintenant, nous avons utilisé l' égaliseur soustractif, et nous avons retiré certaines de ces Ensuite, vous savez ce que nous faisons. Nous en ouvrons un autre, et maintenant nous ajoutons du son. Je pense donc que ce type de zone nasale est en fait assez fondamental pour le son, donc je vais l' augmenter légèrement. Vous voyez, je pense que cela ajoute du caractère. Ici c'est plat. Et maintenant, nous venons d'ajouter ce type de nasalité fondamentale du son. Je ne pense pas qu'il y ait vraiment autre chose là-haut. J'ajoute un peu de clarté. ne sais pas si j'en ai besoin car je sais que j' ai une autre couche. Je vais donc laisser ça pour le moment, et je vais prendre ma couche. Je vais d'abord le jouer en solo pour que nous puissions entendre tout seul, vous savez, peu hors contexte sans rien d'autre dans le morceau, juste pour que nous puissions faire notre égalisation chirurgicale Encore une fois, je supprime certains des graves inutiles, puis je vais les examiner très rapidement, et je vais juste trouver des fréquences désagréables. Un peu sifflant. C'est assez dur. C'est probablement à peu près tout. Alors maintenant, chargeons notre deuxième égaliseur. Et ici, nous allons revenir sur l'autre couche, et nous allons trouver où se situe masquage et où nous pouvons en quelque sorte compléter l'autre couche Donc je sais que je l'ai amplifié dans l'autre son, et vous pouvez entendre ici tout de suite, quand je l'amplifie également dans cette couche, qu'ils se Il y a un peu de masquage des fréquences. Et cela signifie essentiellement que vous ne pouvez pas vraiment discerner les deux sons différents qui se rejoignent Cela ressemble juste à un désordre ou à un flou. Je vais donc supprimer ce masquage de fréquence pour faire de la place à cette couche Et peut-être que parce que nous savons que c'est là que se produit le masquage des fréquences, nous pourrions augmenter d'autres fréquences Peut-être quelque part ici. Et peut-être juste un peu plus dans les hautes fréquences. Et si nous essayons maintenant de l' entendre dans son contexte, nous avons trouvé notre point de départ. Nous allons jouer notre mélodie en solo, et nous espérons juste que mon ordinateur portable ne sera pas à la traîne Encore une fois, nous pourrions revenir à notre voix et ajuster. Mais je ne pense pas que nous en ayons besoin. Nous sommes en train de couper ces fréquences principales de notre voix de toute façon, ce qui se trouve quelque part par ici. Je ne pense donc pas que ce soit nécessaire. Et nous pourrions simplement ajouter le piano, le piano, et je vais simplement désactiver ces couches parce que je pense qu'elles ralentissent mon ordinateur portable Je vais donc juste ouvrir le piano et nous allons égaliser contre les leads et contre l'égaliseur Maintenant, il y a un peu de chaleur dans le bas du piano. Je ne veux pas trop le couper parce que vous pouvez entendre qu' il s'amincit un peu. Je vais donc garder une partie de ce poids. Peut-être quelque part là-bas. Et maintenant, nous faisons notre opération. C'est un peu résonnant. Allons prendre le quatrième groupe. La plupart d'entre elles sont en fait des harmoniques, donc elles sont probablement bonnes. Mais peut-être juste une petite coupure comme celle-ci. Maintenant, nous allons réactiver nos autres instruments et égaliser le piano contre eux. Trouvons donc les domaines où le piano complète tout le reste. Il y a donc conflit avec la mélodie et voici en quelque sorte conflit avec la voix Je pourrais donc en extraire un peu. Peut-être boostez ici et peut-être boostez. Il y a quelque chose ici juste pour lui donner un peu de mordant ou de mordant. Et c'est le processus que vous suivriez pour l'ensemble de votre morceau. Je sais donc qu'avec notre piano, nous avons deux couches. Par exemple, disons que ce sont ces deux-là, nous voudrions jouer du piano en solo. Eh bien, tout d'abord, nous devrions utiliser l'une des couches en solo et faire notre égalisation chirurgicale, en solo, faire un peu d'égalisation chirurgicale Ensuite, nous faisions notre additif ou mise en forme sur les deux couches, puis nous faisions également une mise en forme additive avec le piano allumé. Ensuite, nous faisions, encore une fois, un peu de mise en forme additive avec tous les autres éléments activés, et ainsi de suite. Vous devez vous assurer de supprimer les basses fréquences des éléments qui n'en ont pas besoin, comme le sinth ou votre voix, ou même vos applaudissements, votre chapeau, votre caisse claire chapeau, votre caisse Ils n'y échappent pas non plus. Il n'y a pas beaucoup d' informations sur les basses fréquences en un claquement de doigts. Vous appliqueriez donc également une passe haute ou une coupe basse à vos échantillons de batterie. Et puis, avec des choses comme votre coup de pied ou votre basse, vous faites le contraire, vous pourriez plutôt réduire certaines des hautes fréquences, en gardant ces basses fréquences à l'intérieur. Comme vous pouvez le constater, l'égalisation est donc vraiment une sorte d'équilibre entre clarté et caractère Vous pouvez créer des mélanges propres, dynamiques et pleins de vie. Rappelez-vous toujours que l'égalisation est un outil pour améliorer l'ambiance. Il n'est pas là pour le dominer . Alors, restez subtil. Restez donc subtil, persévérant, et vos morceaux brilleront toujours 40. La compression pour les rythmes: Nous allons maintenant examiner la compression. La compression est un outil essentiel dans toute production musicale pour contrôler la dynamique. Donc, tout d'abord, ouvrons un compresseur et examinons certains de ses paramètres. Nous allons donc ouvrir un compresseur ici sur le piano, qui est sur Channel 13, et je vais charger le compresseur. Maintenant, avec ceci, nous allons examiner les paramètres. abord, nous avons le gain d'entrée, c' est-à-dire le volume entrant dans le compresseur. Le gain de sortie, ou ce que l'on appelle le gain d'appoint , correspond au volume sortant du compresseur. Le temps d'attaque correspond à la rapidité avec laquelle le compresseur se met en marche. La version est tout le contraire. C'est la rapidité avec laquelle le compresseur s'éteint. Le seuil est le niveau audio auquel la compression commence, et le ratio est le niveau de compression réellement appliqué. Je sais que nous avons également un bouton RMS ici, mais cela n'a en fait rien à voir avec Cela a juste à voir avec le graphique visuel ci-dessous. Nous n'avons donc pas à nous inquiéter à ce sujet. Et puis il y a le genou. Cela permet de contrôler le lissage de la courbe de compression. Donc, en ce moment, c'est un genou dur. Ainsi, lorsque le niveau audio atteint ce seuil, le compresseur commence pratiquement à compresser. Mais nous pouvons ajuster le genou pour qu'il soit souple pour le rendre plus lisse ou linéaire, par exemple, pour essayer d'atténuer également le son OK, juste une petite coupure ici. J'ai compressé le piano, mais mon ordinateur portable n'a pas pu le supporter. Je ne sais pas pourquoi. Je vais donc le refaire ici. J'ai ouvert mon compresseur M. Je suis sur ma chaîne de piano. Nous allons donc maintenant utiliser les paramètres que nous venons d'examiner pour compresser le piano. Tout d'abord, comme le piano est un instrument acoustique et qu'il est assez fluide, je vais fixer mon ratio à peut-être trois. Je ne veux pas être trop agressif avec ça. Je vais abaisser mon seuil pour atteindre ce niveau de volume. Maintenant, vous pouvez y entendre la compression. Ça commence à écraser le piano. Si j'abaisse complètement ce seuil, vous pourrez entendre à quoi ressemble réellement une compression intense. On dirait que le piano est un peu écrasé, ou vous obtiendrez une sorte d'effet de pompe C'est une surcompression extrême. Le piano est plein. Nous voulons donc être un peu plus subtils à ce sujet. Encore une fois, je vais ajuster le genou, et vous verrez instantanément qu' un genou souple aidera à éliminer une partie de cet effet de pompage. Cela rend les choses un peu moins évidentes, et le mot que nous aimons utiliser est plus transparent. Je pense donc que c'est un peu trop. Je vais juste ajuster à nouveau le seuil. En termes de temps d'attaque, étant donné que le piano produit un son assez sourd ou produit un son assez sourd ou que l'on pourrait dire qu' il est difficile, il dégage une sorte de fugacité au début de chaque note Je vais donc laisser certains d'entre eux passer par l'attaque Ensuite, je vais rendre les choses un peu plus fluides en portant la sortie à environ 100 et une attaque à 50. J'espère que nous avons maintenant un piano bien compressé, mais il est également assez transparent et cela le rend un peu plus fluide. Laisse-moi juste un B ça. Il s'agit d'une différence plus subtile. Ensuite, nous pouvons regarder notre compteur de réduction de gain. Il se lit donc peut-être de moins trois à moins quatre. Cela signifie donc essentiellement que nous réduisons le gain du piano de cette quantité de décibels Je veux donc utiliser mon gain de sortie ou de maquillage pour compenser cette réduction de gain. Alors oups. C'est trop. Peut-être environ -3,5. Et maintenant, nous avons compressé le piano avec succès. Alors maintenant, alors que nous en sommes encore à cette étape, je vais vous expliquer la compression par colle et la compression multibande juste avant à l'autre Donc, pour la compression de la colle nous allons prendre, par exemple, deux des couches. Voici donc les deux couches mélodiques. Mais avec la compression par colle, il s'agit essentiellement d'un groupe. Vous allez compresser un groupe en même temps pour les coller ou les mélanger. Vous pouvez le faire sur des éléments tels que les couches. Donc, par exemple, notre couche mélodique ici. On pourrait aussi le faire avec les accords. Nous pourrions avoir une compression de colle sur tous les accords. Nous utilisons donc notre piano et peut-être nos deux couches de piano. Vous pouvez utiliser la compression de colle sur votre batterie, sur toutes les voix, sur les voix et sur les accords Vous pouvez le faire sur l'ensemble de la piste sur le canal principal. Mais pour l'instant, nous allons simplement le faire avec ces deux couches mélodiques Alors laisse-moi juste ouvrir mon schéma mélodique. Pour cela, nous cherchons à créer un bus, et un bus utilise essentiellement l'un de ces canaux en tant que groupe. Nous allons donc envoyer le signal audio de la page deux et du sérum numéro six. Nous allons envoyer le signal audio en sortie et en aval sur le canal que nous voulons. Prenons donc le canal 50 et nous le renommerons Melody Bus, donc je vais prendre Prague 2 Et ce que je veux faire, c'est le rooter uniquement sur cette piste. Parce que je ne veux pas que le deuxième programme soit envoyé à mon bus et au master en même temps, car cela doublerait le signal Je ne veux pas doubler le signal. Je veux juste rediriger le signal ici, jusqu'à mon bus. Et puis, depuis le bus, signal de mes deux couches mélodiques sera envoyé au master Prenons donc notre autre couche, et nous allons nous enraciner à nouveau sur cette piste uniquement. Et vous verrez qu'il cesse d'être envoyé au maître. Et commence à être envoyé ici à la place. Maintenant, ces deux couches passent par ce bus. Et je peux vérifier que lorsque j'appuie sur Play et que je désactive ce bus, je n'entends rien Maintenant, je sais que ces deux signaux d'ici sont enracinés que par ce canal 50, ce bus mélodique Pour faire un peu de compression par colle, nous allons compresser les deux signaux, les deux couches en même temps. Ouvrons donc notre compresseur. Et ce que nous recherchons ici, c'est une compression subtile pour coller les éléments ensemble, d' où le nom de compression de colle. Donc, ce que nous allons faire, c'est régler notre seuil en dessous de l'endroit où notre niveau de volume entre en jeu. Rien d'extrême. Nous essayons d'être très subtils. Nous allons utiliser un ratio assez faible. 1,8 est en fait très bien, mais je pourrais mettre le mien à deux. Nous allons changer le nombre d'attaques à environ 30, juste pour laisser passer certains éléments transitoires Ensuite, nous allons fixer notre date de sortie à environ 1h50. Nous cherchons à ce que cela soit assez fluide et crée en quelque sorte un flou ou un mélange Ensuite, nous réglerions simplement le gain de maquillage pour qu'il corresponde à la réduction de gain. Donc ici, il s'agit probablement de moins un ou de moins deux, donc je vais passer à plus deux. Maintenant, ce sera un effet très subtil. Mais il s'agit simplement de coller ces deux éléments distincts ensemble et de leur donner l'impression qu'ils ne font qu' un seul élément ou qu'un seul instrument. Passons maintenant rapidement à la compression multibande. Cela fonctionne très bien sur les canaux de bus, mais cela fonctionne surtout mieux pour les sons qui ont une large plage de fréquences. Notre mélodie ici est plutôt fine. Ce n'est pas le cas si j'ouvre un égaliseur pendant une seconde, vous pouvez voir que la plage correspond principalement principales fréquences fondamentales de ce son ou que ces deux couches se situent entre, je suppose, 500 et peut-être six K. C'est je suppose, 500 et une plage assez mince, alors que si nous prenions, par exemple, peut-être le piano, qui se trouve ici Je les désactive juste une seconde. Nous pouvons constater que la gamme est beaucoup plus large. C'est peut-être de 50 à 5 K. Nous l'avons un peu atténué avec notre égaliseur Mais si nous devions prendre une ou deux de ces couches. Je vais donc prendre celui-ci parce que je sais que celui-ci fait paniquer mon processeur. Mais si nous prenons cette couche et que nous prétendons que ce sont les seules couches de nos cordes, nous allons les enraciner dans un nouveau bus, peut-être à côté du bus mélodique ici, nous renommerons celui-ci très rapidement en cordes et nous allons prendre notre piano et root uniquement ce morceau Et nous allons également utiliser notre couche d'accords et notre racine uniquement sur ce morceau Ensuite, nous allons ouvrir un compresseur multibande. J'en ai donc, vous savez, différentes versions, mais FL Studio en a une. Ouvrons donc Maximus. Et ici, si vous ne l'avez pas deviné un compresseur multibande est sorte de combinaison de compression et d'égalisation Vous pouvez donc compresser les basses fréquences et les régler là où vous en avez besoin. Vous pouvez compresser les basses, les médiums et les aigus séparément les uns par rapport aux autres. Et c'est pourquoi cela fonctionne mieux sur, euh, les sons qui ont une large gamme de fréquences. Il est donc inutile de compresser sur plusieurs bandes un son qui n' occupe que cette partie de la plage de fréquences Mais, par exemple, si nous utilisons notre piano et notre couche d'accords ici, si je rouvre simplement, un égaliseur juste pour examiner la gamme de fréquences Nous passons d'environ 50, voire plus maintenant, nous allons probablement monter à environ six K. Nous avons donc une fourchette assez large. Donc, utiliser la compression multibande comme compression de colle fonctionnera probablement très bien Désormais, il n'est plus nécessaire d'utiliser la compression multibande sur les canaux de bus. J'aime bien, mais vous pouvez tout fait l' insérer sur le piano seul ou sur les accords seuls. Il peut être utilisé pour vraiment épaissir un son. Mais par exemple, nous allons simplement l'utiliser comme compression de colle ici. Et cela va nous permettre de nous concentrer un peu plus sur chacune des fréquences individuelles. Maintenant, je tiens également à dire qu' avec Maximus, nous en avons trois. Nous avons les bandes de fréquences basses, moyennes et hautes. Mais avec d'autres compresseurs multibandes, vous pouvez en obtenir davantage ou certains d'entre eux vous permettent d'en installer autant que vous le souhaitez. Je vais juste voir combien. Si je prends cette dynamique multibande au sens large, pendant une seconde, j' ouvrirai un préréglage Avec cela, nous avons un, deux, trois ou cinq groupes différents. Et je ne sais pas. Pouvons-nous ajouter : nous en avons six. Nous avons six bandes que nous pouvons utiliser dans ce compresseur multibandes Mais je ne me concentre pas là-dessus pour le moment. J'envisage d'utiliser les plugins standard de FL Studio, nous allons donc simplement regarder Maximus Et Maximus est en fait un plug in vraiment très puissant Utilisons-le donc maintenant. Nous allons utiliser nos basses fréquences en solo pour définir notre type de plage pour les basses fréquences. Nous sommes donc en quelque sorte en train d'entrer dans le vif du sujet. Peut-être quelque part ici. Réglons nos fréquences moyennes. Je pense que lorsque je clique, ça passe aux aigus. Réglons simplement les sommets. Peut-être quelque part là-bas, et c'est également notre médium défini par défaut Maintenant, avec votre pré ici, s'agit de votre gain d'entrée. Ou avec Maximus, vous pouvez également faire glisser le type de bloc de fréquences réel, je suppose, vers le haut ou vers le bas. Mais je vais laisser cette réinitialisation pour le moment. Nous allons simplement utiliser notre compression ici. Donc, tu ne peux pas vraiment le voir. Passons donc aux médecins pendant une seconde. Vous pouvez donc voir le signal entrer. Nous fixons notre seuil en cliquant avec le bouton droit de la souris sur cette ligne. Donc, si je clique avec le bouton droit de la souris ici, c'est un seuil assez élevé. Le signal n'atteint même pas ce point. Mais si je baisse le seuil, nous captons maintenant ce signal, et nous pouvons le faire glisser vers le haut ou vers le bas pour modifier notre ratio. Alors faisons-le simplement glisser vers le bas. Il s'agit d'une véritable représentation visuelle de ce qui arrive réellement au signal. Vous pouvez donc voir le volume du signal entrer comme ceci, puis le compresseur en retire une partie une fois ce seuil atteint. Ce serait donc un ratio très élevé, peut-être de 100 pour une sorte de limitation. Nous cherchons donc simplement à le compresser un peu. Ensuite, si nous passons à la vue écran, le violet est ce qu'était le signal d'origine. Donc, si je le démontre également, c'est ce qu'était le signal auparavant, et le blanc est ce qu'il est maintenant. Comprimons donc légèrement cela. Peut-être quelque chose comme ça. Avec le violet, nous ne perdons probablement pas tant que ça, peut-être juste un ou deux décibels Vous ajustez donc notre gain de maquillage à environ un, peut-être 1,3. Nous ferons de même avec les plus bas. Et si vous ne voyez pas le signal entrer, vous devrez probablement ajuster votre gain d'entrée. Je peux donc le voir un petit peu maintenant. Surveillez, nous perdons probablement encore une fois, quelque chose comme deux ou 3 décibels Alors ajustons simplement cela. Peut-être deux, et on optera pour les plus hauts. Encore une fois, je ne reçois pas beaucoup de signal ici. Maintenant, il ne faut pas trop insister là-dessus. Il n'y a probablement pas assez d'informations là-haut de toute façon. Je veux juste voir un peu le signal. Nous avons donc maintenant utilisé ce compresseur multibande, et nous pouvons également compresser l'ensemble Nous avons donc créé chaque groupe séparément. Compressons très rapidement, très légèrement. Ceci dans l'ensemble, et nous devrions maintenant avoir un signal compressé utilisant la compression multibande sur le canal de bus Maintenant, mon gain d'entrée était définitivement un peu extrême. Je voulais juste montrer le processus d'utilisation de Maximus. Mais ce gain d'entrée est probablement un peu trop élevé, et la raison pour laquelle nous n'avons pas reçu autant de signaux , c'est parce qu' il n'y a pas beaucoup d' informations de toute façon dans ces basses fréquences. J'aimerais donc encore l' augmenter un peu, mais j'en ai fait beaucoup trop. Et on peut en quelque sorte entendre que dans le son général cela devenait un peu trop basique Mais pour l'instant, il ne s'agit que d'une démonstration de la compression par colle et de l' utilisation de la compression multibande Il faut vraiment traiter chaque groupe comme son propre compresseur. Il est donc évident que vous ne pensez pas au son dans son ensemble, mais aux basses fréquences comme à leur propre son. Vous considérez les médiums comme leur propre son et les aigus comme leur propre Vous pouvez y penser comme vous pouvez les considérer comme des couches. Vous avez donc une couche basse, une couche intermédiaire, une couche haute, puis sur votre master, vous avez votre bus, où vous envoyez toutes les couches individuelles et elles se réunissent ici, et vous pouvez les compresser toutes ensemble. Pour l'instant, je pense que nous revenons à l'autre vidéo, et que nous examinons batterie et la compression de base. Donc, pour démontrer peut-être l'utilisation du temps d'attaque, jetons un coup d'œil au piège de ce morceau C'est donc sur le canal 2 ou sur la piste de mixage 2. C'est donc un piège assez rapide. Chargons notre compresseur. Et nous allons abaisser le seuil juste en dessous de l'endroit où le volume est lu. Peut-être juste en dessous de cette ligne blanche. Et si je m'y attarde pendant une seconde, que nous puissions vraiment entendre ce que cela fait. Si je réduis le temps d'attaque, il captera ce transitoire au début du son Vous pouvez donc voir ici que le niveau de volume au tout début de la caisse claire est assez élevé Mais pour le reste de la caisse claire, le volume est un peu plus bas Donc, si nous réglons le temps d' attaque trop rapidement, le compresseur pensera que c'est le niveau que nous voulons compresser et il va l'utiliser pour éliminer tout le piège Ce son de caisse claire est donc maintenant annulé. Mais nous pouvons toujours maintenir cette forte compression, mais dites simplement au compresseur que je ne veux pas que vous l' allumiez ici au début. Je veux que vous activiez peut-être ici en ajustant le temps d'attaque. Et vous pouvez entendre le claquement de ce piège commencer à se faire entendre. L'heure de sortie est plutôt bonne ici. Ce n'est ni trop long ni trop rapide. Je pense donc qu'un temps de sortie de 50 millisecondes est parfait. Et maintenant, nous pouvons procéder à l' ajustement du gain de maquillage. Je vais donc ajuster à nouveau le seuil car nous avons changé le son. Nous réduisons donc maintenant d'environ moins quatre. Portons ce chiffre à quatre. Grâce à cela, nous avons créé un son clair rapide mais compressé Peut-être que, par exemple, avec le kickdrum, nous allons probablement le compresser pour le punch plutôt que pour le snap. Donc, ce que nous recherchons ici, c'est que nous devons tout d'abord nous assurer que notre seuil est correctement défini. Un ratio peut être d'environ quatre ou plus, selon. Fixons le nôtre à quatre pour le moment. L'attaque, encore une fois, étant donné que le début du kikrum est un peu transitoire, nous ne voulons pas compresser son du kiktrum Nous allons donc en laisser passer une partie. Encore une fois, 50 millisecondes, c'est parfait. Et nous pouvons augmenter notre gain de maquillage d'environ 3,5. Et maintenant, nous devrions avoir un kiktrm percutant. Ensuite, pour des choses comme un huit ou huit. Ouvrons donc notre base droite sur droite. Mm. Je vais juste supprimer la compression que j' avais déjà. Nous allons ouvrir à nouveau notre compresseur. Donc, étant donné qu'il y a beaucoup d'énergie dans la gamme des sous-bases ou dans ces basses fréquences, nous voulons vraiment les contrôler afin qu'elles ne deviennent pas incontrôlables et qu'elles ne dominent pas le mix Donc, en général, avec une sous-base comme celle-ci, je fixerais le ratio à environ sept ou huit pour vraiment contrôler cette base M Je réglerais également le temps de sortie pour qu'il soit un peu plus long pour que cela sonne un peu plus fluide. Ensuite, nous pouvons ajuster notre sortie en conséquence. Et maintenant, nous avons une base huit sur huit qui sonne mieux et qui est contrôlée Pour les couches de base comme la couche de base huit sur huit. Donc ce gars ici. Il n'y a pas autant d' informations sur les basses fréquences là-dedans. Nous n'avons donc probablement pas besoin de compresser selon un ratio de sept pour un et de huit pour un. Un ratio standard de quatre pour un suffira. Ensuite, si nous examinons une compression vocale très rapide. Voici donc notre voix. Je vais juste le mettre en boucle. Nous allons l' ouvrir sur Channel Six. Désolée. J'ai besoin d' être dans Song View. Je vais désactiver le filtre d'amour pendant une minute. Et encore une fois, supprimez toute compression que j'avais dessus. Les voix sont donc assez dynamiques. Ils ont une grande plage dynamique. Vous savez, cela dépend de l'expression de l'artiste qui joue. Lorsque vous chantez, rappez ou quoi que ce soit d'autre, l'artiste aura de nombreuses inflexions et une gamme dynamique différentes dans sa Et vous pouvez le voir dans la forme d'onde. Il y a des endroits très calmes, comme, vous savez, les bruits du souffle et d'autres choses de ce genre. Et vous pouvez voir ici qu'elle est bruyante, puis elle perd du volume. Il y a quelques transitoires là-dedans, exemple celui-ci est énorme par rapport au volume réel de la forme d'onde Les voix sont donc assez dynamiques, et pour cette raison, elles ont besoin d'un peu plus de contrôle Cela signifie donc régler le compresseur sur un ratio de quatre peut-être. Le temps d'attaque n'est pas aussi important. Il n'y a pas beaucoup de sons transitoires et poignants dans une performance vocale Un temps d'attaque de dix millisecondes est donc millisecondes est Nous voulons que le compresseur démarre assez rapidement, mais pas assez vite pour que l'effet qu'il a sur le son soit évident. Le temps de sortie peut varier si vous souhaitez que le son soit un peu plus fluide. 50 millisecondes, ce serait tout à fait naturel. Et puis un temps de lancement rapide peut parfois sembler un peu évident. Je réglais donc généralement les voix à environ 50 millisecondes, ce sur quoi elles étaient réglées Ensuite, nous ajusterons le seuil. Ce qui pourrait être bien, en fait. Et nous allons ajuster notre gain de sortie. Maintenant, nous réduisons peut-être de moins trois. Je vais donc juste ajouter un peu de maquillage. Et maintenant, notre voix a été compressée. C'est vraiment subtil. Mais il s'agit simplement de contrôler cette dynamique vocale. La surcompression est l'une des deux erreurs à éviter. Cela peut simplement tuer votre dynamique ou tuer l'énergie qui se trouve sur votre piste. Vous devez donc vous assurer que vous n' utilisez pas un ratio trop élevé. Ouvrons donc ce compresseur. Votre ratio n'est pas trop élevé. Vous savez, peut-être qu'une moyenne de quatre, c'est un peu moins ou moins, ce n'est que lorsque vous avez vraiment besoin de contrôler le son. Vous devez également vous assurer que votre seuil n'est pas trop bas. Ainsi, quel que soit le volume audio, vous réglez généralement le seuil légèrement en dessous de ce seuil. Assurez-vous également de faire attention à votre attaque et à vos heures de lancement. le relâchement est long, plus le son est doux, vous savez, plus le compresseur s'éteint rapidement et rapidement, et votre son d' attaque est très important pour sons transitoires aigus ou poignardes, tels que des caisses claires, coups de pied, des chapeaux hauts ou, vous savez, des sons de piano ou de synthé audacieux Enfin, et surtout, vous n'avez pas besoin de compression sur chaque piste. C'est quelque chose dont je vois parler dans de nombreux tutoriels , pas seulement lorsqu'il s'agit de créer des rythmes, mais aussi de n' importe quel type de mixage. Ils disent : Oh, vous avez besoin de compression sur chaque canal, et vous devez compresser ceci et cela et compresser comme ceci. Ce n'est pas un compresseur ce n'est pas quelque chose que vous devez utiliser sur tous les canaux Et en fait, dans la musique électronique, beaucoup de sons de synthétiseurs n' ont pas une telle plage dynamique de toute façon Il n'est donc pas nécessaire de recourir à un compresseur. Le compresseur est un outil permettant de contrôler la plage dynamique. Cela peut ajouter ou enlever du punch, je peux ajouter ou enlever du snap. Il peut en quelque sorte atténuer les sons ou, vous savez, contrôler les différences de volume entre les parties fortes et les parties faibles d' une performance vocale Vous pouvez l'utiliser pour rendre les voix plus intimes, où vous pouvez entendre chaque petit claquement de lèvres ou de souffle Ou si cela ne vous plaît pas, vous pouvez faire le contraire. Ce n'est pas vraiment essentiel pour ajouter de la graisse à la piste. Ou de la chaleur ou quelque chose comme ça. Vous voyez beaucoup de ces tutoriels dire : Oh, si vous voulez que votre tractus soit vraiment gros et que vous voulez que votre coup de pied et votre base frappent très fort, utilisez la compression. Vous devez utiliser la compression. Les compresseurs ne sont pas vraiment utilisés pour cela. Et en fait, si vous vouliez obtenir cet effet, vous devriez faire une compression assez forte, peut-être une forte compression parallèle ou quelque chose comme ça. Pour obtenir un son vraiment gros, vous devez utiliser ce que l'on appelle la saturation et la distorsion harmonique, mais nous y reviendrons dans quelques conférences. Pour l'instant, nous utilisons simplement les compresseurs comme commande dynamique Donc, pour ajouter du punch, pour ajouter un peu de claquement, comme je l'ai dit, pour améliorer les performances vocales, c'est un outil utilisé pour sculpter le son, et non pour en abuser pour essayer de le grossir Et c'est généralement là que les producteurs se trompent et finissent par vraiment surcompresser , ce qui entraîne écrasement du son Ils cherchent à faire en sorte que le morceau sonne plus gros, et pour cela, ils doivent compresser très fortement, sonne plus gros, et pour cela, ils doivent compresser très fortement, puis ils finissent par écraser qu'il faut retenir, c'est qu'un compresseur est un outil et que vous n'avez pas besoin de l'utiliser sur tous les canaux Il suffit de l'utiliser là où c'est nécessaire pour contrôler la plage dynamique. 41. 808s : faites-les décoller: , il est essentiel de créer huit sur huit qui frappent mix production moderne, il est essentiel de créer huit sur huit qui frappent sans surcharger le Et ce que je veux dire par huit ou huit, c'est le coup de pied et le but réunis. Nous pouvons le faire avec une technique appelée compression par chaîne latérale. La compression par chaîne latérale réduit temporairement le volume d'un son lorsqu'un autre son est émis. Ainsi, nous pouvons laisser le coup de pied briller à travers la base huit sur huit et créer un bas de gamme clair et percutant C'est donc très simple. Je vais jouer notre batterie en solo, je vais jouer notre base en solo, et je vais les mettre en boucle. Et dans notre piste de mixage, je vais juste tout lancer en solo pour que nous puissions les entendre. Désolée, je devrais être en train de regarder une chanson. Et nous ne nous intéressons qu' au coup de pied et à la basse. Maintenant, pour le moment, les deux jouent en même temps, et ils s'affrontent probablement parce qu'ils occupent tous les deux des fréquences situées dans la gamme des sous-bases des basses fréquences Mais nous pouvons utiliser le coup de pied pour faire chuter le but à chaque fois que le coup de pied est joué. Nous allons donc lier notre coup de pied à notre base, mais cette fois, nous allons suivre cette piste. Ensuite, sur notre chaîne de base, nous allons introduire le limiteur de fruits. Parce que nous pouvons l'utiliser comme compresseur pour créer une certaine compression de la chaîne latérale. Nous nous intéressons donc à l'aspect compression des choses, et non à la limitation. Dans notre menu latéral, nous allons régler ce paramètre sur un, et cela fonctionne comme dans votre vocodeur où vous pouvez avoir plusieurs canaux différents liés à votre base huit ou huit, et cela pourrait dire un, deux, trois, quatre, cinq, mais pour nous, nous n' avons qu'un seul canal lié Donc, pour nous, nous n'avons qu'à régler ce menu de chaîne latérale sur un. Ainsi, le seuil indiquera au compresseur quand il doit contourner la base. Le ratio indiquera au compresseur la distance par laquelle il doit canaliser la base. Votre attaque dépend de la rapidité avec laquelle la base doit esquiver. Donc, en général, cela doit être réglé aussi bas que possible. Vous voulez que cette base s'esquive immédiatement lorsque le coup de pied arrive Et puis, en général, nous ajustons le déclencheur pour essayer de l'adapter à la forme de cette batterie. Fixons donc notre ratio à environ quatre pour un. Vous pouvez le voir dans le coin supérieur gauche de l'écran. Et nous appuierons sur Play et nous ajusterons le seuil pendant le jeu. Donc, si vous voulez éviter davantage, nous pouvons augmenter le ratio. Mais je pense que quatre contre un, c'était plutôt bien. Vous pouvez avoir un déverrouillage rapide pour que le compresseur s' éteigne à nouveau très rapidement. Ou nous pouvons le régler et ce que je recommande, c'est d'essayer de capturer l'intégralité du coup de pied. Peut-être quelque part là-bas. Nous pouvons également utiliser le seuil pour le réduire davantage. Maintenant, vous pouvez toujours être sûr que votre kickdrum va percer la base et créer l' effet de cliquetis que tout le monde recherche. Appliquons-le sur notre couche de base. Nous allons donc prendre notre coup de pied, enchaîner latéralement à notre couche de base, entrer dans la couche de base, charger le limiteur de fruits, entrer dans la section de compression, le régler sur un. Et encore une fois, peut-être qu'un ratio similaire de quatre est pour un. Et nous verrons ce que cela signifie. Oh. Et il n'y a pas que les basses que je recommande d'utiliser pour les chaînes latérales En fait, j'enchaînerais peu près tout à la batterie. Certaines choses sont plus légères que d'autres, comme le fait d' enchaîner le coup de pied aux chapeaux, mais je le ferais de manière beaucoup plus subtile. Et je voudrais aussi bien enchaîner le coup de pied , presque tous les éléments. Donc, la mélodie, les touches, les pads, tout ce qui pourrait gêner le coup de Par exemple, si nous prenons notre mélodie, nous allons prendre la mélodie du canal 15 Nous avons donc notre coup de pied. Nous allons le relier à Channel 15. Encore une fois, nous allons charger notre limiteur dans la section de compression, chaîne latérale 1, avec un ratio de départ d'environ quatre, et nous ajusterons le seuil. Vous pouvez donc voir que le coup fait passer le plomb en dessous. Ensuite, nous pouvons le rajouter dans notre base. Et vous pouvez voir que le coup de pied est vraiment tranchant. Oh. Vous pouvez également utiliser la chaîne latérale à d'autres fins. Par exemple, vous pourriez ajouter de la réverbération à votre voix, puis enchaîner la réverbération à la voix de telle sorte qu'à chaque fois que la voix entre, cette réverbération baisse légèrement, ce qui fait que la Et puis, lorsque la voix cesse de jouer, le niveau de réverbération remonte à nouveau et vous obtenez une longue queue de réverbération sans altérer le son de la voix Donc, enchaînez absolument tous les instruments et la basse à votre batterie. Cela lui permet de traverser la piste et de créer cet effet de cliquetis 42. Saturation et distorsion harmonique: OK, nous examinons maintenant saturation et la distorsion harmonique. C'est le secret de la graisse, de la chaleur et du cran. Ajoutons donc de la saturation et de la distorsion harmonique aux différents éléments de la piste. Nous allons commencer par la base huit contre huit. Ajouter de la saturation à votre base huit oh huit ajoutera en fait des harmoniques supplémentaires, ce qui contribue à améliorer la présence et à la rendre audible sur le haut-parleur d'un téléphone ou sur un petit type d'écouteur de mauvaise qualité Et en gros, tout ce que nous allons faire, c'est ouvrir le Wave Shaper Et nous allons le plier vers le haut. Nous pouvons être assez agressifs avec une basse à huit contre huit. Maintenant, bien sûr, cela le rend plus fort. Mais vous constaterez que lorsque vous le baissez à nouveau, il contient des harmoniques supplémentaires, ce qui peut l'aider à être audible sur de petites enceintes Nous pouvons faire la même chose avec le kickdrum. Je vais donc ouvrir mon schéma de batterie. Et si nous nous contentons de donner un coup de pied en solo, ouvrons le waveshaper et donnons-lui un peu de distorsion harmonique Et donnez-lui un peu de saturation. Ensuite, je trouve que l'ajout d'une distorsion harmonique peut les faire briller ou leur donner un peu de cran, comme les chapeaux hauts distorsion harmonique peut les faire briller ou leur donner un peu de Nous cherchons donc à détecter l'excès de sang. Et nous ferons la même chose avec nos applaudissements ou notre piège, dans ce cas Découvrez comment cela ajoute du bruit supplémentaire ou des hautes fréquences. Voici donc l'avant et l' après. C'est un gros piège Avec quelque chose comme nos mélodies, nous pouvons ajouter un peu de cran ou de chaleur Ils sont donc sur les chaînes 15 et 16. Regardons 15 pour le moment. Encore une fois, nous pouvons simplement faire glisser cette courbe en forme d'onde vers le haut. Mais comme je pense que nous l'avons déjà vu, nous pouvons également dessiner sous différentes formes. Et nous ferons peut-être la même chose sur cette couche. J'ajoute donc une saturation un peu plus agressive en accélérant la courbe. Maintenant, si nous écoutons dans le contexte, nous avons un son de plomb saturé, un huit sur huit bien saturé. Et notre piège et notre chapeau sont également saturés. Donc, dans le contexte, cela ressemble à ceci. Désolée, je fais toujours ce visionnage de chansons. Donc, en essayant d'ignorer les mauvais volumes parce que nous n'avons pas encore mixé les niveaux du fader, j'espère que vous pouvez entendre à quel point le son est beaucoup plus gras Je vais juste essayer de l'AB. Mm. Et la saturation peut aussi être plutôt cool sur les voix. Il existe également des plugins de saturation multibandes. N'oubliez donc pas qu'avec le compresseur multibande, nous pouvons compresser différentes plages de fréquences Nous pouvons faire la même chose avec un saturateur multibande pour la saturation Nous pourrions donc peut-être saturer beaucoup les basses fréquences. Peut-être un peu les médiums et les aigus beaucoup pour ajouter de l'éclat Mais il ne faut pas saturer trop fort. Ce n'est pas la solution pour essayer de faire grossir votre piste. Vous devriez certainement superposer les couches correctement, mais quand il s'agit de chapeaux, de clapets, de base à huit ou huit, et, vous savez, de fils de sinth et peut-être de cordons de sinth, je pense vraiment que la saturation est un excellent outil pour Fruity Waveshaper est un bon type de saturateur alors que l'overdrive sanguin, pour moi, ressemble plus à une distorsion J'ai donc tendance à utiliser le blood overdrive sur ma batterie et le waveshaper, puis Mais il existe de nombreux autres plugins de saturation, et ils vous permettent tous d' obtenir ce son gras. L'un des plus connus est OTT, mais cela signifie «   overthe top », et c'est ce qu'il fait. La saturation est excessive. Dans FL Studio, certaines personnes utilisent le sound goodiser comme saturateur Mais ce n'est pas un saturateur. Il s'agit en fait d'une compression multibande. Vous pouvez vraiment le voir dans Maximus, ce qu'il fait. Oui, en bas, les préréglages Sound Goodiser, A, B, CD Ainsi, lorsque vous utilisez le sound goodeiser, vous utilisez simplement Maximus, et c'est pour cela que Maximus est Cela ressemble plus à de la saturation avec une forte compression multibande Sound Godeiser Certains se moquent des producteurs qui utilisent Sound Goodiser et, vous savez, ils le considèrent en quelque sorte comme un amateur Mais je pense que tout dépend du son. Si ça sonne bien, c'est bien. Faites juste attention au son Godeiser car il est assez lourd et sa compression multibande est assez importante Cela va donc écraser le son, et cela va changer la forme de ce son. 43. Réverbération et retard: réverbération et le delay sont des outils essentiels pour créer de la profondeur, l'espace et du rythme lors de la création de battements réverbération peut donc ajouter de l'espace à un son en simulant un environnement tel qu'une pièce ou un hall, et elle peut créer une impression de profondeur en repoussant les sons arrière dans le mixage ou en ajoutant une Delay répète ensuite les signaux audio à intervalles réguliers, créant un rythme ou une sensation d'écho delay peut ajouter du groove, je peux remplir des espaces vides ou peut-être mettre en évidence des zones spécifiques de la piste. Lorsque nous utilisons la réverbération et le delay, nous allons examiner ce on appelle envoyer des pistes Je vais prendre un insert vide, une piste de mixage vide, et je vais descendre en bas, Dock 2. J'aime ancrer le mien sur la droite, mais tu peux ancrer le tien sur la gauche si tu le souhaites. Ne les ancrez simplement pas au milieu, car cela les gardera au milieu de votre mixeur. Je vais en ancrer deux, un pour la réverbération et un pour le delay. Nous allons les renommer. Réverbération Et couchez. Et maintenant, c'est assez simple à utiliser. Nous allons ouvrir un plugin de réverbération. Je vais donc m'en tenir aux connecteurs d'origine, et peut-être que nous choisirons un préréglage ici, une grande salle. Nous allons venir et nous allons faire entendre notre voix, c'est-à-dire la suivante. Et pour ce que nous allons faire, nous devons également activer nos canaux de réverbération et de retard Nous allons l'envoyer à la réverbération en cliquant simplement sur cette flèche. Vous n'avez pas besoin de cliquer avec le bouton droit de la souris. Vous ne pouvez cliquer qu'une seule fois. Et maintenant, nous avons la réverbération. Il s'agit du niveau d'envoi correspondant à la quantité de signal que vous souhaitez envoyer à la réverbération Et lorsque vous utilisez un plug in comme envoi, général, nous voulons qu'il soit 100 % mouillé. Je vais donc baisser le sec et augmenter le mouillé à 100 %. Parfois, cela peut être sur un bouton qui indique «   Wet Slash dry », mais il peut s'agir d'un bouton qui indique simplement Pour nous, sur Fruity Reverb Two, nous voulons baisser le niveau de séchage, qui est le signal vocal original, et nous voulons maintenir le niveau d'humidité à 100 % Donc, tout ce qui sort d' ici n'est que la réverbération. Mm Et puis peut-être que nous l'enverrons également à un délai. Alors, ajoutons un délai. Encore une fois, nous voulons baisser le niveau sec et laisser le niveau humide augmenter à 100 %. Ensuite, nous pouvons simplement ajuster notre niveau de sable. Mmm, hum. Appliquons maintenant peut-être de la réverbération et du delay au piano Et permettez-moi de vérifier que la chaîne de bus est également activée. C'est le cas. Et je pense que ce Maximus le rend un peu bizarre Je pense que nous avons dû utiliser les hautes fréquences en solo. Oui, nous l'avons fait. OK. C'est très bien Envoyons d'abord notre piano sur la réverbération. Juste un espace subtil , puis peut-être un léger retard pour une sorte de mouvement. Utiliser la réverbération de cette manière est également très utile car cela vous permet de tout mettre dans le même espace Donc, en général, j' utiliserais deux réverbérations. J'utiliserais une sorte de version courte, qui pourrait être adaptée à une salle de batterie ou à un petit studio. Cela reviendrait à placer tous les instruments dans une sorte d'espace similaire, ce qui permettrait de les flouter et de les coller tous ensemble Ensuite, j'utiliserais un deuxième ensemble de réverbérations avec une queue plus longue ou un préréglage plus long, comme un hall ou peut-être une longue plaque, et je n'y attribuerais que mes principaux types d'éléments C'est peut-être le chant, la mélodie, et peut-être quelque chose sur lequel je voudrais un peu plus de réverbération, comme l'arp Maintenant, en ce qui concerne les plugins, avec la réverbération, il y a trois types de paramètres principaux que nous pouvons ajuster ou modifier Et ce serait la taille de la pièce. Alors, quelle est la taille de cet espace ? Nous passons donc, vous savez, d' une petite pièce à une pièce de taille moyenne, puis à une immense arène. La décadence, c'est-à-dire la durée de la réverbération. Donc, ici, cette queue de réverbération continue de retentir. Et si je réduis cette décadence, la réverbération s' éteindra beaucoup plus rapidement Et puis vous pourriez avoir quelque chose comme le pré-delay où vous pouvez créer une sorte d'effet de slapback Je vais donc juste augmenter le taux de décadence pour entendre ça. Voici comment on dirait que le piano rebondit sur le mur lorsque vous augmentez le pré-delay Et puis, avec le retard, notre principal paramètre serait le feedback. Cela a donc parfois son propre bouton dédié. Mais pour Fruity Delay Bank, il s'agit en fait d'une section. Nous pouvons donc contrôler cela ici avec le bouton de volume de feedback Désactivons donc la réverbération et augmentons le délai pour pouvoir l'entendre Le feedback contrôle donc le nombre de répétitions réelles. Donc, le fait d'avoir ce set très haut fera retentir les échos encore et encore pour toujours. Alors nous avons le temps. Cela permet généralement de contrôler l' intervalle entre chaque retard. Ainsi, par exemple, si nous refusons cette option, les retards se produiront beaucoup plus rapidement. En fait, ils sont si rapides qu' on les entend à peine. Et puis plus cela augmente, plus le délai met de temps à entrer en vigueur. En général, avec les réverbérations et les retards, vous pouvez simplement jouer avec les différents préréglages et trouver quelque chose qui sonne plutôt bien La dernière chose dont je voulais parler concernait les retards. Donc, par exemple, ici, avec un décalage d'une heure, puis-je couper le son du piano ? Non, je ne pense pas pouvoir. Je vais donc devoir garder le piano allumé, mais je vais essayer d'augmenter le volume global du delay. Et nous allons peut-être déformer le son du delay. Trouvons donc une sorte de connecteur de distorsion. Peut-être une surdose de sang. Et si on augmente le préampli. Non, je cherche une distorsion plus évidente. Essayons peut-être Destructor. C'est plutôt cool. Découvrez comment cela a créé un délai de sonorisation vraiment intéressant 44. Équilibrage de volume: OK, vous êtes maintenant arrivés à la fin de l'étape de mixage. Vous avez utilisé les techniques que nous avons examinées précédemment pour mixer et donner une forme sonore à votre morceau Nous passons maintenant à l'étape finale, qui est l'équilibrage du volume ou le mixage du volume. Le mixage en volume est donc l'épine dorsale d'un mixage propre et professionnel. Dans cette conférence, nous verrons comment équilibrer les niveaux de votre fader pour créer clarté et de la profondeur et faire en sorte que chaque élément de votre piste ait sa propre place Donc, avec ça, c'est assez subjectif. C'est ce que nous allons être, je suis toujours sur ce point. Nous allons examiner tous ces éléments individuels. Et nous allons examiner l'équilibre relatif. Donc, vous savez, l'équilibre de cette voix par rapport à la basse, par rapport au piano, par rapport à la mélodie et à la façon dont les deux s'emboîtent Les éléments les plus importants, comme votre voix, votre mélodie dans vos huit ou huit, devraient être plus forts que les éléments de soutien, comme vos chapeaux hauts, peut-être, les coussinets ou le type de contremarches ou de downlifters Vous devez également tenir compte de l'objectif de la piste. Donc, pour nous, notre objectif principal est probablement ce Whoops. Je ne veux pas qu'il soit étouffé. Cet extrait vocal que nous avons introduit au début, ce type de mélodie, serait probablement notre objectif, ainsi que notre Et aussi, dans une moindre mesure, notre basse. Mais aussi, quel que soit le genre de musique électronique, votre kickdrum, il va de soi que c'est aussi l'un des principaux éléments principaux du mix. Certaines personnes ont donc des processus de mélange différents. Ils peuvent commencer par les accords et la basse, créant ainsi une sorte de base pour le morceau, puis ils ajoutent leurs mélodies au-dessus Certaines personnes commencent par les éléments essentiels. Ils commencent par le chant et les mélodies, puis éléments tels que des pianos et des accords pour les soutenir. D'autres producteurs aiment regrouper des éléments, comme s'ils pouvaient jouer toutes leurs batteries en une seule fois, puis tous les accords en une seule fois, pour ensuite équilibrer les uns par rapport aux autres Il n'y a pas de bonne façon de le faire. C'est ce qui fonctionne pour vous, mais je peux vous donner quelques directives . Donc, tout d'abord, nous allons commencer par notre kiktrum, car pour moi, c'est l'un des principaux éléments de focalisation Et si je boucle cette section ici pendant une seconde. Je veux donc régler le volume de ce kitrum à environ moins huit Je vais donc utiliser le fader, le gain de sortie ici Réduire le signal entre moins six et moins neuf, c'est bien. Mais la raison en est que nous essayons de laisser une certaine marge de manœuvre sur le canal principal afin que, lorsqu'il s'agit de mastering, ajout de compression, d'égalisation et de volume, nous ayons la marge de manœuvre nécessaire pour et de volume, nous ayons le faire Donc, en gros, nous équilibrons et mixons les volumes, mais nous gagnons également en quelque sorte au du processus de mastering Donc pour l'instant, j'aime bien me situer autour de moins huit. Ensuite, j'apporte généralement le piège ou le clap. Je commence par le faire en silence, puis je le mélange progressivement. Et je cherche un équilibre entre le coup de pied et le clap ou entre le coup de pied et la caisse claire, car ce sont comme les points d'ancrage rythmiques du rythme Appuyons donc sur Play, et nous allons mixer notre caisse claire jusqu'à ce qu'elle corresponde au volume du coup de pied ici Peut-être quelque part là-bas. Tu cherches à le faire avec tes oreilles et non avec tes yeux. Je sais donc que le niveau du volume est différent. Le clap arrive à -11 et le coup de pied à moins huit Mais d'un point de vue audible, si vous écoutez, ils ont l'air d'avoir à peu près le même volume Peut-être que les applaudissements pourraient être un peu plus forts. Mais si je devais le faire visuellement et porter les applaudissements à moins huit, c'est pour moi un peu trop fort Ensuite, vous pouvez peut-être apporter des choses comme vos chapeaux hauts. Ils vont arriver en dessous du coup de pied. Peut-être quelque part là-bas. Nous ne voulons pas que ce soit aussi fort. Nous le voulons en quelque sorte en arrière-plan, ajouter un peu de rebond. Ensuite, nous pouvons ajouter des éléments tels que les percussions. Ils se situeront également à un niveau légèrement inférieur. Et aussi, à ce stade, je vais également faire un peu de panoramique Je pourrais déplacer cet échantillon d'avantages vers la droite et peut-être que les chapeaux pourraient aller légèrement à gauche Et la seule raison en est d' imiter une vraie batterie. Donc, sur une vraie batterie, si vous imaginez, vous êtes le batteur, votre chapeau haut serait légèrement décalé sur votre gauche, et les percussions ou les Toms se trouveraient un peu quelque part sur votre Ensuite, nous allons ajouter le huit sur le huit. Et ce que nous voulons faire ici, c'est nous assurer que tout est équilibré avec le coup de pied. Le huit sur huit doit donc compléter le coup de pied mais ne pas le dominer Essayons-le. Peut-être quelque part là-bas. À partir de là, je pourrais apporter ma couche de base et essayer de mélanger le volume de celle-ci avec celui des huit ou huit autres couches. Abaissons donc cette couche. Et pour moi, je veux que ce soit vraiment subtil. Juste là, en arrière-plan, ajouter un peu de texture. En fait, c'est probablement un peu trop. Ensuite, nous allons prendre la mélodie principale. Donc, introduisons-le également. Et avec ça, il devrait être un peu même niveau que la batterie et le huit sur huit, peut-être légèrement au-dessus, mais certainement quelque part sur un pied d'égalité. Oups, je dois être dans une section où la mélodie joue réellement Mettons-les en solo. Et encore une fois, j'ai oublié mon bus. Donc, quelque part là-bas me semble juste. On dirait que c'est en quelque sorte assis au-dessus de ces deux éléments. Je me concentre maintenant davantage là-dessus que sur le coup de pied dans le but. C'est donc un bon signe. Ensuite, nous allons apporter notre couche. Et si je trouve que, vous savez, j'utilise beaucoup de couches et que j'essaie de trouver un équilibre entre elles, je peux, bien sûr, utiliser un canal de bus. Donc, par exemple, j'ai ici deux couches. Mais disons que j'en avais quatre et que toutes ces quatre couches se réunissaient pour produire un seul son. Ce que vous pouvez faire, c'est utiliser toutes les couches en solo. Comme ça, trouvez peut-être un équilibre entre les deux. Alors quelque chose comme ça, peut-être. Ensuite, vous enracineriez ces quatre couches dans leur propre bus. Donc, avec ce bus, je peux contrôler toutes ces couches ensemble. Donc, si nous avons réintégré, par exemple, notre coup de pied ou la batterie, et que nous avons ramené la basse, nous pouvons contrôler ces deux couches mélodiques Donc, une fois que nous aurons obtenu un bon mélange entre les deux, nous pourrons tous les contrôler avec ce fader qui est maintenant sur le canal bus Alors peut-être que quelque part c'est un peu plus naturel cette fois. Ensuite, vous pouvez commencer à ajouter des éléments tels que les accords, mais nous ferons appel à notre piano, qui possède également son propre bus Et avec cela, vous cherchez en quelque sorte à soutenir les principaux éléments. donc pas à dominer notre mélodie, notre basse et notre batterie cherchons donc pas à dominer notre mélodie, notre basse et notre batterie. C'est trop fort. Maintenant c'est en train de prendre le dessus. Maintenant, je me concentre sur le piano plutôt que sur les mélodies. Je ne veux pas me concentrer sur le piano. Je veux que ce soit sur les mélodies. Donc, soudainement, j'ai utilisé ce piano pour soutenir la mélodie. Et puis, bien sûr, vous pouvez utiliser votre bus pour les mélanger toutes, mélanger toutes ces couches. Et c'est le processus que vous devez pour chaque élément du morceau, y compris vos élévateurs, vos downlifters, type d'effets que vous utilisez, Tous ont besoin que leurs volumes soient quelque sorte mélangés à la piste. Donc, juste quelques derniers conseils, vous devez vous assurer que vous mixez à des volumes plus faibles. Cela vous évitera simplement de vous fatiguer les oreilles et vous assurera que votre mix sonne bien quel que soit le volume. Si vous y pensez, lorsque vous aimez écouter un morceau dans la voiture, quelle est la première chose que vous faites ? Vous touchez le volume et vous l'augmentez. Et c'est parce que lorsque les choses sont plus fortes, elles sonnent mieux Donc, ce que vous voulez faire, c'est peut-être mixer à faible volume. Assurez-vous que votre morceau sonne bien à ce faible volume, puis lorsque vous le monterez à nouveau, il sonnera encore mieux. Faites également confiance à vos oreilles, pas à vos yeux. Les mesureurs de volume et autres outils présents dans FL Studio sont donc utiles, mais vos oreilles sont le guide ultime. Assurez-vous de laisser environ moins trois bases de données sur votre canal principal pour le mastering Il est recommandé de laisser environ moins six DB, mais de laisser une marge de manœuvre d' environ moins trois DB pour le mastering Et la fatigue des oreilles est également inévitable. Assurez-vous donc de faire des pauses régulières pour garder votre point de vue frais et éviter de trop mélanger. Avec un mixage de volume approprié, vos rythmes seront clairs , équilibrés et prêts à être masterisés Cette compétence est essentielle pour créer de la musique de qualité professionnelle. 45. Maîtrisation et exportation: OK, maintenant que le morceau a été mixé et que tous les niveaux de volume sont équilibrés, le panoramique est terminé et nous avons ajouté une certaine séparation stéréo mastering est la dernière étape du processus de production musicale au cours de laquelle la piste mixée est préparée pour la distribution Nous voulons donc nous assurer que cette piste est forte, claire et compétitive. Donc, comme mon ordinateur portable semble avoir du mal à lire le morceau, je viens d'exporter une version rendue de mon mix. Nous allons donc maîtriser cette version finale du mix, puis nous pourrons revenir et exporter le tout. Tout d'abord, j'aime maîtriser en bouclant la partie la plus bruyante ou la plus climatique de la piste Parce que lorsque nous essayons de rendre le morceau plus fort, nous voulons le rendre plus fort sans le déformer Donc, en général, prendre la partie la plus forte du morceau nous donne une idée du niveau de bruit que nous pouvons réellement produire Mais d'abord, nous allons chercher à ajouter un égaliseur subtil Nous allons donc également charger l'égaliseur paramétrique. Et ici, nous cherchons simplement de belles fréquences pour peut-être réchauffer le son ou ajouter un peu de clarté. Nous cherchons également à nous débarrasser d'une partie de cette boue ou de cette carie. Il y a donc un peu de boue par ici. Alors sortons-le. Nous voulons être très subtils à cet égard. Je ne suis pas un grand fan de ces fréquences. Je vais donc en retirer certains aussi. Très doucement et très subtilement. Juste une augmentation subtile de certaines des hautes fréquences pour plus de clarté. Et j'aime aussi généralement découper une petite surface d'environ 1,5, encore plus fine que cela. Et aussi à partir de 2,5 pour se débarrasser de certaines des qualités middy et nasales Passons à l'AB et assurons-nous d'aimer le son. Je pense que nous ajoutons un peu trop de hautes fréquences. N'oubliez pas que vous voulez être très subtil avec cela. Si vous voulez être subtil c'est parce que les écouteurs, les haut-parleurs, les systèmes stéréo de voiture et les téléphones de chacun les écouteurs, les haut-parleurs, les systèmes stéréo de voiture et les téléphones ajoutent leur propre couleur ou égaliseur au Nous ne voulons donc pas trop faire cela. Nous voulons essayer de le maintenir aussi plat que possible, tout en augmentant subtilement les fréquences que nous aimons et en diminuant subtilement les fréquences que nous ne connaissons pas, éliminant des éléments tels que la boue ou Ensuite, je saute directement vers Maximus. Comme nous le savons, il s'agit d'un compresseur multibande, et comme notre canal principal contient de nombreuses informations sur le spectre des fréquences, nous avons des basses fréquences jusqu'aux hautes fréquences, c'est une bonne idée d'utiliser la compression multibande Définissons donc nos bandes de fréquences. Avec cela, vous voulez à peu près entendre le fond du piège. Peut-être quelque part là-bas. Vos servantes, vous ne cherchez qu'à entendre le bas de vos chapeaux hauts Peut-être quelque part là-bas. Ensuite, nous allons poursuivre notre processus normal. Nous allons donc atteindre notre plus bas ajouter où nous voulons que notre seuil soit, baisser le ratio. Pareil pour les médiums. W et pareil pour les aigus. Avec les aigus, il faut être un peu plus subtil. Ainsi, par exemple, pour nos niveaux les plus bas, nous allons utiliser un ratio plus élevé, les médiums un peu moins, et les hauts encore un peu moins Maintenant, revenons en arrière et refaisons-nous notre maquillage. Le violet est donc ce qu' il était à l'origine, et le blanc est ce qu'il est maintenant. Il semble donc que nous perdons environ trois bases de données. Les femmes de ménage ne perdaient pas autant, peut-être un ou deux dB. Et encore une fois, les aigus, peut-être un ou deux DB. Maintenant, également au sein de Maximus, pour nos basses fréquences, nous allons les fusionner. Cela fonctionne donc de la même manière que le bouton de séparation stéréo situé sur le mélangeur Nous allons fusionner nos basses pour nous assurer qu'elles sont monochromes. Nous allons séparer un peu nos médiums, puis nous pourrons vraiment étendre les aigus Ensuite, nous pouvons ajouter un découpage doux Il s'agit d'un plug-in de saturation très doux qui peut simplement aider à ajouter un peu plus de volume. Donc, non seulement nous ajoutons un peu de volume, mais nous ajoutons également certaines de ces belles harmoniques de saturation Ensuite, nous allons prendre un limiteur. Et le limiteur fait ce qui est écrit sur la boîte. Cela limite le son à un certain seuil. Donc, en gros, cela n'autorise rien au-delà de cette valeur. Ainsi, par exemple, notre plafond ou seuil est fixé à 0,0. J'aime le réduire à environ -0,2, généralement juste pour m' assurer qu'il est actif Ensuite, nous pouvons utiliser le gain d'entrée pour vraiment en tirer le plus de volume possible. Nous ne voulons pas trop le presser. Nous ne voulons pas anéantir la dynamique. Juste assez pour nous donner une sorte de volume sonore complet. Et maintenant, nous avons maîtrisé notre piste. Nous avons façonné le son de manière subtile. Nous avons utilisé la compression multibande pour contrôler la dynamique, et nous avons également utilisé la séparation stéréo pour élargir l' Nous avons ajouté une saturation subtile pour ajouter un peu de gras et augmenter le volume Ensuite, nous avons utilisé un limiteur pour nous assurer de ne pas couper le morceau et ne pas endommager les systèmes audio Nous avons également utilisé le bouton de gain pour augmenter le volume. Maintenant que votre morceau est mixé et masterisé, nous pouvons exporter le morceau entier Vous devez simplement mettre en évidence la zone que vous souhaitez exporter, exporter, enregistrer le fichier. C'est un nom exporté. Battre. Et avec cela, notre mode devrait être la sélection des chansons. La queue doit être réglée de manière à laisser le reste. La profondeur d'onde doit être réglée sur 24 bits ou 32 bits. D'habitude, j'aime bien utiliser 24. Assurez-vous qu'il est réglé sur stéréo et que haute qualité est activée pour tous les connecteurs. Votre qualité de rééchantillonnage est généralement réglée sur la meilleure qualité possible, mais votre temps de rendu sera un peu Félicitations pour avoir composé, arrangé, mixé et masterisé un rythme complet 46. Représentation de rythme terminé: [Pas de discours] 47. Conclusion du cours: Félicitations. Vous avez atteint le cours final de ce cours. ce jour, vous avez appris à créer des rythmes, de la batterie à la basse en passant par les accords, à structurer vos morceaux en utilisant une structure et un arrangement appropriés, mixer avec égalisation, compression et saturation, et Mais que se passera-t-il ensuite ? Comment utilisez-vous ce que vous avez appris pour continuer à grandir sur le plan créatif et professionnel Eh bien, la conclusion de ce cours abordera les dernières pièces du puzzle, à savoir comment faire évoluer votre carrière, rester inspiré, surmonter le perfectionnisme et véritablement incarner votre identité de producteur Considérez cela comme le carburant de votre long parcours dans la production musicale. Que vous créiez des rythmes dans votre chambre à coucher ou que vous ayez déjà commencé à travailler avec des artistes, la croissance de cette industrie est un voyage sans fin. Voici donc comment continuer à progresser. La croissance n'est pas le fruit du hasard. Tu dois le viser. Demandez-vous si vous voulez travailler avec de grands artistes ? Voulez-vous enregistrer des stages pour la télévision et le cinéma ? Voulez-vous créer votre propre marque tant que producteur de slash artist Une fois que vous avez déterminé quels sont vos objectifs, décomposez-les en petites étapes réalisables Ainsi, par exemple, votre objectif de collaborer avec un artiste assigné pourrait être de toucher dix artistes par semaine avec des beat packs personnalisés. Peut-être que votre objectif est de vouloir placer un rythme dans un film, qui pourrait devenir superviseur musical de recherche et envoyer des échantillons de rythmes raffinés. Le succès de la production musicale n'est pas qu'une question de talent, c'est aussi une question de relations. Essayez de collaborer avec d' autres producteurs, artistes et ingénieurs, laissez des commentaires pertinents, répondez aux messages et participez à des communautés musicales Enfin, essayez de faire évoluer votre son. Pour rester pertinent, il faut évoluer. Étudiez les tendances , expérimentez nouveaux outils et soyez toujours ouvert à l'apprentissage. La croissance survient lorsque vous repoussez les limites de votre zone de confort. L'inspiration ne vient pas toujours quand on le voulait. Pour maintenir une production créative constante, vous devez mettre en place des systèmes permettant à vos idées de circuler. Les créatifs détestent souvent l'idée de routine, mais la structure peut en fait amplifier votre créativité Ainsi, par exemple, vous pourriez faire un entraînement quotidien, peut-être passer de 30 minutes à une heure par jour à travailler sur les rythmes, même si vous ne vous sentez pas inspiré. Vous pouvez également consacrer du temps à différentes étapes du processus, comme la conception sonore, création de mélodies ou le mixage, ou au moins consacrer du temps chaque semaine écouter votre travail et à identifier les domaines à améliorer Ensuite, nous avons emprunté à d'autres genres. L'inspiration peut venir de lieux inattendus. Empruntez des éléments de genres dans lesquels vous ne travaillez pas habituellement, comme l'afrobeat, la musique classique ou En combinant ces influences, vous pouvez créer un son qui vous est propre. Essayez des outils ou des instruments inconnus. Si vous êtes coincé dans une ornière, prenez peut-être un instrument dont vous ne savez pas jouer Testez un plug-in que vous n'avez jamais utilisé ou essayez une toute nouvelle DAW. L'acte d'explorer peut vraiment débloquer des avancées créatives Et enfin, nourrissez votre esprit. C'est un gros problème. La créativité ne vient pas uniquement du fait de faire de la musique. Cela vient de la vie. Lisez des livres, regardez des films, explorez les arts visuels, voyagez, vous savez, immergez-vous dans différentes cultures, réfléchissez vos expériences personnelles et essayez de les intégrer dans votre travail. Ensuite, nous avons des méthodes pour essayer de surmonter le beat block. Donc, tout d'abord, le perfectionnisme est l'ennemi du progrès. C'est la voix dans votre tête qui dit : «  Ce rythme n'est pas suffisant ou je le terminerai plus tard quand je serai plus inspiré ». Mais la musique est subjective. Il n'existe pas de rythme parfait. Concentrez-vous sur la réalisation de vos pistes au lieu de les peaufiner à l'infini N'oubliez pas que les meilleurs producteurs ne se contentent pas de faire des succès. Ils les terminent. Pour chaque titre à succès, il y en a environ 100 qui ne se sont même pas rapprochés. Si vous avez du mal à terminer les beats, fixez-vous des délais stricts. Vous savez, vous pouvez régler une alarme pour terminer le beat dans 2 heures ou vous engager à télécharger deux ou trois rythmes par semaine Les délais peuvent vous obliger à prendre des décisions et à faire avancer les choses. Enfin, établissez des systèmes pour laisser libre cours à votre créativité. Utilisez donc des modèles de dessin pour différents genres afin de relancer votre processus ou conservez un dossier de rythmes, de mélodies ou de patterns de batterie inachevés que vous pourrez Passez également du temps à expérimenter sans aucune pression pour terminer quoi que ce soit. Parfois, les meilleures idées viennent du simple fait de s'amuser. Vous avez donc terminé le cours et vous disposez désormais de tous les outils dont vous avez besoin pour réussir en tant que producteur. À partir de maintenant, le plus important est de vous faire confiance. Vos goûts uniques, votre style et votre point de vue vous permettront de vous démarquer. Ne laissez pas ce cours être la fin. Que ce soit le début, fixez-vous des objectifs, passez à l'action et continuez à apprendre. N'oubliez pas que la croissance est un voyage. Ce n'est pas une destination. Restez en contact avec d'autres producteurs et artistes, partagez vos connaissances, demandez des commentaires et célébrez vos victoires, grandes ou petites. La communauté musicale s'épanouit lorsque nous nous soutenons tous les uns les autres Et à la fin de la journée, souvenez-vous raison pour laquelle vous avez commencé à faire de la musique. Que ce soit pour l'expression personnelle, connexion ou simplement pour l'amour du son, le monde a besoin de votre musique. Merci donc d'avoir fait ce voyage avec moi, et je suis impatiente de voir où vous mènera votre musique. N'oubliez pas que je suis toujours là si vous avez des questions ou si vous avez besoin de conseils. Maintenant, vas-y et fais des beats. 48. Jeu de l'industrie: Bienvenue à cette conférence complète sur l'un des aspects les plus importants du métier de producteur, de marque et de votre stratégie commerciale. Bien que la création de rythmes soit au cœur de notre activité, il comprendre comment créer une marque reconnaissable et tout aussi crucial de comprendre comment créer une marque reconnaissable et des revenus durables grâce à votre musique Nous allons aborder ici tout, du développement de votre signature sonore au téléchargement de vos rythmes, travail avec un artiste, le prix de votre travail et même une petite idée simple pour diversifier vos revenus Un beat tag, c'est comme votre logo. Il s'agit d'un timbre vocal ou audio qui est diffusé au début ou tout au long de votre rythme. C'est essentiel pour l'image de marque, en particulier si vous téléchargez des beats en ligne ou si vous les partagez avec des artistes Donc, en référence aux trois points affichés à l'écran, nous avons un système de reconnaissance, de sorte que votre tag aide les gens à connaître votre rythme. Protection, elle peut décourager utilisation non autorisée de votre travail et de votre identité Une bonne étiquette renforce votre image de marque. Le beat tag de Pierre Bourne en est un bon exemple. J'en ai un exemple ici. Yo, Pierre, tu veux venir ici. Pour créer votre beat tag, vous pouvez soit en créer un vous-même, soit engager un artiste de voix off sur des plateformes comme Assurez-vous de le garder court et accrocheur. Votre étiquette doit être mémorable , mais pas distrayante. Utilisez également de nombreux effets amusants et créatifs tels que la réverbération, delay et le décalage de hauteur pour le rendre unique Enfin, placez le tag au début de votre beat et éventuellement dans quelques autres sections, généralement avant le drop ou le refrain Ainsi, lorsque vous créez des beats, vous devez savoir où se trouvent vos clients, rappeurs, artistes et créateurs potentiels rappeurs, artistes et créateurs Voici les plateformes sur lesquelles vous pouvez vous concentrer. YouTube est idéal pour mettre en valeur vos rythmes. Utilisez des miniatures et des titres qui reflètent le style. Par exemple, Dark Trap Beat gratuit pour une utilisation à but non lucratif. Vous pouvez également optimiser avec des mots clés tels que Juice world type beat pour attirer les artistes à la recherche d'une ambiance spécifique Nous avons Beat Stars, une place de marché spécialement conçue pour les producteurs qui souhaitent vendre des beats. Cela permet une flexibilité en matière de licences et de tarification. Certains producteurs choisissent de publier des extraits courts avec visuels ou des légendes sur Instagram et Ici, vous pouvez interagir avec les artistes directement par le biais DM ou en les taguant dans vos publications. SoundCloud peut être très utile pour créer un portefeuille et créer un réseau Enfin, vous pouvez les télécharger sur un site Web personnel et l' utiliser comme point central pour vos rythmes, votre biographie, vos coordonnées et peut-être une page où les gens peuvent acheter vos rythmes. Lorsque vous mettez en ligne, essayez de le faire régulièrement pour élargir votre audience et utilisez des pochettes ou des vidéos attrayantes pour que votre mise en ligne se démarque De plus, cette astuce d'optimisation pour les moteurs de recherche est excellente en utilisant des termes tels que Drake type beat ou free non copyright beat Et lors du téléchargement, incluez toujours un lien pour acheter ou télécharger votre beat Collaborer avec des artistes est un excellent moyen de créer des tubes qui génèrent des revenus grâce à des redevances et à des licences Vous pouvez trouver des collaborations potentielles en parcourant les réseaux sociaux et en contactant les artistes à venir sur Instagram ou Il existe également des plateformes de collaboration comme Airbit ou même des communautés Discord qui peuvent vous aider à entrer en contact avec des chanteurs Lorsque vous travaillez avec un artiste, communiquez clairement, respectez les délais et respectez l'apport créatif de l'artiste. Discutez toujours de vos conditions dès le début, alors assurez-vous que les deux parties s'entendent sur le partage des redevances, les crédits et les licences Et les licences déterminent simplement comment un artiste peut utiliser votre rythme. Les types les plus courants incluent licences non exclusives où vous pouvez vendre le même rythme à plusieurs artistes et une licence exclusive où l'artiste qui achète le beat obtient les droits exclusifs sur le beat. Chaque licence doit spécifier le prix d'utilisation, comme les limites de diffusion et les droits commerciaux, ainsi que les crédits, manière dont vous serez crédité pour l'œuvre finale. En général, j'ai vu des licences non exclusives passer d' environ 30$ à 100$ et des licences exclusives passer de 300$ à, je veux dire, si vous travaillez avec de grands artistes, cela peut être bien supérieur Mais au fur et à mesure que votre réputation grandit, vos taux devraient également croître. Enfin, dernier point, utilisez toujours des contrats pour vous protéger. Des sites tels que Beat Stars ont des contrats intégrés, ou vous pouvez engager un avocat pour en créer un personnalisé, mais les principales conditions incluent la structure de paiement, partage des redevances et les droits de propriété Voici donc une petite idée simple pour générer des revenus supplémentaires. Les packs de producteurs sont des ensembles de sons que vous pouvez vendre à d'autres producteurs, tels que des kits de batterie, des boucles et des one-shots Ils constituent un excellent moyen de diversifier vos revenus. Vous pouvez créer des boucles de batterie, boucles mélodiques ou des effets, et vous pouvez même inclure des fichiers MIDI ou des préréglages pour plus d'attrait. Ensuite, nous examinons la sélection sonore en tant que stratégie de marque. Votre sélection sonore fait donc partie de votre marque, tout comme les cloches de Metro Bowman ou les flûtes de Pierre Bourne Vous devez trouver une palette de sons cohérente qui reflète votre style. ce faire, vous pouvez suivre les trois points à l' écran en expérimentant avec des écran en expérimentant avec instruments ou des textures uniques, réutilisant les sons caractéristiques d'un rythme à l'autre pour créer une certaine familiarité Et inspirez-vous d'autres producteurs. Mais ajoutez-y toujours votre touche personnelle. Ne copiez pas directement. Votre identité en tant que producteur est ce qui vous permet de vous démarquer sur un marché bondé. C'est une combinaison de votre son, votre image de marque et de votre personnalité. Connaissez votre créneau. Déterminez les genres ou les vibrations que vous souhaitez dominer Soyez cohérent entre vos visuels et votre son afin de maintenir la cohérence de votre image de marque Interagissez avec votre public, interagissez avec les auditeurs et les artistes sur les réseaux sociaux et restez authentique Ne poursuivez pas les tendances, créez votre propre voie. Construire votre marque en tant que producteur prend du temps, mais cela en vaut vraiment la peine. En établissant une signature sonore claire, en utilisant des stratégies de téléchargement intelligentes, collaborant avec des artistes et en diversifiant vos revenus grâce à des packs de producteurs, vous pouvez transformer votre passion en une carrière durable Commencez à mettre en œuvre ces stratégies dès aujourd'hui, et n'hésitez pas à nous contacter si vous avez des questions ou si vous souhaitez obtenir des commentaires. Essayons de faire de votre parcours de producteur un succès. 49. Les bases du Boom Bap: Dans les prochaines conférences, nous allons donc simplement examiner les éléments de base de la création de différents genres. Ainsi, par exemple, nous examinons ici Boom Bap. cela, vous voudrez utiliser quelque chose comme un sample de jazz, de sol ou de funk Vous pouvez le découper ou apporter d'autres modifications si vous le souhaitez, mais celle que j'ai trouvée est en fait plutôt bonne Vous pouvez également ajouter un crépitement en vinyle, sorte de texture ambiante en dessous Mais cet échantillon, en particulier, présente déjà un craquement sur le vinyle Ensuite, vous allez utiliser une sorte de vieux samples sonores des années 90 Voici donc un extrait de Shaker que j'ai choisi. Voici un chapeau original. C'est le coup de pied. Et c'est notre piège Nous avons également un autre modèle de batterie où j'ajoute une autre caisse claire et ce shaker encore plus décalé Vous allez également utiliser beaucoup de swing, environ 50 % de swing. Vous recherchez également une sorte de pattern de batterie hip hop vraiment funky des années 90 De plus, avec cela, votre schéma de basse sera un peu différent, en optant généralement pour notes plus courtes qui imitent le style des années 90, mais qui s'adaptent également au schéma de batterie Et puis, pour plus de saveur, j'ai simplement ajouté une sorte de son de pad à cordes et cet instrument principal. Écoutons-le tous ensemble. 50. Les bases de Lofi: Ici, nous allons jeter un coup d'œil à Lo Fi. Pour cela, vous devez maintenir votre BPM entre 60 et 90 BPM environ Utilisez des tambours au son doux. Et une petite astuce que j'aime faire avec mes chapeaux hauts, c'est quand ils sont là sur mes chapeaux hauts, c'est le piano. Si vous retardez le deuxième battement, le chapeau haut sera joué à chaque premier et à chaque deuxième battement. Si vous retardez le deuxième chapeau haut ou le chapeau haut au deuxième battement, retardez-le d'environ un quart d'échelon plus haut ici. Vous vous retrouvez avec ce genre de sensation de swing paresseux. Ensuite, vous voudrez utiliser des touches vraiment jazzy, qu'il s'agisse d' piano normal ou d'un piano électrique, ou parfois une guitare vraiment géniale peut également fonctionner C'était donc mon échantillon avant d'y ajouter des effets. C'est presque comme de la musique lounge. Et c'est un vrai genre, si vous voulez vérifier. Donc, avec ça, oups. Avec cela, j'ai ajouté une enceinte pour l'amplifier un peu et le rendre un peu plus étouffé Donc avant et après ? Ensuite, j'ai ajouté du vibrato, qui est une sorte de légère Oups, je continue comme ça. Cela donne l'impression d'être légèrement désaccordé ou désaccordé. Et puis j'ai juste ajouté un peu d'écrasement. Vous pouvez donc l'entendre s'y ajouter comme un craquement de vinyle Ensuite, j'ai simplement ajouté une basse très simple et pattern de batterie dont nous parlions tout à l'heure. L'idée avec Low Pi est d'essayer de créer un son onirique, hypnotique, détendu et fluide C'est aussi l'un des genres où, si vous ajoutez des sons de pluie ou ceux d' une ville avec des voitures qui bipent, etc., mais que vous y mettez beaucoup de réverbération, mais que vous y mettez beaucoup de réverbération, vous avez l'impression que c'est loin Ce genre est idéal pour ce genre d'effets d'ambiance. 51. Les bases de Detroit: Ici, nous allons jeter un rapide coup d'œil au style de Detroit. Vous aurez envie d' utiliser des mélodies répétitives pour piano ou synthé, comme celle-ci Ce sera dans une tonalité mineure, et ça doit paraître sombre et plutôt inquiétant J'ai également ajouté cette boucle de synthé foncée que j'ai trouvée sur Lupermen comme texture Certaines personnes aiment se rendre à Détroit en deux fois plus de temps. Je suis donc réglé à environ 1 h 05, mais ils peuvent régler leur BPM à 2 h 10, mais ce n'est qu' L'essentiel du style de Detroit provient du motif de batterie. Donc tu vas vouloir dessiner ton coup de pied comme ça, et ça devrait sonner comme ça. Il est également généralement très déformé. Donc, à l'origine, le coup de pied sonnait comme « Où est mon coup de pied ? » À l'origine, cela sonnait comme ça. Mais nous voulons lui donner un peu de mordant, donc nous le déformons un peu trop Ensuite, votre schéma de base suivra simplement le schéma du coup de pied. Encore une fois, avec cela, j'ai également ajouté un peu de distorsion. Et voici comment sonne le rythme. 52. Les bases de l'exercice britannique: Enfin, nous allons simplement jeter un coup d' œil à l'exercice au Royaume-Uni. Ces morceaux sont donc généralement assez sombres et contiennent souvent des mélodies répétitives et envoûtantes Écoutons-le. Ces mélodies envoûtantes sont généralement assez simples et, comme je l'ai dit, répétitives Nous allons avoir un modèle classique de piège et de piège Mais nos chapeaux hauts vont être assez syncopés. Et puis l'autre élément principal de UK Drill serait la sous-base à huit ou huit, mais c'est presque une mélodie en soi Et il y a aussi beaucoup de notes glissantes. Maintenant, mon pattern de basse est probablement un peu exagéré, mais ça va. J'essaie juste de démontrer les éléments fondamentaux de chaque genre. Alors écoutons ça o Oh, j'ai aussi oublié Oh, et j' ai aussi oublié de mentionner que les mélodies sont souvent assez désaccordées, Donc, encore une fois, j'ai utilisé cet effet vibrato.