des fleurs expressives à l'aquarelle : couleur douce, rythme et lumière

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons un arrangement floral qui oscille entre douceur et force Plutôt que de traiter toutes les fleurs de la même manière, nous créerons un rythme visuel doux, permettant à certaines fleurs d'émerger clairement tandis que d'autres resteront presque fantômes. Les pétales pâles, les ombres bleues, verts terreux et les touches d'orange chaud créent une palette sobre mais expressive Nous verrons également comment les formes qui se chevauchent et les zones de détail inégales peuvent guider naturellement le regard à travers la composition Il s'agit moins de faire face à des fleurs individuelles d'organiser la lumière, la couleur et le mouvement. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et peignons une peinture florale spontanée, ludique et pleine de vie. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours aujourd'hui. J'apprécie vraiment que tu sois là. Cette étude florale porte sur les couleurs douces, placement réfléchi, les détails sélectifs et la façon dont ils peuvent fonctionner ensemble. Avec un équilibre entre les formes positives et les formes négatives, la grande fleur centrale constitue un point focal clair, tandis que les fleurs environnantes se chevauchent, s'estompent et se fondent dans l'arrière-plan. Les bleus froids sont agrémentés de touches de pêche, rouille et de jaune doré Nous avons quelques oliviers tranquilles qui tiennent le tout ensemble. Le papier blanc joue un rôle important donnant de la lumière entre les pétales et en laissant à la composition de l' espace pour respirer. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l' aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer avec cette peinture, examinons tout le matériel et fournitures dont vous aurez besoin dans le cours d'aujourd'hui. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles telles que le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce que vous devrez suivre dans le cours d'aujourd'hui. Je vous encourage à explorer les couleurs ou les matériaux que vous souhaitez expérimenter. Mais maintenant, passons à l' esquisse de ce tableau. 4. Préparer la composition: Avant de passer à la peinture, je voudrais juste passer un peu de temps sur le dessin, car dans le cas je voudrais juste passer un peu de temps sur d' une œuvre florale comme celle-ci, le croquis est vraiment là pour organiser le tableau plutôt que pour décrire chaque pétale et chaque feuille Vous pouvez voir comment je le décompose en cercles simples pour commencer, car les fleurs en elles-mêmes peuvent sembler compliquées. Et très rapidement, nous pouvons facilement nous concentrer sur toutes les parties individuelles, car il y a de petits pétales qui se chevauchent, de petits centres, des tiges qui se déplacent dans des directions différentes, peut-être des feuilles qui disparaissent derrière fleurs et toutes sortes de petites formes qui se faufilent à l'intérieur et à Donc, à ce stade, j'essaie délibérément de ne pas me laisser entraîner dans tout ça. Je commence par de simples cercles avec un crayon doux, et maintenant je peux commencer à entrer dans ces cercles et à dessiner grossièrement des pétales. C'est quand même une étape difficile en ce moment. Je veux que le dessin soit assez léger simple et assez détendu. La première chose que je recherche vraiment, c'est l'encombrement global de l'arrangement. Où se trouve la masse florale principale sur le papier ? Jusqu'où s'étend-il vers la gauche et vers la droite ? Et où est-ce que j'ai l' impression d'être un peu plus dense et où est-ce que je veux qu'il sorte ? Plus d'articles ouverts. C'est donc bien plus important pour moi que la forme parfaite d'un pétale en particulier forme parfaite d'un pétale en car nous pouvons simplement l' organiser Et une fois que j' aurai tout dessiné, j'utiliserai le caoutchouc pour l'alléger encore plus afin que nous puissions être flexibles et peut-être changer le dessin à mi-chemin de la peinture car nous ne voudrons peut-être pas utiliser ce trait au crayon pendant les peintures 5. La fleur la plus claire: Comme toujours, nous avons l'aquarelle. Je vais commencer par le clair au foncé, en utilisant de l' ocre jaune pour commencer, mais une touche de noir juste pour le masquer un peu, car je ne veux pas qu'il soit La palette de couleurs de base de toute cette peinture est le vert, le bleu et le rouge. Et nous avons ajouté quelques touches d' autres couleurs, comme cet ocre jaune, mais il est très discret et subtil Ce n'est pas l'objectif principal. C'est ainsi que j'aime traiter la plupart des peintures. J'ai une palette limitée, peut-être deux ou trois couleurs principales, et puis juste de petites couleurs subtiles comme celle-ci. Je sais que nous commençons par cela, mais comme je l'ai dit, c'est l'un des tons les plus clairs que nous allons peindre dans ce tableau, commençant par le clair ou le foncé. Cela ne va donc pas attirer trop d'attention et cela soulage très facilement la pression au début. Vous n'avez donc pas du tout besoin d'aller trop lourd. En fait, une fois que cela aura séché, il sera encore plus léger. Enfin, ajouter un peu de noir ou de gris, le simple fait de le réduire légèrement pour rendre ce jaune un peu plus crémeux, car si je ne le mettais pas dedans, il paraîtrait trop simple fait de le réduire légèrement pour rendre ce jaune un peu plus crémeux ce jaune un peu , car si je ne le mettais pas dedans, il paraîtrait Et ce n'est pas ce que je recherche. toutes les couleurs seront assez fait, toutes les couleurs seront assez atténuées dans cette peinture, y compris les bleus, les verts et les rouges Je ne vais pas utiliser les versions les plus éclatantes de ces couleurs. Je vais toutes les atténuer et les garder en harmonie, car il serait assez étrange d' avoir des couleurs très vives et autres atténuées de manière désorganisée Je garde donc le même niveau de saturation et de dynamisme Mais vous pouvez explorer selon vos propres préférences. Si vous préférez généralement des peintures plus lumineuses, vous pouvez peut-être régler le tout pour obtenir une œuvre plus éclatante sans atténuer ces couleurs, sans ajouter ces touches de noir ou de gris Ajoutez un peu de Sienne brûlée à ce mélange. 6. Commencer la fleur principale: Je vais maintenant commencer à incorporer peu de bleu dans cette composition, qui, comme je l'ai dit, est l'une des couleurs principales de cette pièce, commençant par être belle et légère. Le bleu que vous utilisez n' a pas vraiment d'importance. J'ai trois bleus principaux dans ma palette, le cobalt cérame et le bleu outremer, et je pense que j'utilise une petite touche de chacun d'entre eux au hasard, pense que j'utilise une petite touche de chacun d'entre eux au hasard choisissant inconsciemment selon ce qui me semble juste en les choisissant inconsciemment selon ce qui me semble juste, plutôt que quelque chose Et puis vous pouvez voir que je l'ai un peu atténué, donc ce n'est pas un bleu vif de toute façon Et ce sera la principale fleur centrale, les pétales. Mais ce bleu est en fait l'ombre du pétale Et si vous regardez la peinture de référence, la référence de la peinture finale terminée, je veux dire, vous verrez que je laisse quelques petits trous blancs. Je ne vais pas tout peindre. Et je joue avec la transition du bleu au brun. Vous pouvez voir sur ma palette que j'ai un mélange d' ocre bleu et jaune tamisé avec de la Sienne brûlée Les pointes de ces pétales sont plus bleutées et le centre a cette lueur Encore une fois, le mélange est assez aléatoire. Je ne suis pas en train d'exagérer. Je fais quelques touches de bleu d' un côté et quelques touches de brun chaud de l'autre, puis je laisse le tout se mélanger. Je vais avoir un mouchoir en papier à la main pour corriger les éventuelles erreurs. Mais j'essaie de rester fluide. Je suis sûr que certains d'entre vous ont regardé plusieurs de mes autres cours, mais il y en a probablement aussi parmi vous. Il s'agit de votre premier cours. J'aimerais simplement dire qu'il y a tellement de manières différentes d'aborder une peinture, en particulier à l'aquarelle, et que tous mes cours, qui portent sur des sujets différents, suivent tous un processus différent La façon dont nous peignons aujourd'hui n'est pas nécessairement la même que celle que j'adopterais avec des portraits, un paysage ou un animal. Avec ce tableau en particulier, je le divise en différentes sections. C'est donc comme tous mes cours, c'est très orienté étape par étape Mais dans ce cours, nous ne faisons pas de grands lavages comme nous le ferions dans un paysage, comme un immense ciel ou même un portrait, lavant tout le visage pour commencer Nous le peignons dans de nombreuses sections différentes, un peu comme si nous peignions par chiffres, mais nous le maintenons harmonisé et nous créons un sentiment d'unité en limitant la palette de couleurs. Je n'essaie donc pas d'utiliser toutes les couleurs disponibles. Et si je dois utiliser un certain bleu comme celui que j'ai ici, je vais essayer de le conserver pour le reste de ma peinture plutôt que d'utiliser cinq types de bleus différents. Je vais les maintenir en équilibre. 7. Sous-couche de la fleur principale: Penser à une palette limitée avant de commencer est toujours une stratégie très importante, et il n'est pas nécessaire que ce soit la même que la mienne. Nous pouvons changer de couleur selon vos préférences. Ils n'ont pas non plus besoin d' être scientifiquement complémentaires, car la nature d' une palette limitée crée automatiquement une relation entre eux. Et ça aide beaucoup avec une peinture florale. Bien sûr, nous pouvons le faire avec des portraits des animaux ou des paysages. Mais souvent, avec ces sujets, nous devons être un peu plus fidèles aux couleurs du sujet. Avec de telles fleurs, nous pouvons inventer des couleurs et les modifier à notre guise et une fois que nous aurons beaucoup plus de flexibilité quant aux couleurs que nous voulons utiliser Et à cet égard, cela facilite grandement la peinture florale avec un nombre limité de couleurs que vous vous autorisez à utiliser. Au départ, cela semble assez restrictif. Mais je trouve que c'est le contraire qui se produit, car lorsqu'il y a moins de couleurs dans une palette, je passe moins de temps à me demander quel pigment choisir et plus de temps à réfléchir aux relations qui comptent vraiment. Si j'ai 20 couleurs disponibles, tentée de trouver un pigment distinct pour chaque petite variation que je vois Peut-être qu'un vert légèrement différent devient un vert complètement différent, ou qu'une fleur plus chaude obtient un autre rouge ou une ombre plus froide, un bleu différent. Et très vite, la peinture peut commencer à se sentir fragmentée car chaque zone a été mélangée indépendamment ou avec des couleurs différentes Mais avec une palette limitée les couleurs sont obligées d'interagir. Ainsi, le même bleu qui apparaît dans cette fleur peut également influencer le vert ou le rouge. Les couleurs vont de pair. La même couleur de terre qui réchauffe un pétale peut neutraliser le bleu ailleurs 8. Commencer la fleur bleue: pétale gauche est donc peu près terminé maintenant, le pétale central, et vous pouvez voir qu'il y a laissé petits espaces blancs entre les pétales, ce qui aura plus de sens plus tard Passons maintenant à la deuxième plus grande fleur , à gauche sur la droite. Encore une fois, en utilisant le même type de couleurs. Il commence par paraître plus lumineux lorsqu'il est mouillé comme ça avant d'ajouter une autre couleur, mais c'est la même famille de bleus. Une fois qu'il sera sec, il sera un peu plus discret, surtout s'il tombe également dans ce brun jaunâtre. C'est la même famille de teintes. Parce que les mélanges partagent les mêmes ingrédients, ils vont naturellement commencer à aller de pair. C'est une façon utile de penser à l'harmonie des couleurs, comprendre cet élément de la peinture, car l'harmonie ne provient pas nécessairement de la planification minutieuse d'une palette de couleurs parfaite. Parfois, cela vient simplement de la répétition et de l'utilisation de la même petite famille de pigments. Vous pouvez toujours créer une gamme énorme à partir d' un nombre étonnamment restreint de couleurs. Vous pouvez voir que j'ai des classes qui utilisent uniquement les couleurs primaires et le potentiel de ces trois couleurs, une classe différente qui utilise des couleurs secondaires. Nous faisons essentiellement la même chose ici avec trois couleurs différentes. Je ne les définis simplement pas comme des couleurs primaires ou secondaires. Ils sont leur propre famille. 9. Arrière-plan complémentaire: J'ai donc utilisé le sèche-cheveux pour sécher complètement ce que nous avons fait jusqu'à présent, car je vais mélanger cette couleur rouge clair pour simplement peindre autour des pétales sur le dessus Tu peux mélanger. Il y a tellement de façons de mélanger ce rouge sourd. J'utilise du rouge de cadmium , puis un peu de ce noir pour le réduire, mais ce n'est pas obligatoire Vous pouvez utiliser un peu de Sienne brûlée car cela éliminera également le dynamisme Même le vert, qui se trouve à l'extrémité opposée du spectre, le neutralisera car ce sont des couleurs complémentaires Le vert est une couleur intéressante car je n'utilise pas de vert prémélangé provenant d'un tube. J'ai du Varidian là-bas, mais je trouve que c'est une couleur assez artificielle Je peux donc l'utiliser comme base, mais je dois toujours l' adapter moi-même, peut-être en y mélangeant un peu de jaune, d'ocre jaune, un peu de rouge Parfois, je ne touche même pas du tout ce vert varidien. Je passe directement au bleu et au jaune pour obtenir un vert plus naturel C'est aussi pourquoi le fait d'avoir une palette limitée vous permet d'en apprendre davantage sur les couleurs, car si vous optez toujours pour un vert prémélangé, optez toujours pour un vert prémélangé, vous ne saurez peut-être jamais vraiment comment le bleu et le jaune interagissent. Mais si vous créez vos propres légumes verts à plusieurs reprises, vous commencez à reconnaître très rapidement à quel point le bleu crée un vert ombré froid et à quel point le jaune crée un vert vif et frais, à quel point un peu de rouge ou de couleur terre peut également calmer le tout. Une palette limitée n'est donc pas seulement un choix stylistique, c'est aussi un outil d' entraînement fantastique, que vous pouvez explorer au fur et à mesure dans ce cours Et si vous vous sentez submergé par les couleurs, l'une des choses les plus simples que vous puissiez faire est d'utiliser moins de pigments, de réfléchir aux relations entre les couleurs et d'explorer d'autres options de mélange avec les couleurs que vous avez déjà choisies. Et souvent, cela crée une peinture beaucoup plus unifiée. Dans ce coin inférieur, je crée un vert, mais il ressemble presque à un jaune sale. Souvent, lorsque vous mélangez du noir avec du jaune de cadmium, cela crée un jaune très doux, mais cela donne l' impression d'un vert C'est ce que j' ai intégré à ma palette, puis je crée des marques abstraites ici parce que nous peignons toujours les parties claires du tableau au départ. Rien de trop sombre. Nous allons donc superposer cela et ce ne sera que le côté le plus expressif de la peinture. Nous pouvons nous amuser avec notre pinceau en faisant quelques lamelles ici et là, pour créer des textures captivantes 10. Éléments de fond abstrait: Je mélange davantage de cet ocre jaune et de cette sienne brûlée et je griffonne avec le bout Remarquez qu'il ne s'agit pas d'un petit pinceau. C'est un pinceau de taille moyenne qui a une belle pointe fine. J'utilise un peu de viridian sur le dessus, mais je le mets dans ce mélange brun, donc ce n'est pas du viridian pur En l'agitant légèrement sur le papier avec de l'eau. J'aime créer des zones d' expression en créant des flaques d'eau et des sections de pigment à forte consistance, puis en fusionnant les deux et en les laissant se mélanger sur le papier sans que je m'en mêle trop Parce que ce contraste entre une section aqueuse très humide et une section pigmentée plus forte crée une sorte de réaction impossible à contrôler ou à savoir exactement comment elle se produit Mais c'est là l' aspect magique de l'aquarelle. C'est ce que nous recherchons, cet effet si unique. Nous pouvons contrôler dans une certaine mesure l'endroit où il se trouve en choisissant les zones que nous voulons mouiller et les zones dans lesquelles nous voulons avoir une forte consistance. Cela peut donc être quelque peu prévisible dans une certaine mesure, mais nous ne savons pas exactement quelle sera la texture. Où se retrouveront exactement les granules et la pigmentation. Donc, comme nous l'avons fait en haut, avec ça, ce rouge sourd En bas, j'utilise ce type de couleur jaune verdâtre atténué C'est une étrange sorte de vert olive. On peut dire que c'est une frontière entre le vert et le jaune. Et cela relie en fait les deux fleurs, les deux grandes fleurs principales, celle du centre et celle de droite. N'oubliez pas qu'il s'agit toujours d'une sous-couche. Je reviendrai avec un pigment plus fort plus tard, mais je voulais juste m'assurer d'avoir défini un peu de couleur pour commencer, car nous utiliserons un pigment très foncé, épais, presque noir plus tard. J'ai donc voulu ajouter un peu de couleur en dessous. Avec une peinture comme celle-ci, il est très utile regarder ma peinture terminée dans la section des ressources, peut-être sur un autre appareil ou vous pouvez même l'imprimer, selon ce qui vous convient le mieux. Mais parfois, je parle de choses ou je planifie des choses avec le tableau, comme un andelare qui n' a de pertinence que Il est difficile d'expliquer ou de voir ce que je fais ou essaie de faire à ce stade. Mais vous pouvez le comparer à la peinture finale, et cela vous aidera à comprendre mon état d'esprit. Surtout si vous suivez pendant que vous peignez. Vous êtes peut-être en train de regarder ce que je peins ici sans vraiment savoir de quoi il s'agit. Est-ce une feuille ? Est-ce une tige. La vérité c'est que la chose elle-même n'a pas d'importance. En fait, je peins négativement la fleur principale ci-dessus. J'essaie de peindre la silhouette de ce pétale, le principal pétale bleu clair Ensuite, nous avons créé des marques abstraites qui peuvent être des feuilles ou des tiges situées en dessous, des formes organiques, puis mélanger et fusionner couleurs verte et brune parce que nous les avons déjà utilisées dans la composition Donc, même si c'est un peu plus fort, c'est un peu plus foncé maintenant, c'est toujours la même couleur. 11. introduction des tons foncés: Des formes très ambiguës ressemblent un peu à des feuilles, bourgeons, et je vais revenir à ma palette en utilisant les mêmes couleurs, mais en les mélangeant un peu. Peut-être que c'est un peu plus jaune, peut-être que c'est de la Sienne un peu plus brûlée, ou je prends un peu plus de vert que j'ai dans cette poêle supérieure Comme c'est mouillé sur mouillé, toutes ces couleurs apparaissent d'elles-mêmes. Cela peut être assez étrange de regarder une section si abstraite et qui n' a pas beaucoup de sens parce qu'il n'y a pas vraiment de détails ici. Mon objectif principal est de m'assurer que ces formes abstraites ont un certain sens. Ils ne sont pas trop distrayants. Ils peuvent être très compliqués, mais je dois trouver un équilibre avec un peu de détail plus tard Alors que je peins, je me demande jusqu' où je dois aller dans cette partie abstraite ? Et puis quand dois-je le connecter à quelque chose qui a du sens ? Maintenant, je suis en train de mélanger un pigment foncé, vous pouvez le voir, en utilisant beaucoup de vert Vidian puis de la Sienne brûlée pour le rendre un peu plus brun ou un peu plus naturel. Les varidiens ne sont pas une couleur très naturelle malgré le fait en utilisant beaucoup de vert Vidian puis de la Sienne brûlée pour le rendre un peu plus brun ou un peu plus naturel. Les varidiens ne sont pas une couleur très naturelle couleur très naturelle Maintenant, je suis passé à un petit pinceau. En partant de la gauche et en tournant dans le sens inverse des aiguilles montre autour de la fleur, des pétales J'ajoute un pigment concentré très épais. C'est ce qui fait de cette pop un milieu. Si nous utilisons un pigment très légèrement dilué, cela n'aura pas cet effet. Alors qu'il fait encore un peu humide en dessous, j'utilise le bout de mon pinceau pour dessiner le contour de ce pétale Ensuite, nous devons le mélanger un peu. Donc, dans mon esprit, je sais déjà jusqu'où je veux que ce nettoyant aille. Je peins donc, je commence par le bord, puis j'ajoute progressivement de l'eau car c'est déjà un pigment très épais Je peux donc simplement utiliser de l'eau pour l'étaler et le diluer si je le souhaite. Je n'ai pas besoin de donner à la peinture de ma palette la consistance parfaite que je souhaite pour la peinture. Je peux également contrôler une grande partie de cela sur le papier. Surtout dans ce domaine où, à part le plan, nous n'avons pas besoin de mettre beaucoup de détails. Je suis d'accord avec les marques abstraites expressives dans cette section. Nous aurons quelques détails à la fin, comme les capitules, les parties centrales, la silhouette claire des fleurs, mais tout ce qui se trouve entre les deux nous permettra de nous amuser un peu plus. Maintenant, je fais tomber cette eau dedans pour l'alléger. Et j'ai lissé cette ligne parce qu'elle ressemblait à une ligne lorsque je peignais le pourtour de ce pétale, mais je ne veux pas que ce soit une ligne dure, donc je dois l'agiter 12. Ajouter des couleurs froides: Il est maintenant temps de peindre la troisième fleur, et celle-ci sera beaucoup plus abstraite car elle se trouve sous les autres fleurs, et nous ne voulons pas que chaque fleur soit aussi détaillée. Nous voulons le principal, le centre d'attention au milieu, puis ceux d'à côté, un peu moins détaillés et ceux d'à côté , encore plus abstraits. Donc, en haut, nous avons une forme de pétale définie. Et puis, en bas, il se fond et se transforme en marques abstraites très lâches. Et cela continue cette palette limitée parce que nous utilisons le même bleu. Même s'il semble assez dynamique à ce stade, comparé au reste, il semble assez frappant. Je vais y incorporer des couleurs pour l'atténuer un peu, le neutraliser et le désactiver. Ce violet aide donc, bien sûr, quand on pense au violet, cela n'a aucun sens au départ. Cela ne fait pas partie de la palette de couleurs limitée, mais je n'en utilise qu'une petite partie comme accent, et elle se fond dans le bleu, donc ce n'est pas très accrocheur ou choquant C'est un peu logique. Et puis en utilisant cette sienne brûlée et le bout du capitule, plutôt le centre du capitule Remarquez que je viens d'ajouter une grosse touche de cette fleur de Sienne brûlée au milieu de cette fleur présent, c'est le seul élément de la composition contenant de la pure sienne brûlée Mais cela ne signifie pas que nous ne l'avons pas utilisé. En fait, même si c'est la seule pure touche de Sienne brûlée, toutes les autres couleurs y ont leur part Nous utilisons de la Sienne brûlée dans les légumes verts. Nous utilisons un peu de sienne brûlée sur les petites fleurs qui passent à la zone bleue. Même cet ocre jaune très clair au sommet, cette fleur très pâle au sommet contient un peu de sienne brûlée Nous n'avons donc pas besoin d' utiliser des couleurs pures tout le temps Nous pouvons envisager de les utiliser pour influencer les autres couleurs qu'ils contiennent. Je dirais en fait que la couleur de Sienne brûlée est l'une des couleurs principales de cette peinture Bien qu'elle ne soit pas utilisée dans sa forme pure, nous l'utilisons comme facteur d' influence 13. Tiges abstraites: Vous pouvez donc voir à quel point cette fleur que nous venons de peindre est même discutable en tant que fleur, tellement abstraite, mais ça va. Si nous en faisions une fleur très claire, elle serait en fait très distrayante pour le spectateur car il n'y aura aucun centre d'intérêt Cela entrerait en concurrence avec les autres éléments. Nous devons donc rester un peu plus abstraits et désordonnés, et cela allège également la pression Mais encore une fois, l' inconvénient de l'abstraction et création de sections presque désordonnées est d'essayer de le faire d'une manière esthétique et logique C'est là qu'il faut un peu de concentration car nous avons des sections réalistes. Vous pouvez simplement essayer de copier aussi précisément que possible ce que vous voyez, mais lorsque vous êtes abstrait, vous utilisez votre propre image mentale pour élaborer quelque chose sans avoir de référence directe. Il faut donc un peu plus d'énergie mentale pour peindre de abstraite que pour peindre les sections les plus détaillées. J'en reviens avec ce rouge brunâtre. C'est donc à nouveau du rouge camm mélangé à de la sienne brûlée. Et tu vois, j'ai ajouté des touches de bleu juste à côté. Et comme c'est mouillé sur mouillé, ces zones bleues et rouges se fondront harmonieusement dans elles-mêmes. Finalement, je vais l' étendre au coin supérieur droit. Ajoutez un peu d'ocre jaune pur. Parfois, je prends des couleurs pures de ma palette et je passe directement sur le tableau sans même toucher ou mélanger d'autres couleurs sur ma palette, mais comme il existe déjà couleurs préexistantes sur le papier, il se mélange à ces couleurs pour créer son propre mélange organique naturel. Il est donc tout à fait acceptable de mélanger les couleurs directement sur la palette, en particulier dans le cas de la peinture humide sur humide, car il est évident que la nature de la peinture humide et humide est qu'elles combinent et fixent les pigments, interagissent ensemble sur le papier manière intéressante. Mais, de même, vous pouvez également le faire à sec. Vous pouvez le superposer. Vous pouvez peindre une section d' une couleur, attendre qu'elle sèche, puis déposer une autre couleur directement dessus pour créer une toute nouvelle couleur. Donc, ajoutez-y quelques petites marques de tige. Je le tape simplement, je le touche avec mon doigt pour voir s'il est sec s'il est prêt à passer à l'étape suivante. utilise le côté de mon pinceau pour créer une petite marque sèche. Il suffit d'explorer librement des marques abstraites qui ressemblent à des plantes et à des fleurs. 14. Les foncés les plus foncés: Prendre du trint noir ou neutre et faire la même chose que ce que nous avons fait ci-dessous. En utilisant un pigment très concentré, en utilisant le bout de mon pinceau pour créer ce contraste entre le noir le plus foncé et le blanc du papier ces zones ne sont donc techniquement pas si difficiles à peindre. Nous peignons littéralement dans une section très évidente, la bordure du pétale. Il n'y a pas encore de transition, juste une couleur noire unie pour le moment Mais avoir cette bordure nette dans une certaine zone du tableau, le point focal, est très efficace car cela contraste avec la zone libre que nous avons peinte en dessous, et cela donne l' illusion qu'il y a plus de détails ou de détails plus compliqués qu'il n'y en a réellement. Lorsque vous abordez une section comme celle-ci, vous devez penser à la taille du linge et à l'endroit où il va se terminer. Et là où cela s'arrêtera, est-ce que ce sera une arête dure ou est-ce qu'il va s'estomper ? Alors que je travaille dessus, je peux voir que ce pétale bleu de la fleur ci-dessous doit également être peint Et je n'ai plus de pigment maintenant, donc je dois en mélanger un peu plus. Mais il fait si noir, de toute façon, cela n'a pas vraiment d'importance. J'ai rendu celui-ci un peu plus vert. Donc, lorsque nous le diluons, une partie de cette verdure apparaît, mais tel qu'il est actuellement, il est si épais qu'il ressemble à du noir Ce qui est très bien. C'est pourquoi j'ai ajouté cette sous-couche verte en dessous Ainsi, lorsque nous l'infusons avec un peu d'eau pure plus tard, certaines zones seront fortement diluées et autres conserveront ce pigment concentré, et les morceaux un peu plus dilués montreront cette verdure Mais comme je ne sais pas exactement où ces zones apparaîtront , parce que je laisse l' aquarelle le faire à ma place, j'ai dû ajouter cette sous-couche verte pour commencer Laisser quelques zones complètement intactes pour laisser apparaître également cette sous-couche verte J'utilise une couleur plus diluée en haut, et vous pouvez voir que je commence à en faire une transition, éclaircir certaines sections Pour que tout ne soit pas d'un noir uni. Et lorsqu'elle est sèche, cette zone noire paraîtra également plus claire. En tapotant dessus avec un mouchoir en papier pour créer des marques organiques. 15. Abstrait Layering: Maintenant, je vais mélanger un autre vert en utilisant ce bleu et le jaune de cadmium. Je n'ai même pas touché l'isarin cramoisi. C'est un vert purement organique, qui descend du haut du pétale vers le bas pour le relier à la section ci-dessous. Tout cela n'est que de la peinture négative. nous expérimentons Dans cette peinture, nous expérimentons des formes positives et des formes négatives Je pense que les fleurs blanches mènent naturellement à une idée plus large, savoir qu'à l'aquarelle, nous créons souvent de la lumière indirectement Nous ne peignons pas vraiment la lumière. Nous pouvons peindre les ombres subtiles, le bleu et le jaune. Mais en réalité, nous essayons de protéger la lumière. Nous l'entourons. Nous laissons des passages plus sombres ou plus riches comme celui-ci à côté pour le rendre visible. Et c'est ce qui se passe dans toute cette pièce florale. Les pétales les plus brillants sont brillants à cause du bleu et du vert foncés qui les entourent À l'heure actuelle, ce motif central principal n'a qu'un côté peint. Vous pouvez donc voir le côté gauche, il n'a pas l'air si éclatant parce qu'il y a toujours le blanc du papier qui le recouvre sur la gauche. Mais maintenant que nous avons peint le côté obscur, vous pouvez voir sur la droite à quel point ce contraste fait De petits fragments de papier intact brillent parce qu'ils sont entourés d'un pigment plus fort La lumière a cette relation, ce contexte avec les valeurs. Si quelque chose ne semble pas assez brillant, notre premier réflexe peut être d'ajouter guash blanc ou d'essayer d' éclaircir le sujet lui-même Mais parfois, une meilleure solution consiste à renforcer ce qui l'entoure. Si une fleur pâle se trouve sur une autre fleur pâle, le contraste risque de ne pas être suffisant. Placez donc une forme sombre derrière elle et tout à coup, cette fleur pousse et rien n' a réellement changé à l'intérieur de la fleur elle-même. C'est une idée assez puissante que vous pouvez passer à tous les types de peintures car elle nous donne un moyen beaucoup plus intelligent de contrôler la lumière, tons et les valeurs au lieu de nous demander constamment comment rendre les choses plus lumineuses. Je peux demander : de quelle valeur cela a-t-il besoin à côté de cela ? Donc, oui, cela s'applique aux paysages, si vous peignez une montagne lointaine ou quelque chose qui veut faire apparaître au premier plan des portraits, des natures mortes, presque tout, Et surtout avec l'aquarelle en raison de la légèreté du papier 16. Peinture de fleurs négatives: Et c'est exactement ce que je vais faire avec cette farine en haut à droite. Maintenant, pour le moment, il semble assez sombre par rapport à la blancheur du papier ci-dessous. Mais je mélange maintenant ce bleu foncé atténué, mélangeant suffisamment également pour que nous puissions remplir toute la zone. Nous ne voulons pas continuer à remixer à mi-parcours si nous manquons de pigments Je suis conscient de l' étendue de cette zone, donc je mélange suffisamment ce que je pense être suffisant. Parce que si vous êtes à mi-chemin votre lavage et que vous devez mélanger une plus grande partie de cette couleur, elle va sécher sur votre papier de cette façon et créer un bord dur, et elle se fragmentera à nouveau, même si elle est exactement de la même couleur Donc, lorsque vous peignez une zone comme celle-ci, vous devez presque avoir des coches. Vous peignez une petite section et vous devez retourner sur le bord pour la remplir un peu plus, puis vous pouvez descendre un peu plus, puis revenir en arrière et l'étendre uniformément plutôt que de travailler constamment d'une section vers le bas, de bas en bas et plus bas, vous devez faire des allers-retours uniformément pour qu' aucune ligne dure ne sèche. Maintenant, j'incorpore ce rouge, mais c'est un rouge très doux On dirait presque du brun et on y ajoute quelques gouttes. Je travaille rapidement en ce moment, ce qui contribue à atténuer cette sensation de spontanéité et encourage l'aquarelle à créer des marques uniques et excitantes, car je n'y réfléchis pas trop Et c'est à la limite de la composition, donc ce n'est pas nécessaire. Je pense qu' il s'agit simplement d'un mélange aléatoire de couleurs, à peu près du même ton et de la même valeur, et cela fait ressortir cette fleur de manière encore plus importante. Les fleurs de ce côté sont donc essentiellement toutes décrites par ce qui se trouve en dessous, c' peinture négative des fleurs. Mais sur le côté gauche, nous allons peindre des formes positives, c'est-à-dire que nous allons réellement peindre les fleurs elles-mêmes, sur un fond blanc. C'est donc agréable d'avoir ce mélange, la dynamique entre lumière et obscurité et lumière. Nous pouvons pratiquer les deux. Et je ne dis pas que nous ne pouvons pas utiliser de peinture blanche. En fait, à la fin, j' utiliserai un peu de badigeon juste pour identifier les reflets qui ont inévitablement été masqués. Par exemple, dans cette partie qui ont inévitablement été masqués. Par exemple, , je suis plus enthousiaste créer de belles textures, effets spontanés qu'il ne faut pas compromettre en conservant quelques blancs précieux Donc, dans de petites sections comme celle-ci, je peux attendre la fin pour les restaurer. Mais je n'ai pas tendance à utiliser de courge pour les grands lavages ou les grandes sections Parce que les peintures blanches opaques comme la gouache et le papier non touché ont Le guash, bien sûr, se trouve au-dessus, mais le papier semble briller à travers la couleur qui l'entoure Je n'essaie pas de protéger chaque petite lumière dès le début, car cela rendrait la peinture trop prudente. Mais les grandes lumières importantes méritent d'être prises en compte. Je pense que cette idée change notre relation avec le papier blanc également notre relation avec le papier blanc, car le papier blanc peut sembler très intimidant au début 17. Lumière sur sombre: Nous pouvons maintenant passer à nouveau à la fleur centrale et peindre la moitié supérieure, qui sera d'un rouge sourd fort C'est là que cette fleur se transforme complètement en elle-même. Pour le moment, il y a encore beaucoup de blanc vide. Mais une fois que nous nous rendons compte que le papier est réellement l'une de nos couleurs, nous cessons de le voir comme du vide Elle fait partie de la palette et devient lumière. C'est donc un changement très utile à avoir en tête , car laisser quelque chose intact devient alors une décision active Je peux me sentir un peu bizarre, presque comme si un échec laissait quelque chose intact Mais ce n'est pas un échec en matière de peinture, c'est une décision. Et je trouve que la confiance nécessaire pour laisser les choses de côté est l'une des choses qui donne à l' aquarelle une sensation de fraîcheur, surtout lorsqu'elle est appliquée à des extrêmes extrêmes comme celle-ci, où vous avez les pigments les plus foncés sur le papier, les plus concentrés juste à côté de la partie la plus blanche claire du papier, sans transition, juste une ligne dure. Et je m'assure que cette hauteur le contraste ne se trouve que dans cette fleur principale. Toutes les autres fleurs, même si elles sont encore claires ou foncées, ne sont pas d'un blanc pur. La fleur de droite que ma main recouvrait n'est pas d'un blanc pur, alors que la fleur du centre présente un petit espace blanc sur le bord des pétales, vous pouvez voir que cela renforce vraiment ce contraste. Une autre observation que vous pouvez faire est que les fleurs dans lesquelles je peins négativement en peignant le fond sont des fleurs plus froides. Et elles contrastent avec les fleurs que nous allons peindre plus tard sur le côté gauche, qui sont des fleurs orange plus chaud. Parce que les fleurs bleues créeront une sensation différente de celle des fleurs chaudes, évidemment, et elles contrasteront ensemble. Ils apportent cette fraîcheur à l'arrangement. C'est très important, car sans cette fraîcheur, bleu, il peut facilement faire toucher. Ces fleurs ont des centres chauds, je commence à ajouter maintenant un peu d'ocre jaune, un peu de rouille, pour ainsi dire, cette sorte de Ensuite, nous avons aussi les légumes verts. Et des blancs crémeux. Souvenez-vous de la toute première fleur que nous avons peinte en haut à gauche. Il semble très pâle maintenant avec tous les autres pigments que nous avons ajoutés Je ne veux pas que ces zones centrales des fleurs soient simplement collées. Donc, je mélange simplement certaines parties avec de l' eau pure qui disparaîtra progressivement. Je m'assouplis parfois avec mon doigt, grattant un peu avec mon Essayez de le faire fondre dedans plutôt que de simplement le coller dessus. 18. Quelques bourgeons: Cela vaut la peine d'explorer comment relier les choses pour les maintenir unies, car l'un des pièges les plus simples d' une peinture florale est de commencer immédiatement à penser fleur par fleur ou feuille par feuille. Nous voyons une fleur blanche ou une fleur bleue, une fleur d'oranger, un petit bourgeon, puis soudain le tableau devient une collection d' objets distincts qui doivent tous être résolus individuellement. Et c'est particulièrement tentant lorsque nous peignons ce style où nous faisons petit à petit, section par section, une idée très ciblée étape par étape Mais c'est là que nous devons le faire. Même si nous peignons ces différentes sections une par une, nous considérons l' ensemble de l'arrangement comme un grand dessin. C'est du moins ce qui se passe dans mon esprit et c'est pourquoi je pourrais modifier certaines choses C'est pourquoi je vais maintenant revenir à cette fleur principale pour ajouter quelques bleus foncés supplémentaires. Pas seulement du bleu foncé. J' ajoute un peu plus de cette sienne jaune ocre brûlée Il s'agit principalement d'augmenter à nouveau le contraste des contours blancs des pétales pour faire ressortir un peu plus le blanc du papier. Et c'est aussi la fleur principale au centre. En ajoutant quelques détails et des lignes plus nettes, il place cette attention au centre, au point focal Si je plisse les yeux devant ce tableau, autant plus que nous en sommes à plus de la moitié, j'essaie de ne pas voir des pétales individuels, mais plutôt les larges formes lumineuses qui traversent les masses bleues centrales plus froides qui l'entourent Et au fur et à mesure que nous avancerons, les notes d'ocre rouillé plus chaudes sur la gauche auront leur rôle à Ces verts plus profonds qui constituent la partie la plus foncée du tableau Je tricote tout ensemble. C'est vraiment la structure sous les fleurs. C'est une façon tellement importante d' aborder les fleurs et les natures mortes. Vraiment, chaque tableau, même un paysage, doit penser à l'arrangement principal dans son ensemble. Mais surtout lorsqu'il s'agit de sujets tels que les fleurs, c'est une façon importante de les aborder car ils sont naturellement assez compliqués. Ils ont des dizaines de pétales, des feuilles, des tiges, des centres qui se chevauchent, petits espaces ou des bords irréguliers Si nous essayons de tenir compte de chacun de ces éléments immédiatement, cela peut très vite devenir accablant. J'essaie plutôt de simplifier où se trouvent les plus grandes formes lumineuses ? Où se trouvent les masses les plus sombres ? Où sont les accents de couleur les plus forts. Où la composition paraît-elle dense et où semble-t-elle ouverte ? Où s'ouvre-t-il ? Cela me donne quelque chose de beaucoup plus facile à gérer et me donne une orientation directe Et cela me permet d' être abstraite là où j'ai l'impression que cela peut être et où je veux me concentrer un peu plus sur les détails. 19. Fleurs abstraites: Je dois encore peindre le côté gauche de cette fleur ou ce qui se trouve sous le côté gauche de cette fleur. Mais avant cela, je vais peindre une petite marque abstraite sur la tige. J'utilise maintenant un pinceau plus petit et je mélange un vert atténué, un peu comme les verts atténués que nous avons déjà utilisés J'essaie de rester assez similaire à cela afin que ce ne soit pas simplement un vert tout neuf qui soit assez choquant et Utiliser ce jaune ocre, jaune cadmium et juste y mettre un peu de bleu, c'est bien. C'est une belle couleur verte sourde qui fonctionne bien. Même si certaines tiges aléatoires semblent faciles à faire, je dois quand même les planter et réfléchir à l'endroit où elles ont du sens. J'utilise également un mouchoir en papier pour épaissir ce pigment ou au moins en extraire une partie du liquide pour lui donner une texture de marque sèche Les directions de ces tiges sont approximativement orientées vers le milieu. Bien entendu, ils ne sont pas parfaitement orientés vers l'intérieur comme le bras d'une horloge, mais ils ne sont pas complètement opposés au centre Ce sont là des lignes directrices. J'essaie de voir ces tiges pour aider à diriger l' œil vers le milieu Et puis je vais mélanger certaines d' entre elles et avoir des bords souples. Je l'ai donc complètement séchée maintenant, et maintenant nous pouvons terminer le contour de la fleur principale au centre en utilisant à nouveau ce bleu intense et sourd Les tiges que nous venons de peindre sont très subtiles et, pour le spectateur moyen, il se peut qu'il ne les remarque même pas consciemment, mais elles ont certainement leurs plaques parce que j'essaie de créer cette sensation de mouvement. Si vous regardez l'image finale, j'espère qu'il y aura cette sensation de mouvement entre le côté gauche, plus doux et plus ouvert, et le côté droit, plus dense et plus frais, où se trouve la plus grande fleur au milieu Agit comme un pont entre les deux zones. Parce qu'autour d'elle, les fleurs bleues créent cette sensation de fraîcheur, tandis que sur le côté gauche, plus tard, nous allons peindre des pics rouillés orange qui apportent des bouffées de chaleur Et puis, comme je l'ai déjà dit, ce feuillage foncé est particulièrement important car il maintient le tout ensemble. Certaines personnes hésitent à utiliser les pigments foncés purs, comme le presque noir, parce qu'ils sont trop puissants et trop puissants au toucher. Mais lorsqu'il est utilisé au bon endroit, il ajoute vraiment beaucoup de profondeur à une peinture. Sans ces formes plus sombres, entre l'ensemble de l'arrangement, vous pourriez avoir l' impression que des pétales séparés flottent sur du papier blanc. Les couleurs foncées agissent donc presque comme des coutures. Ils relient toutes les fleurs individuelles en un seul bouquet. Ce bleu, j'essaie juste de créer une forme organique inspirée du peti . Bords tellement doux. Quelques arêtes dures également. Plus foncé, bien sûr, là où il touche cette fleur centrale puis s'estompe progressivement. Même si nous peignons des fleurs, nous voulons voir au-delà des fleurs. Je pense à la forme des choses, à l'équilibre, au rythme, à l'endroit où l'œil entre et où il repose. Je veux aussi me demander où je n' ai pas besoin d'en dire autant ? Parce que de nombreuses zones sont délibérément ouvertes. Une grande partie du côté gauche sera en papier blanc pur. 20. Fleur fraîcheur libre: De nombreux pétales ne sont pas non plus résolus. Ils se dissolvent dans le papier. Ils sont à peine suggérés également. Et cette incomplétude fait partie du design et est utile car elle signifie que nous n'avons pas à tout terminer avec beaucoup de détails Je trouve que les fleurs sont particulièrement belles lorsqu'elles ont ce sentiment d'ouverture Ainsi, si chaque pétale est délimité et que chaque feuille terminée ou que chaque tige suivie d'un bout à l'autre, la peinture peut devenir très descriptive C'est pourquoi vous pouvez voir les marques de crayon sur le dessin. J'ai utilisé une gomme pour les rendre très claires, J'ai utilisé une gomme pour les rendre de sorte que même si je choisis de ne pas les peindre, elles ne soient pas très visibles Si vous utilisez un trait de crayon très épais, cela ne vous permettra pas de modifier votre composition à mi-parcours ou de laisser certains pétales en suspens Comme je l'ai dit, j'ajoute des fleurs rouillées, des fleurs rouges sourdes sur le côté gauche, mais je ne peux pas simplement rendre un côté complètement rouge et l' autre complètement bleu Je dois donc les disposer de manière esthétique Donc, cette fleur à l'extrême gauche, je la garde d'un bleu très doux Elle ressemble presque à un bleu gris, et elle suit le chemin des autres fleurs bleues qui contournent le bas de la fleur, puis elle puis une fleur orange foncé assez puissante entre celle-ci et la fleur centrale car nous avons des poches rouges sur le côté droit qui ne sont pas nécessairement des fleurs. Sur la fleur à l'extrême droite, vous pouvez voir que nous avons un fond rouge, beaucoup de couleur rouge utilisée, même si on ne sait pas exactement de quoi il s'agit. Nous devons donc également contrebalancer ce rouge de l' autre côté. Sinon, il semblera trop chaud d'un côté. Et déséquilibré de l'autre. Mais les fleurs que nous peignons maintenant sont très lâches et peu détaillées par rapport à ce que nous avons fait. Bien entendu, ce sont les premières fleurs peintes positivement Nous utilisons donc maintenant ce fond clair en utilisant le pigment pour décrire la forme intérieure plutôt que de peindre l'extérieur. 21. Fleur chaude et lâche: Je veux que les fleurs aient l'impression de sortir du pigment aqueux plutôt que d'être découpées et placées sur le papier. Cela signifie donc que je dois continuer à revenir à l'ensemble. Et si je passe quelques minutes à travailler sur une fleur maintenant, je prends du recul et je dois me demander comment se situe-t-elle avec celle d'à côté ? La valeur est-elle trop forte ? Doit-il se fondre dans le linge environnant ? Celui que je suis en train de peindre a besoin d'une grosse touche d'orange de cette couleur rouille Mais je pense à la valeur. C'est trop fort ? Est-ce trop faible ? pétale est-il vraiment important ou le tableau serait-il plus fort si je le laissais un peu seul Il n'est pas nécessaire de résoudre la complexité en peignant davantage. Très souvent, la complexité devient plus facile à gérer lorsque nous la regroupons en idées visuelles plus larges Une masse légère, une masse froide. Nous ajoutons ici cet accent fort et chaleureux. Nous utilisons cette fleur comme outil pour créer cette chaleur, cet accent, une forme sombre qui unit les deux. Ensuite, à partir de ces grandes idées, nous pouvons introduire juste assez d'informations pour que le spectateur comprenne les fleurs. Ce qui est intéressant, c'est que le spectateur a en fait besoin de beaucoup moins d'informations qu'on ne le pense. Juste quelques pétales, le centre, un changement de direction, quelques arêtes cassées. Même la fleur principale, qui est un centre d' intérêt, n'est pas complètement résolue. Je n'ai pas peint à 100 % sur tout le contour. Dans les zones où j'ai gardé le blanc comme arrière-plan, j'ai rendu le pétale un peu plus foncé Vous pouvez voir que le sommet de cette fleur centrale est légèrement plus foncé car il contraste avec le blanc sous-jacent. Soudain, l'esprit dit fleur, même si nous n' ajoutons pas de détails complexes, ce qui nous donne une énorme liberté car nous n'avons pas à tout expliquer Nous devons juste en donner assez. Hormis la fleur très centrale et celle en haut à droite, les autres sont des silhouettes très simples, presque abstraites En fait, si vous les regardez individuellement, ce sont même des fleurs discutablement Elles ne ressemblent pas vraiment à des fleurs, mais parce qu'elles se situent dans le contexte du reste du tableau, elles ont du sens. Dès que nous ajoutons le centre des fleurs, je ne connais pas le nom scientifique, mais lorsque vous ajoutez les centres sombres, l'illusion est complète. Même avec cette fleur d'oranger où je ne fais qu'expérimenter avec différents tons et textures, quelques gouttes de jaune, quelques gouttes de ce pigment rouillé J'ai l'impression que cette fleur claire au sommet a besoin de quelques petits accents. C'est un peu trop faible. Je dois le relier à la composition d'une manière ou d'une autre. Ajoutez-y une petite tige , puis estompez-la au milieu Juste au bas de cette fleur, ajouter quelques touches d'ombre. 22. Au milieu des fleurs: Maintenant, je vais mélanger un peu de bleu vif. J'utilise un peu de bleu outremer et le pigment foncé qui reste sur ma palette pour l'atténuer un peu. Je le fais juste apparaître en plusieurs points, concentrant ces points au centre, peut-être quelques gribouillis Et peut-être diluez-la un peu plus qui ressemble déjà un peu plus à une fleur, même s'il s'agit d'une version très simplifiée de celle-ci. Maintenant, je vais commencer à ajouter les centres au reste des fleurs en utilisant toute une variété. Nous avons juste fait du bleu pour celui-ci. Celui en haut à droite était plutôt brunâtre avec des touches sombres Celui de gauche, nous allons le rendre un peu plus vert. Juste pour créer cette variété. Idée similaire consistant à ajouter de petits points concentrés au milieu, ligne tourbillonnante de temps en temps, puis à utiliser l'eau pure pour adoucir certains bords variété des bords est l' une des choses qui peuvent donner à une peinture florale un aspect incroyablement vivant, et vous le faites peut-être sans même vous en rendre compte, mais c'est quelque chose que vous devrez certainement intégrer à vos propres compositions car les fleurs regorgent de formes souples, mais cela ne signifie pas que chaque bord doit être doux. Certains pétales captent une lumière très claire et ressortent simplement très nettement sur un fond sombre, d'autres se dissolvent complètement et disparaissent dans une autre fleur pâle. De même, dans le cas des feuilles, un côté ait un bord dur et que l'autre se dissout en lavant. Cette variété crée il se peut qu' un côté ait un bord dur et que l'autre se dissout en lavant. Cette variété crée de la profondeur et aide à attirer l'attention, car un bord dur attire naturellement le regard, un bord doux est beaucoup plus silencieux et un bord perdu permet à deux formes 23. Terminer la fleur principale: Donc, si je veux qu'une fleur soit plus importante, je peux lui donner quelques bords plus nets. Et si je veux placer une autre fleur plus en retrait, je peux adoucir quelques bords, les estomper ou les estomper pour réduire le contraste Et c'est souvent beaucoup plus efficace que d'ajouter des détails. Les arêtes peuvent faire le travail de détail. Nous n'avons pas toujours besoin de lignes supplémentaires. Parfois, il suffit qu' un bord soit légèrement plus ferme ou qu'un bord disparaisse, et cela seul peut complètement modifier la sensation d'espace J'aime particulièrement les bords perdus des fleurs blanches. Parce que si deux pétales blancs se chevauchent et que les valeurs sont presque identiques, je n'ai peut-être pas besoin de les séparer. Le spectateur peut toujours comprendre la fleur. Et cette petite ambiguïté semble naturelle directe et très élégante De même, si une fleur bleue se fond dans un arrière-plan sombre ou froid, je peux laisser cette partie disparaître, ce qui donne l' impression que la peinture est plus intégrée Et puis, lorsqu'une petite arête apparaît ailleurs, elle semble soudainement plus importante en plus de cela. C'est donc un principe très utile. Et puis si tout est net, netteté n'a aucun sens Il doit donc toujours y avoir du contraste. Si tout est doux, la douceur n' a aucun contraste. Nous avons donc besoin des deux. Les peintures les plus intéressantes présentent souvent un spectre complet, des bords les plus nets aux plus doux, à peine visibles ou complètement perdus Ils les retrouvent et ce mouvement attire le regard. Bien sûr, cette fleur centrale étant le point central, je vais passer un peu plus de temps au centre que les autres. Je commence par cet anneau orange qui l'entoure, puis à l'intérieur, laissant tomber un jaune légèrement verdâtre Ce n'est pas du jaune pur. Ensuite, intégrez-le dans cette orange ajoutant quelques lignes organiques vaporeuses, quelques touches de noir pour encore augmenter le contraste Au fur et à mesure que l'eau et le papier commencent à sécher, je peux ajouter un ton encore plus foncé pour lui donner plus de profondeur. Je mélange donc du viridian et je le mélange avec de la couleur orange pour le neutraliser un peu mélange avec de la couleur orange pour le neutraliser Je ne veux pas qu'il soit vert vif, il est assez fort pour le moment. J'y réfléchis donc. Il faut faire quelque chose. Je vais prendre mon mouchoir et le tamponner un peu pour enlever une partie de ce pigment 24. Quelques touches finales: Alors que le tableau est en train de s'assembler, vous pouvez voir comment la composition s'est déroulée Et j'aime le fait que cette composition ne soit pas symétrique. Le groupe principal est beaucoup plus lourd vers la droite et le côté gauche s'ouvre sur beaucoup plus d'espaces blancs. Et nous avons des tons foncés plus forts d'un côté et des passages plus clairs et plus doux de l'autre, mais cela semble naturel Les fleurs s'arrangent rarement dans un équilibre parfaitement géométrique. Même lorsque vous les arrangez nous-mêmes, une petite asymétrie crée généralement plus de vie. L'important est que l' asymétrie doit toujours être équilibrée et qu'elle ne soit pas opposée, car l' équilibre ne signifie pas que les deux parties sont égales Cela signifie que le poids visuel est stable. Une fleur bleu foncé d'un côté peut contrebalancer plusieurs fleurs pâles de l'autre. Une petite forme orange saturée peut contrebalancer un lavage neutre beaucoup plus important. Une grappe de feuillage dense peut également être équilibrée par du papier blanc ouvert. Je pense donc en termes de poids visuel plutôt que quantité physique réelle, car l'obscurité a du poids, la saturation a du poids. va de même pour les arêtes dures , les détails et les grandes formes. Et même les espaces blancs peuvent avoir du poids en fonction de leur forme et de leur emplacement. Donc, une fois que nous commençons à penser de cette façon à la composition, elle devient beaucoup plus flexible. Nous n'avons pas besoin de nous sentir obligés de mettre une autre fleur quelque part simplement parce qu'un côté semble plus vide Peut-être que ce vide est exactement ce qui équilibre la densité de l'autre côté C'est ce qui se passe ici. L'espace ouvert donne au bouquet de l'espace pour respirer. Si je remplissais plus de fleurs sur le côté gauche, je rendrais peut-être la composition plus uniforme, mais cela la rendrait probablement moins intéressante. Vous pouvez voir que nous n'avons presque pas utilisé de peinture blanche. Nous ne l'avons utilisé que pour quelques petites touches en plus de certains lavages. La peinture est pratiquement terminée. J'ai juste besoin d' assombrir un peu ces pétales Ce n'est pas tout à fait nécessaire, mais parfois vous avez envie de jouer du violon, et c'est pour moi un signe que les peintures sont terminées Si je joue avec des bêtises et que je déclare que le tableau est terminé 25. Réflexions finales !: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours sur la peinture d'une composition florale en vrac. Nous avons exploré comment le contraste peut attirer l'attention, comment les couleurs répétées peuvent relier des zones distinctes et comment les formes inachevées peuvent donner une peinture un aspect plus naturel qu'incomplet Les fleurs pâles sont devenues plus fortes à cause des formes plus foncées qui les entouraient. Les notes chaudes éparpillées ajoutaient du mouvement et empêchaient la palette fraîche de paraître plate. Ces principes peuvent être appliqués aux bouquets, scènes de jardin et à de nombreux autres sujets expressifs. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous les donner. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que ce cours vous a montré quel point la retenue, la variation et le placement réfléchi peuvent donner du caractère . J'ai hâte de vous voir dans mon futur cours d'ici là. Au revoir pour l'instant à Happy painting.