Les bases du portrait à l'aquarelle : couleur, valeurs et caractère acter

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous allons peindre un portrait qui donne l'impression d'être vivant. Ce cours consiste à capturer un personnage sans se perdre dans les détails. Nous allons lire la tête comme des plans clairs, concevoir une carte de valeurs simple et laisser les changements de température et de fraîcheur insuffler de la vie à la peau. Le vitrage augmentera légèrement la profondeur. Du mouillé au mouillé adoucira les transitions, et quelques accents nets attireront l' attention sur les caractéristiques. Le bonnet et le foulard deviennent des formes de soutien qui encadrent le visage tandis que l'arrière-plan reste calme et aéré. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais ou quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton «   Suivre » en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et utilisons ces techniques pour créer un portrait plein d'expression. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Notre objectif est de créer un portrait vivant et spontané. Imaginez de grandes formes et des valeurs simples, en laissant les couleurs passer du chaud au froid sur les plans du visage. Gardez les bords variés, certains perdus en arrière-plan, d' autres décisifs autour des yeux, du nez et de la bouche. Laissez les fleurs et la granulation donner de la texture au bonnet et à l'écharpe, tandis que les traits restent calmes et clairs Choisissez une palette modeste et faites confiance vitrage pour la profondeur plutôt que pour les détails. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer avec ce portrait, passons en revue tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement Daniel Smith, Windsor et Newton pour les peintures Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une belle pointe qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour suivre ce projet. Allons-y et commençons le dessin. 4. Préparer la composition: Décomposons donc ce dessin étape par étape. Je commence tous les portraits par un cercle de base, qui fixe simplement son emplacement sur le papier à l'endroit où je le souhaite généralement, et je marque approximativement l'endroit où sera le chapeau Ce sont des lignes très grossières pour le moment, l'aide d'un crayon à mine souple, puis je marque l'endroit où se trouvent le menton et la ligne de la mâchoire. Et j'utilise de petites formes ovales pour les oreilles. Je le décompose donc étape par étape. Ensuite, je marque l'endroit où se trouvent les sourcils, soit environ un tiers du front, puis le bas du nez se trouve un autre tiers, puis à peu près un autre tiers jusqu'à l'endroit où se trouve le menton Mais ces proportions peuvent varier en fonction de la personne que vous peignez, mais il est utile de les connaître en tant que directives afin de ne pas simplement créer des formes aléatoires. Nous décomposons tout en petits points d'ancrage que nous pouvons examiner sur notre sujet, regarder la personne que nous essayons de dessiner et de peindre et voir comment elle est affectée, en quoi elle est différente. Peut-être que ce n'est pas vraiment un FD à fond. utilise donc toujours un crayon doux, et j'utiliserai le crayon doux jusqu'à ce que je sois convaincue que tout est proportionné, qui peut prendre beaucoup de temps. Je peux faire des allers-retours. Je vous suggère donc utiliser mon modèle de traçage que je vous aider à vous assurer le dessin est parfait pour le dessin, car si vous voulez suivre, je peins en différentes sections tout le temps, et si le dessin correspond, il vous sera beaucoup plus facile de peindre. Donc, quand je trouve que les proportions sont correctes, j'efface les traits doux au crayon et je recommence avec des lignes plus dures. 5. Peindre l'arrière-plan: Quelle que soit la peinture que je fais, j'aime toujours commencer par quelques marques de pinceau expressives, juste pour me détendre, entrer dans le flux de la peinture sans me soucier des détails ou sans me soucier des détails Je veux d'abord me détendre et ressentir cette nature expressive Je commence donc par un peu d'ocre jaune. Mais remarquez que j'utilise même de l'eau pure pour commencer, juste pour humidifier certaines zones afin que nous puissions créer une belle gamme de bords Nous pouvons avoir des bords mouillés sur mouillés, ce qui donne de jolis bords souples qui se fondront dans la blancheur du papier, et certains bords seront durs Et lorsqu'il s'agit de concevoir un arrière-plan pour un portrait, vous devez le garder très subtil. Il n'est pas nécessaire d' ajouter une multitude de couleurs ou toute une gamme de tons. J'ai tendance à garder tous mes arrière-plans assez ambigus pour les portraits, des couleurs très claires, pas sombres. Donc, en fait, ce fond sera juste jaune ocre sur la gauche, peut-être pour le neutraliser, le rendre encore plus sourd avec un peu de noir ou de teinte neutre, c'est ce que Ensuite, sur le côté droit, nous utiliserons le bleu. Notez que j' utilise en fait une teinte neutre de Daniel Smith, mais d'autres marques proposent également une teinte neutre plutôt que noir, car vous trouverez du noir. Même s'il est censé être neutre, il a tendance à être trop chaud ou trop froid, selon la marque. Cela affecte donc vraiment la sensation d'une peinture si le gris est trop chaud lorsque vous voulez qu'il soit frais ou trop frais lorsque vous voulez qu'il soit chaud. La teinte neutre se situe donc en fait au milieu. Et comme il est neutre, vous pouvez l'intégrer à n' importe quelle autre couleur sans que cela affecte la température. qui est particulièrement important pour ce portrait car il s'agit d'un jeune homme ou d'un garçon coiffé d'un chapeau. Et comme il porte un bonnet comme ça, c'est une journée hivernale Donc, sur le fond, le bleu, il y a ce genre de frissons, de fraîcheur, de température. Mais pour contraster cela, nous avons besoin d'un peu de chaleur dans la peau et dans la chair. Il est donc très important d'avoir une idée de la température à laquelle nous voulons que les couleurs soient. Mais nous y reviendrons plus tard. Pour le moment, nous nous amusons simplement, en étant expressifs avec une palette limitée pour l'arrière-plan. 6. Commencer la lumière: Maintenant, nous nous sommes amusés à nous détendre avec l'arrière-plan. Il est temps de commencer à peindre sur le visage lui-même. Et nous allons commencer très légèrement, étape par étape, en augmentant le ton, en augmentant le volume. J'ai juste mélangé de la Sienne brûlée avec une touche de sarin C'est très subtil, cette alizarine cramoisie. Vous pouvez même le faire avec de la Sienne pure brûlée. Cela a vraiment à voir avec les préférences personnelles. Quand je peins ceci, je n' y pense pas vraiment consciemment. Il s'agit plutôt d'une simple intuition, d'un sentiment. Il n'y a ni bien ni mal. Tant que vous n'utilisez pas un vert vif, vous aurez raison. Bersiena est d'une jolie couleur chair. Il en va de même pour l'alizarine pourpre et jaune ocre. Vous pouvez donc en utiliser toute une gamme. Mais vous pouvez voir à quel point je l'utilise légèrement avec tellement d'eau, c'est à peine visible. C'est juste une façon de démarrer lentement pour ne pas nous laisser intimider car, bien entendu, lorsque vous voyez le résultat final, cela peut sembler un portrait difficile à peindre Mais nous ne voulons jamais avoir l' impression d'être dépassés. Nous voulons avoir l'impression de nous amuser tout au long du processus. Nous le construisons donc petit à petit. Ainsi, à aucun moment, nous n'avons l' impression d'être perdus ou confus. Même en ce qui concerne les sections plus détaillées par la suite, j'essaie moi-même, et pas seulement à des fins pédagogiques, de les décomposer étape par étape, de sorte que même si je saute entre différentes sections, je ne suis pas nécessairement un ordre précis pour chaque portrait. Je ne fais pas nécessairement attention aux yeux, au nez ou à la bouche. Parfois, j'attends que les yeux soient les derniers ou parfois je les fais juste avant le début. Quoi qu'il en soit, j'essaie de le décomposer pour savoir quelle section je peins avant de passer à autre chose, afin de ne pas me perdre et de ne pas me laisser submerger par plein de choses différentes. Donc, pour le moment, nous installons une sous-couche entièrement mouillée sur mouillée Nous ne voulons pas de points forts pour le moment. Donc, en gros, tout le visage est mouillé avec de l'eau pure, et je ne fais que baisser les différentes températures de teint. Vous pouvez voir que j'ai de l'ocre jaune là-bas, sienne brûlée, un peu de rouge sur le côté droit du visage Pour le moment, je laisse le nez tranquille. Et si vous êtes très attentif, vous pouvez voir sur la gauche sous la entre la joue et l'oreille, que j'y ai ajouté un bleu très subtil Et même si le ton est clair, la température y est passée à une couleur froide, car il n'est parfois pas nécessaire détailler le volume et la forme en fonction du ton. Vous pouvez en changer la couleur. Cela crée donc cette illusion de forme, même si c'est le même ton. Et si vous pensez aux avions, la forme d'un visage sous la joue, là où il pénètre légèrement à l' endroit où se trouve la ligne de la mâchoire, il va y avoir une petite ombre Les ombres ont donc tendance à être froides. C'est pourquoi j'ai ajouté cette petite touche bleue. Cette étape peut également être très libératrice parce que nous la maintenons humide Nous pouvons donc pulvériser plus d'eau si elle commence à sécher ou nous pouvons l'utiliser comme mouchoir ou brosse pour enlever l'eau si elle devient trop humide Nous pouvons donc faire des allers-retours jusqu'à ce que nous trouvions que c'est juste. 7. Construire les tons: Maintenant que les choses se passent, nous pouvons faire preuve d'un peu plus d'audace et d'assombrir un peu nos tons J'espère que nous commençons à nous détendre et à un peu plus à l'aise maintenant que nous avons commencé à peindre, et que nous sommes moins dans notre esprit dans le flux de la peinture, idéalement, bien sûr. Si vous ressentez encore un peu de stress, c'est tout à fait naturel, car l'eau, surtout pour les personnes qui apprennent encore beaucoup , peut être un moyen stressant, mais c'est d'être à l'aise avec elle, elle nous aide à gérer ce stress, puis nous nous y habituons, et cela fait partie de l'excitation, surtout quand tout va bien. La consistance reste donc claire, mais par rapport au premier lavage, elle est beaucoup plus foncée. C'est plutôt un ton moyen qui se rapproche maintenant d'un ton moyen plutôt que d'un ton clair. Et vous pouvez voir comment le papier commence à sécher, ces traits conservent un peu plus leur forme. Et j'utilise mon pinceau de temps en temps pour ciseler et façonner les bords ici Donc, si je fais quelques courses comme c'est le cas actuellement, je nettoie mon pinceau je nettoie mon pinceau et j'en fais un pinceau plein de nourriture pour qu' il réabsorbe l'eau de cette zone sur mon pinceau, comme s'il faisait un peu trop foncé en ce moment Et si vous avez l'intention de peindre avec vous, vous verrez à quel point ces couleurs sont variées. Il y a un peu de bleu, un peu de jaune, un peu de rouge, un peu de brun. Je ne vous conseille pas d'essayer de suivre exactement chaque coup de pinceau avec chaque couleur, car c'est tout à fait impossible Chaque fois que je prends une couleur dans ma palette, la couleur change légèrement, autant plus qu'elles commencent à se mélanger. Et tant que tu es dans le stade, ça devrait aller. Vous pouvez voir que ce sont des couleurs chaudes. Donc, tant qu'ils sont jaune, jaune ocre, azirin cramoisi, rouge camium, sienne brûlée, en gros les cinq dernières couleurs de ma palette Et bien sûr, il est généralement beaucoup plus important de trouver les bons tons généralement beaucoup plus important de trouver les bons tons que d' obtenir les bonnes couleurs. Car si cette peinture était regardée de façon monotone, en noir et blanc, elle serait toujours capable de lire Ce sont les tons qui lui donnent forme et sens. Une fois que vous avez compris cela, vous pouvez voir à quel point vous pouvez être ludique avec les couleurs, et vous n'avez pas à vous soucier ce que j'utilise exactement. Mais si vous vous perdez et que vous souhaitez obtenir une couleur que j'utilise et que vous ne savez pas comment utiliser, consultez les nuanciers que j'ai fournis dans la section des ressources, et chaque couleur que je mélange est une combinaison des couleurs que j' ai sur mes palettes, et la recette se trouve dans mes nuanciers. Donc, le nez et les lèvres, j'ai gardé un vrai lézard et cramoisi Une couleur rose car les capillaires et le flux sanguin sont généralement plus forts, surtout par temps froid dans ces régions J'ajoute donc de la chaleur, en particulier à ces zones. 8. Commencer les tons moyens: Maintenant que nous avons terminé la sous-couche, nous voulons nous assurer qu'elle est complètement sèche avant de passer à l'étape suivante, car nous peignons des ombres, et ce sont ces ombres qui donneront forme au visage et lui donneront vraiment vie J'utilise donc maintenant des couleurs plus vives, le rouge cadmium avec le jaune cadmium, et le mélange de Sienne brûlée que j' avais déjà sur ma palette Et quand je pense à ces ombres, à ces sections que je suis en train de peindre, j'essaie de me déconnecter de mon esprit et de penser qu'il s'agit en fait d'un visage, assez ironiquement Je ne pense pas que c'est à ça que ressemble un front, c'est à ça que ressemblent un nez ou un œil. Je ne regarde que le type de forme. Et après avoir dessiné autant de visages, on se fait une idée de ce à quoi ressemble cette forme abstraite, forme, de la relation entre ombre et lumière sur le visage, non de son anatomie réelle. Une fois que j'ai rempli une zone d'une couleur chaude, voyez comment je peux ajouter des tons froids à mouillée sur mouillée pour qu' elle reste intéressante et qu'elle ne soit pas plate. J'essaie d'obtenir la même cohérence. Ainsi, lorsque je fais tourner mon pinceau sur ma palette, je peux voir qu'il a la même force Il ne sera pas trop faible, ce qui repoussera les autres pigments et créera des textures nettes, et il n'est pas trop fort dans la mesure où cela affectera le ton et le fera ressortir. Je couvre donc toute cette zone, tout en préservant le regard et en suivant mes traits de crayon car lorsque je dessine mon croquis, je pense à ces formes d'ombres, non à des volumes ou à des courbes. Je ne fais que tracer les limites. Nous pouvons considérer la sous-couche comme un lavage complet. Et pour le moment, cette forme d'ombre est également un clin d'œil. C'est une forme assez abstraite, mais elle est d'un seul coup. Tout est lié. 9. Ombres de nez: Nous pouvons maintenant étendre ce lavage le reliant aux ombres du nez. C'est donc une forme très abstraite. Vous pouvez voir que lorsque je pense à cette forme que je suis en train de peindre, cela ne ressemble pas à ce que nous avons l' habitude d'avoir un nez dans notre esprit. Mais parce que j'observe les plans typiques du visage, je connais la nature du fonctionnement de la lumière et de l'ombre. Cela a du sens dans notre esprit. Cela alimente l'illusion d'un visage sur le papier. Remarquez également que pour les fards à nez, j'en ai fait une couleur beaucoup plus monotone Donc, tout ne sera pas rouge, et j'essaie de faire le lien pour qu'il n'y ait pas de ligne dure et dure. C'est juste une ligne souple. Il suffit d'utiliser à nouveau un pinceau pour éclaircir légèrement ce fard à nez. Notez que je n'ajoute aucun détail précis, aucun détail précis pour le moment. Ce sont toutes des formes générales pour commencer, car c'est à cela que nous devrions principalement penser. Même à l'intérieur de cette forme, nous pouvons ajouter des tons en ajoutant un peu plus de pigment là où il devrait être un peu plus foncé, mais ce n'est pas plus détaillé. C'est juste plus formel. Alors, pour ce qui est du sourcil plus tard, je l'ai rendu un peu plus vif et rouge Nous avons une belle ombre nette sous la paupière et vers la lèvre Mais sur le bord de la joue, près de l'oreille, transition est très douce pour le moment Bien sûr, lorsque nous regardons un visage, nos yeux sautent directement sur les traits, les yeux, le nez, la bouche, parce que c'est ainsi que nous reconnaissons les gens dans la vie de tous les jours. Mais lorsque nous peignons de cette façon, si nous passons directement aux pièces, nous perdons souvent l' impression d'avoir une tête solide, et les traits semblent un peu collés ou la peau paraît inégale et la ressemblance commence à s'estomper. Nous essayons donc de nous entraîner à considérer la tête comme un ensemble d'avions d'abord, puis comme des caractéristiques plus tard. Caractéristiques secondaires. Nous voyons la tête comme de simples blocs. Au lieu de dire yeux, nez, bouche, nous pouvons penser au plan frontal du visage, au plan latéral du visage, et à la façon dont les plans inclinés vers la lumière seront plus clairs et les plans qui s'éloignent de la lumière seront plus sombres. Nous pouvons imaginer la tête comme une boîte légèrement arrondie, dont certaines parties sont principalement éclairées d'un côté et dont l' autre se détourne avant même penser aux cils ou à la couleur des lèvres Nous devons décider quel avion est le plus éclairé, lequel est le plus dans l'ombre et où passe l' arête de virage qui les sépare. 10. Le menton: Donc, si nous prenons ce portrait par exemple et que vous pouvez accéder à la section des ressources pour voir la peinture terminée, pendant que je parle de cela, nous pouvons diviser le visage en différents plans. Le plan du front qui s'incline légèrement vers l'arrière et capte une lumière plus douce Ensuite, nous avons le plan avant du visage. Il s'agit de la bande centrale qui s'étend du front au nez et passe par le milieu des lèvres. Ensuite, nous avons le plan latéral de la joue qui se tourne vers l'oreille et tombe dans l'ombre Ensuite, le plan inférieur du menton et de la mâchoire, qui est plus froid et plus foncé, nous le peindrons un peu plus tard lorsque nous peindrons les ombres, puis nous aurons les plans plus petits, qui peuvent alors être le nez, le plan supérieur, les plans latéraux et le petit plan situé sous la pointe. Ainsi, même lorsqu'il s'agit de peindre un nez ou les oreilles, plutôt que de le considérer comme un nez lui-même, considérez-le comme un ensemble de plans. Et qu'est-ce que je veux vraiment dire par avion ? Un plan est simplement une surface plane de la tête ou un objet orienté dans une direction particulière. Rien de trop compliqué. Si le front est incliné vers le haut, il s'agit d'un plan. Si la joue se détourne, c'en est une autre. Donc, si vous pensez à un cube, la tête humaine est évidemment beaucoup plus arrondie qu'un cube, mais penser en cubes nous aide à décomposer les choses. Le devant d'un cube nous fait donc face. Le côté est incliné et le haut est incliné vers le haut. Et la tête fait la même chose, mais avec des transitions plus douces. Ensuite, la lumière atteint les avions différemment selon la direction dans laquelle ils sont orientés. C'est pourquoi les avions sont importants, car ils nous indiquent les zones qui devraient être plus claires et celles qui devraient être plus sombres. Et surtout, ces avions empêchent le visage de paraître plat. Lorsque nous le décomposons ou que nous séparons des sections en plans, nous pouvons être un peu plus ludiques. Nous pouvons jouer avec une couleur différente, une valeur différente ou leur rondeur. Les avions ne sont donc pas une idée nouvelle. Ils sont simplement la façon dont la lumière tombe naturellement sur un visage ou un objet. Et nous ne faisons que donner un nom à quelque chose que vos yeux reconnaissent déjà. Et si nous décomposons les avions en trois modèles essentiels qui conviennent à n'importe quel portrait, il nous sera plus facile concevoir nos propres portraits à l'avenir. Nous avons donc le plan avant, c' est-à-dire le front, le nez, les lèvres et le menton. Nous avons le plan latéral, c'est-à-dire le côté du front, le côté du nez, la joue et le côté de la mâchoire, puis le plan qui se trouve sous le nez, sous les lèvres et sous le menton Et il suffit de le savoir pour créer un tableau convaincant. 11. Terminer les tons moyens: Je sais que cela peut sembler un fardeau supplémentaire de devoir penser aux avions et d'apprendre ce nouveau concept. Mais en réalité, ils simplifient l'ensemble du processus. Donc, lorsque vous essayez de suivre comme ça, vous pourriez penser que c' est assez accablant. Je ne sais pas où placer les tons, comment détermine-t-il ce qu'il faut faire alors que nous, en fait, parce que je pense aux choses en termes d'avions, il y a moins de formes auxquelles penser et les décisions de valeur concernant le ton sont plus claires. Et il y a moins de tentation de rechercher les détails parce que ce n'est pas ce sur quoi je me concentre. Et puis il est également plus facile de voir de grands changements dans la tête. Et c'est ce qui crée la ressemblance, surtout si vous vous entraînez à dessiner au préalable. Au lieu de penser à 20 petites fonctionnalités, nous pourrions simplement penser à trois grands services et à leurs différences. De plus, Waka aime penser en avion car les avions indiquent où nous effectuons le premier gros lavage, où les températures chaudes et froides changent et où nos bords doivent rester durs ou mous C'est aussi le cas lorsque nous souhaiterons peut-être revenir sur les zones émaillées pour ajouter un peu plus de ton ou les décolorer à l'avenir. Avant de revenir aux tons et aux aplats, je tiens simplement à souligner quelques différences de couleur subtiles dans ce délavage, car techniquement, il s'agit toujours du même lavage. Tout est connecté, même s'il s' adoucit dans certaines zones ou s' éclaircit dans d'autres Vous pouvez voir que la couleur principale est l'orange, sienne brûlée, ce genre de brun vif Mais il y a de subtiles variations tout au long de ce lavage. En haut, c'est un peu plus rouge. Il fait plus chaud. Donc, pour compléter cette chaleur au sommet, j'ai ajouté quelques gouttes de bleu froid. Vous pouvez voir juste au-dessus du sourcil en haut à droite. Mais au fur et à mesure que nous sommes passés aux ombres autour des lèvres et du menton, le orange rougeâtre est passé à un orange jaune Et la couleur complémentaire du jaune est le violet. Vous pouvez donc voir qu'au lieu d'ajouter une couleur bleue comme nous l'avons fait en haut, je l'ai remplacée par le violet parce que ce violet est une couleur complémentaire du jaune. Donc, juste des choses subtiles qui peuvent aider à rendre une peinture un peu plus intéressante. Et ces choses que vous pouvez mettre en avant dans d'autres sujets, que vous peigniez une nature morte ou un paysage. Donc, pendant qu'il fait humide, j' augmente simplement le contraste sur ce bord, ce ton du menton parce qu'il y a une ombre assez nette là-bas. 12. Les yeux: Donc, avant de passer à l'étape suivante, je vais juste ajouter un peu de couleur atténuée. Il peut être gris. Peu importe le brun, juste pour enlever la blancheur des yeux, parce que je ne veux pas qu'ils soient d'un blanc pur, en les atténuant soudainement un peu juste pour enlever la blancheur yeux, parce que je ne veux pas qu'ils soient d'un blanc pur, les atténuant soudainement un Je n'en fais pas trop. C'est à peine perceptible, en fait, mais cela fait une légère différence. Nous avons maintenant terminé la deuxième phase. Nous avons donc créé la sous-couche. Ensuite, nous avons fait les tons moyens, et maintenant nous commençons tout juste à appliquer les tons sombres. Nous avons donc utilisé des avions pour ancrer le portrait jusqu'à présent. Cela a donc tout de même l'air un peu drôle car nous n'avons pas la gamme tonale complète Nous n'avons pas encore peint les tons sombres, donc ça n'a pas l'air complet, bien sûr. Nous n'en sommes qu'à un tiers du tableau. Mais c'est ancré, néanmoins, nous savons que les formes générales ont du sens à ce stade. donc plus facile d'ajouter les détails sur le dessus et ces tons sombres, qui sont un peu plus complexes et prennent un peu plus de temps sera donc plus facile d'ajouter les détails sur le dessus et ces tons sombres, qui sont un peu plus complexes et prennent un peu plus de temps, maintenant que tout est agencé Ces lignes que je suis en train d'appliquer, j'essaie de les rendre souples. Je ne veux pas que ce soit une ligne dure. Mais c'est étrange, en fait, si nous repensons aux avions, même si ce sont des lignes, alors que nous les peignons, techniquement, ce sont toujours des avions. s'agit d'une surface plane, mais comme ce sont essentiellement des paupières, ce ne sont que des zones d'ombre nettes, nous les peignons sous forme de lignes Mais même lorsque nous abordons de petits détails comme celui-ci, techniquement, nous pouvons y penser en termes d'avions. J'utilise de l'eau pure juste pour adoucir certaines de ces conduites, les relier un peu. Ensuite, j'utilise ce pigment plus dilué que j'ai trouvé sur le papier pour peindre les cils, de manière très On ne peut pas vraiment les voir de cette distance, et c'est très bien. Je ne vais pas non plus les regarder de près pour les peindre. Alors maintenant, pour peindre les yeux, j'utilise ce qui ressemble à du noir foncé. Mais en fait, vous pouvez voir que lorsque je dilue avec de l'eau pure et que je l'étale, il s' agit en fait d'un violet, d'un violet très gris que vous pouvez mélanger l'ultra marine et un sarin cramoisi Mais il n'est pas nécessaire que ce soit violet. C'est très subtil. Il peut s'agir simplement d'un gris ou de la couleur que vous souhaitez peindre pour vos yeux. Bien sûr, personne dans la vraie vie n'a les yeux violets. Ensuite, j'ai utilisé un mouchoir juste pour les tamponner afin qu' ils ne soient pas complètement mouillés Peignez ensuite le contour de manière à ce qu'il saigne légèrement. Et l'iris, encore une fois, donc le bord est légèrement saigné, donc ce n'est pas une ligne dure Il y a de la douceur. Bien sûr, le bord de l'œil est dur contre le blanc, mais les parties noires sont légèrement molles. Les yeux sont généralement le point vocal, celui qui attire le plus l'attention. Il y a donc beaucoup de contraste entre le clair et le foncé ici. Je fais attention au noir pour ajouter petit à petit. Je ne veux pas en faire trop Même si je peux aussi l'emporter avec le pinceau. Je ne veux pas y aller avec une consistance pâteuse et épaisse. 13. Narines: Vous pouvez commencer à descendre jusqu'au nez, et encore une fois, j'utilise de la Sienne brûlée pour peindre les narines et petite ombre où la lèvre ou la joue rencontre Burnt Sienna est en fait une couleur très polyvalente, car si vous regardez ma palette, lorsqu'elle est concentrée, elle peut devenir foncée Vous pouvez obtenir 90 % de la gamme tonale complète uniquement avec de la Sienne brûlée, alors qu'évidemment, avec du jaune de cadmium, Ocre jaune. Vous pouvez voir sur ma palette celle qui est la plus foncée. C'est pourquoi, lorsqu'il s'agit de mélanger des tons foncés, il n'est souvent pas nécessaire d'utiliser le noir tout Vous ne pouvez utiliser le noir que pour masquer des éléments et affecter leur couleur réelle. Vous n'en avez pas nécessairement besoin pour le ton. Bien sûr, vous pouvez l'utiliser comme raccourci, mais ces trois couleurs de fond, Burnt Sienna, Elazar, cramoisi et bleu outremer, sont si foncées que vous pouvez les utiliser pour la majeure vous pouvez les utiliser 14. La bouche: Maintenant, il est temps de peindre les lèvres, et je vais commencer par un ton audacieux , puis le tonifier ensuite. J'utilise un camium rouge juste pour remplir la zone, en commençant par un peu gras, puis en utilisant de l'eau pour étaler ce pigment sur le reste de la zone Il y a le point fort, si vous pensez à la façon dont la lumière tombe sur les avions, les lèvres, la lèvre supérieure, qui sont en fait orientées dans le sens opposé à la lumière. Il va donc faire plus sombre et dans l'ombre. Mais la lèvre inférieure se courbe sous l'effet de la lumière. Nous allons donc garder cette lèvre inférieure plus claire. Et puis, lorsque les lèvres se rejoignent au milieu, c'est là qu'aucune lumière ne se rencontre. Nous allons donc ajouter une petite ligne plus tard, lorsque nous lui aurons laissé le temps de sécher un peu pour créer l'illusion d'une rencontre entre temps de sécher un peu pour créer l'ombre des lèvres. Maintenant, cette lampe est une lampe latérale. Cela vient de la gauche et crée une ombre sur la droite. Cela affecte donc également la lèvre, car le côté droit sera plus dans l'ombre que le côté gauche. Mais comme la lèvre est courbée, l'angle n'est pas trop prononcé. Cela va être légèrement progressif, donc vous pouvez voir sur cette lèvre inférieure qu' elle se ramollit un peu lorsqu' elle se dirige vers la droite ramollit un peu lorsqu' elle La lèvre est un peu trop éclatante à mon goût, alors je vais juste opter pour un brun légèrement doux pour lui ôter tout son éclat C'est une sienne brûlée qui contient un peu d'outremer. Ce n'est donc pas la vibre de Sienne brûlée laquelle nous sommes habitués. C'est plus discret. Vous pouvez également utiliser du noir , juste une petite touche. Vous pouvez même voir en bas que ce bord est bien défini et foncé, et qu'il passe progressivement aux rouges chauds du dessus. Lorsqu'il s'agit de peindre des tons de peau, il ne s'agit pas de trouver une seule couleur de chair car il y en a tellement de variété Il y a un changement constant entre les notes chaudes et froides. Et ce que nous peignons en réalité, c'est de la lumière qui traverse et rebondit sur la peau, non une couche de peinture plate La température est donc l'un de nos meilleurs outils pour donner à la tête une sensation de vie. Même si nous maintenons les valeurs assez modérées, nous pouvons également utiliser la logique de température de base pour les déterminer. Ainsi, dans de nombreuses situations, la lumière est plus chaude et les ombres sont plus froides. Mais il existe d'autres situations où elle peut basculer, exemple une lumière artificielle froide avec des ombres plus chaudes, en particulier à l'intérieur où des objets chauds se reflètent dans le côté ombragé. Ce qui compte pour nous, ce n'est donc pas de mémoriser une règle, mais de nous demander si la température de mon côté lumineux est clairement différente de celle de mon côté ombre De plus, en particulier sur le visage, la peau est légèrement translucide, ce qui permet à la lumière chaude de pénétrer et de rebondir pour nous donner ces douces notes de pêche Mais les zones où le flux sanguin est plus important ont tendance à être plus chaudes, comme les joues, le nez, les oreilles et les lèvres Ensuite, les zones boniques ou plus sombres semblent plus froides ou plus neutres 15. Le col: Il est maintenant temps de peindre le cou. Et en peignant ce cou dans l'ombre, nous définissons en fait la ligne du menton et de la mâchoire. Donc, plutôt que de penser à peindre le cou, nous peignons négativement la forme de la tête en bas. Nous ne pouvons donc vraiment le faire qu'en une seule fois. Assurez-vous donc de faire preuve d' audace avec vos peintures et mélangez-les suffisamment foncées. Vous ne voulez pas qu'ils sèchent trop légèrement. Mais tu peux toujours y aller doucement. peinture met un certain temps à sécher, alors prenez votre temps. Ne le peignez pas trop. Assurez-vous que vous pouvez voir votre trait de crayon afin de savoir où ne pas peindre sur le visage. Et vous pouvez commencer par allumer la lumière, puis continuer à tamponner avec plus de couleur Vous pouvez voir que même dans une zone d' ombre comme celle-ci, je commence par le brun sur la gauche, puis incorpore un violet bleuté au milieu Et ce bleu et ce brun se mélangent pour donner une couleur plus foncée. On dirait presque du gris, mais c'est en fait du bleu mélangé à ce brun. Bien entendu, cela donne au portrait une sensation de profondeur, comme si la tête s' avançait et que le cou s'enfonçait dans la scène Je ne veux pas que ce soit un lavage plat. J'ajoute de petites gouttes de ton pour le rendre intéressant, en soulignant certaines zones d' ombre. D'habitude, à l'aquarelle, nous peignons du clair au foncé, mais je transgresse les règles en peignant cette section plus claire au-dessus de l'action plus foncée, juste pour que ce ne soit pas une ligne complètement dure Donc, même si ça n'en a pas l'air, c' est toujours la peau du cou. 16. La sous-couche du manteau: Il est maintenant temps de redevenir expressif. Nous commençons donc à peindre. Et c'est aussi là que vous pouvez expérimenter avec votre propre personnalité et où vous souhaitez emmener ce tableau. Je mélange un vert jaunâtre, mais, bien sûr, vous pouvez choisir couleur que vous voulez pour le manteau En cherchant des références, je pensais à un imperméable vert classique Cependant, je ne veux pas que ce soit le cas, je ne veux pas qu'un green soit trop discordant. Je veux qu'il reste dans le schéma de couleurs que nous avons déjà établi, et le vert n'est qu' une toute nouvelle couleur qui n'est pas vraiment liée à quoi que ce soit pour le moment. Cependant, le jaune, nous avons déjà quelques jaunes en arrière-plan, ce jaune ocre, et il y a, en fait, beaucoup d'influences jaunes dans les tons de visage également Il suffit de peindre cette petite capuche qui apparaît en arrière-plan dans une couleur un peu plus modérée, en laissant un petit espace à l'endroit où son chapeau rouge se arrière-plan dans une couleur un peu plus modérée, laissant un petit espace à l'endroit où trouvera autour de son oreille En fait, nous pouvons le transporter et le connecter. C'est un peu trop vert, alors ajoutez de l'ocre jaune. Je suis en train de peindre un plus grand lavis, donc vous pouvez voir que j'ai changé pour un pinceau plus grand. Et je peux commencer à m' amuser, à m' amuser un peu Même avec quelque chose comme ça, ce n'est pas une couleur plate. J'incorpore quelques couleurs aléatoires, comme le vert en haut, pour le rendre un peu sourd, en commençant par l'autre côté En ajoutant à nouveau ce vert , puis en mélangeant cet ocre jaune atténué Cela peut être un peu déroutant à cause des différentes couches du manteau, de l'écharpe, de l' incorporation d'un peu de brosse sèche, du fait que l'on y jette peut-être de l'eau pure pour augmenter la sensation de texture, puis le relâcher à nouveau Après toute cette tension des détails sur le visage, nous pouvons essayer de nous sentir un peu plus libérés. Il ne s'agit pour l'instant que d'une sous-couche. Donc, pas trop de soucis pour les détails, il suffit de remplir la zone générale. C'est généralement sur la sous-couche que se trouvent toutes les textures captivantes et cette sensation éthérée C'est tellement excitant pour de nombreuses personnes. Et puis ce sont les ombres au-dessus, la deuxième couche qui le met en colère et donne du sens et de la raison au chaos. Cela commençait à paraître un peu trop jaune et ennuyeux, alors j'ajoute un peu plus vert, ce qui affecte également le ton. Nous pouvons maintenant passer au foulard, que je fais passer pour le moment à un peu de gris juste pour enlever la blancheur de certaines zones, puis j' ajoute du bleu serlean Et puis un peu de brun par-dessus pour contraster avec ce bleu. Mais je suis en train de contourner le blues, pas seulement celui de Cerlean. J'ai du bleu cobot, du bleu outremer, puis je l'ai construit petit à petit Encore une fois, cela peut paraître assez abstrait à ce stade. Ce n'est pas si important d'être raffiné. Nous reviendrons plus tard pour donner un sens à tout cela. 17. La sous-couche du chapeau: Il est maintenant temps de peindre le chapeau, et c'est là la lueur de la peinture existe vraiment. C'est une belle couleur orange et rouge chaude. Nous allons donc basculer vers le jaune sur la gauche. Ensuite, pour que cela reste intéressant, nous allons le rendre plus rouge sur le côté droit. Je prémouille la zone pour que, lorsque nous commençons à ajouter tout ce pigment, il se mélange bien et doucement et je ne ressente pas la pression de le remplir le plus rapidement possible Je peux prendre mon temps et m' amuser à expérimenter avec les couleurs Donc, commencez par un beau jaune cadmium vif avec une touche d'ocre jaune, puis cet alizarin cramoisi sur la droite, pour le garder beau et stable, un beau ton moyen régulier pour commencer, en augmentant progressivement J'utilise un pinceau avec une belle pointe pour peindre jusqu' au bord et obtenir une belle ligne nette Puis, en laissant tomber plus d'encre, je commence à utiliser du rouge cadmium maintenant plutôt qu'un lazar et un cramoisi, qui ont en fait beaucoup plus d' éclat et Cela produira plus de cet éclat. Maintenant, nous pouvons commencer à l'étendre vers la droite, et je vais l'atténuer un peu plus sur le côté droit Comme vous pouvez le voir sur la gauche, nous avons cette lueur jaune. Ici, je vais le garder un peu plus d'une couleur marron neutre. Et ce sont ces petites touches qui peuvent rendre une peinture un peu plus intéressante au lieu de simplement lui donner une couleur rouge plate. Nous pouvons expérimenter avec les couleurs voisines et aussi avec le dynamisme de ces couleurs 18. Couleurs vives a: Nous pouvons donc l'assécher complètement maintenant et commencer à travailler sur la couche de ton suivante. Et si je n'ai pas peint tout cela en une seule fois , c'est parce que je voulais avoir un peu plus de contrôle sur ma texture. Je vais essayer de transmettre cette sensation tricotée du tissu. Une grande partie pourrait donc être remplie, mais le simple fait de le faire en deux prises me donne un peu plus de contrôle et le rend un peu plus dynamique. Ce deuxième lavage est toujours rouge, mais il est un peu plus légèrement rouge Comme vous pouvez le constater, ce n'est pas si dynamique. Alizarin Crimson et un peu d'outremer. Donc en fait, c'est un peu cool. C'est un rouge froid, bordé de violet, en fait. Mais j'y ajoute aussi un peu de Sienne brûlée. Alors que je remplis cette zone, j'essaie de trouver où je peux laisser ces petites lacunes dans la sous-couche, la transparence du papier sous-jacent Même si 90 % de ce chapeau sera peint, je dois prendre mon temps pour réfléchir aux zones que je veux laisser. Parce que lorsqu'il s'agit de préserver le papier, vous ne pouvez pas revenir en arrière. Bien sûr, nous pouvons utiliser de la peinture blanche opaque plus tard, mais j'essaie de ne pas m'y fier. Je ne veux m'en servir que pour les petits points forts de la fin. Tout comme nous l'avons fait pour la sous-couche, nous avons commencé par les tons doux sur la droite et les jaunes orangés sur la droite et les éclatants sur la Et nous allons relier les deux. J'essaie d'obtenir des tonalités assez correctes. Ensuite, je peux commencer à expérimenter avec la texture. Appliquer quelques directives. Ces petites marques aident donc à orienter l'œil la direction possible du fil ou du tissu, sans dans la direction possible du fil ou du tissu, sans peindre jusqu'à la racine des cheveux, ce qui garantit une définition claire entre le chapeau et les cheveux pour le moment Ensuite, utilisez ce mouchoir et quelques lamelles d' eau pour créer des textures intéressantes car c'est le but de l' aquarelle. Nous ne voulons pas que tout soit beau et raffiné. Et en continuant ici, en laissant un petit espace pour que tout ne soit pas complètement connecté partout. Ces deux couches, la couche plus foncée en haut et cette couche avant. 19. Finir le chapeau: Et puis, alors qu'il fait encore humide, nous pouvons ajouter ces traits directionnels, Alizarin Crimson, mais plus concentrés Voir comment il se fond dans une eau mouillée sur mouillée. Et au fur et à mesure qu'il commence à sécher, il commence à conserver un peu plus sa forme. Et nous pouvons donner un peu plus de forme à ce chapeau. J'ai opté pour un pinceau plus petit parce que nous avons déjà rempli cette grande surface Je n'ai donc pas besoin de remplir beaucoup plus de pigments. Je me fie un peu plus au bout de mon pinceau, faisant tourner pour que le pigment tombe sur le papier Et ce qui est bien avec Wet and Wet , c'est que c'est plus ambigu. Il crée cette illusion de détail sans avoir à le peindre. H. J'ai décidé que les sons n'étaient pas assez forts, alors j'y suis retourné. Frottez le pigment déjà présent sur le papier, même en utilisant de l'eau pure pour l' agiter et le rendre un peu plus clair à certains endroits Vous pouvez donc utiliser de l'eau pour éclaircir les zones et cela repoussera le pigment pour révéler le papier situé en dessous. D'une manière texturée très amusante. Si nous voulions un lavage propre, nous ne voudrions pas faire ces choses. Et c'est là que l'aquarelle peut être imprévisible de manière amusante plutôt que rigide Je trouve que ce chapeau est en fait plus facile à peindre que les cheveux, car les cheveux peuvent parfois être aléatoires. Il peut être difficile de bien faire les choses car, bien entendu, nous ne voulons pas peindre chaque mèche de cheveux Il peut donc être difficile de les simplifier pour en faire une masse crédible Mais ce chapeau est une sorte de forme abstraite que nous pouvons simplifier de manière à ce qu'il soit facilement lisible pour le spectateur. Et nous sommes au point idéal où le papier est sec à 80 %. Ainsi, lorsque nous appliquons ces coups de pinceau maintenant, ils fondent simplement dans le papier, créant ainsi une technique douce humide sur humide. Vous ne devez pas peindre ce chapeau avant impression qu'il est terminé , car il sera alors surchargé Donc, à un moment donné, suffit de passer à autre chose et éventuellement d'y revenir plus tard, et il peut être difficile de trouver cet endroit. Donc, généralement, lorsque vous avez l'impression vos tons sont corrects et que vous avez une belle variété de textures, mouillez sur du mouillé, perdu et trouvé, des bords souples, bords durs, passez et éventuellement à autre chose et éventuellement y revenez plus tard avec un regard neuf. Et puis vous constaterez probablement que vous n' avez pas grand-chose à faire, et que cela dégage déjà cette sensation éthérée 20. Ombres de panteuse: OK. Nous pouvons revenir au manteau et au foulard pour ajouter quelques ombres, et ce sont vraiment ces ombres qui donnent du sens à la forme et la rendent crédible en tant que manteau Et même ces ombres n' ont pas besoin d'être des détails rigides. Cela ne fait que transmettre une sensation de structure. J'utilise ce vert très discret. Nous utilisons en fait une couleur similaire pour ces ombres à celle que nous avons utilisée pour la sous-couche, juste une concentration différente La consistance est plus épaisse. C'est toujours ce genre de touche verte tamisée, jaune ocre. Être un peu plus puissant avec ça. Et même en ce qui concerne ces formes d'ombres très aléatoires, ce n'est pas comme si nous pouvions suivre règles comme nous pouvons le faire avec le visage. Nous pouvons peindre de nombreux visages différents et comprendre le fonctionnement de la structure faciale. Mais lorsqu'il s'agit d'un manteau froissé au hasard, nous ne pouvons pas vraiment lui appliquer des règles universelles Tout se résume donc à l'observation. Et encore une fois, d'une certaine manière, en y réfléchissant en plans, exemple en regardant la direction de la lumière et ombre, et en observant les formes spécifiques aussi abstraites que ces formes, vous essaierez de les faire correspondre à ces formes en les simplifiant sur votre papier Et en simplifiant, je veux dire qu' il existe une infinité de tons et différents niveaux de niveaux, du clair au foncé Je les remplace donc par trois. J'ai des tons clairs, moyens et foncés. Et puis peut-être que dans ces limites, je laisse un peu de marge de manœuvre Mais quand je regarde un sujet ou mes références, il faut d'abord les diviser en trois. Qu'est-ce qui est clair, qu'est-ce qui est moyen et qu'est-ce qui est sombre ? Ensuite, je pourrai travailler sur ces sections une par une. Donc, bien sûr, la section légère est la plus simple, car nous ne faisons que poser la sous-couche expressive, une sorte de sous-couche expressive plate mais passionnante Avec ces tons moyens, nous devons commencer à utiliser un peu plus notre cerveau pour trouver comment le simplifier. Quelle est la différence entre un ton clair et un ton foncé ? Ce type de milieu de gamme peut être une véritable zone grise. Cela fait donc également partie de notre propre intuition et c' est ce qui nous rend uniques en tant qu'artistes. Remarquez également que sur la droite, cette ombre projetée, cette ombre audacieuse sous le col ou ce pli, c'est un bleu profond plutôt que le genre d'ombres à tons moyens que j'ai créées sur le côté gauche. Et c'est vraiment parce que c'est un peu plus audacieux et qu'il définit la forme générale plutôt que le type d' ombres superficielles sur la gauche 21. Ombres d'écharpe: Le foulard en particulier est assez étrange à dessiner car il n'y a pas de plans clairs. Ce ne sont que des plis et des rides repliés. Ce sera donc une autre situation dans laquelle nous devrons vraiment simplifier autant que possible. Tout comme on peignait les cheveux en masquant les tons, je vais simplement tout peindre dans des formes abstraites, puis je pourrai les adoucir et les arranger ensuite. ce processus, passons en Au cours de ce processus, passons en revue certaines questions importantes que je me pose et que vous pouvez vous poser lorsque vous essayez de peindre un portrait et déterminez vraiment ce que vous voulez dire et comment faire un succès. La première est la suivante : est-ce que je comprends clairement d'où vient la lumière ? Nous en avons brièvement parlé, mais cette question signifie vraiment où se trouve la source de lumière ? Est-ce qu'il fait chaud ou froid ? Est-ce que c'est haut ou bas ? Cela vient-il d'un côté ou est-ce que cela inonde toute la tête ? Et avant qu'un seul lavage ne touche le papier, nous voulons savoir dans quelle direction la lumière atteint le plan de la tête. C'est pourquoi il est parfois très utile de faire un petit croquis pour élaborer une composition un petit croquis pour élaborer une composition à l'avance si vous travaillez sur vos propres pièces originales. La direction de la lumière contrôle tout, les formes de valeur, les variations de température, la douceur des bords, l'ambiance dans son ensemble Donc, si nous ne savons pas d'où vient la direction, nous peindrons des ombres qui n'ont leur place nulle part, sinon notre portrait semblera plat ou confus. direction claire de la lumière est donc l'une des plus grandes différences entre un portrait crédible et un portrait confus Une fois que vous aurez répondu à cette question, vous pourrez passer à la suivante. Et cela se poursuit tout au long du processus. C'est Ai-je séparé assez clairement le côté clair du côté ombre ? vérifions ainsi si la tête possède une structure de valeurs simple et lisible, non pas des détails ou des caractéristiques, mais une division claire. La famille de la lumière, qui comprend tout ce fait face à la lumière et la famille des ombres, tout ce qui se détourne de la lumière. C'est donc similaire à la dernière question. Mais il le décompose en termes plus simples. Parce que si cette séparation est claire, le portrait fonctionne déjà avant que des fonctionnalités ne soient ajoutées. C'est l'épine dorsale de la forme. Sans cette division, la tête s'effondre pour devenir plate et les détails peints semblent étranges sur une structure à faible valeur Ils n'auront jamais l'air convaincants. Et l'aquarelle nous récompense spécifiquement pour avoir organisé les valeurs dès le début Une fois que les familles de lumières et d'ombres sont établies, chaque petit vernis et chaque lavage deviennent plus faciles Et nous avons beaucoup parlé de la question suivante. Nous n'avons donc pas besoin d'y revenir trop longuement. C'est : est-ce que je pense à de gros avions ou suis-je passé en mode pièces détachées ? Traitons-nous la tête comme un ensemble de plans simples et larges, ou sommes-nous tombés dans la peinture parties isolées, telles que les yeux, le nez, les lèvres, qui ne sont pas vraiment connectées ? 22. Gamme de valeur: Autre question que je me pose, ma fourchette de valeurs est suffisamment solide pour porter le portrait ? Avons-nous réellement engagé une fourchette de valeurs complète ou nous situons-nous quelque part entre les deux ? C'est pourquoi nous devons parfois penser en pensant à la fin, car avec l'aquarelle, nous laissons généralement les ténèbres jusqu'au Nous devons donc être au courant de l'ensemble du processus. Et nous savons que nous sommes peut-être à mi-chemin de la peinture et que nous n'avons pas encore vraiment touché les zones les plus sombres. Nous devons donc savoir où nous allons les placer avant de commencer. Et puis, d'un autre côté, nous devons penser aux lumières préservées. Parce que lorsqu'il s'agit de peindre des lavis et des formes, nous devons savoir quelles parties nous allons laisser de côté avant de mettre le pinceau sur le papier, car il peut être difficile de les enlever. Un bon portrait a donc généralement besoin d'une lumière préservée, d'une poignée de véritables zones foncées exactement aux bons endroits comme les yeux, et même aujourd'hui, les avons pas encore peintes, mais nous n'avons pas encore peint cette petite section sur l'ombre du cou, les zones nasales , les coins de la bouche et le petit puits , mais aussi les ombres sombres des oreilles Et puis, bien sûr, nous avons besoin d'un ton moyen solide et cohérent, qui constitue la majeure partie du tableau. Les valeurs plutôt que les détails font le gros du travail dans un portrait, ce qui n'est pas cas lorsque vous regardez un portrait pour la première fois, mais le signe d'un bon portrait est en fait que vous ne le remarquez pas vraiment parce que vous y êtes attiré. Si les valeurs sont fausses, c'est ce qui donne à une peinture un aspect étrange, mais il est difficile de l'associer à des valeurs, mais c'est ce qui la définit. Si nous devions nous retenir et ne jamais laisser tomber les accents sombres, les yeux manqueraient de profondeur, la bouche serait faible et la tête n'aurait aucun poids réel. Une fourchette de valeurs solide nous aide donc à créer un volume crédible L'aquarelle a tendance à sécher plus clair, il faut donc peindre avec suffisamment d'audace pour compenser Même dans un portrait plus vague et expressif, il devient plus convaincant lorsque la structure des valeurs est claire C'est souvent ainsi que les peintres expressifs parviennent à transmettre une scène le plus rapidement possible. Si vous n'avez pas le temps de peindre, vous devez d'abord vous concentrer sur les valeurs, et cela accélérera votre travail. C'est une zone ludique que je suis train de créer parce que c'est un noir uni, mais il y a une pointe qui se connecte à plus grande ombre brune au-dessus. Et ces lignes presque noires, ces lignes staccato, nettes et contrastées Tout est une question de valeur, comme vous pouvez le constater, et cela crée cette profondeur, cet intérêt. Et ces petites lignes diagonales ne constituent pas une grande partie du tableau, ces petites lignes diagonales ne constituent pas une grande partie du tableau, mais elles ont une influence majeure sur l'ensemble. Nous n'avons pas besoin de beaucoup de tons foncés, mais lorsque nous les utilisons dans des endroits spéciaux, cela fait vraiment ressortir le portrait 23. Couleurs chaudes et froides: La question suivante que je me pose est est-ce que mes couleurs chaudes et froides aident à la forme ou la combattent ? Parce que nous devons vérifier si notre utilisation de couleurs chaudes et froides suit la logique de la lumière ou si elle est devenue une décoration aléatoire. Bien entendu, nous pouvons contourner les règles, mais nous ne pouvons le faire que si nous savons comment elles fonctionnent. Et chaque portrait a une histoire de température. Ainsi, les avions plus chauds se tournent vers une lumière chaude et les avions plus froids se détournent de la lumière chaude. Et puis nous avons des transitions neutres qui maintiennent tout en harmonie. Lorsque les variations de température suivent les plans, la forme apparaît sans effort La peau est pleine de transitions de couleurs douces, même lorsque les valeurs sont similaires, et les variations de chaleur et de froid aident le spectateur à ressentir la rondeur du visage Ils créent également de l'ambiance, comme de la chaleur sur les joues éclairées ou des violettes plus froides dans l'ombre, des tons neutres doux, là où le visage tourne Une bonne façon de le faire, pour analyser une référence de portrait est de plisser légèrement les yeux pour voir les valeurs En relaxant vos yeux, vous remarquerez un peu mieux les transitions de température. Vous pouvez commencer à remarquer que formulaire n'a pas toujours besoin d' un fort contraste de valeurs. Parfois, un léger changement de température peut suffire. Si vous regardez l'ombre au-dessus la lèvre sur la droite et que vous plissez les yeux, c'est à peu près le même ton, sauf que sous le nez, il est orange et que dans le coin de la lèvre, il y a une forme bleue froide plus modérée Maintenant, nous pouvons commencer à peindre dans les oreilles. Encore une fois, en gardant une forme très simple. Je n'essaie pas de mélanger des couleurs compliquées, m'en tiens à Alizarin Crimson et à la Mais parfois, les couleurs peuvent devenir très uniques, car si vous regardez ma palette, elles sont toutes assez harmonieuses car elles se mélangent les unes aux autres. Et au lieu de mélanger une nouvelle couleur à chaque fois, j'utilise les couleurs déjà présentes ma palette pour qu' elles soient assorties. Et ce faisant, ils deviennent involontairement tout à fait uniques H. 24. Points focaux: Une autre chose à garder à l'esprit lorsque vous peignez un portrait est de savoir où se trouve le véritable point vocal et quels sont mes bords et mes contrastes qui le soutiennent ? Et que voulons-nous réellement que le spectateur regarde en premier ? Et avons-nous conçu le portrait de manière à ce que l' œil s'y rende naturellement ? Bien sûr, comme je l'ai mentionné plus tôt, dans les portraits, ce sont presque toujours les yeux, mais parfois la bouche ou le motif général des ombres claires peuvent en être la cause. Il s'agit essentiellement de vérifier si nos arêtes, nos valeurs et notre texture attention au bon endroit. L'aquarelle nous donne partout des transitions douces et diffuses , à moins que nous ne façonnions délibérément un point focal Et si chaque bord est net et que chaque ombre est forte, rien ne ressort vraiment et le tableau semble assez plat au final. Ainsi, un point focal contrôlé crée le rythme. Une zone se lit clairement tandis que le reste reste calme. Et lorsque nous décidons où le spectateur doit regarder, il devient en fait plus facile de décider où ne pas placer les détails. Donc, si nous voulons que les yeux soient notre point focal, je dis que les bords les plus nets et les accents les plus foncés concernent cette zone Et j'adoucis certaines zones la joue parce que je ne veux pas cela détourne l'attention de cette zone du visage Et remarquez que l' arrière-plan reste très clair et lâche pour que les caractéristiques soient plus présentes. Ce n'est pas gênant. C'est une sensation subtile. Et si une forme située en dehors de la zone focale devient trop forte, je l'adoucis un peu avec un peu d'eau propre et je l'aide fondre à nouveau dans la composition. Et vous pouvez expérimenter cela. Peut-être pouvez-vous vous entraîner à faire un portrait déplaçant délibérément le point vocal. Alors peut-être que vous pouvez faire ce portrait une fois avec les yeux comme point focal, puis peut-être que la bouche ou même la silhouette générale mettent en valeur cette forme de silhouette. Maintenant que la majeure partie de la peinture est terminée, nous pouvons à nouveau reconnaître l'arrière-plan, car lorsque nous l'avons nous pouvons à nouveau reconnaître l'arrière-plan, car lorsque peinte pour la première fois, il n'y avait aucun contexte et il était peut-être facile de le surtravailler, mais vous pouvez voir à quel point c'est subtil et aléatoire maintenant, mais c'est intentionnellement silencieux Au moins, il ne cherche pas à attirer l'attention. Il agit comme un cadre qui met en valeur le portrait plutôt que d' attirer l'attention sur le visage. Mais il soutient le portrait grâce à sa valeur, température de couleur et à sa simplicité. 25. Peindre les cheveux: En ce qui concerne cette section capillaire, j'y repense sous deux angles différents. J'ai les noirs unis, puis j'ai les tons moyens bruns et puis j'ai cette sous-couche claire J'essaie d'intégrer ces trois niveaux , puis de les mélanger un peu naturellement afin qu'il n'y ait pas sensation et qu'il y ait un flux en eux. Ainsi, même si lorsqu' ils se mélangent, il existe une sorte de croisement entre les trois tons différents Dans mon esprit, lorsque je cartographie tout cela, je pense en tons clairs, moyens et sombres. Et il n'y a pas trop de variation de couleur. J'utilise essentiellement une teinte noire pure ou neutre pour les tons foncés. Et les bruns sont aussi bruns que les autres. Il n'y a rien de spécial. Il n'y a aucune autre véritable influence là-dedans pour le moment. Parfois, il est très facile de trop travailler les cheveux, mais il suffit de se demander si j'ajoute des détails parce que cela aide à la composition ou parce que je suis simplement nerveuse et incertaine. Ces marques clarifient-elles réellement la forme, le caractère ou l'expression, ou est-ce que je les ajoute parce que je ne sais pas quoi faire ensuite ? Les portraits sont en fait plus susceptibles d'être surchargés de travail par peur que par enthousiasme, et l' aquarelle récompense la retenue Les petites marques inutiles s'accumulent assez rapidement et peuvent ternir la fraîcheur du portrait. Ensuite, il est facile d'essayer de corriger un portrait en ajoutant plus de détails et plus de mèches de cheveux, mais cela crée généralement plus d' encombrement que de clarté Ainsi, même lorsqu'il s'agit de peindre les cheveux, l'expression provient des principales formes, des plans et des relations de valeur, et non du nombre de mèches ou de boucles. Et si vous vous retrouvez coincé, vous pouvez vous dire que plutôt que de décorer le portrait avec des détails, je veux renforcer les grandes formes. Et chaque fois que je ressens le besoin d'ajouter de petites marques partout, cela signifie généralement que je suis nerveuse. Au lieu de cela, je prends du recul et j'examine la structure des valeurs. Nous avons beaucoup parlé des techniques et des concepts, mais nous n'avons pas vraiment parlé du sentiment et de la manière dont nous voulons que l'émotion soit transmise ou la qualité que vous espérez exprimer dans le portrait. ne s'agit pas d'exactitude ou de ressemblance, mais de sentiment, et les exemples peuvent être le calme, la force, la chaleur, la curiosité, la confiance, ce genre de choses Ensuite, vous vous demandez si vos choix en termes de valeur, de bord et de couleur créent cette ambiance, car la peinture de portrait, comme toute autre peinture , n'est pas seulement technique, elle est également émotionnelle. Donc, si nous nous concentrons uniquement sur les proportions et les caractéristiques, nous pouvons accidentellement perdre cette qualité humaine. Le sentiment oriente donc les décisions de conception. Ainsi, une ambiance douce est synonyme de nuances et de valeurs douces ou d'une humeur audacieuse, contrastes plus forts et d'accents vifs. Une ambiance distante ou froide est une palette plus froide ou une ambiance chaleureuse et intime est une palette plus chaude. Et sans intention émotionnelle, un portrait peut devenir techniquement compétent mais vide d'émotions, essayant de garder à l'esprit que les portraits sont des interprétations plutôt que des tâches. 26. Quand terminer une peinture: Parfois, il peut être difficile de déterminer quand la peinture est terminée, quand il faut arrêter. Donc, l'une des choses que vous pouvez vous demander est la suivante si je devais m'arrêter tout de suite, le portrait aurait-il déjà l'air vivant ? Nous vérifions si le portrait a déjà franchi ce seuil, même s'il n'est pas poli. Et si ce n'est pas le cas, nous pouvons vérifier certaines choses car un portrait semble vivant lorsque la structure des valeurs est claire et que les plans sont clairement lisibles, l'expression est présente. Les changements de température et de chaleur semblent naturels, et la zone focale est suffisamment résistante, et il n'est pas nécessaire d'obtenir des détails parfaits ou un rendu méticuleux pour atteindre cet état Et une grande partie de cette magie se produit plus tôt dans les premières étapes, lorsque nous créons les sous-couches et les parties les plus abstraites J'utilise donc un peu de badigeon juste pour ajouter un peu d'éclat, pas nécessairement des détails, juste de petites touches de ce blanc pour lui donner un peu de clarté ou du moins une sensation de Je ne veux pas vraiment que ces éléments soient évidents. Ajoutez-y simplement un peu de netteté. Quelques traces de brosse sèche sur cette zone du chapeau. Rien que ces trois lignes subtiles et quelques points contribuent à créer ce sentiment, cette émotion, cette illusion. Aidez à ancrer le chaos sans en abuser. J'utilise un pinceau sec sur le chapeau pour essayer d' obtenir cette texture du tissu, et voilà. 27. Réflexions finales: Bon retour. Et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur la façon de peindre un portrait Aujourd'hui, nous avons exploré comment l'expression prend sa source la valeur et les contours plutôt que dans les détails, comment une palette limitée de couleurs chaudes et froides permet d'obtenir une peau convaincante, et comment le glaçage, le lifting et accents sélectifs créent de la clarté sans Le bonnet et le foulard ont montré comment les formes de soutien peuvent encadrer le point vocal alors que l' arrière-plan reste silencieux. Ces idées s'expriment sur tous les visages sous tous les angles, et plus généralement sur des figures où la structure, le rythme et la lumière racontent l'histoire N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous savez plus clairement quelles sont les priorités et que vous êtes prêt à laisser les détails être sélectifs. J'ai hâte de vous voir tous dans les prochains cours d'ici là, bonne peinture et au revoir pour le moment.