Portraits à l'aquarelle : techniques pour créer de la lumière, de la profondeur et de l'émotion

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et dans ce cours, nous allons peindre un portrait magnifique et époustouflant à l'aquarelle Le portrait peut sembler difficile, mais dans ce cours, je vais m'assurer de le décomposer en étapes simples et agréables afin que vous puissiez créer une peinture douce, lumineuse et réaliste lumineuse et réaliste sans Nous explorerons des techniques telles que le mélange humide sur humide, glaçage doux et le lifting pour créer des tons de peau délicats, des ombres naturelles et des traits expressifs Le cours est conçu pour vous aider à vous détendre, à suivre le rythme de l'aquarelle et à vous concentrer sur la capture des émotions plutôt que sur Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton «   Suivre » en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Alors, que vous débutiez dans le domaine du portrait ou que vous souhaitiez perfectionner vos compétences, plongeons-nous dans le vif du sujet et créons ensemble un époustouflant et sans effort 2. Votre projet: Merci beaucoup, comme toujours, d'avoir rejoint ce cours. Je suis très heureuse de partager avec vous ce processus captivant de création d'un portrait. Les portraits peuvent sembler intimidants, mais ils ne doivent pas nécessairement Dans ce cours, je vais vous montrer comment simplifier le processus et utiliser la beauté naturelle de l' aquarelle pour créer un portrait plein de vie et de douceur Nous nous concentrerons sur la création de tons de peau lumineux petit à petit avec des couches douces et des transitions douces. Nous passerons ensuite à la création d'yeux et de traits du visage expressifs sans trop travailler sur les détails Nous utiliserons des pinceaux lâches et des bords souples pour apporter une touche artistique et sans effort à votre peinture Nous allons apprendre à contrôler l'eau et les pigments pour atteindre un équilibre entre réalisme et souplesse. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer la peinture, examinons tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu Otramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles telles que le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou un t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile de se faire manger un mouchoir en papier pendant que vous peignez pour enlever l'excès de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous encourage à expérimenter et explorer les couleurs que vous souhaitez utiliser pour ce cours et les matériaux qui vous aideront à faire cette peinture la vôtre. Maintenant, commençons. 4. Comment faire une ébauche: Pour ce sketch vidéo, j'ai en fait beaucoup accéléré le tournage, car l'esquisse d'un portrait est la partie la plus difficile et cela prend beaucoup de J'ajouterais beaucoup de minutes au cours qui ne vous intéressent pas nécessairement directement. Il s'agit de peindre un portrait, pas nécessairement un dessin. Il y a donc beaucoup de concessions mutuelles, pressions et de tirages, de va-et-vient, de modifications Mais je commence par un cercle, puis je le divise en trois. Ensuite, j'ajoute un petit triangle au nez, et vous pouvez voir que j'utilise déjà le caoutchouc pour essayer d' apporter des corrections. Je vais passer en revue quelques-unes de mes idées clés générales et des processus de réflexion auxquels je pense lorsque je dessine. Le premier est de mettre l'accent sur les proportions et le placement. Dans le portrait, en particulier, les proportions sont Lorsque nous peignons des paysages ou des scènes de villes, nous pouvons être un peu plus généraux et ambigus quant à ce que nous peignons. Mais pour bien faire un portrait, il faut masquer les formes principales avant de passer aux lignes, à l'inclinaison de la tête, à la ligne médiane du visage et à la ligne des yeux. Et ces lignes de construction m'aident à maintenir les caractéristiques alignées et proportionnelles. Ensuite, il ne s'agit pas de trop définir les traits, car il est tentant de dessiner chaque cil ou chaque ride Mais à l'aquarelle, il vaut souvent mieux laisser le soin au pinceau pour ce genre de choses Maintenant, vous pouvez voir que j'utilise le caoutchouc pour tout frotter nouveau parce que je dois continuer à faire des allers-retours jusqu'à ce que tout soit correct, et cela prendra un certain temps. 5. Commencer la lumière: Cette peinture peut donc sembler assez intimidante, mais je ferai de mon mieux pour la décomposer en étapes simples afin de la rendre plus maniable Et nous commençons par des lavages très légers aux formes simples, en contentant de colorier au départ Et une fois que tout sera rempli, la partie la plus compliquée, comme le détail des yeux et du nez, ne vous semblera plus aussi difficile car nous avions déjà jeté les bases avant cela J'ai donc juste mélangé un teint avec de l'ocre jaune, une zarine cramoisie et un peu de Sienne Ce sont les trois pigments qui mélangent de jolis tons de peau. Et c'est un lavage assez dilué, comme vous pouvez le constater. J'utilise un pinceau assez gros à pointe fine, un pinceau de calligraphie chinoise Et vous pouvez expérimenter sur votre palette en essayant de faire correspondre cette couleur, le ratio des trois pigments différents, car selon la marque que vous utilisez, certains d'entre eux sont un peu plus puissants que d'autres Je pourrais donc vous expliquer comment je m'y prends. Mais si vous voulez vraiment apprendre et développer cette intuition qui vous permettra de peindre de manière expressive, il vaut mieux essayer l'erreur et expérimenter vous-même Mais c'est un beau ton orange, en fait, mais ce n'est pas un orange vif vif. C'est plutôt un ton orange tamisé. Et il existe différentes manières de mélanger cette couleur. C'est donc toujours amusant d'expérimenter. C'est donc juste un lavage à plat. Il n'y a aucune variation de ton pour le moment. En fait, je pars du bas vers et je peins l'épaule, le haut du bras et le côté gauche du cou. Peut-être qu'au fur et à mesure que nous avançons, nous devenons un peu plus légers et je viens de donner mon pinceau un peu trop gourmand pour qu' il puisse extraire ce pigment et l'eau. Juste sur le bord où se trouve l'épaule et j' utilise également un mouchoir pour m'aider, donc il y a un joli bord lisse. Il peut être facile de se sentir dépassé lorsqu'il y a beaucoup de pigment et d'eau sur votre papier. Et très souvent, c'est stressant parce que vous essayez d'éviter les textures indésirables, comme l'effet de chou-fleur qui se produit Et l'un des moyens de surmonter ce problème est de connaître la quantité de pigment et d'eau dont vous avez besoin sur votre pinceau. Peut-être en avez-vous besoin d'une grande quantité au départ pour répartir toute cette eau dans un grand espace. Mais il arrive parfois que nous peignions mouillé sur mouillé, par exemple, où le pinceau n'a pas besoin d'être complètement chargé. En fait, si vous videz trop d'eau, elle se répandra et affectera les transitions que vous avez effectuées. Vous voulez donc une sorte d' absorption moyenne du pinceau, et c'est assez difficile à expliquer avec des mots. Il s'agit plutôt d'un sentiment intuitif dû à l'expérience et à la pratique. Et parfois, s' il n'y a pas assez d'eau sur votre pinceau, il réabsorbe l'eau et le pigment présents sur votre papier Et parfois c'est voulu , parfois ce n'est pas le cas. Et c'est ce que nous avons fait là-bas sur l'épaule. Nous avons créé ce surlignage doux parce que nous avons effectué un coup de pinceau qui retirait l'eau du papier au lieu de la remettre en place Et ce sont ces concessions mutuelles qui créent ces transitions fluides. Euh, 6. Tons de peau chauds et froids: Pendant que je parlais, j'ai progressivement comblé ces petites zones, essentiellement avec un ton léger. Il y a de légères différences de ton, mais tout est léger. Ce ne sont pas des tons foncés ou moyens, et j'ai utilisé ces trois pigments pour ocre jaune, sienne brûlée et de l' alizarine Mais en ce moment, sur le front, j'ai commencé à intégrer des couleurs froides, bleu cobalt, peut-être ou peut-être que vous voulez utiliser de l'ultra marine. Ou même le violet, car le violet est un bon moyen de lier les tons chauds aux lier les tons chauds tons froids, car il se situe à mi-chemin entre les deux. Vous pouvez l'utiliser comme ton chaud si vous ajoutez un peu plus de rouge ou vous pouvez transformer en violet froid en ajoutant un peu plus de bleu, car le rouge et le bleu, le bleu étant la couleur la plus froide et le rouge étant la couleur la plus chaude, se situent à mi-chemin entre Donc, sur ce front de droite, c'est là que nous avons commencé à ajouter un peu de gradation, et vous pouvez prendre votre temps pour bien faire les choses Mais tu n'as pas à le surmener. Il semble que vous deviez ajouter beaucoup de détails lorsqu' il n'y en a pas d'autres pour replacer les choses dans leur contexte, mais nous n'avons pas besoin de les perfectionner. Nous sous-entendons simplement une petite transition douce du bord. Ce sont les yeux, le nez et la bouche qui, espérons-le, auront un peu plus de détails et d'intérêt plus tard. Je suis donc en train de travailler sur ce point, et il y a quelques petites zones où je laisse passer le blanc du papier. Sur la pommette, sur la clavicule, nous ne peignons pas En fait, nous laissons ces zones intactes. Et c'est là que la planification à l'avance porte vraiment ses fruits, car l'aquarelle demande beaucoup de prévoyance, en particulier pour les portraits Peut-être que sur la zone des joues, j'ajoute plus de rouge, pourpre lizarne ou Je ne pense pas aux pigments stricts, je pense à la température de couleur. Donc, quand je dis rouge chaud, vous pouvez utiliser le rouge qui n'a pas vraiment besoin d'être du rouge Lizarum, du rouge cadmium ou tout autre pigment rouge C'est une couleur très chaude. Il pourrait aussi être rose. Je le laisse juste tomber en dessous de ce surligneur mouillé sur mouillé pour qu' il se mélange en douceur. Et si vous trouvez que le papier sèche trop rapidement avant d'atteindre l'objectif que vous souhaitez, il est préférable de le laisser sécher complètement. Ensuite, utilisez un pistolet pulvérisateur pour le maintenir uniforme et mouillez-le à nouveau uniformément, car vous êtes tenté d'ajouter de l'eau au pinceau lorsque vous sentez, savez et voyez que le papier est en train de sécher. Mais cela crée en fait une humidité irrégulière et inégale du papier Et c'est cette incohérence de l'humidité du papier qui crée ces bords durs indésirables Parce que les pigments interagissent, c'est comme si vous imaginez le bord de mer sur la côte lorsque les vagues entrent dans le sable, cela pousse tout ce Vous pouvez considérer le sable comme un pigment. Il pousse ce pigment vers le bord et crée un bord dur, car il y a une différence entre l'humidité de la mer et la sécheresse de la plage Il essaie donc de maintenir l' équilibre. Un, 7. Deuxième couche: Maintenant que nous avons terminé la première partie de la peinture, et pour revenir brièvement sur ce que nous avons fait jusqu'à présent, nous avons conservé un ton assez uniforme, mais dans certains domaines clés, nous avons extrait une partie du pigment pour créer des reflets doux, et nous avons ajouté un peu plus de pigment pour créer des dégradés doux, tels que les pommettes et le Mais ces détails sont assez flous à ce stade. Nous commençons maintenant à ajouter une deuxième couche, un peu plus de profondeur et de détails. Il n'est pas nécessaire que ce soit joli à ce stade. En fait, certaines de ces textures classiques à l'aquarelle, ces heureux accidents organiques sont parfaites pour cette première étape de lavage Nous passons maintenant à l'étape suivante, qui consiste à peindre des formes de taille moyenne. La première étape consiste donc essentiellement à bloquer les grandes formes principales et les formes abstraites. Donc, la forme de l'épaule et de la tête, le visage. En tant que forme principale. Maintenant, nous travaillons un peu plus la forme que nous peignons, ombrage autour des yeux et du front, et à ce qui relie le tout J'utilise deux couleurs pour cela à ce stade. C'est de l'alizar cramoisi. Je préfère utiliser du zarin cramoisi au début d'une peinture, car il est très translucide et vous pouvez créer les couches avec beaucoup plus de contrôle qu'une couleur plus opaque comme le rouge cadmium Et pour compléter ce rouge pourpre Alyzarin, j' Il existe deux couleurs complémentaires et essentiellement opposées sur la roue chromatique. Ensemble, ils deviennent gris et vous pouvez voir que sur l'arête du nez ou là où les sourcils se rejoignent sur le portrait, c'est gris et non vert. Et lorsqu'il s'agit d'ajouter des couleurs, notamment aux portraits, je pense à ces couleurs complémentaires Si je veux peindre en orange, je vais y mélanger du bleu. S'il y a un teint plus jaune, peut-être là où il y a des reflets, alors je vais utiliser du violet pour contrebalancer le tout. Et là où je peins en rouge, je vais utiliser du vert. Et en ce qui concerne ces petits détails du nez, je laisse, encore une fois, le blanc du papier juste pour mettre en valeur les points forts. J'admire le courage dont vous avez fait preuve en essayant cette peinture car lorsque j'ai commencé à apprendre l'aquarelle, j'éprouvais de la peur et l'anxiété à l'idée d'essayer quelque chose comme ça Mais il faut le considérer comme un voyage, et rien n'est perdu si ça ne se passe pas bien. C'est un excellent exercice, et c'est ainsi qu' il doit être considéré comme un exercice plutôt que comme un projet terminé car il met en évidence ce qui est le mieux illustré à l'aquarelle, à savoir l'équilibre entre précision et fluidité Nous avons un bel équilibre entre les détails, mais nous avons aussi beaucoup d' expression. Ce sont deux jolis éléments de l'aquarelle qui contrastent l'un avec l'autre et qui utilisent différentes parties de l'esprit, différentes techniques L'exploration de ces deux aspects améliore vraiment la façon dont nous utilisons l'aquarelle Cette peinture est un excellent exemple de cet équilibre délicat entre les détails précis et contrôlés que nous commençons à faire maintenant, et la liberté des lavages fluides que nous venons de faire et que nous reparlerons plus tard avec Et peut-être que l'arrière-plan ajoutera également un arrière-plan expressif. Nous pouvons donc comprendre, et vous pouvez, bien sûr, utiliser cette leçon comme guide afin que vous puissiez explorer vos propres idées à ce sujet. Mais nous devons être sélectifs quant à ce que nous allons détailler, où nous allons conserver ces lignes nettes importantes, puis où nous allons laisser les autres parties respirer un peu plus et laisser l'aquarelle s' écouler pas exactement là où nous le voulons OK. 8. Le nez: J'espère que vous ferez bien attention avant d'essayer de le peindre, car il y a souvent des choses qui vous viennent à l'esprit plus tard dans le processus et qui doivent être prises en compte dès le début. L'un de ces exemples consiste à commencer par la lumière et à augmenter progressivement le ton. Le tout premier lavage que nous avons fait sur le visage, les épaules et le cou en fait très léger et semblait presque inconfortablement léger Mais nous ne voulons pas surcompenser cela au début en le rendant plus sombre qu'il ne devrait l' être, car nous y reviendrons de plus en plus tard Si vous ne regardez pas le tout d'abord, vous ne vous rendez peut-être pas compte pourquoi nous l'avons peint si clair au départ et vous pourriez le peindre plus foncé qu'il ne devrait l' être à ce stade. Prenez un moment pour remarquer les légères variations couleur et de ton autour de l'œil . C'est plutôt un ton rouge, mais sur le nez, c'est de la sienne un peu plus brûlée , un peu plus brune Même sur la joue, vous pouvez voir comment cela passe d'un peu de brun à un rouge, mais les contrastes de couleur ne sont pas spectaculaires Nous avons essentiellement un ton de base, puis nous y ajoutons des influences d'autres couleurs pour le varier un peu. Et maintenant, je commence à ajouter un ton un peu plus épais. Encore une fois, mouillé sur trop humide, je le pose doucement petit à petit pour qu'il ne devienne pas trop incontrôlable. C'est du pur Ben Sienna, j'ajoute quelque chose. Mais comme nous avons déjà ajouté un peu du teint neutre que j'ai mélangé, cela s'équilibre un peu. Je ne suis pas très à l'aise avec les termes anatomiques du visage. Je n'y pense pas de cette façon. Lorsque je regarde un portrait ou une référence, cela peut prendre n'importe quel angle. Et quelle que soit la caractéristique anatomique, sa forme sera différente. Surtout lorsque les conditions d'éclairage changent, que l' angle ou la perspective changent. Donc, plutôt que de penser à quoi ressemble un nez , à une lèvre ou à cette partie que je suis en train de peindre entre le nez et la lèvre, je ne sais pas comment s'appelle cette zone. J'essaie juste de regarder la forme, mémoriser cette forme et de la faire correspondre sur le papier. C'est une forme abstraite. Je n'essaie pas de me demander à quoi cela doit ressembler anatomiquement Pendant que c'est humide, je fais tomber pigment foncé là où se trouvent les narines Il a un bord dur sur le dessus et un bord souple en dessous. Nous mélangeons des arêtes dures et des arêtes souples. Découvrez maintenant comment je mélange le vert à mon palais. Mais quand je le place par-dessus ce ton de chair rouge, ce ton de chair rose orangé, il a vraiment l'air gris, d'un gris pur J'essaie de créer un bord souple en bas, un bord dur en haut et un bord souple en bas. J'utilise donc ce mouchoir plutôt qu' un pinceau pour créer ce bord souple, J'utilise donc ce mouchoir plutôt qu' un pinceau pour créer il suffit de le tamponner avec le mouchoir 9. Le menton: Les arêtes sont très importantes, et cette prochaine étape en est un bon exemple. Je prémouille avec de l'eau pure le bord du menton ou du cou, en gros, la ligne de la mâchoire Ensuite, j'ajoute quelques coups de pinceau, en le laissant tomber de mon pinceau dessus. Et comme nous avons prémouillé ce bord, ce sera un bord souple Arête perdue, pas une arête trouvée. Avant d'entrer un peu plus dans les détails sur l' importance des bords, permettez-moi d'ajouter que si je ne mentionne pas la couleur que j'utilise, il s'agira toujours d'un mélange d'ocre jaune, d' Elsarnchoms et de Elsarnchoms Et en fait, quelle que soit la combinaison de ces couleurs qui fonctionnera bien, il n'est pas nécessaire que ce soit exactement comme je la peins. Il n'est pas nécessaire qu'il corresponde. Ce sont naturellement de bonnes couleurs avec lesquelles travailler. Et puis pour l'ombrage, vous pouvez compléter ces couleurs. Vous pouvez utiliser le bleu, le vert ou le violet. Permettez-moi donc d'aborder l'importance de la variation des arêtes ou des arêtes en général, car elles sont fondamentales pour le réalisme et la puissance émotionnelle d'un portrait. L'un des aspects les plus importants mais souvent négligés de la peinture de portrait ou de la peinture en général est vraiment la variété des bords. Et comme je l'ai dit, c'est le contraste entre les bords durs, les bords souples et ce que nous appelons souvent les bords perdus et trouvés. Et il ne s'agit pas simplement d'une question technique. C'est un langage expressif qui lui est propre, en fait. Et qu'est-ce qui donne vie, subtilité et âme à votre peinture. Les bords arrondis créent de la clarté et de la concentration, et nous avons tendance à les utiliser autour des yeux, lèvres, là où les ombres se transforment brusquement en lumière, des zones sur lesquelles nous voulons attirer l'attention du spectateur. Donc évidemment, le nez, les yeux, la bouche, c' est le centre d'intérêt. Et ces arêtes aident à ancrer les traits et à structurer le visage. Et puis nous avons des bords souples qui ont une nature différente, où les choses se fondent doucement les unes dans les autres. Regardez sur le front où, au milieu, il fait clair puis devient progressivement un peu plus foncé. Et puis, bien sûr, cela contraste avec un bord dur sur la gauche Même la ligne de la mâchoire possède ce centre souple puis un bord dur à chaque extrémité, là où je suis en train de peindre. Ces zones apportent donc douceur, calme et atmosphère. Ils évoquent une qualité plus douce et plus émotionnelle. 10. L'œil droit: C'est une bonne coche. Séchez l'ensemble du papier avant continuer sur ce sourcil et cet œil sur le côté droit Nous allons maintenant passer à un pigment plus foncé Pour créer un véritable contraste. Nous venons donc de passer en revue l' importance de la variété des arêtes, et je vais vous donner quelques conseils pratiques pendant que je peins cet œil. Tout d'abord, vous devez savoir où utiliser chaque type d'arête. Vous pouvez donc vous demander où se concentre ce portrait et où est-ce que je veux que le spectateur regarde en premier En termes de portrait, il est légèrement plus facile de s' entraîner qu' une scène de rue, une scène de nature ou même un animal, car ce sont généralement les yeux, le nez et la bouche qui sont au centre de l'attention, et c'est le nez et la bouche qui centre de l'attention, là que nous voulons que l'accent soit davantage mis, que les lignes soient plus nettes, que les bords soient plus définis. Ensuite, nous pouvons laisser d'autres pièces tomber un peu plus doucement. C'est pourquoi nous utilisons maintenant un pinceau un peu plus petit, une pointe plus raffinée. Nous avons également utilisé beaucoup de techniques humides sur mouillées pour créer ces transitions douces auparavant, en particulier autour des joues, du cou et plus tard à la racine des cheveux Nous avons adouci nos bords en peignant sur du papier légèrement humide, plutôt que sur du papier très humide ou du papier sec. Il y a un joli petit équilibre entre le papier trop humide et le papier complètement sec. Ensuite, nous avons utilisé un pinceau propre et humide pour étirer et extraire ce pigment Et cela contraste avec ce que nous faisons actuellement, qui consiste à sécher complètement le papier et à peindre humide sur sec. C'est ainsi que nous avons ce bord tranchant où se trouvent les sourcils et l' ombrage des Nous utilisons des traits délibérés avec un pigment plus sec, un pinceau plus bien chargé, pas un pinceau mouillé, mais chargé de pigment 11. Commencer les lèvres: Commençons maintenant à peindre la lèvre, et comme je l'ai déjà dit, nous l'avons complètement séchée pour pouvoir travailler à sec ou mouillée. Et dans cette deuxième couche, nous allons appliquer un peu de peinture humide sur humide pour créer des dégradés doux sur cette lèvre aux bords durs Encore une fois, il faut conserver cette variété de soft et de edge et les combiner de différentes manières. Et nous voulons faire varier la pression. Il est difficile de voir visuellement à travers de telles images. Même lors de démonstrations en direct, il est difficile de voir la pression que j'exerce. Mais la pression et quantité d'eau sur le pinceau ont une incidence sur le bord que nous créons. Plus le toucher est le pinceau ont une incidence sur le bord que nous créons léger et le pinceau est humide, plus les transitions sont douces, et un trait plus ferme avec moins d'eau rend le bord plus net. C'est un concept assez intuitif quand on y pense, même s'il ne s'agit pas d'un concept conscient, nous voulons uniquement mélanger de manière sélective et conserver les bords durs de manière sélective. Parce que si vous mélangez chaque bord, l'ensemble du portrait devient un peu flou. De même, si vous laissez chaque bord tranchant, cela devient trop rigide. C'est donc le contraste entre ces types de bords qui suscite l' intérêt et le réalisme. Ensuite, nous voulons prendre du recul assez souvent parce que nous sommes très proches du papier lorsque nous travaillons, et il est facile de passer à côté de la vue d'ensemble. donc un peu plus évident de prendre du recul et de plisser les yeux pour voir où les bords ressortent un peu trop ou où nous devons perdre un bord devient donc un peu plus évident de prendre du recul et de plisser les yeux pour voir où les bords ressortent un peu trop ou où nous devons perdre un bord ou en adoucir trop ou où nous devons perdre un Nous commençons maintenant à peindre les détails de cet œil gauche, son œil droit. Et je dirais que c'est clairement le centre d'intérêt. Le nez, la bouche et l'autre œil sont également des centres d'intérêt, centres d'intérêt secondaires. Mais cet œil est ici le principal centre d'intérêt car c'est lui qui possède les détails les plus raffinés, le plus grand contraste entre tous les différents éléments. Il présente un contraste de bords, une variété comme nous venons de parler, et cet œil en est un parfait exemple. Mais il intègre également tous les autres éléments et principes, car les arêtes en elles-mêmes n'existent pas vraiment isolément. Dans bien des domaines de l'art, tout est intégré et se chevauche Il ne s'agit donc pas seulement de savoir où une forme se termine et où commence une autre. Tout dépend de la forme, la lumière, de la couleur. Ils n'existent pas isolément. Ils travaillent toujours en relation avec les autres éléments tels que le ton, la couleur, la forme et l'espace. Lorsque nous comprenons ces relations, nous pouvons rendre notre art un peu plus unique et captivant. Mais c'est bouleversant au départ. Voyons donc comment les bords sont affectés par les autres éléments de l'art. 12. L'œil gauche: Le blanc de l'œil n'est pas vraiment blanc. Comme vous pouvez le voir, j'y ai ajouté un peu de gris. Et je vais lui peindre les yeux en bleu cette fois, d'un joli bleu serlean avec peut-être un peu de cobalt dedans En fait, je vais le rendre assez saturé. Et par là, je veux dire très dynamique. Mais je vais le modérer plus tard. Il ne s'agit que d'une sous-couche. Et si j'ai choisi le bleu, c'est parce que le bleu et l' orange vont si bien ensemble. Et ce teint est assez orange. Et cela fonctionnera également très bien pour contraster avec ses cheveux plus tard, parce qu'elle est rousse Nous allons donc profiter de ces tons cuivrés auburn ou blond fraise, qui contrasteront magnifiquement avec les yeux bleus et aussi avec la robe ou le haut bleu qu'elle portera C'est une autre raison pour laquelle cet œil est définitivement le centre d' intérêt en raison du contraste des couleurs vives et du contraste des bords. Ce qui relie les bords à la couleur est en fait le troisième élément, à savoir le ton. Le ton est l'un des facteurs les plus importants dans la façon dont nous percevons un avantage. S'il y a un fort contraste entre deux zones, une ombre foncée à côté d'un surlignage clair, le bord sera aussi net, même si la peinture est mélangée autre côté, si les valeurs tonales sont proches, même un coup de pinceau net peut sembler doux ou Lorsque nous contrôlons les contours, nous contrôlons également le contraste ce qui signifie que nous contrôlons la mise au point. Lorsque nous parlons de formes, nous ne parlons pas nécessairement des formes traditionnelles d'un cercle, d'un triangle, d'un rectangle, etc., mais de formes abstraites, de la façon dont nous regardons un sujet en trois dimensions devant nous ou même d' une référence en ligne ou imprimée, et de la façon dont nous observons ces formes, la nature de ces formes pour les transmettre sur notre toile Les arêtes définissent les formes. Mais la façon dont nous traitons le bord influence également la solidité ou la délicatesse de cette forme. Une forme à bord dur donne une impression plus découpée ou graphique, tandis qu'une forme à bord souple semble plus tridimensionnelle et naturelle. Et surtout dans le domaine du portrait, nous ne nous contentons pas de dessiner des formes, nous les sculptons Et c'est ce qui crée l'illusion. L'adoucissement d'un bord peut aider une forme à se transformer en espace. Demandez-vous si le bord décrit une forme plate ou une forme se transformant en lumière, et laissez-vous guider pour savoir si le bord doit être dur ou souple. Et ce, que vous peigniez une grande ou une petite forme. Lorsque nous peignons cet œil ici, nous avons affaire à de très petites formes. Néanmoins, leur nature est souple ou dure, perdue ou retrouvée. C'est pourquoi il faut parfois 5 minutes pour peindre l'intégralité de l' épaule ou du visage, mais il faut ensuite une demi-heure pour peindre une petite partie comme l'œil. 13. La lèvre inférieure: Vous pouvez voir que même si utilisé ce bleu vif pour l'iris de l'œil, je l' ai recouvert d'un pigment foncé. Le bleu est toujours là. Cela a toujours été l'intention, mais j'ai d'abord dû le peindre pour permettre un mélange doux humide sur humide J'utilise simplement un pinceau pour extraire une partie du pigment situé sous l'iris afin créer cette forme tridimensionnelle ou cette illusion de lumière et de reflets. Maintenant, je vais commencer à peindre la lèvre inférieure. Si vous pensez à la nature de la lumière et de l'ombre, la lèvre inférieure sera plus claire parce qu'elle réfléchit la lumière d'en haut, mais la lèvre supérieure sera plus foncée car elle ne reflète pas directement cette lumière, elle est plus ombragée. Vous pourriez facilement peindre cette lèvre inférieure en premier, mais il n'y avait aucune raison pour laquelle j'ai décidé de peindre d'abord la lèvre supérieure. Il se trouve que c'était comme ça. Encore une fois, il fera plus sombre en bas qu'en haut, même avec la lèvre inférieure, de cette courbure, cette courbure et de la façon dont le volume est affecté par la lumière. Là où les deux lèvres se rencontrent au milieu, aura évidemment une zone sombre il y aura évidemment une zone sombre parce que la lumière est encore plus difficile à atteindre Et je laisse ce petit bout de papier blanc sous le petit pli de la lèvre, là où il y a un reflet direct Peut-être que ses lèvres brillent. Elle porte du rouge à lèvres ou un truc comme ça. Le papier est très légèrement humide parce que je veux que la ligne noire que nous venons de peindre entre les lèvres ait un bord doux. S'il est trop humide, il se répandra et rendra les deux lèvres foncées, noires et grises. S'il fait trop sec, il y aura juste une ligne dure s' assurer que la lèvre est parfaitement sèche avant d'ajouter cette teinte sous la lèvre J'aime beaucoup peindre les lèvres en raison de l' utilisation dynamique des éléments de l'art. Vous avez une belle variation de tons. Vous avez la couleur foncée de la lèvre supérieure. Et puis le contraste avec la clarté de la lèvre inférieure, puis en dessous, vous avez la légèreté de cette lèvre inférieure, puis cela contraste avec l'ombre qui se trouve en dessous, cette petite courbure qui pénètre à l'intérieur et ressort sur le bout du menton qui capte à nouveau la lumière. Il y a beaucoup d'arrangements tonaux y déroulent, ce qui est visuellement excitant pour moi. A. 14. Commencer l'oreille: Nous commençons maintenant à travailler sur l'oreille. Et c'est une oreille étrange, parce que ce n'est pas un centre d'intérêt, elle n'a donc pas besoin d'être aussi raffinée et précise. Mais la forme est tellement complète et la variété des transitions, des arêtes et des formes qu'il est assez difficile de peindre de manière convaincante sans attirer l' attention S'il semble que trop d'efforts y ont été consacrés, cela fera concurrence à l'attention de l'œil. J'essaie donc de trouver un équilibre entre de ne pas ajouter trop de détails, mais de le rendre visuellement correct. Et l'un des principaux conseils que je peux vous donner pour peindre de telles zones est que vous ne devriez pas penser à peindre une oreille. N'essayez pas de peindre une oreille, mais peignez ce que vous voyez. Cela peut sembler étrange à dire, mais l'oreille est l'une de ces zones où, si nous essayons de peindre à quoi nous pensons qu'une oreille ressemble, elle tourne presque toujours mal. C'est une partie tellement nuancée de l'anatomie que l' oreille de chacun est légèrement différente Il est quasiment impossible de le mémoriser exactement. Il est donc utile d'oublier complètement l'idée d'une oreille et de l'aborder comme une étude abstraite de la lumière et de la forme. J'ai envie de plisser les yeux et de regarder les choses uniquement en termes de ton et de forme, de lumière contre obscurité, chaud contre froid, et avoir la certitude que si vous établissez les bonnes relations, la structure se révélera automatiquement Et cela concerne tous les détails, qu' il s'agisse de peindre les yeux, le nez, les lèvres, même au-delà du portrait Essayez de ne pas penser à ce que vous êtes en train de peindre vous-même. Pensez-y simplement comme une étude abstraite de la lumière et de la forme. Ainsi, une fois que vous avez cet état d'esprit initial en tête, vous pouvez commencer par regrouper les lumières et les ténèbres en deux ou trois zones de valeurs seulement Nous n'avons pas besoin de nous laisser distraire immédiatement par chaque petite crête ou ombre Vous pouvez voir que je le divise en trois zones de valeurs seulement Vous pouvez vous demander où se trouve la partie la plus claire dans l'ensemble ? Où se trouve l'ombre la plus profonde ? Et une fois que ces grandes zones sont bloquées, il devient beaucoup plus facile d'accroître la complexité ou de modifier les tons entre elles. J'ai beaucoup parlé des bords car parmi tous les éléments, c'est l'aspect le plus important de la peinture de portrait Et dans l'oreille, en particulier, presque rien n'est dessiné avec une ligne. Tout est fait plans superposés et de transitions douces C'est donc là que le contrôle des bords devient votre meilleur outil. Et un bord légèrement plus dur peut définir la courbe du lobe ou, encore une fois, je ne suis pas sûr du point de vue anatomique parce que j' essaie de ne pas y penser d'une manière anatomique. Je pense simplement aux études sur la lumière, les ombres et les couleurs. Ou un bord perdu peut se fondre dans d'autres parties de l'ombre. N'essayez donc pas de tout définir. Choisissez juste quelques arêtes à aiguiser et laissez le reste se dissoudre L'oreille, en particulier, peut rapidement devenir surmenée parce que nous sommes pris à courir après chaque ligne Mais la vérité, c'est que vous n'avez pas besoin peindre chaque pli pour que l'oreille soit vraie Quelques valeurs bien rythmées et un aperçu des principales arêtes ou courbes suffisent Nous pouvons laisser l' aquarelle faire le reste. Encore une fois, ce n'est pas le centre d'intérêt, et cette touche d'abstraction permet de garder la peinture fraîche et vivante. Vous devez donc avoir confiance dans la vue d'ensemble et dans le résultat final. Nous ne voulons pas du tout attirer l'attention là-dessus, juste assez de détails pour le rendre acceptable pour le spectateur. 15. Le col: Et les mêmes principes de détail s'appliquent réellement à tous les aspects, y compris à ce travail parallèle que nous réalisons sur l'épaule. Je regarde les différences de tons. Je ne me demande pas si ça ressemble à une épaule. Je vois simplement la relation entre les différents éléments, où les bords deviennent doux ou durs, où la température de couleur ou les tons peuvent changer. Lorsque je peins cette zone des épaules, je profite de l'espace négatif. Je le fais exprès. Vous pouvez voir la quantité de papier propre laissée intacte. Et cet espace négatif crée un contraste visuel, aidant le sujet à se sentir un peu plus lumineux et léger, un peu plus dynamique. Nous n'avons pas à remplir la totalité de la toile ou de la page, donc laisser la peinture respirer un peu plus fait partie de la magie de l'aquarelle Je m'assure de ne pas toucher aux zones où je vais peindre la robe bleue J'essaie donc juste de terminer toutes les zones extérieures de l'épaule, du bras, des ombres. Il suffit de vérifier que cette zone était bien sèche, car il doit y avoir un bord dur à l' endroit où le bras et l'ombrage créent une illusion de forme Et pendant le séchage, nous pouvons commencer à travailler sur l' ombre située sous le cou. Encore une fois, j'utilise les mêmes couleurs similaires : Azaren cramoisi, jaune brûlé et jaune ocre Mais la partie que j'ai laissée blanche sous le cou sera ombragée, et la majeure partie de cette peinture est chaude pour le moment. Nous devons donc créer une sorte de contraste pour cette chaleur. Je réfléchis donc à l'avance à la couleur que nous devrions utiliser pour cet ombrage Nous pouvons commencer par une bouffée de chaleur, cette sienne brûlée, du sarin Et puis, pendant qu'il est humide, nous pouvons simplement ajouter du violet ou du bleu. Remarquez comment je conserve certains bords durs ici. Quand il s'agit de peindre une zone comme celle-ci, je me demande où exactement je vais aller avec le pinceau et à quoi ressembleront ces bords. Dois-je m' inquiéter d'un soft edge ? Maintenant, je peux commencer à incorporer ce bleu cobalt en bas. Et même s'il est mouillé et mouillé, il sera beau et doux. Et juste en dessous du cou en dessous de la mâchoire, du menton, c'est là qu'il fera le plus noir. Il suffit de tamponner, sans nécessairement penser aux coups de pinceau, mais simplement de tamponner et de laisser l'eau et les pigments tomber de mon pinceau à ce stade Il faut qu'il y ait un peu plus de contraste entre cette épaule et l'ombre Je vais donc simplement appliquer un peu plus de pigment en bas pour augmenter ce contraste 16. Rôles secondaires: Ces zones que je peins en ce moment peuvent être considérées comme des rôles secondaires dans une peinture, car elles ne sont pas le principal domaine d'intérêt. Ce ne sont pas le deuxième domaine, le deuxième domaine d'intérêt. Ce ne sont que des zones calmes et subtiles où nous pouvons réellement avoir un peu plus de liberté. Ils n'ont pas besoin d' être aussi précis. Mais ce n'est pas parce qu'ils ne sont pas au centre de la peinture qu'elle est sans importance Ces zones de soutien structurent et contextualisent le visage. Tout comme dans un film, vous avez les personnages principaux qui retiennent le plus l'attention, mais un bon film a tout de même d' excellents acteurs secondaires qui ajoutent à l'ambiance, à l'ambiance et à l'esthétique Nous ne voulons donc pas les faire trop durement et nous ne voulons pas ajouter trop de contraste, et nous ne voulons pas ajouter trop sinon ils pourraient nous distraire. Mais s'ils sont trop faibles, la tête aura l' impression de flotter. J'essaie donc de garder les choses subtiles et douces, et ironiquement, essayer de garder les choses subtiles et douces demande parfois un peu plus d'intention d'attention C'est un autre endroit idéal pour faire attention à vos bords. Je laisse certaines zones se fondre dans l'arrière-plan, particulier près de l' épaule pour créer un bel effet perdu et retrouvé. Dans la vraie vie, toutes les arêtes ne sont pas clairement définies. Ainsi, en imitant cette transition douce, nous ajoutons du réalisme et de l'ambiance à la pièce Et vous remarquerez que j'utilise en fait un mélange assez dilué ici juste pour mélanger ces ombres, car j' ai une ombre chaude au-dessus et une ombre froide en dessous. je laisse l' eau faire la majeure partie du mélange C'est dans ce genre de transitions douces que l' aquarelle brille vraiment C'est plutôt une question de patience et de retenue. Je n'essaie pas de trop définir quoi que ce soit, laisse simplement les ombres s'installer progressivement. Ici, en dessous de l'oreille, nous devons créer un contraste, un bord dur, en peignant négativement le bas de l'oreille, en fait. Vous pouvez également utiliser ces moments comme pause réflexion, car il s'agit d'une partie plus calme du portrait J'adore vraiment cette étape. Vous pouvez enfin reprendre votre souffle après avoir fait tous ces détails sur le visage, et vous pouvez prendre du recul mentalement et vérifier l' équilibre de l'ensemble de la pièce pensant au contraste, la température, au débit. Ces zones intermédiaires nous donnent donc juste un moment pour réfléchir avant de nous ajuster et de passer aux dernières parties de la peinture et aux cheveux. Je pense également à l'harmonie des couleurs, la cohérence des tons avec le reste du portrait, car nous mélangeons ces couleurs séparément de ce que nous avions fait pour la première fois. Nous voulons donc toujours conserver cette couleur harmonieuse. Burnt Sienna est essentiellement la couleur dominante, puis nous utilisons simplement un is et un cramoisi et peut-être une touche d'ocre jaune pour lui donner un Je pourrais utiliser un peu ce ton cool utilisé dans l'ombre du ce ton cool utilisé dans l'ombre visage juste pour unifier la palette et éviter tout ce qui est trop discordant, plutôt que d' introduire une toute nouvelle couleur. 17. Les vêtements: Maintenant, je vais juste ajouter une petite ombre derrière le bras, juste pour différencier l'endroit où le bras se termine et le début du dos, car pour le moment, il ne s'agit que d'un trait de crayon. Il suffit d'utiliser un léger ton et de le mélanger doucement Commencez par chauffer puis refroidissez. Il est maintenant temps de faire audace et nous allons peindre son haut en utilisant de belles couleurs vives et froides. Encore une fois, cela contraste avec la chaleur de sa peau et ses cheveux cuivrés que nous allons peindre plus tard, commençant par une sous-couche un peu turquoise car le vert se marie bien avec les rouges et le bleu avec les oranges Donc, en commençant par une belle touche de vert turquoise, en remplissant littéralement cet espace, nous avons réservé ces blancs, le blanc du papier, pour qu' il ait une belle luminescence Et nous permettons à l'eau de écouler et d' étaler tout le pigment. C'est juste une forme uniforme. Non, pendant que nous remplissons cet espace de pigment, nous ne pendant que nous remplissons cet espace de pigment, nous inquiétons pas tant du ton. Nous couvrons simplement l'ensemble de la zone et nous procédons à un lavage bien uniforme. Ensuite, une fois que c'est rempli, nous pouvons commencer à travailler sur le reste de la couleur. Il commence donc assez sombre par le haut. À l'aide de la pointe du pinceau, nous le démontons simplement et le connectons C' est du bleu cobalt. Et seulement en essayant subtilement de créer un peu de volume et en sous-entendant ombre et lumière J'essaie de minimiser les arêtes dures. 18. L'arrière-plan: Le moment est venu de passer à la partie la plus expressive de la peinture, à savoir peindre le fond. Il s'agit d'un choix personnel. Si vous ne souhaitez pas ajouter d' arrière-plan, vous n'êtes pas obligé de le faire. Vous pouvez le laisser sous la forme d'une silhouette ou d'une figure sur fond blanc. Mais je veux juste expérimenter et explorer d'autres techniques qui pourraient vous être utiles. Encore une fois, nous utilisons des couleurs froides pour contraster les couleurs chaudes sans utiliser un gros pinceau, mais en tirant le meilleur parti de tous les coups de pinceau que vous pouvez obtenir avec un pinceau. Donc, en l'utilisant sur le côté, en utilisant la pointe, en utilisant des coups de pinceau lents , rapides, et en mélangeant un peu de brun dedans, et le brun avec le bleu le tourner et en mélangeant un peu de brun dedans, et le brun avec le bleu le neutralise, le rend un peu gris et le décolore comme s'il s' agissait en utilisant la pointe, en utilisant des coups de pinceau lents, rapides, en le faisant tourner et en mélangeant un peu de brun dedans, et le brun avec le bleu le neutralise, le rend un peu gris et le décolore comme s'il s'agissait d'une forme arbitraire ici. Il n'y a rien de particulier. Juste pour entrer dans le fond blanc. Ajoutez-y un peu d'ambiance. C'est une bonne technique mouillée sur mouillée. Nous ferons un peu plus de l'autre côté, mais je pense que nous le ferons après avoir peint les cheveux. Maintenant que nous avons laissé un peu de temps à son haut pour sécher, nous pouvons y retourner avec un pigment plus foncé. Ces coups de pinceau seront légèrement plus durs à cause, bien sûr, du séchage du papier, ce qui empêchera les pigments de bouger autant. Cela implique des plis dans le tissu. Un, 19. Cheveux contrôlés: Il est maintenant temps de peindre les cheveux, et je suis très excitée pour cette étape car avec ce portrait, nous allons lui donner une couleur cuivrée orange vif, un look blond fraise. Je commence par de petites mèches sur le côté droit, suivant les marques de crayon que nous avons laissées auparavant. Parce que ces tourbillons sont assez difficiles à créer spontanément Avec ces éléments aléatoires, ils doivent être planifiés. J'ai déterminé comment je voulais qu'ils soient avec les traits au crayon et ils sont assez orchestrés. Mais sur le côté gauche, c'est à ce moment-là que nous serons plus expressifs, libres et spontanés lorsque les pigments se mélangeront les uns aux autres Je commence donc par une fine ligne et je repasse avec une variété d'épaisseurs. Et nous utilisons du rouge de cadmium et de la sienne brûlée pour obtenir cette lueur orange Encore une fois, j'essaie de faire attention à la direction et au flux des cheveux. Mes coups de pinceau suivent cette courbe naturelle, ce qui contribue à renforcer la structure de la tête et ajoute une sensation de mouvement, car tout le reste est assez structuré Les cheveux sont donc très organiques. J'utilise un ton légèrement plus foncé que le nettoyant de base que nous avons utilisé pour le visage. Mais je ne veux pas être trop sombre, trop tôt. Comme dans d'autres parties du tableau, je pense à la variété des bords. Certains de ces fils doivent rester nets et définis, principalement sur le côté droit, avec ces fils individuels, avec ces fils individuels, en particulier lorsqu' ils captent la lumière ou se croisent avec les autres formes. Ensuite, nous allons commencer à les adoucir avec un pinceau humide et à les laisser se décolorer un peu pour que les choses restent naturelles Je laisse également des espaces entre mes coups. Ces petites zones de papier intact ou de couleur plus claire laissent entrevoir de la brillance et du rebondissement sur les cheveux ou une sensation de superposition Il ajoute de la texture sans avoir à dessiner chaque mèche également. Tout est donc une question de suggestion, pas de perfection. 20. Cheveux expressifs: Les cheveux que nous avons peints jusqu'à présent ont donc été parfaitement contrôlés et délibérés. Nous voulons maintenant peindre le côté gauche avec plus d'expression car il est un peu plus fluide. Et bien sûr, lorsqu'on regarde une chevelure, il y a des milliers de mèches, c'est impressionnant et il est impossible de saisir tous ces détails. Vous ne voulez certainement pas essayer de peindre chaque mèche que vous voyez. Cela peut donc être compréhensible si c'est intimidant. Mais nous allons utiliser l'aquarelle pour être expressifs et pour impliquer les détails Donc, pour commencer, je regarde d'abord les grandes masses. Parce que nous peignons le flux et la forme des cheveux dans leur ensemble, là où les ombres tombent. Je laisse quelques petits espaces blancs qui peuvent être considérés comme des points saillants. Mais en plus de cela, je pense simplement à la façon dont les cheveux se courbent. Imaginez que vous sculptez avec du ton, et non comme un dessin avec des lignes Et vous pouvez voir que nous sommes presque expérimenter avec les tons également. J'ai des zones plus sombres, des zones plus claires. Certains bits sont un peu plus orange, un peu plus jaunes, rouges. J'essaie également de varier les bords pour montrer la texture et profondeur en utilisant des coups de pinceau rapides qui relient tout pour le moment J'essaie d'éviter que des zones ne soient isolées. Même s'il y a un tout petit lien, je veux que tout reste unifié. Et le papier est à peu près humide, et vous pouvez voir que certaines lignes s'estompent lentement au lieu de disparaître complètement Ils ont donc ce bord doux parce que j' essaie toujours de varier les bords, même en ce qui concerne les cheveux. J'utilise un mélange de bords souples et durs, plus doux là où les cheveux se fondent dans les ombres ou l'arrière-plan et plus nets là où je veux montrer de la structure ou du mouvement Tout comme dans le visage, cela ajoute du réalisme et donne à la peinture une sensation de vie. Nous préférons toujours utiliser un pinceau doux pour adoucir les bords, plutôt qu' un pinceau humide pour adoucir les bords lorsque la peinture est encore humide Et nous voulons laisser certaines zones disparaître en arrière-plan. Bien entendu, nous allons peindre un arrière-plan à côté de celui-ci pour vraiment faire ressortir ces oranges plus tard. J'évite tout détail précis pour le moment. Nous reviendrons à la fin et ajouterons quelques touches de détail pour indiquer qu' il se passe encore plus de choses. Mais je me concentre davantage sur les masses pour commencer. A. 21. Splats: Maintenant, c'est la première couche de cheveux coiffée. Je vais juste ajouter quelques éclaboussures artificielles en arrière-plan, en utilisant l'orange et un peu de bleu, parce que je ne veux pas qu' il y en ait trop Juste assez pour donner un peu plus d'intérêt au contexte. Il s'agit, encore une fois, d'une option. Vous n'êtes pas obligé d'ajouter ces appartements si vous ne le souhaitez pas. J'ai juste l'impression que cela ajoute de l'énergie et de l'atmosphère, ajoute un peu de profondeur. Faire des allers-retours, varier le ton, varier la taille. Il n'y en a qu'une vingtaine. Et peut-être que je vais en ajouter quelques produits biologiques en utilisant simplement le mouchoir pour les éclaircir un peu, car ils sont un peu trop résistants Encore une fois, en utilisant le mouchoir pour le corriger un peu. Peut-être quelques-uns en bas. Ces traits de fond expressifs sont vraiment secs maintenant, donc je n'ai pas à m' inquiéter des éclaboussures qui pourraient affecter le délavage. Maintenant que le dessus est sec, je peux étendre cette ombre de l'aisselle jusqu'au bras Et aussi, je vais juste ajouter cette petite ombre linéaire pour ajouter de la profondeur. Juste un tout petit détail qui ajoute à cette illusion de volume en trois D, en le faisant glisser du bout du pinceau , puis en l'augmentant jusqu'à obtenir une épaisseur qui me convient. O. 22. Tons de cheveux: Maintenant que nous avons laissé un peu de temps à leurs cheveux pour sécher, nous pouvons revenir à un ton plus foncé, et j'utilise la même sienne brûlée y mélange un peu de bleu pour le rendre plus foncé. Je n'utilise pas de noir. J'utilise le bleu parce que le bleu et la sienne brûlée font déjà du brun Avec les cheveux, il est si facile de se laisser emporter par le fait d'essayer d'ajouter des détails partout. Mais en réalité, suggérer des détails est beaucoup plus efficace. Je pourrais donc utiliser des traits de confiance pour suggérer que des mèches captent la lumière, mais j'essaie de ne pas en faire trop Ici, moins c'est plus. Et plutôt que de me concentrer sur une zone en particulier, je continue à me balader d'une zone à l'autre Ces moments de détail restreints ont plus d'impact lorsque le reste est lâche Maintenant que nous avons une sorte de flux dans les cheveux, je peux commencer à réfléchir au mouvement et à la direction. Tombe-t-il doucement à certains endroits, se balaie-t-il ou doit-il se recroqueviller ? Cela permet de garder les cheveux naturels et de les relier à la forme de la tête. Encore une fois, je profite au maximum de tous les coups de pinceau possibles que vous pouvez obtenir avec un pinceau. J'utilise le côté de ce pinceau rond, mais aussi la pointe pour créer ces traits directionnels, essayant de créer une variation de largeur. J'ai commencé par un lavis plus clair, et maintenant, bien sûr, j'utilise des tons légèrement plus foncés pour donner de la profondeur. Cette technique de glaçage permet donner du volume aux cheveux et de conserver la transparence sous-jacente, car la transparence est bien sûr l'une des choses qui rendent l' aquarelle si belle J'ai essayé de m'assurer que la première couche était bien sèche avant de la recouvrir de glaçage. Mais je n'ai pas été très stricte à ce sujet , car parfois, ces mélanges boueux ou backruns permettent d'obtenir des textures intéressantes J'opte pour du violet ici et même un bleu foncé qui, au-dessus de l'orange, donne un aspect noir J'essaie de me demander où tombe la lumière. Bien entendu, nous devons réfléchir à la forme et à la forme de la tête et à l' endroit où la lumière passe sous l'oreille et autour de l'arrière de la tête Bien entendu, la lumière est moins susceptible d'atteindre cet endroit. C'est pourquoi il fait un peu plus sombre. Remarquez la variété de couleurs à l'intérieur de mes tons plus foncés. Il fait chaud dans le noir. Nous avons des tons foncés froids et des tons foncés neutres. Je laisse vraiment couler l'eau et le pigment. Je laisse les fleurs ou les bords adoucis créer eux-mêmes de la texture. Je laisse l'aquarelle faire la majeure partie du travail. 23. Tons les plus sombres: Les effets les plus intéressants proviennent du lâcher prise, et les cheveux n' ont pas besoin d'être trop nets ou trop contrôlés pour être vrais. La dernière chose que je veux, c'est que ça paraisse trop artificiel. Et maintenant, j'ajoute les zones les plus sombres en ce moment, et cela fait vraiment ressortir Et si vous me regardez mélanger cette couleur, ce n' est pas du noir. Je n'ai pas utilisé de noir pour le faire. J'utilise juste du bleu outremer, et ça fait du noir contre l' orange Ce sont des couleurs complémentaires, elles équilibrent donc chaque levier. Il n'est pas nécessaire d'utiliser du noir. Ces tons foncés font vraiment ressortir toute la gamme tonale. Bien sûr, il y a du noir dans les yeux et de l' ombre sur les lèvres. Mais le fait d'avoir ces tons foncés audacieux fait vraiment ressortir la lumière et unifie le reste du portrait Tonalement, cela met le tout dans une composition complète. Je pense également à l'harmonie des couleurs, en essayant d' les mêmes tons que ceux que j'ai utilisés pour les ombres sur le visage, une touche de bleu froid ou de rouge sourd, juste pour lier le tout et éviter cheveux n'aient l'impression d'être déconnectés Et le contexte que nous ajouterons dans une minute aidera également à le rassembler. Encadrez le portrait, vraiment. Les cheveux sont donc un excellent endroit pour exprimer un peu l'énergie du sujet ou même votre personnalité, la façon dont vous l'interprétez. Voulez-vous opter pour quelque chose de doux et doux ou d'expressif sauvage ? n'est pas parce que je peins les cheveux d'un orange vif que vous ne pouvez pas expérimenter et explorer vos propres idées. Peut-être que tu devrais inverser la tendance. Peut-être qu'elle a de jolis cheveux bleus, des cheveux bleu vif et que son haut est orange. Les mêmes principes s'appliquent. Cela en dit long sur l'humeur. Et c'est agréable de se détendre et de laisser l'intuition nous guider un peu Je suis donc plutôt satisfaite de la coiffure en ce moment, et vous pouvez voir que c'est assez aléatoire, mais d'une manière ou d'une autre, cela fonctionne parce que nous avons trouvé les tons au bon endroit et que nous n'avons pas trop insisté sur les détails. Il s'agit davantage de suggestion et d'implication du détail que de peinture Combinant une variété de bords, une variété de couleurs, une variété de tons. Maintenant, je commence par l'arrière-plan, le reliant aux cheveux, commençant par l' omoplate en bas, quelques tourbillons et mèches de cheveux supplémentaires Il est facile de passer par-dessus ces mèches, mais en utilisant du mouillé sur mouillé, nous allons faire ressortir ce nettoyant. C'est une orange sourde, vraiment. Il n'est pas aussi éclatant que les cheveux, et il n'est pas aussi doux que le teint Je mélange donc un gris et essaie de faire correspondre le type de couleurs expressives de l'autre côté, peut-être un peu de bleu pour le neutraliser Et encore une fois, ces gris foncés rendront les oranges encore plus éclatantes Je vais également adoucir certains de ces éléments. 24. Terminer: Maintenant, je vais mélanger un joli bleu cerlan. Bien entendu, ce bleu cerlan sera atténué, tout comme le bleu de l' autre côté en arrière-plan J'essaie de ne pas trop réfléchir logiquement à la manière dont je peins et aux formes que je peins J'essaie de me frayer un chemin vers ce qui me semble juste. Je sais qu'il doit y avoir du bleu pour correspondre au bleu de l'autre côté. Mais il y a beaucoup de rouge, alors ajoutez-y peut-être du vert. Ensuite, remontez jusqu'au bord, sans peindre par-dessus cette orange, mais jusqu'au bord de cette orange. Vous avez donc obtenu la transparence de cette orange contrastant avec ce gris terne, quelques coups de pinceau bleus. Encore une fois, le bleu et l' orange fonctionnent si bien ensemble, laissant un petit espace blanc entre l'orange, préservant ainsi le blanc du papier. Peut-être pourrions-nous ajouter un ton un peu plus foncé pour vraiment faire ressortir l'orange. Ajoutez de l'outremer, en atténuant un peu avec l'orange, le brun, quelques coups de pinceau spontanés et aléatoires Je veux simplement que cette zone soit expressive et atmosphérique, comme une extension de l' énergie du portrait lui-même. Je n'essaie pas de peindre quelque chose de spécifique, réponds simplement aux formes, aux couleurs et à l'ambiance que nous avons déjà créée sur le visage et les cheveux. J'utilise beaucoup plus d'eau ici pour permettre au pigment de circuler librement sur la surface et j'ajoute ces petites mèches de cheveux sous le menton pour ajouter une illusion de profondeur. J'ai cette mèche qui traverse l'oreille et dont je dois être consciente. Il suffit d'ajouter la touche finale aux tons de l'oreille avant de mettre en valeur cette mèche. Je dois décider où je veux aller pour le plus clair ou le plus foncé. Je vois que l'oreille est beaucoup plus claire que le reste des cheveux. Cela n'aurait donc pas beaucoup de sens d' alléger ce fil. Donc, je vais vraiment passer à la nuit tombée. Je vais ajouter un coup de pinceau foncé endroit où ces cheveux traversent l'oreille Très subtil. Je ne veux pas que le contraste soit trop élevé et qu' il détourne l'attention. Nous pouvons maintenant tout sécher complètement pour la toute dernière étape, qui consiste à ajouter des reflets. Nous avons le white gh, qui ajoute de subtils petits traits surlignés, sans nécessairement ajouter quelque chose de nouveau, simplement en nous appuyant sur ce qui existe déjà. Parce que nous aurions pu être très prudents avec le pinceau et conserver ou conserver une plus grande partie du blanc du papier. Mais lorsque nous sommes dans les étapes les plus expressives, lorsque nous essayons de nous libérer et de nous détendre, créer cette énergie, nous ne voulons pas nous limiter à cette expression en pensant préserver ces petits traits blancs infimes Revenir à la fin avec le white wash est donc une stratégie parfaitement raisonnable. Ce n'est en aucun cas de la triche de revenir avec du white wash pour faire ressortir ces blancs Corriger certains de ces petits reflets brillants sur le bout du nez et sur le visage, peut-être autour des yeux Et maintenant je vais me déconnecter. Je vais attendre quelques jours pour voir s'il y a quelque chose à améliorer d'un œil neuf. 25. Réflexions finales: Bon retour et félicitations pour avoir terminé ce casting sur le portrait. J'espère que tu as trouvé ça amusant. Et si vous avez donné ce tableau vous-même, j'espère que vous l'avez trouvé plus facile que prévu, car c'est une tâche très difficile à essayer, et je suis ravie que vous vous soyez efforcé de le faire, car je suis sûre que les résultats en valent la peine. Le portrait que nous avons peint aujourd'hui repose sur la douceur, la fluidité et le fait de laisser la peinture faire le travail plutôt que de mettre l'accent sur chaque détail Nous avons exploré des techniques telles que superposition pour obtenir des tons de peau naturels, lifting pour les reflets et l'utilisation pinceaux expressifs pour créer de la profondeur et du caractère N'oubliez pas que les portraits ne doivent pas nécessairement être parfaits. Ce qui compte, c'est l'énergie et le mouvement que vous apportez à la pièce. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'ai hâte de voir tous vos portraits, et j'ai hâte de suivre les prochains cours ensemble d'ici là, bonne peinture.