Peinture floral à l'aquarelle d'espace négatif

1. Peinture florale de l'espace négatif: Bonjour à tous. Voici Jacqueline. Jacqueline, je vais être votre instructrice pour ce tutoriel de peinture spatiale négative. J'ai toujours voulu apprendre à faire cela et vous savez quoi, j'ai lutté avec ça pendant très longtemps avant de me procurer quelques techniques et astuces. Et maintenant, je les ai. J'ai pensé que cela apparaîtrait sur Skillshare et vous donnerait certaines de ces façons très simples faire cela pour que vous puissiez commencer à développer votre propre style. Préparez-vous pour une peinture spatiale négative et vous savez quoi ? Ça va être tellement amusant. Maintenant, si vous ne savez pas ce qu'est l'espace négatif, l'espace négatif est l'arrière-plan ou la zone qui entoure le sujet que vous souhaitez avoir comme zone d' intérêt pour votre peinture. La terminologie vient de la photographie. En réalité, l'espace positif fait référence à l'objet qui suit l'attention immédiate. Et l'espace négatif est l'arrière-plan. Nous allons faire des allers-retours entre l'espace positif et l'espace négatif pendant que nous peignons. Et c'est tout ce que je vais dire pour l'instant jusqu' à ce que vous commenciez à entrer dans ce cours et que nous commencions à travailler. 2. Matériels et peinture pour le cours: Bienvenue à tout le monde. Ce dont vous aurez besoin pour ce cours de peinture spatiale négative, c'est de l'aquarelle. J'espère que nous allons parler l'aquarelle et juste une seconde, car cela va être vraiment très précis quant aux couleurs que vous allez choisir. Mais vous allez aussi avoir besoin de papier. Vous pouvez donc simplement faire votre carnet de croquis si vous le souhaitez. Je recommande 300 g/m² ou 140 livres. Un papier aquarelle 100 % coton fonctionne toujours mieux pour moi. Ce ne sont que quelques carnets de croquis Paul Rubens que j'utilise vraiment beaucoup. C'est comme un bloc, et c'est un petit carnet de croquis. Moi, vous me verrez les utiliser très, très souvent, mais vous pouvez simplement utiliser du papier. Vous pouvez même obtenir comme de petits morceaux de papier à rebut tant qu' il est de très bonne qualité, je vous recommande d'utiliser de très bonne qualité. Il y en a même des carnets de croquis vraiment abordables. Il s'agit d'une solution totalement abordable et je l'utilise généralement pour l'échantillonnage. Il est de la série Strathmore 400 et il s'agit d'un papier aquarelle presse à froid. Ce n'est pas entièrement un coton à 100 %, donc il ne vous donnera pas tous les effets qu'ils sont. Un coton à 100 % donne. Mais comme vous pouvez le constater, il fait vraiment un excellent travail. Je veux dire, les couleurs sont assez vives, je dirais, vous savez, donc je fais beaucoup de commentaires dedans. Et j'adore toujours un papier aquarelle à 100  %. Mais si vous le comparez, ou décentrez plutôt bien, n'est-ce pas ? Il s'agit d'un coton à 100 %. Celui-ci est Canson Heritage. Vous pouvez donc voir à quel point des couleurs belles et vives sont autorisées à rester là où ces papiers qui ne sont pas 100% coton, ils font toujours un excellent travail et le papier a vraiment, très bien. défini. Il a de la texture. Il y a deux côtés. Un qui a une texture et une autre texture. Et les couleurs ont toujours l'air vraiment, vraiment brillantes et belles. Tout dépend de ce que vous pouvez vous permettre. Mais vous savez que Rubens n'est pas une mauvaise voie à suivre, car il est très peu coûteux. Canson Heritage en est un autre très bon. Ils ont un grain fin et ils ont également un grain rugueux qui est un peu plus cher. Il y a aussi des arches, qui sont également chères, et Strathmore, qui est probablement le moins cher. Mais encore une fois, celle-ci n'est pas une aquarelle à 100 % ou 100 % de coton. C'est vrai, mais c'est toujours un bon papier à utiliser. En ce qui concerne le papier, vous aurez besoin de ce que vous pouvez avoir, ce que vous pouvez vous permettre. Vous développerez différentes techniques sur un coton 100 % par rapport à tout autre produit que vous utiliserez. Assurez-vous simplement que c'est du papier aquarelle car sinon vous n'obtiendrez pas le résultat de cette classe. En ce qui concerne vos couleurs et vos pinceaux, parlons-en. N'oubliez pas l'eau. Beaucoup d'eau est toujours une bonne idée. Mais en ce qui concerne vos pinceaux et vos couleurs, maintenant, j'ai quelque chose pour les pinceaux. Je veux dire, comme vous pouvez le dire, j'ai à peu près toutes les entreprises et les pinceaux aquarelles. J'ai mon Neptune's, que j' aime absolument parce qu'ils contiennent une tonne d'eau et ils viennent dans tout beaux détails aux carrés vraiment, vraiment magnifiques et appartements que j'utilise beaucoup pour garder mon style lâche. Ils ont également des pinceaux à poignard. Il y a une Skoda, dont Skoda , c'est juste un magnifique pinceau. C'est l'un de mes favoris. C'est un biais plat et on ne peut pas se tromper avec ça. Vous ne pouvez vraiment pas. Nos plumes, nos plumes sont géniales à avoir. Je vais utiliser une bobine au début de la leçon d'aquarelle parce qu'elles sont très disquettes et j' aime la façon dont elles vous permettent de pousser l' aquarelle. De plus, ce sont vraiment gentils un écureuil disquette. Ce sont des matières synthétiques. Le Princeton Aqua Elite ne contient pas une tonne d'eau, il est donc très bon pour le façonnage et détails avec l'écureuil contient une tonne d'eau et ce sont des peintures aquarelles très lâches. Le pinceau, les carrés et les plats vous aideront à rester un peu plus lâche. C'est donc une autre chose que vous voudrez peut-être prendre en compte. Dans tous les cas, utilisez ce que vous avez. Vous n'avez pas besoin d'acheter un pinceau spécifique pour ce cours. Je viens de ramasser des pinceaux et je les adore et je sais tout ce qu'il y a à savoir sur presque tous les pinceaux aquarelles disponibles sur le marché à ce stade. Maintenant, pour votre peinture, il est très important lorsque vous choisissez de la peinture que vous réalisez qu'il y a certaines couleurs de peinture qui fonctionneront très bien ensemble, et certaines couleurs roses qui auront différents effets peut-être indésirables. C'est pourquoi j' aime toujours que vous commenciez n'importe quelle aquarelle en choisissant les couleurs que vous allez utiliser, limitant votre palette à moins de 12. Je dirais que c'est une palette de voyage que j'ai, qui contient 12 bases que j'utilise plus souvent. Mais pour cette pièce particulière, choisissons trois couleurs de base, n'est-ce pas ? Trois comme un jaune, un rouge ou un rose et un bleu. Parce que ce sera l'essentiel. Le rouge, le jaune et le bleu feront toutes les autres couleurs. Et ensuite, vous pouvez avoir jusqu' à deux couleurs pratiques. Mes couleurs pratiques sont donc généralement le cobalt, le turquoise. Turquoise de CALEA 1843. Et le viridian est aussi très amusant à avoir. Je suis donc dans ce cas, je vais utiliser le W 536 de Marcelo. Une autre possibilité est géniale. C'est que les halos sont vraiment là, et c'est une couleur vraiment, vraiment belle qui fabrique des tons maussades ainsi que des tons vifs en fonction de ce que vous mélangez. Cela pourrait donc être une autre couleur pratique que je vais peut-être utiliser dans ce scénario. Et mon French Ultra est mon bleu basique que j' utilise habituellement, ma rose d'opéra. Cet opéra est d'une belle couleur. Celui-ci est signé Daniel Smith, et il est vraiment très lumineux, très coloré à utiliser dans les fleurs. Il mêle mes violets. Il fait des oranges très brillantes. Et l'intérêt de faire ce genre de choses est de voir ce qui va faire de la boue quand on mélange et ce qui ne le fera pas. Ainsi, lorsque vous commencez à superposer les couleurs tombées sur les autres couleurs, vous connaîtrez l'effet souhaité. Et c'est tellement important pour vous de rester la luminosité des couleurs et de ne pas vous retrouver avec des bruns fous que vous ne voulez pas la réduire. Vous voulez que vos couleurs soient vives, audacieuses et que ces calques puissent non seulement être transparents, mais quand ils commencent à se couper comme coïncident ou se mêlent sur le papier, vous ne voulez pas, car vous les calquez. les unes sur les autres, vous ne voulez pas que les ombres finissent par obtenir couleurs dont vous n' avez pas besoin dans cette pièce. s'agit donc que d'un échantillon. Celui que nous allons peindre est incroyable et c'est un pompage à l'écran au moment où nous parlons. Très bien, les gars. C'est donc le problème des couleurs, du papier, de l'eau et des pinceaux. Allons-y et commençons à travailler sur la peinture négative. Ça va être tellement amusant. 3. Commencez : détourner votre style: Donc, une grande chose dans cette aquarelle ou n'importe quel type d'aquarelle ne fait que commencer. Beaucoup de gens sont souvent intimidés par les douleurs, intimidés par les pressions du journal, et vous ne savez tout simplement pas comment commencer. Eh bien, la meilleure façon de commencer à relâcher votre style et de ne pas vous enrouler la tête autour de lui aussi. Je pense qu'être trop prudent c'est juste faire un peu de peinture sur le papier. Procurez-vous un pinceau plume ou n'importe quel type de pinceau. C'est vraiment comme lâche et il est vraiment mouillé. Mettez votre couleur préférée là-dessus et commencez à la frapper et sur ce papier, vous savez pourquoi ? Parce que ça va assouplir ce que vous faites. Maintenant. Vous pouvez même le faire avec une carte et un flacon pulvérisateur. Vous pouvez le faire avec vos doigts, ce que vous voulez. Il suffit de le mettre sur du papier, laisser quelques zones blanches, puis de reculer et de voir ce que vous avez. L'important, c'est de ne pas avoir de sens. L'important est que vous sortiez de votre propre tête et commenciez simplement créer et à laisser couler vos jus. Parce que si vous ne relâchez pas votre style, il est vraiment très difficile de s'attaquer à de nouvelles techniques et à un nouveau projet. Je trouve toujours que la chose la plus demandée que les gens me disent quand je partage mes tableaux sur Facebook ou où que vous soyez, c'est comment votre style est si lâche. Et vous savez quoi, nous allons le faire et le faire ici. Alors préparez-vous à ça. Donc, une fois que vous avez eu de la peinture sur papier, je l'ai fait sur du papier sec. Je ne l'ai pas fait sur mouillé parce que ce que je suis ce qui allait étaler la couleur. Mais ce que j'ai fait, c'est que j'ai eu ma brosse à plumes très belle et humide, et je viens de commencer à l'enduire en roulant le pinceau. Je le fais beaucoup. C'est une plume signée Neptune. Et ce que j'aime avec ce pinceau particulier, c'est qu'il contient beaucoup d'eau, donc il ne sèche pas vraiment. Et si vous commencez à enduire les choses et à ramasser un peu de couleur supplémentaire à mélanger sur du papier. Vous voulez vraiment avoir la capacité de contenir beaucoup plus d'eau que d' habitude car la brosse est trop sèche ou trop humide, elle va en fait agir contre vous. Mais encore une fois, c'est la partie dans laquelle nous sommes en train de mettre des couleurs vraiment cool. Et nous ne pensons pas à ce que nous allons obtenir. Je suis juste en train de faire demi-tour et je roule. C'est ainsi que j'établit mes antécédents sans trop réfléchir. L'une des choses qui m'a vraiment mis au défi d'apprendre à faire cela et ce qui m'a permis, c'était le design lui-même. J'ai toujours été tellement confus par où commencer. C'était ma façon de commencer cette peinture négative et de pouvoir capturer très belles textures et voir à travers l'imagination où le tableau allait m'emmener. Donc, tout ce que je fais, c'est que j' utilise une rose d'opéra, un beau jaune Cad. Je roule dans un peu de céruléen et un peu de l' autre couleur est French Ultra. Toutes de superbes couleurs qui se mélangent. Si jamais vous êtes inquiet de mélanger les couleurs ensemble, faites-le sur une feuille d'échantillon avant de voir comment elles se passent. Parce que la plupart des couleurs que j'utilise et je vais inclure une liste de ces couleurs particulières dans la section ici du tutoriel. Mais ces couleurs se mélangent vraiment bien et vous remarquerez qu'elles ne vont pas tout à fait dans la boue. Ils restent très clairs. La prochaine chose que je fais en ce moment , c'est que je commence à façonner ce que je pense être des fleurs. Et si vous remarquez, je ne fais pas vraiment l'intérieur en premier. Je fais l'extérieur de certains d'entre eux. Et puis je vais dans un établissement, peut-être dans un centre dans certains cas juste pour le rendre un peu plus clair. Je vous recommande vivement de le faire de cette façon car non seulement vous obtiendrez un travail de pédale vraiment intéressant à l'extérieur, mais si vous avez l'impression commencer à vous perdre un peu, si vous vous contentez d'établir le centre de la fleur et peut-être en connaître plus de détails au-delà, alors vous serez en mesure de revenir sur ce que vous essayez réellement de faire. Donc, si vous remarquez que je prends plus de couleur, je garde mon pinceau humide et je passe juste par-dessus ces zones sèches et je pousse la peinture. Le rose ne peut pas être mouillé parce que s'il est mouillé, alors ce qui va se passer, c'est que vous allez avoir flaques d'eau et ça va se laver à contre-courant. J'ai un pinceau humide avec de la couleur. Et je suis juste en train de traverser et d'établir ces pétales. Et maintenant, je suis en train de traverser et établir certains centres simplement en poussant un peu de couleur du centre, en le moulant et en le façonnant. C'est là que vient l'intuition. Je trouve qu'au début, je n'avais pas la capacité d'imaginer beaucoup de fleurs différentes. Mais ensuite, j'ai commencé à ressembler Pinterest et à sauver des fleurs et j'ai commencé à me souvenir de ce à quoi ressemblaient certaines de mes fleurs préférées surveillez également la position de fleurs. Donc je les ai étudiés, vous savez, comme si l'on se trouvait face à vous et que vous pouvez voir juste dedans, contre un de son côté ou, vous savez, aller dans une autre direction. J'ai croisé une dame qui avait en fait un bouquet de fleurs de soie dans son atelier. Et à tout moment, elle pouvait sortir une fleur et tourner littéralement dans toutes les directions. Juste pour lui faire penser aux vues tridimensionnelles d'une fleur. J'ai pensé que c'était vraiment un bon conseil parce qu'il suffit d'avoir des fleurs dans votre atelier ou peut-être des exemples de tableaux que vous avez faits dans votre carnet de croquis. Vous aurez une idée de ce à quoi ressemblent les fleurs sous différents angles. Et cela vous aide vraiment lorsque vous allez faire un tableau comme celui-ci. Maintenant, je ne vais pas dire que ça va venir vers vous et venir à tout le monde tout de suite. Cela dépend simplement de votre niveau d'expérience avec les fleurs. Peut-être que vous les organisez et peut-être que vous les avez aimés si vous les avez chez vous et que vous les avez étudiés, sinon, vous allez commencer à les étudier maintenant, parce qu'à à chaque moment donné dans ces tableaux, vous pouvez voir beaucoup de fleurs différentes. Et vous voudrez que cela soit engagé dans la mémoire afin que vous puissiez extraire intuitivement ce à quoi certains ressemblent et vous le savez, Écoutez, si votre imagination est en train de créer des fleurs, alors maquillez-vous vos propres fleurs, petite amie. Je veux dire, vous n'êtes pas obligé de suivre ce à quoi ressemblent vraiment les choses parce que le vrai artiste va simplement avec son esprit intuitif, juste à ce à quoi il voit cela ressembler. Et cela a été chez certains de mes peintres préférés et de tous les temps, ils m'ont toujours montré quelle est leur vision du monde à travers leurs peintures. Ne vous inquiétez donc pas qu'elle ressemble trop à une chose ou à une autre fleur. Si vous avez en tête que c' est la fleur et que cela ressemble à ceci. Montrez-le nous, montrez-le nous à travers votre peinture et c'est tout ce que vous devez vraiment savoir jusqu'à ce que cela aille. 4. Créer un arrière-plan de l'espace négatif: Maintenant que nous avons les bases et je veux dire, nous avons commencé quelques fleurs. Nous avons beaucoup de roses d'opéra et de roses, de jaunes. Nous avons les bases. Je veux dire, il y a certainement des fleurs là-dedans. Commençons par faire une partie du travail de fond. Nous avons maintenant fait quelques premiers travaux de fond autour de certaines fleurs. Mais je vais prendre un peu de vert. C'est vert viridien. Et je vais commencer à peindre dans certaines zones de vert avec un peu de bleus et de beaux verts en commençant par quelques formes de pétales. Maintenant, la raison pour laquelle je fais des petites formes de pétales de feuilles , c'est parce que c'est un motif floral et c'est vraiment quelque chose avec lequel je sens vouloir me connecter dans le tableau. Vous pouvez faire tout ce que vous voulez. Je veux dire, rappelez-vous, c' est votre tableau. Donc, si vous vouliez faire de simples coups de pinceau, des rayures ou des nuages ou quoi que ce soit, vous le voulez en arrière-plan. Vous pourriez faire des feuilles de palmier. Je veux dire, peu importe, vous pouvez commencer à ajouter cela en arrière-plan. Maintenant, si vous l'avez remarqué, j'ai eu beaucoup de problèmes pour vous. J'ai déjà établi certaines des fleurs. Maintenant, nous allons avoir beaucoup plus de fleurs, bien sûr, dans ce tableau, celle que je fais pour vous, mais j'ai juste pensé que l'établissement quelques fleurs était toujours le moyen le plus facile de Vas-y pour moi. Alors que je commencerai à mettre ces autres valeurs en arrière-plan et ces autres objets en arrière-plan, je commencerai à voir apparaître d'autres zones de fleurs. J'ai eu l'impression que c'était vraiment la meilleure façon de le faire. J'ai pris des leçons où les gens ont dessiné en arrière-plan. Ils ont essayé de laisser des espaces pour certaines choses et de faire apparaître certaines formes. Et pour vous dire la vérité, c'est extrêmement problématique. Je veux dire, c'est si difficile de faire des superpositions quand on n'a vraiment pas l'œil pour ça. De cette façon, le faire de cette façon a été beaucoup plus facile. Maintenant, pour que cela se produise, vous allez vouloir jouer avec les valeurs dès maintenant si vous remarquez, je le mélange entre un bord dur et un bord plus doux. Maintenant, je fais principalement des couleurs très, très profondes comme le viridien, laissant un peu d'espace vide, mais je vais en quelque sorte faire le tour et ajouter un peu plus de vert sur mon bleu , puis le laisser sécher. Maintenant, la raison pour laquelle je ne fais pas ça mouillé sur mouillé, c'est parce que si c'était pour flaque, alors ça perdrait vraiment beaucoup de son éclat. Donc, si vous voulez une couleur brillante, essayez de ne pas trop mouiller sur mouillé. J'ai essayé de traverser les zones une fois qu'elles sont sèches. Sinon, il va en quelque sorte Sharon le pigment. Et selon le papier, cela peut être problématique, peut-être même vous donner quelques antécédents. Maintenant, chaque fois que je passe sur une zone, je m'assure d'avoir une quantité égale de couleur et je m'assure que je ne suis pas vraiment trempé. À ce stade, ma brosse est juste humide. Il n'est pas mouillé pour une bobine, c'est juste humide. Mais j'ai adoré la douceur de cette plume. Je peux pousser autour de la peinture et je peux utiliser le point quand j'y suis allé, mais c'est juste un pinceau très, très doux, pas rigide et j'ai adoré la façon dont il laisse ses petits filigranes. Si vous remarquez, voyez comment quand je suis en train d' enfiler la peinture, cela laisse cette petite remarque de coup de pinceau. Maintenant, c'est ce que je recherche lorsque je fais certaines de ces peintures parce qu'il ajoute de la texture à la peinture, ce qui lui donne un aspect vraiment, vraiment cool en relief sans avoir à faire comme beaucoup, beaucoup, beaucoup de couches de relief. Et beaucoup de gens m' ont demandé, parce qu'ils voient dans mes tableaux, ces pattes cisaillent des couches puis ces couches plus profondes. Et ils sont toujours intéressés par la façon dont j'y parviens. Eh bien, c'est exactement ça. Je fais tout ça à peu près à la fois. Maintenant, la seule fois où je revenais sur quelque chose, c'est quand il était complètement sec et que c'était peut-être une autre couleur que j'ai ajoutée dessus, ce que je fais en ce moment. Donc, si vous voyez, j'ajoute ce vert et cette nuance bleue sur peu de rose pour définir une autre zone dont les fleurs seront des fleurs. Et voici quelques-uns des trucs vraiment sympas qui se produisent parce que ça va créer une autre teinte où la zone a la peinture séchée , puis je joue une peinture humide par-dessus. . C'est comme un glaçure. Et en même temps, je commence à définir d'autres fleurs dans cette région. Et c'est vraiment une façon vraiment cool de le faire. Maintenant, je prends ce rose à nouveau et je suis de façonner intuitivement des fleurs plus cool. Maintenant, j'ai déjà le fond d' un rose clair et d'un peu de jaune. J'ai laissé beaucoup de blanc, et maintenant j'insère des couleurs plus audacieuses et des formes de fleurs sur ce fond. Nous avons donc une formation en premier lieu. Et j'ai laissé cette forme de fleur si vous l'avez remarqué, mais je ne suis pas en train de suivre la forme exacte de la fleur. Je le laisse en arrière-plan pour que vous sachiez qu' il y a une fleur, mais elle a un peu plus de texture et de dimension. Et j'adore faire ça comme l'une des choses que j'ai inventées par moi-même et j' adore vraiment ça. Maintenant, si vous l'avez remarqué, j'ai juste changé et je suis allé avec un petit pinceau plus fort. C'est autour d'une Skoda. La raison pour laquelle je l'utilise, c'est parce que cela va me donner la possibilité de définir des formes plus petites. Et j'ai adoré la façon dont elle concentre la couleur pour pouvoir appuyer sur les pétales sur le papier. Et c'est juste une belle forme de pétale ou, vous savez, c'est juste autour est magnifique. Et j'ai également pu enlever un peu de couleur avec ça. Donc, j' essuyais un peu l' eau, puis je passais par-dessus et j' enlevais juste un peu de couleur. Et c'est aussi un excellent moyen d'ajouter ces petits détails dans les centres afin que nous ayons encore plus de formes florales reconnaissables à la farine . Et j'installe des centres en utilisant un peu de mon bleu outremer français ultra marin. Et maintenant, je vais faire des fleurs violacées. Donc, ce que j'ai fait, c'est que je n'ai pas rincé mon pinceau après avoir eu la rose de l' opéra. Et puis j'ai ajouté un peu de French Ultra. Et la rose supérieure French Ultra Plus fait de cette belle couleur violette, parfaite pour les fleurs. Et c'est comme ça que j'obtiens ce très bel effet tie-dye. Donc, la valeur de connaître vos combinaisons de couleurs et ce qui va bien se mélanger sur le papier apparaît ici pour moi. C'est ainsi que j'obtiens ce magnifique violet et je suis confiant que je peux poser des couches de ces couleurs et juste attraper un peu effrayant et attraper un peu d'outremer et mettre tout cela ensemble sans Je rinçais mon pinceau. Parce que je savais déjà que les couleurs se mélangent bien et que j'avais déjà défini dans mon esprit ce que je pouvais obtenir sachant que certaines couleurs font ces autres couleurs. C'est donc l'intérêt de faire ces échantillons au tout début. Très bien, comment allez-vous jusqu'ici ? J'espère que vous allez bien. Bon, passons à la section suivante, Shelley, et nous en parlerons plus. 5. Ajouter des couches à votre peinture: Maintenant que le papier est sec, je mets quelques couches supplémentaires. Maintenant, la raison pour laquelle le papier doit être sec est que si vous deviez poser du violet sur le jaune, vous obtiendriez une couleur différente. Je ne serais pas aussi vif ni aussi brillant. Et il pourrait peut-être faire un lavage à contre-courant. Vous voulez donc vous assurer qu'il est sec entre les couches, surtout parce que vous pouvez voir que j'utilise un peu plus d'eau cette fois-ci et que je fais des pétales lâches. Donc, simplement un pétale lâche d'une fleur au premier plan avec une pose sur la précédente et un peu un peu de centre. Et on pourrait faire des feuilles, on pourrait faire des fleurs plus abstraites. Vous pouvez même faire une touche de peinture à ce stade. Tant que le dos est sec, vous pouvez à peu près superposer dessus. Et il s'agirait à ce stade de la troisième couche. Maintenant, beaucoup de peintres négatifs utilisent différentes variations de couleurs, comme certains utilisent des calques vraiment, vraiment super légers. Je préfère avoir un peu plus de couleur et je n'ai pas vraiment peur que ces couches deviennent vraiment sombres. À ce stade. Je suis en train de passer revue les fleurs précédentes et je le refais intuitivement, en me amusant. C'est juste que c'est vraiment amusant. Ne vous enfermez pas dans un seul design car vous voulez garder vos émotions fluides. Vous voulez pouvoir simplement faire choses amusantes différentes sur le papier et devenir aussi abstrait que vous le souhaitez. ce moment, j'utilise le côté de mon pinceau pour jouer non seulement du rose, mais aussi de l' ultra français pour faire en sorte que ce joli violet se produise et se mélange directement sur le papier. C'est souvent ce que je fais. Je ne mélange pas toujours mes couleurs dans la palette. plupart des fois, je vais juste les mélanger sur du papier avec un pinceau humide et c'est tellement amusant voir cette valeur sortir. Ensuite, je prendrai une partie de cette couleur et je la répartirai autour de la peinture et d'autres zones que vous voyez ici. Maintenant, rappelez-vous que si vous passez en revue quelque chose qui est déjà mouillé, cela aura un effet différent pour vous que s'il était sec. Et c'est ce que vous allez voir dans certaines de ces fleurs, comme celle que je viens de faire, il y avait un peu d' humidité volée la fleur, donc elle a perdu beaucoup de sa forme et est devenue plus une look abstrait. Si vous voulez ce genre de look, faites-le définitivement de cette façon. Mais pour la plupart, je vous recommande en quelque sorte de commencer par sécher à sec. aime mettre la peinture sur papier sec parce que je ne veux pas que vous vous retrouviez avec une grosse flaque d'eau ou un gros gâchis avant apprendre à contrôler la quantité d'eau dans votre pinceau. Et c'est vraiment une chose essentielle à garder, à garder à l'esprit et à garder une trace du moment où vous faites ce genre de peinture. Vous avez trop d'eau. Vous pouvez vraiment lever les couleurs ou n'importe quoi d'autre. Mais vous savez, cela soulève quelque chose que l'on voit beaucoup dans la peinture négative. Vous pouvez en fait passer les zones même après avoir été sèches à l'aide d'une brosse très ferme, l'humidifier , la rincer puis l' essuyer sur votre serviette, puis passer par-dessus la zone que vous souhaitez enlever la couleur et vous créez un espace plus négatif. C'est une chose assez cool à faire dans le tableau. Et si vous aimez le faire et que c'est un peu comme une région où vous voulez voir cela se produire ou peut-être que vous l'avez fait trop sombre. Vous voulez alléger et proposer un motif de fleur négative ou une pédale négative. Vous voudrez peut-être l'essayer dans certains domaines. C'est plutôt cool. C'est vraiment amusant à faire. Dans cette zone suivante, j'ajoute de la turquoise cobalt brillante, qui est l'une de mes couleurs préférées. Mais celui-ci a tendance à être un peu plus granulé et un peu plus opaque à certains égards. Vous voulez donc être très prudent lorsque vous l'appliquez. Appliquez-le toujours sur des zones plus claires et lorsqu'elles sont sèches, principalement en utilisant du jaune cad mélangé à la turquoise pour obtenir un peu entre un vert jaune ou peut-être comme un vert sève, un très, très ombre légère ou juste pour teinter la migraine juste un peu. Et maintenant, je vais commencer à ajouter quelques autres de ces viridiens plus profonds. Et si vous l'avez remarqué, je n'ai pas vraiment rincé mon pinceau. Je suis allé de l'avant et j'ai mis la turquoise, puis j' ai déposé un carton jaune, puis je suis allé directement dans mon vert viridien. Et c'était pour que je puisse garder la continuité de la forme. plupart du temps, lorsque vous utilisez différentes nuances, vous pourriez avoir l'impression qu'elles deviennent distrayantes parce que les couleurs ne vont pas vraiment ensemble. Un très bon moyen d' établir qu'il faut conserver une peinture qui, vous savez, va se mélanger avec votre prochaine peinture sur votre pinceau et créer la couleur rose à l'aide la peinture précédente et de la nouvelle peinture. La raison pour laquelle cela fonctionne, c'est parce qu'il fait avancer une partie du même ombrage, certains des mêmes nuances. Et donc vous peignez ne finit pas vraiment par être très distrayant parce que vous faites toujours partie de la même famille de couleurs. Vous n'avez qu'à y ajouter une nouvelle teinte. Vous savez ce que je veux dire ? Ce n'est pas comme si vous alliez chaud à froid, chaud pour le refroidir. Vous obtenez simplement quelque chose qui a été créé à partir de quelque chose qui est déjà utilisé. Quoi qu' il en soit, j'aime vraiment le faire de cette façon car j'ai l'impression que cela ajoute une certaine continuité à mes peintures. Et il est toujours lié aux couleurs même si j'ai beaucoup de couleurs et de tableaux. Mais si vous l'avez remarqué, toutes les couleurs sont réellement créées par les mêmes couleurs de base. Nous avons un jaune et un rose opéra, un bleu civil et un bleu outremer, un vert viridien et le turquoise. Ce sont donc six couleurs, oui, mais mélangées ensemble, elles nous donnent toutes ces différentes nuances et elles fonctionnent vraiment, très bien ensemble. d'entre eux ne m' a donné de la boue. Ils me donnent tous des couleurs très nettes et claires. C'est souvent ce que je fais. J' utiliserai souvent deux ou trois teintes de base et peut-être une couleur pratique. Donc, ma couleur pratique dans ce cas est le turquoise. Le vert vif. Je pourrais vraiment faire cette nuance simplement en mélangeant mon civil et mon jaune. C'est pourquoi le viridien est une couleur pratique, mais ce n'est pas vraiment en dehors de la famille des couleurs que j'ai actuellement dans ma palette. Cela fait une énorme différence lorsqu'il s'agit de choisir les couleurs et d'obtenir cet effet. Sinon, si vous commencez à voir beaucoup de gâchis boueux, vous savez que vous n'avez pas choisi les bonnes couleurs et qu'elles ne fonctionnent pas vraiment bien ensemble. C'est pourquoi nous voulons toujours faire cet exercice en premier, pour voir à quoi ressemblent réellement les couleurs ensemble lorsqu'elles se combinent sur du papier. C'est énorme. Je veux dire, en gros, vous pouvez simplement en prendre un peu, les mélanger tous ensemble, et simplement commencer à voir ce qu'ils vont être parce que ce ne sera pas différent. Il faut faire un tableau. C'est exactement la même chose, sinon pire que vos échantillons. Gardez donc à l'esprit la prudence avec les couleurs et choisissez celles qui fonctionnent vraiment bien ensemble. Et puis, un peu plus longtemps que possible, en ajoutant peut-être une seule nouvelle couleur à la fois au fur et à mesure que vous progressez dans votre parcours de peinture, cela facilite tellement la tâche et vous en aurez beaucoup. moins de maux de tête et probablement beaucoup plus de peintures que vous aimez vraiment. C'est tout pour notre tutoriel sur l'espace négatif pour ce motif floral particulier. J'espère que ça vous a plu et que vous avez de très bons conseils. Je vais poster d' autres échantillons et démos dans ce cours si vous souhaitez continuer à apprendre comment faire cette peinture spatiale négative, y compris celle que j'ai faite avec palmiers que je pense. vous allez vraiment en profiter. C'est très, très amusant. J'espère que vous allez l'essayer et me montrer vos échantillons. J'adorerais voir ce que vous avez proposé, même si c'est juste une version de carnet de croquis, ne devenez pas fou. Soyez heureux et profitez de votre temps de peinture. C'est un voyage et c'est entièrement le vôtre. C'est quelque chose que vous êtes ici pour profiter. Travaillez avec les couleurs qui vous plaisent vraiment et essayez simplement d'être intuitif. Maintenant, c'est à ton tour. Voyons ce que vous avez obtenu. Et n'oubliez pas de le partager avec moi. Merci d'avoir regardé tout le monde.