Production de musique Ambiante Chillstep - Commencez à terminer

1. Aperçu du cours Ambient Chill: Salut tout le monde, je suis John Merrick de Bones of Jesus. Bienvenue dans notre gamme Ambient Stroke. C'est cool, ce didacticiel que vous pouvez suivre avec n'importe quelle station de travail audio numérique. Ainsi, comme mentionné, vous pouvez suivre dans n'importe quel DAW, Cubase Logic, Ableton, f, l, etc. Mais cela nécessite que vous ayez au moins une compréhension de base de cette DAW. Ce cours sera donc idéal pour les débutants avancés ou plus. Maintenant, je n'ai spécifiquement utilisé que des instruments totalement gratuits. Ce cours est donc accessible à toute personne utilisant une autre DAW. Et en ce qui concerne les effets de plug-in, je n'ai essayé que les plug-ins de base qui sont disponibles dans toutes les DAW. Nous utilisons donc des processus plus avancés tels que l'égalisation dynamique. J'ai utilisé des plugins gratuits, qui sont également accessibles à tous. Nous allons donc commencer le cours en devinant quelques notions de base en matière de conception sonore et synthèse à l'aide du nouveau synthétiseur totalement gratuit Vital, pour créer un pad succulent et profond que nous utiliserons pour l'élément principal. Vous ajouterez de nombreuses textures supplémentaires à la piste au fur et à mesure de notre progression. En utilisant Vital, un instrument de piano gratuit et des samples, qui sont bien sûr tous inclus dans le téléchargement du didacticiel. Maintenant, un élément essentiel de la musique d' ambiance pour réussir est bien sûr la mélodie. Nous allons donc approfondir la théorie musicale et l' approche pour créer une progression d'accords épique de 32 mesures et nous en servir comme base pour ajouter d'autres éléments mélodiques à notre morceau. Vous n'avez pas besoin d'une connaissance approfondie de la théorie musicale pour ce faire. Nous allons littéralement le construire étape par étape, et vous pourrez ensuite utiliser ces étapes dans vos propres morceaux pour créer vos propres progressions ambiantes à chaque fois. Désormais, une bonne structure de chanson est impérative dans tous les morceaux. Nous analyserons donc cette piste à la fois au niveau microénergétique et au niveau macroénergétique. Cela signifie que vous allez apprendre à créer flux subtil de tension et de relâchement tout au long de votre morceau, de la mélodie à l'arrangement global qui fidélisera les auditeurs et Je voulais revenir pour en savoir plus. Le mélange est souvent considéré comme l' étape la plus technique du processus, ce qui n'est que partiellement vrai. Et même si nous aborderons tous les aspects techniques du mixage, tels que l'égalisation, la compression, la saturation, la modification de l'égaliseur dynamique, etc. Nous verrons également comment vous pouvez réaliser des mixages sans effort à chaque fois que vous jouez sur vos morceaux. Si vous voulez apprendre à créer de la musique d'ambiance, ce cours est fait pour vous. Maintenant. Ce n'est vraiment qu' un petit aperçu de tout ce qui est couvert dans ce didacticiel. Mais la meilleure chose à propos de ces idées pour terminer cours est que vous avez une réelle idée de la façon de créer vos propres pistes et où et quand vous devez utiliser les compétences que vous apprenez. C'est donc tout pour moi. Je vais laisser jouer le morceau que tu pourras créer si tu obtiens le cours. Il s'agit de la version finale que nous produisons en moins de 27. La dernière leçon du cours. Pas de retouches, pas de post-traitement. Merci beaucoup d'avoir regardé. J'espère vous voir au cours. 2. Leçon 01 Commencer: Bienvenue dans ce domaine. Toutes les portes commencent à se terminer. Ambient Stroke, Chill Step pour chaque tutoriel, la première chose que je veux faire est de jouer le morceau que nous allons rencontrer ensemble, appelé Cascade. Je vais tout jouer pour que tu aies une idée précise de ce morceau. Mais bien sûr, si vous ne voulez pas tout écouter, c'est très bien. Je laisserai un horodatage à l' écran pour que vous puissiez passer à l'étape suivante si vous le souhaitez. Donc ça va être très amusant à faire et Jati instructive. Maintenant, cette première leçon n'est qu'une introduction au cours, et nous allons aborder certains points de base sur le fonctionnement du didacticiel si vous utilisez une porte différente de la mienne. Donc, si tu veux te lancer et passer à la leçon suivante où nous commencerons à créer le morceau, c'est très bien. Comme indiqué, cela peut être suivi dans n'importe quelle porte, mais cela nécessite que vous connaissiez suffisamment votre porte pour pouvoir, par exemple trouver un effet similaire ou savoir comment utiliser l'automatisation ? J'ai essayé d'utiliser des effets et des techniques standard qui seront disponibles dans toutes les portes. Ou j'ai essayé d'utiliser plugins gratuits que tout le monde peut télécharger et utiliser, mais ne vous inquiétez pas, si vous ne pouvez pas exactement correspondre à ce que je fais, il est bien plus important que vous compreniez et pourquoi et quand utiliser une technique spécifique plutôt que de pouvoir correspondre exactement à chaque petite chose que je fais. Si vous avez acheté le cours, vous aurez également accès à tous ces extraits audio, fichiers MIDI et patchs d'instruments. Donc, si vous êtes bloqué, vous pouvez simplement les charger dans votre porte. Mais sachez que nous refaisons tout ce qui se trouve dans ce morceau à partir de zéro tout au long du didacticiel. Donc, encore deux petites choses avant de passer à la deuxième leçon. Bien entendu, vous apprenez à créer un seul coup d'ambiance, pas de détente que vous pouvez attirer, mais essayez de voir cela comme une porte d'entrée dans ces genres. Nous allons donc aborder principales compétences dont vous avez besoin pour aimer la théorie musicale, la conception sonore, l' arrangement, le mixage, création d'espace, etc. Donc, une fois que vous aurez terminé, vous aurez une bonne compréhension de la façon de créer vos propres morceaux de step à température ambiante. Très bien, enfin, je travaille à une fréquence d'échantillonnage de 96 kHz et 24 bits et tous les samples audio et les stems sont enregistrés avec les mêmes réglages. Je vous recommande d'utiliser 96 K24 bits, mais vous pouvez travailler à une fréquence d' échantillonnage inférieure si vous le souhaitez. C'est juste une recommandation. OK, c'est tout pour l'intro. Merci d'avoir regardé les gars et les filles. Je te verrai au prochain. 3. Leçon 02 Sound Design Pad: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons faire sonner le pad dans une Cynthia gratuite appelée Vital. Vous pouvez devenir vital simplement en recherchant VST sur Google. Et ce sera le premier lien que vous verrez. Et si vous faites défiler la page vers le bas, vous finirez par accéder aux différentes versions que vous pouvez obtenir. Vous pouvez maintenant obtenir la version complète qui est totalement gratuite. suffit donc de sélectionner la version que vous souhaitez et télécharger la version correspondant votre système d'exploitation. Une fois téléchargée, il suffit de l' installer et je ne vais pas vous dire où l'installer car elle peut être différente pour chaque porte, mais ce sont des informations faciles à trouver avec un rapide Google. Donc, chez vous, je commencerais par un projet vierge ou modèle vierge de votre choix. Et tout de suite, nous allons faire le plein de choses vitales. Dis-moi que c'est facile. Je vais juste le charger sur une piste d'instrument à Vital. Et la première chose que je vais faire est de le rendre un peu plus petit pour qu'il s'adapte correctement à l'écran. Vous pouvez donc en modifier la taille en cliquant sur le petit V en haut. Je vais juste passer à 70 % parce que 100 %, c'est un peu trop grand. C'est tout à fait bien. Maintenant, devant ma porte, la première chose que je vais faire est de baisser le ton. C'est comme une méthode de triche rapide pour mettre en scène vos projets afin que lorsque vous commencez ajouter de nombreux autres éléments à votre morceau, cela ne soit pas trop fort. Disons qu'il faut le baisser à environ -11, c'est tout à fait normal. La prochaine chose que je veux faire est de faire entrer un médiéval sur le marché du travail. Donc, si vous avez apporté le didacticiel, vous pouvez le charger à partir des fichiers de travail , des dossiers, des fichiers Gates et MIDI, puis le charger sur le pad complet, en faisant simplement glisser sur l'instrument vital. Il devrait juste se charger là-dedans. Assurez-vous simplement que votre Midea commence à partir de la barre cinq. Donc, si vous le faites à la barre 5 comme je le fais, alors tout ira bien dans votre projet. Donc, vous saurez que quand je parlerai d'être barre 11 ou 12 ou peu importe, vous saurez que nous sommes au même endroit. Je vais donc simplement boucler les 4 premières mesures de cette progression. Maintenant, dites simplement non. Si j'entre dans le vif du sujet, je vais simplement vous montrer à quoi ressemble cette progression d'accords. C'est donc en fait assez complexe. C'est comme une progression d' accords de 32 mesures, même si, bien sûr, la partie principale se répète. Mais c'est très bien. Donc, juste pour que vous sachiez, dans les prochaines leçons, nous expliquerons étape par étape comment réaliser cette progression. Et nous aborderons toutes les connaissances nécessaires pour créer vos propres progressions d'accords épiques. Pas seulement cette progression, mais vraiment toute progression que vous souhaitez être capable de réaliser. Mais pour l'instant, je voulais juste apporter ce midiin. Vous en avez donc assez pour que nous puissions commencer à sculpter notre bloc-notes de manière vitale, car évidemment, pour le moment, il semble très déballé. Passons au vital et commençons. Si vous êtes nouveau dans ce domaine, cela peut sembler un peu intimidant, mais ne vous inquiétez pas. Nous allons faire de la conception sonore d'entrée de gamme dans ce tutoriel. Et d'abord, permettez-moi d'expliquer brièvement, et je veux dire brièvement les bases du fonctionnement du synthétiseur. Dites simplement non, tous ces correctifs sont disponibles dans le fichier de travail. Donc, si vous êtes vraiment bloqué, vous pouvez simplement les charger. Et vous trouverez des instructions sur la façon de procéder dans le même dossier que les préréglages. chose la plus fondamentale à comprendre dans tout synthétiseur est donc vraiment le chemin du signal du son. Donc, d'où il part et où il va avant qu'il ne sorte du synthétiseur jusqu'à votre porte. En tout cas, tout commence vraiment par la section oscillateur. C'est là que le son est produit et que vous créez la première rangée Tom du son, Tambora, qui signifie la texture du son. Vous pouvez modifier l' heure interrompue en utilisant différentes formes d'onde que vous pouvez parcourir. Vous pouvez ajouter d'autres oscillateurs. Deuxièmement, il y a trois oscillateurs principaux dans Vital et vous avez également un échantillon d'oscillateur. Et une fois que vous avez créé le type initial de texture du signal sonore, passez à ce que nous appelons les parties soustractives du synthétiseur. Nous pouvons donc ici en façonner la dynamique en modifiant l'enveloppe. Disons que c'est l' enveloppe ici. Cela permet de contrôler la dynamique de l'amplitude. Supposons que si j'y ajoute, disons, une attaque, vous entendrez que nous recevons une lente avance dans le son, par exemple, et que nous pouvons également l'envoyer par un filtre. Donc, si j'active le filtre et que je désactive simplement l'oscillateur 2.3 pour le moment. C'est donc un peu comme sculpter le son. Et il existe également d' innombrables façons de modifier et de moduler le son que vous avez créé. Et nous en examinerons les bases tout au long du didacticiel. Ensuite, vous avez la page des effets où vous pouvez ajouter tout ce qui est prêt, un compresseur de chœur , du delay, de la distorsion, toutes sortes de choses au son, des éléments supplémentaires pour mieux sculpter le son, comme vous le souhaitez. Mais c'est une vue d'ensemble assez courte, mais pour l' instant, il suffit vraiment comprendre où commence le son et comment il progresse dans le synthétiseur, ce n'est pas très bien. parle de ce que fait chacune des fonctions lorsque vous n'avez pas vraiment de cadre pour son fonctionnement. Donc, pour vous aider, commençons à émettre le son, juste pour que vous sachiez, si vous avez apporté des modifications aux données et que vous souhaitiez revenir au préréglage initial, c' est-à-dire la charge vitale lors du premier chargement. vers le haut. Sur trois lignes, ici et passez au préréglage initialisé. Et cela ne fait que réinitialiser tout à Bâle. Encore une fois, commençons par la section oscillateur. Maintenant, il a déjà la bonne forme d'onde. C'est comme une vague de scie. C'est un bon point de départ. Mais ce que je veux vous montrer, c'est ce contrôle sur cette unisson. Donc, pour l'instant, je vais simplement refuser. C'est donc l'Unison De-Tune. Nous y reviendrons dans une seconde, mais il vaut mieux commencer par cet inconvénient. Ce que je vais faire, c'est commencer à ajouter plus de voix pour cela. Il vous suffit donc de cliquer dessus et de faire glisser le pointeur vers le haut pour ajouter d'autres voix. Vous pouvez l'entendre en quelque sorte en changer le son. Mais qu'est-ce que cela signifie vraiment ? Donc, ajouter plus de voix signifie essentiellement ajouter plus d'oscillateurs jouant la même chanson. Donc, au lieu d' un seul oscillateur, quel serait-il si je l' avais sur une seule voix ? J'ai 16 voix qui jouent toutes la même vague. Maintenant, ça n'a pas l'air si impressionnant quand je le joue. Jusqu'à ce que vous commenciez à jouer avec le cadran désaccordé, dites que je vais juste le jouer je vais jouer avec ça et vous comprenez ce que je veux dire. Vous pouvez entendre tout de suite. Cela l'épaissit en quelque sorte pour en faire un joli fil, presque comme le fil d'un émetteur-récepteur, mais cela ne fait que l' aplatir, rend beaucoup plus intéressant. OK, donc c'est bon. Ajoutons-y maintenant un autre oscillateur. Nous allons donc également activer les oscillations. Maintenant, celui-ci ne fait pas grand-chose si je me contente de le jouer, il ajoute juste une voix de plus à celle de l'oscillateur initial. Donc, ce que je vais faire, c'est le déposer. Je vais donc simplement cliquer là où il est écrit Pitch et le faire glisser vers le bas. C'est un -12 qui perdra un Octavio juste pour jouer ça. OK, sympa. Ça l'épaissit vraiment. Avoir un oscillateur qui en joue un, OK, économisez, c'est génial. Ensuite, passons à la sculpture un peu du son. Tout d'abord, je ne parlerai pas de changement. Le deuxième oscillateur indique également de passer par le filtre 1 plutôt que par le filtre 2. Vous pouvez voir ici que les oscillations sont déjà acheminées via le filtre 1. Donc, avec la texture du son, comme je l'ai fait une fois, ou du moins à peu près au bon endroit, je vais revenir et commencer à sculpter le son à l' aide de l'enveloppe. Emuler un concerne donc la dynamique d'amplitude. Cela signifie donc qu'en gros, en termes de volume, cela le façonnera comme je l'ai montré précédemment. Donc, si nous ajoutons plus d'attaque, un peu plus de politesse, mais nous n'avons pas besoin d'être aussi extrêmes. Nous allons faire autre chose. Je veux juste qu'on m'attaque un peu à ce sujet. Il y a donc juste cette légère alimentation nulle dès la première moitié, une seconde du son. C'est très bien pour le moment. Augmentons également sa sortie car nous voulons qu'il ait un peu de queue. Donc, tous les codes se fondent les uns dans les autres. Vous pouvez donc entendre quand je l'arrête, vous pouvez entendre de la grêle. C'est la sortie du son. OK, super, ça commence à sonner un peu mieux. Pas de problème, mais maintenant nous voulons ajouter un filtre, je vais donc activer le filtre 1. Permettez-moi simplement de jouer en disant que vous pouvez modifier la coupure du filtre en utilisant ce curseur. Vous pouvez entendre qu'il y a ce genre de sensation résonnante. C'est parce que la résonance actuelle est à mi-chemin. C'est ainsi que vous modifiez la résonance du filtre. Donc, évidemment, vous pouvez désactiver cette résonance immédiatement. Du rouge à lèvres pour l'avoir à peu près à mi-hauteur. C'est très sympa. Cela rend le son un peu plus intéressant. Mais plutôt que de simplement le filtrer, ce que je veux faire, c'est moduler ce filtre pour qu'il absorbe le son. Pour cela, il faut ajouter une attaque, comme pour l' attaque sur l'amplitude. Évidemment, si nous l'augmentons, cela donne un son lent et doux. Nous voulons donc le faire, mais avec les filtres, c'est vraiment facile à faire. Nous allons utiliser l' enveloppe 2 pour cela. Cliquons également sur l'enveloppe. Et aussi, lorsque vous les voyez, comme de petites flèches grisées avec un « au milieu », nous allons cliquer dessus et les faire glisser dessus. Ainsi, lorsque nous obtenons ce petit cercle, nous savons que cela affectera la coupure du filtre. Donc si je laisse tomber ça et maintenant il ne se passera pas grand-chose si je joue. Parce que nous n'avons pas vraiment affecté le coffre à enveloppes. Maintenant, lancez l'attaque. Vous pouvez en fait commencer à voir le filtre lui-même être modulé par cette enveloppe ici. Nous pouvons donc le refuser. Nous commençons donc à y arriver. Ce n'est pas tout à fait correct. Cela ne sonne pas vraiment comme je le souhaite pour le moment. Nous allons donc simplement obtenir ces paramètres un peu plus précis. Je suis juste en train de changer la prise pour qu'à chaque fois le pad joue, nous ayons un cycle complet. Ce n'est donc pas trop mal, mais nous devons encore apporter quelques modifications à cela. Nous allons donc saisir ce petit point de contrôle au milieu et le déplacer vers le haut. Nous obtenons donc une sorte d'augmentation rapide à la limite, puis cela devient plus doux vers la fin et vous pouvez le voir se dérouler. Oh, disons que nous devons également augmenter l'attaque. Soulevez ça. C'est donc plus conforme à l'enveloppe 1, qui fait l'amplitude. Ne vous inquiétez pas trop si ce n'est pas très clair pour le moment, plus nous le ferons, plus vous commencerez à comprendre le processus. C'est juste la première fois que nous le faisons. Alors ne vous inquiétez pas trop, si ce n'est pas encore tout à fait logique. Nous devons donc simplement apporter une autre modification. Donc quand j'y joue, c'est un peu trop extrême. Ce que nous voulons faire, c'est réduire l'efficacité des filtres, exemple en modifiant le mix radio ou la mesure dans laquelle cette enveloppe affecte le filtre. Et nous le faisons en cliquant sur ces petits points ici et en les faisant glisser vers le haut et vers le bas. Vous pouvez voir dans quelle mesure nous allons affecter le filtre, par exemple, si ce cercle est complètement rempli, c'est comme une efficacité maximale ou un mix complet. Et si nous baissons cette option, je n'y changerai pas autant. C'est donc beaucoup plus doux. Disons que nous voulons un peu plus que cela, mais pas trop quelque chose quelque part par ici. Et bien sûr, pendant que vous jouez, nous pouvons, et nous dirons tous, automatiser cette coupure du filtre. Et pour les réglages standard, nous y sommes essentiellement. Je n'ai pas dit que ce serait un patch très simple. Et il est très facile d' obtenir quelque chose qui sonne bien et succulent. Maintenant, évidemment, lorsque nous commencerons à comprendre comment la structure du code a été créée, elle va vraiment commencer à prendre forme au fur et à mesure que nous ajouterons toutes les notes de basse et tout le reste. Mais pour l'instant, c'est tout à fait normal. D'autres, encore une chose que je veux faire c'est juste ce cadran de suivi de la vélocité ici. C'est donc vraiment très important. Permettez-moi de terminer Vital pendant une seconde et je passerai au midi. Maintenant, comme vous pouvez le voir ici, nous avons ces notes de différentes couleurs. Je ne suis donc pas sûr pour votre porte, mais dans Cubase, en gros, plus elle est rouge vif, plus la vitesse est élevée et plus la couleur est foncée, plus elle est violette, plus la vitesse est faible. Et il est très important de varier la vélocité tout au long de la performance pour deviner un champ émotionnel, votre mélodie. Dites simplement non, la vélocité correspond à la force ou douceur avec laquelle un véritable instrument, tel qu'un clavier, est frappé. Disons que si j'appuie très fort sur une touche d'un clavier à haute vélocité. Si j'appuie dessus très doucement, vitesse est très faible. Mais comme c'est vital, le réglage boursier consiste essentiellement à ignorer les informations de vitesse afin de le mettre à zéro pour le moment. Ce que nous devons faire, c'est augmenter ce chiffre à 100 % afin que Vital puisse réellement prendre en compte les informations de vélocité qui lui sont envoyées par la piste MIDI. Donc, quand je suis au milieu, vous pouvez entendre que ces notes sont légèrement plus calmes ou ont une vélocité plus faible lorsque j'appuie dessus. Et puis les plus élevés. Vous pouvez donc entendre qu'il y a une différence de volume entre eux. Nous utilisons cela pour ajouter de l' émotion tout au long du morceau. Mais nous y reviendrons beaucoup plus en détail lorsque nous commencerons à examiner la mélodie elle-même. Très bien, donc dernière chose à faire, c'est que je veux juste ajouter quelques effets à ce patch juste pour vraiment le terminer. Donc, la première chose que je veux ajouter est un compresseur. Il suffit donc de l'activer. Le compresseur est livré avec différents réglages. Vous avez une bande multiple, une bande unique, une bande haute et une borne inférieure. Nous voulons en fait le garder en multibande. multibande est l'un des meilleurs paramètres. Je vais juste jouer à ça. Tu peux déjà entendre ça. En fait, cela change bien. Le pad fait ressortir une sorte de grain à haute fréquence. Je ne veux pas entrer dans tous les paramètres multibandes, quelque sorte au début du didacticiel. Disons que je vais juste le parcourir et le modifier en quelque sorte . Des sets, n'est-ce pas ? Pour cet instrument. Disons que c'est ce qu'ils ont contourné. Et vous pouvez ajouter, cela ajoute presque un peu d'excitation au haut de gamme. C'est donc bien qu'il doive y entrer plus en détail. Maintenant, je veux ajouter un peu de distorsion. Donc pour cela, nous allons le garder sur son réglage standard de soft clip, qui ressemble plus, ou du moins si vous l'utilisez d'une manière pas trop forte, saturation plutôt qu'à de la distorsion. Mais il y a une mince ligne entre l'un ou l'autre, disons, c'est bon, écoutons un peu. Encore une fois. Il s'agit simplement d'ajouter un peu d'éclat, plus de cran si vous souhaitez un son haut de gamme. Et puis EQ, nous allons ajouter. Il y a donc quelques paramètres différents que vous pouvez utiliser ici. Si vous cliquez sur le logo, par exemple, vous pouvez passer d'une étagère basse à une étagère basse. Nous pouvons avoir une milice légèrement renforcée, je pense. Et aussi, avec le haut de gamme, vous pouvez l'avoir comme accessoire de randonnée ou comme étagère haute. C'est juste que c'est une étagère haute. Et encore une fois, nous allons simplement augmenter le haut de gamme. Ajustez simplement les bits du pilote sur la distorsion juste pour réduire ce bit. OK, donc c'est plutôt correct, j'en suis content. Maintenant, nous pouvons fermer Vital. C'est donc tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer par examiner le rôle principal et la manière dont nous avons programmé l'ensemble de cette progression d' accords. Mais dans la prochaine leçon, nous examinerons partie la plus fondamentale de la théorie musicale. Donc, si vous le souhaitez, si vous connaissez déjà le solfège, vous le comprenez ou vous pouvez en sauter moins de trois et passer directement à la leçon quatre, où nous commençons à créer le la mélodie elle-même. Et moins de trois, lors de la prochaine leçon nous allons simplement examiner les bases de la théorie musicale pour ceux d'entre vous qui ne s'y connaissent pas grand-chose. Très bien, merci beaucoup d'avoir vu les garçons et les filles vous voir dans le prochain. 4. Leçon 03 Théorie de la musique: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, maintenant nous avons le son de notre pad. Regardons comment nous avons créé une mélodie à partir de zéro. Cela peut aider certains d'entre vous savoir que je ne joue aucun instrument et que je suis autodidacte en matière de théorie musicale. Et il est important que vous compreniez que même si vous avez très peu de connaissances en théorie musicale, vous pouvez toujours créer des progressions d'accords et des mélodies apparemment complexes et magnifiques. ce faire, il faut créer de la complexité à partir de la simplicité. C'est un concept qui peut être appliqué à de nombreux aspects de la production musicale. Mais évidemment, nous parlerons ici en termes de progression des accords. Cela signifie simplement que nous commençons par les accords de triade, qui sont les accords de base à trois notes. Ensuite, nous commençons à expérimenter différentes voix et à essayer différents types de noyaux, etc. En faisant cela avec juste quelques notions de base, vous pouvez créer des progressions d' accords assez impressionnantes. Maintenant, je ne veux pas prêcher aux cheveux de la chorale. Ainsi, tous ceux d'entre vous qui comprennent déjà les bases des gammes et savent comment créer triades peuvent passer à la leçon suivante où nous commencerons à créer la mélodie à partir de zéro. Pour les novices en théorie musicale. Un rafraîchissement rapide. Je vais aborder les bases absolues afin que vous puissiez comprendre ce qui se passe dans la prochaine leçon et aussi, vous puissiez le faire vous-même. La meilleure façon d' aborder cela est donc de le décomposer en étapes. La première étape consiste donc à choisir l'échelle que vous souhaitez utiliser pour cette piste. Nous utilisons la gamme de do mineur dans vos morceaux. Bien entendu, vous pouvez utiliser n'importe quelle échelle de votre choix. Les mêmes règles s'appliquent à la création de triades et de progressions d'accords. C'est juste que la gamme vous donne le cadre musical de base dont vous avez besoin pour commencer. La deuxième étape consiste donc à découvrir quelles notes figurent sur cette échelle. Maintenant, il se peut que des outils soient intégrés à votre porte , comme le fait Cubase. Mais le plus simple est de simplement taper des notes sur Google en do mineur, appuyer sur Entrée, puis de passer aux images. Ce que vous voulez rechercher, ce sont ces images de basic music theory.com. Ils sont les plus faciles à comprendre, mais vous pourriez en préférer d'autres, selon votre formation musicale. Tout de suite. Je vois que dans la gamme de do mineur, nous avons le do, le ré, le mi bémol, fa, le sol, la bémol, le si bémol, puis évidemment, on revient en do, et cela ne fait que se répéter. Maintenant, je vous recommande de transférer ces notes à votre porte afin pouvoir les consulter facilement. Disons que je vais juste déplacer mon bloc-notes vers l'extérieur et je vais juste dessiner un segment MIDI vierge, y entrer. Et ce que je veux dire pour y faire référence, c'est que nous allons littéralement dessiner les notes, en que nous allons littéralement dessiner les notes, en les agrandissant un peu plus. Nous avons donc C, qui est évidemment le tonique de notre échelle. D, mi bémol, F, G, un bémol, si bémol. Et puis ça recommence en revenant à C et tout recommence. Mais ça suffit. Nous avons juste reçu toutes les notes à titre de référence. Ce sont donc les notes que nous pouvons utiliser pour faire progresser notre accord et/ou notre mélodie. Dites simplement non, rapidement parce que, évidemment, j'ai dit que nous avons un mi bémol, que nous avons un bémol et un B. Maintenant, cela prête un peu à confusion sur la plupart des portes, car ce qui est réellement en mi bémol sur certaines gammes est également connu sous le nom de D-dièse sur d'autres. Et dans la plupart des portes, votre porte est peut-être légèrement différente, mais dans Cubase, elle est toujours étiquetée en D-sharp, même si elle est en fait en mi plat. un peu confus, mais ce n'est vraiment pas si important dans l'ensemble des choses. Vous n'avez pas besoin de comprendre cela pour utiliser les astuces que je vais vous montrer pour passer des appels et tout le reste. Bien, à l'écart, voyons comment créer une triade. Faire des triades est donc la chose la plus facile au monde. Croyez-moi, n'importe qui peut le faire ? Vous commencez donc par la note fondamentale. Donc, dans ce cas, je vais juste tirer un accord en do parce que c'est notre gamme. Nous allons donc commencer par cela, mais nous passerons à des accords différents. Donne-moi juste un peu plus de place ici. Donc, une fois que vous avez obtenu votre nœud racine n, qui est c, dans ce cas, vous sautez une note dans la gamme, qui est D, puis vous dessinez une note dans, sur la note suivante de la gamme, qui est en mi bémol, puis vous faites le même chose. Vous sautez une autre note de la gamme, puis vous dessinez sur la note suivante de la gamme. Et c'est littéralement ça. Et cela s'applique à n'importe quelle note de la gamme. Disons par exemple que si je veux un accord en mi bémol, disons que je vais le dessiner dans la note de base. Alors vas-y et E-flat. Ensuite, je rate une note dans la gamme, puis je dessine et je dessine. Alors je fais de même. Je passe à côté de l'échelle et je dessine un autre soir. Comme je l'ai dit, cela fonctionne sur n'importe quelle note d'échelle. C'est aussi simple que cela. Et puis vous commencez à comprendre à quel point il est important de choisir la balance. Peu importe l'échelle dans laquelle vous vous trouvez. Ce sera toujours le cas, les mêmes règles s'appliqueront. Et une fois que vous savez que vous pouvez littéralement créer le code que vous voulez. Alors, par exemple, juste un de plus. Et c'est à dire que je veux un accord en si bémol. Je peux donc dessiner ma note fondamentale maintenant, je n'ai pas encore dessiné les notes dedans, mais évidemment, cela continue simplement vers le haut. Ils se répètent donc littéralement. Ce serait donc comme do, ré, mi bémol, etc. Je peux donc simplement utiliser les notes que j'ai déjà. J'ai donc mon B-flat. me manque une note sur la balance. Donc la note suivante sera d. Et puis il me manque une note dans la gamme, et la note suivante sera F. Très bien, donc c'est comme ça. Et nous y voilà. Nous avons une petite, petite progression d' accords. Ce n'est qu'un exemple. Bien sûr, nous n' allons pas vraiment utiliser celui-ci. Nous allons en utiliser un autre dans la prochaine leçon, mais nous y reviendrons. Maintenant, la dernière chose dont je veux parler ici est la numérotation des cordons car cela facilite un peu les choses. Et c'est très, très simple. C'est donc littéralement comme si vous aviez des chiffres à côté de chacun d'entre eux et que vous ne faisiez que compter. La tonalité de la gamme C dans ce cas est donc toujours l'accord unique. Et puis les deux accords, un trois accords, quatre accords, cinq accords, six accords, sept accords, c'est littéralement aussi simple que cela. Donc, si je dis « je veux un accord à deux », alors vous savez que vous avez 12 accords et ce sera la note fondamentale des deux accords. Et puis, évidemment, vous suivez simplement les mêmes étapes. Nous sautons donc une note dans la gamme, puis nous ajoutons une note, puis nous la sautons et ajoutons une note qui est un bémol. C'est un accord à deux parce que cet accord ici est un accord à trois parce que c'est 123. Et puis la note fondamentale commence par trois, celui-ci là-haut. Donc, évidemment, nous comptons 1234567. Voilà donc l'accord des sept. Si je dis que tu veux un six accords, c'est assez simple, compte 123456. Et ce sera le nœud racine de la prochaine tentative que vous ferez. La dernière chose que je mentionnerai, c' est que lorsqu'il s'agit choisir les accords qui ont servi à votre progression, je le fais 95 % du temps. Vous allez commencer par un accord comme premier accord. Juste comme ça. Il est assez rare que vous commenciez avec un accord différent. C'est possible, mais pour être honnête, quand on est débutant, il suffit de commencer par un accord. Cela va te faciliter la vie. Ensuite, le dernier accord de la progression correspond à 95 % du temps. Encore une fois, toujours un accord de quatre ou cinq. D'accord ? Ce sera donc un accord commençant par, dans cette gamme en particulier de toute façon, ce serait un accord commençant par F ou G. Donc, par exemple, je vais le faire rapidement. Disons que j'ai ma soirée f, je saute et j'ajoute une note, Skipping at an eight, qui est C. La raison en est que la transition entre l'accord quatre ou cinq à la fin du progression, revenir à un accord unique donne une impression de résolution. Nous commençons donc par un accord, puis nous finissons par l'accord quatre. Aucune sorte de transition n'a toujours un sens de résolution si vous utilisez l'accord à quatre ou cinq. Donc, en gros, il est assez simple de faire une progression d'accords sur une barre complète , car cela commence toujours par un accord. Et tu auras toujours un accord de quatre ou cinq à la fin. Ensuite, il suffit de choisir les deux accords qui se entre les deux et qui sonnent vraiment bien. Comment tu veux qu'ils sonnent. Très bien, donc je vais le supprimer parce que nous n' allons pas l'utiliser. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer à faire la progression des accords et à vous montrer comment je l'ai trouvé à partir de zéro. Il s'agit donc des connaissances fondamentales que vous devez vraiment comprendre pour commencer. Une fois que vous aurez compris cela, vous pourrez approfondir ces connaissances et commencer à expérimenter avec des choses comme sept accords appelés sus, des accords empruntés, que nous aborderons dans la prochaine leçon. Très bien, merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles. Je te verrai au prochain. 5. Leçon 04 Théorie musicale commençant la progression des accords: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, le but de cette leçon et de la suivante est donc de montrer comment la complexité des progressions d'accords découle de la simplicité. Avant d'entrer dans le vif du sujet, je voudrais juste aborder cette progression d' accords. Il s'agit donc évidemment de la progression complète que vous aurez sur le marché du travail si vous avez acheté le cours Nous allons en fait voir comment le créer littéralement à partir de zéro. Je veux juste vous montrer en gros quoi cela ressemble à la fin. Nous aurons donc une bonne idée de la direction que nous allons prendre à cet égard. Comme vous pouvez le constater, il se passe beaucoup de choses ici. Ça a l'air assez compliqué. Et évidemment, cela dépend de votre opinion, que vous pensiez que cela sonne bien ou non. Mais j'aime bien ça. Je vais juste y jouer rapidement ou du moins en partie. Disons qu'à partir de là, c'est comme si vous aviez compris l'idée, qu'elle évoluait partout. C'est comme une progression d' accords de 32 mesures et elle évolue au fur et à mesure. Mais nous allons parler de la façon dont nous en arrivons là en commençant par de simples triades. D'accord ? Vous pouvez donc le répéter vous-même, avec n'importe quelle mélodie de votre choix à partir de zéro. Très bien, alors réglons ça. Et je vais juste commencer par une simple progression d' accords à quatre mesures. Et c'est à peu près ainsi que je commence toutes mes progressions d'accords, pas toutes. Certaines entreprises démarrent un peu différemment. Je pourrais commencer par des notes individuelles , puis ajouter des codes, mais de toute façon, c'est généralement ainsi que je commence. Allons donc voir notre éditeur MIDI. Et bien sûr, le cordon des offres est en do, donc en do mineur. J'ai déjà montré dans la dernière leçon comment on fait réellement des triades. Et juste pour ceux qui sont proches, ils se contenteraient de mettre les notes fantômes, ils ne joueront rien. C'est juste que les gens peuvent voir quelles notes se trouvent dans la gamme de sol mineur. Et comme je l'ai montré dans la dernière leçon également. Nous avons donc obtenu notre premier noyau. Nous savons que la progression des accords va commencer par un accord, puis notre progression d'accords à quatre mesures. Dans ce cas, je vais juste choisir l' accord par lequel cela va se terminer, parce que c'est un accord de quatre ou cinq. Et dans ce cas, je vais utiliser un accord de cinq. Donc c'est 12345, dit sol, bémol, puis D. Et puis les deux accords intermédiaires. Ensuite, nous commencerons par un accord de six, qui est plus plat qu'un accord de trois, disons un, un si bémol. Mais nous allons y aller. Il s'agit donc en quelque sorte d'une progression complète des accords de barre. Sauf que nous aurons ce dernier accord une octave plus bas. Je ne fais donc que souligner. Dans Cubase, il vous suffit de maintenir les touches Shift et les flèches vers le bas pour le déposer. Ok, sauvegarde basique, sympa, progression basique, sympa, des petits accords, très bien. Mais si je disais simplement « écoutez, voici la progression de mes accords », vous serez pardonné de penser que c'est trop simpliste. Mais comme vous allez commencer à le voir, nous allons ajouter des étapes simples, des couches de complexité à cela. Notez qu'au fait, il n'y a absolument rien de mal à utiliser triades de symboles. Si cela correspond votre chanson et à ce que vous voulez atteindre, nous voulons obtenir quelque chose pour ce morceau qui pourrait peut-être être décrit comme un peu plus complexe sur le plan émotionnel. Nous devons donc en quelque sorte nous appuyer sur de simples triades. Mais pour certaines chansons, certainement des chansons pop et d'autres chansons de ce genre, cela peut vraiment fonctionner, il suffit d'utiliser de simples tribus. Très bien, donc la prochaine étape est de le dupliquer. Je vais donc en faire une progression d'accords à huit mesures. Nous allons donc certainement commencer la deuxième répétition, si vous le souhaitez, ou la seconde moitié de cette progression d'accords à huit mesures avec l'accord en do mineur. Les deux ont probablement quelques notes différentes entre les deux. Et mélangeons un peu les choses. Et nous aurons quatre accords pour notre dernier plat. Disons que je vais juste le traîner vers le bas. Alors, bien sûr, je sais quels codes je veux entre les deux. Je veux que ce deuxième accord de la seconde moitié soit un accord de cinq, pour pouvoir juste Nick. On se demande si on y met, puis je veux un accord à trois, que je peux juste voler là aussi. Donc, bien sûr, quand je l'ai fait pour la première fois, ce n'était pas comme si c'était arrivé soudainement et j' ai simplement dit, oh oui, je voulais un accord d'un quart, trois quarts de cinq où, évidemment, J'ai joué avec, j'ai choisi un accord. J'ai choisi les cinq cœurs pour commencer comme dernière note de la première moitié de la progression. Puis j'ai fait des bêtises en utilisant différents codes et j'ai trouvé ces deux-là, qui fonctionnent très bien. Et puis j'ai fait de même pour le suivant. Donc, une fois que j' ai évidemment un accord, les quatre accords, j'ai joué avec ces deux accords et j'ai essayé différents accords. Et je viens de trouver ces œuvres très bien. OK, donc c'est ce que nous avons obtenu jusqu'à présent et c'est très basique. Comme c'est tellement simpliste, voyons comment nous pouvons approfondir les choses émotionnellement. Supposons que le premier moyen, et le plus simple, soit d'utiliser des voix différentes pour les codes. Disons que l'assouplissement des différentes voix signifie simplement vous modifiez l'octave dans laquelle se trouvent les notes. En fait, vous utilisez la même note. Donc, par exemple, si je prends, disons, le mi bémol du premier accord et que je le déplace d'une octave vers le bas. Obtenez-en un peu différent, complétez une mise à jour. Par exemple, vous obtenez un son bien plus épique si vous souhaitez le décrire de toute façon, vous n'avez pas simplement à déplacer les notes vers une position différente. Vous pouvez en fait dupliquer la nuit, dire que la chose la plus courante que vous puissiez faire est d'ajouter une note de base, disons de copier le C vers le bas et de vraiment épaissir et le donner un son beaucoup plus profond. Dis que c'est bien pour le premier accord. Le deuxième accord dupliquera la note de début, mais nous l'aurons une octave plus bas. Enregistrer cette note devient effectivement la note de base de l'accord qui fera l' inverse pour le troisième accord. Donc, oups, désolée, je suis un jour où ne fais que dupliquer le E-flat là-bas. Déjà. Ça commence à paraître un peu plus agréable, un peu plus émouvant, peut-être, que tout se met en place au fur et à mesure. Mais jouons avec ce dernier accord maintenant. Et je veux faire quelque chose d'un peu différent sur ce point. Jusqu'à présent, ces trois accords n'ont fait l'objet que de simples modifications ou ajouts vocaux. Disons pour cet accord : Travaillons là-dessus. Donc, ce que je vais faire, c'est utiliser ce que l'on appelle un septième accord. Maintenant, sachez que ceux qui débutent dans le domaine de la théorie musicale, un septième accord avec un cinquième après et un accord A7 sans le THR, ont en fait des choses différentes. L'accord des sept se rapporte à la position des triades. Encore une fois, nous revenons à nos chiffres, comme 1234567. Donc, sept accords ne seraient qu'un accord commençant par si bémol et formant ensuite une triade simple. Mais un septième accord est triade à laquelle vous ajoutez une quatrième note, c'est-à-dire un septième intervalle au-dessus de la note fondamentale. Maintenant, cela semble très compliqué, mais c'est en fait très simple. Disons que je voudrais créer un septième accord avec ce code. Tout ce que je fais, c'est littéralement suivre, disons, où nous avons créé le code en premier lieu, nous avons besoin des notes de base. Ensuite, nous avons ignoré une note dans la gamme, ajouté une note, obtenu une autre note dans la gamme et ajouté un autre nœud. Et maintenant, nous allons faire la même chose. Nous allons sauter une note dans la gamme et ajouter un autre nœud. Et c'est maintenant un septième accord. Vous pouvez en quelque sorte entendre que l' impact émotionnel qui en résulte est bien plus important que le simple fait de demander la norme. Ils ne disent pas que c'est mauvais ou quoi que ce soit d'autre, mais cela change simplement l'impression. Une dernière chose que je veux faire c'est que vous allez voir ce D, et je vais le déplacer d'une octave vers le bas , juste pour ouvrir un peu le code. Say commence à sonner très bien et certainement très différent des triades originales. Continuons donc avec la seconde moitié de cette progression d'accords à huit mesures. Encore une fois, je vais dupliquer la mer dès le premier accord. Et celui-ci, je vais en fait changer la voix. Je vais le déplacer d'une octave vers le haut. Je vais dupliquer le si bémol vers le haut, et je vais dupliquer le D d'une octave vers le bas. Jouons-y rapidement pour que vous puissiez entendre ce que nous avons obtenu jusqu'à présent. Désolée, en fait, avant d'aller plus loin, je voudrais juste m'expliquer. Cela ne se fait pas par une simple connaissance de la théorie musicale. Ce que je fais ici, c'est que la première fois que je l'ai fait, c'est littéralement expérimenter avec les différentes voix, essayer différentes notes dans différentes positions. J'essaie d'atteindre la septième corde, peut-être d'essayer de coder en SAS, ce dont nous parlerons dans un moment. Essayez un accord emprunté, dont nous parlerons également dans un moment. Mais il ne s'agit littéralement que d'expérimentation. Ce n'est pas comme si vous en arriviez au point où, du moins pour moi de toute façon, vous n' en êtes certainement pas arrivée au point où j' ai obtenu une coordonnée. Je suis du genre : « Oh, le code parfait après ça sera celui-ci. Et puis le code parfait qui suivra sera celui-ci. Bla, bla, bla. Cela n'arrive pas vraiment. Cela se fait en expérimentant et en essayant simplement des choses. Et c'est ainsi que vous obtenez quelque chose d'original et d'émouvant à la fois, non ? Cela étant dit, jouons rapidement à ce que nous avons fait jusqu'à présent. Celui-ci est assez simple de dupliquer ces deux notes. une chose à propos de cette progression d' accords que j'ai découverte en écoutant Je l'ai pour l'instant et je n'avais pas encore travaillé sur le dernier code. Et j'avais juste besoin de changer la sensation de ce dernier accord. Permettez-moi donc de le jouer rapidement afin que vous puissiez en quelque sorte comprendre où nous en sommes. Ensuite, je vais vous montrer ce que j'ai fait pour surmonter ce dernier accord qui ne sonnait pas bien . Ce n'est pas terrible. Cela fonctionnerait peut-être, mais juste pour moi, cela ne veut pas vraiment dire que cela se termine par un peu décevant. Prêt ? Et c'est un accord mineur. Et au fait, savoir si un accord est un accord majeur ou mineur est très simple à faire avec votre pâte. Il suffit de zoomer un peu. Donc, lorsque vous regardez le code, si vous avez un écart de deux notes entre les notes du bas et du milieu. Et si vous avez un écart de 123 entre les notes du milieu et du haut, vous avez un accord mineur. Si c'est l' inverse et que vous avez un écart de trois entre le bas et le milieu, et un écart de deux entre le milieu et le haut, alors c'est un accord majeur. C'est aussi simple que cela. Désormais, tous les accords d'une progression seront majeurs ou mineurs. n'est pas parce que vous utilisez une gamme mineure qu'il s'agira toutes de triades mineures. Certains d'entre eux seront majeurs. C'est juste la façon dont cela fonctionne. Je vais donc simplement le remettre là où il était pendant une seconde. Il existe également un autre type d' accord appelé accord diminué, qui comporte un écart de deux entre le bas et le milieu, et entre le milieu et le haut, par exemple, cela ressemblerait à ça. Il y a toujours un accord diminué dans presque toutes les gammes, majeures et mineures. Dans la gamme mineure, l'accord diminué correspond toujours aux deux accords que l'on remarque chaque année , sinon vous avez peut-être remarqué un père. Nous n' utilisons pas réellement deux accords dans cette progression d' accords en particulier. L'accord diminué est un peu plus difficile à intégrer à votre morceau. Cela ne veut pas dire qu'il ne peut pas être utilisé, il est utilisé, mais sur cette piste, nous ne l'utilisons pas. Je ne vais donc pas entrer dans plus de détails à ce sujet. Mais si j' explique tout cela, c'est parce que ce que nous allons faire, c'est changer ce dernier accord par rapport à ce qui est naturellement censé être un accord mineur. Vais-je faire ce que l' on appelle emprunter un accord ? Et il s'agit simplement de changer l'accord d'un accord mineur à un accord majeur. Maintenant, je vais juste jouer ça pour que tu puisses avoir une idée. On dirait qu'il y a une fin à la progression des accords. Et si on l'appelle accord emprunté, c'est parce que, comme vous pouvez le remarquer, une note qui ne se trouve pas réellement dans cette gamme, nous utilisons une note qui se trouve en dehors de la gamme, qui se trouverait en do gamme majeure, alors que nous utilisons la gamme do mineur. Maintenant, cela n'a pas vraiment d'importance. Je n'avais pas vraiment besoin de comprendre les mécanismes ou la théorie musicale qui le sous-tendent, juste de pouvoir utiliser ce que l' on appelle un accord emprunté. Il vous suffit donc de modifier l' ancien code ici ou là. Quoi qu'il en soit Allons-y. Nous avons encore quelques choses à faire pour ce dernier accord. Je vais donc le dupliquer. Et en fait, je vais prendre ce a, qui est en quelque sorte la partie empruntée de l'accord. Et nous allons beaucoup augmenter ce chiffre, économiser également. Il y a une dernière chose que je voudrais faire à ce sujet, c'est-à-dire expliquer comment elle utilise un accord sus. Mais tout d'abord, permettez-moi de jouer à ceci pour que vous ayez une idée de l'endroit où nous en sommes avant d'ajouter le code source. Donc pour le moment, j'ai l' impression que cela ne se résout tout simplement pas correctement. Je voudrais juste ajouter une dernière chose à cela maintenant. Très rapidement, avant d'aller plus loin, je vais simplement annuler les changements de position ici. Juste pour revenir à notre type de triade d' origine, même si elle contient les coordonnées empruntées, elle contient toujours la climatisation. Il s'agit d'un accord majeur plutôt que d'un accord mineur. Et pour la première moitié, ce que je vais faire, c'est simplement raccourcir celle-ci. Ensuite, je vais ajouter un si bémol, qui sera connu sous le nom d'accord sus four. Nous changeons donc essentiellement la note centrale. Nous n'avons donc pas de note centrale ici, qui est normalement une troisième naturelle, et nous sommes en train de la déplacer vers le haut. Si nous le déposions vers le bas, ce serait une solution. Accord Sus4. Si je les déplace au-dessus de ce dont nous avons discuté, ce serait un accord de sept. C'est un peu confus, mais cela n'a pas vraiment d'importance. C'est très bien C' est un code SubTwo et c'est ce que nous allons faire. Alors maintenant, je les ai dedans. Je vais les placer dans leur position correcte, c' est-à-dire une octave plus haut. Et je vais le dupliquer à nouveau. Je veux donc simplement vous montrer comment cela est construit afin que vous puissiez, espérons-le, comprendre ce qui s'y passe. Maintenant, laisse-moi jouer à ça. Mais il y a quelques choses que je veux faire, c'est changer la vitesse de certaines de ces nuits parce qu'elles sont un peu trop importantes, je voudrais réduire la vitesse de ces nuits pour qu'elles soient un peu plus doux. Et ensuite, faites-en sorte qu'ils fonctionnent presque complètement. D'accord, vous serez peut-être en mesure de voir qu'il y a un petit schéma qui se dessine ici. Donnons-nous juste un peu plus d'espace pour voir la progression complète des accords à huit mesures telle qu'elle est. Nous avons donc apporté de simples modifications vocales pour les trois premiers accords chaque moitié de cette progression d' accords à huit mesures. Et puis les quatrième cordes, ou les quatrième et huitième accords, nous avons fait quelque chose d'un peu différent. Donc, dans le premier, nous avons utilisé un septième accord, et dans le second , nous avons utilisé deux accords et un accord emprunté. Et peut-être juste mon avis, mais je dirais qu'en utilisant un septième accord et un cordon de subvention, un cordon emprunt, ils ont en quelque sorte plus d'impact. Changements dans la progression des accords. Souligne en quelque sorte les parties qui se répètent. Avant de revenir à l'accord unique, nous insistons en quelque sorte sur cette note. Ensuite, nous revenons à l' accord qui met l'accent sur ce point. Ensuite, nous répétons la progression des accords. Cela ne veut pas dire, bien sûr, que vous ne devez pas utiliser un septième accord à mi-chemin de la progression ou utiliser un accord emprunté pour le premier accord de votre progression. C'est tout à fait bien. Tu peux faire ce que tu veux. Mais ce que je veux dire, et nous en reparlerons plus tard dans le didacticiel, c'est que cette sorte de structuration de la progression des accords se produit. Les trois premiers accords, juste une simple voix, puis un changement plus important que trois autres appels, simple voix et un changement plus important modifient la sensation énergétique de la mélodie. Et tout cela ajoute à la tension et à la détente du morceau. Et si vous pouvez maîtriser tension et la relâcher dans vos chansons à tous les niveaux, pas seulement au niveau de la mélodie, mais aussi de l'échelle macro, de la structure des chansons. Vous serez alors en mesure de créer de la musique captivante que les gens voudront simplement continuer à vous écouter. Et encore une fois, nous y reviendrons beaucoup plus en détail plus tard dans le didacticiel et analyserons cela de manière approfondie. OK, c'est tout pour la leçon. Nous en sommes à la moitié de la mélodie et j'espère que vous pourrez commencer à comprendre le processus qui consiste à créer de la complexité par la mélodie et j'espère que vous pourrez commencer à comprendre la simplicité, commençant par la progression de base des triades et en les augmentant petit à petit. Merci d'avoir regardé les gars et les filles. Je te verrai au prochain. 6. BTP Ambient Chill Leçon 05 Music Theory 32 Bar Chord Progression: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons voir comment transformer la progression d'accords à huit mesures en une progression d'accords à 32 mesures. Pour cela, nous allons passer à plein régime à mi-chemin. Je vais donc simplement supprimer ce passage que nous avons obtenu au début et que nous avons utilisé comme exemple. Et je vais juste passer au midi. Jetons donc un petit coup d'œil. Très bien, donc juste pour l' instant, je vais répondre à ces meilleures notes afin de pouvoir les intégrer une par une. il faut savoir , c'est que nous avons la même progression d' accords à huit mesures ici, et qu'elle est juste répétée huit fois pour être précis. Il s'agit donc littéralement de même progression d'accords à huit bout à l'autre. Les seuls changements que vous remarquerez sont cette note ici où nous avons utilisé au lieu d'une loi d'accords en sus, vous avez ici avec le dièse. Nous avons un do, qui répète simplement la note la plus grave de l'accord. Et puis à part cela, la seule différence est que nous avons toutes ces notes supplémentaires. Permettez-moi donc de zoomer sur le type de principale ou de première répétition. Juste pour que vous sachiez, en dézoomant, nous sommes arrivés à une sorte de répétition de la progression complète des accords de 32 mesures. C'est donc le premier. Et puis il y a une autre répétition ici. Il s'agit de la deuxième moitié des pistes, nous la répétons donc. Mais nous y reviendrons plus en détail plus tard. donc vraiment envie de travailler uniquement sur cette première moitié, qui est le genre de progression d'accords principale à 32 que j'ai inventée à l'origine. La première chose que nous avons faite à ce sujet est donc d'ajouter des notes de base. J'ai donc des notes de basse ici. Désolée, permettez-moi de zoomer un peu pour dire plus précisément que je jouerai rapidement au fur et à mesure que les notes de base arriveront. J'ai la base, et elle arrive à mi-chemin. Cette progression d'accords a de très bons impacts et y ajoute un peu de variation. Surtout quand il y a tous les sons le piano qui arrive et tout le reste, qui arrivera plus tard. C'est donc le premier grand changement, si vous préférez, dans la progression des accords. Maintenant, la deuxième chose, ce sont évidemment toutes ces notes supplémentaires que nous avons prises ici, qui ressemblent un peu à jouer une première ligne presque jusqu' qui ressemblent un peu à jouer à la progression des accords. Et même si cela semble assez compliqué, nous allons vraiment de l'avant et créons cette note une par une. Donc, une chose à prendre en compte avant de vous ce processus est que dans ce tutoriel, il semble que cela se fera assez rapidement, ce qui n'est pas vraiment le cas quand j'en suis arrivée là quand je créais ce morceau pour la première fois, j'écoutais pas mal cette progression d'accords. Je le connaissais donc déjà très bien. Maintenant, pendant que je suis en train d'expliquer cela, parce que le fait de connaître la mélodie sur laquelle vous travaillez vous permet choisir les bonnes notes beaucoup plus facilement lorsque vous faites ce que je vais vous montrer. Nous ne faisons donc que commencer à ajouter des notes. Disons que la première publicité native date de ce soir, littéralement dans la deuxième progression d' accords. Puis, à partir de là, je l'ai simplement écouté et j'ai senti où je voulais qu'il aille ou j'ai imaginé où je veux qu'il aille. Et je peux l'imaginer passer aux notes supérieures. Et ce sera cette vue vers le bas. Littéralement, les processus qui ne prennent qu'une note à la fois. Et au fur et à mesure que je lis et que j'ajoute une note, j'écoute ou j'utilise mon imagination pour savoir où devrait se trouver la note suivante. Et la plupart du temps, c'est évident. La chanson vous indiquera toujours où elle veut aller. Quand tu l'écoutes en retour. Disons que vous pouvez l'entendre monter en énergie au fur et à mesure que les notes augmentent . Et c'est l'un des concepts que j'avais en tête en faisant cela, c'est que je voulais continuer à augmenter le niveau d'énergie. Je n'en voulais pas trop de hauts et de bas. De toute évidence, c'est un peu à la hausse et à la baisse. en faut un peu sur le morceau, juste pour que les choses restent intéressantes. Mais dans l'ensemble, l'énergie réelle ne fait qu'augmenter, une augmentation lorsque l'on les atteint et une augmentation l'énergie ou une augmentation de l'énergie au fur et à mesure de sa progression. Et littéralement, note par note, cela se poursuit jusqu'à ce que nous ayons la progression complète. Maintenant, la toute dernière chose à prendre en compte, que j'ai abordée brièvement, est la vélocité des notes. Disons que, comme vous pouvez le voir, la vélocité des chevaliers varie beaucoup. Il suffit de consulter les informations de vitesse. Vous pouvez constater qu' il y a une certaine variation entre les différentes notes. Et la raison de leur modification est double. Premièrement, je veux que ça sonne plus humain, comme si c'était vraiment joué par une vraie personne. Et aussi. Certaines notes deviennent un peu plus fortes au fur et à mesure qu'elles montent en hauteur. Donc, une partie de la vélocité change aussi, qu'elle vient juste équilibrer ces notes afin qu'elles ne vous sautent pas dessus soudainement. Et c'est vraiment ça. Faisons donc un bref résumé de ce qui s'est passé ici. Nous avons donc littéralement commencé par une simple progression d' accords à 4 mesures en utilisant de simples triades. Nous avons ensuite ajouté, de sorte que la progression des accords en fasse une progression à huit mesures, mais une simple progression en triade. Ensuite, nous avons commencé à modifier la voix de certaines notes. Nous avons ajouté des accords septièmes, des accords empruntés, un code SAS pour obtenir la base de la mélodie principale. Et puis nous l'avons littéralement répété quatre fois. Ensuite, nous avons parcouru et ajouté toutes ces notes de tête par-dessus. n'utilise pas vraiment de théorie musicale en particulier. En fait, la seule règle que je respecte ici est simplement d'utiliser des notes dans la gamme, du moins à l'exception du dernier accord la progression des accords à huit parce que nous y avons emprunté un accord. Vous pouvez donc utiliser un A dans ce cas. Mais à part ça, toutes les nuits sont comptées. Et je n'ai pas vraiment vérifié s'il s'agissait d'accords de sus septième ou de neuvième accords ou quoi que ce soit d'autre. Il s'agit simplement de prendre l'avion et voir où je pense que cela devrait aller, d' expérimenter un peu, essayer des choses et si cela ne fonctionne pas, d' essayer une note différente, et cetera, jusqu'à ce que nous obtenions quelque chose dont nous sommes vraiment satisfaits. Très bien, c'est tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous verrons comment ajouter une couche supérieure de chaîne Adagio. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles vous voir dans le prochain. 7. Leçon de froid ambiante BTP 06 Adajio String Couche: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, donc pour compléter notre pad, je voudrais ajouter un joli son de cordes organique jouant essentiellement les notes de tête que nous venons d'ajouter. Ce que je veux faire, c'est ce son de corde arrive après les 8 premières mesures, où nous commençons notre première ligne avec ces notes supplémentaires. Et la raison de son arrivée, 8 bars, c'est essentiellement pour faire évoluer la piste et garder les choses intéressantes. De toute évidence, les 8 premières mesures seront à peu près réservées au son du pad. Ainsi, l'auditeur, par exemple, s' habituerait simplement à une belle progression d'accords douce et douce qui s'annonce. Ensuite, nous allons ajouter une première ligne à cet extrait de chaîne Easiness Adagio. Et vous verrez comment cela se fond, mais cela n'ajoute pas cette très bonne saveur biologique. Comme si c'était joué, disons, dans un orchestre avec quelqu'un à cordes qui entrait doucement après les 8 premières mesures. Disons, quand je l'ai fait à l'origine, ou quand je l'ai littéralement copié après les 8 premières mesures des notes de tête. Donc, comme si j'avais littéralement copié le tout. Et je viens de copier cette Midea sur une nouvelle piste midi pour la corde Adagio. Mais bien sûr, je l'ai légèrement modifié et j'ai modifié les vitesses en fonction des échantillons de cordes uniquement. Donc, je vais réellement charger. Le fichier MIDI contient juste exactement les mêmes notes. Cette vitesse est légèrement modifiée. Nous allons donc charger ce fichier. Mais tout d'abord, bien sûr, il faut charger l'échantillon que nous allons utiliser. Désormais, vous n'avez plus besoin d' utiliser un sample de cordes, mais je trouve que l'ajout de ces sons organiques ne fait qu' ajouter à l'émotion d'un morceau et contribue à le maintenir ancré dans la réalité. L'extrait que nous allons utiliser se trouve sur le marché du travail où vous téléchargez. Ce sont les chaînes Adagio en C. Dans Cubase, nous avons un sampler, donc je peux simplement le charger directement dans la piste du sampler. Aujourd'hui, à peu près toutes les portes sont équipées d'échantillonneurs intégrés, vous ne devriez donc pas avoir de problème. Si votre chien n'en a pas, il existe des échantillons d'instruments gratuits que vous pouvez télécharger et utiliser. L'un des meilleurs logiciels gratuits que vous puissiez obtenir est celui-ci, le logiciel t x1 six wx Sant per se. Si vous venez de faire une recherche sur Google, vous le trouverez. Vous pouvez le télécharger sur ce site ici, entièrement gratuit pour PC et Mac. Donc, si vous n'avez pas d'échantillonneur, vous pouvez simplement télécharger et installer celui-ci. Vous devrez peut-être regarder une vidéo expliquant comment l'utiliser si vous ne la connaissez pas. Mais j'espère que la plupart des magasins ont leur propre échantillonneur, donc tout devrait bien se passer, non ? Nous l'avons donc saisi, et ajoutons simplement le fichier MIDI enregistré en tant que portes pour Middy. Ou vous pouvez également le faire depuis Explorer. Pour la plupart des portes, vous pouvez simplement faire glisser depuis l'explorateur de fichiers. En fait, il le place dans la bonne position , soit 8 bars dedans. Alors, baissons simplement ça. Tout d'abord, l'idée est que cela se fait très doucement pour commencer par le haut du chemin. Alors jouons simplement à ça. L'une des choses qui est très, très importante, c'est que nous jouons un peu vite en ce moment. Il est réglé à 120 bpm. Track est facile car cela vient de changer le BPM maintenant avant de commencer à ajouter des échantillons OJ et tout le reste. 84 est donc le bon tempo, beaucoup plus lent et ambiant. Je vais juste le jouer à mi-parcours de la progression des accords. Vous pouvez donc entendre la corde entrer. Il ajoute simplement une belle couche supérieure. Juste pour que vous sachiez, comme je l'ai déjà mentionné, les vitesses ont été modifiées spécifiquement pour cela. Et vous pouvez voir le flux progressif qu'ils ont vers eux au fur et à mesure qu'ils sont joués. Donc, juste un schéma de vitesse légèrement différent de celui du pad. Mais celui-ci semblait très bien fonctionner pour les cordes, il suffit de le souligner au bon endroit. Et toutes ces manipulations énergétiques que nous avons avec les vitesses, les notes et tout le reste visent à créer cette sensation de poussée et de traction, tension et de relâchement, qui permet à l'auditeur de rester immergé dans votre morceau. Mais il y a une chose que nous avons là-dedans, c' qu'il s'agit d'un échantillon. Maintenant, évidemment, si vous avez un instrument qui joue des cordes, vous pouvez l'utiliser . Pas de problème Et c'est vraiment la meilleure solution. Mais vous constaterez que lorsque vous utilisez un sample, sa hauteur est élevée, évidemment, plus le sample est joué rapidement. Donc, quand vous arrivez à ces notes plus aiguës, par exemple , l' attaque naturelle de la corde, si je joue juste la première note. Vous pouvez y voir qu'il possède une sorte d'attaque naturelle. Il faut du temps pour qu'il atteigne son plein volume. Lorsque nous jouons les notes les plus graves, le volume passe presque immédiatement à son plein volume. C'est presque comme si ça démarrait très rapidement. Nous ne voulons pas cela parce que cela semble d'autant plus anormal que la hauteur est élevée. Donc, ce que nous allons faire, c'est ajouter une enveloppe à l'aide de l'échantillonneur. Disons que pour cela, je vais juste passer au modèle. C'est dans Cubase obscene, la plupart des puisards ont une solution assez simple lorsque vous souhaitez utiliser le shaper d'enveloppe. Et tout ce que nous allons faire, c'est y ajouter un tag. Un peu plus que ça. Il suffit de zoomer dessus. En gros, l' attaque doit correspondre à l'attaque naturelle de l'échantillon. C'est peut-être un tout petit peu plus court que ça. Et puis, au fur et à mesure que nous arrivons aux notes les plus aiguës, vous avez toujours cette légère avance dans le son. OK, donc il suffit d'utiliser le bloc de sel que l'attaque soit un peu plus naturelle. Donc c'est très bien. Nous n' avons pas à nous soucier des autres paramètres. La dernière chose que nous sommes prêts à terminer c'est juste la réverbération. Vous lui donnez donc un peu de profondeur. Cela semble un peu bizarre d'être juste un échantillon sec à lui tout seul. Mais c'est très bien. Nous aurons un peu de réverbération plus tard. Maintenant, juste pour te dire, dans le sampler tu as ce qu' on appelle la distorsion audio, que Sophie active sur la plupart des instruments. Il conservera essentiellement longueur et la position exactes de l'échantillon, mais modifiera artificiellement la hauteur. Maintenant, c'est bien pour certains samples, mais lorsque vous avez affaire à de gros changements d' octave, comme c'est le cas ici. Donc, littéralement, en partant du deuxième OK, enregistrez jusqu' au cinquième, OK, sauvegardez ça. C'est une variation assez importante. Donc, ce que vous constaterez, c'est que lorsque distorsion audio est activée et que vous montez si haut tout commence à paraître un peu anormal ici. C'est tout simplement bizarre et drôle. Donc, sur les notes graves, ce serait bien. Mais au fur et à mesure que nous montons, cela a l' air horrible. Nous n'utilisons donc pas Audio Walk pour cette raison. Mais si vous utilisez quelque chose qui ne couvre pas autant d'octaves, tout ira probablement bien. Tu vois, je veux dire, même si ça ne semble pas aussi naturel qu' une vraie corde jouée à cette hauteur sonne toujours bien mieux. D'accord, donc c'est la ficelle dedans, pas de problème. La prochaine chose que nous allons ajouter est un piano, qui arrivera à mi-chemin exactement au même rythme que les notes de basse. Et nous augmentons en quelque sorte progressivement l'énergie de ce morceau au fur et à mesure, ou du moins la progression des 32 premiers accords. Très bien, c'est tout pour cette leçon. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles vous voir dans le prochain. 8. Leçon de fraise ambiante BTP 07 Piano: Salut tout le monde, bon retour. Dans cette leçon, je souhaite ajouter un piano. Maintenant, ce qui s'est passé ou comment cela s'est produit, c'est qu' en écoutant cela encore et encore et encore, je n'arrêtais pas d'entendre cela. Et quand je dis « ouïe », comme dans l'imagination, une mélodie qui ressemble beaucoup à « Attract Called Lizard » de Mauro Picasa. C'est comme un vieux morceau, leur transcription des années 90, le metal E4, ça y passe un peu. Je l'ai fait et je l'ai fait. Si quelqu'un s'en souvient. Et c'est à peu près le même schéma que celui que j'ai entendu par-dessus tout cela. Tu l'as fait ? Mais évidemment dans la clé. D'accord, donc en gros, c'est ce que j'ai réussi à faire. Je vais donc l'apporter dans une seconde. Mais tout d'abord, je veux charger les instruments de piano. Il existe donc quelques instruments de piano gratuits assez décents. Et vous pouvez en rechercher différents si vous le souhaitez. Mais celui que je vais utiliser s' appelle Room Piano V3. Il suffit donc de Google Room Piano V3, et ce serait le premier lien. Vous pouvez donc évidemment choisir de faire un don si vous le souhaitez, mais vous pouvez le télécharger gratuitement. Évidemment, si vous avez votre propre instrument de piano, exemple si vous avez des instruments natifs, ils en font un très bon instrument appelé grand jury, qui compte 10 instruments en général, normalement, mais dans ce cas, je voulais le didacticiel aussi accessible que possible. Je vais donc utiliser le sens libre, donc je vais simplement l'ajouter à mes projets. Donc, piano de chambre V3 et piste. Ça y est. Je vais juste le fermer pendant une seconde et je vais apporter l'arrêt de midi, je vais juste le faire venir du personnel, le piano Midea et laisser tomber ça. Il l'a introduit. Et cela se présente sous la forme de deux morceaux distincts de midi, ce qui permet de les aligner correctement sur le plan financier. Nous voulons donc qu'ils commencent à mi-chemin, mais assurez-vous simplement que vous êtes tous les deux sélectionnés. Et puis trouvez le point à mi-chemin, qui est leur barre 21 dans ce cas. Et je vais juste dire que le piano qu'il commence à jouer, ils vont juste le baisser un peu. Disons que c'est plutôt calme en fait, alors je vais juste le réactiver. Et je vais le jouer dès le début pour que tu aies une meilleure idée de ce qui s'y passe. Pour le moment. Évidemment, cela semble suffisant car cela n' a aucun effet cela nécessite également un peu d'égalisation. Mais vous avez l'idée que c'est le schéma. C'est donc à peu près le même rythme que le morceau de lézard dont je parlais, mais évidemment adapté à la mélodie de ce morceau. C'est donc littéralement le même schéma chaque fois qu'il est simplement modifié pour chaque 4 barres. Chaque barre complète et chaque note sont donc différentes, mais les motifs restent à peu près les mêmes jusqu' à la fin. Où faire quelque chose d'un peu différent ? Et encore une fois, cela se fait simplement en expérimentant, en utilisant évidemment les mêmes notes que celles que nous utilisons dans notre mélodie, mais littéralement simplement en expérimentant. Et comme je l'ai dit, une fois que j' ai trouvé ce premier rythme, c'est pareil. Ici, voici le même schéma et ici, et puis les autres parties, surtout dans cette dernière partie, s'agit simplement d'expérimenter un peu imaginer comment cela pourrait se passer et d'essayer différentes choses. Et encore une fois, comme je l'ai dit, cela ne s'est pas produit soudainement. Il a fallu beaucoup d'expériences pour en arriver là. Maintenant, peut-être que si je jouais vraiment d'un instrument, je me faciliterai la tâche. Mais malheureusement, je ne dis pas que je dois prendre le temps d' apprendre à jouer du clavier, juste au cas où vous n'auriez pas aligné ce dernier, assurez-vous simplement que les deuxièmes bits de Midea est également aligné à mi-chemin de la deuxième répétition de la progression de la barre A2 de l'auteur de là à là et veut commencer à mi-chemin et elle devrait se chevaucher. Mais la fin est comme la fin du morceau, mais nous y reviendrons un peu plus tard. Maintenant, une dernière chose que je veux faire avant terminer cette leçon, c'est juste modifier l'égaliseur, ce bit de piano. Je vais juste afficher les paramètres de ma chaîne. C'est dans Cubase, mais ajoutez évidemment un EQ ou autre. Cependant, vous le faites à votre porte. Et je veux juste faire deux ou trois choses. première est que le piano sonne un peu mi-lourd. St. En utilisant simplement une sorte de large champ paramétrique, découpez en quelque sorte un peu de ces fréquences moyennes. Ne t'énerve pas trop. Juste assez pour les apprivoiser un peu là-bas, un peu, sans avoir l'air carré, mais ça devient comme ça. Et je voudrais juste éclaircir un peu les choses également. Je vais donc simplement ajouter une étagère haute. C'est juste devenu un peu trop extrême avec une étagère haute. Donc, juste apprivoiser à la naissance, c'est très bien. Et pour être honnête, il est trop tôt pour vraiment prendre les décisions finales concernant les files d'attente et tout le reste, juste pour les mettre au point. Il est donc prêt à être mixé plus tard. Très bien, donc c'est tout pour cette leçon, il est temps que nous ayons un peu de réverbération sur ces éléments pour vraiment commencer coller tout cela ensemble et faire sonner bien parce qu' au moment où tout semble vraiment déplacé. C'est donc ce que nous ferons dans la prochaine leçon. Merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles à bientôt. 9. Leçon de refroidissement ambiante BTP 08 ajouter de l'espace: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons commencer à ajouter de la réverbération à ce morceau et à créer une impression d'espace pour tous les éléments. Donc, avant de commencer, une chose à prendre en compte est de savoir quels instruments vous utilisez pour obtenir un nouveau mixage pour obtenir le son de réverbération de Craig. Maintenant, je vous conseille de ne pas essayer de le faire sur un pad parce que le pad est très lent et qu'il a déjà un gros relâchement et une queue dessus, ce genre de choses. Ce n'est donc pas vraiment le meilleur instrument pour évaluer le fonctionnement de la réverbération de votre camion. Il vaut mieux utiliser quelque chose comme le piano. Laisse-moi juste supprimer ça. Et le piano, en gros, a une attaque aiguë et il se termine en quelque sorte rapidement. Vous pourrez donc vraiment entendre la réverbération qui s'y trouve maintenant qu'il y a déjà une sorte de réverbération dessus. Passons donc aux instruments et on dirait qu'il y a de la réverbération, mais peut-être que ce n'est pas le cas. Peut-être que c'est juste le maintien. Disons que c'est juste le rayon. Très bien, donc c'est bon. Je pense que nous pouvons laisser le gardien vérifier rapidement. OK, donc ça a l'air assez naturel et très sec. Juste avec la sortie réglée à cet effet. Donc c'est bon, c'est suffisant. Maintenant, ajoutons une réverbération à nos projets. Donc, à peu près chaque porte devrait avoir un plugin de réverbération à moitié décent intégré. Ou vous pourriez bien en avoir un tiers que vous aimeriez utiliser. Je vais en utiliser un appelé néo, qui est en fait un isotope. Mais en fait, c'est juste parce que c'est sympa, que je l'aime bien et qu'il est facile à utiliser, mais n'importe quel plugin de réverbération sera acceptable, ne t'inquiète pas. Je vais donc simplement cliquer avec le bouton droit de la souris. Je vais ajouter un effet pour suivre. C'est ainsi que nous procédons dans Cubase, car je vais le configurer comme un effet d'envoi. J'imagine que vous savez déjà ce qu'est un effet d'envoi. Je vais juste ajouter un nouveau verbe. Je veux m'assurer que c'est stéréo. Je vais juste l' appeler réverbération principale, juste pour savoir ce que c'est. Et honnêtement, je sais que ça a l'air chic et tout ça, mais il n'est pas vraiment très différent autres plugins de réverbération. J'utilise principalement une réponse à la plaque que vous pouvez sélectionner car presque tous les autres plug-ins auront une plaque prédéfinie, puis nous modifierons le temps de réverbération. Dans ce cas, nous allons essayer la version 4.2. Je vais créer toute cette réverbération. C'est donc comme un mélange de platines, de Who Reverb et de votre colline. semblerait que dans une seconde, je vais charger un plug-in de réverbération différent, qui a l'air plus standard et je vais également passer en revue les paramètres à ce sujet, juste pour que vous puissiez en quelque sorte faire correspondre mêmes paramètres. Mais pour l'instant, je vais juste faire sonner un K sur la configuration de notre chaîne d'effets pour piano. Disons simplement cela également. Et je vais simplement envoyer mon piano au groupe de réverbération principal, activer cette extrémité. Et arrêtons de jouer avec ça. Père Noël. Plutôt sympa. Ou je peux me trouver quelque part dans le coin. Il est difficile d'évaluer avec cela tous les autres éléments qu'il contient, mais cela semble plutôt correct. Maintenant, comme je l'ai dit, je vais me rendre sur le canal d' effets où se trouve l'expéditeur, je vais simplement le désactiver ou le contourner pendant une seconde. Et je vais ajouter une réverbération standard, disons, je suis désolée, c'est juste hors écran mais cela n'a pas vraiment d'importance. C'est juste la réverbération standard de Cubase, qui existe, je crois, dans toutes les versions de Cubase. Mais honnêtement, si vous avez un plug-in de réverbération dans votre porte, il sera très, très similaire à celui-ci. Et littéralement, la seule chose à faire s'il s'agit d'envoyer des effets, c'est d'inverser la confusion, ce que j'ai complètement oublié de faire sur l'autre plugin. Je vais donc le faire très rapidement maintenant. Mélangez jusqu'à 100 %. C'est comme si la chose la plus importante à faire était d'envoyer des effets. Et bien sûr, je l'ai oublié sur ce coup là. Pas de soucis. Mais c'est très bien. Dis que c'est confondu. Maintenant, nous allons simplement réduire un peu la diffusion pour des raisons de fun La diffusion ajoute toujours un peu de brillance à la réverbération. Et littéralement, nous allons simplement augmenter le temps de réverbération. Et à part cela, nous n'aurons pas besoin de faire grand-chose. Je ne pense pas au piano. Et cela semble déjà très bien. Littéralement, de tels paramètres de stock ne posent aucun problème. Je vais juste contourner ça. Vous pouvez donc entendre la différence entre ce verbe et le verbe Neo. Disons qu'il n'y a pas vraiment beaucoup de différence entre eux. C'est ce que je veux dire, même si ce nouveau verbe a l'air brillant, beau et original. La plupart des réverbérations sonnent plutôt bien de nos jours, alors ne vous inquiétez pas si vous ne vous approchez pas du verbe, c'est juste la réverbération de porte standard la plus simple c'est juste la réverbération de porte standard la plus simple et tout ira bien. Très bien, donc ça suffit. C'est la réverbération réglée sur le piano. Au moins maintenant, ajoutons-la aux cordes suivantes. Désolée, je continue à faire des solos. Ne t'inquiète pas pour ça. Je vais juste l' envoyer par la corde et voir la réverbération principale. Maintenant, je vais aussi dire que cela fait déjà une énorme différence. Nous allons donc le laisser comme si c'était vraiment une bonne dose de réverbération. Dites « Allons au pad », dites-le et envoyez-le également à la réverbération principale. Oui. Et je veux juste l'entendre tout seul pour pouvoir annuler le sample de cordes douteux en solo sans simplement lui donner une belle impression d'espace. Très bien, donc c'est bon. Maintenant, écoutons le tout. Par exemple, quand le piano entre en jeu, dites les cordes et c'est juste un peu trop fort pour le moment. Je vais donc simplement les refuser tous les deux. Je suis juste en train de les sélectionner tous les deux. Et dans Cubase, vous pouvez maintenir les touches Alt ou Option et Shift enfoncées, puis les baisser et vous serez rétrogradé dans les deux cas. Je ne suis pas sûre de ce que sera cette commande dans une autre porte, mais si vous n'en avez pas, c'est très bien. Il suffit de les sélectionner individuellement et de les baisser. Mais ils sont juste un peu trop puissants. Je pense que mon choix de ne pas avoir autant de réverbération était un peu exagéré. Je pense qu'il avait besoin de plus de réverbération. Sinon, cela semble un peu déplacé parce que tout le reste est dit imprégné de réverbération, mais ça sonne bien. Say Happy Days, ajoutera simplement cette réverbération selon nos besoins. Tous ces nouveaux éléments que nous ajoutons. La prochaine étape sera notre battement de batterie. Nous allons donc probablement ajouter la même réverbération. Nous voudrions peut-être ajouter une réverbération juste pour la batterie, mais nous verrons quand nous y arriverons. Très bien, merci beaucoup d'avoir vu les garçons et les filles vous voir dans le prochain. 10. BTP Ambient Chill Lesson 09 Chill Step Beat: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, donc dans cette leçon, nous allons commencer à ajouter de la batterie à ce morceau. Maintenant, la première chose que je veux faire est de jouer ce que nous avons obtenu jusqu'à présent, moins pendant la première moitié de cette répétition. Ensuite, j'expliquerai pourquoi nous allons placer les tambours là où nous allons les mettre. Maintenant, évidemment, nous parlerons plus détail du flux d'énergie de la piste plus tard, lorsque nous aurons d'autres éléments de la trachée en place, je n'en parlerai pas trop ici. Mais il est tout de même important d'aborder cette question lorsque nous parlons de placer les éléments. D'accord, donc je vais juste laisser le morceau se jouer au moins jusqu'à la première partie. Bien évidemment, n'hésitez pas, sautez si vous le souhaitez, mais il est bon d' avoir une idée de l'évolution du morceau au fur son déroulement. Très bien, on y va. Donc, ce que nous avons, c'est que nous commençons doucement sur la piste, évidemment avec juste le genre de triades de base, évidemment avec juste le genre de triades de base, presque huit balles lui. Nous avons l'Adagio pour cordes qui arrive, petit à petit, pour gagner de l'énergie. Ensuite, il y a un changement plus important lorsque nous arrivons à 16 bar n comme norme pour une structure de chanson normale. Vous avez donc toujours un changement toutes les 8 barres et certainement toutes les 16 barres, et vous avez un changement plus important. Basé sur l'arrivée de serpents et le piano, ce qui ajoute vraiment à l'atmosphère. Et puis cela prend progressivement de l'énergie à mesure que la notation augmente. Et il y aura quelques autres sons dedans au fur et à mesure. Et c'est un peu comme un crescendos ou ça va devenir un crescendo. Après tout, cette énergie s'accumule à ce stade Où allons-nous faire une petite pause ? Ensuite, nous passons à la deuxième répétition de cette progression d'accords. La seule vraie différence entre la première répétition deuxième répétition est que nous n'avons pas les notes de basse sur le pad lors de cette deuxième répétition. Et ce que nous aurons à la place de ces notes de basse sur le pad, c'est que nous aurons en fait une base de base dédiée, qui jouera ces notes pour cette deuxième répétition. Et ce que je veux voir se passer lors de la deuxième répétition. Donc cette première partie va être très simple, juste quelques batteries comme effets spéciaux. Ensuite, il y aura de la batterie en seconde période, ce qui ajoutera de l'énergie et de la base. Ajoutons donc les batteries que nous voulons en seconde période, c'est là que nous voulons les ajouter en cas de problèmes. Donc, sauf jeudi neuf heures. En fait, avant d'ajouter la batterie, je tiens juste à mentionner que nous entrons vraiment dans une sorte d'arène de choix personnels. Et je veux dire par là que certaines personnes aimeront les batteries que j'utilise, qui sont un peu plus relaxantes ou qui ont une ambiance de frissons. Mais je ne dirais pas que ce morceau est vraiment une bonne étape de détente. Il reprend simplement des éléments de ce genre. Mais bien sûr, vous pouvez utiliser des tambours très différents. Peut-être que vous voulez que ce morceau reste totalement ambiant et qu'il ait juste un minimum de batterie, voire pas de batterie. Ainsi, vous pouvez aller dans de nombreuses directions différentes. C'est entièrement à toi de décider. Mais évidemment, ce que j'ai choisi pour cela, c'est une sorte d'ambiance décontractée et régulière jusqu'à la seconde moitié. C'est donc ce que nous allons faire. Mais évidemment, vous pouvez aller dans de nombreuses directions différentes. Donc, en ce qui concerne le timing du beat, c'est très important. Je ne voulais pas vraiment un rythme bloqué sur la grille. Je voulais quelque chose qui ait une touche plus naturelle au moment choisi. À moins que vous ne soyez un drame, il peut être assez difficile de programmer sur un rythme aussi naturel. Pour ce didacticiel, j'ai donc utilisé une technique appelée beat tracing, qui est similaire à l'utilisation de papier calque pour copier un dessin qui se trouve en dessous. Donc, en gros, vous trouvez une boucle de batterie qui a le bon moment. Insérez les sons utilisés dans la boucle ou non pertinents, nous ne recherchons littéralement que les informations de chronométrage. Et lorsque vous en trouvez un dont le timing convient à votre morceau et à ce que vous recherchez, il vous suffit de copier le timing des tubes de batterie de la boucle avec vos propres samples de batterie. Voyons à quoi cela ressemble dans la pratique. Je vais juste consulter mes dossiers de travail et trouver Germinate Pip pour dire que je vais juste intégrer ça à mes projets. Ça là-haut. Maintenant, ce battement de batterie, si je dis juste ça, j'aime bien ce pattern, c'est le pattern que je veux sur mon morceau. De toute évidence, c'est bien trop rapide. Ils vont l'adapter au rythme de mon morceau. Maintenant, dans Cubase, c'est très simple. Je clique simplement sur le mode musical, puis il est étiré pour qu'il corresponde à mon morceau. Si vous êtes coincé dans votre porte, une recherche rapide sur Google vous indiquera comment adapter une boucle au rythme de votre porte en particulier. C'est un truc assez standard, alors allez y jeter un œil si vous en avez besoin, et je jouerai rapidement. Dissoltons-le également. Et baissons-le un peu. Vous pouvez en voir le rythme ici. C'est un peu paresseux. Si je zoome droit, vous commencerez à voir que beaucoup de ces tubes ne sont pas en quelque sorte empruntés à des rythmes traditionnels et à des rythmes décalés, ils ont un peu de swing, comme nous pouvons le voir. C'est donc l'emplacement des rythmes que nous allons réellement copier, non ? Alors tout d'abord, commençons par le coup de pied. Disons que je vais juste le charger dans une piste de sampler pour pouvoir déclencher le kick en midi. Je vais donc juste y dessiner un segment midi vide, de la même longueur que la boucle de batterie. Et tout ce que nous allons faire, c'est parcourir et copier toutes les positions des coups de pied. Supposons qu'il y en ait un au départ et que les faits soient exacts, chargeons-le simplement dans la zone inférieure. Ça rend les choses un peu plus faciles. Et bien sûr, baissons également cela un peu. Donc, tout ce que je vais faire c'est littéralement trouver les places du coup de pied. Donc, évidemment, il y en a un dès le début. Il y en a un autre ici. Je vais donc zoomer, désactiver mon snap pour être vraiment précis. Et c'est là que se déroulera mon prochain coup de pied. Encore une fois, décrochez. Ensuite, je vais juste faire correspondre les positions. dit de trouver le prochain coup de pied qui se trouve ici. Dessine ça dedans. Et puis un autre juste là, qui se trouve à peu près sur la barre. Trouve le suivant. Et c'est tout pour le coup de pied. Disons que le suivant est celui des pièges. Bien que les pièges soient, ils sont tous à peu près exactement sur le rythme. Je n'ai donc pas à m'inquiéter d'un mauvais timing pour eux. Ils sont tous simplement placés comme un piège normal, disons que c'est bien. Maintenant, évidemment, lorsque vous copiez la position votre porte, cela va probablement être un peu différent de cela, même si vous avez la même chose, il a le son, vous avez le milieu. Si vous voulez savoir où vous devez ajouter un coup de pied ou quel dramaturge vous voulez copier, il suffit évidemment de placer votre tête de jeu de manière à ce qu'elle soit au bon endroit, par exemple juste là. Ensuite, passez à votre MIDI et vous pourrez voir où vous vous êtes aligné et c'est là que vous voulez évidemment ajouter votre batterie. Très bien, alors allons-y et faisons le piège. Comme je l'ai dit, le piège est beau et facile, alors trouvons-le. C'est donc le piège. Nous allons quand même utiliser ce clic droit dans Cubase ajouter à nouveau à une piste d'échantillonnage et réactiver mon snap. Désormais, le clou de la musique de danse se joue toujours au deuxième et au quatrième battement de la barre. Cependant, sur ce morceau en particulier où même si nous courons à faible tempo AT pour le BPM, nous allons avoir le piège à mi-chemin de la barre. Donc, n'importe quel piège par barre. Vous pouvez donc entendre le genre de paresse au rythme ou le coup de pied de Z a ces vieux chronométrages, ce qui contribue à donner cette sensation, c'est exactement ce que je veux pour cela. Je ne voulais pas quelque chose qui sonne trop serré et réglementé, mais quelque chose qui sonne un peu différemment en 3D. Et puis il y a un bruit de chapeau, je crois, comme un bruit de chapeau à la fin de cette boucle. Nous allons donc simplement mettre cela dans celui-ci également. Écoutons donc rapidement l'original. Disons que nous ajoutons notre échantillon. le marché du travail, nous recherchons donc des personnes de 18 ans fermées. Encore une fois, je vais simplement l'ajouter en tant que piste d'échantillonnage. dessine un blanc, mais Amity, puis je vais entrer et faire la queue. Je dois donc éteindre mon snap, trouver le tout début de ce bruit de chapeau qui me passe par la tête. Midi vierge. Et ajoutons une note ici. Snap activé. Alors désactivons ça. Alignez-le avec ma tête de jeu et nous sommes prêts à partir. OK, alors, dernier point pour le chapeau, juste à la fin. Zoomez un peu pour être sûrs que nous sommes précis et précis. On y va. Nous avons copié leur position. Alors écoutons-y un peu après avoir refusé ou quoi. On y va. C'est essentiellement du beat tracing. Donc, évidemment, vous êtes libre de choisir la batterie que vous voulez. Donc, comme je l'ai dit, si vous vouliez un morceau d'ambiance plus minimaliste avec des batteries d'ambiance plus traditionnelles, et bien sûr, vous pourriez simplement les remplacer par plus douces ou par n'importe quelle batterie de votre choix. Alors copiez-le à nouveau. Je vais juste réactiver mon snap. Et je vais juste le reproduire. Et je n'avais pas non plus besoin de ma boucle d'origine. Disons que je vais simplement le supprimer également. Il faut donc noter que les chronométrages que j'ai utilisés pour ce battement de batterie, évidemment, les coups de pied étaient un peu paresseux ou peu importe, ou balancés. Ce timing se reflète également dans des domaines tels que le piano. Le piano veut évidemment tomber au même moment que le coup de pied. S'il tombe en même temps qu'un gâteau, il veut avoir ce rythme. Sinon, ça va paraître un peu bizarre, comme si le pianiste ne jouait pas à temps avec le morceau lui-même. Ce piano reflète donc entièrement ces changements. Donc, évidemment, lorsque j'ai créé ce rythme pour la première fois, j'ai ajusté les horaires du piano en conséquence. Et encore une fois, nous avons simplement suivi le même processus en gros. Nous nous alignions donc là où se trouvait le rythme du piano, par exemple. Ensuite, alignez-la d'un coup de pied, entrez dans le piano et déplacez simplement cette note. Cela reflétait également la position du coup de pied, plutôt que de se trouver sur la barre, ce qui est leur genre de truc. Le piano joue donc également avec ce même champ oscillant. Et j'ai lu tout le piano et je l' ai fait, en m'alignant sur le rythme de la batterie. Dis juste un nom. Cela ne fait que coller le tout. Cela donne l'impression que tout est joué au bon moment. OK, donc juste au moment où j' ajoute un peu de réverbération à ces batteries, il est évident que tout semble très sec en ce moment. Je dirais que je veux vraiment que ces batteries aient un impact important. Il suffit donc de les augmenter un peu. Passons au coup de pied maintenant. Disons que je voudrais y ajouter un peu de réverbération, mais je ne veux certainement pas en ajouter trop parce que le coup de pied ne veut pas être noyé dans la réverbération, cela le rendrait un peu désordonné. Dis quelque chose comme ça. Absolument bien. Ne pensez pas que nous en voudrons plus ou qu'ils doivent évidemment vérifier cela dans le mix également. Mais ajoutons également une certaine réverbération à The Sniff Us. Donc, en ajoutant simplement ma phrase ici, avons évidemment parlé dans la leçon de réverbération. Et une fois que nous aurons configuré notre chaîne d' effets, si je la faisais simplement glisser vers le bas de la piste. Une fois que nous avons cette configuration, bien sûr, nous envoyons littéralement le signal de l'élément auquel vous souhaitez ajouter de la réverbération au canal de réverbération et d'effets de réverbération lui-même. Et c'est ainsi que nous ajoutons un ensemble de réverbérations. Je vais littéralement faire ça à la batterie aussi. Dites « attention », écoutons-y un peu. Dis quelque chose qui a l'air plutôt sympa. On dirait que ça rentre dedans. Ou réglons ce chapeau parce qu'il ne semble pas à sa place pour le moment. Voyons donc si la réverbération est suffisante pour résoudre ce problème. Disons que le son, c'est-à-dire qu'il suffit de le baisser un peu. Je pense que c'est bien de signer. Pas de problème De toute évidence, nous n'en sommes qu' à nos débuts dans le mix total. Nous allons donc peaufiner cela au fur et à mesure. Et il est certain que lorsque nous arriverons aux leçons de mixage, laser se contentera de rééquilibrer tout ce qui en a besoin. Maintenant, une dernière chose que je voulais faire, j'ai presque oubliée, c'est qu'il y a un autre piège, qui c'est qu'il y a un autre piège vient également de la Chill Step Bank, qui est aussi une sorte de version plus compliquée de la neige . Vous avez donc le deuxième scénario, celui que nous utilisons, puis nous avons obtenu celui-ci. Je veux donc m'en servir comme une sorte de quatrième piège. Alors allons-y, je vais juste sélectionner toutes les autres instances du piège. Donc, dans ce cas, je maintiens simplement les commandes pour le faire. Il doit être identique ou changer dans la porte de votre choix. C'est un contrôle assez courant, et je vais simplement le raccourcir. Donc, en gros, supprime le quatrième piège du battement. Et puis nous aurons ce genre de piège défectueux. C'est donc évidemment là que nous voulons qu'il soit à la place de l'autre. Et je vais simplement l' intégrer dans mes projets, puis copier la position pour qu'elle tombe au bon endroit. Copions simplement ces Eva. Écoutons juste un petit coup d'œil. Reverb to say can hear it there. C'est juste un peu trop fort, évidemment. suffit d'équilibrer cela de manière à ce que le volume relatif soit le même que celui des autres pièges. Peut-être un peu plus de réverbération. Ça a l'air plutôt correct. J'aime ça. Des jours heureux. Cela ajoute simplement un peu de variété à ce qui est par ailleurs un battement de batterie très répétitif. Mais en fait, une chose est sûre, ce piège sonne. Voyons à quoi cela ressemble d'être présenté. Disons qu'on y va. Je vais juste tout sélectionner. C'est l'une des raisons pour lesquelles nous avons tendance à utiliser pistes de sampler pour nos batteries plutôt que de simplement les insérer sous forme audio. Parce que lorsque nous voulons changer de terrain ou quelque chose comme ça, c'est vraiment agréable et nous pouvons aussi simplement le parcourir pendant que le jeu joue. Disons que cela sonne déjà bien mieux du point de vue du terrain, il s'agit simplement de gels qui attirent mieux. Je vais juste essayer un peu plus haut également. Je crois, plus deux demi-tons plus haut. C'est ce qu'il y a de mieux à faire jouer la caisse claire en D. Jouons un peu. Très bien, c'est tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous allons ajouter quelques bribes supplémentaires à ce battement de batterie pour le rendre un peu plus excitant. Merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles voir dans le prochain. 11. Leçon de refroidissement ambiante BTP 10 Ajouter du SFX au battement de tambour: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons ajouter une sorte de sons SFS au battement de batterie. Une petite dose d'éthique semble juste pour rendre le rythme un peu plus intéressant. Le premier point que je voudrais ajouter concerne la main-d'œuvre. Allons donc le trouver. Et c'est FX Hit 21. Je vais juste l'ajouter à une piste d'échantillonnage. Maintenant, une chose à garder à l'esprit, c'est que, évidemment, je n'ai pas simplement sélectionné soudainement les bons samples, utilisé des sons d'effets expérimentés sur différentes parties des rythmes, vous obtenez quelque chose qui, selon moi, a fonctionné. Alors évidemment, gardez cela à l'esprit. Cela ne s'est pas produit par hasard. Cela étant dit, allons-y et faisons-le. Je voudrais le hit. C'est une sorte de chose. Donc, au troisième battement, je veux que ça frappe. Maintenant, gardez à l'esprit que c' est un son un peu étrange. Il m'a fallu un peu de temps pour obtenir pitch parfaitement correct. Dans l'état actuel des choses, ce n'est toujours pas le cas. Je vais juste le jouer pour toi. Cela semble assez étrange pour le moment, mais je vais aller voir mon sampler et dire non, si vous chargez ça sur une piste de sampler, soit chez vous, soit sur un extrait tiers que j'ai montré. seront tous dotés de commandes de tonalité qui vous permettront de modifier la hauteur du parcours, c'est-à-dire un demi-ton à la fois. Ou une commande de hauteur fine, qui se situe essentiellement entre un demi-ton qui la modifie par CENSE. Supposons que dans ce cas, nous voulions le modifier de plus 0,50$. a l'air un peu vieux, mais c'est juste un peu trop fort. Et nous voulons juste travailler un peu là-dessus. Je vais donc juste entrer et filtrer le bas de gamme absolu ici. Jay, je viens de couper ça et veut aussi y ajouter un peu de réverbération. Ajoutons donc ascend. Les champs sont un peu plus nombreux. Nous venons donc d'avoir ce joli haut de gamme. Supprimez ce bas de gamme. ne sais même pas comment l'appeler, mais c'est un peu dissonant. Revenons à votre position dans le mix. Ça a l'air très bien. C'est parfait. C'est exactement ce que je voulais dire. petits effets semblent vraiment rendre les pieds un peu plus intéressants. Donc c'est très bien. C'est le premier. que nous voudrons copier cela à peu près jusqu'au bout Je pense que nous voudrons copier cela à peu près jusqu'au bout. Donc, le prochain indice que je vais ajouter est, je pense qu'il faut essayer celui-ci. C'est un peu étrange. Il s'agit en fait d'un pack d'échantillons provenant de nos clubs, mais il semblait convenir. Et j'aime bien l' ambiance que cela lui a donnée, a donné à ce morceau une sensation un peu différente. Cela veut entrer juste après que le piège ait touché ça, disons juste à la fin. Ajoutons donc simplement ceci en tant que piste d'échantillonnage. Quel tiroir dans un coin vide. Bien que nous n'ayons qu'à ajouter une note à la toute fin ici. Alors allons-y. Et baissons cela également. Dis quelque chose comme ça. Nous devons évidemment ajouter un petit conseil de réverbération, mais nous y arriverons. Passons simplement aux paramètres du canal et envoyons ceci au groupe de réverbération. Alors maintenant, je vais vite, je veux le faire, mais c'est littéralement comme trucs standard, super standard. Il suffit de dire « Envoyer » ou « envoyer quelque chose » au groupe d'effets. Donc, aucune invite. OK, donc ça a l' air plutôt bien, même si le hit dure un peu trop longtemps là-bas. Je veux que ça s'arrête en quelque sorte au bout du bar. Des gars l'ont fait, ont fait, ont fait, et je ne veux pas que ça arrive à la fin. Alors allons-y et raccourcissons un peu cela. Je vais donc juste désactiver mon snap. On y va. C'est parfait. Et il finit exactement là où je le souhaite. C, OK, donc reproduisons notre hit. Maintenant, je ne veux pas que ça se répète toutes les 4 mesures à cause de ce que nous allons avoir à la fin. 8 bar, c'est un remplissage différent à part ce son. Je veux donc juste que ce CB soit placé sur la troisième barre de chaque répétition de huit mesures. Donc ça fait 8 bars, encore une fois, juste 123. C'est là que nous le voulons. Copions-les simplement pour qu'ils soient également dans la bonne position. Allongeons simplement ces tambours. Désolée, je l'ai laissé un peu court tout à l'heure, donc je vais juste les copier également. Ensuite, nous avons plein de batterie tout au long de la seconde moitié. Nous allons ajouter des petits remplissages et autres choses de ce genre au second semestre. Nous pourrions donc vouloir manipuler les tambours au fur et à mesure. Mais pour l'instant, c'est très bien. Je vais donc juste écouter un peu pour voir si je veux y apporter des modifications. Donc, juste pour juste ce deuxième coup de chapeau, mélangeons les choses un peu. Je vais donc entrer dans le vif du sujet, celui-ci et ajouter des triplés d'assouplissement. Je suis donc en train de changer ma grille pour passer à un seizième triplé. Il suffit de le raccrocher également. Essayons quelque chose comme ça, juste pour mélanger un peu les choses. Et essayons aussi de baisser un peu ce ton. Oui, c'est un peu vide. Nous allons le laisser là pour le moment. Nous voudrons peut-être changer cela plus tard, mais en écoutant le morceau encore et encore, toutes ces petites choses que nous avons faites. Nous pourrions l'écouter dans le contexte de l'ensemble du morceau, nous pourrions décider qu' il ne fonctionne pas. Cela fonctionne dans la version originale du morceau, mais les choses changent toujours la deuxième fois que vous le faites. Nous verrons donc si cela veut vraiment rester dans le moment présent. Dans la seconde moitié de la chanson, nous avons de la batterie qui joue tout au long de la chanson, toujours la même batterie. Maintenant, ce que je veux faire, c'est ajouter une petite différence et aussi un peu d'énergie supplémentaire à la seconde moitié de cette répétition. Donc, à partir du point de départ du piano, disons que je veux ajouter un peu plus de batterie en gros. Nous allons donc utiliser une boucle pour ce faire. Trouvons simplement Loop. Il s'agit donc d'un top loop 12 en BTP CS. Donc, ce que nous allons faire, c'est en utiliser un peu ou des morceaux pour vraiment avoir une bonne idée du morceau. Il suffit donc de l' intégrer à nos projets, qui l' incluront sous forme audio. Assurez-vous simplement qu'il correspond au tempo de votre morceau. Il devrait s'ajuster automatiquement car il a été atteint à 84 BPM , soit le tempo de ce morceau. Mais assurez-vous que c' est bien le cas avant de commencer à le découper. Et ce que je veux faire, c'est simplement m'en servir. Alors tout d'abord, baissons-le. Et avant d'aller plus loin, je devrais également y ajouter un peu de réverbération, pour que ça ne sonne pas très déplacé. Juste un peu pour le moment, nous pouvons le modifier en une seconde. Un peu trop fort. Toujours. Dis-le encore une fois, ce que je veux faire, c'est découper un peu ça. Je vais donc juste me débrouiller. Parce que j'ai vraiment aimé cette première partie. Ça a l'air vraiment sympa et cool. Mais cette deuxième étape, c'est juste un peu trop prêt. Alors débarrassons-nous de cela. C'est aussi un peu trop. Nous allons donc simplement nous en débarrasser. Nous voulons juste qu'un étrange mouvement de cette boucle entre et sort. Encore une fois. Ici. Nous allons juste en supprimer une partie. Désolée, j'ai raté un peu plus gros, donc c'est un peu plus facile à voir. Et nous aurons peu près une répétition de la première partie ici, donc nous l'avons déjà. Donc oui, je vais y revenir en arrière, je crois. Donc. Écoutons juste un peu plus en arrière, pour nous assurer que cela fonctionne vraiment. J'aime bien ce son. Alors copiez-le à nouveau. Cela se répète donc tout au long la seconde moitié de la section où se trouvent nos batteries. Une chose que je viens de remarquer, c'est que FX hit 21 n'est pas tout à fait au bon moment. Et si je zoome droit, nous pouvons voir que R hat joue avec un peu de swing. Je vais donc juste désactiver mon snap et je vais juste l' aligner exactement avec le début de r hat note, vous pouvez juste voir cette petite ligne. Si vous l'agrandissez un peu, vos effets se feront sentir. De toute évidence, vous commencez bien avant cela, donc il y a un peu de bizarrerie dans le rythme. Alors entrons dans le vif du sujet. Et déplacer des pièces, désolé, c'est suffisant ou cassez puis déplacez-les pour qu'elles soient exactement alignées avec le chapeau r. Dis que c'est bon. Allons juste vérifier. Je pense qu'il en sera probablement de même pour tous les autres. Donc, ce que nous allons faire maintenant que nous avons corrigé le premier, nous allons simplement supprimer les autres et nous allons le dupliquer à nouveau. Pas de problème Cela semble un peu terne pour le moment. Et c'est parce que nous n' avons pas le plan de base, ce que nous aborderons dans la prochaine leçon. Alors écoutons-les un peu d'ici, à mi-chemin. Une chose devient évidente lorsque nous écoutons ceci, car nous avons ce genre d'effets sonores dérivants 21. Cela semble un peu étrange quand on le joue en même temps que le piano. Je pense donc que ce que nous allons faire quand le piano arrivera, nous allons le retirer. Donc, même si nous venons de le copier, nous allons en supprimer la seconde moitié. Est-ce que FX Hit 21 sons. Celui-là, juste parce qu'il est un peu en conflit avec le piano. Donc je pense que c'est mieux, nous l' abandonnons simplement quand il s'agit de cette section. Disons que cela permet simplement de se concentrer sur le piano, qui vient d'arriver. Pas de problème Je pense que c'est mieux. C'est à peu près tout pour cette leçon. Alors, merci beaucoup d'avoir regardé les garçons et les filles dans la prochaine leçon, nous allons établir la base de référence. On se voit dans la prochaine. 12. BTP Ambient Chill Lesson 11 Bassline: Bonjour à tous, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons établir la base de référence pour cette section du morceau. Encore une fois, la ligne de base n'arrivera pas tant que la batterie n'arrivera pas. Alors faisons-le maintenant. Maintenant, nous allons accéder aux fichiers de travail et au mini-dossier. Et nous allons trouver le midi de base. Donc, tout d' abord, créons simplement un instrument vital. Je vais donc simplement ajouter une piste vitale pour instrument. Maintenant. C'est très bien pour l'instant, nous allons travailler sur le son dans une seconde, mais maintenant nous avons notre instrument vital dedans. Faisons glisser la ligne de base à mi-chemin dessus. Également. Je vais très rapidement en nommer quelques-uns, juste pour que ce soit un peu mieux organisé. Et je vais aussi colorier un peu les pistes. Je suis sûr que dans votre porte, vous serez capable de colorier des traces, c'est très pratique à faire. Donc, tous ces sons de plomb auront cette sorte de couleur rouge rosé. Les tambours peuvent alors rester jaunes. Et puis tous les sons d'effets seront de couleur verte. En fait, donnons-leur cette couleur vert clair car ce sont comme des sons de batterie FX. Et puis il y a notre boucle, qui peut être jaune. Et je vais juste les organiser un peu mieux pour que tout soit relativement au bon endroit. Nous avons donc des pistes et tout le reste au top. La ligne de base peut être une sorte de couleur de film. Dites simplement non, la Midea comme base de référence. C'est très simple à trouver. Maintenant, ce que je pense de ce morceau, c'est que la ligne de base veut évidemment suivre la mélodie, mais qu'elle veut aussi ressembler un drone constant en arrière-plan du morceau. Et ça va ajouter de la chaleur. Donc, en général, dans ce cas, nous prenons la progression d'accords que nous avons prise en compte. Ce que nous ferions normalement, c'est littéralement simplement prendre les notes de base de tous les accords. Ou nous pourrions venir ici et prendre les notes de basse que vous avez déjà. Cela ressemble donc davantage à ce que nous avons obtenu dans la base de référence réelle. Donc ces notes ici et juste le fait de jouer d'un instrument différent, donc il les copie littéralement. Maintenant, la seule différence entre ces nuits et la ligne de base, je vais y revenir rapidement, ce sont ces Sol dièse, qui se trouvent normalement dans la progression du pad, les notes de basse, ou juste le ré, joue en do, mi bémol, mi bémol, D, alors que dans ce cas, nous avons réduit ce qui n'était pas en mi bémol à sol dièse ou bémol. OK. Donc c'est très bien. Juste pour que tu saches, c'est la seule différence, mais à part ça, ils jouent exactement les mêmes soirs. Cela étant dit, allons-y et commençons à travailler sur ce son de basse. Maintenant, il convient de noter que nous allons tellement relier cette base de référence aux kits. Cela a donc deux effets. L'une d'elles consiste à mélanger. Il crée et garde de l' espace pour le coup de pied, sinon la base du coup de pied n' interférera pas avec la base de la ligne de base. Et cela y ajoute également un peu de rythme. Nous allons donc avoir une chaîne latérale assez pointue. Ainsi, le fait de plonger la ligne de base chaque fois qu'ils frappent des coups ajoutera également un certain rythme au morceau. Mais nous y reviendrons dans la prochaine leçon. Concentrons-nous simplement sur la production du son correct. J'ai donc configuré mes régions de boucle. Baissons juste ça un peu. Passons à la ligne de base en solo pour le moment. De toute évidence, nous sommes sur une vague de scie. Je vais donc simplement parcourir et je pense que nous allons vouloir certains incluent des formes de base. Ça devrait être en usine et c'est parti. C'est la première, les formes de base. Tout le monde devrait donc l'avoir même dans la version gratuite de VSO. Ensuite, nous allons simplement changer cela un peu. La deuxième forme de vague. Ce curseur situé sur le côté vous permet donc de faire défiler la table des vagues. Maintenant, il s'agit d'une sorte de table d'ondes étrange, dont forme de base est modifiée par des modifications apportées à un autre préréglage. Vous verrez qu'il est un peu plus constant au fur et à mesure que vous le parcourez. Et ce sont toutes les différentes formes d' ondes que vous pouvez utiliser sur ce son en particulier. Revenons donc aux formes de base. C'est juste que les formes de base ont comme quelques formes d'onde différentes. Vous pouvez même accéder au visuel 3D, qui m'aide à voir lesquels. Tu vas regarder. triangulaire et onde de scie, onde carrée. Et au début, il n'y a qu'une onde sinusoïdale. Nous sommes donc en quelque sorte quelque part entre une onde sinusoïdale et une onde carrée. Quoi qu'il en soit, c'est très bien. Ne t'inquiète pas. Nous allons examiner cela un peu plus en détail dans le prochain son que nous produirons, qui est une superposition de base, ressemble à un son de superposition de base plus modulé. Maintenant, c'est évidemment beaucoup trop haut sur le terrain, alors laisse-le tomber. Deux -24. Vous remarquerez qu'il y a un petit clic chaque fois que les notes sont déclenchées. Pour s'en débarrasser, on en vient à en imiter une, souvenez-vous que c'est l'enveloppe qui module la dynamique du son. Nous allons donc simplement en ajouter un peu plus. Et vous pouvez tout de suite savoir que le clic est terminé. Si je désactive l'attaque, notez le clic. Dites juste un peu d' attaque, juste assez pour vous débarrasser de ce petit clic. C'est très bien. Très bien, je suis tellement contente de celui-ci. Et allons-y et ajoutons quelques effets. Je veux juste rendre ça un peu plus sérieux. Ajoutons donc une distorsion. Encore une fois en solo. Donc, les clips sont très bons. Je pense qu'il y a juste une légère distorsion. Il suffit de le broyer un peu, avec un peu de cran, puis il suffit d'augmenter l'égaliseur parce que je ne pense pas que nous voulions toutes ces fréquences haut de gamme. Jouons d'abord avec le reste du morceau. Donc, ce que nous allons faire, c'est qu' au lieu d'utiliser une étagère haute, il suffit de cliquer pour qu'elle passe d'une étagère haute à une étagère haute. Mettons-le donc en haut de gamme et nous y retirerons une partie de la gamme haut de gamme. Dis quelque part dans les environs. Absolument bien. OK, super. Nous allons ajouter de la réverbération, pas dans la version vitale elle-même, mais en utilisant notre gomme sensorielle. Dans le cas de Cubase, il suffit d'accéder aux paramètres des chaînes. Vous ajoutez donc l'envoi. Je n'en veux pas trop ici, mais juste assez pour lui donner une impression d'espace, ce qui ne manquera pas de le rendre boueux. Donc, sans ça, avec juste un peu de profondeur par rapport à la ligne de base , c'est très bien. Voyons ce que c'est au niveau des niveaux. OK, donc ça a l'air plutôt bien. Je suis tellement contente de ça. C' est très simple. Nous avons juste choisi un oscillateur, l' avons réglé à la bonne hauteur, quelques petits effets pour lui donner un peu plus de cran. Et une sorte d' égaliseur correctif pour passer au haut de gamme. Et c'est vraiment ça. Très simple, mais aussi très agréable et chaleureux. OK, disons que dans la prochaine leçon nous examinerons la chaîne latérale dans ce domaine et que nous l'adapterons vraiment à la piste. Merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles voir dans le prochain. 13. Leçon de refroidissement ambiante BTP 12 Sidechaining: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons attacher la ligne de base au coup de pied. Say Side Chain est l'un des outils de mixage les plus importants dont vous disposez, en particulier lorsqu'il s'agit mixer le bas de gamme de vos morceaux. Vous pouvez également l' utiliser comme effet pour ajouter une sorte de rythme supplémentaire à votre morceau. Et nous allons faire ces deux choses ici. Donc, ce que nous allons faire sur ce morceau, c'est ancrer certaines choses dans la chaîne latérale. Donc, ce que nous allons faire, c'est créer une chaîne de groupe, également connue sous le nom de bus. Dans d'autres domaines, nous ajouterons un compresseur ou un compresseur à chaîne latérale à ce groupe plutôt que tout autre compresseur qui nous intéresse. La chaîne latérale se dirigera simplement vers ce groupe. Je vais donc simplement ajouter une piste sur une chaîne de groupe. Chaîne latérale plus cool, juste parce que nous avons peut-être une chaîne latérale, ce serait cool évidemment. Et cela serait utilisé si, par exemple sur la chaîne latérale, par laquelle nous envoyons la ligne de base, nous pourrions avoir besoin d'un chaînage latéral légèrement plus extrême que sur l'autre groupe. Disons, disons, supposons que nous lui indiquons également le chemin. C'est peut-être un peu trop si nous le ramenons au même niveau que la base de référence. Vous voudrez peut-être l' envoyer via une chaîne latérale séparée, mais ce n'est pas grave. Tout le monde en décidera dans peu de temps. Maintenant, nous avons un groupe, donc nos chaînes de groupe descendent vers le bas. Je vais juste entrer dans les paramètres de la chaîne. Voici donc les emplacements Insert et je vais ajouter un compresseur, disons sous Compresseur dynamique. Maintenant, à peu près toutes les portes de nos jours, nous aurons une chaîne latérale, car c'est une chose très importante. Et cela sera intégré au compresseur d'origine de votre porte. Dans ce cas, Cubase est un compresseur standard. Maintenant, il existe une version de Cubase, Cubase Elements, qui ressemble la version la moins chère et au genre de versions gratuites où le compresseur n'a pas entrées en chaîne intégrées. Donc, si vous avez cette version ou si vous vous trouvez dans une porte qui, pour une raison ou une autre n'a pas de compression latérale. Ensuite, il existe un autre plugin que vous pouvez utiliser. Je vais juste te le montrer très rapidement. Ce n'est pas vraiment une compression en chaîne latérale, mais elle a exactement le même effet. Désolée, tu ne peux pas voir ça. Permettez-moi d'en parler pour que vous puissiez voir ce qui se passe. C'est ce qu'on appelle le filtre Tao. Voilà à quoi ça ressemble. Ce que nous faisons avec cela, c'est littéralement baisser le volume en fonction de la façon dont nous avons configuré cette configuration. Je ne vais pas entrer dans le vif du sujet ici, sinon il y a une vidéo sur YouTube. Nous avons réalisé une vidéo expliquant comment l'utiliser. Si vous êtes né sur Google pour produire une chaîne latérale, vous verrez la quatrième vidéo, celle-ci ici, comment utiliser une chaîne latérale dans éléments A, e ou LE de Cubase. Maintenant, peu importe que vous utilisiez une autre porte. Tu peux toujours regarder cette vidéo. Il vous montre comment télécharger le filtre à serviettes, comment l'installer, même s'il s'agit d'une installation énorme, peut être très légèrement différente, mais je suis sûr que vous savez comment procéder maintenant. Ensuite, il vous montre également comment l'utiliser. Et pour les rythmes irréguliers, ce que nous avons sur notre morceau pour le moment , c'est ce que j' appellerais un rythme irrégulier, comme dans la house music, on pourrait appeler des rythmes irréguliers. Donc c'est juste ne pas, ne fais pas, ne fais pas, ne fais pas. C'est très simple de configurer une chaîne latérale ou des effets de chaîne latérale tels que les champs TTL sont là pour ça . C'est un peu plus difficile lorsque vous avez un rythme légèrement irrégulier, comme des coups de pied qui tombent sur décalés et tout ce genre de choses, surtout quand ils sont chronométrés, comme Azar. Quoi qu'il en soit, cette vidéo expliquera en gros comment utiliser le filtre tau si vous en avez besoin. Mais sinon, la compression de votre chaîne latérale sera beaucoup plus facile. Maintenant, pour cela, il ne me reste plus qu' à activer la chaîne latérale. Et dans Cubase, vous pouvez simplement sélectionner la piste que vous souhaitez utiliser comme entrée de chaîne latérale. Parfois, à votre porte, vous devez envoyer un signal, comme nous le faisons avec la réverbération, mais vous l'envoyez à la chaîne latérale du compresseur. C'est donc peut-être une façon pour eux de le faire. Mais encore une fois, une recherche rapide sur Google vous indiquera comment procéder. La chose la plus élémentaire à faire et à adorer. Je vais donc sélectionner le coup de pied BTP dans mon entrée de chaîne latérale. C'est très bien. Tout est configuré de temps en temps , il ne me reste plus qu'à définir les bons paramètres. Donc, d'une manière générale, car le chaînage est très simple. J'utilise toujours les mêmes réglages ou presque. Donc pas d'attaque, pas de ratio de maintien, environ trois à quatre. Donc, la sortie et le seuil des seules choses avec lesquelles nous devons jouer pour obtenir les bons réglages ? instant, je vais juste désactiver les pads pour que vous puissiez vous concentrer sur la ligne de base. Mais une chose avant d'aller plus loin et de commencer à écouter, c'est devoir acheminer la ligne de base à travers nos groupes de chaînes latérales, les ensembles qui seront réellement affectés par ce compresseur. Disons que je vais juste entrer et remplacer Stereo Out, qui est la sortie principale, et que cela passe par les groupes. Alors enchaîne-en un. Maintenant, quand je joue, ce devrait être clairement hors d'ici que ça est trempé. Assez substantiellement. Maintenant, je ne veux pas qu'il faille autant de temps pour atteindre à nouveau son plein volume, disons que si vous l'avez écouté, sortie sera assez douce. Donc, comme nous avons obtenu 500 millisecondes , vous pouvez voir le compteur de réduction de gain. Vous pouvez voir qu'il est plongé par le coup de pied puis qu'il remonte lentement. Alors joue juste à ça. Et puis au fur et à mesure que nous accélérerons la sortie, je vais simplement le modifier au fur et à mesure qu'il joue. Et vous pouvez voir très rapidement comment le réducteur de gain indique que le volume est réduit très rapidement , puis qu' il revient toujours à la normale. Alors laisse-moi juste jouer à ça. C'est très bien. Je veux une libération super rapide. Et comme je l'ai déjà mentionné, cela ajoute en quelque sorte ce léger rythme à la ligne de base. Donc, au fur et à mesure que le kit arrive, la base de référence est vraiment refusée. Et puis une fois les coups de pied terminés, il remonte et cela ajoute du rythme. Ensuite, il ne vous reste plus le seuil après la sortie . Et cela dépend simplement de l'ampleur de l'effet de chaîne latérale ou de l'ampleur de ce que vous allez avoir. Donc, si nous y parvenons, ce sera extrême. Ce que nous ne voulons pas. Disons qu'un endroit comme ça est parfait, Nice, et une sorte de Pompéi, la ligne de base est un peu trop forte. Ils ont comparé le coup de pied. Ramenons également notre bloc-notes. Ce que nous allons faire, c'est entrer dans les paramètres du pad et je vais passer à la chaîne latérale. Je veux juste essayer ça pour commencer, je ne dis pas que ce sera à 100 % comme ça. Mais j'aime bien ça. J'ai aimé le fait que le tampon soit trempé. Encore une fois, cela ajoute en quelque sorte au rythme des battements de batterie. Et cela permet également à ce coup de pied de vraiment percer le mixeur. J'aime bien ça dans l' état actuel des choses, je ne pense pas bien J'attacherais aux cordes DJ qui peuvent être laissées dédimensionnées, changées. Et certainement pas au piano qui veut rester dédimensionné, changé aussi. Cela peut sembler un peu étrange. J'ai donc changé. OK, c'est bon. Ça a l'air plutôt correct. Je devais un jour. Très bien, c'est tout pour cette leçon. N'oubliez pas que lorsque vous créez votre propre chaîne de pistes , c'est très important, surtout lorsque vous avez un coup de pied et une base de référence. Et la ligne de base est de jouer comme des notes constantes comme celle-ci c'est déjà jouer des notes qui tombent en même temps que le coup de pied. Vous devez citer la chaîne. Vous jouerez du pied et de la basse ensemble. Très bien, merci beaucoup d'avoir vu les mecs les filles te voir dans le prochain. 14. Leçon de refroidissement ambiante BTP 13 Un regard plus approfondi: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons faire une petite pause par rapport au didacticiel lui-même. Et nous allons simplement examiner les fonctions vitales et approfondir un peu plus toutes les fonctions, du moins certaines d'entre elles. Jusqu'à présent, nous n'avons évidemment émis que deux sons avec celui-ci, le pad et la base. Maintenant, ces deux sons sont évidemment assez basiques. Et en faisant cela, nous n'avons fait qu' effleurer la surface de ce dont le vital est capable. Donc, si vous connaissez déjà le fonctionnement de Vital ou si vous ne vous en souciez tout simplement pas, c'est très bien. Pas de problème Vous pouvez passer à la leçon suivante. Vous ne manquerez rien de ce qui est important pour le didacticiel. Dans la prochaine leçon, nous allons créer un son similaire à celui d'une superposition de base pour la ligne de base. Mais pour ceux d'entre vous qui souhaitent en savoir un peu plus sur l'interface de Vital, restez dans les parages. Très bien, donc encore une fois, nous allons commencer par la section oscillateur. Et comme mentionné, il existe trois oscillateurs principaux et un échantillon de slicer, que nous aborderons dans un instant. Vous pouvez parcourir les différents types de vagues ici. Maintenant, si vous n'avez que la version gratuite de Vital, vous n'aurez que la banque d'usine, ce qui est tout à fait normal. Il y a plein de belles tables à vagues ici. Donc, une chose que je n'ai pas mentionnée c'est que vous avez également ceci, qui est le cadre de la table à vagues. La table d'ondes est donc un peu comme un tas de formes d' ondes différentes dans un seul fichier et chaque partie de la table d'ondes est appelée un cadre. Sûrement pas le meilleur son. Disons qu'on y va. Nous avons une onde de scie qui changera simplement de forme en fonction position de la table à vagues. Et bien sûr, il existe absolument des tonnes de tables à vagues différentes. Vous pouvez également télécharger des tables de vagues et créer les vôtres. Si vous voulez créer la vôtre, vous pouvez utiliser le bouton Modifier la table des vagues pour pouvoir entrer et manipuler la forme d'onde elle-même , la modifier, l'inventer. Je vais donc vouloir m'en tenir à l'essentiel. Je ne vais donc pas trop m' attarder sur l'éditeur de tables Wave. Nous aborderons cela dans un didacticiel gratuit. Alors fais attention à ça. Mais pour l'instant, c'est tout à fait normal. Et je vais juste réinitialiser ce qu'il s'appelait Zoar, juste pour les exemples que nous allons utiliser. Comme mentionné, vous avez également cette vue en 3D, donc c'est la table des vagues. Donc, la première image est cette image au début. Et puis, au fur et à mesure que vous parcourez, vous pouvez voir comment cela change. Cela vous donne donc une représentation 3D de toutes les différentes formes d'onde de cette table d'ondes. Donc, d'autres commandes ici, nous avons du terrain. Nous avons donc évidemment un argumentaire , que nous avons déjà examiné. Au fait, si vous souhaitez rétablir les paramètres par défaut d'un contrôle, il suffit de double-cliquer dessus, d'une manière paramètres par défaut d'un contrôle, il suffit de double-cliquer dessus, ou d'une autre, de nombreux autres sens sont enfoncés ou Alt enfoncés et de cliquer dessus, puis il se réinitialise et vital, c'est un double-clic, pareil pour la mélodie fine ici, que nous avons déjà abordée. Nous pouvons choisir de l'acheminer soit vers un filtre, soit vers le filtre 1.2. Maintenant, juste pour que vous le sachiez, et nous examinerons cela dans une seconde. Mais lorsque vous atteignez le filtre 1.2, il envoie en fait un signal distinct au filtre 1.2, disons que ce n'est pas comme ça, ils sont en série, de sorte que le chemin du signal ne passe pas d'abord par le filtre un puis à travers le filtre deux, on arrive en fait à filtrer, à filtrer un de manière indépendante. Je pourrais donc avoir, disons, un filtre passe-haut, par exemple filtre passant sur un filtre passe-bas, un filtre. La modulation et tout ce que vous pouvez trouver certaines choses assez géniales ne sont pas toujours utiles. Et si vous voulez juste des sons simples et que vous en tenir à un seul filtre sera probablement l'utilisation la plus simple et certainement la plus courante. La phase modifie la position de départ de la forme d'onde. Donc, si nous revenons à la vue 2D, c'est plus utile. Donc, par exemple , 180, qui est la norme, cela commencera au point de passage à zéro si je change de phase, même si cela ne l'affiche pas ici, cela change essentiellement la position de départ en n'importe où dans cette région, selon les objectifs que nous avons choisis. Cela est principalement utilisé lorsque vous avez deux oscillateurs différents. Et vous pouvez modifier la phase entre eux pour générer différentes textures entre les sons. Donc, ici, nous avons différents modes de déformation. Nous pouvons donc changer cela pour qu'il ressemble à une échelle de performance, par exemple je vais simplement y jouer. En gros, ce ne sont que différentes manières de modifier la forme d'onde. Toutes sortes d'effets différents. Vous pouvez créer toutes les textures, je dois dire, en utilisant ces nombreuses textures différentes parmi lesquelles choisir. Ensuite, nous avons des paramètres plus traditionnels, comme la synchronisation, que vous pouvez contrôler. D'autres types de fonctions de manipulation des vagues. Beaucoup de fonds en seraient satisfaits, surtout si vous souhaitez également commencer à moduler ces fonctions. Parlons donc de la commande de la touche Pitch ici. Je vais donc transposer Snap, désolé. Donc, ce que je peux faire, c'est si je sélectionne les notes, si vous remarquez que ces points représentent la disposition du clavier ou do dièse, ré, ré dièse, mi, etc. Vous pouvez donc régler Vital pour ne bloquer que certaines tonalités, ce qui est très pratique si vous émettez des sons d'arpégiateur et autres. Bien que la façon dont vous maquillez dans Vital ne soit pas vraiment parfaite pour créer des applications, j'espère qu'ils ajouteront un module dans la prochaine mise à jour en tant que mode arpégiateur facile. Mais pour l'instant, continuons à parler de Transpose Snap. Nous pouvons donc simplement sélectionner les notes auxquelles nous voulons que cela s'accroche. Vous avez maintenant un instantané global et un instantané non global. Vous remarquerez donc que si je suis désolée, je dois continuer à cliquer dessus pour avoir la place du tracteur. Euh, désolée, ça a l'air un peu étrange. Mais si vous activez Global Snap, toutes les notes qui deviennent vitales seront ou leur hauteur sera modifiée sur l'une de ces notes ou sur les notes de votre choix. Donc, comme vous pouvez l'entendre, quand je le joue, il y joue évidemment de nombreux accords différents. Mais vous ne pouvez pas le savoir, car il s'agit de prendre toutes les notes de ces trois notes. C'est très bien. Revenons à la normale. Comme je l'ai dit, c'est surtout utile lorsque vous avez un LFO qui joue avec le terrain, ce que nous examinerons dans un instant. Ensuite, bien sûr, il y a la section des enveloppes. Nous avons déjà examiné cette question brièvement, mais je vais simplement y revenir. Pour ceux d'entre vous qui souhaitent un rappel, le rappel ambulatoire concerne toujours la dynamique d'amplitude. Vous pouvez considérer l'amplitude et le volume comme presque la même chose. C'est, en fait, on l'appelle amplitude jusqu'à ce qu'elle sorte réellement de vos haut-parleurs, puis c'est ce que l'on appelle volume. Disons qu'en interne, nous modifions l'amplitude du signal avec l'enveloppe 1. De toute évidence, nous avons l' attaque, nous avons le déclin, qui n'aura aucun effet à moins que vous ne réduisiez le sustain de 100 %. Ensuite, vous pouvez rendre les choses plus courageuses ou autre. Ensuite, bien sûr, la sortie, qui correspond à la durée de la note une fois la note midi terminée. Comme vous pouvez le constater, trois enveloppes sont visibles ici, mais vous en avez en fait plus que cela. Il y a en fait six enveloppes au total, et vous ne pouvez pas voir les trois autres tant que vous n'avez pas utilisé l'enveloppe 3 pour quelque chose. Donc, si je dois juste en émuler trois, disons simplement que nous allons l'utiliser pour moduler la position de la table d'ondes. Je vais donc simplement le faire glisser et le déposer sur la position de la table des vagues. Et vous pouvez voir que quand j'aurai terminé, cette enveloppe apparaît maintenant, elle apparaît simplement chaque fois que vous en avez utilisé d'autres. Si j'utilise une enveloppe pour, vous verrez l'enveloppe 5 , etc. Pareil pour les LFO. Lfos au total. Encore une fois, le cadran contrôle essentiellement la combinaison des commandes ou la mesure dans laquelle l'enveloppe va réellement affecter la dynamique. Disons que si j'ai un zéro ou le plus près possible, cela n' aura aucun effet. Et si je l'ai bien en place, l'effet aura une profondeur maximale. L'avantage de ces LFO est que nous avons ce contrôle, qui modifie évidemment la linéarité de l'attaque ou de la désintégration, ou de tout autre objet sur lequel vous l'utilisez. C'est particulièrement intéressant lorsque vous essayez de créer des sons de basse vraiment sales et autres. Vous voudriez probablement moduler ce que je fais ici. Donc, la position de la table d'ondes et peut-être le genre de transformation spectrale. Vous pouvez donc utiliser l'enveloppe pour moduler l'une d'entre elles. Et si vous l'avez sur une attaque rapide comme celle-ci, cela fonctionne vraiment bien pour les sons de Daddy Bass ou les leads hurlants, ce genre de choses. Ou bien sûr, vous pouvez choisir l' inverse et émettre toutes sortes de sons modulés complètement dingues. Très bien, passons aux LFO et c'est incroyablement similaire. Bien entendu, nous pouvons simplement le faire glisser vers le haut pour moduler un paramètre particulier. Disons que cela nous module bien, allumez-le pour couler. Et je vais vous dire quoi, changeons simplement ce que nous écoutons. Je vais donc juste créer tous ces accords sur toute la longueur pour que vous puissiez vraiment entendre la modulation du LFO. Un peu trop intense. Encore une fois, nous avons simplement changé le mix. Et réduisons-le un peu, car cela semble un peu bizarre. Avec le LFO. Nous avons les horaires ici, disons que nous pouvons changer. C'est juste pour la grille, mais je te montrerai quand nous l'aurons mise en place. Évidemment, nous travaillons normalement en 4816, etc. Mais évidemment, vous pouvez déterminer les horaires que vous souhaitez. Et bien sûr, si tu veux, tu peux le réduire à trois et avoir ce genre de course à pied et de triplés. Il y a différentes choses que tu peux faire ici. Donc, évidemment, pour le moment, cela fonctionne comme une onde triangulaire. Vous pouvez maintenant récupérer ces points et les modifier. Vous pourriez donc le transformer en une sorte d'onde sinusoïdale. Ou vous pouvez modifier le motif que vous souhaitez dessiner en cliquant ici et vous pouvez choisir l'étape par exemple , puis vous devez cliquer sur le petit pinceau pour le dessiner par étapes. Ou vous pouvez choisir autre chose, comme le bas, qui n'est qu'une montée en puissance. Et évidemment, vous pouvez mélanger ce genre de choses. Vous pouvez donc choisir certaines d'entre elles comme des étapes, d' autres comme des demi-étapes. Ils peuvent créer toutes sortes de modulations différentes. Il y a aussi ce petit bouton ici, cette petite fonction qui transforme tout cela en modifiable. Oh désolée, je dois désactiver mes outils de dessin. Nous avons dû réellement modifier n'importe lequel de ces points. Maintenant que cela est activé, je peux les déplacer librement et en changer la forme exacte. Je peux également ajouter des points. Cela devient donc beaucoup plus modifiable avec ce bouton sélectionné en disant simplement que si vous cliquez ici, il y a absolument plein de formes LFO prédéfinies. Disons, toutes sortes de choses à utiliser là-bas pour obtenir une modulation géniale jusqu'au bas des oscillateurs. Nous l'avons comme déclencheur pour que vous puissiez le faire couler au rythme. Vous pouvez le déclencher par l'enveloppe, le sustain, l'enveloppe , le point de boucle et le maintien de la boucle. Ensuite, nous avons les horaires que vous souhaitez régler. Il suffit de les modifier vers le haut ou vers le bas, il suffit de cliquer et de faire glisser pour les modifier. La douceur arrondira essentiellement n'importe lequel de ces types d'arêtes vives si vous le souhaitez. St. produit des sons vraiment sympas, surtout si vous utilisez une sorte de Voc qui émet un son vocal, alors bien sûr, nous avons un délai qui retarde simplement l'effet de l'oscillateur. Et la stéréo, qui divise essentiellement le LFO entre la gauche et la droite. ajoute en quelque sorte un délai. Vous avez donc le même LFO, mais il est déclenché sur les canaux gauche et droit à des horaires différents selon la façon dont vous avez réglé ce cadran. Cela peut donc être très utile pour créer jolis pads modulés et autres. Très bien, alors passons à autre chose. J'ai aussi des LFO aléatoires ici, que je ne vais pas entrer dans trop de détails ici. Ce qu'ils sont est assez évident. Les oscillateurs aléatoires disent qu'au lieu d' avoir un schéma très prescrit, comme c'est le cas ici, il sera assez aléatoire. Alors nous avons ces modulateurs ici. Donc, si je choisis des notes, cela va moduler quelque chose en fonction de leur hauteur ou de leur tonalité basse. Activons simplement le filtre. Et j'utilise Note. Vous modulez donc cela en fait. Vous verrez que lorsque différents accords sont joués, le filtre bouge. Maintenant, il y a une toute petite réunion. Maintenant, augmentons cela. Comme vous pouvez le constater, il est essentiellement modulé en fonction de l' emplacement des notes. Donc, si je joue des notes très graves, le seuil du filtre s' affichera beaucoup plus bas. Et si je joue des notes aiguës, la valeur limite du filtre augmentera. D'ailleurs, si vous souhaitez supprimer automatisation que vous avez ajoutée, vous pouvez simplement cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner Supprimer ou moduler. Donc, en automatisation, la vitesse est fondamentalement la même chose, mais pour la vitesse. Cela peut donc être pratique lorsque vous essayez de créer une sorte d'instrument au son naturel. Donc, par exemple, si je mets la vélocité sur la coupure du filtre, encore une fois, cela signifie que plus vous frappez doucement la note, plus la limite sera basse. Sur un piano, par exemple, si vous appuyez très fort sur une touche, vélocité est très élevée, alors le filtre sonne très fort. Et dans ce cas, le filtre serait très haut si vous avez une vitesse élevée et si vous le frappez très doucement. De toute évidence, le piano dans la vraie vie sonnerait beaucoup plus doucement et plus faiblement, et c'est ce que cela imiterait. Ainsi, lorsque vous appuyez sur des touches très basses, la valeur limite du filtre est abaissée en fonction la vélocité des notes entrant dans l'instrument. Disons qu'au moment de ce tutoriel, je n'ai aucune idée de ce que fait l'ascenseur , mais je vais trouver une solution. Je te le promets avant de faire le tutoriel complet sur ces notes d'Octave. C'est donc fondamentalement la même chose que la note, mais cela déclenchera un réglage différent lorsque vous utiliserez un croisement dans une octave différente. Vous pouvez donc être dans Octavia 3, par exemple, et rien ne changera. Mais si vous optez pour Octave, cela modulera tout ce à quoi vous l'attachez cela modulera . Je crois que la pression et le glissement sont dus à des claviers plus avancés tels que le Roland. Est-ce celui avec les touches en caoutchouc sur lesquelles vous pouvez passer côté à l'autre et modifier la pression au fur et à mesure que vous jouez ? Ce n'est donc pas comme si la vitesse initiale en fait la pression. Une fois qu'il a été touché, quelque chose. Vous pouvez osciller de haut en bas avec vos doigts. Cela est donc lié à cela, tout comme la diapositive, je crois. Donc, la stéréo active en gros, tout ce que vous voulez moduler sera ensuite partagé entre la gauche et la droite, disons, par exemple si je le laisse tomber sur la coupure du filtre, et que nous le mettons simplement à zéro pour moment. Vous pouvez donc voir maintenant quand je joue parfaitement normalement, mais si j'ajoute quelque chose à cela, cela séparer les oscillations qui se produisent dans le champ stéréo. J'ai donc une coupure de filtre qui est essentiellement plus élevée en fréquence et une autre plus basse en fréquence. Et tout ce que nous avons fait avec ce régime, c'est simplement changer la différence entre les deux. OK, donc c'est bon. Et puis, chose aléatoire, ça devrait être assez évident. Mais chaque fois qu'une note est frappée, elle envoie simplement une position aléatoire ou une information aléatoire sur ce à quoi il a été attaché, à jouer en quelque sorte. OK, donc c'est plutôt cool. Ci-dessous, nous avons les réglages standard pour la plupart des synthétiseurs, donc nous avons le nombre de voix. Nous avons donc actuellement jusqu'à huit voix, ce qui signifie que vous pouvez appuyer sur jusqu'à huit touches à la fois sur le clavier. Tu peux le déplacer vers le haut. De toute évidence, cela consommera plus de puissance de traitement si vous le faites. La courbure est simplement la quantité de courbure de la roue de tangage. Donc, évidemment, si je le mets au maximum, ce sera deux demi-tons vers le haut ou deux demi-tons vers le bas. Mais bien sûr, je peux changer cela. Comment pouvons-nous y aller ? Waouh, c'est assez élevé. 48 ans, dis que c'est assez fou. Désolée, augmentons légèrement la coupure du filtre. Nous parlerons du filtre dans une seconde. C'est plutôt sympa en fait, ce serait bien pour certains effets. Avoir un virage avec une gamme de 48 demi-tons, c'est plutôt chouette. La piste de vélocité que nous avons déjà mentionnée, mais cela signifie simplement que si vous avez des informations de vitesse variables dans vos parties musicales, alors à ce tour, prenez note à ce sujet. Donc, si vous jouez quelque chose doucement et que vous jouez d'autres choses avec acharnement, vous devez augmenter la trajectoire de vélocité. Dans le cas contraire, ces informations de vitesse seront ignorées. Spread signifie simplement la diffusion stéréo. Donc, si vous le refusez, tout ce qui sortira de cet instrument sera en mono. Ou si vous l'avez complètement allumé, il sera en stéréo approprié. Et évidemment, vous pouvez trouver un équilibre. Supposons que vous ne vouliez pas qu'il soit mono, mais que vous ne voulez pas qu'il soit entièrement stéréo non plus, vous pouvez l'utiliser pour éviter que le glissement d'une note à l'autre ne fasse que glisser . Cela semble évidemment un peu bizarre quand on y joue avec des codes comme celui-ci. Mais normalement, pour le tennis , une seule voix n'entend qu'une seule note à la fois. Et bien sûr, si vous superposez les notes midi, elles passeront également d' une note à l' autre. Vous pouvez également modifier ces glissements de glisse, ce qui est plutôt chouette. La plupart des portes ne vous permettent pas de le faire , vous pouvez donc les changer beaucoup plus rapidement. Plus lent. Si vous souhaitez vous pencher entre des notes qui se chevauchent, vous devez activer le mode legato. Nous n'en avons pas reçu pour le moment, mais ce n'est pas grave si vous voulez faire ce genre de choses, pas de demande. D'accord, alors jetons un coup d'œil aux filtres. Donc, ce n'est pas grand-chose à voir ici, mais vous pouvez modifier les filtres entre high pass et low-pass simplement en déplaçant ce curseur ici. Ou bien sûr, un mélange des deux. Vous pouvez donc avoir un filtre passe-bande qui émet la résonance, ce qui modifiera la raideur des bits, mais ajoutera également de la résonance à un filtre, ce qui est agréable au toucher. Cela rend les choses faciles et agréables. Revenons à ce que nous avions standard : désactiver la résonance. Nous devrions tous savoir ce que cela fait maintenant. Je l'ai un peu utilisé quand nous fabriquions le bloc-notes également. Encore une fois, nous avons une piste clé. Ainsi, vous pouvez faire réagir le filtre lorsque vous appuyez sur une touche du clavier. Donc, évidemment, si vous appuyez sur les touches plus haut , le filtre sera complètement ouvert. Si vous appuyez sur les touches plus bas, le filtre sera plus fermé. Pour ces notes. mélange va de soi. C'est la quantité d'effets que vous souhaitez, la part du filtre que vous souhaitez affecter au signal. Et puis, bien sûr, conduisez. Ici, nous pouvons choisir quels oscillateurs vont passer par le filtre. Donc, évidemment, nous avons deux filtres. Nous pouvons donc faire entrer l'oscillateur 1.2 dans les deux filtres si nous le voulons, disons que c'est juste une autre façon d'acheminer les oscillateurs vers les différents filtres. C'est tout Ça l'est. Probablement plus facile de sélectionner les champs E1 sur l'oscillateur. Mais peu importe ce que c'est juste une façon différente de faire, dites simplement non aussi. En ce qui concerne le routage des oscillateurs, vous pouvez évidemment choisir de le faire passer par les filtres. B peut le choisir pour contourner les filtres ranger et accéder directement à la page Effets, que nous examinerons dans une seconde. Ou vous pouvez même lui demander de contourner la page des effets et de passer directement au master en sortant du synthétiseur. Disons qu'avant de passer à autre chose et de regarder une autre page, examinons encore quelques points. Je vais donc parler très brièvement de l'échantillonneur. Éteignons donc mon autre oscillateur. Dès qu'il y a du bruit blanc. Vous pouvez donc également verrouiller ces deux-là sur le terrain. Et évidemment, vous avez les commandes de tonalité normales , comme nous en avons avec l'oscillateur. Vous pouvez l'acheminer pour en filtrer un vers n'importe quel autre, comme tous les autres, avec le même contrôle de niveau, le contrôle panoramique. Maintenant, ces commandes indiquent que si j'appuie dessus, cela signifie que cela sera lié au clavier. En fonction des notes. Il jouera plus haut ou plus bas sur le terrain. Si je l'ai là-dessus, ce n'est qu'une boucle. Il continuera donc à tourner en boucle comme vous pouvez le voir sur la tête de jeu. Donc, si je le veux, je peux l'avoir du début à la fin. Je ne sais pas quel est le nom technique de ces manettes, mais en gros, si je les appuie, elles joueront dans un sens puis dans l'autre sens. est très difficile de s' y retrouver avec du bruit blanc. Je vais donc simplement faire glisser un échantillon de la bibliothèque d' échantillons à titre d' exemple, c'est tout ce que c'est. Il s'agit donc simplement de fermer , de faire glisser un échantillon. C'est-à-dire qu'il est facile de faire entrer quelque chose par votre porte. Il suffit littéralement de le glisser-déposer. Et puis si je joue, désolé, c'est un peu calme. Augmentons cela un peu. Vous pouvez voir que cela ne rapporte que vers l' avant et vers l'arrière. C'est donc ce que fait cette fonction. Et puis il y a le hasard. Cela va donc simplement le jouer à partir d'une position de départ aléatoire. Cela peut être une bonne chose pour certaines choses, pas pour cela en tant que son courageux, ce qui signifie que certaines zones n'ont aucune amplitude. Mais si nous utilisons quelque chose comme ça, quel que soit le son de Bart vous pouvez voir qu'il part d'une position aléatoire. OK, donc les deux dernières choses, c' est qu'il a des commandes macroéconomiques. Vous pouvez donc choisir de contrôler plusieurs choses différentes sous une seule commande. Disons que si vous vouliez contrôler, disons LFO 123.4, comme ses différents paramètres. Ou vous vouliez avoir une commande manuelle pour, par exemple, la position de la table à vagues, de l'unisson et de l'évier. Vous pouvez en gros le déposer sur n'importe laquelle de ces commandes et vous pouvez en faire autant que vous le souhaitez. Ensuite, il y a une seule commande qui les changera toutes en même temps. C'est juste pratique, plutôt que d' avoir à utiliser 83 ou quatre commandes différentes à fois. Vous acheminez simplement la macro vers ces commandes , puis vous pouvez simplement moduler ou automatiser . cette manette. Très bien, alors allons-y et jetons un coup d' œil à la page des effets. Je ne veux pas y consacrer trop de temps , car ce sont tous des effets assez courants des crises. Activez-les en activant les petits points. C'est assez explicite. Encore une fois, je ne vais pas entrer dans tous les détails sur le fonctionnement de Chorus et sur le type de choses. Nous y reviendrons plus en détail dans un autre tutoriel, mais ce n'est vraiment pas nécessaire de le faire ici. Et nous avons déjà abordé certains de ces effets de toute façon, donc je ne veux pas y consacrer trop de temps. Jetons donc un coup d' œil à la matrice. Alors désactivez-le pour le moment, passons à la matrice. Donc, la matrice nous montre en gros tout routage que nous avons configuré dans notre sens, par exemple, lorsque nous avons attribué les commandes macros du t-shirt qui apparaîtront ensuite ici sont évidemment utilisées ( enveloppe 3) et LFA-1 pour effectuer également une certaine modulation. Dès que vous l'aurez configuré, ils apparaîtront dans la matrice de modulation et vous pourrez en modifier le montant. Donc, si vous regardez le contrôle , cela revient littéralement à le saisir et à le modifier. C'est juste une autre façon de le faire. Vous pouvez également sélectionner une autre destination ou une autre source de modulation. Pour ce faire, vous pouvez également sélectionner le mode bipolaire, qui change simplement le sens de la modulation. Et puis la chaîne stéréo qui fait essentiellement ce dont nous parlions ici, où nous avons ajouté la stéréo. Il ajoute donc simplement un stéréotype, cette modulation. Il va donc simplement décaler la modulation de gauche à droite. Et puis le Morph qui contrôle simplement la vitesse ou la vitesse à laquelle l'effet se produit. Ensuite, nous avons l'onglet Avancé, sur lequel, pour être tout à fait honnête, je ne vais pas entrer ici. L'une des raisons est que c'est probablement un peu trop loin pour être censé être un aperçu très basique. De plus, je n'ai pas encore vraiment eu l'occasion de me plonger pleinement dans cette page. Cela va donc arriver. Nous aurons à nouveau un tutoriel à ce sujet, qui sera disponible gratuitement sur YouTube, beaucoup plus détaillé. Alors attention à ça quand il arrivera. Et c'est l'aperçu le plus élémentaire de la chance vitale à huit ans. Dans la prochaine leçon, nous allons créer un son de base superposé avec un peu de modulation LFO. Nous allons donc le faire alors. Merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles voir dans le prochain. 15. BTP Refroidissement Lesson 14 Modulé Basse Overlauy: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, donc dans cette leçon, ce que je veux faire, c'est vous donner une base de référence alternative. Si c'est quelque chose que tu aimerais avoir sur ce morceau maintenant, je pense que la base de base actuelle que nous devons jouer convient vraiment au morceau parce qu'elle est belle et minimale. Cela n' enlève rien aux autres parties de la piste. Il y ajoute simplement cette sorte de sous-base agréable et chaude. Mais comme je l'ai déjà mentionné, vous pouvez obtenir de très nombreuses directions différentes à de nombreux moments du processus de production. Donc, par exemple, si vous vouliez une ligne de base avec un peu plus de mouvement ou un peu plus graveleuse. C'est ce que nous allons examiner maintenant. Et peut-être que dans les dernières sections, vous serez à mi-chemin du morceau et que cette section E pourrait vouloir abandonner le pad et passer à une sorte de morceau plus orienté batterie , de base et lourd, ce qui est tout à fait bien. Je veux dire, tu pourrais même te lancer dans la drum and bass. I'm in a tempo, c'est à peu près parfait pour ça. Il y a donc tellement de manières différentes de procéder, mais tout ce que je veux faire ici, c'est simplement vous donner une autre option pour la base de référence. Il faut donc que ce soit assez simple. Nous n'allons pas devenir trop fous. Je vais simplement dupliquer ma base de référence actuelle parce que je veux conserver une copie originale. Ensuite, nous utiliserons ce doublon et nous commencerons à faire des bêtises. Je vais juste désactiver le pad également. J'ai donc juste le rythme et la base de jeu. OK, nous utilisons donc le même type de patch que celui que nous avons déjà. Nous allons donc commencer par nos formes de base, car elles comportent une belle partie de basse. Dites « Happy Days ». Maintenant, un moyen très simple d'ajouter un peu de rythme à cela est de moduler le niveau, le volume ou techniquement l' amplitude à l'aide d'un LFO. C'est donc ce que nous faisons avec ces LFA-1. Et je vais juste faire glisser ça jusqu'au niveau. Maintenant, quand j'y joue, il ne fait pas grand-chose pour le moment. donc deux raisons à cela. d'abord, j'ai besoin de voir l'efficacité de cet oscillateur augmenter de fond en comble. Et puis je dois aussi baisser le niveau. Ainsi, lorsqu'il joue, vous pouvez entendre l' oscillateur avoir des effets sur l'amplitude. Je vais donc juste y jouer et nous examinerons quelques LFO d'usine. Donc des préréglages. Vous pourriez vraiment faire en sorte que cela fonctionne si c'est Une base de référence instable pourrait très bien fonctionner. Je ne pense pas que je vais vraiment voir ce morceau en particulier, mais le simple fait de dire peut être utilisé. Donc, ce genre de choses. que c'est un bon Je dirais que c'est un bon point de départ. Et nous voulons simplement changer cela . Nous pouvons donc changer cela. Nous devons juste nous assurer que c'est sélectionné. Nous avons donc plus de points de contrôle, puis nous pouvons commencer à ajouter des pieds en double-cliquant sur d'autres points. Je vais juste le rendre un peu moins bancal. Cela permettrait peut-être également de changer la vitesse. Sauvons donc 1 barre. Bien sûr, vous pouvez aller dans n'importe quelle direction. Vous voulez choisir n'importe quel type de rythme. C'est à vous de décider. Nous allons nous en tenir à cela pour le moment. C'est très bien. Il suffit de lui donner un peu de rythme et c'est un moyen simple et agréable d' intégrer une sorte de rythme à sorte de rythme votre morceau si c'est ce que vous voulez. Ajoutons un autre oscillateur. Activons donc simplement oscillé vers. Pour le moment, évidemment, nous n'avons pas configuré le routage. Nous voulons donc également que le niveau de l' oscillateur 2 soit affecté par le LFA-1. Nous cliquons donc dessus et le faisons glisser jusqu' au niveau de l'oscillateur pour régler également la hauteur sur 24. C'est donc un oscillateur correspondant à ce que je vais juste parcourir, essayons de trouver que certains sont un peu différents. N'oubliez pas que nous devons également baisser le niveau. Et l'efficacité a augmenté. Pour Oscillated to say this gates, consultez la page des effets car nous avons dupliqué le préréglage. Nous avons un haut de gamme que vous ne vouliez pas vraiment. Transformons-en donc une étagère haute et normalisons-la. Donc, Kosovo bytes, c'est une table d'ondes qui n'est pas incluse dans les préréglages d'usine. Cela sonne donc bien, je dois l'avouer, donc je pourrais y revenir, mais passons aux préréglages d'usine pour l'instant. Essayez de trouver quelque chose qui convient peut-être à la piste. Formes basiques. Juste une onde carrée et je voudrais la moduler un peu plus. Choisissons donc autre chose. Restons-en à cela juste pour le moment. Ça a l'air d'un gâteau. Donc, ce que je veux faire avec le deuxième oscillateur, c'est moduler la position de la table d'ondes, mais à un rythme différent de ce qui se passe avec le type de niveau. Cela va donc changer à un rythme différent au fil du temps. Donc, ce que nous allons faire pour cela, en saisissant le LFO, et en le déposant sur la position de la table des vagues. Jouons simplement à ça. Cela a donc l' air absolument horrible. Disons que nous allons simplement changer cela pour autre chose. En fait, cela ne semble pas trop mal. Le but est simplement de vous donner une manière différente moduler une base de référence afin de créer quelque chose d'un peu différent. Maintenant, toutes ces tables de vagues prédéfinies en usine vont bien, mais elles ne sont pas vraiment géniales. Vous en obtenez donc de bien meilleurs lorsque vous payez réellement pour l'essentiel. Mais n'oubliez pas que vous pouvez charger n'importe quelle table à vagues en mode survie. Vous pouvez littéralement simplement les faire glisser et les déposer. Donc, si vous téléchargez un pack Wavetable, vous pouvez littéralement le déposer en mode survie. Ensuite, si vous voulez voir, vous pouvez bien sûr également enregistrer la table des vagues afin de pouvoir la réutiliser. Vous n'avez pas eu à le faire glisser à chaque fois que vous vouliez l'utiliser, exemple dans un projet différent. Mais évidemment, je veux juste utiliser les trucs d'usine parce que cela inclut la liberté de la voix ou de l'instrument. Un tableau que nous avons obtenu correspond quelque part ce à quoi je pensais. C'est donc juste un peu différent, c'est un peu plus sérieux. Il veut probablement. Vous avez donc en fait une partie de cette étagère haute. Disons quelque chose comme ça que nous pourrions utiliser, et bien sûr, nous pourrions également utiliser une passe LFO différente plutôt qu' un simple triangle droit de haut en bas. Donc, vous avez l'idée, vous pouvez emprunter de nombreuses directions différentes ici. OK, donc j'ai juste joué un peu, modifiant simplement les paramètres de modulation du LFO. Vous utiliseriez donc un modèle différent, qui figure également dans la série Factory Bank Post. Et j'ai également modifié le calendrier. Il mesure donc 2 barres de long. C'est donc un peu plus lent, un peu plus méthodique. Et nous pouvons probablement également en modifier l'efficacité. Donc, vous avez l'idée, nous pouvons faire toutes sortes de choses comme ça. Nous pourrions également y ajouter un peu d'unisson. Donc, vous obtenez un son différent, on y va. Le but ici est, encore une fois, vous montrer que vous pouvez faire quelque chose de différent si vous le souhaitez. Vous n'avez donc pas eu besoin d' utiliser une ligne de base plane en 3D. Et c'est un moyen simple d'utiliser LFO pour donner un peu de rythme à votre base de référence. Ou il peut s'agir d'un son principal, d'un pad ou autre, et ajouter un mouvement supplémentaire à votre morceau. Mais je ne vais pas vraiment utiliser ça dans la chanson principale. Comme je l'ai mentionné, je préfère définitivement ce morceau en particulier avec juste la ligne de base standard. Cela n'enlève rien au reste de la piste. Il ajoute simplement ce qui réchauffe les sous-menus. C'est donc un peu parfait tel quel. Mais si vous souhaitez utiliser un choppy plus modulé au départ, vous n'avez qu'à y aller. Très bien, merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles voir dans le prochain. 16. Leçon de refroidissement ambiante BTP 15 Adagio String FX: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon et la suivante, nous allons ajouter un peu plus contenu aux morceaux. Juste deux ou trois choses que je veux faire. d'abord, l'un d'eux va remplacer ce bout de midi par celui-ci, simplement parce que j' ai ce triplet plein à cause du chapeau et au mauvais endroit où il veut vraiment, il veut être en fait , il est essentiellement en tête du SBAR 45. Mais nous ajouterons également une touche ou deux sur un motif de triplet. Nous en sommes donc à notre 16e triplé pour le moment, donc c'est très bien. Juste là pour mettre l'accent, le Hatfield. Ça ajoute juste une belle sorte de rebond là-dedans. Donc c'est sympa. Et ajoutons la prochaine étape. Encore une fois, nous allons aborder la structure des chansons en quelques leçons de manière beaucoup plus détaillée. Mais évidemment, nous voulons vraiment que les choses restent intéressantes et captivantes tout au long de chaque section. Maintenant, il commence très doucement dans la première moitié de la piste. Et puis, évidemment, nous passons à la batterie et à la basse. Et juste dans cette deuxième partie, je voudrais rendre cela un peu plus intéressant que de simplement ajouter les cordes Adagio. Avant, j'ajoute la partie que nous allons faire. Je voudrais juste parler très brièvement façon dont ce genre de situation est né. Donc, évidemment, lorsque nous écoutons des morceaux encore et encore, je veux dire, nous ne le faisons pas dans le tutoriel Up Seeks, ça devient assez ennuyeux. Mais lorsque vous y travaillez vous-même, vous l'écoutez encore et encore. Et vous commencez à voir ici les endroits où vous pourriez avoir besoin d'un remplissage ou autre. Et l'un de ces moments s'est produit. Je pouvais simplement imaginer quelque chose qui remplissait, juste pour émettre un son ponctuel, c'est ce à quoi je pensais à l'époque. Dis quelque chose ici. Quelque chose comme ça. Revenons au chronométrage sans triplet. Donc oui, il a simplement ajouté un peu de MIDI et j'ai commencé à expérimenter différents sons. Nous allons dans les fichiers de travail et voulons les effets pour cordes Adagio en C. Ce petit jeu sympa. Je vais juste ajouter ceci à un sampler. Et dessinons simplement un morceau de midi vierge, entrons dedans. Et c'est avoir écouté. Nous voulons que cela commence littéralement par là où nous avions les playhead sets. Écoutons simplement la note que nous voulons voir. Donc, en fait, désolée, baissez un peu d'abord parce que c'est un peu bruyant. Ensuite, nous allons simplement prendre note. Alors écoutons-y. Maintenant, c'est trop calme car le locataire recule un peu. C'est donc en quelque sorte le genre d' idée qui m'est venue à l'origine, savoir que je voulais avoir ce son en guise de remplissage. Mais alors que j'écoutais, j'ai pu imaginer que cela jouait d'autres notes plus bas. Donc, il y a deux choses que nous devons faire d'abord, c' est simplement jouer une très courte partie de l'échantillon. Et il s'agit en fait d'un très long échantillon. Si nous passons à la piste du sampler et que nous la jouons, j'ai envie d'en sortir un peu plus. Donc, évidemment, nous pouvons simplement allonger les notes. Mais nous pouvons également le faire dans le sampler si vous voulez dire si nous passons en mode ampli et si nous augmentons simplement l'écriture de la sortie un peu plus longtemps que cela. Alors allons-y plus longtemps. Disons que vous voudriez simplement prolonger ça jusqu'à ce que ce soit là, comme si un autre avait frappé son arme. Trouvons-la donc. Désolé, B Flats. Dis, laisse-moi juste jouer ça un peu plus en arrière. Excusez mon horrible bourdonnement de clé extérieure. Oui, c'est ce que j' étais en train de venir, un G. Nous pouvons donc recommencer à jouer sur la note, mais je voudrais que ce soit un peu différent en termes de chronométrage, afin que ce ne soit tout simplement pas toujours vraiment réglementé. Je vais donc juste le déclencher un peu plus tard que ce que vous pensez qu'il devrait être ou battre plus tard que ce qu'il était lors du dernier match, je m'en souviens également. Le premier coup est un battement en avance, celui-ci est sur le rythme et celui-ci sera un peu tard. Cela ajoute donc juste un peu de variation. Tu n'es pas obligée de faire ça. Vous pouvez choisir le moment que vous souhaitez lire. J'aime bien la façon dont ça sonne. À moi d'ajouter ce site. Oui, quel est le dernier coup à ce sujet. Je pense que ça va redescendre tout de suite pour voir, disons qu'il faut simplement dessiner dedans. Oui, ça a l'air correct. Alors écoutons-le à nouveau en entier maintenant. C'est un peu bruyant. C'est comme s'ils avaient l'air plutôt bien dans l'Oregon. Et je vais juste ajouter un peu de réverbération à cela également. Donc je veux juste un son doux et profond qui l'aidera certainement à s' intégrer au reste du morceau. Charmant. Oui, cela semblait parfait ou je peux tout à fait bien. Pour en revenir à la piste des samplers, nous changeons légèrement la tonalité. La longueur de l'échantillon changerait donc si nous utilisions, disons, de telles notes étendues. Mais comme ce n'est pas le cas, et que nous utilisons simplement la sortie du sampler pour définir la longueur des notes, nous évitons essentiellement le problème de la descente de ces notes, comme évidemment dans le sampler, ils sont naturellement inclinés vers le bas signifie qu'ils s' allongent également, le film leur tangage vers le bas. Nous évitons donc le problème de l'allongement de la prochaine période. Encore une fois, vous pouvez utiliser la distorsion audio, vous pouvez l'activer. Ensuite, il conservera automatiquement les notes exactement de la même longueur, mais utiliser simplement le release au lieu d' utiliser des notes longues pour cela est une meilleure façon de le faire. Très bien, donc sympa et facile. C'est tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous ajouterons une sorte de couche de cordes vocales. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles vous voir dans le prochain. 17. BTP Refroidissement Lesson 16 Vocal String Couche: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, donc dans cette leçon, elle va être très rapide. Nous allons simplement ajouter une sorte de couche de cordes vocales, refroidissant par une couche de cordes vocales, même si ce n'est pas vraiment une corde, simplement parce que ce sera une note constante plutôt que vraiment prête à être vocale ? C'est donc juste une sorte de son chanté par Acquire ou autre. Et nous allons juste l'avoir comme note constante pour revenir à la structure de la chanson. C'est-à-dire que nous voulons vraiment que les choses restent intéressantes et évoluent au fur et à mesure. Concentrons-nous sur la première moitié de la piste pour le moment. Dans la seconde moitié de la première moitié, nous avons le piano, mais nous n'avons pas vraiment obtenu de monnaie à mi-chemin. Nous avons donc vraiment besoin de quelque chose sur la barre 8. Ça fait donc 8 bars de là à là. Nous avons besoin d'ajouter quelque chose ici. Et pour ce faire, nous allons simplement ajouter une corde vocale et dire, laissez-moi la mettre dedans, puis vous pourrez entendre ce que c'est et nous en discuterons un peu plus en détail. Découvrons où nous en sommes. Alors, on y va. Voix féminine en C. OK, ajoutons-la à une piste de sampler. Et dessinons simplement le n. Nous passerons donc directement à la fin de la première mi-temps. Alors, j'ai raison. Alors, placez les pads et baissez-les un peu pour commencer. Et dessinons notre note midi. Nous voulons donc qu'il soit en C parce que les tropiques peuvent voir. Jouons-y un peu plus en arrière. Essayons une octave plus haut. Il suffit donc de le soulever vers le haut et de ne pas enregistrer normalement la plupart des portes C'est Shift et appuyez sur les flèches vers le haut ou vers le bas pour le déplacer vers le haut. Une octave peut être différente de la vôtre, mais je pense que c'est assez courant. Essayons comme ça. J'aime bien les aigus un peu trop forts, évidemment, et nous devons y ajouter une certaine réverbération. Je pense qu'il faut donner beaucoup de réverbération. Et baissons-le un peu. Pour obtenir le bon volume. Nous voulons le jouer un peu plus en arrière afin de pouvoir évaluer le niveau avec plus de précision lorsqu'il arrivera. Donc, ce qu'elle veut faire ici, c'est simplement lui donner une petite avance. Nous pourrions donc utiliser l' enveloppe de l'ampli pour le faire. Je peux le faire très simplement dans l'échantillonneur d'assurance qualité simplement en saisissant cette enveloppe, qui ressemble à une autre enveloppe. Disons simplement que non, vous ne l'aurez peut-être pas. Nous allons donc simplement, dans ce cas, utiliser l'enveloppe de l'ampli. Juste pour que vous qui n'avez pas la même fonctionnalité puissent faire la même chose. Donc, en gros, il fait la même chose de toute façon. Il faut que ce soit un peu plus long. C'est déjà parfait. Je veux juste une légère avance. pas comme si un démarrage soudain de la voix féminine est pas comme si un démarrage soudain de la voix féminine était peut-être un peu plus soudain qu' un peu trop lent. Je dirais que c'est parfait. Le niveau n'est pas mal. Nous voudrions peut-être modifier cet argent d'une fraction pour impressionner, mais nous ne voulions pas vraiment qu'il retiré à aucun autre élément. Nous voulons juste qu'il les complimente, qu'il soit assis en dessous, mais il veut aussi qu'il soit visible en même temps. OK, donc ça sonne comme un droit. Maintenant, copiez-le à nouveau. C'est donc également la fin de la seconde moitié de la piste. Je vais donc juste le copier. OK, désolé, il suffit de le faire glisser sur la mauvaise piste. Mettons un terme à la voix féminine. Comme vous pouvez le voir, il joue un son constant. C'est une technique très utilisée dans de nombreux genres différents. Pas seulement en milieu ambiant, mais il est utilisé, je pense, beaucoup en milieu ambiant. Soudain, j'entends beaucoup de choses dans les morceaux que j'ai écoutés. Et ce n'est qu'une façon d' ajouter quelque chose d'un peu différent à votre mix, un peu de variation. Et cela ajoute un peu plus que lorsque vous avez une voix féminine plus aiguë, Oh, comme ça, cela a tendance à lui ajouter de l'énergie également. Très bien, alors c'est tout. Rien de plus n'était nécessaire pour le faire. Bien entendu, nous pouvons trouver un équilibre final lorsque nous arriverons à la phase de mixage, mais c'est à peu près une question de base. Je dirais. C'est tout pour cette leçon. Merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles voir dans le prochain. 18. BTP à la fraise ambiante Leçon 17 Structure de la chanson: Bonjour à tous, bon retour. Très bien, comme mentionné plus tôt dans le didacticiel, nous allons analyser les niveaux micro et macroénergétiques de ce morceau afin de mieux comprendre comment le reproduire sur d'autres pistes que nous pourrions faire. Pour utiliser une métaphore, une bonne chanson devrait être une bonne politique. Ça commence doucement, les gens parlent, boivent, se détendent. Peu à peu, la musique devient plus forte, les gens s'enivrent, les gens commencent à danser. Peut-être que vous faites une pause pour manger, boire un verre, puis vous vous remettez à la danse, vous passez un moment dans votre vie, puis tout se termine. Et une bonne politique se termine toujours par le fait de penser : « J'en veux plus ». Et cela ne se termine pas trop tôt car c'était comme une fête d'une durée de 5 minutes. Cela s'est terminé trop tôt parce que tu t' amuses tellement et tu ne voulais tout simplement pas que ça s'arrête. Vous voulez que votre morceau se termine avec des gens qui en veulent plus, comme s'ils n'en avaient tout simplement pas assez. Maintenant, évidemment, cela va être à un certain niveau, très subjectif entre les personnes. Certaines personnes adorent certains morceaux et d'autres détestent ces morceaux, donc on ne peut pas plaire à tout le monde. Mais si l'on met cela de côté, tout se résume à une question de tension et de relâchement au niveau micro et au niveau macroéconomique. Dans les leçons précédentes, j'ai expliqué comment résoudre une progression d'accords se terminant par quatre ou cinq accords , puis en revenant à un accord unique. Et cela lui donne une progression d' accords, un sentiment de résolution ou d'achèvement. C'est déjà une application de tension et de relâchement au niveau micro, cela fonctionne un peu comme ça. Plus vous vous éloignez d'un accord, plus cette tension augmente, et plus cette tension dure longtemps, la sensation de relâchement est grande lorsqu'elle revient à un accord unique. Cependant, si vous vous éloignez trop longtemps d'un accord, cette tension s'effondre en quelque sorte. Et cette tension, au lieu d'être relâchée, se transforme en d'autres émotions. Et cela ressemble normalement à une émotion comme l'anxiété, le malaise ou l'inconfort en avion, une astuce utilisée dans les films d'horreur, par exemple pour susciter un sentiment de malaise et d'anxiété. Tout se fait par le biais de la musique , en grande partie par la musique avec des accords vraiment dissonants qui n'ont jamais été résolus. Il y a donc toujours une sensation de tension, mais elle ne se relâche jamais. En musique, il est très important de toujours équilibrer la tension avec la libération. Maintenant, pour moi, ce n'est que mon opinion personnelle. Prêt ? Mais la progression d'accords la plus longue qui devrait être utilisée ressemble vraiment à une progression d'accords à huit mesures. Donc, un qui est si long. Maintenant, dans celui-ci, c' est légèrement différent. Cela ressemble plus à une progression d'accords à quatre , car elle revient à un accord après 4 mesures. Nous pourrions donc, par exemple, avoir un accord différent ici au lieu d'un seul accord. Et ça va quand même parce que ça va toujours passer des quatre accords à un accord après 8 mesures. Cela marchera, mais personnellement, je n'irais pas plus loin que ça, comme une progression d'accords à 16 mesures où on ne revient pas à un accord, on ne revient pas à un accord, à mon avis, ce sera trop. C'est juste trop de tension et pas assez relâchée, donc l'équilibre est déséquilibré. Mais évidemment, c'est quelque chose qui ne fait qu'expérimenter. Tu es tellement pleine de lumière. C'est donc en quelque sorte ainsi que nous générons de la tension et relâchons à l' échelle micro avec la mélodie. Et d'ailleurs, c'est toujours le cas si vous n'utilisez pas d'accords, mais que vous avez, disons, une ligne de base qui se répète toutes les deux ou quatre mesures, par exemple il existe différentes manières de créer cette tension et sortie et pistes. Il n'est pas nécessaire que ce soit une progression d'accords ou une progression d'accords est un excellent moyen de le faire. Et aussi, des choses comme des styles de danse plus difficiles. La tension et le relâchement sont beaucoup plus concentrés à l' échelle macroéconomique, à plus grande échelle. Donc, augmentez la tension au fil du temps et augmentez les pannes et les accumulations, puis faites le plein d'énergie dans les sections de chute ou de base. Il y a toujours de la tension et sur une plus petite échelle dans ces morceaux, mais une sorte d'équilibre passe à l'échelle macroéconomique plutôt qu'à l'échelle micro. Il se présente simplement d'une manière légèrement différente des morceaux plus mélodiques. Je vais prendre une tournure un peu tangente. Mais si vous voulez vraiment en savoir plus allez voir la masterclass sur la structure des chansons, n'est-ce pas, donc pour résumer la tension et le relâchement au microscope, parfois toutes les 4 mesures et en particulier toutes les 8 bars et 16 bars, nous avons un cycle de tension puis nous relâchons cette tension. Et qu'est-ce que cela apporte ? Cela signifie qu'il y a toujours cette nuance constante de « push and pull » dans vos morceaux qui permet à l'auditeur de rester engagé, qu'il s'en rende compte ou non, à un niveau conscient et à certain niveau C'est assez hypnotique. C'est pourquoi il est très important de travailler sur cette progression d'accords et d'utiliser des éléments tels que des accords de septième ou des accords empruntés accords sus et des éléments de ce genre pour mettre le push et le pull de la progression d'accords. Ensuite, à plus grande échelle, la même chose s'applique, mais évidemment à une plus grande échelle. Donc, disons, concentrez-vous sur la première moitié de ce morceau. Ainsi, jusqu'à la fin de notre progression d' accords de 32 mesures, nous pouvons voir qu'à la fin de chaque progression d'accords de huit mesures, fur et à mesure qu'elle se résout, un nouveau cœur est ajouté. Donc, évidemment, ce sont d'abord les cordes Adagio en do, puis le piano, puis le suintement vocal féminin. Disons que chaque fois qu'il prend la résolution de revenir un peu en arrière, cela commence très doucement, mais la progression d'accords à huit mesures donne en quelque sorte de l'énergie, cela commence très doucement, mais la progression d'accords à huit mesures donne en quelque sorte de l'énergie, puis elle se relâche pour se répéter de la progression des accords, mais aussi en complément. Vous pouvez donc le constater car chaque section de huit barres ressemble une accumulation dans la section suivante. L'énergie ne fait donc que s' accumuler progressivement au fil du temps. Nous avons donc un crescendo. J'ai à peu près cette énergie et ensuite elle servira à peu près à rien. Et maintenant, cela deviendra un peu plus évident à mesure que nous ajouterons plus d'effets spéciaux et d' autres choses de ce genre au morceau. C'est essentiellement ce qui se passe ici. Toute cette énergie s'accumule , puis elle ne sert presque à rien. Et puis, évidemment, on recommence, mais avec une énergie différente. Maintenant, je vais juste dessiner à quoi cela ressemble. C'est donc un bon moyen de visualiser le flux d'énergie de l'attraction. Nous commençons donc évidemment par une très faible consommation d'énergie. Ici en bas. Il s'accumule un peu au cours des huit premières mesures de progression. Puis, en guise de douceur, j'ai ajouté un peu d'énergie avec l' Adagio pour cordes. Et encore une fois, ce type de progression s'accumule très progressivement parce que c'est la même progression. Et encore une fois, nous ajoutons le piano, je dis que toute cette section prend très légèrement de l'énergie. Et encore une fois touché, il reprend de l'énergie. Et puis il y a une baisse complète d'énergie presque nulle. Ensuite, nous y retournons, mais nous revenons à la batterie et à la basse, donc l'énergie est un peu plus élevée. Et puis, encore une fois, le même genre de chose se produit. construisons donc progressivement de l'énergie. Nous terminons donc la piste et ensuite nous verrons un retour complet à rien. C'est la structure énergétique de base de la piste. Et c'est une bonne façon de visualiser les choses. Alors laisse-moi m'en débarrasser et j'ajouterai quel genre d'arrangements pop plus typiques, une sorte d'énergie qui quel genre d'arrangements pop plus typiques, une s' accumulerait dans le couplet, puis elle serait injectée dans le refrain et Tu as une bonne dose d'énergie. Il y en a un peu plus comme ça. Baisse vers le bas. Vous revenez au couplet qui crée de l'énergie, puis vous entrez dans le refrain. C'est donc ce genre de choses. C'est comme ce flux et reflux que vous pouvez voir ici et qui se poursuit jusqu'à la fin de la piste. Soares, un dessin horrible. Mais tu as compris l'idée. Ça monte, ça descend, ça monte, ça descend. C'est tout ce push and pull qui permet à l'auditeur de rester intéressé par votre morceau. Ce morceau d'ambiance est évidemment un peu différent, mais il a quand même cet effet. Cela ne fait qu'accumuler de l'énergie tout au long de la première moitié. Ensuite, il baisse , puis il prend plus d'énergie, puis il s'accumule à nouveau. Il y a donc un flux et un reflux légèrement différents. Et lorsque vous faites un zoom arrière, vous pouvez toujours voir que la première moitié du morceau ressemble presque une section d'accumulation pour la seconde moitié du morceau où se trouvent la batterie et la basse ligne à venir. Maintenant, une autre chose que je vais juste mentionner brièvement, c'est très, très importante lorsque nous parlons de tension et de relâchement. C'est la tension que vous créez dans votre morceau , quel que soit son contenu, que ce soit avec la mélodie à petite échelle ou avec l'arrangement lui-même. Supposons que l'accumulation se forme dans une section de chute, par exemple, tension et le relâchement doivent toujours être équilibrés. Donc, si vous avez beaucoup de tension, vous devez l'équilibrer avec beaucoup d'énergie lorsqu'elle se relâche. Donc, une sorte d' échec serait de dire, comme sur une piste de danse, que nous avons beaucoup d' énergie, comme une accumulation d'énergie très longue. Et puis quand ça tombe entre le coup de pied principal et la ligne de fond ou quoi que ce soit d'autre, si c'est vraiment décevant, comme s'il n'y avait presque pas d'énergie là-dedans, alors ce sera comme C'est super décevant à écouter. C'est assez bizarre ici, mais croyez-moi, cela arrive que des gens commettent cette erreur. Donc, si vous avez une méga-accumulation d'énergie, alors vous avez besoin d'oméga Energy Drop c'est à peu près aussi simple que cela. Pareil pour la mélodie. Donc, comme je l'ai dit, on ne peut pas rester trop longtemps à l'écart d'un accord parce que la tension devient trop forte. Vous devez donc trouver un équilibre en ne le faisant pas trop long. C'est un principe similaire, mais à un niveau différent. Très bien, c'est tout pour cette leçon. Dans les prochaines leçons, nous allons maintenant ajouter certains effets à ce morceau et les automatiser pour améliorer ce dont nous avons parlé, ce type de flux et reflux d' énergie sur toute la piste. Très bien, alors c'est tout. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles vous voir dans le prochain. 19. BTP Refroidissement Lesson 18 SFX Flanged Riser: Bonjour à tous, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons commencer à ajouter des effets sonores. Et cet interrupteur en particulier va ressembler à un à brides, avec des impacts, ça a l'air fou, mais c'est assez simple au final. Donc, ce que j'ai dans les fichiers de travail c'est celui-ci appelé Gentle Symbol March. Donc, évidemment, juste un élévateur à très haute fréquence, pas vraiment d'impact, mais juste un moteur, je suppose que vous pourriez l'appeler comme il veut le faire c'est juste pour le rendre un peu plus intéressant, c'est ajouter un effet de bride, mais nous y reviendrons dans une seconde. Une chose que je voudrais mentionner très rapidement, pour ne pas vous embrouiller, c'est que j'ai déplacé la corde Adagio et le suintement vocal féminin. Ils étaient jaunes et ils se situaient en bas des projets. Je les ai donc déplacés au cas où vous vous demanderiez d' où viennent ces choses. Et ce que je vais faire, c'est simplement sélectionner approximativement où je veux. Je vais le faire à mi-chemin de la seconde période. Mettons-en donc simplement cela dans nos projets. Juste une piste audio, c'est bien. Et il a été créé à ce tempo, vous ne devriez donc pas avoir de problème à l'intégrer tant que vous utilisez le même tempo, 84 bpm. Baissons le ton et écoutons rapidement. Cela a l'air bien, mais c'est peut-être un peu visible. Ajoutons donc simplement un effet de bride à cela. Je vais donc juste passer à mes inserts et presque toutes les portes devraient avoir un effet de bride. Soyez très surpris si le vôtre n'en est pas accompagné. Je suis sûr qu'il y en a plein de gratuits que vous pouvez télécharger, mais c'est parti. donc de brides ou d'effets temporels, c'est pourquoi nous avons un feedback différé. Cela ne fera qu'accentuer l' effet de bride que nous obtenons. Je vais donc juste utiliser cette assiette en solo. Maintenant, je suis totalement satisfaite de la quantité de flasque qu'il y a la profondeur des effets et tout le reste. Je vais donc utiliser uniquement les paramètres d'origine. La seule chose que je veux changer, c'est le timing. Je ne veux donc pas qu'il monte et descende si nettement, pour vous puissiez entendre qu'il n' entre vraiment qu' une fois toutes les barbes, c'est 11. Vous voulez donc changer cela. Je vais donc désactiver la synchronisation et je vais juste réduire à 0,1, donc c'est vraiment lent. Maintenant, le seul problème c'est que, comme il ne s'écoule pas au rythme, il jouera à des moments différents. Donc, si je dis de jouer depuis la barre 47, le flux de flanger sera déclenché. Et si je joue à 48 ans, ça se déclenchera. Chaque fois qu' il atteindra ce symbole, il sera en position. Donc, si vous pouvez l'imaginer, l'effet de bride oscille évidemment , comme nous pouvons le voir ici. C'est sur une onde sinusoïdale, donc ça monte et descend, ça monte et descend. Ce que je veux, c' est qu'il atteigne son apogée au fur et à mesure que le symbole atteint son apogée. Je veux qu'il devienne un peu Zhe. Et puis l' effet de bride est en quelque sorte dû à l'onde sinusoïdale. Il baisse au fur et à mesure qu'il passe ce point médian. D'accord, donc en gros, ce que je veux dire c'est que chaque fois que vous jouez le morceau, les effets de flasque seront différents à chaque fois que vous jouez le morceau. Donc, ce que nous allons faire, c' est le copier comme ça, disons huit fois, par exemple et ensuite nous allons le rendre avec l'effet de bride activé. Ensuite, nous choisirons celui qui possède les bons attributs. OK, alors allons-y et vous aurez probablement une meilleure idée de ce dont je parle, à savoir un changement rapide. Mon espace de travail est passé en mode plein écran. Très bien, alors allons-y. Je vais juste l'exporter. Je ne sais évidemment pas comment vous allez pouvoir vous en sortir sur votre morceau, mais il s'agira d'exporter, de rendre ou rebondir ou de termes différents désignant la même chose. Mais je vais juste exporter un mixage audio. Maintenant, je vais simplement l' appeler symbole de la Flandre. Je veux qu'il entre dans le camion quand nous aurons fini. Disons de créer une piste audio parfaite. Et évidemment, assurez-vous que la fréquence d'échantillonnage, la profondeur de bits et tout le reste sont exacts, puis exportez simplement. OK, nous y voilà. Nous avons notre symbole rendu ou exporté. Je peux soustraire, juste en l'augmentant légèrement. Il est au point de contrôle central. Je vais donc simplement désactiver celui que nous utilisons pour y placer les symboles. Et écoutons simplement ces symboles rendus avec les effets de brides activés. C'était assez serré, mais les effets atteignent leur maximum légèrement après le crescendo du symbole. Essayons donc le suivant. C'est presque parfait. Vous pouvez entendre les effets baisser ou la bride baisser en quelque sorte si vous le souhaitez C'est presque comme un effet Doppler. Ainsi, lorsqu'une voiture zoome devant vous de gauche à droite ou quoi que ce soit d'autre, alors qu'elle se dirige vers vous, cela ressemble presque à une hauteur plus élevée. Et puis, lorsqu'il passe devant vous, le son devient plus grave. Des effets à peu près très similaires. C'est donc le meilleur pour le moment. Nous allons simplement le raccourcir, donc nous l' avons et nous allons simplement vérifier les autres. C'est à peu près parfait également. Les pics sont trop tard, nous allons donc prendre le premier. C'est très bien. C'est certainement assez proche. Je ne veux pas être trop fou à ce sujet. Nous allons donc prendre celui-ci. Nous allons le déposer à mi-chemin , je crois. Vérifions-le. C'est un peu ça aussi. Très bien, donc la connexion est plutôt correcte. J'ajoute juste quelque chose d'un peu différent au morceau. Très bien, c'est tout pour cette leçon. Juste un petit mot. Et dans la prochaine leçon, nous essaierons d'y ajouter plus de sons d'effets, ou sons SFS, et de vraiment augmenter la tension et la relâcher sur ce morceau. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles dans le prochain. 20. BTP Liaison Leçon 19 SFX Arrangement: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, donc dans cette leçon, nous allons continuer à ajouter quelques sons SFS qui ajoutent vraiment à la tension et à la détente de ce morceau. Quelques petites choses. Tout d'abord, je vais simplement supprimer le symbole que nous utilisons pour générer le symbole à brides. Donc ça va juste s'en débarrasser. Je vais juste déplacer le symbole de mes fleurs, un alphabet qui peut rester, cette couleur convient comme le vert pour les effets, il suffit de placer ma région de boucle au-dessus de la piste. n'est pas moins nécessaire, mais c'est très bien. OK, donc la première chose que je voudrais ajouter c'est une sorte de tube sale ou Castro, qui arrive juste à la fin de la première moitié des morceaux, où il fait en quelque sorte des crescendos, en gros, ce que je veux. Je vais donc juste régler ma tête de jeu et ma baignoire 37. Passons à nos dossiers de travail. On a un coup de salive ou de crécerelle. Et voilà. Il suffit de l'intégrer dans les projets. Je vais juste le révéler. Quelqu'un a refusé, c'est super. Alors écoutons un peu. Nous devons donc automatiser cela pour réduire un peu le volume lorsque la batterie et tout le reste entrent en jeu. Nous y reviendrons dans la prochaine leçon lorsque nous parlerons de l'automatisation. Mais juste pour que vous sachiez, c'est en quelque sorte ainsi que cette première section des tendances doit évidemment avoir un impact un peu plus important, ce que nous examinerons dans une seconde. Des effets qui se répercutent très rapidement. Faisons simplement ça. Donc, une fois que tu auras le coup de pied, je vais juste copier le coup de pied Midea et tout supprimer sauf le premier coup de pied. Disons simplement que cela a un impact un peu plus important. Cela aura probablement un autre effet là-dedans. Dans une seconde, ce que tu vas ajouter. Mais pour l'instant, c'est bon. Passons donc au début des pistes. Je ne veux vraiment rien avant l'arrivée du piano. Écoutons un peu pour avoir une idée. Gardez également à l'esprit que lorsque nous aborderons l'automatisation dans la prochaine leçon, sera beaucoup plus douce et plus filtrée. Ce serait donc une construction et une énergie beaucoup plus douces. Donc oui, juste là, je veux avoir un impact légèrement ascendant et c'est sur celui-ci que je me suis en quelque sorte reposée au final. Cela provient également de notre pack d'échantillons en deux étapes. C'est très agréable. Mettons-en donc simplement cela dans nos projets. Assurez-vous de l'installer au bon endroit et de le baisser légèrement. Peut-être un peu trop fort. Nous voulons vraiment que cela ait un impact important. Désolée, j'essaie juste de trouver un équilibre parce honnêtement, nous avons quelques choses à venir ici. Nous avons les notes de basse du Paddy, vous avez le piano, et vous avez cet impact. nous faut donc encore le piano et les notes de basse sont les éléments les plus importants qui apparaissent ici. Et c'est peut-être juste un peu trop fort pour le moment, simplement parce que les impacts sur le piano s'en éloignent un peu. Encore une fois, nous venons tout juste de le mettre, nous devons donc l'écouter un peu tout au long du morceau. Donc, quand nous arriverons à la leçon de mixage, nous allons probablement peaufiner ce genre de choses juste pour les mettre parfaitement au point. Mais pour l'instant, c'est très bien. Nous pouvons en rester là. Pas d'accessoires. Je pense à ce que nous allons faire et à ce que nous allons simplement copier. Découvrons où nous le voulons. Donc, à la fin, là où nous avons ce son orchestral sale, laissons cela mener à cela également. Maintenant, je pense que nous devrions y avoir un effet de hausse un peu plus long. Donc, ce que je vais faire, c'est inverser la tendance. Donc, dans Cubase, c'est facile. Je peux simplement cliquer avec le bouton droit ou sur Alt et cliquer avec le bouton droit. Et puis passez à l'envers. Et je veux créer une nouvelle version. Évidemment, vous pouvez avoir à le faire chez vous, mais ce type d'opération est généralement assez simple. Et si vous ne savez pas comment procéder, il vous suffira d'une recherche rapide sur Google. Ensuite, nous allons nous en servir comme introduction aux sons orchestraux sales. Alors écoutons un peu, voyons à quoi cela ressemble. Cela ressemble à K, mais je veux aussi un peu de l'impact , disons que c'est épique . Je vais donc juste les découper et les utiliser ensemble. Donc, si je ne fais que du chocolat, du chocolat là, débarrasse et je le copie. Et voyons si nous pouvons faire en sorte que cela fonctionne. Maintenant, normalement, lorsque nous le faisons, nous voulons probablement baisser légèrement la première option. Écoutons-les en solo. Ça ressemble à ça avec le reste du morceau. Désolée, je pense que ce n'est pas la bonne solution. Nous voulons que cela ait plus d'impact que cela parce qu'il y a un coup de pied, un coup sale ou un coup de Castro aussi. Nous voulons que ce soit un peu plus bas et qu'il y ait simplement ce genre de bruit chaud et bas de gamme. Nous sommes donc en train d' équilibrer le volume entre les deux tubes. Pas trop mal. Maintenant, si j'utilise les commandes de volume des événements plutôt que de modifier le volume de l' ensemble du morceau, c'est parce que nous avons évidemment d'autres hits ici. Disons que nous sommes satisfaits du niveau auquel ils se trouvent. Je souhaite donc simplement modifier le niveau de volume de chaque événement plutôt que modifier le niveau de l'ensemble de la piste car cela affectera évidemment , car cela affectera évidemment tous les impacts des risers sur cette chaîne. Quelqu'un comme ça, c' est parfait pour le moment. Maintenant, nous allons en avoir un peu rassasié, nous allons voir des remplissages dans une leçon séparée, mais nous aurons un petit Phil montera là-haut, menant à la batterie, en disant simplement que ce n'est pas simplement Partez de nulle part. Mais encore une fois, nous y reviendrons dans un moment. Allons maintenant un peu plus loin dans la piste et ajoutons quelques éléments supplémentaires. Alors psy, à mi-chemin de la dernière section, nous voulons vraiment avoir un impact. En fait , désolé, j'ai le symbole de la bride au mauvais endroit. Je m'en excuse. C'est censé être là avant la seconde période. Et c'est juste un peu bruyant. Baissons ça, pour que ce ne soit pas trop écrasant. Faisons également en sorte que cela ait un peu plus d'impact. Donc, ce que je vais faire , c'est copier la première petite partie de nos impacts de hausse, qui est comme la partie haut de gamme. Symbole blanc inversé. Pour que vous souhaitiez également ajouter un peu de réverbération. Ajoutons donc cela. Cela l'aidera certainement à paraître un peu plus épique. Et je vais en dire plus épique sur les drops ici. Alors jouons à ça en fait. Absolument une tonne de réverbération. Maintenant, je veux que ce soit plus fort, bien sûr. D'accord. Passons à la partie sur laquelle nous travaillons ici. Nous avons donc une sorte de première moitié de l'impact de la hausse. Et ajoutons également un coup de cœur pour souligner en quelque sorte les impacts de cette deuxième section. À 15 ans écrasés. Encore une fois, c'est leur une réverbération un peu loufoque sur leur dix. OK, donc ça a l'air plutôt correct de la radio et il veut un dernier extrait. Je pense que nous allons simplement répéter la hausse des impacts juste à la toute fin du morceau. Donc, finissons ici. Et pendant que nous y sommes, voyons le sale hit orchestral arriver à mi-chemin également. Nous allons devoir travailler un peu là-dessus, que cela ne sonne pas tout de suite. Cela peut sembler un peu trop. Et je vais vous dire quoi, plutôt que de commencer ici. Faisons en sorte que celui-ci soit en retard. C'est peut-être même un peu trop tard. C'est pourquoi commencer un demi-battement trop tard. Et encore une fois, nous allons devoir automatiser cela. Nous voulons vraiment entendre le tout début de ce tube, puis le volume redescendre. Il ne domine donc pas le reste de la piste. Mais nous y reviendrons dans la prochaine leçon. Et puis nous aurons un dernier hit orchestral juste à la fin. Je vais donc simplement le raccourcir. Ce n'est pas trop long , recopiez-le. Et encore une fois, nous allons probablement automatiser cela également. Je vais juste faire glisser l'enveloppe de droite juste pour lui faire perdre du volume. Maintenant, bien sûr, c'est à vous décider quel type de son vous souhaitez utiliser. Vous n'avez pas besoin d'utiliser un tube orchestral sale tout comme vous n'avez pas à utiliser le son vocal que nous avons ici, à vous de décider. Vous pouvez utiliser différents sons si vous le souhaitez. Dis, j'aime vraiment ça. Effet. Cela te bouleverse presque un peu. C'est quelque chose d'un peu plus intéressant. C'est un peu dans le champ gauche. Donc, pour moi, cela fonctionne vraiment. Mais évidemment, pour vous, vous pouvez choisir le son que vous souhaitez. D'accord, donc je pense que nous en sommes à peu près là avec les sons des effets spéciaux. Écoutons maintenant le morceau en entier. Je vais juste laisser les choses aller de l'avant et nous pourrons avoir une idée précise du point de départ avant commencer à ajouter l'automatisation dans la prochaine leçon. Je n'en ferai donc plus dans cette leçon. Si vous voulez passer à autre chose, vous pouvez, mais sinon, restez dans les parages et nous aurons une idée de l'état actuel de ce morceau. Très bien, merci beaucoup d'avoir vu les mecs les filles te voir dans le prochain. 21. BTP - Leçon d'automatisation de la fraise ambiante 20: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons examiner l'automatisation. Donc, l'objectif principal, c'est de faire quelques corrections, comme ce que nous devons faire avec le tube orchestral sale, où nous devons baisser le volume pour laisser de la place à tout le reste dans le mix. Mais à part ça, nous l'utilisons vraiment pour souligner le flux et le reflux de ce morceau. Maintenant, ce n'est pas vraiment compliqué . Et il suffit d' ajouter de l'automatisation, je crois, juste au pad pour l'aspect émotionnel des choses, parce que tout fonctionne comme le même niveau de filtre. Nous devons donc faire ce commentaire un peu plus doucement au fil du temps et le développer progressivement. Alors que les cordes Adagio sont toutes contrôlées, la vélocité de ces notes est vraiment ce qui les aide à fluctuer. Et vous pouvez voir ce schéma , comme nous en avons discuté ils n'ont pas besoin d' automatisation, mais le pad en a besoin. Très bien, alors voyons exactement ce que nous allons faire. Je vais donc juste apporter un élément vital et nous allons en quelque sorte jouer avec le filtre. Je l'ai donc réglé au début de la piste, c'est très bien. Alors jouons. Elle. Ça commence avec un filtre en quelque sorte en bas ou quelque chose comme ça. Et puis il augmentera progressivement au fil du temps. Nous voulons donc vraiment déterminer la position de départ idéale pour le filtre de coupure. Essayons tout de suite , juste pour voir qu' il est un peu trop bas. Je ne veux pas commencer par le fait que l' Allemagne a un peu plus d'énergie que cela. Il ne nous reste plus qu' à l'automatiser. Ce que je vais faire dans Cubase, c'est définir la tête du jeu dès le début des projets. Je vais aller droit au but. Cela signifie simplement que maintenant, lorsque je clique sur Play et que je joue avec l'une des commandes essentielles, cela enregistre l' automatisation dans les projets. Évidemment, si vous utilisez une autre porte, ce sera différent, car FL Studio utilise l'automatisation, les sodas, Ableton, tout comme la logique. Et bien sûr, si vous avez suivi l'un de nos cours pour débutants qui couvrent ces portes, vous savez déjà comment procéder. Je vais juste appuyer sur Play et je vais juste modifier la coupure du filtre. Pour être honnête. C'est probablement déjà suffisant. Je voulais juste y ajouter une voie d'automatisation. Comme vous pouvez le voir, il est maintenant apparu. Dites simplement non. Si vous utilisez Cubase et que celui-ci n'a pas de barbe, il vous suffit de cliquer sur le petit bouton ici afficher ou masquer l'automatisation. Encore une fois, vous devez vous fier à votre porte et savoir ce que vous faites. C'est pourquoi nous avons discuté de la nécessité de savoir comment utiliser l' automatisation au début du cours. Maintenant, je l'ai dedans. Je vais littéralement dessiner ça. Ainsi de suite, il semble augmenter progressivement avec le temps. Donc, ce que je vais faire ici, est que nous avons trouvé notre point de départ. semblerait que pour l' instant, je vais également choisir l'état final de l' automatisation. Nous pourrions donc l'essayer tout de suite. C'est beaucoup, beaucoup trop. Peut-être quelque part dans les environs. Jouons-y avec tout le reste. Cela semble être le cas maintenant. Nous passerons au second semestre dans un moment, mais ajustons en quelque sorte l' automatisation au premier semestre. Je veux donc toujours que ça change de flux et de reflux. Et je veux aussi que lorsque nous passerons à la partie de piano, cela reprenne un peu d'énergie. Faisons donc un petit changement d'énergie. Cubase encore une fois, je peux ajouter une phase graduelle plutôt que d'être purement linéaire, pas la fin du monde s'il ne le peut pas. Et bien sûr, vous pouvez simplement ajouter plusieurs points pour créer ce qui semble être une sorte de courbure à l'automatisation. J'aurai besoin de l'écouter dans son intégralité pour vraiment savoir où devraient se situer ce type de niveaux. Quelque part là-bas pour le moment, c'est bien, c'est bon. Mais nous voudrons probablement le modifier un peu lorsque nous écouterons dans une minute. Mais pour l'instant, réglons le reste. Donc, au second semestre, je veux que l'énergie baisse à nouveau, pas tout à fait là où elle était au tout début, mais quelque part là-bas. Ensuite, nous allons avoir cette accumulation d'énergie. Encore une fois, probablement à peu près au même niveau, mais peut-être légèrement plus élevé. C'est donc un peu plus intense à la fin. Écoutons juste un peu. Ça commence probablement un peu trop bas là-bas. J'ai besoin d'un peu plus d'énergie quand ça arrive. Disons tous qu'il faut juste se contenter de ces tubes orchestraux sales, s' approvisionner parce que cela interfère vraiment avec le morceau, avec la ligne de base et tout le reste quand il arrive. Alors réglons simplement celui-ci. Maintenant. Je vais juste élargir la voie de l'automatisation ici. Et le premier qui apparaît toujours, si vous n'avez pas encore utilisé de voie d'automatisation , est toujours le volume, c'est ce que je veux utiliser ici. Faisons donc en sorte que cela soit un peu plus grand. Nous voulons qu'il baisse soudainement lorsque le coup de pied et la ligne de fond entrent en jeu. Donc, ici, ça va juste marquer un point. J'aborderai également un point plus tard. Donc, juste après la fin des tubes orchestraux car nous ne voulons pas affecter le volume des prochains tubes orchestraux pour le moment. Alors réglons ce problème. Et ajoutons-y un point. Et je vais juste le faire, vous pouvez évidemment le faire avec des points, mais je vais juste le faire en utilisant les points de contrôle centraux. Vous donnez donc un fondu non linéaire au volume. Vérifions donc que cela fonctionne. Ils ne sont pas mal. Je veux juste que ce soit un peu plus raide. Et nous pouvons, si nous le voulons, avoir un Taylor un peu plus long, je vais juste le jouer en solo. En gros, ça coupe tout de suite. C'est très bien. Nous voulons faire de la place pour ce coup de pied et ce but. Je vais juste essayer de le modifier un peu. Ce n'est donc pas aussi soudain, mais nous voulons que ce soit assez soudain. C'est parfait. D'accord. Génial. C'est pas mal du tout. Encore une fois, comme je l'ai mentionné, nous aurons un petit remplissage qui y mènera, mais nous y reviendrons dans la prochaine leçon. Passons maintenant au prochain tube orchestral, car ici, c'est très compliqué après son début initial. Cela sonnait fort. Désolée que Crush 15 soit trop fort. Nous ne voulons donc vraiment que la première partie. Et en zoomant, vous pouvez vraiment voir où nous allons vouloir réduire le volume. Je vais donc simplement ajouter un point d'automatisation, faire des choses très similaires. Allons donc jusqu' au bout à un moment donné. Ensuite, nous ferons à peu près la même chose sur place. Nous voulons donc vraiment entendre ce premier succès. Donc, pour le moment, ce n'est certainement pas équilibré. Cette section en particulier est un peu trop bruyante. Ce n'est pas assez important, il veut vraiment se démarquer en tant que fonctionnalité. C'est donc un peu de travail à faire ici, mais encore une fois, nous y reviendrons dans la leçon de mixage, plus que nous ne le sommes actuellement. Donc c'est très bien. Passons à autre chose. Celui-ci est déjà réglé avec la baisse du volume à la fin. Cela devrait suffire. Et c'est essentiellement là que nous allons terminer le morceau. En fait, je vais vous dire ce que nous allons dire. Nous avons le canal principal de sortie stéréo ici. Donc je veux vraiment qu'il finisse par embosser 0,76$, laisse tomber un point dedans, et nous laisserons juste un point dans 2 barres avant cela. Je vais juste le réduire. C'est donc là que la piste s'arrêtera, d'accord, jusqu'à en emprunter 76. Je pourrais même l'avoir un peu plus tôt, mais peu importe, c'est très bien. Nous allons nous en tenir à cela pour l'instant. C'est presque tout pour l'automatisation. Il y en aura un peu plus quand nous remplirons le tambour, mais il y a encore quelques choses que je voudrais ajouter aux cheveux, parce que j'ai juste l'impression que cette section pourrait se contenter d'un peu plus à la manière de S FX. Alors faisons-le rapidement. Donc juste ici, juste avant qu'il y ait une chaîne Dye JUCE , un échantillon apporte un peu plus d'énergie ici. Comme des effets un peu plus sages. Voyons donc ce que nous avons dans nos fichiers de travail. Et Fx devrait atteindre 26. Nous allons l'utiliser, mais nous allons l'inverser. Mettons-en donc simplement cela dans nos projets. OK, alors je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et je vais inverser la tendance. Il suffit de l'aligner avec 47. Tu éteins mon snap si ça t'aide. Ça a l'air sympa, mais nous avons certainement besoin de beaucoup de réverbération sur Next. Cela ne semble vraiment pas à sa place pour le moment. Ajoutons donc une réverbération ascendante. Laissez le montant total pour le moment. Tapez. Pourtant, cela ne semble pas trop mal. Peut-être un peu trop fort. Ajoutons donc que j'ai envie de tomber dedans, mais je n'ai pas vraiment envie de le répéter. Crush 15 va s'habituer dans un moment. Je veux donc qu'il y ait un peu de variation. Utilisons donc simplement une cymbale Ride et une sorte de coup doux et agréable . Alors jouons simplement ce costume. Ça a l' air plutôt sympa. Oui. D'accord. Comme je l' ai dit, tu dois trouver un équilibre entre certaines choses. Je pense que l'éthique a atteint 26 %, ce n'est encore qu'une fraction du côté du Cloud, mais nous y parvenons certainement. Un dernier son également, que nous entendrons bientôt. Voyons voir, autour du bar 49. Vous rendriez donc cette section un peu plus intéressante également. Et c'est le BTP CS, petit riser mélodique. Mettons-en donc simplement cela dans nos projets. Mettons-le jusqu'à la barre 51 parce que c'est un peu comme le point médian. Juste là. Nous n'assisterions pas à un pic juste avant qu'il n'arrive à emprunter 51 dollars, quelque chose comme ça. Jouons un peu avec ça , baissons-le. Et nous ferions tout aussi bien d' ajouter une réverbération parce nous savons que nous allons dire : augmentons-la un peu. Des jours heureux. Désolée, je sais que je vais vite, mais il s'agit littéralement de choses très basiques, suffit d'ajouter des envois. Ce n'est pas compliqué. C'est peut-être un peu trop tôt et un peu trop tard. Écoutons-y. Donc j'aime bien ce son qui est presque un peu discordant, mais pour moi ça marche vraiment. Donc, évidemment, vous pouvez choisir de l'insérer ou de le retirer, mais je l'aime particulièrement. Et cela ajoute simplement quelque chose d'autre dans cette section qui ne figure pas dans le reste du morceau. Moi, je tiens à ce que les choses restent intéressantes. Très bien, c'est tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous examinerons quelques tambours remplis juste pour maintenir l'énergie et aussi pour vous présenter la seconde moitié du Charles. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles dans le prochain. 22. BTP Ambient leçon 21 remplit: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons examiner quelques phrases de Phil pour aider le morceau à avancer et aussi pour introduire ce type de deuxième section ici. Faisons-le d' abord, il y a un tout petit remplissage que nous allons ajouter pour y ajouter du plomb. Trouvons donc cela. Donc, les CS B2B remplissent O2. C'est tout ce que c'est. Mettons-le donc dans nos projets et alignons-le. Il devrait donc être long exactement de deux battements à 84 BPM. Donc, c'est très bien. Assurez-vous simplement que cela ne se termine pas par un clic ou un pop où se forme l'onde, n'est-ce pas ? Le passage au point zéro, mais c'est très bien. Pas de soucis. Il suffit de faire un zoom arrière et d'écouter un peu. Ça, baise-le un peu aussi. C'est donc ce qui va mener à la deuxième section. Bien entendu, nous voulons y ajouter un peu de réverbération comme d'habitude. Je ne sais pas combien. Jouons un peu. Je pense que ça va être un peu trop. Je ne veux pas qu'il soit si lourd. Bien que nous puissions faire quelque chose génial avec l'automatisation des envois dans une seconde, nous verrons. Et vous pouvez entendre qu'il contient quelques informations panoramiques. Vous pouvez voir certains des tubes ici, évidemment plus forts sur une chaîne que sur l'autre. Et puis ça change en quelque sorte, mais pas beaucoup. Il est donc définitivement autorisé sur le canal de gauche pour commencer, puis il devient plus fort sur le canal droit. Donc, ce que nous allons faire, c'est juste accentuer cela un peu. Ajoutons une voie d'automatisation que je vais sélectionner. Au lieu du volume dans Cubase, il s'agit du panoramique standard vers la gauche et la droite. Vous devez utiliser celui qui convient à votre porte. Ensuite, nous allons simplement ajouter un point là et un point là afin de pouvoir automatiser librement entre les deux. Ensuite, nous allons simplement copier le positionnement de ce qui se passe dans cet audio. Donc, ici, au début, ça va plus vers la gauche. Nous allons donc accentuer cela. Ensuite, nous allons nous diriger davantage vers la droite, vers la fin pour que cela soit trop prononcé. Peut-être même que c'est un peu trop. Je ne veux pas devenir fou. Panning ici, juste assez pour souligner le fait qu'il est en train d'être peint. Cela fonctionne très bien. Donc, c'est tout à fait normal. Si nous voulions ajouter un peu plus de fluidité à cela, nous pourrions peu plus de fluidité à cela, quelque sorte commencer un peu plus de nulle part. Par opposition à ça. En fait, je le préfère avec le fondu. Donc, il suffit de partir d'un peu plus à zéro et passe doucement dans le film. Littéralement, il faudrait juste équilibrer le volume avec le reste du morceau et tout le reste. Mais encore une fois, nous n'en sommes qu' au stade préliminaire pour le moment. Nous aborderons tout cela dans les leçons de mixage à venir. Mais quelque part dans les environs , c'est bien pour le moment. Regardons maintenant le deuxième remplissage. Ceci. Je ne veux pas aller tous les 8 bars en seconde période, mais certainement dès le début. Donc tu vas compter 8 bars. Le premier Phil veut entrer ici et je vois d'autres domaines. Csf fill 01 dit de le faire glisser vers l'intérieur. Et nous devrions juste être dans la bonne position. Il est donc fabriqué aux mêmes 84 BPMN. Jouons simplement à ça. Pas vraiment balancé, mais c'est un peu paresseux ce film que j' aime bien trop fort. Et bien sûr, ajoutons un peu de réverbération. Donc, le prochain endroit où nous pourrions en mettre un est ici, à mi-chemin la seconde moitié, où le piano entre en jeu. Mais je pense qu'il y en a déjà assez. Je ne pense pas que nous voulions vraiment ajouter un autre élément au mixeur, j'essaierai de toute façon, mais je ne suis pas sûr que cela fonctionnera. Fonctionne. Encore une fois, nous devons rééquilibrer tout ce qui se passe parce que c' est un peu compliqué. suffit donc de les copier également. Ils sont donc dans la même position pour les dernières parties de la seconde période. Et je pense que nous voulons qu'ils soient un peu plus réverbérés pour qu'ils soient vraiment visibles. Donc oui, ça avait l'air plutôt bien. Donc il n'y a rien à voir là-dedans. Mais je vais juste souligner tout cela, et y aller parce que vous avez ce petit son au début. Je vais donc simplement les raccourcir, ajouter un fondu à chaque extrémité. n'est pas la chose la plus importante au monde, mais le fait de tout garder bien rangé. Je pense que nous y sommes à peu près. C'est donc le moment écouter du début à la fin, pour vraiment s'assurer que tout est à peu près au bon endroit. Sf XY est un système d'automatisation. Ensuite, nous pouvons passer au mixage, que nous examinerons dans la prochaine leçon. Mais tout d'abord, nous allons écouter cela pourrait apporter des modifications au fur et à mesure. Nous verrons en termes de volume et d'autres choses de ce genre. Quoi que nous fassions, nous en parlerons à la fin. Alors, tu nous as donné une place pour toi ? Juste une question rapide. Je vais arrêter ça. Dites simplement non, nous ferons également de la planification. Ce sera la leçon à tirer. Après la prochaine. Dites simplement non, nous n'allons pas tout mettre entre les deux. Nous élargirons en quelque sorte ce mix au fur et à mesure. Ça avait l'air plutôt bien. Cela doit être changé, cela se fait rapidement et peut-être même un peu trop fort. Cela est donc dû à l'instrument sampler pour la voix féminine. Et laissez-moi passer au mode application. Zoomez un peu et je vais juste allonger l'attaque si vous avez essayé 1 s. Je vais écouter le bouton. En fait, je pense qu'il faut vraiment que ce soit très doux, qu'il suffit d' entrer et de l'allonger. Je viens de remarquer quelque chose où le chapeau tombe en même temps que ce genre de chose. Affectez les sons ici. Je ne veux pas vraiment que le chapeau tombe en même temps. Donc, pour vous en débarrasser, il suffit de sélectionner tous les chapeaux, car ils mesurent tous 2 barres de long. Et je vais juste raccourcir le milieu de la journée. Nous n'entendrons donc les chapeaux que dans la deuxième barre. Donc, ce que je vais faire c'est que pour l'instant je ne vais pas les supprimer, je vais juste les désactiver. Mais je vais trouver ces sons qui tombent aussi bien en même temps qu'un autre son. Donc, dans ce cas, c'est ce genre de paris vocaux hahaha et rangez ça un peu. C'est comme si, c'était bon. Je vais le faire pour le reste. Donc, littéralement, tous les autres, je vais juste les mettre en sourdine. Et je dirais : ce que nous allons faire également, c'est automatiser le volume du canal des effets de réverbération. Donc, quand ça arrive, ce que je veux, c'est que nous entendions vraiment la réverbération qui se produit sur ce report de fond lorsque la basse et le coup de pied entrent en jeu. Donc, je veux que ça ne s'arrête pas mort est probablement pas le bon mot ou la réverbération pour arrêter n' est probablement pas le bon mot ou la réverbération pour arrêter et laisser immédiatement de la place au kick et à la basse plutôt que d'avoir la queue de la réverbération ici. Donc, ce que nous allons faire, c' est passer à notre groupe de réverbération principal notre groupe de réverbération principal, à notre bus ou à ce que vous utilisez. Et nous partons du bar 39, donc je vais juste y faire un petit plongeon. Mettons un point ici pour ne rien affecter d'autre et je vais juste faire en sorte rien affecter d'autre et je vais juste faire que les choses soient incluses comme ça. Et puis revenez tout de suite en arrière. Voyons à quoi cela ressemble. C'est un peu trop. Je voudrais ajouter juste un tout petit bout de cette réverbération. Quelque chose comme ça donne juste un peu plus d'impact au coup de pied et à la basse. Peut-être que cela devrait être un peu plus comme ça. Ça a l'air cool et nous allons également faire de même avec ce tube vocal ici. Disons que je veux que cela soit également atténué ou que la réverbération soit atténuée ici. Faisons donc la même chose à, en quelques points. Et voyons à quoi cela ressemble. Quelqu'un, donc vous avez ce genre d'effet presque comme si cela arrêtait la mort. Ajoutons simplement un autre point pour prolonger cette sorte de silence réverbéré. C'est un peu trop long, mais à peu près, c'est à peu près ce qu'il veut. J'ai presque l'impression que les morceaux aspirés et c'est un peu comme avoir une chaîne latérale dessus, comme si elle trempe la réverbération et qu'elle revient lentement en quelque sorte. Voilà donc l'effet, celui-là. Faisons-le donc pour chaque fois que cet extrait vocal arrive, en disant « basé sur les touches », je peux copier l'automatisation dont je dispose. Si je maintiens la touche Alt ou Option enfoncée sur un Mac, puis la touche Contrôle ou Commande sur Mac. Je peux le copier, évidemment , si vous ne pouvez pas le faire, c'est très bien. Ne t'inquiète pas pour ça. Vous pouvez simplement le dessiner si nécessaire. Maintenant, j'ai perdu ma place complètement plus lourde. C'est là que nous voulons automatiser. C'est bon. Et voyez ça une dernière fois. Mets-moi juste la tête du jeu maintenant pour savoir où je vais vraiment aller à Los Times, je t'en prie. Nous le ferons donc à chaque fois que ce type de son hahaha arrivera. Assurez-vous que nous le mettons au bon endroit. Oui, c'est exact. Génial. Et puis la dernière est la barre 67. Les changements de maturité sont un peu plus évidents , aussi cool que le hit hahaha. Et encore une fois, nous allons simplement copier l'automatisation. Assurez-vous que c'est bien allumé, puis Happy Days. Donc, c'est très bien. Cela ajoute simplement un peu de variation aux meilleures publicités, ce genre d'effets nuls. charge subtile, c'est vrai, mais elle est tout de même perceptible et je pense que cela a un effet positif sur l'ensemble de la piste. Maintenant ça a l'air, je dois avouer qu'elle ne sonne pas très bien. C'est un peu faible. Pour être honnête, j'ai l'air. Ça doit être un peu plus épique que ça pour vraiment s'adapter à ce rythme. Je vais donc juste trouver un autre son de chapeau. Je vais le faire hors écran pour que tu n'aies pas à me regarder regarder regarder 50 échantillons de chapeaux différents. J'espère que ce n'est pas beaucoup, mais je vous recontacterai dans une seconde quand tout sera terminé. OK, j'ai donc passé en revue quelques chapeaux différents et j'en ai trouvé un qui, selon moi soustrait un peu mieux aux costumes. Ce n'est pas très différent, mais cela fonctionne certainement un peu mieux. C'est-à-dire que Cool tombe dans l'œuvre. Btp H t1, ouvrez le chat 11, celui-là. Il suffit donc de remplacer le chapeau dans le sampler. Dans Cubase, c'est très simple. Il vous suffit littéralement de le faire glisser et le déposer au-dessus de l' échantillon existant pour le remplacer. Obsolète. Votre échantillonneur peut varier en fonction de votre porte, mais remplacez-le simplement par ce chapeau. Je suis également passé au midi, en entier. Et je l'ai changé. Donc c'était sur un, au lieu d'être sur C3, c'est sur A2. Et ce petit triplet de remplissage commence également sur A2, en descendant. Rien que le ton fonctionne un peu mieux. Alors jouons simplement à ça. Encore une fois, cela n'a rien de tel que d'innover, mais cela convient simplement pour suivre un peu mieux. Continuons à écouter attentivement et en gros, je vais recommencer à partir de là parce qu'il a eu une sorte de pause entre les deux. Disons, écoutons à nouveau la seconde moitié. C'est comme si je voyais évidemment que j'ai essayé un ton de chapeau différent mais je l'ai annulé, disant qu'ils apportaient des modifications. Une chose que je remarque dans cette seconde moitié, c'est que le piano se perd un peu plus par rapport à tout le reste. Nous allons maintenant aborder ce sujet un peu plus en utilisant l'égaliseur dynamique dans l' une des prochaines leçons de mixage, mais je peux aussi le modifier un peu. Je vais maintenant passer à cette dernière section. Et si je sélectionne tous les signaux MIDI, je vais simplement en modifier la vitesse. Fais en sorte que ce soit un peu plus fort. Est-ce que les impacts des touches seront un peu forts pour qu'ils soient plus visibles dans le mix. Ça a l'air mieux. Je viens donc d'écouter ce battement de batterie ici. On dirait que j' ai pensé que ce petit morceau interférait un peu avec le reste du morceau, mais ça sonne bien. OK, c'est comme si j' avais l'air bien jusqu'à présent. Évidemment, il faut absolument un bon mix, que nous examinerons bientôt, mais nous sommes de plus en plus dégoûtants. Tout le monde. Des trucs adorables. Merci beaucoup d'avoir regardé. À voir dans le suivant, au revoir. 23. Leçon de refroidissement ambiante BTP 22 Se rendre sans effort: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, donc juste un petit mot pour cette leçon. Comme nous abordons le mixage des choses maintenant, dans cette leçon, nous ne faisons rien au morceau. Nous allons discuter de l'approche. Vous devez avoir des mélanges faciles. Donc, si vous êtes déjà totalement confiant à ce sujet, vous pouvez, si vous le souhaitez, passer à la leçon suivante où nous commencerons à examiner les éléments du morceau. Très bien, donc ce que je veux d'abord faire, c' est dissiper un petit mythe du mixage qui, selon moi , est très dommageable pour les personnes qui en sont à leurs premières années de production musicale. Normalement, lorsque vous parlez de mixage à quelqu'un, il peut penser à une sorte de mixage de volume, compression, à une saturation de l'égaliseur ou à ce genre de choses. Et toutes ces compétences sont nécessaires et précieuses. Mais en fait, la plus grande différence pour obtenir de bons mélanges, comme 80 %, c'est la capacité de choisir les bons éléments en premier lieu. Cela a bien plus d'impact que n'importe quelle compétence technique, mais encore une fois, le fait d' avoir les compétences techniques ou les connaissances techniques vous aidera à obtenir les 10 à 20  % restants au stade du mixage. . Mais aucune de ces compétences techniques ne vous aidera si vous choisissez les mauvais éléments de votre morceau au départ, ou du moins, si vous commencez par des éléments qui ne fonctionnent pas ensemble, va être le contraire d'un mix facile. La première étape pour vous assurer de réaliser des mixages sans effort consiste choisir les éléments qui font bon son et B qui fonctionnent ensemble ? La première partie est vraiment assez évidente. Par exemple, si vous avez un chanteur et que la performance est mauvaise, le camion lui-même ne sonnera jamais aussi bien. Vous êtes aussi fort que le maillon le plus faible et vous pourrez peut-être le rendre un peu meilleur que dans son état d'origine grâce à des techniques de traitement et de mixage, mais ce ne sera jamais génial. en va de même pour chaque élément de votre morceau, de la batterie aux rôles principaux. La première étape, même si elle prend un peu de temps, devrait donc même si elle prend un peu de temps, être relativement facile en fonction votre niveau de compétence, de vos connaissances et des échantillons d' instruments dont vous disposez pour tous les niveaux. de l'habileté du musicien que vous enregistrez. La deuxième partie demande un peu plus de soin, à savoir s' assurer que les éléments fonctionnent ensemble. Il y a quelques éléments à prendre en compte lors du choix des bons éléments. Le premier est le rythme. Maintenant, cela devrait être assez évident, et je pense que c'est surtout intuitif pour la plupart des gens. Mais disons, par exemple, que vous avez une base agitée sur une piste agitée et peut-être même un motif arpégé sur votre morceau. S'ils jouent tous un rythme différent, cela ressemblera probablement à un gâchis. Donc, un moyen de le faire fonctionner serait d' avoir votre base de référence découpée. C'est très bien Et puis prenez une piste qui contient notes plus soutenues au lieu d'être entièrement découpée, alors même votre œuvre d'art pourrait aussi bien fonctionner dans ce mix. Vous devez équilibrer les rythmes des éléments utilisés dans vos morceaux. Encore une fois, cela est peut-être compris de manière plus intuitive par certaines personnes, mais cela vaut vraiment la peine de le noter car certaines personnes commettent cette erreur. Ils ont juste trop de rythmes contradictoires, ce qui rendra le mixage très difficile. Passons ensuite à la fréquence. Vous n'avez donc pas à craindre que la ligne de base n' interfère ou ne masque les chapeaux hauts, car ils se situent dans plages de fréquences complètement différentes. Mais vous devrez peut-être craindre qu'un son de plomb n'interfère avec le son du chapeau, surtout si ce fil est focalisé sur les très hautes fréquences et contient peut-être du bruit supplémentaire, du bruit blanc également. Ensuite, vous avez le chapeau, qui a une texture très similaire à celle du White Noise Again ou du Tom Rotor. S'ils ont des textures similaires et la même plage de fréquences, ils auront tendance à se fondre les uns dans les autres et le chapeau se perdra dans le mix. Et pour éviter cela, nous pouvons utiliser un chapeau avec un Tambora différent, ce qui nous amène évidemment à Tambora. Maintenant, je parle souvent de Tambora comme de la texture du son. Vous pouvez donc avoir une texture dense, une texture creuse, ce genre de choses. Nous utilisons des noms descriptifs pour la manière dont vous décrivez le son. Et c'est ce que vous devez prendre en compte lorsque vous avez deux éléments qui ont un rythme différent mais occupent la même plage de fréquences. Poursuivons donc notre exemple du bruit blanc, du plomb lourd et du chapeau lourd White Noise. Dans ce cas, vous pouvez simplement remplacer le chapeau par un chapeau dont l'heure est très différente. Quelque chose qui fait moins de bruit blanc, comme une texture plus dense, par exemple , se démarquera du fil, même s'il se trouve dans la même gamme de fréquences. Maintenant, si rien de tout cela ne fonctionne, vous devrez probablement choisir un nouvel élément ou un son différent, essayer un rythme différent, etc., jusqu'à ce que vous trouviez quelque chose qui fonctionne vraiment bien pour ton morceau. Voyez cela comme une sorte d'audition de différents acteurs pour différents rôles dans votre pièce. Donc, si vous considérez tous ces éléments lorsque vous choisissez les éléments de votre morceau vous obtenez des sons qui sonnent bien, mais qui fonctionnent également très bien ensemble. Vous constaterez alors que le processus de mélange est beaucoup plus facile que si vous n'avez pas d'éléments qui fonctionnent naturellement ensemble. Et c'est peut-être l'erreur fondamentale que la plupart des débutants ont tendance à commettre. Et c'est-à-dire qu'ils trouvent simplement ces sons qui peuvent sembler incroyables à eux seuls. Mais quand ils sont assemblés, ils ne fonctionnent pas vraiment. Et puis ils passent du temps à essayer de les compresser ou de les égaliser et tout le reste pour essayer de les assembler. En fait, ils ne fonctionnent tout simplement pas vraiment. Donc, choisir les bons éléments qui fonctionnent les uns avec les autres représente littéralement 80  % du problème. Et puis vos compétences techniques, connaissance de l' égaliseur de compression, se situent entre 10 et 20 %. Et en passant, c'est pour cela que certains producteurs semblent se lancer dans la musique et ils le font pendant six mois ou un an. Et ils inventent ces chansons à succès numéro un. Évidemment, il faut vraiment être doué pour écrire des chansons, mais quand il s'agit de mixer, ils sont vraiment doués sélectionner des éléments qui fonctionnent ensemble, peut-être pas trop concentrés sur la façon de les utiliser compression, égaliseur ou autre, est-ce important ? C'est vraiment le cas. OK, donc ça suffit pour que je parle de ça. La dernière chose que je veux mentionner c'est qu'une fois que vous avez les bons éléments, vous devez bien sûr les équilibrer. Et c'est en quelque sorte là qu'entrent également en jeu une sorte d' égaliseur et de compression de base . Mais cela signifie également donner à chaque élément l'espace dont il a besoin dans le mix afin que tout soit clair et ne pas masquer autrement les autres éléments. Donc, l'analogie que j'utilise est la suivante : si vous avez des acteurs sur scène, vous avez l'acteur principal, disons que c'est la voix de votre mix. Vous avez tous les acteurs de soutien, la batterie, les acteurs principaux ou quel que soit leur travail qui consiste à soutenir et à travailler avec l'acteur principal. Mais si ces autres acteurs crient par-dessus l'acteur principal, alors ça va être un gâchis. Pareil pour la musique. Choisissez un élément dans n'importe quelle section de votre morceau et faites-en l'acteur principal. Donc, tout le reste votre morceau est censé être là pour améliorer cet élément et non pour crier par-dessus. Très bien, voici un aperçu du processus de mixage, est très important de le comprendre, et c'est tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous allons examiner tous les éléments de ce morceau. Merci beaucoup d'avoir vu les gars et les filles vous voir dans le prochain. 24. BTP Leçon de refroidissement ambiante 23: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons étudier certains des éléments de notre morceau. Mais avant d'entrer dans le vif du sujet, parlons très brièvement de la planification et de la manière dont elle est généralement abordée dans la musique moderne. Tout d'abord, il est important de faire la distinction entre quelque chose qui est mono et ce qui est placé au centre du mix. Donc, si quelque chose est mono, il ne contient littéralement aucune information stéréo. Mais lorsque nous parlons de quelque chose qui est centré, il se peut qu'il contienne toujours des informations stéréo. C'est juste que l' équilibre entre les canaux gauche et droit est égal. C'est donc considéré et sans importance, mais ce ne serait pas Mano. Ok, donc c'est juste une différence importante de comprendre que certaines personnes pensent que c'est automatiquement en mono, ce n'est tout simplement pas le cas lorsque vous dites que quelque chose est dans le point mort pensent que c'est automatiquement en mono . Très bien, donc quand il s'agit de mixer, d'une manière générale, les principaux éléments du morceau étaient « Dead Sensor », donc la basse, le chant principal, par exemple , vous pourriez avoir une très large avance sur votre morceau, ou vous auriez pu doubler, suivre les voix, tourner à gauche et à droite avec la voix principale au milieu. Maintenant, les deux auront une belle sorte de gros effets stéréo. Mais encore une fois, dans l'ensemble, ils occupent une place centrale dans le domaine de la stéréo. Maintenant, évidemment, n' hésitez pas à expérimenter, mais vous constaterez que la plupart des morceaux abordent un tableau de cette façon. Et pour cause, ce sont souvent les pistes avec un simple rembourrage. La plupart des éléments sont donc éléments principaux placés vers le centre un ou deux des éléments principaux étant plus larges dans le champ stéréo, mais toujours au point mort, comme le chant ou la guitare ou quoi que ce soit. Et puis dites un ou deux éléments peut-être trois ou quatre, peu importe. Peut-être certains des sons SFS qui sont ensuite diffusés de gauche à droite dans le champ stéréo, ce qui donne une sorte de stéréotype à votre morceau. Donc, juste pour donner un exemple, passons en revue et faisons de même avec ce morceau afin que vous puissiez en quelque sorte comprendre de quoi je parle dans ce morceau. De toute évidence, le pad principal est l'un des principaux éléments de la piste. Donc ça va être écrit. Au point mort. Nous n'allons pas changer cela, mais il a également une certaine largeur stéréo. Il ne s'agit pas simplement d'un son mono. La base de référence sera presque toujours au point mort. circonstances très, très rares ou simplement des pistes très expérimentales où quelqu'un pourrait choisir de déplacer la ligne de base d'un côté ou de l'autre. Je ne le recommande pas particulièrement. Et puis les tambours, bien sûr, sont à peu près tous tournés, au point mort également. Et puis, bien sûr, les autres éléments, donc le piano, le piano sont des éléments principaux, mais on peut jouer un peu avec ça. Les cordes Adagio en do, qui ne sont pas vraiment considérées comme des éléments principaux. Donc, la première chose à faire est de déplacer les cordes du Digest et le piano dans des directions opposées. Donc, dans Cubase, c'est assez facile. Je veux dire, cela devrait figurer dans les paramètres de la chaîne, mais nous pouvons simplement changer le panneau ici. Essayons donc comment c'est, expérimentons un peu pour quand cela arrivera. J'essaie vraiment de faire sonner les cordes comme si elles venaient du côté gauche, mais pas complètement. Ils veulent également avoir un petit signal provenant du haut-parleur droit. Et puis, quand ce piano arrivera, je veux qu'il vienne du côté droit. Passons également cela un peu en revue. Encore une fois, ce n'est pas trop fou, je ne veux pas que ce soit complètement dans le bon haut-parleur. Je fais juste ça pour les séparer un peu. C'est très sympa. Vous pourriez être un peu plus extrême si vous voulez vraiment un costume. Cependant, le piano étant l'un des éléments que je considère comme les principaux éléments, je ne veux pas le lancer trop à droite. En fait, il se peut même que nous soyons un peu extrêmes en prenant place complète sur la droite, mais j'aime bien le son, donc nous allons continuer comme ça pour le moment. Cela ne fait que rendre le mix un peu plus intéressant dans l'ensemble. Donc, tout va bien. Maintenant, dans cette seconde moitié, nous avons ce genre de succès musical qui arrive, ce son qui disparaît lorsque le piano entre en jeu. Donc, ce que nous allons faire, c'est déplacer ce son vers la droite, comme au piano. C'était environ 40 vers la droite. Écoutons juste un peu. Donc, quand la chaîne DYJ arrivera, elle sera sur la gauche. Cela sonne sur la droite. Et puis, évidemment, lorsque le piano entre et que ce son disparaît, il se trouve également sur la droite. Cela permet donc de maintenir l'équilibre stéréo. Il est plutôt décent comme ça, c'est très bien. Maintenant, je ne pense plus qu'à une chose que je veux faire, nos effets de cordes. Je veux que ces touches soient tournées alternativement vers la gauche et vers la droite. Passons donc à la voie de l'automatisation. Je vais passer du volume au mode panoramique. vois, tu n'es pas obligée de faire ça dans la porte de ton choix. Et je pense qu'au premier coup, je veux être au point mort , en marquant quelques points et ensuite nous aurons notre deuxième coup sûr. Ce n'est pas important, mais nous irons à gauche. Ensuite, nos troisièmes coups peuvent être dirigés vers la droite. Et puis encore une fois, les derniers coups reviendront vers la gauche. OK, donc c'est juste une petite variation. Rien de trop fou, mais juste pour rendre le morceau un peu plus intéressant. OK, c'est bon. Le simple fait de déplacer ce troisième point est un peu plus extrême sur le côté droit. C'est donc un peu plus visible. Faites même en sorte que ce coup commence sur la gauche, puis que vous revenez à Central. Mais peu importe, ce ne sont que des goûts personnels, ce ne sera pas révolutionnaire ne vendra plus d'exemplaires de ce morceau. D'accord, donc un panorama assez basique dans l'ensemble sur ce morceau. Évidemment, comme je l'ai dit, certains de ces éléments contiennent déjà des informations stéréo, comme le pad principal d'origine. Quoi qu'il en soit, c'est déjà beau Nous avons accordé un peu plus d'importance à certains autres éléments et nous l' simplement rendu un peu plus intéressant. De toute évidence, nous avons aussi quelques sons ici, comme notre petit remplissage qui est un peu clipsé également. Certains sons d'effets viennent donc d'avoir quelques informations supplémentaires sur lui. Et je pense que c'est à peu près tout ce dont cette piste a besoin. Très bien, alors merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles. Dans la prochaine leçon, nous allons aborder le mixage proprement dit. Je vois le suivant. 25. BTP Refroidissement Lesson 24 Mixdown: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons mixer tout ce morceau. Il s'agit donc principalement des dernières modifications que nous avons apportées comme l' équilibrage du volume au fur et à mesure. Il ne s'agit donc que de quelques derniers ajustements, un peu d'égalisation ici, une meilleure compression par-là, un égaliseur dynamique que nous allons utiliser également sur le piano qui demande un peu plus de travail à faire au piano que toute autre chose, juste pour trouve ça vraiment bien dans le mix. Mais tout d'abord, ne commencez qu'en seconde période. Et je vais juste commencer par le coup de pied et la basse. Maintenant, il est important de trouver le juste équilibre entre la première mi-temps et la seconde. Je vais donc juste le jouer à 4 mesures avant la fin de la première mi-temps, en commençant par le coup de pied et la caisse claire. Et je veux juste m' assurer le volume est bien équilibré. J'ai donc l'impression que le coup de pied a juste besoin d'un peu plus d'impact et que l' on y parviendra simplement en le soulevant aussi simplement que cela. Alors augmentons ça un peu. Fraction de trop, environ -4,6. Je vais aussi peut-être supprimer un peu le haut de gamme juste pour le contourner. Et je vais aussi assouplir un peu la réverbération là-dessus. Je pense que c'est juste un peu trop , ce qui ne va certainement pas améliorer le bas de notre piste. Tout seul. C'est bien mieux, je pense. Vérifions-le avec le reste du mix. Les touches de type D permettent vraiment d'apprivoiser ce son toujours cliqué qui se trouve au-dessus du coup de pied. Pas grand-chose, juste un tout petit peu, mais c'est juste un peu embêtant. semblerait que je voulais juste apprivoiser ça un peu. C'est très bien. Et puis le piège, je pense que ça sonnait plutôt bien, mais juste un peu plus fort. Donc, ce que je vais faire, c'est sélectionner ces deux canaux sur la caisse claire, O2 et le scénario pour échouer parce que évidemment, ils font partie du même instrument, donc nous voulons les augmenter en même temps heure. Donc, dans Cubase, je peux maintenir Alt ou Option plus Shift enfoncé. Et puis quand je modifie le volume de l'un, il augmente automatiquement l'autre par rapport à celui-ci. Si vous n'avez pas quelque chose comme ça dans votre porte, c'est très bien. Il suffit de les augmenter individuellement du même montant. Aucune invite. Dis quelque chose comme ça a l'air juste. Je vais juste revenir en arrière de quelques mesures à la fin de la première mi-temps. Même le coup de pied peut être légèrement plus fort que Troy, soit un légèrement plus fort que Troy, soit peu moins quatre -3,95. C'est très bien. Je veux juste avoir un peu de punch quand ça arrive par rapport à la fin de la seconde période. Et ça a l'air un peu mieux. encore un peu de déséquilibre là-dedans, comme si la fin de la seconde période devenait assez bruyante. C'est un peu un crescendo jusqu'à la fin de la section. Et puis quand le gamin arrive, cela semble presque un peu faible. Nous allons maintenant aborder ce problème d'une manière différente. Donc, ce que je vais faire, je vais le faire maintenant plutôt que pendant la leçon de mixage. Nous allons donc passer à notre piste principale Stereo Out, et nous allons ajouter un peu d'automatisation. Donc, à partir de là, où la seconde période commence à démarrer dans les buts et où tout entre en jeu. Nous allons y mettre un point. Nous allons inscrire un point au début et nous allons simplement le baisser légèrement. Et il va aussi y avoir une baisse de volume très lente au fur et à mesure que le morceau avance qu'il atteint ce crescendo, il devient évidemment de plus en plus fort. Nous sommes en quelque sorte en train de l' apprivoiser un peu en baissant doucement le volume. Plutôt comme ça. Jouons-y et voyons la différence que cela fait. Donc, en gros, l' idée est de donner à cette section ici où elle aura beaucoup plus d'impact en augmentant soudainement le volume. Maintenant, évidemment, vous ne voulez pas que cela soit trop visible. Cela ne veut pas être comme un énorme saut, comme si cela faisait vraiment peur aux gens. Vous voulez simplement que cela aide à trouver un équilibre entre le type de tension qui s'accumule dans cette section et le relâchement que vous ressentez lorsque vous entrez dans cette section. Ça a l'air bien mieux. Peut-être un peu trop, mais pas trop. Je pense que nous y sommes assez proches. Elle aime bien où c'était, dire qu'on va le garder quelque part là-bas. Peut-être pas autant, mais assez proche. Et nous pouvons toujours le modifier fur et à mesure de la leçon de mixage. Mais c'est le genre de chose que je veux faire. Nous commençons donc à enregistrer un volume légèrement inférieur à son volume complet. Petit à petit, une descente très lente puis un grand saut vers le haut pour donner de l'impact à la seconde moitié . Il y a un petit ajustement juste pour augmenter ce niveau de sauvegarde, juste un peu trop, mais c'est tout à fait normal. Je pense que nous allons bien. OK, alors je veux vérifier la prochaine chose. Je vais juste écouter ça un peu. Je veux juste savoir si ce suintement vocal féminin en seconde période est un peu trop important parce que nous avons pas mal de choses à faire maintenant, surtout pour un morceau d'ambiance, ça va surtout pour un morceau d'ambiance, un peu plus loin minimal prêt, donc nous avons la base, nous avons la batterie, nous avons le piano, nous avons le pad, quelques effets. Et bien sûr, nous avons cette voix féminine qui arrive. Je veux donc juste m'assurer que cela ne submerge pas le mix quand il arrive. Soyons honnêtes. Vous ne vous souciez même pas vraiment que quelqu'un le supprime. Parce que s'il n'entend pas vraiment quelque chose là-dedans , c'est simplement ne pas faire ce que c'est censé faire. Cela va simplement ajouter une sorte d' alimentation groupée à cette partie de la piste. Et tout est en quelque sorte en train de s'accumuler ici, donc nous n'en avons pas besoin là-dedans, c'est très bien. Il peut simplement rester dans la première moitié de la piste. Il fait beau là-bas. Très bien, donc la prochaine étape est dans la seconde moitié de la seconde moitié où cette boucle de batterie entre en jeu. Et nous avons notre tube d'orchestre sale, que j'ai mentionné et que nous allons devoir régler. Faisons donc d'abord le sale hit orchestral. Une chose que j'ai certainement remarquée c' est qu'il sonne un peu faible, donc il n'y a pas trop de haut de gamme, ou du moins l'équilibre est en faveur du bas de gamme plutôt que du haut de gamme. Laisse-moi rejouer ça. a juste l'air un peu boueux, presque ce bruit. Changeons donc l'équilibre. Accédez à notre EQ. Je vais littéralement ajouter une étagère haute. Je pense que cela doit être raisonnablement extrême. Nous allons donc augmenter de plus de six dB, modifiant simplement l'équilibre en faveur du haut de gamme. Écoutons juste un petit coup d'œil. Eh bien, évidemment, je l' ai renforcé avec des jeux d'égalisation très forts sur son Sénat. Pour le moment, si je le baisse, cela signifie que l'automatisation est activée. Donc, ce que je vais faire, c'est le modifier avec les voies d'automatisation. C'est assez facile à faire dans Cubase, certaines portes ne le sont pas aussi facilement, comme une modification rapide de l'automatisation. C'est donc assez facile à faire. Comme je le dis dans Cubase, nous pouvons le faire. Et je parlerai de quelques autres moyens de le faire. Mais trouvons juste ce juste équilibre. Ça a l'air bien pour le moment, non ? Alors dites simplement non si vous ne pouvez pas le faire avec l'automatisation Vous êtes donc un F L et c'est un peu plus difficile de le faire. Si vous avez un gain sur la chaîne, ce que je crois que vous faites dans FL Studio. Vous devriez donc pouvoir simplement ajuster l'avant-match en conséquence. Une autre façon de le faire est littéralement de charger un plugin EQ d'origine depuis votre porte dans Cubase RB studio EQ. Et il y a un atténuateur de volume sur le côté. Vous pouvez donc l'utiliser pour régler le volume séparément du fader de volume principal. Dans ce cas, mais c'est très bien. C'est juste une autre façon de procéder. D'accord, donc je pense que c'est la seule solution assez décente. Passons à cette partie, où le drame entre en jeu et où vous avez les hanches orchestrales sales. J'ai mentionné. Cette zone semble juste un peu bouleversante, il se passe trop de choses, alors il s'agit simplement d'écouter. Il veut donc avoir un son complet, mais c'est juste un peu trop. Je vais donc simplement augmenter le volume de ce crash, ou je ne voulais pas cliquer dessus. Je vais simplement suivre les voies d'automatisation et je vais procéder à l'automatisation des volumes. Découvrons, disons, qu' hit orchestral sale arrive sur un rythme décalé. Donc je vais juste perdre un point, disons un battement plus tard. Je vais juste faire quelque chose comme ça, juste pour qu'il baisse au moment où le coup de base arrive. Il suffit d'éliminer le crash et donner un peu plus d'espace à cette base. De plus, on n' entend pas vraiment la nouvelle boucle de batterie lorsque ce tube orchestral sale joue. Donc, si nous nous concentrons sur ce que nous entendons, je vais juste dire pendant une seconde. The Loop and the dirty orchestral hit. Vous n'entendez même pas la boucle. Je vais donc simplement le supprimer à partir de là. Et cela aidera également à mettre de l'ordre un peu. Et je pense que les coups peuvent même être un peu plus forts. Voyons voir. Je vais juste vérifier le niveau du premier. Donc, en fait, l'ensemble pourrait être juste un peu plus fort. Dis-le encore une fois, je vais juste rentrer ici. Augmentez cela un peu évidemment, abaissez-le un peu trop. OK, voyons maintenant à quoi ressemble celui-ci. Son et beaucoup plus propre qu'au moins on peut vraiment bien entendre les tubes orchestraux sales. Et ce n'est pas comme si cela ôtait vraiment quoi que ce soit d'autre. Je pense que cela a assez rééquilibré cette petite section. Maintenant, nous avons juste cette boucle, qui contient beaucoup de bas de gamme en ce moment. Je vais donc simplement filtrer à partir de z. J'utilise un filtre qui est en quelque sorte intégré aux paramètres des canaux de base CQ. Mais cela revient à remplacer la bande basse d'une bande 1 d'un égaliseur par une bande grave ou une passe haute. Même chose. Maintenant, nous allons juste remplir une partie de la base, probablement quelque chose comme ça. Mais évitons simplement une petite écoute. Donc en fait, il suffit de retirer le sous-marin, peut-être même une fraction de plus. Parce que ce sont des sous-bassins là-dedans. Cela va entrer en conflit avec notre ligne de base et rendre tout le bas de gamme boueux, et c'est ce qu'il faisait. J'espère que maintenant tout devrait bien se passer. Donc c'est sympa. Il a toujours un peu de punch, ce qui est très agréable. Et j'ai juste légèrement ajusté la réverbération pour l' apprivoiser légèrement. Maintenant, pendant que nous y sommes, réglons ce hit hahaha que nous avons en tête, comme les tubes orchestraux qui sonnent un peu du côté Dem. Supprimons donc un peu le bas de gamme qui correspond au même type de réglage de pente de 48 dB. Et je veux juste supprimer tout ce qui est vraiment inférieur 50 Hz ou tout autre sub qui s'y trouve. Et je pense que nous allons vouloir y ajouter une étagère haute, en augmenter le haut de gamme. Écoute juste une autre fois. Disons oui, éclaircissons un peu les choses. Fraction de trop. Et évidemment, maintenant j'ai augmenté le QE. Cela a évidemment modifié l'équilibre du volume. C'est un peu plus fort qu' avant. Je l'ai rééquilibré. La fraction extérieure des fesses devrait être une question de droits. Je peux le laisser comme ça, c'est très bien. Très bien, donc je pense que cette leçon a assez duré. Il ne nous reste plus que le piano, car le piano ne sonne pas vraiment comme s'il était complètement mélangé avec le reste du morceau pour le moment. Nous allons donc utiliser quelques astuces pour que cela fonctionne. Un peu de compression, un égaliseur dynamique, je vais vous montrer comment gérer un plugin totalement gratuit, ce qui est vraiment génial, et nous ferons tout cela dans la prochaine leçon. Très bien, merci beaucoup d'avoir regardé les gars et les filles voir dans le prochain. 26. BTP Refroidissement Lesson 25 Piano Mixdown: Salut tout le monde, bon retour. Très bien, dans cette leçon, nous allons aborder le piano. Le piano a besoin d'un peu de travail en ce moment, il se perd juste un peu dans le mixage. Il a également une tonalité un peu trop basse, donc il interfère un peu avec tous les autres sons de milieu de gamme. Donc, en fait, la première chose que je veux faire est de changer de ton. Je vais donc le jouer tel qu'il est pour le moment, juste quelques mesures avant qu'il n'arrive. Donc ça a l'air sympa, mais la tonalité est un peu plus basse, donc je vais sélectionner les deux, d'accord, donc je vais juste tout sélectionner et je vais l' augmenter et l'augmenter Shift enfoncée et en appuyant sur la flèche vers le haut. Encore une fois, cela peut être légèrement différent dans votre porte, et bien sûr, il peut simplement les faire glisser vers le haut avec la souris, sans y être invité. Et écoutons-y un peu. Je pense qu'il correspond bien mieux à la piste. Mais j'aime certains modèles de milieu de gamme datant de l'époque où il se trouvait dans un Octavius inférieur. Nous avons donc quelques options ici. Vous pouvez le garder très beau et propre. Il suffit de jouer une seule note à la fois, ce que j'aime bien, surtout en seconde période ici. C'est sympa, mais nous pourrions, si tu veux, juste un petit truc, tu peux faire un peu de gay dans les deux sections du piano en une seule fois, encore une fois, appuyer sur Ctrl a, et puis je vais juste copier ceci vers le bas d'une octave. Et évidemment, cela va jouer exactement la même chose, fois une octave plus haut et une octave plus bas. Dans le mix. Ça ressemble à ça. Je pense qu'il semble un peu évident que vous avez les deux Octavius superposés. Donc, que ferais-je avec le piano que nous venons de copier, juste pour élargir ma zone inférieure avec une information de vélocité. Réduisez légèrement pour voir ce qui se passe. Et avec tout ce que nous venons de copier sélectionné, je refuserais alors quelque peu, et je devrai faire la seconde moitié séparément. C'est très bien. Pas de problème. Mais écoutons-le un peu en solo. Donc, Locataire dès le départ. donc que les notes aiguës qui jouent. Deuxième ici. De toute évidence. Les notes graves qui arrivent lorsque j'augmente la vélocité contribuent simplement à lui donner une nuance plus profonde et plus moyenne, ce qui est vraiment agréable. Donc c'est très bien. Passons maintenant à la seconde moitié. Je passe donc juste à celui-ci, qui est le piano dans la seconde moitié. Et nous allons juste faire la même chose. Sauf que je pense que je vais les refuser encore plus. Les notes inférieures que nous venons de copier. La raison en est que cette moitié est évidemment beaucoup plus occupée. Il y a de la batterie et tout ce qui se passe. Nous ne voulons donc pas vraiment que le piano sonne trop fort. Cela fonctionne mieux au premier semestre où il y en a très peu. Dans cette moitié, nous voulons vraiment entendre les notes aiguës ou peut-être un tout petit peu les notes graves. Cela sonne donc comme un K sorti du piano. Et je l'ai fait très rapidement, parce que je n'ai pas bien compris, mais je voudrais augmenter cela, hahaha, très légèrement. Alors allons-y un tout petit peu. n'a pas tout à fait l'impact que je souhaite quand ça arrive. OK, eh bien, laisse-le reposer comme ça pendant un moment et si on l'écoute et que tout à coup ça saute trop, on pourrait y retourner et le changer, mais pour l'instant c' est tout à fait normal. OK, alors revenons au piano. Écoutons cette fin de section ici, car ce sont vraiment des notes qui se perdent complètement avec tout le reste joué. y perds encore un peu, même si nous l'avons élevé d'une octave, ce n'est tout simplement pas assez fort. De toute évidence, nous pouvons simplement augmenter le volume, ce qui pourrait nous aider un peu. Mais ce sur quoi je me concentre ici, c'est d'écouter les coups les plus doux du piano par rapport aux coups les plus rapides ou aux coups les plus forts . Les tubes logiciels se perdent clairement. Mais les coups les plus forts se font entendre. OK, nous allons donc équilibrer cela en utilisant un peu et je suis dans un peu de compression. Nous passons donc aux paramètres des canaux pour le piano de chambre. Je vais juste ajouter le compresseur à clé standard. Encore une fois, ce sera exactement, ou à peu près exactement le même, dans n'importe quelle porte. Donc, ce que nous allons faire ici c'est compresser l'ensemble du piano, mais très, très doucement. Donc, lorsque cela est autorisé, le clic entre, il va le baisser un peu plus que lorsqu'un embout souple entre et il ne le baissera pas beaucoup plus. Donc, en gros, niveler un peu le piano. Maintenant, nous ne voulons pas trop nous attarder là-dessus parce que nous voulons avoir ces informations sur la vitesse. Nous voulons qu'il y ait une sensation dynamique qui donne l'impression que certaines touches sont pressées très doucement, sont pressées plus fort, ce genre de choses. Mais nous sommes juste en train de modifier légèrement l'équilibre. Faisons donc une configuration maintenant. Je ne veux ni emprise, ni attaque, ni libération. Cela peut être juste une compression instantanée, mais nous voulons absolument un faible taux de compression. Donc, un peu moins de deux, ce qui signifie que tout sera refusé de 50 % lorsqu' il dépassera le seuil. Et il ne nous reste plus qu' à trouver un juste équilibre. Le seuil indiquera : je vais juste désactiver le gain de maquillage automatique et nous allons simplement l' augmenter un peu. Donc, ce que nous recherchons ici se trouve vraiment sur le compteur de réduction de gain. Donc, si nous avons de gros succès, nous devrions assister à une réduction plus importante des gains. Quand on a un très léger impact. Nous ne devrions pas voir grand-chose du tout. Si nous en voyons trop alors que nous sommes touchés par de nombreuses réductions de gain, il se peut qu'il soit nécessaire d' ajuster le seuil pour compenser. Alors passons simplement en revue cela. Alors chargez et écoutez un peu. Disons que ce n'était pas un bon banc d'essai pour nous. Donc, même avec ce coup central plus doux, cela réduit juste un peu trop le gain. Je vais donc simplement augmenter le seuil. Nous pouvons donc voir qu' à ce deuxième coup , celui-ci, nous obtenons moins de réduction de gain. Et puis, sur les coups les plus lourds, nous devrions en avoir plus. Donc, quelque part aux alentours, il y a tout à fait bien. Ça devrait être bien. C'est un changement très subtil, mais nous faisons simplement en sorte les sons les plus calmes soient un peu plus forts. Génial. OK, ça a l'air absolument parfait. Alors laissons les choses comme ça. Nous avons toujours des tubes plus doux qui sonnent plus doucement. Nous n'avons pas complètement changé cela. Donc tout va bien. Maintenant, une chose que je veux faire, en plus d'égaliser le piano, désolée, nous l'avons déjà fait, mais je voudrais simplement nous l'avons déjà fait, mais je voudrais simplement supprimer le bas de gamme. Disons-le encore une fois. Maintenant, vous êtes à peine remarqué car le piano se concentre principalement sur les moyennes et hautes fréquences. Il y a juste un peu de bas de gamme dans l' enregistrement au piano ou quoi que ce soit d'autre. Nous allons donc le retirer, mais juste pour nous assurer que rien n'entrera en conflit avec notre sous-marin. Gardez ce bas de gamme bien propre. Très bien, donc une dernière chose que je veux faire à ce piano, c'est l'égalisation dynamique. Donc, ce que nous pouvons faire avec l'égalisation dynamique, c'est essentiellement chaîner une bande d'égalisation latérale et lui faire chuter les fréquences d'une partie un élément ou d'un ensemble d' éléments lorsqu'une chose se déclenche. Donc, ce que nous allons faire ici, c'est utiliser le piano comme entrée latérale pour un égaliseur qui va extraire les hautes fréquences de tout le reste du morceau. Cela va donc aider à créer un peu plus d'espace pour le piano. Quand il arrivera, il aura plus d'impact que le reste du mix. Maintenant, l'objectif est de faire en sorte que l'on remarque même pas que tout le reste est trempé, ce n'est pas comme utiliser une chaîne latérale sur le coup de pied et la base là où vous voulez ce genre de changement de volume évident dans la dynamique ou changement d'amplitude ou autre. C'est beaucoup plus subtil, mais cela va aussi aider ce piano à vraiment percer et à devenir un élément principal, n'est-ce pas ? Faisons-le maintenant, pour que cela se produise, nous devons ajouter l' égaliseur dynamique à un groupe ou à un bus qui transite tout reste, à l' exception du piano. Donc, dans Cubase, je vais le faire maintenant. Pour cela, je veux voir si le routage est essentiellement autre chose que le piano de chambre, ce morceau, je veux être acheminé vers un bus. Je vais donc sélectionner tout ce qui va être diffusé en stéréo, à l'exception du piano. Passons simplement en revue et sélectionnons tout. Donc, évidemment, s' il est déjà transmis à un groupe, mais c'est très bien. Il peut rester ancré dans ce groupe. Nous acheminerons également groupe de chaînes secondaires vers ce groupe de chaînes secondaires vers le nouveau bus ou le nouveau groupe que nous allons créer. Alors allons-y. Nous voulons que notre réverbération y soit acheminée et que notre groupe de chaînes latérales y soit acheminé. Maintenant, dans Cubase, c'est assez facile avec tout cela sélectionné, je peux simplement cliquer avec le bouton droit de la souris. Allez ajouter la chaîne sélectionnée au groupe 2. Désolé, vous ne pouvez pas voir que c'est juste hors de l'écran. Il indique simplement Ajouter une chaîne de groupe aux chaînes sélectionnées. Je vais donc juste cliquer dessus. Bien sûr, je veux que ce soit en stéréo. Et je vais juste l'appeler premaster et ajouter une piste. Désormais, tout ce qui se trouve dans le morceau entier, à l'exception du piano, passe par ce groupe. Alors, nous allons juste vous donner un exemple rapide pour que vous sachiez de quoi je parle ? Maintenant, tout est acheminé à ce groupe, sauf le piano. Nous voulons ajouter un égaliseur dynamique. Aujourd'hui, avec de nombreuses portes, Cubase dispose d'un égaliseur dynamique si vous avez la version Pro, mais d'autres n'en ont pas. Il existe donc un plugin gratuit que vous pouvez utiliser, qui est vraiment génial. Donc, si vous allez simplement sur Google, tapez Nova, EQ VS t devrait être le premier lien. C'est un plugin gratuit, suffit donc de télécharger le programme d'installation correspondant à votre système. Il s'agit entièrement de VS S3 64 bits pour Mac et pour Windows. Alors téléchargez-le et installez-le. Je vais juste le charger sur mon groupe de prémaster. C'est donc sous EQ TDR Nova. Le chaînage latéral fonctionnera légèrement différemment selon la porte à laquelle vous vous trouvez. Encore une fois, vous devriez avoir déjà dû utiliser une chaîne latérale dans Cubase. C'est aussi simple que d'activer la chaîne latérale. Ensuite, je peux sélectionner le canal que je souhaite utiliser car l'entrée latérale de la chaîne de votre porte peut être légèrement différente, sinon faites-le dans l'autre sens, juste pour que vous puissiez voir ce que vous faites normalement et adore. Et c'est avec la chaîne latérale activée et assurez-vous qu'elle est activée. C'est très important. Ensuite, nous passons au canal que nous voulons utiliser comme entrée de chaîne latérale, dans ce cas, le piano, les paramètres du canal. Ensuite, nous enverrons un signal au groupe de prémaster, TDR Nova. Il s'agit donc de l'entrée de la chaîne latérale, qui l'active, puis le signal est envoyé. Maintenant, il est très important de comprendre que ce que nous envoyons ici est du post-fader, ce qui signifie que toutes les modifications de volume que nous avons apportées ou tout autre égaliseur, tous les effets, etc. Tout cela est envoyé vers les entrées de la chaîne latérale d'ANOVA EQ. Maintenant, pourquoi est-ce que j'explique cela ? Parce que si nous décidions de mettre quelque chose comme delay sur le piano, ajoutons rapidement un delay stéréo. Configurez-le rapidement. 14 d'un côté, un pour Docid de l'autre. Il suffit de baisser le mix. Jouons à ça avec le retard sur Post-Fader. Cela signifie également que ce signal retardé sera envoyé vers l'entrée de la chaîne latérale, ce que nous ne voulons pas particulièrement. Je veux dire, il est possible que vous le souhaitiez, mais nous ne voulons pas vraiment que la chaîne latérale soit également déclenchée par les retards. Nous voulons juste que le premier coup le déclenche. Donc, dans ce cas, nous le changeons simplement en cadeau, qui signifie que le signal est envoyé à la chaîne latérale avant de passer par le fader, avant de passer par l'égaliseur, avant de passer tous les effets. Rien de ce que je change ici n' affectera le signal entrant dans la chaîne latérale, ce qui est un peu long. Mais en fait, dans certaines circonstances, il est vraiment très important de le savoir. Donc, juste pour l'instant , je vais éviter le délai stéréo. Nous voudrions peut-être l'ajouter, mais je ne suis pas sûr à 100 % que ce soit plutôt à titre d'exemple, mais cela a l'air bien. Nous verrons donc à quoi cela ressemble dans une seconde. Passons à l' égalisation de notre groupe de prémaster. Donc, notre TD Nova, en fait, je m'excuse. Une chose que nous devons faire avant aller plus loin est de vraiment déterminer exactement quelles fréquences nous voulons utiliser sur le reste de la piste plutôt que sur le piano. Regardons donc à nouveau réglages des canaux du piano. Et je vais juste utiliser un égaliseur. Activons la troisième bande. Ce ne sera donc qu'un égaliseur paramétrique normal. Je vais changer la pente si elle est un peu plus raide, peut-être pas si raide, quelque chose comme ça. Et je veux juste balayer les filtres et vraiment trouver où se situent les fréquences les plus importantes pour le piano. Jouons donc du piano tout seul. Donc environ cinq K Mark, je dirais. C'est vraiment là que tout devient soudainement très beau et lumineux. Mais vous n'avez plus besoin de l' égaliseur ici. Nous avons juste besoin de savoir que nous parlons de cinq K, peut-être juste avant cinq K. Je vais donc simplement le désactiver. Maintenant, je peux accéder à mon Nova EQ. Et utilisons simplement le groupe 3 pour cela. C'est très bien. Nous voulons environ cinq K, donc c'est très bien. Nous voulons simplement le placer dans la bonne position. Nous ne voulons pas vraiment augmenter quoi que ce soit pour le moment, c'est très bien. Donc, juste avant la barre des cinq K. Et maintenant, ce que nous devons faire, c'est activer Threshold, c' est-à-dire activer le compresseur pour cette bande en particulier. Je ne veux vraiment aucune attaque. Je veux que ce soit le plus bas possible. La sortie veut également simplement plonger lorsque le piano joue. Dès que le piano a fini de jouer, il veut revenir au volume maximum. La dernière chose que nous devons faire pour cela fonctionne est simplement de retourner l'interrupteur de chaîne latérale interne à la chaîne latérale externe. Maintenant, quand le piano sonne, nous devrions voir cette baisse. Vous pouvez donc clairement voir que chaque fois que le piano frappe, nous obtenons une baisse des fréquences autour la barre des cinq K sur le groupe de prémaster, exactement ce que nous voulons. Cela ne fait donc que donner plus de place aux fréquences les plus importantes un peu plus de place aux fréquences les plus importantes du piano. Chaque fois que le piano sonne, disons, jouons-le dès le début, et je vais en quelque sorte contourner cela un peu. Maintenant, il s'agit d'un effet subtil, mais vous devriez vraiment remarquer que le piano devient un peu plus clair et qu'il y a plus d'espace lorsqu'il est activé. D'accord, je vais donc commencer par le contourner. Pour moi. Je peux vraiment entendre ça. Je pense que cela donne définitivement beaucoup plus d'espace au piano. Maintenant, je vais faire en sorte que ce soit vraiment extrême, juste pour que vous puissiez très clairement comprendre ce qui arrive aux morceaux de premaster. Je vais juste me souvenir de mon réglage et de **** pour te dire quoi. Copions-le juste au cas où j'oublierais. Et puis faisons en sorte que cela soit super extrême. Je veux dire, évidemment, ça a l'air nul parce que vous vous contentez de terminer, de supprimer toutes ces fréquences lorsque le piano frappe. De toute évidence, nous ne le voulons pas. Revenons donc à l'endroit où on nous a demandé de le faire, 0,1. Et encore une fois, cet effet est censé être subtil, il n'est pas censé être perceptible. Et ce qui est beau, c' est que, évidemment, lorsque vous trempez les fréquences du prémaster, ces mêmes fréquences sont toujours présentes dans le piano. Il est donc beaucoup plus difficile de le remarquer réellement. Vous remarquerez vraiment que tout à coup le piano prend un peu plus d'espace, mais il n'y a pas vraiment l'impression que vous enlevez quoi que ce soit d'autre. Ça a donc l'air plutôt correct. Maintenant, écoutons-le dès le début du morceau pour nous assurer que tout sonne bien. Je vais juste le rendre un peu plus petit et masquer toute automatisation que nous avons. Écoutons simplement. Donc, ce que nous pensons, je pense que le piano dit bien mieux, et c'est beaucoup plus clair dans la plupart des tubes. La combinaison de la compression et de l'égaliseur dynamique fonctionne donc vraiment. Il n'en est encore qu'à la fin. Il se perd un peu. Ce n'est pas si mal, mais je vais juste augmenter très doucement le volume, augmenter très doucement le volume juste pour m'assurer que nous l'entendons vraiment. Et je suis vraiment une subvention. Continuons à écouter. J'étudie un peu plus de réverbération sur ces chapeaux. Cela semble juste un peu déplacé. Cela sonne bien mieux et il est imprégné de réverbération. C'est bon. Symboles de droite, juste une fraction sur le côté gauche. Effects 26, qui frappe juste en blanc, vient d'écouter ce temps mort un peu. Accélérez. Je ne comprends toujours pas vraiment la durée complète de ces hits. Je vais donc juste essayer d'augmenter un peu le nombre de hits individuels. Désolé, l' événement individuel, je dois dire. Il y a tellement de fraction là-bas. Faisons en sorte que cela soit correct. C'est très bien. Je pense donc que nous en avons presque terminé avec tous les VI, des changements mineurs au niveau du mixage. ne nous reste qu'une seule leçon et c'est de maîtriser ce morceau. Il pourrait donc légèrement modifier l'équilibre du BQ sur la chaîne principale, mais nous verrons que nous devons écouter et écouter avec une oreille fraîche et une flèche. Ensuite, nous allons le soumettre à un limiteur et terminer le rendu final. Très bien, merci beaucoup d'avoir vu les garçons et les filles vous voir dans le prochain. 27. Leçon de maîtrise de la fraise ambiante BTP 26: Bonjour à tous, bon retour et bienvenue à la dernière leçon de ce cours. Cela va donc être assez simple. Nous sommes juste en train de procéder à quelques derniers ajustements lors de la phase de mastering. s'agit en aucun cas d'une leçon complète sur le mastering, juste ce que nous devons faire pour ce morceau. Très bien, alors allons-y. Ils écoutent le tout. Je pense que le mix pourrait suffire, en le rééquilibrant légèrement, donc augmentant légèrement le haut de gamme. Je vais donc juste entrer dans les paramètres des chaînes sur les sorties stéréo. Il s'agit de la dernière chaîne de Cubase. Jouons-y, nous allons vraiment le jouer. Ce point est là alors que tout se passe sur la piste. Je vais donc simplement définir ma région autour de la section la plus fréquentée. Très, très subtil, cela modifierait légèrement l'équilibre en faveur du haut de gamme et en diminuant le bas de gamme. Mais c'est très, très subtil. On vous pardonnera de ne même pas vous en rendre compte si vous êtes nouveau dans ce genre de choses. Mais ces changements subtils ne font que sentir qu'elle en a besoin. Donc, c'est tout à fait normal. Maintenant, j'ai envie de jouer avant de passer à l'extrême avec l'égaliseur élevé, quand j'essaie d'ajouter de l'excitation à ce morceau. Dans Cubase, nous avons un plugin appelé quadrotors, qui ressemble essentiellement à une distorsion multibande. Et en fait, le meilleur type de plug-in pour ajouter de l' excitation et attirer, surtout lorsque vous avez une large gamme de fréquences, est un effet multimarque. Dans ce cas, il effectue une saturation de la bande, une distorsion de saturation, une distorsion et un décimètre. Et nous avons quatre canaux qui traitent chacun de différentes plages de fréquences. Il s'agit donc évidemment d'un plugin réservé à Cubase. Il existe un autre plugin qui s'appelle le HY MB. Dr. Disons que si vous recherchez HY MB Drive sur Google, vous devriez tomber sur. Ce plugin est celui-ci et il est totalement gratuit. Mais malheureusement, c'est uniquement pour PC, pas pour Mac, ce qui est un peu ennuyeux. Je sais que nous ne faisons qu'ajouter un tout petit peu de traitement au haut de gamme, au milieu de gamme ou autre, juste pour donner au morceau un peu plus de brillance aux hautes fréquences. Alors jouons-y et nous jouerons un peu. Nous parlons donc à nouveau de changements très subtils. Il suffit d'ajouter un tout petit peu de luminosité, ce plugin n'est pas trop mal. Celui basé sur une clé est meilleur. Je vais simplement m' y tenir rapidement parce que je veux juste voir quelle est la différence entre les deux. Donc, le simple fait de contourner l'autre va changer la bande passante. Nous n'avons donc vraiment affaire qu' à deux groupes ici. Il s'agit simplement de les séparer. Nous avons donc affaire aux bandes 3.4, qui concernent principalement l' ensemble de la gamme de fréquences. C'est comme si c'était prêt ici. Il fait simplement ressortir ce délicieux croustillant dans le haut de gamme. On dirait toujours que cela donne plus de définition au haut de gamme. Bien entendu, cela ne lui donne pas vraiment plus de définition. C'est juste un peu le renforcer un peu et ajouter quelques harmoniques supplémentaires, mais c'est vraiment un bel effet. Hum, excusez-vous. J'aimerais qu'il y ait quelque chose que tout le monde puisse utiliser sur Mac PC. La chose la plus proche que j'ai trouvée est NB Drive qui s'y rapporte. Maintenant, même si je l'enlève, elle doit également équilibrer la sortie parce que c'est en fait un peu plus fort que le signal d'origine. C'est plus équilibré. Oui, ça ajoute juste du croustillant à la croûte. Comme je l'ai dit, ce n'est pas comme innover, c'est juste un tout petit peu C'est un peu comme les deux à trois pour cent supplémentaires qu'ils veulent ajouter au mix à la fin. Donc si tu ne l'avais pas, ce n'était pas la fin du monde. Très bien, donc une fois que c'est fait, nous avons vraiment un dernier processus. Je ne voulais pas ajouter trop compression et autres choses à cela. Le seul, le dernier plugin qui va être un maximisateur. Il s'agit donc essentiellement d'un limiteur. C'est ce qu'on appelle un maximiseur dans Cubase. Et il existe une infinité de plug-ins, en particulier chez vous. Vous en aurez certainement au moins un qui ressemble à un limiteur mural en brique un maximiseur ou à un compresseur avec un ratio très élevé. Maintenant, dans Cubase, si j' active le mode moderne, cela ne fait qu' activer ces deux commandes , à savoir la libération et le pourcentage récupéré. Je vais donc juste publier une version plus basse parce que je veux parler assez vite, coupant littéralement le haut de tout signal fort le cadran optimisé, comme on l'appelle dans Cubase, c'est pourquoi ils l'appellent optimiser, c'est essentiellement le gain d'entrée. Supposons que vous l'ayez haut, plus le gain d'entrée est élevé, plus le signal global sera fort. Alors jouons à ça. Ce que nous recherchons ici, c'est le réducteur de gain est toujours l'élément le plus important en matière de limiteur. Et nous voulons voir dans quelle mesure le gain est réduit chaque fois qu'il est déclenché. À l'heure actuelle, peu de gains sont réalisés. Nous pouvons donc nous permettre de l'augmenter un peu plus. Donc, en gros, ce que vous voulez faire, c'est trouver un équilibre entre le fait d'être beaucoup plus fort et le fait de ne pas perdre toute la dynamique du mix. Nous allons donc continuer à le faire jusqu'à ce que nous n'entendions plus vraiment de différence de volume. Ensuite, nous allons en quelque sorte reculer un peu en ce concerne l' approche que j'utilise généralement. Disons qu'en l'écoutant comme ça, j'ai vraiment l'impression que nous pourrions augmenter légèrement le coup de pied. Voyons ce que nous avons obtenu. Éclaircissons juste ça un peu. Donc c'est comme -3,06. C'est là qu'il a amélioré le coup de pied, il avait juste besoin d'un tout petit peu plus de volume. Maintenant, il est beaucoup plus percutant de découper le mélange. Dis quelque part autour de lui qu'il est plutôt doué. Nous pourrions nous permettre d' insister davantage si nous le voulons, mais je ne suis pas sûr de vouloir vraiment dire qu'ils sont censés être des micros d'ambiance très dynamiques. Si nous finissons par vraiment essayer le maximiseur, nous allons simplement réduire la plage dynamique, ce qui affectera la sensation générale changement de dynamique tout au long du mix. Donc, tout ce que nous voulons vraiment faire, c'est maximiser le volume sans affecter les niveaux ni la dynamique. Je pense que c'est vraiment une question de droit. Je vais juste réduire la sortie de 0,1 et je me souviens juste de 34,3. Et appuyons une dernière fois sur C là où ça sonne. Alors, que se passe-t-il là-bas ? Si j'appuie dessus plus fort que 34,3, c'est que les sons bruyants, comme les coups de pied, ne deviennent pas plus forts parce qu'ils déclenchent déjà ce limiteur. C'est donc essentiellement leur volume limite en termes de volume. Et puis tout ce qui est un peu calme sur le gâteau devient de plus en plus fort par rapport au coup de pied, ce qui, encore une fois, affecte la dynamique globale du morceau. Nous ne voulons donc pas non plus aller aussi loin. manière générale, encore une fois, il s' agit d'une règle générale, cela ne signifie pas qu'elle est gravée dans le marbre. Vous pouvez faire des expériences avec cela. Une piste agira différemment d' une autre en matière de limitation. Mais vous ne voulez pas vraiment voir bien plus que moins d'abeilles 3D en termes de réduction du gain, vous trouverez certaines pistes sur moins d'abeilles 3D en termes de réduction du gain, lesquelles vous pouvez réellement appuyer. Vous pouvez descendre en sélectionnant moins cinq, moins six dB. Mais d'une manière générale, ce n'est jamais plus que cela. Moins de six dB, c'est assez prêt alors que vous limitez réellement la piste finale. Très bien, donc je pense que nous sommes plutôt bons. Je suis vraiment content des niveaux et de tout le reste. Configurons donc simplement notre région de boucle sur les zones correctes où je le souhaite. Cela suit la fin, qui se trouve à la barre 76, où notre volume baisse. Et revenons au début. Je vais juste définir la région de la boucle. Et puis c'est parti, nous sommes prêts à exporter notre dernier morceau. Je vais donc juste le sauvegarder et je vais aller à l'exportation. Ce sera le dernier titre que vous aurez entendu dans la vidéo promotionnelle. Et cela fait partie du personnel, donc pas de traitement supplémentaire, pas de tâches en coulisse, de modifications, etc. C'est la version que vous avez entendue. Le moteur principal dit, nommons-le simplement. Je vais donc simplement l'appeler Cascade Final Master. Je vais le rendre au format MP3, mais au format MP3 de haute qualité, C32 KBS et appuyez sur Exporter. Très bien, merci beaucoup d'avoir participé à ce tutoriel. J'espère vraiment que vous avez appris tout un tas de choses nécessaires pour créer vos propres progressions d'accords géniales, comment structurer les choses de manière à ce que cela sonne passionnant, tout sur la tension et le relâchement, processus de mélange, tout. Je suis vraiment heureuse que tu sois là pour ce voyage avec moi. Alors merci beaucoup les gars et les filles, prenez soin de vous et je vous retrouverai au prochain. Au revoir.