Personnages dansants : illustrer des poses dynamiques dans Procreate

1. Introduction: J' ai découvert mon amour pour dessiner des femmes en travaillant sur le projet des danseurs. Dancers est une série d'illustrations avec des personnages féminins dans des poses dynamiques. Je m'appelle Yifat, je suis artiste et illustrateur. Le plus grand défi dans le dessin des gens n'est pas seulement de dessiner des personnages relatables, mais aussi de styliser chacun comme un individu. Dans ce cours, vous apprendrez à dessiner des poses de danse dynamiques et à trouver votre propre style d'illustration avec le projet final de la classe. La classe suit une série de leçons et d'exercices conçus pour développer progressivement la confiance et les compétences pour votre projet final de danseur. Nous commencerons par créer une base pour dessiner des poses énergiques à partir de l'observation. Vous apprendrez à illustrer différentes formes de corps, exagérer les gestes dynamiques, à concevoir des personnages relatables, dessiner des tissus et des motifs lâches. Cela aide à avoir une vision large de votre projet. J' ai vu mes danseurs comme des images joyeuses et stimulantes de femmes dans de grandes peintures murales, des femmes faisant leur truc et l'aimant. Je pense que les femmes dans l'expression positive de soi sont une image puissante. Je trouve cela inspirant. Si vous voulez être confiant en dessinant des gens, si vous souhaitez découvrir votre propre style d'illustration, ce cours est fait pour vous. Prenez votre crayon et commençons. 2. Le projet de cours: Pour votre projet de classe, vous illustrerez un danseur dans une pose dynamique. Vous pouvez aller plus loin et explorer votre style en rejoignant le groupe de danseurs ou une série d'illustrations de danseurs individuels pour votre projet. Vous pouvez ajouter des décors attrayants qui racontent une histoire. Prenez le temps de le faire à vous. Vous pouvez utiliser n'importe quel support de dessin de votre choix. Je partagerai des conseils et des stratégies de dessin avec Procreate tout au long de la classe. La classe est structurée comme une série de leçons suivies avec exercices de conception pour développer progressivement votre confiance et les compétences d'illustrer les gens. Je vous invite à prendre le temps de pratiquer chaque étape avec moi. L' illustration porte sur la communication d'idées et de concepts. Cela nécessite un mélange de pensée critique et créative. C' est un mélange d'art et de design. L' illustration demande un sens du style. C' est quelque chose que vous découvrirez à travers cette classe. se voit dans la première leçon. Commençons à dessiner. 3. Les principes de base de la capture des poses: Le plus amusant de travailler avec Procreate est que nous pouvons maintenant tirer une photo de référence et la placer directement sur la toile à côté de nous, et je peux vraiment la placer dans cette minuscule fenêtre qui flotte autour de la toile. Ce que je veux vous montrer maintenant, c'est quelques tactiques et des conseils sur la façon de capturer la pose. Un bon conseil et c'est quelque chose que nous faisons dans l'art, c'est que nous mesurons des choses avec nos crayons, je tiens le crayon et puis j'étire le geste. Je veux avoir l'indice parce que je pense que les positions des doigts sont très, très intéressant de travailler avec qui est à peu près tout. Je peux commencer à ajouter des détails, mais pour l'instant, je veux juste que vous compreniez les bases du travail avec des figurines en bâton. Cette jambe, elle n'est pas vraiment horizontale, elle est légèrement inclinée, et la mesurer avec un crayon vous aidera à comprendre les angles dans lesquels toutes les parties du corps sont placées en proportion les unes des autres. Maintenant, j'ai la forme de base pour que je puisse y ajouter un peu. Il y a la tête ici quelque part. Le bras est vraiment horizontal. Ça va être assez facile. Ce sont les bases de la capture de la figure et de la pose sur la page, que vous travailliez avec du papier ou à l'aide d'une tablette ou d'un iPad pour dessiner votre image de base. Ce que nous essayons de capturer dans la première étape n'est que les bases de la pose. Essayons un autre. Encore une fois, pour cette image, il y a un arc dans le torse, puis tout le reste semble être assez simple. Mais cette jambe est-elle vraiment droite ? Voyons voir. Si je le mesure avec mon crayon, je peux affirmer qu'il est en fait légèrement incliné, près à mi-chemin entre la rotule et le talon, nous positionnerons la pointe du pied. Les hanches sont légèrement inclinées, vous pouvez le mesurer. Mesurons cette jambe. Si c'est le genou et que c'est le talon, alors cette jambe va toucher le sol ici, peut-être même ici. Ensuite, nous avons la courbure du torse et la ligne d'épaule est vraiment inclinée, vraiment diagonale et la tête est légèrement inclinée position arrière dans un profil. En dessinant la tête, je vais continuer la ligne que j'ai dessinée pour l'arc qui représente la colonne vertébrale de la façon dont le corps se plie à la toute fin de celui-ci, nous allons trouver la main. Ce tenseur est penché vers un côté de sorte que ce côté qui se plie sera plus court que celui qui s'étire. De là, nous avons le bras qui repose sur son genou. Je pense que j'ai la base de la pose tout dessiné ici. Je peux revenir en arrière et ajouter plus de détails, les choses auxquelles nous prêtons attention sont des marqueurs. Nous pouvons utiliser le nombril comme référence à la direction du corps. On peut utiliser les seins pour montrer des mouvements. L' un sera debout et l'autre sera descendu quand le danseur sera penché. Dessiner les lignes d'épaule et les jambes aident vraiment à ancrer le geste. À ce stade, nous ne voulons pas vraiment entrer dans beaucoup de détails, encore une fois, le geste appliqué a tendance à avoir le sentiment que nous avons capturé l'essence de la pose. Ensuite, on va s'entraîner, se prépare à me rejoindre avec des danseurs de dessin. 4. Exercice 1 : Exercice d'exercice de dessin de figure: Dans cet exercice, vous pratiquerez le dessin de figure. Basez vos croquis sur les images que vous avez recueillies ou sur celles que j'utilise pour esquisser des figures. Chaque arc devrait prendre entre 30 secondes et une minute. Les croquis sont rapides. Nous ne voulons pas entrer dans beaucoup de détails, il suffit de capturer l'essence du geste. Mettez la vidéo en pause si vous avez besoin de plus de temps pour dessiner. Êtes-vous prêt à commencer à dessiner ? Commençons. 5. Exercice : Changer les formes de corps: Dans cette leçon, vous allez continuer à travailler avec les figures du premier exercice, créant des variations d'une pose, vous allez dessiner trois formes de corps différentes basées sur une seule posture. Pratiquer pour cet exercice vous aidera à gagner la liberté de dessiner n'importe quelle forme de corps à partir de vos croquis initiaux. Nous allons maintenant apprendre à changer et à créer différentes formes de corps, en fonction de la posture originale. Vous pouvez télécharger cette image à partir des ressources de la classe ou utiliser une affiche que vous avez créée lors de l'exercice précédent. Je voudrais commencer par deux formes de base basées sur le même post, nous pouvons dessiner une forme masculine ou féminine. J' aimerais que vous fassiez attention aux courbes pendant que le squelette va rester fondamentalement le même, la forme globale va être différente. Le dos va bien courber mais quand nous dessinons les hanches et les fessiers, la forme masculine va avoir tendance à être plus angulaire, tandis que la forme féminine va être plus sinueuse tandis que les illustrateurs, nous n'aspirons pas à dessiner un mâle parfait ou femelle, mais nous voulons donner des suggestions et donc à l'ensemble des formes afin que nous puissions exagérer et nous pouvons simplifier, nous ne visons pas cette représentation précise de la forme masculine ou féminine. La forme féminine va être plus sinueuse. Nous voulons voir des seins arrondis et des ventres plus doux. Alors que pour la forme masculine, j'irai avec plus de lignes droites et poitrine plate. Le cou d'une danseuse sera plus étroit que celui du danseur masculin. Bien sûr, on peut jouer avec les cheveux, mais on n'a pas vraiment besoin d'entrer dans ces détails maintenant. Quand nous dessinons les muscles féminins vont être plus petits que ceux que nous dessinons pour les hommes, sauf si vous dessinez une femelle très musculaire, c'est très bien. C' est l'une des choses que j'aime à propos des danseurs de dessin , c'est qu'ils ont de belles formes musculaires prononcées. Pour les hommes, je vais probablement exagérer les épaules, montrer les pièges, qui sont les muscles qui relient le cou et le dos, ils seront plus angulaires et visibles, leurs biceps vont être plus arrondis et pour les femelles, peut-être que je vais dessiner des formes plus longues, formes plus douces, des formes arrondies. Nous allons utiliser les postures que vous avez créées lors du premier exercice et nous nous en inspirer. Nous construirons les formes musculaires, nous construirons les courbes et nous rappellerons que les proportions resteront à peu près les mêmes proportions que le squelette que vous avez créé lors de votre premier exercice. On va juste lui donner plus de corps. La prochaine chose que nous allons faire est que nous allons courir avec cet exercice, vous donner la liberté d'explorer différentes formes, jouer avec les postures que vous avez dessinées lors du premier exercice et créer différentes formes de corps. Pour chaque forme de base que vous avez créée lors du premier exercice, vous pouvez choisir quel corps va être construit autour d'elle. Il peut s'agir d'un danseur masculin qui utilise ces principes que je vous montre ici ou d'une danseuse féminine. danseuse féminine peut être mince et longue, mais vous pouvez également créer une forme de corps lourde lorsque vous exagérez les hanches et les cuisses les créent plus grandes et plus lourdes alors qu'elles sont encore dessinées sur le même squelette de base. J' aime dessiner mes danseurs avec le gros pinceau très rugueux et je peux toujours entrer et affiner les détails avec la gomme. Il suffit de marquer l'espace négatif au lieu de dessiner des lignes, mais je peux aussi ajouter un autre calque et ensuite très grossièrement avec l'encre noire, dessiner les détails les plus fins de ma danseuse. Cette danseuse est assez similaire à celle de l'image, c'est une danseuse longue et mince. Mais je voudrais jouer avec cette forme de corps et essayer différentes versions. Dans la section suivante, je vais vous montrer comment je crée un danseur lourd et un danseur masculin avec la même pose de base. 6. Créer des corps de versets: Continuons cet exercice en créant une danseuse lourde, basée sur la même posture de base. Quand je veux créer un danseur lourd, je commencerai par des hanches lourdes. Je vais tracer cette ligne beaucoup plus loin sur le côté, que quand je dessine le danseur mince. Pensez-y qu'une personne lourde de l'intérieur, a la même forme de base qu'une personne mince. Ce que vous voulez faire lorsque vous créez un danseur de jeu lourd, c' est de lui donner juste une forme plus large, mais garder les proportions globales de la même manière que vous le faites avec une forme plus mince. Nous pourrions vouloir exagérer avec les seins, et donner au danseur des cuisses très épaisses. Je dois dire que j'aime vraiment dessiner ce danseur parce que je trouve que c'est plus expressif, je peux jouer avec celui-ci. Lorsque vous dessinez cet exercice, il est beaucoup plus facile de commencer par simplement placer la couleur, dessiner la forme rugueuse, puis passer sur cela dans un nouveau calque et essayer de trouver la forme dans une ligne plus raffinée. Rappelez-vous que c'est un exercice que nous n'allons pas encore dans le style, nous allons le faire dans la prochaine leçon. Pour l'instant, je voudrais vous concentrer sur la forme, concentrer sur la création de différentes formes de corps avec la même posture. Donnez-vous de l'espace pour explorer et créer différents danseurs dans la même pose. Dessinez cet exercice. Je te verrai dans la prochaine leçon. [ MUSIQUE] 7. Style : Faire vos choix créatifs: Maintenant que vous avez pratiqué le dessin à l'aide de vos compétences d'observation, votre prochaine étape consisterait à considérer dans quel style vous voudriez illustrer vos danseurs. Une des questions que je me pose habituellement avant de commencer une nouvelle œuvre est, quelle est ma stratégie de dessin ? Quel genre d'approche dois-je apporter dans cette pièce ? Si je commence à travailler sans pointeurs de style, je pourrais créer un travail avec lequel je ne me connecte pas vraiment, qui se concentre sur lucks, qui manque en quelque sorte des composants essentiels. Je pense qu'il est préférable de prendre le temps et d'investir le temps de découvrir ce qui vous fait étinger, ce qui surgit pour vous, ce qui vous donne de la joie dans votre travail, dans le travail des autres. Essayez de purifier toutes ces idées et de les avoir très claires devant vos yeux, dans votre esprit et dans votre cœur avant de commencer à travailler. Parce qu'une fois que cette feuille de route vers votre style est claire, elle devient le fondement de tout ce que vous faites. Le style est très dynamique, et il est naturel qu'il grandisse et change. Vous voulez faire attention à des choses que vous aimez faire, des choses qui viennent naturellement à vous. Vous voulez également faire attention à vos points fragiles à vos faiblesses. Vous voulez faire attention à vos désirs et souhaits. Illustrer les gens est quelque chose que je voulais faire depuis un moment maintenant. Parce que tirer les gens de l'observation est quelque chose que j'ai déjà fait avant à la fac, où je travaille vers un diplôme de design industriel. J' ai dessiné des mannequins en cours d'art. Puis je suis allé à l'école d'art pendant deux ans de plus. Le dessin de l'observation vient facilement à moi. C' est une compétence. Former vos mains et vos yeux à travailler ensemble est une compétence. C' est une pratique. Ensuite, nous pouvons faire de même quand nous voulons illustrer. Avec des illustrations, nous concevons, nous faisons des choix conscients, puis nous essayons de répéter ces choix, et cela devient votre style reconnaissable, la façon dont vous dessinez les choses. Pour développer votre style, vous voulez devenir un meilleur auditeur de vous-même, de ce que vous appréciez le travail des autres. Nous sommes constamment exposés à la créativité. Il nous remplit et nous inspire. Il vous influence lorsque vous regardez œuvres d'autres artistes d'une manière qui stimule votre créativité. Rappelez-vous cette inspiration que nous appelons cela dans l'utilisation, c'est comme une envie de faire quelque chose parce que vous l'aimez, parce que vous l'aimez. En ce sens, nous voulons devenir de meilleurs auditeurs parce que nous aimerions écouter tous ces désirs secrets, tous ces petits souhaits, tous ces moments wow. Quand tu dis, c'est beau. C' est ainsi que les choses doivent être faites. C' est ce que j'aimerais faire ensuite. Nous allons explorer le style ensemble. Vous identifierez les éléments d'une illustration que vous aimez et essaierez de repérer les composants des illustrations que nous appelons style. Dans la leçon suivante, nous allons regarder les illustrations qui ont été publiées sur Pinterest, Instagram et Behance, et découvrir tous les composants qui créent un style que vous aimez et souhaitez intégrer dans votre travail. Je voudrais que vous revisitiez également votre travail, regardez l'illustration que vous avez créée dans le passé, et essayez d'attraper les moments où vous dites, hé, c'est quelque chose que j'aime. C' est quelque chose que j'ai fait correctement et je veux répéter cela. Soyez attentif, ce sera votre feuille de route pour votre style. 8. Identifier des éléments de style: [ MUSIC] Pour identifier les éléments de style, nous allons regarder des illustrations affichées sur les réseaux sociaux. La première chose à se démarquer dans un dessin est les couleurs. Nous allons nous demander, quels étaient les choix de couleurs des illustrateurs ? Ont-ils travaillé avec une palette limitée composée uniquement de quelques couleurs choisies ? Les couleurs sont-elles vibrantes, saturées, sont-elles réduites en silence ? La question que vous vous posez ici est, quelles couleurs choisissez-vous encore et encore ? Les couleurs que vous utilisez fréquemment seront votre palette unique. Une autre chose à observer dans une illustration est les textures. Vous remarquez des textures ou l'illustration est-elle faite avec des formes lisses ? S' il y a des textures, où sont-elles utilisées dans l'illustration ? Quel genre de textures voyez-vous ? Vous pouvez vous demander si vous aimez utiliser des textures, si vous voulez apprendre à dessiner plus de textures dans votre travail, ou peut-être que vous dessinez plus d'illustrations trop plates avec aucune ou très peu de textures. Une autre chose que nous allons regarder est l'ombrage. Vous voudrez peut-être vous demander comment l'artiste utilise-t-il l'ombrage dans l'illustration ? Est-ce que l'ombrage est quelque chose qui plaît à votre goût ? Tous les illustrateurs ne les utilisent pas. Si la réponse est oui, essayez de voir quel type de technique d'ombrage vous plaît. Une autre chose que nous observons sont les formes. Nous voulons voir si les formes sont détaillées, ou si elles sont abstraites, simplifiées. Certains illustrateurs utilisent les mêmes formes tout au long de leur travail d'illustration, elle devient leur langue. Vous voulez vous demander, êtes-vous attirés par certaines formes ? Revenez-vous à dessiner des illustrations botaniques, des plantes, des fleurs ? Êtes-vous plus attirés par le dessin des animaux et des gens ? Aimez-vous des formes claires plus définies dans votre travail ? Ou travaillez-vous à simplifier les formes de vos illustrations ? Lines est quelque chose qui amplifie vraiment le travail. Aimez-vous dessiner des lignes fines ? Vous aimez apporter des détails dans votre illustration ? Tu aimes ça dans le travail des autres ? Nous pouvons utiliser des lignes dans les contours ou nous pouvons utiliser la ligne pour dessiner certains éléments de l'œuvre qui ne sont pas définis par de grandes formes. Peut-être que vous aimez les illustrations qui n'ont aucune ligne du tout. Pensez à tous les autres détails que vous avez remarqués dans votre travail, et dans l'illustration que nous examinerons ensuite. J' ai l'habitude d'économiser des messages qui me parlent vraiment. Si je devais passer en revue ces messages, je suis sûr que je serais en mesure d'identifier les éléments qui s'appliquent également à mes illustrations. Examinons quelques exemples de Behance dans Instagram et voyons comment différents illustrateurs créent leur style avec des palettes de couleurs, des lignes, des abstraits, des formes de corps complexes et des proportions. Nous rechercherons des textures et des techniques d'ombrage. Cette illustration de Kelly Kwok. Kelly stylisait son peuple avec des contours et sans textures, créant de lourdes jambes et bras longs, torse court et de petites têtes minuscules. Maintenant, elle partage les détails des coulisses. Elle montre les proportions des personnages qui sont différentes de leurs traditionnelles : une tête, quatre têtes pour le torse et quatre têtes pour les jambes. Voici les gens heureux de Jessica Flores. Les couleurs sont assez neutres, mais encore assez vibrantes pour créer une image joyeuse. Je veux que vous remarquiez les éléments, les feuilles et les cheveux qui soufflent derrière la femme. Elle les utilise pour suggérer des mouvements. Dans cette illustration, nous voyons des personnages qui dansent réellement, et maintenant c'est ainsi qu'elle a omis les coudes et les genoux. Ce sont des courbes, des jambes et des bras pliés. C' est Big Girls Big World de Ken Van. Les couleurs sont basiques et clairsemées. L' illustrateur a dessiné à l'intérieur des cheveux de la femme en créant des décors intéressants et en ajoutant des personnages et des détails à ces femmes. J' aime vraiment les poses, elles montrent de la personnalité. Maintenant, passons sur ce post Instagram. Celle-ci de Peachy Hanna a cette forme graphique très simplifiée et elle utilise l'espace négatif très habilement. En fait, elle supprime les lignes aux détails, aux plantes et son ombrage est fait avec la brosse de bruit. Cet illustrateur crée une scène très vive avec de petits détails. Regardez toutes les plantes qui traînent au plafond. Ils utilisent des lignes pour ajouter des détails aux plantes là-bas sur les feuilles pas tant à l'extérieur des feuilles. Les personnages sont presque dessins animés comme très plat. Ce que j'aime dans cette pièce, c'est l'utilisation de blocs de couleurs et de lignes. Je sais que je l'utilise aussi dans mon travail et c'est probablement une raison pour sauvegarder cette illustration. Les bras et d'autres détails sont dessinés en lignes, certains sont des lignes noires, d'autres sont blanches. J' adore les textures subtiles qui semblent être dessinées à l'aquarelle. Ces illustrations sont de Sofia Bonati. Elle crée des visages très réalistes. Nous pouvons voir qu'il y a des contours, très doux dans les plantes, et si vous remarquez que le bain a une texture très subtile sur elle qui crée des ombrages et ajoute des intérêts, aussi les cheveux nuageux sont espace complètement négatif tel qu'il est défini par l'ombre qui l'entoure. Cette dame a une robe et la robe est faite de fleurs. Je dirais qu'il y a un léger mouvement créé par l'inclinaison de sa tête vers un côté et ensuite sa robe coule dans l'autre direction. Maintenant, cette illustratrice conserve la même palette de couleurs tout au long de son travail. C' est les mêmes oranges et verts, violets et roses. C' est un excellent exemple de la façon d'ajouter du caractère à travers l'affiche, la femme pose vers nous, sa tête est légèrement inclinée vers nous. Les traits du visage sont tout à fait réalistes bien qu'ils soient abstraits en raison des couleurs, parce que les yeux ne sont qu'un cercle rouge. Il suffit de regarder le motif que l'illustrateur a créé sur la chemise. Il ajoute un peu de douceur au personnage. Celui-ci nous donne un espace négatif pour ajouter des détails. Nous créons un espace négatif en supprimant réellement des lignes au lieu d'ajouter des lignes, ou nous pouvons utiliser des masques. Il y a un motif intéressant sur le pantalon. J' aime les cheveux bleus et je pense que ce sont les raisons pour lesquelles j'ai sauvé cette illustration. 9. Exercice 3 : votre feuille de route du style: Dans cet exercice, vous allez créer votre feuille de route de style. Vous pouvez regarder sur Pinterest, Instagram, Behance, livres et magazines, n'importe quel endroit où vous pouvez trouver des images qui vous parlent. Créez votre feuille de route de style sur papier ou une grande toile dans Procreate. Vous pouvez télécharger le modèle que j'utilise à partir de ressources de classe. Lorsque vous parcourez les illustrations que vous avez sélectionnées, faites de votre mieux pour répondre à ces points. palettes de couleurs sont muettes, vibrantes, cohérentes. Qu' en est-il des textures, quel genre de textures voyez-vous ? Comment l'artiste de l'illustration utilise-t-il l'ombrage ? Quels types de techniques utilisent-ils ? Les formes sont-elles détaillées ou simplifiées dans l'ensemble ? L' artiste utilise-t-il des lignes ou des contours ? Si oui, de quelle manière ? Tous les autres détails qui se distinguent par vous. Prenez vraiment le temps d'identifier et de comprendre vos choix artistiques. Cela pourrait être un bon endroit pour tester les pinceaux, les textures, jouer avec différents traits de ligne et enregistrer des couleurs pour les futures palettes. Notez des notes et créez des listes de textures que vous aimez, des formes que vous souhaitez créer. Techniques qui vous parlent, détaillent et dessinent tout ce qui attire votre attention. Revisitez vos propres illustrations pour identifier les éléments qui fonctionnent bien dans vos illustrations, découvrez les modèles dans les choix artistiques que vous avez faits dans le passé pour avoir une vision claire et une compréhension de votre style. 10. Dessiner une danseuse: Maintenant que vous avez une meilleure compréhension de votre style d'illustration, appliquons les caractéristiques de style que vous avez identifiées avec votre feuille de route de style à la pratique. Tout au long de cette leçon, essayez différentes approches d'illustration jusqu'à ce que vous trouviez celle avec laquelle vous vous connectez. Laissez-vous le temps d'explorer et de réaliser un dessin stylisé. Voici mes croquis préliminaires. Ils sont assez détaillés. J' ai choisi celui du milieu pour développer mon premier danseur. Maintenant, je voudrais vous donner un aperçu du processus. Voici donc les couches que j'ai utilisées pour créer ce danseur. J' ai des couches séparées pour les cheveux, les traits du visage, et bien sûr, la tenue a plusieurs couches de sa propre. Je veux que vous voyiez la différence entre le croquis initial et le danseur final. Remarquez comment la proportion change car le danseur bleu a des jambes plus longues et des bras plus longs, et il est plus mince que la première illustration. Commençons par une nouvelle toile. Je veux vous montrer comment je mets ma toile pendant que je travaille. Je travaille habituellement avec 11 pouces sur 14 pouces, et mon DPI, qui est la résolution, devrait être 300. C' est mon canevas standard pour mon travail d'impression. Trois cents est une résolution assez détaillée si vous voulez imprimer vos illustrations plus tard. Ouvrons une nouvelle toile et configurons notre couleur d'arrière-plan. Apportons l'un des croquis avec lesquels nous voulons travailler. Je sais que je veux travailler avec ce croquis. J' ai déjà copié ce calque de ma toile d'esquisses et je vais le coller avec ce geste à trois doigts. C' est un geste rapide pour coller des images sur votre toile. Lorsque vous placez votre croquis pour la première fois sur la toile, prenez le temps de le positionner à peu près là où vous voulez qu'il se trouve. Vous pouvez le déformer, l'étirer, assurer que vous avez quelque chose que vous aimez et que vous voulez continuer à travailler. Maintenant, je vais réduire l'opacité et verrouiller ce calque de sorte que je ne crée pas accidentellement toute mon illustration sur ce calque. Ceci est juste une couche de référence pour le travail. Nous allons ajouter un nouveau calque et commencer à dessiner le danseur. Pour mes illustrations de danseur, j'ai travaillé avec un pinceau Blackburn. Je l'aime parce qu'il a une belle texture subtile sur les bords de la brosse ainsi que le côté peinture de la brosse afin que vous ayez une texture subtile pour travailler avec. Bien sûr, n'hésitez pas à essayer différents pinceaux et à choisir celui qui résonne avec vous, que vous connectez le plus pour ce projet. Effacons la couche rapidement. Si vous appuyez sur le calque, vous avez un petit menu déroulant et vous pouvez sélectionner Effacer, effacerait tout ce qui se trouve sur ce calque. Maintenant que vous avez tout mis en place, vous pouvez commencer à dessiner votre danseuse. Je vais laisser la musique courir et arrêter de temps en temps pour vous donner quelques conseils. Les principaux points clés que je voudrais que vous tiriez de cet exercice sont de le faire à votre manière. Lorsque vous dessinez votre danseur, essayez de vous référer fréquemment à votre feuille de route de style. Si vous avez des questions à vous poser, comme quelle est la façon dont vous voulez dessiner votre danseur, évidemment, vous avez votre propre façon. C' est comme ça que j'aime faire les choses. Trouvez votre façon de dessiner vos danseurs car votre projet devrait être le vôtre. J' aime travailler avec une couleur de fond assez sourdine. Je peux toujours le changer, bien que les couleurs fonctionnent généralement relativement à la couleur d'arrière-plan que vous choisissez au début, alors soyez conscient de l'endroit où vous allez avec votre travail. Quand je dessine les mains, j'essaie de ne pas donner tous les détails très fins par une sorte de soupçon d'où se trouve le pouce et où sont les doigts. Donc, si vous remarquez la façon dont je le dessine, les coups de pinceau sont vraiment rugueux dans la main ouverte, mais vous pouvez toujours voir le geste. C' est là que je vais avec ça. Les pieds sont une histoire différente parce que je pense que les pieds du danseur aident vraiment à améliorer le mouvement et le geste. Je vais donc essayer de saturer le geste où les orteils pointent avec l'arche du pied et tous ces petits détails des jambes juste pour améliorer le mouvement du danseur à travers ses jambes. La façon dont mon travail de style est que j'aime travailler avec de l'espace négatif et laisser des lignes ouvertes et effacées plutôt que aller les dessiner plus tard avec un autre pinceau. Par exemple, la ligne entre l'épaule et la tête va être un espace négatif. Fondamentalement, c'est une ligne qui est effacée du gros morceau de forme qui est le danseur. Maintenant, la main est positionnée beaucoup plus loin que le croquis initial, et la raison en est d'exagérer, pour améliorer le geste et les mouvements du danseur alors qu'ils se penchent vers l'arrière. Donc, j'exagérerais le virage du dos et l'inclinaison de la tête. Voici une astuce pour vous configurez votre gomme comme le même pinceau que celui que vous avez utilisé pour dessiner la forme réelle de sorte que lorsque vous supprimez des pièces, lorsque vous effacez, la texture reste la même, votre contour aura toujours la même texture que le pinceau que vous avez utilisé pour dessiner le corps. Nous allons parler plus de la création du visage et des détails du visage dans la leçon consacrée au design de personnages. Mais pour l'instant, c'est ainsi que je crée le visage. J' en dessine et je les efface. Je laisse la caractéristique faciale assez générale et rugueuse. Lorsque vous avez votre forme de danseur prêt, nous pouvons décocher le calque d'esquisse, ce n'est plus utile, ajouter un nouveau calque et décider ce que nous voulons faire ensuite. Si vous dessinez des appels de style pour dessiner dans des détails dans des lignes ou dessinez certains détails avec des lignes, il est temps de les ajouter dans un nouveau calque. Essayons un pinceau qui pourrait bien fonctionner à cet effet. Parfois, il est utile d'ajouter la photo de référence que vous avez utilisée pour dessiner la pose initiale juste pour vérifier comment certains détails fonctionnent dans le monde réel dans les photos de référence. Par exemple, je regardais en arrière la danseuse pour voir comment ses pieds sont positionnés, comment les orteils sont positionnés. Cela me donnera une bonne idée de la façon dont je vais ajouter les détails si je veux les ramener. Nous avons vu une façon d'ajouter des détails à la première couche du corps. Puisque je ne travaille pas avec les contours, je vais supprimer ce travail et le configurer comme un exemple pour quelque chose que vous pouvez choisir de faire dans votre travail. Dans notre prochaine leçon, nous allons voir une façon d'ajouter de l'ombrage à notre forme de danseur. 11. Techniques d'ombrage avec des masques: Commençons à ajouter des ombres à notre danseur. Pour ce faire, nous allons ajouter un nouveau calque et le configurer en tant que masque d'écrêtage. Pour configurer un masque d'écrêtage de calque, choisissez simplement dans le menu déroulant du petit calque. Ensuite, nous voulons choisir une couleur vive, en règle générale, les ombres n'ont pas nécessairement besoin d'être noires, elles peuvent être colorées, et de cette façon, elles amélioreront vos illustrations. Le calque de masque est limité aux limites des calques auxquels il est affecté. Toutes les marques de pinceau que vous faites tomberont sur la forme exacte de votre danseur. Pour votre pinceau, choisissez n'importe quel pinceau avec lequel vous aimez travailler, pour cette démonstration initiale, j'utilise l'acrylique humide pour créer ces ombres. Ce sont les principes de base de dessiner des ombres avec un masque d'écrêtage. Ma technique pour dessiner des ombres est d' utiliser fortement les textures pinceaux de leur menu artistique. C' est vraiment un choix personnel, je vous suggère d'essayer quelques pinceaux jusqu'à ce que vous trouviez celui avec lequel vous aimez vraiment travailler. J' aime faire quelques retouches d'ombres, pas tellement pour les attirer. J' utilise les ombres comme un moyen d'amplifier la forme et d'ajouter quelques détails à ma danseuse. Maintenant, lorsque nous voulons supprimer des parties du calque d'ombres, nous devons nous assurer, encore une fois, que nous configurons la gomme la même brosse que celle que nous avions utilisée pour dessiner dans la texture des ombres. Voici un exemple de changement dans le corps du danseur. Maintenant que nous travaillons avec les calques, les modifications doivent être apportées au calque approprié. Juste en tapant sur le calque, je peux le choisir, puis supprimer les calques et ajuster la forme du danseur. Essayez de garder votre espace de travail organisé en regroupant des couches du même sujet. Toutes mes couches de danseurs seront regroupées, et tous les tissus seront regroupés dans un autre groupe. Ensuite, nous allons apporter des ajustements à l'illustration en améliorant le geste avec l'outil de transformation. 12. Transformer et manipuler les poses: Nous pouvons améliorer le mouvement du danseur et exagérer la pose en utilisant les outils Procreate. Choisissons la transformation et mettez-la en distorsion. Maintenant, on peut jouer avec la pose. Nous pouvons incliner le danseur jusqu'à exagérer le mouvement, nous pouvons choisir l'uniforme pour agrandir toute l'illustration, nous pouvons faire pivoter la forme à l'aide de la poignée verte. A ce stade, je vous conseille de faire des changements très subtils afin que vous n'exagériez pas trop avec le beau travail que vous avez fait jusqu'à présent dans votre illustration. Choisissez une option de déformation pour transformer des sections de votre illustration. Par exemple, je peux choisir de ramasser un peu la poitrine et d'améliorer l'arc dans le dos du personnage. Cela aide vraiment avec la dynamique de la pose comme le danseur semble qu'il y a plus de flambée vers le haut. C' est là que l'utilisation de couches de groupes est vraiment utile. Toutes les modifications que nous effectuons maintenant sont effectuées simultanément sur les deux couches en choisissant la couche de groupe plutôt que des couches individuelles pour créer toutes ces modifications. Vous pouvez également sélectionner des chemins de votre illustration et les modifier. Si j'étire ce bras vers l'arrière, cela améliorera le mouvement et ajoutera à la dynamique de cette pose. Enfin, vous voulez passer en revue les modifications que vous avez apportées et vérifier comment les différentes parties du corps sont connectées. Par exemple, si j'ai apporté des changements au bras, je veux revenir en arrière et voir que je n'ai rien déformé et qu'il est connecté au corps d'une manière fluide. Nous pouvons toujours utiliser la gomme pour modifier et ajuster les modifications que nous avons apportées auparavant. Ensuite, nous allons passer à la conception de personnages, et nous allons apprendre à ajouter du caractère et de la personnalité aux danseurs. 13. Conception de personnages similaires: La conception du personnage est beaucoup plus que de dessiner les expressions faciales. Considérez l'ensemble complet de poses et expressions faciales qui sont uniquement liées à votre personnage illustré. Cela aide si vous prenez le temps de penser à une grande histoire pour votre personnage, quoi ressemble leur personnalité ? Sont-ils une personne moelleuse ? Ils sont sérieux, ils sont drôles ? Quel est leur style de dressing ? En fait, j'ai nommé chacun de mes personnages dans son propre nom et il y a une raison pour chaque nom que j'ai choisi. Parfois, vous obtenez juste le sens de qui est votre personnage juste de passer par toutes les étapes préliminaires de dessin. Vous pourriez avoir une bonne idée de qui est votre personnage maintenant. Il y a quelques façons de dessiner un visage. L' une est de montrer le personnage à partir d'un profil. Ici, nous pouvons créer un profil différent, par exemple, ce danseur peut avoir un visage plus rugueux ou un visage plus doux avec un nez plus petit. La façon dont vous dessinez le visage reflète vraiment la personnalité de votre personnage. Si vous dessinez des caractéristiques rugueuses ou des caractéristiques très douces et petites, a vraiment un effet de l'apparence de votre personnage. Ajouter des cercles pour les joues, puis les yeux et les sourcils sont un autre élément que j'ajoute au visage de ma danseuse. Voyons voir le même personnage, mais cette fois de l'avant. Ici, nous avons plusieurs options et plusieurs façons que nous pouvons choisir de dessiner un visage. Vous pouvez utiliser la gomme, puis la brosse. Certaines lignes peuvent être dessinées et certaines lignes peuvent être effacées de la face. Encore une fois, nous utilisons un espace négatif. Vous pouvez dessiner le nez dans différents styles. Voyons quelques exemples. Les yeux peuvent être ouverts ou fermés. Quand ils sont proches, si la ligne des yeux se courbe vers le haut, l'expression est plus joyeuse. Lorsque les yeux fermés courbent vers le bas, l'expression est plus détendue, plus sereine. Vous pouvez dessiner des sourcils très prononcés et cela ajoute vraiment plus de caractère à mon avis, ou choisir de ne pas dessiner les sourcils. Finalement, mon choix personnel est de mélanger l'espace négatif comme en utilisant ma gomme et ma brosse pour dessiner le visage et j'aime le garder très simple et un peu rugueux. Laissez-moi vous montrer un autre exemple cette fois sur la danseuse pourpre. Elle est dans un profil. Encore une fois, il y a plusieurs façons de dessiner les yeux. Nous pouvons choisir de garder les yeux ouverts ou de les dessiner fermés. Il y a plusieurs façons de le faire, tout dépend de celle que vous préférez, celle qui vous convient, celle que vous vous connectez avec les meilleurs. Essayez différentes options pour votre personnage jusqu'à ce que vous sentez que vous avez dessiné quelque chose que vous aimez et que vous voulez vraiment garder. Dans la leçon suivante, nous allons passer à plus d'options de style pour concevoir votre personnage. Nous pouvons regarder les cheveux et d'autres façons d'ajouter de l' individualité et de la personnalité à votre personnage. 14. Styler des personnages individuels: Dans cette leçon, nous allons explorer plusieurs façons de créer un personnage unique. Vous pouvez changer la couleur de la peau pour définir une identité distincte à chaque personnage ou d'autres caractéristiques telles que les lunettes, éléments botaniques naturels et la fermeture et plus encore. Vous pouvez également nommer votre personnage et écrire sur l'histoire dans votre projet de classe. Je vais montrer dans cette leçon quelques façons de dessiner ici afin que vous puissiez explorer la façon dont vous aimez dessiner des cheveux et ajouter des accessoires à vos personnages afin de les coiffer de votre manière unique. Je vais montrer en noir, mais vous pouvez garder les options de couleur pour les cheveux vraiment vibrants et colorés. Ajouter des lunettes, des boucles d'oreilles et des bijoux à vos personnages peut vraiment aider à définir une identité unique pour eux. Il peut également aider à déterminer la direction du mouvement du personnage. C' est également un excellent moyen d'ajouter plus d'illustrations en couleur, que vous décoriez les cheveux avec des rubans colorés ou que vous ajoutiez des bijoux. Commençons par un moyen très simple mais efficace de dessiner les cheveux. On utilise le même pinceau que celui que j'ai utilisé pour dessiner le corps. Dessiner les cheveux dans la direction opposée montre des mouvements. Les cheveux coulent après que le personnage se déplace, et il aide à améliorer le sens de l'énergie du mouvement, et ils font maintenant une pose. Je peux dessiner une forme plus stylisée pour les cheveux, puis le remplir avec simplement glisser et déposer l'échantillon de couleur dans la forme que j'ai dessinée. Pour ce faire, nous devons dessiner une forme fermée afin de faire glisser et déposer la couleur dedans. Sinon, votre chute de couleur remplira toute la toile. Maintenant, c'est une forme plus dramatique pour les cheveux parce qu'il équilibre la forme du danseur. Nous avons donc une grande forme pour les cheveux et une grande forme pour le danseur. Mais nous pouvons même le rendre plus compliqué et ajouter un nouveau calque et le créer comme masque d'écrêtage. Ensuite, nous pouvons dessiner à l'intérieur des cheveux. C' est juste une autre façon amusante de styliser votre personnage. Dans cet exemple, nous pouvons créer plus de formes de contrôle pour les cheveux, plus stylisés. Pour le rendre plus intéressant, nous pouvons ajouter un nouveau calque. Avec une nouvelle couleur abstraite, je peux ajouter une nouvelle forme. Maintenant, j'ai la forme bleue et les lignes contrôlées, et ils créent tous une forme très stylisée et contrôlée pour les cheveux. Ces cheveux sont moins naturels, mais les cheveux plus conçus. Voici la façon dont j'ai choisi de dessiner les cheveux pour mes personnages. J' utilise une couche de couleur claire puis une couche de couleur noire avec cette brosse texturée pour dessiner les cheveux. Avec chaque personnage que j'ai créé, j'ai dessiné une coiffure légèrement différente, mais j'utilise la même méthode d'un sous-calque qui est blanc, puis sur couche qui a toute la texture. Si je veux effacer avec cette coiffure, je m'assurerais que ma gomme est configurée pour le même pinceau que j'ai utilisé pour dessiner. Nous avons exploré quelques façons de dessiner des coiffures pour votre personnage. Ensuite, nous allons passer à un exercice où nous créons différentes variations d'un danseur. 15. Exercice 4 : variations de personnages de conception: Dans cet exercice, vous allez créer trois variantes d'un personnage. Vous pouvez dessiner un caractère dans trois poses différentes, ou vous pouvez dessiner trois caractères différents dans trois poses différentes. À la fin, vous aurez trois danseurs pour votre exercice. Assurez-vous d'inclure au moins une vue de profil et une vue de face complète de votre personnage. C' est un endroit idéal pour tester des idées pour votre design, choix de couleurs, pour votre projet et différents styles de cheveux. Cela pourrait être le début de votre projet ou juste un exercice supplémentaire dans votre galerie. Commençons à dessiner. 16. Peindre des tissus fluides: Habiller un personnage ajoute à leur personnalité et améliore leur mouvement. Si vous vous souvenez de l'exemple d'illustrations que nous avons vérifié au début de cette classe, les illustrateurs ont utilisé le souffle des cheveux dans le vent et les vêtements qui s'étirent derrière un personnage comme moyen de communiquer la direction et la vitesse d'un personnage. Dessiner un sens de la direction dans la tenue du personnage ajoute également à la dynamique de l'image. Voyons quelques façons que vous pouvez appliquer lors de l'habillage de votre personnage. Ajoutons un nouveau calque et dirigeons vers l'outil Sélection. Assurez-vous que l'outil Sélectionner une configuration à main levée. J' adore utiliser cette méthode pour approcher. De cette façon, nous pouvons dessiner des versions simplifiées de tissus et de tout élément de clou de girofle que vous souhaitez ajouter à votre personnage. Une fois que la forme est fermée et que le calque de masque est prêt, passons au menu Pinceau et choisissons un bon pinceau pour joindre le tissu. Maintenant, j'aime utiliser un acrylique humide ou l'acrylique, il vous donne une très belle texture de couleur d'eau. Vous pouvez aller de l'avant et utiliser le pinceau que j' utilise ou choisir un pinceau avec lequel vous aimez travailler. La seule chose est, assurez-vous que la brosse est bien montée pour que vous ayez le gros pinceau avec lequel travailler. Lorsque vous travaillez avec un pinceau, assurez-vous de travailler légèrement et de ne pas appuyer dur sur votre stylet. Si vous appuyez fort, vous obtiendrez un pack coups de pinceau. Si vous voulez garder la forme transparente et les couches de pinceau douces, assurez-vous de travailler très légèrement lors de la superposition de vos coups de pinceau. C' est un bon début. À partir de là, nous pouvons soit ajouter un nouveau calque, soit travailler directement sur le même calque. Je vais, encore une fois, sélectionner des formes à l'aide de l'outil Sélectionner et les remplir avec de la couleur. De cette façon, je peux créer des plis et des plis dans le tissu. Veillez à modifier les couleurs que vous utilisez. Certaines des couleurs seraient plus claires que la couleur de base du tissu, et d'autres devraient être plus foncées. La dernière chose que nous pouvons faire est de vous diriger vers le calque et glisser vers la droite avec deux doigts pour le mettre en place dans Alpha Lock. Alpha Lock crée le masque de calque sur le calque comme opposé au masque d' écrêtage qui est un calque supplémentaire qui fonctionne comme un masque. J' aime travailler avec Alpha Lock parce que c'est un moyen très rapide de masquer et de travailler. Maintenant que le calque est verrouillé dans un masque, nous pouvons ajouter un peu d'ombrage avec une couleur plus foncée juste pour accentuer quelques zones du tissu. Il crée un tissu plus dynamique, ajouter un peu d'ombrage, et dans l'ensemble, je pense que cela rend le pantalon plus intéressant. L' étape suivante, je voudrais vous montrer une façon plus compliquée de créer des plis de tissu dans une robe. Voici une autre façon plus complexe de créer des plis en tissu. C' est un processus artistique réel de mon approche des danseurs. J' ai créé un design ou un design de base de l'endroit où je veux que les plis tombent sur la robe. Maintenant, je vais sélectionner ces zones et les remplir avec des couleurs. Encore une fois, je travaille avec le pinceau acrylique et la peinture en très, très légèrement pour ne pas bloquer toute la section avec de la couleur, mais pour la garder transparente et transparente à travers nos bandes de tissu. Je vais répéter le processus pour chaque morceau du tissu, puis changer les couleurs et faire quelques manipulations avec ces formes de tissu. Pour chaque forme, j'utilise un nouveau calque car je planifie ce que je veux faire plus tard dans mon processus d'arc. Je sais que je voudrais éditer les couleurs et jouer un peu avec eux. C' est un processus un peu plus complexe et vous avez besoin d'une planification à l'avance. Mais je veux que vous voyez comment le processus est en panne afin que vous ayez la possibilité de le choisir si vous aimez travailler de la même manière. Lorsque tous les morceaux de la robe sont prêts, nous pouvons aller de l'avant et sélectionner « Couche », puis ajuster la luminosité de la couche pour créer des changements dans les plis de tissu. Il est beaucoup plus intéressant de voir les changements dans les couleurs que d'avoir le tissu entier dans exactement la même teinte et les mêmes tons. J' aime aussi la façon dont toutes les pièces jouent ensemble et créent une robe dynamique qui suit le mouvement du danseur et l'améliore. touche finale de cette robe serait d' utiliser la gomme pour ajouter plus de texture aux bords du tissu, effacer les parties qui recouvre le bras des danseurs, et enfin, ajouter la transformation sur les paramètres Warps pour aider la robe s'adapte mieux au corps du danseur. Dans la leçon suivante, nous commencerons à ajouter des motifs à notre tissu. Nous allons commencer par un motif facile à dessiner, et passer à un motif plus compliqué. 17. Créer des motifs libres: Dans cette leçon, j'aimerais vous montrer deux façons de dessiner des motifs. Ce sont des motifs lâches que vous dessinez en double. Nous allons commencer par le plus facile, mais ils fonctionnent tous les deux en utilisant la même méthode. Toute forme fonctionnera pour dessiner un motif, même une forme carrée très simple. Je vais placer le carré dans le point de départ de mon modèle. Ensuite, passons au menu Calque et dupliquons ce calque. Nous allons créer une légère variation de la forme en la faisant tourner légèrement et en la déplaçant sur le tissu. Ensuite, nous allons passer au menu Calque et dupliquer ce calque et créer une autre manipulation. La pratique de base est de dupliquer un calque, le déplacer à travers le tissu et de le manipuler un peu, que ce soit en le tournant ou en le retournant. Je ne vais pas mettre à l'échelle la forme vers le bas ou vers le haut à ce stade parce que je voudrais que ce motif répète la même forme exacte dans de légères variations. Maintenant, allons de l'avant et créer un peu plus de variation de cette forme à travers pantalon jusqu'à ce que nous couvrons tout le tissu avec des motifs. Lorsque le motif est prêt, nous pouvons fusionner tous les calques qui créent le motif en un seul. Avec ce geste, nous choisissons tout le calque et les fusionnons en une seule main. C' est un geste vraiment amusant à utiliser. Bien sûr, vous pouvez fusionner tous les calques individuellement en sélectionnant la fusion dans le menu déroulant de chaque calque. La dernière chose que nous voulons faire est d'incorporer le motif dans le pantalon. Nous allons choisir le masque d'écrêtage pour notre calque de motif. Fondamentalement, ma couche de motif est prête. Mais dans ce cas, il est blanc et le pantalon est transparent et donc le motif est très délavé. Nous pouvons aller de l'avant et dupliquer la couche de motif afin qu'elle se distingue plus contre le pantalon transparent. Pour le modèle suivant, j'ai créé deux formes de base. L' un d'une fleur d'hibiscus et l'autre est une feuille. Je vais les utiliser tous les deux pour créer le modèle. En utilisant le même principe que dans le modèle plus simple précédent, nous allons créer une variation en retournant la fleur, puis en la déplaçant et en changeant la taille très légèrement. Cette conception peut prendre un peu plus de temps car vous voudriez déplacer les éléments jusqu'à ce que vous sentiez qu'ils s'intègrent dans la bonne position. Je laisse une fleur pour couvrir le danseur, et la seconde fleur va travailler dans un masque de coupe avec le tissu vestimentaire réel. De cette façon, le motif fonctionne parfaitement avec la robe. Lorsque vous travaillez avec des éléments colorés, cela pourrait améliorer le design si nous utilisons les modes de fusion des couches pour nous assurer que les éléments se fondent bien avec le tissu en dessous. Nous pouvons essayer quelques modes de fusion jusqu'à ce que nous trouvions celui qui convient le mieux au design que nous avons créé. Pour cet exemple, travailler avec un mode de fusion des calques allégés fonctionne mieux pour mon design. Maintenant que j'ai configuré cela, je suis prêt à continuer à dupliquer les éléments du modèle et je peux me débarrasser du groupe de calques que j'ai créé initialement pour placer mes éléments dans. J' en laisse un parce qu'il couvre le plus dense au-delà des limites de l'adresse, et tous les autres éléments vont tomber dans les couches de masque d'écrêtage. Continuons à dupliquer et à manipuler les éléments pour créer le motif complet. Un facteur clé pour créer ce design est votre goût. J' utilise certaines des feuilles comme éléments d'ombrage. Par exemple, j'ai placé une feuille derrière la jambe du danseur parce que je pense que cela crée un effet d'ombrage, et je placerais les feuilles plus dans les bords extérieurs du tissu pour la même raison, et je donnerai aux fleurs un rôle plus central dans le modèle. La prochaine chose que nous allons faire est d'apprendre à dessiner des vêtements simples et faciles pour votre personnage. 18. Dresser et facile: Dans cette leçon, j'aime vous montrer une façon de dessiner des vêtements qui est vraiment rapide et facile. C' est aussi très amusant. Vous pouvez réellement commencer avec cette méthode, puis passer à dessiner des tissus et des motifs plus complexes, et bien sûr, vous pouvez le combiner avec différentes méthodes de dessin des vêtements. Voyons quelques exemples de la façon dont j'utilise cette technique dans mes illustrations. Voici Urban Bea, et j'aimerais que vous fassiez attention à son pantalon et à la façon dont ils travaillent avec sa chemise. Le pantalon est serré, et la chemise coule, et l'interaction entre eux est vraiment intéressante. C' est Mid Step Kelly, et son pantalon a un motif lâche. Le contraste entre le pantalon serré et les chemises fluides fonctionne vraiment bien pour créer un design plus intéressant. Dans cette illustration, j'ai créé la robe et les chaussettes selon la même méthode ; ajouté des détails aux chaussettes et lâche motif vibrant à la robe. Retournons à America Tiptoes, ma danseuse verte, et je montrerai comment j'ai dessiné sa blouse. La première chose que nous allons faire est d'ajouter un calque au-dessus du calque danseur et de le mettre en place dans un masque d'écrêtage. Ensuite, on va choisir un pinceau. J' aime travailler avec un acrylique humide. Nous commencerons à peindre directement sur le corps du danseur. Puisque nous travaillons dans le masque de coupe, tout ce que nous dessinons de cette façon, nous allons créer un vêtement très serré qui s'adapte parfaitement à la forme du corps du danseur. Le vêtement que vous dessinez sera aussi transparent ou aussi opaque que la pression que vous appliquez sur votre stylet. J' aime le garder quelque part entre les deux. Maintenant, nous pouvons ajouter plus de détails à la conception dans un nouveau calque. Si nous voulons dessiner sans le masque de coupe, nous pouvons ajouter des lignes et des décorations au pantalon ou à la chemise que nous dessinons. Vous pouvez ajouter à cette conception en dessinant plus de détails dans l'article de vêtement. Ajoutons un nouveau calque et mettons-le en forme masque de coupe et dessinons un bouton lâche directement sur la chemise. C' est un excellent moyen d'ajouter de la couleur et plus d'intérêt à vos designs. C' est aussi très amusant et créatif. Je n'avais pas vraiment prévu ce que je faisais avec cette danseuse. Je dessinais, continuais à dessiner, et ce design est tout simplement sorti pendant que je travaillais. C' est vraiment la chose agréable à propos de tout processus créatif. 19. Démonstration d'illustration du projet: Ces photos. Ok, venons venons avec cette idée. D' accord. D' accord. Oui. En ce qui concerne toutes les 15 secondes. D' accord. D' accord. D' accord. Et le professeur. Voyons voir. D' accord. D' accord. D' accord. 20. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé le cours. Nous avons commencé par comprendre la dynamique du mouvement, pratiqué notre dessin de figure. Nous avons tout couvert, du changement de forme au jeu des proportions, et vous êtes allé plus loin à la recherche de votre style d'illustration unique. J' espère que vous êtes maintenant plus confiant dans votre capacité à illustrer des personnes en relation dans des poses dynamiques. Partagez vos progrès, vos exercices ainsi que votre projet final. Faites la galerie de projets sur la page de classe afin que nous puissions tous jeter un oeil. N' oubliez pas de laisser votre style briller à travers vos illustrations. Soyez aventureux, explorez et essayez dans vos stratégies de dessin. Je pense que nous créons notre meilleur travail quand nous nous laissons aller et faire notre truc. Merci de vous joindre à moi dans ce cours. S' il vous plaît restez en contact. Vous pouvez me trouver sur Instagram et me suivre ici sur Skillshare. Je te verrai dans le prochain cours. 21. Vidéos de l'époque d'ancres: Nous faisons ces phrases. Eh bien, dans ce cas, non ? C' était ça. Exactement. Et il y a une différence. C' est ça. D' accord. D' accord. Droit. D'accord.