Principes d'art : Équilibre / Apprendre à améliorer votre composition

1. Introduction: Bonjour, je suis Jennifer Moore, je suis tellement heureuse de vous voir dans ma classe. Ce cours sur les équilibres, apprend vraiment à assembler des éléments d'art visuel et à les organiser ensemble pour former un équilibre très visuel. Et vous apprendrez vraiment tellement de choses que je couvre notre appréciation. Je compare une peinture d'analyse, j'y vais et disséque des tableaux. Les lignes directionnelles sont des points focaux, espaces négatifs et positifs. Les différences entre les balances symétriques, radiales et asymétriques. Et je vais un peu plus loin et je fais une séparation de l'équilibre symétrique formel avec une balance symétrique. Et un déséquilibre. Il suffit de faire quelques exercices et nous réalisons un merveilleux projet à la fin, le matériel artistique dont vous aurez besoin pour le cours, ou une gomme à crayon, taille-crayon, un chapeau de dessin. Vous êtes invités à travailler sur n'importe quel support qu'elle voulait. Vous pouvez appliquer ce que vous avez appris grâce à ces exercices. Symétrie formelle, symétrie, radiale, asymétrie et déséquilibre. Le projet sur une grande toile, je travaille en acrylique, de sorte que vous puissiez voir les différents éléments artistiques sorte que vous puissiez voir les différents éléments artistiques avec de la couleur. Et je vous montre le processus. C'est le projet final terminé et ce qui était génial à ce sujet. Je suis entré dans une exposition et elle a remporté la première place. Il existe diverses façons d'apprendre cela. Cela peut être pour n'importe qui, car vous apprendrez quelque chose. Si vous avez envie d'en savoir plus sur les éléments artistiques. J'enseigne également les cours de couleur, de ligne, de forme et de texture. Qui peut bénéficier de ce cours ? Trouvez des artistes, des graphistes, des animateurs, des designers d'intérieur. En gros, tous ceux qui veulent en apprendre davantage sur l'art et un gestionnaire de fonds dans mes cours, ce que je fais c'est vraiment vous donner autant de connaissances et d'informations d'une manière très compréhensible. Et je veux que vous mettiez un défi, que vous vous amusiez et que vous vous excitiez vraiment avec ce cours. Je suis vraiment ravi de ce cours et je suis tellement content que tu te joignes à moi. 2. Trouver l'équilibre: Atteindre l'équilibre. Commençons par ce qu'est l'équilibre ? L'équilibre est une répartition uniforme du poids qui permet à quelqu'un ou à quelque chose de rester debout et d'étudier. Eh bien, c'est une définition d'Oxford. Voici l'équilibre de définition dans l'art par les boules blanches. Et c'est très intéressant car ils couvrent vraiment tous les aspects de l'équilibre dans l'art. Se référer aux éléments artistiques tels que la ligne, la texture, la couleur et la forme dans la création d'œuvres d'une manière qui rend visible la stabilité. Nous connaissons tellement les choses de poids d'un sens physique, mais nous regardons l'art dans un élément visuel parce que nous allons regarder les pièces 2D par rapport à la sculpture. faire face à cet équilibre, c'est l'une des principales organisations d' éléments structurels. Et ce sont ces principes de l'art. Pour simplifier cela, en bas, est fondamentalement une distribution égale de ces éléments visuels dans une œuvre d'art. Pourquoi l'équilibre est-il important maintenant ? équilibre est très important dans le monde de l'art car il crée une harmonie visuelle et les clés de l'art, il est donc très agréable à regarder. Il peut également créer une cohérence et rassembler l'œuvre dans son ensemble afin qu'elle complète la pièce. Nous discuterons de cinq soldes différents. Les principaux que vous entendrez parler dans le monde de l'art sont symétriques, radiaux et asymétriques. J'en ai ajouté deux pour les définir un peu plus afin que vous puissiez voir où il est placé, comme l'équilibre symétrique formel est un peu différent de la balance symétrique. Puis j'ai ajouté le déséquilibre. Il y a des œuvres d'art qui n' ont pas d'équilibre là-dedans, mais elles fonctionnent toujours. Une autre chose qui joue un rôle important avec les équilibres. Qu'essayez-vous de dire ? Qu'est-ce que vous essayez de transmettre dans votre œuvre, par votre sujet et votre message, il y a des différences d'équilibre et elles peuvent créer un sentiment de vivacité, de tension. Recombinants, Party atteindre l'équilibre se fait par les arrangements de vos éléments artistiques. Les lignes en forme de valeur de couleur vérifient sa forme et son espace, qui sont en perspective et positionnement des éléments dans votre travail. Et tous ces jeux jouent à part. Parfois, ils ne sont pas tout à fait ou on en joue, ou vous devez comprendre ces éléments afin de savoir comment allez-vous les utiliser ? Par exemple, la couleur. Par exemple les couleurs plus vives ont un poids plus visuel, les couleurs neutres, les lignes lourdes ont plus de poids visuel que les lignes plus claires. Si un article a plus de texture, cela crée plus de poids. Je vais expliquer ces différents éléments et comment ils s'appliquent à l'équilibre au sein de cette classe. Voici quelques-unes de mes photos pour commencer à expliquer l'équilibre. Mais il faut aussi comprendre dans un format bidimensionnel. C'est sur une toile ou un papier. C'est donc déjà dans une sorte de format carré , rectangulaire ou circulaire que la composition est placée en ce moment , j'ai un format carré. En regardant cela, cela est considéré symétriquement équilibré. Vous auriez l'arbre au centre et vous aurez un accès vertical plutôt bien en passant par le centre de la pièce. Vous disposez également d'un accès horizontal divise et les images de chaque côté, il y en a suffisamment pour l'équilibrer. Vous avez un petit Buisson à gauche, quelque sorte équilibrant le grand arbre du côté droit. Ici, nous avons quelque chose de lourd grange sur la gauche. Et puis, nous avons cet arbre rouge. Eh bien, la rougeur de l'arbre est si vive et intense. La blancheur est également très légère, donc ils se poussent vraiment les uns contre les autres avec la couleur. Ceci est considéré comme symétrique. Maintenant, si je m'en retire et que j'y ajoute d'autres éléments dans ce format rectangulaire, il reste symétrique parce que vous avez cet arbre à gauche avec un autre arbre que les deux ont assez de poids visuel contre l'arbre rouge. Et puis la grange s' infiltre dans l'espace. Il devient donc plus petit. Ici, nous avons à mes chevaux. Et c'est symétrique. Les formes sont similaires. Et puis, si nous le repoussons, il devient asymétrique. Il y a beaucoup plus d'implication là-dedans qui me donne un équilibre. asymétrique. La meilleure façon de décrire asymétrique est le sentiment d'équilibre. Et c'est le plus difficile à atteindre parce qu' il n'y a pas cette exactitude, mais c' est ce sentiment et c'est là que ces éléments entrent en jeu pour se souvenir de ce que j'ai dit auparavant au sujet de la couleur. Les couleurs plus vives ont plus de poids visuel que les couleurs neutres. Ainsi, le ciel rouge vif, en particulier le jaune et le haut gauche, s' équilibre visuellement avec tous les tons neutres de l'herbe du pâturage et des chevaux. Une chose à propos du paysage, c'est qu'il a déjà un sentiment d'équilibre intérieur parce qu'il a votre ligne horizontale, qui est la Terre vers le ciel. Et puis il y a des choses verticales qui pourraient être des bâtiments, sont des arbres, donc il a déjà un sentiment d'équilibre. Cela attribue vraiment à quelque chose qui peut être un peu délicat à peu près tout de suite. Bien que dans celui-ci, parce que j'ai des objets différents dedans, la clôture qui s'approche de vous, qui traite donc de la taille et l'élément de perspective de la grange étant plus éloignée. Bien que vous le sachiez, la grange est plus grande que la clôture. Mais c'est le poids visuel que nous voyons ici. Et puis il devient asymétrique. Ici, nous avons un équilibre radial. Il rayonne. Il est généralement au centre avec tout ce qui vient du Sénat. L'équilibre radial est également très similaire à celui d'une balance symétrique. Dans le prochain segment, je vais montrer avec un objet de la nature comment regarder l'équilibre. C'est vraiment amusant et un moyen visuel simple d' expliquer l'équilibre. 3. Harmonie de conception et de proportions: Équilibre, harmonie de design et de proportion. L'équilibre. Je pensais commencer par quelque chose d'assez simple d'un objet juste pour commencer à comprendre ce qui équilibrait. Et tout au long de ce cours, j'utiliserai beaucoup de choses naturelles pour décrire l'équilibre. J'ai donc trouvé cette feuille que je trouvais très intéressante car elle a vraiment une qualité si unique par les lumières, les sombres et la qualité des lignes. Nous avons certainement quelque chose ici pour décrire vraiment l'équilibre. Dans cette classe, nous allons parler trois types d'équilibre. Un, symétrique à asymétrique et trois, radial. équilibre symétrique est très équilibré. Cela peut être presque quelque chose qui se reflète comme si la formation de feuilles serait considérée comme un équilibre. C'est assez proche de ce sentiment de chaque côté que vous regardez. Une forme de chaque côté est assez égale, bien qu'elle ne soit pas exacte, mais elle est assez proche pour être équilibrée symétriquement. Examinons cela d'une manière différente de l'équilibre asymétrique. Et cela devient très intéressant parce que c' est un sentiment d'équilibre. deux ensembles d'équilibre sont très importants en particulier dans l'art, car l'équilibre dépeint un certain sentiment et une certaine façon de voir les choses avec l'asymétrique est très simple. C'est com, il a plus d'exactitude. Et c'est une façon formaliste de regarder l'équilibre. Lorsque vous entrez en asymétrique, il commence à changer et cela peut créer un peu d'intensité. Et commençons par simplement, je vais m'y déchirer. Et on va juste sortir un morceau. Maintenant. Cela a radicalement changé les choses. La forme elle-même, nous commençons à regarder une forme négative. Nous pourrions placer cette forme négative proximité pour créer immédiatement de la tension. Ainsi, les choses peuvent changer si brusquement en tout-terrain et en regardant l'équilibre, écartons cela. Sortez-le de la scène. Faisons de même pour Vestas de l'autre côté. Je peux sortir un morceau. Maintenant. Je suis retourné et je l'ai rendu symétrique. Il n'est pas parfaitement symétrique, mais il a une symétrie. Et en regardant cela, vous pouvez faire des allers-retours. Vous pouvez jouer avec des choses d'équilibre, d' attendre, avec des objets plus petits. Je peux en mettre deux de ce côté. Cela modifie cet équilibre des sentiments en regardant cet espace particulier. L'équilibre est donc si efficace. Et l'idée de travailler avec l'art, même si vous n'avez pas besoin d' équilibre pour créer un bon design, équilibre contribuera à créer l'harmonie au sein de votre pièce. Maintenant, nous avons fait des opérations asymétriques et symétriques. Allons de l'avant et faisons radial. Et je vais diviser ça en deux. Et le radial est quelque chose qui va se déplacer dans la direction de sortir comme une formation circulaire. Laissons toutes ces lignes rayonner. Placez-les en rayonnant des pièces supplémentaires ici. Et c'est vraiment un équilibre symétrique. Il rayonne. Nous sommes, tous les éléments sont assez bien placés également. Et il y a un point central, point focal très fort au milieu. Nous avons donc nos trois balances, symétriques, asymétriques en radial. Passons au segment suivant et nous étudierons plus en détail l'équilibre symétrique. 4. Équilibre symétrique: Dans ce segment, nous allons travailler avec équilibre symétrique formel a été humain. Nous pouvons nous rapporter à cet équilibre formel, la symétrie parce que nous sommes bilatéraux en nous-mêmes. Vous pouvez le voir dans la maturité sur l' homme par Léonard de Vinci qui englobe le dessin de l'homme dans un cercle et même un carré. Il a une uniformité, un équilibre symétrique formel. Il s'agit d'un équilibre obtenu en disposant des éléments artistiques de poids visuel égal deux côtés de la composition. Il y a un accès bilatéral, horizontalement ou verticalement, rendant chaque moitié identique à une image miroir, un équilibre symétrique formel crée un sens de l' ordre ou de la stabilité et aussi esthétique. agréable. Ensuite, je vais faire un bref aspect historique de l'art de l'équilibre et œuvres d'art qui reflète son équilibre symétrique formel. Vous comprenez donc vraiment comment fonctionne l'équilibre. L'incertitude avec sa peinture intitulée Mr signifiant que les magistrats sont les artistes cima buoy, et c'est vers 1431. C'est un peu un tableau de la Renaissance. Vous pouvez voir cette symétrie formelle se dérouler ici avec tous les halos et les têtes qui se trouvent même de part et d'autre de la Vierge Marie. Il est très formaliste dans les airs formalistes aussi avec l' entité religieuse de la peinture. Je voulais vous montrer un autre tableau de sa part, qui est la dernière Cène. Et vous remarquerez que ça a l'air bizarre, n'est-ce pas ? Vous voyez toujours les effets halo de toutes les parcelles autour de la table. Mais c'est étrange parce que la perspective n'est pas leur point de vue tel qu'il a été introduit à la Renaissance un peu plus tard. Et nous en verrons un de Léonard de Vinci, également intitulé La Cène. Vous trouverez ici un élément de perspective des chiffres proportionnels, ainsi que la structure du bâtiment qui s'inscrit dans ce qu'ils appellent une perspective à point unique. Mais la prospective devient un élément très important et l'essence de l'équilibre nous avons ici un équilibre formel, comme vous le voyez tout au long de la peinture. Raphaël ajoute un peintre, également à la Renaissance, mais nous avons ici un tableau intitulé Le Mariage de la Vierge, où cela se passe ici avec équilibre, comme vous pouvez le voir, équilibre formaliste de part et d'autre, mais l'équilibre ici est également utilisé. Qu'est-ce qui est très important ici ? Et c'est définitivement le mariage. Ce sera tout l'accent sera mis vers le centre, comme vous l'avez vu lors du dernier souper avec Léonard de Vinci, la figure du Christ est au centre. Regardons l'arrière-plan. Nous avons ce bâtiment très classique. classique vient de l' antiquité du classicisme, retour aux Grecs et l'art romain remonte à 1000 av. J.-C. Et nous voyons ces colonnes, ces dômes et ces types de structures. La Renaissance va-t-elle également attirer cela dans leurs structures de construction ? Et nous pouvons constater que même l'architecture actuelle de cette approche classique de ces bâtiments la verra certainement dans les bâtiments gouvernementaux et bancaires. Nous avons ici un autre tableau de Raphaël. C'est ce qu'on appelle les trois grâces. Et à quel point il est magnifiquement exécuté. Vous regardez vraiment les chiffres la simplicité et l' innocence des figures de ces grâces. L'équilibre joue aussi agréable, quelque sorte tout placé ensemble. C'est donc une sensation agréable qui se crée ici. On voit rarement des portraits en face parce qu'ils sont presque délibérés à s'intensifier. Mais j'ai trouvé celui-ci de Raphaël, je trouvais très intéressant. On peut encore dire que le sentiment qui se transmet ici est l' intensité de l'homme, l'importance de Manchus, d'ailleurs, il vous regarde, ça se sent statiquement agréable. Il a vraiment regardé ses yeux et son visage. L'arrière-plan est également en sourdine et le visage est mis en valeur à cause de la garde-robe qu'il porte et qui est très noire. Et aussi à l'époque de la Renaissance, c'est très naturaliste. Vous avez donc un réalisme ici. Maintenant que vous avez une idée d'où vient cet équilibre formel dans un aspect historique, voyons ce qu'il s'applique à une version plus moderne. Nous allons donc simplement aller de l'avant et voir ce qui se passe. Voici un tableau de Chuck Close de Lucas, ce tableau fait 100 x 84 pouces. Cela se fait en 1999 lorsque vous travaillez avec l'équilibre, que tentez-vous de révéler ? Qu'essayez-vous de transmettre ? Il y a plusieurs choses qui se passent avec ce cours, c'est sa taille. Il vous englobe donc, il est plus grand que nature. Cette phase est aussi grande, vous ne pouvez pas vous empêcher de vous engager avec elle, donc c'est un aspect de celle-ci. équilibre symétrique est donc enlevé, toute la confusion qui se passe. Il est directement lié à vous. Il est situé près de vous. Une fois que vous en aurez l'effet, le naturaliste, la figure qui vous regarde, alors vous commencez à entrer dans la douleur elle-même et à regarder la technique picturale, qui est également visuellement incroyable. Chuck Close en tant que peintre photoréaliste, il utilise tout l' élément artistique pour travailler dans sa composition d'équilibre formel en couleur, en forme de valeur, en taille de ligne, en forme de texture. Pour que cela fonctionne, examinons quelque chose de complètement différent. Examinons le travail de Frank Stella. Le seul élément artistique dans lequel il travaille ici, c' est la couleur et la forme. Nous voyons donc vraiment une approche minimaliste de la peinture dans son travail. Quel est donc son contenu ? Que disait-il ? Il veut juste que vous regardiez couleur et comment elles interagissent les unes avec les autres, en les regardant de façon très minimaliste , Mark Rothko, expressionnistes abstraits, peintre de champ coloré. Voici la peinture. Une couleur n'est pas un bord dur, mais ce sont plus des images flottantes c'est que les contextes sont ce avec quoi il travaille. Rendre la couleur plus méditative. Mixed est Barnett Newman. C'est aussi un peintre de champs de couleurs minimaliste. L'essence d'ici est les couleurs droites. Ici, il dit à propos de son travail est de commencer de zéro à la douleur est un sou n'a jamais existé auparavant. Il voyait ses compositions de formes de pensée comme des expressions de l'expérience de l'univers d'être vivant et individuel. Donc cette idée de la couleur, de la place elle-même devient plus une façon universelle de le regarder. Ou nous avons Andy Warhol, un artiste pop avec ces canettes de soupe, cultures populaires, ce qu' il expose, Georgia O'Keeffe, peintre des moniteurs, et elle a fait les choses grandes et rapprochées pour que elle a remarqué qu'il avait Bridget Riley à part, part l'art optique. Tout ce qu'elle travaille avec ces lignes ici, nous avons MC Escher, il a commencé comme mathématicien, mais ils regardent vraiment les oies qui volent vers la gauche qui sont noires. Mais si vous regardez dans l' autre sens que leur blanc, c'est aussi une collusion. Venez me rejoindre dans le prochain segment. Je vais prendre un tableau, interpréter les formes de la nature comme sujet. Je vais utiliser un équilibre formaliste. 5. Exercice #1 : équilibre symétrique formel: Commençons par faire de l'art. Nous allons faire notre premier exercice de l'équilibre formel. Avec notre équilibre formel, nous essayons de trouver quelque chose qui a définitivement cette symétrie reflétée. Cherchez donc des objets autour de vous, recherchez quelque chose dont vous pouvez dessiner directement et observer ce que vous regardez. C'est attiré par la maison de mon ami et je trouvais que le garçon est assez intense et je ne l'ai jamais vraiment regardé aussi symétrique qu'il l'est. Ensuite, j'ai regardé mes chiots. Bella n'était pas trop ravie d' être prise en photo, nous sommes si proches. Mais il y a encore une symétrie, comme les humains, il y a de la symétrie et des chiens. Et voici un sirop. Pour cet exercice, vous pouvez travailler avec. J'ai travaillé avec un crayon en ébène et du papier à dessin. Vous y êtes les bienvenus avec les crayons de couleur, acryliques, tout ce que vous aimeriez qui vous intéresserait. C'est assez basique pour ceux d'entre vous qui commencent tout juste à apprendre à ce sujet, c'est un excellent exercice, mais si vous êtes plus avancé, profitez-en et apprenez un un peu et mettez-vous aussi au défi avec cet exercice et cet exercice que j'aimerais que vous choisissiez un objet à partir desquels travailler. Deuxièmement, il faut dessiner un format de bordure sur lequel travailler. Divisez votre format en quadrants et observez vraiment votre objet depuis lequel vous allez travailler. Et si nécessaire, vous pouvez simplifier votre image pour produire cet équilibre formel. Mon studio en ce moment, et ce sont les éléments avec lesquels je vais travailler pour mes exercices. J'ai des rangées et j'ai acheté un tas de marguerites. C'est l'hiver ici, donc je n'ai pas de vraies fleurs à l'extérieur que je pourrais utiliser. Je vais choisir la Daisy pour la première étant symétrique. Pour mes deux premiers exercices, je vais utiliser la même feuille de papier, mais je vais créer une bordure pour eux. Si vous composez, vous devez avoir quelque chose que vous composez deux. Ce n'est donc pas une masse énorme, mais vous voulez qu'elle corresponde au format. Je vais commencer par faire ma symétrique formelle. Maintenant, vous pouvez dire que c'est presque parfait comme il est. Il est absolument magnifique. Je pense que la nature est vraiment un guide merveilleux pour créer de beaux arts. Mais je vais devoir aller plus loin parce que ce n'est pas exact et informel. Nous avons cette image en miroir. J'ai divisé cette section en quatre unités égales, quadrants. Vous pouvez voir que je me déplace. Cette fleur est tellement, j'ai perdu quelques pétales. Mais je vais quand même avoir une idée majeure de ce que je dessine ici. En regardant cela, j'ai une pièce ronde centrale. Je vais donc mettre ça juste là. En plein centre. C'est, même si je peux. Je remarque deux couches. Une couche de ces pétales sort. Ensuite, la deuxième couche. Ce que j'ai commencé à regarder c'est quelle est la forme du pétale ? Évidemment, je le sais parce que j'en ai perdu quelques-uns, donc je peux vraiment voir à quoi ils ressemblent. Je peux créer cette forme très uniformément. Je peux commencer ici et le faire sortir. Partez à ce sujet. Commencez l'un de l'autre côté. Puisque je fais ça à la main, ce ne sera pas parfait, mais je vais le rapprocher autant que possible. C'est ainsi que je commencerais. Et je vais alors devoir réfléchir à mon espacement entre eux. Je vais lui donner un peu d'espacement que je peux bien, il ne se chevauche pas, n'est-ce pas ? Certains ont un peu besoin d'une décision importante. Que vais-je faire ? Je vais laisser un peu d'espacement pour pouvoir mettre mon autre couche derrière elle. Je vais savoir combien je vais en mettre ici. Je pense qu'il y en aurait quatre. Non, on dirait que trois seraient bien. Je vais donc les diviser en trois unités. Tout va être égal. Maintenant, les marques que j'ai faites, je devrais les dessiner entre les deux pour les uniformiser. C'est ce qu'il y a ici. Et bien sûr, ils ne sont pas aussi égaux que je veux. C'est plutôt bien. Allez un peu. Dommage. Je vais continuer avec le même type de mythologie que je dessine. J'ai presque fini ici. Certaines personnes ont vraiment aimé faire ce type de dessin, ses formations de motifs et ont vraiment une valeur très importante. Il suffit de choisir ce que vous aimez et c'est important à utiliser. C'est un peu plus difficile pour moi. J'aime bien être un peu propre et soigné, symétrique, mais vous avez une idée de ce avec quoi je travaille. J'utilise ma fleur est une image pour travailler de l'inverse, juste en sortant d' images dans mon esprit, j'aime travailler avec quelque chose pour commencer. Si je regarde plus loin là-dessus, il y a certainement un peu plus de couches que celles que Zach T2. Je pourrais jouer plus avec ça, mais je pense que je vais juste le garder en double couche comme elle l'est. Je le vois juste ici. Je vais le mettre juste derrière ça. En regardant cela, c'est plus grand que nous pouvons voir avec ceux que j'ai retirés. Nous pouvons voir qu'il est certainement plus grand que ceux qui sont plus proches, donc nous allons le rendre un peu plus grand. Et je vais juste prendre la forme plus grande et aller juste entre mes deux autres pétales. En regardant à nouveau, les problèmes ici , ici et ici , je dois m'attaquer. C'est trop près du bord là où il n'est pas là. Donc, ces petites choses que j' avais besoin de nettoyer ici. Je sais que celui-ci aurait dû sortir un peu plus. Assez près de l'idée de cela. Je pense que c'est très intéressant. Belle image qui le fait. Mon très formel. Vous pensez, eh bien, pourquoi utiliseriez-vous cela ? Vous pouvez l'utiliser pour le type de publicité. Quelque chose qui, et je peux le voir de nombreuses façons. Et aussi, les effets de modélisation ont beaucoup de choses qui sont très symétriques. Je pense que c'est amusant. Vous pouvez penser aux couleurs et à tout le reste. Vous pouvez y aller maintenant. Nous travaillons avec des lignes et des formes, implique des imbéciles avec un format et un fil qui s'y trouvent, mais ils en avaient juste besoin. Nous avons ici notre symétrie. Passons au segment suivant et apprenons l'équilibre symétrique. 6. Balance symétrique: Dans ce segment, nous allons couvrir l'équilibre symétrique. Comme vous pouvez le constater, ces chats ont l' impression d'être symétriques, mais ils ne sont pas exacts, ils ne sont pas identiques. En fait, le chat inférieur est Sasha, la mère du chaton au-dessus de son Oscar. Un autre terme peut être un équilibre approximatif par axial ayant deux axes presque symétrique. Voici un portrait très célèbre appelé le portrait d'Arnold Feeney, réalisé dans les années 1600 par Van Eyck. Il s'agit là d'un excellent exemple d' équilibre symétrique en ce qui concerne le statut social. C'est que tout est soigneusement placé ici. C'est plutôt complexe. L'éclairage, surtout il est très important de venir de la fenêtre et de mettre en valeur toutes les figures et les objets à l'intérieur. Vous avez ce merveilleux équilibre du lustre, les deux figures de chaque côté jusqu'au fluor et même les sandales gauche qui ne sont pas portées montrent qu' il y a quelque chose de sacré. qui se déroule. Le petit chien et le bas représentent la fidélité. Magnifiquement fait. Les couleurs sont très harmonieuses et ce n'est pas formaliste, mais cet équilibre symétrique a encore une formalité pour lui par sa présentation et par sa tentative montrer les détails tout au long de la pièce. Voyons une autre façon de regarder autant de choses. Penny, c'est de Raphaël. Si vous remarquez qu'il y a presque une courbe S. C'est l'accès tout au long de la peinture. Vous regardez le point focal de son visage et il se déplace vers sa main droite , puis vers sa main gauche. Il montre un bon écoulement tout au long de la pièce, mais il est très symétrique. Voici une peinture de Ket, semblable à la façon dont elle est divisée, mais voici, a tellement de mouvement et d'action qui se déroule que les tableaux symétriques n'aient pas à paraître aussi stoïques. Il peut bouger tout au long de la pièce. Ici, nous avons un par David, approche très classique, comme vous pouvez le voir, elle est divisée au milieu. C'est un axe. Mais de part et d'autre, ils ont presque un effet médian pur pour les équilibrer. Je vais vous montrer un groupe de tableaux de l'ami de Franz Marc Spark qui sort du Blue Rider. Ils utilisent beaucoup de couleurs vives. Rider était des peintres expressionnistes. Je crois que le bleu est la couleur la plus spirituelle et que le cavalier symbolise la capacité d'aller au-delà. Il est peintre expressionniste allemand et graveur. Mais son aspect symétrique ici est assez bien équilibré. Et je pense que c'est un peu excitant parce qu'il y a tellement d'intensité et vivacité pour nous une approche de la composition. Essayons les cuisses de partager avec vous quelques-uns de ses tableaux. Il fonctionne vraiment avec ce concept d' équilibre symétrique alors que nous divisons le tableau en deux et que nous regardons vers la gauche, nous avons deux chevaux et ce chuchotement blanc, on dirait peut-être un arbre dans la l'arrière-plan rapport à la droite avec celui Horace, qui est beaucoup plus grand et qui murmure plus gros de cet arbre qui traverse. Mais il divise également le cheval parce que la tête du cheval est devant cela. Il se passe tellement de choses aussi subtiles que ça, mais je pense qu'il est très intéressant de montrer cette pièce particulière dans cette série d'œuvres, il utilise des animaux et ils symbolisent un Age of Innocence. Et vous pouvez le voir encore avec celui-ci, et il est également symétrique qu'il soit divisé au centre avec le cheval au milieu et les deux chevaux de chaque côté, nous avons ces deux chats ici. Nous avons presque un virage entre eux. Ils les divisent. Le chien est assez bien placé au centre de la pièce comme la peinture du renard, nous avons ce chat derrière l'arbre, l'arbre ayant l'accès qui coule à travers lui. Examinons une approche différente de l'utilisation de la couleur. Et c'est dans la pièce de Claude Monet. Ici, nous avons des tons et des teintes plus doux qui sont utilisés dans ce tableau particulier. Il est très symétrique, très harmonieux. Désintox. Un autre paysage de Monet. Et encore une fois, on voit très bien la symétrie par les quatre arbres et très uniformément brisée, mais cela vous donne vraiment une façon très paisible de la voir. Ici, nous en avons un de Descartes, cette pièce figurative, elle est magnifiquement, les figures placées là où le bras est adjacent au pied qui se repose au-dessus et qui a une approche coloristique complémentaire à la symétrie de l' orange à droite, à la couleur complémentaire du bleu à gauche, nous avons ici un élément contrastant que nous venons de voir du jour de la paix de Dieu à la pièce de Matisse de ces les couleurs vives des figures et le mouvement des éléments circulaires qui se produisent avec les figures dansantes ainsi que l'arrière-plan sont avec les figures dansantes ainsi que très sombres du bleu et du vert qui sont repoussés. Mais quelle différence, mais ici, nous avons une symétrie et une harmonie. J'ai ici un tableau de Gauguin. Nous avons le fond du sable, l'eau très horizontalement. Ensuite, nous avons les deux chiffres l'un à côté de l'autre, ce qui lui donne un sentiment d'équilibre. Nous avons ici un tableau de Magritte. Parlons maintenant de l'espace positif et négatif. Cet espace négatif de la figure à droite qui montre le ciel en arrière-plan. Ensuite, vous avez le chiffre positif sur la gauche. Cela crée donc un équilibre symétrique. Nous avons ici une magnifique peinture de Diego Rivera avec la figure principale au centre, puis les deux femelles de chaque côté. Ils ne se ressemblent pas exactement, donc ce n'est pas identique, mais ce sont certainement les attributs de cette merveilleuse symétrie, la taille, de la forme et de la coloration. Encore une fois, réfléchissez à ce que la symétrie transmet. Vous avez un sens global de l'équilibre. Ce n'est pas identique car il y a des changements de couleur de chaque côté. Mais ce schéma, et c'est ce qui fonctionne. Et le dernier de ce segment est le travail des harengs Keith. Il veut vraiment communiquer de manière très simpliste et l'utilisation symétrie est certainement efficace. Et la façon dont cela est présenté, après vous avoir montré une variété de façons de créer la symétrie, passons à l'étape suivante. Et faisons un exercice sur la symétrie. 7. Exercice 2 : Balance symétrique: Exercice deux, nous allons travailler avec un équilibre symétrique. C'est un tableau que j'ai créé et il s' agit d'une fleur de trèfle. Quand j'ai déménagé dans le Kentucky, j'avais juste des champs de trèfle. Je ne l'ai jamais vraiment remarqué comme ça. Et j'ai essayé de regarder très près de là et vraiment été étonné par la beauté qu'il contient. Pourquoi je l'ai fait si grand sur la toile et que je l'ai placé vers le milieu et que je l'ai rendue symétrique parce que je veux vraiment exprimer l'importance et la beauté de cette petite fleur délicate. Regardez autour de vous et voyez tous les différents types d' éléments symétriques que vous trouverez. Par exemple, je regardais nouveau la grange de mon voisin alors que j'ai déjà vu cet attireur, mais j'ai vraiment aimé voir ce métal ondulé sur le côté de la grange. La douleur est éteinte et c'est un peu rouillé. C'est vraiment intéressant. Juste une pile de briques. C'est une symétrie. Regardez autour de vous. J'ai travaillé avec comme avant et j'en fais un, je travaille avec un crayon MII et du papier à dessin. Vous pouvez toujours travailler avec n'importe quel type de support que vous choisissez. Nous allons choisir un objet à partir duquel travailler. Je dessine une frontière. Vous pouvez diviser le format en quadrants. Je ne vais pas le faire dans ce projet particulier et j'ai vraiment observé votre objet. Et je vais encore le simplifier. Je vais faire mon plan symétrique. Ici. Nous avons l'habitude formelle, c'est très uniforme. J'ai donc choisi une fleur différente, peu différente en ce qui concerne, a un peu plus de jeu avec les différents pétales. Et comment pouvons-nous rendre cela symétrique ? C'est quoi ? Et peut-être même un peu plus. Je n'ai pas forcément à aller directement au centre. Je peux y aller un peu. Je peux toujours faire mes pétales. Je vais jouer avec eux comme ça. Vous remarquez que j'en ai juste plus. Je pense que c'est un peu plus amusant de faire ainsi, mais encore une fois, cela dépend vraiment de ce que vous aimeriez faire. Que voulez-vous dire à votre public ? Comment voulez-vous transmettre la beauté que vous voyez ici ? Je le fais simplement avec du trait et du crayon, donc je n'ai même pas introduit de couleurs, comme vous le verrez un peu plus tard dans ce cours. Je vais aller un peu plus gros ici. Je vois plus d'indentation ici. Maintenant. Ceci est considéré comme symétrique. Je ne pouvais même pas avoir un peu de ma tige ici. Vous voyez la différence, la symétrie formelle symétrique. Très différent. Comment le segment FUN Je vais vous initier à l' équilibre radial. On se voit alors. 8. Balance radiale: Ce segment est en équilibre radial. Voici un vitrail du stress ou de la cathédrale en France. Mais regardons le design lui-même. Il s'agit d'un design radial. Il vient du centre vers extérieur et il peut être très symétrique. Il peut être très formel, holistiquement symétrique. Mais la principale différence, c'est que le centre se déplace. Maintenant, il y a un terme qui est utilisé pour ces derniers, et il couvre beaucoup de siècles différents et, mais il a le même type de rencontre. Ce sont ceux de Mandela, en gros, le Mandela est un design géométrique qui représente le cosmos et les divinités des mondes célestes. C'est donc assez excitant et il se transforme en catholicisme, hindouisme dans les Mayas ainsi que les Aborigènes australiens vous montrent différents Mandela de plusieurs églises pour voir à quel point ils peuvent être différents. Voici la sortie de San Chapelle en France. Il s'agit d'une cathédrale, le Très Bienheureux Sacrement et Detroit, Michigan. Nous en avons un en Nouvelle-Zélande, et voici un de Louisiane, tous magnifiquement exécutés, très différents dans la stylisation. C'est donc un peu étonnant dans le processus de dessin du Mandela, cela vous rend plus paisible et plus calme. Votre fréquence cardiaque diminue. C'est juste une bonne sensation. Carl Young et a dit que c'est une façon très paisible de se sentir. C'est donc un peu votre moi intérieur qui vous montre à travers. Voici le musée qui a consacré son troisième étage au laboratoire Mandela. Et c'est le résultat de cette pandémie à travers le monde et du sentiment de luttes et frustrations qu'elle peut monter là-dedans et méditer. Passons maintenant rapidement en revue une version moderne de Mandela. Il y en a une telle variété qui est tout simplement illimitée de ce que vous pouvez créer. Je sais que je vous ai montré un aspect de la perspective radiale, mais il va également dans d'autres domaines. Il s'agit d'une peinture de moine considérée comme un équilibre radial. Vous avez le centre du soleil, puis presque comme une explosion d'un facteur rayonnant qui s'éteindrait, vous connaissez probablement très bien l'écran, vous pouvez presque entendre le grattage et surtout en ayant les mains placées au-dessus de ses oreilles. Mais tout le reste rayonne en quelque sorte pour que cela puisse impliquer un sentiment différent ici que nous avions quelque chose d'harmonieux et de bien. En fait, il peut avoir des sentiments différents, mais c'est la façon dont vous le composez, c'est ce qui va vraiment donner vie à votre appareil. Il y a une belle pièce d' Eduardo Rodriguez où elle est plus petite, spectralement imagerie et qui éclate juste dans ce merveilleux flux de rayon continu tout au long de son œuvre. Voici un autoportrait. Cela a un effet différent, mais c'est une explosion de l'envers et tout de même ce rayon. Voici plus abstrait, Li l'a fait et nous n'avons que des formes et des angles qui rayonnent. Voici une artiste que j' aimerais vous présenter son nom est Frida Kahlo, elle-même des portraits. J'ai remarqué son équilibre qu' elle utilise un équilibre radial. Vous regardez définitivement son visage, c'est le point focal. Et puis, vous avez beaucoup de symbolisme qui ira tout autour du site Frida Kahlo.org. Cela l'explique vraiment très bien dans une très brève description. C'est une artiste mexicaine, Frida Kahlo, et on se souvient de vous-même, de portraits, douleur et de passion et de couleurs vives et audacieuses. Elle est célébrée au Mexique pour son attention portée à la culture mexicaine et indigène et par féministes pour sa représentation de l' expérience et de la forme féminines. Voici une citation de Frida Kahlo. Je peins des autoportraits parce que je suis souvent seule parce que je suis la personne que je connais le mieux. Regardons vraiment son œuvre d' art ici, nous avons trois choses qui sont si importantes qui vont sur la voie du point focal de la vision et la visualisation de l'ensemble de l'œuvre d'art. Le point focal est votre visage. Le chemin de la vision est là où vous regardez ensuite, qui est en bas avec cet oiseau suspendu à son cou, jusqu'au côté gauche, qui est le singe du côté droit de la panthère, puis jusqu'au briquet formation de feuilles qui vous tire là-haut parce que c'est une coloration différente qui dans le haut où ses fleurs sont placées à la belle partie, vous allez voir toute l' œuvre d'art à nouveau parce que c'est Je vais te faire traverser encore une fois. C'est ce qui fait une excellente composition. Voyons maintenant à quel point ce portrait est complètement différent de son choix de couleurs. Vous avez ce beau violet bleu derrière son portrait. Et puis vous avez ces fleurs qui rayonnent dans ce portrait. Nous avons un look complètement différent. C'est plus réaliste en arrière-plan. Maintenant, comment le flux serait-il là ? Encore une fois, le point central est qu'elle vous regarde. La deuxième chose que vous envisageriez et le chemin de la vision se trouve à gauche de cette formation de feuilles grises. Et vous voyez un peu de baguage sous la partie inférieure qui vous emmène à travers et sa vague vous tire vers le côté droit à cause des formes qui pointent vers le haut et l'apportent retour aux belles fleurs qui sont placées sur sa tête. Retournez dans vos yeux. Magnifique. Ce sont des autoportraits incroyables ici on l'a encore, son visage, mais c'est le positionnement des oiseaux. Où voudriez-vous regarder ensuite ? L'oiseau à droite parce qu'il vous regarde ou plus profond vers la gauche, soit l' un ou l'autre, mais vous verrez un de ces oiseaux et il vous attirera vers les autres oiseaux qu' elle tient près de elle. Encore une fois, cet effet rayonnant se déplace dans l'œuvre d'art ce portrait recevant moins de couleurs, les couleurs vives que nous avons vues auparavant, mais ces couleurs sont plus subtiles. Mais les différences, voyez-vous ici, c'est la complexité du tissu qui rayonne. Il y a donc une différence entre ce que vous assemblez et la complexité que vous voulez. Et ici, vous avez un, juste un beau flux rayonnant. Nous avons ici un autre support. Cela ressemble beaucoup à ça. Avec cette belle dentelle rayonnant de son visage. J'espère que c'est beau. Passons au segment suivant et faisons un exercice. Je suis un équilibre radial. 9. Exercice 3 : équilibre radial: Exercice trois sur l'équilibre radial. Regardez autour de vous et il pouvait voir beaucoup de balances radiales différentes. J'ai commencé par mes plantes, j'ai regardé le centre et je l'ai fait bouger. C'est génial quand on commence vraiment à regarder beaucoup de choses. J'ai regardé les coquillages. Et un autre aspect est même le fruit comme une orange. Cela sera très similaire à d'autres exercices. Je travaille juste avec un crayon en ébène et du papier à dessin. Choisissez un objet à partir duquel travailler, dessinez-le. Vous pouvez border cela si vous le souhaitez. Je rends celui-ci un peu plus grand que les autres. Vous pouvez le diviser en quadrants et vraiment observer votre objet si vous avez besoin de simplifier votre image. Maintenant, pour l'équilibre radial, nous pourrions utiliser les marguerites aussi bien que vous pouvez le voir. Ils se projettent depuis le centre. Ce serait donc un équilibre radial, mais essayons quelque chose de différent. Commençons à travailler avec les lignes. Il y a également un équilibre radial. Il démarre le centre et il se démêle un peu au fur et à mesure qu'il sort. Cet équilibre radial peut être très symétrique ou asymétrique. Il pourrait vraiment jouer avec. Mais il y a quelque chose qui se déplace de l'intérieur, qui sort. Je vais commencer par l'intérieur. Et je vais recommencer à zéro. Je vais me décaler un peu. Je vais avoir un centre très épais ici. Et je vais commencer à le regarder. Commençons à le démêler. Alors que je viens ici. Il n'est pas nécessaire que ce soit exact. C'est peut-être le cas si vous le vouliez. Encore une fois, c'est à vous de choisir la façon dont vous souhaitez manipuler vos images. J'aime bien avoir les différences au fur et à mesure qu'elles circulent, mais vous pouvez certainement le voir bouger. Je me plie. J'ajouterai peut-être un peu plus qu'ici. Je peux jouer avec l'imagerie car je l'utilise comme ressources, mon point de vue. Pouvez-vous le voir et mes lignes, je regarde vraiment comment les formes se plient. film. J'aime vraiment ce qui se passe déjà ici. Maintenant, pour ma direction ici, je suis un peu sur le côté par rapport à la façon dont vous le regardez. Un peu plus comme ça. Mais j'adore vraiment ce qui se passe. Je vais aller un peu plus loin. Vraiment faire sortir ça. Et ils vont devenir très délicats avec les bords ici parce qu' ils ne sont pas tous parfaits. C'est ici, peut-être juste revenir avec ce petit pli, leur radial. Je pourrais entrer et affirmer de modéliser un peu ici, ce qui lui donne davantage un effet 3D. Il l'est certainement, ce serait merveilleux d'entrer avec de la couleur et de la texture. Et il y a tellement d'autres éléments artistiques qui peuvent s'ajouter à cela. Vous savez vraiment, il faut savoir que ce ne sont pas des éléments que vous voulez présenter qui sont bons à la pièce. J'aime donner un peu de profondeur. Cela ajoute un peu plus, je pense un peu plus de forme, plus d'intérêt. C'est mon objectif. Mais je veux travailler sur j' ai tout cet espace ici et j'ai ça. Que puis-je faire ? Je pourrais continuer avec ça. Je peux prétendre que c' est le centre et ce n'est pas fini. Je vais le faire. Je vais faire ça en tant que petit , là où je jouais avec tout ça. Je vais donc regarder un peu plus le centre , jouer avec et le déplacer jusqu'au bout. Il y aura un peu de plaisir à prendre ces bords extérieurs. Peut-être que je pourrais même me pencher en arrière. Ne durez pas longtemps avec moi. Eh bien, je voulais juste le faire ressortir un peu, juste un peu plus comme je peux le voir. S'amuser. Les fleurs disent homme, quand il a eu une forme ici. Je vais donc vraiment accentuer cela ici, en apportant une autre forme qui arrive et reviendra à la pièce. Maintenant, après avoir enfin dépassé mon bord ici, j'ai créé une frontière. Je suis en train de recadrer l' image en partant. C'est bon, parce que je voulais le rendre plus intéressant. Ma page ici que celle que j'avais créée ici. Je vais m' en aller un peu ici. Peut-être revenez. Il y en a un de plus. Peut-être juste une petite ligne ici. Je suis content de ça. Mon garçon, et c'est très bien. Vous pouvez simplement prendre une chose et continuer expansion et commencer à réfléchir . Le but ultime de ceci est ma composition. Est-ce intéressant à quel point ? Ce format ? En utilisant uniquement l'un des principes du design, de l'art et du design. Son équilibre est vraiment mon objectif principal. Que vous devez vraiment connaître vos éléments artistiques. Le but de cette œuvre d'art est votre composition. Même si nous arriverons à un point où je vais regarder des choses qui ne fonctionnent pas. Mais il y a une raison pour laquelle j' aime vraiment ça ici. Parce que ce que je fais, c'est que j' équilibre ces formes. J'adore ça. Est-ce que c'est amusant ? Profitez, regardez, explorez. C'est tout l'aspect de l'art. C'est toujours l'effort, ce qui change toujours comme c'est excitant. Et notre prochain segment est en équilibre asymétrique. Et il y a vraiment beaucoup de choses à comprendre et c'est excitant. 10. Balance assymétrique: Cette section est un équilibre asymétrique. équilibre asymétrique est là où les deux côtés de l' œuvre sont différents, mais les éléments visuels sont disposés manière à créer un sentiment d'équilibre. Vous êtes maintenant symétrique et vos balances radiales y sont assez facilement définies. Vous pouvez presque tout assembler parce que vous pouvez l' équilibrer de manière égale. Ou quand vous avez affaire à l'asymétrique, vous devez vraiment connaître les différences entre les différents éléments visuels de poids de votre couleur, de votre ligne, de vos textures, c'est là que je regarde les choses, c'est être conscient de l' espace ou des formes positives ou négatives. Vous pouvez voir visuellement ce sentiment d'équilibre. Vos yeux sont automatiquement à la recherche d'un endroit pour se reposer ou le jeu est différent de quelque chose d'autre. Et c'est un peu ce sentiment intuitif que nous avons tous. Et c'est ce que nous devons continuer pour obtenir ce sentiment d'équilibre. Lorsque vos yeux sont en train de chercher, vous voyez toutes ces lignes se diriger vers une certaine zone de ce tableau particulier. Et si vous regardez, vos yeux vont aller vers Vocalpoint. Le positionnement du point focal est très important. Nous avons ici un tableau de Van Mirror. C'est très dramatique, et c'est une autre chose avec un équilibre asymétrique, vous pouvez vraiment créer de la tension et du drame dans votre œuvre d'art, nous avons ces plis de draperie lourds sur le côté gauche. Vous pouvez aider ou même que l'aspect visuel de celui-ci à avoir ce poids. Et ensuite, vous avez la dame à droite. Elle est très légère. Vous avez donc des choses très sombres tout autour, puis vous avez cette silhouette légère. Votre point focal va certainement être entendu. Et pour l'équilibrer dans tout cet espace, vous avez de lourds plis de draperie. Cela crée donc cela, ce poids visuel de l'équilibre asymétrique. Ensuite, c'est le chemin de la vision. Donc à partir du visage de la femme, qui est vraiment détaillé dans le point focal, puis vous descendez les lignes de sa robe jusqu'au sol. Le sol a un motif qui a une diagonale qui vous tire vers la gauche. Nous avons la courbe des plis de draperie, vous tire à travers l'unité murale puis vers le bas en vecteur elle, C'est une excellente composition et c'est le mouvement de l'espace en ligne. Voici un autre tableau asymétrique peint par Vermeer. Ici, nous avons le point focal de la figure à droite. Que voyez-vous ensuite ? Oui, c'est la femme à côté cet angle très lumineux du mur. Ensuite, vous avez cette diagonale forte. Quelle merveilleuse composition asymétrique. Ce sont des peintures assez intéressantes et Robert Huber, c'est assez dynamique. Et la façon dont il s'en approche, vous avez cette énorme structure de construction sur le côté droit et cette structure monumentale à gauche, un ciel très dynamique en arrière-plan, qui est bleu et plus léger. Vous avez presque une division diagonale là-dedans, vous avez un chemin de vision qui s' équilibre un peu l'un l'autre avec les deux unités de chaque côté vous donnant ce sentiment d'équilibre. Puis j'ai vu un autre morceau de son travail qui a presque une façon identique de la façon dont nous équilibrons visuellement son travail. ciel spectaculaire. Vous avez l'arbre à droite, vous avez la structure du bâtiment sur la gauche. C'est cet équilibre asymétrique qui se poursuit. Et voici une autre de ses pièces, et je pense que c'est assez intéressant est une autre division du poids visuel est le premier plan par rapport à l'arrière-plan. Très défini ici. Le premier plan est très sombre et l'arrière-plan est très clair et inquiétant serait vraiment important pour celui-ci de vous donner une autre identité visuelle, c'est la taille des gens. Il vous donne l'échelle aux proportions. Sinon, s'il ne s'agissait que de cette formation rocheuse, vous ne sauriez pas si elle mesurait un pouce de haut, mais le fait d'avoir les gens là-bas vous donnera une relation proportionnelle avec elle. Maintenant, vous savez que c'est très massif. Vous avez des couleurs foncées de premier plan qui pèsent plus que ces couleurs neutres dans l'arrière-plan, la taille des formes. Nous avons donc de la taille ici. Et encore une fois, la taille est mise à l'échelle par les gens. C'est une œuvre célèbre que j'ai pensé que j' allais juste apporter là-dedans. J'en ai quelques-uns et ensuite nous irons un peu plus abstrait après cela, je veux une belle analyse comparative entre eux. Ici, nous avons la taille des formes car nous avons ces bateaux, ces bateaux indiquent une version plus petite que cette vague. Sachant que c'est très massif, vous avez l'intensité de la vague, les sombres et les lumières suscitent l'attention. Vous avez le mouvement de la ligne et vous avez une forte utilisation de la ligne parce qu'elles sont très tracées. Cela provoque beaucoup de drames dans la pièce. Ici, nous avons la nuit étoilée, étoilée de Vincent van Gogh. Très dramatique et l'essence même de la façon dont cela est placé. Une autre chose qui se passe ici est la texture. Vous avez la texture et mouvement du ciel en arrière-plan. Ce n'est donc pas vraiment doux et inquiétant comme nous l'avions vu auparavant dans Hubert Work, mais cela devient très dramatique et actif. Vous avez deux choses qui se passent ici, et presque trois choses. Sur le côté gauche, le cyprès est très grand et sombre. Vous avez les formations nuageuses qui ont presque un effet Yang Yang. coin de la rue, vous avez la Lune. Et c'est très léger et chaud. Warm a un poids visuel beaucoup plus puissant que le bleu. Donc, ce chaud arrive vraiment. Vous avez beaucoup d' action en cours. Ensuite, nous avons la persistance de la mémoire de Salvador Dali. Il y a beaucoup de choses qui se passent ici aussi. Premier plan et arrière-plan. premier plan est très sombre, le fond étant très clair. Cela a certainement un poids visuel et une division. La grande forme dans le coin, qui est le coin gauche, et il a une coloration chaude. Cela va donc produire beaucoup de poids. Vous avez un bord dur plutôt que doux. C'est une autre chose. Les objets Hard Edge sont visuellement plus lourds que les objets logiciels. Et cela devient très dramatique. Et bien sûr, parce que les montres, nous avons tout ce qui est très réaliste ici, à l' exception des montres , car la montre elle-même est douce et dure. Nous avons passé en revue un peu avec réalisme, avec des premières et qui en vaut la peine. Nous avons vu un peu d' ONG et d'expressionnisme. Nous avons installé le surréalisme de Dali. Passons maintenant à l' impressionnisme et à un peu d' œuvres d'art abstraites, car c'est tellement important lorsque vous analysez ces équilibres asymétriques et ces œuvres d'art qu'il vous donne vraiment le la meilleure façon d' apprendre ce processus de compréhension de l'équilibre. Je vous verrai dans le prochain segment. 11. Balance assymétrique: Équilibre asymétrique de Mary Cassatt, cette pièce doit être l'une des plus belles structures compositionnelles. Je l'ai utilisé dans l'appréciation de l'art et je l'ai trouvé incroyable. Il se passe tellement de choses ici. Mais quand on le regarde, on dirait tout à coup qu'il avait pris une belle photo de gens dans cette voiture. Elle a beaucoup de recadrage en cours au point focal. Ensuite, nous allons prendre le chemin de vision et jouer vraiment avec ça. Le point focal est le jeune enfant, l'élément le plus léger et la pièce qui explique pourquoi vos yeux vont vers cela. De plus, lorsque vous avez une personne, vous, votre prochain chemin de vision va aller là où elle regarde. On va donc aller à gauche. Nous allons suivre les pluies la femme tient, puis descendre et suivre le harnais sur le cheval, aller vers la calèche, remonter. Ensuite, vous voyez le cavalier à l'arrière. Il a un angle avec lui qui vous place là-haut, va vers la femme, puis vous déplace à nouveau. C'est absolument magnifique et c'est par couleur, forme, position, positionnement de vos éléments là-dedans est si important. Voici un autre tableau de Mary Cassatt. Elle a de si grandes peintures qui sont des exemples parfaits pour comprendre l'asymétrie. Et j'ai déjà parlé de l' importance du placement du point focal. Et c'est parce qu' une asymétrique, vous ne voulez pas qu'elle soit au centre ni dans les coins parce que vos yeux n'ont pas d' endroit où aller après cela. Il est donc très important de ces lignes directionnelles dans la façon dont tout est placé et organisé. Du point focal, vous regarderez l'enfant en bas. L'enfant regarde cet homme. Donc ça lui traverse le visage et c'est en jaune. Et puis ça ira là où il regarde est à ta gauche. Ensuite, nous allons monter avec l'orange où il s'agit de la vente et nous allons revenir à ce monsieur qui est une grande zone sombre. Et la largeur, le bleu clair descend et revient à la femme. Excellent, en ce qui concerne votre désir le spectateur regarde tout votre tableau, mais sans le savoir, c'est juste que vous êtes invité dans cette magnifique peinture et que vous l'explorez à travers elle. Très bien. Je vous ai également parlé importance de la façon dont je le fais avec l'espace positif et négatif, l'espace positif ou les objets. L'espace négatif essentiellement comme arrière-plan. Et je vais vous montrer juste l'espace négatif. Lorsque vous regardez l'espace négatif. Est-ce intéressant à regarder ? Si c'est le cas, cela fait une bonne composition. Maintenant, qu'est-ce qu'elle essaie de communiquer dans son tableau ? Un après-midi agréable sur un bateau, elle utilise des couleurs gratuites, chaudes et fraîches. Les valeurs des sombres et des lumières sont pas vraiment intenses, donc ce n'est pas trop dramatique. Les formes douces et la façon dont les choses sont placées. Voici un autre peintre impressionniste, Edgar Degas, dans le même air de l'Amérique. Il adopte différentes approches de ce design asymétrique. Tout d'abord, commençons par notre point focal. Et si vous ne le trouvez pas très rapidement, fermez les yeux pendant une dizaine de secondes, puis ouvrez les yeux et où vos yeux vont premier sera le point focal. Nous allons suivre notre chemin de vision, qui est nos lignes directionnelles. Et il y a de vraies lignes du visage de l'homme. Son manteau est une ligne réelle. Son parapluie est une ligne réelle qui va au visage de la jeune fille. Ensuite, nous avons l'apparence des deux filles qui vont à notre gauche. Ce sont des lignes implicites. Voici une courte définition de ce que les lignes implicites rencontrent. C'est quand les yeux du spectateur connectent d'autres éléments d'une œuvre d'art pour créer une ligne. Voici un exemple. Si vous suivez les points le long, cela crée un vin et vos yeux suivent. Et nous allons à notre gauche là. Et l'homme du côté gauche est une ligne réelle parce qu'elle suit une ligne de son corps. Et puis il regarde la ligne implicite droite, revenant au point focal, regardons l'espace négatif et positif dans son travail. Il y a beaucoup d'espace négatif dans cette pièce, mais elle est toujours rompue. Et assez intéressant, si vous verrez dans le côté supérieur gauche, il n'enlève pas complètement la tête, mais il y a un peu de la base derrière là. Et puis il y a des recadrages. Lorsque vous travaillez avec des figures et que vous les recadrez, c'est une bonne idée de ne pas les recadrer comme un poignet ou une rotule, ce soit au-dessus ou en dessous, même sur les chiens et les animaux. Vous verrez qu'avec l'enfant à droite, l'homme, l'autre enfant, le chien, l'homme à gauche, et surtout dans ce coin, la tête n'est pas complètement éteinte. Si c'était le cas, ça serait très gênant. Il a donc juste assez de cet espace négatif là-dedans qui maintient cette figure dans le plan de l'image. Et un autre élément sa pièce de ce que nous avons vu des cassettes Married était son jeu de couleurs principalement des couleurs complémentaires, alors que le jeu de couleurs de la gaze est un jeu de couleurs monochromatique. Il est généralement d'une seule couleur avec ses sombres et ses lumières. Cela le rend très harmonieux, impulsif ensemble grâce à beaucoup de couleurs vives ici, vos yeux iront dans tous les sens et ont intention d'avoir un regard décontracté qui, en regardant le parc, très tamisé et harmonieux. Dans ce segment, vous avez appris les lignes directionnelles et le chemin de vision implicite et réel, les couleurs des points focaux, recadrage et l'espace négatif et positif. Plongeons dans le segment suivant et analysons l'utilisation de l'équilibre asymétrique avec des œuvres d'art abstraites. 12. Balance assymétrique III: Ce segment concerne équilibre asymétrique au sein d'un travail abstrait. L'art abstrait est un art qui ne cherche pas à représenter une description précise d'une réalité visuelle, mais utilise plutôt des formes, des couleurs, des formes et simplement des repères roulés, lignes pour obtenir son effet. Commençons par le premier art abstrait. ne signifie pas qu'il n'y avait jamais eu d'art abstrait avant cela, mais c'était la première peinture abstraite acceptée dans une exposition et c'est par Kandinsky. C'était en 1910. Il a même écrit au dos, de l'art abstrait. Je trouvais que c'était une perception intéressante de son travail. Kandinsky a vu l'objectif. Cela signifie qu'il n'y a rien de particulier de réalité visuelle. Ce n'est pas une figure que vous voyez ou un arbre. C'est ce qu'on appelle l'art abstrait non objectif comme le mode visuel idéal pour exprimer cela dans la nécessité que l' artiste voulait transmettre davantage une émotion et des idées humaines universelles. Vous vous considérez comme un prophète dont la mission était de partager cette idée avec le monde pour lui améliorer la société. Maintenant, revenons en arrière et regardons sa couleur de paix. La couleur est très vibrante et translucide et les zones. Mais regardez l'espace positif et négatif des mouvements tout au long de la pièce. C'est donc visuellement intéressant et regarder travail abstrait doit nécessairement voir quelque chose qui est symétrique, mais des choses similaires qui nous font traverser. Il y a donc ici des formes similaires des formes circulaires qui traversent, qui nous tirent à travers. Regardons un autre, un Kandinsky. Vous pouvez donc certainement voir les formations de schémas qui sont réalisées ici, de gauche à droite. Il y a donc des similitudes là-dedans. C'est une aventure amusante est une autre de ses rencontres. C'est ce qu'on appelle la composition. Il n'est donc pas nécessaire de regarder le titre pour déchiffrer ce qu'il y a là. Votre point focal se trouve définitivement sur le côté gauche. Il se déplace dans la pièce. Il y a presque une action musicale, donc c'est amusant. C'est quelque chose que vous pouvez emmêler vos idées et votre imagination dans la pièce, vous devez vraiment connaître les éléments visuels de base qu'il crée également de l'art abstrait. J'adore ces six tableaux de Piet Mondrian. Ça vous montre comment il commence avec l'arbre et c'était une série qu'il avait faite. Et puis il le décompose lentement en formes visuelles non objectives et basiques sur deux carrés, lignes, formes et couleurs. Maintenant, vous connaissez un peu la couleur, qui est votre poids visuel ici. Qu'est-ce qui va être le plus fort ? Le chaud est plus fort que le froid. Le rouge et le jaune sont donc plus forts. Donc, vous êtes plus léger et le rouge, le peu va vers la gauche, puis vers la droite. voici un autre. Il doit brouter les zones avec le rouge. Évidemment, le rouge est tellement différent de tout le reste et c'est votre point focal, mais merveilleux et émouvant. Ce n'est certainement pas objectif. Rien n' indique qu'il s'agit d'un arbre ou d'une figure. Je vais vous montrer quelques artistes très importants pour l' art abstrait. Commençons par Jackson *******. Sa peinture portait sur l'action, c'est en fait le processus de peinture. Et c'est très linéaire, donc vous avez des lignes qui le traversent en couleur. Ce sont les deux éléments visuels que vous voyez. Eh bien, une autre sera la texture car elle a également un effet 3D. Lorsque vous regardez le point focal, vos yeux se déplacent partout. Si vous l'avez vraiment vu à l' avant sur le mur, vous seriez en mesure de voir un peu plus de détails et cela vous ferait probablement passer beaucoup plus que voir dans une version plus petite comme celle-ci. C'est une autre chose à propos de l'art abstrait. Mais ils sont généralement très grands, ce qui fait qu'il faut vraiment s'intégrer dans le tableau et en faire partie parce qu' il est tellement massif. Ellsworth Kelly, Il utilise des carrés, forme tellement similaire sur toutes les différences que vous verrez ici, la variance de couleur, puis les formes blanches deviennent négatives pour qu'il une action et un mouvement à travers la pièce. Voici un de Joan Mitchell. Si vous considérez son WorkBoard gestuel, en utilisant des lignes et en se déplaçant à travers la pièce. Et l'idée de l'action, vous pouvez simplement sentir la tension créée par le mouvement et la couleur joue un rôle important. Vous pouvez certainement voir la couleur jaune sur le côté gauche comme point focal. Parce qu'un de Sam Gilliam. Maintenant, il peint non seulement sur la surface de Canvas, mais il l'a enlevé de la civière et l'a accrochée. Cela devient donc une toute nouvelle direction vers l'art abstrait. Ici, nous en avons un de Brice Martin, définitivement linéaire, gestuel. Il utilise deux à trois couleurs différentes là-dedans, mais ça me fait bouger tout au long de la pièce. Vous pouvez maintenant voir comment ce que nous avons appris s'applique à l'art abstrait. Les lignes directionnelles, le chemin de vision, implicites et réelles, les points focaux, couleurs recadrant l'espace négatif et positif. J'aimerais maintenant vous montrer quelques-uns de mes tableaux que j'ai réalisés tout récemment. Ils sont très petits. J'ai essayé de faire quelque chose de petit abstrait. J'aime généralement faire une obstruction très importante. Ils mesurent huit pouces par dix pouces. Et ils peignent sur du bois avec de l'acrylique. Mais j'ai aimé travailler sur le bois comme je le pouvais. Il capture vraiment beaucoup de transparences qui sont de fines couleurs appliquées l'une sur l'autre. Cela a donc créé différentes dimensions dans mon travail. J'ai donc fait beaucoup de superpositions. J'ai aimé la peinture d'action des traits. Et je présente ces carrés et ces formes à bords durs tout au long de la pièce. Étant donné que c'est positif et négatif à cela, j'ai vraiment aimé comment ils sont sortis. Ils l'ont fait, ils ont évoqué tant de sentiments. Je ressens davantage de sentiments de l'eau et de la terre et de choses comme ça. Je le partage donc avec vous. Je vous verrai dans le prochain segment créer un équilibre asymétrique et faire quatre exercices. 13. Exercice 4 : équilibre assymétrique: Nous allons commencer à travailler sur notre exercice dont l'équilibre est asymétrique. Voici une de mes peintures et de mes acryliques. C'est ce qu'on appelle les arbres à fleurs. Je pensais que ce serait un bon exemple d'utilisation d'un design asymétrique. Encore une fois, j'ai une façon très basique de faire cet exercice, mais vous pouvez ajouter d'autres choses. Soyez même abstrait avec celui-ci si vous le vouliez. Je vais utiliser les trois fleurs. Je vais jouer beaucoup plus avec l'asymétrique. Vous vous êtes prêté vous-même aussi. Je pense que beaucoup plus d'options, bien que beaucoup plus difficiles à utiliser, parce que c'est ce sentiment d'équilibre. Il n'y a pas de structure spécifique réelle, mais une fois que vous la verrez, vous le saurez. C'est là que les croquis miniatures deviennent pratiques. Comme vous verrez mon format rectangulaire. Je vais y aller de l'avant et créer cela plusieurs fois. Là-dedans. Je peux réaliser une structure de composition en quelques secondes. Si j'ai eu ça ici et que je veux équilibrer les choses et essayer de comprendre ce que je veux faire. Et si je les laissais comme cette fleur ici et que les deux marguerites allaient de cette façon. Je peux le regarder d'une façon, puis essayer un autre point de vue. Je pourrais aller le recadrer ici. Je l'ai plus grand. Une des marguerites vient ici pour le dernier venu ici. Pouvez-vous voir ce qui se passe, quel point cela peut être différent ? Je peux le rendre beaucoup plus petit. Le Daisy, ils viendraient ici. L'autre, peut-être celle-ci va peut-être un peu plus loin de ce côté-ci. Ensuite, je le considère comme une composition. a beaucoup d'espace mort ici, ici et ici. Beaucoup d'espace inutilisé dans ces zones. Celui-là n'est pas mal. Celui-ci est un peu trop centré. C'était pour l'envoyer de ce côté-ci. Celle-ci, ce serait quelque chose d'intéressant à faire car j'ai un joli espace ouvert ici, ici et ici. Ce ne sont que des idées avec lesquelles vous pouvez travailler. J'y vais simplement parce que je suis presque sûr de l'endroit où je veux que les choses aillent et je peux aussi apporter des changements en cours de route. Voyons voir. Je veux commencer par celui-là parce que c'est un peu plus difficile. Le positionnement là où je le veux, je peux me tourner et jouer avec eux un peu plus là où c'est très, a une forme plus solide. J'aime bien regarder mes croquis et j'aime bien être ici. C'est là que je vais mettre celui-là. Je vais commencer par 1 d'abord, comme vous le verrez quand nous ferons le projet et je vous montrerai, j'aimerais commencer par quelque chose là-bas parce que vous devez alors avoir quelque chose à comparer. Sinon, si vous faites beaucoup de choses partout en même temps, je veux lui donner une structure juste pour commencer. Je peux donc considérer comme une fondation. Je ne vais pas être rejoint. Il y a beaucoup de détails ici. veux juste avoir un aperçu rapide de ce que je peux faire pour créer un bel équilibre asymétrique à l'aide de ces fleurs. Et je fais un peu de mannequinat ici. Vous pouvez y ajouter un peu plus, un peu plus de forme. Super pour la gomme à effacer. Je reviens nettoyer les choses, les faire paraître un peu plus d'intérêt. Sur le côté, ici. Maintenant, je dois considérer j'utilise une telle variété que je dois penser à ma stratégie. Est-ce que je veux les garder ? De toute évidence, je n'ai plus de proportion. Il est plus grand que nature. Je voulais le faire pour qu' il se rapproche de moi. Je me réjouis donc d'ajouter de la dimension à cela en retirant les choses ou en superposant là où cela pourrait être vraiment énorme ici. Je peux donc jouer avec du savon de toute façon avec ça. Et comment devrais-je aussi considérer, ce que je considère comme mon espace positif et mon espace négatif, c'est ce qui reste. Les deux sont très importants car ils sont combinés ensemble pour unifier l'ensemble de la structure de composition. Très bien, je pense que je vais ajouter un peu de tige pour faire les étapes. J'ai vraiment adoré ces petites parties de la fleur. Trouvez un intéressant, qui va certainement les avoir. Et cela brise aussi mon espace ici. Ils sont plutôt contents de ce qui a été adouci, quelque chose qui me paraît beau jusqu'à présent. Très bien. Voyons ce que nous voulons faire ensuite. Il faut certainement utiliser de l'espace ici. Nous sommes là, alors commençons à mettre quelque chose ici. Et je pense que celle-ci est superbe comme elle est. Et c'est peut-être un peu face l'un à l'autre. Et je vais mettre celui-là. Vous n'écrivez pas ici. Mes pétales vont sortir cette semaine. Nous allons le recadrer un peu. J'aime que les choses sortent de la page parce que ça donne presque une photo. Je suis juste très vite en train de placer les choses ici. Je suis en équilibre. Et encore une fois, vous pouvez toujours ajouter de la couleur à cela, ce qui la modifie totalement. Vous devez être conscient de ce que chaque chose a à voir avec une autre, mais vous pouvez toujours faire des allers-retours. Maintenant, j'ai deux objets. Maintenant, il se passe quelque chose qui devient asymétrique ici. Ils vont continuer avec l'exercice numéro quatre dans la section suivante. 14. Exercice 4 (suite) : équilibre assymétrique: Nous allons poursuivre notre projet sur l'équilibre asymétrique. Maintenant, j'ai placé ces deux objets ici, très uniformément placés. Les tailles sont à peu près les mêmes. Donc, ce que nous sommes vraiment en train de revenir, c'est la symétrie. Je dois le casser davantage pouvoir choisir différentes tailles, que je vais faire quelque chose de plus petit ici pour celle-ci. Pensez peut-être à un autre de retour ici pour équilibrer cela. Quelque chose de retour ici. Peut-être quelque chose ici. Je vais commencer sur ces étapes et voir où je suis. J'aime bien ce genre d' aller sur le côté ici. Je vais remonter un peu celui-là. Au fur et à mesure que ça monte. Celui-là, je veux peut-être faire face à un peu plus d'avantage. mettre en dessous maintenant se chevauche. Celui-là, le garçon était de pauvres fleurs. Quelqu'un n'irait pas comme ça. Et j'aime juste les faire rapidement des gestes là-dedans. Je pense que je voudrais le ramener. Un peu ici , puis des pétales vont ici. Maintenant, je suis en train de le rompre et c'est beaucoup plus intéressant. Notez que la forme négative ici devient tout aussi intéressante que les formes positives. Donc, ça me fait entrer et sortir. Je suis donc vraiment excité à ce sujet. Pour autant que je pense que j'arrive là où je veux que ça aille. Je vais juste ombrer un peu ici juste pour que vous ayez une idée de ce qui est en avant, mais ça ne reviendra pas avec ma gomme à effacer. Et cela fera une belle différence. Vous voyez comment cela commence maintenant à entrer en jeu dans cette forme qui se chevauche. Quelque chose se déplace ici. Comme ce qui se passe ici. Je n'ai rien au centre. Je n'ai rien qui va strictement souvent sur les bords, mais c'est presque, j'en ai trois ici et trois ici. C'est donc un peu comme si j'étais de retour à mon équilibre symétrique, ce que nous avons tendance à faire. Donc, disons encore plus ça. Je vais donc remettre quelque chose ici. Et je pense que quelque chose référence à nos croquis originaux que nous avons faits ici. un geste à travers quelque chose, agrandissez en écrivant ici ce genre d'équilibre. Mais j'aime bien la forme ici, ici. Que dois-je faire ici ? Je pense que je vais faire quelque chose, non ? C'est peut-être mon frontal. Allons-y et je commencerai à dessiner ici. J'essaie d'enlever toutes ces marques. J'ai tendance à dépasser, mais c'est encore une fois parti. D'autres choses que nous faisons comme ça arrivent avant cela. Donc, les choses se passent. C'est en avant, ça remonte. Et je pourrais le souligner à nouveau avec de la couleur pour rendre ces couleurs vraiment vives. Cela mettrait même de nouveau l'accent sur ce que je fais ici. Vous allez établir celui-ci. Est-ce que je veux aller de l'avant avec cela ou en arrière ? Je pense que je veux aller de l'avant, alors je me rapproche un peu. Je mets celui-ci devant. Je mets celui-ci devant la rose. C'est là que la rangée remonte. Ici. Il le renvoie un peu plus. Avant que ce ne soit jusqu'à loin. J'aime cet équilibre qui se crée ici. Apprenez-en un peu plus dans celui-ci. Maintenant, il commence à fonctionner un peu plus. Nous avons un point focal. Nous en avons un autre ici. Il bouge vraiment bien. C'est plutôt content de ça. Je vais nettoyer ça pour que vous puissiez le voir un peu plus. Une autre chose que j'aime faire, c'est que je peux mettre ma main et utiliser ma main ou utiliser un objet pour voir quoi jouer, faire ça. Mais si je fais cela, maintenant, si je fais trop de choses, ce sera tellement concurrentiel qu'on ne peut pas le voir. Vous devez donc vraiment être conscient de ce que vous quittez , de l'espacement et du mouvement qui est créé. Mais j'aime bien ce qui se passe. Je vais juste finir ça un peu plus propre. Je viens de commencer à mettre ma tige ici. C'est donc créer une autre voie de travail ici. Je vais donc en mettre un ici de cette façon. Je viens ici. C'est un peu s' amuser aussi. Dans cette sorte de tissage à venir là-dedans. C'est très bien briser cet espace. Le seul endroit où je me sens mal à l'aise avec ça ici. Je vais mettre quelque chose juste derrière. Peut-être juste derrière ici, juste pour briser cet espace plus grand que celui-ci. Nous avons donc une belle variance. Comme ce qui se passe avec celui-ci. Je l'ai toujours sur le devant. C'est le devant de celui-ci. Celui-ci est devant eux tous. Cela ne fonctionne pas aussi. Donc je vais le faire, je songe étendre ces pétales. Plus. Je joue juste avec ça. Laissez-moi partir. Il rompt cet espace là-dedans. Maintenant, je me sens à l'aise avec ça. J'ai mon point focal, comme par ici, aller à l'un ou l'autre d'entre eux. Et il se déplace ici, tire vers le bas et se déplace à travers. J'ai donc créé un bel équilibre asymétrique. Notre prochain segment est un déséquilibre. C'est vraiment intéressant. voit là-bas. 15. Déséquilibre: Ce segment porte sur le déséquilibre. Je commence par ce tableau d' Andrew Wyeth intitulé Christina's World. C'est une fille aveugle. Vous pouvez la voir sur le terrain. C'est assez impressionnant. Cette grande zone négative du terrain et des maisons en arrière-plan. Ce n'est pas déséquilibré. C'est définitivement équilibré. Il s'agit définitivement d'un équilibre asymétrique la figure étant le point focal. Mais je voulais qu'il s'agisse d'une comparaison avec la prochaine pièce de Kirby qui a un aspect similaire. Ce tableau présente un déséquilibre. Vous avez des choses qui se passent au premier plan, puis au milieu, vous avez cette maison en quelque sorte inclinée, que vous n'avez vraiment pas grand-chose à gauche sauf ces des vagues qui vont dans cette direction. Mais c'est vraiment lourd d'un côté. En tant que spectateur, nous voulons toujours voir équilibre ou quelque chose auquel nous pouvons nous connecter. Celui-ci nous donne un peu plus de tension. Voici les tableaux côte à côte, vous donnent une analyse comparative. Celui de gauche, les épouses, même les couleurs très harmonieuses. C'est monochromatique. Nous sommes sur la droite. Il s'agit de couleurs complémentaires très intenses. Il crée donc beaucoup plus d'action que celle de gauche. Vous pouvez vraiment ressentir la différence et l'intention de l'artiste. Maintenant, souvenez-vous du travail de ses amis Mark, nous avions affaire à la symétrie où il avait les animaux qui étaient très bien placés. Ici, l'équilibre est vraiment dépassé. Les chevaux ont vraiment recadré la partie inférieure de la composition. Cela nous donne donc l' impression que je suis en équilibre. Voici un centime avec des chevaux de Degas. Une chose similaire de la balance est vraiment lourde sur le côté droit. C'est donc déséquilibré. Voici un de McDonald's où vous avez les chevaux blancs, cette bande de couleur vert jaunâtre et le côté droit. C'est donc vraiment très actif. Des choses auxquelles il faut penser. Un déséquilibre est l'intention. Je vais vous donner un mot appelé truisme est que les artistes pour que cela arrive vraiment doit être vraiment fidèle à son art. Il doit vraiment connaître les différences de tous les éléments avec lesquels il travaille et pourquoi il n'en inclut pas certains. Et c'est à travers l'intention. Le spectateur, quant à lui, est à la recherche de cet équilibre, ce qui crée de la tension. Regardons maintenant cette pièce de Kleiner qui s' intitule « déséquilibre ». Alors, en regardant ici, vous avez la femme qui regarde vers vous, puis vous avez le jeune garçon à droite qui regarde vers l'extérieur. Ce dont nous avions parlé auparavant, l' endroit où la figure ressemble, il se démarque vraiment pour vous donner ce sentiment de déséquilibre. Et un sou qui est déséquilibre ne signifie pas nécessairement que c'est mal ou mauvais. C'est l'intention de l' artiste de s'en sortir, de le faire passer. Maintenant, moins de travail sur ce tableau et vous essayez de l'équilibrer. Que feriez-vous pour l'équilibrer ? Certes, avec la figure à droite, vous lui feriez probablement tourner la tête vers elle. Cela le rendrait plus équilibré. Il a vraiment aimé ce tableau. Il se prête vraiment à beaucoup d' imagination et à ce qui se passe. Cela me donne vraiment un sentiment de suspense. C'est comme si je voulais en savoir plus. C'est une autre peinture figurative. C'est direct. Vous avez un jeune homme dans le coin. Il regarde vers sa gauche et vous voyez cet objet blanc sortir dans le coin. Je veux dire, c'est vraiment une chose visuelle difficile parce qu' elle vous tire si dur vers la gauche, crée beaucoup de tension. Il y a beaucoup de drames ici. Ce jaune et rouge ardent qui explose dans l'espace négatif a une intention tout autre que celle-ci. Les tableaux que je vous montre, vos opinions me plaisent vraiment et c'est pourquoi je les ai choisis. Et j'ai trouvé quelques-uns d'entre eux qui portaient le titre « déséquilibre ». Je sais donc clairement que c'est leur intention. Et avec celui-ci, je veux dire, c'est tellement dynamique. C'est un jeu de couleurs triadique. Votre rouge, jaune, bleu, vous avez les sombres et les lumières. Il y a beaucoup de valeurs différentes. Le choix de la forme et de la forme est rond et sphérique. Et cet espace négatif employé vraiment dans l'espace positif et ce poids lourd sur le côté, vous pouvez vraiment ressentir cette tension. Très dramatique. Voici un autre de Miller appelé déséquilibre. Vous avez cette image enflammée qui passe au milieu. Il y a tellement d'actions qui se passent. Vos yeux vont partout. L'excitation que je ressens de cette pièce. Voici un de Hugo appelé jeu de couleurs déséquilibre. Vous avez juste un espace négatif jaune, blanc et noir, certainement le noir. Vous avez des images douces à l'exception des images difficiles. Un dans le coin qui va droit dans le coin, en forme de cube qui sort de l'autre côté. Quand je vous dis quand les choses se passent directement, cela vous sort vraiment de la scène. Si vous essayez de le rendre symétrique, vous éviterez ces zones. Mais si vous essayez de trouver un déséquilibre, cela fonctionne certainement. voici un autre intitulé «  déséquilibré par le melon ». Beaucoup d'espace négatif, mais l'espace négatif est assez bien géré. C'est une composition intéressante tout au long de la direction, allant directement dans le côté supérieur droit. Beaucoup de tension à cause des lignes diagonales utilisées. Voici un de Rizzo. Cela vous fait vraiment sentir déséquilibré parce que tout est incliné. Et en utilisant une ration de couleur monochromatique, elle se sent presque hors de ce monde. Voici un de Yeager, et cela devient presque très surréaliste. Tu as cet énorme moi, te regardant, je veux dire, ça retire définitivement tout dans la balance. Pièce intéressante. voici un par champs. Ils ressemblent presque à des figures je ne suis pas sûr qu'elles ne le soient pas, elles vont dans l'espace et cet imposto lourd, qui est une douleur intense qui s'applique facilement, ces couleurs pastel. Il interagit vraiment avec la texture et couleur et les choses qui volent tout simplement sur cette toile, qui est tout simplement génial. J'ai adoré cette pièce et celle-ci Frank utilisant le jaune, le jaune, une couleur si difficile à travailler. Mais le triadique jaune, rouge et bleu, le jaune qui donne de l'énergie à tout cet espace négatif fait vraiment un déséquilibre. Mais je pense que c'est un tableau vraiment frais et je l'apprécie vraiment. Le prochain segment va être très amusant car nous allons faire un exercice, un déséquilibre. 16. Exercice 5 : déséquilibre: Ce segment, nous allons faire l'exercice cinq, ce qui est un déséquilibre. Ce cours est vraiment une question d'exploration, vous pouvez donc essayer différentes pistes pour jouer avec l' idée du déséquilibre. Eh bien, j'ai commencé par le dernier projet sur lequel nous avons travaillé, qui était l'équilibre asymétrique. Au lieu d'essayer une seule approche, j'ai pensé essayer plusieurs approches. J'ai le logiciel informatique ART rage. Et j'ai pu remonter ça et jouer avec la couleur et ligne au-dessus de cela pour le transformer en déséquilibre. Vous pouvez donc vraiment jouer avec ce média et n'importe quel média que vous choisissez de voir ce que vous pouvez faire en explorant dans l'équilibre. Rappelez-vous, c'est une intention, qu'essayez-vous de dire ? C'était pour m'amuser. Vous ne savez pas combien de fois j'ai détruit ces frais, mais c'est le processus. Parfois, c'est essayer de tout enlever et de laisser l'essentiel. Il est là. C'est donc une toute nouvelle façon de le voir. Eh bien, je me suis dit, je vais commencer par une seule couleur. Nous allons simplifier quelque chose. J'ai donc choisi la couleur jaune, j'ai vraiment joué à part, mais j'ai senti que je suis vraiment en train de tomber dans le déséquilibre ? J'ai donc pensé, d'accord, essayons une couleur différente pour voir si cela change. J'ai essayé de faire du bleu violet. Ce n'était pas aussi intéressant que le jaune parce que le jaune s'est manifesté. Repoussez beaucoup de choses en arrière. Je pensais que l'informatique interagit beaucoup plus intéressant. Et je me suis dit, eh bien, voyons cocher ce bleu et le rendre plus translucide et le mettre en arrière-plan et voir ce qui se passe là. J'aime bien ça, mais c'est toujours un peu équilibré. Je cherche un déséquilibre. Allons donc plus loin avec ça. Je suis retourné à mon jaune parce que j'ai aimé ça, puis j'ai aimé le fond, mais j'ai pensé que j'en avais besoin plus que mettre ce violet rouge sur tout. Je l'aime bien. C'est plutôt amusant. Vous savez, il ressemble presque à une impression et il a tellement de translucidité à travers elle. Je pensais que c'était très amusant. Je me suis amusé à faire ça. C'est donc mon premier. J'ai donc pensé, eh bien, faisons quelque chose de plus opaque. J'ai donc commencé à travailler avec quelque chose de plus pastel, donc c'était un peu plus lourd et plus linéaire sur ma pièce. De toute évidence, j'aime bien ce bleu violet ces derniers temps. De toute façon, j'ai joué avec ça et j'en ai détruit la moitié. Maintenant, j'élimine des parties. Je me suis dit, d'accord, c' est assez intéressant. Et j'ai amené ce bleu-vert clair qui le traverse. J'ajoute donc des lignes et un peu plus dramatique, mais ça marche toujours. Alors, que puis-je faire pour vraiment, vraiment le déséquilibre ? J'ai donc pris une lecture, ce rouge orange et j'ai traversé ce coin et je l' ai tiré tout de suite. Et je sentais maintenant que je n'étais pas équilibré, mais j'aimerais tout de même cette pièce parce qu'elle est tellement dramatique et comparée à l'autre. Alors, amusez-vous bien avec ça. Vous êtes en train d'explorer, c'est ce que représente cette classe en tant que processus visuel d'apprentissage. Je vous verrai dans le prochain cours, car ce sera notre projet dans l'ensemble. 17. Détails du projet: Cette section présente les détails du projet pour expliquer ce que nous allons faire dans notre projet. Les matériaux dont vous avez besoin pour ce projet. Je pose un crayon MED parce que c'est un beau crayon lourd pour travailler avec n'importe quel type de crayon et de papier à dessin. Mais vous pouvez choisir n'importe quel support avec lequel vous souhaitez travailler, surtout si vous voulez travailler avec la couleur, ce qui serait vraiment difficile. Réfléchissez donc à ce que vous souhaitez travailler et la description du projet est la suivante. Vous créez une composition asymétrique. Deux au moins trois objets à partir desquels travailler. Utilisez le poids visuel dans un but précis, explorez vos options. Vous souhaitez définir les formats de votre composition à l'aide de croquis miniatures. Voyez vraiment vos objets. L'observation est la clé du dessin. Ce serait donc génial d' avoir les objets juste devant vous plutôt que des photographies. Les photographies peuvent être utilisées comme additif. Si vous avez besoin de simplifier vos images, allez vous obstruer. Si vous voulez réfléchir à ce que vous voulez communiquer avec votre composition équilibrée, quelle est votre intention ? Travaillez à travers votre œuvre d'art de manière subjective et objective, et apportez les corrections et éliminations nécessaires pour améliorer votre œuvre d'art. N'oubliez pas que c'est un voyage et amusez-vous bien. Je voulais parler de démonstration. s'agit vraiment pas de suivre le type de démonstration. Ce n'est pas comme un processus étape par étape. Ce que je vous enseigne, c'est comment établir un équilibre asymétrique dans mon propre travail. Et je suis juste, c'est juste un exemple pour vous aider dans vos propres œuvres d'art. Et je vais vous montrer comment je prends des décisions et comment je change les choses pour établir cet équilibre asymétrique. C'est donc un peu amusant à regarder parce que c' est la première fois que je laisse quelqu'un dans mon studio me regarder peindre. Vous êtes le premier. Il vous montrera mon studio et je viens mettre en place la caméra derrière moi. Et quand je peins, je perds tout mon concept autour moi et je suis tellement concentré sur la peinture que ça devient très, très subjectif. Je suis excité par les couleurs et je pense que c'est vraiment amusant. Ensuite, je dois revenir en arrière et l'examiner objectivement et apporter les changements nécessaires. Cela ne vous donnera donc qu'une idée du processus. Je ne vais pas vous apprendre comment faire une toile tendue ou préparée , ni comment peindre, dessiner ou mélanger des couleurs. J'ai d'autres cours pour ça. Il s'agit avant tout d'équilibre. J'espère que vous vous amuserez tout au long de mon parcours de peinture. Passons à la section suivante et apprécions et apprenons comment réaliser votre projet. Je sais que vous explorerez vos idées fascinantes lorsque vous travaillerez sur les vôtres. J'ai hâte. 18. Projet: Ce segment est notre projet et c'est la première partie. J'ai ici plusieurs adeptes avec qui je travaille. Certains d'entre eux, j'ai quelqu'un dont j'ai des photos comme des marguerites. J'ai Black Eyed Susan et des fleurs de cône. Je vais travailler avec des peintures acryliques sur toile. C'est la meilleure partie du travail avoir cette grande toile vierge. Pour commencer. Je commence par ce que je veux dire dans mon tableau ? Et c'est essentiellement que c'est ma nature des fleurs. Je veux vraiment m'assurer que la brillance et les couleurs se manifestent. Je vais considérer que mon fond est un peu plus subtil et coloré. C'est donc mon objectif principal. Je vais mettre mes fleurs dans sa base, j'ai choisi celle-ci est un peu simpliste, a un peu de courbe à elle. Je vais commencer ma composition. Puisqu'il est asymétrique, je vais être très prudent par où je vais commencer. Certainement, non, je n'en veux pas au milieu. Ce ne sera pas radial. Je ne veux pas qu'ils soient dans les bords. J'ai besoin d'un poids de base. Je vais le tirer sur le côté, quelque part ici. Puisque c'est du verre, ça va être transparent. Même si. Et ici, je voulais faire baisser le poids ici, donc les fleurs sont certainement ici, mais je n'aime pas où elles sont placées. Je sais que je vais avoir une lutte vers la fin, alors je vais le repousser un peu. C'est ce qui est sympa d' écrire ici. Je l'aime beaucoup mieux. Je vais donc l'assombrir pour pouvoir le voir. Avec si important de connaître tous vos éléments. J'ai déjà mis en place mon jeu de couleurs avec un triadique. Je sais que ma qualité texturale, ce sera de larges traits. J'ai tout ce que je veux artistiquement et des éléments de ce qui va fonctionner ici. Mais pendant tout ce temps que je peins ça, je dois penser à l'équilibre. Voici mon premier objet une fois que j'ai joué quelque chose d'autre. parents vont donc changer immédiatement. Je vais commencer, je vais remettre un peu de blues ici. Parce que je dirige des choses à recevoir. Je vais remettre un peu de bleu de fleurs ici. Je joue juste ici juste pour avoir de la profondeur, un peu plus de poids. Je me prends en main ou si vous n'aimez pas quelque chose ici, cette taille à équilibrer. Et je pense qu'ils cultivent, choisissent la fleur de cône et font un peu sur le côté. Il peut s'agir d'une écluse vivante, juste faire une rivière plus sombre. Maintenant, apportez du code ici. Ce sera mon début. Je vais toujours le rendre plus petit. ce moment, je travaille sur une balance linéaire car lorsque je commencerai à ajouter de la couleur, cela va changer énormément le poids. Donc, c'est toujours en cours contre j'ai dit que je pense que je suis dans deux jours. J'écris ici. Permettez-moi de chevaucher la règle, mais les marguerites sont juste un peu minces, un peu plus petites. Un peu de chevauchement. L'équilibre fonctionne vraiment bien en trois. Contrebalance toujours tout le temps. Si vous voulez faire de la symétrie, ce sont les 2 que vous allez et venez maintenant. En ce moment, j'en ai trois. Je vais juste mettre des cercles à visualiser. Ou je pourrais mettre d'autres fleurs. Il y a quelque chose qui va bien ? Si nous donnons quelque chose ici, ici, quelque chose de côté, on peut penser à placer un type de poids, la table et la façon dont les choses vont être placées. Je vais poursuivre le projet et le prochain segment. 19. Projet (suite): Et continuez avec mon projet, j'appelle ça la deuxième partie, mais je vais finir dans ce segment. Voici l'image de ma peinture de ce que nous avons fini la dernière fois. Et j'ai eu ces cercles de l'endroit où les fleurs vont être placées. En attendant, j'ai placé ces fleurs là-dedans. Je suis allé de l'avant et assombri la fleur de cône avec un peu de violette rouge. J'ai fait un peu sur la marguerite. J'ai ajouté deux de ces fleurs violettes et une petite fleur rouge. Et j'ai mis une autre fleur de cône sur le côté droit et une autre Daisy à gauche. Et j'ai rendu ça un peu plus petit. J'ai dû réduire cette proportion à cela. Vous devez donc réfléchir à la taille dans laquelle vous travaillez avec eux, à faire quelque chose de réaliste ? Eh bien, semi réaliste. Maintenant, j'ai ces deux fleurs, j'en suis satisfait, mais très circulaires. C'est presque très symétriquement équilibré et je n'en veux pas. Je pense que le problème que je rencontre, c' est que celui-ci est très clair. Et je vais devoir changer assez cela et apporter les choses ici pour que cela soit un peu plus équilibré. Pensons à quelque chose qui sera ici aussi. Maintenant, nous ne pouvons pas aller à mon travail ici parce que nous devons penser à tout ça. Cette zone ici. Plus encore, nous mettons l'un d'entre eux peut-être par ici. Ici. faut toujours se tenir en arrière parce que lorsque je suis soumis avec elle, je suis trop personnel. Je veux dire, dès que je suis vraiment émotif, comment je peins, je suis de très près. Je dois être objectif. J'avais besoin de reculer, de regarder ça. Parfois, il peut être si difficile de le regarder. Il vaut mieux attendre le lendemain. Vous aurez un tout nouveau point de vue. Donc, en regardant ça, je le critique. Je pourrait-elle frapper ? J'essaie de m'en détacher, de ne pas être aussi émotif et d'être très ouvert d'esprit. C'est ainsi que vous vous améliorez. C'est ainsi que vous améliorez vos œuvres. Et un peu de vert en arrière-plan pour que je puisse voir davantage les fleurs et le vert est aussi une couleur fraîche qui recule. En regardant cela, j'ai élargi le matin. Très content de ça. Je vais devoir savoir ce que je suis dessus ici, mais je vais certainement avoir une autre de ces fleurs. Je pense que ça va très bien marcher, remplir cet espace et maintenant je reçois des choses vraiment amusantes qui se passent. Et c'est comme un progrès. Je vais devenir beaucoup plus sombre ici. Elles deviennent donc encore plus brillantes qu'elles ne le sont. ai placé ici, je vais certainement changer de couleur, mais beaucoup d'espace vide que je veux commencer à remplir pour que je puisse vraiment commencer à l'équilibrer. Mais il y a beaucoup d'espace vide. Cela peut avoir beaucoup de poids visuel. J'ai donc essayé d'obtenir une couleur neutre, un peu bleu clair que je vais placer ici. sorte de couverture de certaines de ces zones dans ce BLUF l' a définitivement submergée, mais elle commence à repousser. Il y aura beaucoup plus de sombres assis ici pour intensifier ces couleurs, mais juste un peu de rouge et de bleu presque. Je vais donc mettre des yeux vierges que Susan est ici, ici, peut-être ici pour équilibrer ça. Black Eyed Susan a dit, accord ou de ton pour eux, c'est une sorte de rupture là, mais je vais les refuser ici. Et je pense que cela va le rendre plus intéressant, atteignant ce point et ce peu plus de définition si les choses ne sont pas encore affinées. Mais j'ai un problème. Cette fleur à cette fleur, on a juste l'impression de lire tout droit et elle ne me donne pas autant d'intensité asymétrique. Il faut que quelque chose change. Si je retire celui-ci, il y a beaucoup de poids de ce côté. Il faut donc trouver comment le rendre plus intéressant. J'ai parlé d'ajouter des choses. Je parle maintenant d' éliminer les choses ici. Sur le côté gauche, j'élimine cette fleur. C'est juste trop loin. Il ne rentrerait pas dans la base. Un peu plus vert et là dedans, j'ai mis ma Susan Black Eyed, donc le jaune aide. Je suis un peu plus détaillé avec les fleurs sombres sur le côté droit du bas de la base, donnant vraiment plus de poids ici cela vous donne une idée d'un gros plan. J'ajoute plus de couleurs aux fleurs et aux choses qui remontent, petites petites fleurs bleues là-bas. Ce n'est toujours pas assez clair. Ici. J'ajoute plus de profondeur mort-née. Il manque quelque chose là-dedans et je n'arrive pas à le comprendre. J'ai aimé le vert clair là-bas et je change ça en bleu. C'est juste un peu plus ouvert. C'est à l'extérieur que bleu lui a donné un peu plus de vie. J'ai apprécié cela, mais il y a toujours quelque chose qui ne va pas. Je le regarde et je regarde, mon point focal est celui de Daisy sur Daisy qui m' a causé des ennuis. Je pense que ça doit être la marguerite. Et puis il va un peu vers la gauche de la fleur de cône et l' autre tout droit. Je n'aime pas ce qui se passe dans ma composition. Que puis-je faire pour le modifier ? Je l'ai accroché au mur de ma cuisine. J'ai eu le plus de distance de mon studio. Je ne peux pas remonter assez loin. Je veux dire, désolé, chaque fois que je et que je pense à quelque chose de mal, quelque chose de mal, quelque chose de mal. Eh bien, c'était trop le lendemain, je pensais que c'était là. C'est là qu'il y en a trop, côte à côte, ce qui crée beaucoup de poids là-bas. C'est pourquoi il le tire si loin vers le bas de celui de droite. Ce que j'ai fait, je l'ai allégé. J'ai réduit les autres fleurs et je les repousse, qu'elles se ramènent au vase. Une meilleure composition. C'est la fin de mon tableau. Et ce qui était si excitant, je l'ai mis dans son spectacle. C'est ce qu'on appelle des différences colorées. Et à la première place, je me suis dit, eh bien, wow, c'est assez excitant. Je pensais que c'était amusant de vous montrer un tableau. Mon premier groupe que tout à fait étrange de me voir peindre et de voir le processus de la façon dont vous le traversez. C'est amusant pour moi. Je suis excité de m'en sortir. N'oubliez donc pas de télécharger vos illustrations dans la galerie du projet. J'aimerais vraiment voir votre art. Je suis tellement excité à ce sujet. C'est vraiment spécial pour moi. La prochaine partie est ma dernière pensée. Merci beaucoup d'avoir regardé ma démonstration. 20. Réflexions finales: J'espère que vous avez autant apprécié la classe que j'ai aimé l'enseigner parce que j'ai même beaucoup appris parce que j'adore faire des recherches et regarder artistes et je suis toujours étonné des nouvelles choses que j'ai J'ai appris tout le temps. Donc, tout le processus artistique est un tel voyage et c'est tellement excitant et je l'apprécie et j'espère pouvoir améliorer cette vitalité du plaisir et profiter d'un milliard d'art dans votre monde. Je vais donner plus de cours et j'espère que vous apprécierez de vous revoir. Et n'oubliez pas de placer vos œuvres d'art dans la galerie du projet. J'ai adoré regarder votre travail et si jamais vous voulez une critique ou quelque chose comme ça, demandez-moi simplement, je suis plus qu'heureux de le faire. Je veux que vous appreniez et que vous vous amusiez avec cela parce que c'est de cela qu'il s'agit d'art. C'est un processus, c'est un processus amusant. Au revoir et à te voir la prochaine fois.