: Peindre un oiseau noir à l’aquarelle : Ombres riches, couleurs et lumière subtiles

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons un oiseau noir à l'aquarelle. Ce cours est un joli rappel qu'une peinture n'a pas besoin de beaucoup de couleurs et complexité pour être riche et expressive. À première vue, cela semble simple, presque minimal, mais il y a beaucoup de choses à faire : un plumage riche et foncé avec de subtils changements de bleu-violet et de brun chaud, un bec et un anneau jaunes éclatants, des pattes délicates et suffisamment d'espace pour respirer autour de l'oiseau pattes délicates et suffisamment d'espace pour respirer autour de l' Il est subtil, élégant et plein de caractère. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Si vous souhaitez explorer l' aquarelle un peu plus en profondeur, j'ai élaboré un guide gratuit intitulé Les dix erreurs d' aquarelle les plus courantes et comment les éviter Il couvre certains des défis auxquels nous sommes tous confrontés lorsque nous peignons. Avec des conseils pratiques pour vous aider à les surmonter et à vous sentir plus en confiance avec votre brosse. Vous pouvez le télécharger gratuitement en vous inscrivant à ma newsletter, Will Elliston Studio Notes, où je partage des conseils de peinture, des idées créatives et de l'inspiration pour vous aider à vous développer en tant qu'artiste Vous trouverez le lien dans la description du cours ci-dessous. Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et explorons comment la simplicité peut créer une présence réelle. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours aujourd'hui. Ce tableau parle d'équilibre, d'un sujet sombre placé dans un cadre pâle et spacieux. Plutôt que de remplir la page d'informations, nous laissons la position, les proportions et les petits contrastes de couleurs des oiseaux faire le travail. L'arrière-plan reste doux et silencieux, juste assez pour suggérer l'atmosphère et le terrain sans attirer l'attention. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de dessiner le Blackbird, examinons tout le matériel et fournitures dont vous aurez besoin dans le cours d'aujourd'hui Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une astuce nocturne qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, cela vous donne plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce que vous devrez suivre dans le cours d'aujourd'hui. Passons maintenant à l' esquisse de ce Blackbird. 4. Préparer la composition: Avant de passer à la peinture, je veux passer un peu de temps à établir le dessin. Donc, pour un sujet comme celui-ci, je pense que le dessin est particulièrement important car le caractère de l'oiseau provient en grande partie de sa silhouette. Une fois que nous aurons commencé à ajouter tous ces vernis foncés plus tard, il y aura beaucoup moins de place pour apporter des modifications structurelles majeures C'est donc à cette étape que nous voulons nous assurer que les proportions, la posture et les mouvements généraux sont convaincants. Je commence donc par une matière très souple et souple. Toutes ces premières lignes au crayon ne sont qu'exploratoires, rien n'est gravé dans le marbre Je ne veux pas en faire un dessin au crayon très fini. L'esquisse n'est en fait qu'un cadre pour l'aquarelle. Je veux suffisamment d'informations pour me guider en toute confiance, mais pas trop de lignes au point de me sentir piégée une fois que je commence à peindre Donc, plutôt que de commencer par l'œil ou le bec, nous y sommes arrivés un peu plus tard j'essaie de voir l'oiseau commencer, j'essaie de voir l'oiseau sous la forme de quelques grandes formes connectées. Nous avons le corps principal, qui ressemble presque à un ovale ou à une forme d'œuf. Ensuite, nous avons cette petite tête ronde qui s'en détache. La queue crée cette forme longue et effilée en s'éloignant dans la direction opposée Et puis en dessous de tout ça, il y a ces jambes anguleuses très délicates. Alors déjà, seules quelques formes nous indiquent l'essentiel de ce que nous devons savoir. Et c'est une façon utile d' aborder le dessin en général. 5. Sous-couche bleak et des yeux: Nous allons commencer cette peinture avec une sous-couche très douce de jaune vif autour de l'œil et du bec J'ai choisi de pré-mouiller cette zone juste comme mesure de sécurité, mais ce n'est pas essentiel. Vous pouvez simplement passer directement au pigment si vous le souhaitez. Je ne fais que démontrer l'option la plus simple. Maintenant qu'il est prémouillé, nous pouvons simplement y déposer ce jaune, et l'eau déjà présente sur le papier aide à remplir cette zone facilement et en douceur Nous avons dessiné cet œil avec le crayon, mais je peins en fait par-dessus la ligne parce que je sais que plus tard, nous allons obtenir un noir très vif, qui couvrira endroit où nous avons dépassé la ligne avec le jaune. Il suffit d'y ajouter une touche de rouge cabium, même si c'est probablement un peu trop puissant. Je dois donc le maculer et au fur et à mesure que je l'étale, il devient plus clair C'est plutôt une couleur orange maintenant. Mais comme elle est si légère et diluée, ce n'est pas une orange évidente. Je peux y déposer un peu plus de jaune cabium. De même, sur le bec. Nous ne voulons pas qu'il paraisse trop pâle, car il paraîtra alors trop faible lorsque nous appliquerons les noirs foncés ultérieurement. Il peut être assez étrange d'ajouter des pigments jaunes aussi puissants en ce moment sans rien d'autre sur le papier. Mais dans le contexte, puis dans les tons sombres, cela aura toujours l'air très clair et brillant. Alors ne soyez pas trop timide. Vous pourrez toujours les adoucir plus tard. Mais il vaut mieux être plus confiant à ce stade. Remarquez qu'avec le bec, je fais très attention à ne pas peindre par-dessus la ligne de peinture Et si je le fais, et si vous le faites, c'est assez facile à corriger. Tant qu'il est mouillé, nous pouvons avoir un mouchoir en papier dans la main et le tamponner rapidement avant qu'il ne tache le papier Vous pouvez même utiliser de l'eau pour éliminer les marques indésirables. Maintenant, je l'ai complètement séché avec un sèche-cheveux et j'y ai laissé tomber un peu de liquide de masquage, ce qui est très important. Ce n'est pas nécessaire. Cela nous permet simplement d'être plus expressifs et plus ludiques avec la peinture plus tard Si vous n'avez pas de liquide de masquage, c'est parfaitement bien. Vous pouvez simplement peindre autour ou découper du ruban adhésif Mais comme j'ai du liquide de masquage, je trouve que c'est une option facile J'utilise cet outil de sculpture, mais vous pouvez utiliser un bâton à cocktail Il n'est pas nécessaire que ce soit cet outil. Je ne pense pas à contourner le liquide de masquage. 6. Mélanger les foncés: J'ai donc rapidement utilisé un sèche-cheveux pour m'assurer que le liquide de masquage était complètement sec afin qu' il ne se détache pas ou ne tombe Maintenant, je vais mélanger mes noirs. En fait, l' idée même de ce cours, l'inspiration de ce cours, était de montrer comment n'est pas nécessaire d'utiliser un tube de peinture noire pour créer des noirs captivants et captivants En fait, pendant tout ce cours, je ne vais pas toucher à cette couche de peinture noire que j'ai dans ma palette. Je vais vous montrer trois manières différentes de mélanger le noir. Nous avons commencé avec ce vert varidien, puis nous y avons ajouté de l'alzoin cramoisi Si vous faites des allers-retours, s'il semble un peu trop vert, ajoutez un peu plus de rouge. S'il semble un peu trop rouge, ajoutez un peu plus de vert viridien au milieu, vous trouverez cette jolie couleur gris noirâtre. Ensuite, nous allons faire du bleu et de l'orange. Remarquez à quel point ces couleurs sont des couleurs complémentaires. Ils sont en face l'un de l' autre sur la roue chromatique. Le vert et le rouge sont donc opposés, et le bleu et l'orange sont opposés. Mais au lieu d'utiliser l' orange que j'ai dans ma poêle, j'utilise de la sienne brûlée, car la sienne brûlée est une couleur brune et le brun fait partie de la famille des oranges Ce sont donc toujours des couleurs complémentaires car c'est un pigment plus foncé, c'est un pigment translucide. Quand je mélange du bleu outremer ou du bleu cobalt avec cette sienne brûlée. Regarde comme il fait noir. C'est comme un noir pur, aussi foncé que le noir que nous avons sur le panneau en haut de la palette, le même type de noir que celui que l'on trouve dans un tube de peinture. Il n'est donc pas indispensable d'utiliser du noir. Tu peux mélanger tes propres noirs. Ce qui est intéressant, c'est que tous ces noirs ont des caractéristiques différentes parce que nous les mélangeons à d'autres couleurs. Les pigments du bleu et de la sienne brûlée interagiront les uns avec les autres sur le papier d'une manière unique et intéressante De même, nous avons le vert, le viridien, le menteur et le cramoisi Ils vont créer de jolis effets. Quatre pigments différents que nous avons jusqu'à présent notre palette produisent la même couleur, mais ils interagissent différemment sur le papier d'une manière inimaginable. Et c'est la magie de l'aquarelle. C'est pourquoi il est parfois utile d'essayer de mélanger vos propres noirs. Et en fait, tout au long de ce cours, quand je dis noir, je vais utiliser du noir maintenant. Je ne parle pas du pan noir en haut à gauche de ma palette. Je fais référence à ces couleurs que je suis en train de mélanger. Ce troisième noir, je vais d' ailleurs l'appeler gris parce que c'est une couleur assez claire car les troisièmes complémentaires sont le jaune et le violet, mais bien sûr, le jaune n'est pas une couleur très foncée Ainsi, lorsque vous mélangez du jaune avec du violet, cela ressemble à un gris boueux ou à un brun Donc, quand il est devenu brun, je sais que la couleur complémentaire de ce brun est le bleu. Donc, en mélangeant du bleu à cela, vous pouvez voir que cela se transforme en gris, c'est très bien. Nous pouvons l'utiliser pour certaines couleurs de tons moyens. Les couleurs de mi-mandat du Blackbird. Au fur et à mesure que nous avancerons dans le cours, je parlerai davantage de l'utilisation du noir dans les peintures en général. Parce que lorsque vous regardez des objets noirs, du moins dans la nature, vous pouvez constater qu'ils ne sont pas entièrement noirs. Il y a d'autres couleurs à l'intérieur qui sont le noir, surtout avec un oiseau noir. Lorsque vous consultez des références en ligne ou même dans la vraie vie, ce n'est pas une mince affaire. Il y a des nuances de brun et de bleu, peut-être un peu de vert Mais nous en reparlerons plus tard. 7. un fond doux: Alors maintenant, nous avons ces couleurs noires mélangées. Nous pouvons commencer à l'appliquer. Et comme toujours, nous le décomposons en étapes simples. Je prends un gros pinceau simplement parce que cela me fait gagner du temps, pas parce qu'il est nécessaire de recouvrir complètement le papier d'eau. Je ne le mouille pas complètement, juste assez pour le laver uniformément afin que, lorsqu' il s'agit d' appliquer les pigments noirs, ils s'étalent bien et uniformément sans dessécher ni créer de lignes dures fait d'avoir votre papier collé sur un tableau aide vraiment à cela, car lorsque nous mettons autant d'eau et pigments sur une feuille de papier, comme c'est le cas actuellement, elle ne peut que se froisser Même du papier coton de bonne qualité le fait. Mais comme nous l'avons collé avec du ruban adhésif, lorsqu'il sèche, il s'aplatit à nouveau. papier à base de bois ordinaire ne s' aplatira pas vraiment à nouveau, mais le coton le fera certainement Peu importe gris ou le noir que j' utilise dans ma palette. Je suis juste en train d'en appliquer un léger lavage pour le moment. Comme les papiers sont déjà mouillés, ils vont se lisser. Nous voulons créer une certaine profondeur atmosphérique dans cette peinture. Donc, en utilisant des coups de pinceau très fluides. Une autre raison pour laquelle un gros pinceau est utile est que nous pouvons éviter d'utiliser de petits coups de pinceau qui créent ou gâchent la sensation d'un lavage atmosphérique plat. Si nous avons une ligne dure, cela détruit cette sensation de profondeur. Nous commençons donc par un type de lavage de base. Nous pouvons avoir de subtils changements de ton, mais je ne veux pas de ligne dure pour le moment. Comme les papiers sont si mouillés, nous n'aurons pas vraiment de difficulté pour le moment , car l'eau fait beaucoup d'efforts à notre place. En bas, cependant, ce sera le premier plan. Vous pouvez donc voir que nous avons dessiné un petit bout de terrain sur ce petit étang ou cette flaque Et nous allons le rendre légèrement plus sombre que le premier plan pour il s'estompe au loin, ce qui créera une subtile illusion de profondeur Remarquez comment j'utilise le gris, ce noir comme ton de base. Mais de temps en temps, je tape un peu de bleu comme je le suis maintenant, un peu de vert, juste pour influencer un peu le gris C'est donc au-delà de tout ce qui est visuellement perceptible. Cette influence est plus inconsciente. Mais cela a un effet. Sinon, c'est une couleur grise très plate, mais nous avons ajouté de petites touches d' autres pigments juste pour lui donner une touche subtile. J'applique également quelques éclaboussures d' eau pure sur les zones légèrement plus sombres pour leur donner une texture un peu subtile 8. Reflets subtils: Passons donc à autre chose, comme le papier commence à sécher un peu, petit à petit, nous pouvons profiter de chaque étape de ce processus. Je suis passé à un pinceau plus petit, et même s'il est encore mouillé sur mouillé, j'applique le reflet des jambes. Vous pouvez voir que ces coups de pinceau, ces formes, ces lignes que nous appliquons conservent leur forme, mais ils n'ont pas de lignes dures parce que le papier n'est pas complètement détrempé, pas mouillé, mais il n'est pas sec. Il se situe entre l'humidité et l'humidité, il conserve donc sa forme, tout en étant doux au toucher. Et j'ai ajouté quelques ondulations latérales, ondulés horizontaux Ce n'est pas si important, mais j'ai essayé de faire en sorte que le terrain sur lequel se trouve l'oiseau noir soit un peu plus clair, mais juste au-dessus du terrain, vous pouvez voir qu'il y a un léger pigment tonal, un peu plus foncé, sous les pattes Maintenant que je sais à quel point le papier est humide ou sec, je peux être un peu plus audacieuse avec mon pigment, car je sais qu' il ne s' quel point le papier est humide ou sec, je peux être un peu plus audacieuse avec mon pigment, car je sais écoulera pas et ne deviendra pas fou Je sais que c'est un peu contrôlable maintenant. Je reviens donc avec un pigment foncé plus épais, l'un des noirs que j'ai prémélangés. J'ai quelques plis sur mon papier qui peuvent être difficiles à voir sous cet angle, mais quand j' applique mes coups de pinceau, j' essaie de tenir compte des plis parce que si je fais simplement glisser mon pinceau dessus, il ne touchera, bien sûr, que le sommet de ces plis du papier et évitera les vallées des plis du papier vallées des plis du Je dois donc en quelque sorte soulever mon pinceau de haut en bas en fonction des plis du papier Il n'est pas nécessaire que ce soit un long coup de pinceau. Vous pouvez faire quelques coups de pinceau dans les vallées et quelques coups de pinceau sur les pointes du papier. Maintenant, je vais complètement sécher le papier. Même s'il est sec au toucher, je vais passer à un niveau supérieur, car parfois après avoir appliqué autant d'eau pour un lavage comme celui-ci, le papier reste mouillé en dessous Je vais donc simplement m' assurer qu'il est parfaitement sec. C'est un arrière-plan très subtil que nous venons de créer, mais c'est suffisant. 9. Un début expressif.: Vous pouvez donc voir que nous l'avons complètement séché Comme j'utilise du papier à base de coton et du ruban adhésif sur tous les côtés, les plis se sont à nouveau aplatis C'est bon signe qu' il soit complètement sec. J'utilise donc un pinceau de taille moyenne maintenant. Il a un point intéressant, je peux donc aller jusqu'au bord, et j'utilise de l'eau pure pour simplement remplir la silhouette, car nous allons utiliser beaucoup de technique humide par humide pour cette peinture. Bien entendu, si vous n'avez pas le liquide masquant pour les yeux et le bec, vous devrez peindre soigneusement le contour de ces parties Si vous êtes très rapide, vous pouvez simplement appliquer le pigment et porter le nettoyant au fur et à mesure. Mais je trouve que le simple fait de pré-mouiller la zone que vous voulez peindre peut vous permettre d'être un peu plus joueur et vous donne un peu de sécurité. Vous pouvez donc voir qu' en fait, les noirs que nous avons déjà mélangés sur la palette, bleu-brun, ont déjà créé une séparation intéressante des pigments dans le palais lui-même Je peux donc voir que c'est un noir plus froid, et celui ci-dessous est un peu plus chaud. Je vais donc jouer avec ces deux types différents de tons noirs et grisâtres J'expérimente donc la différence de température de ces tons grisâtres. Évidemment, j'ai commencé avec une température plus brune et plus chaude parce que le noir n' est pas vraiment une seule couleur. L'une des choses les plus importantes de ce cours, que j'ai abordée tout à l'heure, c'est que je ne veux pas traiter l'oiseau comme une forme noire plate. Bien sûr, c'est un merle, mais quand on regarde vraiment le plumage foncé, il y a tellement de couleur à l'intérieur Il y a des notes bleues, violettes, brunes, gris chauds, des gris froids, parfois presque des reflets verts Et puis certaines zones deviennent très profondes et neutres. Et puis, bien sûr, il a la lumière réfléchie qu'il capte. Cela peut aussi être étonnamment coloré. Donc, quand je parle de noir, je parle en fait d'une famille de couleurs très sombres plutôt que d'un simple tube d'une seule couleur. C'est une distinction utile, car un noir plat peut définitivement détruire la forme et l'expressivité très rapidement. J'essaie d'être aussi expressive que possible dès le début, en empilant simplement différents pigments et en voyant comment ils réagissent 10. Une touche de sel: L'une des choses les plus utiles avec un sujet comme celui-ci est d'arrêter tout de suite de penser aux plumes et de considérer l'oiseau comme une seule grande Si je plisse les yeux devant une référence ou plusieurs références parce que je suis influencé par plusieurs références, je pourrais aimer la forme ou la posture d'une référence, mais je veux les couleurs et les tons d'une autre Et puis peut-être que je veux le contexte d'une toute autre histoire. Je ne me fie donc jamais vraiment à une seule référence. Quoi qu'il en soit, si je plisse les yeux devant la référence, la majeure partie du corps se fond dans une seule silhouette sombre Je peux voir la tête, la poitrine arrondie, le corps, la longue queue et les jambes en dessous. Mais je ne vois pas vraiment de plumes individuelles, donc c'est ce que nous pouvons ignorer. Je suis en train de voir la seule masse connectée. Et une fois que nous avons cela en tête, il est beaucoup plus facile de commencer mentalement. Je commence à perdre du sel. Je vais faire des expériences avec ça. C'est très aléatoire pour moi. Mais je trouve que, comme nous venons d'appliquer du pigment et de l'eau, au début, nous leur laisserons le temps de se dissoudre en séchant. Il est généralement préférable de ne pas utiliser de sel, mais voyons voir. 11. Bas-ventre sombre: J'aime déjà beaucoup la façon dont ces pigments interagissent entre eux. J'ai simplement ajouté des coups de pinceau aléatoires sans même vraiment penser à la façon dont cela va se terminer. Je laisse l'aquarelle faire son propre travail, puis je réagis à l'aquarelle elle-même plutôt que d'essayer de la forcer Maintenant que je sais que le dessous du ventre de ce merle est plus foncé, j'applique noir concentré plus riche Et puis, pendant qu'il est encore mouillé au-dessus, je peux le connecter pour que la transition soit douce et agréable. Et nous pouvons travailler ensemble de droite à gauche, même si je choisis très spontanément la façon dont je décide de m'y prendre. Si je devais le peindre à nouveau, il se pourrait bien que l' aquarelle ait dicté autre chose et je travaille de gauche à droite plutôt que de droite à Je ne suis pas si strict sur un processus ou une méthode de travail. Les oiseaux peuvent sembler compliqués en raison grand nombre de plumes qui se chevauchent, minuscules changements anatomiques ou de subtils changements de couleur, quelques petits bords ici et là C'est pourquoi je fais parfois de petites pauses pour comprendre comment m'y prendre, comment simplifier, en gros. Comment examiner toutes ces choses complexes et décider de simplement supprimer une grande partie de ces informations, ce qui est vraiment essentiel. Et pour ce faire, je regarde la forme plus grande qui se trouve sous toutes ces choses et je constate que c'est en fait assez simple. Et si cette forme plus grande semble convaincante, une quantité surprenante de détails devient optionnelle. La silhouette est particulièrement importante ici car l'oiseau est si sombre sur ce fond pâle. Ce contraste signifie que le contour extérieur que je viens de peindre contient maintenant de nombreuses informations, notamment la forme du front, la transition vers le bec, la rondeur de la poitrine, etc. 12. Peinture: La plupart des meilleurs sujets d' aquarelle reposent sur des silhouettes, car les silhouettes impliquent de grands lavages comme celui-ci, dans lesquels nous pouvons créer des textures excitantes, une variété de formes différentes, être impulsifs et laisser l'eau et les pigments faire des choses qu' aucun autre médium ne peut faire Dans cet esprit, la silhouette étant si importante, nous n'avons pas besoin de la décorer. Il suffit de l'observer et d'y être fidèle. Et puis, dans cette silhouette, c'est là que nous pouvons être plus ludiques. Mais lorsqu'il s'agit de l'observer, nous devons nous demander : où se courbe-t-il doucement ? Où y a-t-il un petit angle ? Quelle est la relation entre la taille de la tête et celle du corps ? Ce genre de questions. Jusqu'où se trouve la poitrine en dessous ? Et puis où se rétrécit la queue ? Et ces relations plus larges importent bien plus que le plumage individuel Et cela se résume en grande partie au dessin et à l'esquisse. Beaucoup de croquis et de dessins peuvent être assez ennuyeux, mais une fois que vous comprenez l' importance d'une silhouette, faire en grande partie au crayon au préalable plutôt que pendant le processus de peinture lui-même Bien entendu, il existe de nombreux autres sujets qui ont un peu plus de dynamique. Ce n'est peut-être pas juste une silhouette plate. On peut donc être un peu plus spontané avec le pinceau qu'avec le crayon. Vous pouvez voir que j'ai beaucoup de cours où le pinceau est moins axé sur le dessin et plus spontané. Il suffit d'ajouter quelques gouttes d'eau pure pour créer et encourager des textures captivantes 13. Petites plumes: C'est pour moi l'une des parties les plus difficiles d'un tableau. C'est laisser les choses tranquilles. J'aime beaucoup l'apparence des textures sur le corps de l'oiseau en ce moment. Mais il y a toujours une attirance et une envie de tripoter, de manipuler et de modifier des choses, et cela perdra inévitablement sa magie Ce que je fais maintenant, c'est essayer de me déconnecter un peu de cela pour voir comment cela finit par sécher et d'utiliser le bout d' un pinceau pour ajouter quelques petites plumes qui sortent de la silhouette. Quelques petits détails, sont les éléments les plus proches détails que nous avons peints jusqu' à présent, et ils ne sont pas nombreux, juste quelques petits traits, mais cela donne l' illusion du détail et aide à indiquer au spectateur à quoi pourraient ressembler les autres détails sans que nous ayons à les peindre. L'ajout de ces fines plumes permet donc au spectateur de terminer le tableau et de participer lui-même à la peinture sans que nous ayons à ajouter tous ces traits et textures de plumes partout. Maintenant, je prends du recul pour vraiment évaluer et décider de ce qui est essentiel ensuite. 14. Commencer les jambes: Maintenant, je vais commencer à peindre les pieds en utilisant un peu de rouge sourd Et pour cela, nous pouvons simplement utiliser un pourpre isarin puis utiliser l'un de nos gris pour le neutraliser, ou nous pouvons même utiliser un Et même lorsqu'il s'agit de quelque chose d'un peu plus détaillé comme ces jambes, on peut toujours les considérer comme une silhouette. Nous pouvons toujours essayer de le décomposer en une forme simple. Et tous ces concepts vont au-delà des oiseaux. Ils s'appliquent à d'autres matières. Chaque fois qu'un sujet semble compliqué, essayez d'abord de le réduire aux formes les plus grandes. Oubliez la texture, les détails, oubliez même le nom de la chose. Peu importe qu'il s'agisse d'un oiseau d'un cheval, d'un chien ou d'un paysage, considérez même la silhouette ou la forme comme une forme abstraite. Et puis, souvent, la peinture devient beaucoup plus simple au moment où nous le faisons. Ces pieds sont une autre occasion d'ajouter un peu plus de couleur. Parce que le merle lui-même est principalement noir et gris, et nous devons vraiment utiliser notre licence artistique pour y intégrer d' autres couleurs Mais ces jambes nous offrent une belle occasion facile de le faire. Et maintenant, nous avons ajouté ce nettoyant de base sur les jambes. Je commence à ajouter un peu de ce pigment foncé plus épais. Encore une fois, il peut s'agir de n'importe quel pigment foncé que nous avons mélangé ou nous pouvons même utiliser votre tube de noir si vous ne voulez pas mélanger votre propre noir. Comme il fait encore humide, ces tons foncés se mélangent et fondent dedans. Et je veux l' intégrer dans le corps. Je ne veux pas juste que ça ait l'air collé, alors je m'agite dans le corps pour le relier 15. Sous-couche du sol: Nous pouvons maintenant faire une pause dans la peinture de l'oiseau et peindre le petit bout de terre sur lequel il se trouve. Je mélange juste un peu plus de ce noir avec du vert viridien Revenez là-dessus plus tard. Mélangeons cette couleur de fond. Je vais lui donner une couleur brun clair, tellement brûlée, avec un peu d'ocre jaune, mais j'en utilise un lavis très dilué Vous pouvez voir qu'il est à peine visible, mais en raison de sa chaleur, il contraste beaucoup avec le fond sourd C'est probablement le même ton que le fond, mais comme il dégage de la chaleur, c'est une couleur assez vive, elle y est très visible. L'idée est d'appliquer un lavage fin, puis d'ajouter un peu de texture humide sur mouillée en plus de cela. Encore une fois, il est difficile de voir quelles zones j'ai peintes, car il s'agit essentiellement d'eau pure sur le côté droit. Mais je peux voir quand j'incline ma tête en fonction de la lumière, je peux voir quelles zones sont mouillées à cause de ce reflet, même si vous ne pouvez pas le voir avec l'appareil photo, j'évalue quelles zones sont mouillées, puis je laisse tomber ce pigment dedans chaque fois que je le peux, je laisse l'aquarelle faire le travail à ma place C'est ce qui se rapproche le plus d'un secret. Permettre à l'aquarelle de faire la majeure partie du travail dans la mesure du possible. J'essaie de décomposer le tableau manière à ce que vous puissiez le faire. Lorsque vous examinez votre référence, réfléchissez à la façon dont vous pouvez encourager l'aquarelle à tirer parti de ces aspects et à ignorer l'autre Même si ce n'est pas totalement honnête par rapport à la référence originale, vous devrez peut-être inventer certaines choses ou en exagérer certaines Lorsque j'ajoute ces gouttes plus foncées de ton neutre sur le dessus, j'essaie de créer un peu d' espace entre elles afin de ne pas les submerger. Crée un peu de texture. Le mélange d'un peu de bleu est le complément naturel à cette base orange. Donc, quand il sera placé sur le dessus, il paraîtra un peu plus gris que bleu. Maintenant que mon pinceau est plus pigmenté, je peins le contour de ce fond, en particulier le bas où il y aura un peu plus d'ombre. Mais c'est très subtil. Je ne m' attarde pas trop sur les détails, créer une texture un peu intéressante Le problème du surmenage, c'est qu'il perd de sa magie. Cela semble forcé et même le papier commence à se décomposer. 16. Texture du sol: Alors maintenant, nous le laissons sécher un peu plus. Cela ne prend pas trop de temps car nous n'avons pas appliqué autant d'eau. Si nous mélangeons un pigment un peu plus épais sur notre pinceau, même sur du papier très humide, si la consistance de notre pinceau est plus épaisse, il ne se dissoudra pas complètement sur le papier. Cela ne se produira que si la peinture de notre pinceau est très fine et diluée , elle se répandra. Mais si vous utilisez un pigment très épais, comme la texture du Tofpaste par exemple, si épais, il ne se dissoudra pas du tout Eh bien, les bords seront adoucis, mais ça ne va pas déborder soudainement. Et c'est comme ça que je l' ai trouvé ici. Vous pouvez voir qu'il conserve essentiellement sa forme, et ces petits accents pointus lui donnent un peu de texture. n'est pas trop réaliste, mais cela donne ce contraste de texture car tout est fluide dans le Blackbird La création de cette texture de sol montre donc clairement qu' il s'agit de terre et non d'eau. 17. plus de contraste: Maintenant, nous avons laissé le temps au corps de sécher. Nous pouvons y revenir. Ce n'est pas énorme. Je ne veux pas perdre toutes ces textures excitantes obtenues par l'aquarelle Je vais juste souligner certaines zones autour de l' œil. Par exemple, il faut qu'il soit un peu plus foncé pour que le jaune et l' orange apparaissent plus tard. Donc je fais juste tomber un peu de pigment foncé par là. Et comme nous y avons déjà créé de nombreuses couleurs sombres, je vais être un peu plus inventif avec les couleurs que j'utilise actuellement J'ai choisi de mettre un peu plus de violet violet sur le dessus. Il fait encore nuit. Ce n'est pas vibrant, mais cela l'empêche d'être d'une couleur noire morte. Parce que, comme je l'ai déjà mentionné, si nous remplissons simplement l'oiseau entier avec le même mélange de noir, nous obtiendrons peut-être la silhouette dont nous avons parlé tout à l' heure, mais nous perdrons le genre d' aspects passionnants que nous voulons encourager. Peut-être qu'au lieu de nous concentrer sur les détails de l'anatomie, nous pouvons utiliser cela comme excuse pour utiliser différentes couleurs pour distinguer les différentes parties. Ainsi, là où il y a un peu de rondeur, nous pouvons appliquer différentes couleurs, la structure des ailes, la rotation subtile du corps et la sensation de lumière Cela se déplace sur les plumes. Ce qui donne à l'oiseau une impression tridimensionnelle, ce n'est pas qu' un côté est clair et l'autre est noir. C'est qu'il y a de petits changements dans l'obscurité, et ils n'ont pas besoin d' être anatomiquement corrects Comme vous pouvez le constater, nous avons laissé l'aquarelle faire essentiellement tout cela Nous l'avons influencée, mais nous ne l'avons pas forcée. Peut-être qu'un passage légèrement plus frais peut se détourner ou qu'un brun plus chaud peut suggérer une lumière réfléchie. Ensuite, nous pouvons conserver des zones sombres neutres pour créer les cavités les plus profondes, comme sous la poitrine et le ventre, là où se trouvent actuellement les jambes Ensuite, en ce qui concerne la queue et les ailes, nous pouvons peut-être y ajouter un peu plus de violet. On a des notes turquoises sur la poitrine. Ce sont tous de petits changements, mais ensemble, ils créent cette sensation de forme. Je pense que c'est l'une de ces leçons peinture qui change la façon dont nous voyons les objets sombres en général, qu'il s'agisse d'un tissu foncé, de cheveux noirs ou d'un cheval noir. Un arbre ombragé dans un paysage. Presque rien n'est simplement noir. La couleur locale et par couleur locale, j'entends la couleur naturelle d'un objet telle que nous le percevons sous un éclairage normal, un éclairage neutre avant qu'il ne soit influencé par la lumière, ombres ou les couleurs environnantes. La couleur locale peut donc être très foncée, mais la lumière interagit toujours avec cette surface pour créer de la variété. 18. Quelques accents: Donc, au lieu de demander, quel noir dois-je utiliser ? Nous pouvons nous demander : de quel type d'obscurité s'agit-il ? Cela vous aide à prendre des décisions lorsque vous mélangez vos couleurs foncées sur votre palette plutôt que de simplement atteindre le tube noir. Est-ce qu'il fait chaud ? C'est cool ? Est-il neutre ou coloré, doux ou fort ? Nous devons également penser à la transparence, car certains noirs, comme Ultramarine et Burnt Sienna, mélangés , forment une sorte de noir très transparent Pourtant, l'ocre jaune et le violet lavande, qui donnent une couleur neutre, sont plus opaques Et vous pouvez voir en regardant l'oiseau en ce moment plus les couleurs translucides laissent passer la lumière du papier presque comme une lueur, mais les couleurs opaques bloquent complètement et diffusent cette lumière. Vous n'avez donc pas besoin d' y réfléchir trop longuement. Vous pouvez encore une fois permettre à l'aquarelle de faire son propre travail lorsqu'elles s'entremêlent Mais c'est une chose à laquelle vous pouvez réfléchir, si vous voulez poursuivre dans cette voie et jouer avec cela. Permettez-moi de faire une petite tangente, car foncé ne veut pas dire incolore Je pense que l'idée générale mérite d'être rappelée , car une valeur foncée et une couleur faible ne sont pas la même chose. Une couleur peut être incroyablement foncée tout en gardant une teinte très forte. Si nous pensons à un bleu profond, il peut presque être noir tout en restant clairement bleu comme le bleu outremer, un violet foncé peut tout de même porter Ou un brun chaud et profond peut être riche même à une valeur très faible. Et c'est important parce que parfois lorsque nous avons besoin de quelque chose de plus sombre, nous le neutralisons immédiatement parce que nous avons tendance à penser que le noir est sombre Peignons simplement cette ombre sur le visage d'un animal ou d'un paysage et utilisons le noir. Mais cela tue souvent l'excitation, à moins que nous ne fassions exprès une peinture monotone Ou nous fabriquons tellement de couleurs complémentaires que cela crée de la boue et que la couleur que nous voulons disparaît 19. Les pieds: Je veux juste mieux harmoniser les jambes avec le corps , car les jambes sont très différentes du corps, bien sûr. Le corps est large, foncé, masqué, mais les pattes sont fines, anguleuses et linéaires, ce contraste les rend visuellement très intéressantes Je veux qu'ils se sentent assez forts pour soutenir l'oiseau, tout en restant délicats. La qualité de la ligne est importante. Une ligne épaisse et uniforme peut donner aux jambes un aspect assez maladroit Une légère variation de largeur semble donc un peu plus naturelle. Et nous pouvons commencer à relier les pieds au sol parce que les pieds sont importants, non seulement parce qu'ils constituent un point focal parce qu'ils attirent l'attention de manière subtile , mais parce qu'ils nous indiquent que l'oiseau se tient réellement quelque part Si le contact n'est pas clair, l'oiseau peut sembler flotter, même si nous savons que ce n'est pas le cas, c'est tout simplement le cas. Je veux faire attention à l'endroit où les orteils et griffes touchent la surface du sol Une petite ombre de contact foncée peut y faire beaucoup de travail. Peut-être que quelques marques de sol irrégulières recouvrent légèrement les pieds. Peut-être qu'un orteil disparaît derrière une texture. Ces minuscules connexions peuvent ancrer l'oiseau au sol ou à la composition. C'est utile pour tout sujet touchant le sol, agisse de personnes, d' animaux ou d'objets. Le point de contact porte le poids. Et parfois, cette petite relation est plus importante que de nombreux détails ailleurs. Comme je l'ai déjà dit, le sol de ce tableau est très discret, et j'aime bien cela parce que l'oiseau, bien sûr, reste clairement dominant Il n'est pas nécessaire de décrire un paysage complet situé en dessous. Juste quelques lavages neutres pâles, quelques marques horizontales brisées, un peu d'ombre C'est suffisant pour créer une surface. Et je pense que c'est un bon exemple de finition sélective, car le sol a du travail. Il doit soutenir l'oiseau physiquement et compositionnellement Et une fois cela fait, il n'a pas besoin de devenir intéressant à part entière. Ce n'est tout simplement pas nécessaire. 20. Commencer la queue: Maintenant, nous pouvons commencer à peindre la queue, et je vais simplement mélanger une couleur noire très foncée et épaisse, ou je ne devrais pas vraiment l'appeler noire parce que je n'utilise pas de peinture noire. Je n'arrête pas de me répéter, en utilisant du bleu outremer et de la Sienne brûlée Nous pouvons utiliser une touche d'Alison et de Crimson si nous Mais comme vous pouvez le constater lorsque nous l'appliquons, il sera si épais qu'il ressemble à du noir, mais il n'est pas encore coloré car une fois que nous l'avons dilué, de la couleur en sort. Mais si je le veux épais, c'est parce que c'est une déclaration assez audacieuse à raconter. Elle aide à diriger l'œil vers l'intérieur. Peut-être que nous pouvons avoir quelques marques de pinceau sèches. Mais c'est amusant car lorsque nous appliquons un pigment épais comme celui-ci, nous pouvons utiliser ce pigment sur le papier pour le déplacer et le fondre dans le corps. Attention, bien sûr, à ce que votre dessin ou le tracé du gabarit soient exacts, et nous voulons suivre les lignes. Nous devons faire attention à suivre les lignes du croquis afin de maintenir la bonne proportion entre la tête, le corps et la queue, car les proportions des oiseaux sont très faciles à déformer. Les plumes peuvent masquer l'anatomie sous-jacente, sorte que le corps peut paraître grand ou plus petit, selon le peluchage du plumage Parfois, le cou disparaît presque ou la tête semble soudée aux épaules. Donc, au lieu de m'appuyer sur des hypothèses anatomiques, j'essaie de comparer les formes visibles. Quelle est la longueur de la queue par rapport au corps, ce genre de choses. Et c'est sous quel angle ? Ce genre de comparaison est plus pratique. Et le bec et queue sont en quelque sorte opposés sur le plan de la composition L'un pointe vers l'avant, l'autre s'étire vers l'arrière et, bien sûr, le corps se trouve entre les deux, ce qui donne de l'équilibre à l'oiseau. Cela crée également un long mouvement horizontal sur la page. Ceci est très important car le corps lui-même est assez compact. Et sans ces extensions, le tableau pourrait sembler un peu statique. Le bec et la queue ouvrent donc cette composition. Ils créent une sorte de tension directionnelle autour du fond pâle. 21. Fusionner la queue: Maintenant que nous avons rempli la queue, il est temps de la fusionner et de la relier au reste du corps. Alors que la peinture est en train de s'assembler, vous pouvez constater que même si je ne peins pas des plumes individuelles, la direction du pinceau peut tout de même suggérer un plumage Les mouvements le long de l'aile peuvent suivre le flux des plumes. Autour du cou, en descendant également le long de la queue. Les marques sur la poitrine peuvent courber le corps. Ces instructions créent de la texture et de la forme en même temps. Il suffit d'utiliser un mouchoir en papier pour tamponner parce qu'il faisait un peu trop foncé. Je veux créer ici une transition un peu plus texturée, en particulier là où les ailes se chevauchent Je ne veux pas peindre complètement cette zone. Je tiens à établir une distinction claire. Donc oui, la direction des pinceau peut aider à suggérer les détails, et c'est également plus efficace que la création de marques aléatoires. Être une marque doit idéalement remplir plusieurs fonctions lorsque vous pensez à une peinture, ces tâches peuvent être la couleur, la valeur, la texture, la direction, la forme. Nous n'avons pas besoin de penser à toutes ces choses tout le temps, mais nous nous familiarisons avec elles parce que ce sont des éléments intemporels d'une peinture qui aident les artistes depuis des siècles. Idéalement, plus un trait peut contenir d'informations, la peinture a tendance à être fraîche. Bien sûr, la perfection n'existe pas, c'est donc toujours quelque chose que nous visons. Nous n'avons pas besoin d'essayer d' être sévères envers nous-mêmes. Nous pouvons toujours nous amuser en nous sentant libres. Nous n'avons pas besoin de mettre de pression et nous limiter, car cela va dans le sens inverse. Je fais juste une pause dans la zone de la queue, car l' aile se chevauchera Nous devrons donc le faire sur une autre couche et la laisser sécher. L'aquarelle foncée peut devenir très boueuse assez rapidement si nous continuons à travailler encore et encore sur un passage moitié sec sans le vouloir. Parfois, la meilleure technique consiste simplement à attendre. La zone dangereuse se produit souvent lorsque la surface sèche de manière inégale et que nous continuons à frotter ou à appliquer de la peinture, car cela peut perturber le pigment, créer des fleurs ou endommager la surface du papier Parfois, nous voulons encourager cela. j'encourageais cela dans début, j'encourageais cela dans les grandes salles de lavage. C'est généralement toujours la première étape de la peinture, exagérant délibérément la texture et chaos afin que nous puissions y revenir plus tard si nécessaire C'est à ce stade que nous essayons de reconnaître quand un passage ou une section doit être laissé côté et parfois cela prend un peu de recul Parfois, on franchit un peu la limite. Je le sais certainement. C'est tellement facile parce que nous examinons notre référence et que nous voyons des détails que nous n' avons pas encore peints. Nous supposons donc que c'est nécessaire, puis avant que vous ne vous rendiez compte, nous en avons trop fait 22. Le bord de l'aile: C'est une question de patience, car la patience n'est pas seulement un trait de personnalité à l'aquarelle Il s'agit en grande partie de connaissances techniques, d'attente des choses, de savoir quand ne pas toucher le papier. Et c'est une compétence à part entière, car parfois la note suivante est correcte, mais le moment est mal choisi. Si nous attendons 30 secondes, cela fonctionne soudainement. Si nous sommes 30 secondes trop tôt, qu'elle devient trop molle et fait pivoter la couche précédente C'est pourquoi l' aquarelle peut devenir presque méditative une fois qu' on arrête de la combattre beaucoup de stress Je ressens beaucoup de stress pour les débutants ou pour les personnes qui n'ont expérimenté médium que parce que c'est un état d'esprit complètement différent des autres médiums, et nous devons l'aborder différemment Et en luttant contre ce temps de séchage et la façon dont nous interagissons avec l'eau et la consistance des pigments, il est facile de se sentir hospitalisé ou d' être un peu dépassé au point de donner envie de se précipiter et d'en finir avec tout cela Mais une fois que nous avons pris conscience de ces sentiments qui sommeillent en nous pendant que nous peignons, nous pouvons les utiliser pour nous détendre, respirer et ralentir. Au lieu de nous battre contre le médium, bouger avec lui, peindre, regarder , attendre un peu plus, déménager ailleurs, puis revenir. Le processus a un rythme, et si nous respectons ce rythme, devient beaucoup plus facile de travailler avec le médium. Mais à l' origine, ce n'est pas quelque chose que nous nous sommes adressés à leur médium de pensée. Vous n'avez pas nécessairement cet aspect lorsqu'il s'agit de peintures à l'huile. Bien sûr, les peintures à l'huile et les acryliques ont probablement leur propre façon d'être thérapeutiques et méditatives, mais peut-être pas de manière aussi directe Maintenant, vous pouvez voir très clairement sur le tableau comment j'ai clairement défini cette ligne. J'ai ajouté que l'obscurité de la queue contrastait avec celle de l'aile 23. Pinceau sec: Une autre bonne occasion ce cours est de s' entraîner à faire preuve d'audace avec pigments, car lorsque nous mélangeons des couleurs sombres comme le noir et le gris très foncé , elles peuvent paraître d'un noir pur, même si elles sont diluées à moitié avec de l'eau, pour ensuite sécher beaucoup plus légèrement une fois que toutes les eaux se sont évaporées Et surtout pour cette queue maintenant, parce que je vais appliquer quelques marques de pinceau sèches et les marques de pinceau sèches sont beaucoup plus faciles à faire lorsque vous avez pigment épais. Si vous pensez l'idée même des marques de pinceau sèches, vous passez le pinceau au-dessus du papier Il est en contact, mais quand on pense au toucher, la texture du papier, il glisse simplement sur les pointes et le pigment n'atteint pas les vallées du papier, le grain du C'est ce qui crée la texture. Si votre eau est très humide et si votre pigment est très humide et homogène, l'eau coule simplement dans les grains du papier, et il est très difficile d' obtenir un tel effet de pinceau sec. Et c'est dans le nom lui-même, brosse sèche. Cela implique que la consistance de la peinture est très épaisse. Et le pinceau sec est particulièrement utile pour le plumage et les plumes car il crée naturellement des marques cassées Au lieu d'une ligne continue lisse, la rugosité du papier interrompt le trait, ce qui donne immédiatement l' impression d'être plus plumé Comme vous pouvez le voir, je fais glisser le côté, ou ce peut être très légèrement la pointe du pinceau, mais je n'appuie pas trop fort dessus. Trop de pression et le pinceau remplit complètement la texture. C'est l'une des techniques qui semble spontanée, mais qui dépend en fait beaucoup du contrôle et du contrôle de l'humidité. J'ai dit que la consistance de la peinture doit être épaisse, mais il ne faut pas aller trop loin pour qu'elle soit trop sèche et que rien ne se passe. Nous recherchons cet État intermédiaire utile. Parce que le pinceau sec est visuellement très résistant lorsqu'il est utilisé avec parcimonie. Quelques marques brisées peuvent suffire. En fait, je l'applique simplement sur ce nettoyant plus léger que nous avions utilisé auparavant et que nous avons préservé de la queue. 24. Retirer le fluide de masquage: Maintenant, nous en avons presque fini avec le corps de l'oiseau, et nous allons peindre les yeux et le bec Donc, avant de retirer le liquide de masquage, je vais juste assombrir un peu plus la zone située juste autour du bord de l'œil, juste pour augmenter Parce que c'est beaucoup plus facile à faire maintenant avec le liquide de masquage appliqué qu'après Bien sûr, si vous n' utilisez pas de liquide de masquage, vous pouvez le faire à tout moment Maintenant, je dois m'assurer que toutes les zones sont sèches avant de frotter le liquide de masquage, sinon j'aurai des rides, en utilisant le sèche-cheveux pour le faire Et maintenant, je peux facilement gratter ce liquide de masquage et voir quels sont les résultats Remarquez à quel point le bec brille vraiment sur le fond parce que, bien sûr, nous avons peint cette couleur jaune et orange dès le début Ainsi, lorsque nous avons appliqué ce fond doux, ce fond blanc cassé, nous n'avons pas grisé le bec, ce qui lui a permis de conserver son éclat Sinon, cela aurait l' air bien trop sourd. De plus, lorsque j'ai appliqué le liquide de masquage, je suis allé un peu au-delà de l'œil pour pouvoir le sculpter vers Je pourrais ajouter plus de pigment si nécessaire plutôt que de le rendre trop petit et de ne pas avoir assez de jaune clair pour peindre les yeux. Maintenant, j'utilise du jaune de cadmium pur pour lui donner un peu plus de profondeur, car vous pouvez voir à quel point il était pâle. Lorsque nous l'avons peint pour la première fois sans rien d'autre sur le papier, il avait l'air très, très solide. Même à mes yeux, je l'ai trouvé assez fort. Mais maintenant que tout le reste est là, cela semble trop faible. Alors maintenant, nous y ajoutons encore plus de pigment jaune. ne faut pas peindre jusqu'au sommet de ce bec, Mais il ne faut pas peindre jusqu'au sommet de ce bec, pour garder un peu de luminosité là-haut J'utilise de l'eau pure sur mon pinceau pour l'étaler. Pour de petites sections comme celle-ci, je ne veux pas qu'il soit trop humide. Je ne veux pas que mon pinceau soit surchargé. J'utilise un mouchoir ou l'éponge ci-dessus pour aspirer une grande partie de l'eau 25. Le bec: Maintenant, je pense que nous pouvons passer à un pigment plus foncé pour le bec et ajouter un peu de rouge camm pour obtenir une belle orange plutôt que du noir pour assombrir les tons, juste pour lui donner un peu plus de volume et là où les deux becs se rencontrent Avec le bout de mon pinceau. voyez, ce n'est pas le plus petit pinceau qui existe, mais comme il a une pointe très fine, je n'ai pas besoin d'utiliser le plus petit pinceau. Il est capable d'obtenir autant de détails qu'un petit pinceau, sauf que celui-ci contient beaucoup plus d'eau et de pigments, ce qui me permet de ne pas avoir à faire des allers-retours sur la palette. Maintenant, vous voyez, j'ai le badigeon dans ma main gauche, et je travaille directement à partir du tube , juste pour mettre un peu de valeur tout en haut du bec C'est à peine perceptible. La tête est assez détaillée car elle contient l'œil, bec et plusieurs petites transitions de plumes Mais en dessous de tout cela, il y a simplement une forme arrondie. Essayez donc de garder ce volume de base à l'esprit. Le crâne se courbe, le front rejoint le bec. L'arrière de la tête s'écoule dans le cou du corps. Cela signifie que les valeurs doivent soutenir cette rondeur. Dans cette situation, il y a en fait l'obscurité sur les bords car si vous pensez à la forme de l'oiseau, les plumes du milieu réfléchissent cette lumière. C'est pourquoi j'ai créé le côté obscur sur les bords. Je ne veux pas non plus trop graver la tête en petites marques de plumes Nous n'avons utilisé que quelques lavages larges, et cela peut faire bien plus que quelques marques de plumes, puis nous pouvons simplement ciseler le contour de l'œil. Il est assez difficile de défaire la peinture à ce stade Donc, lorsque nous continuons à peindre cette section, nous tournons en rond petit à petit, en reprenant la main pour regarder, voir si nous devons vraiment la réduire encore plus, puis nous pouvons passer à autre chose. 26. L'œil: L'œil est l'une des plus petites parties du tableau, mais il attire beaucoup d'attention. Et cela est dû en grande partie au contraste, car nous avons cet oiseau très foncé puis tout à coup un anneau jaune orangé vif. Et c'est ce que nous sommes en train de peindre. Nous peignons le centre en noir pour laisser passer cet anneau lumineux. Et nous pouvons ajouter un peu de blanc en haut de ce centre sombre et brillant C'est un événement visuel très concentré. L'œil n'a donc pas besoin d'être grand pour devenir important. Lorsque je peins un œil comme celui-ci, encore une fois, j'essaie de garder la forme simple. La pupille foncée ou IMS, puis l'anneau coloré qui l'entoure. Peut-être un petit détail s'il le faut. Peut-être que tu n'as même pas besoin de le faire. Si vous ne pensez pas pouvoir y trouver un tout petit point, bien sûr, avec l'aquarelle, nous devons réfléchir à l'ordre de ce processus Le jaune est plus clair que le noir, nous devons donc nous assurer de le faire comme sous-couche, puis nous pouvons peindre autour et ajouter ce petit cercle noir dans leur Je dirais qu'en fait, l'œil est la partie la plus importante de la peinture, car c'est un excellent exemple de la façon dont le peu d'informations peut créer un élément aussi important de la peinture. Le contraste est si fort qu'il ne fait qu'attirer l'attention du spectateur Et c'est une autre chose qui peut se traduire dans d'autres peintures. L'un des aspects les plus intéressants de la peinture est que taille et importance ne sont pas la même chose. Une petite marque peut avoir plus de poids qu' une grosse tache, comme cet œil brillant ou une lumière vive sur le bec Lorsque nous ajoutons ces petits points forts, nous devons également en être conscients, car ils attireront l'attention. Un seul point blanc comme ce petit point attire probablement davantage l'attention que l'ensemble des pattes et le sol sur lesquels l'oiseau se tient debout. C'est encore une fois à cause du contraste avec ce qui les entoure qui les rend puissants. Cela signifie que nous devons les utiliser avec soin car si chaque partie du tableau présente le même contraste maximal , tous ces petits accents perdent leur effet. J'utilise donc le blanc dans ma palette maintenant, qui est blanchi à la chaux pour ajouter quelques accents, mais il suffit d'en ajouter quelques-uns, pas trop Nous ne voulons pas qu'il rivalise trop avec la tête. C'est pourquoi les points focaux dépendent souvent davantage du contraste que des détails. Nous n'avons pas besoin d' agrandir une zone. Nous devons simplement le distinguer. Et chez cet oiseau, c'est l'œil. Il est utile de s'en souvenir chaque fois que nous sommes tentés de continuer à ajouter des détails. Parfois, un seul accent fort suffit et si cela ne suffit pas, cela signifie que nous devons réduire d' autres éléments ou que nous aurions dû le faire plus tôt. Nous avons trop peint tout à l'heure. Mais c'est un voyage et à chaque tableau, nous en apprenons de plus en plus. J'espère que ce cours vous a aidé à pratiquer des choses que vous n'avez pas nécessairement pratiquées dans d'autres cours. 27. Réflexions finales !: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur la peinture d'un merle Cette peinture nous a donné l'occasion d' explorer le côté le plus discret de l'aquarelle Nous avons vu comment la simplicité peut devenir une force, comment un sujet limité peut révéler une richesse surprenante et comment quelques notes de couleur peuvent transformer une peinture par ailleurs sobre N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences. Continuez donc à peindre et à expérimenter. Et si vous avez besoin de quelques conseils supplémentaires que vous continuez à peindre, j'ai élaboré un guide gratuit intitulé les dix erreurs d' aquarelle les plus courantes et comment les éviter. Il regorge de conseils pratiques pour vous aider à surmonter les défis courants et à vous sentir plus à l'aise avec votre aquarelle Vous pouvez le télécharger gratuitement en vous inscrivant à ma newsletter, Will Elliston Studio Notes, où je partage des conseils de peinture, des idées créatives et de l'inspiration Vous trouverez le lien dans la description du cours ci-dessous. Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Vous aimeriez avoir des commentaires sur votre peinture, j'adorerais les donner. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. 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Enfin, veuillez cliquer sur le bouton Suivre en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que ce cours vous rappellera que les peintures subtiles peuvent toujours être profondément expressives. J'ai hâte de tous vous revoir dans prochains cours d'ici là, au revoir et bonne peinture.