Principes de base de la cinématographie : l'art de la narration visuelle

1. Bienvenue: Il s'agit d'un cours d'introduction destiné aux personnes intéressées à devenir directeurs de la photographie. Je vais vous montrer comment utiliser les outils de base de la cinématographie pour raconter une histoire. Bonjour, je suis dans les champs avec les poubelles. Je suis réalisateur et scénariste avec 18 ans d'expérience. Au moment de cet enregistrement, mon long métrage est présenté en avant-première dans des festivals de films. De nos jours, j'aime travailler avec des professionnels, mais au début, j'étais mon propre directeur de la photographie, peu concentré, et parfois même acteur. Au fil des ans, j'ai appris que vous pouvez accélérer votre croissance en tant que cinéaste si vous maîtrisez les bases. C'est pourquoi j'ai élaboré cette série de cours qui vous enseigneront les principes fondamentaux de la cinématographie un par un. Dans ce cours particulier, nous allons parler des outils de la cinématographie tels que la lumière, la composition, le mouvement de caméra et la couleur. Cela peut sembler très simple, mais la façon dont vous les utilisez pour les outils permet de savoir si vous êtes un directeur de la photographie ou simplement un appareil photo. Il n'y a rien de mal à être caméraman. Mais laissez-moi vous dire que lorsque je cherche un directeur de la photographie pour mon nouveau film, la première chose qui m' intéresse, c'est de savoir s'il intéressé à raconter l'histoire ou il est juste un gars qui aime faire du joli photos. Parce que je pense que l'histoire doit toujours passer en premier. Et le fait d' avoir un impact sur votre public fait de vous un directeur de la photographie, un véritable narrateur visuel. Dans ce cours, je souhaite aborder les principaux sujets que j'ai l' habitude d'aborder avec mon directeur de la photographie lorsque nous préparons le tournage du film, ces quatre éléments, les compositions, le mouvement de la caméra, la couleur et la lumière ont déterminé le style visuel de votre film. Comme toujours, il y aura des exemples tirés de mes films primés qui ont été magnifiquement tournés par Nicholas Vegas. Mais dans ce cours, je vais également présenter d'autres exemples tirés du cinéma grand public. Alors oui, j'espère te voir en cours. 2. L'art de diriger l'attention: Merci d'avoir suivi mon cours. Aujourd'hui, la cinématographie est un art et un art d'attirer l'attention. Être un bon directeur de la photographie, c'est savoir montrer au public ce qui est important. Il s'agit principalement de photographier les performances des acteurs. Mais ce n'est pas seulement que vous êtes le regard du public et que vous le guidez tout au long de l'histoire. Vous les emmenez dans des endroits où ils ne sont jamais allés. Vous leur présentez des personnes qu'ils n'ont jamais rencontrées. Vous les invitez à voyager avec vous. Et c'est vous qui allez styliser ce voyage. est toi qui décideras. Est-ce que ce sera une énergie avec beaucoup de mouvement et qui déplacera l'attention d' une chose à une autre ? Ou peut-être que ce sera très concentré. Concentrez-vous sur l'endroit où vous allez simplement placer l'appareil photo sur un trépied et observer S'agit-il d'un voyage dans l' obscurité dans la nuit ou s' agit-il d'une tâche de travail ? Le scénario déterminera certaines de ces décisions. Mais en tant que directeur de la photographie, avez une certaine autonomie quant à l'apparence vous avez une certaine autonomie quant à l'apparence et au style de votre film. Dans ce cours, nous allons parler des outils que vous pouvez utiliser en tant que vidéaste pour raconter une histoire. Tout d'abord, disons simplement que chaque histoire est différente. Chaque scénario exigera d'être raconté d'une manière légèrement différente. Même si tu as tes propres préférences. Deux de mes films que j'ai tournés en tant que films de fin d'études à l'École nationale de cinéma polonaise sont complètement différents en termes de style visuel. Le premier film, des gens normaux, la caméra est vibrante. Participant à l'histoire. Dans le deuxième film, Mother Earth, la caméra est presque indifférente aux difficultés du personnage principal. En tant que réalisateur, j'ai eu toutes les raisons de choisir la manière dont ces histoires étaient racontées visuellement. Lors de mes discussions avec le directeur de la photographie, j'ai fait part de mes intentions, mais mon travail de DOPS était de les mettre en œuvre. Ces deux films ont été tournés par Nicolas via Guess. C'est lui qui a pris la plupart des décisions concernant la façon dont la caméra allait représenter l'action. Dans ce cours, je souhaite aborder les principaux sujets que j'aborde habituellement avec mon directeur de la photographie lorsque nous nous préparons à tourner un film, ces quatre éléments qui détermineront le style visuel de votre film. Maintenant, je recommande de prendre toutes les décisions concernant la composition, la lumière, le mouvement de la caméra et la couleur avant de photographier votre chute. Et ensuite, tenez-vous-y. Quand il sera sur le plateau. Limitez votre créativité aux limites du style que vous avez établi précédemment. 3. La composition: Le premier est donc la composition. Comme vous le savez probablement, la façon la plus générique de filmer une scène est prendre une photo fixe, puis d'ajouter des gros plans. Lorsque vous le faites comme ça, il est important de suivre la règle des 180 degrés. Cette règle est une directive de base concernant la relation spatiale à l'écran entre les personnages d'une scène. Vous avez peut-être vu mon autre cours sur la règle des 180 degrés en cinématographie. Si vous ne l'avez pas vu, je vous encourage à y jeter œil après l'avoir vu. En tout cas. La plupart des scènes de mon film, Mother Earth, sont tournées comme ça. n'y a rien de mal à faire les choses selon les règles, mais il est toujours bienvenu si vous voulez laisser votre empreinte personnelle dans une composition inhabituelle. Maintenant, il existe de nombreuses règles de composition, comme la règle des tiers ou la règle des probabilités, qui utilisent une profondeur de champ ou des lignes diagonales pour concentrer l'attention. Vous pouvez utiliser des compositions ouvertes ou des compositions plus courantes, les plus proches. Hum, tu peux faire tellement de choses intéressantes avec la composition. Je ne vais pas les énumérer tous c'est un sujet pour un cours différent. Mais laissez-moi vous montrer une scène de la Terre nourricière où nous avons utilisé notre imagination pour créer une composition inhabituelle, ce sera l'une des scènes d'ouverture où le garçon s' est blessé et où le père est Il va panser sa blessure. Le but de la scène est de montrer que même si le père est là pour son fils et essaie de l'aider, le garçon a besoin de plus de chaleur émotionnelle et gentillesse et qu'il ne comprend pratiquement pas. Maintenant, une façon générique de tourner cette scène serait de suivre la règle des 180 degrés et faire un plan fixe où on voit deux d'entre eux assis l'un en face de l'autre. Également aux gros plans d'acteurs. Et peut-être un gros plan de l'activité consistant à réparer la baguette. C'est comme pour les angles de caméra au total. Maintenant. Regardons maintenant ce que nous avons trouvé. Comme vous pouvez le voir, nous avons tout fait en un seul coup. Je me souviens de notre processus de réflexion lorsque nous nous y préparions. Tu vois, j'ai dit à mon directeur de la police que cette scène parle d'un rejet émotionnel. Nous le mixons pendant les répétitions avec les acteurs. Au fait, c'est formidable d'avoir votre directeur de la photographie présent aux répétitions. Nous avons pu combiner tous les aspects de cette scène en une seule image. Lorsque vous savez de quoi parle la scène, vous pouvez essayer de la capturer de manière mettre le thème de la scène au premier plan. Vous devez faire preuve d'audace et de détermination dans votre créativité. Lorsque vous pouvez spécifier le but de la scène, vous pouvez vous lancer en toute confiance avec toutes sortes d'idées folles. Désormais, ce type de plans devient votre signature sur l'ensemble du film. 4. Lumière: Parlons maintenant de la lumière, qui est un autre outil très puissant de votre arsenal. lumière est le plus souvent utilisée pour créer une ambiance. Malik est donc allé jusqu' tourner l'ensemble du film à l'heure magique, c' est-à-dire une heure de la journée juste après le coucher du soleil, et juste avant le lever du soleil, produit des couleurs chaudes d'or, de rose et de bleu considéré comme très photogénique. La fonction d'éclairage de votre film peut être réduite à une apparence esthétique, mais vous pouvez utiliser la lumière comme outil pour raconter votre histoire. Regardons une autre scène de la Terre nourricière, où un père trouve une blessure sur ses fils et les oblige servir les autres. Donc, emménagez et éliminez ceux qui sont malades. Mon modèle mental se répand. On devrait faire Mason, tu joues une vue sur l'étagère, cool. Un film à couper le souffle. Nous en avons la commodité. C'est eux que nous sommes tombés sur nous hier. C'était autrefois la pagode de CJ. Vous pouvez donc toujours taper votre pouce, vous ne voulez pas y aller. Maintenant, toute la scène est sombre et vous pouvez à peine voir les personnages représentant un père et son fils. Le seul élément que l'on voit clairement est la blessure lorsque le père met une lampe dessus. Cela a été fait exprès pour attirer l'attention du public sur la blessure. À ce moment de l'histoire, nous avons dû montrer la forme des blessures et montrer que le garçon ne savait pas qu'il était blessé en allumant la scène. De cette façon, nous avons réussi à montrer aux auxines que celle-ci est importante. Maintenant, ils vont s'en souvenir, ce qui portera ses fruits plus tard dans l'histoire. J'aime utiliser la lampe parce qu'elle me permet de rester collée. Qu'est-ce qui n'a pas d'importance à ce moment précis du film ? 5. Mouvement de caméra: Maintenant, parlons du mouvement de la caméra en décidant simplement si vous voulez une caméra réactive à votre héros principal, vous pouvez faire preuve de beaucoup d' empathie pour les protagonistes. Si vous avez un protagoniste qui n'est pas vraiment sympathique, vous pouvez l'aider à faire bouger la caméra. Chez les gens normaux. Le personnage principal, Daniel, est un criminel violent qui essaie changer de vie après sa sortie de prison Comme il n'est pas très empathique tout de suite, nous avons décidé d'opter pour la caméra, qui est très proche de lui, parfois même physiquement. Le mouvement de la caméra est très réactif par rapport au personnage. J'ai l'impression qu'être si proche du personnage aide à adopter son point de vue. À l'inverse, si vous savez que le personnage est de toute façon très empathique, comme un jeune garçon vulnérable qui veut sauver un vieil organigramme, est la seule chose que sa mère décédée lui a laissée. Vous n'avez pas à vous inquiéter si votre public aimera suffisamment votre personnage pour le soutenir. Vous pouvez avoir une caméra très statique qui nettoie la situation à distance. De cette façon, vous pouvez créer des photos plus symboliques et plus esthétiques. Cette approche incitera le public à chercher un sens plus profond de l'histoire. Encore une fois, tout dépend de l'histoire. En dehors de cela, vous pouvez également tenir compte de la durée de chaque prise de vue. Dans. La configuration traditionnelle de l'appareil photo prendra quelques secondes pour chaque prise de vue. Mais vous pouvez aller de l'avant et planifier, considéré comme un plan directeur, ce qui signifie que vous allez filmer l'ensemble de la scène en une seule prise ininterrompue. Steven Spielberg est connu pour sa soi-disant Terre unique. Comme vous pouvez l'imaginer, les plans principaux sont difficiles à réaliser en termes de production. Vous devez disposer de beaucoup de temps sur le plateau pour les corréler correctement. Parfois, ça vaut le coup. Je dis toujours à mes étudiants qu'il faut avoir une bonne raison pour créer une scène en une seule prise. Voici une scène de mon long métrage, Faith Break. Regardons. J'ai décidé de réaliser cette scène dans un master shot car je voulais faire découvrir au public l' univers de ce jeune homme. Le public l'a déjà rencontré en tant qu'ivrogne et voleur. Dans cette scène, notre objectif était donc de le montrer sous un jour plus positif. En tant qu'organisateur de cette fête d'équipage, j'ai décidé de la filmer comme une merveille pour faire participer le public à la fête. Et puis il remarque une belle fille, et il l'a coupée. Alors voilà. mouvement de la caméra est le troisième des principaux outils cinématographiques. 6. Couleur: Parlons du quatrième outil, qui est la couleur. Cela semble très basique, mais si vous y réfléchissez, c' est aussi quelque chose qui peut vous aider à raconter l'histoire. Nous avons tous nos préférences en matière de couleurs. Nous avons tous notre couleur préférée. En tant que directeur de la photographie, vous n'avez pas le droit d' avoir une préférence. L'histoire, une fois que vous aurez choisi la palette qui vous convient. Ainsi, une couleur claire est généralement utilisée pour créer une ambiance. Nous associons les couleurs vives à l'optimisme et aux couleurs désaturées et délavées. Ou nous considérons que c'est le pressage. Je vous encourage à réfléchir à la façon dont la couleur peut vous aider à raconter l'histoire. Vous pouvez utiliser la couleur pour attirer l' attention du public sur quelque chose. L'exemple le plus frappant est une fille au manteau rouge. Dans la liste de Schindler. L'ensemble du film est en noir et blanc. Il a été stylisé pour rappeler au cinéma les années quarante et cinquante. Dans quelques scènes du film, vous voyez une fille vêtue d'un manteau rouge. C'est un petit motif léger qui revient sans cesse. Et cela culmine lorsque le protagoniste voit cela lire le code sur un cadavre indique clairement qu' il éprouve des remords. Donc, sans la couleur rouge, ce ne serait qu'un autre cadavre sur la pile. Mais lorsque nous reconnaissons le manteau rouge, nous nous souvenons immédiatement de la personne qui le portait dans la scène précédente. Ce corps empilé n'est plus anonyme. C'est la mort tragique d'un enfant. Maintenant, est-ce subtil ? Non. Mais est-ce que ça marche ? Oui, c'est le cas. Maintenant, vous pouvez être plus subtil avec la couleur. Pedro Almodovar est connu pour utiliser la couleur pour attirer l' attention des spectateurs sur ses personnages. Il illuminait généralement tout ce qui se trouvait sur le plateau et obligeait les acteurs à porter des vêtements couleurs vives ou contrastantes. Une autre chose est que vous pouvez utiliser la couleur pour séparer les différentes intrigues de votre film. Stephen Sada d'Eric a fait dans les embouteillages. Ce film comporte plusieurs intrigues et chaque intrigue a sa propre couleur dominante. Vous pouvez également utiliser la couleur pour marquer certains emplacements et environnements dans une matrice. Chaque fois que nous étions dans la matrice, tout avait cette teinte verdâtre. Le monde réel était bleuté de cette façon. En tant que spectateur, vous pouvez regarder de longues scènes où il y a des allers-retours entre ces deux réalités sans jamais vous perdre. Enfin, il y a aussi une valeur symbolique de la couleur, ce qui est un tout autre niveau en termes d'utilisation de la couleur. Racontez l'histoire, ce sont les situations où vous créez l'association de certains éléments de l'histoire avec une couleur particulière, par exemple dans le film, le bleu est la couleur la plus chaude. La couleur bleue symbolise l'amour. Cela va à l'encontre de l'association courante que les gens entretiennent avec la couleur bleue. Le bleu est en fait la couleur la plus froide. Mais dans cette histoire particulière, les cinéastes ont associé ce mot amour. Maintenant, pendant que vous le regardez, vous ne vous en rendez peut-être pas compte, mais votre cerveau traite les signaux au fil du temps. Cela a un impact sur votre inconscient. comment cela fonctionne. Après avoir vu des scènes où le personnage principal, Adele, est amoureuse et avoir vu beaucoup de bleu autour d'elle, votre cerveau associera le bleu au fait d'être amoureux. Ainsi, vous associez inconsciemment cette couleur à une sensation particulière. Vous pourriez simplement le ressentir sans le comprendre. Ces quatre outils, la composition, la caméra, le mouvement, la lumière et la couleur, sont donc la composition, la caméra, le mouvement, la lumière et la couleur, les outils les plus importants dont vous disposez en tant que directeur de la photographie Vous devriez vous efforcer de les intégrer dans votre films. La cinématographie ou la vidéographie consiste essentiellement travailler avec l' inconscient pour raconter une histoire. Je tiens à souligner que lors de vos préparatifs, vous devriez prendre le temps de prendre toutes ces décisions concernant le style de votre histoire , puis vous y tenir sur le plateau. Vous devez définir le style visuel de votre film avant de commencer à le tourner. Bien sûr, faire un film est un processus créatif et vous pouvez changer certaines choses, mais il vaut mieux commencer le tournage avec une vision claire de ce que vous voulez créer, puis dépenser un processus créatif et vous pouvez changer certaines choses, mais il vaut mieux commencer le tournage avec une vision claire de ce que vous voulez créer, puis dépenser début du temps en essayant de l'améliorer. 7. Projet du cours: Pour votre projet de classe. abord, je veux que vous choisissiez un C. Cela peut être tel que vu dans votre film, mais il peut aussi d'une reconstitution d'une scène du film que vous aimez. Créez ensuite un storyboard photo de la mer. Un storyboard photo est une série d'images qui imitent à quoi ressembleront les photos. Vous devez prendre une photo pour chaque angle de caméra. Vous avez vu les graphiques que je vous ai montrés dans les leçons. Vous savez donc comment vous y prendre en termes de qualité de production, d'équipement, d'acteurs, tout dépend de vous. La véritable qualité de votre production dépend uniquement de vos idées et de votre volonté de raconter l'histoire. Vous pouvez utiliser n'importe quel équipement. Vous pouvez utiliser l'appareil photo de votre téléphone si c'est tout ce que vous avez. Pour ce qui est des performances, vous pouvez demander à votre famille ou à vos amis de poser pour vous. Fais en sorte que ce soit amusant. Et maintenant, le plus important est de faire en sorte que les grands professeurs utilisent un ou plusieurs outils dont je vous ai parlé dans ce cours pour transmettre le thème principal de la scène. C'est la chose la plus importante. Essayez d'être créatif et de vraiment sortir des sentiers battus. Pour moi, c'est toujours amusant d' explorer de nouvelles manières d' exprimer l'histoire. Comme toujours, je téléchargerai mon propre projet dans la galerie de projets. Donc tu sais exactement ce que tu es censé faire. N'oubliez pas de publier votre projet. Je ferai part de mes commentaires à chacun d'entre eux. Bonne chance. 8. Bonne chance !: Merci d'avoir suivi mon cours. J'espère vous avoir fait regarder le cinéma sous un jour nouveau. Si vous avez appris quelque chose de précieux, pensez à revoir le cours et à publier vos projets. J'ai remarqué que la plupart des étudiants qui suivent mes cours ne le font pas. S'il vous plaît, soyez celui qui fait l'effort. D'autres personnes pourraient donc bénéficier de votre évaluation. De plus, la lecture de vos critiques me motive. Enseigner en ligne ne rapporte pas beaucoup d'argent. Rien n'est comparable à l' écriture de scénarios et à la réalisation, qui sont mon travail principal. Donc, si vous voulez que je continue à en faire plus, faites-le moi savoir en laissant une critique positive, surtout si je considère ce cours comme une introduction. que je vous ai expliqués comportent de nombreuses nuances Les principes que je vous ai expliqués comportent de nombreuses nuances, par exemple la lumière peut être utilisée pour créer une ambiance dans la scène. Mais que se passerait-il si la lumière racontait une histoire complètement différente de celle des dialogues ? Et si la cinématographie était le contrepoint de ce que font les acteurs ? Si cela vous intéresse, j'adorerais créer d'autres cours avec une analyse complète. Faites-moi juste savoir si cela vous intéresse. Maintenant, le meilleur moyen de consulter mes cours est mon site Web. Vous pouvez y découvrir comment ce cours s'inscrit dans mes autres cours. Je vous encourage à y jeter un coup d'œil, car je suis sur toutes sortes de plateformes différentes et cette page est toujours à jour. C'était plus. Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours et j'espère vous voir bientôt. Au revoir.