Transcription
1. Techniques de Cin 1 bienvenue zDzw: Il s'agit d'un
cours d'introduction destiné aux personnes intéressées à devenir
directeurs de la photographie. Bonjour, je suis de l'eau pure
, et nous
faisons toujours mes premiers films. J'étais mon propre directeur de la photographie, monteur et parfois acteur. Je suis en 2004 en train de tourner premier court
métrage indépendant avec mes amis. Et me
revoilà sur le tournage de mon premier long métrage
produit par virgule close. Nous sommes maintenant en 2022 et ce film sera présenté en avant-première
dans les festivals de films. Au fil des ans, j'ai appris que votre
croissance en tant que cinéaste sera beaucoup plus rapide si
vous maîtrisez les bases. C'est pourquoi j'ai élaboré une série
de cours
qui
vous enseigneront les principes fondamentaux de la
cinématographie un par un. Dans ce cours particulier, nous allons parler de
ce que signifie raconter
l'histoire à travers les yeux
de votre personnage principal. Maintenant, vous savez que
votre public veut participer au parcours de votre
personnage, n'est-ce pas ? Ils veulent voter pour lui, partager ses victoires et avoir de l'empathie avec
lui quand il n'est pas là. Vous pouvez les aider
à se rapprocher du personnage grâce à
votre cinématographe. Dans ce cours, je vais vous montrer trois techniques qui permettront votre public de
découvrir l'histoire à travers votre personnage principal. Pour vous donner des exemples
pratiques, je vais analyser des scènes
de deux de mes films, qui ont
tous deux été magnifiquement
tournés par Nicolas par hasard. Le premier, « normal
people », a été récompensé pour cinématographie devant une caméra lors chaque festival international du
film. Et l'autre, la Terre Mère, a été récompensée par le Festival
international du film de Locarno. Je suis très fier de ce
prix car Sukarno est l'un des dix
festivals de films les plus importants au monde. Nous ajoutons donc, j'espère, à
bientôt en classe.
2. La subjectivité est King: Merci d'avoir suivi mon cours. N'oubliez pas qu'à
tout moment, vous pouvez
accélérer ou ralentir à un rythme
inférieur si vous le souhaitez. Je regarde généralement des conférences
à une vitesse de 1,5. Cependant, au cours de ces cours, je vais
vous montrer des exemples, des graines. Si vous choisissez d'accélérer ou de
ralentir le rythme de la leçon, pensez
simplement à
le ramener à la normale chaque fois que vous allez
laver l'exemple depuis. Commençons donc le cours en définissant qui est le
directeur de la photographie. photographie ou le
directeur de la photographie, parfois
abrégé en DP ou DOP, est la personne
responsable de la photographie ou de l'
enregistrement d'un film, d'une production
télévisée, d'un
clip vidéo, ou autre œuvre d'action en direct. Le directeur de la photographie est
le chef des équipes de tournage et d'éclairage et
serait normalement chargé de prendre les décisions artistiques
et techniques relatives à l'image et
de sélectionner la caméra, film, stock, objectifs,
filtres, etc. Cette étude et
cette pratique dans ce domaine sont appelées
cinématographie. Allons-nous utiliser les
termes photographie cinématographique et vidéographie de manière interchangeable ? La vidéographie est donc simplement la production de vidéos depuis la conception jusqu'au produit final. Généralement à petite échelle, allant d'une équipe de quelques personnes à
une seule personne qui s'occupe de
tout, du tournage de
la vidéo au montage. Ces derniers temps,
principalement en raison des progrès
de la technologie de capture vidéo et de montage vidéo, la frontière entre la cinématographie et la vidéographie s'est estompée. De nombreux vidéastes
ont commencé à
se faire appeler cinéma et chevrons. Personnellement,
c'est plus une question d'état
d'esprit que de technologie. Si le gars est déterminé dans son approche
de la narration visuelle, peu importe le type de
technologie qu'il utilise. Peu importe que
les images soient destinées cinéma ou à
la télévision ou qu'elles soient destinées à être diffusées sur Internet. Raconter l'histoire avec détermination est donc ce qui distingue les caméramans des
directeurs de la photographie. Maintenant, cet objectif
ou cette intention doit venir de quelqu'un qui supervise tous les
autres départements. Cette personne est la
réalisatrice du film. Le directeur de la photographie
est subordonné à
la tâche du réalisateur et consiste à
capturer une scène conformément à la vision du
réalisateur. Désormais, les relations entre
le directeur de la photographie et le réalisateur peuvent varier. Dans certains cas, le
réalisateur accordera la photographie une indépendance totale,
tandis que dans d'autres cas, le réalisateur n'
autorisera que peu ou pas du tout, allant
même jusqu'à spécifier exactement placement de la caméra
et sélection des ligands. Désormais, le réalisateur
transmet généralement visuellement au directeur de la photographie
ce que l'on attend d'une scène et lui laisse certaine influence pour obtenir cet effet. Lorsque vous vous préparez
à tourner une scène, l'information la plus importante
qu'un directeur de la photographie peut recevoir du réalisateur est de savoir qui est le
personnage principal. Cette décision à elle seule aura impact sur chaque choix que
vous ferez lors tournage. Votre
appareil photo doit adopter un
impact sur chaque choix que
vous ferez lors du
tournage. Votre
appareil photo doit adopter le point
de vue du héros principal. Est-ce simple, mais il existe de nombreuses voies créatives pour relever ce défi. Dans ce court cours, nous allons parler
des plus importants. Aujourd'hui, dans de nombreux films, il n'y a qu'un seul protagoniste et il est assez facile de
déterminer quel est le point de vue
que nous devons adapter. Cependant, il y a
beaucoup de films qui l'étaient, la perspective peut
changer à chaque scène. Ce type de films est
appelé intrigue. Si vous souhaitez en
savoir plus sur la différence entre les films
dirigés par des personnages
et les films inspirés par une intrigue. Vous pouvez consulter ce cours
où j'analyse les arrivées, mais veuillez le faire après. Tu l'as regardé jusqu'au bout. chose la plus importante ici est que vous
devez
réfléchir à la perception que la
caméra va imiter avant de filmer la scène. Et si vous n'êtes pas sûr, vous devez en parler au
réalisateur. Au fil des ans, j'ai entendu différentes versions de cette
question, comme « Qui est le héros ? » Ou quel personnage est le
plus important de la scène ? Ou voici mon préféré. De quoi parle la scène ? C'est essentiellement la
même question. Et comme je l'ai déjà dit, vous aurez
généralement un
personnage principal qui sera le protagoniste de l'
histoire et la caméra suivra sa
perception. Juste pour vous montrer ce que je veux dire, Let's watch a scene
from my film, normal people est l'un
des courts métrages que j' réalisés lorsque j'étudiais les
films nationaux polonais appelés Inward. C'est celui qui reçoit le prix de la cinématographie
dans la catégorie Comedy. Je cite, un
festival de renommée mondiale dédié à la célébration de
la cinématographie et à la reconnaissance des
cinéastes. Fin du devis. Nous allons regarder la première scène
de ce film. Pendant que vous
regarderez la scène, demandez-vous qui est le principal
protagoniste. Local. Vous avez donc vu la scène, non ? C'est assez évident. Le prisonnier est le héros, non ? Même si vous ne voyez pas clairement
son visage
dès le début, vous pouvez voir que la
caméra le suit. Vous pouvez voir le
monde avec ses yeux, n'est-ce pas ? Ce sont toutes des décisions
que nous avons dû prendre pour que vous puissiez
adapter son point de vue. Maintenant, il existe de nombreuses
façons d'
obtenir cet effet. Vous n'avez pas vraiment besoin
de cette caméra mobile, sinon vous pouvez montrer son visage
dès le début. Dans la prochaine conférence, nous discuterons
d' une manière plus traditionnelle de
présenter le personnage principal. voit là-bas.
3. Introduction de personnage de manuel: Lors d'une conférence précédente, le personnage a été
présenté avec un peu de mystère et ne pas le
montrer suite est une
bonne façon de susciter la curiosité et le public. Mon directeur de la photographie et moi
voulions
présenter ce personnage
en fonction de sa situation. Nous avons montré au premier qu'
il se trouvait dans une sorte d' établissement
correctionnel, puis nous l'avons correctement présenté. Maintenant, tu n'es pas vraiment
obligée de le faire comme ça. Dans cette conférence, je
vais vous montrer que le début d'un autre
film est la Terre nourricière. Dans celui-ci, nous avons présenté notre personnage principal
d'une manière très classique. Regardons la première
scène de la Terre nourricière. Point,
point, point, mon tic-tac. Cochez. Magie. La magie sera un piège. Maintenant, comme vous l'avez remarqué, le garçon est notre héros principal. Nous commençons par la présence de notre
personnage dans le cadre lorsqu'il
se réveille, il est seul. Nous le trouverons donc naturellement dans le cadre et le
considérerons comme le plus important. Lorsqu'il se lève, même s'il est dans l'ombre, sa présence est toujours
très forte dans le cadre. Et lorsqu'il se dirige
vers la fenêtre, la caméra se déplace avec lui. indique très clairement Cela indique très clairement que c'est notre héros principal, même si nous avons introduit cette caractéristique assez inhabituelle : le cliché de
la marque de la main sur un verre
et le garçon a quitté le cadre. On sent toujours sa présence à proximité de la caméra. Puis la scène se termine avec un garçon qui court dehors
par la fenêtre montre
maintenant la marque décolorée
de la main sur la vitre. Une façon de mettre en lumière le
lien entre les garçons et la nature, qui est un
thème majeur du film. Comme je l'ai déjà dit, nous avons introduit ce thème, mais nous ne
perdions toujours pas notre attention sur le garçon. Lorsque vous
regardiez la marque sur la paume disparaître sur un verre, vous pouviez l'entendre
se déguiser et alarmer son père. Et puis la scène se termine lorsque vous le
voyez courir dehors
par la fenêtre. Ainsi, même si la caméra
ne voit pas le garçon, nous, le public, restons
concentrés sur le héros principal. Je dirais que mon premier
conseil est de focaliser l'attention du
spectateur
sur le protagoniste, attention du
spectateur
sur le protagoniste c'est de commencer la scène avec lui et de terminer la
scène avec lui également. Dans cette scène, le garçon s'est
réveillé seul au début, puis ça finit quand on le
voit courir dehors. Dans le
film précédent, des gens normaux. La scène commence avec un
personnage qui traverse la prison et se termine lorsqu'il sort de
la salle de visite. Il s'agit donc de la première technique. Commencez la scène avec votre héros principal et terminez également la
scène avec lui. Au milieu de la scène, vous avez le temps de concentrer sur la perception du
personnage. Pour vraiment montrer le monde avec
ses yeux rivés sur la Terre Mère. C'était la main sur le verre. Ainsi, en observant la marque de
décoloration sur le verre, nous pénétrons dans l'esprit du garçon. Il craint qu'il fasse trop froid dehors et il
veut sauver les arbres. Nous apprenons les détails
de ce qui s'est passé d'une conversation avec
son père plus tard dans le film, selon laquelle ils n'ont pas réussi à sauver
les arbres du charbon. Après cette conversation,
le premier acte est terminé. Désormais, vous n'avez pas à exposer immédiatement
toutes les informations au public lorsque vous racontez
l'histoire visuellement, vous communiquez
avec votre public. Esprit inconscient. Ils n'ont pas besoin de connaître
tous les faits tout de suite. Quand on commence l'histoire. Le plus important
est de donner au public une idée claire du personnage le
plus important. Dans la prochaine conférence, nous
parlerons de la nécessité de continuer à mettre l'accent sur le personnage tout
au long de Phil. On se voit là-bas.
4. Visualiser la perception de votre personnage: Dans la scène précédente, nous avons eu une petite introduction à la
présentation de la
perception du personnage au public. C'était la
main décolorée sur la vitre. Votre travail en tant que conteur
consiste
à vous concentrer sur le héros principal
par divers moyens. Mon deuxième conseil est d' imiter la
perception du personnage avec la caméra. L'exemple de la main sur
le verre est très abstrait. telles idées devraient venir
du réalisateur lui-même ou
du scénario. Il faut vraiment
savoir exactement de quoi parle
l'histoire pour trouver quelque
chose comme ça. Mais la
perception du personnage peut également être exprimée par
des lunes plus simples. Regardons une autre
scène de la Terre nourricière. Maintenant, je sais que je
vous montre les scènes sans contexte,
mais dans ce cours, nous nous
concentrons sur l'
expression visuelle
du personnage principal
et des contextes, cela n'a pas vraiment d'importance car tant que vous savez qui est le
héros principal du film, qui est le garçon. Regardons donc la scène et servons les autres. Ils emménagent chez eux,
ceux qui sont malades, ma mère et les foudroyants.
Nous avons exécuté. On devrait Mason, tu joues une
vue sur ton étagère, cool. Ces métas, ta bouche. Nous en avons la commodité. J'y suis allé ensuite quand nous avons commencé à nous
déplacer vers la pagode de CJ. Tu peux toujours taper
ton pouce, tu ne veux pas y aller. Donc, dès le départ, la première règle de la narration
subjective. Nous avons commencé la scène
avec un garçon dans le cadre. Et puis nous avons également terminé la
scène en gros plan alors qu'il était confus à propos la blessure qu'il
a au cou. Cela indique clairement
qu'il est le héros principal. Mais au milieu de la scène. Il existe une autre façon d'
exprimer sa perception. Nous avons commencé la scène pensant qu'il était
seul dans la pièce. Nous, les spectateurs remarquons le père au même
moment que le garçon. C'est une autre façon
d'exprimer que la caméra suit
la perception des garçons. C'est donc mon deuxième conseil raconter
l'histoire
par le personnage principal. Suivez toujours sa perception. S'il remarque quelque chose,
remarquez-le dedans. Maintenant, juste à titre d'exercice
créatif, imaginons cette scène
du point de vue
du Père comme
s'il était le héros principal. Alors peut-être commençons par
sa chambre. Il y est. Il n'arrive pas à dormir car il attend le retour de
son fils. Et il finit par se rendre
dans la chambre de son fils et s'asseoir. La maison est toujours calme. Et puis nous faisons un
petit bond dans le temps et il est
presque endormi la chaise quand il
entend quelque chose et que c'est son fils qui
entre par la fenêtre, le soleil ne le remarque pas à tout, commence et s'habille. Finalement, il
rompt le silence et demande à entendre les arbres. Ce serait une scène complètement
différente, une histoire complètement différente. J'espère donc que
vous pouvez voir que
le point de vue de la
caméra est très important et qu'une telle décision
peut changer l'ensemble du film. Maintenant, dans la prochaine conférence, nous allons parler de votre créativité dans la
recherche de la perception du personnage. Quelles questions poser à votre directeur pour trouver toutes sortes d'idées intéressantes. voit là-bas.
5. Soyez subjectif - ne pas être exacte: Vous devez faire preuve de créativité
lorsque vous cherchez des
moyens d'exprimer le point de vue de votre
personnage. Votre caméra montre au public comment
il voit le monde. Vous pouvez l'exprimer de nombreuses manières
en utilisant la composition, le mouvement de la
caméra,
la couleur et la lumière. J'ai un cours qui met l'accent sur la
recherche du style de
film que vous pouvez regarder. Après cela, c'est ce qu'on appelle l'
art du storytelling visuel. Il met l'accent sur les outils dont vous disposez pour exprimer
son point de vue. Cependant, le plus
important est de connaître l'intention sous-jacente que votre appareil photo devrait
découvrir en mer. Ainsi, vous saurez
comment utiliser ces outils. Par exemple, vous pouvez exprimer exactement le sens opposé à
celui suggéré par
l'action du script. Regardons une autre
scène de la Terre nourricière. C'est une fête. Le soleil a enfin réussi à satisfaire l'ambition de
son père. Pour la première fois. Il l'a aidé
dans l'entreprise familiale. Regardons donc la
célébration et essayons de deviner quelle est l'histoire
que raconte la caméra. Vous avez donc vu la scène et vous voyez clairement que même si les garçons semblent être IP,
il souffre intérieurement. Et c'est ce qui a motivé le tournage de cette façon. Comme vous l'avez vu, mon directeur de la
photographie et moi, Nicolas, par l'intermédiaire d'un invité ,
avons décidé de placer
la caméra à l'extérieur, ,
avons décidé de placer
la caméra à l'extérieur,
ce
qui a tout changé. Comme nous étions dehors, nous pouvions sentir la pluie, ce qui nous a aidés à
créer l'ambiance. De plus, comme nous étions à l'extérieur, nous n'entendons pas le dialogue qui, dans ce cas, serait encombré et abstrait ou ce que
nous voulions montrer. Enfin, nous avons le mouvement de la caméra qui suit le père lorsqu'
il s'endort, puis revient à l'enfant lorsqu'il est
seul dans la cuisine. Ensuite, nous avons réduit les cicatrices
sur les bras de l'enfant et commencé la séquence
du point culminant :
le tournage de la scène
nous a montré que le garçon
n'est pas vraiment content de
ce qu'il vient de faire. En tant que réalisateur, j'
aurais pu utiliser de nombreuses
méthodes différentes pour le montrer. Nous pourrions avoir la
caméra à l'intérieur et dire l'acteur qui joue le rôle du
garçon de faire une pause. Nous voyons donc que
quelque chose ne va pas. Cela s'exprimerait dans l'action. Ce serait la manière générique de montrer l'émotion du
personnage. Ce serait un film différent. Mon directeur de la police et moi avons
décidé de suivre cette voie. Je pense que c'est plus inventif. Après tout, le cinéma
est un art visuel. Chaque fois que je peux exprimer une émotion sans
le faire en agissant. J'ai essayé de saisir
ces opportunités. En fin de compte, je pense que
c'est
le facteur qui détermine si votre film est
une œuvre de cinéma ou non. Donc, pour résumer, je dirais que mon
troisième conseil est de
faire preuve d'inventivité dans l'expression du point de vue du
personnage. La différence entre
le caméraman et le
directeur de la photographie se
résume donc directeur de la photographie se au processus de réflexion. Si vous utilisez ces
trois techniques, vous serez en mesure de
sortir des sentiers battus. Si tu peux. Premièrement, identifiez le personnage
et commencez la scène avec lui et terminez la
scène avec lui également. Si vous le pouvez, pour vous en tenir à
cela, à sa perception. Et troisièmement, identifiez l'intention sous-jacente de la scène et montrez-la
de manière créative. Alors tu es un vrai conteur. Comme lui, je suis trésorier en préproduction
et en début de production.
6. Projet du cours: Pour ton projet de classe, je veux que tu trouves la première scène du
film que tu aimes sur YouTube. De nos jours, c'est facile à trouver. Les scènes des films
ne posent aucun problème. Tapez simplement la première
scène du film, puis insérez le titre
et vous la trouverez. Alors. Imaginez la même scène du point de vue d'
un personnage différent. Personnage. Votre travail consiste donc
à changer le héros principal. Comme votre projet. Je veux que tu écrives, quoi ça ressemblerait ? Si vous savez comment écrire un
scénario, mieux, vous pouvez l'écrire
en tant que scénario. Si vous ne savez pas comment
écrire un scénario, vous pouvez l'écrire comme s'
il s'agissait d'un roman. À titre d'exemple, prenons la première scène
de mon film, la Terre nourricière. Ce serait évidemment le point de vue du
père. Disons qu'
il est réveillé par son fils qui crie que la
température est inférieure à zéro. Il suit son fils à l'extérieur, non pas parce qu'il se
soucie du vieux verger, mais pour lui donner le code afin qu'il ne tombe pas
malade, etc. Vous pouvez donc vraiment laisser libre cours à votre
imagination ici. Parce que le but de
l'exercice est d' utiliser deux des techniques
que je vous ai racontées à mon sujet. Pour commencer par le héros, bout en bout par le héros. Et l'autre
était de s'en tenir à la perception des événements par
ce héros. La troisième technique
n'est pas vraiment obligatoire. n'est pas chaque fois que vous
êtes capable de
trouver une métaphore
visuelle impressionnante, mais certaines scènes ont besoin d'être
racontées de manière basique. Et c'est très bien. Si vous pouvez trouver une métaphore
visuelle convaincante dans quelques scènes de l'
intégralité de votre film. Il suffit de lui donner, vous savez, votre signature
personnelle. Décrivez donc la scène
et joignez le lien vers la scène sur YouTube afin que
les autres puissent la regarder également. Je donnerai mon avis sur
chaque scène qui sera publiée. Et si vous n'êtes toujours pas sûr, je publierai également mon
propre projet. Donc tu sais quoi faire.
7. Bonne chance !: Merci d'avoir suivi mon cours. J'espère que c'était une source d'inspiration. Maintenant, pensez à faire
une révision du cours. J'ai remarqué qu'un
étudiant sur 60 classe le cours et que vous êtes encore moins
nombreux à publier les projets. S'il vous plaît, soyez celui qui fait un effort et révisez le cours. Cela me motive
à créer plus de cours. Surtout qu'
il y a beaucoup de nuances dans les techniques dont je vous ai
parlé dans ce cours. Par exemple, il est plus facile d'identifier le héros principal si vous
respectez la règle des 180 degrés, une règle qui est essentiellement
une directive concernant la relation
spatiale à l'écran entre les personnages. Cette règle vous aide à créer un espace fiable dans la scène. Donc, si vous avez du mal
avec quelque chose ou vous avez d'autres idées pour les
cours, faites-le moi savoir. Maintenant, le meilleur moyen de
consulter mes cours est mon site Web. Je vous encourage à
y jeter un coup d'œil car je suis sur différentes plateformes et ce
site est toujours à jour. Maintenant, mes cours
sont entièrement modulaires, ce qui signifie que
vous pouvez les regarder séparément dans l'
ordre de votre choix. Mais si vous souhaitez
voir la commande suggérée, vous pouvez également la trouver sur
mon site Web. Merci beaucoup d'
avoir suivi mon cours et à
bientôt. Au revoir.
Piotr Złotorowicz, Screenwriter & Director
