Transcription
1. Promo du cours: Oui. Oui.
2. Structure du cours: ce cours est divisé en deux parties. La première partie porte sur l'instrumentation et la deuxième sur l'orchestration. instrumentation est une étape importante et nécessaire, car on ne peut pas écrire pour orchestre. Si vous ne connaissez pas les instruments individuels de l'orchestre dans la première partie, vous apprendrez comment chaque instrument est construit, comment ils produisent du son, comment ils sont correctement notés. Ils jouent dans des plages de sons, caractéristiques de
registre, des capacités
dynamiques et des techniques de jeu courantes. En partie, vous avez appris les concepts de base pour l'écriture pour orchestre, y compris la façon de créer et d'utiliser efficacement différents Tambor et textures. Les meilleures méthodes pour marquer les cordons,
les rôles que chaque instrument et chaque section jouent dans l'ensemble, comment préparer correctement les parties de notation et comment prouver avant de publier le cours se termine par une section entière de orchestration, conseils et techniques. Il y a aussi un certain nombre de tableaux de référence utiles en annexe. À la fin de chaque section, vous recevrez des tâches de lecture et d'écoute, des tâches composition ou un quiz. Un élément essentiel de l'étude de l'orchestration est la notation des scores, et donc tout au long du cours, vous serez invité à lire les partitions. Il y a quelques extraits de score dans le cours, mais la majorité de la lecture des partitions se fera par vous-même. Il y a une raison importante à cela. Suivre un cours d'orchestration est un bon début pour apprendre à écrire pour orchestre. Mais la seule façon de devenir vraiment compétent et compétent dans cette forme d'art très complexe est de passer une vie d'étude de partitions à travers une vie d'expérience acquise par l'
écriture réelle pour orchestre, cela ne peut pas être suffisamment souligné. ne s'agit pas d'un cours de théorie musicale ou de composition musicale. Ce cours a été écrit pour des personnes qui ont déjà une base fondamentale en théorie de la musique , y compris la notation musicale et la composition musicale. Si vous avez besoin ou souhaitez développer vos connaissances dans ces domaines, veuillez consulter les cours suivants.
3. Ressources: Lorsque vous étudiez l'orchestration, il est essentiel que vous ayez accès aux partitions et aux enregistrements. Votre accès aux partitions se fera par le biais du projet International Music Score Library ou je suis slp I'm S O. P est une base de données en ligne des partitions qui sont dans le domaine public. La base de données contient des centaines de milliers de partitions de milliers de compositeurs, et elle est totalement gratuite. Vous pouvez rechercher par compositeur ou simplement taper le nom de la paix. Le site Internet l'est. Je suis la note de slp dot org. Certaines des partitions que vous rencontrez peuvent contenir des noms d'instruments et des abréviations dans des langues autres que l'anglais. Veuillez consulter l'annexe pour obtenir un tableau avec les traductions en anglais. Vous trouverez également dans l'annexe une liste de conseils et de stratégies pour vous aider dans votre score Études. Bien que je suis SLP a parfois des enregistrements. Votre accès principal aux enregistrements sera via Spotify Spotify en tant que
service de streaming numérique avec une quantité de chansons, et c'est un service entièrement gratuit. Vous pouvez utiliser Spotify sur votre ordinateur ou télécharger le haut pour l'utiliser sur votre appareil mobile. Le site Web est Spotify dot com. La dernière ressource dont vous aurez besoin est un logiciel de notation musicale pour terminer les tâches
de composition. Si vous ne possédez actuellement aucun logiciel de notation, vous pouvez en télécharger un gratuitement sur Muse score DOT ou GTA.
4. Noter Pitch scientifique: l' une des méthodes utilisées dans ce cours pour spécifier les gammes d'instruments sera l'imitation scientifique du
tangage, également connue sous le nom d'initiation internationale du tangage. Si vous n'êtes pas familier avec elle, vous devrez l'être. Voici un schéma d'un clavier de piano pour illustrer le fonctionnement de la méthode Octaves Air distingué par un nombre et une lettre. Le voir le plus bas sur le piano est marqué C un Pitches à droite de C un sont également étiquetés avec le numéro un D un e un F un etcetera. Les emplacements à droite de C deux sont également étiquetés avec le numéro deux de deux e deux F deux etcetera, le plus bas A et B sur le piano ou les étiquettes avec zéro. Voici à quoi ressemble la méthode dans la forme de notation de portée.
5. Quiz 1:
6. Construction et production du son (fictifs):
7. C'est à brosser: l' arc est normalement tracé à travers la corde à mi-chemin entre le pont et la touche afin de modifier la qualité du son. artiste de l'OMS peut également dessiner l'arc à travers la ficelle dans une variété d'autres endroits ? Cela sera couvert dans les vidéos sur les techniques de jeu. Lorsque l'artiste dessine l'arc à travers les cordes du talon à la pointe, il est appelé un arc vers le bas. Un arc vers le bas est noté avec le symbole suivant placé au-dessus de la note. Lorsque l'artiste dessine l'arc à travers les cordes de la pointe à l'enfer, il est appelé un arc vers le haut. Une ne Po est notée avec le symbole suivant placé au-dessus des notes dans la musique à cordes. Le symbole de slur est également utilisé pour savoir. Prenez toutes les notes de Boeing sous une fois pour ou jouez dans une direction d'arc. Dans cet exemple, les 2 premières notes qui ont joué avec un arc vers le bas. Les quatre notes suivantes sont jouées avec un arc vers le haut sur le dernier jeu remarqué avec un arc vers le bas. N' utilisez pas d'insultes pour indiquer des phrases dans la musique. Cela ne fera que confondre l'artiste. Slur ne doit être utilisé qu'indiquer Boeing s'il n'y a pas d'insultes. Un interprète changera la direction de l'arc sur chaque note. Voici le même exemple. Sans insultes, il serait joué vers le bas, vers le haut, vers le
bas, , vers le
haut, haut, vers le bas. Il y a, bien
sûr, une limite. Comment ? Maney note un interprète, s'est plaint d'un arc. Cela dépend de quelques facteurs, plus évident du tempo de richesse. Plus le tempo
est rapide, plus un artiste peut jouer avec un arc. L' autre facteur est la dynamique. la dynamique est silencieuse, plus un artiste peut jouer avec un arc. C' est parce qu'il y a moins de pression de bateau nécessaire pour jouer tranquillement. De plus, la pression équivaut à plus de temps pour voyager d'ici à la pointe. Plus de pression équivaut à moins de temps pour voyager d'ici à la pointe. Par exemple, les éléments suivants peuvent être joués dans un arc. Si joué allegro et piano, il ne peut pas être joué 21 arc s'il est joué. Addazio et Forte. Si vous voulez un passage à jouer llegado mais ne pensez pas que vous pouvez adapter toutes les notes. Une voix. Ne vous inquiétez pas. Un bon interprète peut changer. direction de l'arc sans avis sera audible pause à l'auditeur. C' est l'un des avantages des cordes par rapport aux bois et au laiton. Comme il n'y a pas besoin pour l'artiste de prendre une respiration. Ils peuvent continuer à jouer une note indéfiniment. Il est important d'éviter d'encombrer votre partition avec Boeing pour chaque note d'une pièce ici, pièce ici,
deux exemples de Boeing trop marqués . Tout ce qui était vraiment nécessaire dans ces exemples était le premier vers le bas, la remarque et toutes les insultes. En fait, même le premier marquage vers le bas du bateau aurait pu être laissé de côté, et les artistes auraient encore su quoi dio. Rappelez-vous que les joueurs de cordes ont été allés depuis qu'ils ont commencé les leçons, et ils comprennent, presque instinctivement quand changer de direction bro. Par exemple, les artistes joueront normalement un optimisme avec un arc en haut, car un optimiste est une plage plus faible jouant, mais cela a du sens puisqu'il est plus difficile d'appliquer pression du
bateau sur les cordes lors de la lecture de votre pointe. C' est parce que la pression vient de votre main, qui tient le talon de l'arc. downbeat D' autre part,
le est normalement joué avec un jambo, puisque le downbeat est un beat plus fort. Jouer un arc vers le bas a du sens, car il est plus facile d'appliquer à la fois la pression sur les cordes jouaient près du talon. Le même principe s'applique aux crescendos et aux
insinuations. Les artistes utiliseront un arc vers le haut pour crescendo de sorte que de plus en plus sur les pressions appliquées aux cordes, comme il nouvelles de T guérir vers le bas est normalement pour les insinuations dim que de moins en moins de
pressions de bateau appliquées aux cours d'eau comme il se déplace de l'enfer à la pointe. Donc, si les interprètes comprennent déjà quand changer la direction de l'arc, pourquoi écrire Boeing dans tout ça bien, un compositeur, droits d'
orchestre et Boeing parce qu'ils veulent que les choses soient jouées et sonnent d'une manière très spécifique. Un seul passage pourrait être voter d'innombrables façons possibles dans chaque sens sonnant légèrement différent . Un des exercices inestimables. Un compositeur débutant pour orchestre est d'écrire le même passage avec de nombreux
Boeing différents , puis de faire jouer par un joueur de cordes pour vous. De cette façon, vous aurez une idée de la façon dont les différents Boeing pourraient affecter grandement le chemin de passage. Sons
8. Quiz 2:
9. Violin: le violon est l'instrument à cordes inclinées le plus élevé. Un violon de taille pleine mesure 14 pouces de longueur et a bien joué. Niché entre le menton et l'épaule gauche, il est doigt avec la main gauche et incliné ou pincé avec la main droite. Un orchestre de taille standard compte généralement 32 34 joueurs avec 16 18 violons 1er et 14 à 16 2e violence. La musique pour violon est écrite en difficulté, Clough et Sons tels qu'écrits. Il s'agit d'un instrument non transposant. Voici la portée du violon montrée sur la portée et sur le clavier en utilisant la notation scientifique de
hauteur. Il est à noter qu'une fois qu'un joueur dépasse un six, il devient plus difficile de jouer car il y a moins d'espace pour les doigts sur la touche. Et parce que le pouce ne peut plus stabiliser correctement la main dans nos paramètres douaniers, il est généralement préférable de ne pas juste au-dessus des sept. Puisque tout ce qui précède est vraiment plus approprié pour les joueurs de chambre et les solistes. Le violon a quatre cordes, chacune à 1/5 de distance, G. D. A. Et le schéma suivant montre la numérotation des cordes. La chaîne la plus élevée est numérotée est une sur tous les instruments à cordes inclinées, tous les instruments à cordes inclinées ont généralement les mêmes caractéristiques de registre. La partie inférieure de la gamme est plus marquée. La partie centrale est plus chaude et la partie supérieure est plus lumineuse. Outre les caractéristiques du registre général, chacune des quatre cordes a son propre son distinct. De nombreux mots différents ont été utilisés pour décrire les différences de caractéristiques. Voici quelques-unes des descriptions les plus courantes des quatre cordes de violon. La chaîne G est référencée à son profond et plein. La chaîne D est appelée une chaîne plus faible mais chaude. La chaîne A est référencée à un bonbon. La chaîne e est appelée brillante. Les joueurs de chaîne passeront automatiquement de chaîne à chaîne est nécessaire. L' orchestre du compositeur n'a pas besoin d'indiquer dans la partition quand jouer sur quelle chaîne. Il y a une exception à cela. Lorsqu' un orchestre compositeur désire un son particulier, il peut demander au joueur d'effectuer un passage entier sur une seule corde. Par exemple, si l'orchestre du compositeur veut qu'un passage de violon particulier sonne plus intense, il peut demander à l'interprète de jouer tout le passage sur la corde en G. Ceci est indiqué par les mots vendus g au-dessus des notes dans la partition ou une âme. R. Par exemple, si vous vouliez toute la plaque de passage sur la corde A, lorsque le compositeur orchestrateur ne souhaite plus que l'orteil joue uniquement sur une
corde particulière , le terme ord signifie ordinaire, devrait être placé au-dessus des notes de ce score typiquement et instrumenter
les capacités dynamiques très dans sa plage de plan. Une bonne chose à propos des cordes par rapport aux bois et au laiton est les capacités dynamiques. Ne changez pas avec la dynamique de registre de triple P. Deux doubles F pourraient être effectuées dans toute la gamme de la violence.
10. Viola: L' alto est le deuxième instrument à cordes inclinées le plus élevé. Il est plus profond, leur
envoyant le violon mais plus haut son que le violoncelle. Une villa pleine grandeur mesure environ 16 pouces de longueur. Il est joué de la même manière que le violon. Un orchestre de taille standard compte généralement de 10 à 12 joueurs. La musique pour alto est écrite en clef alto. Si vous n'êtes pas familier avec Clough, vous devrez vous familiariser avec lui afin d'écrire de la musique pour la villa. Fondamentalement voir pour ou milieu C est la ligne médiane dans Aussi, Cliff. Ne jamais écrire des pièces d'alto dans la base. Clough. Juste parce qu'il est plus facile pour vous, l'ancien est généralement ne savent pas comment lire la toux et les ennuis basés. Clough ne doit être utilisé que lorsque cela est nécessaire afin d'éviter un trop grand nombre de lignes comptables. Changez de falaise si vous écrivez des notes supérieures à trois ou quatre lignes de livre au-dessus de la portée. Voici la gamme de l'alto montrée sur la portée et sur le clavier du piano. En notation scientifique, la vidéo a quatre cordes, chacune réglée à cinquième,
C, C, G D et A. La chaîne la plus basse C est la seule chaîne que la villa n'a pas en commun avec le violon. Comme pour tous les instruments à cordes inclinées, la corde la plus élevée est considérée. La première chaîne a déjà mentionné les villas. corde C est la seule corde que l'instrument n'a pas en commun avec le violon. Pour cette raison, le son de la corde de mer est le son d'alto le plus unique. Il est souvent fait référence à un sombre ou interdisant les deux cordes du milieu. G et D ont une qualité similaire aux cordes correspondantes sur le violon, mais plus sombre. De nombreux modèles de type d'accompagnement sont joués sur ces deux cordes, et ils sont donc parfois appelés les cordes d'accompagnement. La vue est la plus haute chaîne A est brillante. Bien que non aussi brillant que la plus haute corde du violon, il a une qualité
plus dure, plus nasale. Comme pour tous les instruments à cordes inclinées, les capacités dynamiques ne changent pas. Avec la dynamique de registre de triple P, deux doubles F pourraient être effectuées dans toute la gamme de la villa
11. Cello: le violoncelle est le deuxième instrument à cordes inclinées au son le plus bas. vente est plus profonde dans l'alto mais plus forte que la contrebasse. Un violoncelle pleine grandeur mesure environ quatre pieds de haut. Le violoncelle est joué en position assise. L' instrument est tenu entre les genoux, le cou du violoncelle reposant sur l'épaule gauche des joueurs. Comme pour tous les instruments à cordes d'arc, il est doigt avec la main gauche et incliné avec la main droite. Il y a une goupille réglable qui sort du bas du violoncelle et repose sur le sol pour aider à empêcher le violoncelle de glisser tout en jouant. Un orchestre de taille standard compte généralement de 10 à 12 violoncelles. La musique pour violoncelle est écrite en base Clough et Sounds telle qu'elle est écrite. C' est un instrument non transposant clef ténor et trouble Clough ne sont utilisés que lorsque cela est nécessaire afin d'éviter trop de fentes de commutation législatives. Si vous écrivez des notes supérieures à trois ou quatre lignes du grand livre au-dessus de la portée, partitions
plus anciennes auront parfois de la musique de violoncelle écrite en difficulté. Clough et sonnant une octave inférieure à celle écrite aujourd'hui, toute la musique écrite dans des sons de toux de voyage telle qu'écrite ici est la portée du violoncelle montrée sur la portée et sur le clavier en utilisant la notation scientifique de hauteur. Oh, la gamme donnée ici est la gamme standard pour la section violoncelle. Bien que certains joueurs professionnels puissent aller aussi haut que E 6, le violoncelle a quatre cordes, chacune étant réglée à cinquième. C G D N A. Ces quatre cordes à air accordé un coup de plus bas que les quatre cordes de l'alto. Bien que le violoncelle ait le même accord est l'alto seulement une octave inférieure ? Cela semble beaucoup plus riche et très distinct. Voici quelques descriptions courantes de la qualité de tonalité de chaque chaîne. La corde C est référé à son riche et vu onéreux. La corde G est référé à son plus faible mais chaud. La corde en D est référé à son luxuriant et captivant. La ficelle A est appelée brillante et percante. Notez que les mélodies de coquille sont généralement jouées sur une chaîne. Le premier actif de la corde est idéal pour les mélodies expressives, mais au-dessus de la première intonation active, des problèmes se poseront. Dynamique du triple P deux doubles F peut être réalisée dans toute la gamme du violoncelle
12. Bass à double basse: La contrebasse, également connue sous le nom de base de la basse droite, est l'instrument à cordes d'arc le plus grand et le plus sonore. Il fait environ six pieds de haut. Contrairement au violoncelle repose sur une goupille réglable au bas de l'instrument. Pour aider à maintenir l'instrument en place pour jouer la base effectue debout ou
assis sur le tabouret. Un orchestre de taille standard dispose généralement de 8 à 10 contrebasses. La musique pour contrebasse est écrite en base Clough Tenor Clef In Trouble Club pour être utilisée uniquement si nécessaire afin d'éviter un trop grand nombre de lignes de livres, La contrebasse est le seul instrument à cordes inclinées qui sonne une octave inférieure écrit. Cela signifie que si cela est écrit, cela sera joué. Contrairement au violon, alto et au violoncelle, dont les cordes sont réglées à 1/5, les cordes de la contrebasse sont retournées 1/4 d'écart. E A. D et G vous aident à mémoriser les cordes. Remarqué qu'il ya simplement l'ordre inverse des cordes de violon G d. A.
Any . Voici la gamme standard de la contrebasse. La plupart des bases d'orchestre professionnels ont une extension C, qui prolonge l'est vers le bas d'un tiers majeur pour en voir un. Certains instruments de contrebasse ont étendu la portée par l'ajout de 1/5 cordes réglées pour en voir un. Parfois, cette cinquième chaîne est réglée pour être nulle. Pour être en mesure de jouer encore plus bas a un étudiant d'orchestration débutant. Vous ne devriez pas juste en dessous de la chaîne e off . Le terrain est produit sur le Jean. De Strings sont également dans la gamme Chela. Ils ont une qualité plus dure à la contrebasse. La corde A est riche en son clair, tandis que la corde E est extrêmement sombre et menaçante. La corde E a un volume si important qu'elle peut supporter la base de tout l'orchestre. Il convient de noter que les hauteurs inférieures de la contrebasse ont tendance à être un peu lentes et à prendre plus de temps pour le son. En outre, il y a un peu de réverbération après le plan des sous-marins du joueur jusqu'à 10 secondes sur la chaîne ouverte la plus élevée. Les joueurs devront souvent arrêter physiquement les ficelles avec leurs mains, et la réverbération est nécessaire. Dynamique de triple P deux double F peut être réalisée dans toute la gamme de la
contrebasse contrebasse
13. Quiz 3:
14. Étude et l'écoute des tâches (sec.3):
15. Vibrato (cordes): nous avons déjà appris à arrêter la corde vibrante avec un doigt contre la touche. Si le doigt bascule d'avant en arrière tout en appuyant sur la
ficelle, il enrichit le ton. C' est ce qu'on appelle vibrato. Plus le performer bascule son doigt d'avant en arrière, plus
le vibrato est rapide. Le plus lent bascule leur doigt d'avant en arrière, le plus lent. Le vibrato pour plus large est tellement banal pour les joueurs de cordes qu'il n'est même pas noté sans vibrato. Le ton est terne et pâle Sandy. Si l'orchestre du compositeur désire un son pâle, il doit connaître Tate, non vibrato ou sens de l'étranger. Oh au-dessus des notes dans la partition. Pour revenir à jouer avec vibrato, placez le mot vibrato ou norme ou ord dans la partition. Pour un son romantique plus expressif avec beaucoup de Labrada savoir Tate multi vibrato librato est facilement réalisée sur tous les bateaux. Les instruments à cordes, techniquement un joueur de cordes, ne peuvent jouer jamais amené sur une corde ouverte, puisque leur doigt n'arrête pas la corde et ne peut donc pas se balancer d'avant en arrière. Ils peuvent, cependant, produire un effet vibrato sur une chaîne ouverte, tandis que Boeing, la chaîne ouverte de l'artiste, peut doigt le même pas inactif, plus haut ou plus bas sur les ficelle et rock leur doigt. Les vibrations sympathiques feront sonner comme si la corde ouverte est jouée pour plus large.
16. Legato et détestes: tous les instruments à cordes inclinées sont capables de jouer llegado et les données. Shea Llegado joue doucement de sorte que l'air des hauteurs enfilés ensemble, insultes de
façon transparente ou utilisé pour connaître Tate llegado toutes les notes sous une slur seront jouées dans une direction avec l'arc et sonneront llegado. Nous avons appris dans la conférence sur Boeing qu'il y a une limite au nombre de notes pouvant être jouées dans un arc, ce qui varie en fonction du tempo et de la dynamique. Ne vous inquiétez pas d'un passage avec de nombreuses insultes consécutives ne sonnant pas llegado en raison de tous les changements dans
la direction de l'arc, un bon joueur de cordes peut changer la direction de l'arc sans une pause audible perceptible. Est-ce O. Shea est fondamentalement non McGarr jouer où chaque avis joué avec une direction d'arc séparée . Elle est notée par le manque d'insultes. Cet exemple serait joué en alternant entre l'arc vers le bas et le haut Oh, violon, alto, violoncelle, contrebasse, violon, alto, violoncelle, contrebasse
17. Portato: Apartado est essentiellement llegado jouer avec une très légère séparation des notes. Elle est notée par une combinaison de marques et d'insultes Tenuta. Dans cet exemple, les 4 premières notes seraient jouées vers le bas arc, et les quatre prochains sait seraient joués jusqu'à Bo.
18. Staccato et Spiccato: les deux staccato et parler Otto sont notées avec le point placé au-dessus ou sous la tête de la note. Les notes écrites sont jouées pendant environ la moitié de leur durée, ce qui crée un espace entre les deux. Le son, fois staccato et parler Otto sont joués avec court séparé, les deux coups et leur possible sur tous les instruments à cordes inclinés. La différence entre les deux techniques est qu'avec le staccato, le bateau ne quitte pas la corde, alors qu'avec le mot Otto, le bateau rebondit sur et hors de la corde. L' artiste accomplit ce rebondissement en balançant le bateau d'avant en arrière en forme de V, ou en forme ou en demi-cercle. Un interprète déterminera généralement quand jouer au staccato contre Picado, mais des choses comme le tempo et la dynamique. Si l'orchestre compositeur il souhaite qu'un passage soit joué avec un rebond de la corde, alors ils doivent écrire les mots Speak Otto dans la partition. Slurred, staccato et slur parlent Otto sont également possibles. Plutôt que d'utiliser des traits d'arc séparés pour chaque note, l'interprète jouera toutes les notes lissées dans une direction d'arc. Les notes sont encore jouées 1/2 leur durée pour créer de l'espace entre les deux, chaque son lissé, staccato et démarre picado sont notées de la manière suivante. Violon, alto, violoncelle, contrebasse
19. Trills (cordes): une trille est une alternance rapide entre le pas noté et le pas d'un pas plus haut dans ce majeur particulier, un mineur. Il l'image un pas plus haut dans le il est appelé les oeufs Ilya. Très riche froid air notée avec le TR ou un TR avec une ligne ondulée placée au-dessus de la note. Voici une approximation de la façon dont ce vrai pourrait être joué. Le nombre exact d'Alternations, bien sûr,
dépend
de la longueur de la note, et le tempo du passage montre qu'elle est possible sur tous les instruments à cordes inclinés pour jouer une trille. L' avis écrit a pointé le doigt sur la corde tandis que dans les doigts adjacents appuie et libère la hauteur
exhilarante très rapidement pendant toute la durée de la note rouge. La plupart des frissons sont joués avec deux emplacements arrêtés, mais une piste peut impliquer l'utilisation d'une corde ouverte. Si c'est le cas, l'autre pitch doit être joué avec la corde d'arrêt. Sachez que le son d'une chaîne ouverte a une qualité différente de celle d'une
chaîne d'arrêt . Les allers et retours entre les emplacements ouverts et les emplacements d'arrêt peuvent sembler étranges par rapport à un troll sur deux emplacements arrêtés. Si vous voulez savoir trill. Cela inclut un terrain exaltant qui n'est pas dans la clé particulière. En écrivant, vous devez ajouter un pointu, plat ou naturel au-dessus du site du sentier dans la clé du do majeur. Par exemple, la hauteur exhilarante à voir serait D. Si vous voulez que la hauteur exhilarante à B C forte au lieu de D, vous devez placer un signe pointu au-dessus du froid. Ce spectacle serait joué C pointu dans la clé de si bémol majeur. Le terrain auxiliaire pour être plat serait Voir si vous voulez les oeufs pas Ilary à BC plat et dit de C égarer un plat au-dessus du panneau de sentier. Ce froid serait joué si plat C dans la clé de fa majeur. L' auxiliaire a lancé un serait B plat. Si vous voulez que le terrain auxiliaire soit naturel au lieu de B plat, vous devez placer un panneau naturel au-dessus du panneau du sentier. Cet exemple serait joué un violon naturel B,
violoncelle violoncelle
20. Tremolos (fictifs): Il existe deux types de garniture. L' OIT pour les instruments à cordes inclinés, Bodrum Low et Finger Travelers. Abode Tremolo est un seul pitch qui est répété le plus rapidement possible pendant la durée des notes écrites. L' artiste accomplit cela en alternant entre le haut Oh et le bas arc dans des
mouvements courts rapides . Tremolo zehr facilement effectué sur tous les bateaux, instruments à
cordes mais l'air de Trimble notée avec trois marques de barre oblique à travers l'estomac. Les notes dans le cas de la note entière, trois barres obliques remplacées au-dessus ou au-dessous de la note. Dans cet exemple, la mer serait jouée autant de fois que possible pendant la durée du quart de note, et le D serait joué autant de fois que possible pendant la durée de 1/2 note. Un trémolo de doigt est l'alternance rapide entre deux longueurs. Intervalle du four. Cet intervalle doit être sur la même chaîne de sorte qu'un doigt reste enfoncé. Le plus bas des deux notes sera l'autre doigt rapidement, tous les dérives entre appuyer et relâcher les notes supérieures. Parce que les intervalles sont impliqués un doigt Trimble ressemblent en fait à une trille et le son étant bonne coupe l'intervalle couramment impliqué de l'OIT de la troisième. Il y a, cependant, des limites à la distance entre les joueurs pour atteindre. Ne pas écrire des problèmes de doigt doit plus grandes que les limites suivantes. garniture de doigts composés de notes entières. Notes trimestrielles. Les notes de quart de votre fille sont notées avec trois marques de barre oblique entre les deux notes de l'intervalle. Une insulte doit également être notée pour indiquer que le trémolo doit être joué dans un arc. La durée du tremble oh est égale à la durée d'une seule note du trémolo, et non à l'aération combinée des deux notes dans cet exemple, et peut ressembler au trembler a été joué pendant un total de huit battements. Mais en fait, l'artiste alterne rapidement entre les hauteurs D et B pour seulement quatre battements. Finger Trumbo est composé de demi-notes pointillées de demi-notes ou de notes poutres sont notées façon
différente. demi-notes et les demi-notes pointillées sont reliées par un faisceau et deux barres obliques. air placé entre les filets poutres que les notes ont projetées est normal, mais deux marques de barre oblique sont placées entre les traumatismes de la huitième note et une marque de barre oblique entre toutes les autres notes de poutre. Violon, alto, violoncelle, contrebasse, violon, alto, violoncelle,
21. Placements d'arc spéciaux: Normalement, les cordes aéroglisseur au point médian directement entre la touche et le pont. Mais parfois les cordes habitent dans des endroits inhabituels afin de créer un son différent. Quand Saul Tosta a été écrit dans la partition, le joueur s'inclinera sur la touche. Cela crée un son étouffé, comme une
flûte dans lequel le nombre d'harmonies diminue. Lorsque le savon Monticello a été écrit dans la partition, le joueur s'inclinera près du pont. Cela crée un son étrange, pâle dans lequel les parties supérieures ou plus de présence, il est commun de voir le savon Monticello utilisé en conjonction avec le trémolo. N' oubliez pas d'écrire Ord ou norme lorsque vous souhaitez que les joueurs retournent à Boeing de la manière
standard. Violon, alto, violoncelle, contrebasse.
22. Glissando (cordes): Il s'agit d'une technique dans laquelle les interprètes glissent leur doigt le long de la corde d'un pas à l'autre afin que toutes les hauteurs entre les hauteurs de départ et de fin soient également blessées. Elle est notée avec une ligne ondulée ou une ligne droite entre les
hauteurs de départ et de fin . L' abréviation félicité n'est pas nécessaire mais peut être utilisé en plus de l'
air de la ligne Cassano possible sur tous les deux instruments à cordes et peut être effectué dans les deux sens, glissant vers le haut sur la corde ou vers le bas sur le look de la corde. Lisandro est généralement joué sur une seule corde, mais si la distance entre les hauteurs de départ et de fin est très grande, il peut être nécessaire de le jouer à travers les cordes. Disons que le Gasana commence haut sur la corde E. Une fois que la chaîne E ouverte est atteinte, l'interprète doit passer à la chaîne suivante afin de continuer à glisser au-delà de l'e ouvert. Ce n'est pas une vraie félicité ano, puisque le son est brisé lors du déplacement d'une chaîne à une autre. Violon, alto, violoncelle, contrebasse
23. Portamento: cette technique est très similaire et souvent confondue avec Cassano. Avec Port Aumento, l'artiste glisse toujours entre les hauteurs, mais les hauteurs entre les hauteurs de départ et de fin ne sont pas censées être entendues comme des hauteurs
individuelles ou avec un son complet. Pensez à Port Aumento comme une suggestion aller Sando ou 1/2 cœur aller Sando port aumento est souvent utilisé pour connecter des notes mélodiques qui sont très éloignées. Il est possible sur tous les bateaux, instruments à
cordes. Parlamento est noté comme Lisandro, mais avec l'abréviation port placé au-dessus de la ligne pour le distinguer de go Sando violon , alto, violoncelle, contrebasse.
24. Col Legno: colonia signifie avec le bois. Cette technique exige que l'artiste tourne son bateau à l'envers et joue avec le bois de l'arc plutôt qu'avec les poils de l'arc. Jouer avec le mot de l'arc peut potentiellement endommager le bois, et donc parfois les artistes transportent un bateau séparé, moins cher. Pour les passages impliquant Kalina, il existe deux types différents de Colin Yah Kaleena Toronto et de Kaleena Ba Tuto. Lorsque vous jouez deux-points, vous essayez de l'interprète fera glisser le mot de leur arc sur les cordes. Le pitch est produit sera rayé et sonné. Lorsque vous jouez Kelowna Batu toe, l'interprète rebondit le mot de l'arc sur les cordes. Cela donne un Crosby percussif au son. Cette technique est la plus courante des deux et est moins dommageable pour le bois pour indiquer l' une ou l'autre de ces techniques. Non, prenez les deux-points, vous êtes au-dessus des notes dans la partition. Précisez toujours si vous voulez que Toronto soit sur le point d'être là où les artistes ne sauront pas lequel jouer. Lorsque vous voulez que l'interprète revienne à la normale, Boeing assurez-vous de jouer l'épée ou Norman le score. Il est important de souligner que vous n'obtiendrez pas autant de volume lorsque vous jouez avec du bois que
vous le feriez avec des cheveux. Puisque les cheveux donnent plus de résistance à cause de ce fait, vous devriez éviter la dynamique au-dessus de Forte. En outre, il est préférable d'utiliser Colonial lors du dîner de l'orchestre, car il serait très difficile d'entendre pendant une section à T lorsque la totalité ou la plupart des instruments jouent. Alto Violoncelle, contrebasse
Euh euh, violon, alto, violoncelle, contrebasse.
25. Mutes: en sourdine est un dispositif qui pourrait être placé sur le pont de n'importe quel instrument à cordes inclinées
afin de changer la qualité de la tonalité. Il le fait en absorbant une partie de la vibration Mutar en plastique, caoutchouc, métal ou bois pour connaître le ruban jouant avec un muet. Les mots Concertino sont placés au-dessus des notes dans la partition à savoir. Prenez la suppression d'un muet. Les mots sens de Sir Gino sont utilisés. N' oubliez pas de donner aux artistes suffisamment de temps pour placer ou retirer l'énorme de leurs instruments Il convient également de noter qu'il y a un certain bruit créé à partir d'un placement et de l'élimination des . muets. Assurez-vous qu'il y a d'autres instruments joués pendant ce point dans la partition pour
dissimuler la musique sonore généralement utilisée pour les passages silencieux, mais ils peuvent également être utilisés pour des passages bruyants dans des passages silencieux. La qualité du ton a une tristesse ou de l'étrangeté à elle et des passages forts, la qualité du ton sonne plus restreinte, intense, comme si elle était retenue. Violon. Alto, oui, violoncelle, contrebasse. D' accord,
26. Harmoniques naturelles:
27. Harmonies artificielles: Lors de la dernière conférence, nous avons appris les harmoniques et les harmoniques de Siri et comment produire des harmoniques sur des instruments à
cordes inclinées . Nous avons vu qu'en utilisant des harmoniques naturelles, le lecteur de cordes est limité à la série harmonique de chaque force ouverte. Mais lors de l'utilisation d'harmoniques artificielles, joueur de
cordes peut jouer beaucoup d'autres emplacements comme harmoniques aussi bien. Comment est-ce possible ? En arrêtant complètement la corde avec un doigt, le joueur crée une nouvelle longueur de corde. Ce nouveau lien. La corde devient la hauteur fondamentale et a une harmonique complètement différente. Siri est avec un autre doigt qui exécutent Ercan toucher légèrement la corde à différents points pour créer Harmonix à partir de ce nouvel harmonique Siri. Le seul inconvénient de cette méthode est qu'elle est limitée par la mesure dans laquelle un joueur peut s'étirer avec ses doigts. façon la plus courante et la plus pratique de jouer des harmoniques artificielles est avec le toucher. Quatrième méthode dans cette méthode de joueur arrêtera la force d'un doigt, puis
touchez légèrement la hauteur de quatrième au-dessus avec un doigt différent. Cela produit une harmonique de deux octaves au-dessus de la note boursière. Touchez la quatrième harmonique, l'air notée avec une tête de note normale et une note en forme de diamant. avait 1/4 ci-dessus dans ce diagramme. La note de bas est la note du doigt, qui arrête complètement la corde, et la note de forme de diamant est la hauteur, qui est légèrement pressée avec un autre doigt. Le résultat est l'harmonique de la mer, deux octaves au-dessus de la mer qui a été doigts. harmoniques artificielles ont la même qualité de flûte que les harmoniques naturelles, mais avec une différence subtile. harmoniques artificielles ne sont pas aussi pleines puisqu'elles sont jouées sur des cordes d'arrêt
plutôt que sur des cordes ouvertes. remarques artificielles ont un avantage par rapport aux harmoniques nationales. Les harmoniques naturelles ne sont utiles que pour jouer des emplacements simples, car elles sont limitées à la série
harmonique des cordes ouvertes. Donc, si vous voulez une phrase jouée avec des harmoniques, vous voudrez utiliser des harmoniques artificielles à la place. Bien que la quatrième méthode Touch de production d'harmoniques artificielles soit la
plus courante et la plus pratique, il existe quelques autres méthodes similaires pour produire une harmonique active dans le cinquième au-dessus la substance pour lancer utiliser le toucher cinquième harmoniques pour produire une harmonique deux actifs et le troisième
majeur au-dessus du coincé à hauteur utilisent toucher troisième harmoniques majeures pour produire une harmonique deux octaves dans le cinquième au-dessus du pas arrêté. Utilisez le toucher. Troisièmes harmoniques mineures. Il y a des limites à la hauteur à laquelle vous devez écrire des harmoniques artificielles. Les harmoniques artificielles plus élevées que celles énumérées dans ce diagramme suivant ne produiront pas très bien le
son. Violon,
alto, alto, violoncelle, contrebasse, normale naturelle
normale, harmonique artificielle.
28. Pizzicato:
29. Snap Pizzicato: snap Pizzicato est un type de pizza kado, dont les cordes pincées si fort qu'il s'enclenche en arrière et frappe la touche. Il est 1/20 siècle dispositif, et il est parfois appelé Bartek pizzicato parce qu'il a été l'un des premiers compositeurs à l'utiliser fréquemment pour connaître Tate snap pizzicato. Le symbole suivant est placé au-dessus des notes violon, alto, violoncelle, contrebasse, violon, alto, violoncelle, contrebasse.
30. Dernières multiples:
31. Divisi:
32. Démonstrations de chaîne avec coureur:
33. Quiz 4:
34. Étude et l'écoute des tâches (sec.4):
35. Éditer des projets (sec.4):
36. Harp: La harpe est un membre de la famille des cordes. Il est pincé plutôt que bateau. La harpe moderne utilisée dans l'orchestre aujourd'hui est connue sous le nom de harpe à pédale double action, ou harpe de concert. Il a été développé vers 18 20 ans et a été le premier cœur capable de jouer dans les 12 touches grâce à son mécanisme de pédale double action, qui sera expliqué plus loin dans cette vidéo. Les cordes sont généralement enroulées avec du fil, et elles mesurent environ six pieds de haut et pèse près de 80£. Un orchestre de taille standard aura au moins une harpe, mais les plus grands orchestres peuvent en avoir jusqu'à deux. La musique pour harpe est écrite sur un grand bâton. Normalement, le harpiste droite pince les cordes supérieures et le plex de la main gauche. Les cordes inférieures ne prennent pas les notes de la main droite dans la portée de problème supérieure et les
notes de la main gauche dans la portée inférieure de la portée changent de chiffons selon les besoins. Par exemple, lorsque les deux mains jouaient le registre supérieur, les deux Steffes peuvent avoir besoin d'une falaise de difficulté ou lorsque les deux mains jouaient dans le
registre inférieur . Les deux portées peuvent avoir besoin d'une clé de basse. Le cœur est un instrument non transposant. Il sonne comme écrit, utilisez des signes d'octave si nécessaire pour éviter trop de lignes de livre. Le cœur a 47 cordes, chacune réglée à une lettre différente de l'alphabet musical, commençant par C et se terminant par G.
Avec tant de cordes, il serait difficile pour le harpiste de localiser et de placer des emplacements spécifiques trop rapidement sans aucun point de référence. Et donc certaines cordes air coloré sur une harpe de concert moderne toutes les cordes de la mer ou code rouge. Eh bien, toutes les cordes G ou de couleur bleue. Certaines harpes ont les cordes S colorées bleu ou noir au lieu des cordes G couleur bleu. Il y a sept pédales, qui peuvent augmenter ou abaisser le pas d'une corde par incréments de demi-pas. Chaque pétale contrôle toutes les chaînes du même nom de lettre. Par exemple, la pédale contrôle toutes les cordes du cœur. Chaque pétale a trois positions. Les pédales se verrouillent en place et ne doivent pas être maintenues en place avec le pied. Lorsque le E pédale en position supérieure, tous les anneaux est sur le cœur sonne est e plat Lorsque la pédale est en
position centrale . Tous les anneaux orientaux du son Harpal sont naturels. Lorsque la pédale est dans la position la plus basse, tous les anneaux est sur le cœur sonne est le plus pointu. Trois des pédales étaient sur la gauche de l'instrument et contrôlées avec le pied gauche pour les pédales étaient sur la droite de l'instrument et son contrôle avec le pied droit. Les pédales, dans l'ordre de gauche à droite, sont D C B E F g A. Le dispositif pneumonique commun pour se souvenir de l'ordre de la pédale est, Columbus
a-t-il apporté assez de nourriture en Amérique ? La raison pour laquelle les compositeurs orchestrateurs doivent se souvenir de l'ordre des pédales est qu'ils doivent connaître Tate au début de la partition, les positions de chaque pédale. Ils doivent aussi connaître Tate dans le score. Chaque fois que la position de la pédale a changé. Il est important de se rappeler qu'une seule pédale pouvait être pressée avec un pied à la fois. Les Harpers, par
exemple, ne
pouvaient pas apporter des modifications aux pédales DNC en même temps,
parce que le pied gauche les contrôle à la fois, l'orchestre compositeur doit laisser assez de temps dans la musique pour la récolte des premiers appuyez sur, une pédale, puis l'autre. Cependant, si les pédales sont sur les côtés opposés
du cœur, la récolte pourra appuyer simultanément deux pédales. Par exemple, les pédales du MDN pourraient être pressées simultanément sur l'homme profond avec le pied gauche sur la pédale avec le pied droit. Les deux façons les plus courantes de connaître les positions de la pédale de Tate sont avec des lettres ou avec un graphique. Bien que certains harpiste puissent préférer une méthode à l'autre, les deux sont des pratiques communément acceptées. Si les lettres sont utilisées, la pédale de départ positionne l'air notée au début de la note au-dessus de la portée de la harpe . Les positions de pédales suivantes, par
exemple, vous
donneraient les hauteurs de l'échelle principale. La barre oblique indique la séparation des pédales gauche et droite. Lorsqu' une pédale change nécessaire pour jouer d'autres touches de changement de zor accidentel, il doit être noté dans la partition. Assurez-vous de donner suffisamment de temps à la récolte pour changer les pédales. Il n'est pas nécessaire de réécrire les sept positions de pédale chaque fois qu'il y a un changement de pédale. Il suffit d'écrire les nouvelles positions de pédales pour les pédales qui doivent être changées. Par exemple, si F dièse en C pointu doivent être changés aux nationaux. Vous placez ce qui suit un peu avant le changement de pédale dans le score. L' autre façon de connaître les positions de la pédale de bande est avec le graphique. La grande ligne verticale au milieu représente la division entre les
pédales gauche ou droite . Les lignes au-dessus de la position horizontale représentent les pédales sur la position supérieure. Les lignes plates au-dessous de la ligne horizontale représentent les pétales de la position la plus basse. Les pointes et les lignes coupées en deux par la ligne horizontale, représentent les pédales au milieu de la position. Le naturel. Ce graphique représente donc D. C pointu, qu'il
soit plat F g avant, un plat. Voici la portée du port montrée sur le bâton et sur le clavier à l'aide d'une imitation de
hauteur scientifique . B zero est notée un C plat pour la musique du cœur. Puisque la chaîne la plus basse est un C, il est important de se rappeler que les cordes C et D les plus basses ne sont pas affectées par les pédales et la plupart entre les deux manuellement avant une performance sur certaines harpes. La corde G la plus élevée n'est pas affectée par la pédale. Les deux actifs les plus bas ont un son complet mais sont plutôt sombres et de qualité. Ces images ont un temps de résonance très long jusqu'à six secondes. cette raison, vous devriez éviter d'écrire des changements rapides d'accords dans le registre le plus bas. Sinon, le son d'un accord résonnera encore. Eh bien, la cour suivante a joué. Les joueurs vont naturellement amortir les ficelles avec leurs mains pour arrêter la résidence si nécessaire, mais vous devez toujours donner aux joueurs suffisamment de temps pour le faire. Les deux octaves du milieu ont un son plus lumineux mais plus chaud. Pitches résonneront jusqu'à trois secondes, et ces actifs la plupart de l'écriture mélodique pour notre se déroule dans ce registre comme ce qui était accords, arpèges, single Sandoz, les deux plus hauts plus les octaves de cœur deviennent de plus en plus brillantes. Plus vous allez haut. La longueur résonante devient également plus courte et plus courte d'environ une seconde à environ
une demi-seconde . Oh oh oh oh ! La harpe est l'un des instruments les plus silencieux de l'orchestre. Il ne sera pas entendu et des passages bruyants ou des passages où l'ensemble de l'orchestre joue. Si vous voulez spécifiquement que le cœur soit entendu, assurez-vous que l'orchestration est plus mince, que les autres instruments jouant notre marché ont acquis un niveau dynamique. Dans les prochaines vidéos, nous examinerons les techniques de jeu qui étaient possibles sur la harpe, ainsi que des exemples audio
37. Quiz 5:
38. Accords de harp: les cordons d'air possible sur le cœur mais doivent être limités à quatre nuits par main. Cela est dû au fait que la récolte ne joue pas avec le cinquième doigt. Vous devrez placer un support devant le cordon si vous le souhaitez. La cour jouait comme un accord de bloc avec toutes les notes sonnant simultanément. La récolte jouera généralement toutes les cordes légèrement appréciées de bas en haut. S' il n'y a pas de support à côté de la cour, placez une ligne ondulée devant la cour. Si vous voulez un AARP
plus lent et plus expressif que vous pour les changements dans la direction de leur precio à une pointe de flèche jusqu'à la fin de la ligne ondulée, la récolte jouerait cet accord de haut en bas. Très grands cordons de possible, car une seule main peut facilement jouer des accords pour s'étendre sur 1/10. Voici un graphique montrant l'étirement maximal moyen de chaque paire de doigts. Vidéo positive pour étudier le graphique ou télécharger une copie sous la ressource est pour cette conférence . Oh oh,
39. Glissando: Cassano est facilement réalisée sur le cœur en tapant les doigts sur les cordes. Assurez-vous de connaître Tate les emplacements de début et de fin, le verre Sando couché et les accords de pédale. La harpe est l'un des seuls instruments à coller Lisandro sur plus d'un pas à la fois. Voici un exemple de Lisandro à trois notes. En raison des réglages des pédales, tous les B, E et A seront plats. Dans ce cas, Sando Cassano pouvait être exécuté dans les deux mains en même temps, ceux-ci pourraient être dans la même direction ou dans des directions opposées.
40. Trills Harp Trills: il y a deux façons de récolter. Un spectacle de trail pourrait être réalisé avec deux doigts d'une main, ou il pourrait être joué avec un doigt sur chaque main. Jouer le problème deux mains est beaucoup plus facile et permet des trilles beaucoup plus rapides. Le seul avantage à écrire un sentier pour une main est que vous êtes capable d'écrire deux sentiers se déroulant simultanément.
41. Tremolos Harp: un trémolo impliquant un pas unique rapidement répété peut être joué par deux doigts d'une main. Ce n'est pas la meilleure option, car cela ne peut pas être fait très rapidement. Une deuxième option consiste à arracher la même corde avec des mains alternées. Cela produit un trémolo plus rapide, mais il est difficile de jouer uniformément. L' option 1/3 que le harpiste aime utiliser est d'accorder deux cordes à la même hauteur et arracher chaque corde avec une main différente. Un exemple serait de régler la chaîne C pour voir nette sur la chaîne D à D Flat. Faire les choses de cette façon rend un peu plus facile pour le harpiste appliqué le trémolo très rapidement et plus uniformément. Un trémolo impliquant plus d'un pas, semblable à un trémolo de doigt sur un bateau. L' instrument à cordes a également joué, en utilisant deux mains jusqu'à quatre notes ou possible sur chaque main. Rappelez-vous juste que plus le nombre de emplacements sera grand le cœur du trémolo. Pour l'artiste et cet exemple, la récolte alternerait rapidement entre les deux notes de la main gauche et les deux notes de la main droite. Pour un total de deux battements
42. Harmoniques de harp: la harpe, comme tous les instruments à cordes, est capable de produire des harmoniques naturelles. harmoniques herp sont encore plus silencieuses que les harpes, ton
déjà doux, donc inégal, orchestration plus
mince que d'habitude serait nécessaire si vous voulez qu'elles soient entendues du tout. Les harmoniques sont-elles notées avec un petit cercle ? AboveNet. Il est important de se rappeler qu'ils sonnent une octave plus haut que la grille en hauteur. Cela diffère de la notation des harmoniques naturelles pour les instruments à cordes arquées, qui ont été notées à la hauteur que vous voulez sonner comme harmonique. La gamme la plus facile pour produire des harmoniques est entre G 2, et ils sont cinq. harmoniques de la main droite et les harmoniques de la main gauche sont produites de manière légèrement différente. Cela est dû à la façon dont les mains ou positionnés lors de la lecture du cœur pour produire un harmonique avec la main droite. Le harpiste touche le centre de la corde avec le site de l'index
, puis pince la corde avec le pouce. Une seule harmonique pouvait être jouée à la fois avec la main droite pour produire une harmonique avec la main
gauche. Le harpiste touche le centre de la ficelle avec la paume de la main gauche, puis le plexus flux avec le pouce et les autres doigts. Selon le nombre d'harmoniques, jusqu'à trois harmoniques peuvent être jouées simultanément avec la main gauche dans l'intervalle de 1/6. Il y a quelques choses à retenir lorsque vous demandez à Harper de jouer des harmoniques simultanées. Donnez aux joueurs beaucoup de temps pour positionner leurs mains. En d'autres termes, n'écrivez pas un tas d'accords de pensée à un tempo rapide. Joué, c'est des harmoniques. Oh, harmonique devrait avoir des pédales dans la même position. La raison en est que le centre d'une chaîne change légèrement lorsqu'une pédale est pressée . Par exemple, si une pédale est en position supérieure et une autre en position inférieure, les centres des cordes seront plus éloignés les uns par rapport aux autres, ce qui rendra plus difficile pour le harpiste. Positionnez leurs mains de sorte qu'il touche le centre de chaque corde. Des intervalles plus petits ou plus faciles. Il est préférable de coller avec des intervalles inférieurs à 1/5 joueurs professionnels capables de jouer à noter harmoniques jusqu'à 1/7 et des harmoniques de trois notes jusqu'à 1/6 ici est confortable plage pour les harmoniques
simultanées à gauche. Lorsque vous écrivez, plusieurs harmoniques de cercle sont nécessaires pour chaque note, un seul cercle au-dessus d'une cour ou d'un intervalle indique que seule la note du haut doit être jouée tant qu'harmonique, tandis que les autres emplacements doivent être joués est des pichets normaux. Dans cet exemple, seule la mer est jouée comme un harmonique. Voici quelques choses à retenir lorsque vous combinez des harmoniques avec des hauteurs normales. La main droite est capable de jouer simultanément sur des notes normales et une note harmonique jusqu'à 1/5. La note la plus élevée est toujours l'harmonique. La main gauche est capable de jouer simultanément trois écrous normaux et une note harmonique jusqu'à 1/10 . La cour sera roulée, et la note la plus élevée est toujours l'harmonique vous
harmonique normal .
43. Démonstrer une harpe:
44. Quiz 6:
45. Étude et l'écoute des tâches (sec.6):
46. Éditer des projets (sec.6):
47. Boissons de construction et production sonore:
48. Transposition:
49. Quiz 7:
50. Flûte: la flûte est la soprano de la section des bois de l'orchestre. C' est un vers trans gagnerait, ce qui signifie qu'il est joué horizontalement plutôt que verticalement. Comme la plupart des autres. Flûtes modernes air généralement en métal et serait construction est rarement utilisé. La flûte est un instrument à vent en relis, et le son est produit en soufflant de l'air à travers une embuscade. Vos joueurs de flûte utilisent plus d'air que les vents de bois avec des lectures, parce qu'une grande partie de l'air ne pénètre pas directement dans le trou sur est gaspillé. Soyez conscient de cela dans vos orchestrations et donnez aux joueurs de flûte plus d'endroits pour respirer. Un orchestre a généralement deux flûtes, bien que les plus grands orchestres puissent en avoir jusqu'à trois. La musique pour flûte est écrite en difficulté, Clough et Sons tels qu'écrits. Il s'agit d'un instrument non transposant. La plupart des flûtes professionnelles ont ce qu'on appelle un pied B. Cela signifie que le tube a un joint de pied plus long, et il y a une clé supplémentaire pour que B 3 soit possible. Les gammes pratiques jusqu'à voir sept, bien que D sept est possible, les emplacements au-dessus d'un six deviennent plus difficiles et plus difficiles devraient produire, et les non-professionnels ont généralement des problèmes avec le plus haut et le plus bas quatrième Ah ah ah ah ! Voici un diagramme montrant les caractéristiques générales du registre d'une flûte. Le diagramme suivant montre le plus fort et le plus silencieux que l'instrument peut jouer n'importe où dans sa portée. Les compositeurs marquent souvent leurs partitions comme si n'importe quel instrument pouvait jouer n'importe quelle dynamique dans n'importe quelle gamme. En réalité, si vous marquez Alosi sur une flûte comme Triple F, vous commencez seulement Mezzo Forte. Bien que l'interprète mettra dans un effort équivalent à Triple F. Si vous marquez un haut A comme Triple P, vous ne commenciez que le piano. Bien que l'artiste mettra dans un effort équivalent à Triple P, les limites suivantes sont basées sur un moyen courrier avec Acoustique moyenne est important de noter que les lignes entre la dynamique et le diagramme représente un changement progressif dans capacités dynamiques, pas un changement soudain. Comme vous pouvez le voir sur le diagramme, vous ne pouvez pas obtenir autant de volume de l'octave la plus basse des aliments. Une orchestration plus fine est requise si vous voulez qu'elle soit entendue. Lorsque vous vous déplacez plus haut dans le registre, il devient de plus en plus difficile de jouer à un volume silencieux
51. Piccolo: le piccolo est le membre le plus élevé de la famille de la grippe et prolonge l'aire de répartition de la flûte environ une octave plus élevée. Comme la flûte, le piccolo était, un vers trans gagnerait lis lu et construit en métal. Un orchestre n'a généralement qu'un seul joueur de piccolo. Ce joueur est parfois l'un des joueurs de flûte qui double sur Piccolo est nécessaire. Très rarement. orchestration ne demande pas deux cornichons ? Le piccolo est l'un des instruments qui transpose Athese actif. Ce n'est pas un véritable instrument de transposition, car il ne sonne pas dans une clé différente de celle écrite. Il semble simplement marcher de plus haut que écrit afin d'éviter les lignes de livre excessives. La musique pour Piccolo est écrite en difficulté. Cliff est ici un diagramme illustrant la portée écrite du piccolo et la
portée de son piccolo. Euh, le piccolo est un peu similaire à la flûte dans les caractéristiques du registre, sauf que le registre le plus bas est creux plutôt que succulent. Une orchestration plus fine est nécessaire pour entendre le piccolo dans son octave la plus basse. Lorsque vous vous déplacez plus haut dans le registre, il devient de plus en plus difficile de jouer à un volume silencieux
52. Hautbois: le hautbois est l'un des bois à double roseau. Un joueur de hautbois fait habituellement ses propres lectures et passe d'innombrables heures chaque mois. À cette tâche. Le hautbois nécessite moins d'air que la flûte ou la clarinette, et à cause de cela, oh, les joueurs, surtout les professionnels, sont capables de supporter très longtemps. Notes. Air de hautbois, généralement en bois, mais sont parfois faits de matériaux synthétiques. Un orchestre a généralement deux joueurs OBO. Les plus grands orchestres peuvent en avoir jusqu'à trois. L' un des joueurs de hautbois double souvent sur le cor anglais. La musique pour hautbois est écrite en difficulté. Clough et Sons comme de la ricine. Il s'agit d'un instrument non transposant. Voici la gamme de hautbois. Il convient de noter qu'un six est possible, mais très difficile même pour les professionnels. Ah, l'OBU est très à l'opposé de la flûte en ce qui concerne les caractéristiques de son registre, tandis que les hauteurs de la flûte ou Brighton intense, plus vous allez sur l'obo, mince le son. Le hautbois est un excellent instrument solo parce qu'il est unique. qualité nasale traverse les autres sons et ne se marie pas avec les autres instruments ainsi qu'avec les autres bois. Dio. Eh bien, c'est très facile de jouer tranquille dans le registre inférieur de la flûte. Il est plus difficile de jouer tranquillement dans le registre inférieur du hautbois.
53. Horne anglais: le cor anglais est un membre de l'autre famille. Un orchestre n'a généralement qu'un cor anglais. Ce joueur est parfois l'un des joueurs de hautbois qui double sur le cor anglais est nécessaire. La construction de la corne anglaise est similaire à Vata Diogo, mais elle est plus grande et prolonge donc la portée du hautbois vers le bas. La musique pour cor anglais est écrite en difficulté. Clough. Il s'agit d'un instrument de transposition de 1/5 inférieur à ce qui est écrit ici, diagrammes
Cem montrant la portée écrite et sonore du cor anglais. Ah ah, comme le hautbois, la corne anglaise se sent plus mince dans son registre supérieur, tel point qu'il devient difficile de distinguer les deux instruments. Les compositeurs et les orchestrateurs devraient donc éviter le registre supérieur lorsqu'ils écrivent pour un cor
anglais et exploitent plutôt un registre plus lent. Le sixième le plus bas est très Sana rece avec beaucoup de puissance portante. L' évolution des capacités dynamiques dans toute sa gamme est similaire à celle du hautbois
54. Clarinet: la clarinette est un instrument à roseau unique. Contrairement à la lecture du hautbois, qui sort de l'instrument, l'anche de clarinette est fixée sur l'embout buccal. Les clarinettes sont généralement faites de bois mais sont parfois faites de métal, plastique, caoutchouc
dur et même d'ivoire. Ils transposent des instruments, et chaque membre de la famille des clarinettes a une transposition différente. L' orchestre moderne utilise à la fois la clarinette plate B et une clarinette. A l'origine, la clarinette plate B était utilisée principalement pour des pièces écrites en touches plates, tandis que la clarinette A était principalement utilisée pour des pièces écrites dans l'aplatin B moderne de Sharkey. Les clarinettes sont très capables de jouer dans n'importe quelle clé, et une majorité des compositeurs d'aujourd'hui écrivent pour la clarinette plate B. Indépendamment de la clé de la paix. Toutes les clarinettes utilisaient le même système de doigté, ce
qui permet à l'artiste de jouer n'importe quel filet de voiture. Dans la famille des clarinettes, un orchestre a généralement deux clarinettes. plus grands orchestres peuvent utiliser jusqu'à trois joueurs, avec 1 à 2, doublant comme un joueur de clarinette basse et ou un lecteur de clarinette plate où d'autres clarinettes ont besoin de musique pour clarinette a écrit en difficulté Cliff. Comme mentionné précédemment, la clarinette est un instrument de transposition sur une clarinette plate B. Un voir écrit sonnera comme si bémol majeur deuxième plus bas sur une clarinette. Un voir écrit sonnera comme un tiers mineur inférieur sur une clarinette en E. Un voir écrit sonnera comme n'importe quel appartement. Une petite, troisième note supérieure. Tous les membres de la famille des clarinettes ont la même portée écrite, à l'exception de la base. Claridge la gamme de sondes donnée ici est celle de la clarinette B plate. Il est utile de se rappeler que la clarinette plate B pourrait jouer quatre lignes de grand livre au-dessous et au-dessus de la portée. Ah,
euh, euh, voici les caractéristiques du registre de la clarinette B plate. Grâce à leur excellent contrôle dynamique, les
clarinettes sont les seuls instruments à vent en bois capables d'un véritable triple P.
55. Bass clarinette: Un autre membre de la famille des clarinettes est la clarinette basse. L' instrument est typiquement en bois et ressemble un peu à un saxophone. Un orchestre n'a généralement qu'une clarinette basse. Ce joueur est parfois l'un des clarinettes qui double sur la clarinette basse
selon les besoins. La musique pour clarinette basse est écrite en difficulté Cliff. C' est un instrument de transposition et sonne un neuvième majeur inférieur à celui écrit. Le plus commun et pas conseillé, est d'écrire dans la base Clough et Transpose, une seconde majeure inférieure. Voici la gamme d'écriture et de sondes de la clarinette basse jusqu'à cinq ou possibles mais difficiles à produire. En outre, la plupart des instruments modernes ont quatre clés supplémentaires, ce qui rend le jeu vers le bas jusqu'à B plat. Un possible Ah ah ah ah ah ! Les caractéristiques du registre de la clarinette basse sont similaires à celles de la clarinette. Les capacités dynamiques de la clarinette basse sont également similaires à celles de la clarinette
56. Bassoon: comme le hautbois. Le basson est un instrument à double roseau. Le tube en ABS fait bientôt un peu plus de huit pieds de longueur, qui rend cet instrument beaucoup plus lourd que la flûte, hautbois ou la clarinette. Pour cette raison, Mais Souness, qui utilisent souvent une bandoulière, aider à soutenir le poids du basson. Un orchestre a généralement deux bassons, bien que les plus grands orchestres puissent en avoir jusqu'à trois. La musique pour basson est écrite en tissu de base. La clef de ténor n'est utilisée que pour éviter plus de trois ou quatre lignes de livre. Trouble Clough est utilisé avec de plus en plus de fréquence dans les partitions modernes au lieu de la clef de
ténor, et c'est donc maintenant acceptable aussi. C' est un instrument non transposant et sonne comme écrit. Ah euh ah, voici les caractéristiques du registre du basson. Il est important de noter que le son du basson tend à se fondre très bien avec d'autres instruments et sera souvent couvert par le son d'autres instruments, en
particulier dans son registre supérieur. Le cinquième le plus bas et le cinquième le plus élevé sont tous deux plus difficiles à contrôler. Ne demandez pas aux interprètes de jouer pianissimo dans le cinquième le plus bas
57. Contrabassoon: Un autre membre de la famille des bassons est le basson contra, également connu sous le nom de double va bientôt. La controverse est bientôt l'instrument à vent de bois le plus bas et prolonge la portée
du basson jusqu'à une octave. Il s'agit d'un instrument à double roseau, avec un tube deux fois plus long que le basson, environ 16 pieds courbés sur lui-même. Deux fois plus d'air est nécessaire, alors assurez-vous de donner aux joueurs beaucoup de temps de repos entre les deux. Jouer la controverse bientôt est trop lourd pour une bandoulière seule, sorte que l'instrument repose sur une épingle, semblable au violoncelle et à la contrebasse. Un orchestre n'a généralement qu'une seule controverse. Bientôt, ce joueur est parfois l'un des joueurs de basson qui double sur. La controverse est bientôt nécessaire. La musique pour controverse est bientôt écrite dans la base Clough et sonne une octave inférieure à la ricine . Euh ah ah ah ah. Bien que la controverse puisse bientôt jouer quelques emplacements plus haut que la gamme donnée ici, il n'est pas recommandé. Non seulement le ton est plus difficile à produire, mais l'instrument dans le registre supérieur semblera juste comme une version plus faible du projet de loi . Bientôt, en tant que compositeur et orchestrateur, vous devriez exploiter son registre inférieur, en particulier Lois 12e. Les notes les plus basses ont un son bourdonnement. Il est important de noter que les hauteurs inférieures ont tendance à être un peu lentes et prennent plus de temps
pour sonner . cette raison, vous devriez éviter d'écrire des passages de staccato rapides dans le registre inférieur. part cela, les caractéristiques du registre et les capacités dynamiques sont à peu près les mêmes que celles du basson.
58. Quiz 8:
59. Étude de la Score et l'écoute des tâches (sec.8):
60. Vibrato en bois: librato est possible sur tous les bois et est utilisé pour enrichir la qualité de la tonalité sans pour apporter du tour est terne et livre sonne pour produire pour large. Oh joueur va tirer voir l'air avec les lèvres et la mâchoire, jeter les muscles, les muscles abdominaux ou en utilisant une combinaison de fruits et muscles abdominaux. Il n'est pas nécessaire de noter pour apporté dans la partition, puisque les joueuses jouent normalement avec librato. La clarinette est la seule exception. Les clarinettes classiques ne doivent pas utiliser le vibrato car il est réservé à une utilisation dans la musique jazz. Si vous désirez unson terne et
pâle, son terne et
pâle, je suis allé à un passage particulier dans la musique à jouer avec Alvarado. Placez les mots sens de Alvarado ou non pour apporté dans la partition. Assurez-vous d'indiquer quand les joueurs de revenir à la normale pour environ une chose en plaçant convibrato ou Norman le score. Oui,
61. Parler le vent en bois: les joueurs à vent en bois sont capables d'articuler les emplacements grâce à une technique appelée « langue ing ». La langue est essentiellement le démarrage et l'arrêt du flux d'air d'un joueur avec le temps. Ceci est généralement accompli en produisant un son T avec le temps toutes les notes jouées avec une articulation séparée distincte. Un tel staccato ou marcano sont joués par langue, chaque note individuelle. Il est important de se rappeler que lorsqu'un passage n'indique aucune articulation spécifique , le joueur langera également chaque note individuelle. La langue est utilisée un peu différemment, et le dieu des passages quand les insultes air notait seulement le premier pas dans chaque temps d'affilage . Dans cet exemple, le flux d'air est brièvement arrêté. Au moment, toutes les trois notes. Il existe trois types de chronométrage de base. Parler seul, double timing et triple timing. Une seule langue est facilement réalisée sur tous les vents des bois. Ceci est accompli en faisant le son du thé comme mentionné précédemment, afin de produire une procession très rapide des emplacements. Double temps. Ceux-ci utilisés Ceci est fait en alternant rapidement entre A T et en cas de bruit. Triple Tony est utilisé lors de l'exécution de triplets doubles et triples Tunney sont généralement effectués sur des instruments Relis tels que flûte et piccolo. Bien que les doubles et triples soient possibles par certains interprètes sur hautbois, clarinette et basson, ils sont rarement utilisés parce que l'articulation est entravée par la lecture euh.
62. Tongue avec des boucles en bois: est essentiellement la version à vent en bois d'un trémolo incliné pour instruments à cordes . Cette technique est accomplie par le roulement et notre tout en soufflant de l'air dans les instruments. En roulant dans notre langue crée des pulsations rapides d'air, ce qui entraîne un flottement de la hauteur. Il est également possible de produire un effet de langue flutter avec un guttural sont roulés dans la gorge. La langue Flotter est possible sur tous les Woodman, mais elle est plus difficile à réaliser sur des instruments à double roseau tels que les hautbois et les bassons. La notation de la langue de flutter est la même que celle d'un trémolo incliné sur l' instrument à
cordes. Placez trois barres obliques à travers la tige de la note ou, dans le cas de sur les trois barres obliques, placées au-dessus ou au-dessous de la note. Une autre façon de connaître le temps de flutter Tate simplement en plaçant les mots temps flottant où l' abréviation pour plus de temps au-dessus des notes et le score. Si vous choisissez cette option, assurez-vous de connaître Tate Order ou Norm quand vous voulez que le joueur arrête d'utiliser la flûte du temps du Père , hautbois
, , clarinette. Mais bientôt
63. Trills à la vente à bois: a choisi l'air jouable sur tous les instruments à vent en bois pour une discussion complète sur les sentiers et notation
Trump, s'il vous plaît voir les trilles de lecture sous la section Techniques de jeu pour les deux
instruments à cordes . Voici quelques lignes directrices sûres à suivre dans l'écriture des trolls pour les victoires de bois, le terrain est donné se référer à la note la plus basse du sentier. Les spectacles sont bien adaptés à la flûte et sont très communs demi-étape. Des sentiers de pas entiers entre D 4 et B 6 peuvent facilement être joués. Évitez les coquilles impliquant les emplacements ci-dessous. Defour. Le piccolo peut facilement jouer demi-étape. Whole Step montre jusqu'à un sept sur la demi-étape obo. Refroidissements de l'étape entière de B plat trois. T six peut facilement être joué, bien que vous devriez éviter les spectacles de B Flat 32 D quatre. Étant donné que ces air un peu lent, le cor anglais peut jouer demi-étape dans les coquilles à cheval à partir des longueurs sonorisées E trois à G cinq sur la clarinette demi-étape des trills entiers à pas des emplacements écrits E trois à F six peuvent facilement être joués. Clarinette basse peut jouer tous les demi-steppin détient qu'il montre n'importe où dans ses trilles de gamme ou pas aussi facilement effectué sur le par bientôt. Comparé aux autres instruments à vent, la meilleure portée de piste est G 2 à 4. Évitez les coquilles dans le cinquième le plus bas et les coquilles au-dessus de C 5. Les frissons sont possibles mais pas conseillés sur le basson contra parce que le son est si lent . Flûte, ouais, hautbois e ne connaît pas la clarinette, mais bientôt je le sais.
64. Tremolos en bois: tandis que la langue de flutter est l'équivalent gagnerait de trémolo incliné pour les cordes. A gagnerait trémolo est l'équivalent d'un problème de doigts de ses cordes. Aucun Taito ne gagnerait le trémolo de la même façon que vous connaîtriez Tate finger tremolo sur un
instrument à cordes de bateau . N' oubliez pas d'inclure une suspension pour indiquer que le trémolo doit être joué sans arrêter le flux d'air avec la langue sur chaque note. Voici quelques lignes directrices et l'écriture Tremble doit pour les victoires de bois. Le pas est donné se réfèrent au pas le plus bas du trémolo. Bien que les problèmes soient faciles à jouer de la flûte, vous devriez éviter d'écrire des charges fictives dans les deux extrêmes de la plage. Cette considération de place à piccolo ainsi ne pas écrire. Trumbull est plus grand que 1/5 dans la plus basse enchère de la gamme supérieure. Trim bas de 1/4 sont possibles est loin jusqu'à un cinq, et quelques bas d'un tiers majeur sont possibles. Comme faras, vous plat six n'écrivez pas un trémolo plus grand que 1/5 n'importe où dans la gamme de Rba. Trimble est au-dessus de la portée sont assez difficiles pour les joueurs, et plus l'intervalle est grand, le tremble est capable d'être joué lentement. Les mêmes considérations appliquées à la corne anglaise ainsi que sur la clarinette, tout l'air de Tremmel possible, bien que ceux au-dessus de la portée pour un peu plus difficile tremolo Sa grande est un actif sont réalisables tant qu'aucun pas aller au-dessus mer. Six. Shambles pour clarinette basse ont des anneaux difficiles dans le registre inférieur et plus difficile à jouer tremolo zehr, pas bien adapté au basson et ne devrait pas être plus grand qu'un tiers majeur au maximum de la quatrième. Leur meilleure utilisation dans quatre passages afin que l'orchestre couvre une partie du son que Gemmill doit entre C trois et G quatre sont les plus faciles pour les joueurs. L' air de Trammell pas conseillé sur la controverse bientôt parce que le son est si lent. Flûte, hautbois, clarinette. Mais bientôt.
65. Glissando en bois: Obasanjo est un toboggan d'un pas à l'autre de sorte que tous les emplacements entre les deux emplacements ou blessé avec des instruments à cordes inclinés. Nous avons appris que cela s'accomplit très facilement en faisant glisser un doigt le long de la ficelle. Mais produire un verre Sandro sur un instrument à vent en bois est beaucoup plus difficile en raison de leur mécanique, et il y a quelques limites. En tant que débutant, compositeur et orchestrateur, vous devriez généralement éviter d'écrire Grisanti pour Woodman. Si vous ne souhaitez téméraire sur le voici quelques choses que vous devriez être au courant. Douglas Oddo est accompli soit en roulant les doigts pour découvrir lentement ou couvrir les trous
ouverts de l'instrument, soit en changeant l'on Fisher Gasana par le changement d'armature, est appelé brillant à lèvres. Sandra Lip gloss Sando ne doit être utilisé que pour les diapositives à petits intervalles d'au plus une seconde argile. Sandy sont plus faciles sur la clarinette et ascendant en hauteur pas de père Noël typique avec une ligne ondulée ou ligne droite entre les photos de départ et de fin. La dérivation peut également être utilisée. Euh,
66. Boules en bois:
67. Démonstrations dans le bois:
68. Quiz 9:
69. Étude et l'écoute des tâches (sec.9):
70. Éditer des projets (sec.9):
71. Construction en laiton et le son:
72. 10:
73. Trumpet: le Trump. C' est l'instrument de cuivres le plus élevé. C' est totalisant. La tuyauterie fait près de cinq pieds. Il pourrait être changé avec trois soupapes à piston. Les trompettes standard utilisées dans l'orchestre moderne sont la trompette de mer et la trompette B plate la
trompette de mer. Il s'agit d'un instrument non transposant, tandis que la trompette plate B est un instrument de transposition. Pour une discussion complète sur la transposition, voir la conférence intitulée Transposition. Dans la section Introduction à Woodman,
il appartient à l'orchestre compositeur de choisir le type de trompettes à utiliser. La trompette de mer a un son plus lumineux. Où est le B ? La trompette plate a un son plus riche. Il est plus sûr d'écrire pour la trompette plate B, car c'est l'instrument le plus commun. Et comme la plupart des joueurs non professionnels ne possèdent même pas de trompette C, un orchestre a généralement trois trompettes. Les plus grandes orchestrations peuvent nécessiter jusqu'à six joueurs. Musique pour Trump, il est écrit en difficulté. Clough La trompette de mer sonne comme écrit à la trompette plate B sonne tout un truc inférieur à celui écrit. A écrit See sera leur premier son comme B plat musique orchestrale pour Trump. Il est écrit sans signature clé. Tous les objets tranchants et plats sont inscrits directement dans la partition. Cette méthode de notation remonte au tout début de l'écriture orchestrale. Si vous écrivez une signature clé dans la partition, les artistes auront du mal à lire leur part et risquent de manquer involontairement les Sharps et les appartements. Comme ils ne sont pas habitués à lire de la musique écrite avec la signature clé de la musique de trompette écrite pour des groupes comme le vent, militaire ou jazz serait généralement écrite avec des signatures clés. Voici la portée de la trompette de mer Ah, voici la portée écrite et la portée sonore de la trompette B plate. Comme avec tous les instruments de seins, plus vous allez haut, plus
le son devient brillant. La partie la plus élevée du registre peut facilement découper le reste de l'orchestre et doit être utilisée de façon frugale, comme les points culminants culturels. Le cinquième inférieur est légèrement moins puissant que le reste de la gamme. Dans le top cinquième, il est difficile de jouer tranquillement. Sachez que les joueurs non professionnels ont du mal à jouer tranquillement n'importe où dans la gamme
74. Horne: le klaxon est le deuxième instrument de cuivres le plus élevé. Le tube de la corne moderne mesure environ 12 pieds de longueur. Trois vannes rotatives actionnées avec des amants changent la longueur du tube. Le cor moderne est en fait un double klaxon, qui est deux cornes dans un corne et dans tous les orteils B compositeurs de cor plat continuaient à demander aux
joueurs de cor de jouer des hauteurs et des hauteurs, mais les partiels supérieurs étaient plus difficiles pour les joueurs à produire sur F un. Donc, plutôt que d'avoir à séparer les instruments, ces deux cornes ont été combinées en un seul. Levier 1/4, actionné avec la tige transforme Thea Foreign en un corne plat B à travers un ensemble alternatif de tubes. Un orchestre a généralement quatre cornes. orchestrations plus importantes peuvent nécessiter jusqu'à huit joueurs en raison de sa très large gamme. La musique pour Horn est écrite dans l'un ou l'autre problème. Clough ou basé sur Cloche Change Close étaient nécessaires afin d'éviter un trop grand nombre de lignes comptables. Le cor est un instrument de transposition et sonne un cinquième étage parfait que celui écrit dans certaines partitions
plus anciennes. Pitch est écrit dans la base, Clough transposé vers le haut de la quatrième parfaite. Ce n'est jamais fait aujourd'hui sur tous les hauteurs son d'un cinquième parfait inférieur à celui écrit. Peu importe le Clough, comme avec la trompette ou la musique personnalisée pour Horn est écrit sans chanteur clé Trêve. Tous les objets tranchants et plats sont écrits directement dans la partition. Cette méthode de notation remonte au tout début de l'écriture orchestrale. Si vous écrivez une signature clé dans la partition, les artistes auront du mal à lire leur part et risquent de manquer involontairement les Sharps et les appartements. Comme ils ne sont pas habitués à lire de la musique écrite avec la signature clé de la musique de klaxon écrite pour des groupes comme Wind, militaire et Jazz seront généralement écrits avec des signatures clés. Euh, euh. La corne a la moindre qualité de laiton de tous les instruments en laiton qu'on appelle
souvent le pont entre les sections en laiton et en bois. Parce qu'il fait légèrement plus chaud, le son permet de se fondre très bien avec les instruments Woodman. Bien que le cor a une large gamme, les notes sur extrême ou difficile à produire une gamme de jeu confortable est C trois à un quatre sons. Les emplacements dans le registre inférieur sonnent un peu faibles et peu concentrés, surtout pour les joueurs non professionnels. L' Arctique le plus bas devrait être utilisé pour le maintien de pièces et non pour les pièces qui se déplacent rapidement. Si vous voulez unson plus concentré et
puissant, son plus concentré et
puissant, laissez ces hauteurs inférieures pour le trombone, jamais droit dans le registre supérieur pendant de longues périodes de temps. Cela exige beaucoup d'énergie de la part des joueurs, alors assurez-vous de leur donner des endroits où se reposer le cinquième le plus élevé est difficile à produire comme piano.
75. Trombone: le trombone est le deuxième trop bas. Un instrument de cuivres qui sonne. C' est le seul instrument de cuivres qui n'utilise pas de vœux. Au lieu de vannes, il utilise un mécanisme à glissière dans lequel un morceau de tube glisse leur deuxième morceau de tube , ce qui raccourcit ou augmente le ng global de la tuyauterie. La longueur totale des tubes est d'environ neuf pieds. Il y a un total de sept positions différentes pour le côté. Chaque position produit une hauteur fondamentale différente. Les emplacements fondamentaux eux-mêmes sont rarement utilisés dans notre musique personnalisée. Mais en changeant l'embuscade, un
joueur peut produire les hauteurs dans les harmoniques Siri qui sont dérivées
des fondamentaux. Un orchestre a généralement trois trombones, deux trombones ténor et un trombone basse. orchestrations plus importantes peuvent nécessiter jusqu'à six joueurs, dont
1 à 2 joueurs de trombone basés. Le trombone est un instrument non transposant et sonne comme écrit. La musique pour trombone est écrite en tissu de base, mais la clef de ténor est utilisée au besoin pour éviter un trop grand nombre de lignes de registre. Contrairement aux parties trompette et corne, la partie trombone est écrite avec une signature clé. La gamme donnée ici est la gamme pratique des professionnels du trombone ténor peuvent jouer légèrement plus haut jusqu'à F 5 avec difficulté. De nombreux trombones ténor incluent désormais un déclencheur F, une vanne rotative, qui relie instantanément des tubes supplémentaires pour étendre la portée vers le bas. Pour cette raison, le trombone ténor peut souvent avoir la même portée que le trombone basse montré sur la
diapositive suivante . Je viens de réaliser que ça ne sonnera pas tout à fait son résident dans le registre inférieur comme un vrai
trombone de basse . Will ah ah tout droit. Ah ah Voici les caractéristiques du registre du trombone ténor. Le trombone basse semble similaire, mais il est plus bas. Le registre est plus complet. C' est le milieu des registres plus sombres, et c'est haut. S' inscrire est difficile à jouer. La gamme du trombone est assez homogène et ne change pas les caractéristiques
autant que certains des Woodman le font. Lorsque joué forte, le registre inférieur semble menaçant. Eh bien, les registres du milieu et du haut sonnent héroïque quand on joue au piano. Les registres du bas et du milieu sonnent mystérieux ou grave. Eh bien, le registre supérieur semble plein et brillant. Les capacités dynamiques ne sont pas très affectées par le registre dans le trombone ténor ou basse
76. Tuba: avec près de 18 pieds de tuyauterie. Le tuba est l'instrument en laiton le plus bas. Il y a de 4 à 6 vannes. Le changement, la longueur du tube là, nombreuses tailles de tubes. Et sur la base de ce qu'exige une paix, joueurs d'orchestre
professionnels choisiront souvent des tubas de différentes tailles pour différentes pièces musicales au sein d'un même concert. Les tubas les plus communs sont le tuba F et le tuba de mer. Aux États-Unis. Le C deux, avec quatre soupapes, est utilisé comme un type d'instrument tout autour. En raison de sa taille, le tubercule nécessite plus d'air, terre et d'autres instruments en laiton. Assurez-vous de donner aux joueurs beaucoup de périodes de repos. Un orchestre n'a généralement que 12, mais les orchestrations plus grandes peuvent nécessiter jusqu'à deux joueurs. Le tuba est un instrument non transposant et sonne comme la musique écrite pour tuba est toujours écrite en base. Clough est important de se rappeler que le à une partie comme les parties de trombone sont écrites avec signatures
clés où ses parties de corne et de trompette n'utilisent pas de signatures clés. Les notes dans
le registre inférieur sont un peu lentes et plus lentes pour sonner comme le
registre inférieur de la controverse bientôt. Par conséquent, vous devriez éviter d'écrire des passages très rapides dans le registre inférieur. Le registre supérieur est très complet dans les passages llegado mous et commence à ressembler quelque peu à
la qualité de la corne. En fait, le tube en klaxon sonne très semblable. Quand on joue au piano et plus silencieux, plus ils sont forts, moins ils sonnent
l'un comme l'autre. Le registre inférieur sonne plus complet et est plus facile à jouer sur des tubas plus grands. Eh bien, le registre supérieur sonne pour et est plus facile à jouer. Le tube plus petit est la dynamique ne sont pas très affectés par le registre.
77. 11:
78. Étude de la Score et l'écoute des tâches (sec.11):
79. Vibrato en laiton: la technique de plan d'un plus large est possible sur tous les instruments de cuivres, très peu pour apporté Il était nécessaire et son principalement réservé pour les passages solo. Il n'est pas nécessaire de connaître Teva plus large dans le score, puisque les joueurs sauront et décideront pour eux-mêmes quand et combien pour la gravité. Si vous voulez un passage particulier dans la musique pour être joué sans vibrato, placez les mots sens de l'étranger sur non vibré avec partition. Assurez-vous que vous indiquez quand les joueurs à revenir à la normale pour le jeu brutal
en plaçant convertir Botto ou Norman. La partition pour plus large sur des instruments de cuivres pourrait être interprétée de plusieurs façons. Lip pour un plus large est probablement le plus commun et se fait en changeant l'embuscade. Bien sûr, une autre méthode de jouer avec le feu a apporté que j'ai été accompli en secouant doucement instrument avec les mains là-bas en faisant varier la pression contre l'embout buccal. Ce type de pour apporté il a été appelé vibrato à la main. Bien que possible, la façon la moins courante de jouer avec pour plus large sur un instrument de cuivres est d'utiliser les muscles
abdominaux pour changer. Le flux d'air est venu être fait avec des victoires en bois
80. Parler et les Tongues de boules: sur des instruments de cuivres, toutes les notes jouées avec une articulation séparée distincte. Un tel staccato ou marcano sont joués en tournant chaque note individuelle lorsqu'un passage n' indique
pas une articulation spécifique. Le joueur lancera également chaque note individuelle dans les passages llegado seulement le premier pas dans chaque insulte. temps d'une discussion complète sur le tournage Veuillez consulter la langue de la conférence sous la section Techniques de jeu pour les femmes. Beaucoup de zones nécessaires pour jouer un instrument de cuivres et donc les passages lisses ne devraient pas être aussi longs que ceux de Woodman. N' oubliez pas de donner aux joueurs le temps de respirer. Hmm. Simple double et triple timing est possible dans tous les instruments de seins et a accompli la même manière que les victoires involontaires. Pour plus d'informations, voir la langue de la conférence sur les techniques de jeu pour les bois. Trump it trombone de maïs, Ah, tuba et moi l'emporte sur le trombone de maïs, tuba. Trump it trombone de maïs. Bien que la languette de flotter soit jouable sur tous les instruments en laiton, elle est plus facile sur le cor et la trompette, puis sur le trombone ou le tuba. Flatter Time est également plus difficile dans les registres extrêmes. Elle est accomplie de la même manière que l'un gagnerait et est notée de la même manière. Trump it maïs, trombone, tuba. Euh,
81. Trophes en laiton et Tremolos: tous les instruments en laiton sont capables de jouer des trilles épaule généralement réalisée avec les valves. Bien que certains spectacles dans le registre supérieur peuvent être produits avec les Amish. Bien sûr, on les appelle des trilles à lèvres. Plus il y a de vannes qui sont impliquées dans
le spectacle, plus il est difficile de jouer. Par exemple, la la traîne avec une seule vanne est plus facile. Deux vannes sont inconfortables et trois sont très difficiles. trolls ne sont généralement pas joués avec le trombone, puisque le trombone n'a pas de valves. La lumière trombones peut être utilisée pour troll, mais il est très lent et maladroit. Tous les seins instruments sont capables de jouer la garniture ILO puisque le trémolo sur un
instrument de cuivres implique deux hauteurs qui sonneront plus comme une trille Si vous voulez ressembler à un arc. Dremel sur une ficelle, ils utilisent plutôt la langue flottante. Typiquement, un joueur de cuivres pourrait jouer doucement un tremblement d'un tiers mineur en changeant son amateur un troisième ou un quatrième
majeur ou un peu plus lent et maladroit. Ne pas écrire trembles plus grand que 1/4 car ils seront très lents et assez ridicules sonnant comme avec des trilles, plus
la valve sitter impliqué dans le jeu du trémolo, il est difficile pour le joueur d'effectuer les plaintes de trombone de avec diapositive, mais il est plus lent et maladroit son. L' atout. Maïs, trombone, tuba. Euh, emporte. Trombone,
tuba. Trombone,
82. Glissando en bronze: de tous les instruments en laiton aller Sando est plus facile à effectuer sur le trombone en raison de son mécanisme
coulissant. La diapositive crée un vrai bonheur sur le son similaire à celui de glisser votre doigt sur une corde sur l'instrument à cordes d'arc. Il est très important de se rappeler, avec le plus grand intervalle jouable comme ical Sando est la zone de commerce. C' est l'intervalle entre la première et la septième position de diapositive et est aussi loin que vous pouvez éventuellement vous déplacer. Les légères trompettes et cornes utilisent Olympic Lysander pour créer un verre sur l'effet. changeant rapidement leur Amish ER, les
joueurs peuvent courir à une vitesse rapide dans les Siri harmoniques. Cela fonctionne mieux plus haut dans la gamme des instruments où l'air partiel plus proche ensemble, ascendant aller Sandoz sont plus faciles à effectuer les descendants. Gasana est également possible sur le trombone et le tuba, mais il est plus difficile et est rarement utilisé. Trump it maïs, trombone, tuba
83. Mutes en laiton: il y a divers muets qui pourraient être placés à l'intérieur des cloches des instruments de cuivres. Ces viandes changent à la fois le caractère dynamique et la qualité tonale des sons. Par exemple, de passage joué fortissimo, plus en sourdine bien, non seulement son légèrement plus silencieux qu'un passage fortissimo normal, mais le Tambor sera également différent aussi bien. Teoh cassette jouant avec un muet. Les mots Concertino sont placés au-dessus des notes dans la partition pour connaître Tate la suppression d'un muet. Les mots sens de Sir Gino sont utilisés. N' oubliez pas de donner aux artistes suffisamment de temps pour placer ou retirer le muet de leurs instruments . Cela signifie qu'ils ne sont pas utilisés tout à fait un adoucissement ou musique personnalisée comme une musique de jazz quand ils sont utilisés. Le plus commun est le muet de rue. C' est ce que les joueurs muets utiliseront généralement lorsqu'ils voient concertina dans la partition. Sur le cor, il y a une alternative à jouer avec un muet, ce qui a un effet quelque peu similaire. On l'appelle corne arrêtée. Lorsqu' un joueur de klaxon s'est arrêté, il a placé sa main droite à l'intérieur de la ceinture pour arrêter la majeure partie du son. Le résultat est une qualité plus douce, plus nasale pour indiquer qu'un interprète doit jouer arrêté. Sachez simplement que Tate s'est arrêté ou choisissez au-dessus de la portée. Assurez-vous de connaître Tate le mot ouvert dans le score quand vous voulez que l'un des joueurs n'
arrête plus la guerre avec sa main. Une autre façon de noter le klaxon arrêté est de placer un signe plus sur chacun. Non, vous voulez être joué comme arrêté. L' atout. Trombone corne. Euh, euh. Tuba. Ah.
84. Démonstrations en laiton:
85. Quiz 12:
86. Étude et signations d'écoute (sec.12):
87. Éditer des projets (sec.12):
88. Percussion de percussion:
89. Quiz 13:
90. Timpani: également connu sous le nom de tambours de bouilloire, les timbales, ou l'un des plus anciens membres de la section de percussion. Dans l'orchestre moderne, il s'agit généralement d'un ensemble de quatre tambours de timbale, joués par un timbale. Chaque tambour a une taille différente et a donc un registre différent. Parfois, 1/5 tambour est utilisé pour étendre la gamme plus haut ou plus bas. Le taureau du tambour est fait de cuivre ou de laiton, et la tête du tambour est faite de peau d'animal ou de plastique. L' un des avantages de l'utilisation du plastique est que la tête n'est pas affectée par l'humidité ou le changement de température, comme l'est la peau des animaux. Si la peau d'animal est utilisée, le timbalier devra vérifier le réglage de son instrument plusieurs fois lors d'un concert. Les premières méthodes de changement du pas du tambour prenaient beaucoup de temps. dizaine de vis autour du tambour ont dû être serrées ou desserrées pour ajuster la tension du tambour, ce qui a changé le pas. Vers 18 70 le tambour à pédale a été inventé, ce qui permet au timbalier de s'ajuster. La tension du tambour avait très rapidement à l'aide d'une pédale de pied. Tous les tambours de timbale modernes ont ce mécanisme de pédale. Il convient de noter que le timbalier est un type spécial de percussionniste qui se spécialise dans le jeu des sauts d'entreprise. En d'autres termes, les timbales ne sont jouées que par un timbale. Le timbalier peut parfois aider à jouer d'autres instruments de percussion, mais les autres joueurs de percussion sont très rarement autorisés à jouer la compagnie. La musique pour timbale est notée sur une seule base croisée. C' est un instrument non transposant et sonne comme écrit. Voici la gamme d'un ensemble standard de quatre tambours de timbale. Oh oh ! Chaque tambour a une portée d'environ 1/5. Les dimensions indiquées ici sont des tailles typiques, mais celles-ci peuvent très légèrement, selon chaque instrument, avec un piccolo de 20 pouces à la batterie vidéo jusqu'à voir pour marquer possible les accordages pour chaque tambour au-dessus de la portée le début de la partition du plus bas au plus haut ici, le timbalier accorderait la batterie à un C, D et G. Tout changement de réglage doit être marqué aussi. Par exemple, pour changer le D Tony, vous connaîtrez Tate de Dashi au-dessus de la portée dès que possible. Un artiste pourrait faire le changement. Une autre alternative est de connaître Tate, une erreur de haut en bas entre les hauteurs, et certains préfèrent cette méthode. Vous pouvez également utiliser la notation de hauteur scientifique, mais cela est moins fréquent s'il y a plusieurs changements,
le pouce droit, le pouce droit un au-dessus de l'autre du réglage le plus élevé au plus bas. Les changements sont meilleurs pendant les repos, mais il est possible de changer une hauteur sur un tambour tout en jouant sur un autre. Un bon timbalier a acquis la mémoire musculaire et peut ajuster l'accord avec son pied simplement par sentir encore est plus sûr pour permettre au joueur 1 à 2 secondes d'accorder oralement. réglage auditif implique les 10 minutes de placer leur ici à côté du tambour et de le tapoter
doucement tout en ajustant la pédale. Le silence complet n'est pas nécessaire pour accorder. En fait, accordage peut même avoir lieu pendant un total de deux T dans l'orchestre. Évitez d'écrire des modifications de réglage pendant des passages très silencieux afin que le public n'
entende pas la timbale tourner. Le Tim Paneer, capable de triple P deux triple F n'importe où dans leur portée, il faut environ 3 à 5 secondes pour qu'une note s'éteigne, selon la dureté du drame. Un timbalier peut changer le bois de la hauteur en frappant le tambour à différents endroits. Le point doux où le virage est le plus pur et le plus précis, est à environ six pouces du bord. Au fur et à mesure que vous vous rapprochez du centre du tambour, le ton devient moins pur et moins précis jusqu'à ce qu'il sonne plus comme un bruit sonore. Le bois peut également être changé en utilisant différents types de bulletins de vote. Maintenant, nous allons en doux à moyen et dur. Plus le malot est dur, plus
le son est brillant, le son est doux que
le malot, plus le son est sombre. Des bâtons en bois sont également parfois utilisés. Si vous connaissez exactement la dureté et le type de matériau que vous souhaitez utiliser, indiquez-le vers l'intérieur au-dessus des notes sur la portée. À tout le moins, vous devez spécifier des maillets durs, des maillets multimédias ou des maillets souples. Chaque fois qu'il y a un changement de type mala pendant une paix, assurez-vous que vous donnez suffisamment de temps à l'artiste pour faire le changement. Et si vous n'indiquez pas le type de maillet, le timbalier décidera quel type convient le mieux à chaque situation particulière. Voici quelques exemples audio de types de maillets. Moyenne Ellen. des d' Unedestechniquesd'avion les plus idiomatiques pour Tim Petit est le roulis de tambour. Les filles sont semblables aux instruments à cordes à trémolo incliné Zahn et devraient être notées de la même manière pour une discussion complète. Entre malos et leur notation s'il vous plaît voir l'entrée de la conférence. Melo est sous la section des techniques de jeu pour instruments à cordes inclinées. Avant le 20e siècle, les généraux étaient notés avec le panneau du sentier pour rouler un seul terrain. Le timbalier alternera rapidement à Mel. C' est sur un seul tambour. Trembles, composé de deux emplacements différents, sont joués sur deux tambours différents. Les rouleaux ont généralement une course coupée, qui est le dernier trait du rôle. Assurez-vous de connaître Tate la longueur de la course coupée. Dans cet exemple, la course coupée est 1/4 note. Le timbalier devra arrêter le son en plaçant sa main sur le tambour avait au
quart de repos. Voici un exemple audio du rouleau de timbale. Jouer des emplacements simples est très courant dans la musique de Tim Pretty, mais il est également possible de jouer deux emplacements simultanément, en utilisant deux tambours. Puisque le timbalier a un maillet et vous Chand, ils peuvent frapper deux tambours en même temps. Voici un exemple qui implique le total de trois tambours accordés FCF joué deux à la fois en modifiant la hauteur avec la pédale, un verre Sando d'environ 1/5 que possible sur la Tempe. Elles peuvent être réalisées à n'importe quelle dynamique et peuvent être ascendantes ou descendantes. Allessandro peut également être effectué en roulant. Voici quelques exemples audio. Oh oh !
91. Xylophone: xylophone est une entreprise idiote de terrain précis. C' est le premier des Mela Instruments à faire partie de la section percussion de l' orchestre. Certaines des premières apparitions orchestrales du xylophone, qui sont en 18 75 en 18 86. Les noms que je le téléphone vient du Grec. L' instrument est composé de nombreuses barres de bois de différentes tailles, que l'on frappe avec un maillet, produisent différents emplacements. Les barres en bois varient considérablement en fonction de la taille. Plus la barre est grande, la hauteur est basse, leur place dans deux jeux de rose, comme les touches blanches et les touches noires sur un piano. Les Modernes I. Le téléphone a également des tubes résonants pour chaque barre, ce qui a aidé à simplifier le son. Musique pour téléphone Zyla est notée sur un seul personnel en difficulté. Clough. C' est un instrument de transposition qui sonne d'une octave supérieure à celle écrite. Le téléphone silencieux vient de différentes tailles, le plus commun étant les trois versions actives. Le xylophone est capable de triple P deux triple F n'importe où dans sa gamme. L' instrument a très peu de résonance, et toutes les notes sonnent essentiellement staccato. Son tambour global est un son en bois brillant Mais comme tous les instruments mala, le bois est plus chaud dans le registre inférieur et devient plus lumineux. Un endroit est plus haut ? maillets de téléphone Zyla ont généralement des poignées assez flexibles et de petites têtes rondes. Les têtes sont faites de caoutchouc, bois ou de plastique. maillets plus souples peuvent avoir des têtes enveloppées dans la cour. Le bois des instruments O'Malia peut être modifié en utilisant différents talents. Si vous connaissez exactement la dureté et le type de matériau que vous souhaitez utiliser, indiquez-le vers l'intérieur au-dessus des notes sur la portée. À tout le moins, vous devez spécifier les bulletins de vote durs, les maillets média ou les supports souples. Et chaque fois qu'il y a un changement de type mala au cours d'une pièce, assurez-vous que vous donnez suffisamment de temps à l'artiste pour faire le changement. Si vous n'indiquez pas le type de maillet, percussionnistes décideront du type le mieux adapté à chaque situation particulière. Type de Mala préféré pour son téléphone de l'île si dur en raison de la
qualité de ton particulièrement lumineux fournit avec le dur Mellat. Le son du xylophone peut généralement couper à travers l'orchestre. Les techniques de jeu comprennent la trille, tremolo arpège et Dalesandro. accords noirs et des temblors d'accords sont également possibles si le joueur tient deux melons dans chaque main. La norme est un mil par intervalles de main jusqu'à 11e ou possible de melons dans une main . Mais certains joueurs avec des mains plus grandes et des maillets plus longs peuvent atteindre jusqu'à 1/13 fil
plastique dur en plastique souple , alors serait plus.
92. Marimba: le Marambra est un téléphone idiot de terrain défini. Il est fondamentalement une version plus grande, inférieure de la conception d'un téléphone. Sa première introduction dans la section percussion de l'orchestre remonte à 1947. Rappelez-vous que Mallett est venu en dur, moyen et doux, et tandis que les maillets plus durs préfèrent pour cela, je vais un téléphone. Maillets plus doux air préféré pour le marimba. C' est parce que les barres Merima sont plus délicates. Les têtes de melon sont faites de caoutchouc, bois ou de plastique, et elles sont généralement recouvertes d'urine. Comme toujours, l'orchestre compositeur doit indiquer dans la partition si le joueur doit utiliser des maillets durs, moyens et souples et leur donner suffisamment de temps s'il devait changer de melons pendant une pièce . La musique de Marimba est notée sur le personnel unique dans l'un ou l'autre des clubs de voyage pour
changer les chiffons Clough selon les besoins. Il est également parfois noté sur un grand bâton, et de nombreux joueurs de marimba semblent préférer cette méthode. C' est un instrument non transposant, et les sons sont écrits. Le Merima est disponible en différentes tailles. Les plus courantes sont les quatre versions actives et les cinq versions Octa. Voici la gamme des cinq marambra actifs, plus
les MBA sont nombreux. Les barres en bois sont plus douces et plus minces que les barres xylophones et ont donc un ton
Britcher plus sombre dans le registre supérieur que Marambra ressemble au son de la firme Zyla lors de l'
écriture de marimba, c'est le registre inférieur qui devrait être exploité, puisque ce registre tonalité est unique à l'instrument. Non seulement les images inférieures sont plus sombres et plus riches, mais
elles résonnent beaucoup plus longtemps, 2 à 3 secondes. Les membres capables de triple P deux triple F et vous étiez dans sa gamme. Toutes les techniques de jeu possibles sur xylophone sont également possibles sur marimba. Il est standard pour la plupart des joueurs de marimba de jouer avec deux maillets dans chaque main. Cela ne signifie pas que tous les membres doivent être cordiaux. Les coups simples peuvent également être bien joués, tenant aux maillets dans chaque main. Lorsque vous écrivez des intervalles et des accords, n'oubliez pas que la largeur des barres devient plus mince plus vous jouez. Contrairement au téléphone Zyla, où toutes les barres sont égales à inactif est d'environ 24 pouces dans le plus bas actif de l'instrument et environ 16 pouces dans le plus haut actif. Cela signifie que de plus grands intervalles et accords air possible. Plus vous jouez ici, les intervalles maximaux moyens possibles pour des millions par main neufs de la mer aux tentes de moi aussi. 11e de moi trois et 12e de C quatre douillets sur fil moyen, caoutchouc de fil
dur, alors serait oh.
93. Glockenspiel: le glockenspiel est un téléphone idiot comme pitch défini. Le nom glockenspiel est allemand pour Bell play. Contrairement à ce téléphone Isla de Marambra, qui étaient constitués de barres de bois, le glockenspiel est composé de barres métalliques. Comme pour tous les instruments mala, les barres disposées de façon spectaculaire en fonction de la taille et se déclinent en deux rangées comme un clavier de piano . Contrairement aux autres instruments mala, le glockenspiel vient d'une manière une taille et a une plus petite portée. Les têtes de maillet viennent dans divers matériaux plus difficiles. melons sont faits de métaux tels que le laiton. Les maillets plus souples sont faits de bois, plastique et de caoutchouc. Il est typique pour un Glock Ismael d'être joué avec des maillets métalliques, puisque les barres d'acier sont plus denses que les barres de bois et prennent plus de force pour les faire vibrer. Un aspect unique du glockenspiel moderne est la pédale d'amortisseur. Lorsque la pédale n'est pas enfoncée, les barres métalliques sont amorties par un rail en feutre. Cela permet à un interprète de jouer choisir au Qatar noix. Lorsque la pédale est pressée, les amortisseurs ont été soulevés et les hauteurs peuvent résonner pendant une longue période. Pablo doit être noté sous le personnel en utilisant l'une des méthodes suivantes parce que le métal résonne beaucoup plus longtemps que le bois qu'un artiste peut atteindre. Je botto en déplaçant une main cupped haut et bas sur la barre vibrante pour indiquer pour large Oh ,
droit avec, droit avec, pour une large au-dessus de la portée pour indiquer un retour à la normale de lecture droite sans vibrato au-dessus de la musique de portée pour glockenspiel est notée sur une seule portée en difficulté. Clough. C' est un instrument de transposition qui sonne deux octaves plus haut que l'écriture. - Le glockenspiel est capable de triple P deux triple off n'importe où dans cette gamme. Son Tambor global est un brillant, cloche
métallique comme son, Mais comme tous les instruments mala, le tambour est plus chaud dans le registre inférieur et devient plus lumineux comme un endroit plus haut. Toutes les techniques d'avion possibles sur le marimba xylophone sont également possibles dans le
bec noirâtre . Généralement, un
seul maillet par main est utilisé, mais les joueurs peuvent utiliser jusqu'à deux par main pour les plus grands terrains, le plus grand intervalle possible pour les maillets d'une main. Ses deux actifs, plus une seconde serait plastique dur que le métal vous , pas
94. Vibraphone: le vibraphone est un téléphone idiot de pitch défini. Il s'agit d'une invention américaine développée à l'époque de la guerre mondiale. Bien qu'il ait été utilisé de plus en plus fréquemment, il n'a jamais atteint la même position que les autres instruments de Mala, le vibraphoniste semblable à la facture de blocage, et que ses barres sont en métal plutôt que en bois. Têtes de maillet ou autres rondes ou elliptiques. Les maillets durs sont généralement utilisés dans le jeu de vibraphone car il faut plus de force pour vibrer les barres métalliques. Les matériaux communs sont le laiton et le caoutchouc dur. Les maillets plus doux comprennent du plastique et du beurre de bois. Rarement utilisé. Le vibraphone a une pédale d'amortisseur, comme le glockenspiel, qui est notée de la même manière. Il a également des tubes résonants sous chaque barre, comme le marambra et le xylophone au-dessus de chaque YouTube résident. Ce sont de petits disques rotatifs contrôlés par un moteur, les disques rotatifs, effet vibrato
créatif. La vitesse du moteur est réglable et le disque et tourner n'importe où de 0 à 12 fois par seconde, indiquant le score si le moteur doit être utilisé. Et si c'est
le cas, la vitesse de la musique moteur pour vibraphone est notée sur une seule portée en tissu de problèmes. C' est un instrument non transposant et sonne comme écrit. Le vibraphone est disponible en différentes tailles. Le plus commun est la version trois active, avec la gamme de F trois à F six. Le vibraphone
est capable de triple P deux triple F n'importe où dans sa gamme. vibraphone Le Tambor ressemble au glockenspiel, mais beaucoup plus moelleux. La plupart des métaux et des brights, c'est du son, ont
été appelés vitreux et éthérés. Le vibraphone est capable de toutes les techniques de jeu courantes utilisées pour un xylophone, marimba et glockenspiel. Comme le marimba le vibraphone a des barres ont gradué avec ce moyen. Plus vous allez haut, plus
l'intervalle est grand. Ici, les intervalles maximaux moyens possibles avec deux milles par main neufs de F trois 10e de G trois, 11e de D quatre 12e d'un quatre melon mela
melon, puis maillet dur.
95. Bells tubulaires: Cet instrument est un téléphone idiot de hauteur définie, également connu sous le nom de carillons ou carillons symphoniques. Les cloches tubulaires étaient à l'origine utilisées dans les opéras pour imiter le son des cloches d'église. Certaines des premières apparitions ont eu lieu en 18 53 18 59 et 1900. A Standards of Tubular Bells se compose de 18 tubes cylindriques climatiques . Ils s'accrochent à l'Irak et s'arrangent en rose. La rangée arrière est équivalente aux touches noires du piano, tandis que la première rangée est équivalente aux touches blanches. Les tubes sont frappés avec des navires à marteaux, des
maillets en bois ou en plastique. Il y a aussi des bouches métalliques, mais ces air généralement pas utilisé parce qu'ils peuvent endommager les tubes. Les montagnes sont couvertes et en feutre ou en cuir afin d'atteindre différents niveaux de dureté. Une pédale d'amortisseur permet au joueur d'amortir le son de tous les tubes en même temps. Un joueur peut également amortir le son d'un tube particulier en plaçant sa main sur le tube . La musique pour cloches tubulaires est notée sur une seule bâton en difficulté. Clough. C' est un instrument non transposant et sonne comme écrit. Les tubes standard 18 donnent une gamme de C quatre orteils F cinq. orchestres plus grands auront souvent un ensemble avec plus de tubes, permettant une portée de 3 à 5 F. Euh, euh. - Les cloches
tubulaires sont capables de triple P deux triple F n'importe où dans leur gamme. Le son est composé de deux parties. Le billet de grève et la résidence. La note de frappe est le son ou l'oreille perçoit comme la hauteur et correspond à la hauteur écrite dans la partition. Les résidents contient le fondamental a frappé de bas et de nombreuses harmonies. C' est un ton très riche. Lorsqu' il est frappé, le son résonne pendant une période extrêmement longue, à moins que les techniques de jeu humidifiées ne
comprennent des coups simples. Single Notre Melo a joué à l'aide de maillets sur un seul tube. Anglais Sandoz fermer. Sandoz jouait typiquement en courant un bâton à travers les tubes. Deux emplacements simultanés sont possibles si le joueur utilise pour monter. Un. N' importe quel chant. Si un trois notes ou un maïs étranger est désiré, un autre joueur est nécessaire. Les deux jouant sur le même instrument feutraient puis plastique. Le O Way
96. Quiz 14:
97. Étude et signations d'écoute (sec.14):
98. Éditer des projets (sec.14):
99. Drum c'est: la caisse claire est un membre et un téléphone de pitch indéfini. Il est également connu comme le tambour latéral parce qu'à l'origine il a été joué sur son côté et des
bandes militaires où il a accroché aux batteurs gauche hanche. Peut-être sa première apparition dans l'orchestre a été en 17 49. La caisse claire a en fait des têtes de tambour. La tête supérieure sur laquelle joue le percussionniste s'appelle la tête de frappe. Le fond avait où les pièges sont attachés est appelé la tête de caisse claire. Ils ont généralement de 8 à 18 ans. Claires en soie ou en nylon enroulées avec fil. Les sourcils peuvent être allumés ou éteints à l'aide d'un interrupteur avec des pièges. Éteignez. Ce tambour proche ressemble à un Tom Tom typique d'un kit de batterie avec des sourcils allumés. Cette caisse claire a un son très unique, qui est métallique brillant. Les fûts de caisse claire ont des bâtons en bois spéciaux qui respirent minces, se
rétrécissent près du haut et ont soit autour de la pointe ovale. Parfois, des maillets ont été utilisés un si petit timbale, maillets ou des maillets marambra. Le type d'utilisation du bâton change la façon dont le tambour sonne lorsqu'il est frappé, par
exemple, petits maillets de timbale généralement utilisés pour les pièges et produisent un bruit court. La caisse claire peut également être jouée à l'aide de brosses métalliques. C' est courant dans le jazz. Les brosses métalliques ont des bâtons en bois beaucoup plus doux. Là, deux façons de jouer avec des pinceaux. La première est de frapper la tête des Allemands qu'il aurait normalement avec un bâton, et la seconde est de frotter les brosses en un mouvement circulaire sur la tête de tambour. Non Tate, le mot brosse dans la partition si vous voulez que le tambour soit frappé avec une brosse métallique, et si vous voulez un frottement circulaire, sachez Tate le mot swish. traits simples et les rôles sont des techniques de jeu typiques, rythmes
très rapides de possibles en raison de la courte résidence de l'instrument. Voici quelques coups courants le flam, la traînée, les trois coups rugueux, les quatre temps rugueux et le rôle. Un autre coup est le tir de la pièce pour produire un plan de pièce. Ce percussionniste place un des pilons sur le tambour. La pointe repose sur la tête de tambour, et la poignée repose sur la jante. Ils ont ensuite frappé ce bâton avec un deuxième pilon, ce qui crée UNIX ville qui a été micro dans un tir de pistolet. Il convient de noter que le tournage de la salle orchestrale est différent de celui du monde pop rock. Ce type de tir de pièce est réalisé par le choc simultané du Grim et de la tête . Cela a un son plus puissant, mais il est plus difficile d'effectuer la précision. La caisse claire est capable de jouer double P deux triple F musique pour caisse claire La caisse claire est généralement notée sur une portée simple avec la classe de percussion, soit la proximité de percussion suivante est acceptable.
100. Batterie basse: la grosse caisse est un membre et un téléphone de pitch indéfini. Dès le dernier tiers du XIXe siècle, il s'est solidement établi dans la section des percussions
de l'orchestre . Le tambour est assis verticalement et a une tête de tambour des deux côtés. Un côté est la tête de frappe, où le joueur frappe et l'autre tête est la tête résonnante. La pâte avait son plus épais, mais les deux têtes sont faites du même matériau, généralement veau effrayé. Les tambours de basse frappaient généralement avec le maillet, semblable à un maillet de timbale, seulement plus gros, avec une tête plus douce et
plus feutrée. Parfois, des bâtons en bois ont été utilisés. Le point frappant, qui produit le plein de son, est d'environ une main avec du centre. traits simples et les rôles sont des techniques de jeu typiques. Les coups simples rapides ne sont pas aussi fréquents parce que la grande résonance de l'instrument brouille le son. Si chaque coup doit être entendu distinctement, un chiffon peut être placé sur la tête de tambour et serait bâtons utilisés. La grosse caisse est capable de jouer triple P deux triple F et peut facilement dominer le reste . L' orchestre à son plus fort. Le son de la grosse caisse a été comme dans le son de la musique de tonnerre pour la grosse caisse est notée sur une seule ligne Staff avec la percussion Clough
Oh, oh !
101. Triangle: le triangle est un téléphone idiot de pas indéfini qu'il utilise. L' orchestre remonte au milieu du XVIIIe siècle. Le triangle est autour de la tige. Typiquement fait d'acier. Il a été plié en forme de triangle et laissé ouvert à une extrémité. L' instrument est suspendu à un morceau de ficelle ou de fil attaché au coin supérieur. Le triangle est disponible en différentes tailles, mais le son le plus commun ou 68 et 10 pouces est produit sur un triangle en frappant l' instrument avec un batteur métallique. Les batteurs sont en différentes épaisseurs. Plus le batteur est épais, plus
le son joue à différents endroits sur le triangle peut également changer la qualité du son. Frappant près du centre de l'un des trois côtés donne le son le plus pur, le plus semblable à la cloche. Frappant près des coins lui donne ou une qualité chatoyante au son. Les techniques de jeu se limitent aux coups simples et à l'assiette. Ilo a tremolo est accompli en alternant rapidement avec des frappes d'un côté à l'autre dans l'
un des coins. L' instrument a un temps de désintégration très long, mais il pourrait être humidifié avec la main non frappante pour des écrous plus courts pour des
rythmes complexes rapides . Deux batteurs peuvent être utilisés. Le triangle est capable de jouer de la musique triple P deux double F pour triangles, notée sur une seule ligne de bâton avec un chiffon de percussion.
102. Cymbales: Les symboles sont un téléphone Nydia de hauteur indéfinie. L' instrument est un autre des instruments plus anciens, non inclinés de la section de percussion, avec l'une des premières utilisations en 17. 82 symboles sont faits de fil de laiton, elle laiton, nickel, argent ou bronze alliés. Le diamètre varie de 16 à 24 pouces. Il y a un trou au centre de chaque symbole où une sangle en cuir est attachée. L' instrument est livré en paire, et les percussionnistes tiendront un symbole dans chaque main. En utilisant les bandelettes, le Cymbal se bloque la technique la plus idiomatique et la plus
simple. Le crash pourrait être joué à partir du double P deux triple F. Glad bruyamment. Un crash de cymbale peut facilement être entendu sur l'ensemble de l'orchestre. Les symboles ont un temps très long à K, mais ce temps de désintégration pourrait être raccourci en atténuant les sons. Ceci est accompli par le joueur touchant les symboles contre leur corps, généralement leur poitrine. Il est important de savoir à Tate combien de temps le symbole doit sonner et quand il doit être humidifié. Typiquement, si vous placez des restes dans
le score, le joueur amortit le son. Mais pas toujours. Il y a un type spécial de notation qui indique à l'interprète quand barrer le son et est
allé le laisser continuer à vibrer. Si vous voulez que le son résonne, vous devez savoir Tate a tie ou LV laisser vibrer au-dessus des écrous. Les deux mesures suivantes seraient jouées exactement de la même manière que 4/4 notes, et l'interprète n'amorcerait pas le son entre chaque note. Si vous voulez, l'amortissement sonore entre les deux est maintenant. Vous pourriez simplement laisser les liens que cela pourrait être ambigu. Il est préférable de connaître Tate Seiko au-dessus de chacun maintenant. Les deux fausses mesures seraient jouées exactement de la même façon que 4/4 notes, et l'interprète amortirait le son entre chaque note. D' autres techniques à côté du crash standard, Nos rôles Instruu Shadow rôles sont effectués en frottant les deux Cymbales ensemble dans un mouvement
circulaire rapide . Ils sont généralement notés comme un général, seraient des ombres de maîtresse effectuées en commençant par les deux cymbales ensemble, puis rapidement les écarter pour créer un son zing ou sifflement. Il est généralement noté avec une ligne de troll ondulée. Des symboles suspendus peuvent également être utilisés dans l'orchestre. Ces air suspendus sur un support et sont frappés avec des bâtons, maillets ou des brosses et peuvent même être inclinés avec une contrebasse ou un archet de violoncelle. Indiquez toujours dans la partition si les symboles air à jouer comme des cymbales crash ou des
symboles suspendus .
103. Tam-tam: le Tam Tam est un téléphone idiot de terrain indéfini. Bien qu'il soit membre de la famille Gong, il se différencie des gongs boss, dont l'air est bombé au centre et produit des emplacements précis. L' instrument est un disque circulaire, légèrement convexe en tôle de bronze martelé tam tam tams de taille de sept pouces sur 60 pouces. Des trous ont été percés dans la jante à des endroits qui ne vibrent pas afin de suspendre l' instrument par fil. Les techniques de jeu comprennent des coups simples, répétitions et des rouleaux. Le Tam Tam est typiquement frappé avec un Malik spécial appelé Agong batteur. D' autres techniques comprennent le frottement de la surface de l'instrument avec un batteur triangle dans un mouvement
circulaire. Cela pourrait être noté comme un trémolo avec un triangle frotté placé au-dessus de la portée. Vous pouvez également gratter la pièce de l'instrument avec le batteur triangle. Ceci est noté comme un trémolo, avec un triangle gratté placé au-dessus de la portée. Une autre technique intéressante n'est pas de s'incliner. Le bord de l'instrument avec un archet de contrebasse ou un arc de violoncelle tout simplement pas de bande de bateau vers le haut de la portée. Ce n'est que des niveaux efficaces, plus silencieux et dynamiques. La longueur de résonance peut être supérieure à 30 secondes alors assurez-vous d'utiliser une notation très claire. Comme pour les symboles, les notes
soutenues doivent être
marches, soit avec des liens ou beaucoup vibrent. bananes maudites devraient être marquées Sekou. Les plus grands tandems air difficile d'arrêter de vibrer, et l'artiste devra généralement saisir l'instrument avec les deux bras et l'amener à se reposer contre leur corps pendant une demi-seconde. Le tantale est capable de jouer Triple P à quadruple F. Un vrai plaisir Bluff est possible et crescendos par l'accumulation d'énergie et des
grèves répétées . La musique pour 10 Tim est notée sur une seule ligne avec une falaise de percussion.
104. Tambourine: le Tam Marine est un téléphone mème Brenna de pas indéfini son nom en petit tambour. Bien que l'instrument ait sa place dans la section percussion de l'orchestre depuis le milieu du XIXe siècle, le tambourin a fait des apparitions orchestrales encore plus tôt à la fin des 17 centaines. L' instrument se compose d'un cerceau en bois sur lequel a tendu un cuir de veau, ou d'une tête en plastique autour du cerceau en bois. Nos fentes avec de petits disques de poitrine il pourrait y avoir n'importe où de 4 à 20 paires de disques en deux rangées. Le tambourin est disponible en différentes tailles, 10 pouces étant la norme. autres tailles comprennent six pouces et 15 pouces. La falsification est généralement tenue dans une main et frappée avec l'autre main, mais il peut également être frappé avec les doigts Nichols ou la paume. S' il est placé sur le support, il peut être frappé avec des maillets. Une technique de jeu courante pour falsifier est le trémolo pour créer un trémolo, l'instrument est rapidement secoué, ce qui provoque le hochet des petits disques du sein. Un autre type de trémolo est le rôle du pouce pour effectuer éphémère, un joueur va mouiller son pouce puis le frotter dans un mouvement circulaire autour du bord de la tête de tambour Cela crée une friction qui rend les petits seins disques hochet. Les dynamiques sont contrôlées par la quantité de pression du pouce et la vitesse du mouvement
circulaire éphémère leur donne ou effet tremolo intense. Mais l'inconvénient est qu'il ne dure que quelques secondes. Environ trois secondes jouées. Forte et huit secondes joué piano pour indiquer un tremolo standard placer le mot shake au-dessus du tremolo pour indiquer un rouleau de pouce. Placez le mot pouce sur le trémolo. La falsification est capable de jouer triple P deux Triple F. Un vrai triple P n'est possible que si vous appuyez légèrement sur une seule paire de disques. Music for Tampering est notée sur une seule ligne de bâton avec la falaise de percussion.
105. Démonstrations de percussion:
106. Quiz 15:
107. Étude et l'écoute des tâches (sec.15):
108. Éditer des projets (sec.15):
109. Introduction aux claviers:
110. Piano: le son est produit sur un piano. Lorsque des marteaux en feutre dur frappent les cordes, ces marteaux s'activent par l'air en frappant les touches
du clavier, les cordes s'étirent sur un très grand cadre en fonte. Ce cadre est si solide qu'il peut supporter 20 tonnes de tension des cordes. L' erreur et l'image indiquent les amortisseurs. Lorsqu' une clé frappe, l'amortisseur correspondant est retiré de la corde juste avant que le marteau ne lui frappe le marteau qui frappe la corde, ce qui fait vibrer. Lorsque la clé est relâchée, l'amortisseur retourne à la corde, arrêtant la vibration et son son. Les amortisseurs permettent de jouer le vrai staccato sur le piano. Il y a deux divisions de base de pianos. Le piano droit et le piano à queue. Les pianos droits, les
cordes,le cordes, cadre et la table d'harmonie sont verticaux. Où sont les pianos à queue ? Cordes, cadre et table d'harmonie ou horizontales ? Le piano à queue était supérieur à la fois dans sa mécanique et son et est donc le seul type de piano utilisé dans l'orchestre. Un piano à queue et la plupart des pianos droits ont trois pédales de gauche à droite. L' U. N accorde une pédale, la subsistance de la pédale et la pédale d'amortisseur. Certains manœuvres ont seulement les pédales droite et gauche. La pédale d'amortisseur est la pédale la plus fréquemment utilisée. On l'appelle parfois la pédale de sustain. Lorsque la pédale d'amortisseur est pressée avec le pied, tous les amortisseurs de l'ensemble du piano sont retirés des cordes. Cela permet à l'artiste de retirer ses doigts des touches et de jouer d'autres touches si nécessaire, et les notes continueront à sonner. Il permet également des vibrations sympathiques provenant d'autres cordes qui n'ont pas été frappées, améliorant
ainsi le ton du piano. Un bon pianiste sait instinctivement quand déprimé relâché la pédale d'amortisseur. Si vous voulez un colmatage spécifique de la pédale d'amortisseur dans le score, vous devriez savoir Tate it. Non. Prenez l'animal de compagnie d'abréviation pour indiquer quand un interprète doit appuyer sur la pédale et l' astérisque indique quand un interprète doit relâcher la pédale sur une pédale alternative. Le marquage est le support. La courte ligne verticale à gauche signifie pédale vers le bas. La longue ligne horizontale signifie continuer à tenir la pédale. mort sur la courte ligne verticale sur la droite signifie pédale vers le haut. pédale de chevauchement, parfois appelée pédale de llegado, est quand la pédale monte et redescend très rapidement. Le timbre se termine les sons précédents et soutient les sons suivants sans une pause dans la continuité du son, Il est utilisé pour connecter harmonieusement les harmonies et effacer toutes les distances indésirables. Le point au milieu montre où l'artiste a rapidement laissé son pied de haut en
bas . La pédale U. N Accord a est la deuxième pédale la plus utilisée. Il est utilisé pour permettre à l'artiste de jouer plus silencieux, et les mécaniciens travaillent de deux façons. En appuyant sur cette pédale sur un piano droit, les marteaux se rapprochent des cordes. Cela réduit la vitesse que Hammer pourrait gagner, réduisant
ainsi le volume du son. Appuyez sur la pédale d'un quart sur un piano à queue fonctionne très différemment et pour expliquer le mécanisme dont on nous a parlé pour la première fois, vraiment en fait, sur le piano bolos notes sur un piano ont une corde pour marteau. Les notes du milieu ont deux cordes. Brammer et le plus élevé d'entre nous ont trois cordes par marteau. Cette disposition des cordes maintient les capacités dynamiques à peu près uniformes dans toute la gamme du
piano. Par exemple, lorsque vous présentez un dans le registre inférieur du piano. Le marteau frappe. Une seule corde fixe a tourné un. Lorsque vous appuyez sur un dans le registre du milieu du piano, le marteau frappe à des cordes plus minces. Deux en un seul A. Lorsque vous appuyez sur un dans le registre supérieur du piano,
le marteau frappant trois cordes très minces accordées à un seul A. On
leur a accordé la pédale sur une cause de piano à queue des marteaux pour se déplacer légèrement vers le droit de sorte que les marteaux que l'air frappant plusieurs cordes frappent une force de moins. Cela rend les sons légèrement plus silencieux et permet à l'artiste de jouer des niveaux
dynamiques plus bas avec plus de facilité. Non, prenez ces de cette pédale avec des mots en 1/4 pour revenir jouer sans cette pédale. Non, prenez les mots que Trey Corta assassiné Pedal est la pédale la moins utilisée. Il fonctionne de la même manière que l'amortisseur Powell, mais ne soutient que les notes qui sont jouées au moment où la pédale est pressée et
n'est pas effet et même exprimer par la suite. Cela permet de placer pour contrer les emplacements pendant que les emplacements joués précédemment
sont soutenus. C' est quelque chose qui n'est pas possible avec la pédale d'amortisseur. Notez la pédale du milieu sur certains grands et verticaux de qualité inférieure. Panoz ne supporte que les notes dans le registre de base et quelques montants. La pédale du milieu abaisse un morceau de feutre entre les marteaux et les cordes, ce qui met en sourdine toutes les notes d'une clé. C' est ce qu'on appelle une pédale d'entraînement et permet aux étudiants de pratiquer à un volume inférieur. musique pour le piano n'est pas un professeur sur un Grand Staff et les sons sont écrits. Le piano possède la plus grande gamme de tous les instruments standards. L' orchestre moderne, - le bois du piano, est assez homogène partout. Une étrange de l'extrémité inférieure est plus sombre et plus haut et devient plus lumineux, plus un endroit élevé. Le temps de résonance est d'environ 20 secondes de l'extrémité inférieure et diminue lorsque vous vous déplacez de plus en plus haut jusqu'à ce qu'il devienne environ une seconde. À l'aide de notes simples. Ce piano est capable de jouer le triple P deux double F n'importe où dans sa portée. Mais avec l'utilisation de la pédale et de plusieurs pas simultanés, un triple F pourrait être obtenu
111. Celesta: Le Celesta est l'un des instruments à clavier les plus utilisés dans l'orchestre, qui a été inventé en 1886 à Paris en 1892. Tchaïkovski a rendu l'instrument populaire en l'utilisant dans la danse de la fée de la prune sucrière de son ballet, Le Casse-Noisette. Le nom de l'instrument vient du Celeste français, signifiant céleste. Lorsque les touches des instruments sont pressées, marteaux de
feutre frappent des barres fixes, qui vibrent ensuite sur des boîtes de résonateur en bois à cause des boîtes de résonateur. Le vrai staccato n'est pas possible. Contrairement au piano, le Celesta n'a qu'une seule pédale. La pédale d'amortisseur. En appuyant sur la pédale d'amortisseur, les amortisseurs sont retirés des barres d'acier, ce qui permet aux hauteurs de résonner plus longtemps qu'elles ne le feraient normalement. En soulevant le pied de la pédale, les amortisseurs retournent aux barres fixes, arrêtant
ainsi le son. musique pour la céleste est notée sur une grande portée et sonne une octave supérieure à celle écrite. Voici la portée écrite du celesta montrée sur la portée, et la plage de ponçage du Celeste est affichée sur le clavier. Un modèle allemand à cinq octaves étend la portée vers le bas par un actif, et il commence à remplacer la norme pour le modèle français actif. Surtout dans sa gamme supérieure. Le son de la célesta rappelle un glockenspiel seulement plus délicat et dynamique dans le bois. Le céleste
joue du pianissimo n'importe où dans sa gamme. Plus on joue, plus il est facile de jouer adorable. E o plus vous, euh
112. Quiz 16:
113. Étude et l'écoute des tâches (sec.16):
114. Éditer des projets (sec.16):
115. Préparer le score:
116. Quiz 17:
117. Préparer les parties:
118. Quiz 18:
119. Méthode pour la vérification des scores et des parties:
120. Doublings: une familiarité avec différents Tambor d'instruments individuels et la capacité d'utiliser bois bien des parties importantes de l'orchestration. Tambor est la qualité de couleur ou de tonalité d'un instrument. Elle est largement déterminée par des harmonies d'instruments et c'est la raison pour laquelle nous sommes en mesure de faire la
différence entre une flûte et un hautbois jouant le même pas, ou même entre deux flûtes différentes jouant le même pas. Il existe deux types de bois de base. Chambre pure et bois composite. Au sens le plus strict, Pure Tambor est le son d'un type de terrain de jeu d'instruments qui ne sont pas dupliqués par un autre instrument ou de bois composite résultant de deux instruments différents ou plus jouant les mêmes hauteurs. Plongons un peu plus profondément dans cela avec quelques exemples. Voici un exemple d'une seule flûte jouant une ligne mélodique. Ce serait un exemple de bois pur. Si deux flûtes jouaient la même ligne mélodique, il serait également considéré comme une chambre pure, bien qu'un peu moins pure puisque pas deux flûtes ont exactement le même bois, voici le même exemple, cette fois joué en parfait unisson par une grippe pour connaître Bo. C' est ce qu'on appelle le doublement unison et c'est un exemple d'une chambre composite à l'unisson, doublant des zones. Le bois de chaque instrument se mélange et crée un nouveau caractère composite . D' accord. Plus les deux instruments sont homogènes, plus
le son composite sera complet. Remplaçons le hautbois par la clarinette et écoutons la différence. Remarquez comment la morsure du hautbois dans l'exemple précédent se distinguait contre la flûte. Eh bien, la chaleur d'une clarinette dans cet exemple se fond mieux. C' est parce que les tambours d'une flûte et de clarinettes sont plus homogènes que les bois de la flûte et du hautbois. Maintenant, écoutez ce qui se passe si acquérir réseau pour jouer les mêmes lignes. La nourriture, mais une octave plus basse lorsque deux instruments jouent la même ligne en octaves, et c'est ce qu'on appelle le doublement d'octave. doublement actif est une technique et une orchestration très courantes. Les doubles ings unisson et les Dublin actifs sont utilisés pour mélanger le Tambor, mais le
doublement d'octave permet à chaque Tambor de conserver plus de sa propre identité. Pensez à des unités et à doubler Xas, mélangeant deux couleurs de peinture pour obtenir une nouvelle couleur comme le jaune et le bleu me vert. Maintenant, pensez à l'octave doublant Xas deux couleurs l'une à côté de l'autre sur la toile utilisée pour compléter ou contraster les unes avec les autres. doublement d'octave est ne doivent pas toujours être deux instruments différents jouant la même ligne inductive part. Ils peuvent également être l'un des deux suivants d'un même instrument jouant la même ligne d'une octave à part, deux d'un même instrument jouant la même ligne, deux actions ou plus de parties, deux instruments différents jouant la même ligne, les Marocains à part ou plusieurs instruments jouant la même ligne dans plusieurs octaves sont actifs. doublement est considéré comme pur ou composite puits de Tambor, Techniquement, chaque instrument joue un jeu différent de hauteurs, et à cet égard, le Tambor pur. Mais comme chaque instrument joue le même élément musical dans ce cas, la mélodie que le bois rencontre est un peu composite, et nous voyons donc que l'élément musical que chaque instrument joue peut avoir un grand impact sur si le bois se croise est pur ou composite. Par exemple, si la flûte et la clarinette jouaient des mélodies complètement différentes et distinctes, le son qui en résulterait serait celui
de, en contraste pur. Tambor, qui ne rencontrerait pas un composite sonore comme
121. Doublings dans une texture homophonique: Bien que la texture sera étudiée dans la section suivante, il est nécessaire de le mentionner ici brièvement car elle se rapporte à la texture du bois traite du nombre et du type d'éléments musicaux dans la partition. Dans cette conférence, nous allons ramener l'une des textures les plus courantes à la maison une texture phonique et examiner les différentes façons dont nous pouvons utiliser des bois purs et composites dans ce type de texture. Ces différences pourraient être réglées, surtout si vous n'avez pas déjà formé votre oreille à reconnaître les différences dans le bois pour vous
aider. En entendant les différences subtiles, il est recommandé que vous écoutiez sur un bon ensemble de haut-parleurs dans un endroit calme. Ici, nous avons l'alto jouant la mélodie et le violoncelle jouant l'accompagnement. Chaque partie est apparue. Hambor I Ici nous avons la vidéo de jouer la mélodie tandis que le basson double le violoncelle à l'unisson sur l'accompagnement. Cela ajoute de la couleur et renforce légèrement l'accompagnement, mais en même temps fait du pur Tambor de la vidéo un remarquable. En revanche, nous avons
ici le violoncelle qui joue bien l'accompagnement. Le hautbois double l'alto et l'unisson sur la mélodie. Cela ajoute de la couleur et renforce légèrement la mélodie, mais en même temps fait ressortir le pur Tambor du violoncelle. En revanche, nous avons
ici l'alto et le hautbois doublant à l'unisson sur la mélodie. Eh bien, le basson et violoncelle double et l'unisson sur l'accompagnement. Le son est plus complet, puisque la mélodie et l'accompagnement sont doublés, mais maintenant il y a un manque de chambre pure. Ici. Toutes les parties sont à nouveau doublées à l'unisson comme exemple pour, sauf cette fois nous avons introduit un coup de doublement en faisant jouer l'
octave mélodique plus haut que le hautbois et l'alto. Cela ajoute de la couleur et renforce encore plus la mélodie. Il aussi comme un peu de luminosité à la mélodie, puisque la flûte conserve plus de son propre tambour en raison du doublement de l'octave plutôt que se fondre et de devenir un véritable composite, comme avec le doublement de l'unisson. Ici, nous avons le même exemple est l'exemple cinq. Sauf que cette fois, nous avons ajouté un autre doublement actif. La contrebasse double certaines hauteurs dans le tell à part, mais une ou deux octaves plus bas. Rappelez-vous, la contrebasse sonne d'une octave inférieure à celle écrite cette couleur EDS et renforce encore plus
l' accompagnement. L' articulation pizzicato. En outre, comme un certain degré de luminosité, la contrebasse conserve plus de son propre bois. En raison de la différence d'articulation et aussi du doublement d'octave, un orchestre habile est en mesure d'équilibrer efficacement l'utilisation de tempérs purs Tambor et composites pour obtenir le son ou le composite désiré. Tambor pourrait être différent et nouveau. Gardez à l'esprit que si vous mélangez constamment Tambor avec le doublement de l'unisson, vous perdrez le contraste et le son exaltant de Tambor pur. Il est vil de faire varier le Tambor à travers une pièce pour éviter une orchestration fade et plate. Mais sachez qu'ils changent constamment. Tambor pourrait devenir Justus, monotone comme changeant rarement celui de Tambor.
122. Doublings dans un accord: Voyons maintenant dans le contexte de l'accord de Dublin. Dans la musique orchestrale, le doublement d'
options est à l'intérieur. Cordons bien par nécessité, être présents en raison du grand nombre d'instruments et de leurs gammes. Voici un exemple de la section de cordes jouant un accord. Le Pitch D est doublé par les premiers violons, le violoncelle et la contrebasse en octaves, avec l'octave doublant zin, ce court être considéré comme un bois composite ou tambour pur. Chaque instrument joue un rôle différent,
et donc, techniquement, le Tambor est pur. Mais une fois de plus, nous voyons l'effet que les éléments musicaux peuvent avoir sur Tambor, puisque chaque instrument joue le même élément musical dans cette partie de l'
Accord que le bois rencontre est un peu composite. Voici la même corde avec des bois et du laiton ajouté. Maintenant, nous avons à la fois des doubles et des unités actives et de Dublin. J' ai remarqué que chaque hauteur implique l'utilisation d'un doublement unison pour créer un bois
composite, sauf pour le haut D, joué par la flûte, qui est un pur Tambor et un quatre joué par la deuxième trompette, qui est est également apparu. Tambor
123. Raisons du doubler:
124. Déséquilibre en raison de l'insécurité: que vous utilisiez l'unisson parfaite ou le doublement d'octave, il doit toujours être attentif à chaque instrument. Enregistrer les caractéristiques. Il ne s'agit donc pas de créer un déséquilibre. Si des registres médiocres ont été choisis, certains emplacements en accord peuvent se démarquer, d'autres seront enterrés et ne seront pas blessés. Le choix du registre peut également affecter une ligne mélodique. Dans cet exemple, le survol sera entendu plus largement au début parce qu'il est dans un registre fort alors que la flûte est dans un registre plus faible. Vers la fin de la ligne, la grippe sera entendue plus en évidence, car elle est la plus forte dans son registre supérieur. Ce genre de déséquilibres, parfois désirés, pourrait lui faire beaucoup de montée ou intéressant, car différents instruments deviennent plus ou moins importants sur la durée de la ligne. Si, d'un autre côté, vous cherchez un mélange plus complet, alors vous devrez être prudent dans votre choix d'instruments et de registres
125. Déséquilibre en raison de la capacité dynamique:
126. Doublings communs et combinations d'instruments:
127. Quiz 20:
128. Étude et signations d'écoute (sec.20):
129. Éditer des projets (sec.20):
130. Texture monophonique: Dans les prochaines conférences, nous discuterons de différents types de textures orchestrales. La texture fait référence aux différents éléments qui composent la musique comme la mélodie et l'harmonie, ainsi à
la façon dont ces éléments sont utilisés ou combinés. Comprendre la texture est une partie essentielle de l'écriture pour orchestre. Nous commencerons par le type de texture le plus simple, qui est une texture phonique Monta. Le mot monta phonique signifie un son. Amman. Une texture phonique est une texture impliquant un seul élément. La mélodie incluse dans la catégorie de la texture modifiante, notre unisson parfaite, doublement
arctique et le doublement parallèle. Commençons par l'unisson parfaite, qui est le premier et le plus basique type de texture phonique de modèle que nous avons rencontré pour la première fois. unisson est quand nous avons discuté des doubles ings unison dans cette section sur le bois L'unisson parfaite se produit lorsque chaque instrument jouant à un moment particulier de la partition joue mêmes hauteurs dans la même octave. Voici un exemple d'Amman, une texture phonique qui utilise l'unisson parfaite. Tous les instruments de transposition ont été écrits. Sonnant, les emplacements disent illustrent visuellement l'unisson parfaite. Perfect Unison est souvent utilisé pour créer une déclaration puissante d'un thème mélodique, le résultat de tant d'instruments jouant les mêmes hauteurs crée une couleur massive mixte. Dans cet exemple, nous voyons que Busy a utilisé autant d'instruments que possible pour voir le thème d'ouverture. En raison de la gamme des mélodies, certains instruments ont été laissés de côté. Cette mélodie particulière est trop basse pour les flûtes et les hautbois et trop élevée pour la contrebasse . L' unisson parfaite est rare. Notre musique personnalisée. Quand cela se produit et ne dure généralement que pour une courte période de temps, sont quelques raisons à cela. Tout d'abord, c'est une texture particulièrement simpliste. Ils peuvent devenir peu intéressants s'ils sont utilisés plus longtemps qu'une phrase ou deux. Deuxièmement, il est difficile d'écrire une mélodie qui convient bien aux gammes de nombreux instruments . Certains instruments peuvent finir par jouer trop haut ou trop bas dans leur portée. Par conséquent, se démarquer pas sûrement se fondre dans l'ensemble. Le type suivant de texture phonique Monta est le doublement d'octave. Nous avons d'abord rencontré un doublement actif dans la section sur le bois. Ici, nous en parlons par rapport à la texture. doublement actif est toujours considéré comme une texture modifiante car aucun nouvel élément n'a été ajouté. Le seul élément de la mélodie est simplement joué inactifs. L' un des avantages du doublement d'Oxford est qu'il permet à l'orchestrateur compositeur de placer chaque instrument dans une plage de jeu appropriée afin qu'il ne se démarque pas. Voici un exemple d'Amman, une texture phonique utilisant le doublement arctique. Notez que la ligne mélodique est étalée sur quatre octaves au début, - une texture composée uniquement d'Oxford. doublement est rare dans notre musique personnalisée, mais pas aussi rare que parfait. Unison, quand il se produit, ne dure
généralement que pour une courte période de temps et est utilisé comme un effet dramatique à T. Dans cet exemple de partition, nous voyons que le bœuf de texture doublée ne dure pas très longtemps. Puccini est entrecoupée de cordons pour une variété de textures. Un autre type de texture phonique Monta peut être vu dans la technique du doublement parallèle. Bien que les zones de doublement actives soient techniquement aussi des parents frères et sœurs, le terme doublement parallèle est réservé à des intervalles autres qu'inactifs. Le doublement parallèle le plus courant Zehr a augmenté dans six moins communs ou quarts et cinquièmes doublement
parallèle fonctionne mieux lorsqu'il est joué par le même type d'instrument ou à tout le moins par des instruments de sonorité homogènes. Ceci est particulièrement important s'il y a d'autres textures se produisant simultanément, comme dans le cas de textures complexes. Mais fidèle à apprendre bientôt en utilisant les mêmes instruments, la texture me est plus claire à travers Tambor. Voici un exemple d'Amman, une texture phonique. Ils utilisent le doublement parallèle, joué par trois trompettes. doublement parallèle est toujours considéré comme une texture phonique mono car aucun nouvel élément n'a été présent. Le seul élément, la mélodie est simplement priée, en utilisant des intervalles lors de l'utilisation de l'unisson parfait et de l'Arctique doublant les mélodies renforcées mais avec doublement parallèle la mélodie est renforcée d'une manière différente, est renforcée harmonieusement.
131. Texture homophonique: l' un des types les plus courants de texture et de musique est la maison une texture phonique. Le mot homo phonique signifie les mêmes sons. Cette texture se compose d'une seule mélodie avec accompagnement harmonique, même si la mélodie et l'accompagnement harmonique sont deux éléments très différents. Nous les désignons comme les mêmes sons parce qu'ils se combinent de manière à former un son entier et complet. Voici un exemple de maison une flûte de texture phonique. L' un joue bien la mélodie, la
flûte aux clarinettes et la personne fournit l'accompagnement harmonique. Les accompagnements harmoniques pourraient se maintenir ou se déplacer comme des accords cassés et d'autres figures
harmoniques. Dans cet exemple, l'accompagnement harmonique se maintient dans une maison, une texture phonique. La mélodie a toujours préséance sur l'accompagnement harmonique. La mélodie peut être mise au premier plan par divers moyens, notamment en utilisant un instrument de contraste Tambor pour la mélodie, en utilisant une dynamique plus forte pour la mélodie, en plaçant la mélodie et ah, son que l'accompagnement. En doublant la mélodie en octaves ou toute combinaison de ces techniques,
132. Texture polyphonique: une texture polyphonique est une texture composée de deux ou plusieurs lignes mélodiques indépendantes pour elle simultanément, le mot polyphonique signifie beaucoup de sons. Bien qu'il n'y ait pas d'accompagnement harmonique dans une texture polyphonique, les harmonies résultent de l'interaction verticale des notes. Les lignes mélodiques et les textures polyphoniques peuvent être similaires, comme dans quelques-uns, mais le plus souvent ce sont des thèmes mélodiques complètement différents entendus simultanément. Ces thèmes complètement différents peuvent avoir été joués séparément plus tôt dans la pièce, puis ils ont ensuite joué ensemble plus tard, ou ils peuvent être constitués de tout nouveau matériel. Voici un exemple de polyphonie imitative. Le thème mélodique commence par la première violence toutes les quatre mesures. Le même thème a recommencé, avec un ensemble différent d'instruments à un intervalle différent ou actif. Le son qui en résulte est complexe et assez impressionnant. Voici un exemple de polyphonie non imitative. Le thème principal est joué par les vidéos et peu profondes, tandis que le basson et la contrebasse jouaient deux contre-maladies distinctes. contre-mélodies sont des mélodies secondaires ou secondaires. Chaque fois que vous écrivez des mélodies contre, vous devez vous assurer de ne pas éclipser la mélodie primaire. Il y a plusieurs façons de s'assurer que cela ne se produise pas. Marquer la mélodie primaire avec une dynamique d'échelle ont été placés la mélodie primaire et un registre plus fort et plus visible que la mélodie secondaire. Ou renforcer la mélodie primaire à l'unisson, Dublin ou mieux encore avec Doctor of Dublin Lorsque vous écrivez une texture polyphonique pour orchestre, ce qui suit peut se produire en raison du nombre d'instruments. Il peut y avoir des emplacements qui se chevauchent, qui se produisent lorsque deux mélodies viande sur le même pas dans le même opté pour un bref moment. Il peut également y avoir un certain croisement de lignes, ce qui signifie que soit une ligne supérieure descend sous une ligne inférieure, soit une ligne inférieure s'élève au-dessus d'une ligne
supérieure. Pendant un bref instant, vous devriez essayer d'éviter ces deux scénarios autant que possible, surtout traverser les lignes afin que chaque ligne soit clairement entendue et que le son ne devienne pas boueux. Une façon d'éviter de franchir les lignes est de s'abstenir d'utiliser le doublement d'octave pour les
lignes interlignes . Doubler ses lignes conduira presque toujours au croisement des lignes. Tout doublement actif est utilisé. Vous devez doubler la ligne la plus haute d'une octave au-dessus avec le signe le plus bas, une octave en dessous. Si vous faites assez n'ont pas chevaucher les hauteurs ou les lignes croisées. Vous pouvez aider à éliminer une partie de la confusion, la liste ou peut éprouver en utilisant des instruments avec des bois sensiblement différents pour chaque ligne. Rappelez-vous, la texture est rendue plus claire à travers la chambre.
133. Texture Chordal: parce que le sujet des cordons de notation est long, impliquant des discussions sur l'espacement et l'équilibre des voix de Tambor. Nous consacrerons toute la section suivante à ces questions. Dans cette conférence. Nous parlerons, bien
sûr, en général, ce qui concerne la texture. Il s'agit essentiellement de deux types de textures quartiles, celles qui expriment un élément strictement harmonique et celles qui expriment à la fois un
élément harmonique . Animal hors élément. Voici un exemple de texture Cornel qui exprime un élément strictement harmonique. Les textures quartiles sont généralement arythmiques à la maison, ce qui signifie que toutes les lignes sont les plus nombreuses. Les lignes auront le même rythme. Lorsqu' il est réduit à un panneau, score devient très facile de voir la texture du quartile. Il y a un élément harmonique et un élément rythmique, mais pas vraiment un élément mélodique présent. Voici un exemple de texture quartile qui exprime à la fois un élément harmonique animal à partir d'éléments. Cet extrait de Mueller est une illustration d'une partie d'écriture de partie L'écriture
se compose généralement de quatre parties uniques appelées voix. La voix supérieure décrit généralement une mélodie bien, les autres voix en dessous contribuent à une structure harmonique verticale. Bien que ces autres voix font partie de la structure harmonique, elles sont aussi la cause de la nature mélodique. - À première vue, il peut sembler qu'il y a cinq voix dans l'exemple de Mahler, mais le tuba et la controverse bientôt, qui n'est pas montré ici, ne
font que doubler le quatrième trombone Le temps devrait-il l'emporter sur deux et trois aussi doubler l' autre dans la première mesure de la ligne, aussi ? Seulement dans la deuxième mesure de mentir pour être obtenir un vrai goût de cinq parties distinctes. Voici une réduction, de sorte que vous pouvez plus facilement voir comment chaque voix se déplace dans l'ensemble, - certains classent à tort l'écriture de pièce comme une maison, une texture phonique. Il peut sembler semblable à la maison une texture fine parce qu'il a une mélodie définie et une harmonie
sous-jacente perçue . Mais puisque cette harmonie sous-jacente est en fait constituée de voix individuelles, quasi mélodiques, d'une importance à peu près égale à la mélodie, ce n'est pas vraiment, ah, accompagnement
harmonique. L' écriture partielle est aussi parfois prise comme une texture polyphonique sur les deux faire usage de voix mélodiques
simultanées. Il y a une distinction importante donnant une cote. Chaque voix, séparée et unique, s'appuie sur les autres voix pour créer une structure harmonique verticale prévue. Ces voix sont reliées les unes aux autres. Il ne serait pas très bien de leur propre chef comme des maladies indépendantes. À l'exception de la voix principale, qui est généralement la voix supérieure et probablement Fonda, création de chaque voix est complètement indépendante des autres et pourrait très bien
se tenir seule. Oui, les harmonies peuvent résulter du placement vertical des notes, mais l'intention première dans un poète fine texture est l'écriture mélodique,
pas son écriture Monica Chaque orchestrateur devrait avoir des connaissances et de l'expérience et quatre partie d'écriture. Si vous n'êtes pas familier avec l'écriture en quatre parties, il est fortement recommandé d'y suivre un cours. L' écriture traditionnelle en quatre parties continue d'être enseignée dans les universités et est une
partie essentielle de la musique. L' éducation, bien
sûr, dans pour la représentation est disponible sur vous pour moi, par cet instructeur.
134. Texture complexe: le dernier type de texture, nous allons regarder sa texture complexe. La texture complexe est une combinaison de deux ou plusieurs types de textures. L' une des textures complexes les plus courantes est la combinaison d'une maison, d'une texture phonique avec la texture polyphonique. Ce type de texture complexe apparaît généralement et marque dans le format suivant une
mélodie primaire , une mélodie secondaire et un accompagnement harmonique. Voici un exemple de texture complexe. Ici, nous voyons la clarinette jouer la mélodie primaire contre la mélodie secondaire jouée par la flûte juste avant cela. Dans la partition, la texture était strictement à la maison. Un phonique et la flûte jouaient de la mélodie primaire. Notez que l'accompagnement harmonique est composé de trois éléments différents. Le violon, alto et le violoncelle fournissent un élément de soutien. La harpe fournit un élément mobile, et le pizzicato de contrebasse fournit un renfort et une coloration des sous-sols. Cela apporte de la variété et ajoute à la dimension orale de l'accompagnement harmonique. - Si tous les éléments de la texture sont de poids égal, alors il n'y aura pas de mort à la texture, juste un son massif. Un compositeur habile orchestrateur sait équilibrer chaque partie de la texture afin que certaines parties soient plus importantes que d'autres. C' est une tâche très importante. Cela nous amène au sujet des trois motifs premier plan milieu et arrière-plan. Définissons chaque matériau de premier plan est celui qui est destiné à être entendu plus en vue que tout le reste. C' est typiquement la mélodie. Bien que vous puissiez marquer le matériel de premier plan plus fort que tout le reste, vous ne devriez pas compter simplement sur le niveau dynamique pour l'amener au premier plan. Vous pouvez également y parvenir en utilisant un bois de contraste ou vif en utilisant un
instrument de registre le plus fort ou en plaçant la mélodie plus haut que les autres instruments. Le matériau du sol moyen est celui qui est censé être moins proéminent que le
matériau de premier plan , mais qui reste assez perceptible. Il s'agit généralement d'un contre-maliti, ou d'un important matériel de QI mobile. Bien que le matériau du sol moyen puisse être marqué à un niveau dynamique inférieur à celui du premier plan pour le rendre moins proéminent, vous ne devriez pas vous fier uniquement à cette pratique. D' autres méthodes comprennent l'utilisation de registres d'instruments moins vifs de Tambor. Nous plaçons le matériau du milieu plus bas que le matériau de fond
du premier plan est celui qui est censé être le moins blessé de façon permanente. C' est typiquement l'accompagnement harmonique. L' accompagnement harmonique pourrait être soutenant, bougeant ou les deux. Si elle bouge, rappelez-vous
simplement que plus l'écart est actif, plus il attirera
l'attention sur lui-même. Bien que vous puissiez marquer un matériau d'arrière-plan à un niveau dynamique inférieur à celui du premier plan du matériau du sol
intermédiaire, vous ne devriez pas compter simplement sur le niveau dynamique pour le rendre moins proéminent. Vous pouvez également y parvenir en utilisant du matériel moins actif en utilisant des Tambor doux ou
en utilisant des registres intermédiaires d'instruments au milieu de registres air bien adapté pour le
matériel de fond car ils sont moins visibles que les registres extrêmes. Maintenant que nous avons discuté du premier plan du milieu et de l'arrière-plan, regardons un exemple plus élaboré de texture complexe. Afin d'adapter tous ces coups de couteau à l'écran, la taille a dû être réduite, et donc un exemple complet est disponible pour vous avec cette conférence en téléchargement. Le matériel de premier plan se compose de quatre trompettes qui jouent la mélodie. Le matériau du sol moyen se compose de deux trombones que l'air joue le compteur Maliti. Le matériau de fond se compose de violons, vents
supérieurs et glockenspiel que l'air joue le motif d'accompagnement harmonique mobile . Les cordes inférieures et il y avait des bois jouent l'accompagnement harmonique Kordell. On va jouer l'audio trois fois à chaque fois. Faites attention à un élément différent. D' abord, écoutez le premier plan. Maintenant, écoutez le milieu et écoutez enfin l'arrière-plan. Écrire une texture complexe avec le juste équilibre du premier plan milieu sur fond demande de nombreuses années d'étude de la partition, orchestrant pour devenir habile. Mais en général, ce que vous devez vous rappeler, c'est ça. L' auditeur suivra généralement la partie la plus forte,
la partie la plus mélodique,
la partie la plus élevée. La partie avec le tambour le plus vif et la partie la plus active. La plupart des compositions orchestrales ne consistent pas en un seul type de texture. Utiliser une seule texture pour une pièce entière serait absolument monotone. Pour l'auditeur, il est nécessaire de basculer entre les différents types de textures pour créer de la variété et intérêt
continu pour la musique. Bien qu'il soit essentiel de faire varier la texture d'une pièce pour éviter une orchestration fade et
plate , textures
en constante évolution peuvent devenir monotones et changer la texture. En tant que compositeur, vous devez trouver le juste équilibre entre ces deux extrêmes. Nous parlerons plus de texture dans la dernière section du cours
135. Quiz 21:
136. Étude et signations d'écoute (sec.21):
137. Éditer des projets (sec.21):
138. Espacer:
139. Voice: Dans la dernière conférence, nous avons appris à propos de l'espacement. L' autre élément de base à prendre en compte dans les cordons de notation est la voix. voix est la façon dont les différents instruments sont arrangés avec un accord. Il existe cinq types de voix. Nous définirons chacun des cinq types ici avant de voir comment les cordes sont généralement exprimées dans les différentes sections de l'orchestre. Vous connaissez les exemples suivants. La paire 1 fait référence à deux d'un même type d'instrument. Paire. Deux se réfèrent à deux d'un autre type de contrôle aux instruments pour positionner des paires d'instruments remplacées, une au-dessus de l'autre emboîtement. La note inférieure de la paire supérieure est placée sous la note supérieure de l'
enceinte de la paire inférieure . Une paire d'instruments est entourée d'une autre paire d'instruments, chevauchant une ou plusieurs hauteurs. L' air doublé à l'unisson par les paires d'instruments à voix unique. Chaque terrain du terrain est joué par un instrument différent
140. Voie pour les accords: maintenant que nous avons défini les cinq types de voix,
jetons un coup d'oeil à la façon dont vous volez habituellement dans les différentes sections de l' orchestre. Nous commencerons par la famille Woodman. juxtaposition est probablement la voix la plus fréquemment utilisée pour les accords à vent en bois, typiquement les paires ou l'ordre de placement, instruments les plus élevés jouant les hauteurs de la corde et les
instruments inférieurs jouant le plus bas emplacements de la cour après juxtaposition. entrelacement est probablement le deuxième plus fréquent est la voix pour les tribunaux de Whitman. Certains trouvent que la définition de l'emboîtement est longue et confuse. Il peut être plus facile de penser simplement à l'entrelacement comme alternant entre les paires d' instruments, comme dans cet exemple, de haut en bas, Nous avons hautbois, clarinette, hautbois, clarinette entrelacée, permet aux Tambor de différents instruments remixés avec un accord d'une manière unique. Mais avec ce mélange vient le risque de déséquilibre et l'exemple suivant. Le coude se démarquerait au-dessus de la flûte parce que le hautbois est plus fort dans ce
registre inférieur , tandis que la flûte est plus faible et son registre inférieur. C' est l'une des raisons pour lesquelles il est si important de savoir que les forces et les faiblesses uniques de chaque boîtier de registre d'
instruments comportent le même risque de déséquilibre que l'emboîtement. expression de la paire d'instruments en fermant l'autre paire sera généralement une octave ou plus éloignée. Cela signifie que la note la plus basse dans la plus haute distinction aura des forces et
du bois différents parce qu'ils étaient très probablement différents registres dans l'ensemble et fermés. voicing ne se mélange pas aussi bien que le voicing imbriqué pour les bois et n'est pas utilisé aussi
souvent que se chevauchent. La voix était plus courante avant le XXe siècle. Aujourd'hui, il est principalement utilisé pour les passages sur mesure à t lors de l'utilisation de chevauchement, exprimant leurs deux questions pour examiner les premiers traite de bois pur et composite. Dans cet exemple, les pichets haut et bas air pur. Bien que le pas du milieu soit composite, cela peut affecter la couleur globale que vous teniez d'obtenir au sein du terrain. L' autre problème avec le chevauchement des voix est que les hauteurs priées à l'unisson auront un peu plus de volume. Les images, jouées par des instruments simples, le pas médian dans cet exemple, dépassent légèrement puisqu'il est double par flûte et hautbois. Parfois, ce déséquilibre pourrait être exactement ce que nous entendons. Par exemple, lorsque nous essayons de mettre l'accent sur la racine d'un tribunal, nous pourrions résoudre et équilibrer les problèmes causés par le chevauchement si trois paires d'
instruments différents étaient utilisées. Voici quelques options courantes. Comme vous pouvez le voir dans ces exemples, chaque pitch est joué par deux instruments. Si vous écriviez pour trois de chaque vent de bois plutôt que deux de chacun, le déséquilibre causé par le chevauchement est encore plus facile. Par exemple, avec trois flûtes et trois clarinettes, nous pouvons simplement chevaucher un accord de trois notes, et le bois sera complètement composite. Il faut éviter de recourir à une seule voix dans les cours d'écriture pour les bois il n'est généralement utilisé que dans les petits ensembles où il n'y a qu'un seul
instrument à vent de bois . Si vous devez absolument écrire un mot ou en cour et seule voix, n'utilisez
pas la position proche. Si vous
le faites, les différents, Tambor sera difficile à équilibrer, et les joueurs auront du mal à jouer en deux avec l'autre. Au lieu de cela, il devrait toujours corriger les accords à voix unique en position ouverte. Cela aura un bien meilleur équilibre et le plus facile à jouer
141. Voie pour l'assiette:
142. Voie d'accords pour les chaînes: lorsque nous marquons des cordons pour des vents de bois ou des cuivres, nous avons constaté qu'il y avait des problèmes avec le mélange et l'équilibre avec les cordes, ces problèmes ou moins importants. Il y a deux raisons à cela. La première est que les cordes sont beaucoup plus homogènes
et que le bois peut donc se fondre facilement les unes avec les autres. La deuxième raison est qu'ils sont debout. force est assez uniforme dans l'ensemble des registres, de bas à haut dans les diapositives suivantes, la contrebasse serait notée, elle sonnait donc l'espacement des cordes peut généralement être vu. juxtaposition est le type de voix le plus courant pour marquer des accords de cordes. accords à cordes comme les cordes à vent en bois ou en laiton sont généralement de l'espace pour ressembler à l'espacement dans les intervalles harmoniques de Siri ou plus grand près du bas de la corde. Je pense que c'est plus petit, plus petit près du sommet. Vous pouvez remarquer que dans cet exemple de six est utilisé en haut du cordon. Ceci est souvent efficace puisqu'il peut être trouvé dans la grande cour décrite dans la
série harmonique . voix entrelacée est probablement la deuxième voix la plus courante pour les accords de cordes et est souvent utilisée avec des arrêts doubles, ou DIV. Le boîtier facile est extrêmement rare. Facturation des courts de cordes. Le chevauchement est rarement utilisé, mais lorsqu'il est utilisé, il crée un riche mélange de bois unique. Tous les emplacements de cet exemple seraient entendus simultanément. Ils ont été étalés pour que vous puissiez voir plus facilement quels instruments se chevauchent. N' oubliez lorsque vous écrivez sur visi, vous ne devez pas diviser chaque section de cordes en plus de deux groupes, sauf si vous écrivez pour un orchestre professionnel qui a assez de chaque instrument pour diviser les sections en groupes de trois ou quatre. voix unique d'un instrument par voix, Lavoix unique d'un instrument par voix,
qui ne doit pas être utilisée pour le bois ou le laiton, peut être utilisée dans les courts de notation pour les cordes, car il y a moins de problèmes de mélange et d'équilibre.
143. Les accords pour l'orchestre:
144. Quiz 22:
145. Étude et signations d'écoute (sec.22):
146. Éditer des projets (sec.22):
147. Qui fait Quoi et combien longtemps et combien longtemps:
148. Jouer la fréquence des sections: une erreur courante. Les compositeurs orchestraux commencent, c'est avoir la plupart ou la plupart des instruments jouant tout ou partie du temps. Il y a deux problèmes avec cela. D' abord, quand il y a trop de choses. Dans le même temps, l'auditeur oublie souvent ou manque des parties de la musique. Deuxièmement, chaque section de l'orchestre ne peut être tolérée par l'auditeur que pendant un certain temps. Avant tous les réglages de fatigue, il sera utile de se souvenir de ce qui suit. Plus l'intensité du son est grande, il sera rapide à porter sur l'oreille. Si les accidents de Cymbal, par
exemple, étaient joués pendant 30 minutes d'affilée, le fils deviendrait insupportable parce que le son de la Cymbale s'écrase très intense. Si, autre côté, le violon devait jouer pendant 30 minutes d'affilée, ne
nous dérangerait pas du tout parce que les sons étaient doux dans l'orchestre. Chaque section a un certain degré d'intensité, l'ordre des sections de la plus intense à la moins intense. Ses percussions pressent des bois, puis des cordes. L' intensité d'une section a une corrélation directe avec le pourcentage de temps qu'une section joue habituellement au cours d'une pièce. Donc, selon cette liste, la section de percussion devrait jouer pour le moins de fois, car il est le plus intense, la section de cordes pour le plus grand nombre de temps car il est le bail intense, nous pouvons voir que c'est généralement le cas lorsque nous avons analysé ou coutume partitions des grands compositeurs. Regardons la célèbre symphonie pour avoir une idée de la fréquence à laquelle chaque section de l' orchestre place dans les tableaux suivants. Chaque mouvement de la Symphonie numéro six de Tchaïkovski a été analysé mesure par mesure pour déterminer le pourcentage de temps de chaque plaque de section. Bien que ces chiffres seront légèrement différents pour chaque pièce, compositeur et période de temps. Cela vous donnera une idée générale de la fréquence à laquelle vous placez la section. Mettez la vidéo en pause pour étudier les graphiques ici, les pourcentages des quatre mouvements combinés. Comme vous pouvez
le voir, plus la section est intensive, moins un endroit signifie que lorsque vous écrivez un morceau de musique, vous devez garder une trace du nombre de mesures que chaque section joue. Bien sûr que non. Quand Jackowski a écrit cette symphonie, il n'a pas compté le nombre de mesures que les cuivres jouaient pour déterminer s'il avait trop ou trop peu de seins. Il savait instinctivement ce que serait une bonne quantité de laiton. En tant que compositeur débutant pour orchestre, gardez
simplement ces pourcentages à l'esprit comme guide, et essayez d'être conscient de la fréquence à laquelle vous utilisez chaque section. Vous avez peut-être remarqué que les cordes jouent presque 100% du temps. En plus de leur son doux, il y a un certain nombre d'autres raisons à cette corde. Les joueurs n'ont pas besoin de respirer comme des joueurs de bois ou de cuivres, et peuvent donc jouer plus longtemps. Les cordes sont très agiles, sont capables de plus de techniques de jeu que n'importe quel autre instrument. Ils ont une gamme extrêmement large, à la fois individuellement et en groupe. y a presque aucun problème avec le mélange ou l'équilibre. Les dynamiques ne sont pas affectées par le registre, comme le sont les bois et les cuivres. Et maintenant, nous passons à la fréquence de deux T. Combien de fois l'ensemble de l'orchestre doit jouer ensemble à T ne signifie pas nécessairement que chaque instrument joue. T. se réfère
également aux cas où une majorité de l'avion de l'orchestre dans la même symphonie. Nous trouvons les pourcentages suivants de deux passages en T. Si vous comparez ce graphique avec les graphiques précédents, vous verrez que le pourcentage de temps qu'une majorité d'orchestre joue ensemble est beaucoup moins élevé que le pourcentage de temps que les sections de bois à cordes ou de laiton jouent à déchirer généralement utilisé dans les points culminants et autres moments clés dans une pièce. Si la majorité de l'orchestre joue la majorité du temps, alors il n'y a absolument aucune possibilité d'apogée ou de contraste, et le public va rapidement éprouver ou se fatiguer.
149. Tâches de section:
150. Fréquences de lecture d'instruments: Juste un Z. Chaque section d'orchestre a un degré d'intensité différent, sorte d'instruments à l'intérieur de chaque section. Par conséquent, nous pouvons appliquer la même directive en ce qui concerne tous les instruments fatigués. Plus l'intensité du son est grande, plus il se porte rapidement dans l'air. Nous utiliserons à nouveau le numéro six de la Symphonie de Tchaïkovski, en calculant
cette fois le pourcentage de temps que chaque instrument joue. Suspendre une vidéo pour étudier chaque graphique. - Voici les quatre mouvements combinés. Que pouvons-nous apprendre de cette information ? Le cornichon est utilisé beaucoup moins fréquemment que les autres Woodman. Cela semble trop intense pour être entendu pendant de longues périodes de temps. Le hautbois est plus intense que la clarinette flûte bientôt, et il est donc utilisé un peu moins souvent, puisque le son de la corne est moins intense et que les autres instruments de cuivres, le cor joue généralement plus souvent que n'importe quel des seins. Parce que l'un est aussi le pont entre la section de bois et la section de laiton, il joue souvent aussi souvent que certains des bois. Les timbales jouent généralement plus fréquemment que n'importe quel autre instrument de percussion, parfois autant que le laiton lourd. Les trompettes, trombones et tuba percussions indéfinies jouent très rarement, car les emplacements indéfinis sont plus intenses et peuvent rapidement où, dans l'année, toutes les cordes jouent à peu près le même temps. Parce que, contrairement aux bois et aux cuivres, les cordes sont toutes presque égales en intensité. Les différences sont dues principalement aux types de tâches qu'ils effectuent et non
aux différences d'intensité. Cette analyse ne tenait compte que de l'intensité générale de chaque instrument. Il est important de se rappeler que tous les instruments ont tendance à être plus intenses dans leurs
registres extrêmes . fréquence à laquelle ils jouent dans leurs registres extrêmes doit également être prise en compte lorsqu' décident de la fréquence à laquelle ils doivent être entendus. Un autre facteur est l'intensité dynamique. A lui tassé, par
exemple, pourrait être utilisé plus fréquemment si joué pianissimo. Ensuite, si elle est jouée fortissimo
151. Tâches d'instrument:
152. Quiz 23:
153. Étude et signations d'écoute (sec.23):
154. Éditer des projets (sec.23):
155. Autres utilisations de la timbre et de la texture:
156. Doubler dans la série harmonique: dans la section sur les cordons de pointage, nous avons vu comment l'harmonique Siri est utilisé comme modèle pour les courts d'espacement. C' est aussi un modèle pour la fréquence à laquelle nous devrions doubler les positions en accord. De nombreux compositeurs et orchestrateurs débutants commettent l'erreur de doubler le tiers d'Accord aussi souvent ou plus fréquemment, puis les racines ou le cinquième d'Accord. Ils pensent à tort que tous les emplacements n'ont pas la même importance et devraient être entendus également ou même pire, que puisque le troisième détermine la qualité du rappel majeur de la cour. Il devrait donc se démarquer. Regardons le début de l'harmonique Siri sur la mer et comptons les emplacements de la cour en C. Nous constatons que C se produit cinq fois, G se produit trois fois et e ne se produit que deux fois. De cela, nous pouvons conclure ce qui suit. Dans n'importe quel pas fondamental, il y a une occurrence naturelle d'emplacements doublés. La racine d'un accord majeur est le plus souvent double pitch, le cinquième, puis le troisième. Maintenant que vous êtes conscient de ce fait, regardons ce qui se passe réellement chaque fois que vous choisissez de doubler un pitch en accord pour chaque G que vous doublez dans un accord en C. majeur. Vous ajoutez, en substance, en substance,
toutes les harmoniques de la série harmonique de G dans le son global. Ce n'est pas un problème énorme parce que la plupart des partiels inférieurs, jusqu'à 11, sont dans la clé du do majeur et ne créeront donc pas trop de dissonance. Les partiels plus élevés ne sont pas aussi audibles que les partiels inférieurs et ne causent pas autant de problème . Maintenant, regardons ce qui se passe lorsque vous doublez le tiers de l'accord majeur pour chaque E que votre double et un accord en C majeur, vous êtes, en substance, ajoutant
également toutes les harmoniques de la syriza e harmonique dans le son global. Cela devient un problème en raison du nombre partiel cinq, qui est assez fort, moins un problème en raison des partiels plus élevés 9 10 11 et 15. Cela créera beaucoup plus de dissonance dans votre cordon. Par conséquent, pour construire les cordons brillants les plus acoustiquement purs, nous devrions non seulement modéliser les cordons après l'espacement décrit dans l'harmonique Siri, mais aussi les modéliser en fonction de la fréquence à laquelle les sons de cour se reproduisent dans les Siri. Écoutons quelques exemples pour entendre ce dont nous parlons réellement. Voici l'accord marqué pour les cordes avec Poor Spacing et Doug Ling. Le troisième se produit trois fois. Le cinquième se produit une fois, et la racine se produit deux fois les hauteurs inférieures ou pas assez éloignées. Voici le même accord avec espacement et doublement, qui ressemble plus étroitement à celui de l'harmonique Siri. Le troisième se produit une fois que le cinquième se produit deux fois, et la racine se produit trois fois les hauteurs inférieures air assez éloignées.
157. Contraste les marqueurs dynamiques:
158. Ajouter et Subtracting les instruments:
159. Ponctuation: il n'est pas toujours nécessaire de doubler une ligne entière pour ajouter de la couleur. Il peut également être efficace d'ajouter de la couleur en ponctuant les parties clés de la ligne. L' exemple suivant est tiré de l'ouverture de l'Apprenti sorcier, mon poulailler. Ici, nous voyons le piccolo et la flûte, doublant les hauteurs clés de la ligne, jouées par les premier et deuxième violons. Plutôt que d'avoir simplement le piccolo et la flûte jouant la même durée de note que les violons. 1/4 note tigre 16e Acosta leur donne un motif rythmique qui non seulement colore ces emplacements
particuliers, mais le fait se démarquer encore plus dans la ligne.
160. Utilisation de la timbre vif:
161. Marquer les dynamiques:
162. Distribution d'éléments: Si deux éléments musicaux air placés dans le même emplacement général de hauteur, ni l'un ni l'autre ne sera distinctement. Dans l'exemple suivant jouait la mélodie et le second violons air jouant l' accompagnement
harmonique dans le même emplacement de hauteur. C' est une mauvaise écriture et sonnera comme si chaque élément se battait pour se faire entendre sur l' autre. Si on déplace simplement le dessus d'une octave plus haut, c'est la hauteur. L' emplacement ne serait pas en conflit avec celui des deuxièmes violons, et chaque élément serait entendu plus clairement.
163. Contraste à travers des articulations: contraste est un élément vital pour les orchestrations intéressantes. Nous avons déjà vu comment le contraste pourrait être créé grâce à l'utilisation des différentes
textures de Tambor pur et le contraste de registre peut également être créé en signant différentes articulations. Deux éléments musicaux différents. Prenez, par
exemple, ah, maison, une texture phonique de mélodie et d'accompagnement harmonique. Si les deux éléments de l'air joué llegado, il n'y a pas de contraste de pièces. Écoutez ce qui se passe si la mélodie est jouée llegado et l'accompagnement harmonique est joué staccato. Les deux parties deviennent soudainement beaucoup plus définies et beaucoup plus intéressantes en raison des contrastes . Cela ne veut pas dire que vous ne devriez jamais avoir toutes les parties jouer llegado sont toutes les parties plans pour sorte de juste le faire avec parcimonie ou pour un effet spécial la plupart du temps, vous devriez viser une variété d'articulations jouées simultanément. En plus d'utiliser des articulations pour créer un contraste entre différents éléments musicaux, vous pouvez également utiliser des articulations pour créer un contraste au sein d'un seul élément. Voici la mélodie de l'exemple précédent. n'y a pas de contraste dans la ligne ont joué entièrement llegado. n'y a pas de contraste dans la ligne de joué entièrement staccato. Maintenant, écoutez comment la ligne est beaucoup plus intéressante si elle est jouée avec une combinaison de llegado et staccato
164. Contraste par Through: et Tiffany est l'alternance d'idées musicales entre deux groupes. Sa structure de base est un appel suivi d'une réponse, un instrument ou d'un groupe d'instruments, états et d'idées musicales et de l'autre instrument ou groupe d'instruments. Parce que la même idée musicale ou variation de l'idée et que Tiffany est venue dès les premiers jours de l'orchestration, vous pouvez trouver de nombreux exemples dans les partitions de Tchaïkovski. Le contraste est le plus fort lorsque la fourmi, si elle va matériel, est présentée par des instruments de différents bois, tels que des instruments de différentes familles. Ici, l'état cuivré de l'idée musicale et les flux l'écho. Bien que ce ne soit pas nécessaire, la réponse est généralement dans une octave supérieure ou inférieure pour intensifier le contraste. Le contraste est plus subtil lorsque la fourmi, si elle sera matériel est présentée par des instruments de la même famille. Si, par
exemple, nous remplacions le laiton par des cordes basses, le contraste serait moins marqué. Ici. Le contraste est plus de registre, à
moins que de bois et Tiffany n'a pas besoin d'être entendu dans l'isolement est également efficace combiner, et Tiffany avec un autre élément musical, comme un fond harmonique. Voici un exemple de l'ouverture de divorce Shocs Serenade pour les cordes. Les vidéos jouaient un accompagnement harmonique. Le second violon et violoncelle doit jouer dans un Tiffany. Rappelez-vous, La réponse n'a pas besoin d'être un écho strict. Ici, nous voyons l'écho de violoncelle retour pour les thèmes commençant sur E plutôt que sur G sharp.
165. Quand utiliser les signes Octave:
166. Variation de la distribution Pitch:
167. Dovetailing: le chevauchement est également connu sous le nom de chevauchement. Il est utilisé à diverses fins. Dans cette conférence, nous allons jeter un oeil à certaines des utilisations les plus courantes, en conjonction pour rendre un passage techniquement difficile à jouer. Bien que cela puisse être joué par une seule flûte, un passage techniquement difficile pourrait être divisé entre deux d'un même instrument pour le
rendre plus facile à jouer. Cela réduit le risque de problèmes de rythme, de tempo et d'intonation. Voici le même exemple joué par deux flûtes. Pour rendre le passage sans soudure, nous l'alignons, chevauchons les parties en même temps qu'une flûte se termine. L' autre aliment commence à s'aligner pour rendre possible un passage avec une portée trop grande pour un seul instrument. Si un passage est trop grand pour un seul instrument, il pourrait être scindé entre différents instruments. Cela fonctionne Le meilleur des instruments sont de la même famille ou section. Le passage suivant prolonge cinq actifs et serait impossible sur n'importe quel instrument. En utilisant différents membres de la famille de cordes, ce passage devient possible. Pour rendre le passage sonne sans heurts. On fait queue d'aronde ou on chevauche les parties au fur et à mesure que
le violoncelle se termine, l'alto commence. À la fin de
la vidéo, le violon commence et ainsi de suite, harmonisant pour un effet de pédale soutenu. Si cela était joué sur le piano, la pédale de sustain soutiendrait toutes les longueurs. Bien que l'orchestre n'ait pas de pédale soutenue, nous pouvons nous rapprocher de l'effet. Une solution serait de signer un instrument différent pour chaque terrain et de simplement leur demander maintenir leur propre hauteur. Bien que cela crée un soutenu, il est une mauvaise solution parce que nous perdons le sens du mouvement et la continuité de la ligne qui concorde Consol. Ce problème. L' astuce est d'avoir quelques instruments en mouvement puis en soutien, tout en conjonction avec les différentes parties qu'il a reçues en aronde dans les
parties du violoncelle et de l'alto . Les huitième notes qu'ils jouent ont contribué à créer le sens du mouvement et la continuité de la ligne à partir de la version piano originale. Alors que les hauteurs d'enfer se rapprochent de l'effet de la pédale de sustain de dire à la couleur, un seul pas d'aronde pourrait être utilisé pour changer le bois d'un même pas presque façon transparente lorsque différents instruments jouent à tour de rôle le pas. Cela fonctionne mieux avec des instruments de la même famille ou section et quand crescendo et diminuendo sont ajoutés pour se fondre, le son s'harmonise pour créer des alternances de bois. Si vous orchestrez de sorte que les sections de l'air jouent constamment ensemble, le sable deviendra monotone car il manquera de changement de bois sectionnel. Si vous orchestrez de sorte qu'une seule section joue à la fois, vous aurez des changements dans le bois de coupe, mais vous n'avez pas un mélange de tempérament sexuel. Cela peut aussi devenir fastidieux. Nous pouvons utiliser la technique de l'aronde pour créer une sorte d'hybride entre ces deux types d'écriture. Ici, le bois des cordes est d'abord blessé isolément, suivi d'un mélange de tambour entre les bois et les cordes, qui est ensuite suivi par le bois des bois entendus isolément. Cette alternance de sectionnels, Hambor a un type beaucoup plus intéressant d'orchestration. Cette technique peut également être appliquée à des tempes individuelles d'instrument, s'harmonisant pour créer un effet de piano subito. Si un groupe d'instruments joue bruyamment, vous pouvez demander à un autre groupe d'instruments de commencer à jouer tranquillement juste avant que le groupe bruyant cesse de jouer. Le son qui en résulte est un effet de piano subito
168. Bass à la couleur violeuse: la contrebasse pleine, souvent double la partie violoncelle à l'unisson ou une octave inférieure. Si la partie violoncelle est rapide ou complexe, l'ajout de la contrebasse peut entraîner un son lent en raison du
temps d'attaque plus lent de la contrebasse. Une solution commune est de doubler seulement les notes principales de la partie violoncelle.
169. Voices mobiles et fixes: toujours utiliser un bois pour la voix stationnaire et un autre bois pour la voix en mouvement. L' utilisation de différents Tambor permet de différencier les voix. La voix dans l'exemple suivant n'est pas claire, puisque le hautbois joue à la fois la voix stationnaire et la voix en mouvement. Si nous donnons la voix stationnaire au coude et les voix mobiles à la clarinette, la ligne devient très claire.
170. « Solo » et un 2 » par la catégorie « a 2 »:
171. Clarinet et boe:
172. Entrées en laiton:
173. Dissonance: on peut intensifier la dissonance et l'accord en utilisant les mêmes instruments pour jouer la dissonance. Vous pouvez également affaiblir la dissonance d'accord en utilisant différents instruments pour jouer les dissidents. Ici, nous avons deux trompettes jouant une seconde, suivies d'une trompette et d'une clarinette jouant le même intervalle. Le contraste de Tambor dans le second exemple affaiblit légèrement les dissidents du second. Cela fonctionne à la maison une textures phoniques aussi bien. Ici, nous avons les trompettes jouant à la fois la mélodie et l'accompagnement. La distance entre le D, joué par Trompette trois et The IV Goodbye Shumpert. L' un est très dur. Voici le même exemple, cette fois avec le basson jouant la mélodie. La distance entre le D et le E est maintenant moins dure en raison des contrastes et de Tambor.
174. Motion instrumentale: une erreur courante que font les compositeurs débutants ou clients est d'écrire avec un manque de mouvement
instrumental. Une bonne règle est d'écrire chaque partie avec suffisamment de mouvement instrumental pour que si elle était jouée par elle-même, elle semble toujours intéressante. En d'autres termes, même la plus petite partie insignifiante devrait être intéressante. Si vous suivez la vigne du ciel, alors l'orchestre dans son ensemble devrait avoir une quantité suffisante de mouvement instrumental. Voici un exemple d'une quantité insuffisante de mouvement instrumental. La partie violoncelle est très ennuyeuse, car elle ne fait que marquer chaque battement fort du compteur. Si l'on ajoute un peu plus de mouvement à la partie violoncelle, le passage devient plus intéressant et un peu moins vide ou creux de ponçage. Si nous ajoutons encore plus de mouvement instrumental au froid à part, il est maintenant assez intéressant pour qu'il puisse se tenir seul. Le son creux du manque de mouvement instrumental est maintenant parti. Nous voulons aussi faire attention à avoir trop de mouvement instrumental. Trop de mouvement instrumental pourrait être aussi préjudiciable qu'avoir trop peu. Divers éléments musicaux peuvent devenir flous et flous quand il y a trop de choses en cours Ne pas avoir d'instruments qui font du travail occupé Juste pour faire du travail occupé, il devrait toujours y avoir une raison ou un but pour vos choix.
175. Faciliter les choses pour les interprètes:
176. Quiz 24:
177. Conseils pour l'analyse des scores et enregistrements:
178. Félicitation: