Transcription
1. Introduction à la profondeur: Je ne doute pas que la profondeur d'un paysage soit son aspect le plus important. Maintenant, qu'est-ce que même la profondeur ? La profondeur est une illusion, une illusion qui trompe l'œil humain en pensant qu'il regarde quelque chose de lointain plutôt que quelque chose de proche, qui est juste en face d'eux sur la surface plane, qui est la peinture ou le photographier elle-même. Les artistes s'efforcent d'obtenir de la profondeur dans leurs peintures parce que la profondeur rend les peintures plus pop-up et qu'elle les fait attirer plus d'attention. Cela les fait apparaître non seulement comme une
surface plane , mais comme une sorte de fenêtre sur le monde que l'artiste a capturé. Les artistes s'efforcent souvent de capturer plus
qu' une simple représentation visuelle de ce qui se trouve devant eux. Mais ils essaient d'aller plus loin. Ils tentent de capturer plus qu'un simple paysage, plus que la nature. Ils tentent de capturer un moment précis, un sentiment, et parfois même une histoire. Maintenant, la profondeur peut accomplir tout cela par elle-même. Mais cette merveilleuse illusion est certainement une partie importante de tout cela et une base pour le reste. Peu importe ce que vous cherchez à réaliser dans vos peintures, profondeur ne peut que les améliorer. C' est la profondeur qui fait que les peintures et les images pop-out attirent plus d'attention, se vendent plus souvent et obtiennent plus de goûts sur les réseaux sociaux. Quel que soit votre niveau de compétence actuel, je pense que vous pouvez apprendre beaucoup de cette classe et vous améliorer en cours de route. Je me suis assuré que les techniques dont je vais vous parler sont faciles à retenir et simples à appliquer, de sorte que vous n'avez pas besoin de prendre des notes ou quoi que ce soit de ce genre. Ce que je dois mentionner également, c'est que les techniques sont universelles. Cela signifie qu'il peut être appliqué à n'importe quelle technique de peinture ou de
dessin ainsi qu'à la photographie. Le projet de classe, dont je vais parler un peu plus dans la prochaine vidéo, est très simple et vous n'avez pas besoin d'équipement supplémentaire, la suite. Merci beaucoup de m'avoir donné une chance et de choisir ma classe. Si tu veux te joindre à moi, je te verrai dans la première leçon.
2. Analyse du paysage: Pour notre projet de classe, j'aimerais que vous trouviez une image d'un paysage ou d'une peinture de paysage que vous aimez. Maintenant, cela peut être n'importe quelle image d'un paysage. Ça peut même être mauvais. Nous avons juste besoin d'une image dans laquelle nous pouvons observer ce rend le paysage plus profond ou plus plat. J' utiliserai mes propres images et
je vais vous montrer comment distinguer les éléments qui rendent une image plus profonde ou plus plate. En observant ce qui rend le paysage meilleur ou pire, nous pouvons apprendre lequel de ces aspects à appliquer à nos propres paysages afin de les améliorer et de les rendre plus profonds. Lorsque vous aurez votre photo prête, nous pouvons continuer jusqu'à la première leçon dans laquelle nous commencerons par les bases, qui distinguent les couches d'un paysage.
3. Calques: Maintenant, j'ai ouvert quelques photos dans Photoshop. Si vous n'avez pas Photoshop, c'est bon. Vous pouvez faire à peu près la même chose dans MS Paint ou tout autre outil d'édition ou vous pouvez même simplement tracer l'image sur un morceau de papier et travailler de cette façon. Comme le nom de cette leçon l'indique, nous allons apprendre à distinguer les couches ici. J' ai une image assez basique d'un paysage ici et ce qu'on va faire maintenant est de le diviser en couches. La première couche sera à peu près toujours ce ciel. Tu peux juste le bloquer avec du rouge. Le ciel étant la première couche est la plus éloignée et donc la plus profonde de la peinture. Après que le ciel est généralement l'une des trois choses, ce sont les montagnes, les collines ou les forêts. Ce sont des collines sur cette photo pour qu'on les bloque en bleu. C'est la deuxième couche. Au-delà de cela, nous avons de l'eau que nous pouvons peindre en
vert et au premier plan nous avons un arbre que nous pouvons peindre en jaune. Distinguer des couches comme celle-ci est une chose très simple. Votre image peut avoir plus ou moins de calques, mais il y en a généralement quatre et ce qui nous permet de distinguer ces calques est de les étudier individuellement. Maintenant, si j'efface à nouveau l'image, nous pouvons parler de notre première règle de profondeur et la règle est : les couches deviennent plus brillantes plus elles sont éloignées. Comme nous pouvons le voir clairement, le ciel est la couche la plus brillante. Nous pourrions diviser les collines en deux couches, si nous le voulions, parce que sur cette image il y a cette deuxième couche de collines qui est un peu plus brillante que celles qui sont en face d'eux. Maintenant, l'eau reflète le ciel donc il est un peu lumineux, mais si vous regardez ces parties non brillantes, elles sont plus sombres que les collines réelles. L' eau elle-même devient plus sombre à mesure qu'elle se rapproche la perspective de l'observateur et l'arbre de premier plan est le plus sombre. C' est l'une des règles que vous devez prendre en compte lors de la peinture d'un paysage. Comme nous le savons, alors que l'air est transparent, il n'est pas invisible et que nous regardons de plus en plus loin, la couche d'air s'accumule dans son épaisseur et il commence à devenir cette couleur blanche laiteuse que vous pouvez voir sur la couche la plus éloignée de collines. Lorsque vous peignez le paysage et que vous rendez les couches les plus éloignées brillantes et sombres à mesure qu'elles se rapprochent, vous faites croire à l'œil humain qu'il regarde quelque chose lointain parce qu'il regarde à travers une couche d'air si épaisse. Parce que les couches les plus éloignées deviennent laiteuses, tout comme elles le font dans la vraie vie. Ici, nous pouvons voir une image différente qui adhère aux mêmes règles. Le ciel est le plus brillant, les collines qui sont en face du ciel sont complètement laiteuses, lumineuses et obscurcies. Les arbres en face des collines sont encore laiteux, mais un peu moins et ils sont beaucoup plus sombres. La végétation devant les arbres n'est presque pas laiteuse du tout et elle est encore plus sombre que les arbres. L' eau dans ses parties non brillantes est également plus sombre que la végétation devant eux. Le premier plan, qui est, dans cette image, encore plus de végétation, est encore plus sombre que le reste de l'image surtout dans les parties les plus proches où il est presque complètement noir. Lors de la prise de photos de paysage, cette illusion se produit par elle-même , mais la composition de l'image a encore besoin ces couches pour rendre cette illusion plus prononcée. Ces couches sont très importantes et il est important qu' elles soient distinctes et se distinguent les unes des autres. Maintenant, quand on peint, c'est vraiment bon de peindre le ciel d'abord. C' est parce que le ciel est la couche la plus brillante et donc il définit le niveau de luminosité pour toutes les autres couches. Ce que je veux dire par là, c'est que lorsque vous peignez le ciel dans cette couleur particulière, alors vous savez que les collines devant lui doivent être un peu plus sombres et les arbres devant lui seront encore plus sombres et ainsi de suite et ainsi de suite. Si nous regardons maintenant une peinture réelle, nous pouvons voir que le peintre a effectivement suivi ces règles. Nous pouvons voir que la couche la plus éloignée est très brillante. Les arbres devant lui sont un peu plus sombres et il y a plus d'arbres, ils deviennent plus sombres à mesure qu'ils se rapprochent. L' herbe suit le même principe et l'arbre, qui est en fait le sujet de premier plan, est très sombre. Maintenant, pour un conseil personnel de ma part, je pense qu'il est vraiment bon de commencer très lumineux car, quand vous vous rapprochez de plus en plus, vous pourriez commencer à manquer de couleurs plus sombres et plus foncées et ensuite vos dernières couches pourraient finissent jusqu'à hauteur noire qui obtiendra le même effet mais pourrait nuire à leur composition de la peinture à la fin. Alors attention à ça. Maintenant, cette règle ne veut pas dire qu'il ne
peut pas y avoir de points lumineux devant une couche déjà brillante. Il y a certainement et devrait être, mais surtout sous la forme de faits saillants qui sont taches
lumineuses sur la couche qui est déjà sombre. Nous pouvons voir quelques points saillants dans l'herbe ici, les taches blanches sur les fleurs ou la tache jaunâtre dans les feuilles d'arbres juste ici. Ceux-ci améliorent définitivement l'image et ne nuisent pas à la profondeur d'une composition tant qu'ils ne dominent pas l'obscurité de la couche elle-même. Pour résumer, la plus grande leçon à emporter de cette leçon devrait être votre règle numéro 1 qui est : les choses deviennent de plus en plus sombres à mesure qu'elles se rapprochent du devant de l'image. Maintenant que nous comprenons comment distinguer les couches, nous pouvons en apprendre plus sur les différentes couches. S' il vous plaît, rejoignez-moi à la leçon suivante, qui porte sur la séparation des calques individuels.
4. Individuel: Pour revenir à notre projet de classe, à ce stade, vous devriez avoir quelque chose qui ressemble à ceci. Je veux simplement que vous identifiiez les calques individuels sur votre image et observez comment les calques deviennent plus sombres à mesure qu'ils se rapprochent du devant de l'image. Maintenant, si vous travaillez avec un tableau, cela ne doit pas être vrai, car les artistes oublient parfois de suivre cette règle et de rendre certaines de leurs couches avant plus brillantes que celles derrière elles. Mais néanmoins, si vous avez cette partie prête, nous pouvons continuer à en apprendre davantage sur les différentes couches. Si nous regardons cette image, nous pouvons voir qu'une grande partie de l'image est occupée par une seule couche, qui est cette couche d'herbe. Maintenant, cette couche est quelque chose que nous appellerions une couche horizontale. Alors que cet espace entier est une couche singulière, il occupe une zone horizontale large et profonde. Cela signifie que si ce point, par exemple, et ce point sont tous deux sur la même couche, ils sont encore très éloignés dans la distance, et celui-ci est évidemment plus loin que celui-ci. Comme nous l'avons déjà dit, les choses deviennent plus sombres à mesure qu'elles se rapprochent du devant de la photo. La règle s'applique également à ces couches horizontales. Comme vous pouvez
le voir clairement, les zones ici au loin sont beaucoup plus lumineuses que ces zones au premier plan. Veillez à appliquer ces règles à ces couches horizontales. D' un autre côté, nous avons les montagnes et la forêt ici et ici. Par rapport au champ d'herbe, ces montagnes n'occupent pas une zone horizontale, mais une zone verticale. On va les appeler couches verticales. Pour mettre cela est dans une meilleure perspective, il est agréable d'imaginer le paysage à partir de la vue latérale. Disons que c'est la couche de sol et que nous regardons l'image de ce côté. Maintenant, les montagnes sont à l'arrière. Il y a des collines en face d'eux, des arbres ici et le reste est juste de l'herbe. Si nous le regardons comme
ceci, c'est la couche horizontale et ce sont les couches verticales. Encore une fois, la façon la plus simple de reconnaître une couche horizontale est par le fait que vous pouvez y trouver deux points, qui sont évidemment très éloignés les uns des autres, que vous ne pouvez pas faire sur cette montagne. Ils sont encore un peu séparés les uns des autres, mais si nous sommes allés à nouveau à la vue latérale, alors ceci et ce point est évidemment plus loin l'un de l'autre que ce point et ce point. Maintenant, pourquoi est-il important de distinguer ces deux types de couches ? C' est parce qu'ils se comportent différemment. Comme vous pouvez le voir, ces couches de montagnes lointaines et les couches d'arbres, ils deviennent plus brillants et moins distincts à mesure qu'ils descendent. Il suffit de comparer à quel point cette montagne est sombre en haut et à quel point elle est laiteuse en bas. Cet effet se produit, encore une fois, cause de l'air et du brouillard. forte pollution de l'air et l'humidité du brouillard s'accumulent plus près du sol, ce qui obscurcit les couches verticales dans leurs parties inférieures. Cet effet se produit naturellement et il est facile de
voir dans n'importe quelle image de paysage et il peut être le plus clairement observé dans le ciel où le changement de couleur vers l'horizon est complètement évident. Maintenant, comme nous l'avons déjà mentionné, il est important de distinguer les couches individuelles. Ce qui est génial dans cet effet, c'est qu'il le fait pour nous. Le fait que les couches verticales deviennent plus brillantes à mesure qu'elles descendent signifie qu' il y a plus de contraste entre les couches éloignées et les couches proches. J' ai très grossièrement peint une autre couche sur cette image afin qu'elle puisse être rendue plus évidente. Maintenant, si vous regardez ces trois couches, ils sont tous de la même couleur, mais en raison de l'effet naturel, grâce auquel, ils deviennent plus lumineux à mesure qu'ils descendent, ils peuvent facilement être distingués les uns des autres. Essayez de vous souvenir de cette règle lors de la peinture et de rendre les couches
verticales comme les montagnes et les collines plus brillantes vers le fond, et ainsi aider à les distinguer de la couche en face d'eux. Si nous utilisons l'outil de brosse de guérison pour se débarrasser de ces différences, nous pouvons voir combien cela fait mal à la composition car en n'
ayant aucune différence de couleur entre les couches avant et arrière, nous perdons toute la profondeur dans l'image. Dans une bonne composition, le calque horizontal n'adhère pas
aux mêmes règles et il devient plus sombre au lieu de plus lumineux, comme nous pouvons le voir sur cette image. Pour résumer, assurez-vous que les couches verticales deviennent plus brillantes à mesure qu'elles descendent, car la pollution de l'air et le brouillard se rapprochent naturellement du sol. D' autre part, assurez-vous que les couches horizontales deviennent plus sombres à mesure qu'elles se rapprochent du devant de l'image et deviennent donc plus sombres à mesure qu'elles descendent. Si vous suivez ces règles correctement, vous vous retrouverez avec une image naturelle, dans laquelle vous pouvez distinguer les couches individuelles et les faire regarder les unes des autres, donnant ainsi au paysage une illusion de profondeur. Rappelez-vous toujours que le ciel est aussi une couche verticale et qu'il suit la même règle. Ne laissez jamais votre ciel être une seule teinte de haut en bas. Au lieu de cela, optez pour un dégradé plein de contraste qui entoure l'image. Encore une fois, rappelez-vous toujours que si ces règles conduisent à une bonne composition et à un grand sens de la profondeur, elles ne sont pas nécessairement suivies dans chaque tableau, dans chaque tableau. Si elles ne sont pas suivies dans votre photo, prenez-en note et essayez de découvrir
comment améliorer l'image en appliquant ces règles. Si nous en avons fini, alors nous avons fini de comprendre les couches et nous pouvons passer à la composition. La composition est un grand sujet qui va même au-delà de la profondeur, mais nous allons discuter de quelques aspects qui affectent la profondeur, surtout dans la prochaine leçon.
5. La composition: Il y a beaucoup à savoir sur la composition, mais restez court, je vais seulement vous parler des règles et des
techniques les plus importantes qui ont le plus grand impact sur la profondeur. Tout d'abord, nous allons commencer par une règle des tiers. Ce que la règle des tiers dit, c'est que chaque
tableau ou tableau d'un paysage doit être divisé en deux parties. L' un d'eux devrait être composé d'un tiers de l'image entière, et la deuxième partie devrait comprendre les deux tiers autres de l'image. C' est une décision que vous faites avant même de commencer peindre parce que tout le reste dans la composition en dépend. Maintenant, comme nous le savons tous, un paysage se compose le plus souvent du ciel et de la terre et le but de cette règle est de consacrer la plus grande partie de l'image à l'un ou l'autre de ces deux, tout en consacrant le reste, à tout ce qui reste. Par exemple, un tiers de l'image serait le ciel et le reste serait la terre, comme nous pouvons le voir ici. Vous pouvez également diviser l'image entre le premier plan et le reste de l'image selon la même règle. Ce faisant, nous choisissons le sujet principal du paysage en lui donnant plus d'espace,
et par conséquent, nous guidons l'attention du spectateur vers ce qui est important. C' est une étape très vitale et elle est suivie par une grande majorité d'artistes paysagistes. Il est très efficace et simple à retenir et à appliquer, alors mettez-le à bon usage. Certaines compositions divisent simplement les sujets au milieu, ce qui fonctionne souvent avec des réflexions, par exemple, mais je pense qu'il est plus sûr et mieux de s'en tenir presque toujours à la règle des tiers. Deuxièmement, assurez-vous que les coins de l'image sont sombres et ternes. Pas beaucoup plus à dire à ce sujet. Les coins d'un paysage devraient être sans quoi
que ce soit qui distraire le spectateur de regarder le centre. Cela ne signifie pas que les sujets importants peuvent commencer à partir du coin de votre écran, bien au contraire, ils le feront souvent, mais assurez-vous qu'ils sont généralement sombres vers les coins. Cela permet de s'assurer que l'image est concentrée, pour
ainsi dire, et de la rendre plus composée, moins aléatoire. Ensuite, essayez d'avoir des lignes de début dans votre image. Ce sont des crêtes vives et contrastées qui guident à nouveau l'attention du spectateur. C' est difficile à expliquer, mais ils aident aussi le spectateur à percevoir le paysage plus facilement. Ils donnent la perspective qu'une taille et
la portée des sujets dans la peinture en étant une référence pour eux. Cela rend l'image plus immersive et plus profonde. C' est aussi génial si ces lignes directrices se croisent avec des sujets
importants du paysage pour les rendre plus évidents. Ces lignes sont le plus souvent la frontière entre le ciel et la terre ou le ciel et la mer. Par exemple, ils peuvent être très efficaces dans une peinture d'un coucher de soleil ou d'autres images axées sur le ciel, mais aussi des images qui ont un sujet principal très éloigné comme une montagne. Néanmoins, c'est toujours génial de les avoir dans votre composition. Enfin, ma chose préférée à faire pour améliorer la profondeur est d'avoir un sujet de premier plan. Une fois la plupart de vos calques, à l'
exception du premier plan, n'ayez pas peur d'en couvrir une partie substantielle avec un sujet de premier plan. Avoir un arbre massif ou
une silhouette ou un autre objet naturel devant toutes les autres couches, vraiment rassembler la peinture. Tout simplement en étant à l'avant, il repousse tout le reste et rend la peinture incroyablement plus profonde. Je ne peux pas dire assez à quel point c'est génial de faire comme je vois souvent des peintures de paysage qui sont bien, mais qui pourraient être beaucoup plus profondes et généralement mieux simplement en ajoutant un sujet de premier plan. Est vraiment facile à faire aussi et leur création pourrait améliorer vos compétences en matière de fabrication de détails. Rappelez-vous simplement notre règle numéro un et assurez-vous que la couche de premier plan est très sombre, sinon, elle se fondra avec le milieu du sol et n'ajoutera aucune profondeur à la peinture. Pour illustrer à quel point cela fonctionne, j'ai retiré le sujet de premier plan de ce tableau, voir comment l'image devient tellement plus plate sans elle ? Je ne peux pas vraiment exagérer à quel point les sujets de premier plan sont grands, alors essayez de les utiliser dans votre composition et voyez ce qui se passe. Merci beaucoup de rester là, dans la prochaine et dernière leçon avant le résumé,
nous allons discuter de la couleur et du contraste, ingrédients
finaux d'un paysage avec une profondeur étonnante.
6. Constraste: Leonardo da Vinci a dit un jour qu'un peintre devrait commencer chaque toile avec un lavage de noir parce que toutes les choses dans la nature sont sombres sauf lorsqu'elles sont exposées par la lumière. J' adore cette citation, et vous devriez vous en souvenir pour vous rappeler à quel point contraste est
important dans une peinture ou une image. Nous avons déjà parlé de l'importance du changement de couleur et de luminosité du premier plan à arrière-plan, mais parlons maintenant de la gamme de couleurs dans les calques individuels. La base d'un nouveau calque que nous créons devrait presque toujours être très sombre et alors que oui, va devenir plus lumineux au fur et à mesure que nous y mettons des détails,
il est vital de garder une partie de cette obscurité sur l'image finale pour
nous donner du contraste et c'est ce que je veux dire par gamme de couleurs. C' est le dégradé de couleurs allant du noir le plus sombre au blanc le plus brillant. Lorsque vous faites une photo, nous voulons que ce dégradé soit aussi blanc que possible tant qu'il semble toujours naturel. Il faut un peu de pratique pour trouver ce point doux d' une gamme de couleurs contrastées mais naturelles lors de la peinture. Mais voici comment je le fais. Pour chaque sujet, disons une montagne. Je travaille avec deux ensembles de couleurs : les nuances et les reflets. Je mélange les nuances d'abord. Ces couleurs sont foncées, généralement gris, bleu, brun, noir et vert foncé. La luminosité de ces nuances est basée sur la distance dans l'image qu'elles sont, comme nous l'avons appris au début de
la classe, plus près, plus sombre, loin, plus lumineux. Les nuances que j'ai utilisées comme couleur de base pour
les reflets plus brillants à poser sur le dessus de. Ils présentent les zones sombres ombragées qui ne sont pas exposées par la lumière du soleil. Une fois que je suis satisfait des nuances, je crée les faits saillants de manière à ce qu'ils complètent les nuances. Je le fais en mélangeant certaines des mêmes couleurs que j'ai utilisées pour les nuances, mais en les rendant plus brillantes et plus contrastées remplissent plutôt que ternes et sombres avec l'utilisation de couleurs vives comme le jaune ou le rouge vif. L' utilisation du même groupe de couleurs pour les nuances et les tons clairs empêche le résultat final de regarder un remplissage de
contraste anormalement tout en obtenant la plage de couleurs souhaitée. Mais pourquoi voulons-nous même y parvenir ? Eh bien, parce que encore une fois, cela donne la profondeur de la peinture, vous l'avez deviné. Si nous pouvons référencer les taches vives aux taches sombres et vice versa, nous obtenons un contraste qui donne aux deux côtés est plus forte valeur. Ce faisant, nous avons non seulement une distance entre les couches
du paysage, mais nous avons également une plage dans les différentes couches elles-mêmes, poussant la profondeur dans une autre dimension. Il est très important de pratiquer la retenue lors de la peinture des
surbrillants car la surpuissance des nuances sombres par les reflets détruira complètement votre gamme de couleurs. Ne tuez pas toute votre obscurité lors de la création de tons clairs et rendez votre gamme de couleurs aussi large que possible en ayant un contraste dans chaque calque. N' oubliez pas cela même lorsque vous peignez des nuages. Les nuages sont également des points forts, et le ciel est le sous-ton sombre pour eux. Ne couvrez pas tout le ciel en blanc et laissez certains de ces bleus et gris plus sombres pour donner aux nuages un contraste et une profondeur.
7. Récap: Il est temps de récapituler. Tout d'abord, les couches doivent devenir progressivement plus sombres, plus elles se rapprochent de l'avant de l'image. C' est peut-être la règle la plus importante car rendre le premier plan lumineux et sombre, rendra toute image non naturelle et plate. Ensuite, remarquez quelles couches sont horizontales et verticales, puis rendent les couches verticales, en particulier le ciel et les montagnes plus brillantes à mesure qu'elles descendent plus près du sol. Faites le contraire pour les calques horizontaux, qui deviennent plutôt plus sombres lorsqu'ils descendent vers le devant de l'image. Cela donne de la profondeur aux couches individuelles, mais plus important encore, il est beaucoup plus facile de faire apparaître des couches séparées et de se détacher progressivement les unes des autres. Une composition, rappelez-vous la règle des tiers, assombrir vos coins, avoir des lignes de tête dans le sujet de premier plan dans votre image. Encore une fois, ne négligez jamais le sujet de premier plan car c'est peut-être le moyen le plus simple et le plus efficace de faire une peinture plate en profondeur, tant que le sujet de premier plan est assez sombre. Lorsque vous mélangez des couleurs, assurez-vous que votre gamme de couleurs semble naturelle
en utilisant les mêmes couleurs de base pour les nuances et les reflets, mais introduisez autant de contraste que possible entre les deux. Protégez la gamme de couleurs dans les couches individuelles en ne
permettant pas à vos reflets de tuer toutes les taches sombres et vice versa. Pour avoir de la lumière, il faut qu'il y ait des ténèbres. Ce sera tout, je pense que maintenant vous devriez avoir une compréhension très solide de la
façon dont la profondeur est créée dans le paysage et aussi comment elle est détruite. Rien ne me rendrait plus heureux que si vous publiiez vos projets paysagers améliorés sous cette classe et les partagiez avec vos amis. J' espère que ce que vous créez vous rendra heureux et satisfait, et que vous n'arrêterez jamais de vous améliorer. Les paysages sont de belles fenêtres dans un bol créé par vous et il n'y en a jamais assez. Alors allez-y et faites-en un qui vous rendra fier. Merci beaucoup de m'avoir rejoint et j'espère que vous m'
accompagnerez dans d'autres cours à l'avenir. Je m'appelle Daniel et je vous souhaite une belle journée. Au revoir.
Daniel Šolc, Landscape Artist
