Paysages à l'aquarelle dans le carnet de croquis

1. À propos du cours: Bienvenue dans mon cours sur la peinture de paysages aquarelles dans un carnet de croquis. Dans ce cours, je vais vous enseigner les techniques de base de l'aquarelle afin que vous puissiez créer des peintures de paysage intéressantes dans votre propre journal aquarelle. Nous examinerons de plus près une technique spéciale pour établir un lien entre les couleurs dans vos peintures et apprendre à concevoir votre carnet de croquis d'une manière qui raconte magnifiquement votre histoire. Nous étudierons comment peindre différents cieux, comment mélanger les couleurs, et nous parlerons de la façon mettre en page harmonieusement différents éléments dans votre page. Dans notre projet de classe, nous allons composer la page de notre carnet de croquis, peindre un magnifique champ de coucher et ajouter d'autres éléments comme des fleurs sauvages, des notes de couleur et quelques textes au crayon. Tout ce que vous apprenez dans ce cours vous aidera sûrement à créer de meilleures aquarelles, non seulement dans vos carnets de croquis, mais aussi dans d'autres formats. Que vous soyez débutant ou aquarelliste expérimenté, je vous invite à passer une heure à explorer ce merveilleux sujet avec moi. Je suis Bianca Rayala, artiste aquarelle et éducatrice des Philippines. J'adore les aquarelles et je suis passionnée par le partage de mon amour pour les arts. Mon objectif a toujours été d'inspirer les gens à poursuivre leur passion créative et leur but. Venez vous joindre à moi. Faisons ce beau voyage ensemble. 2. Matériaux: Les matériaux que je vais utiliser sont très simples. Le premier est le carnet de croquis aquarelle. Celui-ci se trouve dans votre carnet de croquis Perfect composé à 100 % de coton. L'avantage d'utiliser du papier aquarelle en coton est sa capacité à contenir beaucoup de peinture et d'eau. Si vous n'avez pas encore de carnet de croquis, n' hésitez pas à utiliser le papier que vous avez d'abord à la maison, puis à le pratiquer à nouveau lorsque vous avez la chance d'avoir un carnet de croquis. Pour les peintures à l'aquarelle, n'importe quel ensemble de peintures de base conviendra. Je n'utiliserai que quelques couleurs et vous pourrez expérimenter les peintures que vous avez à la maison pour obtenir une teinte similaire. Les couleurs que j' utiliserai sont le jaune ocre, rouge Perylène, l'améthyste authentique, bleu horizon, le gris Payne, un peu de compost violet, indigo, vert olive et bleu lunaire. Je vais en dire plus sur le mixage des couleurs dans la prochaine vidéo. Pour les pinceaux, ceux que j'utilise sont des pinceaux ronds de Silver Brush. J'ai une brosse synthétique de leur ligne Silver Silk 88 et une brosse à cheveux naturelle de la ligne Renaissance. Vous aurez besoin d'un crayon, d'une gomme, d'un papier de soie et de deux tasses d'eau. C'est ça. Commençons notre leçon dans la prochaine vidéo. 3. Connaître vos couleurs: Dans cette section de ce cours, nous étudierons les mélanges de couleurs que vous pouvez utiliser pour créer différents cieux, comme le ciel bleu vif, ciel du coucher du soleil et le ciel sombre. Je vais également partager quelques mélanges de couleurs faciles pour nos verts, ceux que nous pouvons utiliser pour les arbres et les prairies. Commençons par le ciel bleu vif et ensoleillé. Je n'utilise que deux couleurs pour ce genre de ciel. Ils sont bleu horizon et améthyste authentiques. améthyste authentique est similaire à la violette de dioxazine. Je les mélange ensemble pour créer deux utilisations différentes. Le premier mélange a plus de bleu horizon et juste un soupçon d'améthyste authentique pour obtenir cette nuance bleue. Ensuite, le deuxième mélange se penche vers la nuance violette. Il est fait d'améthyste plus authentique et moins bleu horizon. Maintenant, comment pouvons-nous appliquer cela ? Le ciel est peint avec le mélange bleu et les nuages blancs sont la partie non peinte du papier. Nous utilisons le mélange violet pour peindre les ombres des nuages blancs. J'ai légèrement prémouillé mon papier pour obtenir un doux mélange de couleurs lorsque je peins le ciel. La partie blanche et peinte du papier est le nuage. Ensuite, pour donner de la dimension aux nuages, nous peignons les ombres des nuages à l'aide du mélange violet. Si vous voulez un ton légèrement plus foncé pour votre ombre, ajoutez simplement un peu de gris Payne à votre mélange violet et vous obtiendrez un ton plus foncé. Voyons ensuite les couleurs du ciel nocturne sombre. Nous utilisons deux couleurs, qui sont l'indigo et le gris de Payne. Nous les mélangeons ensemble pour obtenir une couleur bleu foncé en sourdine. Le ton dépend de la quantité d'eau que vous ajoutez. Si vous voulez un ciel vraiment sombre, limitez la quantité d' eau dans le mélange. Essayons ça. Je prémouille à nouveau mon papier pour obtenir un doux mélange de couleurs pour mon ciel. Maintenant, je charge mon pinceau avec beaucoup de pigments. Remarquez comment je fais les coups avec mon pinceau pour créer l' impression de nuages. N'oubliez pas la règle en perspective selon laquelle ces nuages plus proches de tous devraient avoir un ton plus sombre, alors je vais rendre ces nuages plus épais et plus sombres. Ensuite, faisons ce ciel de coucher de soleil. Nous utiliserons quelques mélanges pour ce ciel. Tout d'abord, un mélange d'ocre jaune et rouge pérylène pour obtenir une couleur orange chaude. Ensuite, nous utilisons un mélange de Amethyst Genuine, de Payne's Gray et de Violet composite pour obtenir une couleur violet foncé du ciel. En peignant le ciel du coucher du soleil, nous laissons la partie la plus brillante du soleil non peinte. Par exemple, si c'est notre soleil, je laisse une petite partie ronde non peinte, puis je commence à peindre autour de lui avec l'ocre jaune. Je passe lentement à mon mélange Orange, puis j' étale soigneusement la couleur. La couleur se mélange doucement car je prémouille légèrement le papier avec de l'eau propre avant de commencer. Maintenant, j'applique mon mélange Dark Purple commençant par le haut, puis je laisse les peintures se fondre naturellement ensemble en inclinant le papier. J'évite d'appliquer autant de coups que possible sur mon ciel pour conserver la fraîcheur et la transparence de la peinture. Encore une fois, même si ce n' est qu'une pratique, j'assombrit la partie supérieure du ciel qui est la plus proche de nous pour montrer une perspective aérienne. Passons maintenant aux couleurs que j' utilise pour peindre les arbres et les prairies. Je ne joue qu'avec l'ocre jaune, vert olive, le bleu lunaire et l'indigo. Je veux que vous vous souviez que pour construire une dimension sur vos arbres, vous devez avoir des valeurs tonales différentes sur votre tableau. Pour les tons clairs ou pour la portion des arbres éclairés par le soleil, j'utilise un mélange d'ocre et de vert olive. Ensuite, au milieu, j'utilise le vert olive et le bleu lunaire, puis la portion des arbres qui sont dans l'ombre, j'utilise mon mélange vert précédent et indigo. Prenons l'exemple de peindre les pins. Peignons des pins en arrière-plan en utilisant un mélange aqueux de couleur vert jaunâtre clair. Je tape simplement la pointe de mon pinceau pour créer la forme générale de l'arbre et je vais flouter cette partie de l'arbre. Il est important de varier la hauteur des arbres pour les rendre naturels. Attendons que cette couche sèche complètement avant de superposer les arbres de tons moyens. En attendant, laissez-moi d'abord écrire les noms des couleurs que j'utilise. Maintenant que cette couche est sèche, peignons les arbres au milieu du sol en utilisant le ton moyen. La consistance est un peu crémeuse, et ce faisant, nous pouvons différencier les arbres en arrière-plan, au milieu et au premier plan. C'est le principal avantage de placer des valeurs tonales correctes dans notre peinture. Attendons encore une fois que cette couche sèche avant de peindre le premier plan. Les arbres au premier plan doivent avoir le ton le plus sombre. Les mêmes couleurs sont utilisées pour les prairies. Faisons une petite étude de prairie ci-dessous. Je peins la petite partie du ciel, puis je commence par la partie supérieure de la prairie en utilisant de l'ocre jaune avec un peu de vert olive. De là, nous passons lentement à un mélange verdâtre. La valeur tonale devient un peu plus foncée que la première. fur et à mesure que je me rapproche du premier plan, la valeur tonale devrait être plus foncée, c'est pourquoi j'ajoute de l' indigo à mon mélange. Pour obtenir une couleur plus foncée, il suffit de contrôler l'eau de votre pinceau et aussi de votre mélange. Cela vous aidera à obtenir un mélange de couleurs saturé. C'est ça. Ce sont les mélanges de couleurs de base qui sont très utiles lors de la création de peintures de paysages. Je vous encourage à essayer cet exercice, entraîner à mélanger les couleurs que vous avez et à créer de petites études comme celle-ci pour vous aider à mieux connaître vos couleurs. 4. Pratiquer la peinture - Ciel et prairie: Une autre chose très importante que je souhaite partager est la façon de peindre le ciel et les prairies l'aide de différentes techniques d'aquarelle. Vous voyez un ciel doux et des transitions de couleurs douces ne sont possibles que si vous comprenez bien le fonctionnement de l'eau et des pigments sur du papier humide, humide ou sec. Commençons par la technique «  mouillé sur mouillé ». Quand on dit mouillé sur mouillé, c'est soit on mouille le papier avec de l'eau propre, soit on lave la peinture. En fait, cela n'a pas d'importance, mais le principe principal est que vous peignez avec un pinceau humide ou aqueux sur une surface humide. J'ai pré-mouillé mon papier avec de l'eau , puis je peins dessus avec les couleurs du coucher du soleil. Comme cette surface est humide, toutes ces couleurs que j'utilise créent un mélange doux sans bords durs. Maintenant, il existe une autre technique appelée sèche-sur-mouillé, qui est applicable à la peinture de nuages. Pour cet exemple, je vais répéter ce que j'ai fait sur l' illustration mouillée sur mouillé, mais cette fois, j'attendrai que le papier soit humide avant de superposer une autre couleur pour peindre les nuages. Cette technique est appelée sec sur humide car mon pinceau contient un mélange crémeux de peinture presque sec, puis je le peins sur un papier humide. Si j'essaie d'appliquer mon mélange sur un papier sec, le pigment est tellement saturé et pas fluide. Puisque le papier est humide, les nuages ont tous deux une forme définie conservant les bords doux. Cette technique est un peu délicate car vous devez obtenir le bon timing et le bon niveau d' humidité sur le papier. Si votre papier est encore si humide même si vous avez un pinceau sec, la peinture s'écoulera de manière incontrôlable sur la surface humide, il est donc impossible de créer des reconnaissables avec des formes douces bords. N'oubliez pas que pour peindre des nuages, nous utilisons la technique sèche sur humide. Nous peignons d'abord le ciel avec une technique mouillée sur mouillée. Attendez la bonne humidité du papier avant de superposer les nuages par-dessus. Ensuite, procédons à la technique sèche sur sec. Il est peint à l'aide d'un pinceau sec sur une surface sèche. Vous savez que vous le faites correctement lorsque vous obtenez taches blanches et peintes sur votre papier au milieu du trait. Normalement, nous utilisons cette technique pour peindre des textures ou l' éblouissement sur l'eau. Faisons une petite étude sur le paysage marin. Je peins le ciel et le fragment d'eau. Ensuite, je laisse sécher complètement celui-ci avant d'appliquer les coups de pinceau secs. Si vous appliquez le pinceau sec sur un papier humide, vous n'obtiendrez pas d' espaces non peints sur la surface. La couleur à l'eau nécessite à la fois de la vitesse et la patience selon le résultat que vous souhaitez obtenir. Je vais également partager avec vous trois techniques que j' utilise principalement pour créer des textures. La première est la technique des éclaboussures. Je charge mon pinceau avec un mélange fluide de peinture, puis je tape mon pinceau avec mon doigt pour créer des éclaboussures. Le prochain est la technique du sel. Il est nécessaire de l'appliquer lorsque la surface est humide. Si le moment est erroné, vous ne pouvez pas voir les belles fleurs que ce sel peut créer. La dernière technique est la technique de grattage. Le même principe avec la technique du sel, le timing est très important. La surface doit être humide, ce qui n'est ni trop humide ni trop sec pour créer de fortes rayures. Tous ces trois sont applicables à la peinture des prairies. Au fur et à mesure que nous apprenons à peindre les prairies, permettez-moi de partager la dernière technique qui est mouillée sur la technique sèche. Lorsque vous assistez à mes autres cours, je suis sûr que vous m'entendrez souvent rappeler l'importance de la connexion des couleurs pour apporter de l'harmonie dans l'utilisation des couleurs et pour éviter les bords durs inutiles entre couleurs. Pour créer un lien de couleur, même si nous peignons sur une surface sèche, la première couleur doit toujours être mouillée car nous peignons une autre couleur à côté de celle-ci. Si peindre à sec sur mouillé nécessite d'attendre le bon moment, peindre mouillé à sec nécessite vitesse, de sorte que la couleur précédente reste humide lorsque vous ajoutez une autre couleur et empêchez la création dure bords. Pratiquons la peinture à l'aide de la technique mouillée sur sec. J'ai peint ce type en utilisant mouillé sur sec. Même si le papier est sec, j'ai évité d'avoir des bords durs à cause du lien de couleur que j' établit entre les couleurs. La même chose que nous faisons lorsque nous peignons les prairies. Encore une fois, le papier est sec, je commence par une couleur chaude sur la prairie, puis je passe au vert. Je m'assure de relier ce vert au fragment orange alors qu'il est encore mouillé. Puis j'ai continué peindre une couleur vert foncé au premier plan. Remarquez la continuité des couleurs sur la prairie. Appliquons maintenant les techniques d'éclaboussures, de sel et de rayures. Les éclaboussures apportent des effets différents en fonction de la taille du pinceau et de l'humidité du papier. Mais pour la technique du sel et des rayures, n'oubliez pas de les faire pendant que le papier est encore humide. Puisque nous savons déjà comment et quand utiliser différentes techniques d' aquarelle, comment construire une connexion couleur et comment créer différentes textures intéressantes, je vous verrai sur la prochaine vidéo et Parlons de la conception de la page de votre carnet de croquis pour créer des mises en votre carnet de croquis pour créer page et une composition intéressantes. 5. Concevoir la page de votre carnet de croquis: La création d'un concept sur votre page est aussi importante que de connaître les bases de l'aquarelle. choix de notre sujet principal, la distribution des éléments et la façon dont nous les organisons dans la page de notre carnet de croquis doivent être faits manière à représenter une histoire. Nous ne nous contentons pas d'intégrer tout ce que nous avons en tête et laisser des éléments aléatoires se regrouper dans une seule page, nous voulons que notre page un concept global et, surtout, une histoire à raconter. Il existe des façons illimitées de mettre en page votre page, et je vous encourage à vous sentir libre d'explorer et de jouer avec différentes tailles et formats. Vous pouvez essayer le format carré, circulaire, portrait, paysage ou même sans bordure une fois. Mais permettez-moi de partager quelques directives que j'utilise lorsque je conçois mon carnet de croquis pour le rendre plus intéressant. Lorsque je divise ma page en plusieurs séquences, je m'assure que mon tableau principal occupe la majorité de la page. J'attribue une autre petite section à un élément qui soutient le sujet principal. Cet élément pourrait être une vue détaillée d' un objet particulier lié à mon sujet principal. Par exemple, dans cette diffusion, mon sujet principal est ce paysage de ferme. Un souvenir particulier que j' ai en séjournant dans cette ferme est de profiter de la chaleur du feu de joie. Notez que la peinture de paysage occupe la majeure partie de la propagation, puis je positionne le feu de joie sur un format portrait en bas à droite de la page pour maintenir l'équilibre. Enfin, j'ai placé les notes de couleur juste en dessous du sujet principal pour compléter la diffusion. J'aime indiquer des notes de couleur sur la page car cela m'aide à rappeler les mélanges de couleurs que j'utilise pour une peinture particulière. Vous pouvez également mettre quelques notes sur le côté comme la recette de couleur, le nom du lieu et la date du tableau. 6. Ébauche au crayon: Appliquons tout ce que nous avons appris et peignons cette page de notre carnet de croquis. Pour notre croquis au crayon, je décide d'abord où positionner notre sujet principal. Je vais peindre un champ de coucher dans un format paysage et je veux le placer ici sur la partie droite de la page. Normalement, je n'utilise pas de ruban de masquage autour de mon carnet de croquis, mais si vous voulez avoir une bordure nette, vous pouvez en utiliser un. Je dessine un croquis léger de la bordure et la taille est supérieure à la moitié de la page. Ensuite, à gauche, j'utiliserai cet espace pour peindre l'image de fleurs sauvages en gros plan. L'esquisse au crayon du terrain est assez simple. Je dessine juste une pente commençant par la partie supérieure, en descendant. Je vais placer le soleil sur le côté gauche et je vais juste mettre un croquis de guide le positionnement des arbres principaux. Je vais dessiner des formes rondes aléatoires ici dans la prairie pour représenter des fleurs sauvages blanches au premier plan et des fleurs minuscules au milieu du sol. Le gros plan des fleurs sauvages blanches, je dessine juste quelques fleurs dans des positions aléatoires. Imaginez-vous simplement transporté dans un magnifique champ de coucher de soleil rempli de fleurs sauvages. Gardez votre croquis léger et simple. Nous laisserons l'aquarelle faire le travail en détail. Maintenant, je garde cette partie sous le paysage vide car je vais l'utiliser pour peindre des notes de couleur. Je vous verrai dans la prochaine vidéo de la partie peinture. 7. Peindre le paysage: Puisque nous allons peindre sur une petite surface, je ne ferai pas la technique humide sur mouillé. Lorsque vous peignez sur des carnets de croquis, vous pouvez empêcher votre papier de se déformer en contrôlant la quantité d'eau contenue dans vos lavages. Ainsi, notre processus de peinture se fera à l'aide de la technique humide et sèche. Cela signifie que nous appliquerons le principe de la connexion des couleurs pour éviter les bords durs inutiles dans le ciel dans les prairies. Pour que vous ayez une idée, c'est le paysage couchant que nous allons peindre. Si vous regardez cela, nous laissons la partie la plus brillante du soleil non peinte pour faire briller la lumière. Nous commençons à colorer la zone qui l'entoure avec l' autre ocre, puis nous passons à la couleur orange puis violette. Maintenant, dans la prairie, il y a lumière réfléchie sur le terrain. Nous commençons à nouveau avec une couleur chaude, puis nous passons lentement au vert moyen et enfin au vert foncé au premier plan. J'ai utilisé la technique humide et sèche ici. n'y a pas de bords durs entre les transitions de couleurs en raison de la connexion des couleurs. La dernière étape consiste à peindre les pins en arrière-plan. Les arbres près du soleil ont des tons plus clairs et ils s'assombrissent à mesure qu'ils s' éloignent du soleil. Je n'utiliserai pas de liquide de masquage pour préserver ces taches blanches pour les fleurs blanches, ce que je ferai c'est de sauter ces taches lorsqu'elles peignent le premier plan. Commençons à peindre. J'utilise de l'ocre jaune et je suis la zone autour du soleil. Prochaine. J'adoucit à l'aide d'une brosse propre la partie interne du cercle pour avoir un bord doux. Maintenant, je prends un mélange orange et connecte à mon jaune alors qu'il est encore mouillé. Le secret ici est de bouger un peu vite pour que les peintures ne soient pas sèches. [MUSIQUE] Je peins l'horizon avec une couleur chaude et utilise simplement de l'eau pour adoucir la couche de peinture. [MUSIQUE] Encore une fois, alors que ma couleur orange chaude est encore humide, je peins le ciel violet et je laisse les couleurs se connecter et se fondre ensemble en quelques traits. J'ai juste dit que vous préparez votre mélange de couleurs à l'avance afin que vous ne vous sentiez pas trop pressé ou pour éviter la panique. [MUSIQUE] Vous pouvez incliner votre papier à un angle pour que les peintures se fondent dans flux vers le bas au lieu d' utiliser votre pinceau pour fondre les couleurs. Plus vous faites de coups, vous augmentez le risque de rendre les couleurs boueuses. [MUSIQUE] Maintenant que le fragment de ciel est terminé, j'adoucit le bord par l'horizon avec une brosse propre et humide. Cela empêchera mon travail d'avoir un bord dur entre le ciel et la prairie. Cela vous donnera également un temps supplémentaire pour préparer vos peintures. J'incline ma planche pour éviter que l'eau ne coule au-dessus de mon ciel, créant des fleurs indésirables. Je recommence avec une couleur jaune orangée juste en dessous du soleil pour montrer la partie éclairée de la prairie. Ensuite, je passe à une couleur verdâtre. [MUSIQUE] Remarquez comment nous faisons mon pinceau pour créer les traits. mesure qu'ils approchent du milieu, je passe à un ton vert plus sombre. N'oubliez pas de sauter quelques taches blanches pour les fleurs sauvages. [MUSIQUE] Au premier plan, la valeur tonale doit être vert foncé et le mélange est très saturé. [MUSIQUE] Assombrir d'autres taches, surtout celles situées à côté des fleurs blanches pour créer un contraste élevé. [MUSIQUE] Bien que le fragment soit encore humide, nous pouvons gratter certaines zones dans la partie inférieure droite jusqu' aux lames d'herbe. [MUSIQUE] Je vais également éclabousser quelques peintures et j' essaie d'éviter d'éclabousser de peinture sur le ciel, alors je change la direction de mon pinceau. [MUSIQUE] Enfin, je vais déposer quelques quantités de sel sur certaines zones juste pour ajouter un peu de texture. [MUSIQUE] Nous allons laisser cette couche sécher complètement avant de peindre les arbres. Je vous verrai sur notre prochaine vidéo. 8. Peindre les arbres: Maintenant que cette zone est déjà sèche, il est temps de peindre les pins. abord, nous devons utiliser une brosse synthétique avec une pointe pointue afin de pouvoir créer les traits fins. Nous partons des arbres près du soleil. Rappelez-vous notre leçon d'utilisation des valeurs tonales correctes afin montrer la profondeur lorsque vous peignez des arbres. Même si nous utiliserons une couleur orange pour les arbres près du soleil, la valeur tonale doit être claire puisque nous peignons des arbres en arrière-plan. Je crée un mélange aqueux d'ocre et ai enterré en rouge pour les arbres les plus proches du soleil. Évitez de couvrir les fragments de soleil pour ne pas perdre la lumière. Ensuite, je fais un mélange verdâtre avec légère valeur tonale pour peindre les arbres à côté des tons orange. Petit à petit, je passe à un ton légèrement plus sombre parce que nous nous éloignons du soleil. Vous remarquerez qu'il y a un bord dur gênant entre la base des arbres et le contour de la prairie. Ce que je vais faire, c'est d' obtenir une brosse propre et humide et d'adoucir doucement le bord pour le mélanger à la prairie. Pendant que vous continuez à peindre les pins, assurez-vous de varier la hauteur de l'arbre pour les rendre naturels. Je répète le même processus d'adoucissement de la base des arbres pour obtenir un mélange doux. Les arbres deviennent maintenant plus foncés, et le mélange que j'utilise est plus saturé à mesure que j'atteins le bord. Vous pouvez laisser tomber quelques couleurs après avoir ramolli la base de l'arbre pour ajouter de la texture. Nous allons maintenant peindre les arbres à gauche. Nous répétons le même processus en commençant par une valeur tonale claire qui devient sombre lorsque nous atteignons l'autre partie du papier. J'adoucit encore la base des arbres à l'aide d'une brosse propre et humide. Ajoutons maintenant des détails sur les prairies. J'ai d'abord éclaboussé d'autres peintures oranges ici au milieu du sol pour montrer une impression de fleurs. J'utiliserai également ma consistance beurrée d'ocre pour peindre le centre des fleurs blanches. Maintenant, nous en avons fini avec le paysage. Complétons la page en peignant les fleurs blanches ici sur la vidéo suivante. 9. Terminer votre page: Au fur et à mesure que nous peignons ce bouquet de fleurs, nous allons adopter l'approche de peinture négative. La peinture négative est comme peindre autour de la forme avec une couleur plus foncée, puis nous estompons la peinture au fur et à mesure que nous allons plus loin. Nous conservons les taches blanches pour montrer une impression de fleurs blanches, puis nous peignons autour d'elles à l'aide de notre mélange de légumes verts différents. Nous maintenons la connexion des couleurs en ajoutant des couleurs alors que le calque précédent est encore humide. Le truc ici, c'est autant que possible, il faut bouger un peu plus vite pour avoir une peinture parentale d'entrée très lâche. Nous ne visons pas une œuvre botanique. C'est pourquoi nous n'avons pas besoin de nous concentrer sur les détails. [MUSIQUE] Nous laissons l'aquarelle se déplacer sur la surface humide en appliquant différentes quantités d'eau dans des zones aléatoires. J'utilise également mon autre pinceau avec l'eau propre pour adoucir les bords, sur la partie extérieure. [MUSIQUE] J'assombrit les zones juste à côté des points blancs pour qu' il y ait plus de contraste. Je me déplace un peu plus vite car certaines zones sont sèches. Ici, sur les parties supérieures, j'ajoute un mélange aqueux d'ocre juste pour casser les légumes verts. Ensuite, je rends la zone de base de cette section un peu plus sombre en utilisant plus d'indigo. [MUSIQUE] En dernière étape, j'ajoute un peu plus d'ocre jaune et j'éclabousse quelques peintures pour obtenir de la texture. [MUSIQUE] J'ajouterai des points d' ocre jaune au centre des taches blanches et je terminerai en grattant certaines parties pour montrer l'illusion de tiges ou d'herbe. [MUSIQUE] Terminons la page en peignant nos notes de couleur. Je viens de récupérer les restes de peinture de ma palette, et un à un les peindre ci-dessous. [MUSIQUE] N'oubliez pas de noter le nom du lieu et la date, pour garder la mémoire. [MUSIQUE] J'espère que vous avez aimé créer des peintures paysagères sur notre carnet de croquis. Voici notre carnet de croquis aquarelle. [MUSIQUE] 10. Projet de cours et réflexions finales: Nous sommes arrivés à la fin de notre cours. Merci beaucoup de vous être joints à moi jusqu'ici. Rappelez-vous toujours que c'est tout à fait normal si vous ne le comprenez pas lors de votre premier essai. Ne vous découragez pas, mais continuez à essayer. répétant le processus, vous apprendrez quelque chose de nouveau sur votre peinture, papier et votre pinceau. Je vous suggère de revenir en arrière et de revoir les parties importantes, comme le mélange de couleurs et de pratiquer la peinture à l'aide différentes techniques d'aquarelle pour vous familiariser avec le contrôle de l'eau et des pigments. Observez comment je tiens le pinceau, créez des traits et préparez mes mélanges d'eau car ils sont nécessaires pour avoir une bonne peinture. Pour notre projet de classe, peignez le même carnet de croquis que dans ma démo. Je suis ravi de voir votre travail, alors partagez-le avec moi dans la section projet de ma classe. Si vous trouvez que mon cours vous est utile, j'apprécierais également de recevoir un avis de votre part. Je télécharge de nouveaux cours presque chaque semaine, alors n'oubliez pas de me suivre ici et sur Instagram pour que vous sachiez quand j'ai de nouveaux cours pour vous. Je vous invite également à explorer différents sujets de peinture avec moi. J'ai d'autres cours sur la peinture figures humaines, de paysages marins, paysages, de fleurs, de style de peinture lâche et impressionniste, etc. J'espère que vous avez apprécié mon cours autant que moi et que vous verrez bientôt.