Peinture à l'huile - Fleurs pour

1. - Bienvenue à la peinture à l'huile: Bonjour, et bienvenue à ce cours sur la peinture de fleurs. Les fleurs sont un excellent sujet pour pratiquer l'observation, la couleur et les transitions douces. Dans ce cours, vous apprendrez à peindre une rose et un bouquet étape par étape. Nous nous concentrerons sur la simplification des formes organiques, compréhension de la structure des pétales et la création de profondeur grâce à des variations de couleurs Vous apprendrez également à aborder des arrangements plus complexes tout en gardant votre peinture claire et équilibrée. Ce cours est conçu pour vous aider à vous familiariser avec formes organiques et à améliorer votre contrôle de la couleur. 2. Comment peindre une rose - présentation: Nous allons travailler sur un sujet très classique avec une rose rouge. Lorsque vous avez affaire à une nature morte, vous devez peindre une rose rouge. C'est vraiment un sujet classique et très intéressant, comme tous les sujets que nous avons abordés jusqu'à présent. Je trouve cela très intéressant également parce que lorsque vous travaillez sur une rose rouge, vous devez d' abord mélanger la bonne couleur rouge. C'est donc vraiment génial de s' entraîner à mélanger les couleurs avec la couleur rouge. Et aussi, ce qui va être très intéressant, c'est que cela entraîne votre discipline. Lorsque vous travaillez avec une rose, vous répétez généralement la même chose encore et encore avec tous les pétales, et vous devez garder cette discipline pour vous assurer que votre premier pétale est aussi beau que le précédent Ainsi, vous n'avez pas à oublier les derniers pétales et à les fabriquer très rapidement. Non, vous devez rester stable et vous assurer que vous pratiquez avec le même niveau de soin tout au long de la rose. C'est pourquoi c'est également très intéressant. Et enfin, rose rouge, ce travail sur la rose rouge est également très intéressant car certains pétales vont être très fins. Vous devrez donc travailler très finement, très finement avec un tout petit pinceau, et c'est génial de pratiquer ce travail et les détails pour vous améliorer Autant de raisons de peindre cette rose rouge. Nous allons donc commencer dans quelques secondes. Mais avant cela, le matériel que je vais utiliser. Je vais donc utiliser mes matériaux classiques. n'y a pas de couleurs supplémentaires et je vais peindre sur vieux papier à peindre de 20 x 30 centimètres. S'il s'agit de mon dessin, j'utiliserai un projecteur pour assurer qu'il est très précis. Et si vous n' avez pas de projecteur, c'est parfait. Utilisez une grille. Il est très important d'avoir un dessin très précis et encore plus de lignes. Parce que si votre dessin n'est pas bon, si vous n'avez pas le bon fond de teint, vous pouvez facilement vous perdre dans les pétales. Il y en a tellement , et par conséquent, si votre dessin n'est pas précis, vous finirez probablement perdre à un moment donné en peignant. D'une certaine manière, ce n'est pas la fin du monde si un ou deux pétales ne sont pas correctement placés. Mais le fait est s'ils ne sont pas correctement placés, cela signifie que vous devez penser au travail sur les zones d' ombre et de lumière sur les zones d'ombre et de lumière et vous rattraper pour inventer les détails. Et si vous ne le faites pas correctement, le pétale peut sembler un peu faux. C'est pourquoi il est très important d' avoir un beau dessin aux bonnes proportions, avec les bons pétales placés au bon endroit. Voilà pour cette introduction. Commençons maintenant avec cette belle fleur. 3. Peindre des pétales de rose avec profondeur et douceur: Avant de mélanger nos couleurs, passons donc par notre analyse colorimétrique habituelle du sujet. Et en ce qui concerne la rose, eh bien, on peut voir qu'il y a une forte concentration de rouge, bien sûr, avec un rouge très intense. Comme vous pouvez le voir dans certaines zones surlignées, je parle de la troisième couleur en partant du haut, puis d'autres rouges qui, au contraire , sont beaucoup moins intenses et beaucoup plus foncés, presque proches du noir. C'est le quatrième rouge à partir du haut. Et puis, avec les deux premiers depuis le haut, vous pouvez voir que ce sont des rouges assez ordinaires, mais tout de même assez intenses et vifs. Nous devons donc le recréer, et c'est vraiment cette combinaison de différents rouges qui nous permettra de donner de la profondeur à notre sujet Et puis en ce qui concerne le vert de la tige et de la feuille, on remarque que ce vert est un peu dominant, un vert assez ordinaire , pas trop foncé, plutôt moyen. Et sur la feuille, quelques touches légèrement plus claires, comme vous pouvez le voir, qui aideront à créer de la profondeur. Plus tard, il y aura probablement des overms à fabriquer, mais pour le moment, nous allons nous en tenir à cela, et cela devrait très bien fonctionner pour peindre la tige Commençons donc par mélanger nos couleurs, et je vais commencer par les couleurs de la rose. Et comme nous l'avons vu plus tôt, certaines zones sont très lumineuses et assez intenses Et pour ajouter un peu plus d' intensité à mon rouge, la petite touche que j' aime lui donner, c' est d'ajouter un peu de jaune citron car c'est une couleur très intense qui ne change pas grand-chose à la couleur. simple fait d'ajouter une petite touche comme celle-ci lui donne un peu plus de dynamisme. Il n'y a donc pas une énorme différence. Il ne deviendra pas orange, mais cela le rendra légèrement plus éclatant. Puis j'ai pensé que je commencerais lentement à passer au rouge foncé J'ajoute donc juste un peu de bois brûlé. Au fur et à mesure, je continuerai à ajouter du bois brûlé pour me rapprocher d'un rouge très foncé, presque noir, comme ceux que l'on peut voir dans certaines zones d'ombre. Alors petit à petit, j'augmenterai la quantité de bois brûlé, et vous verrez que je vais me retrouver avec plus de mélanges que ce que j'ai montré sur ma photo, à la fois pour les couleurs roses, rouges et vertes car sur la photo, je n'ai pas pu tout extraire. Je n'ai mis en évidence que les couleurs principales. Il est préférable de créer une large palette avec plus de couleurs, ce qui est strictement nécessaire car cela vous donne plus de valeurs et plus de variété pour un plus grand réalisme. Donc, là aussi, ce que vous pouvez remarquer avec les derniers rouges, je mélange celui-ci et le précédent, c'est qu'en plus de l' assombrir avec du bois brûlé, j'ai aussi ajouté un peu de bleu outremer car cela empêche la couleur de virer au brunâtre Maintenant, je peux commencer à créer les greens. Comme nous l'avons vu, le vert des mouches est vert moyen, n'est pas particulièrement intentionnel. Je peux donc commencer par mélanger du bleu outremer avec Puis je me suis rendu compte que le vert que je voulais, celui que l'on trouve dans certaines parties de la feuille, devait être un peu moins bleuté et plus clair, c'est pourquoi j'ajoute un peu de blanc et aussi un peu de jaune pour que mon vert se rapproche davantage du jaune que du bleu Et maintenant, nous avons un beau vert. Mais celui-ci, mais je vais en créer un autre, désolé. Ce sera un peu plus foncé, et sur certaines zones, vous pouvez voir qu'il a tendance à pencher un peu vers le brun. C'est pourquoi j' y ajoute également un peu de bois brûlé. Nous pouvons remarquer que certains greens peuvent être un peu intenses dans certaines zones. Je vais donc créer plus ou moins la même couleur que celle que j'ai créée initialement, mais sans le blanc. Et à partir de cette couleur, je peux alors créer quelque chose d' extrêmement léger, que l' on peut notamment voir sur la gauche. C'est pourquoi j'ai ajouté une énorme quantité de blanc. Enfin, il y a des verts qui sont vraiment brunâtres dans certaines régions Donc, en fait, je mélange une grande quantité de rouge à ce vert, ce qui réduit l'intensité du vert et le rapproche de quelque chose de plus brun. Mais au début, j'ai ajouté trop de rouge, et c'est devenu trop orange. J'ai donc ajouté la couleur opposée, l'orange, qui est le bleu, puis j'ai réalisé que je devais le rendre encore un peu plus vert. J'ai donc ajouté du jaune pour rééquilibrer un peu les choses car j'ai ajouté trop de bleu Passons maintenant au tableau, et voici le dessin que j'ai fait de cette rose. Nous allons donc commencer par travailler sur les pétales inférieurs. Et je vais d'abord appliquer ma couleur sur ce pétale. Et là, je vois que ce rouge est assez dominant sur une grande surface. Je commence donc par l' appliquer par petites touches, en veillant à bien répartir la couleur afin de pouvoir travailler dessus correctement par la suite. Maintenant que j'ai appliqué ce rouge assez intense dans la zone centrale, je peux commencer à le contourner un peu plus précisément. Et on peut voir qu' autour de la zone centrale, il y a des éléments un peu plus exigus Je vais donc appliquer cette couleur là, et au fur et à mesure, je vais essayer mélanger doucement avec la couleur à côté. En fait, lorsque je travaille sur des éléments comme celui-ci, qui sont assez petits, j'essaie de créer le mélange même temps que j'applique la couleur De cette façon, cela se fait immédiatement, et je pourrai revenir plus tard pour l' affiner avec quelques coups de pinceau si besoin. Mais en mélangeant tout en appliquant les couleurs, je dirais que cela simplifie le travail à effectuer par la suite Maintenant, nous remarquons qu' au milieu de ce pétale, il y a un pli bien visible, et sur ce pli, nous n'allons pas forcément avoir la même teinte de rouge partout Je commence donc par un rouge midton, mais quelques touches plus foncées seront également ajoutées pour approfondir ce pli et le rendre plus réaliste Ici, vous pouvez déjà voir quelques traits légèrement plus foncés qui contribuent à améliorer le pli. Et pour cette fleur, on procéderait un pétale à la fois et on avancerait de cette façon, car si on faisait plusieurs pétales en même temps, on risque de se perdre et de ne pas pouvoir les on risque de se perdre et de ne pas distinguer les uns des mon avis, c'est le plus grand défi quand on peint une rose. Le fait qu'il y ait tant d'éléments, tant de petits pétales ici et là, que vous finissez par les confondre et que vous n'arrivez pas à vous y retrouver. Ainsi, travailler un pétale à la fois permet d'éviter ce piège et de progresser en colonne et régulièrement Et maintenant, sur ce pétale, je peux avoir quelques détails Par exemple, les zones légèrement plus sombres que nous voyons en haut de la partie inférieure. Et toutes ces petites touches que nous allons apporter sont vraiment importantes car elles aident à définir le volume et la profondeur entre les pétales ainsi que la texture. Vous pouvez voir que ces pétales ont petits plis et de petits éléments qui semblent un peu usés. Et ces petites lignes que nous avions, ces gribouillis, ont également contribué à créer une texture de fleur réaliste Alors, pensez à ce pétale, quelques touches comme celle-ci sont très efficaces Et en ce qui concerne les éléments de texture lato que j'ai mentionnés, sont de très petits traits, presque aléatoires, que je place ici et là, et ils contribuent à donner l' impression d'une vraie fleur Nous pouvons maintenant passer à la zone adjacente. Nous pouvons voir un petit pétale légèrement visible, donc je peux continuer et travailler dessus Et ce sont ces touches plus sombres je vais ajouter qui aideront vraiment à séparer les pétales et à montrer clairement qu' il s'agit d'un pétale différent. Et ensuite, comme vous pouvez le voir, je continue avec cet autre petit pétale, et vous pouvez clairement remarquer que même s'il ne s'agit que d'un petit pétale, il existe une forte concentration de différentes valeurs rouges Il est donc important de les appliquer avec soin et de bien marquer tous ces changements subtils, toutes ces petites touches. Bien sûr, ce ne sont peut-être que de petits détails, mais ce qui rendra vraiment votre rose belle, c'est d'atteindre une véritable harmonie globale, et cela se fait en ne négligeant pas certains pétales plus que d'autres Et en appliquant le même niveau de soin et de précision sur l'ensemble de la fleur. Alors oui, même s'il s'agit de petits pétales, ils sont importants et doivent être traités sérieusement. Portez donc une attention particulière à cela. Et ici, sur ce pétale également, vous pouvez voir qu'il y a des zones vraiment sombres N'ayez donc pas peur d'utiliser trop foncés, car si vous utilisez des rouges qui ne le sont pas assez, dans ces zones, le contraste ne sera pas assez fort et il sera difficile de vraiment créer de la profondeur dans la zone. Je vais maintenant passer au gros pétale juste au-dessus. Mais d'abord, je vais dessiner, ce que je vais faire, c'est le redessiner un peu. Je peux dessiner quelques zones d' ombre à l'intérieur et redéfinir légèrement la forme des pétales environnants Il est vrai que parfois, lorsque je dessine, je le fais un peu vite, et pour ne pas me perdre pendant le processus de peinture, je reviens souvent en arrière et je l'affine un peu plus avant d'appliquer la peinture. Commençons donc maintenant avec ce nouveau pétale. Il a des couleurs assez claires sur le côté droit, je pense donc que je vais commencer par appliquer cette lumière rouge. Ce serait une bonne base avant ajouter des éléments légèrement plus foncés sur le dessus. Jusqu'à présent, sur le côté droit, nous avions un m légèrement plus clair. Maintenant, nous pouvons voir que lorsque nous nous déplaçons vers la gauche, le rouge devient un peu plus foncé. Nous y appliquerons donc également une couleur plus foncée. Cela me semble être une bonne couleur de base. Ensuite, bien sûr, nous pourrons ajouter quelques touches encore plus sombres pour suggérer un peu plus de profondeur et mieux définir le pli. Maintenant que mes couleurs de base ont été appliquées dans la zone, je peux commencer à travailler dessus avec un peu plus de précision. Ce que nous remarquons, c'est que sur tout le bord inférieur de ce pétale, il y a des touches légèrement plus foncées, et je les ajoute avec de petits coups de pinceau comme celui-ci Même chose sur la partie supérieure. Il y a certainement un pétale beaucoup plus foncé au-dessus, mais toujours sur ce pétale sur lequel nous travaillons actuellement, nous pouvons voir des éléments légèrement plus foncés en Je les ajoute donc, et au début, il est vrai qu'elle semblait trop foncée, mais maintenant en mélangeant cette couleur avec celles environnantes, elle devient un peu plus claire et surtout plus naturelle Il se marie mieux avec les autres éléments. Dans cette zone, j'ai senti qu'il y avait un peu trop de parties sombres, alors je l'ai revu avec une touche plus claire sur le dessus. Et je veux aussi mieux définir le bord de mon pétale à l'endroit où il rencontre l'autre pétale, on peut voir qu' il y a une section très foncée sur tout le bord Même s'il s'estompe légèrement lorsqu'il se déplace vers la droite, je travaille dessus pour le faire ressortir un peu plus J'applique donc de petits traits comme celui-ci , puis je m'assure de le mélanger avec un rouge légèrement plus clair. Au final, nous remarquons que la plupart des éléments des pétales sont vraiment connectés les uns aux autres. Aucune ligne ne devrait donc se démarquer plus que les autres. Je veux dire, tous les éléments, tous les changements en solo entre le rouge foncé et rouge clair doivent se mélanger et bien s'associer uns aux autres pour créer un effet tridimensionnel dans la fleur et rendre le tout assez réaliste. Ici, la zone peut sembler un peu confuse car nous avons vraiment deux pétales qui se chevauchent J'ai donc pensé qu'avant vraiment terminer ce bassin sur la droite, il serait peut-être judicieux de travailler sur celui-ci, le pétale légèrement plus foncé Dans le domaine sur lequel nous avons déjà beaucoup travaillé sur la gauche. De cette façon, cela m'aide à voir les choses un peu plus clairement dans ce qui est, après tout, un peu confus. Je travaille donc dessus, en ajoutant ces éléments sombres qui ressortent bien et aident à faire comprendre que ce pétale est au-dessus de celui que nous venons de peindre Maintenant, il est vrai qu' il manque encore quelques détails encore plus foncés sur le dessus, mais je les ajouterai plus tard car pour le moment, comme j'ai déjà cette couleur sur mon pinceau, celle que j'utilise pour le pétale ci-dessus, j'appliquerai également quelques petites touches sur le côté droit, en ajoutant quelques détails bien placés pour aider à faire ressortir cette texture Maintenant, je peux travailler avec cette petite touche foncée, qui aidera vraiment le pétale se démarquer de celui qui se trouve en dessous sur quoi nous devons également travailler, c'est, bien sûr, le petit pli que nous pouvons voir ici sur ce pétale Vous pouvez voir qu' il fait très sombre la partie inférieure de ce pli, et au fur et à mesure que nous montons, il devient un peu plus clair. J'ajuste donc la couleur de mon pinceau pour m'assurer d'avoir la bonne valeur de rouge, et surtout, j'essaie d' éviter que le trait ne soit trop épais. Ici, tu as vu que c'était un peu trop épais. Comme je l'étale trop sur le côté, je repasse simplement dessus avec un rouge légèrement plus clair. Et maintenant, nous pouvons passer au prochain pétale. Une fois celui-ci terminé, je fais juste celui qui est juste au-dessus. Cela semble assez évident et très proche de celui que nous venons de terminer. En fait, c'est en quelque sorte la suite de cette zone sombre sur laquelle nous avions travaillé. Je vais donc y travailler par petites touches ici et là pour aider à faire ressortir ce pétale plus clairement Dans l'ensemble, ce n'est pas très compliqué. Veillez à ajouter cet élément lumineux qui doit être soigneusement ajouté sur tout le bord de ce pétale, et qui aide vraiment à bien faire la distinction entre ce pétale et celui que nous avons peint Vous Maintenant, je vais créer une couleur légèrement différente car dans certaines zones de la fleur, vous pouvez remarquer que même si le rouge est un peu plus foncé, il a un ton qui apparaît un peu violacé C'est particulièrement le cas, par exemple, sur le côté gauche de la fleur, où les pétales sont assez foncés. Il me semble que lorsque la couleur s'éclaircit dans cette zone, elle a tendance à devenir un peu plus violette À partir de cette couleur de base, j'en crée une légèrement plus claire en ajoutant du blanc et un peu de rouge, car cela contribue également à éclaircir la couleur, car le mélange que j'ai fait au départ était plus foncé que le rouge permanent Je suis donc en train de créer cette nouvelle teinte. Je suis désolée, le mixage n'est pas clairement visible à cause d'un petit problème technique, mais vous pourrez voir la couleur sur la zone où nous allons peindre. Et la différence entre les couleurs n'est pas énorme. C'est juste un peu plus violacé. Et nous allons nous concentrer sur ce pétale que vous voyez sur le côté gauche, sur lequel il est très intéressant de travailler car même à l'intérieur d'un seul pétale, vous pouvez remarquer plusieurs zones plus sombres ou plus claires Il va donc être intéressant de découvrir comment procéder. Pour cette section, mon approche consiste à commencer par le plus petit pétale situé dans la plus grande zone, car je trouve que ce n'est pas particulièrement difficile à peindre Et quand il y a quelque chose de facile à peindre, je le fais parce que c'est facile, cela renforce la confiance. Et une fois qu'une partie est peinte, c'est toujours au peintre de peindre le reste autour d'elle. Cela nous donne une bonne référence visuelle sur laquelle nous appuyer. Je peux maintenant passer à la peinture du pétale juste à côté de celui sur lequel nous venons de travailler Il est plus foncé que le précédent, et on peut également remarquer que les tons sont légèrement plus rougeâtres avec une touche violacée Cette nouvelle couleur est donc parfaite pour la peindre ainsi à l'aide de ce pinceau légèrement arrondi, qui permet tout de même une certaine précision dans cette zone relativement étroite. Maintenant que j' utilise cette couleur, je pense que je peux aussi l'appliquer sur le côté où l'on peut voir une teinte moyennement foncée. Ensuite, je vais passer entre ces zones où il y a des éléments très sombres. Et pour faire ressortir ces parties sombres plus tard, je peux d'abord ajouter quelques touches plus claires à proximité. Et comme vous pouvez le constater, ces parties les plus claires ne sont pas vraiment d'un rouge vif. Ils penchent davantage vers une teinte violacée. Et ce ton subtil porte également des fruits, même dans les zones les plus sombres que je vais peindre entre les deux Ils sont très sombres, mais vous pouvez toujours voir que ce n'est pas noir. C'est en fait un rouge très foncé avec une légère teinte violette. C'est une petite nuance. Honnêtement, même si vous peigniez cette partie de la fleur en utilisant les couleurs que nous avions précédemment mélangées, vous obtiendrez tout de même un résultat convaincant et assez réaliste. Mais en prêtant attention au petit changement de couleur, je pense que cela a apporté un niveau de raffinement supplémentaire. Maintenant, je peux ajouter ces touches plus légères, ces reflets, qui contribuent à donner à la peinture un aspect dimensionnel encore plus libre, mais attention à ne pas les rendre trop brillants ou trop nets. Sinon, cela pourrait sembler un peu moins crédible. Comme vous pouvez le voir ici, je le mélange bien avec les environs Et celui que j'ai fait en haut, nous devons également l'atténuer légèrement, rendre un peu moins lumineux et moins visible. C'est quelque chose qu'il est important de garder à l'esprit. Les surlignages trop clairs ou trop visibles ont souvent un effet contre-productif C'est donc certainement quelque chose à surveiller. Passons maintenant au pétale suivant, juste à côté de celui sur lequel nous avons travaillé plus tôt Nous revenons ici à nos couleurs d'origine avec ces rouges riches et intenses. Je vais donc commencer par appliquer ma couleur de base, le rouge moyen, légèrement sur le côté clair Et en plus de cela, nous pourrons ajouter des détails encore plus sombres plus tard, même si nous pouvons déjà remarquer que la zone sur le côté droit est un peu plus claire. Peindre une rose rouge est un véritable défi, mais aussi un vrai plaisir, selon moi. Techniquement parlant, il s'agit d'un sujet très exigeant. Le rouge est une couleur un peu délicate. Vous ne pouvez pas simplement l'éclaircir avec du blanc comme vous le feriez avec du bleu ou du jaune sans risquer de l'émousser Le rouge perd rapidement sa profondeur si vous le traitez comme une couleur normale. C'est pourquoi vous avez besoin d'un rouge de base déjà intense, comme le rouge permanent. Il suffit d'ajouter une touche de jaune citron comme nous l'avons fait rendre encore plus éclatant et vous pouvez créer des tons vraiment saisissants. Mais encore une fois, vous ne pouvez pas traiter le rouge comme une couleur standard. Il faut le travailler avec finesse. Parfois, vous l' assombrissez avec du brûlé et de la brûlure, parfois avec du bleu ultramarin, ou même un mélange Le mélange des couleurs comporte de nombreuses petites subtilités, et c'est ce qui le rend si intéressant à peindre Observer et analyser ces petits changements au sein d'un même pétale devient un exercice à part entière. Peindre une rose rouge est aussi un exercice de concentration et de concentration. C'est une fleur à la structure bien définie, mais en même temps très douce. Il faut être précis sans être rigide, en plaçant chaque coup de pinceau selon son intention, sans trop souligner le tout. Vous apprenez à suggérer de moduler la couleur plutôt que d'essayer de dessiner des arêtes vives autour de celle-ci Et au-delà de la technique, il y a quelque chose de très émouvant dans le fait de peindre une rose rouge. C'est la couleur de la passion, de la vie, du cœur. Une rose rouge peut sauver tant de choses. Et en peignant une seule fleur, vous pouvez créer quelque chose de vraiment beau. Et je suis sûr que celui à qui vous l'offrirez en sera profondément touché. 4. Peindre des pétales de rose avec profondeur et douceur, Partie II: À ce stade, mes couches de base sont assez bien en place, je vais donc continuer en ajoutant, par exemple, quelques touches légèrement plus foncées ici au bas du pétale Cela l'aidera à se démarquer un peu plus et créer une certaine profondeur par rapport aux pétales environnants. Dans cette zone, je peux également ajouter un accent sombre, ce qui contribuera encore une fois à créer une sensation de volume et à montrer la différence de hauteur entre les pétales. Il est donc important de vraiment mettre l'accent sur ces éléments. Et comme nous l'avons mentionné précédemment, les différentes zones claires et sombres sont vraiment toutes connectées. Ils travaillent vraiment ensemble. Ainsi, après avoir soigneusement nettoyé mon pinceau et retiré les restes de peinture, je peux passer doucement sur la zone en ajoutant quelques touches ici et là pour créer des transitions douces entre les différentes couleurs rouges Ici, je continue à travailler sur les détails de ce domaine, en particulier ce petit pli que vous pouvez voir, et maintenant quelque chose de très important. Vous êtes sur le point de voir les petits points saillants que j' ajoute juste à côté de la section la plus foncée. C'est un détail infime, mais il est crucial pour donner du volume à cette petite chute. Sans elle, cela ressemble à une ligne noire. Mais avec cette touche plus légère ajoutée à côté, vous pouvez vraiment commencer à voir la forme et à ressentir la profondeur de la forme. C'est ainsi que nous créons du volume sur une surface peinte. Il s'agit de la combinaison d' un ton moyen dans la zone, d'une touche plus foncée juste à côté, puis d'un léger surlignage plus clair. Et c'est ce trio qui crée l'illusion du volume. Maintenant, je vais ajouter quelques touches supplémentaires à cette zone de ce pétale, puis nous passerons au centre de la rose où tous les pétales se chevauchent et se tordent les uns dans Cette partie est plus complexe, et je vais vous montrer comment la gérer Le processus pour les pétales restants est exactement le même, il ne sert donc à rien de les jeter tous. Nous allons plutôt nous concentrer sur la façon d'approcher le centre de la rose, là où tous les minuscules pétales complexes se rejoignent. Cela peut sembler accablant au début, mais à mon avis, c'est en fait la partie la plus difficile et la plus gratifiante de la fleur à peindre. Pour peindre cette zone, qui est assez complexe, je vais utiliser une stratégie. Je postule presque chaque fois que je suis confronté à une section aussi compliquée que celle-ci. Je commence par me concentrer sur les éléments qui ressortent le plus, et très souvent, ce sont les zones les plus sombres Dans cette partie des rangées, vous pouvez clairement voir les formes sombres où il y a une ombre forte. Ils sortent vraiment du lot. Je vais donc commencer par marquer ces zones, car elles sont faciles à identifier. Nous savons où ils se trouvent et où et ils sont clairement visibles. Et je pense qu'en commençant par ces zones sombres, j'aurai des points de référence solides qui me permettront de placer plus facilement tout le reste autour d'elles. Et une fois qu'ils seront dedans, je commencerai à peindre les pétales à côté d'eux et à les travailler vraiment avec soin. Ensuite, nous parcourrons progressivement le reste de la zone, toujours à la recherche de la prochaine série d'éléments sombres pour nous guider. Et je pense que cette approche simplifie vraiment le processus. Maintenant que j'ai appliqué cette couleur, je change de pinceau, ou vous pouvez jouer avec le même. Ce qui compte, c'est qu' il n'y ait plus de couleur foncée. Ensuite, je peux passer aux pétales juste à côté. Et comme vous pouvez le voir sur la photo, elles se connectent légèrement à ces zones très sombres que nous venons de peindre. Nous devons donc les mélanger doucement pour éviter une rupture brutale entre le rouge et cette teinte très foncée, presque noire. Ensuite, je continue. Ici, il y a un pétale avec un ton plus intense et quelques touches plus légères, donc je peux aussi les ajouter Je suis allée un peu trop loin avec ce type de couleur noire au début, mais ça va. Je peux peindre dessus, comme tu l'as vu, et je peux le faire sans problème. J'ai juste dû appliquer une quantité généreuse de rouge pour bien couvrir la couleur foncée. Maintenant, je peux passer à autre chose et travailler sur le prochain pétale de taupe. Vous pouvez voir comment le rouge devient progressivement plus clair, et il y a une transition agréable et douce dans la zone ombragée Et c'est exactement ce que je postule ici. Ensuite, il y a une couleur beaucoup plus claire avec un peu plus de rouge intense. Et au fur et à mesure, je vais également ajouter ceci. En travaillant un pétale à la fois, nous sommes en mesure de conserver des roulements ou des roulements Chaque nouveau pétale que nous avons eu nous aide à mieux naviguer dans cette partie de la fleur, qui est très complexe avec de nombreux pétales qui se chevauchent Il est très facile de s'y perdre. Mais en peignant une forme clairement identifiable, il devient beaucoup plus facile de repérer les formes environnantes et de les peindre à tour de rôle. Maintenant que ces nouveaux pétales sont peints, j'ai de bons points de référence, ce qui me permet de continuer beaucoup plus facilement. Nous progressons lentement, oui, un pétale à la fois, mais nous pouvons vraiment voir les progrès et la pièce commence à s' assembler sous nos yeux, et tout se passe plutôt bien Maintenant, avec mon pinceau, je peux appliquer à nouveau le pétale directement sur cette zone très délicate pour améliorer l' effet de lumière et m'assurer que nous obtenons les petits reflets qui ressortent vraiment Ensuite, nous pouvons passer à un autre pétale, celui de gauche Maintenant que j'ai peint celles de droite, il est plus facile de repérer celle-ci et de travailler dessus avec plus de précision. Ce n'est pas un pétale particulièrement complexe à peindre, mais pour ne pas me perdre, je préfère commencer par ceux qui l'entourent et l'élément le plus sombre Maintenant que nous avons des éléments à côté de celui-ci, il est plus facile de le localiser et de le peindre. Une fois cette zone bien avancée, nous pouvons passer à la partie supérieure. Cette section ascendante redevient un peu complexe avec de nombreux pétales qui se chevauchent Il y a beaucoup de petites zones sombres et de petites taches rouges, il est donc un peu difficile de s' y retrouver. Je vais donc recommencer à peindre avec du noir, et ce noir m'aidera à trouver mes repères. Je vais essayer de marquer les principales zones sombres, et ce faisant, je pourrai avancer avec plus de confiance sur ma fleur et sur cette zone assez complexe. J'observe donc attentivement ma photo de référence et je fais très attention à l' endroit où se trouvent les zones sombres, et j'essaie d'être assez précis. Cela dit, si j'y reviens un peu ou si j'oublie un pétale, ce n'est pas la fin du monde L'essentiel est de conserver une certaine cohérence tout au long du tableau. J'essaie donc d'être le plus précis possible. Ainsi, il devient plus facile pour moi de peindre tous les petits pétales qui apparaissent dans les différentes zones. Ici, j' ajoute des éléments plus sombres, mais attention car vous pouvez voir qu'il y a une très légère différence de valeur. Il est juste un peu plus clair que ce que j'avais appliqué jusqu'à présent, et il est également légèrement plus rouge. La différence n'est pas énorme, mais c'est précisément ce genre de petits détails et nuances subtiles qui peuvent faire toute la différence et faire passer votre peinture au niveau supérieur. Maintenant que j'ai marqué toutes ces zones de référence, il va être encore une fois beaucoup plus facile de peindre entre tous ces éléments sombres et de commencer à ajouter les couleurs de chaque pétale Je pourrai les distinguer plus facilement les uns des autres grâce à ces zones plus sombres. Je vais donc peindre entre chacun de ces éléments sombres, et j'observe attentivement les couleurs que je dois appliquer. Les petits détails à surveiller sont notamment les lignes fines et plus claires qui apparaissent à certains endroits. Ce sont de petits éléments. C'est vrai, mais ils sont vraiment essentiels car ils permettent de créer une véritable sensation de profondeur et de souligner le relief de la zone. C'est vraiment ce contraste entre des éléments plus clairs et plus foncés qui donne du volume et de la tridimensionnalité à nos fleurs Il est donc important d'y prêter une attention particulière. Vous l'avez probablement déjà remarqué si vous peignez régulièrement, certains sujets demandent vraiment de la patience, et cette rose en fait partie. C'est un sujet qui, à première vue, semble fluide, presque simple. Mais quand on se retrouve face à lui, pinceau dans la main, on se rend vite compte que chaque pétale a sa propre logique, sa propre courbe, ses propres valeurs Vous ne pouvez pas simplement copier vaguement une forme. Vous devez observer, comprendre et vous adapter, et cela prend naturellement du temps. Donc, si vous vous sentez un peu frustré, sachez que c'est parfaitement normal. En fait, c'est souvent bon signe. Cela signifie que vous sortez de votre zone de confort et que vous progressez. L'erreur serait de penser qu'il faut peindre rapidement ou tout faire correctement du premier coup. En réalité, le ralentissement est souvent la clé. Faites une pause, prenez du recul pour examiner votre travail dans son ensemble. Cela vous aide à comprendre ce qui fonctionne et ce qui pourrait nécessiter un petit raffinement. Il y a une idée très libératrice à garder en tête. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Peindre n'est pas une démonstration de talent. C'est un processus de construction, une série de décisions. Certains auront raison immédiatement. D'autres auront besoin d'ajustements, et c'est ce qui donne à une pièce une sensation de vie. Vous pouvez revisiter, superposer, réinterpréter. Rien n'est gravé dans le marbre. Ce qui compte, c'est que vous avanciez avec soin, avec plaisir et surtout, sans pression. Cela nous amène à quelque chose qui va au-delà de la technique. Peindre ne consiste pas seulement à appliquer de la couleur sur la surface. C'est aussi une façon d' en apprendre davantage sur soi-même. Chaque matière vous apprend quelque chose. Une rose, par exemple, vous apprend la subtilité. Cela vous oblige à ralentir pour voir différemment, à faire attention à des nuances presque invisibles comme cette couleur noire qui semble être noire, mais qui est déjà en fait une sorte de rouge-violet, très foncé. Et cette capacité à observer, à rester concentré, à prendre son temps, vous la retrouverez dans tous vos futurs travaux et même parfois dans la vie de tous les jours. Vous remarquerez également que plus vous peignez, plus vous développez de la cohérence, et la cohérence est bien plus précieuse que l'inspiration. En peignant souvent et en acceptant que toutes les tentatives ne seront pas parfaites, vous grandissez. Votre belle rose n'émerge pas toujours du premier coup, mais ce n'est pas grave, car à chaque tentative, vous aiguisez votre regard, vous affinez votre geste, et personne ne peut vous l'enlever Ce que vous faites ici est significatif. C'est un voyage artistique. Vous prenez du temps pour vous-même, créer, pour apprendre Et cette pratique, même si elle est discrète et personnelle, une grande valeur parce qu'elle vous appartient et qu'elle vous aide à aller de l'avant. Alors oui, parfois vous allez parcourir une zone trois fois, quatre fois, voire dix fois. Parfois vous allez hésiter, modifier, recommencer. Mais tout cela fait partie du processus. Continuez. Soyez curieux, patient et observez. Et surtout, restez connectés à cette joie. Le plaisir de voir votre image prendre forme lentement. Ce n'est pas une course. C' est une exploration, et chaque coup de pinceau vous amène un peu plus loin et vous améliore dans votre pratique Travailler avec les pétales est très important. Il est essentiel d'appliquer la couleur avec soin et précision. Il est également important d'ajouter ces touches légèrement plus claires juste à côté des zones les plus sombres. Et à certains endroits, je n'hésite pas à revenir sur la couleur foncée si je trouve qu'elle a été trop adoucie par les tons rouges que j'ai appliqués Ensuite, je peux avoir ces lignes rouges plus claires et plus définies qui aident à créer du contraste et à donner de la profondeur, permettant aux pétales de se démarquer les uns des autres. Nous pouvons donc voir ici de bons progrès sur tous ces pétales dans la zone supérieure. Maintenant, je peux commencer à fermer le centre des lignes avec cette ligne assez foncée, qui servira une fois de plus de point de référence utile pour placer les autres éléments dans cette zone avec plus de précision. Bien, maintenant nous allons peindre ce dernier petit pétale ensemble. Ce sera la dernière partie que je peindrai avec vous devant la caméra. Les autres lignes seront complétées hors caméra simplement parce que le processus est exactement le même que ce que nous avons déjà fait ensemble jusqu'à présent. Vous disposez désormais de tous les outils dont vous avez besoin pour continuer seul, créant les zones sombres, superposant les tons rouges et en ajoutant des touches plus claires pour faire ressortir la profondeur et la forme de chaque pétale Mais surtout, n'abandonnez pas maintenant. Vous êtes très proche de la ligne d'arrivée. Prenez le temps nécessaire pour remplir vos rôles du mieux que vous pouvez. C'est un sujet difficile, mais aussi incroyablement gratifiant. Si certains pétales sont plus difficiles, c'est normal. Fais de ton mieux, même petit à petit. Ce qui compte, c'est d'aller jusqu'au bout. Dans un instant, je vais vous montrer la fleur terminée. Vous pouvez l'utiliser comme modèle ou guide ou même simplement comme source d'inspiration pour compléter le vôtre. N'hésitez pas à vous y référer si vous n'êtes pas sûr d'une forme ou d'une zone précise. Ensuite, nous passerons à la tige et aux feuilles, mais rien ne presse. Prends tout le temps dont tu as besoin. Il vaut mieux avancer lentement et prudemment que d' essayer de terminer trop vite. Cette rose mérite toute votre attention. N'hésitez donc pas à mettre la vidéo en pause avec la dernière rose, puis nous nous retrouverons pour peindre la tige et les feuilles ensemble. 5. Peindre la tige de la rose: Il est maintenant temps de travailler sur la tige et la feuille. Et je commence par appliquer un vert sur la zone, et ce sera un vert de base sur lequel je pourrai ensuite ajouter des éléments plus foncés ou plus clairs. Après avoir pris du recul et regardé mes images, je me suis rendu compte que le vert que j'avais appliqué sur la zone n'était pas le bon . Cela ne fonctionne pas. Cela ne gâchera pas trop le résultat final, car il est également important de travailler avec soin sur les éléments légèrement plus foncés et plus clairs qui seront ajoutés. Et ces combinaisons de petites touches aideront à créer. Et puis la partie la plus importante du sujet reste la rose. Donc, oui, c'est une erreur de ma part avec cette couleur pour la tige, mais pas une erreur qui nuira sérieusement au résultat final. Maintenant, je mélange à nouveau un vert légèrement plus foncé pour commencer à travailler un peu sur la tige, en ajoutant quelques touches plus foncées, principalement sur le côté gauche, qui sera dans l'ombre. Ces petites touches ici et là suffiront à créer du volume et donner l'impression que nous avons affaire à quelque chose de cylindrique plutôt que de complètement plat. Et pour travailler sur la texture de la tige, ce n'est pas une texture incroyablement complexe à peindre, mais il faut ajouter ces petits éléments, ces petites touches ici et là pour rendre la tige plus réaliste. Maintenant, je mélange un vert légèrement plus clair et légèrement blanchâtre pour obtenir un surlignage subtil que vous pouvez voir sur le côté droit Et voilà, avec de petites touches ici et là, je peux appliquer la couleur, et elle sort vraiment du lot. Donc oui, au début, j'ai d'abord dit que ma couleur n'était pas tout à fait correcte. Il est vrai que le vert droite de la tige est un peu trop clair, mais grâce aux éléments plus foncés que j'ai ajoutés, le résultat est globalement un peu plus équilibré. Et maintenant, nous pouvons passer au travail sur la feuille. Ce n'est pas une feuille particulièrement complexe à peindre, mais cela ressemble à un bon échauffement, un bon moyen de faciliter le processus avant de travailler sur celle de droite, qui sera un peu plus complexe. Et avec cette feuille, nous pouvons voir que les côtés sont assez foncés alors que le centre est assez clair C'est ce que je veux reproduire, appliquant ces zones claires et assurant qu'elles se fondent bien avec les parties les plus sombres Tout comme les pétales de rose, les différentes nuances de vert de la feuille sont plus ou moins liées les unes aux autres. Bien sûr, il n'y a pas de dégradé ou de transition fluide entre les deux couleurs. Le changement est assez brusque, mais les deux tons se marient toujours bien. Donc, par petites touches, c'est ce que j' essaie de réaliser ici aussi, un bon mélange entre ces deux éléments. Et puis sur cette feuille, il y a des petites touches de couleur surprenantes. Il y a un peu de brun sur la partie inférieure et un peu sur la partie supérieure également. Il y a également des tons légèrement rougeâtres en haut et sur le côté de la feuille Je vais donc essayer de les ajouter. Mais il est important de ne pas trop réfléchir à ce genre de détails Ce ne sont que de petits accents à inclure, et il s'agit d'un élément mineur de la composition globale, pas l'un des plus importants. Ajoutez-les, mais ne vous inquiétez pas trop pour le rendre parfait à 100 %. Passons maintenant à la peinture de l'autre feuille. C'est un peu plus complexe, mais en procédant étape par étape, un élément à la fois, vous verrez que nous pouvons le décomposer assez facilement. La première étape consiste donc à appliquer les couleurs de base dans la zone, et je vais essayer de jouer les couleurs les plus dominantes au bon endroit. Ici, par exemple, au début de la feuille, j'ai remarqué qu'il y avait des zones plus claires à gauche et à droite. Je peux donc les ajouter avec des traits clairs comme celui-ci , puis ajouter des tons plus foncés le long du bord. Et puis je continue avec le reste de la feuille. Et je remarque qu'en haut de la feuille, il y a des éléments plus foncés, et on retrouve également la même couleur un peu plus bas. Je vais donc l'ajouter à. Et en décomposant la feuille en zones plus petites, je peux progresser régulièrement et la voir prendre vie au fur et à mesure. À ce stade, je mélange un peu plus de peinture parce que je n'en avais pas assez Je voulais un ton plus vert moyen, un peu entre les deux, parce que j'ai l' impression que c'est la couleur principale de la plupart des feuilles. Je l'applique donc sur toute la zone où elle semble être la teinte dominante. Même s'il y a des taches légèrement plus claires ou plus foncées, ce vert semble toujours être la couleur principale utilisée partout. Ensuite, pour la partie inférieure, c'est l'inverse. La zone est généralement plus claire dans l'ensemble. Je commence donc par appliquer ce ton plus clair, puis j'ajouterai des détails plus sombres sur le dessus. Dans l'ensemble, cette façon de travailler semble plus simple. Je peux maintenant passer à la phase suivante, et je vais commencer à appliquer la couleur avec plus de précision, ce qui signifie que je vais affiner mes coups de pinceau. À ce stade, je vais peaufiner mes coups de pinceau. Désolée. À ce stade, j'essaie d'identifier les zones les plus étouffantes parmi les plus grandes que nous avons déjà peintes Par exemple, au début de la feuille, j'ai remarqué des zones encore plus sombres que celles que j'avais déjà peintes. Ils se démarquent davantage, je vais donc commencer par les ajouter. Parmi les détails que je peux ajouter y a les lignes qui passent au milieu de la feuille, que nous pouvons déjà commencer à distinguer un peu. Et aussi le long des bords de la feuille, il y a des zones légèrement plus sombres que je peux également ajouter. Mais pour le moment, les nervures centrales de la feuille ne sont pas assez visibles, je vais donc les travailler plus attentivement. faisant, je ne vais pas simplement peindre une seule ligne noire. Je veux m'assurer que tout ce qui l' entoure se marie bien avec le reste de la feuille. Et c'est vraiment une chose à laquelle je dois faire attention. Et je travaillerai là-dessus un peu plus tard. Maintenant, sur le côté de la feuille, comme je l'ai mentionné, il fait également un peu plus foncé. J'utilise donc une sorte de vert brunâtre, et au fur et à mesure que je l'applique, vous pouvez voir que j'essaie mélanger un peu avec les couleurs voisines Et oui, je peux continuer et travailler sur le bon bord, moi aussi. Nous pouvons voir qu'il y a aussi des parties plus sombres à cet endroit, et petit à petit, la feuille commence à prendre vie. Et c'est vraiment l' accumulation de toutes ces petites touches les unes après les autres qui fait la différence. Face à quelque chose comme cette feuille, il est facile de ne pas savoir par où commencer. Mais comme toujours, le même conseil s'applique. Commencez par ce qui semble le plus évident. Au début, je voyais la gauche comme quelques zones plus vastes. Puis j'ai remarqué que je pouvais ajouter des éléments plus foncés sur les bords. Puis j'ai vu que les veines centrales étaient assez sombres. Et à côté de celles-ci, j'ai vu quelques petites touches plus sombres que je pourrais ajouter. Et chaque fois que j' ajoute un élément, puis un autre apparaît, puis un autre qui semble clair, toute la structure de la feuille commence à prendre plus de sens. Et finalement, j'en arriverai au point où je pense que la feuille semble maintenant assez claire quant à ce qui manque encore. Et je cherche ces éléments manquants en comparant la feuille que je peins à celle de mon image de référence. Comme je l'ai dit plus tôt, je veux que les gousses les plus foncées se rejoignent au reste et se fondent dans le vert des feuilles, et c'est exactement ce que j'ai fait ici. Alors maintenant, la feuille est plutôt belle. Cela commence vraiment à se mettre en place. Ce que je vais faire ensuite, c'est ajouter des éléments plus clairs à côté des zones plus sombres. Et c'est vraiment cet ajout de petits reflets à côté taches plus foncées qui contribue à donner à la feuille un aspect plus libre et dimensionnel, en faisant ressortir la sensation de volume. Encore une fois, c'est cette combinaison d'éléments sombres et clairs, comme dans tout ce que nous peignons, qui crée l'illusion de profondeur et de réalisme. Veillez à ne pas rendre vos reflets trop clairs, car cela n' aura pas l'air tout à fait correct. Vous voulez qu'ils soient visibles, restant assez subtils. Donc, parfois, si vous avez l'impression que certaines zones semblent un peu trop claires, ajustez votre couleur ou mélangez-la un peu plus avec les verts foncés situés à proximité, puis apportez quelques petites touches sans trop y réfléchir Il n'est pas nécessaire d'être précis jusqu'au dernier acarien. Quelques détails bien placés ici et là suffisent amplement à donner à l'ensemble un aspect réaliste et convaincant Euh pour faire ressortir encore plus cette zone claire , je vais y retourner avec mon vert légèrement plus foncé, et à certains endroits, je vais les revoir. Cela contribuera vraiment à améliorer tout le travail que nous avons accompli ici. C'est donc la touche finale pour cette feuille. Et il ne reste plus qu'à peindre la partie inférieure de la tige, mais cela se fera de la même manière que nous l'avons fait dans la partie supérieure. C'est pourquoi je vais continuer hors caméra et nous nous reverrons pour la peinture de fond. Prenez donc votre temps pour terminer soigneusement la partie inférieure de la tige. Voici donc la couleur de ma tige dans la palette. J'ai créé un gris très clair en mélangeant simplement une grande quantité de blanc avec un peu de bleu outremer et de l' ombre brûlée à parts égales , puis en ajoutant beaucoup de Rien de trop compliqué. Et maintenant, nous pouvons passer à la peinture de fond. La première chose que je vais faire est de peindre tout le pourtour de la rose avec cette couleur afin créer une sorte de barrière protectrice et d' éviter qu'elle ne se chevauche sur la rose elle-même Alors doucement, à l'aide de ce pinceau légèrement plus petit, je vais contourner le bord. En outre, un détail important. Certaines parties de la rose sont déjà sèches. C'est donc un peu comme appliquer une deuxième couche. Il est possible qu'un peu de gris entre en contact avec le rouge de la rose. Comme il s'agit essentiellement d'une deuxième couche, j'ai utilisé le médium numéro deux, qui contient un peu plus d'huile que le milieu numéro un. Ainsi, la règle du gras est respectée lors de l'application de cette couche. Je vais donc le faire tout autour de la farine, et par la suite, je pourrai peindre avec plus de confiance avec un pinceau plat sans soucier de passer par-dessus la couleur rose Bon, maintenant j'ai oublié le reste de cette application de fond autour la fleur car elle est répétitive et pas particulièrement intéressante, je faisais la même chose encore et encore Ainsi, à l'aide d'un pinceau plat et de larges traits, en veillant à bien étirer la peinture, je peux terminer le travail de fond sur les lignes. Prenez donc votre temps, même si le fond n'est pas la partie la plus complexe, un arrière-plan mal fait et précipité à la dernière minute peut ruiner l'ensemble, et ce serait vraiment dommage. Alors prenez soin de vous, travaillez patiemment, et tout ira bien, autant plus que nous avons déjà passé pas mal de temps sur la rose Il serait dommage de laisser un arrière-plan précipité le gâcher. Et nous y voilà. Notre rose est maintenant terminée. J'espère que ce tutoriel vous a aidé à mieux comprendre comment créer une rose en peinture étape par étape en jouant avec le contraste, le volume et les détails. Comme toujours, prenez votre temps, observez attentivement votre référence et , surtout, appréciez le processus. Merci donc beaucoup de votre attention et à très bientôt pour un nouveau sujet. H 6. Comment peindre un bouquet de fleurs - présentation: Manger des bouquets de fleurs est l'un des exercices les plus classiques de la peinture de nature morte. Et avec ce sujet, nous allons apprendre beaucoup de choses. Il y a de belles fleurs que nous allons apprendre à peindre, à créer des volumes avec les pétales, à peindre les tiges et à créer de beaux verts. Et ce qui est très intéressant, c'est que le vase est très différent de ce que nous pouvons voir habituellement avec un autre péché. Il est fabriqué avec une sorte de papier très différent. Et ce papier est fait de différents bruns, il sera donc très intéressant de voir comment créer ces beaux bruns De plus, ce papier comporte de nombreux plis, ce qui le rend encore plus intéressant à travailler. C'est donc vraiment un sujet fascinant où nous allons apprendre beaucoup de choses. Poomking et pour la création de cette œuvre d'art, je travaillerai sur un papier, et la taille de ce papier, ce vieux papier à peindre, est de 30 x 40 centimètres J'utiliserai mes matériaux ordinaires et enfin, pour le dessin, j' utiliserai mon projecteur. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez certainement opter pour la grille pour vous assurer d'avoir les bonnes proportions. Un beau dessin aux bonnes proportions est le premier pas vers une peinture très réaliste. Je vous recommande donc vivement d'utiliser la grille pour vous assurer que vous avez les bonnes proportions avec votre dessin. Maintenant, commençons et peignons ensemble ces belles fleurs. 7. Comment mélanger les couleurs pour le vase: Comme d'habitude, avant de commencer, commençons par analyser les différentes couleurs de notre sujet, en commençant par ce que nous allons peindre premier : le vase en papier kraft. Nous pouvons constater que cette zone contient une grande variété de bruns différents En regardant le cordon, il est d'un brun neutre assez clair avec un ton légèrement crémeux. Pendant ce temps, le reste du papier kraft, en particulier la zone centrale, contient des bruns légèrement jaunâtres. Et, bien entendu, nous utiliserons des valeurs pour créer un relief subtil et donner au vase cet aspect tridimensionnel cylindrique, ce que nous ne voulons pas. Est-ce que ce papier kraft, ce vase ont l'air plats. Et si nous ne voulons pas obtenir quelque chose plat et de plus volumineux en trois dimensions, nous avons besoin de cette grande variété de bruns pour créer cet effet Nous remarquons donc également que la partie supérieure est plus superficielle, probablement à cause des feuilles et des fleurs situées au-dessus, et que les bruns de cette zone sont plus foncés et également moins saturés Ils penchent davantage vers un brun grisâtre. Cela nous donne donc pas mal de bruns à mélanger, ce qui est génial car le brun n'est jamais la couleur la plus facile à mélanger sur la palette Ce sera donc une bonne occasion de pratiquer et d'améliorer cela. Commençons par mélanger toutes les couleurs. Et comme nous l'avons vu lors de l'analyse, les couleurs de ce vase seront du jaune, du brun orangé. J'ai donc créé un mélange avec un peu d'orange au début, mais avec une assez bonne quantité de jaune car je voulais me tourner davantage vers le jaune. Et maintenant, j'ai de l'orange qui est aussi une jolie ligne parce que comme vous avez pu le voir, j'y ai ajouté du blanc pour ne pas me retrouver avec quelque chose de trop foncé au début. Maintenant, ma couleur est bien trop orange et trop intense. C'est pourquoi j'ai choisi le bleu, qui est la couleur opposée pour rendre cette orange moins intense, moins éclatante. Et certains brûlent du bois parce que le bois brûlé est d'une très bonne couleur, ce qui fait que les éléments passent automatiquement davantage au brun et un peu plus neutres. C'est pourquoi j'aime l'utiliser lorsque je souhaite créer des couleurs brunes. Maintenant, je trouve que ma couleur est plutôt bonne mais encore bien trop intense. C'est pourquoi j'ajoute un peu de bleu, mais je vais aussi ajouter encore plus de bleu et encore plus de bois brûlé pour créer quelque chose d'encore moins intense que ce que j'ai actuellement sur ma palette. M Maintenant, je vais créer quelque chose d'un peu plus léger que nous pouvons voir dans ce surlignage sur la droite. Même si ce point fort n'est pas aussi intense que ce que nous avons pu voir avec une autre peinture, il est tout de même assez perceptible. C'est pourquoi je vais ajouter une plus grande quantité de blanc à mon mélange et ajouter un peu d' orange et un peu de bleu pour le rendre moins intense. De plus, vous pouvez voir que la quantité de jaune est bien supérieure la quantité de rouge parce que je veux ma couleur penche un peu plus vers le jaune. Mais à l'heure actuelle, parce que j'ai ajouté beaucoup de jaune, de bois brûlé et de bleu, ma couleur est devenue un peu trop verdâtre C'est pourquoi j'ai ajouté la couleur opposée à ma couleur , le rouge. Et maintenant je veux qu'il redevienne un peu plus jaune. Et chaque fois que je me pose ces fameuses questions dont je parle dans le cours de base, à savoir si ma couleur est trop claire ou pas assez claire ? Trop vert ou pas assez vert, trop rouge ou pas assez rouge. Je me le demande donc constamment, mais je n'ai plus besoin de le faire à haute voix. Au début, j'ai vraiment pris temps de me poser ces questions, mais maintenant c'est vraiment automatique et je n'y pense même pas, mais je sais que dans mon esprit, je me pose ces questions, et je sais instantanément quelle couleur je dois prendre. Et avec la pratique et le temps, vous verrez que cela deviendra plus facile pour vous aussi, et vous le ferez très naturellement. Maintenant, je voulais que ma couleur soit un peu plus foncée et pour la rendre plus foncée, j'ai ajouté un peu de brûlé et de brûlé, mais pas seulement parce que lorsque je voulais la rendre plus foncée, cela signifie que je voulais réduire la proportion de blanc, et donc que je devais augmenter celle de l'orange. C'est pourquoi j'y ai également ajouté du jaune et du rouge. Maintenant, je suis en train de créer quelque chose d'un peu plus clair pour peindre le cordon, et cette couleur me semblait géniale. Et je me suis aussi rendu compte que l'écart de valeur entre ces deux couleurs était trop important. C'est pourquoi j' ai ajouté du tubercule brûlé à ma deuxième couleur Je vais créer une couleur assez foncée pour les zones d'ombre qui se trouvent à la fois sur la partie supérieure du vase et sur la partie inférieure, là où il est plus proche du sol et donc un peu plus foncé. Pour cela, j' augmente de manière significative la quantité de bois brûlé et de bleu outremer pour obtenir quelque chose d' assez Surtout sur la partie supérieure, on regarde le brun légèrement grisâtre. C'est pourquoi j'ai ajouté une bonne quantité de bleu outremer. Et je l'éclaircit aussi parce que je me rends compte qu'il fait encore trop sombre pour les zones supérieures Et avec tout ce bleu mélangé, nous sommes allés un peu trop loin vers le gris. Donc, ce que je vais faire, c'est atténuer l'intensité de la teinte en ajoutant la couleur opposée au bleu, qui est l'orange. Et peu à peu, nous revenons à un ton plus équilibré, évoluant vers un brun gris, mais moins désaturé qu'auparavant Et honnêtement, je trouve que cette couleur est plutôt belle. Et nous verrons une fois qu'il sera appliqué sur le papier s'il doit être ajusté ou non. Donc, cette couleur foncée que nous mélangeons est plutôt bonne, mais je pense que pour les autres zones du vase, nous allons avoir des bruns presque aussi foncés, peut-être juste un peu plus clairs, mais surtout un peu plus oranges Je vais donc augmenter la quantité d' orange dans le mélange et diminuer la quantité de bleu outremer afin que nous passions moins vers un brun éclatant que vers un orange, un légèrement plus intense À ce stade, je me rends compte que ma couleur est un peu trop foncée, alors je l'éclaircit simplement avec un peu de blanc et aussi que mon orange ne penchait pas assez vers le ton jaunâtre qui caractérise ce J'ai donc ajouté une grande quantité de jaune car le jaune a tendance à être facilement dépassé par les autres couleurs si vous ajoutez des quantités égales. Les autres pigments dominent rapidement si vous ne faites pas attention. Ainsi, après quelques ajustements, j'obtiens progressivement une couleur qui semble assez bonne pour les éléments plus foncés de ce papier kraft. Mais comme je le dis souvent, lorsque je vois mes couleurs à ce stade, elles semblent plutôt bonnes pour le papier kraft, mais le véritable test sera une fois qu'elles seront réellement appliquées sur le papier. En général, les couleurs n'ont pas exactement le même aspect sur la palette qu' une fois sur le papier. On n'a pas la même perception. Nous verrons donc. Maintenant, avec le recul, la couleur plus claire que j' avais mélangée plus tôt semble convenir aux zones les plus claires du vase. Mais pour la petite corde, le cordon, il me faudra quelque chose d'encore plus léger. C'est donc ce que je vais créer maintenant, visant toujours quelque chose de légèrement jaunâtre, peut-être un peu moins pour la corde, mais surtout quelque chose de plus clair que les autres zones Je suis donc en train de mixer cette nouvelle couleur, en faisant mes ajustements comme toujours. Et une fois que celui-ci sera prêt, nous pourrons commencer. 8. Peindre le vase – section du milieu: Voici mon dessin. Au début, j'avais fait une grille sur mon papier, et j'ai dessiné grâce à cette grille. Mais je me suis rendu compte que j'avais utilisé le mauvais côté du papier et que pour éviter d'avoir à tout redessiner, la grille, etc., j'ai simplement tracé le papier en plaçant le papier sur la fenêtre et en dessinant dessus Comme vous pouvez le constater, j'ai dessiné les zones principales, et pour l'ombrage, je le ferai en temps réel lorsque je commencerai à peindre Commençons donc, et nous allons commencer par la zone centrale du papier kraft que vous pouvez voir ici. Pour commencer cette peinture, je vais utiliser une stratégie que j'applique souvent, qui consiste à délimiter d'abord les principales zones de couleur. J'essaie donc de bloquer les masses principales, d'identifier où se trouvent les grandes zones de couleurs identiques, puis je les applique. J'observe donc attentivement essayant de ne pas me concentrer sur les détails pendant cette phase et de travailler plutôt diviser la zone en petits groupes de couleurs. Je me demande donc par ici quelle serait la couleur dominante. Et si je devais n'en choisir qu'une, et ici, laquelle choisirais-je ? De cette façon, je peux déjà commencer à créer un peu de volume dans la zone car comme nous l'avons vu à de nombreuses reprises, ce qui donne aux éléments un champ volumétrique tridimensionnel c'est l'application correcte des couleurs dans les différentes zones Alors là, j'ai commencé par cette zone légèrement plus foncée, et j'ai remarqué qu' à d'autres endroits, elle allait être un peu plus claire. La différence de valeur n'est pas énorme, mais vous pouvez tout de même constater qu'il existe une différence entre ces domaines. C'est pourquoi je pense que cette nouvelle couleur est probablement un bon choix pour travailler sur cette partie. Maintenant, je m'assure d' essuyer l'excédent de peinture de mon pinceau, puis je vais commencer à mélanger les deux couleurs, assurant qu'elles se mélangent bien afin que la transition entre elles soit presque invisible J'essaie au moins de conserver les couleurs et les zones que j' avais initialement définies plus ou moins là où je le voulais, même si je sais que le fait que ces zones changent légèrement et doivent être retravaillées est presque une cause perdue une Mais cela fait partie du processus. Ici, vous pouvez voir qu'il y a une bande avec un certain surlignage, donc je la définis. Vous pouvez également constater que j'ai ajusté ma couleur pour la rendre un peu plus claire car elle semblait bien adaptée à la palette, mais une fois appliquée, je me suis rendu compte qu'elle n'était pas assez claire. Maintenant, en remélangeant mes couleurs, je peux créer une nouvelle teinte qui conviendra parfaitement à ce côté droit du vase Maintenant que mes couleurs sont appliquées, je peux commencer à les mélanger multiples mouvements de va-et-vient Et chaque fois que j'ai l'impression qu'il y a trop de peinture sur mon pinceau, je n'hésite pas à l'essuyer. Pour l'instant, je dirais que nous avons une base assez correcte, et je vais terminer ce petit point en travaillant sur la partie supérieure où vous pouvez constater qu'il y a une différence de valeur notable par rapport à la partie inférieure que nous avons peinte sur la gauche. Cela nous donne déjà une bonne petite section sur laquelle travailler et où nous pourrons ajouter un peu de texture, un peu plus de profondeur et quelques plis subtils que nous pouvons observer ici, même si ce n'est pas nécessairement la zone où le papier est le plus froissé L'effet sera donc un peu plus léger. Au début, la disposition des couleurs était assez grossière. Nous définissons de grandes masses de couleurs, de gros blocs, où vous pouvez voir des zones légèrement plus sombres, des zones légèrement plus claires, etc. Maintenant, la prochaine étape ne consiste pas encore à travailler sur les moindres détails. Et en fait, sur ce papier kraft, il n'y a pas vraiment de détails extrêmement fins comme nous le verrons plus tard avec les fleurs et les plantes où les choses seront un peu plus raffinées. Ici, nous n'avons pas de détails très fins, mais nous avons une texture assez prononcée, et c'est ce que nous allons essayer de créer maintenant avec cette phase de travail en définissant les zones un peu plus précisément. Par exemple, j'ai remarqué qu'à plusieurs endroits, il y a de petites taches et de petites grappes, petites zones où les éléments sont un peu plus foncés. Alors maintenant, avec mon pinceau un peu plus précis, je vais essayer de les définir par petites touches ici et là, comme vous pouvez me voir le faire dans la partie centrale du papier. M Sur le papier, vous pouvez voir que dans cette zone légèrement inférieure, il y a un pli quelque peu visible. Ce n'est pas le pli le plus prononcé que vous trouverez sur du papier kraft, mais il s'agit tout de même d'un exercice de bonne pratique pour commencer. Et ce que vous pouvez observer avec ce pli, c'est que le bord est généralement un peu plus foncé, et vous pouvez voir que sur le côté droit, il devient un peu plus clair finit par se fondre dans les autres couleurs Et il en va de même pour le pli que vous pouvez voir marqué sur la gauche. Pour l'instant, aucune profondeur réelle n'est créée le long de ce pli, mais elle viendra. Il viendra grâce aux éléments plus légers que nous aurons à côté, ce qui nous permettra de créer du volume. Et c'est vraiment le secret de la création de volume. Il s'agit de jouer avec les ombres et les reflets. En d'autres termes, avec des valeurs d' obscurité et de lumière. Et c'est ainsi que vous créez des creux, que vous donnez aux éléments un aspect plus tridimensionnel, formez des plis, etc. Et c'est ce sur quoi je travaillerai plus tard. Sur le côté droit également, nous avions appliqué une couleur moyennement foncée, et vous pouvez remarquer qu'il y a des touches légèrement plus foncées ici et là. Je vais donc les ajouter maintenant, et progressivement, je vais éclaircir la couleur de mon pinceau pour ajouter de petites touches légèrement plus claires que la zone de surbrillance environnante car même dans la zone de surbrillance, nous ne voulons pas une zone parfaitement lisse et sans texture. Il est important de comprendre qu'en peinture, en particulier lorsque l'on essaie de représenter les choses de manière réaliste, les surfaces complètement uniformes sont très rares S'ils existent, peut-être en arrière-plan, mais même dans ce cas, vous remarquerez souvent que certaines zones sont légèrement plus claires ou plus sombres pour que les éléments ressortent un peu plus. Comme vous pouvez le constater, la prochaine étape consiste maintenant à commencer à travailler sur les éléments légèrement plus légers. Souvent, ces éléments plus clairs se trouvent juste à côté de zones plus sombres qui contribuent à créer du volume. Par exemple, ici sur le côté gauche. De plus, dans la zone centrale, ajout de ces touches plus légères contribue vraiment à créer une texture bien développée pour le papier kraft. Si vous regardez attentivement, vous remarquerez qu'il y a minuscules reliefs à la surface du papier kraft C'est un papier légèrement rugueux qui tombe facilement. ce fait, il existe de nombreux microreliefs que nous pouvons facilement représenter avec une alternance de touches plus claires et plus foncées Et c'est également ce que je fais ici. À certains endroits, je tamponne légèrement avec mon pinceau, en observant les endroits où je vois des taches légèrement plus claires Avec des coups de pinceau presque aléatoires comme celui-ci, je parviens à créer cette texture très irrégulière typique du papier kraft. Sur cette partie supérieure, les éléments plus légers que j' ajoute contribuent également à créer une impression de hauteur et de profondeur dans cette zone, où vous pouvez voir qu'elle gonfle légèrement avant de devenir plus creuse là où la corde tend légèrement le vase Je continue donc, et ce que nous pouvons également remarquer, c'est que dans la zone de surbrillance, vous pouvez remarquer des touches encore plus légères que celles que j'ai appliquées au départ. Au final, dans certains domaines, c'est presque comme si nous avions utilisé trois valeurs différentes. Nous avons commencé avec une couleur de base intermédiaire, la couleur dominante de ces zones. Ensuite, nous avons ajouté quelques touches plus sombres, et maintenant nous ajoutons des touches plus claires. Et c'est souvent cette combinaison, cette superposition de trois valeurs différentes qui contribue réellement à créer de la profondeur dans les différents domaines Et en ce qui concerne les chutes que nous avons observées dans cette zone, les petites touches légères que je viens d'ajouter sont celles qui feront vraiment ressortir les effets des chutes et des plis dans cette zone Pour la zone centrale, nous avons presque terminé. Maintenant, je vais travailler sur l'ombre projetée par la corde. Cette corde projette une petite ombre visible dans la partie centrale du vase. Et attention, café, car si vous regardez attentivement cette ombre, vous remarquerez qu'elle n'a pas exactement la même valeur d'un bout à l'autre. Vous pouvez voir que sur la partie supérieure, il fait plus sombre, et que vous descendez vers le bas du vase, il devient un peu plus clair. Je vais également m' assurer que l'ombre se fond doucement dans les zones environnantes Parce qu'en général, avec les ombres, vous ne voulez pas avoir des arêtes complètement nettes. Au lieu de cela, il devrait se fondre très doucement dans les tons environnants, et c'est exactement l' effet que je vais essayer de créer. Ce sont donc les derniers éléments sur lesquels je travaille dans ce domaine. Nous passerons ensuite à la partie inférieure du vase, sur laquelle il sera également très intéressant travailler car il y a beaucoup plus de défauts, et ce sera une excellente occasion voir comment nous pouvons créer cette sensation de volume dans cette zone. Oh 9. Peindre le vase - section inférieure: Passons maintenant à cette partie inférieure du vase. Et sur cette partie inférieure, vous pouvez voir que les couleurs seront très similaires à celles que nous avons peintes sur la zone centrale. Cependant, cette partie inférieure sera intéressante car il y aura un peu plus de plis. C'est génial de travailler là-dessus pour créer du volume. Les plis étant plus prononcés, seront légèrement plus différences de valeur seront légèrement plus importantes dans ces zones. Je vais donc vraiment me concentrer là-dessus pour créer plus de volume possible à ces endroits et leur donner un aspect très réaliste. Mais avant tout, je commence par appliquer correctement mes couleurs. Je travaille zone par zone comme nous l'avons fait dans la partie supérieure, et j'essaie de rester assez précis dans mon travail sur chaque zone. Même si, comme vous pouvez le constater, je travaille avec un pinceau un peu faux. J'utilise mon pinceau plat. Ici, le travail est donc très similaire à ce que nous avons fait plus haut, c'est-à-dire l'application des couleurs en premier. Ensuite, je vais mélanger et me concentrer vraiment sur la création d'une bonne texture dans cette zone et sur le fait de bien souligner le relief. Ici, je vais accélérer un peu la vidéo pendant l'application des couleurs, et nous allons également sauter l' étape de fusion car c'est la même chose que ce que nous avons fait plus tôt Je pense qu'il est plus intéressant passer du temps à voir comment travailler correctement sur la texture et les différents plis que nous avons dans cette zone, qui peut être un peu plus délicat Assurez-vous donc que les couleurs soient correctement appliquées aux bons endroits, puis nous nous reverrons pour travailler sur la texture et les petits plis de cette zone. Maintenant que mes domaines sont assez bien définis et que le mélange a été fait, je vais essayer de les traiter avec un peu plus de précision Je vais mettre de côté mon pinceau plat, observer les différentes zones de cette phase et travailler avec un pinceau rond plus fin. À chaque fois, je me demande s'il faut travailler un peu plus sur ce domaine. Y a-t-il, par exemple, éléments légèrement plus sombres qui sont plus visibles ? Et si la réponse est oui, j'ajouterai de petites touches, comme vous pouvez le constater. Vous pouvez également remarquer que les petites touches que j'ajoute avec mon pinceau sont volontairement très irrégulières, comme des petits points qui vont ici et là. n'y a pas de motif clairement défini, et c'est ce qui permet de créer cette texture de papier kraft. Avec mon pinceau, j'applique la couleur et j' essaie de la mélanger un peu avec la couleur du dessous, mais pas trop non plus, car c'est aussi ce qui permet de définir cette texture. C'est donc sur cela que je me concentre, et petit à petit, vous pouvez voir que nous nous rapprochons d'une texture assez similaire à celle de la zone ci-dessus. À ce stade, il est vrai que nous n'avons pas encore vraiment créé de volume, de pli, car ces valeurs légèrement plus claires sont toujours absentes Sur la partie inférieure, vous pouvez également remarquer qu'il va faire plus sombre car une forte ombre se crée entre le vase et le sol. Mais pour cela, il va falloir que je travaille avec un pinceau un peu plus fin. Ce que j'ai déjà pu faire avec ce pinceau, c'est commencer à marquer la transition entre ce brun très foncé et le brun légèrement plus clair que j'applique maintenant car le passage de l'ombre près du sol aux éléments légèrement plus clairs au-dessus n'est pas brusque Cela se fait grâce à une transition en douceur, et c'est un point sur lequel j'ai également commencé à travailler. Je peux maintenant commencer à ajouter quelques touches légèrement plus claires dans la zone, et ces touches plus claires permettront tous les plis et à tous les détails d' apparaître un peu plus en trois dimensions. Encore une fois, c'est la combinaison d' éléments plus clairs et plus foncés qui permet créer du volume dans cette partie du vase. Il s'agit donc d'un travail extrêmement complexe qui demande une extrême précision. Cependant, c'est une tâche qui prendra un peu de temps car vous devez observer attentivement où placer ces éléments plus clairs et les mélanger très délicatement avec les couleurs environnantes afin que les transitions soient vraiment naturelles entre les différentes zones Prenez donc votre temps, observez les éléments, éclairez les touches avec soin, et veillez également à ne pas les rendre trop clairs, car sinon le résultat paraîtra faux et ne paraîtra pas réaliste lorsque le contraste des valeurs dans certaines zones est trop fort. C'est le genre de situation où l'on se rend compte que quelque chose ne va pas. Il s'agit donc d'une progression lente et régulière, mais elle conduit progressivement à un résultat bien défini. Je dirais donc que mes zones claires et foncées sont maintenant assez bien définies, et que nous commençons à voir une belle texture et quelques plis. Je vais maintenant travailler un peu plus sur les plis situés dans la zone inférieure. vous pouvez le constater, je n'ai pas hésité à ajouter du bois brûlé à ma couleur pour obtenir quelque chose très foncé, car à certains endroits, cela devient très proche du noir. Attention toutefois car dans certaines zones, la couleur devient un peu plus claire. Par exemple, vous avez peut-être remarqué que le petit bout qui pointe vers le haut sur la gauche se légèrement dans le brun du vase, et de même sur les côtés, il se fond bien Il est donc important d' assurer une transition harmonieuse entre ces différents éléments afin d'obtenir un résultat plus naturel. Maintenant, je travaille avec soin sur le pli de droite. Et pour celui de droite, ce que je remarque, c'est qu'il se fond encore plus dans le brun au-dessus. J'applique donc la base assez foncée, comme vous pouvez le voir, et avec quelques petites cigognes ici et là, je m'assure de créer une bonne transition entre ces éléments bruns très foncés et les éléments plus clairs du dessus Ce pli est un peu plus complexe. Vous devez vraiment observer de près les détails subtils, le léger changement de valeur que vous pouvez constater ici et là. C'est donc ce que je vais faire. Je vais peaufiner un peu mon travail, améliorer certaines zones où j'ai l'impression qu'il n'est peut-être pas assez foncé ou qu'il ne se mélange pas assez avec les couleurs sous-jacentes Mais dans l'ensemble, je dirais que le pliage est une partie plus lente. Nous sommes bons. Nous avons réussi à créer les différents plis. Cela semble beaucoup plus dimensionnel, et c'est satisfaisant. Vous pouvez également remarquer que sur la partie supérieure près de la boucle près de la corde, il y a une petite zone sur laquelle nous n'avons pas encore travaillé Je vais donc la peindre hors caméra, puis nous nous retrouverons pour travailler sur cette dernière partie de notre vase, qui est la partie supérieure, la zone un peu plus foncée et un peu plus grisâtre Ensuite, nous travaillerons également sur les petites cordes et, bien sûr, sur les fleurs 10. Peindre le vase – section supérieure: Travaillons donc sur cette dernière zone du vase. Et la première chose que je fais, c'est d'essayer d'appliquer mes couleurs au bon endroit en utilisant ce genre de couleurs plus grisâtres Vous pouvez le voir avec ces couleurs foncées qui se mélangent en haut de ma palette. Et je vais également mélanger ces différentes couleurs afin de créer des tons plus intermédiaires. La vidéo est donc un peu accélérée car c'est essentiellement la même chose que nous avons faite auparavant, mais prenez votre temps pour créer une bonne base pour le vase Ce n'est pas une course. J'ai simplement accéléré les choses pour alléger un peu le didacticiel car le fichier est déjà très long et volumineux et pour supprimer certaines des parties les plus répétitives car, comme je l'ai dit, nous l'avons déjà fait avec la partie centrale du vase, et nous faisons la même chose pour le moment Prenez donc vraiment votre temps, puis nous passerons au reste , nous travaillerons sur ce domaine avec quelques détails et n'hésitez pas à mettre la vidéo en pause avant de commencer les nouvelles parties. Nous allons travailler sur les détails dans quelques secondes. Ce que je vais faire maintenant, c'est retravailler mes zones les plus sombres avec un peu plus de précision car j'ai l'impression de ne pas me démarquer suffisamment Je vais donc les revoir par petites touches ici et là pour créer quelque chose de plus contrasté. Je veillerai également à ce que ces éléments se fondent délicatement la zone environnante afin que les transitions entre la plus foncée et la partie légèrement plus claire soient naturelles Donc, comme vous pouvez le voir, j'ai mélangé mes différents domaines La zone semble un peu plus belle, un peu plus naturelle. Et ce que je fais, c'est ajouter de petites touches de couleur à différents endroits pour créer texture particulière du papier kraft. Comme nous l'avons fait sur la partie inférieure, j'ajoute des petites touches de couleur ici et là. Et ce que nous faisons vraiment ressortir les différents plis de cette zone par rapport à une autre dimension, sont les touches légèrement plus légères que nous ajouterons plus tard. Au final, même si nous travaillons sur une zone légèrement plus foncée et plus grisâtre, la méthode reste la même Nous avons toujours cette texture légèrement irrégulière, ces plis un peu plus foncés avec des éléments plus clairs à proximité pour les faire ressortir. Alors maintenant, je veux que mes plis soient plus prononcés pour mieux ressortir. Je les retravaille donc avec des éléments plus foncés, mais je ne veux pas qu'ils soient aussi forts que les précédents, c'est pourquoi j' essaie de les fondre un peu dans les couleurs environnantes Je trouve cela très intéressant de travailler sur du papier kraft car ce n'est pas un matériau lisse comme le verre ou le métal. Il a une texture tout à fait unique avec de nombreux petits plis et de petites irrégularités. Et toutes ces petites imperfections sont exactement ce qui rend votre peinture plus vivante et plus crédible Avec le papier kraft, l'objectif n'est clairement pas de créer quelque chose de parfait. Il s'agit de capturer l'esprit du papier, son matériau et son caractère naturel et légèrement rugueux. est aussi pour cela que j'ai choisi ce sujet car il nous permet de travailler sur différents matériaux tout au long ce cours complet de peinture de nature morte. Nous pouvons voir comment peindre beaucoup de choses sur le verre, le métal, poterie en travaillant sur les mensonges, la fleur et la pomme. Bref, nous explorons vraiment une grande variété de textures. Maintenant, avec ce papier kraft, nous découvrons à nouveau quelque chose de différent, et apprendre à peindre du papier kraft vous apprend également à peindre d'autres matériaux plus complexes par la suite. Si vous parvenez à suggérer le pli, la rugosité et les subtils changements de couleur, vous serez beaucoup plus à l' aise plus tard lorsque vous peindrez des tissus, du feuillage ou même certaines textures de peau si vous souhaitez passer à la peinture de portrait Ce travail que nous faisons sur le vase est vraiment un exercice qui demande de la patience. Je sais que nous avançons petit à petit, en observant beaucoup de choses, mais c'est précisément ce type de travail approfondi et détaillé qui permet de réaliser de réels progrès. Chaque pli que vous peignez, chaque petite transition que vous peaufinez est un pas de plus vers un résultat vraiment réaliste. Et c'est tout à fait normal que ça paraisse un peu long parfois. Mais c'est aussi dans des moments comme celui-ci que votre œil artistique se développe réellement. Vous ne vous contentez pas de remplir des couleurs. Vous observez, interprétez, interprétez et comprenez comment la lumière et la matière interagissent pour créer du volume. Et c'est vraiment une compétence vraiment précieuse pour l'ensemble de votre parcours autiste et pour toutes les peintures que vous créerez à l'avenir. Alors restez motivés, restez concentrés. Imaginez le moment où ce vase sera complètement terminé. Nous approchons maintenant de la fin, et c'est une belle récompense pour nos patients de le voir prendre vie lentement sous nos yeux et apparaître dans une dimension libre. Nous ne voulons pas lâcher prise à la fin d'un projet qui a été un peu long. La récompense finale est là, juste devant vous. Maintenant, pour cette partie supérieure du vase, c'est presque terminé. Je vais juste ajouter quelques touches finales, puis je vais également peindre une petite zone entre les cordes qui reste à faire Mais ça ne va pas être plus compliqué que le reste. Nous utiliserons exactement la même approche. Nous verrons donc comment procéder dans quelques secondes. Donc ici, je travaille exactement de la même manière. Mais la zone est plus fine, donc je dois être un peu plus précise et travailler avec un pinceau plus fin Mais en gros, c'est la même chose. Je ferai de même pour les petites pièces qui se trouvent en dessous. Ensuite, nous finaliserons le vase avec le travail sur les cordes Nous allons maintenant travailler sur la corde que vous pouvez voir autour du vase, et c'est vraiment quelque chose qui complétera notre travail. Ici, j'ajuste un peu ma couleur pour m'assurer d' avoir la bonne teinte, car quand je l'ai regardée à nouveau, j'ai senti qu'elle n'était pas tout à fait correcte. Je voulais quelque chose d'un peu moins jaunâtre et d'un peu plus neutre J'ai donc rééquilibré ma couleur orange en ajoutant du rouge et un peu de bois brûlé pour quelque chose de plus neutre, de plus brunâtre Et je vais aussi l' éclaircir un peu avec du blanc. Maintenant, je dirais que ma couleur est plutôt belle, et nous pouvons donc commencer à peindre la corde. Donc, pour cette corde, ce que je remarque, c'est que la base est assez légère. C'est donc ce que je vais appliquer en premier. J'utilise un pinceau assez fin et je peins toute la zone avec cette couleur pour commencer. Et ce n'est qu'ensuite que je travaillerai dessus avec des touches plus détaillées pour vraiment créer une texture de corde Mais pour l'instant, je ne fais qu' appliquer la couleur dominante, et de cette façon, nous aurons une bonne base pour construire. J'ai donc commencé ici, et je vais continuer sur l' ensemble de la corde et nous reviendrons une fois que la base sera appliquée partout pour finaliser et travailler sur la texture Ici, ma base est appliquée partout, et maintenant je vais travailler dessus un peu plus précisément. Ce que l'on peut voir sur cette corde, c'est qu'il y a plein de petites fibres qui s'étendent en diagonale avec une sorte de trajectoire légèrement incurvée Ce qui les rend visibles, c'est simplement qu'ils sont un peu plus foncés. C'est donc ce que je vais ajouter maintenant à l'aide ce pinceau assez fin, mon pinceau sabre, j'applique doucement de petites touches plus foncées, et s'il se chevauche légèrement sur la zone ci-dessus, ce n'est pas du tout un problème En fait, c'est une bonne chose car ce que nous pouvons remarquer à propos de cette corde, c'est qu'elle a une texture très irrégulière et qu'il y a beaucoup de petites fibres qui dépassent sur la partie supérieure. Et en les ajoutant, cela permet de recréer l'irrégularité que nous voyons dans la texture de la corde De plus, il y a de petits éléments qui se répercutent sur l'arrière-plan. Mais comme je n'ai pas encore peint le fond, je ne pourrai pas les ajouter pour le moment, ce qui est logique. Je vais donc devoir attendre que le fond soit peint, puis je pourrai les ajouter plus tard. Si je veux m'assurer d'avoir exactement la même couleur sans avoir à la remixer, une technique qui fonctionne et permet de ralentir le temps de séchage de la peinture pendant quelques jours consiste à mettre votre palette au réfrigérateur De cette façon, je peux littéralement garder ma couleur fraîche et la réutiliser quelques jours plus tard. Sinon, si nécessaire, je vais simplement remixer la couleur et l' appliquer en deuxième couche Mais si je l'applique en deuxième couche, je devrai utiliser mon second support, qui est plus riche en huile. Sinon, je risque d'avoir des fissures par la suite. Voilà, et maintenant je termine la corde en ajoutant ces petits éléments qui se superposent sur le vase. Je les observe donc rapidement puis j'essaie de les ajouter, et ce n'est pas un problème s'ils ne sont pas placés avec une précision midi. Voilà pour le travail sur la corde. Maintenant, je vais faire exactement la même chose sur le dessus et ce sera exactement le même processus sur la partie inférieure Je vais donc le faire hors caméra, puis nous nous retrouverons pour mélanger les couleurs des différentes fleurs et commencer à travailler dessus. Alors prenez votre temps, éloignez-vous, et je suis sûr que vous y arriverez sans problème. 11. Comment mélanger les couleurs pour les fleurs et les feuilles: Concentrons-nous donc sur les couleurs que nous allons mélanger pour les fleurs. Nous pouvons constater qu'il existe une grande variété de légumes verts pour les feuilles. Il va donc être intéressant de mélanger car le vert est toujours une couleur qui peut être un peu délicate à mélanger, nous allons donc voir comment l'obtenir. Et nous pouvons voir qu' il y a un vert clair vif et intense, non fluorescent, mais tout de même très vif. Nous devons donc trouver un moyen de le recréer. Nous remarquons également qu'il y a des verts beaucoup plus foncés. Dans certaines régions, ils se rapprochent même du noir. Et dans l'ensemble, nous avons beaucoup de légumes verts avec des valeurs différentes. Donc très sombres, certains très clairs et très vifs. Et, bien sûr, nous avons également des tonalités intermédiaires entre les deux. Nous devons donc créer cette variété blanche de vert pour probablement reproduire ces feuilles En ce qui concerne les roses et les fleurs, on peut également constater une certaine variété en termes de valeur Mais il est important de noter qu'il n'y a pas de rose extrêmement vif. Et en général, lorsque vous mélangez les couleurs des fleurs, ne sont pas des couleurs extrêmement saturées, en particulier pour les roses roses comme celle-ci. Ici, les roses devront être un peu adoucis. Il va falloir réduire légèrement leur intensité. Nous allons donc voir exactement comment procéder dès maintenant avec notre mélange de couleurs. Commençons par mélanger les couleurs des fleurs. Comme nous l' avons remarqué précédemment, nous visons des roses peu intenses Donc, ce que je fais, c'est commencer par ajouter une grande quantité de blanc parce que ce sont des fleurs très claires, et je crée ici un méton, qui ne sera pas très foncé Ce que j'ai également fait, c'est ajouter la couleur opposée du rouge, qui est le vert. De cette façon, je crée un rose, un rose moins saturé, un peu moins intense, parfait parce que je ne veux rien de trop vif. Et maintenant, nous avons une couleur intermédiaire qui convient à certaines zones des fleurs. Ensuite, je vais créer quelque chose d'encore plus léger. Encore une fois, je vais commencer par une base rose que je vais rendre moins intense en ajoutant du vert. Mais cette fois, j'ajoute une très grande quantité de blanc pour faire en sorte qu' il soit bien clair. Cela semble plutôt bon, et maintenant je vais créer un ton légèrement plus foncé. Et comme vous pouvez le deviner, je vais réduire la quantité de blanc par rapport aux autres couleurs. Mais je continuerai à ajouter la couleur opposée du rouge pour que le rose ne devienne trop flashy ou presque fluorescent C'est donc ce que je fais. Je mélange ce rouge avec cette couleur opposée, mais je trouve que ma couleur est plutôt bonne, mais je veux quelque chose d'un peu plus foncé. J'ai donc eu encore plus de ces couleurs libres, et petit à petit, grâce à de petits ajustements, je parviens à obtenir une couleur plutôt belle. Dans certaines zones, on peut même voir que la couleur est encore moins intense, légèrement brunâtre, plus neutre Je vais donc l' atténuer encore plus en ajoutant un peu plus de vert. Et ce que je vais aussi faire, c'est ajouter de l'ombre brûlée. L'ombre brûlée est une sorte de couleur magique lorsque vous voulez vraiment réduire l'intensité de la couleur et la rendre légèrement brunâtre et très neutre Et à partir de cette couleur de base que je suis en train de créer, je vais créer différentes nuances avec elle, en ajoutant des éléments plus foncés et en rendant d'autres un peu plus claires. Et maintenant je dirais que nous avons une bonne palette pour peindre les fleurs. Commençons par mélanger les légumes verts. Ce que je vais d'abord mélanger sur les légumes verts très légers et très intenses. Pour cela, je mélange une grande quantité de jaune avec un peu de bleu. Mais au début, j'ai ajouté beaucoup trop de bleu, donc je l'ai ajusté beaucoup trop de jaune, désolée. Je l'ai donc ajusté. Et petit à petit, on se rapproche d'une couleur vraiment intéressante qui sera parfaite pour peindre certaines zones avec un vert très intense. Je vais donc garder celui-ci. Et à partir de cette couleur, je vais créer une variation légèrement différente, un peu plus claire simplement en ajoutant un peu de blanc, car je ne veux pas qu'elle vire trop vers le jaune. C'est pourquoi je l'éclaircit uniquement avec du blanc. tous nos greens les plus clairs, je dirais que nous sommes bien placés. Je vais maintenant créer d'autres verts, mais des verts un peu plus équilibrés, qui ressemblent davantage à des tons moyens. Et pour cela, je mélange un peu plus de bleu avec ma couleur jaune. Mais j'ajoute quand même une grande quantité de jaune parce que si nous mettions des parts égales de bleu et de jaune, je me retrouverais avec quelque chose de bien trop bleu. Et vous avez peut-être remarqué que je retire un peu de peinture de mon mélange, et c'est parce que j' utilisais un vieux tube jaune. Il était presque vide et parfois on y trouve des morceaux desséchés. Faites donc attention à cela, car sinon vous risquez de vous retrouver avec des morceaux que vous ne voulez vraiment pas voir dans votre peinture Maintenant, je crée quelque chose encore plus sombre pour les zones extrêmement sombres. Et comme vous l'avez vu, j' ai ajouté du bois brûlé car cela permet d'assombrir encore plus la couleur sans trop la pousser vers le bleu Maintenant, je vais créer quelque chose d'un peu plus léger, quelque chose d'un peu plus intermédiaire. Mais quand je le mélange, je remarque qu'il devient un peu trop bleu, alors je l'équilibre avec plus de jaune, et je l'éclaircit également avec un peu de blanc Et avec toutes ces couleurs sur la palette, je dirais que nous avons une base très solide pour peindre les fleurs et les feuilles. Si nécessaire, nous nous adapterons en cours de route pendant la peinture. Mais dans l'ensemble, nous sommes bien placés. Je vais juste créer la dernière couleur partir de celle-ci en y ajoutant du blanc, puis nous serons prêts à commencer. 12. Peindre les fleurs étape par étape: Commençons donc et travaillons sur la fleur avec ce premier pétale sur la droite Donc, dans un premier temps, j'applique cette couleur très claire ici parce que nous pouvons voir que cette zone est très claire. Et donc, je pense que cette couleur et même celle qui est encore plus claire conviennent le mieux à cette zone. Et au fur et à mesure que nous descendons, nous pouvons constater que cette zone devient un peu plus sombre. Je suis donc en train d'ajuster ma couleur. Mais ce que je réalise, c'est que l'écart entre ma couleur claire et cette couleur foncée est trop grand, et je dois donc créer une couleur intermédiaire. C'est donc ce que je suis en train de créer en ce moment. De la même manière que je l'ai fait avant, sauf que j'ajuste la proportion du blanc pour obtenir quelque chose entre ces deux couleurs. Et maintenant, nous sommes presque bons. Je trouve que la couleur semble meilleure et plus intermédiaire. Et je vais l'appliquer dans cette zone pour m'assurer d' avoir une meilleure transition entre ces deux couleurs roses différentes. Donc ça a l'air plutôt bien. D'accord. Et au fur et à mesure que je descends, je pense que je peux obtenir quelque chose d' encore plus sombre dans cette région. Et lorsque j'applique ma couleur, je m'assure de bien l'étirer et de faire en sorte que ces couleurs se mélangent très doucement pour faire une belle transition d' une couleur à l'autre. Ensuite, avec un dernier pinceau. Je vais travailler un peu plus en détail. Et ce que je réalise, c'est que j'ai besoin de quelque chose d'un peu plus brun pour certaines zones. J'ajuste donc ma couleur et y ajoute un peu plus d'ombre brûlée. Ensuite, je pourrai ajouter ces petits détails sur la zone. Et donc, ces détails ne sont pas très compliqués. Il y a juste quelques petits endroits ici et là avec quelque chose d'un peu plus sombre. Et cela serait largement suffisant pour créer quelque chose de réaliste. Vous verrez que je ne vais pas passer beaucoup de temps à faire quelque chose de grand dans ce domaine. Je vais passer à la fleur suivante. Pour l'instant, comme seule une partie d' un pétale a été peinte et qu'il y a tellement de fleurs, de feuilles et pétales dans ce bouquet dans cette composition, il est tout à fait normal que vous mal à savoir exactement où je suis En fait, je travaille sur la grande fleur que vous pouvez voir sur la droite, et en ce moment je suis à l'extrême droite de la fleur en haut. J'espère que cela vous aidera à vous orienter un peu. Alors voilà, avec ce nouveau pétale, je commence calmement à fixer mes couleurs À ce stade, le but n'est pas de rechercher la perfection, mais bien d'essayer de capturer, disons, l'esprit des fleurs, de ressentir leur légèreté et leur mouvement. Je prends donc mon temps, et c'est vraiment en avançant petit à petit, que je commence à construire un tableau vivant pour mes fleurs. Et avant d'entrer dans les détails de la fleur, et cela vaut pour chaque pétale et chaque fleur que je peins, j'essaie d'observer la fleur dans son ensemble Je me demande où sont les grandes zones de couleur ? Quelles sont les principales masses ? Et ce n'est pas grave si au début, certaines parties restent un peu floues. Nous commençons par construire les grandes formes d'abord, et ce n'est qu'ensuite que nous revenons et les affinons un peu Bien qu'il s'agisse ici de fleurs relativement petites, nous n'avons pas nécessairement besoin d'ajouter énormément de détails pour leur donner une belle texture et une impression de réalisme. Maintenant, je vais me réajuster pour ajuster un peu ma teneur en farine parce que je pensais qu'elle n'était pas assez brillante à certains endroits Il avait besoin de se démarquer davantage , c'est pourquoi j'ai ajouté quelques touches de blanc modernes comme celle-ci. Je passe maintenant à la fleur juste en dessous. Vous avez peut-être remarqué que j'avais déjà commencé un petit peu. Ce que j'ai remarqué avec cette fleur, c'est qu'elle a des touches légèrement rosées, légèrement plus rougeâtres, mais dans une couleur un peu plus intense que celle que nous avions mélangée C'est pourquoi je le retravaille, et je n'hésite pas à ajuster mes couleurs au fur et à mesure, en y apportant quelques modifications car c'est ce que j'observe sur ma photo de référence Vous ne devriez pas l'aborder en vous disant : « D'accord, j'ai d'abord mélangé mes couleurs. Ils sont parfaits, et je peux tout peindre avec eux. Habituellement, lorsque je mélange mes couleurs au début, c'est juste pour créer une petite base que je vais utiliser pour peindre le reste de ma pièce. Mais je ne les considère en aucun cas comme mes couleurs finales. Très souvent, des ajustements sont nécessaires, et c'est exactement le cas ici, puisque j'ai ajouté mix cette couleur plus intense auparavant, car elle ne représente qu' une très petite partie de la composition florale. Alors maintenant, vous pouvez voir que j' ajoute quelques touches de couleur comme celle-ci, qui ressortent bien et contribuent à rendre cette fleur encore plus crédible Il est donc très courant que pendant que je peins une œuvre, je finisse par ajouter du dessin à mon travail au fur et à mesure. Au début, j'ai l'habitude d'esquisser les éléments de base, les grandes lignes. Mais parfois, lorsque je commence à peindre certaines zones, je me rends compte que si je n' ai pas encore quelques marques de crayon, cela pourrait devenir un peu compliqué pour moi de les peindre correctement. Il vaut donc mieux que je redessine légèrement certaines parties. Sinon, je risque de me perdre et de ne pas savoir exactement où placer mes couleurs. Très souvent, je crée une première esquisse très approximative, puis je n'ai eu que de petits éléments pour me guider pendant que je peins. Surtout parce que quand je commence à peindre, quand je suis en train de dessiner, j'ai toujours une sorte d'impatience. Je veux passer rapidement à autre chose pour commencer à peindre tout de suite et voir le résultat final prendre forme le plus rapidement possible. La phase de dessin est donc quelque chose que j'ai tendance à me précipiter un peu juste pour pouvoir saisir mes pinceaux plus rapidement et commencer à appliquer la peinture. Et vous remarquerez que créer impression de volume entre les pétales, donner l' impression qu'un pétale est plus en avant qu'un autre, ou qu'un pétale est un peu plus volumineux, ou simplement pour montrer qu'il y a plusieurs pétales les uns à côté des autres, créant ainsi une certaine profondeur, c'est un peu comme le travail que nous avons fait sur le papier kraft C'est la combinaison d'éléments sombres et éléments clairs qui nous permet de créer une impression de volume de relief. Par exemple, sur le pétale, vous pouvez voir dans la partie inférieure, celle qui se trouve tout près du papier kraft, qu'il y a un petit pétale, un très petit pétale très clair, et au-dessus, il y a des coups de pinceau beaucoup plus foncés, et c'est et au-dessus, il y a des coups de pinceau beaucoup plus foncés, cette différence de valeur entre les deux qui aide le spectateur à comprendre qu' il y a un écart entre ces deux pétales qu'il s'agit de pétales séparés et qu' un véritable volume est créé dans cette zone. Parfois, lorsque vous avez des pétales comme ceux que je peins en ce moment qui sont un peu délicats car il y a beaucoup de petites zones de couleurs différentes, etc., il peut être judicieux de commencer par marquer les éléments les plus sombres en premier, surtout lorsque vous travaillez sur quelque chose de clair, comme dans ce cas, car les éléments sombres ressortent beaucoup plus les appliquant d'abord, vous obtenez des points de référence, ce qui signifie que vous pouvez facilement les placer et les identifier. Il devient donc plus facile par la suite de peindre entre ces points, par la suite de peindre entre car vous savez que votre couleur de base sera déjà assez bien positionnée dans la zone Bien entendu, cela ne signifie pas que le travail est terminé. Vous devez encore ajouter plus de détails pour rendre la pédale crédible Mais au moins, vous savez que votre base est bien structurée, et qu'il est plus facile de l'affiner par la suite en travaillant de cette façon En tout cas, c'est une astuce que j'aime beaucoup et que j'utilise pour n'importe quel sujet. Chaque fois que je suis confronté à une situation où quelque chose est un peu difficile à peindre. Par exemple, si je peins la mer dans un paysage et qu'il est toujours un peu difficile de peindre des vagues, j'essaierai de repérer zones plus petites où l'eau est plus foncée. Il m'est ainsi plus facile de peindre et de placer mes autres éléments autour ces points plus sombres qui servent de points de référence. Il devient immédiatement beaucoup plus facile de localiser d'autres groupes de couleurs. C'est donc certainement une technique utile. Et avec Tell Life Painting, cela fonctionne tout aussi bien. En fait, c'est à peu près ce que nous avons fait en travaillant sur le papier kraft. Nous avions des zones plus sombres ici et là, puis nous avons peint autour d'elles, sachant que les zones les plus sombres étaient correctement placées et pouvaient servir de guides. Un autre conseil utile lorsque vous peignez de tels éléments, comme des fleurs présentant de nombreuses couleurs similaires et dont les valeurs sont assez proches, et dont les valeurs sont assez proches, est que si vous ne voulez pas nécessairement recharger votre pinceau et changer de couleur, mais que vous voulez quelque chose d'un peu plus foncé ou plus clair, simple fait de varier la pression sur votre pinceau peut vous aider Si j'appuie plus fort avec mon pinceau, lorsque je peins sur une zone et que je veux ajouter un détail plus foncé, en appliquant plus de pression, je pourrai peindre dessus et obtenir un résultat assez foncé. Bien sûr, cela dépend de la couleur que j'utilise, mais si j'utilise la même couleur et que je peins sur une zone, tout en appliquant moins de pression, je vais obtenir quelque chose d'un peu plus clair. Et parfois, c'est très pratique au lieu d' avoir à recharger le pinceau avec une couleur différente à chaque fois, ce qui peut interrompre le flux de peinture Le simple fait de régler la pression de votre pinceau cette manière vous permet d'ajuster la valeur que vous appliquez. Je crois que je l'ai déjà montré dans le cours de base, mais c'est certainement très difficile et personnellement, cela m'aide beaucoup, et je fais quelque chose comme ça tout le temps Je vais vous laisser prendre quelques instants pour peindre doucement ces petites parties des fleurs ici et celles de droite, avant de passer à la grande sur la gauche, d' observer vos coups de pinceau, de nous observer vos coups de pinceau, amuser avec la couleur et, surtout, de profiter du processus de peinture de ces magnifiques fleurs. L'approche est exactement la même que ce que nous avons fait jusqu'à présent, alors prenez votre temps, amusez-vous bien, et nous nous retrouverons ici dans quelques instants pour travailler sur cette magnifique fleur que nous avons sur la gauche. M maintenant Passons maintenant à cette fleur sur la gauche. Vous pouvez remarquer que sur ce pétale en haut, nous avons une couleur assez intense, plutôt rose, mais ce n'est pas comme les autres pétales que nous avons peints plus tôt Où la couleur était un peu plus désaturée. Ici, le rose est plus intense, et vous pouvez également le voir dans les éléments plus foncés, qui penchent un peu plus vers le rouge. Je les travaille donc doucement avec mon petit pinceau comme celui-ci. Remarquez sans doute, et c'est vrai que je ne l'ai pas mentionné plus tôt, mais quand je peins une fleur, j'aime beaucoup travailler pétale par pétale car sinon, si j'essaie de travailler sur la fleur entière en une seule fois, c'est-à-dire en appliquant toute la couleur de base toute la fleur, je crains de me perdre un peu Et après tout, si je dessine la fleur au crayon au début, c'est justement pour avoir un point de référence, pour savoir où chaque essence est placée et donc où doit aller chaque couleur. Et je crains que si je travaille sur l'ensemble de la fleur en une seule fois, je finisse par devenir trop grande avec une trop grande surface à gérer. Et plus tard, lorsque viendra le temps de travailler sur les petits détails de la fleur, je ne pourrai pas les placer précisément et je n'obtiendrai pas la fleur que je recherchais. De plus, lorsque vous travaillez pétale par pétale, vous pouvez vraiment voir la fleur prendre vie sous vos yeux beaucoup plus rapidement Quand je termine complètement un pétale, cela me donne une certaine satisfaction, et cela me motive encore plus à peindre le pétale suivant, car je sais qu'une fois de plus, je pourrai travailler avec soin dessus et qu' il reprendra vie également Et à chaque nouveau pétale de finition, je me rapproche de plus en plus d' un résultat final réaliste Et c'est une autre raison pour laquelle j'aime travailler pétale par pétale lorsque je peins une fleur Si c'est l'une des premières fois que vous peignez fleur ou si vous avez déjà un peu plus d'expérience, peut-être que votre fleur paraîtra étrange ou maladroite au début, mais c'est comme si vous appreniez à écrire. Avec de l'entraînement, votre main deviendra plus stable, vous serez plus aiguisé et vous obtiendrez de meilleurs résultats Et si vous faites des erreurs avec une couleur ou une forme vous devez vraiment vous rappeler que ce n'est jamais un échec. C'est vraiment une opportunité d' apprendre car bien souvent, c'est en corrigeant ce que l'on fait le plus de progrès Et quelques jours, voire quelques semaines après avoir terminé cette œuvre, vous pourrez prendre du recul, l' observer tout en la comparant à votre référence, et vous demander : « D'accord, en regardant ce tableau que j'ai fait, qu'est-ce qui ne fonctionne pas ? Qu'est-ce que je pourrais améliorer ? Et c'est le genre d'état d'esprit que vous devriez avoir lorsque vous regardez des peintures, vous pourriez avoir l'impression échoué parce que ce ne sont pas vraiment des échecs. Ils font simplement partie de votre processus d'apprentissage et de vos premiers travaux. Il est important d'avoir un point de vue aimable et constructif à leur égard, et de chercher à les améliorer. Cet état d'esprit vous aidera vraiment à aller de l'avant car en analysant les erreurs que vous avez commises, vous saurez ce qu'il ne faut pas répéter la prochaine fois. Vous saurez exactement quel point vous devez améliorer. Et chaque fois que vous prenez le recul nécessaire et que vous vous dites Très bien, j'ai créé cette pièce Il y a certaines parties que j'ai vraiment bien faites. Et maintenant, si je regarde d'un peu plus près, je me rends compte que cette partie n'est pas tout à fait correcte. Ensuite, pour votre prochain tableau, vous saurez que c'est sur ce point que vous aurez envie de travailler. Avoir cette attitude à l'égard votre erreur vous aidera vraiment à faire de réels progrès. Nous sommes presque arrivés à la fin de ce travail sur les fleurs, et honnêtement, continuer ainsi est vraiment génial. Si vous peignez toujours ici avec moi, cela signifie que vous avez déjà travaillé pendant 15 à 20 minutes sur ces fleurs. C'est une tâche assez méticuleuse. Alors, sincèrement, félicitations à vous. C'est exactement ainsi que vous acquérez de véritables compétences artistiques, non seulement en observant ce que je fais, mais aussi en pratiquant, persévérant et en vous entraînant Chaque coup de pinceau que vous faites vous rend meilleur. Soyez vraiment conscient de cela. Plus tu t'entraînes, plus tu t'amélioreras. Je vais maintenant continuer à travailler un peu avec la caméra pour le reste de la fleur, car le processus est à peu près le même pour les quelques pétales qu'il nous reste encore à peindre dans cette zone. Alors continuez. Restez au même rythme, et nous retrouverons des renforts par la suite pour travailler sur quelques derniers pétales un peu différents et que je voulais aborder avec vous Continuez donc à votre propre rythme. Je suis sûr que vous vous en sortirez très bien, car si vous êtes toujours là à peindre et à regarder la vidéo, cela signifie que vous êtes définitivement sur la bonne voie. N'hésitez donc pas à poster la vidéo et nous nous retrouverons dans quelques instants pour ces derniers pétales légèrement différents. Comme vous pouvez le constater, j'ai fait beaucoup de progrès dans ce domaine. Il ne reste plus que quelques pétales à peindre. Et celles sur la partie inférieure de ces fleurs, vous pouvez voir qu'elles sont un peu plus foncées. Mais si vous regardez attentivement la photo, vous pouvez voir que les couleurs de la peinture sont un peu plus grisâtres, un peu plus neutres, mais j'ai décidé de ne pas les peindre avec quelque chose d' aussi neutre que sur la photo Je voulais quand même qu'elles soient assez éclatantes, un peu plus, moins que ce qu'elles sont et que la photo car je trouve qu' elles ont l'air un peu tristes avec ces couleurs. Je sais donc que je fais quelque chose qui va un peu à l'encontre de ce que je vous dis parfois pour vraiment regarder votre couleur et peindre ce que vous voyez. Mais parfois, vous pouvez avoir un peu de liberté et de liberté avec la peinture, et c'est ce qui est génial. Lorsque vous n'aimez pas quelque chose sur votre référence ou sur votre modèle, vous pouvez certainement le modifier pour obtenir quelque chose qui correspond à ce que vous voulez, notamment au niveau de la couleur. seule condition, à mon avis, est de continuer à travailler de la même manière sur l'ombre et d'obtenir quelque chose de plus en volume et quelque chose de réaliste. sera donc joli avec ce travail sur les fleurs, il ne reste que quelques unes à peindre, puis nous serons prêts à passer à la prochaine grande surface, celle des feuilles. Y. 13. Peindre les feuilles naturellement naturally: Commençons à travailler sur les feuilles. C'est une grande tâche qui nous attend. Nous avons une plus grande surface à peindre et de nombreux éléments sur lesquels travailler. Nous verrons donc comment aborder certaines d'entre elles, et une partie du processus sera réalisée hors caméra, car ce sera à peu près la même chose pour toutes les feuilles. Je commence donc par cette feuille en haut, et comme vous pouvez le voir, je commence par peindre le long du bord qui touche la fleur. De cette façon, je sécurise un peu la zone, ce qui signifie qu'au moins je sais que lorsque j'appliquerai mes couleurs sur le reste, il y aura très peu de chance que la couleur touche le bord de la fleur. Si nous regardons attentivement cette feuille, nous pouvons constater que nous n' aurons pas la même valeur partout. Il y aura des zones plus sombres et plus claires, et c'est exactement ce sur quoi je travaille au bord de ma feuille, la partie qui touche la fleur. Nous avons remarqué que le bord était légèrement plus foncé, alors que nous nous déplaçons vers la gauche, nous obtenons des éléments plus clairs. Je ne m'arrêterai donc pas là non plus. Je vais essayer de travailler un peu sur la texture de la feuille. Cette texture est obtenue simplement en ajoutant des touches plus foncées et des touches plus claires. Et dans l'ensemble, c'est tout. Je n'ai pas besoin d'une précision extrême pour ajouter ces éléments. Nous sommes en train de peindre une feuille. il s'agit d'un élément naturel, nous n'avons pas besoin d' autant de précision que lorsque nous travaillons sur l'œil d'une personne. C'est donc tout pour cette première partie à gauche, et nous allons passer à cette tige que nous voyons ici à côté. Je vais donc commencer par le peindre avec quelque chose d'assez sombre. Mais au fur et à mesure que je me dirige vers le haut, je vais éclaircir un peu la couleur car on voit que le vert ne sera pas le même partout. Et c'est une erreur que certains commettent. Ils pensent que puisqu'il fait partie du même élément, la tige, ils devraient tout peindre avec le même vert, mais ce n'est pas le cas. Nous pouvons voir que nous avons des valeurs différentes, nous devons donc être attentifs et observer les petits changements en vert, car ils sont vraiment importants pour nos éléments soient réalistes. Malheureusement, j'ai eu un petit problème d'enregistrement et je n'ai pas pu capturer cette partie, comme vous pouvez le constater. Donc, sur ma tige, j'ai ajouté marques beaucoup plus claires vers le haut. Et sur ce type de feuille, vous pouvez clairement voir que nous avons deux verts très différents. Dans ces verts, j'ai travaillé sur la texture en ajoutant de petits points avec des valeurs différentes et des éléments plus clairs. Et cela me permet de créer une feuille assez réaliste dans cette zone. Et c'est vraiment en travaillant avec les différentes valeurs liées à la lumière et à l'ombre que nous parvenons à quelque chose de réaliste. Ce ne sont pas tant les détails que nous avions, bien sûr. Bien entendu, les petits détails et touches ici et là contribuent grandement à lui donner un aspect réaliste. Mais en réalité, cela commence principalement par l'ajout des bonnes proportions dans le dessin. C'est pourquoi il est si important d' utiliser une grille ou un projecteur, ce qui vous permet de démarrer avec une base très solide. Dans le cas contraire, cela devient très compliqué. Alors c'est vraiment l'application correcte des couleurs qui permet d' obtenir quelque chose d'excellent. Les détails que vous avez obtenus par la suite ne sont qu'une petite cerise sur le gâteau qui permet de terminer parfaitement le travail Mais d'abord, de bonnes proportions et deuxièmement, de bonnes couleurs. Je suis donc en train de finaliser le domaine. Comme vous pouvez le constater, sur la partie supérieure, j'ai ajouté une touche verte plus claire et jaune. Et sur la feuille elle-même, il y avait des éléments plus foncés qui tendaient un peu plus vers l'extérieur, ce que j'ai pu obtenir. Je peux maintenant passer à la peinture de cette feuille, et je commence par appliquer une couleur de base. Mais encore une fois, pendant ce congé, nous n'aurons pas les mêmes greens partout. Il est très important de commencer à développer cet œil de peintre, qui vous aidera à détecter dans vie de tous les jours ces petits changements de couleur subtils. Et l'œil de peintre dont je parlais n'est vraiment pas important. Il s'agit simplement d' apprendre au quotidien à observer les choses différemment. Par exemple, sur les objets qui vous entourent, demandez-vous sur cet objet où se trouvent les zones les plus claires, les plus sombres, les zones les plus intermédiaires en termes de couleur Et quand il s'agit de ces couleurs, comment pourrais-je les identifier ? Si je devais mélanger cette couleur, pencherait-elle davantage vers quelle couleur jaune, vert ? Et cetera. Et le simple fait de faire cet exercice tous les jours vous aidera énormément plus tard Que vous deviez mélanger les couleurs de votre palette ou simplement reconnaître certaines nuances dans différentes zones avant de les mélanger. Cela deviendra beaucoup plus facile grâce à cette habitude que vous avez pratiquée de nombreuses fois dans la vie quotidienne, et cela ne prendra pas longtemps. Il s'agit simplement d'être trop attentif lorsque vous êtes dans la voiture, prendre le tramway ou faire une pause au travail ou à l'école, observer simplement ce qui vous entoure et de commencer à voir les choses d'un œil différent, vous verrez que cela fait une énorme différence. Je sais que lorsque j'ai commencé à faire, cela m'a beaucoup aidée. Je me dis parfois  : « Hé, ce matin, si je le regarde vraiment, quelle couleur est le ciel, en fait ? Le ciel que j'ai toujours considéré comme bleu depuis mon enfance, je me rends compte qu'il n'est pas simplement bleu. Bien sûr, ils sont d'un bleu azur vif, mais il y en a aussi un peu de gris ou de bleu, et dans certaines régions, le ciel devient plus clair. Et ces nuages que j'avais toujours l'habitude de représenter en blanc pur sur mon papier, vous vous rendez compte qu'il y a en fait très peu de blanc pur. Ce sont toutes ces petites touches de gris qui contribuent à créer le volume. Et vous pouvez le faire littéralement n'importe où. C'est ce qui est génial. Vous pouvez continuer à vous améliorer sans même peindre en passant quelques minutes par jour à observer la vie quotidienne. J'ai donc beaucoup parlé, mais en même temps, je progresse car les commentaires que je vous fais sont enregistrés fois la séance de peinture terminée. Je continue donc à progresser dans ma peinture. C'est donc tout pour parler. Et maintenant, recentrons-nous sur le tableau. J'ai bien progressé sur ces petites feuilles. Ils sont assez colorés, comme vous pouvez le constater, mais vous pouvez clairement voir qu'il n'y a pas qu'une seule couleur. Il y en a bien sûr plusieurs. Vous pouvez voir des valeurs plus sombres, d'autres plus claires et des éléments moins intenses et plus désaturés moins intenses et plus désaturés Et je peux obtenir cet effet en ajoutant un peu de blanc lorsque je remarque que le vert prend un aspect légèrement blanchâtre, alors j'ajoute ces petites touches Et dans l'ensemble, c'est assez joli. Pour ces feuilles, il n'est pas nécessaire d'ajouter des milliers de détails, quelques couleurs bien placées et quelques petites touches, et vous pouvez obtenir des feuilles qui semblent assez réalistes dans la composition globale. Nous allons maintenant travailler sur cette tige de gauche. Comme vous pouvez le constater, j'ai légèrement modifié mon dessin. J'ajoute quelques éléments pour faciliter les choses. C'est quelque chose que je fais très souvent. J'aime commencer par un dessin de base qui n'est pas trop détaillé, et au fur et à mesure que je progresse, j'ai trouvé des détails utiles pour m'aider à créer quelque chose de plus réaliste et à simplifier mon travail lorsque je quelque chose de plus réaliste et peins. Je commence donc par appliquer une base de ce vert clair partout, et je le fais sur la tige et aussi sur ces petits éléments que vous pouvez voir sur la gauche. Je vais donc le faire pour chaque élément. Et une fois que ce sera fait, nous nous retrouverons pour travailler sur les détails. Et maintenant, comme vous pouvez le constater, tous les éléments ont été ajoutés, alors n'hésitez pas à mettre la vidéo en pause si vous avez besoin d'un moment pour faire de même. Et sur ma palette, j' ai mélangé quelques couleurs pour obtenir une teinte légèrement plus foncée. Et je commence par ajouter quelques touches plus sombres à ma tige. Cela m'aidera à créer quelque chose plus réaliste et avec plus de volume. Ensuite, ce qui aidera beaucoup, c'est d'ajouter ces petits points forts qui contribuent également à le rendre plus réaliste. Encore une fois, c'est la combinaison de trois tons différents, les tons clairs, moyens et foncés, qui donne un objet un aspect réaliste et tridimensionnel. De plus, l'ajout de l'arrière-plan derrière les éléments aidera beaucoup à rendre le tout encore plus réaliste. À ce stade, il s'agit d'une tâche qui demande une certaine précision. Et pour ajouter ces petits détails et reflets, je travaille avec un pinceau assez fin. À certains endroits, si je veux un surlignage très vif, j'applique la couleur en utilisant simplement le bout du pinceau. Si au contraire, je veux quelque chose de plus clair mais pas trop intense, je peux appliquer la couleur et m' assurer qu'elle se mélange bien. Et en ce qui concerne les éléments latéraux, je remarque également qu'il faut ajouter des touches plus sombres Je vais donc les placer. Et petit à petit, mon travail devient plus réaliste et plus convaincant. Et maintenant, je suis vraiment dans la phase finale de mon travail. J'observe attentivement et je me demande s'il y a des petites touches à ajouter ici et là. Je regarde donc de près pour me demander si tous mes domaines sont bien travaillés et équilibrés. Une fois cela fait, nous serons prêts à passer à l'étape suivante. Passons maintenant à la zone située à côté de la tige. C'est une zone qui peut sembler intimidante et difficile car elle est assez désordonnée Il y a de nombreux éléments différents proches les uns des autres et de nombreuses feuilles qui se chevauchent Comme d'habitude, lorsque je fais face un domaine comme celui-ci qui me semble un peu délicat, je commence par travailler sur les éléments les plus simples, les plus évidents et les plus visibles. Dans ce cas, ce qui semble le plus facile à identifier et distinguer dans cette feuille un peu plus foncée que nous pouvons voir ici, c'est bien cette feuille foncée. Je commence donc par le peindre, me disant qu'une fois cette feuille foncée terminée, il sera beaucoup plus facile de travailler sur les zones environnantes. fait de peindre cette feuille me donne un point de référence, et je pourrai comparer l'emplacement des futurs objets, enfin , des futures feuilles avec elle Et pour cette feuille noire, je dirais que je suis douée. Maintenant, ce que je pense, c'est que juste à côté de la feuille légèrement plus foncée, on peut clairement voir des éléments plus clairs, et je vais les appliquer ici en ajoutant une petite touche de couleur plus claire. Ainsi, une fois que j'aurai placé ces touches plus légères, il sera plus facile de positionner les autres éléments à proximité. Et petit à petit, nous nous rendons compte que nous sommes capables de créer des éléments qui semblent difficiles à placer au premier abord. Mais une fois que vous en avez positionné un, vous pouvez en placer un autre à côté, puis un autre, et ainsi de suite jusqu'à ce que vous vous rendiez compte que vous avez placé tous les éléments et que la zone est complète. J'ajoute quelques petits détails, un dernier dans cette zone, et je vais peindre ce petit cercle que nous pouvons voir sur le côté gauche. Cela peut sembler un peu intimidant au début. C'est une forme un peu complexe, mais en réalité, elle est assez simple à peindre. Ce que je vais faire pour ce genre de cercle, c'est appliquer une couleur de base, qui semble être le ton dominant. Ensuite, j'ajouterai quelques touches plus légères et quelques touches légèrement plus foncées. Et dans l'ensemble, c'est vraiment ça. C'est à peu près tout ce qu'il y a à faire pour cela. Enfin, ce qui aidera vraiment à le finaliser et à bien définir sa forme, ce sera la peinture de fond que je ferai par la suite Mais dans l'ensemble, il n'y a rien de plus compliqué. Cette histoire de cercle n'est pas aussi délicate qu'il n'y paraît. Je commence donc cette nouvelle zone, qui peut également sembler un peu confuse car, encore une fois, il y aura beaucoup de feuilles qui se chevaucheront et se superposeront Il peut être difficile de s'orienter dans ce genre de domaine. Et n'oubliez pas, souvent, lorsque je vois que je me trouve face à une zone comme celle-ci, qui est un peu complexe. Je vous ai dit que j' aime généralement commencer par les éléments les plus sombres, car sont souvent eux qui ressortent le plus. Mais ici, dans ce domaine, je trouve que c'est le contraire. Nous avons affaire à un domaine qui est un peu sombre dans l'ensemble. plupart des feuilles sont assez foncées ou ont un vert assez moyen. Je fais donc le contraire. Ici, j'ai l'impression que ce sont les éléments les plus légers qui ressortiront le mieux dans cette zone de feuillage. C'est donc par cela que je commence. Une fois qu'ils seront en place, je pense qu'il sera plus facile de travailler sur les autres éléments que l'on peut voir parmi ces feuilles. Alors c'est tout. À chaque fois, je m'adapte et je me demande ce qui me semble le plus évident dans ce domaine en particulier. Et là, j'ai senti que c'étaient les feuilles plus claires. Donc ici, même s'il s'agit d'une petite zone avec les feuilles, cela demande tout de même une bonne dose de précision. Mais encore une fois, j' essaie de bien étirer ma peinture car si je me retrouve avec zones où la peinture est trop épaisse, ce sera compliqué plus tard lorsque je devrai ajouter des petits détails et d'autres couleurs pour créer du volume. N'oubliez donc pas, et c'est quelque chose que vous devez toujours garder à l'esprit, quelle que soit la zone sur laquelle vous travaillez, qu'elle soit grande ou petite, avec un pinceau plat ou un pinceau brun fin, vous devez toujours étirer correctement votre peinture afin pouvoir facilement ajouter d'autres éléments par la suite. Maintenant que j'ai déposé la plupart de ces verts clairs, je pense que je peux terminer ces feuilles et éléments légèrement plus foncés sur le dessus pour peaufiner leurs détails. De cette façon, j'aurai terminé certains éléments, et je pourrai ensuite passer aux autres. Souvent, lorsqu'on peint un feuillage, que ce soit d'après nature ou d'après une photo, et plus encore d'après une photo, on peut voir une quantité impressionnante de détails, et il est tout à fait normal de ne pas vouloir tout reproduire. Et vous n'avez pas vraiment besoin de recréer chaque petit détail, surtout pas avec une précision millimétrique Ce qui compte vraiment, c'est de travailler sur les valeurs et de parvenir à une certaine harmonie globale. Il suffit de placer les feuilles aux bons endroits et d'appliquer les bonnes valeurs pour créer une impression très harmonieuse. Et au final, ces feuilles ne sont pas les éléments principaux de votre tableau. En fait, le but du feuillage est de créer un sentiment d'harmonie autour de l'élément clé simplement en ayant air crédible . Pour obtenir cette crédibilité, il faut choisir les bonnes couleurs et les placer En fin de compte, les gens examinent votre travail à distance, de sorte qu'ils ne se concentreront pas trop sur les très petits détails du feuillage. Et surtout, lorsque quelqu'un regarde ce tableau, ce qui attirera vraiment son attention d'abord le vase , puis les fleurs. Les feuilles sont principalement là pour prendre de belles couleurs et pour lier le tout harmonieusement. Donc, sur ces feuilles, j'ai commencé par appliquer quelque chose d'assez clair, d' assez intense, puis j'ai ajouté des éléments plus foncés. Mais vous pouvez voir que sur certaines feuilles, il y aura également des zones légèrement plus claires, et c'est ce qui contribuera à créer de la profondeur. Et n'oubliez pas que lorsque nous ombrageons quelque chose, nous utilisons souvent trois tons, une valeur claire, une tonalité moyenne et une valeur foncée. Et c'est généralement ce qui nous permet de créer du volume dans les zones que nous peignons. Et maintenant que ces feuilles sont finies, je peux commencer à peindre entre elles, en ajoutant des éléments un peu plus foncés. Il m'est tout de suite beaucoup plus facile m'y retrouver et de peindre les éléments correctement en utilisant les bons greens bons endroits, car il est vrai que si vous ne placez pas les greens correctement, les choses peuvent rapidement commencer à mal tourner. Même si nous ne faisons que peindre feuilles et ajouter du vert, si nous ne plaçons pas les éléments correctement, nous risquons de ne pas obtenir les bons tons ou la bonne valeur de contraste entre les différentes zones, ce qui empêcherait le relief et la profondeur d'apparaître. Ainsi, lorsque vous êtes confronté à une grosse masse de feuilles comme celle que nous avons ici, il est très facile de se perdre car il y en a qui partent dans toutes les directions. La stratégie que j'utilise, comme vous l'avez vu, consiste à essayer de sélectionner les éléments qui se démarquent plus que les autres. Au début , vous pouvez également créer un dessin très détaillé en ajoutant un peu d'ombrage au crayon Ainsi, lorsque vous commencez à peindre dessus, vous pouvez facilement trouver votre chemin. Vous savez que là où vous avez fait de l'ombrage plus foncé, vous aurez des feuilles plus foncées, par exemple D'une certaine manière, c'est comme créer deux œuvres d'art en une. Tout d'abord, le dessin détaillé avec des ombres réalistes , puis la peinture sur le dessus Cette approche peut vraiment aider, mais elle prend également beaucoup de temps. Personnellement, j'aime être efficace lorsque je peins et éviter passer trop de temps sur des éléments que je trouve un peu secondaires. Comme je me débrouille très bien en partant des éléments les plus évidents et en les utilisant comme points de repère pour construire le reste, je ne ressens pas le besoin de faire un dessin préliminaire aussi détaillé. Mais encore une fois, si c'est une approche que vous préférez, n'hésitez pas à faire ce qui vous convient le mieux. Je donne de nombreux conseils et propose différentes techniques, mais cela ne signifie pas nécessairement que ma méthode est la meilleure ou la plus adaptée pour vous Prenez ce qui vous parle dans les conseils que je partage et n'hésitez pas à adapter vous-même à vos propres besoins. Désolée. M Vous avez peut-être remarqué que sur ma peinture et sur mon dessin, je n'ai pas créé exactement le même feuillage partout. Il y a certains éléments que j'enlève, certaines tiges ou petites feuilles pour la simple raison que d'un point de vue pédagogique, il n'était pas nécessaire de vous montrer plusieurs fois la même chose. C'était pour simplifier un peu la peinture et avoir moins d'éléments à peindre, car elle est déjà assez riche en détails. J'ai donc pensé que certaines parties n'étaient pas absolument essentielles en ce qui concerne le feuillage. Donc, encore une fois, c'est à vous décider si vous voulez vraiment tout peindre ou si vous préférez omettre certaines feuilles ou certains éléments. Très souvent, lorsque vous peignez et créez une œuvre, ce que vous devez prendre en compte lorsque décidez d'ajouter ou de supprimer quelque chose, c'est d' abord si le fait de supprimer ou d'ajouter cet élément rendra ma peinture moins réaliste ? Cela aurait-il l'air étrange, par exemple, d'avoir un trou dans le feuillage à cet endroit ? Et deuxièmement, ma peinture sera-t-elle toujours harmonieuse ? Y aura-t-il toujours un sentiment d' équilibre entre tous les éléments ? À mon avis, ce sont les questions importantes à se poser lorsque l'on souhaite ajouter ou supprimer des détails dans un tableau. Nous arrivons donc à la dernière partie de la dernière partie de cette zone de feuillage, quelques petites touches supplémentaires, quelques détails supplémentaires à ajouter, puis le feuillage du côté droit sera réalisé hors caméra car c'est exactement le même processus qui doit être répété. Je sais donc qu'il s' agit d'une phase où vous pouvez rapidement commencer à en avoir assez où vous voudrez peut-être passer à autre chose parce que vous répétez les mêmes étapes pendant de longues minutes. Mais n'oubliez pas que dans un tableau, ce sont souvent les petites touches finales qui font toute la différence entre un résultat moyen et une belle pièce d' apparence professionnelle. Chaque détail que vous ajoutez maintenant, même s'il semble infime, contribuera à renforcer l'atmosphère générale et à renforcer la crédibilité de votre scène. Il serait dommage, par exemple, d'avoir un côté gauche bien exécuté, puis un côté droit moins fini. Donc, si vous sentez que vous perdez en précision ou que vous en avez assez, faites une courte pause, revenez quelques minutes plus tard, et vous aurez les yeux frais et votre motivation renouvelée Ne vous précipitez pas pour terminer, car c'est exactement à ce moment-là que vous risquez le plus de ruiner le travail que vous avez accompli jusqu'à présent. Alors, d'accord, continuons. Restez concentré. Il reste encore une bonne partie du feuillage à travailler, puis nous pourrons terminer cette pièce en peignant le fond et la surface du vase en sagon Je suis donc sûr que vous pouvez le faire, et je vous verrai alors une fois cette partie terminée. 14. Peindre l'arrière-plan pour plus de profondeur et de contraste: Passons maintenant à la peinture du fond et de la surface sur laquelle se trouve le vase. abord, nous pouvons voir que nous allons travailler avec deux nuances de gris différentes, une teinte moyennement foncée pour la partie inférieure et une plus claire pour l'arrière-plan ci-dessus. Je commence par mélanger une grande quantité de blanc avec du bleu outremer et du bois brûlé C'est généralement ainsi que je crée mes gris. Je n'ajoute qu'une très petite quantité des deux autres couleurs par rapport au blanc car je vais progressivement ajuster mon mélange en fonction de ce que je vois. Par exemple, ici j'ai remarqué que mon gris devenait un peu trop bleu, alors j'ai eu un peu de bois brûlé. Ensuite, il y a eu trop de bois brûlé, alors je me réajuste à nouveau car, comme vous pouvez le constater, la partie inférieure présente un gris encore légèrement bleuté Et à ce stade, je commence à obtenir une couleur qui convient plutôt bien à la partie inférieure. Pour la partie supérieure, le fond sera beaucoup plus clair. Donc, ce que je fais, c'est prendre une grande quantité de blanc auquel je n'ai ajouté qu'un petit peu de la couleur que j'ai initialement mélangée. De cette façon, j' obtiens un ton grisâtre clair qui n' est pas très foncé et qui fonctionnera très bien pour peindre le fond que vous voyez dans la partie supérieure Je vais commencer à peindre le fond de la partie supérieure. un premier temps, à l'aide d'un pinceau peu épais, je vais peindre soigneusement tout autour mon sujet pour créer une sorte de barrière de sécurité. Autour du vase, je n'essaie pas de trop mélanger mes couleurs. Parce que vous pouvez voir que les couleurs ne se mélangent pas du tout ici. Et puis le brun du vase est presque sec. Cependant, autour des fleurs et des feuilles, vous pouvez constater qu'à certains endroits, les couleurs se fondent très légèrement les unes dans les autres. Et c'est aussi ce que je vais essayer de faire. Je vais donc travailler très près des bords, touchant à peine la couleur très légèrement pour qu' elles se mélangent parfaitement. Je ne charge pas trop de peinture sur mon pinceau car je ne veux pas me retrouver avec des zones épaisses. Pour ces parties, j'ai besoin l'ensemble de l'arrière-plan soit aussi lisse que possible par la suite. Je m'attache vraiment à bien étirer ma peinture afin que, lorsque je reviendrai avec mon pinceau plat, il soit beaucoup plus facile de créer un arrière-plan agréable, uniforme et lisse pour cette zone. Et je prends mon temps observer attentivement et à travailler patiemment pour peindre tous les bords et tous ces éléments Je remarque également que certaines zones vont être un peu plus complexes que d'autres, notamment autour de la tige, qui est très détaillée. Je passe donc à un pinceau plus fin pour le manipuler, ce qui me permettra d'être plus précise lors de l'application de ma couleur Je ne vais pas faire grand-chose de plus dans ce domaine. Je suis en train de terminer de peindre entre ces petites tiges, puis nous verrons comment peindre simplement le fond. Je vais passer à mon pinceau plat et appliquer de larges coups de pinceau en veillant à bien étirer la peinture et, bien sûr, en passant par-dessus les feuilles. Ici, nous voulons un arrière-plan vraiment lisse et uniforme, donc je ne vais pas trop compliquer les choses J'utiliserai la même couleur pour le fond sayo. Et avec de larges coups de pinceau, je vais bien étirer la peinture. Je vais donc le faire ici sur cette petite section. Nous allons le faire ensemble maintenant. Ensuite, je compléterai le reste de l'arrière-plan de la caméra. J'ajoute également un peu plus de médium à ma peinture pour la rendre un peu plus fluide et plus facile à étaler. Je te verrai donc dans un moment. Nous avons donc ici la peinture de fond, et maintenant nous allons passer à la partie inférieure. Vous pouvez voir que dans cette section inférieure, nous avons affaire à des gris un peu plus foncés Je vais donc prendre cette couleur, utiliser mon pinceau plat, et commencer à peindre cette partie supérieure de la partie inférieure avec ce gris. Ce que nous remarquons ici, c'est que la couleur devient un peu plus claire au fur et à mesure que nous descendons. Nous n'avons pas exactement le même gris sur toute la surface. J'ajuste donc la couleur au fur et à mesure, et c'est aussi ce qui donnera à la table sur laquelle le vase est posé aspect plus réaliste et tridimensionnel. Jusqu'à la zone d'ombre, l'ombre capturée du vase que l'on aperçoit un peu plus bas, on peut observer une transition progressive avec ce gris. Une autre chose à noter est que notre gris légèrement plus foncé se fond très doucement dans la ligne de fond que nous avons peinte plus tôt J'avais donc utilisé un pinceau nettoyant pour mélanger les deux zones, mais mon pinceau était un peu endommagé, donc le résultat n'est pas excellent Je suis en train de le retravailler avec ce pinceau légèrement fin, veillant à essuyer tout excès de peinture qui s'accumule sur le pinceau pour obtenir un mélange lisse et homogène entre ces Maintenant, je peux commencer à peindre l'ombre du vase. Vous pouvez voir qu'il fait un peu plus sombre au début, mais nous n'avons pas la même valeur de gris sur toute l'ombre. Certaines zones s'éclaircissent à mesure que on s'éloigne du vase. On peut également remarquer que juste à côté du vase, il y a une petite touche de gris plus clair. J'ai donc ajouté cela également, et je m'assure que tous ces éléments se mélangent harmonieusement en ajoutant de petites touches comme celle-ci. Même dans certaines zones sombres, vous pouvez observer quelques touches légèrement plus claires. Je les marque donc également. Il y aura également quelques points légèrement plus sombres que nous pourrons remarquer, et je les ajoute également. De cette façon, je me retrouverai avec une ombre bien travaillée et bien rendue. Maintenant, je peux finaliser cette section que j'ai commencée. Je peux maintenant continuer avec la zone légèrement inférieure où nous avons différents gris, plus de gris mitaines, et je vais les appliquer sans trop y réfléchir à l' aide de mon pinceau plat Vous remarquerez que j'ajoute plus de médium à ma peinture parce que parfois ma peinture n'est pas assez fluide. Et surtout lorsque vous peignez le fond, il est très important d' étirer correctement la couleur. Au début, je n' avais pas ajouté assez de médium à mes couleurs sur la palette, et vous pouvez vraiment sentir la différence lorsque vous essayez d' étaler la peinture. J'applique donc ma couleur avec ce pinceau plat, veillant à laisser un espace pour la petite ombre qui se trouvera sur le côté, sur laquelle nous travaillerons dans un instant. U Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur la petite zone d'ombre ici. Ce que je remarque, c'est que nous pouvons utiliser ce gris comme gris de base car la valeur n'est pas uniforme sur toute la zone d'ombre . J'applique donc ce gris assurant qu'il se fond bien dans le fond, puis je continuerai à peindre sur toute la zone située sous le vase. Vous pouvez voir qu'il y a une ombre légèrement plus foncée avec certaines zones qui penchent un peu plus vers les tons gris-brun comme ceux que je vais appliquer. Je les applique donc soigneusement avec un pinceau fin et je les travaille par petites touches. Lorsque vous travaillez sur des ombres, il est important d'observer attentivement et ne pas vous limiter à une seule valeur de note, car comme vous pouvez le voir ici, certaines parties de l'ombre sont plus sombres que d'autres Ces différences sont importantes et doivent vraiment être prises en compte. Maintenant, je suis en train de terminer cette zone, puis je travaillerai sur le côté droit, hors caméra. Nous nous retrouverons pour ajouter les derniers détails qui apporteront vraiment une belle touche finale à nos œuvres d'art. Je peux maintenant commencer à ajouter les derniers détails à cette pièce. Autour de la morue, quelques petits fils se répandent sur le fond. À l'aide de mon pinceau à épée, je vais ajouter ces lignes fines. Bien entendu, je remixe d'abord la couleur de ma palette, et je vais le faire sur la partie supérieure, et nous ajoutons également quelques petits points forts comme celui-ci sur la partie inférieure Ce n'est pas grand-chose, mais cela donne vraiment un aspect très fini au tableau. D'ailleurs, j'ai ajouté un peu de liquide pour fluidifier la peinture et faciliter l'application de ces touches par-dessus. Oh Et enfin, le dernier détail que nous pouvons ajouter, ce sont quelques touches, quelques petits éléments dans le feuillage. Nous pouvons voir qu' il y a quelques lignes très fines qui s'étendent ainsi. Je les ajoute donc, et cela apporte vraiment une belle touche finale à la pièce. C'est peu, mais ça a l'air vraiment bien. C'est la fin de ce didacticiel, un didacticiel dans lequel nous avons pu aborder de nombreuses choses, créant du volume sur le vase, mélangeant ces tons bruns, verts et roses, et en les appliquant de manière à créer une impression de forme et de dimension libre Et je pense que c'était un excellent sujet pour réaliser de réels progrès. J'espère donc vraiment que cela vous plaira et n'hésitez pas à partager votre travail car c' est toujours un plaisir de le voir. Je vous donne donc rendez-vous très prochainement pour un autre tutoriel, et merci beaucoup d'avoir regardé.