Roses élégantes à l'aquarelle : techniques pour capturer la beauté et les fleurs

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Alston, et bienvenue dans ce cours où nous nous immergerons dans le monde délicat mais expressif de la peinture de roses à l'aquarelle Nous allons explorer les dégradés ludiques et les teintes éclatantes qui font d'une rose à la fois un défi et un plaisir à peindre À l'aide de diverses techniques d'aquarelle, nous capturerons l'élégance naturelle et les courbes douces des pétales de rose, pour obtenir une représentation réaliste qui fleurit Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Rassemblez donc vos pinceaux et vos peintures et donnons vie ensemble à ces belles fleurs. 2. Votre projet: Merci beaucoup, comme toujours, de m'avoir rejoint dans le cours d'aujourd'hui. Je suis très heureuse de vous présenter cette peinture fleurs délicates et aux feuilles expressives. Nous nous efforcerons d'obtenir de la profondeur et du réalisme à chaque coup de pinceau Nous expliquerons comment mélanger des nuances de pétales personnalisées, manipuler l'eau pour créer des mélanges doux et utiliser des techniques de détail pour accentuer la Vous apprendrez à observer et à reproduire les différentes nuances du pétale de rose pour créer une œuvre florale dynamique et dimensionnelle qui apparaît directement sur Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer la peinture, passons en revue tous les matériaux et fournitures que je vais utiliser. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau EscodaPurl ou ce pinceau Vangh Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une belle pointe qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, vous empêchant Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer les pinceaux Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile de se faire manger un mouchoir en papier pendant que vous peignez pour enlever l'excès de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Comme toujours, je vous encourage à expérimenter et à explorer différentes manières qui pourraient convenir à votre propre style. Maintenant, allons-y et commençons le croquis. 4. Comment faire une ébauche: Donc, pour commencer le croquis, je vais utiliser ce crayon à mine épaisse juste pour appliquer quelques traits lâches et rendre le blanc du papier moins intimidant J'utilise un mouvement circulaire, en ajoutant une petite spirale, et nous pouvons utiliser ces lignes de la spirale pour nous aider à guider les pétales plus tard. Nous décomposons donc tout, même les objets les plus complexes en formes simples autant que possible, y ajoutant la petite tige, et vous pouvez voir à quel point j'applique le plomb à ce stade, juste pour que nous puissions l'éliminer. Si j'appuie trop fort, il sera trop difficile de le frotter et le papier sera indenté J'ajoute juste quelques ellipses ici ou des cercles où nous voudrons peut-être placer des feuilles plus tard, peut-être une ici près de la tige principale Vous pouvez être vraiment aventureux en ce qui concerne l'endroit où vous voulez les placer et les différentes tailles. Vous voulez en avoir, peut-être que vous en voulez de petits. Et à ce stade, nous réfléchissons simplement à la manière dont nous pourrions également vouloir équilibrer la peinture. Peut-être que vous en voulez deux plus petits sur la gauche et un plus grand sur la droite, par exemple, vous pouvez vraiment expérimenter avec l'équilibre. Et cela a été assez rapide pour l'exposer. Maintenant, je vais passer à un crayon à mine plus fin et commencer à réfléchir à ce à quoi pourrait ressembler une rose Bien sûr, j' ai rassemblé de nombreuses références différentes , et vous pouvez facilement roses sur Google ou peut-être en acheter une au magasin ou chez le fleuriste et observer en vrai à quoi ressemble une rose Mais je suis les lignes en spirale que nous avons appliquées auparavant Mais bien sûr, les pétales sont très irréguliers et inégaux. Je m'accorde donc un peu de liberté. Je ne suis pas tout à fait les lignes. Je les utilise juste comme guide. Et, bien sûr, si vous pensez à la façon dont une fleur s'ouvre à partir de son bouton, vous pouvez voir qu'au centre, tous les pétales sont plus serrés, plus petits et plus concentrés ensemble Et, bien sûr, à mesure qu'ils s'ouvrent, les bords ont beaucoup plus d' espace et commencent à se décoller. C'est donc quelque chose que j' essaie de transmettre ici. L'avantage de ces pétales et du dessin d'une rose en général ou toute autre fleur, c'est qu'ils sont très organiques et qu'il y a beaucoup de place pour les inexactitudes, ce qui signifie que vous pouvez vous en tirer avec de nombreuses erreurs. Mais je ne les qualifierais même pas d'erreurs car elles fonctionnent au bout du compte. Vous n'avez donc pas besoin d'être aussi précis dans votre dessin et il donnera toujours l' illusion d'être une fleur. Bien entendu, lorsqu' il s'agira de peindre plus tard à l'étape suivante, ce sera un peu plus compliqué car plus vous ajoutez de détails avec votre crayon maintenant, plus vous devrez peindre de détails plus tard. Mais j'essaie de tout mettre en forme. Même si certaines d'entre elles sont aujourd'hui assez complexes, je peux toujours voir où se situent les lignes où se situent les bordures d' une forme et où elle se mélange à une autre. Bien entendu, nous aurons également des dégradés. Le rouge se transformera en jaune et le violet se fondra dans l'orange Vous pouvez vraiment choisir la couleur de rose que vous voulez. Maintenant, je ne suis pas sûre des termes techniques des parties que je suis en train de dessiner, qu'il s' agisse des petits morceaux verts en bas ou du bourgeon qui se décolle. Maintenant, j'en ai fini avec la tête de rose et je passe maintenant à la tige principale. Ajoutez-y un peu d'épine. Et maintenant, nous pouvons commencer à passer aux tiges latérales. Je ne sais pas quel sera le mot «  sous-radical », « radical secondaire ». Création de quelques bords irréguliers pour les feuilles. Même les feuilles n'ont pas besoin d' être aussi précises et lisses. J'utilise les cercles que nous avons créés auparavant comme guide, sauf que comme vous pouvez le voir, par exemple, pour celui-ci, je vais ajouter un petit conseil à la fin, comme ça. qui, bien sûr, élimine l'illusion d'une feuille ayant cette extrémité déchiquetée et pointue . Je ramène le tout Vous remarquerez également qu'il s'agit essentiellement d'une seule ligne. J'ai évidemment dû retirer mon crayon du papier de temps en temps, mais je me fais un devoir d' essayer de garder le contact avec le papier autant que possible car pour une raison ou une autre, je ne sais pas. Je suis sûr qu'il doit y avoir une raison scientifique à cela, mais cela améliore toujours mes peintures par rapport à mes dessins, moins, si j'essaie garder le crayon sur le papier autant que possible. Bien sûr, avec cette feuille ici, elle passe en dessous, donc je dois l'enlever lorsqu' elle passe sous la tige. Je suppose que si vous continuez à retirer votre crayon du papier et à changer de zone, il perd son harmonie et devient un peu décousu parce qu'il ne coule pas naturellement Vous pouvez commencer à dessiner dans une section, puis dans une autre, mais elles ne correspondent pas. Ils ne sont pas mesurés dans les mêmes proportions. Donc, c'est à peu près terminé maintenant. Je vais juste prendre mon mastic et enlever certaines des légères marques soulignées Passons donc à la peinture. 5. Pétales de sous-couche: Donc, en me lançant directement dans la peinture, sans utiliser un très gros pinceau, sans utiliser un tout petit pinceau détaillé, juste un pinceau de taille moyenne, je prémouille certaines des zones que je souhaite appliquer en sous-couche Et je vais commencer par ce rose opéra éclatant. Et j'ajoute toujours de l'eau au début de cette phase de sous-couche, en particulier lorsqu' il y a beaucoup de bords détaillés que je souhaite préserver et protéger Parce qu'en ajoutant d'abord de l'eau, comme vous pouvez le constater, elle se répand exactement là où je mets l'eau. Et si je devais entrer directement avec l'encre, elle pourrait devenir incontrôlable, ou je pourrais faire une erreur et peindre dessus. Mais si je l'ai déjà prémouillé, je sais exactement où il va aller Il ne s'agit donc que d'une subtile touche de rose opéra. Maintenant, j'y vais avec un sarin cramoisi. Et maintenant, je pourrais expérimenter avec un peu de jaune camboux. Donc, en gros, pour le capitule, cette rose, nous allons expérimenter avec tous les différents pigments chauds. Nous allons limiter les couleurs froides dans celui-ci. Nous allons conserver les couleurs froides pour les feuilles, afin d'obtenir un bon équilibre. Mais dans la tête de rose elle-même, nous allons avoir des oranges, comme je viens de mélanger du jaune camium avec du rouge camium pour obtenir cette jolie Et de différentes manières, nous allons mélanger ces peintures pour créer une belle gamme de couleurs chaudes, et ce sera une bonne occasion pour vous d' explorer comment toutes ces couleurs chaudes interagissent. Tu n'as pas besoin de suivre exactement ce que je fais. Vous n'avez pas besoin d'y ajouter du jaune. Si tu ne veux pas, tu peux le rendre rose. Il s'agit d'explorer votre propre vision personnelle. Je vous encourage à le faire. Mais bien sûr, si vous n'êtes pas sûr de vous, c'est parfaitement normal, surtout si vous êtes débutant. Vous pouvez essayer de suivre cette procédure étape par étape. Ajouter du jaune puis mélanger un peu de rouge est généralement une valeur sûre. C'est ce que j'ai fait jusqu'à présent. Et nous utilisons un ton léger à moyen. Et maintenant, j'injecte un peu de sarin cramoisi dans ces zones Ensuite, j'évalue dans quelle mesure je veux qu'il soit fort. Si c'est trop fort, j'utilise cette petite éponge pour aspirer l'eau du pinceau, puis avec un pinceau vide, je peux aspirer une partie de ce pigment avec mon pinceau comme ça Et je peux le réutiliser ailleurs. L'avantage de s' en tenir aux couleurs chaudes, c'est qu'aucune d'entre elles ne deviendra boueuse Que vous mélangiez l' orange avec le jaune, le jaune avec le rose, le rose avec l'orange. Tant qu'ils sont chauds, ils ne deviendront pas boueux. Vous pouvez donc déplacer votre pinceau tout le papier dans cette section, avoir à vous soucier de sans avoir à vous soucier de la boue ou des tons de En fait, en raison de cette libération liée au simple fait de s'en tenir aux couleurs chaudes, cela signifie que nous ne pouvons nous concentrer que sur les tons. Et en fait, les tons sont en général beaucoup plus importants dans la peinture que la couleur, car 90 % du temps, si vous obtenez les bons tons, les couleurs se débrouilleront d'elles-mêmes. Et à titre d'exercice, il sera très intéressant de voir comment différents tons de différentes couleurs chaudes interagissent les uns avec les autres Peut-être, par exemple, le ton le plus foncé que vous pouvez obtenir avec jaune n'est en fait qu' un ton moyen par rapport à l'obscurité que vous pouvez obtenir avec le rouge Il existe certaines limites quant à la quantité de tonalité que vous pouvez obtenir. Donc, au bout d'un moment, même si vous avez peint toute votre fleur en jaune, vous devrez incorporer un autre ton chaud, peut-être du brun pour qu'elle reste jaune. De même, l'alizarine pourpre est d'un rouge très foncé, alors peut-être devrez-vous passer au rouge camium pour profiter pleinement de l'éclat du côté rouge des choses 6. Jaunes riches: Vous pouvez voir jusqu'à présent quelles zones j'ai évidemment peintes, et ce sera la sous-couche Je vais passer en revue ces zones avec un pigment plus épais plus tard. Encore une fois, vous pouvez regarder l'image finale pour voir comment j'ai choisi de conserver certaines de ces couleurs et comment j'ai choisi de peindre plutôt que d'autres couleurs. Et c'est assez aléatoire où je choisis de mettre du jaune et où je choisis de mettre du rose ou du rouge, etc. Il n'y a aucun schéma réel. Ce n'est pas comme si je laissais les roses au centre ou les jaunes au Tout est assez aléatoire et espacé. Vous n'avez donc pas à suivre cela à la lettre. Vous pouvez choisir de mettre du rose là où je peins jaune ou de l'orange là où je peins du rouge. Prenez note de cette partie que je suis train de peindre car c'est le premier bord dur que j'ai peint, et ce sera le premier d'une longue série. Ce rose à côté du jaune, peu importe sa couleur, mais cette section doit être un bord dur car il n'y a pas de transition douce entre un pétale et un autre Celui-ci jaune est directement au-dessus de ce pétale rose, il doit donc s'agir d'un bord dur Vous pourriez prendre une minute pour regarder ce que j'ai peint jusqu'à présent et voir quelles lignes j'ai choisi de peindre jusqu' au bord et quelles lignes j'ai choisi de peindre par-dessus le bord, car cela indique où je compte prendre la peinture, où je vais revenir plus tard pour peindre ou où je veux préserver ces bords durs. Vous pouvez voir que la consistance de ma peinture est suffisamment liquide pour qu'elle coule librement sur la palette Il n'y a aucune adhérence. Et c'est le genre de constance que j' aime dans cette phase de départ. Il pénètre rapidement et facilement dans mon pinceau sans aucun effort, et il tombe du pinceau sur le papier sans aucun effort. Plus tard, lorsque nous utiliserons un pigment plus épais, il y aura une différence notable dans son éclat, comme actuellement, il est beaucoup plus épais que le premier stade que nous venons d'utiliser Cela a toujours du sens. La plupart du temps, bien sûr, vous devez apprendre les règles avant de pouvoir les enfreindre. En règle générale, il commencer par la lumière, puis de peindre de manière plus épaisse et plus foncée au fur et à mesure que vous progressez judicieux de commencer par la lumière, puis de peindre de manière plus épaisse et plus foncée au fur et à mesure que vous progressez dans la peinture. Et les types de couleurs que j'utilise actuellement, rouge de cadmium et le jaune de cadmium, sont des couleurs opaques Et vous pouvez le constater, car ce sont les plus claires de ma palette sur le côté droit. Je n'ai pas encore vraiment envie d'utiliser des couleurs transparentes, comme l'alizarin cramoisi ou la sienne brûlée, car je vais vraiment utiliser pour les couleurs les plus foncées plus tard Mais vous pouvez voir sur cette astuce que je suis sur le point d'utiliser un peu d'Alzarinson, que je suis sur le point d'utiliser un peu d'Alzarinson un rouge transparent, pour créer cette transition du clair au foncé, en prenant un peu de pourpre azarin sur mon pinceau et en le déposant simplement dans le Pour qu'il se mélange alors qu' il est encore humide. Euh, 7. Tons foncés: Remarquez comment nous utilisons un pigment plus foncé sur la sous-couche plus claire que nous avons peinte auparavant J'utilise même un peu de noir pur juste pour obtenir sur le papier toute la gamme tonale Je fais donc référence à la façon dont les ténèbres peuvent devenir sombres Nous utilisons un peu d'eau supplémentaire pour le mélanger. Et il y a quelque chose d' ironique peindre cette deuxième couche au-dessus de la première, mais en fait, cette feuille est censée se trouver sous la couche sur laquelle nous peignons Et c'est tout l'intérêt de l'aquarelle. Vous devez réfléchir à l'ordre dans lequel vous allez le peindre, car avec l'huile, même si je ne suis pas un expert en huile, j'imagine que vous pourriez toujours peindre le pétale supérieur dans le noir Mais bien sûr, avec l' aquarelle, en règle générale, vous peignez d'abord les lumières, puis les ténèbres par-dessus, quelle que soit leur position dans la réalité dans la vie réelle Ces pinceaux que j'utilise dans chacun de mes cours, en fait, ces pinceaux Vangh. Ils ressemblent également aux pinceaux Scoda. L'important, c'est qu' ils aient une belle pointe fine. Je peux donc passer directement aux fissures et aux arêtes, aux petits détails. Mais ils retiennent également suffisamment d'eau parce que je peux exercer plus de pression et que les coups de pinceau s'intensifient. J'ai rarement besoin d' un petit pinceau détaillé. Parfois, lorsqu'il s'agit de détails fins, à la fin, je peux le faire simplement parce que je ne vais utiliser que ce petit point. Et je n'ai pas besoin de m'imprégner d'un gros pinceau plein de peinture blanche ou de noir très détaillé. Je n'ai pas besoin de gaspiller tout ce pigment en absorbant un pinceau entier. Si je peins juste quelques touches. C'est alors que je passais à un petit pinceau. Mais il est parfaitement possible de peindre dans les moindres détails avec le pinceau que j'utilise actuellement. En fait, je trouve que ce pinceau est encore plus facile pour peindre petits détails, car lorsqu' retient le pigment, lorsqu'il aspire tout ce liquide, il réunit tous les brins du pinceau, de manière agréable et compacte et crée ce petit point Alors qu'il s'agit d'un petit pinceau, il ne contient pas ce liquide. Il n'y a pas tous ces pigments qui l'aspirent ensemble pour former une pointe C'est presque comme une brosse sèche, ou les mèches pointant n'importe où. Donc, ce que je veux, c'est au bas de la fleur, vous pouvez voir qu'il y a une couche foncée de pétales. Ensuite, la couche de pétales suivante est claire, et maintenant je peins une couche foncée entre les deux. Et je fais des allers-retours entre les pétales clairs et les pétales foncés. Cela me permet simplement de m'entraîner plus facilement et permet au spectateur et au public de comprendre ce qui se passe . Ah, euh 8. Les caractéristiques de la peinture: Bien entendu, chaque tableau possède ses propres caractéristiques uniques. Qu'est-ce qui le rend spécial ou unique ? Peut-être que certaines peintures sont orientées vers les couleurs. Peut-être que certaines peintures sont orientées vers les tons et mettent l' accent sur l'utilisation du ton, peut-être que d'autres sont plus texturées, comme un peut-être que d'autres sont plus texturées, pinceau sec ou une texture lisse, une texture subtile Peut-être que certains sont très détaillés, peut-être que d'autres sont très lâches et expressifs. Et nous avons tous des forces et des faiblesses différentes par rapport à ces différents éléments. Peut-être que certains d'entre nous ont un meilleur œil pour les couleurs ou les tons, et peut-être que certains d' entre nous sont plus doués travail expressif et autres peuvent vraiment peaufiner les détails. Et c'est, bien sûr, ce qui rend nos peintures uniques et exprime notre propre voix et vision personnelles. Et je ne pense pas que ce soit en noir et blanc, donc je ne pense pas que certains artistes veulent simplement peindre avec de la texture ou être expressifs. Et je ne pense pas que les autres artistes veulent juste s'en tenir aux détails. Ils s'ennuieront tout le temps de peindre d'une façon et voudront essayer l'autre de temps en temps. Et c'est certainement vrai pour moi C'est pourquoi tous mes cours semblent aborder différents sujets et différents styles, car si je passe trop de temps à peindre dans un style, je me désintéresse en quelque sorte et je vois un autre artiste peindre dans un style différent, et cela m'inspire. Alors j'essaie d'expérimenter l'autre bout de techniques que je n'ai pas encore essayées. Et c'est en faisant allers-retours entre différents styles, différentes techniques que vous finissez par acquérir une très bonne compréhension du médium, car vous avez essayé toutes les techniques sous le soleil et vous vous sentez un peu plus confiant dans votre style. Vous n'avez même pas besoin d'y penser consciemment car vous savez ce que vous avez fait dans un style et ce que vous avez fait dans un autre style. Et c'est en quelque sorte par osmose dans votre esprit cela devient une expression plutôt qu' une partie pensante de votre peinture Par exemple, avec cette peinture, je dirais la qualité unique de cette peinture, messages qu'elle véhicule. Il s'agit davantage de détails, la subtilité des bords de la superposition, de relier les points comme un puzzle en trois D car différentes choses se passent Je peins différentes sections. Et il se peut qu'un pétale soit derrière l'autre, qu'un pétale soit au-dessus de l'autre Et c'est ce qui rend celui-ci intéressant, je dirais. Il s'agit moins du relâchement général ou de l'expression. Et je dirais qu'en général, je préfère le style plus expressif et décontracté. Mais comme je viens de le dire, après avoir peint autant de choses dans ce style expressif et souple, j'ai parfois envie de travailler un peu sur mon raffinement. Faire une peinture comme celle-ci m'aide donc à revenir à ce que signifie être un peu plus détaillé et à retoucher mes points faibles dans ce domaine. Et ironiquement, je trouve que lorsqu'il s'agit de travail détaillé, il faut en fait moins de concentration Je peux mettre quelque chose en arrière-plan. Mais lorsqu'il s'agit d'un travail expressif souple, il faut être concentré en permanence. Il faut se contenter de la spontanéité et du fait que les choses ne se passent pas comme prévu, et c'est une façon de peindre beaucoup plus stressante 9. Couleur locale: Je vais donc prendre mon mastic maintenant et autoriser certaines lignes parce que je peux toujours voir où elles se trouvent quand je les frotte, mais je crains un peu qu'elles soient facilement visibles à travers la peinture lorsqu' elles sont si épaisses et foncées soient facilement visibles à travers la peinture lorsqu' elles Et je n'ai pas vraiment envie d' opter pour ce style avec ça. Et si j'utilise un mastic plutôt qu'un caoutchouc ordinaire, c'est parce qu'il n'y a aucun résidu Il ne reste aucune trace sur le papier par la suite qui pourrait interférer avec la peinture ou rester coincée. Il existe essentiellement deux types de tons différents dans une peinture que nous devons surveiller. La première est la couleur locale, et je vais expliquer ce que cela signifie dans un instant. Le second est la façon dont la lumière interagit avec le sujet et l' affecte Revenons donc à la couleur locale, qui fait référence à la couleur naturelle d' un objet non affectée par la lumière ou les ombres C'est l'essence même de cette couleur. Par exemple, cette feuille ou ces pétales sont jaunes, rouges, oranges. C'est sa couleur locale parce que n'est pas la lumière qui lui donne cette couleur, et les feuilles deviendront vertes plus tard parce que c'est leur couleur locale. Lorsque vous peignez, il est important de commencer par la couleur locale, car cela permet d'établir la véritable identité chromatique de l'objet et de fournir une base la couleur locale, car cela permet d'établir la véritable identité chromatique de l'objet presque réaliste appuyer pour savoir si vous souhaitez vous étirer, éloigner et ajouter une couleur un peu plus expressive qui n'est peut-être pas naturelle, mais qui a une intention un peu plus artistique C'est donc la couleur locale. Et, bien sûr, les différents types de couleurs ont des tons différents. Certains bleus sont plus foncés, d'autres couleurs comme le jaune ou le plus clair. Et pour en revenir à l'exemple des feuilles, lorsque les feuilles sortent du sol pour la première fois, elles sont généralement plus claires, de sorte que leur couleur locale est un vert plus clair Et puis une fois qu'ils mûrissent et deviennent plus foncés, ils ont un vert plus foncé, bien sûr. Leur couleur locale est donc plus foncée. Cela influe donc sur le ton. Ensuite, il y a une deuxième façon dont le ton est affecté, savoir la façon dont la lumière interagit avec le sujet Et c'est bien sûr la principale chose à laquelle nous pensons en ce qui concerne le ton, la lumière et l'obscurité, c'est la façon dont les ombres se forment sur le sujet. Et la lumière influe considérablement sur la façon dont nous percevons sa couleur et sa forme. J'en parle donc parce qu' une grande partie de ce travail de formulaire est en cours ici. Cela demande beaucoup de perception, et cela contribue à améliorer notre technique et notre œil lorsque nous déterminons quelle peut être la couleur locale ou comment la lumière est affectée, car il m'est difficile d'expliquer ce que je fais de chaque coup de pinceau Vous pouvez voir ce que je mélange sur ma palette, et vous pouvez voir à quel point elle est humide ou épaisse en fonction de la rapidité avec laquelle elle se déplace sur le papier. Mais lorsque je vous parle d'un concept tel que couleur locale ou la façon dont la lumière interagit avec un objet, vous pouvez essayer de comprendre ce que je fais ou entrer dans mon esprit Et puis c'est en fait plus utile pour vous de le prendre et de le suivre. Vous pouvez donc voir que les zones les plus sombres sont dues au fait que c'est là que la plus petite quantité de lumière pénètre dans les petites poches centrales où elles se chevauchent Il n'y a pas beaucoup de couleur foncée sur le dessus de la fleur. 10. Lumière et ombre: Cette interaction avec la lumière permet de créer toute une gamme de tons et de nuances. Bien entendu, il peut apporter des reflets lumineux là où la lumière frappe directement le sujet. Vous pouvez voir que tout en haut de ces pétales, sur le côté droit, se trouvent les zones les plus claires. Et puis il y a les ombres profondes où la lumière est, bien sûr, obstruée. Et ces variations peuvent ajouter de la profondeur, du volume, et c'est ce qui donne une impression de réalisme à la peinture. compréhension et le rendu efficace de ces effets de lumière peuvent donc transformer une image plate en une œuvre tridimensionnelle dynamique. Vous pouvez également réaliser cette peinture par étapes. C'est ce que j'ai appris faisant beaucoup de travail détaillé plutôt qu'en effectuant un travail expressif, spontané et impulsif. Vous pouvez faire une pause à tout moment et y revenir, car une grande partie du travail se superpose, et je coupe les parties lorsque j'utilise le sèche-cheveux Mais chaque fois que je veux faire une pause, je peux juste faire une pause et y revenir. C'est donc un bon projet si vous n'avez pas nécessairement 2 heures libres, sinon cela vous prendra encore plus de temps. Vous pouvez appliquer des principes ici, des principes là, et vous pouvez les mettre en arrière-plan ou vous pouvez regarder mon cours de théorie des couleurs en arrière-plan pour vous guider, même s'il s'agit d'un sujet différent, les principes, les éléments et les idées vous aident. C'est la couleur qui attire tout de suite notre attention. C'est ce qui est le plus évident quand on voit un tableau, la vivacité de celui-ci, la plupart du temps Mais en réalité, le ton est un aspect beaucoup plus important qui a beaucoup plus à dire que la couleur en fait. C'est généralement la couleur qui attire votre attention, mais le ton, ce qui vous pousse à rester dans les parages, à regarder le tableau et à en être plus captivé, est ce qui contribue à créer de la profondeur, de l'ambiance et de l'atmosphère Parlons donc un peu plus du ton. Bien entendu, les règles peuvent être enfreintes, mais pour des principes simples, nous pouvons décomposer les choses en une sorte de compréhension commune selon laquelle tons sombres sont souvent porteurs de mystère ou de tristesse. Et d'un autre côté, les tons plus clairs peuvent sembler aérés ou édifiants Et le choix de la gamme tonale doit correspondre au message émotionnel que vous souhaitez transmettre La plupart des peintures sont, bien entendu, à tons moyens. Ils ne sont ni trop sombres, ni trop clairs, ou même s'ils sont très sombres, ils ont quelques éclats de lumière pour obtenir ce contraste Et ces messages tonaux que nous voulons transmettre jouent un rôle important dans la définition du ton émotionnel d'un tableau Et nous pouvons utiliser le ton pour harmoniser ou équilibrer une peinture Et cet équilibre ne consiste pas nécessairement à mettre les choses sur un pied d'égalité, mais à utiliser ces éléments pour créer un ensemble cohérent Par exemple, une peinture principalement foncée peut présenter quelques points de lumière, comme je viens de le dire, et apporter un intérêt ou un équilibre. Et cette petite touche de lumière attire en fait plus l' attention que le reste du tableau qui est entièrement noir ou vice versa. 11. Les peintures à faible intensité: Passons en revue ce que sont les peintures discrètes , puis les peintures hautes en couleur. Les peintures discrètes utilisent principalement des tons sombres pour créer leur impact. Ces œuvres d'art se caractérisent par une prédominance des ombres et une gamme limitée de tons moyens et de reflets Et l'utilisation de tons sombres contribue à créer une ambiance qui peut être mystérieuse ou dramatique, car la lumière tamisée et la prédominance des ombres créent une impression de nuit ou des environnements faiblement éclairés, Les peintures de Rembrandt en sont un bon exemple. Ses peintures sont des exemples parfaits de l'art discret et son utilisation du Kioskuro qui crée un fort contraste entre la lumière et Il concentre l'attention sur des zones spécifiques de la toile et met en valeur les expressions émotionnelles des personnages centraux sur et met en valeur les expressions émotionnelles des un fond très sombre. Cette technique renforce l'intensité dramatique et émotionnelle de ce qu'il essaie de transmettre. Je suggère donc vivement de rechercher ses images sur Google, même si cela n'a pas nécessairement à voir avec cette peinture représentant une rose ou même avec cette aquarelle parce qu'il peignait une huile, cela y est absolument lié indirectement car ce sont des principes de composition, quel que soit le support avec lequel vous peignez ou le sujet Cette peinture est assez hi ki, et je vais en parler maintenant. En fait, les peintures de Hike, contrairement aux peintures low ki, se composent principalement de tons clairs, et ce type de peinture minimise l'utilisation de tons sombres et se caractérisent par leur légèreté et leur gamme éclatante de teintes pâles. œuvres de haiki transmettent souvent un sentiment de légèreté, d'innocence et Ils sont généralement brillants et sont perçus comme plus énergiques et édifiants que les autres homologues discrets Par exemple, vous pouvez rechercher haut niveau, des lunes, des peintures impressionnistes. Elles peuvent être qualifiées de pointues parce que ses œuvres, telles que celles représentant des nénuphars ou plusieurs de ses paysages, utilisent une palette douce et pleine de couleurs claires, qui transmettent la luminosité de la lumière du jour ou la nature vibrante mais délicate du sol Les valeurs lumineuses dominent les peintures et créent une atmosphère sereine et accueillante qui attire les spectateurs d'une manière tranquille, dans un monde tranquille La plupart des gens considèrent l' aquarelle comme une sorte de style artistique ou de peinture haut de gamme. Lorsque vous voyez des illustrations à l'aquarelle sur emballages alimentaires, dans des emballages alimentaires, dans des magazines ou dans des publicités, il s'agit généralement d'un style sommaire, haut de gamme, léger et à faible contraste Et je ne sais pas comment cela a pu se produire dans cette direction ou cette perception. Mais pour moi aussi, quand j'ai commencé à peindre, je peignais à l'huile et l'aquarelle ne m'intéressait Je n'ai pas pensé à son potentiel ou à ses possibilités parce que je l'ai sorte de technique d'esquisse préliminaire légère plutôt que comme un style d' œuvre d'art final terminé. Donc, quand j'ai commencé à apprendre l'art, c'était juste avec de la peinture à l'huile et un peu d'acrylique. Et tout ce que je faisais avec aquarelle n'était qu'un croquis préliminaire 12. Le potentiel de l'aquarelle: Mais un jour , je suis tombé sur des œuvres Alvaro Castinet et Joseph Spokvich que vous pouvez consulter. Elles utilisent le ton d'une manière qui ressemble exactement à de la peinture à l'huile ou à l' acrylique Ils n'hésitent pas à utiliser les ténèbres. Parfois, toute leur toile et leur papier sont peints en noir pur avec quelques reflets, et cela a vraiment changé mon idée de ce que l' aquarelle pouvait faire Et depuis, c'est mon médium préféré. Parce que ces artistes démontrent vraiment l'incroyable polyvalence et profondeur que l'aquarelle peut offrir, et cela a transformé ma perception de ses capacités Alvaro Cainet capture le dynamisme des scènes urbaines avec un style expressif dynamique qui donne vraiment vie à chaque composition. Il ne se concentre pas vraiment sur les détails, mais il y a un sentiment précis dans ce qu'il essaie d'exprimer, et on ne peut le faire qu'à l'aquarelle La façon dont les pigments interagissent sur le papier est tellement unique à l' aquarelle qu' on ne peut pas l'imiter avec la peinture à l'huile L'utilisation de couleurs riches et saturées et traits audacieux transmet tellement d'énergie. Et en particulier avec les scènes urbaines, il transmet le rythme de la vie urbaine. Et cela montre que l' aquarelle peut être aussi puissante et peut-être même plus percutante que la peinture à l'huile Tout dépend de la façon dont vous gérez la lumière et les ombres. Les couleurs ont tendance à prendre soin d'elles-mêmes si vous obtenez la bonne combinaison d'ombre et de lumière. Il suffit de penser à la température de couleur, puis elles seront harmonisées. De plus, lorsque j'ai commencé à peindre, j'ai été profondément intéressée et impressionnée par peintures ultra réalistes d' les peintures ultra réalistes d'une précision presque photographique dans leurs détails. Et j'ai été impressionné par l'habileté qu'il fallait pour peindre d'une manière aussi réaliste. Cependant, au fur et à mesure que j'avançais mon parcours artistique et commençais à explorer comment peindre moi-même, dans mon parcours artistique et que je commençais à explorer comment peindre moi-même, j'ai commencé à apprécier davantage les peintures expressives que les peintures ultra réalistes Ce genre de peintures qui semblent simples et faciles, peut-être même Mais en fait, une fois que vous essayez de les essayer vous-même, vous réalisez que vous avez besoin d' une compréhension approfondie du médium pour y parvenir. Et vous découvrirez que pour peindre de manière souple et efficace, vous devez ironiquement commencer par apprendre à peindre les détails Pour bien comprendre le médium pour enfreindre les règles, il faut vraiment bien comprendre le médium pour enfreindre les règles, savoir le contrôler complètement. C'est pourquoi une peinture comme celle-ci m'aide vraiment personnellement, car elle vous oblige vraiment à comprendre comment interagir avec les pigments pour les contrôler. Et une fois que nous saurons comment le contrôler, nous pourrons commencer à expérimenter avec des peintures volantes C'est à ce moment-là que nous pouvons commencer à insérer des émotions, des sentiments et une atmosphère dans nos peintures Nous pouvons utiliser des traits qui semblent placés spontanément mais qui sont en fait le résultat de décisions délibérées, voire habiles. 13. Dégradés de couleurs: Nous peignons donc évidemment de manière plus raffinée et contrôlée, car nous nous concentrons tellement sur dégradés de couleurs dans cette zone en forme de tête de rose en forme de pétale Lorsque nous allons peindre les feuilles, elles seront beaucoup plus expressives. Mais quand il s'agit de dégradés de couleurs à l'aquarelle, c'est aussi presque une science parce que c'est un peu plus planifié et un peu plus pensé pour permettre la création de transitions vives et réalistes, nous pouvons améliorer considérablement l' impact visuel global de la pièce Et puis, bien sûr, vous pourriez intégrer ces transitions contrôlées à des styles plus expressifs et plus amples au fur et à mesure que vous apprendrez à équilibrer ces éléments plus tard dans votre voyage, car nous n'avons pas nécessairement utiliser ces techniques uniquement pour peindre une rose. Nous utilisons simplement une rose aujourd'hui pour nous aider à pratiquer ces choses, car c'est un sujet parfait pour cela. Dans le contexte de la peinture d'une rose, nous étudions à quel point ces dégradés sont essentiels pour reproduire interaction subtile mais complexe des couleurs au cours de ces batailles. C'est un défi amusant et amusant Mais quelques éléments clés qui peuvent vous aider en cours de route sont de réfléchir au rapport eau/pigment. Donc, comme je l'ai dit au début, lorsque nous appliquons les couches inférieures, obtenir ces beaux dégradés fins, nous voulons plus d'eau et moins de pigments, car cela crée des lavages plus clairs et plus transparents qui peuvent être utilisés pour les parties plus claires du Et comme ils sont plus légers, nous pouvons simplement les travailler petit à petit. Ceci est particulièrement utile dans les zones où la lumière atteint les pétales. C'est ce qui est un peu plus clair maintenant que j'ai peint une partie du noir Vous pouvez donc voir que les tons clairs que nous avons peints avant les toutes premières choses que nous avons peintes font en fait partie des pétales où la lumière entre en contact avec les pétales, et cela leur donne cette sorte d'apparence lumineuse. Et puis, au fur et à mesure que nous progressons dans la peinture, nous pouvons voir qu'en ce moment j'ajoute plus de pigment que l'eau. Le ratio d'eau diminue au fur et à mesure que nous augmentons ces tons. Et nous pouvons créer ces transitions en ajoutant plus de pigment, puis en l' aspirant comme ça, créer un joli bord lisse Il fournit une sorte d' intensité moyenne utile pour les tons moyens dans leurs dégradés. L'endroit où le pétale se courbe pour s'éloigner de la lumière est crucial, mais il en capte tout de même une partie C'est juste le petit point idéal de la courbure et toutes ces petites transitions douces impliquent et donnent la forme. Et puis, bien sûr, l'autre bout du spectre, il y a moins d'eau, plus de pigments, et c' est là que nous voulons des couleurs vraiment plus riches et éclatantes. Et nous en avons besoin pour les ombres profondes et juste entre les fissures, comme je l' ai déjà mentionné. La plupart de ce qui se passe est mouillé sur mouillé. En fait, même si nous le faisons en couches, la transition se fait par une technique humide sur mouillé. Habituellement, nous considérons que mouillé sur mouillé désigne de grands lavages ou de grandes quantités de lavage en une seule couche, pour ainsi dire, mais vous pouvez toujours le faire par petites sections Toutes ces petites parties de la feuille sont petites parties que nous fabriquons individuellement, mais elles sont toujours mouillées. 14. Humide sur humide: C'est une bonne occasion de parler de mouillé sur mouillé maintenant, car comme je l'ai dit, c'est particulièrement efficace pour créer des dégradés de couleurs En fait, c'est vraiment le seul moyen blanchir techniquement une zone, puis d'appliquer de l'eau pure sur une autre couche. Cela créerait une transition, mais vous pourriez interagir avec la couche précédente située en dessous. Donc, quand vous le pouvez, il est préférable de le faire en une seule fois. Mais même quand je dis ça, je me rends compte qu'on peut enfreindre cette règle. Par exemple, en ce moment, je peins par-dessus la couche précédente. Et comme ce sont toutes couleurs chaudes, il n'y a pas de boue Nous n'avons pas à nous inquiéter à ce sujet. Quand je mélange ce rouge sur la couche jaune précédente, cela ne fait que produire de l'orange, et j'en suis parfaitement contente. S'il s'agissait d'une couleur différente, comme le rouge sur le vert, cela provoquerait du gris. Ou s'il était bleu sur orange, il deviendrait gris et ce serait plus difficile à contrôler, mais comme nous restons dans le côté chaud de la roue chromatique, nous avons une grande liberté. L'idée de base de Wet and Wet se trouve dans le titre. Nous introduisons une couche d' eau propre ou d'eau pigmentée. Ensuite, nous introduisons un pigment par-dessus pour interagir avec cette surface humide. Souvent, je prémouille le papier à l' endroit où je souhaite que le dégradé soit appliqué, en essayant de mouiller uniformément cette zone Mouillez-le plutôt uniformément. Et s'il y a des flaques d'eau sur un côté, ce ne sera même pas le cas, bien sûr C'est l'une de ces petites choses qui est parfois négligée. C'est facile à oublier parce que cela m'arrive toujours. Parfois, je ne suis pas consciente de l' accumulation de flaques d'eau. Il y a peut-être un pli dans le papier, ce qui affectera la fluidité de la transition Et lorsque vous commencez à introduire des couleurs, peut-être les couleurs les plus claires au Pour des raisons de sécurité, ajoutez-les à l'endroit où vous imaginez que se trouvera la partie la plus claire du dégradé. Cela peut être un orange pâle, un rose clair ou un jaune. Ensuite, si vous le souhaitez, vous pouvez introduire progressivement des couleurs supplémentaires, ajouter la teinte suivante dans la zone humide, et vous pouvez progressivement laisser les couleurs se décolorer pour qu'elles se fondent naturellement les unes dans les autres Et cette transition de l'orange au rouge ou du rose au jaune peut être gérée en faisant glisser lentement pigment le plus foncé vers la zone la plus claire. Et je zigzague subtilement mon pinceau au fur et à mesure que cette transition se produit Bien sûr, nous nous sommes éloignés du pétale maintenant. Nous avons terminé cette section, mais vous pouvez toujours y créer cette transition. Voyez comment j'applique ce pigment, puis je l'étale. Lorsque les couleurs commencent à se mélanger, vous pouvez utiliser votre pinceau pour guider les pigments là où ils doivent aller, car parfois, bien sûr, l'aquarelle ne va pas là où nous le voulons et nous devons soit retirer le pigment, soit le diriger, rassembler comme des moutons dans une section différente Ensuite, nous voudrons peut-être adoucir certains bords. Des bords durs qui ont été créés, ou qui souhaitent peut-être attirer des pigments dans des zones nécessitant plus de saturation. Mais maintenant que nous passons aux feuilles, nous pouvons commencer à explorer le côté plus expressif de la peinture. 15. Peinture libre: Donc, en règle générale, il est bon de commencer en tant que débutant pour apprendre à peindre de manière maîtrisée avant de peindre de manière souple. Et lorsqu'il s'agit de peindre de manière souple, c'est nettement plus intuitif. Vous avez passé tellement de temps à pratiquer affiner vos compétences et à les maîtriser que c'est automatique Ensuite, en permettant que cela soit automatique, vous pouvez lâcher prise et presque inviter cette émotion à travers votre pinceau sur le papier. Et ce n'est pas quelque chose qui peut réellement être enseigné. Vous devez y remédier vous-même en vous entraînant à peindre. Bien sûr, vous pouvez suivre ces cours pour apprendre à maîtriser le médium. Et grâce à cette répétition de l'entraînement, vous verrez votre propre voix se faire entendre. Mais ce n'est pas quelque chose que je t'apprends. Tu vas t'en occuper toi-même. Et je l'ai vu avec des étudiants. Ils suivent mes cours et apprennent à peindre, puis ils apportent leur propre essence, leur propre caractère unique aux peintures, ce qui est fantastique à voir dans la galerie des étudiants, comment chacun a sa propre voix unique, et ce n'est pas quelque chose que je vous ai enseigné, ni à eux Vous vous en occupez vous-même, ce qui est incroyable. C'est le phénomène de l'art et ce qui le rend si spécial. Et il y a tellement d'étapes différentes pour devenir artiste et apprendre à peindre. Tout d'abord, en tant que débutant, vous ne savez rien du médium Vous essayez donc simplement de comprendre comment travailler avec la peinture et la manipuler Ensuite, vous avez tellement d' inspirations différentes et vous ne savez pas dans quelle direction prendre, et vous êtes inspiré par quelque chose, mais vous ne savez pas où le prendre Ce voyage peut donc ressembler à une montagne russe Et il ne s'agit pas seulement de s'entraîner, il s'agit de faire face aux inévitables hauts et bas, aux erreurs et aux mésaventures Tout cela fait partie du voyage, et tout cela en fait naturellement partie. L'aquarelle est réputée pour être impitoyable et imprévisible qui peut être très frustrant, mais tout cela fait partie de cette acceptation. Et c'est pareil pour tout le monde. Ce n'est pas une capacité naturelle conférée aux gens. Tout le monde a dû composer avec cette nature maladroite de l'aquarelle Vous pourriez vous retrouver avec des couleurs qui fusionnent comme vous ne l'aviez pas prévu ou avec des parties de la peinture qui n'ont tout simplement pas l' air aussi équilibrées C'est donc certainement une épreuve de patience, mais persévérez, car cette partie du rend encore plus satisfaisante lorsqu'elle fonctionne, et vous pouvez retirer le ruban adhésif à la fin du tableau et être étonné par ce que vous avez créé. Chaque erreur vous apprend quelque chose de nouveau sur comportement de l'aquarelle et sur la façon dont vous pouvez les manipuler pour obtenir les effets souhaités Et au fil du temps, vous constaterez que vous pouvez commencer à lâcher prise un peu plus et que vous pouvez faire confiance à vos compétences et à votre sens du fonctionnement de la peinture pour créer des œuvres d'art fidèles à ce que vous voulez exprimer. Cette frustration s'estompe au fur et à mesure que votre confiance augmente, et toutes ces épreuves en valent vraiment la peine. Mais même maintenant, c'est possible pour moi, les choses se produisent de temps en temps, et il y a des jours où l'aquarelle ne veut pas jouer le jeu, je ne sais pas ce qui se passe, et je dois juste me déconnecter Et puis parfois, l'aquarelle me surprend et je me rappelle pourquoi je l'aime tant À chaque niveau, il y a donc des tournants inattendus, et c'est ce qui vous permet de rester vigilant et d'en faire un média passionnant. 16. Commencer les feuilles: La satisfaction d'en arriver au point où vous parlez vraiment travers vos couleurs et vos traits est sans aucun doute imbattable, même si ce n'est pas pour toujours Tous les essais et erreurs valent la peine et vous donnent envie d'en redemander. Alors, acceptez le désordre, tirez-en des leçons et continuez. Et vous trouverez bientôt le sillon de l'aquarelle. Et quand vous le faites, c'est incroyablement gratifiant. Quelque part sur mon ordinateur, un dossier caché à abri des regards se trouvent mes toutes premières peintures, et j'aurais vraiment honte de les partager publiquement car elles sont absolument choquantes. Et de temps en temps, j'y jette un petit coup d' œil et je n'arrive pas croire tout le chemin j'ai parcouru depuis ces premières tentatives C'est du moins je n'arrive pas à croire que je voulais continuer à regarder à quel point ces peintures étaient mauvaises , parce qu' il y a un mélange de traits maladroits, couleurs incertaines et simplement d'un manque total de compréhension de l'aquarelle ou de la façon de créer C'est un véritable gâchis. Et malgré tout cela, cela montre que chaque peintre doit commencer quelque part. Et ces premières peintures ont été mes tout premiers pas dans ce voyage que j'ai entrepris. Et je me rappelle que je ne croyais absolument pas pouvoir m'améliorer un jour , mais pour une raison ou une autre , j'ai poursuivi et voulu continuer, simplement parce que j'étais inspirée par d'autres artistes et que je voulais réaliser ce qu'ils ont fait dans leurs peintures. Malgré ce manque de palmes, ces premières tentatives étaient cruciales. Ils ont été riches en expériences d'apprentissage. Chaque coup de pinceau m'a appris quelque chose de nouveau, même si je n'arrivais pas à comprendre ce que c'était au départ Petit à petit, les connaissances ont été effacées et j'ai découvert comment le pigment interagissait avec le papier, comment les couleurs Bien sûr, j'ai également reçu de l'aide grâce à des tutoriels en ligne. Et je n'ai jamais fait d'école d'art. Pour ainsi dire, je suis allée suivre des cours d'art dans ma ville natale une fois par semaine pendant peut-être cinq semaines, juste pour m'en faire une idée. Et puis, à un moment donné, tu pourras apprendre par toi-même. Tu peux régler les choses toi-même. C'est ce que j'ai fait. Même si mes premières œuvres me font grincer des dents, elles me rappellent également les progrès que j'ai réalisés personnellement C'est pourquoi je les garde toujours là, même s'ils sont cachés. Ils me permettent de rester humble et me motivent à continuer à m'améliorer. Souvenez-vous d'une chose qui m' a aidée à me sentir un peu plus sécurité lorsque j'apprenais et que j'ai fait face à de nombreux échecs. J'ai rassemblé de nombreuses images de mes artistes préférés, mais aussi de leurs peintures ratées, des peintures dans lesquelles j'ai remarqué des erreurs ou que je ne pensais pas réussi de mon point de vue. Cela peut sembler un peu étrange à faire, mais le fait de voir que mes artistes préférés font encore de mauvais tableaux de temps m' a donné l'assurance que cela n'avait pas vraiment d'importance. Tu dois juste faire de ton mieux. Parfois ça marche, parfois ça ne marche pas. 17. Variété de verts: J'ai donc fait quelques feuilles maintenant, et vous pouvez voir que j'essaie créer une grande gamme de couleurs. Et le vert est la couleur mère, pour ainsi dire, la couleur principale qui constitue le noyau. Et je m'en éloigne simplement de différentes manières. Parfois, c'est un peu plus noir. Parfois, c'est un peu plus proche du bleu ou du jaune. Mais ce qui les unit, c'est plutôt ce lien jaune, ce lien vert. Et j' expérimente également avec les tons. Je commence par un pigment épais , puis j'ajoute de l'eau pure. Ensuite, j'attends quelques secondes, puis j'ajoute un pigment différent à une consistance d'eau différente. Et je peins d' abord les feuilles , puis je relie la tige ou la tige à celles-ci suite, parce que je ne veux pas avoir à peindre la tige pour découvrir ensuite où j'ai peint les feuilles ne se rejoignent pas vraiment Bien sûr, j'ai un croquis au crayon en dessous pour m'aider à me guider. Mais c'est agréable de peindre les feuilles même temps, car je sais que même si elles sont toutes mouillées, je peux interagir avec elles et créer un peu d'harmonie et d' unité en mélangeant et en assortissant les couleurs. J'ai intentionnellement attendu environ 5 minutes après le premier lavage pour qu'il soit presque sec, environ 80 % de séchage, puis j' ai procédé à un lavage très aqueux pour créer de belles fleurs Je veux encourager la floraison de ces feuilles. Contrairement aux pétales que nous peignons auparavant, où je veux qu'ils soient contrôlés. Je veux qu'il y ait des bords et des textures plus organiques sur ces feuilles. Remarquez également comment je cite une transition sur cette tige principale Il commence par le rouge, puis passe au brun orangé , puis au vert en bas Ayez toujours un mouchoir à portée de main pour absorber les éclaboussures ou l'excès d'eau J'ai plusieurs fois eu quelques éclaboussures sur ma toile et j'ai besoin d'utiliser rapidement le mouchoir pour la nettoyer Et les secondes font vraiment la différence, car certains de ces pigments restent dans le papier. Donc, si vous n'êtes pas rapide, même si vous l'effacez, il restera une marque par la suite. Je comprends en tant que débutant ou même intermédiaire, même parfois je l' oublie. Parfois, le chaos de l'aquarelle peut être accablant et vous pouvez oublier des choses fondamentales Et l'aquarelle suscite également une certaine impatience car, bien entendu, il faut attendre que l'aquarelle sèche Et parfois, si vous n'attendez pas que l'aquarelle sèche, elle peut naturellement être surchargée d'eau Et cela, bien sûr, affecte le résultat visuel. 18. Zones assombries: Donc, si vous voulez qu'une certaine zone soit plus foncée, la solution n'est parfois pas de continuer à ajouter de plus en plus de pigment immédiatement. S'il y a déjà trop d'eau, il faut attendre qu'elle sèche. Tu peux utiliser un sèche-cheveux si tu fais attention. Mais même s'il y a trop d'eau, l' utilisation d'un sèche-cheveux peut faire en sorte que l'eau se répande à l'extérieur des conduites, ce qui est très risqué. Parfois, vous pouvez utiliser un mouchoir, comme je l'ai fait à quelques reprises, juste pour aspirer une partie de cette eau, puis vous pouvez recommencer avec un pigment plus épais avec plus de contrôle Mais s'il y a trop d'eau sur le papier et que vous ajoutez un pigment épais, vous finirez par ne pas mettre plus de pigment sur votre papier, mais par aspirer plus d'eau sur votre pinceau. Cette impatience qui accompagne aquarelle n'est pas à blâmer car tout le monde doit passer par là C'est juste une réaction naturelle. Et cela fait partie de la courbe d'apprentissage des artistes qui explorent ce médium. L'aquarelle possède des propriétés uniques, et son comportement est parfois assez contre-intuitif, et elle demande un niveau de patience qui peut être assez intimidant, Mais il s'agit de le recadrer, je pense, du moins pour moi. J'aime me demander pourquoi je suis impatiente et je me rends compte que c'est censé être amusant Je peux donc simplement prendre mon temps, me détendre, me demander pourquoi je m'inquiète à ce sujet ? L'aquarelle en elle-même ne me met pas la pression. C'est moi et mon propre esprit qui le faisons. C'est donc très utile dans ce genre de mentalité qui vous permet de prendre conscience des pressions et du type de pensées intrusives que nous ressentons lorsque nous peignons Cela peut être très thérapeutique de cette façon. L'impatience est due en grande partie au temps de séchage, et en fin de compte, en précipitant quelque chose, s'il n'est pas assez sec ou s'il est trop humide, cela va de toute façon ruiner le tableau Donc, le fait de se laisser emporter cette impatience affecte vraiment cet aspect. Et c'est propre à l'aquarelle. Beaucoup d'autres médiums comme l'huile et l'acrylique, en particulier l'huile, où le séchage complet peut prendre trois mois Pourtant, vous n'avez pas besoin qu'il soit sec pour continuer à travailler. On ne dépend pas de l' humidité du milieu. Avec de l'huile, elle permet une manipulation ou une superposition plus immédiate, tandis que l'aquarelle nécessite des périodes d'attente, car les couches doivent être complètement sèches pour éviter les saignements ou les mélanges indésirables Je finis souvent par profiter de ces moments de séchage pour faire ces moments de séchage pour une pause et en profiter pour réfléchir ou planifier ce que je vais faire ensuite. L'aquarelle étant moins indulgente que d'autres supports tels que l'huile ou l'acrylique, où vous pouvez facilement vos erreurs à l'aquarelle, une fois le pigment sur le papier, corriger les erreurs sans laisser de traces Et cette limitation nécessite souvent une approche plus réfléchie. Cela peut donc être une source d'impatience, vraiment. Surtout si vous êtes plus habitué à travailler de manière plus spontanée ou plus corrective. Vous devez commencer à utiliser des techniques ou développer des techniques telles que soulever pigment en utilisant un mouchoir ou en le frottant avec un pinceau propre, mais cela demande tout de même un peu de patience. 19. Harmonie des couleurs: Maintenant que la majorité des feuilles sont peintes, vous pouvez voir à quel point il y a une belle harmonie entre les couleurs complémentaires Les verts et les bleus des feuilles sont très jolis avec le rouge de la rose, les roses et les jaunes Les riches verts des feuilles servent en quelque sorte de toile de fond éclatante aux rouges et oranges éclatants de la rose, et ils s' amplifient mutuellement les réunissant comme ça Le vert donne au rouge ou à la rose encore plus brillant ou saturé, et cela les fait vraiment ressortir sur le fond d'une manière qu' une peinture monochrome ou monochrome ne peut Et avec l'aquarelle, c'est particulièrement efficace parce que la translucidité du support peut être utilisée pour superposer ces couleurs, ce qui renforce leur interaction et permet de voir les pigments d' une manière beaucoup plus viscérale J'aime bien cette partie où j'ajoute du pigment très dilué ou de l'eau, puis je l'agite et je le touche avec le pigment le plus fort ci-dessus Donc ça se répand. Vous pouvez voir comment ce vert vif se répand dans le nettoyant plus dilué ci-dessous. Et j'ai gardé le blanc du papier au milieu pour les petits reflets fins. Bien sûr, vous pouvez attendre pour le faire à la fin, mais j'aime créer cette petite barrière qui me permet de simplement appliquer de petits morceaux de pigment sans qu'ils ne se répandent Les couleurs complémentaires jouent également un rôle crucial dans la création de profondeur et de concentration dans une peinture. Et en les utilisant de manière stratégique, nous pouvons guider le regard du spectateur vers les points focaux de l'œuvre d'art. Dans ce cas, dans la peinture à la rose, les pétales rouges sont au centre de l'attention, et le vert complémentaire met non seulement en valeur le rouge, mais ajoute de la profondeur à la composition. Et la façon dont je positionne la tige attire naturellement le regard et la fait pénétrer doucement dans la fleur rose depuis le coin inférieur. J'ai également essayé de contrôler l'intensité de la couleur, en essayant de l'équilibrer pour ne pas submerger le spectateur. Vous voyez comment j'utilise la couleur complémentaire rouge, puis quand j'ajoute ce vert, cela le neutralise quelque peu Cela va devenir beaucoup plus discret. Mais le fait d'avoir cette touche de rouge dans ce vert contribue à cette idée complémentaire, cet élément dont nous parlons. 20. Finition: J'ai tendance à opter pour des tangentes parce que des choses me viennent à l'esprit qui peuvent être utiles et qui ne sont peut-être pas directement liées à ce qui se passe à l' écran en même temps Mais je pense toujours que cela vaut la peine d'être partagé et qu'il est finalement utile dans votre parcours en tant qu' artiste, et plus particulièrement en tant que peintre à l'aquarelle, car beaucoup de choses qui vous feront passer au niveau supérieur concernent moins des peintures spécifiques Il ne s'agit donc pas nécessairement de la façon de peindre une fleur en particulier, mais de techniques générales adaptables à n'importe quel sujet. Parfois, j'oublie de mentionner les couleurs exactes qui sont amusantes, mais il y a une vue d'ensemble que j'essaie d' expliquer ou d'exprimer, et c'est ce que j'ai dit, par exemple , si vous prenez soin des tons, couleurs se débrouilleront d'elles-mêmes Ou si nous peignons du rouge pour les pétales, le vert est une belle couleur complémentaire. Et s'il y a aussi de l' orange dans les pétales, le bleu en est le complément. Donc, ajouter un peu de bleu dans les feuilles contribuera également à les rendre visuellement plus captivantes. Vous pourriez vous rendre dans un magasin d'art et voir 30 nuances ou tons de bleu et 30 nuances de vert différentes. Et je pourrais vous dire exactement laquelle j'utilise, mais cela n'a pas vraiment d'importance au bout du compte car je ne pense pas à la couleur elle-même. Je pense à la relation entre cette couleur et le reste du tableau. J'ai donc juste des couleurs ennuyeuses, pour ainsi dire, du bleu outremer classique, par exemple, du bleu cobalt ou du bleu céran Je n'ai aucun des noms originaux ou des pigments uniques que certaines marques vendent En gros, je choisis mes pigments en fonction de leur capacité à mélanger d'autres pigments, et je les ai tous répertoriés dans mes nuanciers. Et, bien sûr, je les ai mentionnées dans ma vidéo sur le matériel et les fournitures, indiquant les couleurs que j'utilise avec précision. Mais si vous prenez mes nuanciers et que vous les utilisez avec n' importe quelle classe, pas seulement la mienne ou celle de n'importe qui, vous pouvez voir comment mélanger les couleurs que vous voulez. Vous pouvez même emporter ces nuanciers à l'extérieur, regarder autour de vous dans la vie de tous les jours et voir la couleur que vous voyez devant vous, qu'il s'agisse d' une feuille ou d'une voiture, et vous référer à ces nuanciers pour voir comment je les ai mélangés, car j'ai pris chaque couleur et je les ai mélangées avec toutes les autres couleurs. Et vous pourriez dire : OK, j'aime bien cette feuille que je vois devant moi. Je dois prendre deux parties ocre jaune et une partie de bleu céran, et cela vous donnera cette couleur Maintenant, la peinture est presque terminée. Je fais juste quelques petits traits blancs avec ma gouache, et c'est fait 21. Réflexions finales: Les peintures sont donc terminées, et félicitations pour avoir terminé ce cours sur la peinture d'une rose à l'aquarelle J'espère que vous avez trouvé cette expérience enrichissante et que vous avez ajouté de nouvelles compétences à votre boîte à outils artistiques Nous avons abordé à la fois des techniques complexes et des techniques expressives aujourd'hui, qu'il s'agisse de créer de délicates transitions de pétales et de dégradés ou d'améliorer la profondeur grâce à un ombrage délicates transitions de pétales et dégradés ou d'améliorer la profondeur grâce à N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skill Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur le partage des compétences Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que ce cours d'aujourd'hui vous aura donné envie d' explorer davantage les aquarelles florales jusqu'à la prochaine fois. Au revoir et bonne peinture.